Presences électronique 2015 : Le programme !

Festival
2015 06+07+08 mars
concerts
gratuits
au CENTQUATRE-PARIS
5, rue Curial - Paris (19 e )
Riquet (ligne 7)
www.104.fr
inagrm.com

PARTENAIRES MÉDIA
Photo : Didier Allard 2013 ©Ina

Festival
2015 06+07+08 mars
Sur France Musique * , le regretté Bernard
Maris déclarait : “Il n’y a pas que le
marché et les marchands qui créent de la
valeur. La valeur, qui est un mot noble, est
aussi un mot qui appartient aux artistes,
aux créateurs, aux gens désintéressés
qui justement ne sont pas dans l’intérêt
comme le sont les marchands.”
Dans le même ordre d’idée, il est utile
de rappeler aussi que l’art expérimental
est par essence l’expression même
de la liberté de créer. Hors des lois du
marché, il s’agit de raconter le monde
d’une autre façon et, pour les musiciens,
d’expérimenter le mental et le corps
par la composition et la puissance
expressive du son. Afin que le dispositif
fonctionne pleinement, il est nécessaire
que l’auditeur soit acteur et fasse appel
à une qualité humaine fondamentale,
la curiosité. Réunir les conditions de ce
processus créatif, telle est justement
l’ambition du projet PRÉSENCES
électronique.
Le Groupe de Recherches Musicales de
l’Ina, dont l’existence est possible grâce
à la volonté de la puissance publique, est
précisément l’un de ces lieux préservés
où l’expérimentation musicale peut
s’épanouir.
Cette onzième édition de PRÉSENCES
électronique proposée par l’Ina, avec le
soutien fidèle et actif du Centquatre et de
Radio France, donnera à entendre en huit
concerts spatialisés les performances et
les œuvres de plus de vingt musiciens
venus de nombreux pays. Cette édition
internationale rassemble dans une
perspective historique des anciens qui
nous ont quittés récemment, comme
Ilhan Mimaroglu, Knud Viktor ou Bernard
Parmegiani, et les générations suivantes
actives et engagées. Tous sont des
artistes créateurs de valeur qui ont mis
au premier plan le désir d’explorer des
chemins inconnus mais aussi et surtout
l’espoir de partager avec le public une
aventure sonore et musicale différente.
L’Ina GRM et ses partenaires les
accompagnent pour réussir ce pari.
Christian Zanési,
directeur artistique du festival Ina GRM.
* Interview réalisée par Bruno Letort en 2007
(émission “Tapage Nocturne”).

Festival
2015 06+07+08 mars

VEN 06 MARS
19H (Salle 400)
Keith FULLERTON WHITMAN Performance
Ilhan MIMAROGLU (1926-2012) TRACT
21H (Nef Curial)
Vincent-Raphaël CARINOLA Cielo vivo
SUPER COLOR PALUNAR
(Lionel PALUN+Jérôme NOETINGER) Performance
Antoine CHESSEX Performance
Pete SWANSON Performance
PROGRAMME
SAM 07 MARS
16H (Salle 400)
Sophie AGNEL 375 (îles)
Frederick GALIAY+Jean-Sébastien MARIAGE Morphème # 1
18H (Salle 400)
Pionnières de la musique électronique par Carole RIEUSSEC
20H (Nef Curial)
Bernard PARMEGIANI Electrorythmes et Plus vite (films)
Bjarni GUNNARSON Ubieties
Ilpo VÄISÄNEN Performance
Holly HERNDON Performance
DIM 08 MARS
16H (Salle 400)
Knud VIKTOR (1924-2013) Symphonie du Lubéron
Esther VENROOY We Intersect On Empty Walls
18H (Salle 400)
Régis RENOUARD LARIVIÈRE Contrée
Benjamin THIGPEN pulse
20H (Nef Curial)
Thierry BALASSE Garlic
ZAVOLOKA+KOTRA Veer
Norbert MÖSLANG burst_log
Charles COHEN Performance
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VEN 06 MARS 2015
Photo : Didier Allard ©Ina
VEN 06 MARS 19H (Salle 400)
Keith FULLERTON WHITMAN
Ilhan MIMAROGLU (1926-2012)
Keith FULLERTON WHITMAN
Vit à Cambridge, Massachusetts, États-Unis.
Sa pratique musicale se déploie sous deux
axes : soit le Live en solo, diffusé sur huit
canaux, où il mélange le numérique aux
synthétiseurs modulaires analogiques ; parfois
accompagné de vidéos en temps réel. Soit un
travail purement de studio.
Dans ses racines et références il intègre toute
l’histoire de la musique électronique : musique
concrète, minimalisme, informatique musicale,
psychédélisme et art sonore.
Il a édité une dizaine d’albums sous des labels
tels que Kranky, Mego, PAN, Carpark, and Planet
μ et apparaît souvent sur des compilations de
magazines spécialisés tels que Pitchfork ou The
Wire. Il a récemment reçu des commandes de
l’Ina GRM et Sonic Acts.
Keith a notamment collaboré avec Rhys
Chatham, Tony Conrad, Greg Davis, Deerhunter,
Lawrence English, Michael Karoli & Malcolm
Mooney (Can), Felix Kubin, Matmos, Benjamin
Nelson, Charlemagne Palestine, Terry Riley, Ben
Vida, Dick Raaijmakers and Conrad Schnitzler…
Il a aussi travaillé avec des compagnies de
danse telles que Andersson Dance Company, the
NYU New Music and Dance Ensemble et Merce
Cunningham Dance Studio.
Durant les 15 dernières années, il a donné plus
de 500 concerts et performances de diverses
natures (installations, colloques, master class…)
à travers le monde.
www.keithfullertonwhitman.com
Performance
Festival
2015
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Photo : Güngör Mimaroglu - DR
VEN 06 MARS 2015
Ilhan MIMAROGLU (1926-2012)
Compositeur turc né à Istanbul en 1926, décédé
à New York en Juillet 2012. D’abord critique
musical dans son pays d’origine, il a vécu à
New York depuis 1955 et y a réalisé, dans les
studios de l’université Columbia Princeton, une
production électroacoustique abondante.
Il est un des rares compositeurs vivant aux
États-Unis à s’être investi entièrement dans la
musique pour bande magnétique et à en avoir
une conception engagée et personnelle, la
considérant comme un art analogue au cinéma,
qu’il oppose à la musique instrumentale plus
proche, elle, du théâtre. Dans une grande
partie de son oeuvre (Préludes - utilisés par
Fellini dans le Satyricon -, Études visuelles,
Hyperboles, Les Ailes du démon délirant, La
Ruche, Coucou Bazar), il joue surtout avec les
couleurs et les textures sonores, en plasticien
et en rythmicien séduisant, mais d’autres
productions se présentent comme de la musique
politique, de l’”agit-prop-music”, mêlant des
éléments de musique vocale et instrumentale
enregistrés (et écrits par l’auteur) à des sons
électroacoustiques et à des textes de Mao,
Allende, Che Guevara, etc., en une fusion
audacieuse : Sing me a song of Song My (1971)
Tract (1972-1974), To Kill a Sunrise (1974).
(D’après Michel Chion dans l’Encyclopédie
Larousse).
Nous sommes heureux de présenter au public
du festival une œuvre véritablement culte et
pourtant peu connue : “Tract”. Composée par
Mimaroglu au début des années 70, c’est-à-dire
dans la résonance de Mai 68, elle rassemble en
son sein à la fois l’art d’un grand compositeur et
l’esprit d’une époque où l’utopie était tangible.
Spatialisation : Keith FULLERTON WHITMAN.
TRACT (1972-1974) 35’04
TRACT, une composition de musique “agit-prop”
pour bande électromagnétique.
Tuly Sand, voix parlée - voix chantée.
Avec la participation de TOPSY TURVY MOON,
groupe de Pop musique, et d’Erdem Buri et Ilhan
Mimaroglu, récitants.
Mots reconstitués : texte de Mimaroglu et citations
de Bertold Brecht, J.B. Clement, Mahir Cayan,
Nazim Hikmet, Peter Kropotkin, Mao Tse Tung,
Karl Marx, Eugène Pottier.
TRACT a été composé et réalisé dans les studios
du Centre Américain à Paris et au Centre de
Musique Electronique de l’Université de
Columbia-Princeton, New York.
TRACT n’est pas une composition écrite pour
une voix de femme mais seulement pour Tuly
Sand. Etant donné l’étendue exceptionnelle
et expressive de sa voix, elle n’a subi aucune
modification électronique.
Cette œuvre, appelée par Ilhan Mimaroglu
“agit-prop music” (agitation-propagande) est une
œuvre socio-politico-musicale.
TRACT est principalement basée sur deux
langues : l’anglais et le français de telle sorte que
ce qui est dit en anglais est occasionnellement
répété en français et vice-versa.
En outre, une troisième langue, le turc, est
également employée, car le poème du grand
poète turc Nazim Hikmet se prête de manière
excellente, dans sa version originale, au
découpage musical du chant final.
Toute autre explication se trouve dans l’œuvre
même.
Festival
2015
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VEN 06 MARS 2015
Photo : © DR
VEN 06 MARS 21H (Nef Curial)
Vincent-Raphaël CARINOLA
SUPER COLOR PALUNAR
(Lionel PALUN+Jérôme NOETINGER)
Antoine CHESSEX
Pete SWANSON
Vincent-Raphaël CARINOLA
Festival
2015
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Il reçoit l’essentiel de sa formation musicale
auprès de Bertrand Dubedout au CNR de
Toulouse, puis au CNSMD de Lyon, dans la
classe de composition électroacoustique et
d’informatique musicale de Philippe Manoury
et Denis Lorrain.
Son travail de composition se développe à
travers une pluralité de formes et dispositifs
: œuvres instrumentales ou mixtes,
acousmatiques, installations, musiques de
scène, pour le web... Il reste très attaché au
lien de complicité tissé avec les interprètes :
Eric Porche, Claudio Bettinelli, Anne Mercier,
Nathalie Cornevin, Fabrice Jünger, Frédérique
Cambreling, les musiciens de l’Instant Donné,
Aleph... Ces oeuvres sont régulièrement
présentées en France et à l’étranger et ont
bénéficié de commandes de différents
organismes.
http://vr.carinola.free.fr
Cielo vivo
Œuvre créée le 20 mai 2006 à Radio France (salle
Olivier Messiaen). Commande de l’Ina-GRM.
Cielo vivo (Ciel vivant - ou Ciel vif) s’inspire
de quelques vers de F. Garcia Lorca qui se
trouvent dans le recueil “Poète à New York”.
Deux vers en particulier peuvent résumer ma
démarche dans cette pièce : “là-bas toutes
les formes gardent entrelacées/une unique
expression frénétique d’avance”. La pièce
est basée sur un travail de déphasages à
l’intérieur d’une pulsation soumise à des
légères variations de vitesse, les sons
“pulsés” étant eux mêmes en constante
évolution dans leur timbre, forme, hauteur ou
localisation spatiale. Cette trame se déploie
en une texture polyphonique d’apparence
stable mais en constante évolution. Quelques
figures, composées de sources sonores
ambiguës (voix? bruits? instruments?)
ponctuent la pièce. Cielo Vivo a été réalisée
dans les studios du Grame (Lyon).

Photo : © Super Color Palunar
VEN 06 MARS 2015
SUPER COLOR PALUNAR (Lionel PALUN+Jérôme NOETINGER)
Jérôme NOETINGER, électroacoustique.
Dirige Metamkine, catalogue de vente par
correspondance spécialisé dans les musiques
électroacoustiques et improvisées. Membre du
comité de rédaction du magazine trimestriel
Revue & Corrigée. Membre de l’équipe du 102
rue d’Alembert à Grenoble de 1989 à 1998 :
programmation cinéma et musique. Pratique
l’improvisation sur scène avec un dispositif
électroacoustique regroupant selon les envies,
magnétophones à bande, table de mixage,
synthétiseurs analogiques, haut-parleurs,
micros et électronique… Membre fondateur
de la Cellule d’Intervention Metamkine.
http://metamkine.free.fr/
Performance
Deux projections superposées, l’une créée par le
son, l’autre alimentée par un feedback vidéo de
la précédente. Le son génère de l’image. L’image
génère du son. Le téléviseur est amplificateur, la
caméra devient micro, le synthétiseur est source
de lumières, les micros la colorent et la table
de mixage brouille le tout. Et c’est un signal
électrique commun qui est le matériel du duo.
Une expérience distendue de sons dénaturés et
de couleurs craquées.
Lionel PALUN, vidéo.
Il a un parcours universitaire de physicien :
ingénieur de l’ENSPG (physique) et docteur de
l’UJF(nanoélectronique). Il a travaillé deux ans
comme enseignant chercheur à Grenoble au
LPCS (électronique). Après une rencontre avec la
danse contemporaine et en particulier le travail
de la Cie Pascoli, il bifurque vers une recherche
singulière autour du rapport entre l’image et
la scène, visant à faire de ce média un acteur
à part entière du spectacle, au même titre que
la danse, le texte, le son ou la lumière. Lionel
Palun est co-fondateur de l’association 720
Digital, membre de la collégiale du 102, membre
du comité de rédaction du magazine trimestriel
Revue & Corrigée et a été membre pendant 5
ans du conseil d’administration de CitéDanse.
Professionnel dans le spectacle vivant depuis
2001, il travaille l’image numérique sous ses
aspects les plus divers.
www.lionelpalun.com/
www.lionelpalun.com/supercolor/
Festival
9
2015

Festival
2015
VEN 06 MARS 2015
Photo : © DR
Antoine CHESSEX
Antoine Chessex est un compositeur,
performeur et artiste sonore suisse. Ses travaux
embrassent un large champ de pratiques et
comprennent autant des compositions pour
ensembles de musique contemporaine, des
installations sonores, des performances noise
et des projets transdisciplinaires. La musique
de Chessex est informée par l’exploration des
dimensions physiques du son et des espaces
et fait usage de “masses” sonores et de
denses accumulations de textures dissonantes
résultant en des structures ouvertes
caractérisées par l’intensité et la tension.
Depuis une quinzaine d’années, et en parallèle
de ses activités de compositeur, il continue
de développer une pratique originale de
la performance solo pour saxophone ténor
et dispositif électronique analogique. Ses
performances résultent en de monolithiques
blocs de fréquences sauvages, joués en
respiration circulaire et témoignant d’une
implication physique totale dans le son,
détournant radicalement le saxophone de sa
tradition bien tempérée. Au fil des années, les
pratiques artistiques de Chessex témoignent
d’un désir de dépassement des genres et des
catégories, interrogeant autant les codes
de la performance, de la composition ou de
l’improvisation et résultant en des activités
multiples et transversales.
www.soundimplant.com/achessex.html
Performance
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Festival
2015
Photo : Christine Taylor © DR
VEN 06 MARS 2015
Pete SWANSON
Depuis le début des années 2000, Pete
Swanson a sorti un nombre incalculable
d’enregistrements sur CDRs, cassettes et
vinyles.
Avec son duo Yellow Swans, il a réuni, à travers
le monde un grand nombre de fans fascinés par
les rythmes bruyants, le son crissant de ce duo
ainsi que sa capacité a restituer un même son en
live que sur disque.
En tant qu’artiste solo sur des labels comme
Type ou Software Recordings, il continue à
explorer de nouveaux territoires sonores.
Quelque soit le genre qu’il explore, Swanson y
laisse sa propre marque indélébile.
Performance
http://soundcloud.com/pete-swans/
do-you-like-students
http://typerecords.com/releases/
man-with-potential-2
http://frontporchproductions.org/
artist/peteswanson
http://www.youtube.com/
watch?v=hKVAtsyyFZA
https://soundcloud.com/softwarelabel/
pete-swanson-life-ends-at-30
11

Festival
SAM 07 MARS 2015
Photos : Pierre Gondard ©DR
SAM 07 MARS 16H (Salle 400)
Sophie AGNEL
Frederick GALIAY+ Jean-Sébastien MARIAGE
Sophie AGNEL
2015
Après quelques années de recherche, le
piano de Sophie Agnel s’est stabilisé sur un
fil d’une infinie fragilité. Pour preuve, Sophie
Agnel passe la plupart de ses concerts debout,
penchée en équilibriste sur les entrailles de
son instrument, lui triturant les cordes pour
qu’il crache jusqu’à la dernière goutte de son.
Ce corps à corps, elle en maîtrise les moindres
recoins et le transfigure en un art intransigeant
et subtil. Et puis parfois, au milieu de ces
textures abstraites, une note. Pure. Comme
pour donner l’échelle, la profondeur de champ
et la mesure d’un univers sans concession mais
dont la beauté est omniprésente. Il faut certes
perdre quelques a priori sur ce que c’est que «
jouer du piano » et accepter que le clavier n’en
soit qu’une partie émergée. Ce n’est pas si
compliqué et une fois ce petit effort accompli, le
monde qui s’ouvre est sidérant. Les frottements
de cordes, les résonances, les effleurements
des étouffoirs, évoquent un paysage musical où
le temps suit un déroulement bien singulier et
où l’espace est rempli de sonorités inouïes. Un
voyage passionnant dans le piano moderne.
Adrien Chiquet.
http://sophieagnel.free.fr/
375 (îles)
Piano : Sophie Agnel
Live electronics : Wilfried Wendling
En collaboration avec La Muse en Circuit, Centre
National de Création Musicale.
A l’invitation de Sophie Agnel, Wilfried Wendling
a développé un dispositif de mise en espace
du piano sans son pré-enregistré ni traitement
spécifique.
Seul l’enregistrement en temps réel et le son
microphonique permettent de révéler la richesse
de l’univers de Sophie Agnel.
“Une île c’est d’abord une ombre sur l’horizon de
la mer. Une ombre qui grossit, s’étale, prend du
relief et des couleurs au rythme de l’approche,
puis à un moment , la silhouette se dessine et se
fige… L’espace se domine d’un coup d’oeil, c’est
une rencontre avec tous les possibles… Ou bien
l’à-pic vertigineux battu par la furie de la houle,
entouré par les têtes noires des roches bavantes
d’écume, qui rendent tout accès impossible…”
Olivier de Kersauson.
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SAM 07 MARS 2015
Wilfried WENDLING
Wilfried qu’il soit metteur en scène, vidéaste,
compositeur ou performeur, Wilfried Wendling
explore le plus souvent les rencontres du
texte, de la musique et de la scène. Il a
dirigé plus d’une quinzaine de spectacles
transdisciplinaires représentés notamment au
Théâtre des Amandiers, à l’Odéon Théâtre de
l’Europe, au Théâtre de la Cité Internationale,
à l’Opéra comique ainsi que dans de très
nombreuses scènes nationales. Musicien
passionné par les musiques électroniques, il
développe ses propres instruments numériques
avec lesquels il rencontre de très nombreux
musiciens sur toutes les scènes musicales.
Compositeur associé à la Maison de la Poésie
de Paris de 2010 à 2012, il y réalise plus de 60
soirées croisant de nombreux poètes, musiciens,
comédiens et circassiens.
Wilfried Wendling dirige depuis 2013 la Muse en
Circuit, Centre National de Création Musicale.
www.w-w.fr
Festival
2015
Photo : Didier Allard ©Ina
13

Festival
2015
SAM 07 MARS 2015
Photo : Morgane Paoli ©DR
Photo : ©DR
Frederick GALIAY
Compositeur, conducteur et bassiste électrique,
il se définit par la poésie qu’il écrit.
Il y a une part de mystère. Du duo monumental
BIG (drum & bass) avec Edward Perraud, au trio
magique WINTER MASS, avec Sayoko et Jacques
Di Donato, Frederick Galiay monte de ces
orchestres qui bouleversent.
À l’instar de la peinture de Soulages, il sait
mettre en fusion et illuminer les univers les plus
sombres.
À la basse électrique, ses modes de jeux
sont issus d’une recherche poussée vers
l’élargissement des possibilités acoustiques,
timbrales ainsi que de l’ambitus traditionnel
de lʼinstrument. Son écriture instrumentale est
inclassable et reflète la liberté avec laquelle
Frederick Galiay aborde l’art.
http://www.inversus-doxa.fr/-Frederick-Galiay
Jean-Sébastien MARIAGE
Au delà de quelques illustres guitaristes
(amplifiés) qui ont marqué l’histoire du jazz, le
grand développement des qualités sonores de
la guitare électrique fut initié en majeure partie
par des guitaristes de rock, le plus souvent
aux travers d’expériences inconscientes et
non préméditées. Mais les possibilités que
ces musiciens ont révélées sont aujourd’hui
consciemment élargies par un grand nombre de
guitaristes d’avant-garde qui ne peuvent être
assimilés ni au rock, ni au jazz, ni vraiment aux
musiques électroniques, mais qui se trouvent au
centre du développement et des préoccupations
de toutes ces formes musicales, avec comme
point d’ancrage : l’improvisation. Jean-Marc
Montera, Stephan Wittwer et aujourd’hui Jean-
Sébastien Mariage font, entre autres, partie
de cette famille de musiciens qui perpétuent
le défrichage et qui d’une manière ou d’une
autre, au travers de nouvelles techniques ou de
nouveaux matériaux font évoluer l’instrument,
le transcendent, l’ouvrent à des sonorités
inattendues, à des musiques insoupçonnées.
De Hendrix à Bailey, la guitare électrique est
devenue un instrument susceptible d’une
remise en question d’idées préconçues sur la
nature réelle de la musique et du son et sur
ses véritables fonctions tant artistiques que
politiques.
14

Morphème # 1
Composition de Frederick Galiay pour guitare
électrique et dispositif électroacoustique.
Interprète associé :
Jean-Sébastien Mariage - Guitare.
Frederick Galiay - Mise en son.
Dans Morphème #1, j’ai délibérément omis
d’écrire quoi que ce soit concernant les
timbres à utiliser et les rythmes auxquels
jouer les hauteurs définies sur la partition.
Ayant écrit la forme, les nuances, hauteurs
et durées, déterminé que l’œuvre devait être
un continuum et que la guitare et le dispositif
électroacoustique devaient être considérés
comme un seul et unique instrument, je laissais
libre cours aux propositions d’interprétation de
l’instrumentiste.
Ce type de composition m’amène inévitablement
à une réflexion sur la place de l’interprète dans
la musique de notre temps.
Bien que je fus le seul à trancher pour telle
ou telle proposition, elles venaient bien du
musicien instrumentiste qui prend ici une
position qui se situe entre celle du compositeur
et celle de l’interprète au sens classique du
terme. Cet espace libre nécessite à mon avis des
interrogations même sur son statut.
Il ne s’agit plus ici du fameux duo compositeur et
interprète/improvisateur mais d’une troisième
catégorie de musicien qu’il convient de prendre
en compte et qui reste à définir.
La composition est envisagée comme un zoom
excessif d’une transitoire hyper ralentie : une
plongée microscopique dans le minuscule
espace qui sépare l’attaque du plectre sur la
corde de la guitare, de la résonance de celle-ci,
en élargissant ce laps de temps pour en extraire
les composantes spectrales.
Cette pièce a été conçue au GRM et créée au
festival Extension 2014.
Festival
2015
15

Festival
2015
SAM 07 MARS 2015
Photo : David Siebert ©DR
SAM 07 MARS 18H (Salle 400)
Carole RIEUSSEC
Carole Rieussec est artiste électroacoustique et
performeuse ; depuis 1986, elle compose avec
les bruits, les voix et les rythmiques du monde.
En 1990, elle rencontre J-Kristoff Camps dans
un septet de platine tourne disque, les arènes
du vinyle, ensemble ils forment le duo KRISTOFF
K.ROLL, labyrinthe sonore à entrées multiples.
http://kristoffk.roll.free.fr
Pionnières de la
musique électronique
Une interprétation de pièces de Laurie Spiegel,
Maryanne Amacher, Ruth Anderson, Delia
Derbyshire, Else Marie Pade.
La plasticité des sons électroniques et la
composition au féminin sont les deux axes de
ce concert.
16

Musique
mars > mai 2015
SALON DE MUSIQUE - DISPOSITIF LIVE IMMERSIF
WILFRIED* – MATRICE
21 et 22 mars
SOUL /ROCK
SLOW JOE & THE GINGER ACCIDENT
27 mars
WORLD / FR AFRO BRÉSILIEN
RIVIÈRE NOIRE
28 mars
SONIC PROTEST – WE HAVE AN ANCHOR
02 et 03 avril
KLOEB 104 - POP PSYCHÉDÉLIQUE
AQUASERGE
27 mai
Wilfried* © Nicolas Despis
01 53 35 50 00 / www.104.fr

SAM 07 MARS 2015
Photo : Laslo Ruszka 1967 © Ina
Photo : ©DR
SAM 07 MARS 20H (Nef Curial)
Bernard PARMEGIANI + Peter FOLDÉS
Bjarni GUNNARSON
Ilpo VÄISÄNEN
Holly HERNDON
Bernard PARMEGIANI (1927–2013)
Né en 1927, il a passé sa jeunesse “entre deux
pianos”, celui de sa mère et celui de son beaupère
: “J’étais effectivement pris entre deux
pianos, c’est le terme exact, car, d’un côté de ma
chambre, il y avait une pièce où mon beau-père,
pianiste virtuose, s’occupait des grands élèves
du Conservatoire qui étaient très avancés ; et
de l’autre côté, il y avait ma mère qui faisait
“dorémifasolasido” avec les petits auxquels
elle enseignait Scarlatti. C’est elle qui m’a fait
travailler pendant plusieurs années”.
En 1959, Bernard Parmegiani, alors ingénieur du
son à la Télévision française, rencontre Pierre
Schaeffer qui, peu de temps après, lui proposera
la même fonction au Groupe de Recherches
Musicales. Il y assiste alors I. Xenakis, L. Ferrari
et F.B. Mâche.
En 1962, il participe au “Concert collectif” qui
allait réunir dix compositeurs du GRM. Devy
Erlih,violoniste, ayant assisté à ce concert, lui
propose la composition d’une pièce pour violon
et bande. Ce fut Violostries créée en 1964.
Ce fut aussi le réel point de départ de son oeuvre
musicale qui, quarante ans après, comprend
plus de 80 opus auxquels s’ajouteront de
nombreuses musiques de films et de télévision,
musiques pour la danse, musiques de scène
et design sonore : génériques pour Paris Inter,
France Culture, Stade 2, France Musique, ainsi
que le Sonal de l’Aéroport de Roissy Charles de
Gaulle (1971-2005).
Festival
2015
18

Deux films du Service de
la Recherche de l’ORTF :
Electrorythmes 4’02
Réalisation : Peter Foldés.
Musique : Bernard Parmegiani (1968).
Court essai vidéographique où Peter FOLDÉS
transforme à sa manière grâce au trucage de
l’image électronique une chorégraphie moderne
d’Aulana PHARRIS.
La camera s’attarde sur la bouche, sur les yeux,
sur les mains de la danseuse qui s’agitent et
suit les courbes du corps qui se dédouble et
compose des formes quasi abstraites.
Un montage très riche et rapide donne à
ces images le rythme et la respiration d’une
musique qui provoque le vertige.
Ce court film destiné essentiellement à être
utilisé comme interlude pour la télévision est
avant tout un exercice de style susceptible
d’être monté en boucle et interrompu à tout
moment.
Plus vite 7’38
Réalisation : Peter Foldés.
Musique : Bernard Parmegiani (1968).
Un homme d’affaires et sa secrétaire se
déplacent à travers le monde ; pressés par le
temps, ils utilisent des moyens de locomotion
de plus en plus rapides.
De l’auto au hors bord, puis à l’avion et à la
fusée, les voici entraînés dans le tourbillon
accéléré de la vie moderne.
Ils essaient cependant de vivre au cours de leur
voyage : tout en conduisant son automobile,
il dicte, elle tape - il se rase, elle l’embrasse
- plus vite, toujours plus vite.
Nous apprenons bientôt vers quel but dérisoire
ils se hâtent.
Ce film réalisé grâce à une technique
d’animation particulière mêle le graphisme aux
découpages ; chaque dessin est le prolongement
de l’autre formant ainsi un enchaînement qui
renforce l’impression de vitesse.
Peter FOLDÉS
(Budapest 1924 / Paris 1977)
Etudie au Beaux-Arts de Budapest avant de
devoir fuir la Hongrie à cause de la guerre. Une
partie de sa famille s’installe à Londres où il
va commencer une carrière de peintre fin des
années 40.
Au début des années 1960, il s’installe en
France. Il rejoint le mouvement de La Nouvelle
Figuration, au sein duquel il joue un rôle
important en participant activement aux
expositions du groupe.
Comme nombre de peintres d’alors, il
s’intéresse parallèlement au cinéma d’animation.
Son premier court métrage date de 1952 :
Animated genesis a été réalisé en Angleterre.
Une fois arrivé à Paris, il rejoint le Service
de la Recherche où Pierre Schaeffer lui offre
la possibilité d’expérimenter les nouvelles
techniques d’animation au Groupe de
Recherches Images.
Ce qui conduit Foldés à demander tout
naturellement aux compositeurs du Groupe de
Recherches Musicales de réaliser la musique de
ses films. Il participe aussi à la célèbre émission
de télévision : Dim, Dam, Dom. Dans les années
70, il connaît une véritable notoriété en qualité
de vidéaste.
Enfin, en 1974, il obtient le prix du jury dans la
catégorie court métrage au Festival de Cannes
et une nomination aux Oscars pour son film :
La Faim.
Bernard Parmegiani réalisera la musique de
plusieurs des films Peter Foldés en particulier :
Plus Vite (1965), Electrorythmes (1966),
Je tu elles (1969), Narcissus (1971).
L’exigence requise pour réaliser la musique
d’un film d’animation fait naître entre Bernard
Parmegiani et Peter Foldés une amitié
qui reposait sur la conscience réciproque
de partager, outre le goût très vif pour la
métamorphose formelle, le sens du rythme et
une fantaisie souvent très nonsense qui les
faisaient rire ensemble de situations absurdes.
Filmographie principale, outre les titres déjà cités :
1964 : Un Appétit d’oiseau, court métrage
d’animation
1968 : La Belle cérébrale, court métrage
1971 : Metadata, court métrage d’animation
1974 : La Faim, court métrage d’animation
1977 : Rêve, court métrage d’animation
1977 : Visage, court métrage d’animation.
Festival
2015
SAM 07 MARS 2015
19

Festival
2015
SAM 07 MARS 2015
Photo : DR
Bjarni GUNNARSON
Bjarni a produit de nombreux LPs, EPs,
compilations et rééditions sur des labels tels
que Vertical, Form, Thule, Uni:form, Spezial
Material, Trachanik, Lamadaveclechien,
Shipwrec et 3LEAVES.
Il s’est produit partout en Europe et au Canada.
On peut trouver sa musique sur le CD “Safn
2006-2009”, édité en 2010 par le label belge
LMALC, son album le plus récent “Processes and
Potentials” (2013) est édité chez 3LEAVES.
Bjarni s’intéresse aux idées basées sur des
processus, aux sons mettant en avant l’activité
interne et le mouvement.
Ses compositions mettent au premier plan des
comportements, des actions, des structures
sonores fluides, des matériaux ou des formes
floues. C’est une musique sans frontières nettes.
Il a présenté sa musique à travers diverses
configurations telles que le système WFS à
Leiden (192 enceintes), celui de Berlin (832
enceintes), le système BEAST à Birmingham
(plus de 100 enceintes), à l’Ina GRM, ainsi que
plus récemment sur divers dispositifs 4 et 8
canaux.
Il a étudié la composition auprès de Gerard
Pape, Trevor Wishart, Agostino Di Scipio et
Curtis Roads au centre de musique CCMIX
(Centre de Création Musicale Iannis Xenakis) à
Paris et a complété un master avec Paul Berg,
Kees Tazelaar et Richard Barrett à l’Institut
de Sonologie de La Haye où il enseigne
désormais la composition algorythmique et la
programmation.
Actuellement, Bjarni travaille sur de nouvelles
compositions, des environnements génératifs et
du live electronic.
Il travaille aussi sur de nouveaux matériaux
avec son duo, existant de longue date, Einóma
et pour MGBG, un duo voix et électronique avec
Marie Guilleray.
www.bjarni-gunnarsson.net
Ubieties (2015)
La pièce a été composée pour huit groupes de
processus sonores.
Cette pièce présente plusieurs aires
d’activités sonores dans lesquelles certaines
caractéristiques singulières influencent la
manière dont les événements sonores se
déploient.
La musique s’envisage alors comme une
navigation entre différents moments en
perpétuels changements.
Il s’agit de choisir un point de départ depuis
lequel on essaye d’atteindre une autre position.
La façon dont le contact s’établit entre ces deux
points est toujours différente et dépend de
l’engagement des premiers points de rencontre…
Ubities a été composé pour l’exploration en live
de l’infinité de possibilités qui interagissent
durant toute sa durée.
20

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Festival
2015
SAM 07 MARS 2015
Photo : DR
Ilpo VÄISÄNEN
Né en 1963 à Kuopio.
Après des études en Céramique et Arts visuels
il forme le groupe Ultra3, puis Sin o avec les
membres d’ultra3 et Mika Vainio.
En 1992, il crée Panasonic, qui deviendra
Pan Sonic avec le même Mika Vainio.
Le groupe se produit à travers l’Europe, l’Asie,
l’Australie et les Amériques (entre autres
: Southbank et Barbican (Londres), Centre
Pompidou et Fondation Cartier (Paris) Walker Art
Center (Minneapolis), Volksbuhne (Berlin)).
Il a aussi notament collaboré avec Alan Vega, Fm
einheit, Charlemagne Palestine, Bruce Gilbert,
Keiji Haino, Masami Akita (Merzbow), Alter Ego,
Sunn o)))…
Il a aussi fait la musique de défilés de la marque
Comme des garçons et de la pièce “Alzheimer
2000 Toter trakt” d’Andreas Ammers et
F.M.Einheit.
Performance
22

Holly HERNDON
Holly Herndon est une artiste actuellement
basée à San Francisco, Californie.
Elle prépare un doctorat d’étude en Musique
informatique à l’Université de Stanford, tout en
faisant des performances et des expositions à
travers le monde.
Elle a déjà obtenu une maîtrise de musique
électronique au Mills College, avec les
professeurs John Bischoff, James Fei, Maggi
Payne et Fred Frith. Elle y remporta d’ailleurs
le prix Elizabeth Mills Crothers de la meilleure
compositrice en 2010 pour sa pièce générée par
la voix : “195”.
www.hollyherndon.com
Performance
Mat DRYHURST
Mat Dryhurst est un artiste dont la pratique
inclus le son, la vidéo, le texte et les logiciels.
Ses récents travaux explorent les technologies
d’avant-garde et le quotidien en tant
qu’expérience artistique.
Il a récemment créé des systèmes sonores
réactifs pour voitures électroniques, des
instruments et concepts pour la création
musicale adaptative liée à l’expérience du
quotidien, s’est exprimé à propos du potentiel
transformateur des cigarettes électroniques et
s’est produit à l’international lors de concerts et
d’expositions.
Il collabore régulièrement avec Holly Herndon,
la label berlinois PAN, le groupe de designer
Metahaven, le philospohe iranien Reza
Negarestani, le théoricien basé à Beyrouth
Brian Rogers et la compangie de design suédois
Semcon.
Il a été programmateur au Gray Area, an art
and technology non-profit de San Francisco
et participe régulièrement à des séminaires
et discussions autour du rôle de l’artiste dans
le développement foisonnant des nouvelles
technologies.
https://soundcloud.com/matdryhurst
Festival
2015
Photo : DR
SAM 07 MARS 2015
23

DIM 08 MARS 2015
Festival
2015
DIM 08 MARS 16H (Salle 400)
Knud VIKTOR
Esther VENROOY
Knud VIKTOR (1924-2013)
Né à Copenhague en 1924, Knud Viktor est un
pionnier de l’art sonore. Il a vécu en Provence
dans la montagne du Lubéron sur un site où il a
puisé tous les sons de son œuvre.
Bien avant Luc Ferrari, il s’est intéressé
au paysage sonore non comme matériau à
retravailler musicalement (à la différence de
Schaeffer et Henry) mais comme espace à
expérimenter humainement avec ses micros.
À son arrivée en Provence en 1961, il était
peintre. Comme Van Gogh, il cherchait
l’éblouissement de la lumière du midi. Et
certes, il a été subjugué par la lumière, mais
plus encore, fasciné par la vibration sonore qui
peuple les paysages. Ce fut une révélation. Au
point que, très vite, il décide de troquer ses
pinceaux contre des micros qu’il se fabrique luimême,
pour s’immerger dans l’écoute.
Cette quête l’entraîne dans une traque infinie.
Car dans la nature tout est son : garrigues,
buissons, chemins, arbres, gorges, ruisseaux
et cavités rocheuses lui révèlent des beautés
qui dépassent l’imagination. Knud Viktor
enregistre tout ce qui échappe à l’observation
humaine ordinaire : la vibration rythmique des
Photo : DR
rochers, l’érosion, les palabres des fourmis,
la conversation des frelons, les sons du lapin
endormi au fond de son terrier, l’ivresse de la
mouche de vinaigre.
Son micro est un révélateur, autant qu’un
aimant qui attire à lui la limaille du réel. C’est
un animal qui butine, fouine, fouille, scrute
partout où le son palpite. Mais il arrive aussi que
l’observateur soit lui-même observé. Et qu’un
dialogue se noue alors entre le preneur de son et
le monde qu’il observe.
Ses premières compositions s’intitulent
images sonores. Un titre-programme par lequel
s’affirme la singularité d’un travail dans lequel
la musique n’est plus l’enjeu principal : “Je ne
prétends pas faire de la musique, expliquet-il,
même si ce que j’entends dans la nature
est produit par des forces qui cherchent une
harmonie. En cueillant des sons qui organisent
des intensités sonores que je veux les plus
inattendues, les plus contrastantes, modulées,
dissonantes, j’essaye d’obtenir par le son, l’air,
la lumière, le vent, les pluies et aussi le roc, la
végétation rugueuse et parfumée du Lubéron…”
L’enjeu est une (possible) écoute première
du monde, que son travail ne cherche pas à
musicaliser mais à ouvrir en faisant sauter les
verrous qui d’ordinaire la recouvrent.
Dans ses compositions, il applique au
sonore des techniques de superposition ou
soustraction qui viennent de la peinture. Il étire
le temps pour faire entendre des sonorités
prisonnières de la trame des sons quotidiens.
Autant de démarches qui donnent corps à une
approche globale de l’écoute, à la croisée de
l’art et l’anthropologie, qui aura par la suite de
nombreux successeurs dans ce qui s’appellera
finalement l’art sonore.
Les apparitions de Knud Viktor sont rares, mais
elles laissent une profonde empreinte sur ses
auditeurs - le cinéaste François Truffaut fut l’un
d’eux - car rarement l’oreille humaine ne s’est
approchée de la nature avec une telle complicité.
Marc Jacquin.
Article publié dans Art Nord N° 11_2012
(Marc Jacquin est fondateur de Phonurgia Nova.
Il a créé au Musée Réattu d’Arles le premier
département d’art sonore dans un musée des
beaux-arts).
Symphonie du Lubéron
24

DIM 08 MARS 2015
Esther VENROOY
Esther Venrooy est une artiste travaillant dans
les domaines de la musique, du son et des
installations d’art.
Son champ musical s’étend de la musique
électronique pure à des combinaisons
d’improvisations entre électronique et
instruments traditionnels tels que le piano, les
percussions et le guqin.
Elle a créée des œuvres in-situ, ainsi que des
performances, des installations et des dessins.
Esther utilise des sons manipulés et des
techniques de collage. Elle est aussi fascinée
par les sons “d’objets trouvés” comme, par
exemple, les transmissions radiophoniques ou
satellitaires et les enregistrements fantômes.
Elle distille une poésie abstraite à partir des
aspects physiques et des qualités spatiales
du son.
En dehors de ses activités artistiques, Esther est
chargée de cours en musique du 20ème siècle,
arts de la performance et de l’expérimentation
aux Beaux Arts de Gand.
Elle y dirige aussi un atelier de techniques
mixtes.
Depuis 2009, elle poursuit une thèse de doctorat
sur la “topographie audio et la (re)construction
des espaces auditifs».
Dans ses recherches, elle explore l’expérience
auditive de l’espace et l’interaction entre les
sens auditifs et les environnements construits.
www.esthervenrooy.net
We Intersect On
Empty Walls
Extraits de “Okkulte Stimmen”.
Mediale Musik. Enregistrements de “unseen
Intelligences 1905-2007”.
Edited by Thomas Knoefel (3-CD-Box,
192 min. Berlin, 2007).
Festival
2015
Photo : DR
25

DIM 08 MARS 2015
Photo : René Pichet ©Ina
DIM 08 MARS 18H (Salle 400)
Régis RENOUARD LARIVIÈRE
Benjamin THIGPEN
Régis RENOUARD LARIVIÈRE
Festival
2015
Régis Renouard Larivière (3 décembre 1959,
Paris). Décide de se consacrer à la composition
acousmatique à la suite du stage Adac-GRM
qu’il suit, fin 1984, avec Jacques Lejeune et
Philippe Mion.
Il enseigne depuis 1990 : actuellement au
Conservatoire Erik Satie (Paris VII) et au
Conservatoire Royal de Mons (Belgique).
A écrit plusieurs textes consacrés à différents
compositeurs électroacoustiques, ainsi qu’aux
concepts schaeffériens. Sa pièce Futaie a obtenu
le prix Ars Electronica en 1996.
Il a également travaillé pour le cinématographe,
(Polichinelle de David Braun, 2007) et le théâtre
(Bethsabée d’Audrey Barrin, 2010).
Contrée 20’ (2012 - Commande de l’État)
À Philippe Mion.
Successivement, quatre parties enchaînées :
entrée et stance 1 - véhémence de l’air et stance
2 - grande allure.
A l’encontre des sonorités et de leurs
contrevenues s’embrase la Contrée. La musique
serait la réponse de l’air - le contre-air que
propage et dessine à la fois le feu de l’écoute. Ce
feu dont, comme en passant, parle Schaeffer à
la page 161 du Traité des Objets Musicaux :
“L’univers sonore ne serait comparable à
l’univers visuel que si, dans ce dernier, l’œil ne
percevait exclusivement que les flammes (…) de
combustions plus ou moins brèves.”
La contrée célèbre l’air au moyen de divers
aérages et de multiples ventilations — le rendant
palpable, si possible, dans son éclatante
insolidité donatrice.
Contrée constituera le dernier volet d’un
triptyque dont Sables (2011) sera le premier, et
Nil (en préparation) le second.
Elle est dédiée à Philippe Mion, aux oreilles
amicales duquel, et depuis tant d’années, sont
confiées mes musiques.
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DIM 08 MARS 2015
Photo : DR
Benjamin THIGPEN
Festival
2015
Nomade, américain de naissance, français
par naturalisation, vit actuellement entre la
France, la Belgique, l’Italie, la Suède et le
Canada. Après avoir quitté le conservatoire,
il a pris des diplômes en littérature anglaise
(Oberlin College), en littérature comparée
(UCLA) et en “Esthétiques technologies et
créations artistiques” (Université de Paris
8). Il a enseigné l’informatique musicale
pendant six ans à l’Ircam (Paris) et pendant
sept ans au Conservatoire de Cuneo
(Italie). Il est actuellement enseignant
d’informatique musicale, d’acoustique et de
psychoacoustique aux Arts2 (Belgique) ainsi
que réalisateur en informatique musicale.
Il est créateur de musique pour haut parleurs
: purement électroacoustique ; performance
live ; musiques interactives pour ordinateur
et instruments acoustiques. Il compose
souvent en multi-canal, en travaillant
l’espace comme paramètre compositionnel
primaire. Il compose au GRM (Paris), à
EMS (Stockholm) à VICC (Suède), au STEIM
(Amsterdam), à l’Espace Totem (Montréal),
chez lui, a l’aéroport et dans le train. Il
joue dans le duo Rust avec le compositeur
et inventeur d’instruments Jean-François
Laporte, ainsi que dans le Trio Bobine avec
le musicien électronique et compositeur
Stefano Bassanese et le clarinettiste Massimo
Carrozzo.
Il a sorti deux CD monographiques : divide by
zero (Sub Rosa, 2011) et human for scale (EMF
Media, 2005). Sa pièce thread zero fait partie
du CD An Anthology of Noise and Electronic
Music #7 (Sub Rosa, 2012).
Sa pensée musicale est axée sur l’énergie,
la densité, la complexité, l’impermanence,
l’intensité et la violence. Il pense que
la musique est une expérience vécue
viscéralement plutôt qu’un langage ; et il
considère qu’elle n’est pas l’art du son, mais
l’art de la transcendance du son.
www.benjaminthigpen.net
http://soundcloud.com/benjamin-thigpen
pulse (2015)
Quelques minuscules fragments d’un univers
qui pulse sans fin : surgissant, s’écoulant,
passant. Tout simplement... Comme des
nuages dans le ciel, des ondes dans la
mer, des branches dans le vent ; comme les
couleurs du soleil nordique qui changent sans
cesse.
Tous les sons proviennent d’un merveilleux
synthétiseur analogique datant des années
70 : le Buchla 200. J’ai composé cette
matière sonore en 2010 au studio EMS à
Stockholm, pendant une résidence d’un mois
consacrée entièrement à l’exploration de
l’instrument. Par la suite, il y a eu un long
processus, souvent interrompu, d’édition et
d’organisation des sons. La musique a été
finalement composée en décembre 2013 au
Visby International Centre for Composers
(Suède) et en décembre 2014 au GRM.
pulse i 8’49
pulse ii 9’02
pulse iii 7’07
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DIM 08 MARS 20H (Nef Curial)
Thierry BALASSE
ZAVOLOKA+KOTRA
Norbert MÖSLANG
Charles COHEN
Thierry BALASSE
Vingt années d’expérience au service de la
création musicale et sonore pour le théâtre et
le disque, et quelques rencontres marquantes
ont conduit Thierry Balasse à développer un
travail d’écriture et d’improvisation sur le
sonore et le traitement électroacoustique,
aimant jouer avec les bruits, les percussions,
les synthétiseurs, les platines, les voix, le
traitement de la voix et des instruments, dans
un espace de diffusion adapté à chaque lieu de
représentation. Son parcours est jalonné de
rencontres essentielles, avec notamment Pierre
Henry, Cécile Maisonhaute, Bruno Abraham
Kremer, Vincent Dupont, Sylvain Kassap et
Eric Groleau (pour des duos) et la Muse en
circuit (Centre National de Création musicale)
dirigée par David Jisse, à travers une résidence
et un soutien à la production pendant 7 ans.
Thierry Balasse est directeur artistique de la
compagnie Inouïe et de la collection “Chut !”
de CD audio de l’école des loisirs.
http://inouie94.free.fr/INOUIE/accueil.html
Photo : Aude Paget ©Ina
Garlic (Création)
Pourquoi avez-vous décidé d’utiliser le
microphone comme instrument de scène ?
T.B. : J’ai une formation de technicien son et
j’ai décidé très vite que tous les appareils
techniques pourraient devenir des instruments
de musique, je l’ai fait de façon instinctive, à
l’époque je ne connaissais rien de la musique
électroacoustique.
Plus tard, après avoir exploité au maximum les
magnétophones puis les consoles analogiques
et numériques, le microphone s’est imposé lors
de mes premiers essais de concerts sous casque,
car il permet d’agir comme avec un microscope
:on peut emporter l’auditeur dans un autre
monde, dans l’infiniment petit. On le fait
depuis longtemps en studio, mais on s’y risque
rarement en concert.
Le problème du microphone, c’est le larsen...
Jusqu’au jour où on décide que le problème est
intéressant à utiliser ! Lors d’une répétition avec
le clarinettiste Sylvain Kassap, nous avons eu
un problème de larsen mais qui nous a paru
étrange, comme fluctuant... Et j’ai vite compris
qu’il y avait deux larsens qui se contrariaient.
J’ai donc essayé par la suite de provoquer
plusieurs larsens simultanés, ce qui m’a conduit
à “inventer” un “gant larsen”, munis de
microphones, que je manipule devant des hautparleurs
de différents types.
Pouvez-vous décrire le dispositif que vous
utilisez ?
T.B. : J’utilise donc un gant muni de trois
microphones, ils sont raccordés à une petite
console analogique, puis envoyés vers
différents systèmes d’amplification, parfois
en direct, parfois en traversant des effets
analogiques (chambre d’écho à bande, réverb
à ressort, pédale de volume, pédale wahwah,
etc...). Le dispositif mêle analogique et
numérique. Dans le cadre de la pièce “Garlic”,
dédiée à Laurent Dailleau, j’ajoute un Theremin
qui traverse un modulateur en anneau, une
réverbération à ressort et un filtre analogique,
et un synthétiseur analogique Minimoog.
DIM 08 MARS 2015
Festival
2015
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DIM 08 MARS 2015
Festival
2015
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ZAVOLOKA + KOTRA
Zavoloka est le nom de scène de Kateryna
Zavoloka, artiste sonore, compositrice
de musique électronique expérimentale,
interprète, improvisatrice et graphiste, résidant
à Kiev, en Urkraine.
Zavoloka explore principalement les synthèses
numériques et analogiques qu’elle mélange
avec des enregistrements d’anciennes chansons
folkloriques ukrainiennes et différents
instruments. Sa musique consiste en des
mise en mouvements du son intenses et des
combinaisons inattendues canalisées dans des
flux électroniques soigneusement contrôlés.
Elle collabore avec des artistes tels que Kotra,
AGF, Mark Clifford du groupe Seefeel, elle a
été invitée spéciale du spectacle audiovisuel
d’Aphex Twin, travaille fréquemment et joue en
direct avec l’artiste plasticienne Lætitia Morais
et a pris part à de nombreux projets d’art de
genres différents et des compilations audio.
Zavoloka est aussi graphiste pour le label de
musique expérimentale ukrainienne Kvitnu,
elle a été nominée trois fois en 2011 au Quartz
Electronic Music Awards.
En 2005, on lui a attribué une Mention
d’honneur du Prix Ars Electronica dans la
catégorie Musique Numérique et l’Art Sonore
pour son album “Plavyna”.
Zavoloka exécute des concerts régulièrement
et sa musique a été présentée dans divers
salles de concert, des clubs, des musées d’art
contemporain, des théâtres en plein air, et ce,
dans le monde entier. Elle a été jouée dans de
nombreux festivals à travers le monde, tels que
Présences électronique, Club Transmediale,
MadeiraDig, Unsound New York, Kvitnu Fest,
Being the Future…
www.zavoloka.com
Photo : Kvitnu ©DR
Kotra est le surnom et le principal projet
artistique de Dmytro Fedorenko, artiste sonore
ukrainien et producteur résidant dans la ville
de Kiev.
Durant de nombreuses années, il a exploré
ses limites de perception et celles du public,
testant les effets de la musique sur le corps et
l’esprit jusqu’aux points les plus extrêmes.
L’idée principale derrière les disques et les
live de Kotra est d’opérer une transformation
radicale à travers le son, considérant ce
dernier comme le plus puissant des outils de
communication.
En poussant extrêmement fort les fronts
sonores, Kotra offre une autre vision de la face
irritante et désorientante de la musique, dans
une perspective extra-esthétique.
En dehors de ses pièces extrêmes en solo,
Kotra explore le son au travers de nombreuses
collaborations musicales et audio-visuelles
avec des artistes tels que Zavoloka, Abs6,
Black Rain, Jeff Surak, Moljebka Pvlse,
Akuvido, Tenpoint, Marek Choloniewski, Jonas
Grushka, Kim Cascone, Andrey Kiritchenko,
Dunaewsky69, Andreas Berthling.
Depuis 1998, il présente ses idées radicales
dans de nombreux festivals internationaux en
Europe, Etats-Unis et Asie.
Dmytro Fedorenko dirige aussi le label Kvitnu,
est commissaire de projets artistiques, produit
des concerts et festivals tels les Kvitnu Fest
and Detali Zvuku, enseigne, présente des
master classes et participe à des projets en tant
que consultant indépendant.
www.dmytrofedorenko.com
Veer
Inspiration d’incessantes déformations et de
déplacements, aspiration à la variation et à
l’évolution.
Ordre sporadique des micro-évènements,
chaos élémentaire interne à la structure.
Amalgame formel d’instabilités et ordre strict.
Kotra et Zavoloka continuent d’explorer les
changements perpétuels et les transformations
sonores et compositionnelles : complexité des
microformes quasi aléatoires, changements
soudains de direction.
Forme de déviation, son du désordre et
composition de possibilités.
Risque.

DIM 08 MARS 2015
Norbert MÖSLANG
Co-fondateur du mythique et défunt Voice Crack,
pionnier dans le champ du circuit-bending et
des détournements technologiques, Norbert
Möslang poursuit aujourd’hui en solo un travail
sonore à partir de ses “cracked everyday
electronics”, proposant une approche inédite du
recyclage d’objets électroniques non musicaux.
http://homepage.swissonline.ch/bots/
burst_log
Festival
2015
Photo : Georg Gatsas © DR
31

Photo : Neal Santos © DR
Charles COHEN
Par Jordan Rothlein du webzine Resident Advisor :
La vie musicale de Charles Cohen tient dans une
valise bleue layette : le Buchla Music Easel, un
objet obscur créé par Donald Buchla, pionnier
des créateurs de synthétiseurs. Cet objet
s’exprime avec une voix à la texture complexe
qui se retrouve dans tous les enregistrements
de Cohen, dont certains sont apparus pour la
première fois l’année dernière à travers une
série d’éditions du label Morphine.
Pour Cohen, le son n’est rien d’autre que
participatif. Il a été inspiré par les tonalités
entendues dans la musique de Morton
Subotnick, mais ce sont Sun Ra et le pianiste
de free jazz Cecil Taylor qui ont façonné sa
perception de la musique électronique en tant
que performance live libre et flottante.
Son implication dans la scène musicale
d’avant-garde de Philadelphie, l’aida à ancrer sa
musique dans la communauté et la collaboration.
Cohen commença sa carrière en composant pour
des productions de théâtre et de danse, et en
travaillant comme sound designer à la Temple
University.
Plus il joua et plus il se dirigea vers
l’improvisation, délaissant la composition
traditionnelle et le travail de studio pour le free
jazz, la musique cosmique et la noise.
Aujourd’hui, son approche musicale est plutôt
intimement liée à celle de Pauline Oliveros, dont
les “écoutes profondes” dirige la sensibilité
plus vers l’inconscient que vers la technique.
A présent, il tourne avec une configuration
réduite à l’essentiel. Mise à part quelques boîtes
d’effets usées, sur scène ce sera simplement
Cohen et le Music Easel.
Charles Cohen tient à remercier
Morphine Records et Buchla Electronic Musical
Instruments.
Performance
Festival
2015
DIM 08 MARS 2015
32

NOUVEAU
BUNDLE
SPACES
DISPONIBLE
DÉBUT 2015
Les plugins GRM Tools - conçus et réalisés par
l’Ina GRM - sont le fruit de nombreuses années
d’expérimentations et de développement de logiciels
de traitement sonore.
De notoriété mondiale, ils sont utilisés
aussi bien par les musiciens, les compositeurs
et les designers sonores que par l’industrie
du cinéma, les studios de production musicale
et de jeux vidéo.
La troisième génération de GRM Tools
disponible sur store.inagrm.com

Festival
2015 06+07+08 mars
Toutes les créations sont mondiales
Coproduction Ina GRM / Le CENTQUATRE - PARIS / Radio France
Tous les concerts sont gratuits, entrée dans la limite des places disponibles
Le CENTQUATRE est un établissement artistique de la ville de Paris
104.fr
Équipe Ina
Direction du département Recherche
Daniel Teruggi
Direction artistique
Christian Zanési et François Bonnet
Responsable technique
Philippe Dao
Régie technique
Emmanuel Richier, Renaud Bajeux,
Benjamin Miller, Jérôme Tuncer, Luca Bagnoli,
Paul Ramage, François Couderc
Création lumière
Pierre Gallais
Chargé de production
Jean-Baptiste Garcia
Communication
Marie Josiane Rouchon
Administration
Valérie Lallour, Valérie Gauffreteau
Accueil et vente
Elisabeth Perrin
Photographes
Aude Paget, Nicole Bouron-Flacinet,
Didier Allard, René Pichet
Accès au CENTQUATRE
5 rue Curial - Paris 19 e
RER :
lignes B et D - Gare du Nord
MÉTRO :
lignes 2, 5 - station Stalingrad
(bd de la Villette, sortie n° 2)
ligne 7 - stations Riquet
BUS :
ligne 54 - station Riquet ;
lignes 54, 60
- stations Crimée/Curial navette “la Traverse”
- stations Riquet ou Curial/Archereau
VÉLIB’ :
bornes rue d’Aubervilliers,
rue Curial, rue Riquet,
avenue de Flandre,
quai de la Seine,
rue Tanger, rue Pajol
VOITURE :
boulevard Périphérique,
sorties Porte d’Aubervilliers,
Porte de la Chapelle,
Porte de la Villette
Contacts presse
Ina :
Flavie Lecomte / 01 49 83 25 07
flecomte@ina.fr
Le CENTQUATRE :
Virginie Duval de Laguierce / 01 53 35 50 96
v.duval@104.fr
Contacts
Ina GRM
19 Avenue du Général Mangin 75016 Paris
Tél : 01 56 40 29 88 / Fax : 01 56 40 49 88
Email : grm@ina.fr
www.inagrm.com
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à la lettre d’infos Ina GRM :
http://www.inagrm.com/contact

Photo : Didier Allard © Ina
concerts
gratuits
au CENTQUATRE-PARIS
5, rue Curial - Paris (19 e )
Riquet (ligne 7)
www.104.fr
VEN 06 MARS
19H (Salle 400)
Keith FULLERTON WHITMAN
Ilhan MIMAROGLU (1926-2012)
21H (Nef Curial)
Vincent-Raphaël CARINOLA
SUPER COLOR PALUNAR
(Lionel PALUN+Jérome NOETINGER)
Antoine CHESSEX
Pete SWANSON
SAM 7 MARS
16H (Salle 400)
Sophie AGNEL
Frederick GALIAY+ Jean-Sébastien MARIAGE
18H (Salle 400)
Pionnières de la musique électronique
par Carole RIEUSSEC
20H (Nef Curial)
Bernard PARMEGIANI (1927-2013)
Bjarni GUNNARSON
Ilpo VÄISÄNEN
Holly HERNDON
DIM 8 MARS
16H (Salle 400)
Knud VIKTOR (1924-2013)
Esther VENROOY
18H (Salle 400)
Régis RENOUARD LARIVIÈRE
Benjamin THIGPEN
20H (Nef Curial)
Thierry BALASSE
ZAVOLOKA + KOTRA
Norbert MÖSLANG
Charles COHEN
Enseignement
Formation
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Etude et Conseil
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4, avenue de l’Europe
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