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<strong>Werke</strong> für<br />
Andreas Buschatz<br />
Violine<br />
Tahmina Feinstein<br />
Klavier<br />
<strong>violine</strong> <strong>und</strong> <strong>klavier</strong><br />
George Enescu<br />
Alfred Schnittke<br />
Richard Strauss
<strong>Werke</strong> für<br />
Andreas Buschatz<br />
Violine<br />
Tahmina Feinstein<br />
Klavier<br />
<strong>violine</strong> <strong>und</strong> <strong>klavier</strong><br />
George Enescu<br />
Alfred Schnittke<br />
Richard Strauss<br />
Eine Co-Produktion mit dem RBB<br />
p + c 2008 rbb / M.A.T. Music Theme Licensing GmbH<br />
Aufgenommen / Recorded: 10. – 13. September 2007 RBB<br />
Produzent / Producer: Angelika Lucchesi-Lachmann, Klaus Feldmann<br />
Tonmeister / Recording Supervision: Maria Suschke<br />
Toningenieur / Recording engineer: Peter Schladebach<br />
Digitalschnitt / Digital editing: Ricarda Molder
<strong>Werke</strong> für <strong>violine</strong> <strong>und</strong> <strong>klavier</strong><br />
Works for Violin and Piano<br />
George Enescu (1881-1955)<br />
Impressions d’enfance op. 28<br />
1 Ménétrier. Allegro deciso, non mosso 3:56<br />
2 Vieux mendiant. Un poco andante, malinconico 3:26<br />
3 Ruisselet au fond du jardin. Andante tranquillo e flessibile 3:05<br />
4 L‘oiseau en cage et le coucou au mur. Andantino 2:39<br />
5 Chanson pour bercer. Con moto moderato 2:03<br />
6 Grillon. A tempo tranquillo 0:31<br />
7 Lune à travers les vitres. Molto tranquillo 2:44<br />
8 Vent dans la cheminée. Allegretto moderato 0:23<br />
9 Tempête au dehors, dans la nuit 2:19<br />
0 Lever de soleil 3:38<br />
Alfred Schnittke (1934-1998)<br />
Sonate Nr. 1 / Sonata No. 1<br />
ß Andante 3:10<br />
q Allegretto 5:20<br />
w Largo 4:51<br />
e Allegretto scherzando 5:45<br />
Richard Strauss (1864-1949)<br />
Sonate für Violine <strong>und</strong> Klavier Es-Dur op. 18<br />
Sonata for Violin and Piano in E flat major op. 18<br />
r Allegro, ma non troppo 12:16<br />
t Improvisation. Andante cantabile 8:11<br />
z Finale. Andante – Allegro 10:06<br />
Total Time: 74:30<br />
4 5
Andreas Buschatz wurde 1975 in Berlin geboren. Mit 6 Jahren begann er mit dem<br />
Violinspiel. Seit 1988 war er Schüler bei Professor Wolfgang Rausch (Musikhochschule<br />
Detmold, Abteilung Dortm<strong>und</strong>). 1999 wurde er in die Klasse von Professor Thomas<br />
Brandis an der Hochschule der Künste Berlin aufgenommen. Dort beschloss er sein<br />
Studium 2003 mit dem Konzertexamen.<br />
Andreas Buschatz war Stipendiat der Studienstiftung des deutschen Volkes <strong>und</strong> gewann<br />
1991 den Jakob-Stainer-Violinwettbewerb, 1994 den B<strong>und</strong>eswettbewerb „Jugend<br />
musiziert“ <strong>und</strong> 2000 den Ibolyka-Gyarfas-Violinwettbewerb.<br />
Andreas Buschatz wurde 2003 stellvertretender Konzertmeister des Deutschen Symphonieorchesters<br />
Berlin. Seit 2005 ist er Mitglied der Berliner Philharmoniker.<br />
Als Solist trat Andreas Buschatz u. a. mit dem Westfälischen Symphonieorchester, dem<br />
Philharmonischen Staatsorchester Bremen <strong>und</strong> dem Philharmonischen Orchester am<br />
Staatstheater Mainz auf.<br />
Andreas Buschatz <strong>und</strong> Tahmina Feinstein spielen seit 2001 regelmäßig zusammen<br />
Kammermusik.<br />
Tahmina Feinstein wurde 1974 in Duschanbe (Tadshikistan) geboren. Seit ihrem<br />
siebenten Lebensjahr erhielt sie Klavierunterricht an der Spezialschule für Musik bei<br />
David Arzumanow. Im Jahr 1989 nahm sie ihr Klavierstudium an der Spezialschule für<br />
Musik bei Alexander Bakulow in Moskau auf.<br />
Seit 1992 lebt Tahmina Feinstein in Berlin.<br />
Hier studierte sie zunächst an der Hochschule der Künste, später an der Hochschule<br />
für Musik „Hanns Eisler“ bei Prof. Georg Sava.<br />
deutsch<br />
7
Im Jahr 2000 schloss sie dieses Studium ab <strong>und</strong> begann mit ihrem Aufbaustudium als<br />
Konzertpianistin. Dieses beendete sie 2004 mit dem Konzertexamen. Auf internationalen<br />
Wettbewerben wurde sie mit verschiedenen Preisen ausgezeichnet:<br />
1. Preis beim Concours Courcillon in Frankreich (1994), Sonderpreis beim Concorso<br />
Casagrande in Italien (1994), 3. Preis beim Arthur-Schnabel-Wettbewerb in Berlin<br />
(1994), 3. Preis beim Johannes-Brahms-Wettbewerb, Hamburg (1999), Hugo-Distler-<br />
Förderpreis Berlin (2007).<br />
Sie besuchte Meisterkurse bei Menahem Pressler <strong>und</strong> György Sebok <strong>und</strong> war Stipendiatin<br />
der Cronstett- <strong>und</strong> Hynspergischen Evangelischen Stiftung (1997) sowie der<br />
Hans-<strong>und</strong>-Stefan-Bernbeck-Stiftung (2003). Im Jahr 2000 erhielt sie eine Förderung<br />
nach dem Nachwuchsförderungsgesetz (NaFöG).<br />
Tahmina Feinstein kann auf zahlreiche Solo- <strong>und</strong> Kammermusikkonzerte verweisen.<br />
R<strong>und</strong>funkaufnahmen erfolgten beim Deutschlandradio, SFB <strong>und</strong> NDR.<br />
Sie arbeitet <strong>und</strong> konzertiert regelmäßig mit verschiedenen Konzertsängern.<br />
Tahmina Feinstein ist Mitglied des Ensemble Incendo Berlin sowie des Holzhausen-<br />
Trios.<br />
George Enescu<br />
(1881-1955)<br />
Impressions d’Enfance<br />
Op. 28 (1940)<br />
Nahezu jeder hochbegabte Geiger<br />
bietet die Impressions d’Enfance<br />
(Kindheitserinnerungen) in seinem<br />
Repertoire an. Die zehn losen<br />
Miniaturen entstanden 1940 in<br />
Rumänien. Klar in Form <strong>und</strong> Anlage,<br />
jedoch klanglich frei bebildern<br />
sie wie kleine Aquarelle die flüchtigen<br />
Erinnerungen aus der Kindheit, leidenschaftlich <strong>und</strong> ausdrucksstark. Gleich im<br />
„Fiedler“ kostet Enescu virtuos verschiedene Spieltechniken der Violine aus – das<br />
Selbstportrait des noch jugendlichen Komponisten, eine Chagall-Replik oder eine<br />
Zigeunerweise Einsamkeit <strong>und</strong> Melancholie im Zusammenspiel von Geige <strong>und</strong> Klavier<br />
charakterisieren den „Alten Bettelmann“, schon perlt das „Bächlein am Ende des<br />
Gartens“ <strong>und</strong> die Geige imitiert deutlich den „Vogel im Käfig <strong>und</strong> den Kuckuck an der<br />
Wand“. Kaleidoskopartig wechseln die Gedanken <strong>und</strong> versinken in einem „Wiegenlied“,<br />
die „Grille zirpt“, der „Mond scheint durch die Fensterscheiben“. In nur einer halben<br />
Minute entwirft Enescu kindliche Ängste vom „Wind im Schornstein“, der in den<br />
„Sturm draußen in der Nacht“ übergeht. Mit dem „Sonnenaufgang“ lichten sich die<br />
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Bilder aus der Vergangenheit <strong>und</strong> kommen im Heute an. Traditioneller Vortrag <strong>und</strong> exzeptionelle<br />
Spielweisen der Violine verschmelzen zu einer individuellen, spannenden<br />
Erzählung voller Kraft <strong>und</strong> Klangfülle.<br />
„Enescu bleibt für mich die außergewöhnlichste Persönlichkeit, der großartigste Musiker<br />
<strong>und</strong> der prägendste Einfluss, den ich jemals erfahren durfte,“ äußerte sich der große Geiger<br />
Yehudi Menuhin über seinen Lehrer George Enescu: „Da war etwas Zigeunerhaftes<br />
in seinem Spiel, ein wildes, gefühlsbeladenes Espressivo, fast eine Art Parlando. Er spielte,<br />
als ob er improvisierte, mit jener raschen Konzentration, jener Fähigkeit, die Töne hervorzubringen,<br />
als ob sie gerade erst aus dem namenlosen Nichts entstanden seien, wie Worte,<br />
die sich in ihrer Bedeutsamkeit dem Geist unmittelbar erschließen.“<br />
1881 in Liveni (Moldau) geboren, spielte Enescu bereits vierjährig Geige, den Siebenjährigen<br />
brachten die Eltern nach Wien, wo er Violinunterricht bei Josef Hellmesberger<br />
jun. nahm. Enescu erhielt 1888-1893 am Wiener Konservatorium auch Unterricht<br />
in Harmonielehre bei Robert Fuchs <strong>und</strong> Klavierunterricht bei Ludwig Ernst. Frühzeitig<br />
wurde der Komponist Eduard Caudella auf das junge Talent aufmerksam. Achtjährig<br />
debütierte Enescu öffentlich als Violinist <strong>und</strong> Pablo Casals bezeichnete ihn als<br />
„das größte musikalische Phänomen seit Mozart“, die Wiener Presse schwärmte vom<br />
„kleinen rumänischen Mozart“. Als Dreizehnjähriger lernte Enescu Johannes Brahms<br />
kennen <strong>und</strong> spielte bald danach selbst in dessen Anwesenheit eine Aufführung der<br />
1. Sinfonie am 3. Geigenpult mit – dem Werk von Brahms blieb er zeitlebens eng verb<strong>und</strong>en.<br />
1895 ging Ensescu nach Paris <strong>und</strong> absolvierte bis 1899 ein Kompositionsstudium<br />
am Conservatoire de Paris bei André Gédalge, Jules Massenet <strong>und</strong> Gabriel Fauré,<br />
zu seinen Mitschülern zählte auch Maurice Ravel. Mit dem Prädikat „ausgezeichnet“<br />
schloss er seine Studien ab. 1898 erfolgte die Uraufführung des Poème roumain in den<br />
Concerts Colonne, Enescus Opus 1. Er begann in Bukarest zu dirigieren. 1902 gründete<br />
Enescu mit Louis Fournier <strong>und</strong> Alfredo Casella ein Klaviertrio, 1904 das Enescu-<br />
Quartett. Seiner Heimat blieb der Komponist verb<strong>und</strong>en, besaß ein Haus in Sinaia <strong>und</strong><br />
begründete in Bukarest 1912 den selbst finanzierten Enescu-Preis für Komposition.<br />
1917 gründete er das George-Enescu-Sinfonieorchester in lasi ¸ sowie die Gesellschaft<br />
rumänischer Komponisten. Die rumänische Staatsoper in Bukarest eröffnete er als Dirigent<br />
von Wagners Lohengrin, 1932 erfolgte Enescus Aufnahme in die rumänische<br />
Kunstakademie. 1946 führte ihn eine Konzertreise in die Vereinigten Staaten, von der<br />
er aus Protest gegen die kommunistische Regierung nicht mehr nach Rumänien zurückkehrte.<br />
Als Geigenvirtuose <strong>und</strong> Lehrer fand er schnell ein neues Betätigungsfeld.<br />
Nach seinem Tod 1955 in Paris geriet Enescu zeitweilig in Vergessenheit. Pierre Boulez<br />
hatte mit seinem Marteau sans Maître neue kompositorische Maßstäbe gesetzt <strong>und</strong><br />
es brauchte eine gewisse Zeit, Enescus Werk als geniale Aneignung verschiedener stilistischer<br />
Einflüsse zu verstehen. Seine 1. Sinfonie (1903) trägt noch spätromantische<br />
Züge, französische Einflüsse werden in den Sept chansons de Clément Marot (1908)<br />
deutlich, neobarocke Tendenzen in der 2. Orchestersuite (1915). Neben der Oper<br />
Oedipe (1921-1931) komponierte er 5 Sinfonien (die beiden letzten unvollendet),<br />
Suiten, Sonaten, Quartette, Lieder <strong>und</strong> <strong>Werke</strong> für Orchester- <strong>und</strong> Kammermusik.<br />
Am ehesten prägten jedoch die beiden Rumänischen Rhapsodien op.11 (1901), die<br />
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Enescu knapp zwanzigjährig schrieb, sein Image als rumänischer Nationalkomponist.<br />
Die Beschränkung auf das Nationale – verständlich, weil die rumänische Musik dieser<br />
Zeit infolge langer türkischer Fremdherrschaft keinen eigenen Stil mehr aufwies – wird<br />
jedoch weder dem in Rumänien, Frankreich <strong>und</strong> Nordamerika gleichermaßen aktiven<br />
Komponisten, Geigenvirtuosen, Lehrer <strong>und</strong> Dirigenten gerecht noch seinem Gesamtwerk.<br />
So erscheint es nur folgerichtig, dass die UNESCO anlässlich des 50. Todestages<br />
von Enescu das Jahr 2005 zum Enescu-Jahr erklärte – ein wesentlicher Schritt, ihn<br />
an die Seite von Bartók, Schostakowitsch, Strawinsky, Prokofjew, Szymanowski oder<br />
Janácek ˇ zu rücken.<br />
Alfred Schnittke (1934-1998)<br />
Sonate Nr. 1 (1963)<br />
Auch Alfred Schnittke verspürte eine besondere Neigung zur Violine, ohne dieses Instrument<br />
selbst gespielt zu haben. Große Bew<strong>und</strong>erung zollte er Dmitri Schostakowitsch<br />
<strong>und</strong> seinem 1. Violinkonzert, das David Oistrach 1955 uraufführte. Damals beschäftigte<br />
sich Schnittke vorrangig mit Kammermusik <strong>und</strong> schrieb zahlreiche Stücke<br />
für kleine Besetzungen.<br />
Der Sohn eines Journalisten <strong>und</strong> Übersetzers lettisch-jüdischer Abstammung <strong>und</strong> einer<br />
katholischen, wolgadeutschen Lehrerin hatte von 1946-1948 in Wien gelebt, wo sein<br />
Vater als Redakteur der deutschen Zeitung der sowjetischen Besatzungsmacht tätig<br />
war. Schnittke erhielt Klavierunterricht <strong>und</strong> unternahm erste Kompositionsversuche.<br />
Wieder in die Sowjetunion zurückgekehrt, studierte er von 1953-1958 am Moskauer<br />
Konservatorium Komposition <strong>und</strong> Instrumentation. Hier erhielt er wesentliche<br />
Anregungen durch den in Moskau lebenden Webern-Schüler Philipp Herschkowitsch.<br />
Nach einer dreijährigen Aspirantur im Anschluss an sein Studium war Schnittke von<br />
1962-1972 als Lehrer im Moskauer Konservatorium tätig. In dieser Zeit entstand seine<br />
1. Violinsonate.<br />
Im kurzen ersten Satz Andante treffen zwei sehr unterschiedliche Partner aufeinander<br />
– die lyrisch-melancholische Stimme der Violine mit ihren ausschweifenden Erzählungen<br />
einerseits <strong>und</strong> kurz angeb<strong>und</strong>ene Staccato–Akkorde des Klaviers andererseits.<br />
Beide hören aufeinander wie bei einem guten Gespräch, übernehmen musikalisches<br />
Material <strong>und</strong> Gestik des Anderen bis zu einer heftigen Auseinandersetzung, die jedoch<br />
schnell abflaut.<br />
Danach geht im Allegretto jeder seinen eigenen Weg, ein Suchen nacheinander, Umspielen<br />
des jeweils Anderen mit aufgesetzter Heiterkeit, gesteigerter Nervosität, kräftig<br />
im Zusammenprall <strong>und</strong> durch liedhafte Walzerintonation im Klavier aufgelöst. Ein<br />
Hören aufeinander, wesentlich vom Klavier vorgegeben, Imitationen, jedoch ohne<br />
einander zu treffen.<br />
Erst am Beginn des Largo-Satzes scheint das ganze Geschehen auf einen Ausgangspunkt<br />
in C-Dur zurückgedreht, um neu anfangen zu können. Immer wieder stützt das Klavier harmonisch<br />
die Fortspinnungsmelodik der Geige, einen einsamen Gesang, dessen berückende<br />
Schönheit eine Klavierbegleitung aus anderer Zeit zu erfahren scheint. Die Hommage<br />
an Johann Sebastian Bach mahnt gestisch <strong>und</strong> unter Verwendung der Intervallik von B-<br />
A-C-H. Eine solche Rückführung kann inspirieren, jedoch nicht zu einem Ergebnis führen.<br />
12 deutsch deutsch 13
Der ferne Klang bleibt Illusion, zauberhaft in den höchsten Tönen, einer Flöte gleich.<br />
Ein Allegretto scherzando löst die Konflikte zumindest äußerlich auf <strong>und</strong> verweist sie<br />
an den Rand der Alltäglichkeit. Die Themen aus dem 2. <strong>und</strong> 3. Satz kehren angedeutet<br />
wieder, selbst das Anfangsthema der Sonate klingt noch einmal durch. Wenngleich<br />
der Scherz zu derb gelingt, vermittelt er jedoch eine Ebene des Miteinanders der beiden<br />
ungleichen Partner, nochmals erinnernd an den alten Bach, dem die Violine ihr<br />
Schnittke-Eingangsmotiv gleich drei Mal zart im pizzicato entgegensetzt.<br />
Der damals sowjetische Komponist Schnittke verdankte 1977 dem Geiger Gidon<br />
Kremer Aufführungen seines ersten Concerto grosso mit dem Litauischen Kammerorchester<br />
in Österreich <strong>und</strong> in der B<strong>und</strong>esrepublik. Schnittke spielte mit am Cembalo<br />
oder Klavier. Nach einer Gastdozentur in Wien 1980 wurde er 1989/1990 Mitglied des<br />
Wissenschaftskollegs in Berlin <strong>und</strong> siedelte nach Westberlin über. Er wurde Composer<br />
in Residence bei den Berliner Philharmonikern <strong>und</strong> leitete eine Kompositionsklasse<br />
an der Hamburger Musikhochschule. 1990 nahm Schnittke die deutsche Staatsbürgerschaft<br />
an.<br />
Richard Strauss (1864-1949)<br />
Sonate für Violine <strong>und</strong> Klavier Es-Dur op. 18 (1887)<br />
Schon in den ersten beiden Takten präsentiert das Klavier das Hauptthema des<br />
Allegro, ein signalartiges, kraftvolles Heldenthema, das keinen kammermusikalischen<br />
Widerspruch der Violine duldet. Strauss hatte gerade seine Tondichtung Macbeth<br />
begonnen, als er an der Violinsonate schrieb. Die Violine setzt eine anschmiegsame,<br />
schwelgerische Kantilene entgegen. Auch das Klavier romantisiert im Seitensatz, bald<br />
darauf wartet auch die Violine espressivo mit einem sich melodisch bis in Extreme höher<br />
schwingenden, hymnischen Seitensatz auf. Die Hauptthemen dominieren in der<br />
Durchführung, nicht motivisch-thematische Arbeit ist das Ziel, sondern die Entfaltung<br />
großer, wirkungsvoller <strong>und</strong> romantischer Themen, formal geschult am Sonatenhauptsatz<br />
eines Johannes Brahms <strong>und</strong> harmonisch gedacht wie Richard Wagner. Strauss<br />
war erst 23 Jahre alt, seine individuelle Tonsprache aber schon vollkommen entfaltet.<br />
Dabei werden Melodien fortgesponnen <strong>und</strong> fließen ineinander, nicht umsonst heißt<br />
der zweite Satz Andante in As-Dur „Improvisation“ <strong>und</strong> es existiert im Autograph noch<br />
die Überschrift „Improvisation aus Opus 18“, was den Satz aus dem Gesamtwerk als<br />
Einzelstück heraushebt. Als dreiteiliges Intermezzo gebaut, basiert die Improvisation<br />
auf einem schlichten Lied, einer der beliebtesten Melodien von Richard Strauss. Wieder<br />
bestimmt das Kopfmotiv gleich einen ganzen Satz im Finale Andante-Allegro, zwei<br />
lyrische Nebenthemen, ein Terzmotiv <strong>und</strong> eine große melodische C-Dur-Kantilene<br />
begleiten seine Entwicklung. Kaum zu glauben, dass dieses Stück nur mit Violine <strong>und</strong><br />
Klavier musiziert wird. Der Meister der sinfonischen Dichtung von Aus Italien (1887),<br />
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Don Juan (1889), Tod <strong>und</strong> Verklärung <strong>und</strong> Macbeth (beides 1890 fertiggestellt) knüpft<br />
programmatisch an Franz Liszt <strong>und</strong> Hector Berlioz an, auch wenn der Violinsonate kein<br />
Text oder außermusikalisches Bild voran steht. Vielmehr ergibt sich die musikalisch erzählte<br />
Geschichte aus dem Umgang der Stimmen miteinander, aus dem Gestus ihrer<br />
noch tonal verhafteten Melodien <strong>und</strong> einer sprühend schwärmerischen Gr<strong>und</strong>stimmung,<br />
die sich verliebt in Details verliert <strong>und</strong> dennoch auf eine große, lebensbejahende<br />
Apotheose zustrebt. „Einen farbigen Abglanz des Lebens“ wollte Strauss – Goethes<br />
Faust-Text abgewandelt – komponieren.<br />
Richard Strauss, Sohn eines Waldhornisten <strong>und</strong> Hofmusikus des Münchner Hoforchesters,<br />
erhielt sechsjährig Geigenunterricht. Diese Prägung durch ein Melodieinstrument<br />
zieht sich durch sein Werk. Früh in Kammermusiken gef<strong>und</strong>ene eigene Stilelemente<br />
kehren in Opern <strong>und</strong> Orchestermusiken später wieder, als nur noch wenige <strong>Werke</strong> für<br />
kleine Besetzungen entstanden, dafür aber um so mehr Lieder, in denen die Stimme<br />
den melodischen Part übernahm. „Mein Gedanke ist die Melodie. Sie kündet Tieferes,<br />
ein Unaussprechliches! In einem Akkord erlebst du eine Welt“, lässt Strauss den Komponisten<br />
in seiner Oper Capriccio zusammenfassen. Dabei bekennt Strauss: „Ich bringe<br />
es immer nur zu kurzen Themen. Aber was ich verstehe, ist dann so ein Thema zu<br />
wenden, zu paraphrasieren, aus ihm alles herauszuholen, was drinnen steckt.“ Seine<br />
Violinsonate, gelegentlich unterschätzt, weil sie zu vollkommen für ein Jugendwerk<br />
erscheint, überrascht durch ihre hemmungslos entfesselte, von unbändigem Ausdruckswillen<br />
getragene Klangfantasie.<br />
Dr. Ulrike Liedtke<br />
(April 2008)<br />
16 deutsch
Andreas Buschatz was born in Berlin in 1975. He started playing violin at the<br />
age of six and took lessons with Professor Wolfgang Rausch (Detmold Conservatory,<br />
Dortm<strong>und</strong> department) as of 1988. Buschatz joined Professor Thomas Brandis‘ class at<br />
the Berlin University of the Arts in 1999; he completed his studies at the university in<br />
2003 with his graduation recital. Andreas Buschatz was a German National Academic<br />
Fo<strong>und</strong>ation scholarship holder and won the Jakob Stainer Violin Competition in 1991,<br />
the national German competition “Jugend musiziert” in 1994, and the Ibolyka Gyarfas<br />
Violin Competition in 2000.<br />
Buschatz was appointed co-concertmaster of the “Deutsche Symphonieorchester<br />
Berlin” in 2003 and has been a member of the “Berlin Philharmoniker” since 2005.<br />
In his capacity as soloist, Andreas Buschatz has performed with the “Westfälisches<br />
Symphonieorchester”, “Philharmonisches Staatsorchester Bremen” and the<br />
“Philharmonisches Orchester” of the “Staatstheater” in Mainz, among other ensembles.<br />
Andreas Buschatz and Tahmina Feinstein have performed chamber music together on<br />
a regular basis since 2001.<br />
Tahmina Feinstein was born in Duschanbe (Tajikistan) in 1974. From the age<br />
of seven she was given piano lessons by David Arzumanow at the special school of<br />
music in Duschanbe and in 1989 started studying piano with Alexander Bakulow at<br />
the special school of music in Moscow.<br />
Tahmina Feinstein has lived in Berlin since 1992. She started studying at the Berlin<br />
University of the Arts before becoming Professor Georg Sava‘s student at the “Hanns<br />
Eisler“ music academy. Feinstein completed her studies in 2000 and then started her<br />
postgraduate concert pianist studies; she completed these studies with her graduation<br />
recital in 2004. She has been awarded a number of prizes at international competitions,<br />
including first prize at the “Concours Courcillon” in France (1994), special award at the<br />
“Concorso Casagrande” in Italy (1994), third prize at the Arthur Schnabel Competition<br />
in Berlin (1994), third prize at the Johannes Brahms Competition in Hamburg (1999)<br />
and the Hugo Distler Advancement Award in Berlin (2007). She attended master<br />
classes with Menahem Pressler and György Sebok and was both a “Cronstett- <strong>und</strong><br />
Hynspergische-Evangelische-Stiftung” scholarship holder (1997) and “Hans-<strong>und</strong>-<br />
Stefan-Bernbeck-Stiftung” scholarship holder (2003). In 2000 she was awarded a grant<br />
<strong>und</strong>er the “Nachwuchsförderungsgesetz” (NaFöG – act for the advancement of young<br />
talent).<br />
Tahmina Feinstein can look back on numerous solo and chamber music recitals and<br />
has also made radio recordings for Deutschlandradio, SFB and NDR. She works together<br />
with different concert singers on a regular basis and also gives recitals. Tahmina<br />
Feinstein is a member of the “Ensemble Incendo Berlin” and the “Holzhausen-Trio”.<br />
18 english english 19
George Enescu (1881-1955)<br />
Impressions d’Enfance, Op. 28 (1940)<br />
Almost all highly-gifted violinists include Impressions d’Enfance (Impressions of<br />
Childhood) in their repertoires. The ten independant miniatures, written in Romania<br />
in 1940, are distinct in both form and structure while remaining tonally free; the works<br />
illustrate fleeting childhood memories like miniature watercolours, passionate and<br />
full of expression. Enescu already savours different violin playing techniques with<br />
virtuosity in “Fiddler” – a self-portrait of the young composer, Chagall replica or gypsy<br />
melody Solitude and melancholy in the interplay of violin and piano characterises the<br />
“Old Beggar”, the “Little Stream At The Bottom Of The Garden” babbles away and the<br />
violin clearly imitates the “Caged Bird And The Cuckoo Clock”. Thoughts are exchanged<br />
like a kaleidoscope to become lost in a “Lullaby”, the “Cricket” chirrups, bathed in<br />
“Moonlight Through The Window”. Enescu needs just thirty seconds to sketch a child’s<br />
fear of “Wind In The Chimney”, changing into “Storm Outside, In The Night”. The images<br />
from the past clear with “Sunrise”, arriving in the here and now. Traditional rendering<br />
and exceptional playing of the violin blend together to form an individual, exciting<br />
narrative full of strength and sonority.<br />
The great violinist Yehudi Menuhin made the following statement about his teacher<br />
George Enescu: “For me, Enescu remains the most remarkable personality, the most<br />
wonderful musician and the most formative influence I was entitled to experience. There<br />
was something gypsy-like in his playing, a wild, emotional espressivo, almost a kind of<br />
parlando. He played as if he was improvising, with that swift concentration, that ability<br />
to produce notes as if they had just been created from a nameless nothingness, like words<br />
that immediately extrapolate the mind with their significance.”<br />
George Enescu was born in Liveni (Moldavia) in 1881 and was already playing violin at<br />
the tender age of four – at the age of seven he was taken to Vienna by his parents and<br />
started taking violin lessons with Josef Hellmesberger jun. Between 1888 and 1893<br />
Enescu was also given lessons in harmony theory by Robert Fuchs and piano lessons<br />
by Ludwig Ernst at the conservatory in Vienna. The young and talented Enescu soon<br />
attracted the attention of composer Eduard Caudella. Enescu made his first public<br />
appearance as a violinist at the age of eight – Pablo Casals described him as „the<br />
greatest musical phenomenon since Mozart“ and the Viennese press raved about the<br />
„little Rumanian Mozart“. Enescu met Johannes Brahms at the age of thirteen and,<br />
just a short time later, played third violin on Brahms‘ Symphony No. 1 in the presence<br />
of the composer – Enescu had an affinity for the works of his life. In 1895 Enescu went<br />
to Paris and studied composition at the Conservatoire de Paris with André Gédalge,<br />
Jules Massenet and Gabriel Fauré up until 1899 – Maurice Ravel was among his fellow<br />
students. George Enescu completed his studies with distinction.<br />
The premiere performance of Poème roumain – Enescu‘s Opus 1 – took place at the<br />
Concerts Colonne in 1898. Enescu started conducting in Bucharest and formed a<br />
piano trio with Louis Fournier and Alfredo Casella in 1902 – the Enescu Quartet was<br />
formed in 1904. The composer remained attached to his home country throughout<br />
20 english english 21
his life. He owned a house in Sinaia and established the self-financed Enescu Prize for<br />
Composition in Bucharest in 1912. In 1917 he formed the George Enescu Symphony<br />
Orchestra in Iasi, ¸ as well as the Romanian Composers‘ Society. Enescu opened the<br />
Romanian National Opera as conductor of Wagner‘s Lohengrin – in 1932 Enescu<br />
became a member of the Romanian arts academy. A concert tour took him to the<br />
United States in 1946, after which he refused to return to Romania as a protest against<br />
the Communist government. As violin virtuoso and teacher he soon fo<strong>und</strong> a new area<br />
of operation.<br />
George Enescu temporarily faded into obscurity following his death in Paris in 1955.<br />
Pierre Boulez had set new compositional standards in the meantime with his Marteau<br />
sans Maître and it was to take some time until Enescu’s works were appreciated as an<br />
ingenious appropriation of different stylistic influences. Enescu‘s Symphony No. 1 (1903)<br />
still bears late Romantic period characteristics, French influences become clear in the<br />
Sept chansons de Clément Marot (1908) and neo-Baroque tendencies in the Orchestral<br />
Suite No. 2. (1915). In addition to his opera Oedipe (1921-1931), Enescu composed five<br />
symphonies (the last two remained unfinished), suites, sonatas, quartets, songs and<br />
orchestral and chamber music works.<br />
However, his image as national Romanian composer was mainly characterised by<br />
the two Romanian Rhapsodies op. 11 (1901) written by Enescu when he was just<br />
twenty years old – but reducing Enescu to this national aspect (<strong>und</strong>erstandable, as<br />
the Romanian music of the day no longer boasted its own style after long years of<br />
foreign Turkish rule) does not do justice to the composer, violin virtuoso, teacher and<br />
conductor who was equally active in Romania, France and North America – nor does it<br />
do justice to his complete works. Consequently, it seems logical that upon the occasion<br />
of the fiftieth anniversary of his death, UNESCO declared 2005 to be Enescu Year – a<br />
substantial step towards putting Enescu alongside Bartók, Shostakovich, Stravinsky,<br />
Prokofiev, Szymanowski and Janácek. ˇ<br />
Alfred Schnittke (1934-1998)<br />
Sonata No. 1 (1963)<br />
Alfred Schnittke also felt a special affinity for violin<br />
– without having played the instrument himself. He<br />
had great admiration towards Dmitri Shostakovich<br />
and his first violin concerto, performed by David<br />
Oistrach for the first time in 1955. At the time<br />
Schnittke devoted most of his energy to chamber<br />
music and wrote numerous works for smaller<br />
line-ups. Schnittke was the son of a journalist /<br />
translator of Latvian-Jewish descent and a Catholic,<br />
Volga-German teacher. He lived in Vienna between<br />
1946 and 1948, when his father worked as editor<br />
of the German newspaper published by the<br />
22 english english 23
occupying Russian powers. Schnittke was given piano lessons and made first attempts<br />
at composing. Once back in Russia he studied composition and instrumentation at<br />
the conservatory in Moscow between 1953 and 1958 and was also given essential<br />
motivation by Philipp Herschkowitsch, one of Webern’s students who lived in Moscow.<br />
Schnittke’s studies were followed by a three-year doctorate before he worked as a<br />
teacher at the Moscow Conservatory between 1962 and 1972. Schnittke wrote his<br />
Violin Sonata during this period.<br />
Two very different partners meet up with each other in the first short movement<br />
Andante – on the one hand, the lyrical-melancholic voice of the violin, with its<br />
extravagant narratives, and on the other, the terse staccato chords of the piano. Similar<br />
to a good conversation, both partners listen to each other, adopting musical material<br />
and gestures to the point of the conversation becoming a heated discussion – but the<br />
dispute soon dies away.<br />
The partners go their seperate ways in the following Allegretto, searching in succession,<br />
in each case playing aro<strong>und</strong> the other with insincere gaiety, enhanced edginess,<br />
forceful upon impact and broken up by song-like waltz intonation in the piano part.<br />
Listening to each other, essentially dictated by the piano, imitations, without meeting<br />
up however.<br />
Not until the beginning of the Largo movement do events seem to return to a starting<br />
point in C major, able to start over again. The piano keeps supporting the violin’s<br />
melodic development harmonically, a lonely voice whose bewitching beauty seems<br />
to experience a piano accompaniment from a different age. The homage to Johann<br />
Sebastian Bach is a gestural reminder and makes use of the intervals B-A-C-H. Such a<br />
reduction can be inspiring but cannot lead to a conclusion. The distant so<strong>und</strong> remains<br />
an illusion, enchanting in the highest notes, equal to a flute.<br />
An Allegretto scherzando resolves the conflicts – at least superficially – and banishes<br />
them to the brink of banality. The themes from the second and third movements return<br />
in intimated form, even the sonata’s opening theme is to be heard again. Although this<br />
pleasantry succeeds too crudely it still manages to convey a level of the two unequal<br />
partners‘ cooperation – once again reminiscent of good old Bach – which the violin<br />
gently counters three times with its opening pizzicato Schnittke motif.<br />
In 1977 the then Soviet composer Schnittke thanked violinist Gidon Kremer with the<br />
(Latvian Chamber Orchestra) for performances of his first Concerto grosso in Austria<br />
and the Federal Republic of Germany. Schnittke performed with the orchestra, either at<br />
the harpsichord or piano. After working as a guest lecturer in Vienna in 1980, Schnittke<br />
became a member of the “Wissenschaftskolleg” in Berlin (Institute for Advanced Study)<br />
in 1989/1990 and moved to West Berlin. He became a “composer in residence” of the<br />
Berlin Philharmonic and led a composition class at the Hamburg Conservatory. Alfred<br />
Schnittke became a German citizen in 1990.<br />
24 english english 25
Richard Strauss (1864-1949)<br />
Sonata for Violin and Piano in E-flat major op. 18 (1887)<br />
The piano presents the main theme of the Allegro in the very first two bars – a signallike,<br />
powerful heroic theme that refuses to tolerate any chamber music dissent from the<br />
violin. Strauss had just started work on his tone poem Macbeth when he worked on the<br />
violin sonata. The violin counters with a pleasing, self-indulgent cantilena and the piano<br />
also romanticises in the second part of the exposition, soon to be joined by espressivo<br />
violin with an increasingly swinging, extremely melodic hymnal second theme. The main<br />
themes dominate in the development; motivic-thematic treatment is not the composer’s<br />
goal however but rather the unfolding of major, forceful and romantic themes formally<br />
schooled by the sonata form of a Johannes Brahms and the harmonic ideas of a Richard<br />
Wagner.<br />
Strauss was just twenty-three at the time but his individual musical language was already<br />
perfectly developed, whereby melodies are treated to continuation and flow into each<br />
other; the second movement Andante in A-flat major is quite rightly called Improvisation<br />
and the autograph also bears the heading Improvisation from Opus 18 – making the<br />
movement stand out from the complete work as an individual piece. Written as a threepart<br />
intermezzo, Improvisation is based on a simple song, one of Richard Strauss‘ most<br />
popular melodies. Once again, the head motif defines an entire movement in the Finale<br />
Andante-Allegro – two lyrical subsidiary themes, a theme in thirds and a great melodic<br />
C major cantilena accompany the motif’s development. It is difficult to believe that this<br />
piece can be performed with just violin and piano. The master of the symphonic poem<br />
Aus Italien (1887), Don Juan (1889), Tod <strong>und</strong> Verklärung and Macbeth (both completed in<br />
1890) links programmatically to Franz Liszt and Hector Berlioz – even if the violin sonata<br />
is not preceded by a text or extra-musical image. In fact, the musically-narrated story<br />
results from the way the voices deal with each other, from the gestus of their still tonally<br />
confined melodies and a sparkling lyrical <strong>und</strong>ertone that, enamoured with details,<br />
becomes lost but still strives towards a great, optimistic apotheosis. Strauss wanted to<br />
compose “a colourful reflection of life” – a modification of Goethe‘s Faust text.<br />
Richard Strauss, son of a French horn player and member of the Munich court orchestra,<br />
was given violin lessons at the age of six – the impression made by a melodic instrument<br />
runs through all of his work. His own stylistic elements, discovered earlier in chamber<br />
music works, returned later in operas and orchestral works when just a few works were<br />
written for smaller line-ups – therefore all the more songs in which the voice took over<br />
the melodic part. In his opera Capriccio Strauss lets the composer summarise: “My concept<br />
is melody. Melody announces depth, beyond expression! One can experience an entire<br />
world in just one chord.” Whereby Strauss confesses: “I can only write short themes. But<br />
what I am good at is taking such a theme, turning it aro<strong>und</strong>, paraphrasing it and making<br />
the most of that theme.” His Violin Sonata, occasionally <strong>und</strong>erestimated as it seems<br />
too perfect for an early work, surprises listeners through its unbridled, unleashed tonal<br />
imagination, carried along by an irrepressible will to express.<br />
Dr. Ulrike Liedtke (April 2008)<br />
Translation by Steven Dearman Clark<br />
26 english english 27
Andreas Buschatz, né en 1975 à Berlin, commence à jouer du violon à l’âge<br />
de six ans. En 1988, il devient l’élève du Prof. Wolfgang Rausch (au département de<br />
Dortm<strong>und</strong> de la Musikhochschule de Detmold). En 1999, il entre dans la classe du Prof.<br />
Thomas Brandis à la Hochschule der Künste de Berlin où il termine ses études en 2003<br />
par l’examen de concert.<br />
Andreas Buschatz bénéficia d’une bourse d’études de la Studienstiftung des deutschen<br />
Volkes (Fondation d’études du peuple allemand) et remporta le concours de violon<br />
Jakob Stainer en 1991, le concours fédéral « Jugend musiziert » en 1994 et le concours<br />
de violon Ibolyka Gyarfas en 2000.<br />
En 2003, Andreas Buschatz devient deuxième konzertmeister de l’Orchestre<br />
Symphonique Allemand de Berlin. Depuis 2005, il est membre de l’Orchestre<br />
Philharmonique de Berlin.<br />
En soliste, Andreas Buschatz s’est produit avec, entre autres, l’Orchestre Symphonique<br />
de la Westfalie, l’Orchestre Philharmonique de l’État de Brème et l’Orchestre<br />
Philharmonique au Théâtre de l’État de Mayence.<br />
En musique de chambre, Andreas Buschatz maintient une collaboration régulière<br />
avec la pianiste Tahmina Feinstein depuis 2001.<br />
Tahmina Feinstein est née en 1974 à Douchanbe (au Tadjikistan). Depuis sa<br />
septième année, elle suit des cours de piano auprès de Davis Arzumanov à l’École<br />
spéciale de musique de sa ville natale. En 1989, elle commence les études de piano à<br />
l’École spéciale de musique à Moscou auprès d’Alexander Bakulow.<br />
28 française française 29
Depuis 1992, Tahmina Feinstein vit à Berlin où elle poursuit ses études d’abord à la<br />
Hochschule der Künste et ensuite à la Hochschule für Musik « Hanns Eisler » auprès<br />
du Prof. Georg Sava.<br />
En 2000, elle termine les études de base pour suivre des études de perfectionnement<br />
(Aufbaustudium) qu’elle termine par l’examen de concert en 2004. Elle participe à de<br />
nombreux concours internationaux et remporte plusieurs prix, dont 1er prix du Concours<br />
Courcillon en France (1994), prix spécial du Concours Casagrande en Italie (1994), 3e prix<br />
du concours Arthur Schnabel à Berlin (1994), 3e Prix du concours Johannes Brahms à<br />
Hambourg (1999), prix d’encouragement Hugo Distler de Berlin (2007).<br />
Elle participe aux masterclasses de Menahem Pressler et de György Sebok et obtient<br />
des bourses d’études de la Fondation évangélique Cronstett et Hynsperg (1997) et de<br />
la Fondation Hans et Stefan Bernbeck (2003). En 2000, elle reçoit une bourse sur la base<br />
de la loi fédérale sur l’encouragement de la jeunesse (Nachwuchsförderungsgesetz).<br />
Tahmina Feinstein s’est produit en concert comme soliste et chambriste. Elle a participé<br />
à plusieurs enregistrements pour la radio (Deutschlandradio, SFB et NDR).<br />
Elle travaille avec plusieurs chanteurs dont elle accompagne les récitals de<br />
chant. Tahmina Feinstein est membre de l’Ensemble Incendo de Berlin et du Trio<br />
Holzhausen.<br />
Georges Enesco (1881-1955)<br />
Impressions d’enfance op. 28 (1940)<br />
Il n’est guère de violoniste de grand talent qui n’inscrive pas à son répertoire les<br />
Impressions d’enfance de Georges Enesco. Ce fut en 1940 en Roumanie que les dix<br />
miniatures enchaînées de façon libre virent le jour. Clarté de la disposition formelle<br />
et liberté de l’expression sonore se conjuguent dans ces images pleines de passion<br />
et d’expressivité qui, à la manière de petites aquarelles, illustrent les souvenirs<br />
fugitives de l’enfance. Dans le premier morceaux, « Ménétrier », Enesco explore avec<br />
grande virtuosité différentes techniques de jeu du violon – est-ce l’autoportrait du<br />
compositeur en jeune âge une réplique d’après Chagall ou bien un air tzigane <br />
Dans toute sa solitude et sa mélancolie, la figure du « Vieux mendiant » surgit devant<br />
nos yeux du dialogue du violon et du piano, mais déjà le « Ruisselet au fond du jardin »<br />
s’écoule en jeu perlé, et le violon se met à imiter « L’oiseau en cage et le coucou au<br />
mur ». Les images se succèdent á la manière d’un kaléïdoscope pour se perdre enfin<br />
dans une « Chanson pour bercer », un « Grillon » chante, et on croit voir briller la<br />
« Lune à travers les vitres ». Une demie minute suffit à Enesco pour évoquer l’angoisse<br />
qu’inspire à l’enfant le « Vent dans la cheminée » qui annonce une « Tempête au<br />
dehors, dans la nuit ». Pourtant, au « Lever du soleil » les images du passé finissent par<br />
se disperdre face à la réalité du présent. Exécution traditionnelle et techniques de jeu<br />
exceptionnelles du violon se fusionnent dans un récit individuel et saisissant, plein de<br />
force et d’opulence sonore.<br />
30 française française 31
« À jamais, Enesco restera pour moi la personnalité la plus exceptionnelle, le plus grand<br />
musicien et l’influence la plus décisive que j’ai connus dans ma vie », le grand violoniste<br />
Yehudi Menuhin se souvient-il de son ancien professeur. « Il y avait dans son jeu une<br />
certaine allure tzigane, un espressivo fougueux et chargé d’émotions, à peu près une espèce<br />
de parlando. Il jouait comme en improvisant, avec une concentration extrême, produisant<br />
des sons qui me faisaient croire qu’ils venaient juste de naître du néant indéterminé,<br />
comme des mots dont le sens se transmet à l’esprit de manière immédiate. »<br />
Né à Liveni (en Moldavie) en 1881, Enesco jouait du violon dès l’âge de quatre ans.<br />
Lorsqu’il avait sept ans, ses parents l’emmenèrent à Vienne où il suivit l’enseignement<br />
du violoniste Josef Hellmesberger fils. De 1888 à 1893, il suivit également des<br />
cours d’harmonie auprès de Robert Fuchs et de piano auprès de Ludwig Ernst au<br />
Conservatoire de Vienne. Son talent extraordinaire lui attira bientôt l’attention du<br />
compositeur Eduard Caudella. Quand Enesco, alors âgé de huit ans, fit ses débuts<br />
en public, Pablo Casals le salua comme « le plus grand phénomène musical depuis<br />
Mozart », et la presse viennoise s’extasia devant le « petit Mozart roumain ». À treize<br />
ans, Enesco fit la connaissance de Johannes Brahms et participa, au troisième pupitre<br />
des violons, à une exécution de la Première Symphonie en présence du compositeur<br />
à l’œuvre duquel il restera attaché sa vie durante. En 1895, Enesco alla à Paris pour<br />
suivre des études de composition auprès d’André Gédalge, Jules Massenet et Gabriel<br />
Fauré au Conservatoire où, entre autres, Maurice Ravel compte parmi ses camarades<br />
d’études. En 1899, il termina ses études avec la mention « excellent ». En 1898, son op. 1,<br />
Poème roumain, fut donné en première audition dans le cadre des Concerts Colonne.<br />
À Bucarest, il s’initia à la direction d’orchestre. Il fonda un trio avec Louis Fournier et<br />
le pianiste Alfredo Casella en 1902 et le Quatuor Enesco en 1904. Très attaché à son<br />
pays natal, Enesco (qui posséda une maison à Sinaïa) fonda, en 1912 à Bucarest, le Prix<br />
Enesco pour la composition financé par lui-même, ainsi que l’Orchestre symphonique<br />
« Georges Enesco » à Iasi ¸ (en 1917) et la Société des compositeurs roumains. Il dirigea<br />
la première inaugurale de l’Opéra d’Ètat Roumain à Bucarest, Lohengrin de Wagner,<br />
et fut admis à l’Académie Roumaine en 1932. En 1946, il entreprit une tournée de<br />
concerts aux Ètats Unis dont il ne rentra plus en Roumanie, par proteste contre le<br />
gouvernement communiste. Très vite, il réussit à s’établir comme virtuose du violon<br />
et comme pédagogue.<br />
Après sa mort en 1955, le nom d’Enesco disparût momentanément dans les oubliettes<br />
de l’histoire musicale. Étant donné que Pierre Boulez venait alors de bouleverser<br />
les critères de la composition musicale avec son Marteau sans Maître, il fallut un<br />
certain temps pour que l’on reconnût dans l’œuvre d’Enesco la synthèse géniale<br />
des différentes influences stylistiques. Si sa Première Symphonie (1903) porte encore<br />
l’empreinte du romantisme tardif, les influences françaises se font sentir dans les Sept<br />
chansons de Clément Marot (1908), tandis que la 2e Suite pour orchestre (1915) montre<br />
des tendances néo-baroques. Enesco composa un opéra, Œdipe (1921-1931), cinq<br />
symphonies (dont les deux dernières inachevées), des suites, des sonates, des quatuors,<br />
des lieder ainsi que des œuvres de chambre et pour orchestre. Ce sont sans doute les<br />
deux Rhapsodies roumaines op.11 (1901) qu’Enesco avait écrit avant ses 20 ans qui ont<br />
32 française française 33
marqué le plus son image en tant que compositeur national roumain. Si cette mise<br />
en valeur de l’élément national peut s’expliquer par le fait que la musique roumaine<br />
n’avait pas pu développer jusqu’alors, en conséquence de la longue domination<br />
étrangère par les Turcs, un style propre à elle, ce n’est quand même rendre justice ni à<br />
Enesco en tant que virtuose du violon, pédagogue et chef d’orchestre estimé tant en<br />
Roumanie qu’en France et en Amérique du Nord ni à son œuvre de compositeur que<br />
de réduire son importance à une dimension purement nationale. En déclarant l’année<br />
2005, celle du 50e anniversaire de la mort du compositeur, « Année Enesco », l’UNESCO<br />
a contribué grandement à ce que Georges Enesco soit placé, comme il le mérite, ˇ aux<br />
côtés de Bartók, Chostakovitch, Stravinsky, Prokofieff, Szymanowski et Janácek. ˇ<br />
Alfred Schnittke (1934-1998)<br />
Sonate n° 1 (1963)<br />
Même s’il ne jouait pas du violon, Alfred Schnittke avait lui aussi une prédilection<br />
pour cet instrument. Ainsi, il porta grande admiration à Dmitri Chostakovitch pour<br />
son Premier concerto pour violon créé par David Oistrakh en 1955. À cette époque,<br />
Schnittke s’occupa principalement de la musique de chambre et écrivit de nombreuses<br />
compositions pour formations de taille réduite.<br />
Fils d’un journaliste et traducteur d’origine juive lettonne et d’une institutrice<br />
catholique allemande de la Volga, Schnittke avait passé les années 1946 à 1948<br />
à Vienne où son père travailla comme rédacteur au journal allemand publié par la<br />
puissance occupante soviétique. À Vienne, il suivit des cours de piano et entreprit ses<br />
premières tentatives de composition. De retour en Union Soviétique, il étudia, de 1953<br />
à 1958, la composition et l’instrumentation au Conservatoire de Moscou où il reçut des<br />
impulsions décisives de Philipp Herchekovitch qui avait été l’élève de Webern. Ayant<br />
terminé ses études et une aspiranture successive de trois ans, Schnittke enseigna au<br />
Conservatoire de Mouscou de 1962 à 1972. C’est de cette période que date sa Première<br />
Sonate pour violon.<br />
Le premier mouvement, un bref Andante, fait se rencontrer deux partenaires<br />
extrêmement différents: à la voix du violon qui se répand en de grands récits lyriques<br />
et mélancoliques, le piano oppose ses accords brusques en staccato. Néanmoins, les<br />
deux partenaires s’écoutent l’un l’autre comme dans un bon entretien, reprenant le<br />
matériau musical et les gestes de l’interlocuteur, jusqu’á se lancer dans une dispute<br />
violente mais qui s’appaise bientôt.<br />
Dans l’Allegretto qui suit, chacun fait sa route, tout en cherchant à retrouver le<br />
partenaire, lui tournant autour avec une allégresse quelque peu factice, une nervosité<br />
accrue qui provoque de fortes collisions, jusqu’á ce que les tensions se dissolvent dans<br />
une espèce d’air de valse entonné au piano. Si les partenaires s’écoutent l’un l’autre,<br />
c’est le plus souvent le piano qui donne le ton. Parfois ils s’imitent même l’un l’autre<br />
sans pourtant se rencontrer vraiment.<br />
Au début du troisième mouvement Largo, tout semble avoir été disposé pour que<br />
le discours musical puisse recommencer à partir d’un nouveau point de départ en<br />
ut majeur. Le piano procure les appuis harmoniques au fil mélodique du violon<br />
qui entonne un chant solitaire d’une beauté envoûtante dont l’accompagnement<br />
34 française française 35
lui semble venir d’un autre temps. Il est évident, de par la gestuelle et l’emploi des<br />
intervalles B-A-C-H, que nous avons ici à faire à un hommage à Jean Sébastien Bach.<br />
Si un tel recommencement peut donner de l’inspiration, il n’apportera guère une<br />
solution musicale. Le « son lointain », aussi magique que soit l’effet lorsque, dans les<br />
registres les plus élevés, le violon semble se transformer en flûte, reste une illusion.<br />
Dans l’Allegretto scherzando, les conflits finissent par trouver une solution, du moins<br />
sur le plan extérieur, qui les fait paraître à peu près banals. Les thèmes du 2e et du<br />
3e mouvement reviennent en passant, et le thème initial de la sonate est repris sur<br />
un mode badin: Quand le piano rappelle une fois de plus le vieux Bach, le violon<br />
lui oppose son motif initial de Schnittke, énoncé trois fois en pizzicato délicat. Si la<br />
plaisanterie paraît peu subtile, elle réflète quand même un moment d’entente entres<br />
les deux partenaires inégaux<br />
Ce fut le violoniste Gidon Kremer qui fit connaître le compositeur soviétique au public<br />
de l’Ouest en présentant, dans le cadre d’une tournée de l’Orchestre de chambre<br />
litouanienne en Autriche et en R.F.A. en 1977, le Concerto grosso de Schnittke avec le<br />
compositeur lui-même au clavecin ou au piano. Nommé professeur hôte à Vienne en<br />
1980, Schnittke devint membre du Collège des Sciences à Berlin en 1989/90 et vint<br />
s’établir à Berlin (Ouest). Il était « compositeur en résidence » auprès de l’Orchestre<br />
Philhamonique de Berlin et tenait une classe de composition à la Musikhochschule de<br />
Hambourg. En 1990, Schnittke reçut la citoyenneté allemande.<br />
Richard Strauss (1864-1949)<br />
Sonate pour violon et piano en mi<br />
bémol majeur op. 18 (1887)<br />
Déjà dans les deux premières mesures, le piano<br />
présente le thème principal de l’Allegro, un<br />
thème comme un signal, héroïque et plein de<br />
puissance, qui ne souffre aucune opposition<br />
chambriste de la part du violon. Quand il<br />
se mit à travailler sur sa sonate pour violon,<br />
Strauss venait juste d’aborder son poème<br />
symphonique Macbeth. Le violon répond par<br />
une cantilène souple et exaltée à laquelle le<br />
thème secondaire du piano emprunte l’allure<br />
romantisante. Peu après, le violon présente à<br />
son tour un thème secondaire hymnique qui prend son envol mélodique jusque dans<br />
les registres les plus élevés. Le développement est dominé par les thèmes principaux.<br />
La démarche du compositeur ne vise pas cependant au travail motivique et thématique<br />
au sens stricte mais plutôt à l’épanouissement de grands thèmes romantiques<br />
efficaces, s’inspirant à la fois des mouvements en forme sonate de Johannes Brahms et<br />
de la pensée harmonique de Richard Wagner. Bien que Strauss n’eût alors que 23 ans,<br />
il avait déjà mis au point un langage musical tout à fait individuel qui se caractérise<br />
par le développement continuel des mélodies qui tendent à se confondre dans un<br />
36 française française 37
flux mélodique incessant. Ce n’est pas pour rien que le deuxième mouvement, un<br />
Andante en la bémol majeur, est intitulé « Improvisation ». Sur l’autographe, on peut lire<br />
précisemment « Improvisation de l’op ». 18 ce qui élève le mouvement au rang d’une<br />
pièce autonome. Conçue comme intermède en trois parties, l’Improvisation est basée<br />
sur un chant simple, une mélodie parmi les plus populaires du compositeur. Comme le<br />
premier mouvement, le Finale Andante-Allegro est entièrement dominé par son motif<br />
de tête dont l’évolution s’accompagne de deux thèmes subsidiaires, un motif de tierce<br />
et une grande cantilène mélodique en ut majeur. On a de la peine à croire que l’on<br />
n’entende ici qu’un violon et un piano. Sans se référer à un texte programmatique ou à<br />
quelque image extra-musicale, le maître du poème symphonique – qui compose dans<br />
ces années De l’Italie (1987), Don Juan (1989), Mort et transfiguration et Macbeth (les<br />
deux achevés en 1890) – renoue dans sa sonate avec les musiques à programme de<br />
Franz Liszt et de Hector Berlioz. Chez Strauss, le récit en musique naît du dialogue des<br />
voix différentes, s’alimente de la charge gestuelle des mélodies qui restent toujours<br />
liées au système tonal et évolue dans un climat d’exaltation pétillante, s’attardant<br />
parfois sur quelque détail amoureusement modelé, pour s’achever dans une grande<br />
apothéose de la vie. L’idée qui inspire Strauss est de créer une musique qui offrirait –<br />
d’après une expression qu’il emprunte au Faust de Goethe – le « reflet coloré » de la<br />
vie. Né comme fils d’un coriste à l’orchestre de la cour de Munich, Richard Strauss avait<br />
reçu des leçons de violon dès qu’il avait six ans. C’est à cet instrument mélodique que<br />
sa sensibilité musicale avait alors été formée, et cette expérience a laissé des traces à<br />
travers toute son œuvre de compositeur. Certains éléments stylistiques développés<br />
dans les musiques de chambre de sa jeunesse reviennent dans les opéras et dans les<br />
œuvres orchestrales des périodes ultérieures de sa création où les ouvrages destinés<br />
à de formations plus petites se font rares mais qui, en revanche, virent la naissance<br />
d’un grand nombre de lieder où la mélodie est confiée à la voix humaine. « Ma pensée<br />
c’est la mélodie. Elle révèle quelque chose de plus profond, d’inexprimable ! Dans un<br />
seul accord tu peux découvrir un monde! » C’est ainsi que s’exprime le Compositeur,<br />
un personnage de l’opéra Capriccio de Strauss qui lui-même avoua franchement :<br />
« Je ne sais faire que des thèmes courts. Mais ce que je sais bien faire c’est tourner et<br />
retourner un tel thème, le paraphraser, lui arracher tout ce qu’il y a dedans ». Sa Sonate<br />
pour violon, parfois sous-estimé parce qu’on n’attendrait pas d’une œuvre de jeunesse<br />
une perfection pareille, surprend par une fantaisie sonore débridée stimulée par une<br />
immense volonté d’expression.<br />
Dr. Ulrike Liedtke<br />
(en avril 2008)<br />
38 française française 39