septembre 2012 - Les Ateliers de Rennes

Sommaire03 // éditoriaux08 // Les Ateliers de Rennes,une biennale d’art contemporain11 // Les Prairies15 // Lieux de l'exposition collective23 // Lieux d'exposition partenaires31 // Les artistes des Prairies78 // Médiation80 // La Caravane80 // éditions82 // Le Show de l’Ouest84 // Informations pratiques86 // Biennale OFF97 // Plan

éditoriauxLes Prairies en automneBruno Caron, président d’Art NoracTrois nouveautés pour la troisième édition des Ateliers de Rennes :– Une nouvelle équipe, Lucidar, dirigée par Anne Bonnin, assure le programme artistique etla mise en œuvre de la manifestation.– Un nouveau lieu, le Newway Mabilais, partage avec le nouveau Frac Bretagne l’accueilde l'exposition collective thématique. Le Newway Mabilais est un repère de la grandearchitecture rennaise.– Une nouvelle période : la manifestation, après deux épisodes printaniers, se déroulera deseptembre à décembre.Des changements, mais l’esprit des Ateliers de Rennes reste le même : proposer à un largepublic une mise en relation entre l’art et l’économie ; la collaboration entre le secteurpublic, notamment Rennes Métropole, et le secteur privé, emmené par Art Norac. Enfin,plusieurs structures de diffusion d’art contemporain sont associées, par leurs expositions,à cet événement. Cette année, le pionnier, personnage aux multiples facettes, inspirera laprogrammation artistique. Les Prairies – titre de cette édition – offriront aux visiteurs leursétendues et leurs promesses.3

éditoriauxCréation artistique, entreprises et implantationdans un territoireAurélie Filippetti, ministre de la Culture et de la CommunicationLes Ateliers de Rennes – biennale d’art contemporain sont devenus l’un des grands rendezvousde la création artistique de la rentrée qui permet, durant quelques semaines,la rencontre entre les pratiques artistiques et les pratiques économiques etentrepreneuriales.Cette troisième édition intitulée Les Prairies, dont le commissariat a été confié à AnneBonnin et à l’association Lucidar, interroge la figure du pionnier dans l’histoire, le pionniercomme découvreur et défricheur, le pionnier comme aventurier et conquérant de territoires.Bel hommage ainsi rendu à tous ces artistes qui encourent les risques de la création...Si les principales expositions sont présentées dans des sites culturels emblématiquesde la ville de Rennes comme le centre des télécommunications conçu par Louis Arretcheet le Frac Bretagne imaginé par Odile Decq que j’ai eu la chance d’inaugurer récemment,je me réjouis que la biennale se déploie dans plusieurs autres lieux partenaires qui illustrentla vitalité de l’art contemporain à Rennes.Cette volonté d’implanter l’art contemporain sur le territoire pour mieux atteindre le pluslarge public témoigne de l’esprit du partenariat exemplaire entre la Ville de Renneset Rennes Métropole, le Conseil régional de Bretagne, le Conseil général d’Ille-et-Vilaine,l’état et le monde de l’entreprise.Je tiens à remercier le groupe Norac, « Grand Mécène de la culture » depuis 2010, dontl’association Art Norac accomplit un travail remarquable de diffusion en rendant accessiblesà tous, les développements récents de l’art contemporain et en mettant en lumièreles relations multiples entre l’art contemporain et les entreprises.Je me félicite que le soutien du ministère de la Culture et de la Communicationà ce temps fort de la vie rennaise offre la possibilité de se confronter aux œuvres d’art,de se questionner sur la présence des artistes dans des lieux urbains, rurauxou professionnels. Et je forme le vœu que cette édition rencontre un franc succès.à l’image de ces pionniers qui partaient à la conquête d’un nouveau monde, je souhaiteà tous de partir à la rencontre de l’art contemporain.5

éditoriauxLes Ateliers de Rennes au Frac BretagnePierrick Massiot, président du Conseil régional de BretagneDans le cadre de cette troisième édition, les Ateliers de Rennes – biennale d’art contemporainont choisi comme thématique la figure du pionnier, héros d’une histoire de la modernité.Ce choix thématique fait particulièrement écho à la politique culturelle du Conseil régionalde Bretagne qui se veut innovante dans son dialogue avec les artistes et les acteurs culturels,précurseur dans la promotion de toutes les formes de culture – savantes et populaires –et avant-gardiste dans ses grands projets architecturaux comme en témoigne le choix dubâtiment imaginé par Odile Decq pour le Frac Bretagne.La biennale d’art contemporain ne pouvait faire un meilleur choix que celui de ce nouvelespace pour faire découvrir aux Rennais, aux Bretons et à tous ceux qui le souhaitent, curieuxou amateurs éclairés, les créateurs inspirés de notre époque.Une soixantaine d’artistes internationaux explorant toutes les formes artistiquescontemporaines, de la sculpture à la vidéo, présenteront leurs travaux dans des conditionsexceptionnelles, aussi bien au Frac que dans des lieux plus insolites tel le Newway Mabilais.L’ampleur croissante de cet événement, les nombreux partenaires associés, la qualité de l’offreartistique, à la fois audacieuse et singulière, sont autant de raisons de la forte implication duConseil régional de Bretagne en faveur de cette manifestation et, plus généralement, de l’artcontemporain.Je souhaite une grande réussite aux Ateliers de Rennes qui permettent aux artistes et à leurscréations de se lancer, à travers cette biennale d’art contemporain, à la conquête de l’Ouest.6

éditoriauxArt, innovation et dynamique de territoireDaniel Delaveau, maire de Rennes, président de Rennes MétropoleAprès le Couvent des Jacobins, monument du patrimoine rennais qui a accueilli lesAteliers de Rennes en 2008 et 2010 avant d’opérer sa mue en centre de congrès, ce sontdeux nouveaux lieux emblématiques de l’architecture rennaise qui seront investis par latroisième édition de la biennale d’art contemporain. Le premier, l’ancien centre régional destélécommunications, est un remarquable bâtiment construit par l’architecte Louis Arretcheen 1975. Le second, le tout nouveau siège du Frac Bretagne, œuvre d’Odile Decq, a été bâtià proximité des soixante-douze colonnes de l’Alignement du xxi e siècle d’Aurelie Nemours,l’un des symboles récents de la commande publique à Rennes.Les Ateliers de Rennes, qui ont accueilli entre quarante mille et cinquante mille visiteurs lorsdes précédentes éditions, sont rapidement devenus un événement majeur du paysage culturelrennais. La biennale permet de mobiliser le public bien au-delà du cercle des amateursd’art contemporain et de fédérer les acteurs et équipements culturels de notre territoire,à l’image du Musée des beaux-arts, de La Criée ou de la galerie 40mcube, qui accueillerontdes expositions cette année. événement d’envergure internationale, elle contribue à rendrenotre territoire attractif, en mettant en lumière la vitalité et la richesse de la scène artistiquerennaise dans le domaine de l’art contemporain.Le projet artistique élaboré pour cette édition 2012 prend sa source dans le contexteurbain, économique et social de notre agglomération. Ce projet, Les Prairies, évoqueimmanquablement la figure du pionnier, qui entre en résonance avec la capacité à défricher, àinventer, à innover dans laquelle Rennes Métropole enracine son dynamisme, aussi bien dansles champs de l’économie ou de la recherche que dans celui de la création artistique, soustoutes ses formes.7

Les Ateliers de Rennes,une biennale d’art contemporainL’association Art Norac invente une nouvelle biennale d’art contemporainFondé et dirigé par Bruno Caron, le groupe agroalimentaire Norac a mis en place fin2005 une politique de mécénat consacrée à l’art contemporain. Art Norac, association loi1901 reconnue d’intérêt général, a été constituée, dans le cadre de la loi Mécénat d’août2003, afin d’aider et de promouvoir la création contemporaine et de rendre accessible àun large public ses développements récents.Art Norac aborde les pratiques actuelles sous l’angle des relations entre l’art etl’entreprise, grâce, en particulier, à l’organisation de projets ou d’expositions d’artcontemporain stimulant les échanges entre ces deux domaines.Les Ateliers de Rennes - biennale d’art contemporain ont été créés dans cette optique.Cet événement innovant, à périodicité bisannuelle et à vocation internationale, a étéfondé en 2008 à Rennes, en partenariat avec la Ville de Rennes. L’originalité des Ateliersde Rennes réside aussi dans son organisation. Pour concevoir et mettre en œuvre labiennale, un commissaire d’exposition et son équipe de production sont recrutés surconcours pour deux éditions.Bruno Caron et le groupe NoracBruno Caron, né en 1952, est diplômé de HEC. Amateur et collectionneur d’art contemporain, il a engagé depuis1992 le groupe dans une démarche de soutien à la création à travers une collection d’entreprise. Elle rassemble desœuvres de l’abstraction depuis l’après-guerre avec Aurelie Nemours, François Morellet et Martin Barré ou encore legroupe Supports / Surfaces avec Jean-Pierre Pincemin et Claude Viallat. Depuis cinq ans une attention est portéeaux artistes émergents et la collection s’élargit vers la photographie et les nouveaux médias.En 2006, Bruno Caron est membre de la commission chargée des acquisitions du Fonds national d’art contemporain(FNAC). Le groupe Norac a reçu la distinction de Grand Mécène de la culture en 2010.8

Les Ateliers de Rennes, une biennale d’art contemporainLa troisième éditionIntitulée Les Prairies, la troisième édition des Ateliers de Rennes - biennale d’artcontemporain se déroule du 15 septembre au 9 décembre 2012 dans différents lieux deRennes et de ses alentours. Elle déploie son propos artistique à travers une expositionthématique collective, des expositions personnelles, une programmation événementiellepluridisciplinaire, des projets éditoriaux ainsi qu’un outil de médiation mobile etitinérant.L’exposition Les Prairies se tient sur deux sites inédits et prestigieux : le FracBretagne (Fonds régional d’art contemporain Bretagne), conçu et réalisé par l’agenceOdile Decq Benoît Cornette architectes, et le Newway Mabilais, ancien centre destélécommunications, construit par Louis Arretche en 1975. Les expositions personnellesse tiennent quant à elles dans des lieux d’art contemporain partenaires : La Criéecentre d’art contemporain, le Musée des beaux-arts de Rennes, PHAKT Centre CulturelColombier, 40mcube, le Cabinet du livre d’artiste, la galerie Art & Essai.Cette troisième édition des Ateliers de Rennes - biennale d’art contemporain affirme sadimension internationale en réunissant une soixantaine d'artistes et en produisant plusd’une vingtaine d’œuvres originales.L’association Lucidar conçoit et organise les deux prochaines éditionsEn janvier 2010 est lancé le deuxième concours des Ateliers de Rennes, avec pour objectif de sélectionner unnouveau projet artistique et une nouvelle équipe pour les éditions de 2012 et 2014. L’association Lucidar, dirigée parAnne Bonnin, est sélectionnée par un jury composé de représentants d’Art Norac, d’institutions culturelleset de professionnels du monde de l’art contemporain.Anne Bonnin est critique d’art et commissaire d’exposition. Elle a enseigné à l’École supérieure des arts décoratifs(ESAD) de Strasbourg puis à l’École supérieure d’art de Clermont-Communauté et a organisé en 2009 lesexpositions collectives Pragmatismus & Romantismus à la Fondation d’Entreprise Ricard (Paris) et Sauvageriedomestique à l’école municipale des beaux-arts / galerie Édouard-Manet (Gennevilliers).9

Les PrairiesAnne Bonnin, commissaire des Ateliers de Rennes 2012L’esprit des commencementsLes Ateliers de Rennes – biennale d’art contemporain offrent des conditions stimulantespour une commissaire d’exposition. Concevoir, organiser, diriger et partager unebiennale internationale est une aventure artistique, professionnelle, mais aussihumaine. La spécificité de la manifestation, qui traite des relations entre l’art,l’entreprise et l’économie, a nourri l’une des premières étapes de ma réflexion à traversle déploiement sémantique du terme même qui qualifie la manifestation, à savoir« ateliers ».Puis, j’ai pris le mot-clé « entreprise » que j’ai mis à plat : en son sens premier,entreprendre signifie commencer (cf. « Je forme une entreprise […] », Jean-JacquesRousseau, dans le livre 1 des Confessions, en 1782). Cette attitude a progressivementconstruit une méthode, elle m’a guidée dans ma façon de travailler avec les artistes etdans mon approche du contexte de la biennale, que j’ai donc située dans un horizonconcret. J’ai ainsi regardé la ville de Rennes dans son ensemble, mais surtout tellequ’elle s’est construite depuis les années 1960.J’ai conçu le projet Les Prairies avec des artistes dont je connaissais bien l’oeuvre,élargissant ensuite le choix par la prospection. La thématique de la conquête, qui estcoextensive à celle de « prairies », puise à diverses sources et s’explique par plusieursraisons : poser l’espace comme le lieu d’une pratique, réfléchir à des façons artistiquesde travailler (dans) l’espace dont celui de l’exposition lui-même, aborder l’idée d’étendueet celle d’attitude, l’espace étant façonné par des attitudes. Que peut-on entreprendre,en effet, dans un monde hyperconstruit, perçu et représenté aujourd’hui comme saturé ?Une figure de conquêteLa figure du pionnier est déterminante dans cette problématique de la conquêteet de la prairie. Le pionnier est un personnage ambivalent, positif et négatif : unefigure de conquête historique et légendaire, qu’il s’agit de déplier dans ses aspectscontradictoires. Si l’usage courant du terme demeure positif, désignant un précurseur,un défricheur qui déplace ou franchit les limites d’un domaine de recherche oude connaissance et ouvre des perspectives inédites, ses différentes incarnationshistoriques revêtent parfois une certaine négativité, celle du conquérant ou ducolonisateur manifestant une tendance impérialiste propre à la civilisation occidentale.Or cet esprit conquérant anime l’histoire de la modernité, d’une modernité plurielle :scientifique, technique, politique et, bien sûr, artistique. Visionnaire, révolutionnaire,inventeur, bâtisseur, le pionnier aspire à un monde nouveau et le prépare. Œuvrant àl’avant-garde de la société ou de la vie quotidienne, il a ainsi incarné le héros de lamodernité qui appartient désormais au passé. Tout comme l’expression « avant-garde »,le terme « pionnier » a une origine militaire : dans l’armée, fantassin en première ligneou terrassier qui prépare le terrain, dans les deux cas, une personne qui va à pied,située au bas de la hiérarchie militaire. On retient de l’étymologie trois caractéristiquesdu pionnier : une position (spatiale, sociale, intellectuelle), une mobilité, et une relationphysique à un environnement.11

Les PrairiesSi son étymologie définit un homme de peine, à la vie rude et rudimentaire, elle le doted’une qualité essentielle : le mouvement ; sa racine, la même que « pion », qui a donné« péon », vient de pedonis. Cet être en mouvement est, autrement dit, déplacé. Déplacé :dans un autre pays, une autre société, un nouveau monde, dans lesquels il n’a pas deplace.Ainsi, cette figure qui se construit et se définit en rapport avec des espaces, desterritoires, se comprend en termes d’attitudes face à un espace. Les attitudes, les modesde vie culturels façonnent un environnement, sur un mode autoritaire ou selon unrapport plus intime d’interaction. La conquête s’incarne dans une variété de positionsspatiales qui s’opposent : du pionnier américain au migrant postcolonial. La botaniqueoffre aussi un modèle pour penser un rapport entre « individu » et environnement : ilexiste des plantes pionnières qui préparent le terrain à des végétaux qui viendrontaprès, ou bien des plantes qui colonisent des écosystèmes en détruisant leur variété.La platitudeLa prairie, étendue herbeuse, espace et horizon ouvert se déployant à l’horizontale,est un lieu commun, paysager et poétique, et même un cliché cinémascopique :européen, américain, occidental. Recouvrant différentes espèces, prairies naturelles ouartificielles, variant selon le climat, la latitude ou le continent, avec une faune et uneflore spécifiques (savane africaine, steppe russe, pampa argentine), elle appartientaussi au monde construit. Ainsi la prairie d’Amérique représente l’expérience d’uneétendue non circonscrite, celle d’un espace et d’un horizon illimités. C’est précisémentune géographie et une monotonie plates que Gertrude Stein, par exemple, transformeen une expérience poétique moderne ; en la dénudant platement, elle la détache de sonorigine.Une certaine platitude caractérise aussi la prairie générique, verte, européenne :platitude géographique et poétique. La monotonie produit la répétition. La répétitionaccomplit l’idée d’un faire qui se fait en faisant ; elle produit une poétique ducommencement par le faire, non par l’idéal.En explorant l’horizontalité, on découvre la verticalité de l’herbe : « Une étendue platevue d’en haut et horizontale ; mais elle est faite d’une multitude de tiges dressées dontla verticalité lui confère sa "verte qualité" » (Francis Ponge 1 ). On passe de l’étendueplate à l’étendue en trois dimensions, tout corps occupe une étendue dans l’espace,selon la définition première du terme. L’étendue n’est pas que surface : la littéralitéretourne l’espace sur lui-même. Et la platitude mène à une vitalité simple : « La prisede conscience de la verticalité de l’herbe, la constante insurrection du vert qui nousressuscite. » L’horizontalité matérialise aussi un principe égalitaire de relations,se développant sur un même plan par opposition à une organisation verticale ethiérarchique. La platitude est en fait une attitude : une façon d’aborder l’étendue commepeuplement de choses, de choses égales, comme la mort. Mais c’est un commencementqui commence.Les Prairies disent d’une façon littérale la mise à plat des pratiques d’espace : nombred’œuvres valorisent l’étendue et accordent une importance à des lieux concrets,des sites, dans leur complexité et leur histoire. « L’occupation des sols » semble unepréoccupation pour des artistes qui ont intégré une histoire des pratiques de site1. Fr a n c i s Po n g e, La fa b r i q u e d u Pr é, in Œu v r e s c o m p l è t e s, Ga l l i m a r d, Bi b l i o t h è q u e d e la Pl é i a d e, 2002.12

Les Prairies(Katinka Bock, Fernanda Gomes, Guillaume Leblon) ; d’autres décomposent nos décors(Gyan Panchal), mettent à plat des profondeurs (Dove Allouche, Irene Kopelman, BatiaSuter) ou développent une botanique des sols (Lois Weinberger).Les artistes d’aujourd’hui adoptent une attitude objectiviste ou littéraliste, ils mettent àplat la réalité, les choses, considérées par eux de façon égale – ce qu’on leur reprocherégulièrement. Rappelons qu’Édouard Manet fut un maître en platitude. Ainsi, « lesartistes rendent visible la composition moderne » (Gertrude Stein 2 ) : ils travaillentà partir d’un monde construit. Leurs œuvres reflètent la composition du mondecontemporain : la réalité comme composition.Pour le pionnier américain, l’étendue a signifié une promesse, matérialisée en terrepromise, vierge. Mais la prairie était habitée par des Indiens. Deux conceptionsspatiales se sont affrontées, occupation et habitation.Occuper, c’est prendre possession, cartographier, ordonner ; habiter, c’est percevoir« comme un entrelacs de lignes et non comme une surface continue » (Tim Ingold 3 ) unenvironnement tissé de lignes de vie. La ligne droite et la grille ou bien la courbe, leslignes de vie, pistes tracées par des hommes et des animaux qui suivent la géographie.L’Indien était le devancier du pionnier, auquel il a ouvert des pistes, celles que lesanimaux, les bisons, lui avaient enseignées.Les Prairies invitent à une traversée paradoxale de la platitude, des platitudes.Celle-ci commencerait par une expérience simple, élémentaire, qui consisterait toutd’abord à adopter une attitude de platitude face au monde : mettre à plat les choses, lesconsidérer comme égales, les répéter, les refaire, comme le font les artistes, les poèteset les écrivains, qui cherchent à comprendre la composition du monde contemporain.L’aventure, ce serait migrer vers les choses, déplacer notre point de vue vers elles.Autrement dit : déconstruire la « grammaire des lieux », dissocier les choses de leurclasse et de leur origine, les expérimenter hors de leurs limites ; dans un langageconcret : prendre la réalité de plain-pied. Cet éloge de la platitude s’offre comme unantidote à la tyrannie du contexte – le contexte aujourd’hui, c’est un monde de réseauxconnectés, mais déconnectés du concret.2. Ge r t r u d e St e i n, Le c t u r e s e n Am é r i q u e, é d. Ch r i s t i a n Bo u r g o i s, 2011.3. Tim In g o l d, Un e b r è v e histoire d e s l i g n e s, Zo n e s Se n s i b l e s , 2011.13

Lieux de l'exposition collective15

Les PrairiesLe commissariat artistique de la troisième édition des Ateliersde Rennes englobe l’exposition collective déployée au NewwayMabilais et au Frac Bretagne, ainsi que les expositions des sixlieux partenaires.L’ensemble de l’exposition collective est organisé en cinq airesthématiques :L’étendueLe monde construit« Je forme une entreprise »Re : histoireL’occupation des sols17

NewwayMabilaisL’étendue« Je forme une entreprise »Re : histoireLouis Arretche (1905–1991) fut l’un des architectes prolifiques des TrenteGlorieuses, réalisant de nombreuses commandes d’État. Des années 1960 àla fin des années 1970, il participe à la construction d’une France moderne etcontribue à la naissance d’une nouvelle Rennes : les campus universitairesà Beaulieu (1956-1982) et à Villejean (1963-1975), le Liberté (1961), le Centre destélécommunications (1975), le quartier du Colombier (1958-1987).Ses réalisations rennaises des années 1960 à la fin 1970 sont représentatives,voire emblématiques d’une histoire contemporaine de l’architectureinternationale. Arretche est moderniste dans les années 1960 ; son style devientfuturiste dans les années 1970. Il adopte la dalle, typique de l’urbanisme del’époque. Architecte conseil du ministère des Postes et des Télécommunications,Louis Arretche réalise plusieurs commandes, dont la monumentale constructionqui s’impose dans le paysage rennais tel un vaisseau spatial posé dans la ville.D’inspiration futuriste, le bâtiment en forme de tripode compte plus de15 000 m 2 . La fonction du Centre des télécommunications exigeait la constructiond’une antenne hertzienne de grande hauteur à laquelle l’architecte ajouta uneplateforme de contrôle qui prit alors la forme d’une « soucoupe volante ».18

Lieux de l'exposition collectiveMathieu K. AbonnencGilles AillaudDove AlloucheTolia Astali & Dylan PeirceZbyněk BaladránJesus Alberto BenitezKatinka BockAdriana BustosMiriam CahnLuis CamnitzerDuncan CampbellMarieta ChirulescuJohn DivolaFlorian FouchéFernanda GomesSofia HulténVincent-Victor JouffeKiluanji Kia HendaThomas KilpperPierre LeguillonDóra MaurerHelen MirraUriel OrlowGyan PanchalJorge SatorreJudith ScottYann SérandourMichael E. SmithNewway Mabilaiswww.lesateliersderennes.fr2, rue de la Mabilais35 000 RennesHoraires : du mardi au dimanchede 12h à 19h,Fermé le lundiBatia SuterFrancisco TropaAndré ValensiMarie VoignierJackie Winsor19

FracBretagneLe monde construitL’occupation des solsLa collection du Fonds régional d’art contemporain Bretagne est riche dequatre mille sept cents œuvres de plus de cinq cents artistes, acquises depuissa création en 1981. Elle est constituée de grands ensembles thématiques– l’abstraction, les relations de l’art et du paysage, le regard de l’art surl’histoire – et d’ensembles monographiques de Raymond Hains, Jacques Villeglé,Didier Vermeiren et Gilles Mahé, entre autres. Le Frac Bretagne diffuse cettecollection en France et à l’étranger et propose au public régional de nombreuxprogrammes de sensibilisation à l’art sous toutes ses formes. Financée par leConseil régional de Bretagne, le ministère de la Culture et de la Communication,la DRAC Bretagne et la Ville de Rennes, l’institution aborde en 2012 une étapemajeure de son développement en ouvrant ses portes au public, dans un nouveaubâtiment conçu par l’agence Odile Decq Benoît Cornette, architectes. Située àRennes, dans le quartier de Beauregard, la construction s’articule autour d’unvaste puits de lumière et donne accès aux trois galeries d’exposition, au centrede documentation, au café et à la librairie. Doté d’un auditorium de cent dixplaces, d’espaces de pédagogie et d’expérimentation, le Frac Bretagne offre unprogramme dynamique d’expositions temporaires, à partir de sa collection et del’art actuel.20

Lieux de l'exposition collectiveBisan Hussam Abu-EishehGilles AillaudMichel AubryZbyněk BaladránKatinka BockMiriam CahnRené Daniëlsétienne-MartinLydia GiffordKees GoudzwaardVincent-Victor JouffeKiluanji Kia HendaJan KempenaersIan KiaerIrene KopelmanKitty KrausGuillaume LeblonJochen LempertGyan PanchalNeša ParipovićBatia SuterNasrin Tabatabai et Babak AfrassiabiFrancisco TropaAndré ValensiJackie WinsorFrac Bretagnewww.fracbretagne.fr19, avenue André-Mussat35 000 RennesŽelimir ŽilnikHoraires : du mardi au dimanchede 12h à 19h,Fermé le lundi21

Lieux d'exposition partenaires23

Lieux d'exposition partenairesLa Criéecentre d’art contemporainLa Criée est un centre d’art contemporainvolontaire et prospectif dans sondévouement à la recherche, la production,la présentation et la diffusion d’œuvresd’artistes innovants. Chaque saison,le centre d’art conçoit une programmationambitieuse, où se croisent des projetsartistiques aux esthétiques multiples quirépondent à des enjeux et des objectifsde pratiques d’exposition, de recherche,de rayonnement international etd’inscription durable sur les territoires.Avec ses quatre plateformes de création(Art au centre – Prospectives – Des RivesContinentales – Territoires en création), LaCriée propose aux publics l’expérience del’ouverture artistique par la mise en placed’expositions, de résidences d’artistes,l’organisation de colloques, séminaires,ateliers, rencontres ainsi que la publicationd’ouvrages collectifs et/ou monographiques.La Criée centre d'art contemporain accueille :Pratchaya Phinthong (voir p. 64)Infos pratiques :La Criée, centre d’art contemporainwww.criee.orgHalles centralesPlace Honoré-Commeurec35 000 Rennestél. 02 23 62 25 10la-criee@ville-rennes.frHoraires : du mardi au vendredide 12h à 19h,samedi et dimanchede 14h à 19h,fermé le lundi et les jours fériés24

Lieux d'exposition partenairesMusée des beaux-artsde RennesRemarquable par ses peintures françaises,italiennes et d’Europe du Nord du x v i e au x v i i i esiècles, son département d’arts graphiquesqui contient de très belles feuilles de Botticelli,Léonard de Vinci, Rubens ou Rembrandt, leMusée des beaux-arts de Rennes met aujourd’huien avant le Cabinet de curiosités à partir duquels’est fondée sa collection.à travers une histoire de la peinture qui traverseles siècles, l’arrivée de la modernité au tournantdu x x e siècle se traduit par plusieurs œuvresessentielles de l’abstraction géométrique etlyrique. La création artistique contemporaine,quant à elle, se déploie à travers des expositionstemporaires.Le Musée des beaux-arts accueille :Carla Filipe (voir p. 43)Manfred Pernice (voir p. 63)INFOS PRATIQUES :Musée des beaux-arts de Renneswww.mbar.org20, quai émile-Zola35 000 Rennestél. 02 23 62 17 45museebeauxarts@ville-rennes.frHoraires : du mercredi au dimanchede 10h à 12h et 14h à 18h,le mardi de 10h à 18h,fermé le lundi et les jours fériés25

Lieux d'exposition partenairesPHAKTCentre Culturel ColombierPHAKT – Centre Culturel Colombier est un espace culturelassociatif conventionné avec la Ville de Rennes avec uneorientation dans les arts visuels en lien avec son territoire.à partir de trois polarités : les œuvres et les artistes,l’apprentissage et les pratiques, la culture et l’histoire desformes, il propose des complémentarités entre art contemporainet histoire de l’art, regard sur les œuvres et pratiques artistiques,création et médiation.Il propose une actualité artistique sous forme d’expositions,résidences, commissariats, éditions, etc., et tous sesaccompagnements : ateliers de pratique amateurs, médiations,conférences, service éducatif.La programmation (cinq à six expositions par an) dans la galerieexplore l’ensemble des médiums sans oublier l’espace urbain : laplace du territoire dans notre réflexion et les modes de travail desartistes nous amènent à interroger régulièrement l’in situ,le « hors les murs », l’interdisciplinarité, etc.PHAKT Centre CulturelColombier accueille :André Guedes (voir p. 48)INFOS PRATIQUES :PHAKTCENTRE CULTUREL COLOMBIERwww.phakt.fr5, place des Colombes35 000 Rennestél. 02 99 65 19 70contact@phakt.frHoraires : du lundi au samedide 13h à 19h15 et sur rdv.fermé le dimanche et les jours fériés26

Lieux d'exposition partenaires40mcube40mcube est un lieu d’exposition et un bureau d’organisationde projets d’art contemporain. Son activité va de la productiond’œuvres, un travail étroit avec les artistes tout au long desétapes que sont la recherche, l’étude de faisabilité,le suivi technique et la fabrication, jusqu’à la présentationdes œuvres dans le cadre d’expositions monographiques, leurcommunication et leur médiation auprès du public.Ce travail de production et de collaboration avec les artistesest généré ou suivi par une réflexion sur l’art actuel qui sematérialise par des expositions collectives et des éditions.Plusieurs axes sont ainsi développés : 40mcube – exposition ;40mcube – édition ; 40mcube AV qui coproduit avec lesecteur de l’audiovisuel des vidéos d’artistes et propose uneprogrammation internationale de films d’artistes, et enfin40mcube – espace public qui travaille à des projets artistiquesprenant place hors de l’espace d’exposition, avec le projetd’expositions collectives Chantier public et le dispositif desNouveaux Commanditaires.40mcube occupe un bâtiment industriel comprenant un espaced’exposition de 170 m 2 , la Black Room dédiée à la vidéo et unatelier de production, sur une parcelle de 1 100 m 2 ² penséecomme un parc de sculptures urbain.40mcube accueille :Marion Verboom (voir p. 72)Aglaia Konrad (voir p. 53)INFOS PRATIQUES :40mcubewww.40mcube.org48, avenue Sergent-Maginot35 000 Rennestél. 02 90 09 64 11contact@40mcube.orgHoraires : du mardi au samedide 14h à 18h, et sur rdv.fermé le lundi et les jours fériés27

Lieux d'exposition partenairesCabinet du livre d’artisteFondées en 2000 par Leszek Brogowski, les ÉditionsIncertain Sens sont un programme de publicationet de recherche autour du livre d’artiste. Depuis2006, elles ont initié le Cabinet du livre d’artiste :bibliothèque spécialisée, dispositif de lecture et lieud’exposition. Leur objectif est d’encourager cetteautre façon de faire de l’art qu’est le livre d’artiste,de soutenir sa production et de défendre sa présencedans la culture éditoriale et artistique. Nés dans lecontexte universitaire, les Éditions Incertain Sens etle Cabinet du livre d’artiste stimulent les recherchesen esthétique, documentation et histoire du livred’artiste, et mettent à disposition de tous les publicsleurs résultats : le fonds d’ouvrages (plus de deuxmille titres), les expositions, les conférences, ainsique les publications, en particulier Sans niveau nimètre. Journal du Cabinet du livre d’artiste.Le CLA accueille une œuvre collective de :Mathieu K. Abonnenc, Pierre Leguillon,Yann Sérandour (voir p. 67)INFOS PRATIQUES :Cabinet du livre d’artistewww.incertain-sens.orgwww.sans-niveau-ni-metre.orgUniversité Rennes 2 - VillejeanPlace du Recteur-Henri-Le-Moal35 000 RennesBâtiment érèvetél. 02 99 14 15 86noury_aurelie@yahoo.frHoraires : du mardi au vendredide 11h à 18h et sur rdv.fermé pendant les vacances universitaires28

Lieux d'exposition partenairesGalerie Art & EssaiLa galerie Art & Essai de l’universitéRennes 2 est un lieu d’exposition, deformation, de recherche et d’échangesdont la mission pédagogique, artistiqueet scientifique s’accompagne de rencontreset de discussions avec tous les publics.Elle présente plusieurs expositions chaqueannée, des projets monographiques,collectifs ou thématiques confiés à différentscommissaires. Une équipe d’étudiantsresponsables des différents secteurs de larégie, de la communication, de la médiationet de la documentation est associée chaqueannée universitaire au fonctionnement dela galerie. Deux enseignants chercheurs,Marion Hohlfeldt et Denis Briand, enassurent actuellement la direction.La galerie Art & Essai accueille :Frédéric Moser & Philippe Schwinger (voir p. 59)INFOS PRATIQUES :galerie Art & Essaiwww.univ-rennes2.frwww.galerieartessai.frUniversité Rennes 2 - VillejeanPlace du Recteur-Henri-Le-Moal35 000 Rennestél. 02 99 14 11 42galerie@uhb.frHoraires : du mardi au vendredide 13h à 18h,accueil des groupes sur rdv,fermé pendant les vacances universitaires29

Les artistes des Prairies31

Les artistes des PrairiesBisan Hussam Abu-EishehBayt Byoot “Playing House”, 2008-2011.Photographie : Nathalie Barki.Collection Teixeira de Freitas, Lisbonne.L’œuvre s’impose par son ampleur tout en produisant un effetparadoxal. Ses dix impeccables vitrines blanches contiennentune collection hétéroclite d’objets, dont la plupart sontfragmentés, cassés, détériorés. Mais ces débris sont actuels :ces objets ont été collectés parmi les décombres de maisonsdétruites par le gouvernement israélien dans un quartierpalestinien de Jérusalem. Rangé et étiqueté, chacun d’eux estprécisément décrit dans une notice qui établit sa provenance,indique le lieu où il a été prélevé, la date de la démolitionde la maison et le nombre de personnes qui y habitaient. Laneutralité du dispositif muséographique extrait brutalementces objets de leur réalité domestique. Ceux-ci n’en demeurentpas moins attrayants, vivants en quelque sorte : saisis sur levif, ils portent des traces de destruction, mais aussi d’existence.On touche des yeux des vies individuelles. Bayt Byoot " PlayingHouse" parvient à documenter tout en prenant une distanceavec un drame quotidien, international et abondammentchroniqué. La courte vidéo qui l’accompagne fait écho à cetteréalité politique explosive, tout en rappelant sa dimensionmédiatique : trouvée sur You Tube, elle diffuse en boucle ladestruction d’un bâtiment palestinien du quartier de BeitHanina. Les objets semblent alors convoqués contre des imagesdiffusées en flux continu, ayant perdu leur possibilité dereprésentation. Ils donnent accès à ce que soustrait l’actualité.A. B.Né en 1985 à Jérusalem (Palestine), où il vit et travaille.Gilles AillaudGilles Aillaud est présenté dans les Ateliers de Rennesen compagnie d’artistes d’horizons distincts. Encore tropsouvent associé aux mouvements de la Figuration Narrativeet de la Nouvelle Figuration apparus dans les années 1960et 1970 en France, le peintre, quoique très connu, mérited’être redécouvert. Décliné en un thème obsessionnel, le zooapparaît à la fois comme une scène de théâtre et une prisonqui ouvre pourtant vers un ailleurs : cet ailleurs dont lesanimaux sont coupés, mais qu’ils portent aussi en eux. Niromantiques, ni pathétiques, ces tableaux, qui ne relèventpas du sublime, énoncent avec précision des présencesmuettes et vivantes. Or, dans les scènes animalières oupaysagères, comme dans les dessins, la peinture redevientune idée vivante qui condense une série d’opérations dedédoublement : entre surface et profondeur, entre l’animalet l’homme, entre un dedans et un dehors. En effet, sesétendues arides et paradoxales, ses animaux, ses lieuxcontraints explorent des registres d’existence qui mettent lapeinture à l’épreuve de la réalité en un art réflexif. Héritierde la modernité, l’artiste met à plat des questions depeinture, de surface, de matière, de couleur, de figure et dereprésentation, sans néanmoins quitter la réalité : il scrutedes manières d’habiter et d’occuper l’espace. Ses tableauxmontrent des mondes prisonniers du monde de l’hommemais qui n’en existent pas moins par eux-mêmes.A. B.Grille n°2, 1964. Collection du Frac Bretagne.Photographie : Guy Jaumotte. © Adagp, Paris 2012.Né en 1928 à Paris (France), décédé en 2005.33

Les artistes des Prairiesdove alloucheCo-productionLes Ateliers de Rennes 2012,Frac Bretagne.L’origine de la source I et II, 2012. Courtesy de l’artiste et de la galerie Gaudel de Stampa, Paris.Les images de Dove Allouche proposent une énigme : quel est leur médium ? Commentont-elles été fabriquées ? Autrement dit que montrent-elles vraiment ? Leur mystère résultedes techniques utilisées, parfois obsolètes. Pour Les Prairies, l’artiste a réalisé une séried’ambrotypes, selon un procédé ancien, ainsi que deux dessins. Les Pétrifiantes explorentdes grottes particulières, que Dove Allouche a utilisées comme des « chambres noires »naturelles. De même que la lente sédimentation du carbonate de calcium forme stalactites,stalagmites et encroûtements, la technique photographique retenue par l’artiste procède pardépôt et pétrification : inventé au milieu du x i x e siècle, l’ambrotype révèle un négatif dansune émulsion d’argent sur plaque de verre, au dos de laquelle il faut glisser un fond noir pourrétablir l’image. « Caverneuse », la technique requiert d’être sous-exposée et procède pardéveloppement physique. Son processus même coïncide avec le sujet de l’image : de la matièreen formation. Les deux dessins présentés ont été réalisés à l’encre et au graphite à partir d’uneplaque de verre stéréoscopique de 1940. Pour simuler un relief, cette technique impliquait uneprise de vue dédoublée, simultanée, mais légèrement désaxée. Le premier dessin reporte tellequelle la vue de gauche, le second reproduit le négatif de celle de droite. De cette inversionnaît un aller-retour, une profondeur inversée où L’Origine de la source semble tour à tour êtrederrière et devant nous.H. M.Né en 1972 à Paris (France), où il vit et travaille.34

Les artistes des PrairiesTolia Astali & Dylan PeirceProductionLes Ateliers de Rennes 2012.Surface Value, 2012. Vue de l'installation. Courtesy des artistes. Photographie : Achim Kukulies.Les installations architectoniques d’Astali / Peirce mêlent formes construites et signes de destruction.Leurs agencements d’éléments modulaires font écho au principe de construction moderniste : des plaquesblanches encadrées de noir, sortes de cloisons, souvent superposées, affirment leur fonction constructiveavec autorité. Ces éléments de base dans leur pratique actuelle configurent des décors froids, dont la palettese décline en noir, gris et blanc, et dénotent une esthétique bureaucratique, voire totalitaire. Le duo d’artistesréalise aussi des collages d’images trouvées, également en noir et blanc, qu’ils présentent sur leurs cloisons.Ces collages montrent des figures et des éléments signifiants dont les référents se perdent dans un passéproche et confus. Leurs connotations sont évocatrices sans être explicites : « nous construisons le cliché quenous aurions voulu trouver ». Des motifs surgissent d’une temporalité décomposée ; sont-ils produits parune mémoire en travail ou qui sombre ? Ils se précisent en impressions nettes : « les images sont traitéescomme des peaux qui font remonter des fragments à la surface ». Ces fragments mnémoniques évoquent uneatmosphère de conspiration désuète : le monde communiste. Ces signes ambigus emmènent le regardeur auseuil du lisible et déçoivent ses attentes. Dans Les Prairies, un « serpent monétaire » composé de centimesd’euros est également présenté ; outre son explicite référence économique, il provient lui aussi des arcanesparanoïaques de notre histoire actuelle.A. B.Tolia Astali est née en 1974 à Tiflis (Géorgie), Dylan Peirce est né en 1977 à Paris (France),ils vivent et travaillent à Berlin (Allemagne).35

Les artistes des Prairiesmichel aubryLe Grand Jeu, 2011. Détail de l’installation à la Galerie nationale de la Tapisserie(Beauvais), exposition Décor & Installations, 2011. Photographie : Michel Aubry.Cette grande installation murale est composée d’élémentsrécurrents dans le travail de Michel Aubry : tapis, uniformesmilitaires, tissus de camouflage, éléments mobiliers, tables de jeu,cartes militaires, produits dérivés de la propagande maoïste. Lestapis proviennent d’origines et d’usages différents : tapis afghans,de jeux d’enfants, de casino, etc. Cet assemblage thématiqueassocie le jeu, la stratégie politique et la guerre en un grand puzzle.Monumentale, la composition amplifie les qualités ornementalesde ces objets décontextualisés. En effet, l’artiste travaille les motifs,leurs référents et leurs connotations ; il opère des glissementssémantiques entre le jeu et la guerre, dont il met en scène, maisaussi à plat et au mur, la vieille alliance. Les motifs deviennent dessignes dont les significations s’entrecroisent au contact les unesdes autres. Cette double qualité ornementale et politique rappelleles grandes fresques consacrant les cités italiennes aux x v e etx v i e siècles. L’œuvre se déploie comme un objet rituel d’apparat,voire un parement d’autel : elle dresse à la verticale des objetshorizontaux. Le Grand Jeu procède à une double opération quiprend le sens d’une mise au pinacle et d’une mise au pilori d’uneiconographie politique – d’une idéologie – qui traite de la fin desgrands empires communistes tout en rappelant leur apothéose.C’est une fresque postcommuniste, associant l’Afghanistan, l’URSS,la Chine et le casino, qui se joue du fétichisme politique.A. B.Né en 1959 à Saint-Hilaire-du-Harcouët (France), vit et travaille àParis (France).36

Les artistes des PrairiesZbyněk BaladránWhen in 1735. Courtesy de la galerie Hunt Kastner, Prague.Jesus Alberto BENITEZL’artiste, qui s’intéresse aux modèles théoriques etcognitifs et à leurs traductions visuelles, situe saréflexion à l’ère numérique : « Les images nouvellementcréées deviennent aussi des ruines. La rapiditéavec laquelle ceci arrive est proportionnelle à lavitesse à laquelle de nouvelles images sont créées.Ceci est l'espace-temps de la culture et de l'histoirehumaine. » Prenant la forme d’un atlas rétro-futuriste,l’œuvre de Zbynek ̌ Baladrán évoque l'évaporationdes contenus et du sens, tout en réinterprétant dessystèmes de représentation et de classificationscientifique, historique ou philosophique. Whenin 1735 renvoie à la révolution industrielle etl'occultation des conséquences humaines et socialesdu développement machinique. Dans Model for theUniverse, l'artiste énonce et dessine en même tempsles hypothèses successives d’« une exposition commemodèle de l'univers » ; règles artistiques et systèmesd’organisation scientifique ou sociale sont mis sur lemême plan, tout objet pouvant devenir un modèle del’univers et, par conséquent, d’exposition. Enfin, lacomposition modulaire Assemblage Against Essencequestionne notre rapport au savoir et aux modèlescognitifs, dont l’artiste montre la réversibilité etl’arbitraire.M. C.Né en 1973 à Prague (République Tchèque) où il vit ettravaille.Très influencé par la musique, et notamment par le Death Metalet l’électroacoustique expérimentale, Jesus Alberto Benitezconsidère les tirages photographiques comme différentesversions possibles d’un même morceau de musique – d’oùl’importance d’une pratique concrète d’atelier qui intègre sanscesse les contingences extérieures et assume les erreurs defabrication dont il imite volontairement les effets (papier plié,bâche ondulée, tissu froissé, traces de scanner, marges inégales,etc.). L’emploi du papier photosensible incarne cette attention auhasard : il travaille à partir de rouleaux altérés par la lumière ouqu’il laisse volontiers s’abîmer davantage dans l’atelier. Il utiliseégalement la peinture au spray comme un « projecteur », dansun même esprit d’indétermination : elle échappe au contrôle dugeste sans définir de ligne précise. L’importance de la matérialitédes supports empêche toute distinction entre l’objet et l’image.Parmi les références de l’artiste, on citera Wade Guyton, WaleadBeshty, Sigmar Polke ou les photographies de sculptures deConstantin Brancusi. Par ailleurs, la nature éphémère deces matériaux a influencé ses lectures dans le domaine dessciences physiques, en particulier les théories de l’origine, de laconstitution de la matière et de l’espace-temps.F. O.Né en 1978 à Valencia (Venezuela), vit et travaille à Lyon(France).Sans titre, 2012. Courtesy de la galerie Frank Elbaz, Paris.37

Les artistes des Prairieskatinka bockProductionLes Ateliers de Rennes 2012.Le Grand Bleu (elle), 2012. Courtesy de la galerie Jocelyn Wolff, Paris. Photographie : Chloé Philip.Les sculptures de Katinka Bock sont à la fois matérielles et formelles, processuelleset construites. Les matériaux jouent un rôle déterminant – le plus souvent naturels(terre, bois, fer, cuivre, cuir, sable), parfois inattendus (un citron). L’artiste travailleavec leurs qualités physiques, qu’elle associe aux hasards de leur transformation (parexemple, la cuisson). L’œuvre est un jeu de forces contraires et stabilisées : une stase –un agencement harmonieux qui est un moment de clarté et de suspens dans le grandmouvement général qu’est le monde. L’artiste présente deux nouvelles productions,dont l’une a été réalisée selon un protocole contextuel en lien avec le lycée Bréquigny(Rennes), un bâtiment moderniste brutaliste à l’horizontale marquée, construitpar Louis Arretche, l’architecte du Newway Mabilais. Dans l’artère de circulationprincipale, un couloir de deux cent vingt mètres de long emprunté chaque jour par plusde mille cinq cents personnes, l’artiste a installé une surface de terre crue recouvertede moquette rouge – un harnachement significatif qui assume l’artifice de l’art. Lasculpture obtenue déjoue les attentes : elle n’enregistre pas réellement d’empreintesidentifiables, que l’ensemble des procédures, dont la cuisson, continuera à estomper.À rebours de tout causalisme, Katinka Bock prend le contrepied d’une fétichisation dela trace. Elle raconte une histoire matérielle qui englobe une expérience humaine dansun processus plus vaste, et affirme par là une position de plain-pied avec une réalitéconcrète dont elle révèle l’infinie complexité.A. B.Née en 1976 à Francfort-sur-le-Main (Allemagne), vit et travaille à Paris (France).38

Les artistes des PrairiesAdriana BustosRééditionLes Ateliers de Rennes 2012.Antropología de la mula, 2007. Courtesy de l'artiste et de la galerieIgnacio Liprandi Arte Contemporáneo, Buenos Aires.Les œuvres d’Adriana Bustos établissent de subtilsparallèles entre l’histoire de l’Amérique latine etson actualité contemporaine, révélant parfois descorrespondances inattendues. Elle a notamment consacréun corpus de dessins, de vidéos et de photographies aucheval, érigé en témoin des changements économiques dupays : l’animal, autrefois symbole de fierté et de prospéritédans les campagnes d’Argentine, est devenu, au momentde la crise économique et sociale des années 2000, lecompagnon précaire des cartoneros qui transportentdans les rues de Buenos Aires leur collecte de carton etde papier pour survivre. Dans le prolongement de cesrecherches, Adriana Bustos travaille sur l’histoire de laconquête coloniale et ses supposés liens avec le trafic dedrogues. Elle découvre que les routes en partance de laville de Córdoba, empruntées depuis plus d’un siècle pardes « mules humaines » pour la circulation de stupéfiants(des passeurs qui cachent des capsules de cocaïne dansleur estomac), correspondent à celles autrefois destinéesaux mules pour l’exportation de métaux précieux du x v i eau x v i i i e siècle. L’ensemble présenté ici joue sur la doubleinterprétation du mot mule et superpose les itinérairesempruntés par le narcotrafic avec la carte des routescoloniales.F. O.Née en 1963 à Bahia Blanca (Argentine), vit et travailleà Córdoba (Argentine).miriam cahnMiriam Cahn avoue ne pas savoir, au moment de commencerune toile, si le personnage représenté sera une personne ouun animal – car, selon elle, il existe une relation profondeentre les espèces. Un homme aux attributs féminins, unefemme-singe, des humains-plantes, des paysages-corps : cen'est pas une personne réelle qu'elle souhaite peindre, maisla mémoire ou les sentiments de celle-ci. Ses portraits, ainsiqu’elle les nomme, végétaux, humains, animaux, sont ambigus,complexes, vulnérables, et vibrent d’une vie inconsciente. Lescorps humains sont souvent nus et androgynes, les yeux et lesorganes sexuels très caractérisés et stylisés. La frontalité desfigures met l’accent sur la présence d’un sujet. En fait, son sujetne serait-il pas l’excès du sujet, le sujet comme excès ? Excèshors de soi, hors identité, hors classe, hors sexe, hors genre,néanmoins hypersexué, hypersensible. Marquée par MarkRothko, l’artiste développe une texture brillante et lumineuseobtenue par l’application d’une couche très fine de peinturesur la toile, sans aucune trace de pinceau. L’artiste attacheune grande importance à l’accrochage, conçu comme uneinstallation, improvisé en situation, réalisé rapidement dansle lieu d’exposition. La disposition des œuvres transcrit ainsila cadence frénétique de la performance. Le choix d’œuvresprésenté ici orchestre un accrochage rythmé, inspiré de ceuxde l’artiste.F. O. / A. B.ZORN, 5./6.1.04. Courtesy de l'artiste et de la galerie JocelynWolff, Paris.Née en 1949 à Bâle (Suisse), vit et travaille entre Bâle etla région du Bergell (Suisse).39

Les artistes des Prairiesluis camnitzerTwo Parallel Lines, 1976. Collection 49 Nord 6 Est – Frac Lorraine, Metz.Photographie : Frac Lorraine.Deux lignes horizontales et parallèles sur un mur. À lafois notes de bas de page et formalisation d’une penséeau travail, ces bribes poético-philosophiques évoquenttour à tour l’horizon, la frontière, l’exclusion, la trajectoire,mais aussi la platitude et la mort. Deux lignes parallèlesdans l’espace, mais aussi dans leur essence même, etqui ne se rencontreront jamais : les mots et les choses.Irréductible distance entre le visuel et le discursif, entrel’œuvre et le discours. On retrouve dans ce travail hybridetoute la singularité de l’artiste uruguayen (émigré auxÉtats-Unis) Luis Camnitzer : une tension fondamentaleentre le poétique et le conceptuel. Mais attention, cetravail n’est pas replié sur de purs enjeux artistiques, ilapparaît bien plus ouvert sur le monde. Au-delà de cessubtils questionnements sur la représentation, il faut,comme toujours chez Camnitzer, y déceler des signes plusprofonds et cachés sur la relation de l’art au politique.D’abord, l’œuvre manifeste clandestinement certainsmotifs autobiographiques : la frontière, le transculturel,l’enfermement. La ligne droite est une séparation parnature incontournable, une forme de laquelle on nes’échappe pas. Elle a donc un écho tout particulier chezun artiste longtemps exilé forcé aux États-Unis, et trèsconcerné par la situation des dictatures sud-américainesdans les années 1970.Né en 1939 à Lübeck (Allemagne), vit et travailleà New-York (États-Unis).duncan campbellPostulant que le documentaire est une formefictionnelle, Duncan Campbell en interroge la naturedans des œuvres où archives et images d’époque sontréagencées au sein de narrations qui en font apparaîtrela part d’imaginaire. L’artiste réalise notamment desportraits de personnages emblématiques de l'histoiredu x x e siècle. Make it new John (2009) est l'histoire deJohn DeLorean et de son invention la DeLorean DMC-12.Ingénieur de talent et vice-président de General Motors,John DeLorean quitte en 1973 le géant automobileet crée sa propre entreprise. Il obtient le soutien dugouvernement britannique pour construire une usineà Dunmurry, dans la banlieue de Belfast. Située àla frontière entre catholiques et protestants, cettedernière doit contribuer à réduire les conflits sociauxet politiques en fournissant du travail aux membresdes deux communautés. Mais la DeLorean ne rencontrepas de réel succès et, presque immédiatement, JohnDeLorean se heurte à des difficultés financières.L'usine – qui a employé deux mille ouvriers – fermeen 1982, ayant produit à peine plus de neuf millevoitures. Cette voiture de sport deviendra cependant,et paradoxalement, l'un des symboles du mytheaméricain et une icône cinématographique grâce à latrilogie Retour vers le futur.M. C.Make it new John, 2009. Courtesy de l'artiste.Photographie : Seamus Harahan.Né en 1972 à Dublin (Irlande), vit et travaille à Glasgow(Écosse).40

Les artistes des PrairiesMarieta ChirulescuStop, 2010. Courtesy de l'artiste et de la galerie MickySchubert, Berlin.Marieta Chirulescu échappe à la scission habituelle qui opposeau clan du numérique la sacro-sainte chapelle argentique : pour« l’impureté », elle pratique un décloisonnement volage allantdu digital à l’analogique, de la peinture à la photographie, dePhotoshop à la photocopieuse. Ses œuvres semblables à desfiltres, des voiles ou des projections pigmentaires font souventl’effet d’une brume nébuleuse dont la profondeur affleureet dont les frontières se brouillent : il est parfois difficile dedistinguer le grain, tant le bruit de l’agrandissement numériqueressemble à la trame d’une toile peinte ; il est égalementcompliqué de départager les marges et les bordures qui sesuperposent dans une stratigraphie illisible. Le goût de l’artistepour l’incident parasitaire – scotch oublié, griffure, poussière,reflet, décentrage, etc. – lui viendrait d’une enfance passée enRoumanie à feuilleter des livres à l’impression approximative.Images d’Internet, captures d’écran, photographies prises par sonpère durant la dictature ou illustrations extraites de l’anciennerevue roumaine Arte font l’objet de traitements singeant desprocédures archivistiques et bureaucratiques. La jeune artistetravaillerait à un épuisement expliquant les tonalités délavées etsurexposées d’images exsangues. Si Marieta Chirulescu pratiquela dynamique des calques – logique propre aux logiciels deretouche d’images –, c’est pour la mettre au profit d’effets aussitactiles qu’impalpables. Une abstraction de la présence et non dela virtualité.H. M.Née en 1974 à Sibiu (Roumanie), vit et travaille à Berlin (Allemagne).rené daniëlsLa fulgurante carrière de René Daniëls se concentrede 1977 à 1987, au moment même où la vaguenéo-expressionniste sonne le retour d’une peinturemarchande. En 1987, victime d’une commotioncérébrale, il interrompt sa pratique, reprise en 2006.Un motif invasif émerge en 1984 : celui d’un espaceperspectif, à deux ou trois murs, la plupart dutemps sans sol ni plafond. Ambivalente, cette formeénigmatique passe souvent pour un nœud papillon,noué au cou de l’artiste dans un dessin intitulé ARoom above The Pacific. Un pictogramme moquant lamondanité des vernissages. Mais dans Battle for theTwentieth Century le nœud écarlate se voit ponctuéde lucarnes jaunes – fenêtres ou monochromes ? – quifont du nœud papillon une salle d’exposition. Lamise en abîme est séduisante : de la peinture dansl’espace d’exposition à l’exposition dans l’espace dela peinture. Au même moment, Michael Baldwin etMel Ramsden, les britanniques d’Art & Language,jouent un enchâssement tout aussi dépeuplé dans leursérie Incidents in a Museum. Le diptyque Title Eveningparticipe de ce sabotage perspectif, René Daniëls ydémasquant encore une fois la fiction du tableau etde son exposition, la vacuité d’un regard centré, etabstrait du monde.H. M.Painting on the Bullfight, 1985. Courtesy Bonnefantenmuseum, Maastricht.Photographie : Peter Cox. © Adagp, Paris 2012.Né en 1950 à Eindhoven (Pays-Bas), où il vit et travaille.41

Les artistes des Prairiesjohn divolaVandalism, 1974. Courtesy de la galerie Laura Bartlett, Londres.Photographe majeur de la scène artistique californienne,John Divola débute dans les années 1970 avec la sérieSan Fernando Valley (1971-1973) qui documente la vie deshabitants et les architectures d’une banlieue sinistre deLos Angeles. La série Vandalism réalisée entre 1974 et 1975est une œuvre fondatrice de son vocabulaire conceptuel :il photographie en noir et blanc des intérieurs de maisonsà l’abandon en prenant soin au préalable de retravaillerl’espace, notamment avec de la peinture à la bombeargentée ou en déplaçant certains objets. Les premièresintuitions de cette série voient le jour alors qu’il développedes photographies de bouteilles de gaz de couleur grisargenté. La relation entre la couleur argentée du papierphotographique et celle des bouteilles lui donne l’idéede prolonger les effets de la photographie et du flash surcette teinte. John Divola commence à transporter avec luides bombes de peinture dans les maisons délaissées deLos Angeles, et peint au hasard les objets, les murs, le solet le plafond. L’espace tridimensionnel de ces intérieurs setrouve aplati par le motif pictural bidimensionnel ramenéà la surface de l’image. Vandalism établit une filiationconceptuelle entre la peinture et la photographie dans ladroite lignée d’artistes californiens comme Ed Ruscha.F. O.Né en 1949 à Los Angeles (états-Unis), où il vit ettravaille.étienne-MartinLe sculpteur français Étienne-Martin qui se situe dans lalignée de Brancusi fut aussi marqué par Marcel Duchamp.Travaillant le plâtre, le bronze, ou encore le tissu et lecaoutchouc, il a une prédilection pour le bois. Pour lui,« l’intérieur détermine la forme » ; l’intérieur, c’est la vieintérieure, la maison familiale, mais c’est aussi la qualitéd’un bois qui contient déjà la forme. Cette vision spirituellede la matière anime une pratique inséparable d’uneintrospection menée comme un voyage initiatique au seind'une histoire individuelle et immémoriale. Puisant dansses souvenirs et dans sa maison d’enfance de Loriol, ilréalise à partir des années 1950 les Demeures, architecturessculpturesqui relèvent d’un art de la mémoire et dontfait aussi partie le fameux Manteau en tissu. Sculptured’assemblage, La Marelle reprend le plan de la maison deLoriol. Son graphisme est composé de formes élémentaires –soleil, cercle, rectangle, cœur – de chiffres et d’inscriptions.Elle fait partie de l’Abécédaire : « L’Abécédaire répondait àun besoin impératif : relier entre elles ces choses diverses,trouver un lien entre ces personnages. L’Abécédaire est unitinéraire chronologique de l’alcôve originelle, monde closet secret, à la terrasse qui est ouverte sur le monde extérieur.C’est aussi une sorte de jeu de l’oie » (étienne-Martin).Ainsi, cet art original, qui transforme la biographie en uneexpérience artistique universelle, transcende-t-il l’oppositionentre moderne et archaïque, figure et abstraction.A. B.La Marelle, 1963. Collection Musée d’Art Moderne et Contemporain deStrasbourg. Photographie : M. Bertola. © Adagp, Paris 2012.42Né en 1913 à Loriol (France), décédé en 1995.

Les artistes des Prairiescarla filipeBlue drawings, 2006-2008. Courtesy de l’artiste, de la galerie Nuno Centeno, Porto, et de lagalerie Graça Brandão, Lisbonne.Mêlant étroitement histoirepersonnelle et collective, CarlaFilipe explore le fonctionnementde la mémoire, convoquant desdessins, des objets, des affiches,des photographies, des bannières,ou d’autres formes, qui prennentsens au sein d’installations. Commenombre d’artistes de l’expositionLes Prairies, son art repose surun travail documentaire qui,dans son cas, associe étroitementla biographie et la sociologie.Présentés dans l’expositioncollective, des livres mangés pardes vers donnent littéralement àvoir une connaissance trouée, parun double motif symétrique quirappelle les formes du fameux testpsychologique projectif Rorschach.Les deux ensembles présentés auMusée des beaux-arts de Rennessont tout aussi emblématiques dela démarche de l’artiste. Ex-voto :dimanche, cimetière anonyme etmémorial ferroviaire se compose desoixante-huit ex-voto que l’artistedédie aux cheminots. Nourriede récits familiaux, cette fille degarde-barrière développe uneréflexion sur le chemin de fer commemétaphore concrète de l’avènementdu capitalisme et des mouvementsde population. Créée pour le centred’art contemporain praguois Tranzit,l’installation Archive sourde-muettedéploie, à travers un ensemble dedocuments hétérogènes, une archivehistorique subjective qui matérialisedes déplacements temporels,conceptuels et idéologiques : desannées 1980 à aujourd’hui, ducommunisme au post-communisme,de l’enfance à l’âge adulte, duPortugal à la République tchèque,de l’Ouest à l’Est.Née en 1973 à Vila Nova daBarquinha (Portugal), vit ettravaille à Porto (Portugal).retrouvez cette artiste au Musée des beaux-arts de Rennes43

Les artistes des Prairiesflorian fouchéProductionLes Ateliers de Rennes 2012.L’école du village, Musée du paysan roumain, Bucarest, 2010-2012. Courtesy de l'artiste.En 2007, Florian Fouché se rend à Târgu Jiu en Roumanie pour étudier le monument auxmorts érigé par Brancusi en 1938. Composé de trois éléments – La Table du silence, LaPorte du Baiser et La Colonne sans fin – le sanctuaire condense un vocabulaire formelliant l’épure à l’archaïsme. C’est sans doute ce même équilibre que retrouve l’artisteau Musée du Paysan Roumain de Bucarest, réaménagé dès 1990 sous la direction dupeintre Horia Bernea, dont le père anthropologue était spécialiste de la culture paysanne.Pariant qu’une bonne mise en relation des objets peut tenir lieu d’explication, Berneaet son équipe convertissent l’obsession didactique en pédagogie douce, favorable àune « poétique de la muséographie ». Décontextualisés, les objets vernaculaires setrouvent dépaysés par des dispositifs de présentation – socles, vitrines, mannequins oucimaises – aux accents parfois modernistes. En 2010, l’artiste photographie certains de cesarrangements. Vingt-huit de ces cent vingt images sont présentées ici, entre des plaquesde verre, fichées dans des étagères. Ménageant des panoramas fragmentaires, jouantde la profondeur et de la transparence, le dispositif s’inspire de manière très lointainede vitrines conçues par Bernea. à l’été 2012, pour les Ateliers de Rennes, Florian Fouchéa poursuivi ses recherches auprès de l’équipe du musée afin d’écrire sur cet ensembleextraordinaire, dont les expérimentations scénographiques recoupent en certains pointsle syncrétisme intuitif qui traverse sa démarche.H. M.Né en 1983 à Lyon, vit et travaille à Paris (France).44

Les artistes des Prairieslydia giffordDell, 2012. Vue de l'installation. Courtesy de la galerie Laura Bartlett, Londres.Lydia Gifford développe une pratique élargie de la peinture à la frontière del’immatériel. Les traces de peinture, de crayon ou de poussière disséminéesdans l’espace d’exposition suggèrent des gestes et des intentions volontairementinachevés : « Mon travail tente de créer une impression de commencement ».Réalisée à l’occasion d’une exposition personnelle à la David Roberts ArtFoundation à Londres, Dell (2012) est une installation in situ de longues planches debois parallèles, posées au sol ou en équilibre sur des parpaings, puis recouvertespar endroits de cendre de charbon de bois. L’artiste laisse visible l’impact physiquedu déplacement des planches, comme la courbure des lattes sous l’effet du poids(notons que le titre Dell se traduit par « vallon ») ou encore les traces de poudrequi révèlent l’espace négatif de la structure comme un pochoir. Passée au tamis,la poudre s’étale par couches et crée une sensation de lourdeur et de densité quicontredit les propriétés d’une substance aussi légère. Invitée à rejouer l’œuvrepour les Ateliers de Rennes, Lydia Gifford livre une chorégraphie muette quiconnecte l’architecture du lieu au subtil équilibre entre gestes orchestrés et gestesimprovisés.F. O.Née en 1979 à Cheltenham (Grande-Bretagne), vit et travaille à Londres(Grande-Bretagne).45

Les artistes des PrairiesFERNANDA GOMESProductionLes Ateliers de Rennes 2012.Sans titre, 2012. Courtesy de la galerie Luisa Strina, São Paulo, et de la galerie Emmanuel Hervé, Paris.Photographie : Fernanda Gomes.L’art de Fernanda Gomes se caractérise par une manière d’occuper l’espace et de s’y déployer,et manifeste une sensibilité en interaction avec un environnement concret. Ses réalisations sontreliées à des lieux de vie : ceux des expositions, de leurs environs, de la rue ou de sa maison.L’œuvre déploie ses paradoxes : spacieuse, ses matériaux infimes sont parfois à la limite duvisible ; dispersée, sa composition est discrètement tramée par une grille. Sa palette atone –sable, blanc, gris – se fond dans l’ambiance, tandis que surgissent des détails qui sont euxmêmesdes compositions : un verre d’eau souligne une rainure du sol ; une aiguille d’or plantéedans le mur vous atteint et désigne le mur. Ces éléments de toutes sortes sont glanés un peupartout, à la manière de l’animal qui furète et fait ses provisions. Elle les appelle des « choses » :objets quotidiens, meubles, verres parfois remplis d’eau, miroirs, pièces de monnaie, branches,journaux, ficelles, aimants, à l’état de fragment, de l’ordre du rebut. Certaines sont minuscules :aiguilles, poussière, cheveux, mégots. L’artiste scrute l’architecture pour en faire sa matière :l’invisible compose l’espace ; l’insignifiant (aspérités, angles, fenêtres) devient signe, formecaractéristique. Le vide est traité comme une matière architectonique, de même, la poussièreest une couleur. Ces compositions sont un voyage intérieur au sein du monde construit. Dans lalignée des néo-concrétistes brésiliens, son art est formel et politique : grâce à un langage abstrait,il produit une expérience sensible et intelligible d’une réalité invisible, pauvre, délaissée, à lapériphérie du regard.A. B.Née en 1960 à Rio de Janeiro (Brésil), où elle vit et travaille.46

Les artistes des PrairiesKees GoudzwaardLightweight, 2009. Courtesy de la galerie Zeno X,Anvers. Photographie : Peter Cox.sofia hulténKees Goudzwaard est l’auteur d’une peinture abstraite nourried’influences picturales diverses – de la peinture de paysage hollandaiseà l’Expressionisme allemand en passant par le Colorfield paintingaméricain. Il réalise des maquettes à échelle un avec lesquelles ilexpérimente de nombreuses compositions en papier avant de peindre sursa toile. Au cours des années 1990, l’artiste opère un changement radical :il prend conscience que le sujet de son travail n’est pas le tableau peint,mais l’image de la maquette qui conserve intacts les moments de douteset d’hésitations de son processus de pensée. Comme une partition, celle-cilui permet d’agencer et de superposer librement des couches de papierde couleur ou des feuilles de plastique transparent qu’il colle avec duruban adhésif – généralement sur le mur de son atelier. Dans une secondephase, il peint la copie exacte de la maquette originale sans toutefoisprendre en compte les reliefs et les ombres. Kees Goudzwaard insistesur le fait que son travail n’est pas un jeu illusionniste ni un trompe-l’œilmais simplement la substitution d’une réalité à une autre : il remplacela peinture par son processus d'élaboration. La toile est à la fois lareprésentation mentale d’un tableau à venir et une œuvre parfaitementachevée. L’artiste expose ici plusieurs tableaux dont chacun aborde desquestions esthétiques particulières. Le tableau Untitled (2000) correspondainsi à une période de réflexion sur le modernisme hollandais. Séduit parl’idée du modernisme comme la promesse d’un possible, une euphoriemuette, il tente de lui donner une dimension plus intime : « Ce tableau estla proposition d’un espace mental suffisamment intime pour qu'on veuilley habiter et s’y sentir chez soi ».F. O.Né en 1958 à Utrecht (Pays-Bas), vit et travaille entre Anvers(Belgique) et Reusel (Pays-Bas).Depuis qu’elle s’est établie à Berlin au tournant desannées 2000, Sofia Hultén n’a cessé d’aiguiser son sensde la récupération. L’artiste glane donc des objets readymade,already-used. Les objets que bricole l’artiste sontsouvent eux-mêmes des outils de bricolage, c’est là lepremier indice de la teneur conceptuelle du travail : saréflexivité. La vidéo Past Particles – The Found Toolbox(2010) réalise un inventaire scrupuleux. Elle recenseune centaine de pièces de quincaillerie contenuesdans une caisse à outils trouvée : filmé un à un, chaquefragment se singularise sans laisser deviner son usage.Neuf grilles métalliques de portes et de fenêtres sontsciées en trois portions horizontales ; chaque tiers estensuite soudé à deux autres tronçons pour former neufnouvelles baies disparates, suspendues à intervallesréguliers. Observées dans l’axe de leur alignement, lesgrilles se recomposent une à une en se superposant.Simultanément multiple et unitaire, cette visiontraduirait l’alternance des processus d’expansion et decontraction, que décrit ce « guide d’éveil de l’hommeparesseux » (Lazy Man’s Guide to Enlightenment), livrede développement personnel qui donne son titre àl’installation.H. M.Née en 1972 à Stockholm (Suède), vit et travaille à Berlin(Allemagne).Lazy Man's Guide to Enlightenment, 2011. Vue de l'installation.Collection Konstmuseum de Malmö.47

Les artistes des Prairiesandré guedesCo-ProductionLes Ateliers de Rennes 2012,PHAKT Centre Culturel Colombier.Nova Árgea, 2012. Photographie : Vera Keel.Le travail plastique d’André Guedes, qui s’appuie sur d’importantes recherches documentaires, estsous-tendu par une réflexion anthropologique sur les activités humaines dans la conception desespaces. Invité au PHAKT Centre Culturel Colombier dans le cadre des Ateliers de Rennes 2012,l’artiste réalise un projet en forme de réponse oblique à l’ensemble à la fois architectural et socialdu quartier du Colombier. L’installation Nova Árgea inclut un diaporama de photographies mises enscène, montrant – au présent – des membres d’une communauté fictionnelle en situation. Elle créeun récit visuel et textuel auquel participent aussi la poète Fiama Hasse Pais Brandão, l’urbanisteGaston Bardet et l’artiste Clara Batalha. Ce récit est inspiré par l’histoire d’une coopérative agricoledénommée « A Comunal », fondée dans le village portugais d’Árgea, à l’époque du PREC (ProcèsRévolutionnaire en Cours), après la Révolution des Œillets en avril 1974, au Portugal. Ses fondateurs,des intellectuels urbains, envisageaient de se rapprocher de la population rurale afin d’y insufflerune « dynamisation culturelle ». Pour accéder à leur idéal révolutionnaire de fraternité entre classes,ils tentèrent de constituer, avec les paysans et le prolétariat rural, un projet agricole fondé surl’échange des savoirs et la juste contribution de chacun. Cette expérience communautaire utopique,réactualisée, réinterprétée dans Nova Árgea, est par ailleurs contemporaine de la création duquartier du Colombier qui, s’il concrétisait des aspirations de confort moderne, s'éloignait de l’idéalsocial et culturel émancipateur d’Árgea, matérialisant plutôt la vision d’un architecte cadré par unmodèle économique moins empreint d’idéalisme.Né en 1971 à Lisbonne (Portugal), où il vit et travaille.retrouvez cet artiste au PHAKT, Centre Culturel Colombier48

Les artistes des Prairiesvincent-victor jouffeProductionLes Ateliers de Rennes 2012.Prairies Saint-Martin, Rennes, décembre 2000. Photographie : Vincent-Victor Jouffe.Après des études de dessin à l’École nationale supérieure des beaux-arts deParis, Vincent-Victor Jouffe aborde les formes photographiques et filmiques.à partir de 1995, date de son installation à Saint-Méloir-des-Bois, village rural desCôtes-d’Armor, il entreprend de constituer un corpus d’images en relation avecson pays natal, ce travail étant guidé par une réflexion sur le territoire. Vincent-Victor Jouffe est proche de l’enseignement de l’historien de l’art, critique etcommissaire d’exposition Jean-François Chevrier, lequel l’invite d’ailleurs dansson séminaire « Des territoires ». La photographie de l’artiste articule plusieursparamètres : artistique, théorique, historique, social, autobiographique. En effet,sa connaissance de l’histoire de l’art et des pratiques documentaires lui permetd’aborder le territoire natal avec une distance analytique, et d’en faire le lieud’une expérience artistique et personnelle. Ainsi ses œuvres, ancrées dans uneréalité concrète, relèvent de la chronique sociale mais aussi d’une photographiede paysage où la dimension humaine est présente, discrètement animée parl’autobiographie. Outre son magnifique ensemble de polaroïds des PrairiesSaint-Martin inondées en 2000, Vincent-Victor Jouffe réalise, pour les Ateliers deRennes 2012, un nouveau film photographique, un montage de diapositives issuesde son vaste fonds compilant dix ans de photographies de comices agricoles.COMICE, qui mêle pourtant des images de différentes années, relate une journéetypede cet événement devenu rare.Né en 1968 à Dinan (France), vit et travaille à Saint-Méloir-des-Bois (France).49

Les artistes des Prairiesjan KempenaersSpomenik #1 (Podgaric), 2007. Collection Mu.ZEE, Ostende.© Adagp, Paris 2012.Jan Kempenaers est surtout connu pour ses vuespanoramiques de grands formats représentant despaysages industriels et urbains d'Europe, des États-Unis et du Japon. Fasciné par l'hybridité du paysaged'aujourd'hui, Jan Kempenaers interroge la notion de« pittoresque », développée au x v i i i e siècle. La sérieSpomenik (2007) tente quant à elle de saisir ce qui restedes monuments (spomenik) communistes érigés sous lerégime de Tito, dans les années 1960-1970, en hommageà la résistance communiste à l'occupation nazie. Situéessur des sites stratégiques ou symboliques, ces sculpturesmonumentales, aux formes géométriques puissammentexpressives, ont été construites en matériaux pérennes,telles des architectures : béton armé, acier, granit. Aprèsl'agitation des guerres ethniques liées à l'effondrementde l'ex-Yougoslavie, ces monuments brutalistes d'uneextrême diversité formelle ont été pour une grande partiedétruits, tandis que d'autres sont restés à l'abandon.Aujourd'hui incompris des nouvelles générations,ces mémoriaux étranges, vidés des oripeaux de leuridéologie sociale et politique ainsi que de leur fonctioncommémorative, interrogent la façon dont un « objet »peut, après la « fin de l'histoire », accéder au statut desculpture pure et autonome.N. L.Né en 1968 à Anvers (Belgique), vit et travaille à Gand(Belgique).Kiluanji Kia HendaAvec distance, Kiluanji Kia Henda s’attache à rendre compte del’histoire de son pays, l'Angola, détruit par les guerres civiles etla colonisation, et à construire des fictions qui explorent autant lepassé que le futur. Lunda In The Sky with Diamonds I représenteun paysage angolais détruit par les mines de diamants, doncpar une économie qui échappe aux Angolais, ceux-là mêmesqui extraient les pierres de la mine. Balumuka (Ambush) montreune zone de transit en plein air à Luanda, capitale de l’Angola :un véritable cimetière où objets, machines et fragments demonuments sont abandonnés. Leur confrontation fortuite rejouedes scènes historiques : des héros coloniaux y côtoient dessouverains angolais et des armes militaires. Ces scènes, épiquesvoire grotesques, témoignent de la difficulté du pays à préserverson patrimoine. Redefining The Power III (with Miguel Prince)met en scène de façon théâtrale notre rapport à l’histoire enraillant la place accordée aux monuments et à la statuaire dansl’espace public angolais. Sur des piédestaux vides datant de l’èrecoloniale – et dont les sculptures ont été mises à bas au momentde l’Indépendance de l’Angola – l’artiste invite des performeurs àoccuper la place vacante du colonisateur. Ces héros improvisés,anciens colonisés, adoptent des postures de pouvoir, comiqueset dérisoires. Si l’artiste matérialise un rêve éphémère, il appellesurtout la possibilité d’une mémoire nouvelle.C. P.Né à Luanda (Angola) en 1979, où il vit et travaille.Balumuka – Ambush, 2010. Courtesy de l'artiste et de laGaleria Fonti, Naples.50

Les artistes des PrairiesIAN kiaerProductionLes Ateliers de Rennes 2012.Melnikov project, black facade, 2011. Vue de l'installation.Courtesy de l'artiste et de la galerie Alison Jacques, Londres, et du Kunstverein de Francfort.Ian Kiaer développe un travail plastique autour de la notion de projet, à partir d’architecturesutopiques et de leurs inventeurs. Inspiré du modèle architectural, ses installations sedéploient au niveau du sol et sur les murs. Leur échelle de maquette est aussi celle duprojet ; leurs matériaux fragiles quoique ordinaires (emballages, plastique, carton, etc.), leurscouleurs passées les situent dans un temps intermédiaire entre idée, idéal et réalisation.Un art plastique de la composition, du détail et de la couleur sublime des éléments issusde la vie quotidienne en une vision imaginaire, convoquant la peinture d’une autre époquequi dépeint le réel comme un rêve. L’art de Ian Kiaer, pictural et sculptural, se situe dans lamême dimension que celle de l’utopie : un temps réflexif et imaginaire, celui des possiblesoù se prépare la réalité. Pour Les Prairies, l'artiste s’est intéressé à l’ancien centre destélécommunications de Louis Arretche achevé en 1972 : cet imposant édifice incarne uneconfiance dans le modèle architectural moderniste déjà daté dans les années 1970, commel’indique d’ailleurs l’esthétique rétro-futuriste du bâtiment. L’échelle de celui-ci, à l’opposéd'une « architecture de papier » prospective et réflexive, a provoqué l’artiste dans un rapport deforce, l’incitant à réfléchir à d’autres modes de production. Récupérant et utilisant des fenêtresd’origine, Ian Kiaer a pu reconsidérer ce projet architectural comme une proposition et uneruine, qu’il interprète, en rapport avec les archives de l'architecte, avec son langage, réalisantdes peintures, des maquettes et des projections.A. B.Né en 1971 à Londres (Grande-Bretagne), où il vit et travaille.51

Les artistes des PrairiesThomas KilpperJohn Heartfield and Silvio Berlusconi, 2009. Collection Kadist Art Foundation, Paris.© Adagp, Paris 2012.Artiste et activiste allemand installé à Berlin, Thomas Kilpperest connu pour ses installations monumentales qu’il déploie àl’échelle de l’architecture urbaine. L’artiste investit des bâtimentspromis à la destruction, où il grave directement le sol qu’ilutilise comme matrice pour réaliser in situ des impressions surtoile ou papier. John Heartfield and Silvio Berlusconi associeavec provocation un portrait de Silvio Berlusconi, ancien chefdu gouvernement italien et magnat des médias, et un fragmentde photomontage de John Heartfield (1891-1968), où l’artisteallemand, grand manipulateur d’images et détracteur du régimenazi, apparaît précisément une paire de ciseaux à la main. DansWilli Brandt, Guenther Guillaume and Dietrich Sperling, l’artisterenoue avec les intrigues politiques de la Guerre froide : GuenterGuillaume, agent secret de la RDA infiltré au sein du bureau duchancelier de la RFA, semble chuchoter de fausses informations àl’oreille du chancelier Willi Brandt ; le troisième homme, DietrichSperling est alors ministre dans le gouvernement de Brandt. Cesdeux œuvres proviennent de la série State of Control, une fresquemonumentale avec laquelle l’artiste expérimente pour la premièrefois la gravure sur un sol en linoléum dans un bâtiment berlinoisqui n’est autre que l’ancien quartier général de la Stasi, la policepolitique de la RDA.F. O.Né en 1956 à Stuttgart (Allemagne), vit et travaille à Berlin (Allemagne).52

Les artistes des PrairiesaglaIa konradConcrete & Samples III Carrara, 2010. Courtesy Production Auguste Orts. © Adagp, Paris 2012.Concrete & Samples I, II et III est une série de films d'Aglaia Konrad consacrée à deux architectures et un sitenaturel largement modifié par l'Homme. Le premier volet de la trilogie explore l'église de la Sainte-Trinité, àVienne. Créé par le sculpteur Fritz Wotruba, le bâtiment ressemble à une sculpture abstraite monumentale,à un arrangement cubiste de cent cinquante-deux blocs de béton disposés de façon asymétrique. Concrete &Samples II Blockhaus présente l'église Sainte-Bernadette-du-Banlay de Nevers, conçue par Claude Parent etPaul Virilio. Monolithique, énigmatique, elle apparaît comme un bunker en béton brut. Construit selon uneidée utopique, l'espace intérieur présente deux rampes obliques qui créent une dynamique spatiale. Dernierfilm de la trilogie, Concrete & Samples III Carrara montre la célèbre carrière de marbre du même nom. Cepaysage toujours en évolution paraît avoir été sculpté, semble comporter des architectures temporaires etfait de nombreuses références à l'histoire de l'art. Les trois films ont comme point commun de ne comporteraucun commentaire tout en proposant un regard subjectif sur ces architectures et sur ce site, comme sila caméra se substituait au regard d'un visiteur, en l’occurrence celui de l'artiste. C'est donc son point devue, au sens propre et au sens figuré, qui nous fait découvrir les lieux et crée un lien entre les films. AglaiaKonrad choisit de rassembler dans une même série ces trois sites, architectures modernes en béton brut etsite naturel d'extraction d'un matériau noble et traditionnel de la sculpture, et de les considérer en tant quesculptures à part entière.A. L.Née en 1960 à Salzbourg (Autriche), vit et travaille à Bruxelles (Belgique).retrouvez cette artiste à 40mcube53

Les artistes des PrairiesIrene KopelmanThis is a potato, 2011. Courtesy de l'artiste.Ce projet a reçu le soutien de la fondation Botin, Santander.kitty krausIrene Kopelman revendique sa fascination pour larichesse des muséums d’histoire naturelle ainsique pour la domestication du paysage, propres àla vieille Europe. Certaines des curiosités qu’elleaime à explorer confinent certes au merveilleux :ces rares mollusques dont la coquille tourne ensens inverse des aiguilles d’une montre, ou cettepropriété d’asymétrie, la chiralité, qui caractérisedans différentes branches scientifiques les systèmesou objets dont les images-miroirs ne sont passuperposables (les mains ou les orchidées). Mais, pourdéjouer l’abstraction de données surréelles, IreneKopelman dessine. Dans la biologie systématique,comme dans l’art minimal et conceptuel qu’évoqueparfois Irene Kopelman, des règles président à lagénération des formes. Les principes de« mêmeté » (sameness en anglais) et de différencey sont déterminants car ils permettent de discernerl’occurrence d’identités distinctes de la répétitiond’entités identiques. Or l’artiste affirme précisémentqu’une des problématiques principales de son travailconcerne « la dynamique de la différence et de larépétition : comment des choses quasi identiques aupremier regard se révèlent aussi différentes si nousles regardons assez longuement et scrupuleusement ».H. M.Née en 1976 à Cordobá (Argentine), vit et travaille àAmsterdam (Pays-Bas).L’œuvre présentée dans Les Prairies est emblématique de l'intérêtque Kitty Kraus porte aux processus, voire aux transformationsalchimiques associées à l'art post-minimal, à l'Arte Povera, auxartistes Joseph Beuys et Robert Smithson. Ces lampes encapsuléesdans des blocs de glace traitent de la disparition de la forme. Laforme initiale – cubique, compacte, minimale – ressemble à un enginexplosif. Une fois la lampe allumée, la glace fond inévitablementet l’encre se répand sur le sol pour former un paysage abstrait, unetache noire informe. La réalisation de ce qui prend les apparencesd'un banal accident mécanique est très précise. En procédant ainsi,l'artiste réinterprète en les matérialisant des motifs récurrentsdans l’histoire de l’art de la seconde moitié du x x e siècle – la tache,le cube, la lumière. De ces changements de forme naît une sombrebeauté, qui fait coincider destruction physique et questionnementmétaphysique. Bien qu'elle accentue la dimension sensible de cesœuvres dont les matériaux (le verre, la glace, la lumière, les miroirs)évoquent la fragilité et le caractère éphémère des choses, Kitty Krausdéjoue les pièges de l’élégance et reste sur le fil tranchant.K. A. F.Née en 1976 à Heidelberg (Allemagne), vit et travaille à Berlin(Allemagne).Sans titre, 2008. Collection Kadist Art Foundation, Paris.54

Les artistes des Prairiesguillaume leblonProductionLes Ateliers de Rennes 2012.Avec le soutien del'entreprise Crézé.Croquis d’intention pour Portrait de l’homme politique en sportif occasionnel, 2012. Courtesy de l'artiste et de la galerieJocelyn Wolff, Paris.Les sculptures et les films de Guillaume Leblon développent des paysages divers,naturels ou domestiques, traversés par des phénomènes de submersion, d’enfouissementou de disparition. Néanmoins, le passage du temps ne sonne pas chez l’artiste d’alarmemétaphysique, seulement un étonnement à voir des traces persister alors que des chosesdisparaissent. L’atelier s’avère un espace de transit, parfois de rétention. Les élémentsarchitecturaux et mobiliers de ses sculptures conservent la mémoire du corps dont ilscadrent l’échelle, l’amplitude et l’esprit. Depuis 2009, l’artiste développe une famille desculptures pensées comme des collages, et où s’invitent parfois des présences humainesfragmentaires, rappelant, entre autres références, le morcèlement des ruines antiques. Ils’agit d’assemblages constitués autour d’un meuble structurant, entier ou partiel, auquelviennent se greffer des éléments provenant de l’atelier. Incluant ici un pan de bureau, là unprésentoir de pharmacie, certaines de ces pièces observent l’horizontalité du corps allongé.D’autres suggèrent en revanche une stature verticale à laquelle le corps peut se mesurer.Pour Les Prairies, Guillaume Leblon réalise une sculpture servant également d’échellepotentielle, voire de perchoir. L’espalier central propose une ascension dont la stabilitéest cependant menacée par un système de fixation inhabituel, un arrimage au sol par descâbles de laiton. Deux jambes moulées en céramique, suspendues par les pieds, marquentla suspension du mouvement. L’objet suggère pourtant l’exercice du corps : traction,étirement et assouplissement.H. M.Né en 1971 à Lille (France), vit et travaille à Paris (France).55

Les artistes des Prairiespierre leguillonProductionLes Ateliers de Rennes 2012.Prelinger Drawings, 2012. Prelinger Library, San Francisco, 2011.Courtesy de l'artiste et de la galerie Motive, Amsterdam.Pierre Leguillon fabrique des images avec des images, dont il est collectionneur.Prelinger Drawings est une installation inédite associant deux registres plastiques :un espace rectangulaire construit en assemblant différents tissus imprimés, choisispour leurs motifs, leurs techniques d’impression et leur provenance (tissus nordiques,africains, français ou japonais), et un ensemble de dessins au crayon, des frottages decouvertures de livres, tous issus de la bibliothèque Prelinger à San Francisco. Cettebibliothèque privée, créée par Megan et Rick Prelinger et ouverte au public en 2004,est dédiée à l’histoire des États-Unis. Elle regroupe quantité d’ouvrages, savants ounon, parfois obsolètes, sur les sujets les plus variés, constituant une mémoire à la foisencyclopédique et vernaculaire de l’Amérique du Nord. La diversité des couvertures deslivres choisis par l’artiste, lesquels embrassent toutes sortes de disciplines, reflète uneidéologie pragmatique. Les motifs des tissus convoquent une histoire de l’art et du designmodernes, tout en évoquant une économie mondialisée, par leurs origines multiples,inscrites sur les lisières des tissus laissées apparentes. Tissus et dessins se superposentpour composer un palimpseste où la transparence des imprimés est accentuée par laluminosité du lieu. Très coloré, ce dispositif apparaît aussi comme un théâtre de mémoireoù le frottage s’apparente à un geste rituel – geste de freinage dans le mouvementperpétuel où le visuel l’emporte sur le texte, la circulation sur la transmission.A. B.Né en 1969 à Nogent-sur-Marne (France), vit et travaille à Paris (France).56

Les artistes des PrairiesJochen LempertForaging gulls indicate the height of flying insects, 2005.Courtesy de l'artiste et de la galerie ProjecteSD, Barcelone.Ayant étudié la biologie et travaillé comme ornithologue surdes navires de recherche en mer du Nord, Jochen Lempertporte naturellement un regard scientifique sur ses sujetsphotographiques, non sans y distiller une forte dose d'humour,de mélancolie et d'étonnement. L’artiste développe lui-même sestirages argentiques, qu'il présente invariablement sans cadre, detelle sorte que ceux-ci, pourtant désarmants de simplicité, fontobjet. C’est pourquoi l’artiste cherche parfois à complexifier leurstatut d'image en les rendant illisibles, tels des dessins figuratifsou des abstractions. La variété de l’ensemble présenté ici permet demieux saisir la pratique de l’artiste. Stadtstrukturen, qui représenteun couple de pigeons vaquant nonchalamment aux alentoursd'un centre ville désert, est une ironique et touchante parodied'anthropomorphisme. Fly montre une simple mouche planantdans une clarté cristalline contre une haie floue, comme si JochenLempert avait minutieusement immobilisé cet insecte des plusbanals en plein vol, afin de contempler le miracle de la vie. Prenonsle plus récent Untitled (Hoopoe, Delhi) : de l’étendue granuleused'un blanc grisâtre, qui recouvre la quasi-totalité de la surfacede la photographie, surgit une simple huppe filant farouchementdans le coin supérieur gauche. Le pathétique prodigieux de cettephotographie vient de l'apparente ambition de l'oiseau, qui sembleaussi urgente qu'incompréhensible.C. S.Né en 1958 à Moers (Allemagne), vit et travaille àHambourg (Allemagne).dÓra maurerDóra Maurer invoque au cœur de sa démarche leprincipe d’un mouvement constant : certaines deses œuvres peuvent être lues dans un sens ou dansl’autre, et témoigner par la répétition, le pli, laboucle ou la spirale, de processus de retournements,propres aux principes de la gravure. Dès la fin desannées 1960, l’artiste intègre la photographie et lefilm à ses activités, comme traces documentairesmais aussi comme séquences autonomes de gestesélémentaires : marcher, tourner la tête, serrer la main,etc. Dans le film Timing (1973/1980) l’artiste plie unepièce de lin blanc proportionnée aux dimensionsdu cadre de l’image ainsi qu’à la largeur de sesbras ouverts. Au fur et à mesure du pliage, la toiledisparaît, révélant le fond sombre. Dans la vidéoProportions (1979) c’est en quelque sorte son proprecorps que l’artiste va plier, puisqu’après avoir reportésa hauteur sur une bande de papier, elle la rabat etla divise en moitiés puis en quarts. Par une étrangechorégraphie, l’artiste piétine, s’accoude et embrasseensuite cette échelle de grandeur, dont la graduationabstraite ne semble plus correspondre à son étaloninitial, ni à aucune proportion cachée. Subversive, latentative anthropométrique s’inscrirait à rebours detoute normalisation.H.M.Proportions, 1979. Production Hedendaagse Kunst, Utrecht.Courtesy de l'artiste.Née en 1937 à Budapest (Hongrie) où elle vit ettravaille.57

Les artistes des PrairiesHELEN MIRRACo-productionLes Ateliers de Rennes 2012,Frac Bretagne.Avec le soutien des Verrières –résidences-ateliers de Pont-Aven etd'Itinéraire Bis – Galerie du Dourven.Hourly Directional Field Notation, Arizonan Sonoran Desert, 6 January, 2012, 2012.Photographie de l’artiste. Courtesy de l'artiste et de la galerie Nelson-Freeman, Paris.La marche fait partie intégrante du mode de production d’Helen Mirra ; elle en guide lechoix de ses procédures. Les œuvres réalisées pour Les Prairies sont issues d’un protocoleentamé en 2010, que l’artiste poursuit d’un lieu d’exposition à l’autre, d’un pays à l’autre –l’idée étant qu’à chaque exposition soient simultanément montrés les fruits d’une résidenceantérieure et menée une résidence de production. D’une exposition à l’autre se trameainsi une œuvre nomade, élaborée par ricochets et dont les titres – Field Recordings, FieldNotation – suggèrent la pratique de terrain. Les œuvres montrées à Rennes ont ainsi étéproduites à l’hiver 2012 en Arizona ; celles qui seront produites en Bretagne à l’été 2012, entreBrocéliande, Pont-Aven et Trédrez-Locquémeau, seront montrées à Tokyo. Hourly DirectionalField Notation, Arizonan Sonoran Desert témoigne de sept jours de marche effectués dansle désert de Sonora, à la manière des pionniers américains. Chacune de ces déambulationsquotidiennes a été marquée d’une empreinte faite en cours de route, l’artiste badigeonnantd’encre verte une pierre ramassée à ses pieds, pour l’appliquer sur un pan de lin brut, pliédans son sac à dos comme une carte. Cette méthode d’empreinte directe et positive rappellecelle du gyotaku japonais, technique picturale consistant à enduire directement d’encre unpoisson frais pour en faire un tampon réaliste. « Ni photographiques, ni descriptives », lestraces n’autorisent aucune localisation géographique. Pure matérialité, elles traduisentl’empreinte réciproque de l’artiste et du paysage.H. M.Née en 1970 à New York (États-Unis), vit et travaille à Cambridge (états-Unis).58

Les artistes des Prairiesfrédéric moser &philippe schwingerCo-ProductionLes Ateliers de Rennes 2012,Galerie Art & Essai.Alles wird wieder gut, 2006. Courtesy des artistes, de la galerie Jocelyn Wolff, Paris, et de la galerie KOW, Berlin.À mi-chemin entre le théâtre, la performance et le film, les installations vidéo de Frédéric Moseret Philippe Schwinger montrent l’affrontement de figures engagées dans des procédures dereconstitution, de débat et de procès. L’événement dont on discute n’est jamais montré : il reste à définirpar une délibération collective. Par les villages agence cinq films, dont un inédit : Tumeur. Le titre faitréférence à une échelle sociale récurrente chez Frédéric Moser et Philippe Schwinger, celle du village: cellule close partagée entre le repli et l’exode, le communautarisme ou l’individualisme, et exposée àde nouvelles formes de précarité : industrialisation agricole, licenciement, chômage, etc. Le titre Alleswird wieder gut (2006), « Tout ira bien », fait référence au film de Jean-Luc Godard et Jean-Pierre GorinTout va bien (1972) : transposé dans un village de l’ex-Allemagne de l’Est, le piquet de grève des parentss’est éternisé depuis la chute du Mur, servant de mythologie à des enfants confrontés au chômage ettiraillés entre l’action commune, le désir de partir et celui de rester. Les adolescents de Cupidon grandit(2011) ne sont plus des comédiens, mais des amateurs filmés alors qu’ils jouent à un jeu de rôle où lehasard des cartes dicte à chacun une identité à masquer ou à démasquer : villageois ou loup-garou ?Donnerstag (2006) et Acting Facts (2003) montrent respectivement une jeune ouvrière agricole prise dansle travail répétitif de la traite mécanisée et un homme rejouant les témoignages de soldats coupablesd’exactions inhumaines dans des villages que l’on suppose vietnamiens.H. M.Nés respectivement en 1966 et 1961 à Saint-Imier (Suisse), ils vivent et travaillent à Bruxelles (Belgique).retrouvez ces artistes à la galerie Art & Essai59

Les artistes des Prairiesuriel orlowRemnants of the Future, 2010. Diffusion LUX. Courtesy de l'artiste.Uriel Orlow réfléchit aux modalités d’existence d’unemémoire collective, aux formes et aux figures quil’incarnent dans la réalité (personnages, lieux, écrits,images). Dans son film Remnants of the Future (2010),il explore ainsi les ruines de l’idéologie soviétique.La cité H.L.M Mush, située au nord de l’Arménie, futconstruite en 1988 sur décision de Mikhaïl Gorbatchevafin d’héberger des populations déplacées de lazone sismique de Stipak. Mais, suite à l’effondrementde l’Union soviétique en 1991, le projet est resté ensuspens. Cette ville fantôme relève de l’hétérotopiefoucaldienne dans le sens où, inachevée, elle n’estmentionnée sur aucune carte ; elle advient comme unlieu fantasmagorique, quoique réel. Mush, qui tient sonnom d’une ville éponyme située à l’est de la Turquieen Anatolie, est le sujet de Plans for the Past (2012), lesecond volet de Remnants of the Future. Cette villeapparaît elle aussi figée dans le temps : elle fut le lieudu massacre des Arméniens, premier génocide reconnude l’histoire du x x e siècle, quoique nié ou contesté parles différents gouvernements turcs.M. C.Né en 1973 à Zurich (Suisse), vit et travaille entreLondres et Zurich.Nasrin tabatabai & babak afrassiabi (PAGES)À travers leurs projets de recherches et leur revue bilingue anglaispersan,Nasrin Tabatabai et Babak Afrassiabi explorent les conditionshistoriques, politiques et culturelles de la production artistique en Iran.Two Archives (2011) intègre deux sources différentes : les archives dela compagnie de pétrole anglaise BP (British Petroleum), documentantl'histoire des premières exploitations de pétrole au Moyen-Orient, etla collection d’art moderne occidental du musée d’Art contemporain deTéhéran. En 1970, alors que l’exportation de l’or noir est à son apogée,le musée d’Art contemporain de Téhéran constitue la collection laplus importante du Moyen-Orient grâce à l’argent d’une compagniepétrolière. Dans l’espace d’exposition, un assemblage de deux derrickspétroliers et la copie d’un caisson de ventilateur de raffinerie ouverten deux se posent en écho à la sculpture moderne. La vidéo en bouclesuperpose la sortie d’usine des travailleurs avec le même extraitmonté à l’envers, le départ devenant ainsi le retour dans la raffinerie.La réplique d’un album photographique documente l’architecturedes habitations de l’entreprise tandis qu’une série de lettres retraceune correspondance en vue du tournage d’un reportage flatteur etidéologique de la compagnie. Les tableaux s’inspirent de photographiesdes réserves de la collection du musée. La superposition de ces deuxarchives rend manifeste le caractère inachevé de l’histoire de lamodernité iranienne en partie façonnée par l’économie du pétroledepuis le début du x x e siècle.F. O.Nasrin Tabatabai (né en 1961 en Iran) et Babak Afrassiabi (né en 1969en Iran) ont fondé PAGES en 2004 à Rotterdam (Pays-Bas) où ils viventet travaillent.Wooden Oil Derrick Superimposed with Steel Oil Derrick,Two Archives, 2011. Vue de l'installation, BadischerKunstverein, Karlsruhe (Allemagne) 2011.Photographie : Stephan Baumann.60

Les artistes des Prairiesgyan panchalProductionLes Ateliers de Rennes 2012.Dhrso, 2011. Courtesy de l’artiste et de la galerie Frank Elbaz, Paris.Tel le géologue, Gyan Panchal sondeles matériaux de notre environnementquotidien, explore leur cycle deproduction et leur origine, révélantaussi leur histoire. Il travaille desmatières industrielles brutes, souventdérivées du pétrole, telles que lespolymères ou les plastiques, etauxquelles il associe des poudresnaturelles (charbon, graphite, etc.) Sesformes résultant d’un conditionnementindustriel situent sa sculpture du côtéd’une abstraction concrète. Son travaildélicat révèle une sédimentationdes matériaux et s’ancre dans unehistoire économique et organique.Pour Les Prairies, l’artiste a réaliséune sculpture spécifique danschacun des deux lieux de l’expositioncollective. Bien qu’autonomes, cesdeux sculptures sont pensées commedeux moments d’une même œuvre :deux projections dans un espace àinvestir. La première prend place ausein d’un bâtiment des années 1970 enrénovation, lieu brut où prédomine lebéton, ouvert sur l’extérieur avec sesparois vitrées : l’œuvre prend appuicontre l’un de ses piliers, longeant lepaysage. Trois feuilles de cartonplume,courbées et recouvertes depoudre de sanguine, se déplient.Utilisé par les architectes pour leursmaquettes, ce matériau s’accorde avecdes formes architectoniques, commeavec l’idée de projection spatiale. Dansles salles d’exposition « cube blanc »du Frac Bretagne, l’artiste procède à unnouveau déploiement : du mur au sol,le dépliage en accordéon de longues etfines plaques isolantes projette dansl’espace un relief accidenté et feuilleté.La prospection à la fois conceptuelle etmatérielle de Gyan Panchal allège lescontraintes spatiales et s’affranchit dela pesanteur.A. B.Né en 1973 à Paris (France), où ilvit et travaille.61

Les artistes des PrairiesneŠa paripoviĆN.P., 1977. Collection Kontakt, Vienne. Courtesy de l'artiste.N.P. 1977, 1977. Courtesy de l'artiste et de la galerie Kontakt, Vienne.Collection Erste Group et Erste Foundation, Vienne.Neša Paripovicć ´ est une figure importante de l'art conceptuel serbedes années 1970. Marqué par la théorie critique du groupe Praxis(qui postule que le léninisme et le stalinisme ne respectent pasl'orthodoxie marxiste et la détournent au profit d'une idéologiede Parti), il est l'héritier d’une modernité avant-gardiste. Il réaliseà l’époque de nombreuses œuvres dans lesquelles il s’attache àdéconstruire l’identité du peintre, voire de l’artiste. Le premier voletde la trilogie NP – ses initiales – en est un exemple significatif : levisage peint, face à la caméra, il se livre à une gestuelle silencieuse,se moquant de son statut d'artiste. Dans NP77, le film présenté dansLes Prairies, il traverse d'un pas rapide la ville de Belgrade selonune ligne imaginaire, sautant par dessus des barrières, escaladantdes toits, franchissant une autoroute, des cours et des jardins.Ostensiblement politique, la performance n’en relève pas moins d’uneposture également esthétique et ironique, proprement dandy : en effet,l’artiste est vêtu d’un costume à la mode, et marche nonchalammenten chaussures cirées. Néanmoins, il incarne une position conceptuelle,son geste niant l'architecture de la ville, aplatie telle une surface surlaquelle il dessine une ligne avec son corps. Critique et ludique, sadérive situationniste désobéit ouvertement aux règles.M. C.Né en 1942 à Belgrade (Serbie), où il vit et travaille.62

Les artistes des Prairiesmanfred perniceTiefengarage, 2008. Vue de l'installation, Culturgest, Lisbonne.Courtesy de l'artiste et de la galerie Neu, Berlin. Photographie : DMF, 2008.Les sculptures, de l’ordre del’installation, de Manfred Perniceévoquent les éléments d’unmobilier domestique et urbain.Ses sculptures architectoniquesemploient des matériaux pauvres –carton, contreplaqué, aggloméré,béton. Certains signes leurconfèrent un apprêt modeste, voireterne, marquant la persistanced’une esthétique, constituée aposteriori, de l’Allemagne de l’Est.En 2008, l’installation Tiefengarageavait été conçue pour les espacesde Culturgest à Lisbonne. Le titreallemand est une composition del’artiste, qui, en agglutinant aumot garage l’adjectif tiefen, faitallusion à la « psychologie desprofondeurs », la Tiefenpsychologie,notion fameuse de psychanalyse.Peint en gris à mi-hauteur, remplide bancs et de tabourets de bois,d’objets et de photographies,l’espace de Tiefengarage observebel et bien l’esthétique du souterrainfait pour remiser des articles horsd’usage. Parking, garage ou cave. Eneffet, la psychologie n’est pas excluede cet espace dont l’inaccessibilitépeut symboliser un inconscientenfoui, voire refoulé. Les cadresaccrochés au mur renferment desimages que l’on peut discernermalgré la faible lumière : elles sontdes reproductions d’illustrationset de photographies issues desarchives d’un étudiant d’arttchécoslovaque à Berlin Ouest dansles années 1960. Cet assemblageiconographique uniformément noiret blanc traduit l’intrication d’uninconscient collectif et personnel.H. M.Né en 1963 à Hildesheim (Allemagne),vit et travaille à Berlin (Allemagne).retrouvez cet artiste au Musée des beaux-arts de Rennes63

Les artistes des PrairiesPRATCHAYA PHINTHONGCo-ProductionLes Ateliers de Rennes 2012,La Criée, centre d'art contemporain.sleeping sickness, 2012. Courtesy de la galerie gb agency, Paris. Photographie : Pratchaya Phinthong.Les œuvres de Pratchaya Phinthong, qui sont de l’ordre du projet, peuvent prendre desformes sensiblement différentes. Reposant sur des procédures de déplacement, elles mettenten relation des situations aux antipodes qui, sans lui, s’ignoreraient, et font ainsi apparaîtreune situation sociale, géographique et économique particulière. sleeping sickness est leprolongement d’un projet initié par Pratchaya Phinthong pour la documenta 13 (Kassel,2012) autour de la maladie du sommeil, affection mortelle qui touche notamment lespopulations d’Afrique sub-saharienne. Face au prototype de piège à mouches qu’il a conçuavec des chercheurs et des scientifiques (il ressemble à une simple tente de toile bleue),un moniteur diffuse la bande son d’une campagne de santé sur la maladie du sommeil.Les images ayant été effacées, seuls restent le script, transcrit par des sous-titres, et undessin réalisé par l’illustrateur thaïlandais Vichai Malikul qui permet d’accéder à unereprésentation du fléau. Par ailleurs, lors de l’ouverture de l’exposition, cinq tentes bleuesont été déployées en Zambie, éthiopie et Tanzanie afin de tester en situation l’efficacité deces pièges. Tout le long de l’exposition, les populations locales sont invitées à transmettredes images des pièges en contexte, images qui seront exposées dans l’espace de La Criée.Avec sleeping sickness, Pratchaya Phinthong présente une œuvre où se joignent processusde recherche et de création tout en faisant glisser le geste artistique vers le champ social.C. B.Né en 1974 à Ubon Ratchathani (Thaïlande), vit et travaille à Bangkok (Thaïlande).retrouvez cet artiste à La Criée64

Les artistes des Prairiesjorge satorreDivine Truth. Evidentiary Piaxtla. (Détail). 2008-2010.Courtesy de l'artiste .judith scottInspiré de la micro-histoire formalisée par l’historien CarloGinzburg, l’artiste Jorge Satorre travaille à partir de faitset de leurs récits, tissant des interprétations autour d’uneidée fixe, voire obsédante : un fait, dès lors qu’il est relaté,se constitue en récit. Son œuvre manifeste une parfaitecoïncidence entre théorie et pratique : les méthodesutilisées rendent compte d’une réflexion sur la transmissionet l’interprétation, sans pour autant être illustratives.L’installation finale, qui associe souvent dessins etdocuments, compose un prisme à plusieurs facettes :documentaire, historique, fictionnelle et personnelle. Ledispositif spatial restitue une expérience mnémoniquecollective et individuelle. Jorge Satorre fait de la microhistoiretout en produisant des métarécits. La notion depoint de vue est d’ailleurs mise en œuvre dans le processusde réalisation lui-même : ainsi, pour Divine Truth, a-t-ildemandé à différentes personnes de réaliser des dessins àpartir d’une même histoire. Cette œuvre complexe, présentéepour la première fois dans son intégralité, se compose deplusieurs strates et entrelace divers éléments narratifs. Onperd parfois le fil de ces récits que l’installation très épuréecondense et déploie à la fois. La série de dessins recouvertsde noir, « tel un film surexposé », contredit et suspend lavocation didactique et testimoniale de l'image illustrée, touten créant un écran de projection pour le regardeur, invité àentrer dans la profondeur des images. La lecture devient uneenquête, donc une quête.Né en 1979 Mexico (Mexique), où il vit et travaille.Sourde et muette, atteinte de trisomie, Judith Scottréalise des sculptures à partir d’objets qu’elle enroulesous des couches de laines. Placée dans des conditionsqui encouragent la création, elle développe un art à based’assemblages : elle ligote des objets qu’elle récupère,les enrobe dans des fils colorés ou dans des bandes detissus. Le plus souvent, les objets perdent leur formeoriginelle en s’effaçant sous l’épaisseur de l’écheveau.Ni informes, ni difformes, ils sont plutôt le résultatd’une transformation par recouvrement. Ses sculpturesévoquent des cocons, des poupées, des nœuds ou desœufs, voire même des excroissances physiques ouencore des objets rituels aux pouvoirs magiques. Unefois l’objet suffisamment enrobé, elle s’en désintéresse,le mettant de côté avant de passer à l’ouvrage suivant, etréitérer le processus. Glaner, enrober, nouer, dissimuler,telle semble être la démarche de l’artiste dont on nepeut certifier les intentions esthétiques ni la volontésymbolique. Des images d’archives, qui la montrent autravail, révèlent la précision de ses gestes, les choix desmatériaux, des couleurs et des textures qu’elle assemble,le caractère sensuel et physique de l’acte, l’importancedu toucher.M. C.Née en 1943 à Cincinnati (états-Unis), décédée en 2005.Sans titre (titre attribué : Poupée, 1992). Collection LaM Lille Métropolemusée d’art moderne, d’art contemporain et d’art brut, Villeneuve d’Ascq.Photographie : Philip Bernard.65

Les artistes des PrairiesYANN SéRANDOURProductionLes Ateliers de Rennes 2012.Un cours d’eau paresseux à travers les prairies, 2012. Courtesy de l'artiste et de la galerie gb agency, Paris.Photographie : Yann Sérandour.La pratique de Yann Sérandour se développe au cœur des bibliothèques et des livres. Il a ainsiproduit nombre d’œuvres à partir de celles d’artistes conceptuels historiques privilégiant letexte, le livre ou l’imprimé, dont il a prolongé, détourné des œuvres emblématiques. Il a adoptédes procédures d’index, de liste, de reproduction, les appliquant à ceux-là mêmes qui en furentles pionniers. Son art de référence, maniant la citation et l’appropriation, joue des signes etde leurs significations et propose une relecture, voire de nouveaux récits de l’art et de sonhistoire. Un cours d’eau paresseux à travers les prairies serait la traduction, adaptée pour LesPrairies, du nom de la technique japonaise de décoration du papier : le suminagashi. Dansune cuve d’eau claire, l’encre est déposée par touches successives à l’aide d’un pinceau pourformer des ondes concentriques que l’artiste fait ensuite bouger avec un éventail. Lorsque ledessin est terminé, il pose une feuille de papier sur la surface de l’eau pour reproduire parempreinte le motif en suspension. Dans une installation composée d’une série de huit cuvesen inox, Yann Sérandour revisite cet art imprimé fugitif où l’attention portée à l’expression deforces naturelles supplante la volonté de maîtrise de l’artiste. Les formats et l’emplacement descuves dans l’installation reprennent la disposition des vitrines du Cabinet du livre d’artiste,autre lieu d’exposition où Yann Sérandour prolonge son projet en compagnie de Mathieu K.Abonnenc et de Pierre Leguillon.A. B.Né en 1974 à Vannes (France), vit et travaille à Rennes et Paris (France).66

Les artistes des PrairiesMathieu K. AbonnencPierre Leguillonyann sérandourCo-ProductionLes Ateliers de Rennes 2012,Cabinet du livre d'artiste.Avec le soutien del'entreprise Self Signal.Sans Tambours ni trompettes, 2012. Photographie : Yann Sérandour.Pour preuve que « tout, au monde, existe pour aboutir à un livre », Yann Sérandour, artistecoutumier de l’imprimé, s’attache ici au premier degré d’existence du livre : la fabrication dupapier, convoquant dans son installation au Newway Mabilais, tant les tâtonnements du génialimprimeur-chercheur des Illusions perdues, que l’ancestrale technique japonaise du suminagashi.Cet outil pédagogique – un manuel sur l’histoire de la fabrication du papier publié en 1954au Japon – est utilisé comme matrice puisque sa page de garde, marbrée, est agrandie auxproportions du Cabinet du livre d’artiste. Les huit vitrines du lieu reçoivent chacune l’image de laparcelle correspondante. À partir de là, le CLA devient une étendue donnée, comparable à la paged’un livre, et l’intervention des artistes répond à une problématique propre à la mise en page quibascule ici dans les trois dimensions de l'architecture. Sur le papier vierge viendront d’abord lesimages, des tirages vintage provenant d'agences de presse : celles fournies par Pierre Leguillon,collectées depuis des années et montrant ici des bibliobus américains des années 1950. Suivraensuite le texte : notes, dates et légendes, inscrites par Mathieu K. Abonnenc à même le plexiglasdes vitrines, en suivant le cours des marbrures du papier et créant une frise historique dont larigueur est contrariée par l’aléatoire de la technique de fabrication du papier. Ainsi, en travaillantpar couche, chacune correspondant à un artiste, à un médium et à un niveau de lecture, YannSérandour, Pierre Leguillon et Mathieu K. Abonnenc convoquent une fabrique de l’histoire, réduiteau microcosme de l’espace d’une vitrine.A. N.retrouvez ces artistes au Cabinet du livre d’artiste67

Les artistes des Prairiesmichael e. smithProductionLes Ateliers de Rennes 2012.Trouble stand, 2011. Courtesy de l'artiste et de la galerie KOW, Berlin. Photographie : Alexander Koch.Le travail de Michael E. Smith, artiste né à Détroit, n'est pas exactement de ceux qu’onpourrait qualifier d’optimistes. D'un caractère résolument post-apocalyptique, saproduction évoque des fragments humains, des catastrophes urbaines et des restesméconnaissables ; elle est de l’ordre de la conséquence. Le penchant de l'artiste pourdes matériaux industriels inhabituels, parmi lesquels plastiques, sièges automobiles,mousses et textiles, ainsi que pour un déploiement de techniques, telles que la cuissonau grill ou la fonte, semblerait plus adapté à des tests de « résistance produit » qu'à lacréation artistique. Mais c’est précisément ce genre d'expérimentations à la limite de lapsychopathie qui caractérise sa pratique. L’artiste dispose soigneusement ses œuvresdans des endroits insolites (en bas d’un mur, au plafond, dans les coins), l'installationpourtant épurée de ses œuvres étant aussi importante que les œuvres elles-mêmes. Et, endépit de son économie de moyens, l’effet dramatique est certain. Mais toute cette tristesseet ces drames n’affectent pas son incomparable humour : sa vision du monde s’affirme demanière tellement sinistre et grave qu’il serait impossible de ne pas s’esclaffer devantelle. La tragédie et l'anxiété apocalyptiques semblent bien trop âpres et intenses pour nepas porter en elles leur propre catharsis, nécessaire.C. S.Né en 1977, à Detroit (états-Unis), où il vit et travaille.68

Les artistes des Prairiesbatia suterProductionLes Ateliers de Rennes 2012.Shelter Series, 2012. D. R.Depuis le milieu des années 1990, Batia Suter collectionne, compile et reproduitdes milliers d’images. Les livres d’occasion qu’elle chine pour leurs illustrationssont parfois exposés tels quels – ouverts, alignés ou en quinconce – formantd’épais tapis ou de longues tablées d’images. Mais le plus souvent l’iconographieen est extraite pour faire l’objet d’une redistribution murale ou éditoriale. Au seindes sommes d’images amassées par Batia Suter, les critères de regroupementfluctuent : certaines sont rapprochées car leurs objets présentent des affinitésmorphologiques, fonctionnelles ou iconographiques ; d’autres semblent enrevanche réunies par leur seule trame d’impression. Les trames des devantures,bouches d’égouts et chemises à carreaux que Sol LeWitt réunissait justement engrille dans son livre PhotoGrids (1977) annonceraient la démarche conceptuellede Batia Suter. L’inventaire des toits regroupés dans Roofs (2012) tient aussides typologies architecturales des photographies de Bernd et Hilla Becher.A quelques différences près cependant, Batia Suter collectant des imagespréexistantes, délaissant la grille pour l’empilement et éclatant la circonscriptiontypologique pour une acception ultra-large de la toiture, des mégalithes deStonehenge à la Chapelle de Ronchamp de Le Corbusier. Car entre-temps, basesde données et moteurs de recherches du type Google Image auraient peut-êtrechangé la donne, vers une profusion antihiérarchique et décloisonnée.H. M.Née en 1967, à Bülach (Suisse), vit et travaille à Amsterdam (Pays-Bas).69

Les artistes des Prairiesfrancisco tropaProductionLes Ateliers de Rennes 2012.Terra Platónica, 2012. Courtesy de l'artiste et de la galerie Quadrado Azul, Porto. Photographie : Guilherme Carmelo.La pratique de Francisco Tropa, artiste portugais vivant à Lisbonne, est un exemple actuelparfait de ce que Harald Szeemann qualifiait de « mythologie individuelle ». L’artiste ne créepas seulement des objets, il élabore aussi des constellations de références spécifiques danslesquelles ceux-ci peuvent être idéalement lus. Malgré le caractère potentiellement ésotériquede ses œuvres, il n'est pas un mystique. Ses œuvres – sculptures, performances, photographies,dessins et impressions – puisent leur source dans l'histoire des médiums qu'il utilise, dansl'art antique, la philosophie et la littérature, ainsi que dans les thèmes classiques que sont lememento mori, le rituel, le jeu et le temps. Saisissante et énigmatique, Terra Platonica (2012),associe plusieurs des centres d’intérêts de Francisco Tropa : une technique de fabricationde l'art classique – le moulage en bronze – et les questions de rituel et de temps. La pièces'inspire d'une étrange photographie d'Edward S. Curtis, issue de sa célèbre série sur lesIndiens d'Amérique du Nord, qui représente un rite funéraire d'une teneur obscure. L’artistecrée donc un moulage à partir de la prétendue momie, repliée en position fœtale et présentéeici suspendue par des câbles. Le titre se réfère à la croyance pré-copernicienne en une Terreplate au centre de l'univers. L'incompréhension dont témoigne Curtis dans la représentationde ce mystérieux rite pourrait être du même ordre, comme s'il s'agissait d'une analogiemicrocosmique avec le modèle pré-copernicien.C. S.Né en 1968 à Lisbonne (Portugal), où il vit et travaille.70

Les artistes des Prairiesandré valensiObjet d’Analyse, 1969. Collection Musée d’Art Moderne de Saint-Etienne Métropole.Photographie : Yves Bresson.André Valensi est l’un des théoriciens et des artistes fondateurs dugroupe Supports / Surfaces (1969–1972) considéré comme la dernièreavant-garde abstraite en France. Puristes et militants politiques,les artistes du groupe déconstruisent la peinture, la réduisent à sescomposants essentiels (tableau, surface, grille, châssis, cadre, etc.)et lui refusent toute influence extérieure (narration, histoire de l’art,vie de l’artiste, etc.) Les Objets d’analyse proposent ainsi différentesétudes sur la couleur, la forme et le rapport à l’espace. L’artiste ydécompose méthodiquement le marron en bleu, jaune, rouge ou violet,qu’il applique sur des passepoils ou des ligatures de fibres dont il faitensuite des « chaînes de chaînes ». Il déclarait pourtant qu’il n’avait« surtout pas réalisé d’objets à partir de techniques de tressages ou detissages » dont « il ne connaissait rien ». Car si, comme Claude Viallat,André Valensi utilisait les cordages et les filets, c’est pour emprisonnerle regardeur : Pièges à regards rappelle évidemment l’installation deMarcel Duchamp pour l’exposition First Paper of Surrealism en 1942. Sagrille mouvante transpose le plan dans l’espace tridimensionnel ; ladéambulation du spectateur fait alterner vides et pleins et mouvoir lescouleurs. André Valensi quitte Supports / Surfaces au cours de l’année1971 pour se consacrer à la réalisation de nombreuses toiles.Né en 1947 à Paris (France), décédé en 1999.71

Les artistes des Prairiesmarion verboomCo-ProductionLes Ateliers de Rennes 2012,40mcube.Charte, 2012. Vue de l'installation. Photographie : Marion Verboom.Les sculptures de Marion Verboom hybrident des formes empruntées à l’histoire de la sculpture,à l’architecture et à la géologie mais sont unifiées par la matière. Le travail de l’artiste puisesa source dans le dessin, grâce auquel elle a mis en place un vocabulaire de formes et uneappréhension de la sculpture plus libre, affranchie des questions de fonctionnalité ou defaisabilité. Cette liberté lui permet de jouer le fragment comme forme autonome autant quecomme partie d’un tout, dans des assemblage à l’équilibre précaire. Sa pratique s’apparente àcelle de la greffe, conceptuelle et physique : Marion Verboom mêle aux motifs figuratifs ceux dela sculpture minimale, aux formes issues de l’architecture celles des concrétions sédimentaires.à travers ses œuvres, l’artiste semble d’ailleurs explorer deux conceptions pourtant opposéesde l’architecture, celle de John Ruskin prônant son aspect ornemental et celle fonctionnalisted’Adolf Loos, déjouant dans une même sculpture ces enjeux en ne la rendant ni fonctionnelle nidécorative. Agger emprunte son titre au nom latin désignant des fortifications en forme de levéesde terre à l’époque romaine. Composée de modules travaillés par l’impact de la lumière surleurs reliefs, l’exposition oscille entre la fluctuation organique d’une surface et la rigueur d’unecomposition géométrique, se contractant ou se déployant aux mesures de l’espace qui l’accueille.L’exposition forme une composition, une cosmogonie comprenant la nature, le corps humain,l’outil et la construction, une « modélisation par la main d’une terre ou d’un paysage ».A. L.Née en 1983 à Nantes (France), vit et travaille à Paris (France).retrouvez cette artiste à 40mcube72

Les artistes des PrairiesMARIE VOIGNIERCo-productionLes Ateliers de Rennes 2012,Frac Bretagne.Le Terrain était déjà occupé (le futur), 2012. Courtesy de l'artiste et de la galerie Marcelle Alix, Paris.Les vidéos et les films de Marie Voignier trouvent leurs sujets variés dans la réalité : un vieuxparc d’attraction western abandonné, une plage tropicale artificielle en ex-Allemagne de l’Est,un phénomène de migration d’oiseaux dévastateurs pour les cultures agricoles. Son traitementsobre joue sur différents registres filmiques – fictionnels, documentaires, cinématographiques –,soulignant ainsi la réversibilité des genres et des points de vue sur une situation. Si ses œuvresrestituent différents aspects d’un fait, elles en montrent l’étrangeté et l’absurdité, à travers sareprésentation même : ses films mettent au jour l’envers d’un décor réaliste. Pour les Ateliers deRennes 2012, en écho avec l’esprit des Prairies, l’artiste s’est mise en situation : face à un terrain,enquêtant sur les différentes façons d’aborder un espace en vue de sa construction. Un géomètre,une urbaniste, un paysagiste expriment tour à tour leur vision et expliquent leur pratique, faisantéclater la perception simple d’une étendue déployée. Pour cette œuvre vidéo, Marie Voignier s’estinspirée des documentaires sur l’architecture qu’éric Rohmer a réalisés avec Jean-Paul Pigeat, pourla télévision, dans les années 1970, et qui ont été une source essentielle dans l’écriture du projetartistique de la commissaire. Quarante ans plus tard, l’on mesure le changement de point de vuesur un terrain non construit : pré, prairie, terrain vague. On ne dit plus, comme l’un des architectesdans le film de Rohmer désignant un vaste champ : « Voyez, là, il n’y a rien ». Le regardeur pourraréévaluer sa perception de la réalité construite.A. B.Née en 1974 à Ris-Orangis (France), vit et travaille à Paris (France).73

Les artistes des Prairiesjackie winsorYellow inside out piece, 1984-1985. Collection Frac Bretagne.Photographie : Florian Kleinefenn.Želimir ŽilnikAssociée à la génération post-minimale (Eva Hesse, Bruce NaumanRichard Serra, Richard Grosvenor), Jackie Winsor développe unepratique singulière qui met en tension vocabulaire abstrait et travaildes matériaux. Dès ses premiers travaux, dans les années 1960,Jackie Winsor témoigne d’un intérêt pour la forme, les matériaux etleur relation à l’espace. Elle s’attache d’abord à ordonner – cordes,ficelles, filins d’acier –, puis combine ensuite cordages, briques,clous ou bois. Guidée par le matériau, l’artiste conserve unegrammaire géométrique : carré, cube, grille. Or ce langage lui permetprécisément d’accentuer un travail des matériaux, qui se manifesteen particulier dans des procédures de tressage ou de nouage (Boundgrid, 1971-1972), mais également de découpes visibles (Yellow insideout piece, 1984-1985). Bound grid est un parfait exemple de sa façonde faire : cette grille est composée de branches de bois attachéesavec du chanvre tressé. Le geste (nouage, tressage, torsion) et l’épaiscordage lestent tant la forme qu’elle ressemble à un objet artisanalou à un outil agricole. En outre, les procédures manuelles de JackieWinsor acquièrent un sens rituel : le sens d’un rituel artistiqueinvoquant une présence au sein d’un modernisme désincarné dontl’artiste reprend néanmoins des principes ou des motifs, tels que larépétition, la géométrie, la sérialité. Si les formes et le vocabulairesont minimalistes, la matière habite des formes et travaille unegrammaire de l’intérieur. Ces sculptures produisent la sensationd’une « existence acharnée ».A. B.Née en 1941 à Newfoundland (Canada), vit et travailleà New-York (État-Unis).Le cinéma de ŽZelimir ̌ ŽZilnik ̌ se fonde sur uneapproche documentaire directe d’une réalité sociale.Les protagonistes de ses films sont souvent desmarginaux exclus d’un système social et politique(enfants des rues, chômeurs, sans-abri, étrangers,travestis, sans-papiers, tsiganes). Le cinéaste seconcentre sur différentes formes de dominationou d’exclusion étatique. Black Film (1971) montrel’artiste dans les rues de Novia Sad (Serbie) abordantdes sans-abri qu’il invite chez lui durant deux jours.Sa caméra devient alors le témoin d’une situationexceptionnelle, puis d’un débat insoluble sur laquestion des sans-logis. Zilniǩfera d’ailleurs preuved’une ironie noire en confiant à propos de ce projetavoir eu une position ambiguë : celle de vouloir faireun film socialement engagé en guise de pardon touten ne pouvant garder ces hommes chez lui du fait deleur terrible odeur. Black Film, expliquera-t-il plustard, est un essai sur la position du cinéaste. L’œuvreest emblématique de la Black Wave yougoslave(1963-1972) à laquelle il participe aux côtés deDušan Makavejev, ŽZivojin ̌ Pavlovicćou ̌ AleksandarPetrovicćet ̌ qui, comme d’autres « nouvelles vagues »cinématographiques de cette période, bouleverse lecinéma européen.M. C.Black film, 1971. Courtesy de l'artiste. D. R.Né en 1942 à Niš (Serbie), vit et travaille à Novi Sad(Serbie).74

Les artistes des PrairiesGare SNCF, parvis sudLOIS WEINBERGER,Garden, 1994-2012.ProductionLes Ateliers de Rennes 2012.Depuis le début des années 1970, Lois Weinberger milite en faveurd’une végétation spontanée. Rétif aux plantations et désherbagesvolontaristes comme aux idéaux de pureté et d’épurationafférents, l’artiste plaide pour la mauvaise herbe, la marge etl’interstice. Les visées de Weinberger sont en fait plus politiquesque botaniques, car à travers la dynamique des espèces indigèneset néophytes c’est la lutte du natif et de l’immigré qu’il évoque,et ses problématiques identitaires et migratoires. Des processusd’hybridation, de colonisation et de parasitage s’accomplissent envue d’une indistinction progressive du « sauvage » et du« cultivé », car chez Weinberger, c’est la plante adventice, invasiveet vivace qui gagne. Réactivé pour les Ateliers de Rennes 2012,Garden infiltre un interstice de la ville de Rennes. Bordé dechemins de fer, d’une prison et d’un terrain vague, le parvis sud dela gare offre une frange particulièrement indéterminée où disposerdeux mille seaux de plastique jaune, remplis de terre et devégétation spontanée. « Je ne sème rien, je ne plante rien, je laissele sol ouvert à la nouveauté d’où qu’elle vienne – du vent, desanimaux et aussi de la terre elle-même » affirme l’artiste adeptedu « laisser-advenir ». Avec le temps, les seaux se décolorentet craquent sous la pression de leur contenu. Prospérant surles décombres et le long d’axes de circulation riches en azote,la végétation dite rudérale (du latin rudus, « plâtras, déblais,décombres ») figure au rang des « pestes végétales » à abattre.Pour elle, l’artiste imagine divers plans de réinsertion : défoncerl’asphalte pour que des herbes sauvages s’y infiltrent (BRENNENund GEHEN, 1995) ou leur ménager en ville d’imprenables « cagesde liberté » (Wild Cube, 1991-1992). Tout comme les sacs desJardins transportables, les seaux offrent l’avantage d’une culturehors-sol, une forme de supra-territorialité favorable à une « librecirculation », sans entrave ni racine.H. M.Né en 1947 à Stams (Autriche), vit et travaille àVienne (Autriche).Garden, 2002. Vue de l'installation, Lower Austria Museum, St Pölten.Courtesy de l'artiste.Des seaux en plastique sont disposés sur une surface de béton,remplis de terre provenant d'un terrain vague. Cette terrecontient des graines / le travail va donc se développer par luimême.Végétation spontanée. Avec le temps, tout ce qu'il resterades pots sera des fragments / plastique incolore sur une zoneenvahie par les herbes. Ceux-là aussi finiront par se dissoudreet les fleurs seules se souviendront de leur couleur initiale. Plustard, mon travail ne sera plus guère remarqué / le créateur auradisparu.L.W., Vienne, 1994.76

MédiationLe service des publics des Ateliers de Rennes a mis en œuvre un ensemble de propositions dontl’ambition est d’offrir à un large public des moments privilégiés de rencontre avec le projet artistiqueLes Prairies. Des visites accompagnées, des parcours croisés d’un lieu à l’autre, des parcoursarchitecturaux et urbains ainsi que des ateliers-goûters sont organisés durant toute la biennale.Ces actions se déroulent dans les deux sites d’accueil des Prairies, le Newway Mabilais et le FracBretagne, mais aussi dans les différents lieux partenaires de la biennale.Visites et parcoursL’exposition collective se déploie dans deux lieux, le Newway Mabilais et le Frac Bretagne, où desmédiateurs sont disponibles pour vous accueillir et vous accompagner lors d’une visite.Visites tout publicNewway MabilaisLe mercredi à 12h30 et à 17h, le samedi à 17h, le dimanche à 15h.Rendez-vous à l’accueil du Newway Mabilais.durée : 1h30 environ / tarif : 2€. SUR RESERVATION.Frac BretagneLe samedi à 15h.Rendez-vous à l’accueil du Frac Bretagne.durée : 1h30 environ / tarif : 2€. SUR RESERVATION.Accueil des groupes // Les groupes sont accueillis du mardi au dimanche sur rendez-vous.Newway Mabilaistarif : 2€. SUR RESERVATION (auprès du service des publics des Ateliers de Rennes).Des visites en langue des signes, destinées aux déficients auditifs, sont programmées une fois parmois, ainsi que deux visites descriptives destinées aux déficients visuels.Frac Bretagnetarif : 2€. SUR RESERVATION (auprès du service éducatif du Frac Bretagne).Visites destinées aux jeunes publicsGroupes scolaires // Les groupes scolaires sont accueillis du mardi au vendredi (9h-12h et 13h30-17h).Centres de loisirs // Les centres de loisirs sont accueillis le mercredi et pendant les vacances scolaires(9h-12h et 13h30-17h).Newway Mabilaisdurée : 1h30 / tarif : 1€ par enfant. SUR RESERVATION€(auprès du service des publics des Ateliers de Rennes).Frac Bretagnedurée : 1h30 / tarif : 1€ par enfant. SUR RESERVATION€(auprès du service éducatif du Frac Bretagne).78

MédiationAteliers-goûters // La proposition s’adresse aux enfants de 6 à 11 ans.Ces ateliers se déroulent au Frac Bretagne (espaces du service éducatif).Les samedis 6 octobre, 10 novembre et 8 décembre à 14h.durée : 2h / tarif : 2€ (goûter inclus) par enfant. SUR RESERVATION€(auprès du service des publics desAteliers de Rennes). Limité à 12 enfants.Parcours croisésCette proposition associe l’un des deux sites d’exposition des Prairies, le Newway Mabilais ou leFrac Bretagne et deux autres lieux parmi les six structures partenaires de la biennale : la Criéecentre d’art contemporain, le Musée des beaux-arts de Rennes, le PHAKT Centre Culturel Colombier,40mcube, le Cabinet du livre d’artiste et la galerie Art & Essai. Les parcours croisés varient enfonction des lieux visités. La formule permet d’approfondir des thématiques communes à différentsartistes et d’aborder plus particulièrement certains axes de l’exposition.Les vendredis 12, 19 et 26 octobre, 2 et 30 novembre, 7 décembre à 14h.Lieux : Newway Mabilais & Frac Bretagne + deux autres lieux.durée : 2h30 environ / tarif : 4€. SUR RESERVATION €(auprès du service des publics des Ateliers deRennes). Les déplacements peuvent s’effectuer à pied ou en transport en commun (Ligne 4), chaqueparticipant s’acquittera alors d’un titre de transport.Parcours « Attitudes urbaines »Au cours d’une promenade à Rennes, un spécialiste de l’architecture décrypte la ville moderne, ennous éclairant sur des conceptions et des notions architecturales et urbanistiques. Il nous invite àobserver nos manières d’habiter ou d’occuper des espaces.Les vendredis 21 et 28 septembre, 5 octobre, 9, 16 et 23 novembre à 14h.Rendez-vous à l’accueil du Newway Mabilais.durée 2h30 / tarif : 4€. SUR RESERVATION €(auprès du service des publics des Ateliers de Rennes).Limité à 12 personnes. (Ces séances sont programmées sous réserve des conditions climatiques etd’un nombre minimum de participants).CONTACTS, RENSEIGNEMENTS ET RESERVATIONSNewway Mabilaiswww.lesateliersderennes.frService des publics :Tél : 02 23 45 43 93mediation@lesateliersderennes.frFrac Bretagnewww.fracbretagne.frService éducatif :Tél : 02 99 84 46 10brigitte.charpentier@fracbretagne.frlorie.gilot@fracbretagne.fr79

La CaravaneéditionsÀ la fois centre de documentationdu projet et lieu de consultation,la Caravane constitue la structureitinérante et le laboratoire de médiationdes Ateliers de Rennes 2012. Elle proposeune bibliothèque et une filmothèquecorrélées au projet artistique : des essais,des catalogues, des livres d’art maisaussi des vidéos d’artistes, des films detous genres, fictions ou documentaires.Un catalogue de ressources en ligne estégalement consultable.Retrouvez toute l’actualité de lacaravane sur :www.lesateliersderennes.fr,facebook / Les Ateliers de Renneset twitter @ADR2012.Le projet artistique conçu par l’association Lucidarpour les Ateliers de Rennes 2012 accorde unepart importante aux projets éditoriaux, déployéssous plusieurs formes, sur différents supports depublication et de diffusion :Les textes littéraires :Des écrivains sont invités à écrire un court texte –une nouvelle – en relation avec les orientationsdu projet. Ce projet éditorial s’inspire d’uneforme populaire américaine de récit, les Dimenovels ou "romans à quat'sous", qui, outre lewestern, recouvraient différents genres. L’idéeest de revisiter des genres populaires de récitet de constituer une collection de petits livres,divers dans leur sujet, leur écriture et leur formelittéraire.Ces textes sont conçus comme des épisodes d'unesérie libre où le personnage, Lucky Prairie, passed'un texte à l'autre.Auteurs :Pascale BouhénicStéphane BouquetFrédéric CiriezClaire GuézengarMaylis de KerangalLes Dime NovelsPrécurseurs des pulp magazines au x x e , lesDime Novels apparus au x i x e sont des récitspopulaires, couvrant des sujets et genres trèsdivers, avant d’être attachés au western plustardivement au x x e siècle. Édités tout d’abordpar Beadle & Adams dès 1860, Les Dime Novelsont contribué à diffuser la légende de l’Ouestaméricain.Retrouvez cette collectionà la billeteriedu Newway Mabilais2€ l'unité80

Le Show de l’OuestLe Show de l’Ouest est la programmationpluridisciplinaire des Ateliers de Rennes –biennale d’art contemporain corrélée au projetartistique Les Prairies.Le Show de l’Ouest croise les arts, les pratiqueset les points de vue afin d’enrichir la lecture desœuvres présentées dans Les Prairies. Il proposeun riche programme d’interventions aux formeset genres variés : performances, conférences,projections de vidéos, de films documentairesou de fiction, rencontres, déambulations, etc.Ces invitations sont l’occasion d’approfondir dessources, des références qui inspirent le projet,les artistes et la commissaire des éditions 2012 et2014.Les intervenants sont des praticiens et despenseurs issus de domaines très divers,comptant des excentriques très sérieux : artistes,architectes, paysagistes, philosophes, écrivains,théoriciens, enseignants, sans étiquette, etc.La programmation du Show de l’Ouest s’élaboreet s’organise en collaboration avec :le cinéma L’Arvor,l’association Au bout du plongeoir,le CCNRB – Musée de la Danse,le Ciné-TNB,le Ciné-Tambour – Service culturel de l’UniversitéRennes 2,le Département des Arts plastiques de l’UniversitéRennes 2,le Diapason – Service culturel de Rennes 1,l’École Européenne Supérieure d’Art de Bretagne – sitede Rennes,Le Triangle – Cité de la danse,Le Village – Site d’expérimentation artistique,la Ville de Saint-Malo,et les différents lieux d’exposition des Prairies.Quelques datesMardi 25 septembre [17h30]Auditorium de l’EESAB-RennesConférence d’Emmanuel RubioMercredi 3 octobre [18h / 20h30]Ciné-Tambour – Rennes 2Soirée cinéphile en écho aux thématiques desPrairiesDimanche 7 octobreLe Show de l’Ouest est à Bazouges-la-PérouseDimanche 14 octobreLe Show de l’Ouest est à Saint-MaloMardi 16 octobre [17h30]Auditorium de l'EESAB-RennesConférence de Florian FouchéMercredi 24 octobre [18h / 20h30]Ciné-Tambour – Rennes 2Soirée cinéphile en écho aux thématiques desPrairiesVendredi 23 novembre [19h]Le TriangleApéro littéraire avec : Julien d’Abrigeon,Patrick Châtelier, Cécile MinardMercredi 28 novembre [18h30]La Médiathèque des Champs libresRencontre avec Gilles Clément, modérationpar Jean-Marc HuitorelMardi 4 décembre [17h30]Auditorium de l’EESAB-RennesConférence de Dove AlloucheMercredi 5 décembre [18h / 20h30]Ciné-Tambour – Rennes 2Soirée cinéphile en écho aux thématiques desPrairiesRetrouvez toute laprogrammation duShow de l’Ouest surwww.lesateliersderennes.frLe Wild West Show de Buffalo Bill (créé en 1882)Après la fin de la Conquête, ce héros au chômage monte un show qui fait le tour de l’Amérique,puis voyage en Europe où il propage le mythe de l’Ouest. Ses spectacles reconstituent des faitshistoriques, quoique déjà légendaires, et des scènes du Far West, tels que des combats entre Blancset Indiens, des attaques de diligences, mais aussi des scènes de la vie des pionniers et des Indiens.Le cirque a fait jouer des rôles par ceux-là mêmes qui les avaient vécus et qui s’étaient battus :des Indiens, en particulier Geronimo et Sitting Bull, ou encore Calamity Jane. Ce show fondé sur lereenactment incarne une Amérique qui invente sa légende presque en simultané avec l’événementet l’expérience vécus. Est-ce la caractéristique d’un « peuple sans histoire » (Gertrude Stein) ? Cetexemple de pragmatisme témoigne aussi d’un esprit d’entreprise, sauvage en quelque sorte.82

Informations pratiquesHORAIRES12h - 19h - du mardi au dimancheBilletteries :Newway Mabilais, Frac Bretagne,fermeture à 18h15Office du Tourisme de Rennes Métropole11, rue Saint-Yves 35 000 Rennes—TarifsBillet d’entrée pour le Newway Mabilais et le Frac Bretagnevalable pour une journéeTarif plein : 6 €Tarif réduit : 3 €Le tarif réduit (sur présentation d’un justificatif), s’applique aux :. jeunes de 18 à 26 ans,. demandeurs d’emploi,. titulaires de la carte handicap,. titulaires de la carte Cezam,. enseignants,. accompagnateurs de groupe scolaire,. groupes de plus de 8 personnes (réservation obligatoire)—La gratuité (sur présentation d’un justificatif), s’applique aux :. moins 18 ans,. étudiants en école d’arts plastiques, en histoire de l’art, enécole d’architecture,. inscrits à la Maison des artistes,. titulaires de la carte ICOM,. titulaires d’une carte de presse,. titulaires de la carte Culture,. titulaires de la carte Sortir.—Autre tarif réduit : 1 €Supplément visite accompagnée sur réservation uniquement,. groupes scolaires,. centres de loisirs—Pass : 12 €Accès illimité à l'exposition Les Prairies au Newway Mabilaiset au Frac Bretagne.—Newway Mabilaiswww.lesateliersderennes.frRenseignements et réservations :Tél : 02 23 45 43 93mediation@lesateliersderennes.fr84

Informations pratiquesNewway Mabilaiswww.lesateliersderennes.fr2, rue de la Mabilais35 000 RennesHoraires : du mardi au dimanchede 12h à 19h,fermé le lundiAccès : bus nº9 "Malakoff",nº4 "Chèques Postaux",le Vélo STAR, parking sur site.Frac Bretagnewww.fracbretagne.fr19, avenue André-Mussat35 000 RennesHoraires : du mardi au dimanchede 12h à 19h,fermé le lundiAccès : métro "Villejean Université",bus nº4 "Beauregard",le Vélo STAR.La Criéecentre d’art contemporainwww.criee.orgHalles centralesPlace Honoré-Commeurec35 000 Rennestél. 02 23 62 25 10la-criee@ville-rennes.frHoraires : du mardi au vendredide 12h à 19h,samedi et dimanchede 14h à 19h,fermé le lundi et les jours fériésAccès : métro "République",le Vélo STAR.ENTRée LIBREMusée des beaux-arts de Renneswww.mbar.org20, quai émile Zola35 000 Rennestél. 02 23 62 17 45museebeauxarts@ville-rennes.frHoraires : du mercredi au dimanchede 10h à 12h et 14h à 18h,le mardi de 10h à 18h,fermé le lundi et les jours fériésTarifsMusée + Exposition temporairePlein : 5,95 eurosRéduit : 3 euros (étudiants, famillesnombreuses, comités d’entreprises,etc.) ou 2 euros pour les détenteurs dubillet journée des Ateliers de Rennes.Accès : métro "République",bus nº4, 6, 40, 64, 67 "Musée desbeaux-arts", nº54, 55, 56 "LycéeEmile-Zola", le Vélo STAR.PHAKTCentre Culturel Colombierwww.phakt.fr5, place des Colombes35 000 Rennestél. 02 99 65 19 70contact@phakt.frHoraires : du lundi au samedide 13h à 19h15 et sur rdv.fermé dimanche et jours fériésAccès : métro "Charles de Gaulle",bus nº9, 5 "Plélo Colombier", nº4, 11,40, 64 "Place de Bretagne",le Vélo STAR.ENTRée libre40mcubewww.40mcube.org48, avenue Sergent Maginot35 000 Rennestél. 02 90 09 64 11contact@40mcube.orgHoraires : du mardi au samedide 14h à 18h, et sur rdv.fermé lundi et jours fériésAccès : métro "République",bus nº4, 6 "Pont de Chateaudun",le Vélo STAR.entrée libreCabinet du livre d’artistewww.incertain-sens.orgwww.sans-niveau-ni-metre.orgUniversité Rennes 2 - VillejeanPlace du Recteur Henri Le Moal35 000 RennesBâtiment érèvetél. 02 99 14 15 86noury_aurelie@yahoo.frHoraires : du mardi au vendredide 11h à 18h, et sur rdv.fermé pendant les vacancesuniversitairesAccès : métro «Villejean Université»,bus nº4 "Université",le Vélo STAR.entrée libreGalerie Art & Essaiwww.univ-rennes2.frwww.galerieartessai.frUniversité Rennes 2 - VillejeanPlace du Recteur Henri Le Moal35 000 Rennestél. 02 99 14 11 42galerie@uhb.frHoraires : du mardi au vendredide 13h à 18h,accueil des groupes sur rdv.Accès : métro «Villejean Université»,bus nº4 «Université»,le Vélo STAR.entrée libre85

DMA GALERIE23, rue de Chateaudun- Rennestél. 02 99 87 20 10regie.dma@gmail.comwww.dmagalerie.comdu lundi au vendredi9h > 12h & 14h > 18h06 SEPT - 12 OCTcosmoramaatelier à quatrefrédéric laroche etgwenaeëlle-vincianevinouse, aka atelier à quatre18 OCT - 12 décdiy or buyles frèresripoulaindavid renault, matthieutremblin24 novelectric firecampdma & crab cakeparty06 sept & 12 oct22h30 > 3hmoon stationeesabsite de rennesécole européenne supérieured’art de Bretagnetél. 02 23 62 22 60erba@ville-rennes.frwww.erba-rennes.frÀ la veille de l’ouverture de la troisième édition des Ateliersde Rennes - biennale d’art contemporain, quinze lieux d’artcontemporain de Rennes Métropole s’unissent pour créerBIENNALE OFF.Événement parallèle et complémentaire à la biennale, BIENNALEOFF fédère des structures œuvrant dans l’art contemporain etpropose aux publics une programmation exceptionnelle pendantprès de trois mois.Expositions, rencontres, performances, éditions...BIENNALE OFF propose un parcours spécialement élaboré àtravers quinze lieux aux approches multiples et singulières de l’artcontemporain.PLUS D’INFOS SUR : WWW.BIENNALEOFF.FRgalerie du Cloître34, rue Hoche - Rennes18 SEPT - 25 OCTles toiles en prêtcorentin canessonactivationspierre galopinhors-les-mursespace standards2 rue des Portes Mordelaises,Rennesdu mercredi au samedi14h > 18h12 au 22 septRE: #3bis86

iennale OFFgalerie micaRoute du Meuble,La Brosse - St Grégoiretél. 09 79 09 17 31contact@galeriemica.comwww.galeriemica.comdu mercredi au samedi15h > 19h15 SEPT - 10 novvernissage 15 SEPT19h (inauguration off)éric baudartdominiqueghesquièresalle polyvalentefranck chauvet23 nov - 19 janATOM(abri temporaire pouroiseaux migrateurs)odile decqle trianglecité de la danseBoulevard de Yougoslavie,- Rennestél. 02 99 22 27 27infos@letriangle.orgwww.letriangle.org15 nov - 21 décnicolas barreau &jules charbonnetvivariumZI Rte de Lorient29, rue du Manoir de Servigné- Rennestél. 09 50 61 66 76vivariumatelier.blogspot.fr12 au 28 septzone autonomemutualiséeEmilien AdageFrançois FeutrieTony RegazzoniSébastien RémyBi RongrongCamille RouxThorsten StreichardtCamille Girard etPaul Brunet17 novVente Aux enchèresles orpailleurshotel des ventes de rennes19hstandards2, rue des Portes Mordelaises- Rennestél. 06 65 63 10 62du mercredi au samedi14h > 18h29 sept - 27 octles détectivessauvagestobias löffleronirisgalerie d’art contemporain38 rue d’Antrain - Rennestél. 02 99 36 46 06/ 06 71 633 633contact@galerie-oniris.frwww.galerie-oniris.frdu mardi au samedi 14h >18h30jusqu’au 22 septfrançois morelletodile decq2 oct - 3 novode bertrandaurelie nemours6 nov - 8 décyves popetpassage 2525, rue Surcouf - Rennestél. 02 99 14 22 75/ 06 81 53 13 52ederoost@orange.frdu mardi au samedi14h > 18hdimanche 15h > 18h18 oct - 30 novmatièrespremières :enjeuxcontemporainsc. bujeauhans meyer petersenjacques domeauerick deroost29 nov - 6 décnathalie leonardpeinturesgalerienathalieclouard22, rue Hoche - Rennestél. 02 99 63 51 23nathalie.clouard@wanadoo.frwww.galerie-nathalie-clouard.comdu mardi au samedi14h > 19h13 SEPT - 10 novloïcle groumellec2 ème exposition personnelle15 nov - 5 janjacques villeglésculptures et estampesgalerie picturaNET PLUS40, rue du Bignon - Chantepiedu lundi au vendredi 9h > 18h15 oct - 14 décrichard volantephotographiesmétro, boulot, dodogalerie net plus40, rue du Bignon - Chantepietél. 02 99 22 77 99www.facebook.com/galerienetpluscontact@net-plus.frdu lundi au vendredi 9h > 18h28 sept - 28 octautoportraitslendroitéditions23, rue Quineleu - Rennestél. 02 23 30 42 27lendroitgalerie@free.frwww.lendroit.orgdu lundi au vendredi14h > 18h15 sept - 9 décderrière lavitrineguillaume pinardpierre la policeblex bolexsuperstrat48, bld Villebois Mareuil- Rennestalweg@ultralocal.frwww.ultralocal.fr15 sept - 9 décapparition sporadiquetout au long de labiennalesuperstratexposition horsles murstalwegultralocalle bon accueil74, canal St Martin - Rennestél. 09 53 84 45 42contact@bon-accueil.orgwww.bon-accueil.orgdu mercredi au samedi14h > 18hdimanche 15h > 19hchapellest joseph(monfort)18 sept - 6 octconcert de steve rodenet mathias delplanquele 18 sept - 19hsuivi du vernissage del’expositionle bon accuEil(rennes)27 sept - 9 décsteve roden (usa)le grandcordelmaison des jeunes et de laculture18, rue des Plantes - Rennestél. 02 99 87 49 49www.grand-cordel.comcontact@grnd-cordel.comlun, mar, jeu, ven 14h > 20h30mercredi 9h > 12h30 & 14h > 20h30samedi 9h > 13h12 oct - 17 novcityscape 2095mécaniquesdiscursives87

ARTSLE FESTIVAL D’AMBRONAYDÉBORDE,LE NOUVEAUTÉLÉRAMA AUSSIIllustration : Sammy Stein -Le monde bouge. Pour vous, Télérama explosechaque semaine, de curiosités et d’envies nouvelles.Plus de débordements sur telerama.frChaque mercredi chez votre marchand de journaux

APPLI OUEST-FRANCEL’info va vous toucherd’encore plus prèsDe la commune au monde, en images et en vidéos,retrouvez l’actu au bout des doigts.Découvrez la nouvelle appli Ouest-Francepour smartphone Androïd9090

FRANCE 3 BRETAGNE PARTENAIREDE TOUTES LES CULTURES© Tom Kelley Archive / GO Archives / GraphicObsession / Val Thoermer / Imagebroker / InspireStock/ Tom Kelley Archive / GO Archives / Mark Karrass / Corbis / Liane Riß / Westend61 / Nicolas Ferrando/ Corbis /Seth Joel Photography / Cultura.france3.fr

Envie deprendre l'air ?Tous les bons planssorties sontsur France Bleu103.1 bleuarmorique.frvu d'iciLe premier quotidien sur l’Art et son marché1 mois d’abonnement offerten vous inscrivant sur www.lequotidiendelart.comet en entrant le code ATE2012

Organisation // Art NoracBruno Caron // PrésidentCatherine Brégand // Responsable communication et mécénatEliane Perron // Assistante de directionBernard Crespy // ComptableBenoît Bonamy // Conseiller JuridiqueConception et réalisation // Association LucidarFrançois Forge // PrésidentMarie-Dominique Debat // TrésorièreAnne Bonnin // DirectriceValérie Renard // Responsable administration et mécénatMarie Cantos // Coordinatrice généraleVirginie Redois // Responsable communication, relations presse et éditionsChloé Orveau // Responsable des publicsSimon Dablin // Responsable régie et techniqueFlavie Hue // Responsable de billetterieAudrey Pennachio // Assistante chargée de communication, relations presse et mécénatLauren Papet // Assistante chargée de productionCharlotte Fisselier // Assistante chargée de médiationStagiaires : Cécile Bailly, Marion Le Bec, Maxime Le Clanche, Gauthier Lesturgie, Soizig Louédec.Médiateurs : Anthony Bodin, Véronique Meunier, Marie Mourougaya, Johanna Rocard, Thomas Tudoux.Stagiaires médiation : Juliet Davis, Emilie Fromenteze, Marion Lemoult, Soizig Louédec, CassieQuintin, Marine Ricard.Monteurs : Rémi Albert, Antoine Bertron, Anthony Glais, Ludovic Jouet, Damien Le Dévedec, YannLesueur, Laurent Petitot. Stagiaire montage : David Picard.Surveillants de salles : Virginie Jeanne, Julien Goron, Clémence Moullé Prévost.Conception design graphique :Guide de visite et programme : Maxime Le ClancheEditing : Anne Bonnin / Marie CantosTraductions additionnelles : Marie CanetRelectures : Alice Norasingh-ErtaudConception site Internet : BUGRelations Presse et partenariats media : Sylvie ChabrouxLes notices sur les artistes ont été écrites par :Anne Bonnin (A. B.), Marie Canet (M. C.), Kadist Art Foundation (K. A. F.), Nadine Labedade – CourtesyFRAC Centre (N. L.), Anne Langlois – 40mcube (A. L.), Hélène Meisel (H. M.), Aurélie Noury (A. N.),Camille Pageard (C. P.), Florence Ostende (F. O.), Chris Sharp (C. S.).94

Organisation :Partenaires publics :Mécènes :Partenaires associés à la production d’œuvres :Société CrézéPartenaires médias :Lieux d’exposition :Nous remercions également pour leur soutien :Partenaires du Show de l’Ouest :Le CCNRB – Musée de la Danse, le cinéma l’Arvor, l’association Au bout du plongeoir, leCiné-TNB, le Ciné-Tambour – Service culturel de l’Université Rennes 2, le Diapason – Serviceculturel de Rennes 1, l’École européenne supérieure d’art de Bretagne – site de Rennes, LeTriangle – Cité de la danse, Le Village – Site d’expérimentation artistique,la Ville de Saint-Malo.95

RemerciementsLes Ateliers de Rennes – biennale d’art contemporain remercient chaleureusement, pour leurcontribution à cette troisième édition, Les Prairies :Les artistes des expositions et du Show de l’Ouest,Les auteurs des différents projets éditoriaux,Les intervenants du Show de l’Ouest et de La Caravane,Les galeries,Les prêteurs publics et privés,Les lieux associés à des productions d’œuvres,Les directeurs et les équipes des lieux d’exposition partenaires ainsi que des structures partenairesde La Caravane et du Show de l’Ouest,Ainsi que, pour leur aide sur des projets particuliers ou pour leur accompagnement tout au longde l’élaboration des Prairies :Marleen Gijsen et la René Daniëls Foundation, Ioana Popescu et le Musée du Paysan roumainde Bucarest, Lisa Rosendahl et Iaspis, Eric Baugé, Julien Bailleul, Mehdi Teffahi et Territoires etdéveloppement, Colette Barbier et la Fondation Ricard, Jean-Marc Poinsot et les Archives de laCritique d'Art, Michaël Chéneau et l'association Libre Art Bitre, Jean-Paul Legendre, EmmanuelPivain, Antoine Iehl et Marie-France Callarec et le groupe Legendre, Franck Fillaut, Capitaine duService commission arrondissement de Rennes, Adil Elmaliki, Christophe Krier, Fabrice Motais,Philippe Rouply et JPR Électricité.Kathy Alliou, Emmanuelle Anneix-Dao, Hervé Beurel, Pascal Blanchais, Gwénaël Blin, LaëtitiaBouvier, Véronique Brégeon, Emmanuel Couet, Christine Desmoulins, Catherine Elkar, CarolineFerreira, Joëlle Folch, Carolina Grau, M. Guihéneuf, Caroline Hancock, Vit Havranek, Victoria Horton,Jean-Marc Huitorel, Eliza Iacoblev, Claire Jacquet, Patrice Joly, Béatrice Josse, Sylvain Kermici,Marianne Lanavère, Aude Launay, Emma Lavigne, Pierrick Marcellier, Philippe-Alain Michaud,Benoît-Marie Moriceau, Ricardo Nicolau, Pedro Pereira, David Perreau, Denis Pinault, NadinePouillon, Jonathan Pouthier, Julien Prévieux, Anthony Rio, Rita Santana, Guy Tortosa, EmmanuelThaunier.Copyright ADAGP, Paris 2012 pour les artistes suivants : Gilles Aillaud, René Daniëls, étienne-Martin, Jan Kempenaers, Thomas Kilpper, Aglaia Konrad.Crédits photographiques supplémentaires :Pages de couverture : Vincent-Victor Jouffe, Ville-es-Bret, Promenade de l’Assomption, 15 août 1995 /Yann Peucat, Newway Mabilais, 2012 ; Newway Mabilais © Yann Peucat, 2012 ; Frac Bretagne© Agence ODBC / Labtop ; La Criée centre d’art contemporain : Benoît Mauras ; Musée des beaux-artsde Rennes © Musée des beaux-arts / Ville de Rennes ; PHAKT - Centre Culturel Colombier :© PHAKT Centre Culturel Colombier ; 40mcube © 40mcube ; Cabinet du livre d’artiste © Cabinet dulivre d’artiste ; galerie Art & Essai, université Rennes 2 : vue exposition John Wood & Paul Harrison,Notebook, 2011 © galerie Art & Essai, université Rennes 2 ; La Caravane © Maxime Le Clanche / LesAteliers de Rennes, 2012 ; Le Show de l’Ouest : Jocelyn Cottencin & Mathieu Renard - La poussière, lasueur, la poudre © Maxime Le Clanche / Les Ateliers de Rennes, 2012.96