MAI - Centre Pompidou

Avec plus de 200 œuvres, du premier ready-made
de Marcel Duchamp, le « portebouteilles
» de 1914, aux sculptures de Miró
de la fin des années 1960, l’exposition
retrace l’histoire de la « mise au défi » surréaliste
de la sculpture par l’objet quotidien.
Elle met en lumière les étapes de
l’invention, des métamorphoses et de l’exposition
publique de l’objet surréaliste.
En fondant le surréalisme en 1924, André
Breton et ses amis avaient affirmé le projet
d’un dépassement, d’une réinvention du
réel. En 1924, le Manifeste fondateur du
mouvement en appelait au « modèle intérieur
». Le rêve, les puissances de l’inconscient
inspiraient une poésie « à toute
vitesse » vouée à déborder, à affoler le réel.
Un second chapitre de l’histoire du surréalisme
s’ouvre en 1927 avec l’engagement de
ses membres les plus actifs, André Breton,
Louis Aragon, Paul Éluard… dans les rangs
du Parti communiste français. Ce rapprochement
impliquait la prise en compte de
la réalité et conduisait les surréalistes à la
condamnation de la fétichisation marchande
de l’œuvre d’art, à une suspicion à
l’égard d’un « génie artistique » qui consacrait
pour Breton la captation des puissances
de création poétique au profit d’une
caste sociale. L’objet, sur lequel allaient se
cristalliser les réflexions du surréalisme
militant, devait s’imposer comme la
réponse à ce nouveau contexte philosophique
et politique. André Breton résumait
cette exigence nouvelle en appelant à la
création d’une « physique de la poésie ».
Dix ans avant la fondation du surréalisme,
Giorgio De Chirico peint son premier mannequin.
Le Manifeste du surréalisme de
1924 présentera le mannequin comme un
des objets les plus propices à provoquer le
« merveilleux » surréaliste. Les figures de
cire ou de plastique ne cesseront de ponctuer
les manifestations du mouvement. Au
début des années 1930, Hans Bellmer met
en chantier sa Poupée articulée ; la première
exposition internationale du surréalisme
s’ordonne autour d’une « rue » bordée
de seize mannequins de vitrine que
détournent les surréalistes.
En 1914, l’année où De Chirico représente
pour la première fois un mannequin, Marcel
Duchamp acquiert un Porte-bouteilles
qui deviendra son premier « ready-made ».
En 1938, le Dictionnaire abrégé du Surréalisme
reconnaîtra la place fondatrice qui
lui revient dans l’invention de l’objet surréaliste.
S’ils relèvent du ready-made, en
ce qu’ils « recyclent » les objets du quotidien,
les premiers objets surréalistes tiennent
aussi du collage, du jeu du cadavre
exquis que pratiquent les surréalistes
depuis 1925.
« L’Exposition surréaliste d’objets », présentée
à la galerie Ratton en mai 1936,
entend démontrer la capacité du surréalisme
à transfigurer le réel lui-même.
André Breton présente les objets
comme des blocs de « rêves solidifiés ».

Avec ces objets qui défient tout « talent
artistique », c’est la puissance de désignation
surréaliste qui constitue le véritable
objet de l’exposition. Dans les vitrines, sur
les murs, nulle trace du savoir-faire, de
l’inspiration. Ready-made sortis momentanément
de leur anonymat fonctionnel,
ces objets résistent à toute spéculation.
La démystification de l’œuvre d’art et le
projet d’inscription du surréalisme dans le
monde concret, auxquels répond l’invention
de l’objet, s’expriment aussi par une
conquête de l’espace réel, par la mise en
scène des expositions surréalistes qui préfigure
l’art de l’« installation » pour en
faire, selon la définition de Breton, des
« objets spatiaux surréalistes ». Pour
l’« Exposition internationale du surréalisme
» organisée en 1938 à la galerie des
Beaux-Arts, chacun de ses seize participants
« habille » un des mannequins qui
bordent la Rue surréaliste. En proposant
d’explorer l’univers mythique contemporain,
l’exposition inaugurée à la galerie
Maeght en 1947 reste fidèle au principe de
dépassement de l’art. Organisée en 1959 à
la galerie Daniel Cordier, la huitième
« Exposition inteRnatiOnale du Surréalisme
» (ÉROS) embrassera une vaste chronologie,
de la Boule suspendue de Giacometti
et La Poupée de Bellmer au Bed
(1955) de Robert Rauschenberg et aux
Cibles de Jasper Johns. Dans la « Crypte du
fétichisme », conçue par Mimi Parent, sont
présentés, dans des casiers muraux, des
objets qui, près de trente ans après leur
invention, rappellent les liens qui unissent
l’objet surréaliste à l’érotisme. La critique,
qui rapproche l’exposition ÉROS du musée
Grévin ou de la boîte de nuit, ne fait que
témoigner de la réussite de son « muséographe
», Marcel Duchamp, désireux de
défier avec elle les lois convenues de « l’accrochage
».
Le Téléphone aphrodisiaque est assemblé
par Dalí en 1935. Reproduit dans
American Weekly, il provoque la surprise
et l’effroi de l’homme qui s’en
saisit : « New York Dream – Il trouve un
homard au lieu d’un téléphone. » Destiné
initialement à l’appartement du
collectionneur londonien Edward
James, le Téléphone aphrodisiaque est
présenté en 1938, dans la première
« Exposition internationale du surréalisme
» organisée à la galerie des
Beaux-Arts. Dans le Dictionnaire
abrégé du Surréalisme l’accompagnant,
Dalí écrit : « Les appareils téléphoniques
seront remplacés par des
homards, dont l’état avancé sera rendu
visible par des plaques phosphorescentes,
véritables attrape-mouches truffières.
»

Enfant, Victor Brauner scrute les séances
spirites qu’organise son père, féru
d’occultisme. Le Loup-table se rattache
à la série des Lycanthropes (1938-39),
tableaux de la « période floue » de
Brauner qui montrent des ectoplasmes
et autres apparitions fantomatiques.
Apparaissant d’abord dans des dessins
et des peintures, le « loup-table »
constitue la figure centrale de Fascination
(1939) et d’Espace psychologique
(1939). Il exhibe déjà cette gueule
menaçante, cette queue agressive et ces
« bourses génitales bien remplies » qui
impressionnent André Breton. Devenu
objet pour figurer dans l’exposition « Le
Surréalisme en 1947 » à la galerie Maeght,
Loup-table paraît retourner son
agressivité contre lui-même, la gueule
tournée vers son énorme queue. À l’instar
des objets « désagréables » de Giacometti,
il joue sur les fantasmes
d’autocastration. Revanche de la forêt
sur la scierie, Loup-table transforme
un « pied de table » en « patte de loup ».

L’amputation d’une lettre adressée en
1916 par Marcel Duchamp à sa sœur est
à l’origine du plus grand malentendu de
l’histoire de l’art du 20 e siècle :
« Prends pour toi ce porte-bouteilles,
j’en fais un ready-made à distance. Tu
inscriras en bas et à l’intérieur du cercle
du bas […] l’inscription que je vais te
donner ci-après… »
En l’absence d’« inscription », la postérité
mutile le sens du ready-made, le
réduit au seul geste thaumaturgique
d’un artiste, capable de changer en
œuvre d’art un objet du quotidien. Cette
réduction de l’art à la magie s’opère au
détriment de la considération qu’il
convient de porter aux « inscriptions »
qui accompagnent les ready-made. En
1959, le Porte-bouteilles réapparaît
dans l’exposition « Art and the found
object ». Robert Rauschenberg, qui
l’acquiert, sollicite Duchamp pour qu’il
le signe. Non content d’y apposer sa
signature, il inscrit à la base de l’objet :
« impossible de me rappeler de la
phrase originale ». Quelle qu’ait pu être
l’attention archéologique apportée à la
reconstitution des ready-made lors de
leur édition en 1964, l’oubli irrémédiable
de la phrase originale devant figurer
à la base du porte-bouteilles aura
contribué à la mécompréhension de sa
signification première.

Par les rencontres qu’il provoque, par la
« pauvreté » de ses matériaux, le collage
cubiste est présenté par André
Breton comme modèle de l’œuvre surréaliste.
« L’esprit d’évasion » de Pablo
Picasso en fait, aux yeux du poète, un
précurseur du surréalisme. De fait, le
peintre espagnol participera à la première
exposition du mouvement en
1925. La diversité de son œuvre sculptée
est révélée sur les photographies réalisées
par Brassaï de l’atelier de Picasso à
Boisgeloup. Elles montrent des sculptures
d’assemblage combinant les
objets les plus hétéroclites (une plante
verte et un plumeau à poussière…). La
« tête de taureau » assemblée par
Picasso en 1942 associe objet trouvé et
« collage », et relève de plein droit de
l’esthétique surréaliste.

Et s’il existait de nouveau aujourd’hui un
« art de l’oubli » comme, en des temps éloignés,
il y en eut un, consubstantiel aux
« arts de la mémoire » Et si l’art de notre
temps, dans ses formes les plus diverses, y
voyait après le philosophe Friedrich
Nietzsche « un principe de création » Le
Centre Pompidou présente la cinquième
édition de son Nouveau festival : un rendez-vous
de la pluridisciplinarité et des
expériences inédites, un laboratoire des
nouvelles formes de la création contemporaine
au gré de propositions d’artistes et de
créateurs venus de multiples horizons. Une
cinquième édition qui prend le risque de
l’oubli et de la réminiscence !
En Galerie sud, l’espace de l’exposition
précédemment consacrée à l’œuvre de
Pierre Huyghe est réutilisé : une manière
de s’infiltrer dans le labyrinthe conçu par
l’artiste et de prendre la mémoire en
défaut. Dans cet espace, le chorégraphe
Xavier Le Roy est invité à venir exposer la
danse avec « Rétrospective » : pendant les
trois semaines du Nouveau festival, les
interprètes tentent de se souvenir et d’exécuter,
face au public, des œuvres du répertoire
de l’artiste. En écho au rendez-vous
fixé par Xavier Le Roy, la Galerie sud
accueille un ensemble d’œuvres passées et
présentes, hantées à bien des égards par
l’oubli. Marcel Duchamp, Ed Ruscha, Rémy
Zaugg, Mel Bochner, Tim Maul, Stephen
Prina, Pierre Bismuth, Wim Delvoye, Matthew
Buckingham, Arno Gisinger, Olaf
Nicolai, Mario Garcia Torres, Joachim
Koester, Didier Rittener, parmi d’autres,
côtoient les propositions de Tris Vonna-
Michell, Alexandra Pirici et Manuel Pelmus
et d’une génération mêlant toutes les disciplines
propres à la création contemporaine
avec Stefan Sulzer, Mark Geffriaud,
Sébastien Rémy, Alex Cecchetti, Jeremiah
Day, Simon Fujiwara, Marie Lund et Nina
Beier, Meris Angioletti…
Tel un espace accueillant archives et souvenirs,
passé recomposé et mémoire vive,
cette édition est l’occasion de redécouvrir
l’expérience Furkart, un lieu « perdu » au
cœur du Valais suisse où, pendant près de
vingt ans, les artistes les plus exceptionnels
sont venus inscrire la trace de leur
passage. Au cœur du Centre Pompidou, au
Forum -1, le cinéaste Charles de Meaux est
le conducteur inspiré d’un « Train fantôme
». Les tuyaux que le public est invité à
emprunter à la découverte du film conçu
pour l’occasion sont la réminiscence d’un
des signes emblématiques de l’architecture
du Centre Pompidou, resurgissant,
comme une hydre, au beau milieu de l’espace.
À l’arrivée du train, une sélection
rare de films d’artistes complices de Charles
de Meaux est offerte aux voyageurs/
spectateurs.
Vidéodanse est, cette année, étroitement
liée au Nouveau festival du Centre Pompidou
qui l’accueille dans l’Espace 315. Y
a-t-il en effet meilleure manière
d’aborder l’histoire de la danse qu’à

travers le prisme d’un passé rappelé dans
le présent Comme l’écrit justement Valérie
Da Costa, commissaire de cette édition
profondément renouvelée : « La relation
entre la mémoire et l’oubli est probablement
le nœud central à partir duquel s’établit
tout geste chorégraphique. »
Cette cinquième édition est aussi l’occasion
de développer de nombreuses propositions
dans les salles de spectacle avec
des invitations faites ici encore à Xavier Le
Roy ainsi qu’à Miguel Gutierrez et Ivo Dimchev.
La parole y trouve cette fois encore sa
pleine place : écrivains et philosophes,
artistes et critiques explorent, au fil de
rendez-vous quotidiens, les relations que
la littérature et l’ensemble des sciences
humaines entretiennent avec l’oubli et la
réminiscence. Parmi les invités que Jean-
Pierre Criqui voit volontiers « Éblouis par
l’oubli » : Simon Daniel Kipman à la
recherche de « La palette des oublis »,
Sabina Loriga et « L’oubli historique »,
Nathalie Quintane entre « Oubli ET littérature
», Milad Doueihi attentif à « L’oubli
numérique », Peter Szendy autour de « La
musique et l’oubli »… Enfin, Jacques
Aumont nous invite au cycle qu’il conçoit
sur le thème de l’amnésie. Avec Alain Bergala,
Laurent Jullier, Dork Zabunian, Hervé
Aubron, Vinzenz Hediger et lui-même,
revoyons une sélection de films de Nanni
Moretti, George Stevens, le groupe Dziga
Vertov, Matt Reeves, Jürgen Böttcher et
Shôhei Imamura.
La cinquième édition du Nouveau festival
du Centre Pompidou, ce sont trois semaines
d’oubli dont vous vous souviendrez !
Nombreux sont les artistes qui, au fil du
temps, ont préféré l’oubli au souvenir !
Nombreux sont ceux pour qui l’oubli est
un principe de création. La généalogie
de l’oubli est plus longue qu’il n’y paraît
et la pensée, d’Homère à Ovide, de Platon
à Hésiode, de Montaigne à Nietzsche,
de Benjamin à Todorov, de Borges à
Blanchot, de Freud à Ricœur, d’Eco à
Weinrich ou Augé pour ne citer ici que
les sciences humaines, n’a pas manqué
de s’y arrêter.
L’art de notre temps, toutes disciplines
confondues, ne déroge pas à la règle.
Quelque cinquante propositions composent
ici une réflexion sur l’oubli, la
réminiscence et le palimpseste.
Du New Pompidou, 2014 de Simon
Fujiwara à The Shape of Memory, (And
the Space of Forgetfulness), n.d. de
Mario Garcia Torres, d’Erased de Kooning,
Robert Rauschenberg, 1953 by Xu
Yang, 2010 de Pierre Bismuth à Une
Fatigue, trop savoir, 1973-1989 de Rémy
Zaugg, de The Six Grandfathers, Paha
Sapa in the Year 502,002 C.E., 2002 de
Matthew Buckingham à Invent arisiert,
2000 d’Arno Gisinger, les œuvres de
quelque cinquante artistes se côtoient.
Performances, conférences, interventions
dans l’espace de l’exposition et à
sa périphérie complètent le projet dans
lequel Alex Cecchetti, Jeremiah Day,
Sébastien Rémy, Dario Robleto, Nina
Beier et Marie Lund, Meris Angioletti
parmi d’autres invité(e)s, se confrontent
au sujet. Et Duchamp, toujours lui,
écrit furtivement sur un fragment de
papier échappé de ses notes, ces deux
mots qui donnent son titre à la manifestation
: « Allégorie d’oubli ».

travers le prisme d’un passé rappelé dans
le présent Comme l’écrit justement Valérie
Da Costa, commissaire de cette édition
profondément renouvelée : « La relation
entre la mémoire et l’oubli est probablement
le nœud central à partir duquel s’établit
tout geste chorégraphique. »
Cette cinquième édition est aussi l’occasion
de développer de nombreuses propositions
dans les salles de spectacle avec
des invitations faites ici encore à Xavier Le
Roy ainsi qu’à Miguel Gutierrez et Ivo Dimchev.
La parole y trouve cette fois encore sa
pleine place : écrivains et philosophes,
artistes et critiques explorent, au fil de
rendez-vous quotidiens, les relations que
la littérature et l’ensemble des sciences
humaines entretiennent avec l’oubli et la
réminiscence. Parmi les invités que Jean-
Pierre Criqui voit volontiers « Éblouis par
l’oubli » : Simon Daniel Kipman à la
recherche de « La palette des oublis »,
Sabina Loriga et « L’oubli historique »,
Nathalie Quintane entre « Oubli ET littérature
», Milad Doueihi attentif à « L’oubli
numérique », Peter Szendy autour de « La
musique et l’oubli »… Enfin, Jacques
Aumont nous invite au cycle qu’il conçoit
sur le thème de l’amnésie. Avec Alain Bergala,
Laurent Jullier, Dork Zabunian, Hervé
Aubron, Vinzenz Hediger et lui-même,
revoyons une sélection de films de Nanni
Moretti, George Stevens, le groupe Dziga
Vertov, Matt Reeves, Jürgen Böttcher et
Shôhei Imamura.
La cinquième édition du Nouveau festival
du Centre Pompidou, ce sont trois semaines
d’oubli dont vous vous souviendrez !
Nombreux sont les artistes qui, au fil du
temps, ont préféré l’oubli au souvenir !
Nombreux sont ceux pour qui l’oubli est
un principe de création. La généalogie
de l’oubli est plus longue qu’il n’y paraît
et la pensée, d’Homère à Ovide, de Platon
à Hésiode, de Montaigne à Nietzsche,
de Benjamin à Todorov, de Borges à
Blanchot, de Freud à Ricœur, d’Eco à
Weinrich ou Augé pour ne citer ici que
les sciences humaines, n’a pas manqué
de s’y arrêter.
L’art de notre temps, toutes disciplines
confondues, ne déroge pas à la règle.
Quelque cinquante propositions composent
ici une réflexion sur l’oubli, la
réminiscence et le palimpseste.
Du New Pompidou, 2014 de Simon
Fujiwara à The Shape of Memory, (And
the Space of Forgetfulness), n.d. de
Mario Garcia Torres, d’Erased de Kooning,
Robert Rauschenberg, 1953 by Xu
Yang, 2010 de Pierre Bismuth à Une
Fatigue, trop savoir, 1973-1989 de Rémy
Zaugg, de The Six Grandfathers, Paha
Sapa in the Year 502,002 C.E., 2002 de
Matthew Buckingham à Invent arisiert,
2000 d’Arno Gisinger, les œuvres de
quelque cinquante artistes se côtoient.
Performances, conférences, interventions
dans l’espace de l’exposition et à
sa périphérie complètent le projet dans
lequel Alex Cecchetti, Jeremiah Day,
Sébastien Rémy, Dario Robleto, Nina
Beier et Marie Lund, Meris Angioletti
parmi d’autres invité(e)s, se confrontent
au sujet. Et Duchamp, toujours lui,
écrit furtivement sur un fragment de
papier échappé de ses notes, ces deux
mots qui donnent son titre à la manifestation
: « Allégorie d’oubli ».

Les tuyaux apparents –
bleus, verts, rouges,
blancs – caractérisent le
bâtiment du Centre Pompidou,
imaginé par les
architectes Richard
Rogers et Renzo Piano au
milieu des années 1970.
Les tuyaux du Centre
Pompidou conservent
sagement leur mystère.
« D’où viennent-ils, où
vont-ils », se demande
Charles de Meaux, artiste
cinéaste voyageur, à
l’origine de la création du
collectif Anna Sanders
Films aux côtés de Philippe
Parreno, Pierre Huyghe et Dominique
Gonzalez-Foerster, dans les
années 1990.
Pour le Nouveau festival du Centre
Pompidou, Charles de Meaux visualise
un trajet dans les entrailles de « Beaubourg
», imagine qu’un des tuyaux ressort
au Forum -1 et invite le visiteur à le
parcourir. Une suite d’images, recréées
à partir d’archives et d’extraits de films
cultes, projetées sur une série d’écrans
de part et d’autre des parois des tuyaux
fabriqués spécialement pour l’occasion,
défilent dans un mouvement continu,
comme passe le paysage dans un train
en marche. Elles façonnent une déambulation
somnambulique, une invitation
au voyage immobile aux confins de la
mémoire des lieux et des êtres qui les
investissent.
« Les scènes se succèdent dans le parcours
comme des flashs, des réminiscences.
Les images viennent des profondeurs
d’une mémoire commune. Non
pas une mémoire qui trie, qui analyse,
qui compare, simplement le souvenir
d’une sensation. Comme dans la fête
foraine, le train fantôme a recours à des
codes, des images, faisant référence à
des éléments déjà sus », explique Charles
de Meaux, qui se souvient également
que le Centre Pompidou fut inauguré, en
1977, par un autre train fantôme, dessiné
par Jean Tinguely. Défi technique,
évocation vertigineuse et poétique de la
notion de mémoire, Le Train fantôme de
Charles de Meaux poursuit la quête de
cet artiste inclassable qui évolua le
premier dans le territoire alors en friche
du croisement entre cinéma et art
contemporain.

« Le cinéma est fait d’images, et s’il y a
une chose qu’il ne faut pas oublier
concernant l’image, toute image, c’est
le pouvoir qu’elle a d’oblitérer le jeu de
la mémoire, en la figeant, en la réifiant.
Qui plus est, l’image de film est faite de
temps, d’un temps dérobé à la réalité,
modelé et refait, qui se substitue plus
violemment encore à notre temps propre
et à ses plis mémoriels. L’image est
un signe de notre expérience du monde,
mais un signe ambigu qui choisit et nous
impose certains aspects, pour en laisser
d’autres dans l’invisible. Qu’est-ce qui
s’oublie dans l’image Comment et
pourquoi peut-elle oublier Si, comme
le dit la psychologie, la capacité
d’oublier est le signe d’un esprit sain,
faut-il être rassuré de penser que le
cinéma, lui aussi, est capable d’oubli
Réponse en six films et six commentaires
argumentés. »
Essayiste et universitaire (Ehess),
Jacques Aumont enseigne également
aux Beaux-Arts de Paris. Il a publié
cette année Les Limites de la fiction
(Bayard).
Avec Alain Bergala (22 février),
Laurent Jullier (23 février),
Dork Zabunyan (1 er mars),
Hervé Aubron (2 mars),
Vinzenz Hediger (8 mars)
et Jacques Aumont (9 mars).
En Cinéma 2.

Le parcours de Xavier Le Roy est peu
conventionnel. Titulaire d’un doctorat
en biologie moléculaire, il se met à la
danse assez tardivement et développe
son travail chorégraphique comme un
chercheur, particulièrement attentif
aux relations entre processus et produit,
spectateurs et interprètes, objets
et sujets. Ses recherches l’amènent à
sortir du dispositif théâtral pour explorer
d’autres modes de réception. C’est le
cas de l’exposition « Rétrospective » qui
expérimente la coexistence de différentes
temporalités en détournant les
règles propres à l’espace muséal.
Est-ce la « Rétrospective » de votre
travail
Le titre de cette exposition me semble
explicite. Il ne s’agit ni de se soumettre
à la rétrospective comme genre ou
comme convention, ni de présenter dans
un espace d’exposition une rétrospective
de travaux initialement destinés à
l’espace du théâtre. Ce travail est conçu
comme une chorégraphie d’actions et
de paroles interprétées par des artistes
pendant toute la durée de l’exposition.
À partir des matériaux chorégraphiques
empruntés à mes solos, il s’agit de
composer d’autres gestes, d’autres histoires,
et ainsi mettre en relief les
enjeux liés à ma pratique et à celles des
artistes qui ont répondu à cette invitation.
La notion de « rétrospective »
devient ici un mode de production. Ce
qu’il s’agit de produire, ce sont des fictions
se composant à partir d’un entrelacs
de présent et de passé : ceux des
artistes comme ceux des visiteurs, du
public. Au-delà, la situation ainsi
construite permet de redistribuer les
rapports entre dire et agir, entre parole
et geste, tels qu’ils se jouent dans toute
expérience artistique, qu’on la dise ou
non « chorégraphique ».

Entre 1983 et 1999, sous l’impulsion de
l’éditeur et galeriste neuchâtelois Marc
Hostettler et avec la complicité de James
Lee Byars, 63 artistes internationaux se
sont rendus à l’hôtel Furkablik, au col
de la Furka dans les Alpes suisses, à
2436 mètres d’altitude, pour réaliser
des œuvres. Abramovic & Ulay, Daniel
Buren, Niele Toroni, Olivier Mosset,
Terry Fox, Jenny Holzer, Richard Long,
Claude Rutault, Lawrence Weiner ou
Rémy Zaugg ont notamment fait partie
de cette expérience singulière, très
marquante, mais qui a eu peu d’échos
hors de Suisse. Cette présentation au
sein du Nouveau festival vise à redécouvrir
ce projet presque oublié, par des
œuvres et des documents rares ainsi
qu’un ensemble de films dont la plupart
sont encore inédits.

Cette édition profondément renouvelée de
Vidéodanse, intitulée « Oublier la danse »,
se tient cette année en lien avec le Nouveau
festival. Elle montre comment « le retour à
l’Oublié » (Michel de Certeau) s’exprime
dans la danse contemporaine. La relation
entre la mémoire, l’oubli et la réminiscence
est l’un des enjeux principaux à partir
duquel s’établit tout geste chorégraphique
dans la mise en tension d’un mouvement
qui est toujours réinventé, à réinventer.
Toute chorégraphie porte cette tension,
dans ce qu’elle engage dans son rapport au
temps et au corps. La danse contemporaine
se construit aussi sur une diversité d’archives
(notations écrites, images photographiques
et vidéo). Elles sont souvent
moins conservées et présentes, car à l’instar
de la performance, la danse donne à la
mémoire du corps une place centrale ; un
corps qui est le vecteur d’une histoire et qui
est lui-même « l’archive », et tout à la fois
la mémoire et l’oubli du mouvement, le
passé et le présent.
À partir d’un choix de plus d’une quarantaine
de films de danse de chorégraphes de
différentes générations (Dominique
Bagouet, Odile Duboc, Dominique Brun,
Catherine Diverrès, Olivier Dubois, Cristian
Duarte, Olga de Soto, Foofwa d’Imobilité,
Loïc Touzé, Rita Quaglia, Rachid
Ouramdane…) dans lesquels s’insère un
choix de films relatifs à la création
contemporaine et notamment à la performance,
Vidéodanse aborde les questions
de transmission, d’interprétation et de
rapport à l’Histoire qu’engage la danse
contemporaine : comment un chorégraphe
envisage-t-il de transmettre la mémoire et
l’héritage de son œuvre Comment choisit-il
de relire et de devenir le « passeur »
d’œuvres de répertoire, de créations de
chorégraphes disparus ou encore de chorégraphies
qui ont été marquantes pour
lui Comment la danse œuvre-t-elle avec
l’histoire personnelle et collective et en fait
acte
Chorégraphes, interprètes, historiens et
critiques de danse ouvrent chaque séance
quotidienne de projection de films : une
parole vivante témoin d’une mémoire
active.
« Oublier la danse », ce titre à l’injonction
barrée, qui doit se lire comme « ne pas
oublier la danse », souhaite aller à rebours
de l’oubli. Il prend comme axe de réflexion
ce qu’écrivait l’historienne de la danse
Laurence Louppe : « Le plus essentiel pour
nous, évidemment, est ce qui est voué à
l’oubli, la chair même de l’œuvre, son texte,
le mouvement dansé, dont la matière tend à
s’évader la première de la mémoire » (Poétique
de la danse contemporaine, Contredanse,
Bruxelles, 1997). Construit sur un
choix de films montrés au sein d’un dispositif
spécifique, « Oublier la danse » se
propose de réfléchir au format de l’exposition
en danse. Il place l’enjeu de la persistance
de la mémoire et de ce que peut être
une archive chorégraphique au cœur de sa
réflexion pour repenser et dépasser l’idée
d’une impossibilité de mémoire à laquelle
on croit la danse vouée.

« Photographier c’est mettre sur la même
ligne de mire la tête, l’œil et le cœur » disait
Henri Cartier-Bresson. De la fin des années
1920 à l’orée du 21 e siècle, le photographe
s’est évertué à respecter ce principe de vie
et de vue.
Depuis que Cartier-Bresson a commencé à
exposer et à publier ses images, certains
ont tenté de circonscrire ce qui faisait
l’unité de ce principe. Son génie de la composition,
son intelligence des situations ou
sa dextérité à les saisir au bon moment, se
sont dès lors le plus souvent trouvés résumés
dans la notion d’« instant décisif ». Dix
ans après la disparition du photographe en
2004, maintenant que les milliers de tirages
qu’il a laissés à la postérité ont été
soigneusement réunis et classés par la fondation
qui porte son nom, tandis que ses
archives de notes, de lettres et de publications
sont désormais accessibles aux chercheurs,
il apparaît clairement que l’instant
décisif, s’il permet de qualifier certaines de
ses images les plus connues, est trop restrictif
pour appréhender l’œuvre dans son
ensemble. À rebours d’une vision unificatrice
et simplificatrice, la rétrospective du
Centre Pompidou se propose de montrer la
richesse du parcours du photographe, ses
réorientations successives et ses différents
moments de développement. Elle a pour
ambition de montrer qu’il n’y a pas eu un
seul, mais bien plusieurs Cartier-Bresson.
Si les plus grandes icônes du photographe
sont évidemment présentées, il s’agissait
aussi, afin de bien rendre compte de sa
diversité, de prendre en considération des
images moins connues, de réévaluer certains
reportages et de faire émerger des
ensembles de ses peintures, dessins, ou
incursions dans le domaine du cinéma. Des
tentatives qui en disent aussi beaucoup sur
son rapport à l’image et, par défaut, sur ce
qu’il cherchait en photographie.
La première partie de l’exposition, retraçant
les années 1926 à 1935, est marquée
par la fréquentation du groupe surréaliste,
les débuts photographiques et les grands
voyages à travers l’Europe, le Mexique et
les États-Unis. La deuxième période, qui
commence en 1936 au retour des États-
Unis et se clôt en 1946 avec un nouveau
départ pour New York, est celle de l’engagement
politique, du travail pour la presse
communiste, de l’activisme antifasciste, du
cinéma et de la guerre. Enfin, le troisième
temps commence avec la création de
l’agence Magnum Photos en 1947 et se termine
au début des années 1970, au moment
où Cartier-Bresson arrête le reportage.
Du surréalisme à Mai 68, en passant par le
conflit espagnol, la Seconde Guerre mondiale,
la décolonisation, la guerre froide et
les Trente glorieuses, la rétrospective du
Centre Pompidou propose, loin des mythes
et des raccourcis, une nouvelle lecture de
l’œuvre du plus célèbre des photographes
français. À travers plus de cinq cents photographies,
dessins, peintures, films et
documents, rassemblant images célèbres
et inédites, l’exposition fait l’histoire de
cette œuvre magistrale et, à travers
elle, celle du 20 e siècle.

En octobre 1930, peu après la fin de son
service militaire, Henri Cartier-Bresson,
qui est alors âgé de 22 ans, s’embarque
pour l’Afrique. Ce départ, que
rien n’annonçait, répond autant à l’appel
du continent noir qu’à un désir de
rupture avec la bonne bourgeoisie
industrielle dans laquelle le jeune
homme avait été élevé. Une fois sur
place, il voyage, chasse, lit Rimbaud ou
l’Anthologie nègre de Blaise Cendrars,
photographie beaucoup et réalise quelques
collages. Peu avant son départ
avait eu lieu à la galerie Goemans à
Paris, la fameuse exposition de collages
dans laquelle Aragon avait réuni les
œuvres de Arp, Braque, Dalí, Duchamp,
Miró, Magritte, Picabia ou Picasso. À
cette époque, Cartier-Bresson fréquentait
beaucoup Max Ernst qui pratiquait
assidument le collage depuis de nombreuses
années déjà. C’est dans l’esprit
de ce dernier qu’il réalise le seul collage
africain qui ait été
conservé. Intitulé Pour
l’amour et contre le travail industriel, il
exprime le désir de rupture du jeune
homme. Par ce collage réalisé au bord
du fleuve Niger, avec de la sève d’hévéa
en guise de colle, l’aîné des Cartier-
Bresson entend bien dire non à la carrière
toute tracée dans l’entreprise
familiale que ses parents espèrent lui
voir embrasser. À l’époque, l’un des
principaux critères de distinction entre
le « civilisé » et le « primitif » était l’utilisation,
ou non, de la roue. La démultiplication
de ce motif dans le collage de
Cartier-Bresson symbolise une industrialisation
à outrance qui finit par
broyer les êtres vivants. Pour Cartier-
Bresson, il s’agit bien, par ce collage, de
renoncer à la roue, au « travail industriel
» pour choisir « l’amour », autrement
dit, ce qu’il aime. Après des
années d’autorité parentale et scolaire,
deux ans d’apprentissage rigoureux de
la peinture à l’Académie d’André Lhote
et douze mois de service militaire, Cartier-Bresson
veut faire ce qui lui plaît :
voyager, chasser, lire, photographier et
faire des collages.

Vers 1926, Henri Cartier-Bresson est
introduit auprès des surréalistes par
son ami René Crevel qu’il avait rencontré
chez le peintre Jacques-Émile Blanche.
« J’allais régulièrement aux réunions
du groupe surréaliste, au Café de
la Dame Blanche, à Montmartre, racontera-t-il
plus tard, assis au bout de la
banquette, je n’y ai jamais pris la
parole, ma timidité et mon jeune âge
m’en empêchant ». De cette fréquentation
des surréalistes, il retiendra surtout
un plaisir de la déambulation
urbaine. La rue est son « véritable élément
», pour reprendre une formulation
d’André Breton, il y prend « comme nulle
part ailleurs le vent de l’éventuel ». La
ville l’intéresse parce qu’elle est le lieu
des rencontres fortuites, des heureuses
coïncidences, ou des surgissements
imprévus. C’est une source intarissable
de merveilleux. Il y traque des jaillissements,
guette les épiphanies, ces petits
miracles instantanés qui peuvent surgir
à chaque coin de rue. « Je marchais
toute la journée l’esprit tendu, cherchant
dans les rues à prendre sur le vif
des photos comme des flagrants délits »
explique-t-il. Comme ses amis surréalistes,
il croit profondément aux forces
du hasard. « Il faut être sensible, explique-t-il,
essayer de deviner, être intuitif
: s’en remettre au ‹ hasard objectif ›
dont parlait Breton. Et l’appareil photographique
est un merveilleux outil pour
saisir ce ‹ hasard objectif › ». « Je ne
crois qu’au hasard » précise-t-il
ailleurs. Ses photographies transforment
en somme le « hasard objectif »
surréaliste en hasard de l’objectif. Une
image prise à Livourne en Toscane, en
1933, en témoigne parfaitement. Elle
représente un homme qui lit son journal
dans l’embrasure d’une porte protégée
par une tenture. Cartier-Bresson a saisi
la scène à l’instant même où le rideau,
sous l’effet d’un coup de vent, vient
s’enrouler autour du visage du personnage,
transformant celui-ci en une
sorte de « tête de nœud ». Par l’effet du
hasard, son image devient de ce fait un
véritable jeu de mot visuel.

L’art d’Henri Cartier-Bresson s’est souvent
trouvé résumé à la notion d’« instant
décisif ». Elle est proposée par le
photographe lui-même, en 1952, sous la
forme de la citation des Mémoires du
Cardinal de Retz – « Il n’y a rien en ce
monde qui n’ait un moment décisif » –
qui sert d’exergue à l’introduction
d’Images à la sauvette, l’ouvrage qui le
rendit célèbre. Pour l’observateur du
monde en mouvement qu’est Cartier-
Bresson, l’expression désigne une forme
d’apogée : à un moment précis les choses
s’organisent dans le viseur en un
ordonnancement à la fois beau et signifiant.
L’instant décisif est un équilibre
formel et conceptuel qui révèle l’intensité
d’une situation. C’est à cet instant-là
qu’il faut déclencher. S’il est
une image qui illustre parfaitement
cette notion c’est bien celle réalisée
derrière la gare Saint-Lazare en 1932.
Si la photographie avait été prise un
instant plus tôt, le sauteur n’aurait pas
redupliqué par sa silhouette la figure en
extension qui apparaît sur une affiche
en arrière-plan à côté d’une annonce
pour un concert du pianiste russe
Alexander Brailowsky. Si elle avait été
prise une seconde plus tard, le talon du
sauteur serait venu brouiller son reflet
dans l’eau et l’effet de redoublement sur
lequel repose toute l’image. La notion
d’instant décisif s’inscrit dans une tradition
de la pensée sur l’art marquée
par le philosophe allemand G. E. Lessing
et sa fameuse analyse du Laocoon,
selon laquelle le génie de l’artiste
consiste à percevoir, puis à retranscrire,
l’acmé d’une situation. Dans le domaine
de la photographie, l’importance du
déclenchement au « bon moment » était,
quant à elle, débattue depuis l’avènement
des premiers films instantanés à
la fin du 19 e siècle. La convocation de
l’instant décisif par Cartier-Bresson,
dans son texte de 1952, correspond en
somme à une forme d’entrée en art des
problématiques de l’instantanéité photographique.

À partir de la fin des années 1940,
parallèlement au travail pour la presse
qu’il réalise au sein de l’agence
Magnum, Cartier-Bresson entreprend
de vastes enquêtes en profondeur sur
quelques-uns des grands sujets de
société de la seconde moitié du 20 e siècle
: la manière dont l’homme habite
l’espace urbain, le développement de la
société de consommation, ou encore la
mécanisation du travail. Ces recherches
thématiques qu’il réalise sur le long
terme, dans toutes les contrées où il se
rend, sont une combinaison de reportage,
de philosophie et d’analyse. Elles
relèvent de ce que les sciences humaines
appellent depuis quelques années
l’« anthropologie visuelle », c’est-àdire
une forme de connaissance de l’humain
dans laquelle l’image joue un rôle
prépondérant. « Je suis visuel, disait
d’ailleurs Cartier-Bresson […]. J’observe,
j’observe, j’observe. C’est par les
yeux que je comprends ». Parmi toutes
les enquêtes menées alors par le photographe,
la plus aboutie est sans doute
celle sur la représentation du travail.
Dès l’immédiat après-guerre, il photographie
les ouvriers devant leur
machine dans à peu près tous les pays
qu’il visite. Dans ses images, Cartier-
Bresson ne glorifie pas le travail, pas
plus d’ailleurs qu’il ne l’explique. Il ne
montre pas la répétition gestuelle du
travail à la chaîne, ni même des archétypes
de travailleurs, comme Eugène
Atget ou August Sander l’avaient fait
avant lui. Partout où il va, il se focalise
sur l’étroite relation physique qui s’établit
entre l’homme et son outil de production.
Ce qui l’intéresse, c’est l’engagement
corporel, ou, pour employer une
terminologie chorégraphique, le pas de
deux qui s’esquisse entre l’ouvrier et sa
machine. Réalisée à Stanford en Californie
en 1967, l’image de cet homme
presque englouti par sa machine est
parfaitement représentative de ce que
Cartier-Bresson cherche alors à montrer
: à trop vouloir contrôler sa
machine, l’homme finit par se laisser
dévorer par elle.

En 1958, Georges Braque fait découvrir
à Cartier-Bresson un petit ouvrage de
philosophie bouddhiste intitulé Le Zen
dans l’art chevaleresque du tir à l’arc.
Écrit par Eugen Herrigel, un philosophe
allemand spécialiste de la pensée
extrême-orientale, le livre raconte
l’initiation de son auteur à la méditation
zen, à travers l’exercice du tir à l’arc.
Cartier-Bresson retrouve dans cet
ouvrage une conception de la concentration
étonnamment semblable à celle
qu’il pratique en photographie : l’oubli
de soi, la mise en éveil de tous les sens,
afin de pouvoir saisir ce qui s’offre.
Mais surtout, il comprend qu’il y a, derrière
ce qu’il considérait jusqu’alors
comme un ensemble de gestes techniques,
une véritable philosophie de la
vie. « Quand Braque m’a offert Le Zen
dans l’art chevaleresque du tir à l’arc de
Herrigel, je me suis dit : ‹ Mais c’est un
manuel de photographie ! › […] Très
vite, je me suis rendu compte que bien
au-delà, c’était une façon de vivre,
d’être […] », explique-t-il. À partir des
années 1960 et plus encore dans les
décennies suivantes, Cartier-Bresson
commence à photographier plus posément.
Ses images sont plus calmes,
intimes et contemplatives. Cela correspond
aussi à la période où le photographe,
qui aborde bientôt la soixantaine,
abandonne progressivement le reportage
de commande. Il est de plus en plus
souvent en désaccord avec les nouvelles
orientations de l’agence Magnum Photos
qu’il juge opportunistes et mercantiles.
La photographie d’un journal
ouvert sur un lit défait, prise à Paris en
1962, est parfaitement représentative
de la dernière période du photographe.
Elle aurait pu être prise un moment
avant ou après et ne correspond par
conséquent absolument plus au principe
de l’« instant décisif » sur lequel le
photographe avait construit une grande
part de sa renommée.

À travers la présentation de plus de 1 000
œuvres, 400 artistes et 47 pays de la collection
du Centre Pompidou, « Modernités
plurielles » est une exposition-manifeste
proposant une nouvelle vision, ouverte et
décentrée, de l’art moderne. Cette présentation
de la collection est inédite par son
propos et son ampleur. Les œuvres des
grandes figures de la modernité occidentale
– Matisse, Mondrian, Picasso, Kandinsky,
Duchamp – dialoguent avec les
œuvres d’artistes africains, d’Amérique du
Sud, du Maghreb ou d’Asie. L’exposition
plonge le visiteur au cœur de la diversité
exceptionnelle des formes artistiques de
1905 aux années 1970, dans tous les champs
de la création : arts plastiques, photographie,
cinéma, architecture, design…
Ouverte à différents pays du monde comme
à des esthétiques très variées, « Modernités
plurielles » dépasse la vision souvent
ethnocentrée - partielle voire partiale - de
l’histoire de l’art communément proposée.
Le parcours offert aux visiteurs englobe
des territoires et des pratiques périphériques
et suscite de nombreuses découvertes
et de nouvelles narrations. Les maîtres des
avant-gardes et des mouvements fondateurs
de l’histoire de l’art du 20 e siècle sont
ainsi reconsidérés à travers le prisme des
réseaux d’échanges et d’émulations artistiques
caractéristiques de cette période
foisonnante. Tressant une histoire commune
élargie, attentive aux différentes
expériences vécues par les artistes dans
les pays occidentaux et non occidentaux,
« Modernités plurielles » propose au visiteur
des repères historiques. L’accrochage
suit un parcours chronologique qui témoigne
des liens, des discontinuités, voire des
résistances que génèrent les échanges
entre les différentes avant-gardes. La pluralité
des esthétismes de la modernité s’en
trouve dévoilée, à travers la présentation
d’artistes ou de courants jusqu’alors laissés
dans l’ombre ou sous-estimés. Le parcours
présente, notamment, une exploration
des différents réalismes des années
1920-1940, des œuvres d’art brut et d’art
naïf. L’intérêt manifesté par les artistes
pour les arts non occidentaux, pour les arts
populaires, ou encore pour la vie moderne
et les arts appliqués, est également restitué
dans plusieurs sections pour offrir ce
« regard élargi » caractéristique de la
période moderne.
Un programme de recherche sur la riche
collection du Centre Pompidou a permis de
redécouvrir certains artistes ou courants
insuffisamment connus, qui font ainsi l’objet
– souvent pour la première fois - d’une
mise en lumière à travers « Modernités
plurielles ». Les acquisitions, dons et
œuvres inédites permettent aux visiteurs
de découvrir plus de deux cents œuvres de
la collection jamais exposées auparavant.
La présentation révèle toute la diversité et
l’ouverture d’une collection de premier
rang mondial pour sa qualité, mais aussi,
ce qui est moins connu, la première pour le
nombre de pays et d’artistes représentés.

À travers la présentation de plus de 1 000
œuvres, 400 artistes et 47 pays de la collection
du Centre Pompidou, « Modernités
plurielles » est une exposition-manifeste
proposant une nouvelle vision, ouverte et
décentrée, de l’art moderne. Cette présentation
de la collection est inédite par son
propos et son ampleur. Les œuvres des
grandes figures de la modernité occidentale
– Matisse, Mondrian, Picasso, Kandinsky,
Duchamp – dialoguent avec les
œuvres d’artistes africains, d’Amérique du
Sud, du Maghreb ou d’Asie. L’exposition
plonge le visiteur au cœur de la diversité
exceptionnelle des formes artistiques de
1905 aux années 1970, dans tous les champs
de la création : arts plastiques, photographie,
cinéma, architecture, design…
Ouverte à différents pays du monde comme
à des esthétiques très variées, « Modernités
plurielles » dépasse la vision souvent
ethnocentrée - partielle voire partiale - de
l’histoire de l’art communément proposée.
Le parcours offert aux visiteurs englobe
des territoires et des pratiques périphériques
et suscite de nombreuses découvertes
et de nouvelles narrations. Les maîtres des
avant-gardes et des mouvements fondateurs
de l’histoire de l’art du 20 e siècle sont
ainsi reconsidérés à travers le prisme des
réseaux d’échanges et d’émulations artistiques
caractéristiques de cette période
foisonnante. Tressant une histoire commune
élargie, attentive aux différentes
expériences vécues par les artistes dans
les pays occidentaux et non occidentaux,
« Modernités plurielles » propose au visiteur
des repères historiques. L’accrochage
suit un parcours chronologique qui témoigne
des liens, des discontinuités, voire des
résistances que génèrent les échanges
entre les différentes avant-gardes. La pluralité
des esthétismes de la modernité s’en
trouve dévoilée, à travers la présentation
d’artistes ou de courants jusqu’alors laissés
dans l’ombre ou sous-estimés. Le parcours
présente, notamment, une exploration
des différents réalismes des années
1920-1940, des œuvres d’art brut et d’art
naïf. L’intérêt manifesté par les artistes
pour les arts non occidentaux, pour les arts
populaires, ou encore pour la vie moderne
et les arts appliqués, est également restitué
dans plusieurs sections pour offrir ce
« regard élargi » caractéristique de la
période moderne.
Un programme de recherche sur la riche
collection du Centre Pompidou a permis de
redécouvrir certains artistes ou courants
insuffisamment connus, qui font ainsi l’objet
– souvent pour la première fois - d’une
mise en lumière à travers « Modernités
plurielles ». Les acquisitions, dons et
œuvres inédites permettent aux visiteurs
de découvrir plus de deux cents œuvres de
la collection jamais exposées auparavant.
La présentation révèle toute la diversité et
l’ouverture d’une collection de premier
rang mondial pour sa qualité, mais aussi,
ce qui est moins connu, la première pour le
nombre de pays et d’artistes représentés.

Barren Land qui vient d’entrer dans la collection
du Centre Pompidou est l’une des
œuvres parmi les plus ambitieuses de
Sopheap Pich. C’est aussi la première fois
que cet artiste est présent au sein de la
collection d’un grand musée en Europe.
Avec cette œuvre, il dépasse les limites de
ses compositions minimalistes en couvrant
une partie du réseau orthogonal de morceaux
de toile de jute, découpés dans des
sacs de riz usagés. Avec des références aux
« Sacchi » d’Alberto Burri et à l’Arte povera,
Pich crée une œuvre qui relève autant de la
cartographie que de la peinture abstraite,
faisant le lien entre les deux cultures dont
il est issu.
Cambodgien, Sopheap Pich est né en 1971
dans un petit village près de Battambang
au début de la guerre civile qui allait mener
à la prise du pouvoir par Pol Pot et les
Khmers rouges. Son père, fermier, fut
enrôlé de force pour travailler comme
infirmier. En 1979, la famille parvient à
s’enfuir du Cambodge pour être recueillie
dans un camp de refugiés en Thaïlande,
près de la frontière cambodgienne. À l’âge
de treize ans, en 1984, Sopheap Pich et sa
famille obtiennent un visa pour rejoindre
les États-Unis et sont autorisés à s’installer
dans le Massachusetts.
Pich, qui avait déjà appris l’anglais, commence
sa scolarité américaine. Il s’inscrit à
l’université pour suivre des études artistiques,
qu’il poursuit à Miami, puis à Chicago
à l’école de l’Art Institute, d’où il sort
diplômé de la section peinture. Ne trouvant
pas sa place dans le milieu artistique aux
États-Unis, Sopheap Pich retourne au
Cambodge en 2002. Il abandonne alors la
peinture pour se saisir d’autres matériaux,
qu’il peut aisément trouver sur place. À
l’aide de rotin, de bambou, de cire, de
laque, ou encore de toile de jute, l’artiste
crée ses premières sculptures qu’il expose,
dès 2003, à Phnom Penh. Ces œuvres s’inspirent
d’objets artisanaux cambodgiens :
des casiers et des nasses de pêcheurs.
Sopheap Pich expose à Paris pour la première
fois en 2005, dans une exposition de
groupe. En 2009, une exposition personnelle
lui est consacrée à New York. C’est
lors de sa très remarquée participation à la
Documenta 13 en 2012 qu’il se fera connaître
par un plus vaste public : à cette occasion,
l’artiste expose un ensemble de
grands reliefs, de structure minimaliste,
mais toujours faits de matériaux « pauvres
», bambous, toile de jute, cire et résines
naturelles. Deux expositions new-yorkaises,
l’une au Metropolitan Museum, la
seconde à la galerie Tyler Rollins, ont permis
depuis lors de découvrir un ensemble
important d’œuvres de Pich et d’en mesurer
ainsi toute l’originalité et la qualité.
L’artiste et ses assistants travaillent avec
la précision d’artisans chevronnés selon un
schéma artistique qui fait le lien entre
canons esthétiques occidentaux et savoirfaire
traditionnel extrême-oriental.

Barren Land qui vient d’entrer dans la collection
du Centre Pompidou est l’une des
œuvres parmi les plus ambitieuses de
Sopheap Pich. C’est aussi la première fois
que cet artiste est présent au sein de la
collection d’un grand musée en Europe.
Avec cette œuvre, il dépasse les limites de
ses compositions minimalistes en couvrant
une partie du réseau orthogonal de morceaux
de toile de jute, découpés dans des
sacs de riz usagés. Avec des références aux
« Sacchi » d’Alberto Burri et à l’Arte povera,
Pich crée une œuvre qui relève autant de la
cartographie que de la peinture abstraite,
faisant le lien entre les deux cultures dont
il est issu.
Cambodgien, Sopheap Pich est né en 1971
dans un petit village près de Battambang
au début de la guerre civile qui allait mener
à la prise du pouvoir par Pol Pot et les
Khmers rouges. Son père, fermier, fut
enrôlé de force pour travailler comme
infirmier. En 1979, la famille parvient à
s’enfuir du Cambodge pour être recueillie
dans un camp de refugiés en Thaïlande,
près de la frontière cambodgienne. À l’âge
de treize ans, en 1984, Sopheap Pich et sa
famille obtiennent un visa pour rejoindre
les États-Unis et sont autorisés à s’installer
dans le Massachusetts.
Pich, qui avait déjà appris l’anglais, commence
sa scolarité américaine. Il s’inscrit à
l’université pour suivre des études artistiques,
qu’il poursuit à Miami, puis à Chicago
à l’école de l’Art Institute, d’où il sort
diplômé de la section peinture. Ne trouvant
pas sa place dans le milieu artistique aux
États-Unis, Sopheap Pich retourne au
Cambodge en 2002. Il abandonne alors la
peinture pour se saisir d’autres matériaux,
qu’il peut aisément trouver sur place. À
l’aide de rotin, de bambou, de cire, de
laque, ou encore de toile de jute, l’artiste
crée ses premières sculptures qu’il expose,
dès 2003, à Phnom Penh. Ces œuvres s’inspirent
d’objets artisanaux cambodgiens :
des casiers et des nasses de pêcheurs.
Sopheap Pich expose à Paris pour la première
fois en 2005, dans une exposition de
groupe. En 2009, une exposition personnelle
lui est consacrée à New York. C’est
lors de sa très remarquée participation à la
Documenta 13 en 2012 qu’il se fera connaître
par un plus vaste public : à cette occasion,
l’artiste expose un ensemble de
grands reliefs, de structure minimaliste,
mais toujours faits de matériaux « pauvres
», bambous, toile de jute, cire et résines
naturelles. Deux expositions new-yorkaises,
l’une au Metropolitan Museum, la
seconde à la galerie Tyler Rollins, ont permis
depuis lors de découvrir un ensemble
important d’œuvres de Pich et d’en mesurer
ainsi toute l’originalité et la qualité.
L’artiste et ses assistants travaillent avec
la précision d’artisans chevronnés selon un
schéma artistique qui fait le lien entre
canons esthétiques occidentaux et savoirfaire
traditionnel extrême-oriental.

Films, vidéos, installations, rendez-vous
de l’image en mouvement, « Hors pistes
2014 » s’empare du biopic, un genre qui
s’invite dans la création contemporaine,
hors des sentiers battus. Entre autofiction
et réalité, Chloé Delaume nous livre sa version
du fait.
« Élisabeth Ambrose est née latitude
48N50, longitude 2E20 ; elle est Balance
ascendant Lion, signe solaire prémédité.
On pourrait ici insérer la capture argentique
de ses taches de rousseur. Attester de
la pâleur de ses lèvres est possible, la couleur
de ses yeux s’avère, elle, trop changeante
pour être photoshopée.
Le 14 juillet 2013, Élisabeth Ambrose a
vingt-cinq ans et demi, un M2 de climatologie,
une thèse sur les catastrophes naturelles,
un emploi de serveuse, des rêves
prémonitoires, un perroquet gris du Gabon
et deux mois de loyer de retard. Il est 13h et
c’est dimanche, elle reçoit des amis, ils
prennent l’apéritif devant François Hollande
qui s’adresse aux Français dans la
télévision. Le travelling est avant et la
fenêtre ouverte. ‹ La politique, ce n’est pas
de la magie › : Élisabeth Ambrose entend le
président. Énième production détimbrée
de la machine à fabriquer des histoires,
diffusion du storytelling, le chant d’une
fiction parmi d’autres. Prévoir fondu au
noir et chutes sur pellicule ; modifier le réel
par des vies minuscules, seul un écran
pourrait abolir le hasard. ‹ La politique, ce
n’est pas de la magie ›. Le réel reste hors
contrôle. Voter, s’indigner, défiler ; militer,
s’organiser, agir. Les modes traditionnels
sont tous inefficaces, se résoudre s’impose.
Accepter, être lucide : aucune alternative
aux fictions dominantes. Ici un court montage,
agences de notations, pertes du triple
A, la voix off soulignerait les faits et événements
du monde de la finance par Il était
une fois.
Élisabeth Ambrose est née à cause de Baudrillard
: ‹ Nous ne voulons plus d’un destin.
Nous voulons une histoire ›. Elle est liée
à l’élément Air pour que des rituels soient
possibles ; l’encens sur un autel, au centre
du pentacle les quatre éléments. Maîtrise
le pouvoir du vent, le langage des girouettes,
les réseaux et les nids virtuels des
ovipares. Croit en Christian Salmon : ‹ Le
monde de demain sera le résultat d’une
lutte entre les narrations imposées et les
contre-narrations libératrices ›. N’a foi
qu’en ce pourquoi elle a été conçue. Elle
infiltre le réel, à travers une histoire. Une
histoire de sorcières, fiction alternative,
narration collective où la magie devient un
geste politique. Enrayer la machine, un
protocole précis. Élisabeth Ambrose,
héroïne d’un appel, figure d’une tentative
de contre-narration. Univers persistant,
c’est un personnage jouable. Sa date de
péremption le 1 er novembre 2015.
Hiver 2014, rejoint Chloé Delaume, fonde le
Parti du Cercle. Tient à jour VDS, Vie de
sorcière : vos histoires de la vie quotidienne.
Y collecte les sorts que ses sœurs
ont ratés, et moult anecdotes liées au choc
en retour. Élisabeth Ambrose, la filmer est
possible. Pour cela il faut trois œufs de
phénix, une très bonne connexion et du
sang de banquier. »

Le Centre Pompidou propose un nouveau
programme, une invitation lancée à un
artiste à parcourir le Centre Pompidou, ses
espaces, ses collections, ses disciplines,
son actualité, et à imaginer des visites scénarisées
à l’attention des visiteurs. Pour la
première de ses « sessions », Valérie Mréjen
a conçu un récit de quatre soirées, des
« nocturnes » dont le thème est le voyage et
l’exil en relation avec la nouvelle présentation
des collections, « Modernités plurielles
» . De 17h à minuit, rencontres,
lectures, performances, ateliers,
concerts, bal moderne rythment cette fiction.
L’expérience ainsi proposée au public
prend aussi la forme d’une narration
transmédia : visiteurs et internautes peuvent
- aux côtés de Valérie Mréjen -
échanger des messages, collecter des
indices et des contenus, créer de nouveaux
points de vue. Un lien possible entre les
épisodes de cette série… Valérie Mréjen
développe un travail inspiré de situations
de langage et utilise différents médiums
liés à l’écriture. Dialogues absurdes, récits
de souvenirs, échanges de formules toutes
faites et folie ordinaire constituent le
matériau qu’elle met en scène en vidéo et
dans ses premiers récits. Entretien avec
l’artiste.
Comment inscrivez-vous
votre travail d’artiste dans
cette nouvelle proposition de soirées en
nocturnes au Centre Pompidou
En regardant la programmation,
je vais bien sûr aller assez
naturellement vers des œuvres ou des événements
qui m’attirent et peuvent résonner
avec mes préoccupations, les thèmes qui
me sont proches. Mais le critère ici est
avant tout que ces choix permettent d’élaborer
une narration, donc il faut trouver
des points à relier entre eux pour finir par
former un dessin, établir des ponts entre
les œuvres. Plutôt que des ponts, ce seront
d’ailleurs des escalators, que nous
emprunterons physiquement et mentalement.
Quel fil allez-vous suivre pour ces
quatre rendez-vous de l’année
Il est un peu trop tôt pour le dire à
l’heure très avancée où s’impriment ces
pages mais je pense qu’il sera notamment
question de modernité, en écho avec la
présentation des collections du Centre
Pompidou, « Modernités plurielles », ou
encore des objets dans leurs usages
détournés, puisqu’aura également lieu
l’exposition « Le Surréalisme et l’objet »
. Actuellement, je prépare un spectacle
avec le Centre Pompidou, Trois hommes
verts, qui s’inspire du travail des bruiteurs
et de leur façon totalement incongrue
d’utiliser certains objets usuels pour produire
des sons.

Dans ce projet, les Sessions, l’artiste
invité a un rôle de médiateur. Quel
médiateur êtes-vous
Je vais le découvrir en élaborant cette
série car ce sera une première pour le Centre
Pompidou comme pour moi. J’espère
être aussi à l’aise qu’une Américaine faisant
visiter les pièces de sa maison avec
fierté et excitation, ou encore que Martial
Canterel menant le tour guidé du parc de la
villa de Montmorency pour quelques-uns
de ses amis privilégiés dans Locus Solus.

ces « moments-seuils » qui marqua le
changement dans l’histoire.
À l’occasion des 25 ans de « Magiciens de la
terre », le Centre Pompidou organise une
série d’événements – colloque international,
édition d’un ouvrage de référence,
exposition documentaire et université d’été
– pour revisiter cette exposition majeure et
pour réfléchir à la nouvelle géographie du
monde de l’art moderne et contemporain.
Questions à Jean-Hubert Martin et Annie
Cohen-Solal.
Quel portrait feriez-vous de cette exposition,
vingt-cinq ans plus tard
Le seul portrait
que je peux imaginer est une image qui doit
remplacer ce texte. Trop d’exégèse, pas
assez de visuel !
Pourquoi cette exposition a-t-elle marqué
les esprits
Parce qu’elle brisait un double
tabou : celui selon lequel il n’existait de
l’art contemporain qu’en Occident et celui
qui interdisait de montrer des œuvres de
cultures différentes côte à côte. Elle postulait
une révision complète d’une histoire de
l’art écrite dans le contexte colonial.
Au Centre Pompidou et à la Grande halle de
la Villette, du 18 mai au 14 août 1989,
« Magiciens de la terre » surprit tout à la
fois les publics et les milieux de la critique,
des musées et du marché. Dans un monde
de l’art contemporain alors exclusivement
limité au périmètre des frontières de l’Europe
et de l’Amérique du Nord, Jean-Hubert
Martin, son commissaire, avait invité
des artistes de tous les continents, repérés
un à un lors de longues missions de terrain
accomplies durant des années à la recherche
de pratiques enracinées dans des
cultures ancestrales, résistantes au postcolonialisme,
en lutte contre les totalitarismes
et, surtout, curieuses de l’ouverture
planétaire émergente. Ils y rencontrèrent
d’autres curieux : quelques artistes occidentaux,
pourtant parfaitement intégrés
dans les réseaux dominants, mais habités
par la nécessité du dialogue interculturel.
Ces derniers produisirent des œuvres qui
allaient résonner avec l’énergie singulière
et le choc inédit que déclencheraient celles
de ces « nouveaux artistes » jusqu’alors
« invisibles ». Initiative pionnière, « Magiciens
de la terre » fut bientôt perçue comme
inaugurale. Aux prémices d’une mondialisation
qui ne disait alors pas encore son
nom, « Magiciens de la terre » déclencha
des polémiques qui durent et qui prospèrent,
suscita des vocations et des déceptions,
produisit d’autres événements fondateurs
et des imitations, influa sur nombre
d’expositions à venir : ce fut donc l’un de
Comment réactiver ses valeurs
Il faut s’atteler aujourd’hui à l’élaboration
d’une géographie historique de
l’art qui valorise les arts indigènes et
s’ouvre à toutes les expressions artistiques
- y compris religieuses - en tordant le
cou à l’hégélianisme ethnocentrique

qui fonde l’essentiel des pratiques artistiques
avalisées en tant que telles.
Pourquoi est-il important de réinterroger
cette exposition aujourd’hui
Parce que « Magiciens
de la terre » était une exposition
pionnière ! Elle a provoqué de nombreuses
polémiques, créé un mythe dans le monde
entier, alors que les étapes de sa genèse
restaient inaccessibles et son catalogue
était devenu introuvable. L’accès aux belles
archives du Centre Pompidou et aux
ressources de la Bibliothèque Kandinsky
engagée dans des programmes de recherches
universitaires (« Mondialisation » et
« Histoire des expositions ») nous a permis
de restituer la dynamique de cet événement
et d’éclairer le contexte de sa conception
; comme les détails fascinants dans les
voyages des commissaires à la recherche
des artistes à travers tous les continents.
Quels éléments cet anniversaire permet-il
de révéler
Vingt-cinq après, nous avons interrogé
les artistes présents en 1989 au sujet
de l’influence de « Magiciens de la terre »
sur leur propre trajectoire. Beaucoup d’entre
eux gardent un souvenir mémorable de
cette manifestation interculturelle qui,
pour certains, fut même révolutionnaire et
suscita des prolongements féconds. Ainsi
la rencontre entre Richard Long et Jivya
Soma Mashe, qui s’est poursuivie par des
collaborations en Europe et en Inde rurale !
Quelle relecture peut-on faire
aujourd’hui de « Magiciens de la terre », à
l’heure de la globalisation du monde de
l’art
« Magiciens de la terre », 1989, qui
était alors à contre-courant car ouvert à
des artistes marginalisés géographique-
Retour sur une expérience pionnière et
sur les perspectives qu’elle a ouvertes.
Il y a 25 ans le Centre Pompidou présentait
les « Magiciens de la terre », en
collaboration avec la Grande halle de la
Villette. Cette manifestation représentait
un tournant dans l’art contemporain
et pour l’histoire des expositions :
par son invitation lancée à des artistes
de tous les continents, elle signait l’entrée
dans la mondialisation. Un colloque
international réunit pendant deux jours
commissaires d’exposition, universitaires,
historiens d’art, sociologues et
acteurs du monde de l’art.
Jeudi 27 mars, 14h / Ouverture du colloque
par Alain Seban, président du
Centre Pompidou. Introduction par
Jean-Hubert Martin, commissaire de
l’exposition en 1989. Contributions de
Laurent Jeanpierre (Université Paris 8),
Daniel Soutif (critique d’art), Jonathan
Mane-Wheoki (Elam School of Fine
Arts, Auckland), Victoria Noorthoorn
(commissaire d’exposition) et Niru
Ratnam (Art 14 Art Fair, Londres).
Vendredi 28 mars, 19h / Globalisation
de l’art contemporain : dialogue entre
Hans Belting (historien de l’art) et
Saskia Sassen (sociologue et économiste),
sous la modération d’Annie
Cohen-Solal.

ment et culturellement, apparaît
aujourd’hui comme l’un des moments fondateurs
du processus de la globalisation de
l’art contemporain. Ces artistes occupent
désormais une place de choix dans les collections
du Centre Pompidou, comme en
témoigne la nouvelle présentation des collections,
une exposition-manifeste qui
révise les canons de l’art au 20 e siècle.

Trente-six ans déjà de Cinéma du réel, et
l’Autre, qu’il soit d’un autre peuple ou d’un
autre genre, est un territoire à la fois
exploré en tous recoins et demeuré vierge.
Un paradoxe qui donne au documentaire de
création une fraîcheur renouvelée, parfois
astringente. À nouveau, le festival, sous la
direction de Maria Bonsanti, accroît les
correspondances entre ses sections compétitives
– matière vive de ses projections
– et ses marges. Ce faisant, il campe
loin d’une notion qui a le vent en poupe
mais menace de muséifier la création : le
patrimoine. Bien sûr, nombre des films
reviennent sur l’Histoire, telle la programmation
de Federico Rossin sur la révolution
des Œillets. Mais celle-ci s’inscrit moins
dans un volontarisme mémoriel que dans la
démarche d’un Glauber Rocha qui, dans le
film collectif As Armas e o Povo [Les Armes
et le peuple], 1974, demandait aux Portugais
« Que pensez-vous de l’avenir ».
Antipatrimonial entre tous, Jean Rouch,
mort il y a dix ans et initiateur du Bilan du
film ethnographique (manifestation cousine
de Cinéma du réel), règnera en esprit
sur cette trente-sixième édition. D’abord
parce que jamais son excellence méthodologique
ne lui a fait perdre de vue l’exigence
cinématographique de sa pratique. Ensuite
parce qu’il a toujours plaidé pour une
« anthropologie partagée » : la possibilité
pour l’Autre de regarder en retour le film,
voire de remettre en cause l’approche de
l’ethnologue – bref d’être pleinement sujet
et non objet filmé. De cette exigence éthique
découle une ligne esthétique, car la notion
de métissage peut aussi se traduire en des
termes formels – sans doute Marie-Pierre
Duhamel-Müller, dans son programme
transversal « Pour une histoire de la nuit »,
reviendra-t-elle sur la part de mystère de
toute altérité, qui est à la fois à percer et à
préserver. Les films choisis montreront
comment le passage de la pellicule au
numérique a modifié la texture du noir, de
la nuit comme espace et comme durée.
Rouch enfin, parce que la programmation
que Nicole Brenez dédie à Raymonde
Carasco (1939-2009) et à son époux, opérateur
et monteur Régis Hébraud, convoque
la voix du cinéaste-ethnologue dans Ciguri
98, la danse du peyotl, l’un des films que
Carasco, vingt ans durant, a consacrés aux
Tarahumara du Mexique, croisant opportunément
l’ethnologie et la poésie d’Antonin
Artaud. Fausse objectivité documentaire,
hypersubjectivité de la transe
d’Artaud : c’est en salle qu’il faudra venir
découvrir l’œuvre encore trop méconnue
de Carasco, qui pousse très loin les liens
entre poésie et réalité ethnographique.
Rouch, encore lui, à un moment où la télévision
s’offrait en mode de diffusion idéal
pour le cinéma documentaire, rappelait
combien la salle – et a fortiori la densité
excitante d’un regroupement festivalier
– restait pour un cinéaste « la possibilité
fantastique et impitoyable d’assister
en direct, caché au fond de la salle, à la
réaction des spectateurs ».

La collection du Centre Pompidou vient de
s’enrichir de deux chefs-d’œuvre d’Henri
Matisse grâce à la générosité de Madame
Claude Duthuit, en mémoire de son mari
Claude Duthuit, petit-fils de l’artiste. Le
portrait de Marguerite au chat noir, œuvre
emblématique d’une période majeure du
peintre, et Jérusalem céleste, une imposante
composition en papiers gouachés et
découpés, ont ainsi rejoint les cimaises du
musée, au niveau 5 du Centre Pompidou :
les visiteurs peuvent aujourd’hui les admirer
au sein de la nouvelle présentation des
collections modernes, intitulée « Modernités
plurielles ». La représentation déjà très
riche de l’œuvre d’Henri Matisse dans la
collection du Centre Pompidou, une des
deux plus importantes pour l’art moderne
et contemporain au monde, se trouve
aujourd’hui spectaculairement renforcée
par l’arrivée de ces deux « icônes ».
Marguerite au chat noir (1910, huile sur
toile, 94 x 64 cm) représente la fille de l’artiste
alors âgée de quinze ans, et fait partie
de la série des grands portraits des années
1908-1911, période radicale dans l’œuvre
de l’artiste. Il s’inscrit dans une très belle
série de représentations de jeunes femmes,
toutes régies par le même type de composition
: un modèle peint de face, sur fond
plat, coloré, parfois très travaillé. Ces
peintures de ses proches – sa fille, sa
femme, ses étudiantes étrangères ou
modèles - sont le territoire d’expérimentations
plastiques très audacieuses dont
l’effet se révèle, à l’époque et aujourd’hui
encore, extrêmement puissant. Les
contemporains de ces portraits les
jugeaient frustres et choquants, en raison
de leur radicalité résolue, de l’utilisation
de cernes noirs épais, de couleurs particulièrement
fortes. On trouve dans cette
composition hiératique et imposante une
intensité affective, magnifiée par une
approche ambitieuse, par un travail de
simplification et un chromatisme acidulé.
Matisse amplifie ici la stylisation à l’œuvre
dans des portraits antérieurs. Ce tableau
était jusqu’à ce jour la dernière grande
peinture de cette période à être conservée
dans une collection particulière. Peint par
Henri Matisse au début de l’année 1910, ce
chef-d’œuvre a été très rarement montré
au public.
L’histoire d’Henri Matisse et de la Chapelle
du Rosaire à Vence commence en 1942
lorsque Matisse est soigné à Nice, par une
infirmière qui sera également son modèle.
Devenue religieuse quelques temps plus
tard, elle vit au foyer Lacordaire, à proximité
de la villa Le Rêve où Matisse est installé
depuis 1943. Les sœurs dominicaines
souhaitent alors faire édifier une nouvelle
chapelle. Matisse s’engage progressivement
dans le projet de conception de la
chapelle jusqu’à décider de réaliser luimême
sa décoration. Elle sera consacrée le
25 juin 1951 par l’archevêque de Nice.
Matisse travaille à son élaboration avec
des papiers découpés, technique qu’il
emploie, à partir du début des années 1930,

pour préparer certaines peintures. Pour les
vitraux de la chapelle, Matisse exécute des
maquettes de trois versions successives du
projet. S’agissant du plus important d’entre
eux, le grand vitrail, le Centre Pompidou
conserve, depuis 1982, la deuxième version,
dite le « Vitrail bleu pâle » (don de
Madame Jean Matisse et de Monsieur
Gérard Matisse). C’est la première
maquette – restée jusqu’à aujourd’hui
dans la famille du peintre - qui vient d’entrer
au musée, Jérusalem céleste. Ce premier
projet, en demi-hauteur, montre une
composition géométrique, aux formes
essentiellement rectilignes, avec un chromatisme
très lumineux aux dominantes
jaunes et rouges. L’artiste écrivait à son
propos : « En lui-même, je l’aime, mais par
rapport à la chapelle il ne peut aller ». Tout
en l’écartant, Matisse reconnaît donc pleinement
les qualités intrinsèques de cette
maquette, l’un de ses papiers découpés
les plus singuliers.

Extrait de : Écrits et propos sur l’art,
Henri Matisse, texte établi par Dominique
Fourcade, Hermann, 2000, p 174 et
suivantes.
« N’est-ce pas l’œuvre qui traduit la sensibilité
humaine du personnage représenté
Le seul mot qu’on connaisse de Rembrandt
est celui-ci : Je n’ai fait que des portraits.
Est-ce que le portrait du Louvre peint par
Raphaël et représentant Jeanne d’Aragon
en robe de velours rouge est bien réellement
ce qu’on peut appeler un portrait
[…] L’exactitude n’est pas la vérité. […]
L’étude du portrait paraît oubliée
aujourd’hui. C’est pourtant une source
d’intérêt inépuisable pour celui qui en a le
don ou simplement la curiosité. On pourrait
dire que le portrait photographique est
suffisant. Pour l’anthropométrie, oui, mais
pour l’artiste à la recherche du caractère
profond d’un visage, il en va autrement : la
consignation des traits du modèle décèle
des sentiments inconnus bien souvent du
sourcier même qui les a mis à jour. Si besoin
en était, l’analyse d’un physiognomoniste
serait presque nécessaire pour essayer de
les traduire en langage clair, car ils synthétisent
et contiennent beaucoup de choses
que le peintre lui-même ne soupçonne
pas tout d’abord. Les vrais portraits, c’està-dire
ceux dont les éléments, de même
que les sentiments, semblent sortir du
modèle, sont assez rares. […] Le visage
humain m’a toujours beaucoup intéressé.
J’ai même une assez remarquable mémoire
pour les visages, même pour ceux que je
n’ai vus qu’une seule fois. En les regardant
je ne fais aucune psychologie mais je suis
frappé par leur expression souvent particulière
ct profonde. Je n’ai pas besoin de
formuler avec des mots l’intérêt qu’ils suscitent
en moi; ils me retiennent probablement
par leur particularité expressive et
par un intérêt qui est entièrement d’ordre
plastique. C’est du premier choc de la
contemplation d’un visage que dépend la
sensation principale qui me conduit
constamment pendant toute l’exécution

d’un portrait. J’ai beaucoup
étudié la représentation
du visage humain
par le dessin pur et pour
ne pas donner au résultat
de mes efforts le caractère
de mon travail personnel
- comme un portrait
de Raphaël est avant
tout un portrait de
Raphaël - je me suis
efforcé, vers 1900, de
copier littéralement le
visage d’après des photographies
ce qui me
maintenait dans les limites
du caractère apparent
d’un modèle. Depuis j’ai
quelquefois repris cette
marche de travail. Tout
en suivant l’impression
produite sur moi par un
visage, j’ai cherché à ne
pas m’éloigner de sa
construction anatomique.
J’ai fini par découvrir que
la ressemblance d’un
portrait vient de l’opposition
qui existe entre le
visage du modèle et les
autres visages, en un mot
de son asymétrie particulière.
Chaque figure a
son rythme particulier et
c’est ce rythme qui crée
la ressemblance. […] je
crois que l’expression
essentielle d’une œuvre
dépend presque entièrement
de la projection du
sentiment de l’artiste ;
d’après son modèle et non
de l’exactitude organique
de celui-ci. […] La conclusion de tout cela :
le portrait est un art des plus singuliers. Il
demande à l’artiste des dons particuliers et
une possibilité d’identification presque
complète du peintre et de son modèle. Le
peintre doit se trouver sans idée préconçue
devant son modèle. Tout doit venir à son
esprit comme dans un paysage lui parviendraient
toutes les odeurs de ces paysages :
celles de la terre, des fleurs associées aux
jeux des nuages, aux mouvements des
arbres et aux différents bruits de la campagne.
»

« Cinéastes en correspondance », la série
engagée par le Centre Pompidou qui a déjà
réuni Abbas Kiarostami et Victor Erice,
Jonas Mekas et José Luis Guerin, Albert
Serra et Lisandro Alonso, présente
aujourd’hui la correspondance filmée entre
le cinéaste chinois Wang Bing et Jaime
Photographe de formation, Wang Bing s’est
imposé dès son premier film, le documentaire
fleuve À l’ouest des rails, en 2004,
comme un auteur majeur du cinéma
contemporain. Sa démarche radicale et son
regard fixé en permanence sur les destins
humains documentent de films en films
l’histoire et la mémoire de la Chine
d’aujourd’hui. Des mineurs aux rescapés
des camps de travail dans Fenming chronique
d’une femme chinoise en 2007 et Le
Fossé en 2010 ; des paysans des hautes
montagnes dans Les Trois sœurs du Yunnan
(en salles le 16 avril 2014), aux aliénés
d’un hôpital psychiatrique dans Til Madness
Do Us Part, le cinéaste chinois interroge
sans relâche les vies dans le chaos de
la modernité de son pays.
Wang Bing et Jaime Rosales se retrouvent
face au public, dans un moment de complicité
aussi profond et singulier que le talent
des deux cinéastes.
Rosales, cinéaste espagnol à l’œuvre de
fiction engagée, composée à ce jour de
quatre longs métrages, dont Rêve et silence,
présenté au Festival de Cannes l’an passé.
Le Centre Pompidou invite parallèlement
Wang Bing à présenter, au Forum -1, une
installation inédite en France, Crude Oil,
ainsi que d’autres œuvres inédites.
Le Centre Pompidou présente,
à partir du 14 avril, les trois films
de votre correspondance filmée. Qui
êtes-vous l’un pour l’autre
Wang Bing est un ami et
un collègue. Nous nous sommes connus à
Paris, en 2004, dans le cadre de la Résidence
de la Cinéfondation du Festival de
Cannes. Nous avons vécu dans le même
appartement pendant quatre mois. Nous
partagions des repas, des rencontres, des
impressions sur le cinéma malgré les difficultés
de communication. Nos deux premiers
films, À l’ouest des rails et Les Heures
du jour, étaient sortis en France à peu
près à la même époque.
Jaime parlait souvent de
poésie et, dans ces moments, on se sentait
tous très jeunes ! Pour ma part, c’était la
première fois que je quittais la Chine, où
j’habitais, et que je travaillais avec des
étrangers. Jaime se souciait souvent de
moi, se préoccupait de ma vie en Chine.
Vous semble-t-il que vos filmographies
se rejoignent
Les films de Jaime sont très paisibles
et calmes. Il traite de la relation étroite qui
existe entre les explosions soudaines de
violence dans l’existence et dans la vie des
gens ordinaires. Sa façon de filmer est très

directe, il ajoute très peu d’ornements narratifs,
comme si aucune direction ne structurait
l’histoire. Ses films dégagent une
sensation de froideur, comme s’ils étaient
exempts de toute chaleur.
Je dirais que nous tentons à peu près la
même chose : rendre compte de la réalité
par des moyens assez semblables.
Jaime, comment est née l’idée de T4
– Barajas Puerta J 50, la première lettre
que vous avez adressée à Wang Bing
À cette époque, en 2009, j’étais plus
sensible à l’art contemporain. Comme toujours
lorsque je commence un projet de
film, il me faut résoudre une triple équation
: thème, forme, budget. Je trouve toujours
le thème sur lequel je vais parler
parmi les choses qui me dérangent. Le
rythme de la vie moderne, les produits en
plastique, l’ensemble de la société de
consommation en font partie. C’est devenu
le thème du film : un grand aéroport avec
beaucoup de monde qui consomme. Il fallait
trouver une forme et un budget. Un plan
séquence en panoramique avec un téléobjectif
où le son ne suivait pas l’image.
Tourné en 35 mm, en un seul jour. Voilà
tout.
Vous avez souhaité faire une réponse
à Wang Bing. Contrairement à ce qui
avait été décidé, qu’était-il important de
poursuivre
La lettre de Wang Bing m’a énormément
plu. Je la trouve bouleversante.

Red Land est une réponse directe, ou peutêtre
une réponse à l’œuvre de Wang Bing
toute entière : le thème d’un temps qui
n’existe plus. L’époque des ouvriers des
industries lourdes est révolue. C’est pareil
en Chine et en Espagne. C’est pareil partout.
Et vous, Wang Bing, comment vous
est venue l’idée de tourner Happy Valley
En 2005, un ami m’a fait découvrir
Histoire de dieu, le roman de Sun Shi Xiang
Zhu, mort quelques années auparavant.
J’ai lu pas mal de romans chinois mais
celui-ci m’a beaucoup ému, je suis resté
plongé dans le silence pendant plusieurs
jours. Je pense que ce roman est une œuvre
littéraire phare de la Chine contemporaine,
négligée par la littérature actuelle. On peut
dire que, comme mes propres films, elle
n’est pas considérée. C’est pourquoi en
2009, alors que je venais de terminer le
tournage du Fossé, mon seul film de fiction,
je me suis rendu dans la région natale de
Sun Shi Xiang Zhu afin de me recueillir sur
sa tombe. Sur le chemin du retour, je suis
passé par « Xi Yang Tang » (Happy Valley).
C’est là que j’ai rencontré ces trois fillettes.
J’avais sur moi un mini caméscope et j’ai
filmé quelques images en passant. Je ne
savais pas encore que, quelques années
plus tard, je reviendrais les suivre pour un
long métrage, devenu Les Trois sœurs du
Yunnan.
Wang Bing, vous pouvez nous parler
de vos projets à venir
Je présente actuellement mon nouveau
film, Til Madness Do Us Part, dans les
différents festivals du monde entier :
Venise, Lisbonne, Nantes. Il traite de la vie
de quelques personnages dans un hôpital
psychiatrique de la province du Yunnan, en
Chine. C’est un film auquel je tiens beaucoup,
que je porte en moi depuis de nombreuses
années, sans jamais avoir eu l’occasion
de le tourner. Il me semble qu’il est
étroitement lié à la vie de tous les Chinois
contemporains. Avec ce film, vous pouvez
voir la Chine telle qu’elle est aujourd’hui.
Mon film Les Trois sœurs du Yunnan, dont
la correspondance filmée avec Jaime Rosales
est en quelque sorte l’incipit, sortira sur
les écrans français le 14 avril 2014. D’ici là,
je vais tourner un nouveau documentaire,
des histoires d’adolescents.

Red Land est une réponse directe, ou peutêtre
une réponse à l’œuvre de Wang Bing
toute entière : le thème d’un temps qui
n’existe plus. L’époque des ouvriers des
industries lourdes est révolue. C’est pareil
en Chine et en Espagne. C’est pareil partout.
Et vous, Wang Bing, comment vous
est venue l’idée de tourner Happy Valley
En 2005, un ami m’a fait découvrir
Histoire de dieu, le roman de Sun Shi Xiang
Zhu, mort quelques années auparavant.
J’ai lu pas mal de romans chinois mais
celui-ci m’a beaucoup ému, je suis resté
plongé dans le silence pendant plusieurs
jours. Je pense que ce roman est une œuvre
littéraire phare de la Chine contemporaine,
négligée par la littérature actuelle. On peut
dire que, comme mes propres films, elle
n’est pas considérée. C’est pourquoi en
2009, alors que je venais de terminer le
tournage du Fossé, mon seul film de fiction,
je me suis rendu dans la région natale de
Sun Shi Xiang Zhu afin de me recueillir sur
sa tombe. Sur le chemin du retour, je suis
passé par « Xi Yang Tang » (Happy Valley).
C’est là que j’ai rencontré ces trois fillettes.
J’avais sur moi un mini caméscope et j’ai
filmé quelques images en passant. Je ne
savais pas encore que, quelques années
plus tard, je reviendrais les suivre pour un
long métrage, devenu Les Trois sœurs du
Yunnan.
Wang Bing, vous pouvez nous parler
de vos projets à venir
Je présente actuellement mon nouveau
film, Til Madness Do Us Part, dans les
différents festivals du monde entier :
Venise, Lisbonne, Nantes. Il traite de la vie
de quelques personnages dans un hôpital
psychiatrique de la province du Yunnan, en
Chine. C’est un film auquel je tiens beaucoup,
que je porte en moi depuis de nombreuses
années, sans jamais avoir eu l’occasion
de le tourner. Il me semble qu’il est
étroitement lié à la vie de tous les Chinois
contemporains. Avec ce film, vous pouvez
voir la Chine telle qu’elle est aujourd’hui.
Mon film Les Trois sœurs du Yunnan, dont
la correspondance filmée avec Jaime Rosales
est en quelque sorte l’incipit, sortira sur
les écrans français le 14 avril 2014. D’ici là,
je vais tourner un nouveau documentaire,
des histoires d’adolescents.

Red Land est une réponse directe, ou peutêtre
une réponse à l’œuvre de Wang Bing
toute entière : le thème d’un temps qui
n’existe plus. L’époque des ouvriers des
industries lourdes est révolue. C’est pareil
en Chine et en Espagne. C’est pareil partout.
Et vous, Wang Bing, comment vous
est venue l’idée de tourner Happy Valley
En 2005, un ami m’a fait découvrir
Histoire de dieu, le roman de Sun Shi Xiang
Zhu, mort quelques années auparavant.
J’ai lu pas mal de romans chinois mais
celui-ci m’a beaucoup ému, je suis resté
plongé dans le silence pendant plusieurs
jours. Je pense que ce roman est une œuvre
littéraire phare de la Chine contemporaine,
négligée par la littérature actuelle. On peut
dire que, comme mes propres films, elle
n’est pas considérée. C’est pourquoi en
2009, alors que je venais de terminer le
tournage du Fossé, mon seul film de fiction,
je me suis rendu dans la région natale de
Sun Shi Xiang Zhu afin de me recueillir sur
sa tombe. Sur le chemin du retour, je suis
passé par « Xi Yang Tang » (Happy Valley).
C’est là que j’ai rencontré ces trois fillettes.
J’avais sur moi un mini caméscope et j’ai
filmé quelques images en passant. Je ne
savais pas encore que, quelques années
plus tard, je reviendrais les suivre pour un
long métrage, devenu Les Trois sœurs du
Yunnan.
Wang Bing, vous pouvez nous parler
de vos projets à venir
Je présente actuellement mon nouveau
film, Til Madness Do Us Part, dans les
différents festivals du monde entier :
Venise, Lisbonne, Nantes. Il traite de la vie
de quelques personnages dans un hôpital
psychiatrique de la province du Yunnan, en
Chine. C’est un film auquel je tiens beaucoup,
que je porte en moi depuis de nombreuses
années, sans jamais avoir eu l’occasion
de le tourner. Il me semble qu’il est
étroitement lié à la vie de tous les Chinois
contemporains. Avec ce film, vous pouvez
voir la Chine telle qu’elle est aujourd’hui.
Mon film Les Trois sœurs du Yunnan, dont
la correspondance filmée avec Jaime Rosales
est en quelque sorte l’incipit, sortira sur
les écrans français le 14 avril 2014. D’ici là,
je vais tourner un nouveau documentaire,
des histoires d’adolescents.

Red Land est une réponse directe, ou peutêtre
une réponse à l’œuvre de Wang Bing
toute entière : le thème d’un temps qui
n’existe plus. L’époque des ouvriers des
industries lourdes est révolue. C’est pareil
en Chine et en Espagne. C’est pareil partout.
Et vous, Wang Bing, comment vous
est venue l’idée de tourner Happy Valley
En 2005, un ami m’a fait découvrir
Histoire de dieu, le roman de Sun Shi Xiang
Zhu, mort quelques années auparavant.
J’ai lu pas mal de romans chinois mais
celui-ci m’a beaucoup ému, je suis resté
plongé dans le silence pendant plusieurs
jours. Je pense que ce roman est une œuvre
littéraire phare de la Chine contemporaine,
négligée par la littérature actuelle. On peut
dire que, comme mes propres films, elle
n’est pas considérée. C’est pourquoi en
2009, alors que je venais de terminer le
tournage du Fossé, mon seul film de fiction,
je me suis rendu dans la région natale de
Sun Shi Xiang Zhu afin de me recueillir sur
sa tombe. Sur le chemin du retour, je suis
passé par « Xi Yang Tang » (Happy Valley).
C’est là que j’ai rencontré ces trois fillettes.
J’avais sur moi un mini caméscope et j’ai
filmé quelques images en passant. Je ne
savais pas encore que, quelques années
plus tard, je reviendrais les suivre pour un
long métrage, devenu Les Trois sœurs du
Yunnan.
Wang Bing, vous pouvez nous parler
de vos projets à venir
Je présente actuellement mon nouveau
film, Til Madness Do Us Part, dans les
différents festivals du monde entier :
Venise, Lisbonne, Nantes. Il traite de la vie
de quelques personnages dans un hôpital
psychiatrique de la province du Yunnan, en
Chine. C’est un film auquel je tiens beaucoup,
que je porte en moi depuis de nombreuses
années, sans jamais avoir eu l’occasion
de le tourner. Il me semble qu’il est
étroitement lié à la vie de tous les Chinois
contemporains. Avec ce film, vous pouvez
voir la Chine telle qu’elle est aujourd’hui.
Mon film Les Trois sœurs du Yunnan, dont
la correspondance filmée avec Jaime Rosales
est en quelque sorte l’incipit, sortira sur
les écrans français le 14 avril 2014. D’ici là,
je vais tourner un nouveau documentaire,
des histoires d’adolescents.

Avec « Le Surréalisme et
l’objet », première exposition
d’ampleur consacrée
aux pratiques sculpturales
du surréalisme, le Centre
Pompidou invite le visiteur
à renouveler son approche
d’un mouvement majeur
des avant-gardes du 20 e
siècle, au moment où son
importance historique ne
cesse d’être réévaluée
tandis que s’affirme son
influence sur la création
actuelle. Du premier ready-made
de Marcel
Duchamp, le fameux
« porte-bouteilles » de
1914, aux sculptures de
Miró de la fin des années
1960, l’exposition retrace à
travers ses différentes
étapes l’histoire de la
« mise au défi » surréaliste
de la sculpture par le
recours à l’objet quotidien.
À travers plus de 200
œuvres, dont nombre de
chefs-d’œuvre de Giacometti,
Dalí, Calder,
Picasso, Miró, Ernst ou
Man Ray, « Le Surréalisme
et l’objet » rend compte des
moments-clés de cette
réflexion.

Le Centre Pompidou invite le visiteur à une lecture inédite et rétrospective de l’œuvre de
Pierre Huyghe, autour d’une cinquantaine de ses projets. « Je me concentre sur quelque
chose qui n’est pas joué, mais qui existe, en soi. […] Ce qui m’intéresse, c’est d’intensifier
la présence de ce qui est. » Pierre Huyghe. Dans cette exposition, comme pour l’ensemble
de son œuvre, l’artiste cherche à inventer des « situations live » à travers lesquelles
il s’emploie à intensifier la présence et la vitalité du réel. L’exposition présente
une recherche qui se déploie depuis plus de vingt ans et cherche à rendre sensible la
dimension organique des propositions de l’artiste, qui envisage l’espace d’exposition
comme un monde en soi, non orchestré, vivant selon ses propres rythmes.
« Expérience 1. Une
agence de voyages » (3-12 ans,
en famille)
Claude Simon, l’inépuisable
chaos du monde. Il
ne vous reste que quelques
jours pour découvrir l’œuvre
de Claude Simon, mise
en scène par le plasticien
et vidéaste Alain Fleischer
à la Bpi (Bibliothèque
publique d’information).
L’occasion d’appréhender
l’immensité de ce travail
littéraire, de son processus
de création jusqu’à sa
consécration par le Prix
Nobel, à travers la présentation
de manuscrits, pièces
originales et dessins de
l’auteur, de lectures de ses
œuvres et de réalisations
audiovisuelles d’Alain
Fleischer. Entrée libre

« Expérience 1. Une agence
de voyages » (3-12 ans,
en famille)
« Expérience 1. Une agence
de voyages » (3-12 ans,
en famille)
« Expérience 1.
Une agence de voyages »
(3-12 ans, en famille)
Exposition « Pierre Huyghe »
« Impromptu » (accueil continu,
Daniel Dewar et Grégory Gicquel, lauréats du Prix Marcel
Duchamp 2012, investissent l’Espace 315, avec le soutien
de l’ADIAF (Association pour la diffusion internationale
de l’art français). Puisant leur inspiration dans la matière
même de leurs œuvres, dans l’espace temps du procédé et
de la méthode, Daniel Dewar et Grégory Gicquel forcent
les rencontres inédites de sujets et de matériaux. Les
artistes ont imaginé plusieurs pièces de grandes dimensions
utilisant leurs techniques fétiches : peinture sur
soie, tapisserie et sculpture sur bois en taille directe. Intitulée
Le Hall, l’installation provoque une rencontre entre
le corps du spectateur et ces œuvres monumentales.
« En rimes et en couleurs »
(3-5 ans, en famille)
Balades au musée
Exposition
« Le Surréalisme et l’objet »
tout public, en famille)
« Premiers
dimanches au Musée »
Exposition
« Le Surréalisme et l’objet »

« Le laboratoire
des matériaux » (6-12 ans,
enfant seul)
« Voyage
sonore au Centre Pompidou »
(3-5 ans, en famille)
Paolo Gioli
De janvier à mars 2014, le Centre Pompidou présente
« Off&Pop », une plongée dans l’histoire du cinéma expérimental
italien depuis le milieu des années 1960. Dédiée
à Paolo Gioli, cette première séance propose un retour sur
la production filmique de ce peintre converti aux supports
photochimiques - photographie et cinéma - à la fin des
années 1960 après un voyage aux États-Unis. Il est souvent qualifié d’alchimiste pour sa
créativité et la richesse des procédés techniques convoqués dans la réalisation de ses
films. L’œuvre de Paolo Gioli adopte une position critique à l’égard de la représentation
analogique à l’époque de sa reproductibilité technique.
Séance introduite par Philippe Dubois (professeur, université Sorbonne Nouvelle,
Paris 3) et Sergio Toffetti (historien du cinéma et conservateur).
En compagnie d’un conférencier,
découvrez
« Modernités plurielles »,
le nouvel accrochage des
collections modernes du
Centre Pompidou, qui comprend
plus de mille œuvres
de 400 artistes représentant
47 pays. Échangez sur
cette vision inédite des
collections, et voyagez en
Chine, au Japon, à Cuba, au
Brésil, en Russie, en Algérie,
aux États-Unis, en
Argentine, en Uruguay, en
Guinée Équatoriale ou tout
simplement à Paris.

Modernités plurielles (1).
Confronter les modernités.
Cycle de 6 séances,
sur inscription.
Les squats.
Cycle Imaginaire des villes –
Regards de cinéastes
et d’artistes sur la ville
Group Show :
Meggie Schneider
et Simon Fravega
Soirée d’ouverture,
semi-publique.
Cycle Imaginaire des villes – Regards de cinéastes et
d’artistes sur la ville. Au cœur de nos cités, en pleine
crise du logement, beaucoup dorment dans la rue ou dans
des logements insalubres. De jeunes militants du collectif
Jeudi Noir investissent ces lieux abandonnés avec l’objectif
de les transformer en lieux de vie et de partage où
s’inventent le vivre ensemble, l’ouverture à l’autre, le
mélange social. Marie Maffre leur a consacré un film que
projette ce soir la Bpi. Projection suivie d’une rencontre
avec la réalisatrice et Romain Minod, architecte.
Ainsi squattent-ils (2012, 70’), de Marie Maffre /
Entrée libre. /
Pour sa 9 e édition, « Hors Pistes » se place sous le signe du
biopic (biography picture), comprenez : le récit d’une vie
en images. Ce thème donne le ton des projections en salles
et des interventions dans le Forum-1. Dans les salles,
chaque séance est dédiée à un artiste : de projections en
performances, il donne à voir son travail autrement,
dévoilant ses sources d’inspiration, son univers, bref son
biopic. Au Forum -1, « Hors Pistes » a proposé à deux
artistes, Meggie Schneider et Simon Fravega, de collaborer
pour la première fois. Dans cet espace underground du
Centre Pompidou, ils installent une « fabrique à biopic »,
entre exposition et plateau de tournage, qui produira, à
coups de nouvelles images, de la biographie « à la
chaîne ». Avec la volonté d’explorer les nouvelles formes
de l’image travaillées par toute la création contemporaine,
et avec encore plus d’ambition, « Hors Pistes » tisse
un rapport intime à la création en train de s’inventer.

Group Show :
Meggie Schneider
et Simon Fravega
« Cadavres exquis »
(6-12 ans, en famille)
« Les z’hybrides »
(3-5 ans, en famille)
Balades au musée
Solo Show :
Armand Morin.
Exposition
« Le Surréalisme et l’objet »
Group Show :
Performance de Simon Fravega
Group Show :
Meggie Schneider et Simon
Fravega.
« Voyage au centre du Centre »
(6-12 ans, en famille)
« Hors Pistes 2014 » revisite le genre du biopic (biography
picture). À cette occasion, les deux artistes invités Meggie
Schneider et Simon Fravega transforment l’espace
underground du Centre Pompidou, son Forum -1, en une
« fabrique à biopic ». Véritable usine à produire des images,
cette fabrique est à la fois exposition, plateau de
tournage et plateforme interactive où travaillent et se
croisent cinéastes, artistes, anonymes. Se jouant des
rouages qui font les stars, elle célèbre l’anonyme, ses
gestes et ses victoires. Dans cet espace, on oublie vite qui
joue la comédie, qui vit pour de vrai, comment différencier
images professionnelles et images amateurs. Chaque
jour, une grande tablée déjeune et lit, discute devant les
caméras des artistes, tandis que Simon Fravega ponctue
le temps avec ses performances impliquant transformistes,
mimes, sosies.
Entrée libre
« Mes premiers pas vers l’art »
(3-5 ans, en famille)
Solo Show :
Shanti Masud.
Balades au musée
Solo Show :
Hélèna Villovitch.
Exposition « Le Surréalisme
et l’objet »
Solo Show : Cécile Paris.
Solo Show :
Jean Christophe Meurice

Group Show :
Meggie Schneider
et Simon Fravega
Isis & Osiris
de Jacques Lenot,
commande d’État, création.
Avec l’Ensemble Multilatérale
Solo Show :
Jean-Marc Chapoulie
Le Centre Pompidou
consacre une exposition à
la donation d’œuvres sur
papier, que lui ont généreusement
consentie Florence
et Daniel Guerlain.
Cette collection de référence
pour le dessin
contemporain rassemble
plus de deux cents artistes
d’une trentaine de nationalités
différentes. Dans
les salles reconfigurées de
la Galerie d’art graphique
et de la Galerie du musée,
réunies pour l’occasion,
cette présentation inédite
montre quelque 460 dessins
choisis parmi l’ensemble
de 1 200 œuvres
que compte la donation.
L’exposition est conçue
autour des œuvres des
quinze artistes nominés
pour les cinq premiers prix
de dessin de la fondation
d’art contemporain Daniel
et Florence Guerlain, initié
par le couple de collectionneurs
dès 2006.

Frère et sœur, figures de la gémellité, de la dévoration, effort surhumain et violent pour surmonter la dualité Isis &
Osiris, la création de Jacques Lenot, se partage entre une symphonie d’instruments à vent, la Terre, et l’électronique, le
Ciel. Le tout nouveau dispositif de spatialisation sonore multicanal de l’Espace de projection de l’Ircam combine deux
systèmes de pointe en
matière de reproduction du
champ sonore, la WFS et
Ambisonics, permettant
d’expérimenter le véritable
son 3D. Les musiciens,
qui entourent le public,
jouent sous un dôme où
sont « suspendus » quatre
orchestres virtuels, minutieusement
distribués dans
l’espace. De ce ciel, un
poudroiement sonore se
diffuse. Isis & Osiris
de Jacques Lenot.
Avec l’Ensemble
Multilatérale /
Réalisation informatique
musicale Ircam/
Serge Lemouton
Jean-Marc Chapoulie, artiste, fait partie de ceux qui
interrogent le cinéma. Pour son « solo show », il partage sa
cuisine théorique avec l’écrivain Thomas Clerc. Cette
performance réalisée avec le musicien André Minvielle
est le théâtre d’événements imprévus. Le spectateur, la
table de mixage, l’écran coexistent sur la même scène.
Nous voilà plongés dans le présent de l’expérience,
moment où le sujet-spectateur fait l’expérience de l’objet-image.
N’essayons pas de tout comprendre : laissons
le sensible s’épanouir et fasciner, éprouver, du fond de
notre chair, la chair de l’image.

Group Show :
Meggie Schneider
et Simon Fravega
Group Show :
Meggie Schneider
et Simon Fravega.
Solo Show : Baden
Pailthorpe.
Group Show : Meggie
Schneider et Simon Fravega
Exposer l’architecture /
Colloque international
« Le laboratoire
des matériaux »
(6-12 ans, enfant seul)
« Un animal, des animaux »
(3-5 ans, en famille)
Michelangelo Pistoletto
et ses doubles
Exposition « Le Surréalisme
et l’objet »
Solo Show :
Hélèna Villovitch
Exposer l’architecture /
Colloque international
Modernités plurielles (2).
La modernité et ses sources.
Cycle de 6 séances,
sur inscription.
Solo Show :
Baden Pailthorpe
Solo Show :
Ariane Michel
Conférence sur canapé. Assise sur un sofa au pied de
l’écran de projection, Hélèna Villovitch fait défiler des
images : photos de famille, dessins, croquis, et surtout des
sofas : sujet de recherche, titre de sa prochaine comédie,
c’est aussi l’objet-sujet révélateur de la complexité des
relations familiales. La cinéaste-écrivain associe les
idées avec humour. Placé au cœur du public, un projecteur
Super 8 diffuse des extraits de films de l’auteur, des
acteurs de ses films passés et futurs interviennent en
direct. Son cinéma se plie, se déplie, se déploie à l’infini.

Exposer l’architecture : espace discursif, espace scénographique. Ce colloque international se propose de réfléchir
aux conditions à la fois historiques et théoriques de l’exposition de l’architecture dans les musées modernes. Il réunit
commissaires d’exposition, universitaires et architectes. Avec Barry Bergdoll (Columbia University, New York) ;
Marie-Ange Brayer
(les Turbulences-FRAC
Centre) ; Pierre Chabard,
(ENSA Paris-La Villette) ;
Jean-Louis Cohen
(Institute of Fine Arts,
New York) ; Tina DiCarlo
(Archive of Spatial
Aesthetics and Praxis) ;
Jean-Philippe Garric
(architecte) ; Olivier
Cinqualbre (Mnam/Cci);
Wallis Miller (Université
du Kentucky) ; Felicity
Scott (Columbia
University, New York) ;
et Mirko Zardini (Centre
canadien d’architecture).
Conception scientifique :
Stéphanie Dadour
et Léa-Catherine Szacka
(docteurs en
architecture),
sur une proposition
de Jean-Pierre Criqui
et Romain Lacroix
(Centre Pompidou)
En fondant en 1967 le collectif Zoo, Michelangelo Pistoletto cherche à soustraire de
l’atelier ou de la galerie sa pratique artistique pour l’inscrire dans l’espace public. Alors
qu’il est invité par la galerie L'Attico à Rome en février 1968 pour une exposition personnelle,
l’artiste s’entoure d’une dizaine de jeunes réalisateurs turinois qui réalisent une
série de films performatifs présentés le jour de clôture de l’exposition.
Séance introduite par Dominique Païni (historien d'art et de cinéma, commissaire)

Personnes
déficientes visuelles. Visite de
l’exposition « Le Surréalisme
« Cadavres exquis »
(6-12 ans, en famille)
« Les z’hybrides »
(3-5 ans, en famille)
Solo Show :
François Bonenfant
et Joao Vieira Torres
et l’objet »
Personnes malentendantes.
Visite en lecture labiale dans
l’exposition « Le Surréalisme
Personnes sourdes. Visite
en langue des signes dans
l’exposition « Le Surréalisme
et l’objet »
« Carnet de voyage »
(3-5 ans, en famille)
Group Show :
Performance Simon Fravega
et l’objet »
Group Show :
Meggie Schneider
et Simon Fravega
Dans le cadre de la 6 e Biennale
de quatuors à cordes. Avec
le Quatuor Béla.
Solo Show :
Eléonore Saintagnan
et Grégoire Motte
Balades au musée
Exposition
« Le Surréalisme et l’objet »
Solo Show : Valérie Belin
& I could never be a dancer.
Solo Show :
François Bonenfant
et Joao Vieira Torres
Rencontre avec
Valérie Belin & I could never
be a dancer. Entrée libre,
accueil prioritaire pour
les détenteurs de billets
du spectacle.
Ce samedi, le Centre Pompidou propose aux publics en
situation de handicap des visites adaptées de l’exposition
« Le Surréalisme et l’objet » - visite en langue des
signes française, visite en lecture labiale et visite orale.
Ces activités ont lieu un samedi par mois, dans le musée
ou dans les expositions. Cellule accessibilité :
www.handicap.centrepompidou.fr

Le travail photographique de Valérie Belin se donne à voir « en chair et en corps » dans
une mise en scène issue de sa collaboration avec le duo de chorégraphes I COULD NEVER
BE A DANCER. Le spectateur est invité à découvrir l’humanité des modèles de ses photographies,
dans l’ambiguïté qui fonde la démarche de Belin, entre vivant et inanimé,
entre original et imitation. Le dispositif concentre le regard sur la fabrication des images
où l’humain fait place à l’artifice et révèle la puissance des icônes représentées. En
choisissant de mettre en scène différents sosies de Michael Jackson, la performance se
joue comme une série de portraits du même, une sorte de cirque humain. Elle rend par
ailleurs sensibles les fondements du goût de la photographe pour la culture populaire et
les effets « déréalisants » de la globalisation. http://valeriebelin.com/
http://icouldneverbeadancer.com/
Pour la première fois, en 2013, Valérie Belin prend au Centre Pompidou le « risque de la
scène » dans une collaboration avec I COULD NEVER BE A DANCER, qui se renouvelle
cette année. À l’issue de leur spectacle-performance, Serge Laurent,
chef du service des Spectacles vivants, s’entretiendra avec les artistes.
Group Show :
Meggie Schneider
et Simon Fravega
« Tout commence
par un film… »
(6-12 ans, en famille)
« Mes premiers pas vers l’art »
(3-5 ans, en famille)
Solo Show : Marie Losier
Balades au musée
Solo Show :
Jonathan Caouette
Exposition
« Le Surréalisme et l’objet »
Solo Show : Jonathan
Caouette et Marie Losier

Anthony Ramos est l’un des premiers artistes à utiliser la
vidéo comme outil critique des médias et à examiner les
représentations de la « vérité ». Dans ses œuvres – souvent
méconnues et redécouvertes récemment – Ramos,
artiste afro-américain né de parents capverdiens, a
cherché à combiner l’art et l’activisme, à mettre en avant
Group Show :
Meggie Schneider
et Simon Fravega
Extension du domaine
de la pub. Cycle Cultures
numériques.
Anthony Ramos, Black
and White.
Solo Show :
Shanti Masud
les individus et les communautés marginalisées. L’artiste a collaboré notamment avec Allan Kaprow puis avec Nam
June Paik. Un ensemble de vidéos inédites, restaurées par le célèbre distributeur new-yorkais Electronic Art Intermix,
est projeté ce soir. « Vidéo et après » est un cycle de rencontres avec des artistes et des historiens de l’art
proposant projections, conférences, performances et discussions.

(sans titre) (2000) est la reprise d’une pièce chorégraphique
solo de l’artiste anglo-allemand d’origine indienne,
Tino Sehgal, aujourd’hui internationalement reconnu
pour ses expositions vivantes et immatérielles. Son travail
repose sur la création de situations, de rencontres
entre des individus comme This situation présenté au
Festival d’Avignon 2011, These Associations, créé pour la
Tate Modern à Londres en 2012, ou encore son intervention
à la dernière Biennale de Venise, récemment distinguée
par un Lion d’Or. (sans titre) (2000) a pour projet
d’exposer théâtralement la « danse scénique » du 20 e siècle,
en transposant les pratiques des danseurs et les
visions du corps qui y sont associées dans un ordre esthétique
proche de celui du musée. La transmission de cette
pièce treize ans après sa création à trois interprètes
majeurs, Boris Charmatz, Frank Willens et Andrew Hardwidge,
ouvre de nouvelles perspectives et confirme le
caractère historique de ce solo.
Proche des artistes de la scène romaine dans les années 1960, acteur dans Europe 51 (1951) de Roberto Rossellini, et
ancien assistant de Jean Rouch, Sandro Franchina réalise avec Morire gratis (1968) un road movie singulier dans lequel
Franco, artiste inquiet en
plein désarroi – interprété
le peintre Franco Angeli -
relie Rome à Paris en voiture
pour y livrer une
sculpture de louve dissimulant
de la drogue.
Morire gratis (1968, 87’),
de Sandro Franchina /
Séance introduite
par Antonio Somaini
(professeur,
université Paris 3,
Sorbonne Nouvelle)
Group Show :
Meggie Schneider
et Simon Fravega
« Le laboratoire
des matériaux »
(6-12 ans, enfant seul)
« Voyage sonore
au Centre Pompidou »
(3-5 ans, en famille)
Morire gratis (1968, 87’),
de Sandro Franchina.
Exposition
« Le Surréalisme et l’objet »
Solo Show :
Eléonore Saintagnan
et Grégoire Motte
Tino Sehgal.
(sans titre) (2000)

Group Show :
Meggie Schneider
et Simon Fravega
L’Encyclopédie des guerres
(52 e séance)
Modernités plurielles (3).
La modernité en mouvement.
Cycle de 6 séances,
sur inscription.
Solo Show :
Asdis Sif Gunnarsdottir
Tino Sehgal. (sans titre) (2000)
Chaque mois, depuis septembre 2008, Jean-Yves Jouannais élabore son Encyclopédie
des guerres, un ouvrage en train de s’écrire, séance après séance, durant lesquelles sont
projetés divers types d’illustrations : cartes, photographies, tableaux, extraits de films,
actualités d’époque, dessins animés, vidéos d’artistes, etc. Cette lecture illustrée,
comme une encyclopédie en « pop-up », s’apparente à une performance, chaque entrée
étant commentée en direct, critiquée, réécrite au fur et à mesure. Entrée « Insulter »,
extrait : « L’obscurité se retirait. La canonnade par-dessus Reims commença. On ne
bombardait pas la ville. Les deux positions ennemies, s’étant reconnues, avaient repris
contact. Sous cette voûte de bruit, pendant deux heures nous parcourûmes la ville insultée.
» (Albert Londres, La Grande Guerre, Éditions Arléa, 2010, recueil d’articles pour Le
Matin, entre le 10 septembre 1914 et le 27 janvier 1915).
Group Show :
Meggie Schneider
et Simon Fravega
Solo Show :
Lola Gonzàlez
Tino Sehgal.
(sans titre) (2000)
En novembre 2013, pour son « solo show », Isabelle Prim capte les premières images de son prochain film à la Comédie
de Reims. Synopsis : le 28 décembre 1897 a lieu la première triomphale de Cyrano de Bergerac. Le soir même, le souffleur
est retrouvé mort dans sa boîte. Est-ce parce qu’il est le véritable auteur de la pièce Sur scène, le comédien
Laurent Poitrenaux conte toute cette mascarade grâce à des images d’archives et de fiction. Il prête ses mots aux personnages
muets de l’écran, leur tend des costumes de parade. Comment raconter ce qui l’a déjà été tant et tant de fois,
avec un souffle nouveau C’est ce pari que tient la réalisatrice.

Group Show :
Meggie Schneider
Group Show :
Performance Simon Fravega
Group Show :
Meggie Schneider
« Mes premiers pas vers l’art »
et Simon Fravega
et Simon Fravega
(3-5 ans, en famille)
« Cadavres exquis »
(6-12 ans, en famille)
Solo Show :
Isabelle Prim,
L’affaire Cyrano, 90’
Ismaël de la
Serna, Europe, vers 1935. Par
Philippe Dagen.
Solo Show : Isabelle Prim
« Les z’hybrides »
(3-5 ans, en famille)
« Méli-mélodies »
(3-5 ans, en famille)
Group Show :
Ivan Argote et Pauline Bastard.
Out Show :
Prix Hors Pistes Circuito Off
Balades au musée
Exposition « Le Surréalisme
et l’objet »
Balades au musée
Solo Show : Isabelle Prim
Exposition
« Le Surréalisme et l’objet »
Solo Show : Isabelle Prim
Solo Show :
Dorothée Smith.
En écho à l’accrochage du musée « Modernités plurielles » . Avec ce tableau
peint durant les années noires qui précèdent la guerre civile espagnole en 1934 et 1935,
Ismaël de la Serna montre une vision dramatique de l’Europe. Dans la lignée du Greco et
des artistes prophétiques, ce peintre originaire de Grenade livre ici une représentation
hallucinée et fantastique d’une humanité asservie, guettée par le désastre et la mort.
Par Philippe Dagen, historien et critique d’art, professeur d’histoire de l’art,
Université Paris 1 – Panthéon Sorbonne.

1914 –
1924 : Guerres et révolutions.
Cycle Lire le monde
Cycle Lire le Monde. 1914-2014 : la Grande Guerre a cent ans. Les éditions Autrement posent un regard élargi, ambitieux
sur son histoire et son contexte, en proposant une collection originale de textes de l’époque. De Trotski à Romain
Rolland, de T. E. Lawrence à Charles de Gaulle, le public est invité à redécouvrir leurs œuvres, notamment à travers le
regard contemporain des préfaciers : Rémy Porte, Philippe Dagen ou Alain Krivine.
Artiste autodidacte, Mario Schifano (1934-1998) développe
une œuvre pluridisciplinaire d’influence pop où les
codes esthétiques publicitaires se confondent avec les
enjeux sociopolitiques de son époque. Réceptif à l’idée
que le film lui permettrait d’outrepasser les limites rencontrées
en peinture, l’artiste romain réalise dans les
années 1960 une série de courts métrages en 16mm dans
lesquels transparaissent les références au cinéma underground
américain, en particulier celui d’Andy Warhol.

Si avec SACRE, David Wampach s’attaque à la pièce
emblématique d’Igor Stravinsky, pierre angulaire de
l’histoire de la danse moderne, c’est pour mieux la réduire
à l’état de duo, et explorer ses dimensions d’extase et
d’ivresse. Des bribes narratives évoquent bien ça et là les
tenants mystiques du Sacre originel, mais le chorégraphe
se concentre sur la tension entre les corps et l’espace.
Ainsi, deux personnages arpentent, éructant, un espace
nu et froid. Le halètement qui soulève leurs corps confine
à la performance respiratoire et devient musique. La partition
est ainsi radicalement évacuée. Du mythique Sacre
« Le laboratoire des
matériaux » (6-12 ans, enfant
seul)
« Un animal, des animaux »
(3-5 ans, en famille)
Mario Schifano en 16mm
Les enjeux de la littérature.
Séance inaugurale.
En partenariat avec
la Maison des écrivains et de la
littérature.
Exposition « Le Surréalisme
et l’objet »
David Wampach. SACRE
du printemps restent le rythme effréné, le crescendo, jusqu’au coup de grâce final qui n’est pas le classique sacrifice
de l’élue. Fascinante d’inventivité et de rage, une relecture au parti pris esthétique singulier.
http://www.davidwampach.eu/

À l’heure où le travail est au cœur des débats qui agitent la société contemporaine, le bureau est devenu l’un des décors
de prédilection d’une nouvelle génération d’artistes. À travers la vidéo, ces derniers s’approprient les règles, le jargon
et les codes vestimentaires de l’entreprise, réinterprétant ses interactions sociales afin d’en décrypter les mécanismes.
Lors de cette séance, certains des films présentés adoptent un point de vue extérieur et une esthétique glacée,
deviennent un espace cathartique pour un grand nombre de fantasmes. D’autres œuvres s’affirment par leur regard
subjectif et explorent l’expérience vécue dans l’entreprise, avec humour, cynisme ou dérision. Avec : Josh Kline
(États-Unis), Julika Rudelius (Allemagne), Pilvi Takala (Finlande), Andrew Norman Wilson (États-Unis).
Programmation en cours / « Prospectif cinéma » est un rendez-vous mensuel qui met en lumière la production
cinématographique d’artistes de la jeune génération française et internationale.

Tous éditeurs
Modernités plurielles (4).
L’art et la réalité. Cycle
de 6 séances, sur inscription.
La vie
de bureau, une proposition
de Julie Boukobza.
David Wampach. SACRE
À l’occasion de la rétrospective que lui consacre le
musée des Arts décoratifs, Philippe Apeloig revient sur
trente années de création graphique. Tout commence
avec une formation de graphisme à l’École Duperré,
puis à l’Ensad. Apeloig est ensuite stagiaire chez Total
Design à Amsterdam, une agence avant-gardiste fondée
par Wim Crouwel. En 1988, il rejoint April Greiman,
l’une des têtes de file du design californien new wave. À
son retour en France, il crée son propre studio et enseigne
à l’Ensad. De 1998 à 2003, il installe son atelier à
New York et enseigne à la Cooper Union School of Art. Il
poursuit aujourd’hui son travail à Paris.
Technologies de traitement
de la voix. Avec Xavier Rodet,
Gérard Corbiau
Philippe Apeloig
David Wampach. SACRE
La Semaine du Son sensibilise le public et tous les acteurs de la société à l’importance
des sons et de la qualité de notre environnement sonore. L’édition 2014 propose un état
de l’art des recherches dans le domaine du traitement de la voix pour la création musicale
et la production sonore (cinéma, théâtre, jeu vidéo) : conversion de locuteur, modification
de l’expressivité, synthèse à partir de texte, casting vocal, synthèse de chœurs
virtuels, etc. Un débat, associant Xavier Rodet, responsable de recherche à l’Ircam et
Gérard Corbiau, réalisateur du film Farinelli : il castrato, retrace, vingt ans après, la
genèse du projet de recherche destiné à faire revivre la voix de l’illustre castrat.
Gratuit, sur réservation : www.lasemaineduson.org
Les outils numériques ont d’abord bouleversé les façons
de travailler des éditeurs, avant de modifier en profondeur
les usages des lecteurs et de brouiller les rôles des
acteurs de la chaîne de l’édition. Lors de cette séance, le
Centre Pompidou présente un travail prospectif et pratique
réalisé avec Wikimédia France dans le cadre de
leur partenariat. Parole sera ensuite donnée à trois
experts au cours d’une table ronde abordant le sujet de
façon plus large.
Voir www.centrepompidou.fr

Pourquoi l’objet quotidien s’est-il trouvé au cœur de la pratique artistique et des réflexions du surréalisme des années
1930 Rassemblant une sélection exceptionnelle de sculptures des plus importantes figures du mouvement, André
Masson, Joan Miró, Jean Arp, Hans Bellmer, Alexander Calder, Salvador Dalí, Marcel Duchamp, Man Ray, Claude
Cahun…, du premier ready-made de Marcel Duchamp aux sculptures de Miró de la fin des années 1960, l’exposition
« Le surréalisme et l’objet » retrace cette histoire et ses enjeux. Lors de sa fondation par André Breton en 1924, le surréalisme
affirmait un dépassement, une réinvention du réel, en appelait aux puissances du rêve et de l’inconscient.
Après l’adhésion des membres les plus éminents du groupe au communisme, leur conversion au « matérialisme dialectique
» les invite à réhabiliter le réel. L’objet s’impose comme l’agent de ce dialogue avec la réalité.

« Cadavres exquis »
(6-12 ans, en famille)
« Les z’hybrides »
(3-5 ans, en famille)
« En rimes et en couleurs »
(3-5 ans, en famille)
Balades au musée
Exposition
« Le Surréalisme et l’objet »
Guitares. Concert de musique
classique par le quatuor
Éclisses
Georges Yakoulov, Sulky, 1919.
Par Jean-Claude Marcadé.
« Impromptu » (accueil continu,
tout public, en famille)
« Premiers
dimanches au Musée »
Exposition « Le Surréalisme
et l’objet »
Luigi Snozzi
Blanchité, racisme, média.
Cycle Lire le monde.
Inspiré par le rationalisme du Mouvement moderne,
Luigi Snozzi est un architecte convaincu de la complémentarité
entre pensée politique et pensée architecturale.
L’écriture, la conférence ou la polémique appartiennent
à sa pratique au même titre que la conception
d’un projet. Snozzi est une figure majeure de l’architecture
suisse et il collabore avec Livio Vacchini, Bruno
Jenni et ponctuellement avec Tita Carloni, Mario Botta,
Aurelio Galfetti. Conférence de Luigi Snozzi.
En coproduction avec le Centre culturel suisse, Paris
En écho à l’accrochage du musée « Modernités plurielles » . Avec le décor du
Café pittoresque à Moscou en 1917-1918, le peintre et philosophe de l’art russo-arménien
Georges Yakoulov a été un des précurseurs du constructivisme soviétique apparu
en 1921-1922. En 1927, il travaillera sur le ballet Pas d’acier de Prokofiev pour les Ballets
russes. Ami du poète Essénine, il exécute pour le Café des poètes, rendez-vous des imaginistes,
L’Étable de Pégase, deux panneaux sur contreplaqué, dont Sulky. Inspiré par
l’art chinois, Yakoulov propose ici une réponse cubo-futuriste qui se distingue de la
démultiplication du mouvement chez les futuristes italiens.
Par Jean-Claude Marcadé, historien et critique d’art.
Une formation singulière et encore méconnue : les jeunes
guitaristes du quatuor Éclisses. Du tango argentin à
l’opéra italien, de la musique baroque aux pièces contemporaines,
ce concert au programme varié et original permet
au public de les découvrir. Voir www.bpi.fr

« Le laboratoire
des matériaux »
(6-12 ans, enfant seul)
« Voyage sonore
au Centre Pompidou »
(3-5 ans, en famille)
Design au banc n°21
L’école de Rome
Exposition
« Le Surréalisme et l’objet »
Une tribune qui passe en revue les dernières productions
du design contemporain. Un vrai débat contradictoire
entre journalistes, professionnels et universitaires pour
donner au public toute l’information autour de l’actualité
du design (objet, aménagement intérieur, ouvrage, exposition,
salon professionnel, diffusion, etc.).
En coproduction avec le VIA (Valorisation
de l'innovation dans l'ameublement).
Rome est, dans les années 1960, le lieu où se rencontrent les artistes néo-avant-gardistes
italiens et étrangers et où se fonde une communauté artistique en même temps qu'un
terrain d’expérimentation commun où les médiums se mêlent. Réunis au sein de la Coopérative
du cinéma indépendant, artistes, cinéastes et amateurs d’horizons différents se
font les promoteurs d’une nouvelle esthétique cinématographique comme celle du peintre
Luca Patella ; ou encore d’Alfredo Leonardi, porte-parole des cinéastes indépendants,
qui convoque pour son film le poète Nanni Balestrini et l’artiste Pino Pascali ; et
enfin celle du couple Lajolo-Lombardi où la rigueur de l’engagement politique vient
mettre en crise le vitalisme de la contre-culture.
Séance introduite par Bruno Di Marino (historien de l'image en mouvement)

Modernités plurielles (5).
Une modernité politique
Cycle de 6 séances,
sur inscription.
Roman Signer
Se déroulant dans la nature ou dans le cadre domestique, les performances réalisées par
Roman Signer depuis une quarantaine d’années utilisent les lois physiques régissant les
phénomènes naturels. L’artiste recrée, au sein de mises en scène minutieusement préparées,
l’affrontement des énergies. Le caractère incongru et imprévisible des situations
proposées s’inscrit avec ironie et poésie, légèreté et gravité, dans un procédé narratif
de l’état transitionnel de la matière. Photographies, vidéos ou installations en
témoignent et restituent la trace de l’action ou le dispositif préparatoire. Ce soir, Roman
Signer présente une sélection de ses œuvres ainsi qu’une performance.
« In Vivo » se consacre à la performance à travers l’intervention d’un artiste présent
dans les collections contemporaines invité à s’exprimer sur son travail
et/ou à montrer une performance.

Personnes déficientes
visuelles. Visite des collections
du musée « Modernités
plurielles »
Personnes
malentendantes. Visite en
lecture labiale des collections
du musée « Modernités
plurielles »
« Cadavres exquis »
(6-12 ans, en famille)
Personnes
sourdes. Visite en langue
des signes des collections
du musée « Modernités
plurielles »
« Les z’hybrides » (3-5 ans,
en famille)
« Méli-mélodies » (3-5 ans,
en famille)
Balades au musée
Exposition « Le Surréalisme
et l’objet »
Gianfranco Baruchello.
Les Aveugles, d’après
Maurice Maeterlinck, création.
Cette exposition-atelier consacrée à l’univers de Frida
Kahlo propose aux enfants de 5 à 10 ans et à leurs familles
un voyage dans l’œuvre et la vie de l’artiste mexicaine. À
travers ses autoportraits, les enfants sont invités à aborder
les notions d’identités et de cultures, ainsi que les
sources d’inspiration de l’artiste… Une série de dispositifs
place les enfants en situation de manipulation, de
création, de recherche, d’observation…
En écho à l’exposition « Le Surréalisme et l’objet » (voir p 6). La Boîte alerte constitue le catalogue-objet de l’Exposition
inteRnatiOnale du Surréalisme (EROS), événement organisé par André Breton et Marcel Duchamp à la galerie
Daniel Cordier en 1960. Dans cette boîte en carton de couleur verte conçue par Duchamp et réalisée par Mimi Parent se
trouve le catalogue proprement dit, augmenté d’un lexique de l’érotisme et de divers objets. Dans sa préface, Breton
précise la conception surréaliste de l’érotisme : « Qui se flattera de braver à la fois, sans sourciller, le préjugé et l’interdit
se trouvera hors d’état de traiter de l’érotisme, dont il aura méconnu, à travers sa propre conscience, le besoin fondamental
de transgression. » Par Jean-Michel Goutier, écrivain.

Marcel Duchamp /
Mimi Parent,
La Boîte alerte
(Missives lascives), 1959-1960.
Par Jean-Michel Goutier.
« Tout commence
par un film… »
(6-12 ans, en famille)
« Mes premiers pas vers l’art »
(3-5 ans, en famille)
Les Aveugles,
d’après Maurice Maeterlinck,
création.
Balades au musée
Exposition
« Le Surréalisme et l’objet »
En 1975, le Centre d’animation culturelle de Montbéliard
invite Armand Gatti à créer une œuvre en collaboration
avec la population de la ville. Armand Gatti observe ainsi
Montbéliard, deuxième ville de France au regard de la
concentration ouvrière autour de Peugeot et de l’industrie
automobile. La ville hébergeait alors près de 10 000 travailleurs
migrants et leurs familles pour une population
de 35 000 habitants. L’hypothèse première : « un film, le vôtre » - ou l’histoire d’une ville
racontée par ses habitants - devient une histoire des habitants dont le point commun est
l’exil. Séance présentée par Hélène Fleckinger (maitresse de conférences
en cinéma, Paris 8), avec la participation d’Armand Gatti (sous réserve) et
de Stéphane Gatti et Hélène Châtelain (La Parole Errante) / Dans le cadre du Labex
Arts-H2H « Cinéma/vidéo, art et politique en France depuis 1968 : dispositifs,
archives, numérique ». Entrée libre dans la limite des places disponibles.
Le métissage.
Cycle Le multiculturalisme
en questions.
Avec Emmanuel Alloa.
Armand Gatti, le lion,
sa cage et ses ailes.

Dix ans après la disparition
du photographe Henri
Cartier-Bresson, le Centre
Pompidou consacre à son
œuvre une première
grande rétrospective. Elle
propose une relecture des
principaux événements et
des questions de société du
20 e siècle à travers le
regard de celui que l’on
surnomme « l’œil du siècle
» : du surréalisme à la
guerre froide, en passant
par les congés payés et la
guerre d’Espagne, la
Seconde Guerre mondiale
et la décolonisation. Au
travers de plus de trois cent
cinquante tirages, films et
documents d’archives, la
manifestation met en
lumière, aux côtés des
images les plus célèbres de
l’artiste, des pans moins
connus de son œuvre : son
engagement politique, son
travail de fond sur la
société de la seconde moitié
du siècle, mais aussi
son regard plus intimiste,
passionné de peinture et de
dessin.

« Le laboratoire des
matériaux » (6-12 ans, enfant
seul)
« Un animal, des animaux »
(3-5 ans, en famille)
Cycle Imaginaire des villes
– Regards de cinéastes
et d’artistes sur la
Henri Atlan,
entre science et sagesse.
L’école de Turin.
Exposition « Le Surréalisme
et l’objet »
Les Aveugles, d’après
Maurice Maeterlinck, création.
ville. En 1944, le centre du Havre est détruit sous les bombardements
en quelques jours. Dès 1948, une équipe d’architectes
et d’urbanistes dirigée par Auguste Perret
entreprend de reconstruire la ville. À quoi pense l’architecte
devant un champ de ruines Qu’est-ce qu’une ville
« idéale » Projection suivie d’une rencontre avec la réalisatrice
et Jean Rolin, écrivain. Je vous écris du Havre
(2011, 52’), de Françoise Poulin-Jacob / Entrée libre /
À Turin, dans les années 1960, se rencontrent et s’affrontent
« Travail et Capital ». La ville est un laboratoire où,
aux spectacles du Living Theater et aux projections du
New American Cinema, militants politiques, tenants de la
grande bourgeoisie, et artistes iconoclastes s’asseoient
côte à côte. Tonino De Bernardi élargit la vision du film en
démultipliant les écrans, Ugo Nespolo alterne films,
peinture et installation et Pia Epremiam s’affirme en
véritable « femme à la caméra » de l’avant-garde italienne.
Séance introduite par Sergio Toffetti (historien
du cinéma et conservateur) et Tonino De Bernardi
(cinéaste).
L’Encyclopédie des guerres
(53 e séance)
Modernités plurielles (6).
En quête d’universalité.
Cycle de 6 séances,
sur inscription.
Entrée « Intonation », extrait : « Commandement à la
voix. Règles d’intonation. Le ton du commandement doit
être animé, distinct et d’une étendue de voix proportionnée
à la troupe que l’on commande. On prononce le commandement
d’avertissement : Garde à vous, dans le haut
de la voix, en appuyant sur la première syllabe, en soutenant
la voix pour attaquer les deux suivantes, et en prolongeant
plus ou moins sur la dernière tout en laissant
baisser la voix. Les commandements préparatoires ne
doivent pas être entamés trop haut dans la voix, parce
qu’il faut ensuite pouvoir monter pour le commandement
d’exécution. » Manuel du gradé de l’artillerie, Librairie
militaire Henri Charles-Lavauzelle & Cie, 53 e édition,
1923, « Bases générales de l’instruction », p 11.
Le Havre.
Je vous écris du Havre (2011,
52’), de Françoise Poulin-
Jacob. Cycle Imaginaire des
villes – Regards de cinéastes
et d’artistes sur la ville.
Les Aveugles, d’après
Maurice Maeterlinck, création.

Mathilde Monnier. Soapéra,
une installation.
Soapéra, une installation
est une nouvelle version de
la pièce chorégraphique
Soapéra que la chorégraphe
Mathilde Monnier et le
peintre Dominique Figarella
avaient créée en 2009.
Les deux artistes poursuivent
leur collaboration en
proposant une adaptation
plastique et performative
dédiée à l’espace d’exposition
où le spectateur est
au cœur du dispositif.
Mathilde Monnier et
Dominique Figarella imaginent
une transposition
d’un matériau, la mousse,
qu’ils placent au cœur de
l’espace. Le spectateur est
convié autour d’une œuvre
éphémère et en évolution.
Ce face à face modifie sa
place et son regard, l’invite
à adopter une nouvelle
posture. Les formes qui
surgissent sont manipulées
en direct, avant de
disparaître…
« TDT » Tremplin des talents
(Accueil continu, 13-16 ans)
« En quête
de fantômes » (6-12 ans,
en famille)
Exposition « Henri
Cartier-Bresson »
Mathilde Monnier.
Soapéra, une installation.
Balades au musée
« Fantôme-art »
(3-5 ans, en famille)
« Carnet de voyage »
(3-5 ans, en famille)
Exposition
« Le Surréalisme et l’objet »
Gianfranco Baruchello
Mathilde Monnier.
Soapéra, une installation.
Les Aveugles, d’après
Maurice Maeterlinck, création.

« TDT » Tremplin des talents.
(Accueil continu, 13-16 ans)
« En quête
de fantômes » (6-12 ans,
en famille)
Pendant les vacances de février, le Studio 13/16 lance la première édition du « TDT »
(Tremplin des talents) et offre une scène de choix aux ados passionnés et talentueux.
Créatifs, scientifiques, sportifs, « modeux »… différentes
tribus investissent les lieux pour partager leurs talents et
communiquer leurs expertises. Acteurs ou spectateurs de
ce premier tremplin, les jeunes à partir de treize ans sont
invités à rencontrer des artistes et des personnalités
reconnus dans leur domaine.
Exposition
« Henri Cartier-Bresson »
Les Aveugles, d’après
Maurice Maeterlinck,
création.
Le Centre Pompidou consacre une exposition à la donation
d’œuvres sur papier généreusement consentie par
Florence et Daniel Guerlain au Centre Pompidou. Cette
collection de référence pour le dessin contemporain rassemble
plus de deux cents artistes d’une trentaine de
nationalités différentes. Dans les salles reconfigurées de
la galerie d’art graphique et de la galerie du musée, réunies
pour l’occasion, cette présentation inédite montre
quelque 460 dessins choisis parmi l’ensemble de 1 200
œuvres que compte cette donation. L’exposition est
conçue autour des œuvres des quinze artistes nominés
pour les cinq premiers prix de dessin de la fondation d’art
contemporain Daniel et Florence Guerlain, initié par le
couple de collectionneurs dès 2006.
« Fantôme-art » (3-5 ans,
en famille)
Balades au musée
Exposition « Le Surréalisme
et l’objet »
« TDT » Tremplin des talents.
(Accueil continu, 13-16 ans)
« En quête
de fantômes » (6-12 ans, enfant
seul)
« Fantôme-art » (3-5 ans,
en famille)
Cycle Lire
le monde.

Durant trois semaines, le Centre Pompidou présente son nouveau festival : du Forum -1 au Forum, des salles de spectacles
à l’Espace 315 et à la Galerie sud, cette cinquième édition offre au visiteur un foisonnement de propositions :
expositions, conférences, rencontres, performances et spectacles, et autant d’expériences inattendues, autour du
thème de l’oubli, de la
mémoire, de la réminiscence.
Se souvenir avec
Ryan Gander de l’exposition
de Pierre Huyghe,
venir à la rencontre de la
danse exposée de Xavier
Le Roy, renouer avec l’expérience
Furkart, emprunter
« Le Train fantôme » de
Charles de Meaux, assister
aux conférences autour
des œuvres de la collection
du Centre Pompidou exposées
en Galerie sud, suivre
les entretiens de Vidéodanse,
écouter Jacques
Aumont nous éclairer sur
l’oubli ! Venir et revenir au
Centre Pompidou pendant
ce nouveau festival,
moment de création en
libre accès pour toutes
celles et tous ceux qui,
pour paraphraser Marcel
Duchamp, savent que
« l’œuvre d’art est un rendez-vous
».
Le cycle « Éblouis par l’oubli » propose une première rencontre avec l’artiste mexicain Mario Garcia Torres dont le
travail est irrigué par l’idée de disparition et d’effacement. Agissant tel un détective, Garcia Torres conduit des enquêtes
sur des œuvres de Robert Barry, Michael Asher, John Baldessari, Alighiero Boetti, Daniel Buren ou encore Ed
Ruscha. L’art conceptuel se réinvente ainsi en parcourant sa propre histoire.
Conversation entre Mario Garcia Torres et Michel Gauthier.

« Allégories d’oubli » /
« Rétrospective » par Xavier
Le Roy / « Le Train fantôme »
de Charles de Meaux /
Vidéodanse : « Oublier
la danse ».
« TDT » Tremplin des talents
(Accueil continu, 13-16 ans)
« En quête
de fantômes » (6-12 ans, enfant
seul)
Rencontre autour de
Marcel Duchamp, par Bernard
Blistène.
Artiste inclassable, cinéaste, voyageur, producteur, Charles de Meaux a défriché le premier,
au milieu des années 1990, un territoire aux confins du cinéma et de l’art contemporain.
On connaît ses longs métrages, Le Pont du trieur, Shimkent Hotel, Stretch, et ses
installations spectaculaires. En parallèle à son Train fantôme, présenté au Forum -1,
Charles de Meaux propose « La face B », une sélection des films les plus rares des artistes
qu’il a accompagnés : Dominique Gonzalez-Foerster, Apichatpong Weerasethakul,
Melvil Poupaud, Lawrence Weiner. Une « face B » subjective, en référence aux « B sides
and rareties », trésors oubliés des vinyls américains des années 1950.
Soirée d’ouverture, projection surprise, présentée par Charles de Meaux.
« Fantôme-art »
(3-5 ans, en famille)
Performance
de Mark Geffriaud
« Le Sacre du printemps ».
Rencontre avec Dominique
Brun, Xavier Le Roy, Raimund
Hoghe, suivie d’une projection.
Conversation entre
Mario Garcia Torres et Michel
Gauthier.
Home Movie, le « Je »
à la caméra.
Exposition « Le Surréalisme
et l’objet »
Soirée d’ouverture présentée
par Charles de Meaux.
Performance
de Jeremiah Day.
Chorégraphie mythique de Vaslav Nijinski sur une musique d’Igor Stravinsky, Le Sacre
du printemps est une œuvre de répertoire. Ayant fait l’objet, depuis sa création en 1913,
de nombreuses interprétations, il ne reste pourtant rien du Sacre d’origine. Cas exemplaire
d’une œuvre chorégraphique dont la mémoire originelle n’a pas été conservée, mais qui n’est cependant pas
tombée dans l’oubli, cette journée consacrée au Sacre est un moyen de réunir les travaux de cinq chorégraphes (Pina
Bausch, Dominique Brun, Carlotta Ikeda, Xavier Le Roy, Raimund Hoghe) qui en ont chacun proposé une lecture très
différente. Rencontre avec les chorégraphes Dominique Brun, Raimund Hoghe et Xavier Le Roy

« Allégories d’oubli » /
« Rétrospective »
par Xavier Le Roy /
« Le Train fantôme »
de Charles de Meaux /
Vidéodanse : « Oublier
la danse ».
« TDT » Tremplin des talents
(Accueil continu, 13-16 ans)
« En quête
de fantômes » (6-12 ans, enfant
seul)
Rencontre avec Jeremiah Day
et Alain Cueff.
Giszelle est une série de séquences dansées où apparaissent
des figures en mouvements facilement identifiables
et hautement symboliques de notre culture occidentale.
L’interprétation de ces séquences s’opère dans une
transposition calquée sur des procédés propres au montage
cinématographique (accélération, ralenti, image par
image…). Dans un second temps, pour « La face B de Giszelle
», Xavier Le Roy choisit de montrer l’envers du décor
du processus de création, en présentant les séquences qui
n’ont pas été retenues pour créer la chorégraphie.
Conception et chorégraphie : Xavier Le Roy et Eszter
Salamon / Interprétation : Salka Ardal Rosengren.
http://www.xavierleroy.com
« Fantôme-art »
(3-5 ans, en famille)
« Jennifer Lacey ».
Rencontre avec Jennifer Lacey
et Isabelle Launay,
suivie d’une projection.
« La Palette des oublis ».
Conférence
de Simon-Daniel Kipman
Performance de
Jeremiah Day
Parc Central (2006, 50’),
de Dominique Gonzalez-
Foerster, précédé d’Antarctica
(2005, 2’30), de Pierre Huyghe.
Séance présentée
par Dominique Gonzalez-
Foerster (sous réserve)
et Charles de Meaux.
Xavier Le Roy.
Giszelle.
En 1997, Charles de Meaux, Pierre Huyghe, Philippe Parreno, accompagnés par Xavier Douroux et Franck Gautherot,
rejoints par Dominique Gonzalez-Foerster, fondent une structure de production unique, Anna Sanders films. Cette
entité, réelle ou imaginaire, ferait le lien entre les œuvres et ceux qui les développent, défrichant le territoire alors
vacant du croisement entre cinéma et art contemporain pour faire éclore une conception radicalement neuve de
l’image en mouvement. Dominique Gonzalez-Foerster réalise en 2005 Parc Central, film composé de onze séquences
tournées entre Kyoto, Buenos Aires, Shanghai ou Rio. Parc Central de Dominique Gonzalez-Foerster (2006, 50’)
est précédé d’Antarctica de Pierre Huyghe (2005, 2’30). Séance présentée par Dominique Gonzalez-Foerster
(sous réserve) et Charles de Meaux. Gratuit

« Rétrospective » est une exposition conçue comme une chorégraphie d’actions, de gestes et de paroles. Une vingtaine
d’interprètes s’approprient des éléments de dix années de solos de Xavier Le Roy créés entre 1994 et 2010, pour les
transposer dans une mise en jeu des conventions de temps et d’espace d’une exposition. Plus que de retracer la carrière
du chorégraphe et danseur, « Rétrospective » tisse un nouveau rapport entre des extraits d’œuvres, des visiteurs/spectateurs
et des interprètes. Ce spectacle montre l’inscription du temps dans les œuvres et dans le regard du spectateur,
et tente d’inventer un temps, le nôtre, où plusieurs temporalités cohabitent. http://www.xavierleroy.com
Gratuit
« À l’heure où l’on ne parle que de mémoire, collective ou individuelle, de commémoration et de célébration, quelles sont
les forces positives de vies, de lien, de contact, propres à l’oubli. » S.-D. K. Conférence de Simon-Daniel Kipman,
psychiatre, psychanalyste, président de l'Observatoire francophone de la médecine de la personne.

Acteur depuis l’âge de dix ans, découvert par Raoul Ruiz
qui lui a offert son premier rôle, Melvil Poupaud est
aujourd’hui l’un des acteurs les plus passionnants de sa
génération. Lié par une amitié et une complicité cinématographique
avec Charles de Meaux, il est à nouveau à
l’affiche du prochain long métrage du cinéaste, tourné en Chine en 2013. Poupaud a très
tôt expérimenté le cinéma de l’autre côté de la caméra et réalisé durant son adolescence
une matière filmique qui documente son existence. « Melvil » est le nom d’un personnage
qui évolue entre cinéma et réalité à la recherche d’une famille, d’une place à prendre,
d’un rôle à jouer. Le film raconte sa trajectoire à travers trois aventures - « Le Fils », « Le
Recours », « Le Cinéma » - trois genres de cinéma, trois types d’incarnation.
Melvil (2006, 66’, inédit) de Melvil Poupaud /
Séance présentée, sous réserve, par Melvil Poupaud.
« Allégories d’oubli » /
« Rétrospective » par Xavier
Le Roy / « Le Train fantôme »
de Charles de Meaux /
Vidéodanse : « Oublier
la danse ».
Nanni Moretti fait de l’amnésie passagère de son personnage une table rase pour repenser
le communisme en Italie à la fin des années 1980. Il en profite pour chercher de nouvelles
formes burlesques et réinventer le geste politique et sportif du poing tendu. Un
cycle conçu par Jacques Aumont. Conférence d’Alain Bergala (critique et essayiste),
suivie de la projection de Palombella rossa (1989, 89’) de Nanni Moretti.
« TDT » Tremplin des talents
(Accueil continu, 13-16 ans)
« En quête
de fantômes » (6-12 ans, enfant
seul)
Rencontre avec Manuel Pelmus
et Alexandra Pirici
« Fantôme-art » (3-5 ans,
en famille)
« Les Carnets Bagouet ».
Rencontre
avec Olivia Grandville,
suivie d’une projection.
Rencontre
avec Didier Rittener
Atlantiques (2010, 16’) et Mille
soleils (2013, 45’), de Mati Diop.
Séance présentée
par Mati Diop (sous réserve).
Xavier Le Roy. Giszelle

« Allégories d’oubli » /
« Rétrospective »
par Xavier Le Roy /
« Le Train fantôme »
de Charles de Meaux /
Vidéodanse : « Oublier
la danse ».
« TDT » Tremplin des talents
(Accueil continu, 13-16 ans)
« Palombella Rossa
ou l’amnésie communiste ».
Conférence d’Alain Bergala,
suivie de la projection
de Palombella rossa (1989, 89’)
de Nanni Moretti.
« En quête de fantômes »
(6-12 ans, enfant seul)
Exposition « Henri Cartier-
Bresson »
« Les Carnets Bagouet ».
Rencontre avec
Catherine Legrand,
suivie d’une projection.
« Fantôme-art » (3-5 ans,
en famille)
Balades au musée
Exposition
« Le Surréalisme et l’objet »
« Expérience Furkart ».
Table ronde en présence
de Daniel Buren,
Max Wechsler,
Jean-Paul Felley
& Olivier Kaeser,
Stefan Sulzer…
Melvil (2006, 66’, inédit),
de Melvil Poupaud.
Créée en 1990 par Dominique Bagouet sur Strange Days, le mythique album des Doors, Jours étranges, est une évocation
de la fragilité et de la complexité de l’adolescence. Vingt ans plus tard, les chorégraphes Catherine Legrand et Anne-
Karine Lescop ont transmis la chorégraphie à onze adolescents dont la magnifique énergie et la présence donnent à
Jours étranges une éternelle fraîcheur. Rencontre avec Catherine Legrand, chorégraphe et interprète.

La démarche de Xavier Le Roy interroge en permanence ce qui constitue les contours et la singularité des êtres. Solo
quasi inaugural de son répertoire, créé en 1998, Self Unfinished scrute les situations qui peuvent transformer le corps
humain. Est-il capable de devenir autre : machine, animal, étrange objet non identifié Ce spectacle désopilant engendre
la confusion dans le public : où commence et où se termine le corps Où est l’avant, l’arrière, le dessus, le dessous
Il explore le visible, régime spécifique d’expression et de perception, pour mieux nous perturber : voyons-nous réellement
ce que nous voyons Conception et interprétation : Xavier Le Roy / http://www.xavierleroy.com/
Peut-on, quand on s’élève jusqu’à une « place au soleil », oublier d’où l’on vient, et ce qu’il a fallu accomplir de dérangeant
pour cela George, le héros du film, s’acharne à repartir de zéro chaque fois qu’il fait une rencontre décisive,
mais le passé revient sans cesse… Les sentiments ne se laissent pas oublier si aisément : or le cinéma est le médium
par excellence du mode sentimental. Laurent Jullier est musicien (de rock) et professeur d’université. Il a écrit de nombreux
livres sur le cinéma, notamment sur nos manières de réagir à ce qui se passe sur l’écran, et sur les raisons que
nous avons d’aimer les films de notre panthéon personnel. Cycle conçu par Jacques Aumont. Conférence
de Laurent Jullier, suivie de la projection de A Place in the Sun (1951, 122’), de George Stevens.

« Allégories d’oubli » /
« Rétrospective »
par Xavier Le Roy /
« Le Train fantôme »
de Charles de Meaux /
Vidéodanse : « Oublier
la danse ».
« TDT » Tremplin des talents
(Accueil continu, 13-16 ans)
« N’y pensons plus ».
Conférence de Laurent Jullier
(musicien et professeur
d’université), suivie
de la projection de
A Place in the Sun (1951, 122’)
de George Stevens.
Exposition « Henri Cartier-
Bresson »
« Fantôme-art » (3-5 ans,
en famille)
Balades au musée
Visite accompagnée
du Nouveau festival.
Une proposition
de Sébastien Rémy.
Xavier Le Roy. Self Unfinished
Stretch (2011, 90’) de Charles
de Meaux. Séance présentée
par Charles de Meaux.
« En quête
de fantômes » (6-12 ans, enfant
seul)
« Les Faunes ». Rencontre
avec Olivier Dubois,
suivie d’une projection.
Exposition « Le Surréalisme
et l’objet »
Dirty Eyes (2010, 54’, inédit)
de Lawrence Weiner.
Séance présentée par Charles
de Meaux.
L’Après-midi d’un faune, œuvre de répertoire immortalisée par Vaslav Nijinski sur une musique de Claude Debussy, a
fait l’objet de maintes interprétations. Le chorégraphe Olivier Dubois livre un faune en quatre tableaux, tout à la fois
polymorphe sous les regards du cinéaste Christophe Honoré, de la chorégraphe Dominique Brun, des metteurs en scène
Sophie Perez et Xavier Boussiron et d’Olivier Dubois lui-même qui interprète les différents états d’un faune, excessif,
drôle et profondément dionysiaque. Rencontre avec Olivier Dubois, chorégraphe et interprète.

« Allégories d’oubli » /
« Rétrospective » par Xavier
Le Roy / « Le Train fantôme »
de Charles de Meaux /
Vidéodanse : « Oublier
la danse ».
« TDT » Tremplin des talents
(Accueil continu, 13-16 ans)
« En quête
de fantômes » (6-12 ans, enfant
seul)
Rencontre
avec Simon Fujiwara
« Fantôme-art »
(3-5 ans, en famille)
« Les Carnets Bagouet ».
Rencontre avec Anne Abeille
et Marie-Hélène Rebois,
suivie d’une projection
My Mother’s Garden (2007, 7’)
et Mysterious Object at Noon
(2000, 85’), d’Apichatpong
Weerasethakul. Séance
présentée par Charles de
Meaux.
Apichatpong Weerasethakul a reçu la Palme d’or en 2010 pour son film Oncle Boonmee,
celui qui se souvient de ses vies antérieures, sa cinquième collaboration avec Charles de
Meaux. Ce dernier a produit, dès 2000, l’opus inaugural du cinéaste thaïlandais, Mysterious
Object at Noon, film brillant, inédit en salles, construit sous la forme d’un cadavre
exquis. My Mother’s Garden (2007, 7’) et Mysterious Object at Noon (2000, 85’),
d’Apichatpong Weerasethakul / Séance présentée par Charles de Meaux.
« N’importe quel poète vous dira qu’il n’est pas sûr que la poésie existe (c’est comme
Dieu) ; ce qu’il y a, c’est une psychologie poétique (la psychologie des gens qui se posent
la question de la poésie, disons). […] C’est dans ce vaste champ, non de la poésie, mais de
la psychologie poétique, que paraissent les Remarques en 1997. Soit : un compte rendu
des choses, compte tenu de la psychologie poétique. Observable, par exemple, dans cette
remarque où je dis que quand je respire un brin de lavande, parfois, il entre dans ma
narine. » Nathalie Quintane. Elle collabore régulièrement avec des artistes, notamment
Stéphane Bérard, Xavier Boussiron et Sophie Perez, Stephen Loye.
Conférence de Nathalie Quintane

Le Congo, pays natal de Faustin Linyekula est au centre de
son travail chorégraphique. Depuis 2006, il a créé les studios
Kabako à Kisangani, lieux d’accompagnement et de
diffusion culturelle. Le Cargo (2011) appartient à ces
œuvres chorégraphiques dans lesquelles le danseur
« Allégories d’oubli » /
« Rétrospective »
par Xavier Le Roy /
« Le Train fantôme »
de Charles de Meaux /
Vidéodanse :
« Oublier la danse ».
imbrique la mémoire collective et la mémoire personnelle pour parler de la situation
humaine et politique du pays, des destins violentés et disparus, marqués par l’histoire
du Congo. Rencontre avec Gérard Mayen (critique de danse).
« TDT »
Tremplin des talents (Accueil
continu, 13-16 ans)
« En quête
de fantômes » (6-12 ans, enfant
seul)
Rencontre avec
Pierre Huyghe (sous réserve)
« Fantôme-art »
(3-5 ans, en famille)
« Faustin Linyekula » :
Rencontre avec Gérard Mayen,
suivie d’une projection
« oubli ET littérature » :
Rencontre avec
Nathalie Quintane
Massimo Bacigalupo
Exposition « Le Surréalisme
et l’objet »
Épisode (2006, 30’),
de Kerry Tribe.

« Allégories d’oubli » /
« Rétrospective » par Xavier
Le Roy / « Le Train fantôme »
de Charles de Meaux /
Vidéodanse : « Oublier
la danse ».
Rencontre avec Joachim
Koester.
« Bob Wilson/Suzuki
Hanayagi ». Rencontre avec
(sous réserve) Bob Wilson
et Richard Rutkowski,
suivie d’une projection.
« De l’oubli historique ».
Conférence de Sabina Loriga
« Allégories d’oubli » /
« Rétrospective » par Xavier
Le Roy / « Le Train fantôme »
de Charles de Meaux /
Vidéodanse : « Oublier
la danse ».
« TDT »
Tremplin des talents (Accueil
continu, 13-16 ans)
« Fantôme-art » (3-5 ans,
en famille)
« Babette Mangolte/
Marina Abramović ».
Présentation par
Valérie da Costa,
suivie d’une projection.
« TDT »
Tremplin des talents (Accueil
continu, 13-16 ans)
« En quête
de fantômes » (6-12 ans, enfant
seul)
« Fantôme-art » (3-5 ans,
en famille)
Les nez du café.
Joachim Koester
Miguel Gutierrez.
Heavens What Have I Done
« En quête
de fantômes » (6-12 ans, enfant
seul)
Rencontre
avec Meris Angioletti
L’artiste danois Joachim Koester développe ses œuvres
comme des récits, entre documentaire et fiction. Dans
Variations of Incomplete Open Cubes (2011), l’artiste
filme en plan rapproché les mains d’un acteur qui tente de
tracer dans l’espace les Incomplete Open Cubes réalisés
par Sol LeWitt en 1974. Pour le film I Myself Am Only a
Receiving Apparatus (2010), Koester pénètre dans l’espace
de la reconstitution du Merzbau de Kurt Schwitters,
un environnement total, protéiforme, pénétrable et habitable
considéré par Schwitters comme une part de luimême.
Joachim Koester présente en avant-première son
nouveau film. Le travail de Joachim Koester
est également montré en Galerie sud
Conversation
entre Pierre Bismuth
et Jean-Pierre Criqui.
Melvil (2006, 66’, inédit)
de Melvil Poupaud
Miguel Gutierrez.
Heavens What Have I Done.

Exubérant et insatiable, le danseur et performer Miguel
Gutierrez a l’humour féroce et l’énergie contagieuse. Il
nous entraîne dans un monologue où la digression côtoie
la dérision avant de se transformer en une danse furieuse
de son personnage, coiffé d’une perruque à la Marie-Antoinette,
aux yeux rehaussés de faux cils extralarges et au
visage fardé. Agitateur de la scène new-yorkaise,
Gutierrez s’amuse des héritages de la grande histoire
chorégraphique et des lignes formelles séparant l’artiste
du spectateur. Le public devient protagoniste, participant
presque à son insu à ce qui se joue sur scène.
www.miguelgutierrez.org
En 2009, Robert Wilson réalise le spectacle Kool, Dancing in my Mind, en hommage à son amie et collaboratrice de longue
date, la danseuse et chorégraphe japonaise, Suzuki Hanayagi, atteinte de la maladie d’Alzheimer. Le film, The
Space in Back of You, réalisé en 2011 par Richard Rutkowski, sur l’idée originale de Robert Wilson, retrace le parcours
de Suzuki Hanayagi que Robert Wilson appelait « mon professeur ».
Rencontre avec (sous réserve) Robert Wilson et Richard Rutkowski.
Un jeu serré d’apparitions, disparitions et substitutions
règle depuis ses débuts l’œuvre de Pierre Bismuth.
L’oubli, sous ses formes les plus diverses et les plus inattendues,
joue un rôle moteur parmi tous ces faux souvenirs,
doubles fantomatiques, suppléments aléatoires et
autres trous de mémoire (ou trous dans les murs). Coscénariste
du film de Michel Gondry Eternal Sunshine of the
Spotless Mind (2004), Pierre Bismuth reçoit à ce titre un
Oscar en 2005. Remplacer par le même, titre de l’une de
ses séries, donne par antiphrase la clef d’une démarche
où c’est toujours « autre chose », voire parfois une apparence
de « rien », qui vient prendre la place d’un objet
originel. Conversation entre Pierre Bismuth
et Jean-Pierre Criqui.

À travers une exposition réunissant plus de cinq cents photographies, dessins, peintures, films et documents, le Centre
Pompidou consacre une rétrospective inédite à l’œuvre d’Henri Cartier-Bresson et invite le public à parcourir plus de
soixante-dix ans d’un œuvre qui impose le photographe comme l’une des figures de la modernité. L’exposition pose un
nouveau regard sur l’art de celui que l’on nomme « l’œil du siècle », grand témoin de l’Histoire du 20 e siècle. Si la plupart
des chefs-d’œuvre et des images emblématiques de Cartier-Bresson sont présentés dans l’exposition, celle-ci met
également en lumière des aspects moins connus : l’engagement politique, le travail sur les questions de société, le
regard plus intimiste de la fin de sa carrière.

« Allégories d’oubli » /
« Rétrospective » par Xavier
Le Roy / « Le Train fantôme »
de Charles de Meaux /
Vidéodanse : « Oublier
la danse ».
« TDT » Tremplin des talents
(Accueil continu, 13-16 ans)
« L’oubli organisé ».
Conférence de Dork Zabunyan
« En quête de fantômes »
(6-12 ans, en famille)
« Catherine Diverrès/
Kazuo Ohno ». Rencontre
avec Catherine Diverrès,
suivie d’une projection.
« Fantôme-art »
(3-5 ans, en famille)
Exposition
« Henri Cartier-Bresson »
Balades au musée
Exposition
« Le Surréalisme et l’objet »
Dissonant (2010, 11’)
et Resonating Surfaces (2005,
39’), de Manon de Boer.
Projection suivie
d’une conversation
avec l’artiste.
Atlantiques (2010, 16’)
et Mille soleils (2013, 45’),
de Mati Diop.
Au début des années 1980, la chorégraphe Catherine
Diverrès découvre le travail de Kazuo Ohno (1906-2010),
maître de la danse Butô, dont elle suivra ensuite l’enseignement
au Japon. Elle crée en 2011, un an après la mort
de Kazuo Ohno, Ô Sensei. Ce solo qui est une forme
d’hommage à son œuvre est aussi une plongée, trente ans
plus tard, dans la mémoire de ce temps passé au Japon et
dans l’apprentissage de l’art de Kazuo Ohno. Ô Sensei
parle de ce moment déterminant qui a nourri le parcours
de la chorégraphe. Rencontre avec la chorégraphe
Catherine Diverrès.
« En rimes et en couleurs »
(3-5 ans, en famille)
Le cinéma s’est souvent emparé de documents médiatiques pour révéler, en les retournant,
l’organisation de l’oubli qu’ils favorisent. Cycle conçu par Jacques Aumont.
Conférence de Dork Zabunyan (maître de conférences en études
cinématographiques à l’université de Lille 3), suivie de la projection
de Letter to Jane (1972, 52’), du Groupe Dziga Vertov, et d’une sélection
de films du collectif syrien Abounaddara, 2013 et 2014.

« Allégories d’oubli » /
« Rétrospective » par Xavier
Le Roy / « Le Train fantôme »
de Charles de Meaux /
Vidéodanse : « Oublier
la danse ».
« TDT » Tremplin des talents
(accueil continu, 13-16 ans)
« Filmer/effacer ». Conférence
d’Hervé Aubron (critique
de cinéma, rédacteur en chef
adjoint du Magazine littéraire
et enseignant, université Paris
3-Sorbonne nouvelle) suivie
de la projection de Cloverfield
(2008, 85’), de Matt Reeves.
« Impromptu » (accueil continu,
tout public, en famille)
Exposition
« Henri Cartier-Bresson »
« Odile Duboc ». Rencontre
avec Françoise Michel
et Anne-Karine Lescop,
suivie d’une projection.
« Premiers
dimanches au Musée »
Visite
accompagnée du Nouveau
festival. Une proposition
de Sébastien Rémy.
Miguel
Gutierrez. Storing the Winter
Shimkent
Hotel (2003, 90’), de Charles
de Meaux.
Exposition « Le Surréalisme
et l’objet »
My Mother’s Garden (2007, 7’)
et Mysterious Object
at Noon (2000, 85’, inédit),
d’Apichatpong Weerasethakul
Récemment présenté comme l’une des plus importantes découvertes de l’année par le New York Times, ce solo se souvient
du lien entre son et mouvement, de la connivence entre danse et musique. Assis au premier rang, Mind over Mirrors,
alias Jaime Fennelly, ajuste les sons de sa machine, tandis que Miguel Gutierrez, pieds nus, en jean et tee-shirt,
se lance dans une danse d’une fluidité remarquable, oscillant au gré de la musique entre nappes harmonieuses et
moments de rupture brutale. Le chorégraphe et danseur a écrit ce solo en complicité avec Fennelly, homme-orchestre
combinant harmonium indien à pédale et sons électro. www.miguelgutierrez.org

« Allégories d’oubli » /
« Rétrospective » par Xavier
Le Roy / « Le Train fantôme »
de Charles de Meaux /
Vidéodanse : « Oublier
la danse ».
Rencontre
avec Alex Cecchetti
« Le Surréalisme et l’objet » rend compte des différents
moments de la réflexion surréaliste appliquée à l’objet.
Autour d’une centaine de sculptures et d’une quarantaine
de photographies, le parcours retrace l’histoire de ce
mouvement fondateur de l’art du 20 e siècle. L’exposition
met en lumière les principaux thèmes surréalistes et propose
au visiteur de découvrir la pérennité des questions
soulevées par le surréalisme autour de la sculpture et de
l’objet à travers une sélection d’œuvres contemporaines.
Second long métrage de Charles de Meaux, Shimkent
Hotel est tourné en Asie centrale et narre les aventures
d’Alex, entre réel et fiction. Amnésique, alité dans une
chambre d’hôtel, il est cerné par un médecin et un agent
des services secrets français. « La réussite de Charles de
Meaux, c’est d’être lui aussi du voyage : ne pas faire semblant
d’en savoir plus long sur les clans, fratries, check
points… Cadrer les choses de loin, parce qu’ainsi, en plan
d’ensemble, on peut espérer entrevoir quelque chose du
chaos », écrivait Philippe Azoury dans Libération.
Shimkent Hotel (2003, 90’), de Charles de Meaux.
« Loïc Touzé/Rita Quaglia ».
Rencontre avec Loïc Touzé
et Rita Quaglia,
suivie d’une projection.
Dirty Eyes (2010, 54’, inédit),
de Lawrence Weiner.
Te craindre en ton absence,
de Marie NDiaye, musique :
Hèctor Parra. Avec Astrid Bas
et l’Ensemble
intercontemporain.

performance d’Olaf Nicolai
Dans une nouvelle de 1876, Mark Twain a mis en scène la force des vers d’oreille qui
prennent possession de notre psyché : « à peine sur le trottoir, je m’aperçus que mes
pieds marquaient la cadence de ces maudits vers. N’y tenant plus, je ralentis le pas ;
mais rien n’y fit : le rythme de ces vers s’accommoda de ma nouvelle allure et continua à
me poursuivre. Je rentrai chez moi et souffris de cette obsession pendant tout le reste de
la journée. » Les souffrances du narrateur, ainsi que la solution qu’il finit par trouver
pour oublier ce qui l’obsède, sont exemplaires de ce qui arrive à bien d’autres personnages,
par exemple chez Hitchcock ou Fritz Lang. Nous suivrons leurs aventures et prêterons
l’oreille à leur quête désespérée : comment oublier
Une conférence de Peter Szendy.
« Allégories d’oubli » /
« Rétrospective » par Xavier
Le Roy / « Le Train fantôme »
de Charles de Meaux /
Vidéodanse : « Oublier
la danse ».
« Radio 13/16 »
(Accueil continu, 13-16 ans)
« Le laboratoire
des matériaux »
(6-12 ans, enfant seul)
Conférence/
La pratique du « found footage » - geste qui consiste à prélever puis à réassembler des
images préexistantes - rencontre auprès des principaux acteurs de la scène expérimentale
italienne des années 1960 et 1970 une attention particulière, où se développe,
conjointement à la critique du spectacle cinématographique, une analyse précise des
objets visuels recyclés. Séance introduite par Marco Bertozzi (cinéaste
et professeur associé à l’université IUAV de Venise).
« Voyage sonore
au Centre Pompidou »
(3-5 ans, en famille)
« Cristian Duarte /
Fabián Barba ».
Rencontre avec Fabián Barba
et Cristian Duarte,
suivie d’une projection.
« L’oubli numérique ».
Conférence de Milad Doueihi
La verifica incerta.
Exposition
« Henri Cartier-Bresson »
The Complete Works
(2014, inédit), de Nina Beier.
Projection suivie
d’une conversation de l’artiste
avec Simon Dybbroe Møller
Te craindre en ton absence,
de Marie NDiaye, musique :
Hèctor Parra. Avec Astrid Bas
et l’Ensemble
intercontemporain

« Allégories d’oubli » /
« Rétrospective » par Xavier
Le Roy / « Le Train fantôme »
de Charles de Meaux /
Vidéodanse : « Oublier
la danse ».
Rencontre
avec Sophie Calle
(sous réserve)
« Jan Lauwers ».
Rencontre avec
Viviane De Muynck,
suivie d’une projection.
« Les tubes de Léthé ».
Conférence de Peter Szendy.
Modernités plurielles (1).
Confronter les modernités.
Cycle de 6 séances,
sur inscription.
Atlantiques (2010, 16’)
et Mille soleils (2013, 45’),
de Mati Diop.
Ivo Dimchev. Fest
Le Bulgare Ivo Dimchev doit son succès international à un charisme androgyne et à un
théâtre exigeant, radical et émouvant qui transcende les genres et les tabous. Son
audace transgressive n’a d’égal qu’un humour virulent. Dans sa dernière création, Dimchev
porte un regard à la fois acerbe et burlesque sur le monde du spectacle. « Les festivals
sont de tous les temps, mais peut-être surtout de notre époque. […] Les rapports
entre les acteurs s’inscrivent dans un jeu qui suit certaines conventions et dans lequel
chaque protagoniste tient un rôle précis en fonction des traditions ayant cours, des rapports
de pouvoirs et des désirs de chacun ». Dans Fest, Ivo Dimchev joue avec des normes
et conventions qu’il exhume de l’oubli, dans une provocation sans retenue.
Certaines scènes de ce spectacle peuvent heurter la sensibilité du public
et en particulier des plus jeunes. www.ivodimchev.com
Mille soleils est la seconde collaboration entre Mati Diop et Charles de Meaux, après
Atlantiques, en 2010. Hommage au mythique Touki Bouki, premier film de Djibril Diop
Mambéty, oncle de la cinéaste, Mille soleils part à la rencontre de ses deux acteurs principaux,
Magaye et Mareme Niang. Quarante ans plus tard, alors qu’un océan désormais
les sépare, Mati Diop revient sur leurs destins, entre film de famille et réflexion sur le
cinéma. Atlantiques (2010, 16’) et Mille soleils (2013, 45’), de Mati Diop.

« Allégories d’oubli » /
« Rétrospective » par Xavier
Le Roy / « Le Train fantôme »
de Charles de Meaux /
Vidéodanse : « Oublier
la danse ».
Rencontre avec Xavier Le Roy
et Laurent Goldring
« Rachid Ouramdane ».
Rencontre avec
Rachid Ouramdane,
suivie d’une projection.
Rencontre avec
Arno Gisinger, Annie Zadek
et Clément Chéroux.
Dirty Eyes (2010, 54’, inédit)
de Lawrence Weiner.
Te craindre en ton absence,
de Marie NDiaye,
musique de Hèctor Parra.
Avec Astrid Bas et l’Ensemble
intercontemporain.
Ivo Dimchev. Fest.
Arno Gisinger expose son travail Invent arisiert, une installation photographique sur la
spoliation des biens juifs à Vienne, créée en 2000 à la demande du Mobilier national
autrichien. Pour une soirée lecture/projection, il s’associe à l’écrivain Annie Zadek dont
le dernier texte, Nécessaire et urgent, cherche à évaluer la contamination du présent par
un traumatisme majeur survenu dans notre passé et à mesurer son infiltration dans
notre langage, notre mémoire, notre corps. Lecture/projection avec Arno Gisinger
et Annie Zadek, suivie d’une conversation avec Clément Chéroux, conservateur
au Mnam/Cci, commissaire de l'exposition « Henri Cartier-Bresson ».

Après la « Rétrospective
immatérielle de la Biennale
de Venise », 2013, le
nouveau projet d’Alexandra
Pirici & Manuel Pelmus
prend le Centre Pompidou
comme point de départ.
Tissant des liens avec les
notions d’oubli et de réminiscence
explorées par
cette cinquième édition du
Nouveau festival, les
artistes tentent d’actualiser
la mémoire du musée
avec comme seuls moyens
quelques corps humains.
Figure majeure de l’art conceptuel, l’Américain Lawrence Weiner utilise le mot comme matière artistique de premier
ordre. Depuis le début des années 1970, les retranscriptions murales de ses « statements » ont été son médium principal,
mais il travaille également avec un grand nombre de médias, dont la vidéo, le film, la performance, l’installation ou
encore le dessin. Dans son dernier film, Dirty Eyes, produit par Charles de Meaux, Lawrence Weiner nous parle d’art, de
poésie mais surtout de New York, la ville qu’il aime. Dirty Eyes (2010, 54’, inédit) de Lawrence Weiner.
Des témoins ordinaires (2009), de Rachid Ouramdane,
parle du déplacement et de l’exil de ceux qui ont dû quitter
leur pays. Ces récits et témoignages, accompagnés par
le corps des danseurs, posent la question de l’oubli, du
souvenir et de la résurgence du passé. Quels sont les mots,
les gestes qui nous ramènent vers la mémoire et permettent
de témoigner de la douleur d’une situation passée
Comment la danse peut-elle parler de la guerre, du génocide
et de la torture Rencontre avec le chorégraphe
Rachid Ouramdane.

« Allégories d’oubli » /
« Rétrospective » par Xavier
Le Roy / « Le Train fantôme »
de Charles de Meaux /
Vidéodanse : « Oublier
la danse ».
« Fabio Mauri ».
Rencontre avec Achille Mauri,
suivie d’une projection.
« Seventeen »
(Accueil continu, 13-16 ans)
« Spectres de l’histoire ».
Conférence de Vincenz Hediger
(enseignant en cinéma
à la Goethe Universität
à Francfort/Main) suivie
de la projection de Die Mauer
(1990, 99’), de Jürgen Böttcher.
Exposition
« Henri Cartier-Bresson »
« Un lien : le dessin »
(6-12 ans, en famille)
« Olga de Soto ». Rencontre
avec Olga de Soto,
suivie d’une projection.
« Méli-mélodie » (3-5 ans,
en famille)
« Chacun son point
de vue ! » (3-5 ans en famille)
Pina Bauch conçoit en 1985 un film qui constitue l’unique
enregistrement de Café Müller, une chorégraphie de 1978.
Cette œuvre parle notamment de la mémoire de la jeunesse
de la chorégraphe, dans l’Allemagne de l’après
–guerre. Le rôle dansé par Pina Bauch est confié à Anne
Martin, danseuse de la compagnie, dans un désir de
transmission. Rencontre avec Anne Martin
(danseuse, chorégraphe, chanteuse)
et Jean-Marc Adolphe (rédacteur en chef
de la revue Mouvement).
Balades au musée
Représentation
de « Seventeen » (Accueil
continu, 13-16 ans)
T.S.O.Y.W. (2007, 3h20’)
de Amy Granat
et Drew Heitzler. Séance
présentée par Olivier Mosset.
My Mother’s Garden (2007, 7’)
et Mysterious Object at Noon
(2000, 85’, inédit),
d’Apichatpong Weerasethakul.
Te craindre en ton absence,
de Marie NDiaye,
musique : Hèctor Parra.
Avec Astrid Bas et l’Ensemble
intercontemporain.
Comment faire exister un personnage de film in absentia
Un homme a disparu, il s’est « évaporé », et de lui ne restent
que des récits douteux, malveillants, de plus en plus
irréels. Dans l’opération, le cinéma se révèle pour ce qu’il
est aussi : un fauteur d’oubli.
Cycle conçu par Jacques Aumont. Conférence
de Jacques Aumont (essayiste et universitaire, Ehess),
suivie de la projection de L’Évaporation d’un homme
(1967, 130’), de Shôhei Imamura.

Concerto offre une interprétation très personnelle du
concept de concert live. Se muant subtilement en star du
rock ou en prima donna, Ivo Dimchev se met dans la peau
de personnages extravagants pour accompagner les
modulations de son chant. Nina Simone ou Antony
Hegarty, répertoire masculin ou féminin, Dimchev semble
capable de tout chanter ! Troublant, ce spectacle où le
rêve se mêle à l’effroi, nous confronte à l’éclatement du
moi dans une esthétique à la David Lynch.
www.ivodimchev.com
« Allégories d’oubli » /
« Rétrospective » par Xavier
Le Roy / « Le Train fantôme »
de Charles de Meaux /
Vidéodanse : « Oublier
la danse ».
« Trisha Brown ». Rencontre
avec Babette Mangolte,
suivie d’une projection
« Seventeen » (Accueil continu,
13-16 ans)
« L’absence, l’oubli ».
Conférence
de Jacques Aumont, suivie de
la projection de L’Évaporation
d’un homme (1967, 130’)
de Shôhei Imamura.
« Voyage au centre
du Centre » (6-12 ans,
en famille)
Exposition « Henri Cartier-
Bresson »
Au cours d’une émission de radio, un conteur vient parler de son pays, le Pamir. Tel est
l’incipit du Pont du trieur, aussi mystérieux que le pays dévoilé par le premier film de
Charles de Meaux, coécrit avec Philippe Parreno. « Reste un film énigmatique, une méditation
sur l’objectivité spectaculaire, l’effet de réel et les rites incantatoires du reportage
», écrivait Vincent Dieutre en 2000.
Le Pont du trieur (2000, 74’) de Charles de Meaux et Philippe Parreno.
« Pina Bausch ».
Rencontre avec Anne Martin
et Jean-Marc Adolphe,
suivie d’une projection.
« Mes premiers pas vers l’art »
(3-5 ans, en famille)
Balades au musée
Visite accompagnée
du Nouveau festival.
Une proposition de Sébastien
Rémy.
Ivo Dimchev.
Concerto
Représentation
de « Seventeen » (Accueil
continu, 13-16 ans)
Le Pont
du trieur (2000, 74’), de Charles
de Meaux et Philippe Parreno.
Melvil (2006, 66’, inédit),
de Melvil Poupaud.

« Allégories d’oubli » /
« Rétrospective » par Xavier
Le Roy / « Le Train fantôme »
de Charles de Meaux /
Vidéodanse : « Oublier
la danse ».
Rencontre avec Mark
Geffriaud.
Performance
de Mark Geffriaud
Artiste française d’origine algérienne, Halida Boughriet explore à travers son œuvre une
multiplicité de médiums, accordant une place centrale à la performance, à partir de
laquelle s’articule et se décline son langage artistique. Au croisement d’une préoccupation
esthétique, sociale et politique, ses travaux s’attachent à saisir les tensions dans les
rapports humains que la société fait émerger. Le corps, comme instrument d’expérimentation
de gestes poétiques, y est omniprésent. Outre la présentation d’un ensemble
de vidéos et de photographies, Halida Boughriet transposera pour cette séance le nœud
dramatique de ses dernières performances avec ses interprètes.
Séance présentée par Halida Boughriet.
« Merce Cunningham, Foofwa
d’Imobilité, Boris Charmatz ».
Rencontre avec
Foofwa d’Imobilité,
suivie d’une projection.
Halida Boughriet.
Marfa
Mystery Lights, a concert
for the UFO’s (2008, 66’) de
Charles de Meaux, précédé de
Block Party (2002, 6’) de Pierre
Huyghe.

Danseur pour la Merce Cunningham Dance Company à New York de 1991 à 1998, Foofwa
d’Imobilité filme en face à face Merce Cunningham. À travers un jeu de caméras qui
montre tout à la fois le danseur et le chorégraphe, cet entretien livre un regard intime et
proche sur l’univers du grand chorégraphe américain, et pose aussi la question de son
héritage et de sa transmission.
Rencontre avec Foofwa d’Imobilité, chorégraphe et interprète.
« Oups ! On allait oublier… C’est donc le dernier jour de cette 5 e édition du Nouveau
festival. Et les images comme les œuvres que nous souhaitions présenter reviennent à la
mémoire, celles qui de fait rendent l’étude du sujet infini. Mais le Nouveau festival n’est
pas le lieu de l’exhaustivité, encore moins de la mélancolie. Il est celui de la stimulation
des idées, de la diversité des formes : un petit laboratoire où artistes et créateurs de tous
horizons se retrouvent, un espace où faire bouger les lignes, fidèle à la définition fondatrice
du Centre Pompidou. » Bernard Blistène, directeur artistique du Nouveau festival
« Le laboratoire
des matériaux »
(6-12 ans, enfant seul)
« Un animal, des animaux »
(3-5 ans, en famille)
Anna (1972-1975, 225’),
d’Alberto Grifi
et Massimo Sarchielli.
Exposition
« Henri Cartier-Bresson »

Entrée « Jibaku », extrait : « La répétition d’échecs
conduisit certains pilotes à envisager le Jibaku (plongeon
final dans un but tactique) comme la seule ressource pour
retrouver l’efficacité perdue et causer de grands dommages
à l’ennemi. Beaucoup en arrivaient à cette conclusion
: ‹ Perdu pour perdu, autant… ›. Malgré l’aspect
monstrueux que ce geste délibéré a pour nous, il fallait
bien reconnaître que cette pratique avait une ‹ rentabilité
› exceptionnelle. En effet, un seul pilote dans un seul
avion pouvait obtenir des résultats tactiques certains,
alors que des escadrilles entières échouaient. » Bernard
Millot, L’Épopée kamikaze, Éditions Robert Laffont, 1970,
Paris, chapitre 1, « Le Chemin du sacrifice ».
La chorégraphe marocaine a construit sa pièce en s’inspirant
des « Aïta » (le cri, l’appel), un art populaire à la
fois poétique et musical, où la danse peut prendre de multiples
formes. Quatre interprètes féminines d’âge mûr
rendent hommage aux chanteuses du plus vieux cabaret
de Marrakech. Les corps expriment la douleur, la colère,
le rire, la liberté ou la fierté de son histoire, d’être femme.
Madame Plaza (2009, 50’), de Valérie Urréa /
Projection suivie d’une rencontre avec la chorégraphe
et la réalisatrice / En écho à « Modernités plurielles »,
nouvel accrochage de la collection moderne
Cycle Imaginaire des villes – Regards de cinéastes et
d’artistes sur la ville. Braddock, Pennsylvanie, ville naufragée
où survivent quelques rescapés teigneux qui trouvent
la force de s’accrocher à ce lieu ingrat car ils ont
conscience que cette infime parcelle du territoire américain
porte en elle les traces d’événements essentiels qui
font l’histoire de leur nation. Projection suivie d’une rencontre
avec les réalisateurs et un invité.
Braddock America (2012, 93’), de Jean-Loïc Portron
et Gabriella Kessler. Entrée libre.

L’Encyclopédie des guerres
(54 e séance)
Modernités plurielles (2).
La modernité et ses sources.
Cycle de 6 séances,
sur inscription.
Braddock. Cycle
Imaginaire des villes –
Regards de cinéastes
et d’artistes sur la ville.
Bouchra
Ouizguen. Madame Plaza,
(2009, 50’), de Valérie Urréa.
La rétrospective consacrée à Henri Cartier-Bresson pose un nouveau regard sur l’œuvre du célèbre photographe français
pour montrer qu’il n’y a pas eu un seul, mais bien plusieurs Cartier-Bresson. Au travers de trois cent cinquante
tirages, films et documents d’archives, elle présente toute la richesse du parcours du photographe, de la capture des
grands événements et des grandes questions de société du 20 e siècle, à la place de certains thèmes ou séries parfois
moins connus. La rétrospective montre aussi des œuvres plus intimistes et met en lumière la passion de Cartier-Bresson
pour la peinture et le dessin.

Personnes déficientes
visuelles. Visite de l’exposition
« Henri Cartier-Bresson »
Personnes malentendantes.
Visite en lecture labiale
dans l’exposition
« Henri Cartier-Bresson »
« Un lien : le dessin »
(6-12 ans, en famille)
Personnes sourdes.
Visite en langue des signes
dans l’exposition
« Henri Cartier-Bresson »
Exposition
« Henri Cartier-Bresson »
« Chacun son point de vue ! »
(3-5 ans, en famille)
Balades au musée
« Tout commence
par un film… »
(6-12 ans, en famille)
Exposition
« Henri Cartier-Bresson »
« Mes premiers pas vers l’art »
(3-5 ans, en famille)
Balades au musée
Les mooks. Lancement du cycle
Place aux revues.
La 36 e édition du festival Cinéma du réel propose une rencontre
privilégiée avec la production la plus récente de
documentaires internationaux à travers quatre sections
compétitives : longs métrages, premiers films, courts
métrages et sa Compétition française. Au croisement des
générations, des cinématographies et des régions du
monde, le programme hors compétition revisite la diversité
de la production documentaire d’hier et d’aujourd’hui :
une mise en lumière du travail d’auteurs singuliers que
leur radicalité a parfois tenus loin de la reconnaissance et
dont l’œuvre constitue un apport majeur à l’histoire du
cinéma. Au travers de différentes déclinaisons autour du
cinéma anthropologique - son héritage, ses nouvelles
expressions - le festival interroge les formes de croisement
culturel et le statut de la figure humaine dans le
cinéma contemporain. Dix jours de rétrospectives, de
sections thématiques, de rencontres professionnelles, de
master class, et de débats animés par de grands invités.

« Le laboratoire
des matériaux » (6-12 ans,
enfant seul)
« Voyage sonore
au Centre Pompidou » (3-5 ans,
en famille)
Exposition « Henri Cartier-
Bresson »
Le Studio 13/16, espace dédié aux adolescents et à la rencontre avec la création contemporaine,
accueille pendant sept semaines des installations transdisciplinaires en format
extra ! Extra-vagants, extra-ordinaires et peut-être extra-terrestres, les artistes invités
proposent aux adolescents de s’immerger dans leurs dispositifs et de participer, « en
extra » à l’environnement en cours de construction, en les encourageant à laisser libre
cours à leur imagination.
Auteure, compositrice, performeuse ou chercheuse, Sir
Alice a parcouru le monde entre conférences universitaires,
clubs loufoques, centres chorégraphiques et musées
d’art contemporain. Connue pour incarner sa musique
électronique lors de shows extatiques, la « Madonna de
l’avant-garde » revient sur scène accompagnée de Bernhard
Willhelm. Ce styliste prolifique, diplômé de l’Académie
royale des beaux-arts d’Anvers, passe du prêt-àporter
aux costumes de scènes avec un sens inné de la
performance. Pas étonnant que ces deux personnalités
qui préservent le geste artistique dans le monde de la
mode et de la musique se rejoignent au Centre Pompidou,
pour eux territoire de liberté loin des codes de la représentation
du concert ou du défilé. Ils y opèrent une hybridation
in situ pour une immersion dans les abysses, hypnotique
et exacerbée.
Dans le cadre de la manifestation « Les femmes
s’en mêlent ». http://www.lfsm.net
Cinéma du réel. 36 e édition
du Festival international
du film documentaire
La loi,
un jeu d’enfants et de grands.
Multiculturalisme et cinéma.
Cycle Le multiculturalisme
en questions. Dans le cadre
du Cinéma du réel
Modernités plurielles (3).
La modernité en mouvement.
Cycle de 6 séances,
sur inscription.
Sir Alice/ Bernhard Willhelm

36 e édition du Cinéma du réel
36 e édition du Cinéma du réel
Exposition
« Henri Cartier-Bresson »
36 e édition du Cinéma du réel
Multiculturalisme et cinéma.
Cycle Le multiculturalisme
en questions.
Dans le cadre
du Cinéma du réel
« Un lien : le dessin »
(6-12 ans, en famille)
« Chacun son point de vue ! »
(3-5 ans en famille)
« Carnet de voyage » (3-5 ans,
en famille)
Balades au musée
« Voyage au centre
du Centre » (6-12 ans,
en famille)
Exposition
« Henri Cartier-Bresson »
« Mes premiers pas
vers l’art » (3-5 ans, en famille)
Balades au musée
Le Centre Pompidou consacre une exposition à la donation
d’œuvres sur papier consentie par Florence et Daniel
Guerlain au Centre Pompidou. Dans les salles reconfigurées
et exceptionnellement réunies de la Galerie d’art
graphique et la Galerie du musée, cette présentation inédite
dévoile plus de quatre cents dessins choisis parmi
l’ensemble de 1 200 œuvres que compte cette exceptionnelle
donation. Conçue autour des quinze artistes nominés
pour le prix de dessin de la fondation d’art contemporain
Daniel et Florence Guerlain depuis 2006, l’exposition
rassemble les œuvres de plus de deux cents artistes d’une
trentaine de nationalités différentes.

36 e édition du Cinéma du réel
36 e édition du Cinéma du réel
« Le laboratoire
des matériaux » (6-12 ans,
enfant seul)
À travers un nouvel accrochage
de ses collections, le
Centre Pompidou présente
une nouvelle géographie
de l’art moderne de 1905 à
1970. Ce parcours sans
précédent rassemble une
sélection de plus de 1 000
œuvres de 400 artistes,
représentant 47 pays, et
propose une lecture
décentrée et enrichie de
l’histoire de l’art au 20 e
siècle. Cette présentation
orchestre des rencontres
inédites entre les chefsd’œuvre
les plus célèbres
de la collection et de nouvelles
acquisitions ou des
œuvres jamais montrées
auparavant et qui sont
aujourd’hui mises en
lumière pour mieux plonger
le visiteur au cœur de
la diversité exceptionnelle
des formes artistiques de
la modernité.
« Un animal, des animaux »
(3-5 ans, en famille)
Exposition « Henri Cartier-
Bresson »

36 e édition du Cinéma du réel
Magiciens de la Terre /
Colloque international
La loi, un jeu d’enfants
et de grands.
Modernités plurielles (4).
L’art et la réalité.
Cycle de 6 séances,
sur inscription.
Il y a 25 ans le Centre Pompidou présentait « Magiciens de la terre », en collaboration avec la Grande halle de la Villette.
À l’initiative de Jean-Hubert Martin, cette manifestation représentait un tournant dans l’art contemporain et pour
l’histoire des expositions : son invitation lancée à des artistes de tous les continents signait l’entrée dans la mondialisation.
Retour sur cette expérience pionnière et sur les perspectives qu’elle a ouvertes. Jeudi 27 mars - Ouverture :
Alain Seban / Introduction : Jean-Hubert Martin / Contributions de Laurent Jeanpierre (Université Paris 8),
Daniel Soutif (critique d’art), Jonathan Mane-Wheoki (Elam School of Fine Arts, Auckland), Victoria Noorthoorn
(commissaire d’exposition) et Niru Ratnam (Art 14 Art Fair, Londres). Vendredi 28 mars - Globalisation de l’art
contemporain : dialogue entre Hans Belting (historien de l’art) et Saskia Sassen (sociologue et économiste), sous
la modération d'Annie Cohen-Solal. Colloque conçu par Annie Cohen-Solal et Jean-Hubert Martin en liaison avec
le Service de la parole (Département du développement culturel).

36 e édition du Cinéma du réel
Magiciens de la terre /
Colloque international
Le 36 e festival Cinéma du réel propose une programmation
de documentaires internationaux à travers quatre
sections compétitives : longs métrages, premiers films,
courts métrages et sa Compétition française. Il met également
en lumière hors compétition le travail d’une sélection
d’auteurs. Les formes de croisement culturel et le
statut de la figure humaine dans le cinéma contemporain
sont au cœur du festival. Rétrospectives, sections thématiques,
rencontres professionnelles, master class et
débats animés par des invités.
36 e édition du Cinéma du réel
« Un lien :
le dessin » (6-12 ans,
en famille)
Exposition « Henri Cartier-
Bresson »
« Chacun son point de vue ! »
(3-5 ans, en famille)
Balades au musée
36 e édition du Cinéma du réel
« Tout commence
par un film… » (6-12 ans,
en famille)
Exposition « Henri Cartier-
Bresson »
Balades au musée
« Mes premiers pas vers l’art »
(3-5 ans, en famille)

Le Centre Pompidou consacre une grande rétrospective à Henri Cartier-Bresson, dix ans après sa disparition. À travers
plus de cinq cents photographies, dessins, peintures, films et documents, elle invite le public à parcourir plus de
soixante-dix ans d’un œuvre qui impose le célèbre photographe français comme l’une des figures de la modernité.
L’exposition pose un nouveau regard sur l’art de celui que l’on nomme « l’œil du siècle », grand témoin de l’Histoire du
20 e siècle, à partir des années 1930. Aux côtés des œuvres les plus iconiques de l’artiste, l’exposition redonne toute leur
place à des images moins connues, des reportages demeurés plus confidentiels, des œuvres plus intimistes, en dévoilant
aussi peintures, dessins et quelques tentatives dans le champ du cinéma.

« Le laboratoire des
matériaux » (6-12 ans, enfant
seul)
« Voyage
sonore au Centre Pompidou »
(3-5 ans, en famille)
Martin Kersels
Hugues Reip. « Phantasmata »
Exposition « Henri Cartier-
Bresson »
Reprenant à leur compte certains procédés techniques et
formels hérités des origines du cinéma et des avant-gardes
artistiques du 20 e siècle, les expériences filmiques
d’Hugues Reip, souvent de très courte durée, sont autant
d’évocations d’univers fantastiques et fantasmés.
Séance introduite par Hugues Reip
Depuis une vingtaine d’années, l’artiste californien
Martin Kersels utilise son corps et ses « dérivés », ou
« objets performatifs ». Dans l’acte de tomber ou de lancer
ses proches dans les airs, son corps décrit des actions à
l’apparence simple, presque banale, qui possèdent en
réalité une forte tension et se révèlent comiques et dérangeantes
à la fois. Ses installations géantes au fonctionnement
détourné (Loud House, 1998), ou ses performances
restituées à travers la photographie, explorent un univers
de l’excès. On y retrouve un lointain rappel du dépassement
des limites propre à l’artiste américain Chris Burden,
dont Martin Kersels a été élève et assistant et dont il
se démarque par une approche distanciée à l’humour
doux amer : « Mes meilleures œuvres ont un humour en
forme de clin d’œil mélangé à un élément tragique. »
Martin Kersels présente ce soir une sélection de ses
œuvres ainsi qu’une performance.

« Modernités plurielles », la présentation profondément renouvelée des collections du
Centre Pompidou, vous propose de découvrir une sélection inédite d’un millier d’œuvres.
Elle orchestre de nouvelles rencontres entre les chefs-d’œuvre les plus célèbres de la
collection et certaines œuvres jamais exposées auparavant. L’exposition réunit 400
artistes représentant 47 pays, dans tous les champs de la création : arts plastiques, photographie,
cinéma, architecture, design… Elle pose un nouveau regard sur l’histoire de
l’art moderne, de 1905 à 1970, substituant à la perspective habituelle, centrée sur les
figures et les mouvements européens, un parcours dévoilant le réseau mondial des
« modernités », une cartographie des connexions, des influences et des résistances qui
traversent tout l’art du 20 e siècle.
Design au banc n° 22
Modernités plurielles (5).
Une modernité politique
Cycle de 6 séances,
sur inscription.

Personnes
déficientes visuelles.
Visite de l’exposition
« Henri Cartier-Bresson »
Personnes malentendantes.
Visite en lecture labiale dans
l’exposition « Henri Cartier-
Bresson »
« Un lien :
le dessin » (6-12 ans,
en famille)
Exposition « Henri Cartier-
Bresson »
« Chacun son point de vue ! »
(3-5 ans, en famille)
« Méli-mélodie »
(3-5 ans, en famille)
Balades au musée
Ateliers-concerts Cursus 1.
Le Centre Pompidou invite bdv (structure d’édition, de
diffusion et de production d’œuvres vidéo) à présenter le
quatrième titre d’une série intitulée « Archives »et
consacrée à l’histoire des expositions. Cette séance prend
pour thème la Biennale de Paris de 1985, une manifestation
qui a compté parmi les expositions les plus marquantes
des années 1980. La vidéo de Jef Cornelis, réalisée
principalement lors du montage et du vernissage,
présente ses commissaires (dont Georges Boudaille, Kasper
König, Alanna Heiss et Achille Bonito Oliva), les
œuvres et les artistes exposés (Jenny Holzer, Daniel
Buren, Richard Deacon, Keith Haring, David Hockney…)
et documente les conversations tenues à l’époque sur le
renouveau de l’art figuratif, le rôle des musées et de la
télévision. Projection suivie d’une discussion
entre Kasper König (commissaire de Manifesta 10)
et Yves Aupetitallot (directeur du Magasin, Grenoble).
Séance présentée par bdv.
Exposition « Henri Cartier-
Bresson »
« Impromptu » (accueil continu,
tout public, en famille)
« Premiers
dimanches au Musée »
Pour marquer la fin de la première année du Cursus de
composition et d’informatique musicale de l’Ircam, les
étudiants proposent dix études pour instruments solistes
et électronique. Ces concerts-ateliers permettent de
découvrir les réalisations des jeunes compositeurs,
interprétées par les élèves du Conservatoire national
supérieur de musique et de danse de Paris.
Gratuit, sur réservation : 01 44 78 12 40
Carte blanche à BDV
(Bureau des vidéos)
Les images de la science.
Cycle Place aux revues.
Exposition « Henri Cartier-
Bresson »
Revue critique du design, cette tribune réunit les
meilleurs professionnels autour d’un produit, d’un événement
(un ouvrage, une exposition, un salon professionnel,
etc.) ou d’un aménagement intérieur (un restaurant, une
boutique, un musée, etc.) tiré de l’actualité. Des étudiants
d’une école de design participent au débat.
Modération : Michel Bouisson (VIA) et Romain Lacroix
(Centre Pompidou) / En coproduction avec le VIA
(Valorisation de l’innovation dans l’ameublement)

« Le laboratoire des
matériaux » (6-12 ans, enfant
seul)
« Un animal, des animaux »
(3-5 ans, en famille)
Graphisme en France, 20 ans
Le Club des Sous l’Eau.
Pénurie d’extérieurs
Thomas Hauert
et Fredy Vallejos. MONO
Mettre en mouvements une pièce radiophonique, « à écouter » : depuis son enfance en Suisse, Thomas Hauert est fasciné
par ces programmes qui nous font accéder à des mondes sans images. Pour sa nouvelle création, il est entouré du
compositeur Fredy Vallejos, rencontré à l’Ircam lors de l’académie ManiFeste-2012, d’une altiste et de sept danseurs
de sa compagnie. Ensemble, ils inventent une pièce polyphonique et abstraite, où les sons et les mouvements dessinent
un nuage de sensations. Court-circuiter nos pensées, notre raison Stimuler nos corps par immersion et empathie
Entre improvisation et composition, le chorégraphe nous invite à apprivoiser la volatilité de nos consciences.
En collaboration avec l’Ircam. www.zoo-thomashauert.be

Dédiée à la créativité, la diversité et la vitalité du « graphisme en France », cette soirée est organisée à l’occasion du
vingtième anniversaire de la revue du même nom, éditée chaque année par le Centre national des arts plastiques
(CNAP). Elle s’inscrit dans une programmation d’événements qui se déroule pendant toute l’année 2014 et réunit, en
présence des contributeurs de la revue, l’ensemble des acteurs de la scène française du graphisme contemporain.
En coproduction avec le CNAP.
Inspiré par le premier club de plongée sous-marine fondé en 1934 par le réalisateur Jean
Painlevé et le commandant Yves Le Prieur, le Club des Sous l’Eau est un collectif composé
d’artistes, d’historiens d’art et d’amateurs. Au cours de cette séance, au croisement du
cinéma scientifique et expérimental, l’aquarium et le scaphandre sont envisagés comme
des dispositifs générant un autre rapport au réel.
Séance présentée par Fanny Schulmann (historienne de l’art) et Gallien Déjean
(critique et commissaire d’exposition).

L’Encyclopédie des guerres
(55 e séance)
Entrée « Joie », extrait : « Le canon me semblait la voix de Bonaparte, et, tout enfant que j’étais, quand il grondait, je
devenais rouge de plaisir, je sautais de joie, je lui battais des mains, je lui répondais par de grands cris. Ces premières
émotions préparèrent l’enthousiasme exagéré qui fut le but et la folie de ma vie. » Alfred de Vigny (1797-1863), Servitude
et grandeur militaire, Livre troisième, ch. 3, in Œuvres complètes, Alphonse Lemerre, éditeur, Paris, 1884.
Personnes sourdes.
Visite en langue des signes
dans l’exposition
« Henri Cartier-Bresson »
Modernités plurielles (6).
En quête d’universalité. Cycle
de 6 séances, sur inscription.
Sarajevo.
Cycle Imaginaire des villes –
Regards de cinéastes
et d’artistes sur la ville.
Dans le cadre du Printemps
balkanique.
Thomas Hauert
et Fredy Vallejos.
MONO
Rencontre
avec Thomas Hauert.

Thomas Hauert
et Fredy Vallejos.
MONO
Dans sa recherche sur le mouvement, Thomas Hauert demeure fasciné par les tensions fécondes entre liberté et
contrainte, individu et groupe, ordre et désordre, forme et informe. Créateur, il est tout autant pédagogue, puisque ces
deux missions sont pour lui étroitement liées. Danseur et chorégraphe, Thomas Hauert est le directeur artistique de la
compagnie ZOO avec laquelle il a créé une vingtaine de spectacles.
À l’issue de la représentation de MONO, rencontre avec Thomas Hauert, la Compagnie ZOO et Serge Laurent,
programmateur des Spectacles vivants, pour une conversation et un échange avec le public.
Cycle Imaginaire des villes – Regards de cinéastes et d’artistes sur la ville. Le siège de Sarajevo fut le plus long de
l’histoire de la guerre moderne. Alors que toutes les caméras du monde ont détourné leurs objectifs, qui sont aujourd’hui
les Sarajéviens Comment se projeter dans le futur lorsque les fondements de la société ont éclaté Cette séance fait
parler la mémoire des habitants, évoque leurs espoirs et leurs doutes dans une ville en pleine mutation. Une quête
cinématographique pour dévoiler une image contemporaine de Sarajevo.
Sarajéviens (2013, 104’),
de Damien Fritsch
(en avant-première),
suivi d’une rencontre
avec le réalisateur
et avec, sous réserve,
Jean Hatzfeld (journaliste
et écrivain).
En collaboration
avec le Printemps
balkanique /
Entrée libre

Press start. Festival
du jeu vidéo. Du 12 avril
au 12 mai.
« Un jardin
numérique » (6-12 ans,
en famille)
« Un jardin numérique »
(6-12 ans, en famille)
Exposition
« Henri Cartier-Bresson »
3-5 ans, en famille. Pour fêter le printemps, l’Atelier des
enfants se transforme en jardin atypique. Jardiniers ou
paysagistes, les enfants, à l’aide de matériaux peu ordinaires,
créent des plantes et composent des parcelles qui
évoluent de jour en jour. Sur une idée de l’artiste Christophe
Dalecki, des plantes en plastique voient le jour sous
la main des tout petits et de leurs parents. Passoires, pinces
à linge et autres objets du quotidien servent de
matière première pour la création d’essences extravagantes.
6-12 ans. À travers un jeu de l’oie réinventé, Laureline
Galliot, jeune designer, propose aux plus grands d’expérimenter
la réalité augmentée dans laquelle se superposent
images virtuelles et éléments réels. Le jardin se
compose au fil du jeu, entre la 2D et la 3D, les arts plastiques
et les arts numériques.
Exposition « Henri Cartier-
Bresson »
« Un jardin en plastique »
(3-5 ans, en famille)
« En rimes et en couleurs »
(3-5 ans, en famille)
Balades au musée
« Un jardin en plastique »
(3-5 ans, en famille)
Balades au musée
Festival du jeu vidéo. Le jeu vidéo sous toutes ses formes
prend possession de la bibliothèque. Dédiée aux aspects
cachés de la création de jeu vidéo, cette manifestation,
gratuite et ouverte à tous, propose ateliers et démonstrations,
temps de jeux, et rencontres avec des créateurs et
experts ! Venez découvrir les aspects conceptuels, techniques,
créatifs de cet univers, ainsi que ses nouvelles
tendances. Programme détaillé sur www.bpi.fr

Poursuivant la série « Cinéastes en correspondance », le
Centre Pompidou présente la correspondance filmée
entre Wang Bing et son ami Jaime Rosales. Le premier est
reconnu depuis À l’ouest des rails (2004) comme l’un des
cinéastes contemporains les plus importants sur la scène
internationale. Le second a réalisé à ce jour quatre longs
métrages, présentés dans les plus grands festivals, dont
Rêve et silence, au Festival de Cannes, en 2012. Parallèlement
aux rétrospectives intégrales que le Centre Pompidou
propose de l’œuvre des deux cinéastes, Wang Bing
présente une installation inédite et des œuvres créées
exclusivement pour l’événement. Pour l’ouverture – qui
réunit, chose rare !, les deux artistes – sont projetés Red
Land, la lettre de Jaime Rosales à Wang Bing, ainsi que
Les Trois sœurs du Yunnan, de Wang Bing, qui retrace le
Projection de
la Correspondance filmée entre
Wang Bing et Jaime Rosales
et installations inédites
de Wang Bing.
Press start. Festival
du jeu vidéo
« Un jardin numérique »
(6-12 ans, enfant seul)
quotidien de Ying Ying et de ses deux sœurs dans les très hautes montagnes chinoises.
Red Land (2011, 20’), de Jaime Rosales / Les Trois sœurs du Yunnan (2013, 153’),
de Wang Bing, en avant-première / Séance d’ouverture présentée par Wang Bing
et Jaime Rosales / Cinéastes en correspondances, du 14 avril au 26 mai
« Un jardin en plastique »
(3-5 ans, en famille)
Les philosophes
et l’écologie.
Cinéastes en correspondances.
Séance d’ouverture
présentée par Wang Bing
et Jaime Rosales. Red Land
(2011, 20’), de Jaime Rosales /
Les Trois sœurs du Yunnan
(2013, 153’), de Wang Bing,
en avant-première.
Séance semi-publique.

Projection et installations.
« Un jardin
numérique » (6-12 ans,
enfant seul)
« Un jardin en plastique »
(3-5 ans, en famille)
Christopher MacLaine.
Exposition « Henri Cartier-
Bresson »
Le cinéma de Christopher MacLaine (1923-1975) est sans
doute l’expression la plus proche de la sensibilité du
mouvement beat californien à son origine. Tombé dans la
misère et dans l’oubli, il ne réalisa que quatre films à San
Francisco dans les années 1950. Défendu par Stan
Brakhage qui considérait Scotch Hop (1959) comme son
ultime chef-d’œuvre, son nom reste associé à son premier
film The End (1953) dans lequel il s’improvise prophète de
la fin des temps.
Projection et installations.
« Un jardin
numérique » (6-12 ans,
enfant seul)
« Un jardin en plastique »
(3-5 ans, en famille)
L’économie collaborative.
Rêve et silence (2012, 110’),
de Jaime Rosales. Projection
suivie d’une rencontre entre
Jaime Rosales et Edouard
Waintrop (sous réserve)
Jaime Rosales s’est fait connaître en 2009 avec Un tir dans la tête, qui relatait les attentats
de Madrid de façon assez polémique. Thème cher au réalisateur espagnol : l’irruption
de la violence et de la mort dans le quotidien. Rêve et silence, qui évoque, dans un noir et blanc travaillé, le deuil
d’une famille après la mort accidentelle d’une fillette, s’inscrit dans ce questionnement. « Pour Rosales, une fiction est
plus que jamais la somme de différentes expériences artistiques. Il le prouve avec ce film taillé dans le granit, où son
geste de ciseleur s’ajuste
au mystère d’un rêve de
pierre », écrivait Sandrine
Marquès à propos de Rêve
et silence (Le Monde, 2
octobre 2012). Rêve et
silence (2012, 110’), de
Jaime Rosales / Séance
suivie par une rencontre
entre Jaime Rosales et,
sous réserve, Edouard
Waintrop.

Projection et installations.
entre Wang Bing
et Georges Didi-Huberman
(sous réserve)
Le Centre Pompidou consacre au photographe français Henri Cartier-Bresson, figure emblématique de l’art moderne,
la première grande rétrospective présentée en Europe. En réunissant plus de trois cent cinquante tirages, films, documents
et archives, cette exposition inédite propose une relecture des grands événements du 20 e siècle à travers le
regard de celui que l’on surnomme « l’œil absolu ». Si la plupart des chefs-d’œuvre et des images emblématiques de
Cartier-Bresson sont présentés dans l’exposition, celle-ci met également en lumière des aspects moins connus de son
œuvre : l’engagement politique du photographe, son travail de fond sur quelques-unes des grandes questions de
société de la seconde moitié du 20 e siècle, mais aussi un regard plus intimiste et sa passion pour la peinture et le dessin.
« Un jardin
numérique » (6-12 ans,
enfant seul)
« Un jardin en plastique »
(3-5 ans, en famille)
L’homme sans nom (2009, 92’),
de Wang Bing. Projection
suivie par une rencontre

Projection et installations.
« Un jardin
numérique » (6-12 ans
en famille)
Exposition « Henri Cartier-
Bresson »
« Un jardin en plastique »
(3-5 ans en famille)
Un tir dans la tête (2009, 85’),
de Jaime Rosales. Séance
présentée par Jaime Rosales
Balades au musée
Projection et installations.
« Un jardin numérique »
(6-12 ans, en famille)
Exposition « Henri Cartier-
Bresson »
« Un jardin en plastique »
(3-5 ans, en famille)
La Soledad (2007, 135’),
de Jaime Rosales. Séance
présentée par Jaime Rosales
Balades au musée
Fengming chronique
d’une femme chinoise
(2007, 192’), de Wang Bing.
Séance présentée
par Wang Bing
Le Chinois Wang Bing et l’Espagnol Jaime Rosales se connaissent depuis leur séjour à
Paris, à la Cinéfondation, en 2004. Si leurs échanges sont irréguliers, leur complicité
perdure et constitue le socle de leur correspondance filmée. Tout au long de leur discussion
publique, ils évoqueront leur travail de cinéaste, leur approche de sujets contemporains,
leurs styles. En amont de ce rendez-vous rare, Jaime Rosales présente Un tir dans
la tête, projeté à 15h30, son film le plus emblématique à ce jour, sur les attentats de
Madrid. Wang Bing a choisi de montrer Le Fossé, projeté à 20h30, son unique fiction, qui
dévoile le quotidien des camps de « rééducation » mis en place par le régime maoïste
dans le désert de Gobi à la fin des années 1950. Rencontre entre Wang Bing
et Jaime Rosales, autour de leur Correspondance filmée, présentée
au Centre Pompidou jusqu’au 26 mai prochain.
Rencontre entre Wang Bing
et Jaime Rosales, autour
de leur Correspondance filmée.
Le Fossé (2010, 113’),
de Wang Bing. Séance
présentée par Wang Bing

Projection et installations.
« Un jardin
numérique » (6-12 ans,
enfant seul)
« Un jardin en plastique »
(3-5 ans, en famille)
Las Horas del dia (2003, 103’),
de Jaime Rosales. Séance
présentée par Jaime Rosales
Projection et installations.
« Un jardin
numérique » (6-12 ans,
enfant seul)
« Un jardin en plastique »
(3-5 ans, en famille)
Rune Islam.
Exposition « Henri Cartier-
Bresson »
À travers des films généralement exposés sous forme
d’installation, l’artiste anglaise Runa Islam réinvestit les
modes de représentation et de perception, explore les
bouleversements formels et conceptuels introduits par le
médium filmique et le langage cinématographique. Runa
Islam élabore une œuvre référencée et structurée autour
des expériences de la vision. Séance commentée
par Runa Islam.
Orchestrant des rencontres sans précédent entre les
chefs-d’œuvre parmi les plus célèbres de la collection du
Centre Pompidou - de Matisse à Foujita, de Mondrian à
Frida Kahlo, de Picasso à Kupka - et un grand nombre
d’œuvres inédites, le parcours proposé par « Modernités
plurielles » dans les collections du Centre Pompidou rassemble
plus de 1 000 œuvres de 400 artistes représentant
47 pays, dans tous les champs de la création : arts plastiques,
photographie, cinéma, architecture, design… Cette
présentation dessine une cartographie des connexions,
des influences croisées et des résistances qui traversent
toute l’aventure de la modernité et offre une relecture de
l’histoire de l’art moderne, mondiale et ouverte. Elle
plonge le visiteur au cœur de la diversité exceptionnelle
des formes artistiques du 20 e siècle.

Projection et installations.
« Un jardin numérique »
(6-12 ans, enfant seul)
« Un jardin en plastique »
(3-5 ans, en famille)
L’économie collaborative.
Peter Miller
Saviez-vous que les astronautes de la Nasa ont laissé douze caméras Hasselblad 500C sur la Lune entre 1969 et 1972,
emportant uniquement les films réalisés pour éviter le surpoids sur leur chemin de retour vers la Terre En jouant avec
des trucages utilisés dans l’industrie cinématographique, l’artiste américain Peter Miller (*1978) défie les lois de la
gravité et nous emmène sur la Lune (On the Logic of Dubious Historical Accounts, 1969-1972, 2008). Il réalise également
des films avec des projecteurs (Projector Obscura, 2005) et des performances ressemblant à des tours de magie, toujours
inspirées de l’univers du film. Diplômé de l’Art Institute de Chicago, Peter Miller vit et travaille actuellement à
Paris grâce à une résidence à la Cité des Arts, après avoir bénéficié de résidences à Vienne (Fulbright Fellow), à Cologne
(DAAD), ainsi qu’au Pavillon / Palais de Tokyo. Ses films sont présentés dans le cadre de nombreux festivals internationaux,
dont la Viennale à Vienne et les festivals internationaux de Londres, Rotterdam et Toronto.

Projection et installations.
« Un jardin
numérique » (6-12 ans,
enfant seul)
« Un jardin en plastique »
(3-5 ans, en famille)
Valérie Mréjen.
Trois hommes verts.
S’inspirant des bruiteurs et de leur façon de reproduire des sons, Valérie Mréjen révèle la face cachée des objets dans
un conte poétique et familial. Un enfant endormi rêve que trois extraterrestres voyagent à bord d’une soucoupe volante
et débarquent sur Terre. Émergeant de leur engin spatial, ils découvrent des objets de la vie quotidienne dont ils ne
connaissent pas l’usage : des ustensiles, des outils, des aliments… Intéressés, ils cherchent à comprendre toutes ces
choses. Au cours de leurs essais et manipulations, ils produisent des sons correspondant à des phénomènes bien
connus des Terriens : le feu, la pluie, le vent… Dans son sommeil, l’enfant intègre ces bruits et se projette en rêve dans
des situations inattendues, au milieu des objets qui ont changé d’échelle. Son rêve animé se réalise sous nos yeux.
À partir de 5 ans. www.valeriemrejen.com
Trois films courts pour poursuivre la correspondance filmée
entre Wang Bing et Jaime Rosales : T4 – Barajas
Puerta J 50, de Jaime Rosales, est une séquence volubile et
faussement légère, filmée dans un aéroport, Happy Valley,
la réponse de Wang Bing, évoque le quotidien d’une
famille de paysans dans les montagnes du Yunnan, et Red
Land, ultime réponse de Rosales, se déroule dans un site
industriel désaffecté, devenu un repère de touristes.
Projection de la Correspondance filmée entre
Wang Bing et Jaime Rosales et installations inédites
de Wang Bing. Entrée libre

Projection et installations.
« Un jardin numérique »
(6-12 ans, en famille)
Exposition
« Henri Cartier-Bresson »
« Un jardin en plastique »
(3-5 ans, en famille
L’Argent du charbon (2009, 52’),
de Wang Bing. Séance
présentée par Valérie Mréjen.
Balades au musée
Session Valérie Mréjen
(2). Parcours dans le Centre
Pompidou, scénarisé
par Valérie Mréjen.
Valérie Mréjen.
Trois hommes verts
Projection et installations.
À l’Ouest des rails (2004, 551’),
de Wang Bing.
Séance présentée Wang Bing
et Jaime Rosales
« Un jardin numérique »
(6-12 ans, en famille)
Exposition
« Henri Cartier-Bresson »
« Un jardin en plastique »
(3-5 ans, en famille)
Balades au musée
Valérie Mréjen.
Trois hommes verts
Projection et installations.
Cycle Mutation :
enjeux internationaux.
Sur le parcours du charbon, des mines du Shanxi au grand
port de Tianjin, des chauffeurs au volant de camions de
cent tonnes surchargés font la route, de nuit et de jour. Au
bord du chemin : prostituées, flics, rançonneurs, garagistes,
mécaniciens. Produit dans le cadre de la série,
« L’usage du Monde », initiée par Stéphane Breton et le
musée du quai Branly, L’Argent du charbon est présenté
par Valérie Mréjen, qui intervient toute la journée dans le
cadre de la Session que le Centre Pompidou lui consacre.
L’Argent du charbon (2009, 52’), de Wang Bing.
Séance présentée par Valérie Mréjen.
Inachevés et projetés en l’état, les films présentés dans ce programme trouvent leur
unité dans la simple addition des éléments non montés, non identifiés, voire oubliés par
les cinéastes eux-mêmes. Witch’s Cradle rassemble les prises de vue tournées en 1943
par Maya Deren, avec la complicité de Marcel Duchamp ; Aleph (1956-1966), de Wallace
Berman - membre de la « beat generation » - est désormais complété par Artifactual
(2007), une compilation posthume des archives privées de l’artiste.
Séance présentée par Enrico Camporesi (doctorant en cinéma, Paris 3).

Première grande rétrospective, en France, de l’œuvre de l’architecte et théoricien Bernard
Tschumi, l’exposition présente près de 300 œuvres originales dont une grande
partie d’inédits jamais exposés. À travers une scénographie conçue spécialement par
l’architecte, le visiteur est invité à découvrir ses plus importants projets, avec les dessins,
maquettes, croquis et collages originaux qui ont présidé à leur conception. Les
Projection et installations.
L’oubli numérique.
« Le laboratoire
des matériaux »
(enfant seul, 6-12 ans)
« Voyage
sonore au Centre Pompidou »
(3-5 ans, en famille)
Maya Deren / Wallace Berman.
Inachevés
Exposition
« Henri Cartier-Bresson »
thèmes qui structurent l’exposition explorent une définition de l’architecture, non pas du point de vue du style, mais à
partir d’une série d’arguments conceptuels qui trouvent leur origine dans le cinéma, la littérature, les arts plastiques
ou la philosophie. « Il n’y a pas d’architecture sans idée ou concept, écrit Bernard Tschumi, tout comme il n’y a pas d’architecture
sans mode de notation. L’architecture n’est pas connaissance de la forme, mais une forme de connaissance. »
La pratique de Bernard Tschumi a radicalement renouvelé les méthodes de conception architecturale. Bernard
Tschumi a notamment contribué à introduire le concept de déconstruction dans le champ de l’architecture ce qui aura
une répercussion déterminante sur la production et la théorie architecturale aux États-Unis.
Ressenties comme « volatiles », les données numériques sont bien pérennes. « Personnelles », elles engendrent un
débat et des prises de position sur le « droit à l’oubli ». Après la présentation d’une synthèse du travail mené en partenariat
avec Wikimédia France, le Centre Pompidou invite trois experts à discuter des logiques de flux et de persistance
pour tenter de comprendre en quoi Internet est, ou non, le lieu de l’oubli.

JUSQU’AU 3 MARS
12 FÉVRIER - 9 JUIN
14 MAI - 22 SEPTEMBRE
19 FÉVRIER - 10 MARS
30 AVRIL - 28 JUILLET
JUSQU’AU 31 MARS
16 ET 17 JANVIER
10 - 26 JANVIER
19 FÉV. - 10 MARS
27 ET 28 MARS
20 - 30 MARS 2014
JUSQU’À FIN JANVIER 2015
14 AVRIL - 26 MAI
JUSQU’AU 8 AVRIL
JUSQU’AU 17 MARS
JUSQU’AU 2 FÉVRIER
15 MARS - 4 MAI
12 AVRIL - 22 SEPTEMBRE

14 MAI - 22 SEPTEMBRE
24 SEPTEMBRE - 5 JANVIER 2015
26 NOVEMBRE - 27 AVRIL 2015
30 AVRIL - 28 JUIL.
2 JUILLET - 8 SEPTEMBRE
2 JUILLET - 8 SEPTEMBRE
8 OCTOBRE - 5 JANVIER 2015
8 OCTOBRE - 5 JANVIER 2015
15 OCTOBRE - 12 JANVIER 2015
15 OCTOBRE - 24 NOVEMBRE
JUSQU’À FIN JANVIER 2015
À PARTIR DU 2 JUILLET
12 AVRIL - 22 SEPTEMBRE
18 OCTOBRE - MARS 2015

14 MAI - 22 SEPTEMBRE
24 SEPTEMBRE - 5 JANVIER 2015
26 NOVEMBRE - 27 AVRIL 2015
30 AVRIL - 28 JUIL.
2 JUILLET - 8 SEPTEMBRE
2 JUILLET - 8 SEPTEMBRE
8 OCTOBRE - 5 JANVIER 2015
8 OCTOBRE - 5 JANVIER 2015
15 OCTOBRE - 12 JANVIER 2015
15 OCTOBRE - 24 NOVEMBRE
JUSQU’À FIN JANVIER 2015
À PARTIR DU 2 JUILLET
12 AVRIL - 22 SEPTEMBRE
18 OCTOBRE - MARS 2015

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« Un dimanche, une œuvre »
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et dédiée par l’intermédiaire
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ou artiste**** : 22€
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par Martial Raysse. L’artiste a choisi
d’illustrer la carte avec Yolanda,
œuvre réalisée en 2011.

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Seul, en famille ou entre amis, il y a
mille façons de découvrir l’art
moderne et la création contemporaine
:
- lors d’un parcours au musée en
écoutant un conteur dévoiler les
secrets de « Modernités plurielles »,
- en atelier, en libérant son imagination
pour réinventer un objet quotidien
plus Dada que Dada,
- à l’occasion d’une rencontre au
Studio 13/16, en partageant avec un
artiste une expérience collective de
création.
De la Galerie des enfants au Studio
13/16, en passant par l’Atelier des
enfants, le Centre Pompidou propose
des activités pour tous et pour tous
les goûts !
Un parcours inédit pour découvrir
l’univers de Frida Kahlo, icône de
l’art moderne mexicain. Grâce à des
dispositifs interactifs et ludiques
scénographiés par les Sismo Designers,
traversez l’œuvre et la vie de
de Frida Kahlo autour des thèmes de
la famille, la nature, la douleur, le
voyage, Diego Rivera et l’autoportrait.
En partenariat avec l’Instituto
Guerrerense de la Cultura, Guerrero,
Mexique.

En famille. Guidés par des jeux de
devinettes et grâce au pouvoir évocateur
de séquences sonores, découvrez
le bâtiment et ses mystères : les
tuyaux colorés, les gerberettes qui
s’assemblent comme un meccano
géant, la vue du 6 e étage avec la tour
Eiffel et les bruits de la ville…
En famille. À partir d’accessoires et
de tissus à rayures, à taches, à pois,
inventez un animal à dorloter. La
visite du musée met l’accent sur
l’étrangeté des animaux créés par
les artistes, leur part de rêve et leurs
formes hybrides.
En lien avec l’exposition « Le Surréalisme
et l’objet »
En famille. Les z’hybrides sont des
créatures mi-mi : mi-bêtes, mihommes,
mi-objets, nées de l’association
de mots-valises et de mots
composés. À partir d’objets, d’ustensiles,
de silhouettes, l’atelier fait
surgir un monde surprenant : brosse
à talons, chaussure à cheveux ou
cafetière ailée… une faune surréaliste
emménage à l’Atelier des
enfants.
En lien avec l’exposition « Henri
Cartier-Bresson »
En famille. Créer des mises en
scène, cadrer, mettre en lumière…,
toute une série d’exercices ludiques
pour aiguiser le regard avant le dernier
clic et la découverte d’une
sélection de photographies dans
l’exposition. Un atelier pour ne pas
garder les yeux au fond de sa poche !
En famille. Comment parler d’art
quand on n’a que trois ans En atelier,
les enfants et leurs proches
expérimentent les ressources de leur
créativité, découvrent les secrets du
musée. Les œuvres se racontent et
les mystères se dévoilent !
En famille. À travers des jeux sonores,
des rythmes, l’interprétation de
partitions visuelles ou d’extraits
musicaux joués en direct par une
musicienne, petits et grands découvrent
des œuvres de Pablo Picasso,
de Fernand Léger, d’Yves Klein… et
les sonorités musicales qui leur sont
associées.
En famille. Pour les tout-petits et
leurs proches, une rencontre avec les
œuvres du musée entre poésie et
arts plastiques. En jouant avec les
sonorités et les rythmes, la conteuse
débusque, avec la complicité des
enfants, les poésies nichées au cœur
des œuvres. Découvrez en famille les
« Bleus » de Miró, les papiers gouachés
de Matisse, les mobiles de Calder…
associés aux mots chuchotés,
clamés ou mimés de Paul Verlaine,
Eugène Guillevic, Andrée Chedid…
En famille. Un comédien globetrotter
part à la découverte des
œuvres et des artistes du monde
entier. Les formes, les couleurs, les
images, mais aussi les odeurs composent
un carnet de voyage aux quatre
coins du musée ! Avec les artistes
de tous les continents : Zao Wou-Ki
(Asie), Marcel Gotene (Afrique),
Mario Garcia Torres (Amérique),
Sonia Delaunay (Europe)…

Enfant seul. La main réagit au
matériau et le matériau réagit à la
main. Les enfants sont invités à
construire une installation collective
à l’échelle du corps. Tel un microscope,
une caméra filme alors en gros
plan les matériaux manipulés et
projette leur image en temps réel…
Dans ce laboratoire, la matière est
en champ-contrechamp ! Fils,
résilles de plastique et frisures de
papier : chaque mois un nouveau
matériau !
En famille. Au cœur de cet atelier se
trouve une vidéo ou un film de la collection
du Centre Pompidou. L’histoire
racontée par le réalisateur est
le point de départ d’une aventure
plastique à construire en famille.
Avec des ciseaux, du papier, de l’encre
ou tout autre matériau à inventer,
à vous de plonger au cœur du film
pour en proposer une nouvelle
dimension. Ce trimestre avec la
vidéo Der Lauf der Dinge (1986-
1987), de Peter Fischli et David
Weiss,
En famille. Embarquez pour un
voyage inédit au cœur du Centre
Pompidou ! Le collectif Åbäke et les
élèves de la Haute école d’art et de
design de Genève ont imaginé pour
vous des explorations créatives et
sensibles dans les méandres de ce
bâtiment intriguant ! À votre retour
dans l’Atelier des enfants, la base
vie de l’exploration, construisez le
récit plastique de ce voyage.
En lien avec l’exposition « Le Surréalisme
et l’objet »
En famille. Tel le jeu inventé par les
surréalistes, cet atelier invite à une
échappée dans l’imaginaire. En
composant des phrases, des dessins
ou des objets de façon collective, le
réel se réinvente au hasard des rencontres
insolites réalisées pendant
l’activité.
En lien avec l’exposition « Donation
Florence et Daniel Guerlain »
En famille. Cet atelier invite à redécouvrir
le dessin puis à s’engager, en
mouvement, dans une recréation
collective !

Fauteuil Louis Ghost (Philippe
Starck), Fantôme de vigne (Victor
Brauner), Ville fantôme (Kingelez),
Ghost Drump Set (Claes Oldenburg)…
toutes ces créations que l’on peut
découvrir au musée parlent de fantômes.
En voyageant dans le Centre
Pompidou, d’autres fantômes plus
cachés peuvent apparaître au détour
d’un escalator, d’un ascenseur, d’un
couloir, d’une coursive… À quoi ressemblent-ils
Où déambulent-ils
Sont-ils l’esprit des lieux, celui des
œuvres, des artistes
Programme conçu avec Åbäke, en
collaboration avec les élèves de la
Haute école d’art et de design de
Genève.
Autour de l’œuvre du plasticien
Christophe Dalecki, construisez en
famille des plantes expérimentales à
partir d’un mélange d’objets du quotidien,
choisis dans un camaïeu de
vert. Fleurs, lianes, herbes folles,
cactus… poussent au fil des jours,
jusqu’à devenir le « fantastique jardin
tout en plastique ».
Qui n’a jamais rêvé de se promener,
comme Alice, dans un excentrique
jardin plein de surprises C’est ce
que propose Laureline Galliot, jeune
designer, dans cet atelier en réalité
augmentée où le virtuel se superpose
au réel, la 2D à la 3D. Grâce à
des tablettes numériques, en se promenant
dans ce jardin unique et
éphémère, observez les graines virtuelles
pousser, écoutez les plantes
qui chuchotent… Attention ! Vous
avez été transformé en champignon
géant !
Le premier dimanche de chaque
mois, le musée national d’art
moderne et la Galerie des enfants
sont gratuits pour tous, l’occasion de
découvrir en famille la création
contemporaine sous toutes ses formes
autour d’un événement participatif
à l’Atelier des enfants.
en lien
avec l’exposition « Le Surréalisme et
l’objet ».
en lien avec l’exposition-atelier
« Frida et moi ».
dans le cadre
du Printemps des poètes avec la
complicité de la Compagnie Musique
à ouïr et de Valérie Jeanne.
avec
Pierre Vanni et les étudiants de 3 e
année du Nouveau département de
l’ENSA de Nancy.

En 2014, le Studio 13/16 est ouvert
toute l’année ! Les mercredis, samedis
et dimanches et tous les jours
pendant les vacances scolaires (sauf
les mardis), ce lieu dédié aux ados de
13 à 16 ans propose workshops thématiques,
rencontres avec des artistes
et personnalités notoires dans
leurs disciplines, soirées Studio
Party ou bien encore ateliers autour
des œuvres de la collection du
musée. Grâce à son espace lounge, le
Studio 13/16 est aussi le lieu idéal
pour se donner rendez-vous entre
amis, découvrir des installations
artistiques, écouter de la musique…
ou simplement être le spectateur
privilégié de la programmation en
cours.
Le Studio 13/16 vous invite à venir
créer des films en stop motion
– technique d’animation image par
image – dont les héros sont des personnages
imaginaires venus des
quatre coins de la galaxie pour
découvrir le vaisseau spatial du
Centre Pompidou… Avec une idée,
un crayon, de nombreuses feuilles de
papier, une dose de patience, une
caméra, venez dessiner ces étranges
visiteurs en croquant leurs comportements,
leurs postures. Donnezleur
vie en papier découpé ou en
post-it, réalisez-les en pixilation ou
en volume… Chaque semaine un
réalisateur de film d’animation ou
un artiste vous accompagne pour
créer une séquence. Inventez votre
scénario, donnez vie à vos idées et
passez à l’action !
« On n’est pas sérieux quand on a
17 ans », par la compagnie François
Stemmer
Seventeen est une pièce sur l’adolescence
jouée par des adolescents.
Après les auditions de l’automne
2013 au Studio 13/16, le temps de la
restitution est venu. Place aux mots,
au mouvement, au corps, à l’univers
d’Arthur Rimbaud, à la musique de
David Bowie qui vous transporte
vers de nouvelles énergies. Place à
cette part simple de vie que vous
offrent huit jeunes interprètes.
Prenez place autour du plateau de la
première émission enregistrée en
direct au Studio 13/16 ! Aux commandes
de Radio 13/16 : une équipe
de jeunes vrais-faux reporters et
rédacteurs en herbe.
Pendant sept semaines, le Studio
13/16 vous donne la mesure… voire
la démesure ! Grâce à une série
d’installations artistiques immersives
et interactives, « EXTRA ! » vous
plonge au cœur d’expériences où,
depuis l’extramicroscopique jusqu’à
l’extralarge, les propositions des
artistes invités n’obéissent qu’à un
seul mot d’ordre : vous entraîner
dans des univers forcément extraordinaires.
Au cours des workshops
« do it yourself », à vous d’apporter
votre touche d’extra. Avec
« EXTRA ! » rien d’ordinaire, que de
l’extravagance !

Pour découvrir le parcours des collections
du Musée.
Des conférenciers du Centre Pompidou
vous accueillent pour vous faire
visiter les collections d’une manière
originale.
« Le Surréalisme et l’objet »
« Henri Cartier-Bresson »

Le Pôle Accessibilité propose une
palette d’actions éducatives conçues
pour répondre à différentes situations
de handicap et permettre la
rencontre de tous les publics autour
des œuvres d’art.
Le conférencier, par ses commentaires
et ses descriptions
détaillées, donne à voir des œuvres
de l’exposition et éclaire la démarche
des artistes.
- Exposition « Le Surréalisme et
l’objet »
- Musée, nouvel accrochage
« Modernités plurielles »
- Exposition « Henri Cartier-Bresson
»
Le conférencier, spécialisé
dans les techniques de diction,
propose aux publics malentendants
une découverte de l’exposition,
en utilisant une ardoise visible
de tous.
- Exposition « Le Surréalisme et
l’objet »
- Musée, nouvel accrochage
« Modernités plurielles »
- Exposition « Henri Cartier-Bresson
»
Le conférencier, sourd, s’exprime
en langue des signes
pour présenter l’exposition, permettant
une découverte visuelle des
œuvres et de la scénographie.
- Exposition « Le Surréalisme et
l’objet »
- Musée, nouvel accrochage
« Modernités plurielles »
- Exposition « Henri Cartier-Bresson
»
- Exposition « Henri Cartier-Bresson
»
Une histoire de l’art en live, devant
les œuvres, une promenade à travers
les chefs-d’œuvre de l’art moderne
et contemporain de la collection du
Centre Pompidou.
Cycle « Modernités plurielles »
La modernité artistique ne peut plus
aujourd’hui être considérée comme
un phénomène exclusivement occidental.
Ainsi, le nouvel accrochage
de la collection moderne du Centre
Pompidou propose-t-il une approche
ouverte et enrichie de l’art de
1905 à 1970, où tous les continents
sont représentés. En six séances, une
traversée des collections, qui est
aussi une traversée du monde.
Par Morgane Elbaz, conférencière au
Centre Pompidou.
Ces conférences sont l’occasion de
porter un regard approfondi et singulier
sur une œuvre choisie dans les
collections du Musée, par un artiste,
un conservateur, un écrivain, un historien
ou un critique d’art.
Ismaël de la Serna, Europe,
vers 1935. Par Philippe Dagen,
historien et critique d’art,
professeur d’histoire de l’art,
Université Paris 1 – Panthéon
Sorbonne
Georges Yakoulov, Sulky,
1919. Par Jean-Claude Marcadé,
historien et critique d’art
Marcel Duchamp /
Mimi Parent, La Boîte alerte
(Missives lascives), 1959-1960.
Par Jean-Michel Goutier, écrivain
Ils éclairent sur la démarche des
artistes, renseignent sur un mouvement
ou un thème de manière sensible
et documentée. Connaisseurs et
néophytes pourront puiser dans ces
quelque 150 dossiers de quoi étancher
leur soif de savoir. Les enseignants
y trouveront des ressources
pour leurs cours d’histoire des arts.
À paraître :
- Henri Cartier-Bresson
- Bernard Tschumi
- Hors pistes 2014
- Wang Bing et Jaime Rosales.
Cinéastes en correspondance
- La nouvelle abstraction dans
les années 1940-1950
Retrouvez en ligne les dépliants de
toutes les expositions.
Conférences en ligne, pour le public
aveugle.

Langues : français, anglais,
espagnol, italien et allemand.
L’audioguide propose des commentaires
sur 90 œuvres des collections.
Un parcours architecture propose
une lecture du bâtiment et de son
histoire.
Des parcours accompagnent également
la visite des expositions « Le
Surréalisme et l’objet » et « Henri
Cartier-Bresson ».

Grande salle : niveau -1
Petite salle : niveau -1
Cinéma 1 : niveau 1
Cinéma 2 : niveau -1
Collections permanentes
du Musée national d’art moderne :
niveaux 4 et 5 (accès par le niveau 4)
Atelier Brancusi :
place Georges-Pompidou, niveau 0
Galerie 1 et Galerie 2 : niveau 6
Galerie du Musée
et Galerie d’art graphique
(à l’intérieur du Musée) : niveau 4
Galerie sud, Espace 315, Galerie
des enfants et Mezzanine : niveau 1
Forum -1 : niveau -1

Atelier des enfants : niveau 0
Studio 13/16 : niveau -1
La boutique du Centre Pompidou : niveau 0
Librairies Flammarion : niveaux 0, 4 et 6
Café Mezzanine : niveau 1
Restaurant Georges : niveau 6
Vestiaire : niveau 0
Toilettes : niveaux 0, 4 et 6
Accès par la rue Beaubourg
Place Igor-Stravinsky

En partenariat avec
Production : Fondation d’entreprise
Galeries Lafayette.
Production : Les Spectacles vivants –
Centre Pompidou. Production déléguée:
Hélène Orjebin / silly buckets production
Production : Musée de la danse / Centre
chorégraphique national de Rennes et de
Bretagne – direction : Boris Charmatz.
Association subventionnée par le ministère
de la Culture et de la Communication
(direction régionale des Affaires cultu-
relles / Bretagne), la ville de Rennes, le
conseil régional de Bretagne et le conseil
général d’Ille-et-Vilaine.
L’Institut français contribue régulièrement
aux tournées internationales du
Musée de la danse.
Coproduction : Tanz im August (Berlin),
Kaaitheater (Bruxelles), Les Spectacles
vivants – Centre Pompidou, Paris, La
Bâtie-Festival de Genève et Bonlieu scène
nationale Annecy dans le cadre du projet
PACT bénéficiaire du FEDER avec le programme
INTERREG IV A France-Suisse
Production : association Achles. Coproduction
: festival Montpellier danse, Centre
national de la danse – Pantin, Centre
chorégraphique national de Franche-
Comté à Belfort, Le Cratère, scène nationale
d’Alès.
Avec le soutien de la fondation d’entreprise
Hermès, Tanzquartier à Vienne et
l’adc à Genève dans le cadre de Moduldance
– projet financé par le programme
culture de l’Union européenne, et la
Ménagerie de Verre dans le cadre des
Studiolabs.
Avec l’aide du Centre chorégraphique
national Montpellier Languedoc-
Roussillon.
Accueil studio CNDC, Centre national de
danse contemporaine d’Angers
L’Association Achles est subventionnée
par la préfecture de région Languedoc-
Roussillon – direction régionale des
Affaires culturelles et la région Languedoc-Roussillon
au titre de l’aide à la compagnie
conventionnée, la ville de
Montpellier.

David Wampach est artiste associé au
Cratère, scène nationale d’Alès pour les
années 2012, 2013 et 2014.
Coproduction « Soapéra, une installation
» : Les Spectacles vivants – Centre
Pompidou / Centre chorégraphique national
de Montpellier Languedoc-
Roussillon.
Coproduction « Soapéra », version théâtre
: festival Montpellier danse 2010 / Les
Spectacles vivants – Centre Pompidou /
festival d’automne – Paris / Künstlerhaus
Mousonturm Frankfurt et Tanzlabor_21 /
Centre chorégraphique national de Montpellier
Languedoc-Roussillon.
Œuvre de Dominique Figarella réalisée
dans le cadre de la commande publique du
ministère de la Culture et de la Communication
(direction générale de la création
artistique/direction régionale des Affaires
culturelles du Languedoc-Roussillon)
Podewil-Berlin et Berlin Senatsverwaltung
für Wissenschaft, Forschung und
Kultur.
« Heavens What Have I Done » bénéficie du
soutien de la Foundation for Contemporary
Arts
Production : Humarts Foundation et
Volksroom (Bruxelles). Coproduction :
Impulstanz (Vienne), Kaaitheater
(Bruxelles), Frascati (Amsterdam).
Production : Humarts Foundation
Production : Silly Buckets Production.
Avec le soutien de La Cartonnerie de
Reims. et la manifestation Les femmes
s’en mêlent. Coproduction : Les Spectacles
vivants – Centre Pompidou
Ce projet est né d’une rencontre entre
Thomas Hauert et Fredy Vallejos lors de
l’académie ManiFeste-2012 et est issu du
programme In Vivo / Ircam.
Production déléguée : red shoes | SOME
SHOES. Coproduction théâtre de Gennevilliers
– Centre dramatique national de
création contemporaine, Centre dramatique
national Orléans/Loiret/Centre, Les
Spectacles vivants – Centre Pompidou.
Commande Ircam, création. Production :
Ircam – Centre Pompidou.
Concert diffusé en direct sur France
Musique dans « Les lundis de la
contemporaine ».
Production : Le Kwatt et in situ productions.
Coproduction : SACD, et festival
d’Avignon 2001, pour « le vif du sujet ».
Avec le soutien de : TanzWerkstatt-Berlin,
Podewil-Berlin, Kaaitheater-Bruxelles
et le Senatverwaltung für Wissenschaft,
Forschung und Kultur-Berlin.
Remerciements : KunstenFestival des
Arts 2001 et Pierre Le Roy. Création : Festival
d’Avignon 2001 dans le cadre du « Vif
du Sujet » proposé par la SACD.
Production : in situ productions et Le
Kwatt. Coproduction : Substanz-Cottbus,
TIF Staatsschauspiel Dresden, fonds
Darstellende Künste e.v. aus Mitteln des
Bundesministeriums des Innern. Avec le
soutien de : TanzWerkstatt-Berlin,
Production : ZOO/Thomas Hauert. Coproduction
: Charleroi/Danses, Charleroi
(BE), Centre chorégraphique national de
Rillieux-la-Pape, direction Yuval Pick
(FR), Ircam / Les Spectacles vivants –
Centre Pompidou, Paris (FR), STUK kunstencentrum,
Louvain (BE). Avec le soutien
de : ministère de la Fédération Wallonie-
Bruxelles – service de la danse / Pro Helvetia
– Fondation suisse pour la culture /
Vlaamse Gemeenschapscommissie / Ein
Kulturengagement des Lotterie-Fonds
des Kantons Solothurn / Wallonie-
Bruxelles International.
ZOO est en résidence à Charleroi/Danses
et artiste associé au Kaaitheater à
Bruxelles.
Coproduction : Cité de la musique, Ircam
– Centre Pompidou. Dans le cadre de la 6 e
biennale de quatuors à cordes. Concert
diffusé sur France Musique le 27 janvier
à 20h dans « Les lundis de la
contemporaine ».
En partenariat avec La Semaine du Son

Production : studio-théâtre de Vitry.
Coproduction : Ircam – Centre Pompidou.
Avec l’aide à la production d’Arcadi. En
partenariat avec le CENTQUATRE.
Commande : Ircam – Centre Pompidou,
C.I.C.T./Théâtre des bouffes du nord,
ensemble intercontemporain. Production
: C.I.C.T./Théâtre des bouffes du nord.
Coproduction : Ircam – Centre Pompidou,
ensemble intercontemporain, opéra
théâtre de Saint-Étienne, LG Théâtre,
Grec-Festival de Barcelona.
© Éditions Durand – Universal Music
Publishing Classical.
Concert enregistré par France Musique.
Production :
Ircam – Centre Pompidou
En partenariat avec
Avec le soutien de
En collaboration avec
Istituto
Italiano
di
Cultura
Parigi
Merci à : Cineteca Nazionale, Rome,
Associazione Culturale Alberto Grifi,
Rome; Fondazione Baruchello, Rome;
MART, Rovereto; A-fondo Associazione
culturale, Turin; Museo Nazionale del
Cinema, Turin; Fondazione Pistoletto,
Turin; Tonino De Bernardi, Tristano Ferrero
et Ugo Nespolo ; Institut Culturel
Italien (Paris) ; Light Cone (Paris), Cinedoc
(Paris)
Merci à
Merci à
En partenariat avec la galerie Georges-
Philippe et Nathalie Vallois, Paris
En coproduction avec le Centre culturel
suisse
En coproduction avec le VIA
En partenariat avec la bibliothèque littéraire
Jacques Doucet, l’Institut universitaire
de France, le Centre Pompidou et
l’Association des lecteurs de Claude
Simon
En partenariat avec la Maison des écrivains
et de la littérature
Merci à Galerie Paris – Beijing et Lihong
Kong
En collaboration avec la galerie Art :
Concept, Paris, remerciements à Olivier
Antoine, directeur
En partenariat avec le Conservatoire
national supérieur de musique et de danse
de Paris
En partenariat avec la revue Poli

Directeur
de la publication
Alain Seban
Direction éditoriale
Agnès Saal
Comité de rédaction
Bernard Blistène
Stéphanie Hussonnois-
Bouhayati
Donald Jenkins
Frank Madlener
Alfred Pacquement
Agnès Saal
Alain Seban
Rédactrice en chef
Stéphanie Hussonnois-
Bouhayati
Rédactrice en chef
adjointe
Josée Chapelle
Coordination éditoriale
et iconographie
Nadia Drahmani
Pierre Malherbet
Stagiaire
Gabriel Houx
Relectrice
Florence Grimault
Conception et
réalisation graphique
Alice Litscher
assistée de
Dora Charmant
Ont participé
à ce numéro :
Expositions et Musée
Bernard Blistène
Clément Chéroux
Cécile Debray
Catherine Grenier
Alfred Pacquement
Didier Ottinger
Didier Schulmann
Jonas Storsve
Contributeurs
extérieurs
Annie Cohen-Solal
Valérie da Costa
Chloé Delaume
Charlotte Garson
Jean-Hubert Martin
Valérie Mréjen
Paroles, Spectacles
Cristina Agostinelli
Elia Biezunski
Bernard Blistène
William Chamay
Florencia Chernajovsky
Céline Chouffot
Jean-Pierre Criqui
Cécile Desauziers
Sophie Duplaix
Romain Lacroix
Serge Laurent
Frank Madlener
Caroline Palmier
Roger Rotmann
Cinéma et vidéo
Évelyne Boutevin
Amélie Galli
Géraldine Gomez
Philippe-Alain Michaud
Florence Parot
Jonathan Pouthier
Sylvie Pras
Étienne Sandrin
Pamela Sticht
Christine Van Assche
Jeune public
Patrice Chazottes
Benjamin Simon
Médiations
Marc Archambault
Delphine Rabin
Pierre Ryngaert
Laissez-passer,
Adhésions
Fanny Caillol
Votre visite
Benoît Sallustro
et l’équipe de l’accueil
général
Mécénats
et partenariats
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Imprimerie
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Constantin Brancusi,
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Valérie Mréjen,
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Ismaël de la Serna,
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– Alexander Calder :
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Adagp, Paris 2014
– Salvador Dalí :
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Adagp, Paris 2014
– Léonard Foujita :
© Fondation Foujita / Adagp,
Paris 2014
– Alberto Giacometti :
© Succession Alberto Giacometti
(Fondation Alberto
et Annette Giacometti, Paris
+ Adagp, Paris) 2014
– Hans Haacke :
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– Joan Miró :
Successió Miró / Adagp, Paris
2014
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– Pablo Picasso :
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