10 - Théâtre Vidy Lausanne

Au théâtre pour 16 francs
Avec la carte de réduction
Théâtre Vidy-Lausanne
Saison 2013-2014
Main sponsor :
www.richardmille.com
Vidy-L
Théâtre Vidy-Lausanne
Av. E.-Jaques-Dalcroze 5
1007 Lausanne
Tél. 021 619 45 45
www.vidy.ch
Presse et communication
Sarah Turin/Coralie Rochat
Tél. 021 619 45 21/74
s.turin@vidy.ch
c.rochat@vidy.ch

Sommaire
Théâtre Vidy-Lausanne
Saison 2013-2014
De septembre à janvier
01
Du 4
au 21 septembre 2013
Salle René Gonzalez
02
Du 7
au 15 septembre 2013
Chapiteau extérieur
Blue Jeans
de Yeung Faï
Conception, scénographie et marionnettes :
Yeung Faï
Géométrie de caoutchouc
pièce d’Aurélien Bory pour un chapiteau
Conception, scénographie et mise en scène :
Aurélien Bory
03
Du 10
au 22 septembre 2013
Salle Charles Apothéloz
Perturbation
d’après Thomas Bernhard
Mise en scène, adaptation, scénographie, lumière :
Krystian Lupa
04
Du 11
au 28 septembre 2013
La Passerelle
Vers Wanda
Un spectacle de Marie Rémond
librement inspiré des écrits de Nathalie Léger et du film
«Wanda» de Barbara Loden
05
Du 1 er
au 11 octobre 2013
Chapiteau Vidy-L
Les années
d’Yvette Théraulaz
Trois représentations
exceptionnelles
Du 8
au 10 octobre 2013
Salle Charles Apothéloz
Hamlet
de William Shakespeare
Mise en scène :
Thomas Ostermeier

Sommaire
Théâtre Vidy-Lausanne
Saison 2013-2014
De septembre à janvier
06
Du 29 octobre
au 2 novembre 2013
Salle Charles Apothéloz
07
Du 29 octobre
au 17 novembre 2013
Salle René Gonzalez
Les femmes savantes
de Molière
Mise en scène et scénographie :
Denis Marleau
La Dérive des continents
de Philippe Saire
Chorégraphie :
Philippe Saire
08
Du 30 octobre
au 24 novembre 2013
La Passerelle
Staying Alive
Une création originale d’Antonio Buil, Delphine Lanza,
Paola Pagani et Dorian Rossel
09
Du 5
au 17 novembre 2013
Salle Charles Apothéloz
Le triomphe de l’amour
de Marivaux
Mise en scène :
Galin Stoev
10
Du 12
au 28 novembre 2013
Chapiteau Vidy-L
Oh, mon doux pays
Projet théâtral conçu par Corinne Jaber autour de la
Syrie
11
Du 27 novembre
au 1 er décembre 2013
Salle Charles Apothéloz
Ménélas rebétiko rapsodie
de Simon Abkarian
Mise en scène :
Simon Abkarian

Sommaire
Théâtre Vidy-Lausanne
Saison 2013-2014
De septembre à janvier
12
Du 3
au 20 décembre 2013
Salle René Gonzalez
Rome-Nanterre
Un jeu biographique
d’après «Forêt noire» et d’autres textes de Valérie Mréjen
Mise en scène :
Gian Manuel Rau
13
Du 4
au 22 décembre 2013
La Passerelle
Hughie
d’Eugene O’Neill
Mise en scène :
Jean-Yves Ruf
14
Du 6
au 22 décembre 2013
Chapiteau Vidy-L
The Acting Bug/Le virus de la
scène
cirque de puces savantes de Patrick Sims
Ecriture, marionnettes et jeu :
Patrick Sims
15
Du 10
au 15 décembre 2013
Salle Charles Apothéloz
Oy Division
16
Du 8 janvier
au 2 février 2014
Salle René Gonzalez
Dogugaeshi
de Basil Twist
17
Du 21 janvier
au 2 février 2014
Salle Charles Apothéloz
Immortels
de Nasser Djemaï
Texte et mise en scène :
Nasser Djemaï

Blue Jeans
de Yeung Faï
01
Du 4 au 21 septembre 2013
Salle René Gonzalez
© Jérôme Vernez

Blue Jeans
de Yeung Faï
Du 4
au 21 septembre 2013 Salle René Gonzalez 01
Conception, scénographie
et marionnettes :
Yeung Faï
Assistant à la mise en
scène :
Yoann Pencolé
Dramaturge :
Pauline Thimonnier
Création lumière :
Christian Peuckert
Assistant lumière :
Adrien Gardel
Création vidéo :
Stéphane Janvier
Jérôme Vernez
Musique et son :
Ludovic Guglielmazzi
Conseiller artistique :
Thierry Tordjman
Regard extérieur :
Gabriel Hermand-Priquet
Construction décor :
Ateliers du Théâtre
Vidy-Lausanne
Avec :
Yeung Faï
Yoann Pencolé
Inbal Yomtovian
Durée :
environ 1h
Age conseillé :
dès 12 ans
Genre :
documentaire-fiction
marionnettique
Mercredi 04.09. 19h30
Jeudi 05.09. 19h30
Vendredi 06.09. 19h30
Samedi 07.09. 19h30
Dimanche 08.09. relâche
Lundi 09.09. relâche
Mardi 10.09. 19h30
Mercredi 11.09. 19h30
Jeudi 12.09. 19h30
Vendredi 13.09. 19h00
Samedi 14.09. 19h30
Dimanche 15.09. 18h30
Lundi 16.09. relâche
Mardi 17.09. relâche
Mercredi 18.09. 19h30
Jeudi 19.09. 19h30
Vendredi 20.09. 19h30
Samedi 21.09. 15h00/
19h30
Production déléguée :
Théâtre Vidy-Lausanne
Coproduction :
Espace des Arts – scène nationale Chalon-sur-Saône
Théâtre des Marionnettes de Genève
MA scène nationale, Montbéliard
National Chiang Kai-Shek Cultural Center, Taiwan, R.O.C
Création au Théâtre Vidy-Lausanne le 4 septembre 2013

Blue Jeans
de Yeung Faï
Du 4
au 21 septembre 2013 Salle René Gonzalez 01
Note d’intention
Nous portons tous des jeans. Symboles de liberté.
Ils conviennent à tous : hommes, femmes.
Ils sont pratiques et confortables, vont avec tout, ne représentent
aucune catégorie sociale et toutes à la fois.
Le jeans nous rend égaux.
A l’heure actuelle, 70% de la production mondiale de jeans est
fabriqué en Asie. Les plus grandes marques sont américaines
et européennes.
Ces jeans sont majoritairement fabriqués par des mains jeunes,
de femmes et d’enfants. Ces esclaves modernes fournissent au
monde entier ce symbole de liberté et d’égalité...
La Chine est loin, très loin.
Mais cette économie basée sur l’exploitation de l’autre se rapproche
de plus en plus.
Et demain il se pourrait que vos enfants en soient les victimes.

Blue Jeans
de Yeung Faï
Du 4
au 21 septembre 2013 Salle René Gonzalez 01
Présentation
Quelque part en Asie…
Dans une famille de paysans, un homme pousse une meule en
pierre. Il semble être là depuis la nuit des temps. Sa femme,
famélique, vient de mettre au monde deux enfants, deux sœurs
jumelles. Dans un contexte de vie difficile, ils ne pourront pas
nourrir ces deux bouches supplémentaires. Il faudra donc
vendre l’une des deux filles. L’autre restera à la ferme mais
partira, dès que son âge le lui permettra, pour ces grandes
métropoles où des usines embauchent la jeune main-d’œuvre.
Il n’y a pas d’autre alternative pour une jeune fille car le travail
des champs n’est pas pour elle. L’avenir est là-bas, dans ces
villes champignons où les usines étrangères s’installent pour
produire des biens pour la terre entière.
«Blue Jeans» interroge notre monde contemporain à l’heure
de la globalisation en évoquant la vie des deux sœurs jumelles
séparées et vivant dans deux mondes parallèles. Sous la forme
d’un spectacle documentaire, nous découvrirons une famille
traditionnelle en rupture d’un monde en quête de progrès, de
modernité et d’urbanité.
© Yeung Faï
Pour sa nouvelle création, après le succès de «Hand Stories»
qui l’a conduit du Brésil aux Etats-Unis, d’Avignon à Taïwan
et dans de nombreuses villes françaises et européennes, le
marionnettiste Yeung Faï s’inspirera notamment des documentaires
du réalisateur américain Greg Conn Jr. traitant de
la fabrication des jeans dans le monde et de la problématique
du travail.
Plusieurs techniques seront utilisées : marionnettes Bunraku,
marionnettes à gaine, théâtre d’objet sur fonds d’images, à la
manière de Barry Purves, l’un des maîtres du cinéma d’animation
contemporain, grâce à un système de paravents sur
lesquels seront projetés des vidéos, créant un paysage et une
scénographie mobile.
Trois interprètes (Chine, France, Israël) seront les maîtres
d’œuvre de ce documentaire marionnettique, véritable plongée
dans les abysses du monde du travail.
«Blue Jeans» sera avant tout une fable visuelle poétique et
politique.

Blue Jeans
de Yeung Fa
Du 4
au 21 septembre 2013 Salle René Gonzalez 01
Yeung Faï
Né en Chine en 1964, Yeung Faï incarne la cinquième génération
d’une grande famille de marionnettistes chinois.
L’art des marionnettes est l’un des arts folkloriques traditionnels
chinois les plus anciens, datant de la dynastie des Han de
l’Ouest (206 av. J.C.–24 ap. J.C.).
© Yoann Pencolé
Yeung Faï est éduqué dès l’âge de quatre ans par son père,
grand maître chinois de marionnettes qui sera persécuté au
moment de la révolution culturelle et laissera des traces indélébiles
dans la pratique artistique de Yeung Faï.
Il vit aujourd’hui en France et pratique inlassablement son art,
devenu maître incontesté de la manipulation ainsi que de la
fabrication de marionnettes.
Il tourne son solo «Scenes of the Beijin Opera» dans les principaux
festivals internationaux de marionnettes depuis près
d’une vingtaine d’années, en Asie, en Amérique du Nord, en
Amérique du Sud et en Europe.
Il a participé à plusieurs films pour le cinéma et la télévision et
a également enseigné plusieurs années à l’école de marionnettes
de Zhanzou. Yeung Faï a maintenant sa propre troupe
de marionnettistes.
En 2004, il joue dans «La neige au milieu de l’été» de Guân
Hanging, ce très beau poème chinois adapté par Grégoire
Callies, directeur du Théâtre Jeune Public de Strasbourg, pour
mettre en scène une vingtaine de marionnettes dont il supervise
la fabrication.
En 2005, il construit, avec toute une équipe, les marionnettes
de «Don Quichotte», la création 2005 du TJP, mise en scène
par Grégoire Callies : des marionnettes à gaine et des marionnettes
portées (ou bunraku), ont été pensées, dessinées et
construites en Chine. De 2006 à 2009, il participe à trois créations
«Odyssée 1-2-3», dirigées par Grégoire Callies.
Depuis 2011, son spectacle «Hand Stories» a été représenté
plus de 200 fois, de Lausanne à New York, de la Réunion au
Brésil, en passant par bon nombre de scènes françaises.

Géométrie de caoutchouc
pièce d’Aurélien Bory pour un chapiteau
02
Du 7 au 15 septembre 2013
Chapiteau extérieur
© Aglaé Bory

Géométrie de caoutchouc
pièce d’Aurélien Bory pour
un chapiteau
Du 7
au 15 septembre 2013 Chapiteau extérieur 02
Conception, scénographie
et mise en scène :
Aurélien Bory
Création lumière et régie générale :
Arno Veyrat
Musique :
Alain Kremski
Mixages additionnels :
Joël Abriac
Collaborations artistiques :
Pierre Rigal
Albena Dimitrova
Olivier Alenda
Assistante à la mise en scène et
costumes :
Sylvie Marcucci
Sonorisation et régie son :
Stéphane Ley
Régisseurs plateau :
Tristan Baudoin
François Saintemarie
Régisseur lumière :
Séverine Anselmo
Enregistrement studio :
Charles Eddi
Décor :
Pierre Dequivre
Construction décor :
Atelier La Fiancée du Pirate – Toulouse
Production, administration,
diffusion :
Florence Meurisse
Christelle Lordonné
Marie Reculon
Avec :
Mathieu Bleton
Raphaëlle Boitel
Olivier Boyer
Pierre Cartonnet
Claire Cordelette-Lourdelle
Sarah Cosset
Cécile Fradet
Nicolas Lourdelle
Durée :
1h
Age conseillé :
tout public
Genre :
art du mouvement
Production :
Compagnie 111 – Aurélien Bory
Coproduction :
Le Grand T – Théâtre de Loire-Atlantique, Nantes/TNT – Théâtre national
de Toulouse Midi-Pyrénées/Parc de La Villette, Paris/CIRCa Auch Gers
Midi-Pyrénées/Cirque-théâtre d’Elbeuf – Centre des arts du cirque de
Haute Normandie/Théâtre Firmin Gémier La Piscine – Pôle national des
arts du cirque, Antony/Bonlieu – Scène nationale, Annecy/Le Volcan
– Scène nationale, Le Havre/Le Parvis – Scène nationale de Tarbes
Pyrénées/Théâtre de Caen
Résidences :
L’Usine – lieu conventionné Arts de la rue, Tournefeuille/Le Grand T –
Théâtre de Loire-Atlantique, Nantes
Avec la participation de :
Théâtre Garonne – Scène européenne, Toulouse
Samedi 07.09. 18h30
Dimanche 08.09. 17h30
Lundi 09.09. relâche
Mardi 10.09. 20h00
Mercredi 11.09. 20h30
Jeudi 12.09. 20h30
Vendredi 13.09. 19h30
Samedi 14.09. 18h30
Dimanche 15.09. 17h30
Avec le soutien de :
Ministère de la Culture et de la Communication – DRAC Midi-Pyrénées/
Ministère de la Culture et de la Communication – DGCA/Région Midi-
Pyrénées/Ville de Toulouse/Conseil général de la Haute-Garonne.
La Compagnie 111 – Aurélien Bory bénéficie du soutien de la Fondation
BNP Paribas pour le développement de ses projets.
La Compagnie 111 – Aurélien Bory est associée au Grand T – Théâtre de
Loire-Atlantique, Nantes.
Création au Grand T à Nantes le 11 octobre 2011
La pièce «Géométrie de caoutchouc» bénéficie du soutien de la
Fondation BNP Paribas pour sa diffusion au Théâtre Vidy-Lausanne.

Géométrie de caoutchouc
pièce d’Aurélien Bory pour
un chapiteau
Du 7
au 15 septembre 2013 Chapiteau extérieur 02
Présentation
«Géométrie de caoutchouc», une pièce pour chapiteau. Au
centre de la piste, une gigantestque toile de chapiteau habitée
par huit acrobates-danseurs. Ces hommes-oiseaux n’auront
de cesse de malmener, d’escalader, de parcourir, de comprendre
cette géométrie de caoutchouc. Un dialogue singulier
s’opère alors entre eux et l’espace qui plie et se déploie comme
une immense marionnette.
Aurélien Bory nous donne à voir une succession de tableaux
où la poésie et le merveilleux se jouent de la gravité dans un
corps à corps acrobatique baigné de jeux d’ombres et de
lumières. Installés autour de la scène, devant cette toile géante
qui respire, se soulève, s’envole et s’effondre, les spectateurs
sont emportés sur les chemins infinis de l’imagination et de la
rêverie.

Géométrie de caoutchouc
pièce d’Aurélien Bory pour
un chapiteau
Du 7
au 15 septembre 2013 Chapiteau extérieur 02
Aurélien Bory et
la Compagnie 111
© Mario Del Curto
Aurélien Bory, né en 1972, est metteur en scène. Il dirige la compagnie
111, fondée avec Olivier Alenda en 2000 et implantée à
Toulouse.
La Compagnie 111 développe une œuvre singulière et hybride,
à la croisée de nombreuses disciplines du spectacle vivant
(théâtre, cirque, danse, arts visuels, musique, ...).
111 comme une référence à l’opus de la dernière sonate pour
piano de Beethoven. 111 comme une invitation des mathématiques
à venir sur un plateau de théâtre. On retrouve ces mathématiques
dans le credo de la compagnie : le théâtre est un art
de l’espace.
Les plus récentes pièces d’Aurélien Bory sont «Plexus» (2012)
créée au Théâtre Vidy-Lausanne, «Géométrie de caoutchouc»
(2011) créée au Grand T à Nantes, et «Sans objet» (2009) créée
au Théâtre national de Toulouse Midi-Pyrénées. En 2007, il
créé en Chine «Les sept planches de la ruse» avec des artistes
de l’Opéra de Dalian. Ses spectacles sont présentés dans le
monde entier et cette reconnaissance internationale débute
avec «Plan B» (2003) et «Plus ou moins l’infini» (2005), créés
en collaboration avec Phil Soltanoff. Egalement inspiré par la
danse, Aurélien Bory met en scène le chorégraphe Pierre Rigal
dans «Erection» (2003) et «Arrêts de jeu» (2006). Il conçoit aussi
deux portraits de femme, «Questcequetudeviens» (2008) pour
la danseuse de flamenco Stéphanie Fuster et «Plexus» (2012)
pour la danseuse japonaise Kaori Ito. Pour 2013, il imagine un
nouveau projet pour les acrobates marocains, «Azimut», dix ans
après «Taoub», spectacle fondateur du Groupe acrobatique de
Tanger.
Les œuvres d’Aurélien Bory sont animées par la question de
l’espace. Il ne conçoit son travail théâtral que «dans le renouvellement
de la forme» et «en laissant de la place à l’imaginaire
du spectateur». Aurélien Bory reçoit le prix Créateur sans frontières
en 2008. Depuis 2011, il est artiste associé au Grand T
à Nantes.

Perturbation
d’après Thomas Bernhard
03
Du 10 au 22 septembre 2013
Salle Charles Apothéloz
Krystian Lupa
© DR

Perturbation
d’après Thomas Bernhard
Du 10
au 22 septembre 2013
Salle
Charles Apothéloz
03
Mise en scène,
scénographie, lumière :
Krystian Lupa
Adaptation :
Krystian Lupa
et les acteurs
Collaborateur artistique :
Lukasz Twarkowski
Costumes :
Piotr Skiba
Interprète :
Mariola Odzimkowska
Son :
Frédéric Morier
Construction décor :
Ateliers du Théâtre
Vidy-Lausanne
Avec :
John Arnold
Thierry Bosc
Valérie Dréville
Jean-Charles Dumay
Pierre-François Garel
Lola Riccaboni
Mélodie Richard
Matthieu Sampeur
Anne Sée
Grégoire Tachnakian
Durée :
environ 3h30
Age conseillé :
dès 16 ans
Genre :
drame métaphysique
Production :
Théâtre Vidy-Lausanne
Mardi 10.09. 19h00
Mercredi 11.09. 19h00
Jeudi 12.09. 19h00
Vendredi 13.09. 20h00
Samedi 14.09. 19h00
Dimanche 15.09. relâche
Lundi 16.09. relâche
Mardi 17.09. 19h00
Mercredi 18.09. 19h00
Jeudi 19.09. 19h00
Vendredi 20.09. 19h00
Samedi 21.09. 19h00
Dimanche 22.09. 17h30
Coproduction :
Théâtre national de la Colline
Coréalisation :
Festival d’Automne à Paris
Avec le soutien de :
Adam Mickiewicz Institute
L’Arche Editeur est l’agent théâtral du texte dans sa
version originale.
Création au Théâtre Vidy-Lausanne le 10 septembre 2013

Perturbation
d’après Thomas Bernhard
Du 10
au 22 septembre 2013
Salle
Charles Apothéloz
03
Présentation
Le metteur en scène polonais Krystian Lupa, référence incontournable
du théâtre européen, dirige une équipe de comédiens
français pour nous livrer une vision apocalyptique du
roman de Thomas Bernhard «Perturbation». Fidèle à une telle
écriture du désastre, sa mise en scène représente le chemin
de croix d’un médecin de campagne et de son fils, placé sous
le signe pascalien du «silence éternel des espaces infinis». Le
médecin se fait confesseur de tous les désespoirs d’une humanité
malade de la mort tandis que son fils perd l’innocence et
apprend l’angoisse.
Thomas Bernhard
(1931-1989)
© Erika Schmied
Une enfance à Salzbourg auprès de son grand-père maternel,
au temps du nazisme triomphant, marque le début de l’enfer
pour Thomas Bernhard. A la suite de l’Anschluss en mars 1938,
il est envoyé dans un centre d’éducation national-socialiste en
Allemagne puis placé dans un internat à Salzbourg où il vivra
la fin de la guerre. Atteint de tuberculose, Thomas Bernhard
est soigné en sanatorium, expérience qu’il inscrira dans sa
production littéraire. Il voyage à travers l’Europe, surtout en
Italie et en Yougoslavie, puis revient étudier à l’Académie de
musique et d’art dramatique de Vienne ainsi qu’au Mozarteum
de Salzbourg. Son premier roman «Gel» lui vaut l’obtention de
nombreux prix et une reconnaissance internationale. Par la
suite, Thomas Bernhard se consacre également à des œuvres
théâtrales. En 1970, «Une fête pour Boris» remporte un grand
succès au Théâtre allemand de Hambourg. Paraît ensuite, entre
1975 et 1982, un cycle de cinq œuvres autobiographiques :
«L’origine», «La cave», «Le souffle», «Le froid» et «Un enfant».
En 1985, «Le faiseur de théâtre», véritable machine à injures,
fera scandale. Mais c’est avec «Heldenplatz», son ultime pièce,
que Thomas Bernhard s’attirera le plus d’ennuis en dénonçant
une fois encore les vieux démons de son pays : l’hypocrisie et
le fanatisme d’une société toujours aux prises avec le nationalsocialisme.
Thomas Bernhard meurt trois mois après la première.
Dans son testament, il interdira toute représentation de
ses pièces de théâtre dans son pays natal.

Perturbation
d’après Thomas Bernhard
Du 10
au 22 septembre 2013
Salle
Charles Apothéloz
03
Krystian Lupa
© DR
Né en 1943 à Jastrzebie Zdroj en Pologne, il étudie les arts graphiques
à l’Académie des beaux-arts de Cracovie. Il commence
sa carrière de metteur en scène à la fin des années 70 au Teatr
Norwida de Jelenia Gora, tout en dirigeant quelques productions
au Stary Teatr de Cracovie dont il devient le metteur en scène
attitré en 1986. Depuis 1983, il enseigne la mise en scène au
Conservatoire d’art dramatique de Cracovie.
Influencé par Tadeusz Kantor (son maître, avec le cinéaste Andreï
Tarkovski) et grand lecteur de Jung, il développe sa conception
du théâtre comme instrument d’exploration et de transgression
des frontières de l’individualité. Il monte d’abord les grands
dramaturges polonais du XX e siècle : Witkiewicz, Wyspianski,
Gombrowicz («Yvonne, princesse de Bourgogne», 1978, «Le
mariage», 1984) et conçoit entièrement deux spectacles : «La
chambre transparente» (1979) et «Le souper» (1980). En 1985, il
crée «Cité de rêve» au Stary Teatr d’après le roman d’Alfred Kubin
(«L’autre côté»).
Parallèlement à la mise en scène d’œuvres dramatiques,
Tchekhov («Les trois sœurs», Festival d’Automne, 1988), Genet,
Reza, Schwab («Les présidentes»,1999), Loher («Les relations
de Claire», 2003), la littérature romanesque, particulièrement
autrichienne, devient son matériau de prédilection. Il adapte
et met en scène Musil («Les exaltés», 1988 ; «Esquisses
de l’homme sans qualités», 1990), Dostoïevski («Les frères
Karamazov», 1988, Odéon-Théâtre de l’Europe, 2000), Rilke
(«Malte ou le triptyque de l’enfant prodigue», 1991), Bernhard
(«La plâtrière», 1992 ; «Emmanuel Kant» et «Déjeuner chez
Wittgenstein», 1996 ; «Auslöschung-extinction», 2001), Broch
(«Les somnambules», 1995, Festival d’Automne à Paris, 1998),
Boulgakov («Le maître et Marguerite», 2002), Nietzsche et Einar
Schleef («Zarathoustra», 2006).
Ses spectacles sont également marqués par un travail singulier
sur le rythme, temps ralenti dans le déroulement de l’action
scénique, souvent concentrée autour de moments de crises.
De nombreux prix ont distingué son travail, dont dernièrement,
le Prix Europe pour le théâtre (2009). A la suite de «Factory
2», il crée «Persona. Marilyn», «Le corps de Simone» ; «Salle
d’attente» en 2011, librement inspiré de «Catégorie 3.1» de Lars
Norén au Théâtre Vidy-Lausanne avec la participation de jeunes
acteurs fraîchement sortis des écoles supérieures de théâtre
(Manufacture – Haute école de théâtre de Suisse romande et
le Conservatoire national supérieur d’art dramatique). En 2012,
il crée à nouveau «La cité du rêve» d’après le roman d’Alfred
Kubin «L’autre côté» à l’occasion du Festival d’Automne à Paris.

Vers Wanda
Un spectacle de Marie Rémond
librement inspiré des écrits de Nathalie Léger et du film «Wanda» de
Barbara Loden
04
Du 11 au 28 septembre 2013
La Passerelle
Jérémie Kisling
© DR
© DR

Vers Wanda
Un spectacle de
Marie Rémond
librement inspiré des écrits
de Nathalie Léger et du film
«Wanda» de
Barbara Loden
Du 11
au 28 septembre 2013 La Passerelle 04
Création collective et jeu :
Clément Bresson
Sébastien Pouderoux
(Pensionnaire de la
Comédie-Française)
Marie Rémond
(distribution en cours)
Dramaturgie :
(distribution en cours)
Collaboration artistique :
(distribution en cours)
Lumière :
Marie-Christine Soma
Scénographie, costumes :
Marie La Rocca
Construction décor :
Ateliers du Théâtre
Vidy-Lausanne
Age conseillé :
dès 12 ans
Genre :
théâtre
Mercredi 11.09. 20h00
Jeudi 12.09. 20h00
Vendredi 13.09. 20h30
Samedi 14.09. 20h00
Dimanche 15.09. relâche
Lundi 16.09. relâche
Mardi 17.09. 20h00
Mercredi 18.09. 20h00
Jeudi 19.09. 20h00
Vendredi 20.09. 20h00
Samedi 21.09. 20h00
Dimanche 22.09. 18h00
Lundi 23.09. relâche
Mardi 24.09. 20h00
Mercredi 25.09. 20h00
Jeudi 26.09. 20h00
Vendredi 27.09. 20h00
Samedi 28.09. 20h00
Production déléguée :
Théâtre Vidy-Lausanne
Coproduction :
Théâtre national de la Colline
Création au Théâtre Vidy-Lausanne le 11 septembre 2013

Vers Wanda
Un spectacle de
Marie Rémond
librement inspiré des écrits
de Nathalie Léger et du film
«Wanda» de
Barbara Loden
Du 11
au 28 septembre 2013
La Passerelle 04
Note d’intention
Je découvre Barbara Loden à travers le livre de Nathalie Léger
«Supplément à la vie de Barbara Loden». Construit comme une enquête,
une recherche, le livre évoque l’actrice à travers son film «Wanda» réalisé
sans moyens, dans lequel elle incarne l’héroïne.
Il y a d’abord l’errance de cette femme, Wanda, apparemment sans
attaches et sans désirs ; il y a ensuite la recherche de Barbara Loden,
une actrice rare, une cinéaste inspirée, une femme secrètement blessée,
et qui cherche la vérité de son existence à travers un fait divers ; il
y a enfin l’enquête menée par Nathalie Léger. Trois destins entremêlés
pour une même recherche sans objet, une même façon d’esquiver ou
d’affronter la réalité.
Puis, je découvre le film. Le personnage de Wanda est inspiré d’Alma
Malone dont Barbara Loden apprend l’existence à travers un fait divers,
dans un journal le 27 mars 1960. Alma Malone déserte son foyer pour
suivre Mr Ansley qui a déjà fait plusieurs séjours en prison. Le 23 septembre
1959, Mr Ansley kidnappe le directeur d’une banque. Alma est
chargée de le suivre dans une voiture jusqu’à la banque, puis de l’attendre
dans la rue pour assurer leur fuite, mais elle se perd et quand
elle arrive à la banque tout a déjà échoué : Mr Ansley a été abattu par la
police, elle-même est arrêtée et condamnée à 20 ans de prison.
Au procès, elle dira seulement «I’m glad it’s all over» («Je suis heureuse
que tout soit fini»).
Ce qui fait la spécificité du personnage imaginé et joué par Barbara
Loden à partir de cette histoire, c’est sa désertion. Elle se laisse mener,
guider par cet homme qui ne lui accorde presque aucune attention,
elle est figurante, accompagnatrice et pourtant trouve une forme de
justification de son existence. «L’Amérique, dit-elle à Michel Ciment,
est un pays où les femmes n’ont d’identité que par l’homme qu’elles
trouvent». Il y a bien une révolte silencieuse dans «Wanda» et à travers
elle, en Barbara Loden, même si au départ le film fut très mal reçu par
les féministes. C’est Marguerite Duras, puis Isabelle Huppert qui initient
sa notoriété en France.
Quelle sensibilité dans l’apparente banalité du personnage de Wanda
nous questionne, nous dérange Qu’est-ce que son regard, son attitude
révèle du monde qui l’entoure De quoi sa passivité est-elle un
refus
Qu’est-ce qui nous relie à Barbara Loden et nous pousse à la recréation,
à la tentative de raconter encore cette histoire et à faire vivre autrement
quelque chose de Wanda
A partir de différents matériaux d’archives et par un travail d’improvisation,
d’écriture et de montage de textes, je souhaite, avec les acteurs,
que nous creusions ensemble les questionnements qui animent la relation
Barbara/Wanda en convoquant sur le plateau les personnages
– réels ou fictifs – qui ont traversé et façonné leurs vies, et ceux qui,
aujourd’hui, tentent de décrire ce qu’il leur reste de Wanda.
Marie Rémond

Vers Wanda
Un spectacle de
Marie Rémond
librement inspiré des écrits
de Nathalie Léger et du film
«Wanda» de
Barbara Loden
Du 11
au 28 septembre 2013 La Passerelle 04
Barbara Loden
(1932-1980)
© DR
Barbara Loden est une actrice, comédienne et réalisatrice américaine,
épouse du réalisateur Elia Kazan avec qui elle entretient, tout au long de
sa vie, une relation particulièrement houleuse. En tant que réalisatrice,
on lui doit l’extraordinaire «Wanda», film-réflexion sur le métier d’acteur.
La carrière cinématographique de Barbara Loden débute au début des
années 50 sur les planches de Broadway. C’est là qu’elle fait la rencontre
de sa vie, en la personne d’Elia Kazan avec qui elle formera un des couples
les plus singuliers d’Hollywood. Elle participe à l’écriture et aux préparatifs
du film de Kazan «L’arrangement» qui retrace leur histoire d’amour, et les
relations difficiles de Kazan avec son ex-femme. Elle doit interpréter son
propre rôle face à Marlon Brando. Malheureusement le Studio propose
de changer le casting et préfère le couple Kirk Douglas-Faye Dunaway
(qui vient de remporter un immense succès dans «Bonnie and Clyde»).
Kazan s’incline.
Cette décision, considérée par l’actrice comme une véritable trahison, va
jouer un rôle décisif dans la poursuite de sa carrière. Elle va se libérer de
l’emprise de son mari et mettre en place son propre projet de film. C’est
ainsi qu’Elia Kazan consent à l’aider et à la soutenir. De ce travail long et
douloureux naît, en 1970, un film unique et magnifique «Wanda». L’actrice
développe une réflexion sur le métier d’actrice qu’il est impossible de ne
pas mettre en parallèle avec sa propre vie. Comme un miroir à double
reflet qui renvoie l’image de la Barbara Loden, femme de Elia Kazan, à
la Barbara Loden, actrice s’interrogeant sur son métier, sa vie et aussi
sur la fonction même du cinéma qui génère des rêves mais aussi des
déceptions.
Marie Rémond
© Mario Del Curto
Formation à l’Ecole du Théâtre national de Strasbourg (promotion 2007,
section jeu).
Dans le cadre des ateliers de l’Ecole du TNS, elle travaille avec Jean-
Christophe Saïs sur «Roberto Zucco» de Bernard-Marie Koltès,
Christophe Rauck sur «Innocence» de Dea Loher, Yann-Joël Collin et
Eric Louis sur «TDM3» de Didier-Georges Gabily et Alain Françon sur
«Les enfants du soleil» de Maxime Gorki.
Dans le cadre des travaux d’élèves du TNS, elle met en scène «La
remplaçante» de Thomas Middelton et William Rowley et participe à
«Drames de princesses» d’Elfriede Jelinek, mis en scène par Matthieu
Roy.
Au théâtre, elle joue dans «Sallinger» de Bernard-Marie Koltès, mise en
scène d’Erika Von Rosen (2008), dans la reprise de «Drames de princesses»
(2008), «Et pourtant ce silence ne pouvait être vide» de Jean
Magnan, mise en scène de Michel Cerda (2008), «L’affaire de la rue
Lourcine» d’Eugène Labiche, mise en scène de Daniel Jeanneteau et
Marie-Christine Soma (2010). D’août à décembre 2010, dans le cadre de
l’«Ecole des maîtres», elle joue dans «Wonderland» sous la direction de
Matthew Lenton à Naples, Rome, Bruxelles, Lisbonne et Reims.
Elle met en scène «Dramuscules» de Thomas Bernhard (2003) et
«Promenades» de Noëlle Renaude (2006).

Les années
d’Yvette Théraulaz
05
Du 1 er au 11 octobre 2013
Chapiteau Vidy-L
Yvette Théraulaz
© Carole Parodi

Les années
d’Yvette Théraulaz
Du 1 er
au 11 octobre 2013 Chapiteau Vidy-L 05
Chant :
Yvette Théraulaz
Piano et arrangements :
Lee Maddeford
Mise en jeu :
Philippe Morand
Collaborations artistiques :
David Deppierraz
Stefania Pinnelli
Lumière :
Erik Zollikofer
Costumes :
Olivier Falconnier
Administration :
Claudine Corbaz
Durée :
1h30
Age conseillé :
dès 12 ans
Genre :
spectacle musical
Dimanche 6 octobre, la
représentation sera
précédée d’une cérémonie
musicale et de la remise
de l’Anneau Hans-Reinhart,
la plus haute distinction
de la scène théâtrale
suisse, à Yvette Théraulaz
pour l’année 2013.
A l’issue de son tour de
chant, le 11 octobre,
Yvette Théraulaz fera une
lecture de «La roue de la
fortune», monologue de
Werner Fritsch traduit par
Maurice Taszman.
Horaire : 21h
Entrée libre
Mardi 01.10. 20h30
Mercredi 02.10. 20h30
Jeudi 03.10. 20h30
Vendredi 04.10. 19h00
Samedi 05.10. 20h30
Dimanche 06.10. 17h00
Lundi 07.10. relâche
Mardi 08.10. 20h30
Mercredi 09.10. 20h30
Jeudi 10.10. 20h30
Vendredi 11.10. 19h00
Production :
Compagnie Horizon
Création au Festival Poésie en arrosoir à Cernier le
5 juillet 2013

Les années
d’Yvette Théraulaz
Du 1 er
au 11 octobre 2013 Chapiteau Vidy-L 05
Présentation
«Les années» c’est l’histoire d’une petite fille qui apprend comment
se comporter pour être gentille, obéissante et délicieuse.
Puis le temps passe, ou nous passons, en tout cas les années
filent. Cette petite fille gentille devient une adolescente. Elle a de
la chance car mai 68 arrive. Elle se donne corps et âme dans
cette révolte. Elle y trouve même sa raison d’être. Elle est pleine
d’espoirs et d’utopies : le monde va changer, elle en est persuadée,
elle devient féministe et humaniste. Elle fait du théâtre
aussi depuis quelques années. Elle apprend et comprend un
peu le monde, elle se politise. Elle lit des poèmes, des livres.
Elle écrit des chansons. Ce sera l’occasion dans le spectacle
d’évoquer cette période et de rendre hommage au théâtre qui
restera avec la chanson sa raison de vivre et de tenir debout.
Evidemment il y a l’amour, la rencontre avec les hommes, les
délices et les mystères. Et comme la petite fille a toujours été
coquine, elle chantera des chansons d’amour légèrement grivoises,
car elles mettent un peu de sel dans l’amour et mai 68 a
libéré la sexualité : c’était le moment. Donc «Les années» parleront
et chanteront les hommes et les ruptures, puis les années
continuent de défiler on arrive à 40 ans, 50 ans et on se pose
les questions essentielles.
Qu’ai-je fait de ma vie Suis-je passée à côté
On ne répondra pas à ces questions mais on se les posera.
«Les années» ont une fin : vieillir, mourir. On va s’interroger, on
va refuser de vieillir, de mourir, c’est un peu présomptueux alors
on va en rire et pourquoi pas imaginer ses funérailles et pourquoi
pas vivre un grand amour et pourquoi pas puisqu’on se
rapetisse, élargir l’espace du dedans.
«Les années», c’est le chemin d’une vie.
«Les années», c’est l’occasion de se révolter contre tout ce qui
nous entrave.
«Les années» c’est l’occasion de rendre hommage et de remercier
la vie.

Les années
d’Yvette Théraulaz
Du 1 er
au 11 octobre 2013 Chapiteau Vidy-L 05
Yvette Théraulaz
Théraulaz (Yvette) n.f. inv.
Comédienne et chanteuse suisse (Lausanne 1947). Sur scène
dès ses 14 ans, mélange de naturel, d’émotion, d’humour, de
revendications féministes, elle a marqué par sa personnalité de
nombreux rôles dans les théâtres de Suisse, France, Belgique,
Allemagne, Pologne, Québec, entremêlant plus d’une centaine
de pièces à ses spectacles musicaux. Grand Prix de la Fondation
vaudoise pour la création artistique 1992. Prix de la Comédienne
en 2001. «Plan-fixe» réalisé par Jean Mayerat.
Petit Larousse 2022, page 1655
© Hélène Tobler
Lee Maddeford
© DR
Né en 1959 à Anchorage en Alaska (USA) il étudie le cor à pistons,
le piano et l’improvisation, notamment avec Art Lande et
Gary Peacock à la Cornish School of Music de Seattle.
Installé à Lausanne depuis 1980, il s’affirme comme musicieninterprète
et arrangeur-compositeur. En 1989, avec le violoniste
Gil Abravanel, il remporte le premier prix du concours d’arrangements
de la communauté des radios francophones. Sa musique
est mise au service de différents ensembles : Piano Seven,
Diatonikachromatik, Sine Nomine, le duo Rogg-Maddeford avec
qui il réalise plusieurs disques et part en tournée. En tant qu’arrangeur,
il réalise la série pour enfants «Sautecroche», écrit par
Marie Henchoz, qui connaît un grand succès.
Depuis plusieurs années, en tant que compositeur ou interprète,
il participe à de nombreux spectacles romands. Il a été nominé
aux Molières 2005 pour la musique du spectacle «Créatures»,
co-écrite avec Alex Bonstein.

Hamlet
de William Shakespeare
Mise en scène : Thomas Ostermeier
Trois représentations
exceptionnelles
Du 8 au 10 octobre 2013
Salle Charles Apothéloz
© Arno Declair
Tarifs exceptionnels
Plein tarif :
42.–
Tarifs adhérent 13-14, AVS, AI, chômeurs, 16-25 ans, étudiants/
apprentis :
27.–
Billetterie :
021 619 45 45
www.vidy.ch

Hamlet
de William Shakespeare
Du 8
au 10 octobre 2013
Salle
Charles Apothéloz
© Arno Declair
Traduction :
Marius von Mayenburg
Mise en scène :
Thomas Ostermeier
Scénographie :
Jan Pappelbaum
Costumes :
Nina Wetzel
Musique :
Nils Ostendorf
Dramaturgie :
Marius von Mayenburg
Vidéo :
Sébastien Dupouey
Lumière :
Erich Schneider
Choréographie du combat :
René Lay
Surtitrage :
Uli Menke
Avec :
Urs Jucker
Claudius, Le Fantôme
Lars Eidinger
Hamlet
Judith Rosmair
Gertrud, Ophélie
Robert Beyer
Polonius, Osrik
Sebastian Schwarz
Horatio, Güldenstern
Stefan Stern
Laertes, Rosenkranz
Durée :
environ 2h45
(sans entracte)
Age conseillé :
dès 12 ans
Genre :
théâtre
spectacle en allemand
surtitré en français
Production :
Schaubühne Berlin
Coproduction :
Hellenic Festival Athens
Festival d’Avignon
Mardi 08.10. 19h00
Mercredi 09.10. 19h00
Jeudi 10.10. 19h00
Avec le soutien de :
Loterie Romande
Création le 7 juillet 2008 au Festival d’Athènes

Hamlet
de William Shakespeare
Du 8
au 10 octobre 2013
Salle
Charles Apothéloz
Présentation
La folie gagne Hamlet. Le roi, son père, est mort subitement
d’une maladie étrange et sa mère s’est remariée un mois plus
tard avec le frère du défunt. Les nuits d’Hamlet sont peuplées
de visions : le roi lui affirme qu’il a été empoisonné par son
propre frère et lui intime la vengeance. Afin de camoufler ses
plans meurtriers, Hamlet décide de passer pour fou, mais il finira
par perdre pied. Le monde devient à ses yeux un marécage
putride, le désir et la sexualité des abîmes menaçants sont
sans fond ; les amis qui l’entourent sont devenus des espions
manipulés par son beau-père pour le surveiller, même Ophélie,
sa bien-aimée, fait partie du complot. Le vengeur se sent
traqué : derrière chaque tenture, derrière chaque rideau se
cachent des traîtres. Celui qui se sent ainsi poursuivi le devient
réellement et ce qui à l’origine n’était que jeu se transforme en
folie véritable au moment crucial où Hamlet se trompe de cible
en tuant Polonius, le père d’Ophélie. Sa mère et son beau-père
étouffent le meurtre et exilent Hamlet. Les plans de vengeance
d’Hamlet s’éloignent ; il semble avoir perdu tout contrôle sur
son destin. Ophélie, brisée, se donne la mort. La tentative de
son beau-père de le supprimer définitivement offrira à Hamlet
la possibilité d’entraîner ses ennemis dans sa perte.
Shakespeare décrit la cour danoise comme un système politique
corrompu qui deviendra pour Hamlet le labyrinthe de sa paranoïa :
meurtres, délations, manipulations et passions dévorantes sont les
armes de ce combat pour le pouvoir. Hamlet, incapable de faire
siennes les règles machiavéliques de ce jeu d’échec politique,
retourne ses pulsions violentes contre lui-même. Sa faculté à
analyser le pour et le contre devient un obstacle infranchissable
à l’accomplissement de ses desseins. Seul être scrupuleux
dans un système qui ne l’est pas, il scellera ainsi son tombeau.
Avec ce paradoxe de celui qui doit agir, mais en est incapable,
Shakespeare propose une analyse toujours valide du dilemme
intellectuel entre la pensée complexe et l’acte politique. Si
Shakespeare utilise plus de 20 personnages pour construire
un biotope politique, véritable réseau de conflits d’intérêts et
d’intrigues qui mèneront son protagoniste à l’échec, seuls 6
comédiens se répartiront les rôles en alternance dans la mise
en scène de Thomas Ostermeier. Ainsi l’éloignement croissant
de la réalité, la manipulation de la vérité et de l’identité, la perte
de repères trouvent échos dans une interprétation qui met au
premier plan la stratégie de l’esquive et du double-jeu.

Hamlet
de William Shakespeare
Du 8
au 10 octobre 2013
Salle
Charles Apothéloz
Thomas Ostermeier
© Paolo Pellegrin
Né en 1968 à Soltau, Thomas Ostermeier termine sa formation
de metteur en scène en 1996 à l’Ecole supérieure de théâtre
«Ernst Busch» à Berlin. A peine sorti de l’école, son travail de
fin d’étude lui vaut déjà la reconnaissance du monde théâtral
berlinois et allemand. Moins d’une année plus tard, le Deutsches
Theater lui donne accès à l’espace «Die Baracke» qui deviendra
le lieu de référence de sa génération. Les trentenaires semblent se
reconnaître dans le travail du metteur en scène axé principalement
sur le conflit des générations. Les succès se multiplient et mènent
Thomas Ostermeier toujours plus loin.
En 1999, il devient membre de la direction artistique de la prestigieuse
Schaubühne de Berlin. Depuis les années 2000, Thomas
Ostermeier a mis en scène près d’une trentaine de spectacles qui
tournent dans le monde entier.
En 2004, il est nommé Artiste Associé pour le Festival d’Avignon.
Il a reçu de nombreux prix internationaux, notamment le prix
européen Nouvelles réalités théâtrales à Taormina (2002) pour
la pièce «Nora – Maison de poupée», le Prix Nestroy et le Prix
Politika en 2003. En 2009, «John Gabriel Borkman» de Henrik
Ibsen reçoit le Grand Prix de la Critique de France et «Hamlet»
de William Shakespeare est lauréat du Barcelona Critics Prize.
En 2009, Thomas Ostermeier est nommé Officier des Arts et des
Lettres par le Ministre français de la culture. En mai 2010, il est
nommé Président du Haut Conseil culturel franco-allemand et il
obtient le Prix de la critique pour «The Cut» de Mark Ravenhill lors
du Festival international KONTAKT de Torun (Pologne). En 2011,
Thomas Ostermeier a reçu le Lion d’or de la Biennale de Venise
pour son œuvre et le prix Friedrich-Luft de la meilleure pièce pour
«Mesure pour mesure». Au Chili, sa mise en scène de «Hamlet»
a reçu le prix de la critique en tant que meilleure production
internationale en 2011 et en Turquie, elle a été couronnée l’année
suivante du Prix Honorifique du 18 ème Festival international de
théâtre d’Istanbul.
En mars 2013, il a mis en scène «Les revenants» d’après Ibsen
au Théâtre Vidy-Lausanne.

Les femmes savantes
de Molière
06
Du 29 octobre au 2 novembre 2013
Salle Charles Apothéloz
© Stephanie Jasmin

Les femmes savantes
de Molière
Du 29 octobre
au 2 novembre 2013
Salle
Charles Apothéloz
06
© Stephanie Jasmin
Mise en scène et scénographie :
Denis Marleau
Collaboration artistique
et conception vidéo :
Stéphanie Jasmin
Compositeur :
Denis Gougeon
Conception des costumes :
Ginette Noiseux
Conception des éclairages :
Marc Parent
Création des maquillages
et coiffures :
Angelo Barsetti
Assistance à la mise en scène :
Martin Emond
Direction technique et
assistance aux décors :
Francis Laporte
Diffusion vidéo :
Pierre Laniel
Assistant aux costumes :
Pierre-Guy Lapointe
Consultante mouvement :
Estelle Clareton
Caméraman :
Olivier Schmitt
Consultante voix/diction :
Marie-Claude Lefebvre
Confection des perruques :
Rachel Tremblay
Accessoiriste :
Anouk Looten
Confection des accessoires :
Claude Rodrigue
Coupeurs :
Amélie Grenier
(coupe femmes)
Vincent Pastena
(coupe hommes)
Richard Provost
(chapeaux)
Réalisation des décors :
Boscus
Directeurs artistiques :
Denis Marleau
Stéphanie Jasmin
Directrice administrative :
Suzanne St-Denis
Directeur de production :
Martin Emond
Chargée des communications :
Françoise Boudreault
Chargée de projets et de
diffusion :
Pauline Bardin
Adjointe à l’administration :
Joanna Hennequin
Avec :
Marie-Eve Beaulieu
Carl Béchard
Isabeau Blanche
Henri Chassé
Cédric Dorier
François-Xavier Dufour
Stefan Glazewski
Damien Heinrich
Denis Lavalou
Muriel Legrand
Sylvie Léonard
Christiane Pasquier
Durée :
2h
Age conseillé :
dès 12 ans
Genre :
théâtre
Mardi 29.10. 19h00
Mercredi 30.10. 19h00
Jeudi 31.10. 19h00
Vendredi 01.11. 20h30
Samedi 02.11. 19h00
Coproduction :
UBU compagnie de création
Les Châteaux de la Drôme
Le manège.mons – Centre dramatique
Création au Château de Grignan le 28 juin 2012 pendant Les
Nocturnes de Grignan

Les femmes savantes
de Molière
Du 29 octobre
au 2 novembre 2013
Salle
Charles Apothéloz
06
Présentation
Le projet a pour origine une invitation qui m’a été lancée par la
direction culturelle du château de Grignan dans la Drôme. Un site
patrimonial remarquable qui a hébergé de célèbres châtelaines
dont la fille de Madame de Sévigné. Celle-ci, grande auteure
épistolière, y vécut ses dernières années. Ses nombreuses
lettres, que nous avons parcourues, racontent avec beaucoup
de détails les mœurs, la vie quotidienne et l’état d’esprit de son
siècle, le XVII e . Et assez naturellement, nos lectures se sont orientées
vers Molière qui a retenu plus spécifiquement mon attention.
Pour deux raisons : d’abord, après «Lear», je voulais enchaîner
avec une comédie et, ensuite et surtout, parce que jusque-là je
n’avais jamais abordé Molière comme metteur en scène, même
si ma toute première expérience théâtrale à seize ans fut «Le
médecin volant», où j’ai joué Sganarelle sur les planches d’une
salle d’école secondaire… Depuis 1987, se tient donc à Grignan
un événement culturel durant tout l’été qui s’appelle «Les fêtes
nocturnes» où pendant deux mois est présentée une œuvre
classique sur une scène en plein air devant la façade renaissance
du château qui surplombe cette belle région provençale. Après
une visite du site, je me suis projeté sans hésitation dans cette
aventure qui m’a déplacé ailleurs, puisque c’est le premier théâtre
d’été qu’UBU a vécu sur une aussi longue période, exception
faite du Festival d’Avignon où nous avons déjà présenté six de
nos créations.
Denis Marleau

Les femmes savantes
de Molière
Du 29 octobre
au 2 novembre 2013
Salle
Charles Apothéloz
06
Denis Marleau
© Stephanie Jasmin
La rigueur de sa vision, la précision de son travail formel, l’intelligence
de son regard sur les textes font de Denis Marleau l’un
des créateurs majeurs de notre scène théâtrale. De José Pliya à
Maurice Maeterlinck, en passant par Frank Wedekind («Lulu», au
TNM), ce metteur en scène, scénographe et adaptateur creuse
une démarche artistique à la fois exigeante et personnelle. Au fil
d’une quarantaine de spectacles, il a remporté de nombreux prix
et distinctions. Cofondateur et directeur artistique de la compagnie
UBU, il a aussi été directeur artistique du Théâtre français
au Centre national des arts à Ottawa de 2000 à 2007, année où
il monte pour la première fois un Shakespeare, «Othello». Un des
grands ambassadeurs du théâtre québécois à l’étranger, il est
un habitué des scènes européennes. Le Festival d’Avignon l’a
invité à six reprises, lui offrant même, en 1997, la Cour d’honneur
du Palais des Papes («Nathan le Sage»). Au printemps 2011, il
est devenu le premier metteur en scène québécois à diriger une
pièce, «Agamemnon» de Sénèque, à la vénérable institution de
la Comédie-Française.
Depuis 2002, Denis Marleau partage la direction de la compagnie
avec Stéphanie Jasmin. Formée notamment à l’Ecole du
Louvre, cette historienne de l’art et diplômée en réalisation cinématographique
y collabore en tant que conseillère dramaturgique
et artistique, ainsi que conceptrice de la vidéo. Travaillant
en étroite symbiose, les deux artistes ont signé ensemble la mise
en scène d’un opéra «Le château de Barbe-Bleue» en 2007 au
Grand Théâtre de Genève, «Jackie» d’Elfriede Jelinek et «Le dernier
feu» de Dea Loher. A l’été 2011, ils ont également conçu les
projections audiovisuelles qui animaient une trentaine de mannequins
dans la grande exposition «La planète mode de Jean-Paul
Gaultier» au Musée des beaux-arts de Montréal. Ils mettaient
ainsi à profit une étonnante expertise technologique, développée
notamment dans «Les aveugles» et «Une fête pour Boris».
Fortement nourrie par les arts visuels, leur démarche déborde
des limites du théâtre.
Marie Labrecque, «L’Emporte-pièces 4, Le programme
annuel du Théâtre du Nouveau Monde», Montréal, saison
2011-2012, p. 86

La Dérive des continents
de Philippe Saire
07
Du 29 octobre au 17 novembre 2013
Salle René Gonzalez
Philippe Saire
© Claude Dussex

La Dérive des continents
de Philippe Saire
Du 29 octobre
au 17 novembre 2013 Salle René Gonzalez 07
Chorégraphie :
Philippe Saire
En collaboration avec les
interprètes :
Philippe Chosson
Christian Geffroy Schlittler
Philippe Saire
Stéphane Vecchione
Texte :
Antoinette Rychner
Consultant :
Roberto Fratini Serafide
Musique :
Stéphane Vecchione
Lumière :
Yan Godat
Création costumes :
Isa Boucharlat
Accessoiriste :
Adrien Moretti
Direction technique :
Yann Serez
Assistante de production :
Nora Steinig
Avec :
Philippe Chosson
Christian Geffroy Schlittler
Philippe Saire
Stéphane Vecchione
Age conseillé :
dès 14 ans
Genre :
théâtre en mouvement
Mardi 29.10. 19h30
Mercredi 30.10. 19h30
Jeudi 31.10. 19h30
Vendredi 01.11. 19h30
Samedi 02.11. 19h30
Dimanche 03.11. relâche
Lundi 04.11. relâche
Mardi 05.11. 19h30
Mercredi 06.11. 19h30
Jeudi 07.11. 19h30
Vendredi 08.11. 19h30
Samedi 09.11. 19h30
Dimanche 10.11. 18h30
Lundi 11.11. relâche
Mardi 12.11. 19h30
Mercredi 13.11. 19h30
Jeudi 14.11. 19h30
Vendredi 15.11. 19h30
Samedi 16.11. 19h30
Dimanche 17.11. 18h30
Production :
Compagnie Philippe Saire
Coproduction :
Théâtre Vidy-Lausanne
Avec le soutien de :
far° festival des arts vivants Nyon
Ville de Lausanne
Etat de Vaud
Pro Helvetia
Loterie Romande
Fondation de Famille Sandoz
Pour-cent culturel Migros
Ernst Göhner Stiftung
Sophie und Karl Binding Stiftung
Fonds culturel de la Société Suisse des Auteurs (SSA)
Sixt
Création au far° festival des arts vivants Nyon le 7 août
2013

La Dérive des continents
de Philippe Saire
Du 29 octobre
au 17 novembre 2013 Salle René Gonzalez 07
Présentation
«La Dérive des continents», pièce de Philippe Saire pour quatre
interprètes, point de convergence entre la danse contemporaine
et le théâtre.
Toujours prêt à questionner sa pratique, le chorégraphe Philippe
Saire part, dans sa création 2013, à la recherche de nouvelles
formes, à la croisée entre mouvement et texte. Il a demandé à
l’auteure Antoinette Rychner de le rejoindre dans cette envie et
d’écrire un texte original pour le spectacle.
Les deux artistes s’appuient sur L’«Odyssée» d’Homère et
l’adaptent de manière libre en tirant des fragments du mythe. Ils
font entrer en résonance les valeurs de la Grèce antique et nos
préoccupations actuelles.
Qu’en est-il aujourd’hui du destin, de la croyance aux puissances
divines, ou de l’héroïsme qui pouvait rendre sa propre vie négligeable
Pour Philippe Saire, le premier choc scénique a été le théâtre,
avant même la danse.
Il y est resté attaché et on en trouve des traces dans plusieurs de
ses créations. Dans son travail régulier à la Manufacture – Haute
école de théâtre de Suisse romande, il pousse les étudiants et
étudiantes à aborder physiquement les textes pour mieux les
interpréter et élabore des pistes de mise en scène singulières.
Avec cette nouvelle création, le chorégraphe prend le texte à bras
le corps et le met au centre du spectacle. Antoinette Rychner,
accoutumée à l’écriture théâtrale et plusieurs fois primée, passionnée
de théâtre performatif, est prête à malmener les codes
classiques du genre : elle fait évoluer son texte au fil de la création
chorégraphique et laisse la place aux danseurs lorsque la
parole est superflue. Une manière de «partager la responsabilité
du sens».
C’est suite à la proposition d’une carte blanche à Philippe Saire
par Véronique Ferrero Delacoste du far° festival des arts vivants
Nyon que les deux artistes se sont lancés dans l’aventure. «La
Dérive des continents» y sera créé les 7 et 8 août 2013.

La Dérive des continents
de Philippe Saire
Du 29 octobre
au 17 novembre 2013 Salle René Gonzalez 07
Philippe Saire
© Claude Dussex
Philippe Saire est né en 1957 en Algérie, où il passe les cinq premières
années de sa vie. Etabli à Lausanne, il se forme en danse
contemporaine et suit des stages à l’étranger. En 1986, il crée sa
propre compagnie dans la région lausannoise et développe son
travail de création qui contribue activement à l’essor de la danse
contemporaine à travers toute la Suisse.
En 1995, la Compagnie Philippe Saire inaugure son lieu de travail
et de création, le Théâtre Sévelin 36. Ce lieu est entièrement
consacré à la danse contemporaine, il contribue à la circulation
d’œuvres à dimension internationale, tout en programmant des
compagnies locales dont il favorise l’émergence.
En 1998, Philippe Saire obtient le Grand Prix de la Fondation vaudoise
pour la promotion et la création artistiques. Cette même
année, il est également lauréat du Prix d’auteur du Conseil général
de Seine-Saint-Denis (France), aux VI e Rencontres chorégraphiques
internationales pour «Etude sur la légèreté». En 2004,
Philippe Saire reçoit le Prix suisse de danse et de chorégraphie
décerné par ProTanz, Zurich.
Dès 2003, Philippe Saire enseigne le mouvement à la Manufacture –
Haute école de théâtre de Suisse romande, activité ayant donné
lieu à deux ateliers publics. Il a par ailleurs collaboré à plusieurs
mises en scène de théâtre et d’Opéra, notamment celles de
Marcel Bozonnet, Jean-Yves Ruf et Yves Beaunesne.
La Compagnie Philippe Saire compte à ce jour 28 spectacles,
plus de 1000 représentations dans 160 villes d’Europe, d’Asie,
d’Afrique, du Moyen-Orient et d’Amérique.
Elle se produit également régulièrement dans des expositions,
des galeries d’art, des jardins, des espaces urbains et d’autres
lieux extérieurs à la scène.
Conduit de 2002 à 2012, le projet «Cartographies», mêlant performances
en ville de Lausanne et création vidéo, témoigne de
cette envie de sortir la danse des murs du théâtre. Les 11 chorégraphies
«in situ», filmées par 9 réalisateurs romands dont Lionel
Baier, Fernand Melgar, Bruno Deville et Pierre-Yves Borgeaud,
sont sorties cette année sous la forme d’un DVD-collection.

La Dérive des continents
de Philippe Saire
Du 29 octobre
au 17 novembre 2013 Salle René Gonzalez 07
Antoinette Rychner
© Guillaume Perret
Ses premiers pas dans la littérature, la Neuchâteloise Antoinette
Rychner (1979) les fait en gagnant le prix PIJA de la nouvelle en
1999.
Elle se lance ensuite le défi du théâtre : après une formation de
technicienne du spectacle et plusieurs années d’activité professionnelle
dans ce domaine, elle écrit en parallèle une première
pièce, «La vie pour rire», mise en scène en 2006 par Robert
Sandoz.
C’est vers une écriture plus variée qu’elle se tourne en s’inscrivant
à l’Institut littéraire suisse dont elle sort diplômée en 2009.
Dès lors, sa plume s’aventure tout à la fois dans les mots de la
fiction ou de la poésie, du théâtre ou de la critique. Des nouvelles
sont publiées dans des recueils collectifs («A la recherche
de l’utopie», Editions Campiche), magazines (Prix Profil 2007) ou
mises en onde (Espace 2). D’un autre côté, une deuxième pièce
«L’enfant, mode d’emploi» est produite en 2009 au CCN et une
autre «Cooking Mama» est publiée aux éditions Lansman. En
2010, paraît son premier recueil «Petite collection d’instantsfossiles»
: des textes brefs dans lesquels des instants-clés sont
illuminés par une écriture douce, drôle et équilibrée.
Curieuse de nouvelles formes de créations, Antoinette a participé
au projet «Zone d’écriture» au Théâtre du Grütli à Genève
durant la saison 2010-2011, ainsi qu’à plusieurs expériences
d’écriture de plateau avec les metteurs en scène Vincent Brayer
et Ludovic Chazaud. Elle fait partie des quatre boursiers de
«Textes-en-scène», une action pour l’écriture théâtrale soutenue
par la SSA, Pro Helvetia et le Pour-cent culturel Migros.
Antoinette Rychner a reçu de nombreuses distinctions, parmi
lesquelles L’inédit théâtre pour sa pièce «De mémoire d’estomac»
(2011). Après s’être isolée un mois sur une île de Bretagne
en 2011, elle continue à expérimenter les lieux d’écriture en
2012 en tant qu’auteure en résidence à Berlin.
Sa pièce «Intimité Data Storage» a été publiée aux Editions Les
Solitaires Intempestifs en février 2013.

Staying Alive
Une création originale d’Antonio Buil, Delphine Lanza, Paola Pagani
et Dorian Rossel
08
Du 30 octobre au 24 novembre 2013
La Passerelle
© Nelly Rodriguez

Staying Alive
Une création originale
d’Antonio Buil, Delphine
Lanza, Paola Pagani et
Dorian Rossel
Du 30 octobre
au 24 novembre 2013 La Passerelle 08
Texte et mise en scène :
Antonio Buil
Delphine Lanza
Paola Pagani
Dorian Rossel
Scénographie :
Sibylle Kössler
Dramaturgie :
Carine Corajoud
Accessoires :
Mathieu Dorsaz
Régie plateau, régie
générale :
Felix Dorsaz
Attachée de production :
Muriel Maggos
Avec :
Antonio Buil
Paola Pagani
Durée :
environ 1h
Age conseillé :
dès 12 ans
Genre :
comédie biographique
Mercredi 30.10. 20h00
Jeudi 31.10. 20h00
Vendredi 01.11. 20h00
Samedi 02.11. 20h00
Dimanche 03.11. relâche
Lundi 04.11. relâche
Mardi 05.11. 20h00
Mercredi 06.11. 20h00
Jeudi 07.11. 20h00
Vendredi 08.11. 20h00
Samedi 09.11. 20h00
Dimanche 10.11. 18h00
Lundi 11.11. relâche
Mardi 12.11. 20h00
Mercredi 13.11. 20h00
Jeudi 14.11. 20h00
Vendredi 15.11. 20h00
Samedi 16.11. 20h00
Dimanche 17.11. 18h00
Lundi 18.11. relâche
Mardi 19.11. 20h00
Mercredi 20.11. 20h00
Jeudi 21.11. 20h00
Vendredi 22.11. 20h00
Samedi 23.11. 20h00
Dimanche 24.11. 18h00
Production déléguée :
Teatro Due Punti
Coproduction :
Théâtre Vidy-Lausanne
Théâtre du Loup Genève
STT (Super Trop Top)
Avec le soutien de :
Département de l’instruction publique de l’Etat de
Genève
Ville de Genève
Ville de Lausanne
Loterie Romande
Prohelvetia
Fonds Intermittents Genève
Création au Théâtre Vidy-Lausanne le 30 octobre 2013

Staying Alive
Une création originale
d’Antonio Buil, Delphine
Lanza, Paola Pagani et
Dorian Rossel
Du 30 octobre
au 24 novembre 2013 La Passerelle 08
Présentation
Une cuisine. Dans cet espace fermé, un couple – aussi extraordinaire
et aussi banal que n’importe quel couple – vit depuis
toujours au rythme des gestes quotidiens. Jour après jour, saison
après saison, l’homme et la femme exécutent rituellement
les mêmes mouvements. Seul un troisième personnage vient
interférer avec ce huis clos : la radio. Elle apporte en direct les
nouvelles du monde extérieur.
Un jour, le drame surgit : l’un des deux partenaires disparaît.
Comment cette soudaine absence viendra-t-elle bousculer la
routine Et si la routine était plus puissante que l’absence
Pourrait-elle créer le phénomène de fantôme
Un spectacle qui observe avec délicatesse et malice l’émerveillement
du quotidien et la peur de l’inconnu. Un regard poétique
sur le fonctionnement du couple comme particule élémentaire et
représentative de la société.
Compagnie Due Punti
Voilà plus de dix ans que le Teatro Due Punti est né de la rencontre
de Paola Pagani et Antonio Buil. C’était en 1998. Ils se
sont vus, ils se sont reconnus. Et depuis, le duo prodigue a signé
onze spectacles où s’affiche avec générosité leur univers inventif,
tricoté de mille trouvailles et d’une drôlerie qui fait chavirer
l’émotion. Le public les applaudit, la presse les salue et la poésie
s’invite à chaque création avec une nonchalance loufoque et
facétieuse. «Staying Alive» sera leur douzième production.
Antonio Buil
© DR
Né en Espagne en 1964 et établi à Genève, c’est dans son pays
d’origine, à Saragosse, qu’Antonio Buil se forme au théâtre. Il
partage sa carrière entre cinéma et théâtre et joue en français,
en espagnol ainsi qu’en italien.
En Espagne, il est l’un des membres fondateurs de la Compagnie
Teatro Tabanque avec Antonio Malonda. Dans les années 1980,
il s’associe au groupe Imagen 3 dirigé par Albacete, avant de
rejoindre le Teatro Poraiso, au Pays basque, une compagnie qui
développe un travail pédagogique dans les écoles et crée des
spectacles pour le jeune public. Il s’installe en Suisse en 1989
et étudie à l’Ecole Dimitri, au Tessin. Avec Gabriel Alvarez et une
équipe de comédiens internationaux, il fonde le CITA (Centre
international du travail de l’acteur). Ils y invitent des artistes et
enseignants issus d’autres disciplines comme la danse, le chant,
le masque et créent des spectacles en Aragon (Espagne).

Staying Alive
Une création originale
d’Antonio Buil, Delphine
Lanza, Paola Pagani et
Dorian Rossel
Du 30 octobre
au 24 novembre 2013 La Passerelle 08
Antonio Buil
(suite)
En 1998, il fonde le Teatro Due Punti avec Paola Pagani.
En dehors de ses créations avec Due Punti, il collabore avec
des metteurs en scène tels que Omar Porras, Patrick Mohr,
Oskar Gómez Mata, Robert Bouvier, Guillermo Bothello, Gabriel
Alvarez, Marcela San Pedro, Lluis Pasqual, Antonio Malonda. Et
joue dans le monde entier, autant en France, en Espagne, en
Italie, en Hollande qu’en Colombie, à Cuba, en Equateur et au
Costa Rica.
Au cinéma, il reçoit le Prix d’interprétation du Cinéma suisse en
2010 pour son rôle dans «Cœur animal», un long métrage de
Séverine Cornamusaz d’après le roman de Noëlle Revaz. Il travaille
également sous la direction de Greg Zglinski («Tout un hiver
sans feu»), Laurent Nègre («Fragile»), Fabrice Gasser («Motel»),
Patricia Plattner, Pierre Maillard, Pascal Magnin, Jacques
Malaterre, Antoine Plantevin. Il tient des rôles importants dans
plusieurs films d’Alberto Rondalli («Garibaldi in America», 2008 ;
«Dervis», 2001 ; «Padre Pio da Pietralcina», 1997).
Delphine Lanza
© DR
Née à Annecy en 1972, Delphine Lanza se fait d’abord remarquer
comme comédienne, tant au théâtre qu’au cinéma. Elle joue professionnellement
depuis ses 17 ans, principalement en Suisse.
Au cinéma : elle travaille avec Claude Goretta, Michel Deville,
François-Christophe Marzal, Pierre Maillard, Nicolas Wadimoff,
Denis Rabaglia, Jacob Berger, Nicole Borgeat et David Chidlow.
Elle a reçu le Prix d’interprétation féminine du Cinéma suisse
pour son rôle dans «Attention aux chiens» (1999) de François-
Christophe Marzal. C’est avec Nicole Borgeat qu’elle développe
son goût pour la dramaturgie et la structure des histoires. Elle
coécrit plusieurs scénarios de moyens et de longs-métrages, et
intervient également comme «script doctor».
Au théâtre : elle collabore entre autres avec Mathias Langhoff,
Patrice Kerbrat, Rezo Gabriaze, Andrea Novicov, Christian
Geffroy Schlittler, Robert Sandoz et, depuis dix ans, dans tous
les spectacles de Dorian Rossel. Avec lui, en plus du jeu, elle
développe une activité de scénographe qu’elle nourrit de son
savoir-faire d’artiste peintre. Elle signe également des mises en
scène et dirige tous les spectacles musicaux d’Odile Wieder.
En collaboration avec Dorian Rossel, elle participe aux stages
de formation professionnelle et enseigne la direction d’acteur
et le jeu à la Manufacture – Haute école de théâtre de Suisse
romande. Le travail pictural de Delphine Lanza a été exposé à
Annecy et à Genève.

Staying Alive
Une création originale
d’Antonio Buil, Delphine
Lanza, Paola Pagani et
Dorian Rossel
Du 30 octobre
au 24 novembre 2013 La Passerelle 08
Paola Pagani
© Erika Irmler
D’origine italienne, Paola Pagani étudie le théâtre à Paris, à
l’Ecole internationale de théâtre Jacques Lecoq. C’est là qu’elle
découvre, en 1988, la Compagnie de l’atelier international de
l’acteur dirigé par le metteur en scène Habib Naghmouchi. Elle
participe avec lui au Festival d’Avignon. Son intérêt pour l’art de
l’acteur s’affirme lors de son séjour au Workcenter de Grotowski
à Pontedera, en Italie, de 1988 à 1991.
Etablie à Genève depuis 1993, elle joue sous la direction de Dorian
Rossel («Gloire et beauté»), Oskar Gomez Mata («¡ Ubu !»), Omar
Porras («La visite de la vieille dame», «Othello»), Patrick Mohr («La
cantate des berceuses», «Le songe d’une nuit d’été», «Sortir de
l’ombre»), Kyllie Walters («Hollywood Angst», «Greenhouse Infect»),
Geneviève Guhl («Medusa», «Joyeux Noël»), Anne Courel («Sur le
fil»).
En 1998, elle fonde le Teatro Due Punti avec Antonio Buil.
Deux ans plus tard, elle obtient le diplôme de la méthode
Feldenkrais, une pédagogie basée sur la prise de conscience
du mouvement. L’année suivante, elle signe sa première création
avec Pierre Mifsud : «Les arbres sous-marins» de Célia
Houdart (Théâtre de l’Usine et Festival de la Bâtie-Genève). Leur
collaboration se poursuit avec «Le bal des mouches» (Théâtre
Saint-Gervais, Genève, 2003) et «Opération Vega» de Friedrich
Dürrenmatt, mise en scène de André Steiger (2007). Elle signe
la dramaturgie des spectacles du danseur et chorégraphe Jozef
Trefeli, «In-fi-ni-te-si-mal» et «OOOrpheus». En 2008, elle met en
scène «Dans les buissons qui cachent» et «Mon petit doigt a dit»
pour la conteuse et comédienne Lorette Anderson.

Staying Alive
Une création originale
d’Antonio Buil, Delphine
Lanza, Paola Pagani et
Dorian Rossel
Du 30 octobre
au 24 novembre 2013 La Passerelle 08
Dorian Rossel
© Jelena Barraud
Né en 1975 à Zurich, Dorian Rossel sort diplômé de l’Ecole Serge
Martin à Genève en 1996. Avec le Collectif Demain on change
de nom (1999–2004), il cosigne différentes créations qui mêlent
danse, performance et théâtre. En 2003, il fonde la Cie STT
(Super Trop Top). Ses productions s’échafaudent au Théâtre de
l’Usine à Genève, à l’Arsenic de Lausanne et à Château Rouge,
Annemasse. Artiste Associé à la Comédie de Genève de 2008 à
2011, il y crée «Quartier lointain» de Jirô Taniguchi et «Soupçons»
d’après le documentaire de Jean-Xavier de Lestrade. En septembre
2010, il monte «La tempête» de Shakespeare en version
tout public dès 8 ans au théâtre Am Stram Gram, Genève. Sa
rencontre avec René Gonzalez est déterminante : il lui propose
d’être Compagnon du bord de l’eau au Théâtre Vidy-Lausanne et
devient ainsi un véritable partenaire de la Cie STT. Ensemble, ils
produisent et tournent «Soupçons», «L’usage du monde» d’après
Nicolas Bouvier, «Quartier lointain». Durant toute la saison 2011-
2012, «Quartier lointain» sillonne la Suisse et la France. Dans
le cadre d’un projet de médiation et de pédagogie, il monte à
Genève «L’avare dans les classes» d’après Molière. A l’automne
2012, la Cie STT entame une résidence au Forum Meyrin avec
la création de «Cosmos» (La Bâtie-Festival de Genève, Théâtre
Vidy-Lausanne et en tournée). Dorian Rossel donne des stages
de formation professionnelle notamment à la Manufacture –
Haute école de théâtre de Suisse romande. «L’usage du monde»
et «Quartier lointain» ont donné lieu à de nombreuses représentations
en tournée en 2012-2013.

Le triomphe de l’amour
de Marivaux
09
Du 5 au 17 novembre 2013
Salle Charles Apothéloz
© Mario Del Curto

Le triomphe de l’amour
de Marivaux
Du 5
au 17 novembre 2013
Salle
Charles Apothéloz
09
Mise en scène et
scénographie :
Galin Stoev
Costumes :
Bjanka Adžić Ursulov
Musique originale :
Sacha Carlson
Lumière :
Elsa Revol
Assistanat à
la scénographie :
Delphine Brouard
Assistant à la mise en
scène :
Jules Audry
Avec :
Julien Alembik
Laurent Caron
François Clavier
Yann Lheureux
Nicolas Maury
Pierre Moure
Airy Routier
Durée :
2h
Age conseillé :
dès 14 ans
Genre :
comédie dramatique
Mardi 05.11. 19h00
Mercredi 06.11. 19h00
Jeudi 07.11. 19h00
Vendredi 08.11. 20h30
Samedi 09.11. 19h00
Dimanche 10.11. 17h30
Lundi 11.11. relâche
Mardi 12.11. 19h00
Mercredi 13.11. 19h00
Jeudi 14.11. 19h00
Vendredi 15.11. 20h30
Samedi 16.11. 19h00
Dimanche 17.11. 17h30
Production déléguée :
Théâtre Vidy-Lausanne
Coproduction :
Théâtre de la Place, Liège
TGP – CDN de Saint-Denis
Fingerprint Asbl – Compagnie Galin Stoev
Création au TGP Saint-Denis le 30 septembre 2013

Le triomphe de l’amour
de Marivaux
Du 5
au 17 novembre 2013
Salle
Charles Apothéloz
09
Présentation
A mon avis, ce texte de Marivaux se structure de manière quasi
mathématique, en suivant les règles de l’architecture classique.
D’une part, l’intrigue se déroule dans un jardin à la française où
les lignes de déplacements stratégiques des différents personnages
sont aussi symétriques que les allées du jardin. D’autre
part, le plan manigancé par la jeune princesse est tout aussi
cohérent que minutieusement préparé : elle doit vaincre la résistance
de ses deux ennemis politiques et idéologiques, et en
même temps, par la ruse et le travestissement, elle doit gagner
le cœur d’Agis. Or le texte de Marivaux s’emploie précisément
à montrer comment un élément irrationnel surgit forcément
au cœur de ce dispositif apparemment sans faille. Bien plus, il
montre comment l’irrationnel habite toujours la rationalité, dans la
mesure où c’est par là seulement qu’elle peut trouver son sens :
il s’agit du sentiment amoureux, avec sa nature anarchique et
dangereuse. En effet, tout ce qu’on voit dans la progression de
l’intrigue, c’est comment cet élément irrationnel déclenche un
processus organique de modification de la structure rationnelle.
C’est ce même processus qui transforme le jardin à la française
en un parc anglais ! Et c’est aussi ce même processus qui peut
transformer la pensée cartésienne – le triomphe de la raison au
siècle dit des Lumières – en un délire romantique. Par là, on comprend
aussi que l’intrigue de Marivaux et sa structure formelle ne
sont que faussement prévisibles. Bien sûr, l’histoire se termine
par un véritable happy end que chacun attendait. Cependant,
derrière cette forme apparemment limpide reste la vive et souvent
douloureuse expérience de la rencontre qui échappe à
toute classification formelle. Dans la nature mystérieuse de cette
expérience, se cachent un secret et un vertige. En ce sens, le
schéma bien structuré et explicable de l’intrigue s’accompagne
d’un fleuve parallèle d’événements émotionnels, dont la nature
est ambivalente, et de ce fait, profondément inquiétante.
Dans sa quête pour le cœur d’Agis, la princesse parvient à
embarquer tous les personnages – femmes et hommes. Mais
pour avancer, elle se voit contrainte de mettre en jeu sa propre
identité : plus le sentiment amoureux grandit chez ceux qu’elle
rencontre, plus son identité s’érode et acquiert des traits quasischizophréniques.
Son trouble d’identité est le prix à payer
pour aller jusqu’au bout de sa quête amoureuse : est-elle une
princesse, un jeune étudiant en philosophie, ou une certaine
Aspasie Est-elle la maîtresse souveraine de cette conspiration,
ou bien elle-même victime de cette immense machination
Je souhaite explorer une situation de jeu théâtral dans laquelle on
se retrouve non seulement avec l’identité de quelqu’un d’autre,
mais aussi dans le corps de quelqu’un d’autre et propose donc
un parti pris issu du théâtre élisabethain avec une distribution
uniquement masculine.
Galin Stoev

Le triomphe de l’amour
de Marivaux
Du 5
au 17 novembre 2013
Salle
Charles Apothéloz
09
Galin Stoev
© Marie-Françoise Plissart
Né en Bulgarie en 1969 où il entame sa carrière de metteur en
scène, il réside aujourd’hui entre Bruxelles, Paris et Sofia. Diplômé
de l’Académie nationale des arts du théâtre et du cinéma, il travaille
dès 1991 comme metteur en scène et comédien, créant nombre
de spectacles, notamment au Théâtre national. Il commence par
mettre en scène des auteurs classiques (Corneille, Strindberg,
Shakespeare, Eschyle, Büchner, Brecht, Musset…), pour s’ouvrir
peu à peu au répertoire contemporain (Mishima, Harold Pinter,
Tom Stoppard, Philip Ridley…). Ses débuts remarqués le mènent
en divers lieux d’Europe et du monde (Londres, Leeds, Bochum,
Stuttgart, Moscou, Buenos Aires…) où il signe plusieurs mises en
scène. Il enseigne par ailleurs au Saint Martin’s College of Art and
Design de Londres, à l’Arden School de Manchester ainsi qu’aux
conservatoires nationaux de Ljubljana et de Sofia.
Au centre de ses expériences déterminantes figurent sa rencontre
et son amitié avec Ivan Viripaev.
En 2002, il met en scène la première pièce de l’auteur russe,
«Les rêves», présentée au Festival international de Varna. Vient
ensuite la version bulgare d’«Oxygène». Invité à Bruxelles en 2002,
à l’occasion du Festival Europalia Bulgarie, il fait la rencontre de
comédiens francophones, avec qui il monte plusieurs projets,
notamment la version francophone de «Oxygène», qui tournera
pendant cinq ans en Europe et en Amérique.
En 2005, il crée sa propre compagnie, Fingerprint, avec laquelle
il crée «Genèse n°2», présentée au 61 e Festival d’Avignon, ainsi
qu’à Rome, Bruxelles, Paris et Ottawa. Il collabore plusieurs fois
avec le compositeur Oscar Strasnoy, notamment pour la création
mondiale de son opéra «Geschichte» présenté au Theaterhause
de Stuttgart ainsi qu’au Teatro Colon à Buenos Aires.
En 2007, à la Comédie-Française, il met en scène «La Festa»,
création française de la pièce de Spiro Scimone.
En 2008, il poursuit sa collaboration avec les Comédiens-Français
et crée «Douce vengeance et autres sketches» d’Hanokh Levin,
ainsi que «L’illusion comique» de Pierre Corneille. Il retourne
régulièrement en Bulgarie où il collabore avec la jeune auteure
Yana Borissova, dont il a mis en scène «Petite pièce pour une
chambre d’enfant» (Editions Théâtrales) et «Rose is a rose is a
rose» (Prix 2009 du meilleur spectacle, du meilleur texte et de la
meilleure mise en scène en Bulgarie).
En 2010, il crée «La vie est un songe» de Calderón de la Barca
au Théâtre de la Place de Liège dans le cadre du programme
européen Prospero, spectacle également présenté au Emilia
Romagna Teatro de Modène, au Théâtre national de Bretagne,
à la Comédie de Genève et au Festival international de théâtre
à Varna.
En 2011, il monte «Danse Delhi» (création française de la dernière
pièce d’Ivan Viripaev) au Théâtre national de la Colline.

Oh, mon doux pays
Projet théâtral conçu par Corinne Jaber autour de la Syrie
10
Du 12 au 28 novembre 2013
Chapiteau Vidy-L
Corinne Jaber © Joël David

Oh, mon doux pays
Projet théâtral conçu
par Corinne Jaber
autour de la Syrie
Du 12
au 28 novembre 2013 Chapiteau Vidy-L 10
Conception et adaptation :
Corinne Jaber
Avec :
Corinne Jaber
Khaled al Jaramani
(oud)
Durée :
environ 1h
Age conseillé :
dès 12 ans
Genre :
monologue avec un
musicien
Mardi 12.11. 20h30
Mercredi 13.11. 20h30
Jeudi 14.11. 20h30
Vendredi 15.11. 19h00
Samedi 16.11. 20h30
Dimanche 17.11. relâche
Lundi 18.11. relâche
Mardi 19.11. 20h30
Mercredi 20.11. 20h30
Jeudi 21.11. 20h30
Vendredi 22.11. 19h00
Samedi 23.11. 20h30
Dimanche 24.11. 17h00
Lundi 25.11. relâche
Mardi 26.11. 20h30
Mercredi 27.11. 20h30
Jeudi 28.11. 20h30
Production :
Théâtre Vidy-Lausanne
Coproduction :
Le Cerceau
Avec le soutien de :
Fondation Leenaards
Création au Théâtre Vidy-Lausanne le 12 novembre 2013

Oh, mon doux pays
Projet théâtral conçu
par Corinne Jaber
autour de la Syrie
Du 12
au 28 novembre 2013 Chapiteau Vidy-L 10
Présentation
Avec cette petite forme théâtrale, il s’agit de partir à la recherche
de la liberté volée inspirée par Nizar Qabbani.
Je souhaite évoquer autrement la résistance, le courage et la foi
d’un peuple.
Autrement que l’exposition des innombrables atrocités dont les
médias nous abreuvent au-delà de la limite du supportable.
Pour parler de la vie, de cette vie qui continue envers et malgré
tout, de la vie de ceux qui se battent et résistent, de la férocité de
leur espoir, de la force débordante de leur humour et de leur joie
souvent proche de l’extase.
Enfin aussi évoquer l’absurdité tragique de l’actualité syrienne.
Cet état ubuesque dont le président fait de grands discours
dans la belle et moderne salle de l’Opéra de Damas pour un
public payé pour le soutenir… Cet état dans lequel la femme du
président manifeste son soutien à l’équipe syrienne de badminton
en arborant un t-shirt sur lequel on peut lire «Toi, mon doux
pays ».
Mes sources d’inspiration sont entre autres le livre de Samar
Yazbek, «Feux croisés», et «La coquille» de Mustapha Khalife
ainsi qu’une multitude de témoignages et de récits.
Je ferai aussi un voyage au cours duquel j’irai à la rencontre des
réfugiés syriens dans les camps de Beyrouth et Amman.
Corinne Jaber

Oh, mon doux pays
Projet théâtral conçu
par Corinne Jaber
autour de la Syrie
Du 12
au 28 novembre 2013 Chapiteau Vidy-L 10
Corinne Jaber
© Joel David
Née à Munich de parents germano-syriens, Corinne Jaber est
une comédienne trilingue jouant indifféremment en anglais,
français ou allemand. Elle mène une carrière internationale aux
multiples facettes : en 1987, elle joue dans «Le Mahâbhârata»
mis en scène par Peter Brook en tournée mondiale. Elle joue
également, entre autres, dans «Une bête sur la lune» de Richard
Kalinoski, mise en scène d’Irina Brook (en anglais à Londres
en 1998 et en français, ce qui lui vaut le Molière de la comédienne
en 2001), «Henry VIII» mise en scène de Greg Thompson
pour La Royal Shakespeare Company (2006), «Jeux doubles»
de Cristina Commencini mise en scène de Claudia Stavisky à
Lyon, Aubervilliers ainsi qu’en tournée en France et en Suisse
(2007/2009), «La femme silencieuse» d’Esther Rothenberg mise
en scène de Pascal Elso (2011) et dans «Ithaque» de Botho
Strauss mise en scène de Louis Martinelli à Toulon et Grenoble.
En 2008, elle met en scène «Sœurs», pièce de théâtre élaborée
par Fabrice Melquiot après deux années d’écriture collégiale avec
des actrices afghanes, représentée à Kaboul, au centre culturel
français puis lors du V e Festival national du Théâtre afghan. Elle
a également mis en scène «La comédie des erreurs» au Théatre
du Globe à Londres dans le cadre de le festival Globe to Globe
2012. Enfin au cinéma elle joue dans «Le Mahâbhârata» de Peter
Brook, «Immortel (ad Vitam)» d’Enki Bilal (2004) et «Hier encore»
de Rima Samman (2006).

Ménélas rebétiko rapsodie
de Simon Abkarian
11
Du 27 novembre au 1 er décembre 2013
Salle Charles Apothéloz
© Antoine Agoudjian

Ménélas rebétiko rapsodie
de Simon Abkarian
Du 27 novembre
au 1 er décembre 2013
Salle
Charles Apothéloz
11
Mise en scène :
Simon Abkarian
Collaboration artistique :
Natasha Koutroumpa
Catherine Schaub-
Abkarian
Création Lumière :
Jean-Michel Bauer
Avec :
Simon Abkarian
Grigoris Vasilas
(chant et bouzouki)
Kostas Tsekouras
(guitare)
Durée :
1h10
Age conseillé :
dès 12 ans
Genre :
théâtre avec de
la musique live
Production :
Les Métamorphoses Singulières
Le Grand Parquet
Tera
Avec l’aide de :
SPEDIDAM
Mercredi 27.11. 19h00
Jeudi 28.11. 19h00
Vendredi 29.11. 20h30
Samedi 30.11. 19h00
Dimanche 01.12. 17h30
Avec le soutien de :
Ville de Paris
Région Ile de France
Mairie du XVIII e
Texte publié aux éditions Actes Sud Papiers en
novembre 2012
Création au Grand Parquet le 9 janvier 2013

Ménélas rebétiko rapsodie
de Simon Abkarian
Du 27 novembre
au 1 er décembre 2013
Salle
Charles Apothéloz
11
Note d’intention
De Ménélas et d’Hélène, nous avons des idées, des points de vue qui
tiennent souvent de l’arbitraire et du cliché. Le premier est toujours décrit
comme un faible, un mou, voire un lâche.
Le fait que son mari ne soit pas à la «hauteur» enlève à la fuite d’Hélène
toute force amoureuse. Elle ne part pas avec Pâris, mais elle fuit un type
dénué de charme et de beauté. De ce fait, elle devient l’archétype de la
putain. Celle par qui viennent la discorde et la mort. On lui interdit le droit
de disposer de son destin. Et dans cette période archaïque où la femme
est l’objet de toutes les convoitises, il est pénible pour les hommes,
encore aujourd’hui, de comprendre la décision d’une femme amoureuse.
J’ai voulu questionner, comprendre la solitude de Ménélas et redessiner à
tâtons les contours de ce chagrin d’amour toujours occulté par la guerre
de Troie. J’ai voulu convoquer une parole écrite, une langue dense et
ardue, un langage poétique, lyrique, trivial. C’est par l’incarnation et l’incantation,
par l’art de jouer que tous ces modes deviendront du théâtre.
J’ai voulu tendre, comme dans mon précédent spectacle «Pénélope ô
Pénélope», vers une langue française où les subjonctifs et les conditionnels
ne sont pas dédaignés.
J’ai voulu remettre au centre le verbe, sans artifices. Ainsi dans la mise en
scène, il n’y aura pas d’effets de quelque sorte que ce soit. Il y aura trois
chaises, une table, un acteur et deux musiciens. Des rébètes.
Depuis longtemps, je voulais faire un spectacle à propos de Ménélas
et d’Hélène avec mon ami Grigoris Vasilas, bouzoukiste virtuose, et
Kostas Tsekouras, guitariste hors pair. Tous deux jouent le rébétiko dans
le groupe Dromos. Le rébétiko est une musique qui voit le jour en Asie
mineure dans les années 20. C’est la musique des bas-fonds, le blues
de la Grèce. On y chante les amours perdues, les trahisons, les crimes
d’honneur, l’alcool, la drogue.
Les chants rébètes sont les derniers soubresauts d’une parole libre.
N’ont-ils pas été interdits sous la dictature Métaxas
Oui, ils étaient trop subversifs ces chants, mais surtout ils étaient jugés
trop orientaux. Les colonels fascistes rêvaient d’une Grèce occidentale.
Le voisin Attaturc n’avait-il pas remplacé le fèz traditionnel par la casquette
et surtout n’avait-il pas interdit les confréries soufies
Etre oriental était devenu une régression, il fallait être occidental à tout
prix. Nous en voyons aujourd’hui les effets pervers. (Ce n’est pas l’idée
«occidentale» qui est perverse, mais bien entendu le «à tout prix».)
Il fallait briser les bouzoukis et les baklamas, interdire de radio la voix
subversive puisque poétique du rébétiko. Les chants rébètes sont les derniers
soubresauts de la tragédie grecque. A plusieurs reprises, Grigoris
et moi, nous nous sommes retrouvés en Grèce et ailleurs. Maintes et
maintes fois autour d’une table nous avons chanté, dansé.
Mais surtout nous nous étions fait la promesse d’un travail commun.
Un spectacle : «Ménélas rapsodie». Cette promesse nous l’avons tenue,
lui avec son bouzouki et sa voix venue des temps anciens et moi avec
mon écriture.
Simon Abkarian

Ménélas rebétiko rapsodie
de Simon Abkarian
Du 27 novembre
au 1 er décembre 2013
Salle
Charles Apothéloz
11
Simon Abkarian
© Natasha Koutroumpa
Il met en scène avec son équipe : «Peines d’amour perdues»
de Shakespeare (Théâtre des Bouffes du Nord, 1998), «L’ultime
chant de Troie» dont il fait l’adaptation d’après Euripide, Eschyle,
Sénèque et Parouïr Sevak (MC93 de Bobigny, 2000) et «Titus
Andronicus» de Shakespeare, (Théâtre national de Chaillot,
2003). Il met en scène «Mata Hari» de Jean Bescos au Théâtre
des Bouffes du Nord et au Théâtre national de Toulouse en
2010-2011.
En 2008, il écrit et met en scène «Pénélope ô Pénélope», édité
à Actes Sud papiers et remporte le prix du syndicat de la critique
2008 pour le meilleur texte théâtral (Théâtre national de
Chaillot, 2008 et en tournée 2009-2010 en France, à Beyrouth,
à Madrid...). Il écrit «Ménélas rapsodie» en 2011-2012. Il prépare
l’écriture de la suite de Pénélope, «Le dernier jour du jeûne», qui
sera créé au théâtre du Gymnase, à Marseille, en septembre
2013.
Comédien au Théâtre du Soleil dirigé par Ariane Mnouchkine
(«L’histoire terrible mais inachevée de Norodom Sihanouk» et
«L’Indiade» d’Hélène Cixous, «Les Atrides» d’Euripide et Eschyle).
Par la suite, il travaille avec Irina Brook dans «Une bête sur la
lune» (Molière du meilleur comédien 2001) de Richard Kalinoski
et avec Silviu Purcarete, Paul Golub, Antoine Campo, Simon
McBurney, Peter Brook, Cécile Garcia-Fogel, Laurent Pelly, etc.
En 2004 et 2005, il dirige la classe d’improvisation au
Conservatoire national supérieur d’art dramatique de Paris.
Au cinéma, il tourne avec Cédric Klapisch, Marie Vermillard,
Michel Deville, Xavier Durringer, Atom Egoyan, Jonathan Demme,
Robert Kéchichian, Serge Lepéron, Frédérique Balekdjian,
Sophie Marceau, Thomas Vincent, Ronit et Shlomi Elkabetz,
Jean Pierre Sinapi, Sally Potter, Robert Guédiguian, Martin
Campbell, Eric Barbier, Marjane Satrapi et Vincent Paronnaud,
Karim Dridi, Philippe Haim, Jean-Michel Ribes, Hervé Hadmar,
Gilles Banier, etc.

Rome-Nanterre
Un jeu biographique
d’après «Forêt noire» et d’autres textes de Valérie Mréjen
12
Du 3 au 20 décembre 2013
Salle René Gonzalez
Gian Manuel Rau
© DR

Rome-Nanterre
Un jeu biographique
d’après «Forêt noire» et
d’autres textes de Valérie
Mréjen
Du 3
au 20 décembre 2013 Salle René Gonzalez 12
Mise en scène :
Gian Manuel Rau
Scénographie :
Anne Hölck
Musique et espace sonore :
François Thuillard
Avec :
Dominique Reymond
Durée :
environ 1h10
Age conseillé :
dès 14 ans
Genre :
théâtre
Mardi 03.12. 19h30
Mercredi 04.12. 19h30
Jeudi 05.12. 19h30
Vendredi 06.12. 19h30
Samedi 07.12. 19h30
Dimanche 08.12. relâche
Lundi 09.12. relâche
Mardi 10.12. 19h30
Mercredi 11.12. 19h30
Jeudi 12.12. 19h30
Vendredi 13.12. 19h30
Samedi 14.12. 19h30
Dimanche 15.12. 18h30
Lundi 16.12. relâche
Mardi 17.12. 19h30
Mercredi 18.12. 19h30
Jeudi 19.12. 19h30
Vendredi 20.12. 19h30
Production :
Théâtre Vidy-Lausanne
Cette pièce fait suite à un «Sujet à vif» de 30 minutes
présenté au Festival d’Avignon 2009 sous le titre «Trois
quartiers»
Création au Théâtre Vidy-Lausanne le 3 décembre 2013

Rome-Nanterre
Un jeu biographique
d’après «Forêt noire» et
d’autres textes de Valérie
Mréjen
Du 3
au 20 décembre 2013 Salle René Gonzalez 12
Présentation
A l’origine, il y a une carte blanche donnée à Dominique Reymond
au Festival d’Avignon. Pour inventer avec elle ce «Sujet à vif», elle
s’est assuré la complicité de Gian Manuel Rau. Ensemble, ils ont
imaginé une forme courte, «Trois quartiers», à partir de textes de
Valérie Mréjen : trois âges de l’existence d’une femme.
Aujourd’hui, le désir de déployer une forme plus vaste, de traiter
une matière plus ample débouche sur cette création. Toujours
la même auteure, la même actrice, le même metteur en scène
pour évoquer une femme qui voyage dans sa propre vie et dans
celle des autres.
L’enfance, l’adolescence, la vieillesse semblent composer les
figures d’un manège qui tourne. C’est un jeu.
C’est un bal. C’est une quête. C’est un assemblage de morceaux
qui forment un kaléidoscope biographique.
Ou, comme le dit Gian Manuel Rau : «Sept autoportraits
authentiques qui révèlent le désir d’identité intemporelle. Sept
contes véridiques.»
Valérie Mréjen
Plasticienne, photographe, écrivain, Valérie Mréjen vit et travaille
à Paris. Issue de l’Ecole d’art de Cergy-Pontoise, elle multiplie
les moyens d’expression pour mieux explorer les possibilités
du langage. Elle se nourrit du quotidien, de l’enfance et ses
souvenirs, des détails cruels ou burlesques de l’existence, des
lieux communs, des malentendus. Ses œuvres ont fait l’objet
de nombreuses expositions tant à l’étranger qu’en France,
notamment au Jeu de Paume à Paris en 2008. Elle est l’auteure
de vidéos, de deux courts-métrages («La défaite du rouge-gorge»,
2001 et «Chamonix», 2003), de deux documentaires («Pork and
Milk», 2004 et «Valvert», 2008) et de trois récits («Mon grandpère»,
1999, «L’agrume», 2000 et «Eau sauvage», 2003) parus
aux éditions Allia. Elle prépare actuellement un long-métrage de
fiction.
© DR

Rome-Nanterre
Un jeu biographique
d’après «Forêt noire» et
d’autres textes de Valérie
Mréjen
Du 3
au 20 décembre 2013 Salle René Gonzalez 12
Gian Manuel Rau
Gian Manuel Rau est né en Suisse ; il a fait ses études et ses
débuts à Zurich, Paris et Berlin. Sa carrière de metteur en scène
commence en 1996, dans son pays natal et en Allemagne. L’axe
central de tous ses travaux est composé d’une petite famille
théâtrale de comédiens, de dramaturges, de scénographes et
de musiciens. Il a créé plusieurs spectacles à la Schaubühne de
Berlin, aux théâtres de Bâle, de Stuttgart ou encore au Théâtre
Vidy-Lausanne et à la Comédie-Française de Paris. Il explore
aussi bien le répertoire classique que le domaine contemporain.
On lui doit des mises en scène de pièces de David Greig, Heinrich
von Kleist, Georg Büchner, Lessing, Beckett, Biljana Srbljanovic,
Gerhild Steinbuch, Ivna Zic, Botho Strauss, Harold Pinter, Ibsen,
Strindberg, Lukas Bärfuss, Feydeau... Ses productions d’Ibsen,
de Strindberg et de Pinter ont été invitées en France. Il enseigne
à la Manufacture de Lausanne. Depuis un certain temps, il met en
scène des spectacles de musique contemporaine. Après «trois
quartiers» (une commande à Dominique Reymond) dans le cadre
des «sujets à vif» au Festival d’Avignon il continue son travail sur
les textes de Valérie Mréjen. Il a d’autres projets en cours sur
Strindberg («La danse de mort») et Kleist.
Dominique Reymond
© Mario Del Curto
Après le Conservatoire de Genève, Dominique Reymond joue à
Chaillot sous la direction d’Antoine Vitez. Au théâtre, elle interprète
des pièces d’auteurs classiques, mais aussi contemporains, dont
Bruno Bayen, Pascal Rambert, Yasmina Reza. Elle a travaillé avec
les metteurs en scène Bernard Sobel, Klaus Michael Grüber,
Jacques Rebotier. Elle est nominée aux Molières 2009 pour son
interprétation dans «La nuit de l’iguane» de Tennessee Williams
mis en scène par Georges Lavaudant. Depuis 1984, elle tourne au
cinéma avec Robert Enrico, François Dupeyron, Claude Chabrol,
Olivier Assayas, Chantal Akerman, Christophe Honoré. On a pu
la voir dans «Y aura-t-il de la neige à Noël» de Sandrine Veysset
ainsi que dans «Le nouveau protocole» de Thomas Vincent et
«L’heure d’été» d’Olivier Assayas. A la télévision, elle travaille avec
Nina Companeez, Marcel Bluwal, Serge Meynard, Alain Tasma,
Claire Devers, Charlotte Brandström.

Hughie
d’Eugene O’Neill
13
Du 4 au 22 décembre 2013
La Passerelle
Jean-Yves Ruf
© Mario Del Curto

Hughie
d’Eugene O’Neill
Du 4
au 22 décembre 2013 La Passerelle 13
Mise en scène :
Jean-Yves Ruf
Traduction :
Louis-Charles Sirjacq
Scénographie et costumes :
Laure Pichat
Lumière :
Christian Dubet
Son :
Vassili Bertrand
Avec :
Gilles Cohen
Jacques Tresse
Durée :
environ 1h
Age conseillé :
dès 12 ans
Genre :
théâtre
Mercredi 04.12. 20h00
Jeudi 05.12. 20h00
Vendredi 06.12. 20h00
Samedi 07.12. 20h00
Dimanche 08.12. 18h00
Lundi 09.12. relâche
Mardi 10.12. 20h00
Mercredi 11.12. 20h00
Jeudi 12.12. 20h00
Vendredi 13.12. 20h00
Samedi 14.12. 19h00
Dimanche 15.12. 18h00
Lundi 16.12. relâche
Mardi 17.12. 20h00
Mercredi 18.12. 20h00
Jeudi 19.12. 20h00
Vendredi 20.12. 20h00
Samedi 21.12. 20h00
Dimanche 22.12. 18h00
Production :
Espace des Arts, Scène nationale Chalon-sur-Saône
Coproduction :
Chat Borgne Théâtre, compagnie conventionnée DRAC
Alsace
Théâtre Vidy-Lausanne
Avec la participation artistique du Jeune Théâtre
National
L’Arche est éditeur et agent théâtral du texte représenté
Création à l’Espace des Arts, Scène nationale Chalonsur-Saône
le 15 octobre 2013

Hughie
d’Eugene O’Neill
Du 4
au 22 décembre 2013 La Passerelle 13
Présentation
Philippe Buquet* me fait parvenir «Hughie», une courte pièce
d’Eugene O’Neill, et me propose de rencontrer Gilles Cohen,
le comédien qui lui a fait découvrir ce texte. Si j’aime mûrir des
projets durant des années, j’aime aussi me laisser porter par des
propositions, des rencontres, qui ont des chances de m’amener
à des endroits de travail que je n’avais pas prévus.
Je lis donc ce texte, et me retrouve avec Erié, le joueur et beau
parleur, dans un hôtel miteux de West Side à New York, où il
réside. Erié tarde à remonter dans sa chambre, et soliloque devant
un gardien de nuit quasi mutique. Erié parle au gardien de son
ami décédé il y a peu, Hughie, le précédent gardien de l’hôtel.
On devine au fil de ses confidences qu’Hughie était le seul être
devant qui il a pu fanfaronner, mentir, se vanter, sans essuyer de
regards soupçonneux ou méprisants. Le seul être qu’il battait
au jeu à tous les coups. Hughie était son faire-valoir, devant lui
il pouvait se recréer une vie, restaurer son image, sa dignité. Le
nouveau gardien n’écoute rien, il est ailleurs, lance une phrase de
temps en temps pour donner le change. C’est son métier. Erié ne
se décourage pas, il continue à soliloquer, comme pour retarder
le moment où il devra se retrouver seul dans sa chambre. Peu
à peu, insensiblement, et c’est la force de l’écriture d’O’Neill, le
rapport entre les deux hommes se densifie, le gardien se prend à
écouter, à poser des questions. Il est pris au piège. La boucle est
bouclée, Erié a trouvé sa nouvelle proie, son nouveau faire-valoir,
son nouveau perdant.
C’est d’une grande simplicité et d’une grande force. Ce texte est en
même temps extrêmement concret, contemporain, et absolument
intemporel. Il se referme sur lui-même comme une fable, un mythe,
et il ouvre notre écoute sur un champ profondément humain : la
solitude, le besoin de mentir pour ne pas s’écrouler, pour garder
un temps soit peu l’estime d’un autre, donc de soi-même.
Convaincu par ma lecture, je prends rendez-vous avec Gilles
Cohen. J’ai la faiblesse de croire aux rencontres, et c’en fut
une rencontre. Nous parlons du texte bien sûr. En l’écoutant, je
l’imagine déjà dans le rôle d’Erié. Je sens chez lui la densité et la
fragilité nécessaires pour faire entendre le texte d’O’Neill. Nous
décidons ensemble de nous lancer dans ce projet.
Jacques Tresse sera le gardien de nuit. C’est loin d’être un rôle
de figuration, la partition du gardien comporte infiniment moins
de texte, elle est faite d’écoute, mais elle est pour moi aussi
importante que celle d’Erié. Les didascalies d’O’Neill décrivent
avec précision ces chemins d’écoute, et ce n’est pas un hasard.
Jean-Yves Ruf
* directeur de l’Espace des Arts, Scène nationale de Chalon-sur-Saône

Hughie
d’Eugene O’Neill
Du 4
au 22 décembre 2013 La Passerelle 13
Eugene O’Neill
(1888-1953)
© DR
Né d’un acteur romantique populaire et d’une mère émotionnellement
fragile, Eugene O’Neill passe une enfance instable et est fortement
affecté par la dépendance de sa mère à la morphine, conséquence de
sa naissance difficile. Après un an à Princeton University, il est expulsé,
vit de divers petits boulots, et s’engage comme marin, période de grave
dépression, pendant laquelle il sombre dans l’alcool et tente de se
suicider. Travaillant brièvement comme reporter en 1912, il se retrouve au
sanatorium pour tuberculose et commence à écrire. Sa pièce «Beyond the
Horizon» est produite à Broadway en 1920 et obtient le Prix Pulitzer, qui lui
sera également attribué pour «Anna Christie» (1922), «Strange Interlude»
(1928) et à titre posthume pour sa pièce autobiographique écrite en 1941,
mais produite seulement en 1956 à Broadway «Long Day’s Journey Into
Night», portrait déchirant de sa propre famille. Parmi ses autres pièces
les plus connues «Desire Under the Elms» (1925), «Mourning Becomes
Electra» (1931), «The Iceman Cometh» (1939) et sa seule comédie «Ah,
Wilderness !» (1933). En 1936, O’Neill est le premier dramaturge américain
à avoir obtenu le Prix Nobel de Littérature. Fortement influencé par Anton
Tchekhov, Henrik Ibsen et August Strindberg, O’Neill écrit à partir de son
expérience personnelle et a su créer un théâtre moderniste profondément
enraciné dans la tragédie grecque avec des personnages confrontés à
leur inéluctable destin.
Jean-Yves Ruf
© Mario Del Curto
Après une formation littéraire et musicale, Jean-Yves Ruf intègre l’Ecole
nationale supérieure du Théâtre national de Strasbourg (1993-1996) puis
l’Unité nomade de formation à la mise en scène (2000), lui permettant
notamment de travailler avec Krystian Lupa à Cracovie et avec Claude
Régy.
Il est à la fois comédien, metteur en scène et intervient en tant que
pédagogue dans différentes universités et écoles de théâtre, comme la
Manufacture à Lausanne ou l’Ecole du Théâtre national de Strasbourg.
Parmi ses récentes mises en scène, on peut noter «Agrippina» de Haendel
(Opéra de Dijon), «Lettre au père» de Kafka (créé à Vidy-Lausanne), «La
panne» de Dürrenmatt (créé à Vidy-Lausanne), «Eugène Onéguine» de
Tchaïkowski (Opéra de Lille), «Mesure pour mesure» de Shakespeare (créé
à la MC93 Bobigny), «La passion selon Jean» d’Antonio Tarantino (créé
à Vidy-Lausanne). Il mettra en scène en 2013 «Troïlus et Cressida» de
Shakespeare (Comédie-Française), «Don Giovanni» de Mozart (Opéra de
Dijon) et «Elena» de Cavalli (Festival d’Aix).
De janvier 2007 à décembre 2010, il a dirigé la Manufacture – Haute école
de théâtre de Suisse romande.

The Acting Bug/
Le virus de la scène
cirque de puces savantes de Patrick Sims
14
Du 6 au 22 décembre 2013
Chapiteau Vidy-L
© DR

The Acting Bug/
Le virus de la scène
cirque de puces savantes
de Patrick Sims
Du 6
au 22 décembre 2013 Chapiteau Vidy-L 14
© DR
Vendredi 06.12. 19h00
Samedi 07.12. 15h30/
20h30
Dimanche 08.12. 15h00/
19h00
Lundi 09.12. relâche
Mardi 10.12. 20h30
Mercredi 11.12. 20h30
Jeudi 12.12. 20h30
Vendredi 13.12. 19h00
Samedi 14.12. 15h30/
20h30
Dimanche 15.12. 15h00/
19h00
Lundi 16.12. relâche
Mardi 17.12. 20h30
Mercredi 18.12. 20h30
Jeudi 19.12. 20h30
Vendredi 20.12. 19h00
Samedi 21.12. 15h30/
20h30
Dimanche 22.12. 15h00/
19h00
Ecriture, scénographie,
marionnettes et jeu :
Patrick Sims
Marionnettes, accessoires,
masques et costumes :
Josephine Biereye
Création sonore et
électronique, régie son,
lumière et vidéo :
Oriol Viladomiu
Plateau, décor et
machinerie :
Nicola Hubert
Construction du cirque de
puces :
Erik Zollikofer
Création vidéo :
Raul Berrueco
Machines :
Richard Penny
Production, diffusion :
Vanessa Ceroni/AugurArt
avec Sophie-Danièle Godo
Administration :
Audrey Hadorn/AugurArt
Production déléguée :
Les Antliaclastes
Avec :
Patrick Sims
(marionnettiste)
Félix Fujikkkoon
(dresseur des puces)
Nicola Hubert
(marionnettiste)
Durée :
environ 50 minutes
Age conseillé :
dès 10 ans
Genre :
marionnettes, illusion,
cirque de puces savantes
Coproduction :
Yzeure Espace
Théâtre Vidy-Lausanne
La Comédie – Scène nationale de Clermont-Ferrand
Avec l’aide à la création de :
Ministère de la Culture et de la Communication – DRAC
Auvergne
Région Auvergne
Avec le soutien de :
Département de l’Allier
Remerciements :
Mairie de Maillet
Création à Yzeure Espace en octobre 2013

The Acting Bug/
Le virus de la scène
cirque de puces savantes
de Patrick Sims
Du 6
au 22 décembre 2013 Chapiteau Vidy-L 14
Résumé
© DR
«The Acting Bug/Le virus de la scène» est l’histoire d’Antonin
Artaud qui est alors Monsieur Loyal d’un cirque de puces
savantes, mis en quarantaine pour être soupçonné d’être atteint
de la peste. Bien qu’il soit mis à l’écart du public, enfermé dans
une cellule isolée, il continue à dresser ses puces pour un prochain
spectacle. Monsieur Loyal nourrit ses petites bêtes de son propre
sang, bien que, plus il les abreuve, plus son état de santé empire.
Les puces, elles, se portent à merveille dans ces conditions et
réalisent des performances incroyables et des figures totalement
inédites, jamais vues.
Inspiré par les qualités physiques et spirituelles «extraordinaires»
de ces acteurs invisibles, Monsieur Loyal réussit à s’échapper par
la tour de la prison pour se fondre au milieu de la foule où il fait
jouer ses trésors microscopiques.
«The Acting Bug/Le virus de la scène» met en scène des puces
réelles, imaginaires, numériques et mécaniques dans un conte
délirant inspiré tout à la fois d’Antonin Artaud et de Tex Avery.
Les Antliaclastes
Patrick Sims et Josephine Biereye poursuivent avec la compagnie
les Antliaclastes une recherche sur l’art de la marionnette et
utilisent une grande variété de techniques de manipulation :
marionnettes à fils, à tringles, à mains, de tradition Bunraku, de
théâtre d’ombres. Au Théâtre Vidy-Lausanne ont été présentés
«Hilum» et «Le vieux de la montagne/The Old Man of the
Mountain» en 2012.
Patrick Sims
© Jean-Pierre Estournet
Patrick Sims (né en 1975 au Vermont, USA) joue et manipule
des marionnettes depuis plus de 16 ans. Cette passion est née
pendant ses études de cinéma et d’animation à Middlebury
College, USA. Il travaille ensuite avec le Bread and Puppet Theater,
étudie le théâtre d’ombres à Java, et effectue son doctorat au
Trinity College de Dublin où il écrit sa thèse : «La Pataphysique
de la marionnette, Alfred Jarry et l’interprète inhumain». Il est
aujourd’hui le directeur artistique des Antliaclastes et mène
plusieurs projets de film, de théâtre, d’installation, de musique, et
d’opéra électronique multimédia.

Oy Division
15
Du 10 au 15 décembre 2013
Salle Charles Apothéloz
© DR

Oy Division Du 10
au 15 décembre 2013
Salle
Charles Apothéloz
15
Avec :
Gershon Leizersohn
(violon et voix)
Assaf Talmudi
(accordéon)
Eyal Talmudi
(clarinette)
Avichai Tuchman
(contrebasse)
© DR
Durée :
1h15
Age conseillé :
tout public
Genre :
musique klezmer
traditionnelle
Mardi 10.12. 19h00
Mercredi 11.12. 19h00
Jeudi 12.12. 19h00
Vendredi 13.12. relâche
Samedi 14.12. 20h00
Dimanche 15.12. 17h30

Oy Division Du 10
au 15 décembre 2013
Salle
Charles Apothéloz
15
Présentation
L’identité musicale de la vieille Europe est une vraie malle à
trésors ! Beaucoup d’artistes, au nom du fameux folk, y puisent
leur inspiration et font taper du pied, en rythme s’il vous plaît,
des salles entières alors que nous sommes au temps de l’électro
et de la dance.
Basé en Israël, Oy Division est un groupe qui explore les
ressources de la musique klezmer d’Europe de l’Est. Il
s’approprie la tradition, la revivifie, célébrant ainsi les noces
improbables de l’ethnomusicologie et de l’exubérance scénique.
Quelle technique, quelle énergie ils ont, ces quatre musiciens,
pour nous entraîner dans ce voyage vers le passé, à travers un
répertoire qui fait la part belle aux folklores yiddish et russe,
ainsi qu’aux chants du théâtre yiddish. Tout cela avec une sorte
d’humour supérieur, dans cette incertitude où nous plonge
l’existence : est-elle bonheur tragique ou triste folie Avec ses
rythmes endiablés et ses divines mélodies, cette musique est
en parfait accord avec cette question.

Dogugaeshi
de Basil Twist
16
Du 8 janvier au 2 février 2014
Salle René Gonzalez
© DR

Dogugaeshi
de Basil Twist
Du 8 janvier
au 2 février 2014 Salle René Gonzalez 16
Mise en scène :
Basil Twist
Musique :
Yumiko Tanaka
Vidéo :
Peter Flaherty
Lumière :
Andrew Hill
Son :
Greg Duffin
Durée :
1h
Age conseillé :
dès 10 ans
Mercredi 08.01. 19h30
Jeudi 09.01. 19h30
Vendredi 10.01. 19h30
Samedi 11.01. 19h30
Dimanche 12.01. 18h30
Lundi 13.01. relâche
Mardi 14.01. 19h30
Mercredi 15.01. 19h30
Jeudi 16.01. 19h30
Vendredi 17.01. 19h30
Samedi 18.01. 19h30
Dimanche 19.01. 18h30
Lundi 20.01. relâche
Mardi 21.01. 19h30
Mercredi 22.01. 19h30
Jeudi 23.01. 19h30
Vendredi 24.01. 19h00
Samedi 25.01. 19h30
Dimanche 26.01. 18h30
Lundi 27.01. relâche
Mardi 28.01. 19h30
Mercredi 29.01. 19h30
Jeudi 30.01. 19h30
Vendredi 31.01. 19h00
Samedi 01.02. 19h30
Dimanche 02.02. 17h00

Dogugaeshi
de Basil Twist
Du 8 janvier
au 2 février 2014 Salle René Gonzalez 16
Présentation
Avec «Dogugaeshi», Basil Twist déroule un paysage d’images et
d’émotions à la fois intime, abstrait et contemporain. L’artiste a
été influencé par l’exceptionnelle tradition de la technique scénique
appelée dogugaeshi et sa rencontre avec le gardien de
cette forme d’art qui fut un jour populaire.
Cette pièce d’une heure mêle des compositions originales de
shamisen interprétées en direct par la musicienne virtuose
Yumiko Tanaka et les marionnettes si caractéristiques de Basil
Twist avec des projections vidéo de Peter Flaherty, des jeux de
lumière créés par Andrew Hill et le son de Gred Duffin.
Basil Twist
© Klaus Lucka
Sans être un enfant de la balle, Basil a grandi à San Fransisco à
l’ombre d’une mère qui dirigeait un théâtre de marionnettes et
qui était elle-même fille d’un innovateur du genre dans les années
30-40. Ce grand-père, chef d’un orchestre big-band, avait intégré
à son ensemble des musiciens-marionnettes qu’il faisait
jouer avec les interprètes. Enfant, Twist fabriquait ses propres
poupées jusqu’au jour où, suffocant dans ce cocon d’animation
familiale, il décide d’aller respirer un autre air, d’abord à Big Apple,
ensuite en France. Puis, il retourne à New York, riche d’un style
de son cru : des marionnettes qu’il modèle, qu’il crée et auxquelles
il donne beaucoup d’élégance et une grande âme. Son
coup de maître sera son spectacle intitulé la «Symphonie fantastique»,
basé sur l’œuvre éponyme de Berlioz, qui se déroule
dans un réservoir d’eau. Cette invite à écouter la musique avec
les yeux déroule un concert dont les rythmes et les harmonies
sont exécutés par des formes manipulées par le marionnettiste.
Ainsi, des plumes, des éléments abstraits multicolores de différentes
textures, des bulles d’air, des jeux de miroir et de lumière
et des projections se font l’écho visuel des mouvements de la
symphonie sous la baguette magique de Twist. Une magie qui
se poursuivra avec bonheur dans des veines différentes, mais
toujours trempant dans la grande musique : «Le spectacle de
marionnettes de Maître Pierre» sera interprété avec l’Orchestre
philharmonique de Los Angeles, et «Hansel et Gretel» avec le
Houston Grand Opera, «La belle au bois dormant» de Respighi.
Par la grâce de ce marionnettiste des temps modernes, ces
matériaux ordinaires que sont les fils de fer, les ficelles, le bois et
les bouts de tissu participent aux vibrantes émotions d’illustres
œuvres musicales.
Irène Mosalli, «L’Orient le jour»

Immortels
de Nasser Djemaï
17
Du 21 janvier au 2 février 2014
Salle Charles Apothéloz
© Luc jennepin

Immortels
de Nasser Djemaï
Du 21 janvier
au 2 février 2014
Salle
Charles Apothéloz
17
Texte et mise en scène :
Nasser Djemaï
Dramaturge :
Natacha Diet
Décor :
Michel Gueldry
Construction décors :
Ateliers du
Théâtre Vidy-Lausanne
Chorégraphe :
Manuel Chabanis
Illusionniste :
Stéphane Pelliccia
Vidéo :
Olivier Garouste
Lumière :
Renaud Lagier
Musique :
Frédérique Minière
Alexandre Meyer
Costumes :
Marion Mercier
Régie générale :
(en cours)
Administration
de production :
Elodie Couillard
Avec :
Brice Carrois
Florent Dorin
Florent Gouëlou
Jean-Christophe Legendre
Marion Lubat
Julie Roux
Camille Rutherford
Durée :
environ 1h45
Age conseillé :
dès 15 ans
Mardi 21.01. 19h00
Mercredi 22.01. 19h00
Jeudi 23.01. 19h00
Vendredi 24.01. 20h30
Samedi 25.01. 19h00
Dimanche 26.01. relâche
Lundi 27.01. relâche
Mardi 28.01. 19h00
Mercredi 29.01. 19h00
Jeudi 30.01. 19h00
Vendredi 31.01. 20h30
Samedi 01.02. 19h00
Dimanche 02.02. 18h30
Production :
Théâtre Vidy-Lausanne
Coproduction :
MC2 Grenoble
Cie Repères Groupe de Création Artistique/Nasser Djemaï
(en cours)
Avec la participation artistique du Jeune Théâtre National
Création au Théâtre Vidy-Lausanne le 21 janvier 2014

Immortels
de Nasser Djemaï
Du 21 janvier
au 2 février 2014
Salle
Charles Apothéloz
17
Présentation
Ce projet d’écriture me donne la chance de retravailler sur un
parcours initiatique : suivre la reconstruction d’un jeune homme,
saisir sa transformation depuis sa destruction et assister, tout
au long de son parcours, à son envol, sa libération.
Joachim 19 ans, vient de perdre son frère Samuel dans un accident
; plusieurs zones d’ombres planent autour des circonstances
de cette mort. Pour connaître toute la vérité, il décide
d’intégrer le groupe d’amis de Samuel. Un groupe d’amis très
impliqués politiquement et marqués par les crises économiques
qui secouent actuellement l’Europe. Les personnages
interrogent l’héritage des adultes et leur avenir incertain. Or
certains membres de ce groupe, de cette meute, n’acceptent
pas Joachim mais le fantôme de Samuel, jusqu’à pousser notre
héros dans son aveuglement pour le confondre complètement
avec son frère disparu. Un monde traversé par des ombres du
passé, une quête initiatique, entre le songe et la réalité, au cours
de laquelle Joachim va découvrir le vrai visage de son frère.
Cette aventure artistique est dans ma tête, car elle regorge de
complexités et de défis à plusieurs titres. D’abord, cette période
de flottement dans la construction d’une jeune personne, est
truffée de questions, de paradoxes et d’incompréhensions.
Autant dire une matière théâtrale très riche… Ensuite, bien qu’il
existe chez eux une grande part, de vulnérabilité, de fragilité,
il n’en demeure pas moins ce sentiment incroyable d’immortalité,
d’éternité, voire d’invincibilité. D’autre part, nous vivons
une époque où nous avons de plus en plus affaire à des deuils
difficiles. Avec l’appauvrissement des rites funéraires, la mort
n’apparaît plus comme un événement qui rythme la vie de la
communauté, mais seulement comme un drame individuel.
Avec un sujet aussi grave, je compte aussi m’amuser, me permettre
de développer une galerie de personnages tous aussi
passionnants les uns que les autres et qui accompagneront le
héros dans sa quête.
«Immortels» me provoque des envies de magie, d’illusions, de
virtuosités… Autant de pistes passionnantes à explorer, autant
de prétextes poétiques, une ouverture vers une frontière infinie
entre l’adolescence et le monde adulte, un trou béant où toute
la folie et la démesure ont encore leur place.
Nasser Djemaï

Immortels
de Nasser Djemaï
Du 21 janvier
au 2 février 2014
Salle
Charles Apothéloz
17
Nasser Djemaï
Diplômé de l’Ecole de la Comédie de Saint-Etienne et de la
Birmingham School of Speech and Drama en Grande Bretagne,
il se perfectionne à la British Academy of Dramatic Combat.
Nasser Djemaï a acquis une expérience théâtrale européenne. Il
a été dirigé par Hettie McDonald et Frank McGuiness dans «The
Storm» d’Alexandre Ostrovski au Théâtre Almeida à Londres.
Depuis son retour à Paris, il poursuit sa formation d’acteur
auprès de metteurs en scène comme Joël Jouanneau, Philippe
Adrien, Alain Françon. Il a travaillé avec plusieurs metteurs en
scène dont Daniel Benoin, René Loyon et Robert Cantarella.
Auteur et interprète de deux spectacles : «Une étoile pour
Noël ou l’ignominie de la bonté», «Les vipères se parfument
au jasmin» il est lauréat du prix Sony Labou Tansi des lycéens
théâtre francophone 2006-2007 pour «Une étoile pour Noël».
Actuellement en tournée avec «Invisibles», son dernier spectacle
en tant qu’auteur et metteur en scène qui a été crée en
novembre 2011 à la MC2 de Grenoble.
Ses textes sont publiés aux éditions Actes-Sud Papiers.

Théâtre Vidy-Lausanne
Saison 2013-2014
Avant-programme
de février à juin 2013
Du 4
au 23 février 2014
Chapiteau Vidy-L
François d’Assise
d’après Joseph Delteil
Mise en scène :
Adel Hakim
Du 11
au 22 février 2014
Salle René Gonzalez
VieLLeicht
de Mélissa Von Vépy
Du 12
au 19 février 2014
Salle Charles Apothéloz
Cinématique
de la Cie Adrien M/Claire B
Du 4
au 14 mars 2014
Salle Charles Apothéloz
Richard III
de William Shakespeare
Mise en scène :
Laurent Fréchuret
Du 5
au 23 mars 2014
La Passerelle
Bourlinguer
de Blaise Cendrars
Mise en scène :
Darius Peyamiras
Du 11
au 28 mars 2014
Salle René Gonzalez
Misterioso-119
de Koffi Kwahulé
Mise en scène :
Cédric Dorier
Du 11
au 22 mars 2014
Chapiteau Vidy-L
Journal de ma nouvelle oreille
de et avec :
Isabelle Fruchart
Adaptation et mise en scène :
Zabou Breitman
Ce programme est présenté sous réserve de modification.

Du 18
au 23 mars 2014
Salle Charles Apothéloz
Du 3
au 11 avril 2014
Salle Charles Apothéloz
Du 29 avril
au 18 mai 2014
La Passerelle
Seule la mer
d’Amos Oz
Mise en scène :
Denis Maillefer
De nos jours
[ Notes On The Circus ]
un spectacle d’Ivan Mosjoukine
Les demeurées
de Jeanne Benameur
Mise en scène :
Didier Carrier
Les 4 et 5 mai 2014
Chapiteau Vidy-L
Goldfish
d’Inbal Pinto
(Festival Steps)
Du 7 mai au 1 er juin 2014
Salle René Gonzalez
Galilei
de Francesco Niccolini et Marco Paolini
Mise en scène :
Charles Tordjman
Mai 2014
Salle Charles Apothéloz
Kouta
d’après Massa Makan Diabaté
Mise en scène :
Hassane Kassi Kouyaté
Juin 2014
La Passerelle
A vous la nuit
de et avec Habib Dembélé
Ce programme est présenté sous réserve de modification.

Médiation culturelle
Des privilèges pour les enseignants
Dans le cadre de ses nombreuses activités liées au jeune public,
le Théâtre Vidy-Lausanne offre aux enseignants les avantages
suivants :
- la carte de réduction à Fr. 80.– au lieu de Fr. 130.– (pour les
enseignants du canton de Vaud). Demandes à adresser à
Chantal Pelet, chantal@vidy.ch ou au 021 619 45 48
- des invitations pour les avant-premières
- des dossiers pédagogiques et des carnets de création en
téléchargement libre pour plusieurs spectacles (sur le site
www.vidy.ch)
- des soirées enseignants : discussion informelle et présentation
de la saison par la direction du théâtre
- les textes des spectacles à disposition auprès des chargées
jeune public
- la gratuité du billet pour l’accompagnant d’une classe dès
10 élèves, deux billets gratuits dès 20 élèves et ainsi de suite
Le Vidyblog
Le Vidyblog est un blog libre et indépendant qui donne la parole
au public. Réactions, décryptages, analyses des pièces du
théâtre ou d’autres sujets culturels, photos et films, il vous permet
d’illustrer la saison d’une autre manière ! Retrouvez Le Vidyblog
sur notre site www.vidy.ch.
Bords de plateau
Venez à la rencontre des artistes ! Tout au long de l’année
le Théâtre Vidy-Lausanne organise des bords de plateau
propices aux échanges entre le public et les metteurs en scène,
comédiens, auteurs, techniciens. Une belle occasion pour eux
d’expliquer leur travail et de partager leur passion.
Visites du théâtre
Laissez-vous surprendre par les secrets du Théâtre Vidy-
Lausanne en partant à la découverte de ses coulisses et recoins
grâce à des visites gratuites conçues sur mesure.
Grands Débats
Le Théâtre Vidy-Lausanne, en collaboration avec Payot Libraire et
L’Hebdo, propose chaque mois une discussion autour d’un essai
en présence de l’auteur. Qu’il s’agisse de politique, d’économie,
de philosophie, de religion ou de sport, les sujets sont choisis en
fonction de l’actualité littéraire.

Médiation culturelle
Pièces accessibles aux aveugles et aux malvoyants
Chaque saison le Théâtre Vidy-Lausanne propose des
représentations audiodécrites pour les personnes atteintes
d’une déficience visuelle.
En outre, plusieurs spectacles sont accessibles au public
malvoyant et aveugle, sans pour autant qu’ils fassent l’objet
d’une audiodescription :
Les années
Staying Alive
Rome-Nanterre
Hughie
Pour plus d’informations sur l’une ou l’autre de ces
mesures de médiation culturelle, veuillez contacter :
Fanny Guichard (f.guichard@vidy.ch) ou
Corinne Doret Baertschi (c.doret@vidy.ch)

Le Théâtre Vidy-Lausanne
en tournée
de juillet à décembre 2013
«Stifters Dinge»
Conception, musique et mise en
scène:
Heiner Goebbels
Japon 13.07 – 15.07
Yamaguchi Center for Arts and Media
Duisburg 29.09 – 06.10
Ruhr Triennale
«Stifters Dinge – The Unguided
Tour»
Conception, musique et mise en
scène:
Heiner Goebbels
Duisburg 21.09 – 06.10
Ruhr Triennale
«Perturbation»
d’après Thomas Bernahard
Mise en scène: Krystian Lupa
Paris 27.09 – 25.10
Théâtre de la Colline
Clermont-Ferrand 13.11 – 14.11
La Comédie
Petit-Quevilly 18.11 – 19.11
Scène nationale
Cergy-Pontoise 22.11
L’Apostrophe
Lyon 03.12 – 07.12
Théâtre des Célestins
Nantes 11.12 – 12.12
LU – Lieu Unique
Orléans 18.12 – 19.12
Carré Saint-Vincent
Béziers 28.12 – 29.12
Sortie Ouest
«Le triomphe de l’amour»
de Marivaux
Mise en scène : Galin Stoev
Paris – Saint Denis 30.09 – 20.10
Théâtre Gérard Philipe
Meyrin 29.10 – 30.10
Théâtre Forum Meyrin
Belfort 17.12 – 18.12
Le Granit
«Vers Wanda»
un spectacle de Marie Rémond
librement inspiré des écrits de
Nathalie Léger et du film «Wanda»
de Barbara Loden
Paris 04.10 – 26.10
Théâtre de la Colline
«André»
un spectacle de Marie Rémond
Soissons 08.11 – 09.11
Le Mail
Charleville 12.11 – 13.11
Théâtre de Charleville-Mézières
Obernal 15.11
Espace Athic
Albi 19.11 – 20.11
Scène nationale d’Albi
Caluire 03.12 – 04.12
Le Radiant
Colombes 13.12 – 14.12
L’Avant-Seine
«Savanna - Un paysage possible»
Mise en scène : Amit Drori
Taiwan 18.07 – 20.07
Taipei Children’s Art Festival
«La compagnie des spectres»
d’après le roman de Lydie Salvaire
Mise en scène et adaptation:
Zabou Breitman
Avignon 06.07 – 28.07
Théâtre du Chêne Noir
«Journal de ma nouvelle oreille»
de et avec Isabelle Fruchart
Mise en scène et adaptation:
Zabou Breitman
Avignon 06.07 – 28.07
Théâtre du Chêne Noir
«Blue Jeans»
de Yeung Faï
Conception, scénographie et
marionnettes :
Yeung Faï
Charleville-Mézieres 25.09 – 26.09
Festival mondial des théâtres de
marionnettes
Bourg-en-Bresse 19.11 – 20.11
Théâtre de Bourg-en-Bresse
Combs-la-Ville 26.11 – 28.11
Scène Nationale de Sénart
Champigny-sur-Marne 01.12 – 02.12
Théâtre Gérard Philippe
«Hand Stories»
de Yeung Faï
Conception, scénographie et
marionnettes :
Yeung Faï
Munich 26.10 – 27.10

En coulisse
Théâtre Vidy-Lausanne
Saison 2013-2014
Conseil de fondation
Présidente du conseil :
Vera Michalski
Vice-présidente du conseil :
Daniel Brélaz
Présidents d’honneur :
Michel Pierre Glauser
Raymond Junod
Membres du conseil :
Anne Biéler (comité)
Pascal Broulis
Juliane Cosandier
Pierre-Henri Dumont (comité,
secrétaire du conseil)
Patrick Ferla
Nathalie Fluri
Anne-Claude Gilli-Studer
Jean-Claude Grangier
Grégoire Junod
Frédéric Maire
Jean-Yves Pidoux
Jean-Pierre Potvliege
Fabien Ruf (comité)
Pierre Starobinski (comité)
Brigitte Waridel
Elisabeth Wermelinger
Codirection (jusqu’au
31.08.2013) :
Thierry Tordjman
René Zahnd
Direction (dès le 01.09.2013) :
Vincent Baudriller
Responsable de production :
Julie Bordez
Assistante administrative :
Célia Bessonnard
Responsable de la
comptabilité :
Patrick Oulevay
Secrétaire-comptable :
Erika Malherbe
Informatique :
Eric Ecoffey
Secrétaire-réceptionniste :
Francine Perren Helić
Responsable presse
et communication :
Sarah Turin
Chargée de communication :
Anne-Lise Tacheron
Chargée de communication
et d’édition :
Coralie Rochat
Chargées des R.P. :
Corinne Doret Baertschi
Fanny Guichard
Accueil des artistes :
Isabelle Imsand
Responsable tournées,
attaché à la diffusion :
Xavier Munger
Administrateur de tournée :
Sylvain Didry
Directrice de la diffusion :
Barbara Suthoff
Assistante à la diffusion :
Elizabeth Gay
Archives :
Sophie Detrey
Leonor Garrido
Responsable des relations
avec les adhérents :
Chantal Pelet
Responsable billetterie et
librairie :
Virginie Favre Ademi
Assistante responsable
billetterie :
Thi Samet Tang
Billetterie :
Lucas Emery
Jonas Guyot
Stéphanie Luginbühl
Marlyse Müller
Jeanne Perrin
Shpend Raka
Bar :
Emmanuel Do Nascimento
Jules Hox
Yohann Orain
Virginie Triaire
Entretien :
Fatmir Ademi
En formation presse et
communication :
Marie-Odile Cornaz
Céline Krähenbühl
Léa Neziri
Accueil :
Marie Ammeter (resp.)
Maud Blandel
Silvia Boquete Rivera
Natacha Gonzalez
Elie Grappe
Cécile Greset
Katy Kühni
Jonas Lambelet
Claudia Malherbe
Renata Mamina
Adrien Mani
Sophie Mayerat
Xavier Michellod
Zelal Nazli
Murielle Tenger
Malvin Zoia
Auxiliaires réception:
Gaël Pétremand
Orianne Weber
Photographe:
Mario Del Curto
Design :
Les Ateliers du Nord
Werner Jeker
Benoît Deschamps
Photolithographie :
Bombie
Rédactrice web :
Jeanne-Lucie Schmutz

En coulisse Théâtre Vidy-Lausanne Saison 2013-2014
Equipe technique
Saison 2013-2014
Direction technique :
Michel Beuchat
Directeur technique adjoint :
Samuel Marchina
Secrétaire direction technique :
Laurence Diot
Régisseur général
de production :
Nicolas Bridel
Chef d’atelier construction
décor :
Thomas Beimowski
Chef département électrique :
Thierry Kaltenrieder
Chef département son :
Fred Morier
Chef département audio-visuel
et graphisme :
Jérôme Vernez
Cheffe département
expositions et dessins :
Simira Raebsamen
Régisseurs généraux :
Julio Cabrera
Marcel Challet
Félix Dorsaz
Christophe Kehrli
Stéphane Sagon
Régisseurs généraux de
scène :
Frédéric Aguet
Pascal Rosset
Chef de plateau :
Christian Mayor
Accessoiriste :
Mathieu Dorsaz
Responsable costumes,
maquillage et coiffure :
Rosi Morilla
Constructeurs :
Hervé Arletti
Stéphane Boulaz
Alain Schweizer
Thuy Lor Van
Machinistes :
Jean-Daniel Buri
Bruno Dani
Xavier De Marcellis
Fabio Gaggetta
Natacha Gerber
Mathieu Pegoraro
Nicolas Pilet
Philippe Puglierini
Régisseurs lumière :
Mattias Bovard
Alain Caron
Roby Carruba
Boussad Deghou
Adrien Gardel
Christophe Glanzmann
Jean-Luc Mutrux
David Perez
Nicolas Widmer
Erik Zollikofer
Electricien :
Roger Monnard
Régisseurs son :
Patrick Ciocca
Ludovic Guglielmazzi
Denis Hartmann
Aurélien Stuby
Régisseurs audio-visuel :
Lise Couchet
Stéphane Janvier
Régisseurs son – monteur
vidéaste :
François Planson
Michaël Romaniszin
Couturière et habilleuse
d’entretien :
Machteld Vis
Apprenti techniscéniste :
Quentin Brichet
Collaborateurs occasionnels
pour la saison 2013-2014
Machinistes :
Santiago Martinez
Enrique Méndez-Ramallo
Electros :
Yan Benz
Alexy Carruba
Ivan Covarrubias
Olivier Francfort
Régisseurs son :
Benjamin Bard
Bruno Burel
Peintre:
Sibylle Portenier
Accessoiriste:
Séverine Blanc
Couturière :
Christine Emery
Habilleuse :
Anne Jean-Petit-Matile

Remerciements
A nos fidèles partenaires
Main sponsor :
www.richardmille.com
www.richardmille.com
Partenaire média
A nos généreux donateurs
Fondation de Famille Sandoz
Fondation Leenaards
Fondation Hoffmann
Fondation Landis & Gyr
Fondation Ernst Göhner
Fondation Sophie et Karl
Binding
Bovay & Partenaires
Fondation Julius Baer
Un merci particulier à une
mécène généreuse et
anonyme
Partenaires culturels
Archipel
Arsenic
Collection de l’Art Brut
La Cinémathèque suisse
Musée de l’Elysée
Festival de la Cité
Fondation Claude Verdan –
Musée de la main
Fondation de l’Hermitage
Verbier Festival
Théâtre du Jorat
Festival de la Bâtie
ECAL
HEMU
Le Théâtre Vidy-Lausanne est
subventionné par la Ville de
Lausanne, le Canton de Vaud
et le Fonds intercommunal
de soutien aux institutions
culturelles de la région
lausannoise.
A ceux qui, d’une manière ou
d’une autre, soutiennent notre
activité
Association des Amis du Théâtre
Banque Julius Baer et Cie SA
Bongénie – Grieder
Cafina SA
Cinétoile Malley
Consulat honoraire de la
Fédération de Russie
DSR
Ebel
Feldschlösschen
Filofax
Fondation Neva
Forom écoute
Genoud SA
Groupe Mutuel
Hermès
Hertz
Honda
Hôtel d’Angleterre
Hôtel Aulac
Hôtel Beau-Rivage
La Clinique de La Source
La Semeuse
Laurent Perrier
Le Temps
Leuba+Michel SA
Migros Pour-cent culturel
Moyard Meuble
Newby Thé
Omega
Payot
Philip Morris
Profil Femme
Pro Infirmis
Richard Mille
RTS – La 1 ère
Sedelec
Sicpa
Sunrise
Swissquote
Switcher
Testuz
Transports Publics de la Région
Lausannoise
Voyages et Culture

Notes Théâtre Vidy-Lausanne Saison 2013-2014

Notes Théâtre Vidy-Lausanne Saison 2013-2014