Programme Saison Video 2006 - saison vidéo

SAISON VIDEO 2006
numéro trente

E d i t o r i a l
La Saison Vidéo 2006 est résolument anglaise. Des artistes originaires
de Brighton mais aussi d’Ascott, Bath, Bracknell, Cardiff, Cranleigh,
Exeter, Ilford, Keighley, Londres, Liverpool, Manchester, Newcastle…
nous ont adressé leurs films à la suite d’un travail de prospection
mené en partenariat avec la galerie Fabrica à Brighton qui en diffusant
largement l’information a été un relais efficace et attentif.
L’occasion est donnée de découvrir ces films, présentés pour la
première fois en France, sur tout le territoire du Nord-Pas-de-Calais.
Le programme POINT OF VIEW qui donne une lecture subjective de
la diversité des productions, inauguré l’année dernière, est poursuivi
cette année au LAAC (Lieu Art et d’Action Contemporaine) à
Dunkerque. Ce partenariat avec la Grande-Bretagne va se poursuivre
au-delà de cette Saison ; en octobre 2006, à Brighton dans le cadre
de la Biennale de la Photographie. Des programmes de films anglais
et français seront présentés conjointement.
Le LAAC accueille aussi un programme d’artistes qui renouvellent
dans leurs films la pratique du dessin. Celui-ci est conçu en vis-à-vis
du cabinet de dessins comme une version d’autant d’images en mouvement.
Il se poursuit par une interview consacrée à Jeanne Susplugas,
qui nous livre très expressément sa perception du corps.
Deux rencontres avec des artistes sont organisées. Camille Henrot
présente aux étudiants de l’IUT infocom à Tourcoing ses films et sa
conception du cinéma avec notamment ses derniers Room Movies.
Serge Le Squer interroge notre rapport à l’histoire avec Les pas perdus
au Lycée Jean Rostand à Roubaix. Le partenariat avec l’enseignement
supérieur est renforcé. À l’Ecole des Beaux Arts de
Valenciennes est projeté Silenzio de Christian Merlhiot dont on
pourra aussi apprécier Le Journal de l’Atlantique au Musée des
Beaux Arts et de la Dentelle à Calais. Un focus lui est à cette occasion
consacré. L’ERSEP à Tourcoing bénéficie d’un autre programme
anglais UNTITLED. L’ESAAT et l’Ecole Supérieure d’Infographie à
Roubaix, nouveaux partenaires de la Saison Vidéo, ont choisi l’une
des traversées de villes élaborées par des artistes PARCOURS # 1 et
l’autre MYSTERIES ARE BLUE, des films qui ménagent une ambiance
énigmatique.
Plus d’une cinquantaine de films sont ainsi à découvrir cette année
autour de programmes thématiques ou d’autres programmes composés
en concertation avec nos partenaires.
Mo Gourmelon
1

4 FEVRIER – 1 AVRIL 2006. ROUBAIX, ESPACE CROISÉ
GRAND PLACE - 59100 ROUBAIX - +33 3 20 66 46 93 - www.espacecroise.com
M I C H E L L E N A I S M I T H
EXPOSITION : DU MARDI AU SAMEDI DE 14 H A 18 H
vernissage le vendredi 3 février à 18 H.
2
I S E E T H E F A C E
L’Espace Croisé, Zoo Galerie et Videozarts à Nantes présentent
I see the face, exposition personnelle de Michelle Naismith, artiste
écossaise qui travaille entre Nantes et Glasgow. L’exposition est le
prolongement d’une première présentation à la Zoo Galerie en
octobre 2005. Utilisant principalement le médium vidéo, Michelle
Naismith élabore des univers fictionnels dans lesquels des personnages
singuliers voire baroques évoluent au sein d’environnements
urbains hyperréalistes. La plupart du temps immobiles, hiératiques,
les protagonistes de ses contes vidéographiques restent le
plus souvent silencieux. La narration s’y déploie en décalage du
jeu des acteurs (Puis je caresser l’espoir… 2004, Au revoir Moodle
Pozart, 2003) par le biais d’un sous-titrage ou d’une bande-son
omniprésente qui emprunte à des registres aussi différents que la
pop et la grande musique.
Pour sa dernière œuvre vidéo, Michelle Naismith a planté sa
caméra sur les collines d’Hollywood. Situé à la frontière entre
reportage people et fiction, I see the face, 2005 met en scène plusieurs
poncifs en vigueur dans les productions made in USA : le décor -
palmiers, piscine…-, les personnages - le scénariste, la productrice -,
sans oublier l’intrigue, axée sur la présentation d’un projet de film
comme il s’en conçoit et défait des dizaines dans La Mecque du
cinéma. Déviant le récit par une succession d’incongruités et de
détails insolites qui vient en ruiner l’illusion réaliste, I see the face
nous convie sur la scène de cet univers - impitoyable ? - de l’industrie
du film et de son corollaire, le show-business.
L’installation présentée à l’Espace Croisé inscrit cette réalisation
vidéographique dans un environnement qui se construit comme en
écho, lisse et cosmétique tel ce masque blanc et poudré qui orne
l’espace customisé “Côte Ouest”. À travers cette virtuose mise en
abyme de nos fantasmes de papier glacé, Michelle Naismith pose
un regard mi-amusé mi-désenchanté sur cet imaginaire formaté
par le star-system. Épinglant le cinéma comme art de l’artifice,
elle interroge subtilement nos propres pratiques, qui, du namedropping
à la consommation culturelle frénétique, influencent
l’art d’aujourd’hui. Cette dernière vidéo est mise en perspective
de travaux antérieurs.
Un catalogue est édité à cette occasion :
Michelle Naismith, Roubaix : éditions Espace Croisé, 2006, 64 p.
17 x 24 cm, bilingue
Exposition organisée dans le cadre de 3 en 1, programme européen
Interreg IIIA

6 - 12 FEVRIER 2006. SOLRE LE CHATEAU, VITRINE PAULIN
2 RUE DE BEAUMONT - 59740 SOLRE LE CHATEAU
P R E D R A G PA J D I C
EXPOSITION VISIBLE UNIQUEMENT DE LA RUE DE 19 H A 20 H 30
G A R D E N
Garden réalisé en 2003 est une projection en boucle. Le film présente
dans un condensé d’une dizaine de minutes les variations du jardin de
l’artiste qui se découvre comme le sanctuaire privé de sa nouvelle
demeure en Grande-Bretagne. Cet enregistrement capte pendant
douze mois et du même emplacement le changement des saisons. Ce
constat tout aussi poétique qu’implacable stipule symboliquement que
l’artiste tourne constamment le dos au passé, attendant l’advenue des
transformations dans son tranquille jardin. On connaît l’attachement
des Anglais à leur jardin. Ici, il ne s’agit pas de contempler et de jouir
de l’instant présent mais d’inscrire des mouvances sur la pellicule et se
laisser porter par ces éternels renouvellements.
4
exposition organisée en collaboration avec Cent lieux d’art
7 hameau d’Offies, F-59216 Dimont
+33 3 27 61 66 19, centlieuxdart@wanadoo.fr

9 FÉVRIER – 9 MARS 2006. TOURCOING, LE FRESNOY, STUDIO NATIONAL DES ARTS CONTEMPORAINS
22 RUE DU FRESNOY – 59200 TOURCOING – +33 3 20 28 38 00 - www.lefresnoy.net
T H I E R RY K U N T Z E L
EXPOSITION
L U M I È R E S D U T E M P S
L’art de Thierry Kuntzel vient, revient de très loin. De temps quasi
immémoriaux qu’il s’agit d’éclairer pour croire au moins les retrouver.
Ils composent autant de “blocs d’enfance”. Des blocs de temps à l’état
pur autour desquels l’imagination tourne et qu’il faut éclairer chacun
selon leur lumière. Ainsi se forment des lumières du temps.
Time Smoking a Picture : le temps qui se consume et part en fumée
libère des couleurs, une à une changeante et mêlées. Le temps que
l’image met à changer est aussi celui d’un suspens qui se matérialise
entre le déroulement lent d’une action minimale sur l’écran moniteur
(marcher, s’accouder, fumer) et d’innombrables pauses que la photographie
permet d’en extraire. L’action de la photographie, saisie dans
son rapport avec le mouvement qui de façon alternative l’anime et
qu’elle fixe, est ici cruciale dans l’invention de la vidéo : empilement,
effeuillage de Nostos II, face à face des deux photos de Nostos III, série
réanimée des huit portraits de Tu, image unique de Retour dans la
neige, soumise à la vibration plastique de particules de fiction.
Toujours il s’agit d’arrêter et de remettre en mouvement l’image,
comme The Waves en fait au visiteur l’invite interactive.
L’art de la vidéo est ainsi un art vivant des fantômes ; les temps qu’il
fait revenir sont également ceux des mots rares et d’autres images…
Raymond Bellour
5

JEUDI 9 FEVRIER 2006 À 10 H. ROUBAIX, ESAAT.
539 AVENUE DES NATIONS UNIES - 59100 ROUBAIX - +33 3 20 24 27 77
PA R C O U R S # 1
LA VILLE EST UN ESPACE MOUVANT DONT LES ARTISTES SAISISSENT
LES TRANSFORMATIONS ET CAPTENT LES BRÊCHES. ILS S’IMMISCENT
DANS LE FLUX DES PASSANTS ET LE RALENTISSENT.
6
Patrice Goasduff
31 Bd. Magenta
2004, 14 mn, production : 40mcube/Vivement lundi
Un film d’observation de l’espace urbain en mutation. C’est un
point de vue unique sur la transformation d’un parking en gigantesque
chantier qui donnera naissance à un bâtiment. Peu à peu le chantier
déborde de son périmètre pour modifier les habitudes et les comportements
de chacun. 31 Bd. Magenta est un film dont la matière
est une série photographique que j’ai réalisée pendant deux ans
depuis mon balcon, devant lequel s’est déroulée la construction
d’un bâtiment de l’architecte Christian de Portzamparc. 180 photographies
de cette série ont été présentées dans le cadre de l’exposition
Chantier public à Rennes en 2003. Dans une seconde
étape, cette série d’images, mises en film retracent la vie d’un
quartier et sa transformation par un chantier vivant et mouvant.
Entre technique lourde de construction et attitudes humaines, ce
film prend une dimension sociologique.
Patrice Goasduff

Annis Joslin
there there
2003, 2 mn
Une captation ordonnée et quasi obsessionnelle de panneaux
de signalétique urbaine tous bancals. Un rythme soutenu au
son d’un métronome.
Nick Jordan
Havanazephyr
2005, 6 mn 10
Un plan large sur la ville de la Havane écrasée sous la torpeur
introduit l’ambiance du film. Des plans successifs cadrent le même
coin de rue ou des linges aux fenêtres immobiles. Une attente
s’installe, mais de quelle attente s’agit-il ? Une ville sans habitant,
sans mouvement. Puis le vent se lève, et avec lui la caméra se
déplace, envisage le rivage. La ville réanimée est suspendue aux
déplacements réguliers des ventilateurs. Avec le souffle du vent, le
film rend palpable et visible l’air si difficile à définir.
7

Yu-Chen Wang
River Islington
2005, 4 mn 20
L’artiste remonte une rupture de canalisation d’eau et capte par
hasard cette fêlure urbaine nocturne. Cet écoulement habituellement
invisible est une force vive, un élément naturel empruntant
ses propres voies. Le film serait une sorte d’ode à la nature dans
un environnement qui ne la contient plus.
Spark
2005, 2 mn
La nuit toujours. Spark détient la même lumière que River
Islington. Des travaux sur une ligne de tramway livrent des images
d’ouvriers au travail en prise avec leurs machines, mais aussi des
étincelles flamboyantes irradiant la pénombre dans une résurgence
d’éléments naturels.
8

José Pedro Cortes
Platforms
2004, 4 mn 33
Les environnements urbains contemporains nous apparaissent
comme des zones de réalités multiples. Images en puzzle, ces
espaces sont de moins en moins attitrés à une simple histoire
définitive. La ville tend à créer le concept de la continuité
urbaine. Une scène banale de piétons circulant indifféremment
dans la rue. Les figures apparaissent subrepticement d’une alternance
d’obscurité et de lumières délicatement étudiée. Formes
anonymes elles révèlent la beauté de leur découpe. Tout ce que
nous voyons est familier, mais en même temps, pratiquement
inexistant. Le film enfreint la ligne de partage transparente et
imperceptible entre réalité et fiction.
Amy Sharrocks
Pause
2005, 8 mn 45
Des passants sont arrêtés au hasard dans la rue, il leur est demandé
de ne plus respirer devant la caméra… Cette intervention énigmatique
expose à la fois la diversité ethnique de la rue et isole chacun
dans un acte personnel qui le révèle, le suspend à ses limites et
l’abstrait du contexte ambiant.
9

MERCREDI 22 FEVRIER 2006 À 15 H 30. ROUBAIX, POLE3D - ÉCOLE SUPÉRIEURE D’INFOGRAPHIE
78 BOULEVARD DU GENERAL LECLERC - 59100 ROUBAIX - +33 3 28 38 93 80
M Y S T E R I E S A R E B L U E
UN PROGRAMME QUI IMPLIQUE LE CORPS DANS SA DIMENSION
FRAGMENTÉE OU FANTASMÉE ET PLUS GLOBALEMENT MYSTÉRIEURE…
Alexandra Sà
La Roda
2005, 3 mn 30
Alexandra Sà se met très souvent en scène dans ses vidéos. Dans cette
nouvelle trajectoire, elle tourne en rond dans un espace urbain vaguement
délimité faisant référence à une arène. Figure humaine ou animale, ou
les deux ? Incarnation d’un Minotaure ni poursuivant, ni poursuivi et
qui s’écroule dans cette indétermination. La discordance des sons
participe à cette irrésolution.
Oui
2004, 2 mn
Un Oui engageant qui se transforme en Non. Une bouche filmée en très
gros plan envahit l’écran prononçant un Oui sous plusieurs intonations.
Le son se désolidarise petit à petit de l’image qui continuant à esquisser
un Oui verbalise un Non de façon de plus en plus insistante, montrant
ainsi un décalage entre l’apparence, l’acquiescement continu, et la
pensée, qui elle, amorce petit à petit un refus dans un mouvement
contradictoire.
Alexandra Sà
10

Jeanne Susplugas
Come to me
2003-04, 1 mn 30
sound : Ramuntcho Matta
Cette vidéo, tout en étant un hommage à l’esthétique et aux poupées
érotisées d’Hans Bellmer, évoque des questions actuelles, préoccupantes
comme le clonage ou le développement technologique. Le film
commence par un gros plan sur un rideau de verre blanc. Le rideau
s’ouvre et donne à voir un corps monstrueux. Ce corps, doté d’une
double paire de jambes articulées d’une “boule de ventre”, avance
vers le spectateur. Ce corps renvoie aux manipulations infinies qu’on
lui fait subir. On le désire plus grand (pilule de croissance), plus
rapide (dopage), plus beau (cils qui doublent de volume, soutiengorge
rembourré), plus musclés (anabolisants)... Les limites de ce
corps sont sans cesse repoussées parfois, c’est le cas ici, jusqu’au
grotesque !
Jeanne Susplugas
Entretien p. 29
Tobias Sternberg
Atlas
2003, 5 mn 58
Soulever les bras tendus une grosse pierre aussi longtemps
que possible ; tel est l’enjeu de ce film. La caméra enregistre
la tension physique du performeur qui résiste puis
s’affaisse sous la lourde charge. Un acte qui revisite la
performance des années soixante et la mythologie sans
craindre une pathétique attitude machiste.
11

Houri der Stepanian-Abdalian
Hands Up Motherfucker
2005, 7 mn
production Le Fresnoy, Studio national des arts contemporains
Cette vidéo relate la performance réalisée avec André S. Labarthe
et Hraïr Hratchian qui a consisté en la synchronisation des altérations
dans la taille de l’image en rétroprojection avec le souffle du
comédien. Deux personnages se font face. L’un menace l’autre
d’une arme, le tient sous sa coupe, accuse des pauses. Le développement
technique a été assuré par Massimiliano Simbula et la performance
vocale revient à Julien Tarride.
Houri der Stepanian-Abdalian
Livingman
2005, 3 mn
production Le Fresnoy, Studio national des arts contemporains
Eléonore de Montesquiou
Narva-Irvangorod
2005, 6 mn
musique extraite de “tribute to Sun Ra” Francois Robert Lloyd &
Grégoire Garrigues
L’artiste filme un no-man’s land, zone limite de l’Europe entre
l’Estonie et la Russie. Les gens qui passent derrière le grillage sont
des Russes qui vivent en Estonie et qui ont le passeport de leur pays
d’origine. Ils vont faire leurs courses en Russie parce que c’est
moins cher et vivent de ce trafic. Il y a aussi ceux qui parviennent
à franchir cette frontière si difficile - parce que stratégique - qui
séparent les deux pays si lointains et si proches. La caméra répondant
aux stridences d’un son électrique s’approche de plus en plus gommant
le grillage.
Un homme est visé de coups de feu qui ne l’atteignent pas.
12

Agnieszka Kalinowska
Personal doping
2003, 7 mn
Une chaîne humaine traverse verticalement l’écran, filles et garçons
indifférenciés. Ils viennent de nulle part et n’ont pas de destination
plus définie. Tête en bas et de dos, ils glissent se tenant par les
pieds, dans une progression solidaire. Chacun relié et assimilé à
l’autre. Leur évolution mystérieuse est recouverte d’un chant de
grillons.
13

Camille Henrot
Metawolf
2002, 2 mn
Michelle Naismith
Palais de Justice (I choose also black)
2002, 14 mn
Au tout début du film une enseigne rose surplombe le toit du palais
de justice. Ambiance disco. Dans la nuit, cette lumière spectrale,
à la typographie élaborée et clignotante racole comme les entrées
de boîte de nuit. L’atmosphère du film est campée sans se soucier
de vraisemblance. Aux abords de cet édifice imposant, un œuf noir
doté de jambes déambule sans but apparent, personnage fantasque
empêtré et emprisonné dans une nuit trop longue. Dans cet
univers trouble et indéfini, des textes surgissent en bas de l’image.
Ce ne sont ni des sous-titres de dialogues absents, ni des commentaires
de l’action en cours. L’action est plutôt maigre, elle traîne
une lente progression dans la nuit. Ils introduisent une percée de
pensées moroses inspirées de l’univers de Soren Kierkegaard.
Images et textes se déroulent indépendamment. La relative lenteur
des images, leur quiétude - il ne s’y passe pas grand chose en définitive
- permet de s’imprégner à son aise des deux univers parallèles.
Le film est réalisé à partir de la bande 35 mn d’un film de sciencefiction.
Ce recyclage, ce réemploi crée une narration nouvelle
totalement libre qui réinterprète le scénario originel, lui donne un
nouvel essor et transporte ce film de science-fiction d’un genre
très codé et connoté vers le champ de l’art.
14

VENDREDI 3 MARS 2006 A 12 H 30. ROUBAIX, LYCÉE JEAN ROSTAND - BÂTIMENT AUDIOVISUEL
361 GRANDE RUE – 59100 ROUBAIX – +33 3 20 66 46 93
S E R G E L E S Q U E R
RENCONTRE AVEC LʼARTISTE
L E S P A S P E R D U S
IDEAL # 7 (Saison Vidéo 2005) rassemblait sans préméditation
Pas à pas, les arpenteurs, 2003, de Serge le Squer et La Colonie,
2004, de Vincent Roux. Serge le Squer nous apprenait que le
bagne d’Aniane filmé par Vincent Roux dans La Colonie faisait
l’objet d’un plan dans l’un de ses films précédents Les pas perdus.
Il ne nous en fallait pas davantage pour désirer voir ce film.
Les pas perdus de vingt-quatre minutes a été réalisé en 1999
pour son diplôme de l’Ecole Nationale de la Photographie à
Arles. Ce travail combine un arpentage des lieux et des recherches
aux archives départementales. Ce film interroge notre rapport
à l’Histoire. Il analyse la façon de rassembler et de parquer les
“indésirables”.
“Depuis 1940, le camp militaire Joffre, près de Rivesaltes,
contient une histoire de l’enfermement des “indésirables” sous
des appellations différentes : centre d’hébergement, d’internement,
de rassemblement, de séjour surveillé, de transit, de
rétention administrative. Cette histoire n’a jamais été celle
d’un centre, mais d’une dispersion acharnée, organisée, de milliers
d’individus coupables d’exister. Pour certains, la mort fut
au rendez-vous. Leur pas résonnent dans L’Histoire”.
Serge le Squer
15

LUNDI 6 MARS 2006 A 11 H. TOURCOING, ECOLE RÉGIONALE SUPÉRIEURE D’EXPRESSION PLASTIQUE
36 BIS RUE DES URSULINES - 59200 TOURCOING – +33 3 20 27 23 97
U N T I T L E D
CE PROGRAMME ÉMANE D’UN REGARD PORTÉ SUR LA CRÉATION ARTISTIQUE ANGLAISE DANS
LE CADRE D’UN PARTENARIAT (INTERREG IIIA) ENTRE LA GALERIE FABRICA, LA BIENNALE DE
LA PHOTOGRAPHIE DE BRIGHTON, L’ESPACE CROISÉ ET LA SAISON VIDÉO.
IL PRIVILÉGIE DES FILMS QUI METTENT EN JEU LE LANGAGE.
Michael Cousin
Suspicion
2003, 10 mn
Ce film fonctionne selon le mode de la supercherie. Une liste complète des activités
d’un homme placé sous surveillance a été confiée à l’ancien inspecteur en chef
Wallace. L’identité du “suspect”, qui s’avère être une célébrité ne lui a pas été
préalablement révélée.
À partir de ces données, il détermine et énonce la psychologie de la personne
“filée”.
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Markus Soukup
Support to fly
2004, 2 mn 30
Ce film d’animation est basé sur la retranscription
d’un rêve réel. Les images absentes sont relayées par
des mots, selon un script détaillé et découpé en
treize plans. L’apparition des mots, leur typographie,
leur différence de taille, leur défilé suggèrent les scènes
et font largement appel à l’imagination. Eux seuls ont
en charge le récit filmique, le positionnement des
objets et des personnages dans l’action en cours.
By two feathers
2004, 4 mn
Ce second film fournit la version visuelle du rêve, confrontée à l’animation
textuelle de Support to fly. Cette approche complète les projets
d’exploration et de traduction du rêve initial. Cette vidéo peut être comprise
comme une tentative cinématographique de traduction de la
mémoire du rêve particulier en un artefact audiovisuel. La narration de la
version vidéo a été étendue à une construction dans laquelle le rêveur
expérimente une histoire qui a trait à la façon de finir son travail artistique.
Les deux dernières plumes manquantes de sa sculpture acquièrent
une dimension symbolique.
17

The Miller and McAfee Press
Dear Linda Harrison
2005, 10 mn
18
James Stokes
Converse
2005, 10 mn
Cette vidéo est une étude de la notion de conversation comme moyen
de communication. “Converse” a, en anglais, deux significations. Il
peut vouloir dire s’entretenir avec quelqu’un et en second lieu l’opposé
de quelque chose. Dans la vidéo, l’artiste explore ces deux significations
dans un contexte précis. Converse met en présence deux
sujets : un homme et une femme qui se livrent à un jeu d’association
d’idées. Ils disent le premier mot qui leur vient à l’esprit en liaison à
un autre. Chacun est filmé séparément par une caméra placée devant
eux et qui les saisit en temps réel. Ils ne se situent pas dans le même
espace et sont chacun hors de vue de l’autre. Ils ne s’entendent pas.
Pour communiquer entre eux ils ont besoin d’un médiateur. L’artiste
lui-même joue entre eux un rôle de messager en passant derrière chaque
caméra. Il s’infiltre dans le jeu en transformant les réponses de chacun.
Andrew Miller et Duncan Macafee ont commencé à
travailler ensemble en 1999. En 2002, ils ont fondé le
label “The Miller and McAfee Press” sous lequel des
publications, des pièces sonores, des performances et
des vidéos sont produites. Dear Linda Harrison est un
travail basé sur un sondage national de consommation
(Linda Harrison en est la directrice) et les acteurs
jouent les rôles de Linda Harrison et du consommateur.
Ils sont filmés en plan très serré et partiel ; la femme
de face, l’homme de profil quasi anonyme. Le consommateur
parle à l’oreille de Linda Harrison lui révélant
les détails personnels de ses préférences de style de
vie, cochés parmi un choix multiple de propositions.
Celui-ci a répondu honnêtement aux options limitées
et définies des questions, livrant en fin de compte un
autoportrait assez imparfait. Quand il parle, elle est
éveillée ; quand il est silencieux, elle est assoupie.
L’intimité des acteurs dans leur proximité est contredite
par l’aspect aliénant de ce sondage.

DU 6 AU 11 MARS 2006. ROUBAIX, MAISON DES ASSOCIATIONS
24 PLACE DE LA LIBERTÉ - 59100 ROUBAIX - +33 3 20 73 46 64
L O O P S
DIFFUSION EN CONTINU LE LUNDI DE 13 H À 18 H, DU MARDI AU VENDREDI DE 9 H À 19 H, LE SAMEDI DE 9 H À 18 H
UNE RENCONTRE AVEC LE PUBLIC EST ORGANISÉE LE VENDREDI 10 MARS À 17 H
DES FILMS QUI TOURNENT EN BOUCLE ET DONNENT UNE AUTRE
APPRÉCIATION DU TEMPS ET DE NOTRE ENVIRONNEMENT DIRECT :
TRANSFORMER UN DÉTAIL EN PAYSAGE ABSTRAIT, SE LAISSER
SUBMERGER PAR LES ÉLÉMENTS OU PRENDRE LE TEMPS DE SAISIR
L’IMPERCEPTIBLE.
DES VISIONS QUI RELÈVENT AUTANT DE LA PRISE DE VUE QUE DU
PAYSAGE INTERIEUR.
Simon Warner
20
River Gauge
2004, 3 mn 10
Un point de vue fixe dans un port. La caméra, qui à l’origine frôle
l’eau, se trouve peu à peu immergée donnant l’impression au
regardeur d’être lui-même plongé dans cet environnement. La mer
reprend ses droits, noyant tout sur son passage : le port s’efface.
Il n’y a d’autres issues possibles que de contempler le nouveau
paysage aquatique envahissant que la mise en boucle fait revenir
incessamment.

Rashad Omar
I always seem to find myself here
2004, 8 mn 45
Russell Webb
Several Billion Years
2004, 26 mn 02
Ce film suggère la naissance et la mort d’une étoile, montrant
l’union de minuscules bulles, qui moussent et pétillent avec une
violence croissante jusqu’à se solidifier dans une seule masse pour
ensuite se désagréger. Les échelles sont ici renversées, nous ne
savons plus si nous nous trouvons face à l’infiniment petit ou au
gigantesque. Le cycle infini de la vie est mis en boucle et emprisonné
par la vidéo, médium tout puissant qui permet ici de saisir
l’intouchable.
Mes films arrivent souvent par accident, je peux me trouver dans un
endroit pour une toute autre raison et je remarque quelque chose,
je le filme et enregistre le son cela dans un laps de temps très
court. J’aime le fait que les choses que je filme puissent arriver
n’importe où. Je n’ai qu’à être là pour les capturer. Je fais le portrait
de lieux dans les limbes. Lieux en attente d’un événement, et
c’est là que je remarque ces minuscules détails. La lumière du
soleil et le vent sont très importants du fait qu’ils animent les
choses que je filme et qu’ils leur donnent de la vie et du caractère.
On n’y voit pas de gens, seulement des lieux par lesquels ils sont
passés ou alors les bruits distants de leur présence. Parfois, le film
traite juste des rayons du soleil sur des objets ou de sensations face
à un paysage.
Les sons apportent au film un contexte et donne l’impression de s’y
trouver soi-même.
Rashad Omar
21

MERCREDI 15 MARS 2006 A 13 H 30. TOURCOING, IUT B LILLE INFOCOMMUNICATION
35 RUE SAINTE BARBE – 59200 TOURCOING – +33 3 20 76 25 00
22
C A M I L L E H E N R O T
RENCONTRE AVEC LʼARTISTE
R O O M
M O V I E S
Les films que je présente sont tous fabriqués sur la bande 35 mn
d’un film commercial existant. En recyclant des films, j’oppose
une intervention individuelle à une image “publique”. Ainsi je
superpose deux fictions l’une sur l’autre. Le film final sera le résultat
de l’addition de deux modes de fabrication opposées, l’un technologique
(le tournage) l’autre artisanal (l’intervention sur la pellicule).
Ce parasitage d’un film déjà existant ne représente pas une critique
de l’industrie du cinéma. L’objectif n’est pas de rejeter le monde
du film “commercial” mais plutôt de l’absorber doucement, de
l’engloutir, comme on le fait des choses qui nous font envie. Ces
films sont une réponse du spectateur que je continue à être, y
compris, quand je les réalise (puisque pour dessiner sur le film, je
dois faire défiler les photogrammes un par un sur ma table
lumineuse).
“J’échappe à la nostalgie en faisant le film, même si le film est
nostalgique. Le cinéma provoque notre adhésion à un personnage,
à une histoire, suscite des émotions parfois intenses et nous abandonne
négligemment après la fin du générique. Ce qui s’y passe est
plus intense que dans le réel, souvent plus beau, de quel droit le
film nous abandonne-t-il ensuite à la réalité ? Mes films seront
une réponse à la domination qu’exerce le cinéma sur la vie.
Que devient le temps passé à être spectateur ? Je veux transformer
ce temps en expérience active.
L’expression “Home Cinema” contient une sorte de miracle : on a
enfin, à la maison et rien que pour soi, cette chose grande et
collective qu’est le cinéma. La suite pourrait être d’avoir chacun
un home Luna Park, un home musée, une home disco… Mais le
Home Cinema reste un des rares exemples d’intrusion d’un espace
collectif (le grand écran) dans un espace privé (le salon ou la
chambre) qui soit un peu démocratique.
Mon projet ROOM MOVIES se définit comme une parfaite réplique
de cette réalité : l’intrusion d’un individu anonyme dans l’espace
collectif et public qu’est le film.
Les films sont “home made” : la technique de grattage de la pellicule
permettant de faire des films à la maison (sans tournage, ni opérateur,
ni équipe). Ils ne se passent pas des moyens mais des habitudes de
fabrication du film.
En ce qui concerne le mode de diffusion, ce sont des “films de
chambre”, (l’expression “room movies” désigne les films expérimentaux
anglais). Les “room movies” ne sont pas conçus pour être
vus par un large public. Ils ne s’imposent pas et offrent la possibilité
de niveaux de lectures multiples. Ils sont “pour moi et quelques
autres”.
Ces films sont réalisés sans tournage et pourraient être fabriqués
par pure gourmandise, plaisir des yeux… Le point de départ serait
alors le même que celui du cinéma à grand spectacle “making food
for the eyes”.
Camille Henrot

JEUDI 16 MARS 2006 À 18 H 30. DUNKERQUE, LAAC
JARDIN DES SCULPTURES - 59140 DUNKERQUE – + 33 3 28 29 56 00 - musee@ville-dunkerque.fr
L O O S I N G M Y M I N D
DES FILMS QUI ALLIENT DES FORMES HYBRIDES DE REPRÉSENTATIONS
Mathias Delfau
Nous sommes tous des danseurs de disco
2001, 4 mn 21
En hommage à Fat Boy Slim et à tous les sons et images qui font
mon quotidien. Nous sommes tous des danseurs de disco est un
montage d’éléments récupérés subjectivement en vue de fabriquer
un film bavard qui n’aurait rien à dire. La musique a son propre
déroulement. Un clip n’a pas besoin d’histoire, il accepte la
succession de plans s’ils sont au service du rythme.
Ce jour-là, il y avait deux présents, un présent au ralenti dans la
station MIR, un présent en lecture normale sur terre et la musique
de Fat Boy Slim. Boum. Quand je vois une foule, je ne peux pas
m’empêcher de voir pleuvoir des bombes.
Mathias Delfau
Jooh
2004, 4 mn 48
avec Nicolas Ray
Le temps, pas celui de l’action, celui nécessaire à l’action ou pourquoi
15 secondes durent-elles 4 minutes ? Jooh, c’est confronter deux partitions,
celle du trait noir qui redessine inlassablement chaque image
de la scène, et celle de l’histoire ralentie aux limites de la compréhension.
Pour ceux qui ont manqué le début : d’un côté c’est Dancing Kid et sa
bande, de l’autre c’est Mc Ivers, le shérif et les volontaires du village.
La tension est à son comble, la diligence a été attaquée, le Kid est
soupçonné, mais il ne veut pas suivre le shérif, il dit qu’il n’a rien à
voir avec cette histoire… C’est ce moment que choisit Johnny Guitar
pour s’adresser au Kid et lui demander une cigarette. Puis il se
retourne, regarde Mc Ivers dans les yeux, et lui demande une allumette.
Mathias Delfau
24

Lansky
2002, 3 mn
Lansky est un petit bijou d’animation musicale. Grattés directement
sur la pellicule ce sont des points, des lignes floues, des circonvolutions,
des fantômes qui surgissent, disparaissent et reviennent...
Branding
2002, 3 mn
Des silhouettes, des cercles, des lignes comme inscrites au pochoir
se superposent, se disjoignent… Correspondances colorées d’une
musique tout autant électronique que lancinante.
Hey bonus
2003, 3 mn
Camille Henrot a réalisé un clip pour le groupe electro Octet (label
DiamondTrax). Elle est intervenue directement sur la pellicule.
Elle a superposé des dessins aux prises de vues et a animé des figures
à même le support filmique. Ce déroulé flou déborde de sensualité et
d’onirisme.
Dying living woman
2005, 10 mn
Camille Henrot
Dying living woman gratté sur pellicule utilise des images d’un film
très connu : La nuit des morts vivants, une référence dans le genre
du film d’épouvante. Dans le film original, une jeune fille est poursuivie
par une armée de morts vivants. Dans le film Dying living
woman, l’image de l’héroïne en fuite, Barbara a été effacée image
par image. Disparue mais semblable à une apparition, elle irradie
d’une lumière surnaturelle puisqu’elle n’est plus qu’une image
photographique. Le personnage de fiction est rejeté hors du film.
Il “apparaît” tel un fantôme mais ce qui est apparent c’est son
absence (qui révèle le support du film).
Ce qui est ainsi révélé est un ailleurs, une autre dimension
(l’image photographique renvoie à la fiction mais la tache blanche
a un élément hors-fiction : le matériau filmique).
Camille Henrot
25

Gilles Balmet
Story-board
2002, 3 mn
Story-board est une vidéo qui alterne les images d’une scène d’arrestation d’un jeune voleur d’une paire de basket avec des dessins proches
de ceux que l’on peut trouver dans les story-boards de cinéma. Le montage des images est assez rapide et montre tout au long de la vidéo
une image dessinée de la scène puis son pendant, capturé dans le réel par ma caméra. L’intérêt de la vidéo réside dans le fait que la séquence
vidéo a été tournée en premier et donc, que son story-board a été réalisé à la suite par mes soins. La vidéo constitue l’inversion du processus
créatif classique et jette le spectateur dans le trouble en lui faisant croire à la reconstitution par des acteurs d’une simple scène d’action.
La séquence en question montre l’arrestation d’un jeune voleur par le vigile d’un magasin et la confrontation qui suit avec des spectateurs
de la scène. Ils n’ont pas remarqué que le voleur mime un état de manque en se roulant par terre pour les prendre en pitié et ils s’en prennent
au vigile en croyant qu’il a maltraité le jeune voleur.
J’ai filmé cette séquence d’un balcon en m’improvisant journaliste-reporter. Le caractère théâtral des visages des “acteurs” de cette terrible
scène m’a mis sur la voie du story-board et du plaisir de lier vidéo et dessins tout en interrogeant le spectateur sur le statut et la “réalité”
d’une image.
Gilles Balmet
26

Jeanne Susplugas
For your eyes
2005, 3 mn 43
Music : Ramuntcho Matta
En gros plan, de grands yeux orange étonnés nous regardent.
Ce sont des yeux en plastique, ceux d’une poupée. Elle cligne des
yeux. Ce clignement ouvre une scène, une courte animation dans
laquelle une petite fille brandit un animal ensanglanté. Avec ses
couettes blondes et son petit short sexy, elle sourit avec satisfaction.
Puis à nouveau, gros plan sur les yeux de la poupée. Cette fois,
deux grands yeux verts regardent de côté. Légèrement inquiète,
elle cligne des yeux et une nouvelle scène s’ouvre. Une petite
fille innocente, armes à la main, découpe de petits poussins noyés
dans le sang. Ces animations, réalisées à base de dessins, jouent
du contraste. Contraste technique, puisque à l’intérieur d’un
même dessin, des styles différents cohabitent, allant du graphisme
acidulé, parfois proche du dessin d’enfant aux mangas. Contraste
émotionnel entre innocence et cruauté. Quatre animations
s’enchaînent, scandées par des clignements d’yeux. Celles-ci,
apparemment coquines, espiègles, amusantes et séduisantes,
révèlent vite des détails inquiétants. Elles évoquent des thèmes à
la limite du tabou tels le suicide, la violence envers les enfants…
Jeanne Susplugas
Emma Hart
(title at end of video)
2004, 2 mn
Un regard fixe profond en plan très rapproché, s’absorbe à une
tâche qui ne sera révélée qu’à la fin du film…
Entretien p. 29
27

Jenny Mellings
For your eyes
2003, 12 mn 27
Le point de départ est une gravure représentant la Lune réalisée par
Claude Melan au seizième siècle. Elle appartient à la collection
Cotonian du Musée des Beaux-Arts de la ville de Plymouth. Crisium est
réalisé selon les procédés de l’animation à l’aide de dessins à la craie
et au charbon appliqués sur des photos agrandies et sur d’autres supports
comme des fragments de gravures, ou encore les propres prises
de vue de l’artiste. Le support d’origine est parfois totalement recouvert.
Le film présente un voyage imaginaire sur la Lune. Son esthétique est
donc influencée par des gravures du seizième siècle représentant la
surface de la Lune. Dans cet univers étranger constitué de cratères et
de pâles paysages désertiques apparaissent des projections familières
d’éléments terrestres. Ces images qui peuplent cette planète illustrent
l’intériorité de chacun face à un milieu méconnu ici figuré par la Lune.
28

Jeanne Susplugas
à la limite
Mo Gourmelon : L’ambiance de For your eyes est douce amère. J’ai en
tête un dessin d’Alain Séchas. Dans la famille Les chats : le père
Peace, la mère Love et les enfants Murder, Suicide, Bitch, Gore… Un
sarcasme, un rire jaune. Ton film associe également la candeur à la
violence…
Jeanne Susplugas : C’est amusant que tu me parles d’Alain Séchas car
je l’ai rencontré hier à un dîner et j’ai beaucoup aimé discuter avec
lui !
J’essaie toujours dans mon travail de me placer à la limite des choses.
Que ce soit dans les dessins, les photographies, les installations ou la
vidéo, il existe souvent un aspect séduisant au premier abord, engendré
par les couleurs, la sensualité, les formes douces et arrondies… mais
au second, les images que j’offre à voir se changent en quelque chose
de beaucoup plus inquiétant.
Dans ce film, mêlant vidéo et animation, les protagonistes – fillettes
un peu étranges – sont séduisantes et innocentes. Deux caractéristiques
que l’on associe précisément et communément à cette époque
de la vie. Mais finalement chaque petite scène se révèle cruelle et sanglante.
Ici, on pourrait en effet faire une sorte d’analogie avec les prénoms
d’Alain Séchas, deux des petites filles pourraient être Murder, l’une
Suicide !
Même si j’aborde des thèmes pas toujours très drôles, j’essaie de les
traiter avec un soupçon d’humour, voire de cynisme.
Très souvent les spectateurs rigolent face à ce film, notamment lors
du gros plan sur les jambes poilues d’une des jeunes protagonistes !
MG : Ce film ne me fait pas spécialement rire peut-être parce que
j’écoute avec beaucoup d’attention les paroles de la chanson. Le
lancinant Nobody cares quelle que soit la tentative d’épanchement
avoue un insistant sentiment de solitude et cela malgré les dessins
29

apparemment réjouissants. Ces yeux de la poupée de couleurs
différentes qui s’ouvrent et se ferment jouent aussi le rôle d’un
couperet.
JS : Non il n’est pas spécialement drôle, mais il me fait rire ! enfin
ça dépend des moments ! Si on le regarde vraiment en écoutant la
musique et les paroles, alors il est franchement déprimant.
Je voulais qu’une chanson soit spécialement écrite pour ce film.
J’avais déjà collaboré plusieurs fois avec le compositeur Ramuntcho
Matta, avec qui j’entretiens par ailleurs une relation privilégiée,
pour des sons et installations sonores. Dans les années 80, il s’est
fait connaître, entre autres, grâce à des tubes pop qu’il a écrit et
composé. J’avais envie qu’il renoue avec la chanson et je savais
que cet univers lui plairait. On a beaucoup parlé de ce que je voulais
et de ce qui devait se dégager. Il a parfaitement collé à ma
demande. Il est parti de phrases que je prononce quasi-quotidiennement
! Car j’ai souvent l’impression que “nobody cares, nobody
cares”.
Paroles qui révèlent un sentiment certain de solitude ; solitude qui
transparaît de manière récurrente dans mon travail. En 1999, par
exemple, j’ai fait une vidéo intitulée Solitude. C’est un gros plan
sur un médicament qui tombe dans un verre d’eau et qui se dissout
lentement dans un bruit familier, comme un chuchotement. On
sent la solitude liée à la maladie car finalement, dans la douleur,
on est toujours seul, face à soi-même. Cette solitude est aussi présente
dans bien d’autres vidéos telles The bath, In the plane ou encore
Remote.
Les yeux de la poupée s’ouvrent et se ferment, rythmant ainsi les
mini narrations. Ce sont des histoires courtes, des rêves, des
fantasmes, des sortes de carnets intimes. Ces yeux de couleurs
différentes appartiennent-ils à la même ou à différentes fillettes ?
Traduisent-ils différentes humeurs ou sont-ils l’expression des différentes
facettes de nos personnalités ?
30
MG : Tu considères Come to me, 2003-04, comme un hommage à la
poupée d’Hans Bellmer. En plus de cette indéniable référence, je
pense aussi aux Videofreex de David Cort, 1973 qui selon des

manipulations propres au matériel vidéo de l’époque et parfaitement
expérimentales, qui m’échappent, parvient à formuler des
figures grotesques. L’ambiance est plus cavalière, mais me fait
aussi rebondir sur un de tes dessins : Triplet, 2004. Le corps érotisé
de la femme est sans visage. Le corps démantelé est présent dans
ton travail, tu m’as aussi évoqué ton intérêt pour l’univers
d’Annette Messager…
JS : Oui la référence à Bellmer est évidente. J’aime beaucoup son
travail sur la poupée, cette ambiance à la fois ludique et perverse.
Come to me est une sorte d’hommage à la poupée de Hans
Bellmer. Forme plastique par excellence, la poupée est ici une chimère
: corps de poupée et de femme, fragmentés, reflétés dans un
miroir à l’horizontale, déployant sa théâtralité par la levée d’une
porte de verre qui devient rideau de scène. Femme et
poupée/baudruche se mêlent et se reflètent recréant la fameuse
“boule de ventre” de Bellmer dont il a théorisé l’application –
boule qui lui a été inspirée par le mécanisme de poupées en bois
du XVI e siècle découvertes au Kaiser Friedrich Museum de Berlin.
L’une des poupées a deux bassins et deux paires de jambes. C’est
cette poupée en particulier qui est prise pour référence, évoquant
la sensualité, la sexualité, la femme et ses paradoxes, ses ambiguïtés.
C’est intéressant que tu mettes mon travail en relation aux années
70 ; années que j’affectionne particulièrement. Je n’avais jamais
fait le rapprochement avec les recherches de David Cort et de son
groupe New Yorkais Videofreex. Mais c’est vrai que leur langage
pictural, totalement expérimental grâce au nouveau médium de la
caméra vidéo est aussi lié à mon univers. Face à des séquences
comme Expanding body parts, je me retrouve dans un univers
familier : ce gros corps sur ces toutes petites jambes et cette
jambe à la place du nez !
Le corps démembré, disloqué, décousu, m’a toujours fasciné.
C’est une des raisons pour laquelle je me suis fortement intéressée
au travail d’Annette Messager car je retrouvais dans son travail
beaucoup de choses proches du mien.
Ce corps en morceaux ou rafistolé est omniprésent dans mon travail.
Il est présent depuis toujours, surtout sous forme de métaphore
avec l’utilisation à outrance du jouet. Les barbies se retrouvent avec
des têtes de chiens en peluches, les ours avec des têtes de poupées…
Du ludique, il s’érotise dans Made in Japan (c’est une série de photographies
réalisée au Japon, à partir de porte-clés). Le corps est toujours
montré en morceaux, en gros plan. Déformé.
Mais c’est sûrement dans le dessin que ce corps se transforme le plus
car ce médium permet une grande liberté. Mes dessins oscillent entre
grotesque – la série des Petits monstres est issue de l’imagerie médiévale
où humain et animal se mêlent, fantasmagorique, cru, sanglant, mais
aussi sensuel voire érotique comme tu le soulignes. Dans Triplet, les
corps sont sans tête et s’emboîtent comme un corps unique. Pour moi
ce dessin est très poétique, l’ondulation des corps suggère une musique.
Beaucoup de mes dessins tournent autour de ce corps que l’on pique,
que l’on découpe, que l’on pend, que l’on électrocute… Mais la plupart
du temps avec une certaine distance et une forme d’humour !
31

32
En fait, le corps même absent est toujours présent – comme dans
tous les travaux que j’appelle “aliénation”. Quand je travaille sur
le médicament, c’est du corps dont je parle. Ce corps malade, ce
corps des XX e et XXI e siècles ! Ce corps que l’on soigne, que l’on
vitamine, que l’on maltraite, que l’on corrige, qu’on lipo-suce,
que l’on botoxe !
Dans La maison malade ou Salle capitonnée, le corps est partout,
derrière toutes ces boîtes collectées auprès des hôpitaux, de particuliers…
qui ont circulé de main en main. Ou encore derrière ces
coussins transparents qui suggèrent toutes nos obsessions pour
nous rendre mieux, plus “beau”, plus jeune… qui évoquent nos
rituels quotidiens.
Finalement, quel que soit le médium, c’est de la même chose dont
je parle.
MG : La modification du corps est au cœur de tes préoccupations…
JS : Mais ce fantasme du corps modifié n’est pas nouveau puisque
depuis toujours, l’Homme a cherché à se transformer - déformation
du cou et des épaules (les femmes Padaung en Birmanie), des
pieds en Asie… La meilleure représentation de ce fantasme se
matérialise en “nos” super-héros . Car ceux-ci sont bien des êtres
sans intérêt particulier qui se muent en d’incroyables créatures
dotées de pouvoirs exceptionnels ! Ou encore anti-héros, puisque
le Frankenstein de Mary W. Shelley du début XIXe est l’incarnation
même du fantasme de toute-puissance ! Dans Come to me, ce
corps/baudruche n’est plus que partiellement humain. Cet être
monstrueux se pose en réaction aux délires de la biotechnologie
qui pousse sans cesse les limites du corps. Interventions de nature
mécanique visant à améliorer la vie ou de nature esthétique
– augmentations mammaire, ponctions de graisse… ou encore corrections
du nombril ! L’homme ne cherche donc pas seulement à
rétablir un état “naturel” mais à élever le corps au-dessus de ses
propriétés naturelles. Le jeu de miroir qui dédouble les paires de
jambes pose quant à lui la question du clonage. Ce corps érotisé,
théâtre de manipulations illimitées avance au ralenti : que deviendrons-nous
?
MG : La dimension érotique du corps est particulièrement jouée
dans Dissolution…
JS : Oui c’est vrai, dans Dissolution le corps est érotisé. Un jour, à
l’étranger, je découvre ce produit – c’est un dissolvant – et je suis
tout de suite fascinée par cet objet que je trouve complètement
incongru, étonnant et drôle. Dans le film, on voit juste les mains
d’une femme aux ongles rouges. Ces doigts plongent un par un dans
un pot de manière très sensuelle, voire hypnotisante. La métaphore
est évidente. Mais tout au long de cette sorte de narration, je pose
des questions sur la place de la femme et de la relation à l’autre
sexe ; de solitude – celle de la femme confuse dans son rôle de
femme, entre acceptation et refus.
Le choix de la couleur rouge est significatif. C’est la couleur de
l’amour, de la fatalité mais c’est aussi la couleur du sang. Ce rouge
renvoie au corps, au rythme qui lui est chaque mois imposé. Il renvoie
à la vie et à la douleur. C’est un film sensuel et séduisant mais
aussi très froid et très violent… tout en étant une ode au plaisir.
entretien réalisé en juin 2005

MERCREDI 22 MARS 2006 A 13 H 30. TOURCOING, IUT B LILLE INFOCOMMUNICATION
35 RUE SAINTE BARBE – 59200 TOURCOING – + 33 3 20 76 25 00
W H AT ’ S A B O U T
UTILISER LE MÉDIUM VIDÉO
Ellie Rees
She
2003, 3 mn 10
Elvis Costello entonne de sa voix sirupeuse She : “She/May be
the face I can’t forget./… May be the beauty or the beast./…
May turn each day into heaven or a hell/… A smile reflected in
a stream… She may not be what she may seem/ Inside her
shell…”. Face à l’écran, immobile et impassible, l’artiste se
livre à une libre interprétation des paroles. Ce classique de la
séduction féminine fantasmée est revisité par l’artiste dans un
autofilmage qui ne craint pas la défiguration…
Erica Scourti
Trailers I, II and III
2004, 2 x 2 mn
Les trois films sont réalisés à partir de bandes-annonces de
cinéma. Dans un flot continu et agressif, sans nuance, le nouveau
montage d’Erica Scourti propose une narration qui pointe
le formatage du langage cinématographique. Chaque message
emprunté à des annonces de films différentes s’enchaîne sans
distinction ni rupture.
33

Nick Jordan
Fury
2003, 5 mn
34
Le film débute par des images d’un village français et insensiblement
la caméra pénètre dans une maison. Une jeune femme à la
fenêtre matérialise la lisière entre l’intérieur et l’extérieur et
ponctue ce point de vue classique. Une scène paisible, la jeune
femme est endormie. Des mouches s’affairent autour de restes et
d’ustensiles dispersés sur la table. Les cigales chantent. Mais peu
à peu dans cette “nature morte”, aux fruits rutilants, les mouches
sont menacées par une lutte pour leur survie. Certaines d’entre
elles s’esquintent déjà sur un ruban adhésif suspendu au plafond
comme une potence avant de périr. Le film a gagné son titre Fury,
comme Havanazephir, p.7, qui tire son nom de la marque du ventilateur.
Dans son film Nick Jordan utilise comme point de départ
un élément de la vie de tous les jours. Il observe une scène a priori
banale et lui insuffle une dimension dramatique. D’une apparente
simplicité, ce film est tout sauf anodin.
Cécile Paris
Bianca
2002, 3 mn 18
Dans Bianca, le skateur glisse devant la caméra dans une lumière
crépusculaire, saute de son skate et s’en va en courant. Il y a toujours
un flottement puis une accélération finale… Cette disparition
de la figure à la fin du film est une récurrence dans les dernières
productions de Cécile Paris. “C’est cette idée d’entrer dans un
autre monde que le changement de rythme amène, le skateur de
Bianca s’enfonce dans la nuit pour ne devenir qu’un point blanc.
Il quitte la représentation figurative pour aller vers une forme
d’abstraction, un point blanc sur fond noir. Ce sont les limites de
la vision qui sont posées là aussi tout simplement. Et l’accélération
arrive toujours avant la chute, la disparition”.
Cécile Paris, extrait d’un entretien à paraître

Luke Marsh
Switches,
20 , 7 mn 20
Le film d’animation de Luke Marsh développe un espace imaginaire
et un récit autour de la notion d’interruptions. L’interrupteur est
une métaphore. Être connecté, déconnecté ; entrer, sortir ; s’arrêter,
démarrer ; toute action est suivie d’une pause. Le glissement d’un
espace à un autre soutient une réflexion sur un mode interrogatif
où il est avant tout question de filiation.
Ilka Schulz
Europacup
2005, 7 mn
Le 29 mai 1985, la Juventus de Turin rencontre l’équipe de
Liverpool au stade Heysel à Bruxelles, en coupe européenne. Le
bilan est lourd : 39 morts. Vingt ans plus tard, en 2005, Liverpool
rencontre une autre équipe italienne Milan toujours en coupe européenne…
Des images fixes, des noirs, des textes s’entrecroisent et
des enregistrements médiatiques de 1985 sont plaqués sur des images
de 2005. Tout au long du film une tension est ménagée en réactualisant
une rencontre sportive qui a précédemment tourné au
drame. À tout moment le même débordement peut resurgir.
35

JEUDI 23 MARS 2006 A 15 H. VALENCIENNES, ÉCOLE SUPÉRIEURE DES BEAUX ARTS
132 AVENUE DU FAUBOURG DE CAMBRAI - 59300 VALENCIENNES - 03 27 22 57 59 - eba@ville-valenciennes.fr
C H R I S T I A N M E R L H I O T
S I L E N Z I O
36
Silenzio (2005, 75 mn) de Christian Merlhiot n’est pas un film parlant
pas plus qu’un film muet. C’est un film au cours duquel l’échange
de paroles ne constitue pas l’essentiel. Une fillette à l’orée de
l’adolescence atterrit seule à l’aéroport de Fukuoka. Dès les
premières images plane une dimension onirique. Un jeune garçon
la rejoint et la mène à la résidence de son père, au sud de l’archipel.
Ils ne partagent pas de langue commune. Cependant voyager
ensemble forge entre eux des formes de connivences de plus en
plus élaborées. La fillette lit dans un train, il glisse incidemment
dans son livre ouvert une peau de banane qu’elle saisit imperturbable
tout en continuant sa lecture. Cette subtile approche n’est
qu’une amorce d’une intimité partagée qui, à la fin du film, trouve
son apogée dans la quête des arbres sacrés à Yakushima. Ensemble,
d’un pas accordé et déterminé, ils cheminent rattrapés épisodiquement
par la brume ; unis tout autant que dissous. Le corps
incliné, les mains pressées contre les troncs ; le voyage ne se limite
plus à l’atteinte d’une destination. Il recouvre une communion
quasi-initiatique. Cet accord se libère graduellement. Une traversée
en bateau, en plan serré, rapproche les deux personnages. “J’ai besoin
de te voir sourire, de t’entendre rire”… égrène le jeune homme,

le livre de l’adolescente à la main. L’élocution s’avère tout
d’abord à peine compréhensible. Elle est corrigée, ajustée et en
définitive comme traduite par la fillette. En reprenant possession de
sa langue, c’est elle qui cette fois montre le chemin et qui délicatement
guide le jeune homme. Ce n’est pas la première fois que
Christian Merlhiot filme au Japon. Cet instant “hors de la langue”
et rétabli par la fille fait écho au film Le voyage au Japon réalisé
en 1999. Des étudiants japonais lisent phonétiquement des textes
français qui dépeignent leur pays, sans pouvoir les décrypter. Ces
lectures s’éloignent autant de notre langue que de la réalité du
pays décrit. Christian Merlhiot s’attache ainsi à de purs instants
flottants. Le jeune homme qui déchiffre quelques lignes du livre de
l’adolescente sans préméditation s’aventure sur un terrain qui
n’est pas en jeu entre eux. Il est rattrapé à son insu par quelques
mots qui lui échappent. Plus loin vers la fin du voyage, en attendant
l’arrivée du père, la fillette écoute de la musique sur le pas
de la porte. D’un geste contrariant, le jeune homme éteint. Elle
rallume. Il réagit à la musique et se met à danser. C’est elle qui
éteint. S’instaure un jeu : l’adéquation du corps du jeune homme
qui s’ébranle sur la musique et se fige sans le son comme une
résurgence d’un chassé-croisé du jeu enfantin “un deux trois
soleil”. L’écart des personnages se lit entre le balancement balbutiant
du corps de la fille encore trop jeune pour organiser sa sensualité et
les déplacements chorégraphiés du jeune homme, maîtrisés. C’est
en l’absence de paroles que le corps se délie et cette réjouissance
est communicative.
MG

MERCREDI 3 MAI 2006 A 16 H 30. CALAIS, MUSÉE DES BEAUX-ARTS ET DE LA DENTELLE
25 RUE RICHELIEU - 62100 CALAIS – 03 21 46 48 40
C O M E A S Y O U A R E
DES PORTRAITS FILMÉS : DÉPLACEMENTS, CONFRONTATIONS...
Armelle Aulestia
Trump Tower
2004, 6 mn 30
Trump Tower est agencé selon un ballet de mouvements et de croisements
dans les différents plans de la scène : la profondeur (avec la déambulation
des visiteurs), la largeur (à l’arrière-plan, avec la circulation
urbaine), complétées par les deux portes à tambour vitrées qui font
tourner l’espace à 360° sur lui-même. Le caractère de mise en scène
propre à ce petit mélodrame ready-made en deux parties est souligné
par un changement d’ambiance musicale. La première partie présente
une conversation animée entre deux personnes, qui se conclut de
manière plutôt véhémente. La seconde partie est un retour à la solitude
et à la mélancolie du portier du Trump Tower.
Armelle Aulestia
38

Cécile Paris
Le doorman
2005, 4 mn 30
Le bel été
2004, 10 mn
Mon scénario était d’imaginer des majorettes dans un autre contexte
que celui de la rue, celui du défilé. J’ai pensé cette séquence sur
une route de campagne. Elles sont comme tombées là, perdues. C’est
la raison pour laquelle elles marchent normalement malgré leurs costumes.
C’était difficile à réaliser, à croire que ce costume et le fait
d’être ensemble renvoient automatiquement aux pas qu’elles connaissent.
J’ai dû leur expliquer mon “histoire” et puis à force de recommencer
les prises, elles sont devenues naturelles, elles ont réussi à
oublier la caméra, le contexte et leurs costumes. C’est ce moment
que j’ai gardé, d’ailleurs elles ont l’air fatiguées et c’est vrai, il faisait
très chaud et ce tournage était dur pour elles. Quand je parle
de libération, c’est par rapport à la contrainte du spectacle, celui des
mouvements et de la performance qu’elles doivent réaliser quand elles
défilent. Là, c’est plus une marche simple, où le groupe et la chorégraphie
ne les contraignent plus.
Cécile Paris, extrait d’un entretien à paraître
J’ai travaillé avec Jim Hale autour d’un scénario qui tient en une
ligne : un doorman, en uniforme marche le long de Battery Park (une
promenade touristique à New York). Le soleil se couche et cet
homme décide sans raison apparente de laisser tomber sa veste
avant de quitter le champ de l’image. Jim s’est vraiment emparé du
rôle, il a projeté plein de choses personnelles sur cette veste abandonnée
au sol. Ensuite avec les images, j’ai repris ma collaboration
avec Renaud Rudloft, musicien. On a travaillé par mail, je lui ai
décrit l’ambiance, les couleurs, le rythme de la marche la durée et
des qualificatifs comme western urbain… Renaud a composé à Paris
une première ébauche, me l’a envoyée et j’ai pu travailler sur le
montage en fonction de cette musique.
Cécile Paris, extrait d’un entretien à paraître
39

Christian Merlhiot
Journal de l’Atlantique
1995, 26 mn
F o c u s
Ce journal est filmé le long du littoral français entre la Belgique et
L’Espagne. Il confronte des descriptions de bunkers allemands du
“Mur de l’Atlantique” et des portraits d’habitants de l’arrière-pays.
Est-ce l’absence de paroles qui nous autorise à y apposer les nôtres ?
Le Journal de l’Atlantique, filmé en noir et blanc, se déploie tel un
soubresaut de plans percutés. Ils défilent sans répit comme les archives
d’un paysage sur le point de disparaître et qu’il serait urgent de retenir.
Le film de Christian Merlhiot s’attaque à cela : la mémoire. Il semble
répondre à l’impératif d’une impulsion qui ne nous est pas révélée.
Mais l’invention d’un film est davantage soutenue par sa forme que par
son intention. De la Mer du Nord à l’Atlantique un périple insatiable
est entrepris. Systématiquement la caméra heurte, cogne comme ces
vagues qui courent ou se déchaînent sous le vent. Aucun bunker édifié
le long de cet insensé “mur de l’Atlantique” n’est épargné. Ils sont
tous évalués à l’identique, d’après un relevé scrupuleux, méthodique
et exhaustif malgré la transformation sensible du paysage à chaque
prise. La caméra est engagée dans une lutte âpre avec les éléments.
Le Havre, ville rasée pendant la deuxième guerre mondiale est livrée
selon les axes orthogonaux de l’urbanisme de sa reconstruction emblématique.
Ce type de pause qui exclut tout sentimentalisme est une des
rares exceptions du film. Le parti pris d’images en saccades se déroule
le long du vaste territoire littoral avec l’urgence de ne pas s’attarder
et de s’en tenir strictement à la poursuite inextinguible de l’itinéraire
répertorié. L’apparition soudaine de la Pointe Saint Mathieu ravive
des mots entendus et si souvent répétés : “En face c’est l’Amérique”.
À Brest, plus qu’ailleurs s’inventer un avenir tenait de la nécessité.
Aller de l’avant cet impératif inculqué est directement éprouvé
par le film. Le long de ce littoral inouï entre Belgique et Espagne
le cheminement haletant façonne un rythme appuyé et soutenu.
Toute la détermination de ces images ne supporte aucun arrêt. Le
voyage de retour moins exalté s’accorde un répit dans la saisie de
portraits d’habitants de l’arrière-pays. L’enregistrement fixe évalue
d’autant mieux l’aspect temporel du portrait filmé. Les individus :
hommes, femmes et enfants de tous âges accordent à la caméra
quelques instants ni suspendus, ni dérobés. La diversité de ces
visages animés et discrets constitue un pendant régénéré à ces
architectures défensives imposantes et uniformes : stigmates
bétonnés dont la caméra déduit peu à peu et d’un édifice à l’autre
la dissolution dans le paysage. “Seul celui qui a du mal à parler a
besoin d’un journal”, (Aharon Appelfeld, Histoire d’une vie, 2004).
Le Journal de l’Atlantique dans son absence de paroles et sa mouvance
exhale une grande pudeur. Le film éprouvé par le corps définit
des formes abruptes et se focalise sur le mouvement de l’image.
Les bruits de pas scandent l’arpentage de la côte et la respiration
palpitante soutient l’existence des portraits. Le Journal de
l’Atlantique est habité d’un présent brûlant prompt à une quête
qui sans viser l’éternité l’ébranle.
MG
40

MERCREDI 3 MAI 2006 A 20 H 30. LILLE, CENTRE D’ARTS PLASTIQUES ET VISUELS
4 RUE DES SARRAZINS - 59000 LILLE – 03 20 54 71 84
1 + 1
DANS UN NUMERO PRÉCÉDENT CONSACRÉ AUX “CORPS CÉLESTES”, (SAISON VIDEO N°23), DES
DUOS D’ARTISTES ETAIENT ENVISAGÉS SELON L’ANGLE POSSIBLE DU DUEL. ICI IL S’AGIT DE LE
PENSER EN TERME DE “NARRATION ENRICHIE”. L’OCCASION DE RETROUVER FRANCK TURPIN,
MAIS CETTE FOIS ASSOCIÉ À FRÉDÉRIQUE LECERF ET DE POURSUIVRE L’EXPÉRIMENTATION
AMORCÉE AVEC LES JEUNES ARTISTES BÉNEDICTE FOUQUE ET PERRINE BUTZ, LA SAISON
DERNIÈRE, AU MÊME ENDROIT.
Frédérique Lecerf & Franck Turpin
Fantasy
2005, 30 mn
Fantasy est un film réalisé lors d’une résidence au “Once Upon a
Time art foundation château” de la Napoule. À travers cette nouvelle
collaboration, le film constitue une poursuite du travail de
Frédérique Lecerf mais un déplacement pour Franck Turpin. En
effet, pour la première fois il ne collabore pas avec son jumeau et
part en résidence. Ce film recèle d’accords, de sympathies et de
défiances. Frédérique Lecerf relate la collaboration avec les écrivains
résidants, livrant leur expérience du lieu dans lequel se
déplacent en harmonie, s’évitant pour mieux se retrouver, les deux
artistes.
42

Fantasy
Fantasy a été élaboré à la suite d’un projet de “cachotteries sans
visage”, lié entre autres à ce que nous vivions chacun dans notre
vie. Puis sur place le projet a évolué. Le château nous a semblé de
manière évidente le décor de cette narration. Narration de deux
personnages aux visages cachés qui se ressemblent tout en étant
tellement différents et qui donne lieu à des passages, des déambulations,
des croisements, des mystères...
Nous avons demandé aux résidents écrivains et anglophones de
collaborer par des textes à cette narration visuelle. Nous étions
onze résidents de nationalités différentes et étions les deux seuls
français. Les cinq écrivains anglophones ont donc collaboré : certains
en écrivant spécialement des textes liés aux images et d’autres liés
au château et à leur propre résidence d’écrivains.
Mariko Nagai, japonaise et écrivaine anglophone de fiction, avait
une voix grave et incroyablement belle. Nous lui avons demandé de
faire le voice-over de tous les textes. Son anglais est juste mais
avec un petit accent ni anglais ni américain. C’est la raison pour
laquelle la prononciation n’est pas parfaite, mais cela participait à
la constitution du mystère. Le poète Richard Foerster est américain
du Maine, il nous a proposé ses poèmes écrits sur place et a
écrit aussi le texte de présentation du film. Hillary Jordan de New-
York est une écrivaine de fiction mais qui s’inspire toujours d’un
fond d’Amérique profonde. Elle a spécialement écrit sur la notion
de cachotterie et de déception. Elle nous a beaucoup aidé sur le
projet car elle parlait très bien français. Les écrits de la japonaise
Mariko Nagai sont totalement liés au Japon de son enfance et les
relations entre les êtres. Elle nous a proposé des textes écrits en
relation directe avec les images et la narration est aussi en relation
à nos vies à tous les deux. Se situant entre la nouvelle et la poésie ;
les écrits de l’Indienne Sharmistha Mohanty parlent de l’Inde et
des relations familiales. Elle nous a proposés des textes déjà existants
liés à la cachotterie. Anne Fessenden est une écrivaine de
92 ans vivant à New York, elle a une écriture très “british”.
Shakespearienne elle a proposé sa collaboration et a partagé son
écriture entre les images du film et le château. Ce fut une très
belle expérience. Les textes existent en parallèle aux images. Ils
ne sont pas des commentaires. Il n’y aura donc jamais de soustitres…
Cachotteries sans visage demeure le projet et de l’expérience
est né le film Fantasy.
Frédérique Lecerf
43

Michael Cousin & Steve Brown
Intraviolence
2003, 10 mn
Travailler en duo n’est pas un postulat pour Michael Cousin. Cette
collaboration avec Steve Brown est exceptionnelle. En temps réel
et simulant le ralenti, ils se livrent à des combats empruntés à cinq
films classiques (Cape Fear, The Maltese Falcon, Point Blank, Scum
et Shane) sans le risque et la réalité de la douleur, de l’humiliation,
et de la mort. Cinq combats d’acteurs sont réinterprétés :
Gregory Peck contre Robert Mitchum en 1962 ; Ray Winstone contre
John Blundell en 1979 ; Alan Ladd contre Ben Johnson en 1953 ;
Humphrey Bogart contre Peter Lorre en 1941 et Lee Marvin contre
Angie Dickinson en 1967. Il s’agit avant tout de perpétuer des duos
et des combats eux-mêmes fictionnels et le jeu entre les artistes
accentuent dans le ralenti cette fiction.
44

Butz & Fouque
Fontaine
2005, 4 mn
Dans le décor de l’EPSM d’Armentières, Fontaine nous expose à une
schizophrénie du quotidien : un dédoublement de la personnalité se
traduisant, pour l’une, à une sage passivité (im)mobilière et, pour
l’autre, à une suractivité lors d’un pantomime de tâches ménagères.
Les gestes se succèdent toujours plus absurdes et obsessionnels
jusqu’au rejet. Butz & Fouque illustrent dans un univers glacial
une scène de la petite folie ordinaire que le vernis des accessoires
féminins ne parvient pas à dissimuler.
Aérobic
2005,1 mn 40
Un jeu de cache-cache ou une autre obsession domestique pour le
rangement ? Ici, ce ne sont pas des fantômes que cache le placard
mais une multiplication d’entités perruquées qui envahissent l’espace
et l’habitent. Il n’y a plus d’individu ni de personnalité mais des
pantins qui se plient parfaitement au cadre de l’étagère et disparaissent
derrière les portes. Mais cet ordre n’est qu'apparent, le
débordement menace.
46

Paulagabriela
Tubtunel
2003, 4 mn 27
La théorie géométrique déclare qu’une ligne droite n’est qu’un
segment de la courbe d’un rayon infini. Ainsi, chaque élément d’un
espace est inséré dans des courbes, ou plus simplement, dans des
tubes. Dans le champ des arts, nous sommes l’unité, devenant une
seule artiste, Paulagabriela ; ensemble nous représentons une
union/connexion comme un point de départ à la vie elle-même.
Nous dépendons en permanence de ce lien. Ces tubes relient et
entourent, de l’intérieur vers l’extérieur, de l’extérieur vers l’intérieur,
du corps vers l’immatérialité et vice versa.
Nous sommes unies par la chance, par le fait même d’être de ce
monde, et nous sommes arrivées ici par des voies qui sont elles
aussi des tubes, associant et séparant les vies, les lieux… Pour nous
tubes = tout.
Paulagabriela
Nas nuvens
2001, 4 mn 27
Cette vidéo déborde d’énergie. Cette constante des implications
duelles de Paulagabriela met en jeu des forces attractives. Des
mouvements ascensionnels accordés élèvent les corps des deux
femmes vers les nuages. Une tentation d’échapper à la force de
gravité dans un élan sans cesse reconduit.
47

JEUDI 4 MAI 2006 A 18 H 30. DUNKERQUE, LAAC
JARDIN DES SCULPTURES - 59140 DUNKERQUE – +33 3 28 29 56 00 - musee@ville-dunkerque.fr
P O I N T O F V I E W # 2
CE PROGRAMME EMANE D’UN REGARD PORTE SUR LA CREATION ARTISTIQUE ANGLAISE DANS LE CADRE D’UN PARTENARIAT (INTERREG IIIA)
ENTRE LA GALERIE FABRICA ET LA BIENNALE DE LA PHOTOGRAPHIE DE BRIGHTON, L’ESPACE CROISE ET LA SAISON VIDÉO. CE PROGRAMME
NE REPOND A AUCUNE THEMATIQUE PARTICULIERE ET SE LIVRE A LA PROSPECTION, AU DESIR DE FAIRE VOIR.
48
Konrad Johan Welz
Seagull
2001, 1 mn 54
Une vue de Brighton d’un point de vue très particulier et très en
hauteur. Vision plongeante de la mer sur le front côtier et la plage.
Nontope / Ontope
2001, 6 mn 23
Afin de rendre les courts séjours dans les aéroports internationaux aussi
plaisants que possible, les terminaux contiennent plus au moins toutes les
commodités nécessaires aux besoins de tous les jours. Si l’on doit passer
un moment plus long dans ces espaces de transit ; l’étrangeté de cette
simulation de ville s’avère de plus en plus apparente. Statistiquement le
terminal est constamment occupé par des gens, mais personne n’y réside
suffisamment longtemps pour y laisser une marque et l’édifice demeure
l’enveloppe fonctionnelle que les architectes et les ingénieurs ont planifiée.
Cette vidéo enregistrée dans la nuit du 19 au 20 juillet 2000 oscille
entre les sensations de présence et d’absence. Un son spécifique a été
créé proche de la vibration d’un cœur. Il accompagne l’apparition des
images fixes utilisées afin d’éviter la distraction du mouvement.

Ben Judd
I remember (Cindy Sherman)
2000, 4 mn 50
L’artiste observe des passantes anonymes dans la rue et décrit leurs
gestes, leurs attitudes, leurs accessoires. Chacune est dotée par l’artiste
d’un visage découpé représentant Cindy Sherman, l’artiste anglaise
qui dans ses photographies se crée un personnage de fiction. Cette
intervention discrète subtilise l’identité de chacune à son insu.
Theodore Tagholm
The persistence of vision
2004, 6 mn
Le titre du film fait référence à un effet optique qui permet au cerveau
de voir des images fixes comme si elles étaient animées. Le film est
réalisé avec une caméra numérique selon un principe d’imbrication
d’images successives. Son principe de l’espace public à l’espace privé
repose sur l’observation d’un objet et sa mise au point. La caméra
tourne autour des différents objets et révèle des détails que les films
généralement négligent. Theodore Tagholm reconnait l’influence de
George Perec dans cette observation fine. Le film interroge l’acte de
percevoir, la problématisation de la photographie et la nature de la
mémoire.
Mateo Willis
2EYESopen
2004, 4 mn 53
Mateo Willis se place dans la foule. D’un côté il est un observateur subjectif,
mais de l’autre son travail est partiellement réalisé d’après le
point de vue objectif de sa caméra. 2EYESopen est élaboré à l’occasion de
la première du film de Tom Cruise Collateral. La foule s’agite dans l’attente
de l’arrivée de l’acteur. Tout le monde se presse pour approcher
au plus près la star. Les éventuels débordements d’hystérie semblent
contrôlés par le service d’ordre. Mais à la fois l’apparition d’une star
dans l’espace public ne serait rien sans cela. Ce film teste la permissivité
des comportements. Un jeune homme contrevenant – mais dont l’allure
finalement n’est pas si différente de celle de Tom Cruise - est entraîné
à l’écart par des policiers. Mains liées dans le dos il est maintenu au sol.

Christian Glaeser
Mostar Bridge
2004, 6 mn
Deux collages de Films super 8 des années cinquante et soixante.
Compétition annuelle de plongeon du pont historique de Mostar en
Bosnie Herzégovine. Détruit pendant la guerre des Balkans, ce pont
reliait le quartier musulman de la ville au quartier chrétien. Ce
film tient à célébrer l’histoire de la compétition.
Jonas Halfmeyer
Bridge
2004, 2 mn 16
Le film en noir et blanc très sensitif, grainé,
tramé expérimente la traversée d’un pont. Il
enregistre des lignes superposées et croisées.
Aucun véhicule n’est visible. La circulation est
un souffle, une abstraction dans laquelle se
confondent les véhicules et le vent.
Nick Jordan
Highwater everywhere part 2
2003, 6 mn 30
words & music by Charley Patton
50
La voix mystérieuse de Charley Patton, laissé-pour-compte et cependant à l’origine
de la tradition du Blues du Mississippi berce les berges du marécage d’un
parc de Manchester et transporte cette vision proche vers un ailleurs lointain,
exotique. Elle transforme ces points de vues stables en visions lancinantes.

James Stokes
Joining their forces and singing along
2003, 2 mn 50
Le film noir et blanc est découpé en deux verticalement, horizontalement
et en diagonale. Il met en parallèle les différences de
textures entre le film 16 mn et la vidéo, diffusés en même temps
et retraçant des sujets similaires. Les deux tournages comparables
révèlent cependant dans cette juxtaposition la qualité relative de
chaque médium. Des fragments de paysages et de corps, des
images télévisées se succèdent. Des lignes parallèles circulent d’un
espace intime à l’espace public. Une voix fredonne une chanson,
oubliant certains mots et accentuant d’autres, dans cette approximation
personnelle elle participe à la poursuite du film.
Annis Joslin
Suppose
2004, 3 mn 24
Le film révèle les pensées d’une jeune femme couchée. À
chaque changement de plan, son visage fait place à un objet et
la même voix déclare sans trop y croire “suppose ceci… suppose
cela”. Toute nouvelle supposition est une orientation qui
dévie de la précédente. Le réel désir est mis à mal par le désœuvrement.
L’infinie possibilité des choix est soldée par une
impossibilité de prise de décision.
51

Monserrat Rubio
Mnemographs
2005, 7 mn 27
Le film partagé en deux séquences musicales a trait à la mémoire.
Le récit glisse sur des rails et se remémore des littoraux surexposés
où des couchers de soleil sont imprimés sur les images griffées, de
super 8. Des souvenirs lancinants soutenus tout autant par l’image
que la chanson laconique. La mélancolie recouvre les paysages
hispaniques qui tentent de ne pas s’effacer.
52
Steve Hines
8 x 8
2002, 12 mn 35
Ce film est une version raccourcie d’une performance filmée en
temps réel et qui a duré dix heures. Dans ce condensé une minute
de l’action est captée chaque heure. L’artiste s’est inspiré d’expériences
de la vie courante dans lesquelles des efforts physiques ou
psychiques nous conduisent vers des situations infructueuses. Le
sens commun devrait nous exhorter à arrêter mais cependant
quelque chose d’indéfinissable, un acharnement stupide nous
incite à poursuivre jusqu’à l’impasse. Creuser son trou est ici interprété
par l’artiste au premier degré avec un certain brillo. Au final
l’acharnement du geste rend la sortie impossible.

6 MAI - 17 JUIN 2006. ARMENTIERES, LE VIVAT
PLACE SAINT-VAAST - 59280 ARMENTIÈRES – +33 3 20 77 18 77
E L S A G A U D E F R O Y
EXPOSITION
vernissage le vendredi 5 mai à 19 H.
Personne naît parfait est une installation vidéo dont la question
principale est l’identité de l’être humain dans un corps collectif ;
va et vient constant entre l’adaptation biologique et l’adaptation
sociale. Ce projet s’inscrit dans le cadre de ma résidence d’artiste
au Vivat d’Armentières. Les vidéos ont été créées à partir d’un
tournage de film* avec les habitants d’Armentières, dans l’architecture
de la Maison des artistes, ancien pavillon psychiatrique qui
abritait des patients. Ce projet est influencé par les événements
extérieurs et les rencontres, par l’histoire du lieu. Le montage
final est constitué presque essentiellement de plans-séquences
sous la forme d’improvisations collectives à la croisée de la performance,
de la danse et du théâtre. Les participants sont invités à
jouer des scénarios plutôt burlesques liés à des situations de jeux
collectifs, en portant un masque d’un seul et même individu.
L’idée du jeu collectif permet ainsi à chaque personne de mieux
s’effacer derrière le groupe et de toucher à quelque chose de franc
et ludique. Il s’agit, au-delà de mettre les gens en situation, de les
inviter à être dans une dimension “active” de la sensibilité en se
concentrant sur l’inconscience des corps, avec la générosité nécessaire
pour une véritable réciprocité. L’ensemble de ces vidéos est
intégré à une scénographie : une installation conçue spécialement
pour le hall du Vivat.
Elsa Gaudefroy
* Tournage du 14 au 17 février 2006 en collaboration avec une artiste
vidéaste de Marseille, Virginie Hochedez.
53

13 MAI – 20 MAI 2006. ROUBAIX, ESPACE CROISÉ
GRAND PLACE - 59100 ROUBAIX - +33 3 20 66 46 93 - www.espacecroise.com
I D E A L # 0 8
DU MARDI AU SAMEDI DE 14 H A 18 H
NOUS AVONS AIMÉ… CES FILMS QUE NOUS AVONS VU DANS DES OCCASIONS DIVERSES OU QUI NOUS
SONT PARVENUS. UNE TOTALE SUBJECTIVITÉ.
Laurent Mareschal
Ligne verte
2005, 4 mn
production Le Fresnoy, Studio national des arts contemporains
Une fresque peinte sur un mur défile lentement en gros plan sous
nos yeux, comme un énième épisode de Palette. Cette peinture en
trompe-l’œil représente le paysage derrière ce mur. Elle le nie.
Mais en plus, elle se rebelle contre lui, quand les cactus et les oliviers
qui la composent se mettent à vivre et à bouger (animation
en images de synthèse). Ils détruisent leur support. C’est comme
si la végétation poussait à l’intérieur de l’obstacle pour mieux le
dynamiter… Ce mur, est celui qui sépare Israël de la Palestine. À
aucun moment du film, on ne sait de quel côté on se trouve, aucun
bâtiment ni personne ne nous l’indique clairement, jusqu’à la fin
où l’on entend des voix s’exprimer en hébreu et arabe…
Laurent Mareschal
54

Agnieszka Kalinowska
Emergency exit
2003, 10 mn
L’image est fixe et obscure. Seul un fronton de cheminée
dégage une peu de lumière. À intervalle régulier, et
l’un après l’autre, des corps parcourent à la force des
mains accrochés à l’imposte et les jambes ballantes
cette zone faiblement éclairée. Cette traversée horizontale
de l’image s’avère tout aussi énigmatique que
la progression verticale de la chaîne humaine dans
son autre film Personal doping (p. 13). D’où viennent
ces jeunes gens et où vont-ils ? Le film se déroule hors
temps, hors contexte. Malgré le titre qui pourrait laisser
supposer un état de panique ; leur progression est
constante mais volontaire et appuyée. Une énergie se
déploie sans faille. Des voix de l’extérieur semblent
s’adresser à eux : "Hey people ! "
55

Fanny Adler
Transhumance
2005, 1 mn
Jessika Laranjo
L’inopiné
2005, 16 mn 20
Une situation incongrue : sous couvert de dentelles blanches.
Un importun clinquant en costume trois pièces ; vêtement ambigu,
oscillant entre le proprement ridicule et le très certainement joli.
Du Dandy aux personnages burlesques, on regarde un individu qui
ne fait rien, observe, qui pose, se déplace ou s’excite tout au plus.
Dans sa ballade, il arpente des territoires complètement déserts
comme abandonnés, comme s’il s’agissait d’en prendre possession,
de les mesurer ou d’y chercher un adversaire.
Comme s’il s’agissait de se sentir : s’anime, se meut, s’incite, se
stimule, s’encourage à tous vents. Une représentation silencieuse,
dans l’attente. Un protagoniste du vide, qui meuble, remue les
nappes d’air. Un temps indéfinissable, se situant entre silence et
tintamarre, baigné de paysages, habité par l’incongru.
Le champ d’action se déploie presque maladivement, l’acte est là,
sans suite, étrangement dérisoire.
Jessika Laranjo
Transhumance est une odyssée, un travelling en décor artificiel.
Une fresque à travers la faune, la flore et la géographie de
l’Amérique du Nord : on y rencontre des animaux naturalisés et mis
en scène dans différentes attitudes, des paysages peints en trompe
l’œil qui résonnent comme autant de clichés cinématographiques.
Nature et culture, illusion et réel, un peu du cinéma des grands
espaces et du mythe du jardin d’Eden.
Fanny Adler
56

Armelle Aulestia
Cache-cache Voice-over 1
2004, 4 mn 40
Jean Baptiste Delannoy
L’ascenseur
2005, 9 mn 43
Ce court-métrage raconte les (més)aventures au petit matin d’une
équipe de tournage partie chercher “le silence” dans un ascenseur polonais.
J’ai réalisé cette vidéo dans le cadre d’un Master de Réalisation
de film, section documentaire, à l’Andrzej Wajda Master School of Film
Directing, à Varsovie, grâce à une bourse du CNC, l’année dernière.
Le dispositif simple du film (plan fixe frontal et face à la porte) permet,
au sein de ce no man’s land du quotidien, dans cet espace minimal, de
montrer sous un angle original le visage d’une Pologne dont le basculement
récent dans l’ultralibéralisme engendre, comme chez nous et ailleurs,
une perte de communication entre individus. Au-delà de ce
constat, il s’agissait pour moi, français pratiquant mal le Polonais, de
trouver une situation universelle me permettant de questionner cinématographiquement
la relation public/privé, d’interroger la frontière.
À ce titre, en raison des réactions que le dispositif dans l’ascenseur suscite,
le film dépasse le simple documentaire, pour devenir un objet drôle,
absurde et tragique à la fois.
Jean Baptiste Delannoy
À partir du jeu de cache-cache (hide and seek), ces pièces sont des
variations d’inspiration psychédélique, où les rythmes des sons et
des couleurs se croisent, se décalent, se dissocient ou bien se
rejoignent, provoquant une sensation hypnotique, presque hallucinatoire.
Expérience d’absorption, d’englobement du spectateur,
d’étirement et de distorsion du temps et de la couleur.
Armelle Aulestia
57

20 MAI – 1 JUILLET 2006. CAMBRAI, MAISON FALLEUR
39 RUE SAINT GEORGES - 59400 CAMBRAI – +33 3 27 82 93 85 / 03 27 82 93 88
PA R C O U R S # 2
TROIS PROGRAMMES ACCOMPAGNENT L’EXPOSITION TRAVERSER LA
VILLE SELON DIFFÉRENTS MODES D’APPROCHES : PRÉLÈVEMENTS ET
TRANSFORMATION DU RÉEL, LIEUX D’ACTION ET DE FICTION.
Rémi Ucheda
Tapis Rouge
2005, 3 mn 45
DIFFUSION EN CONTINU DU MARDI AU SAMEDI DE 14 H A 18 H
du 20 mai au 2 juin 2006
Nick Jordan
12 dogs
2004, 3 mn 45
words & music by Johnny Dowd
“Across the mighty plains of Oklahoma blow the winds of insignificance”…
Tout au long du film, les paroles d’une chanson de Johnny Dowd scandent
les visions de trottoirs, de rues, de plaques d’égouts, et tous les sols
urbains fréquentés par les résidents canins.
58
La vidéo, tournée à Bangkok, est ce passage qui vous mène de l’entrée
vers l’intérieur. Ou plutôt la mise en place de ce tapis rouge, de ce
chemin réservé à un meilleur accueil, pour des hôtes de prestige.
Le paradoxe est qu’il prend place sur un sol mobile, flottant. Un ponton
propice au mouvement, au déséquilibre des personnages installés. Ce
tapis rouge, joue-t-il aussi, l’anti-dérapant, prévient-il d’un passage
sans encombre garantissant une bonne tenue, un pied marin ? Tout est
fait pour ne pas se prendre le pied dans le tapis.
Rémi Uchéda

Anton Hecht
Blinking Ballet
2005, 5 mn 43
Des personnes âgées sont sollicitées dans la rue. Leurs gestes sont
chorégraphiés selon des déplacements simples qui donnent à la
danse une dimension ludique et participative. Lever le bras, se
tenir la main, faire quelque pas, ce qui relève du quotidien en définitive
acquiert une dimension plastique. Une interprétation très
libre et drôle de la réalité.
Rokhshad Nourdeh
I
2003, 6 mn
Un parcours urbain le long d’une ligne jaune. La caméra oscille et se déplace de part et d’autre
de cette ligne. Dans ce tracé rectiligne apparaissent des réminiscences de paysages : la mer, la
campagne, les nuages, parfaitement délimités… Autre élément naturel, le feu surgit et rompt
l’uniformité des surfaces foulées.
59

du 3 juin au 16 juin 2006
Steve Hines
Speakers
2005, 4 mn 16
Le film Speakers représente la confusion d’une société dans
lequelle un nombre inqualifiable tout autant que diversifié
de groupuscules religieux et politiques tente de persuader le
reste du monde du bien fondé de sa pensée divergente.
Chaque faction, la plupart du temps minoritaire tente de
communiquer la supériorité de son mode de croyance. Ces
prises de paroles publiques à Speakers Corner, Hyde Park,
sont une véritable tradition à Londres. Le parti pris de montage
sous forme de Kaleidoscope et d’images à tendance
impressionniste, délibérément floues, ajoute à la confusion.
17 juin au 1 juillet 2006
Céline Huyghebaert
Week-end à Zuydcoote, etc
2005, 12 mn
production Le Fresnoy, Studio national des arts contemporains
Une jeune femme, une journée d’hiver, dans une ville engourdie,
marche. Au cours de sa balade, et en travers, elle projette de passer
prochainement un week-end à Zuydcoote sans avoir vu le film
qui porte son nom. Ce film donne à voir en dix séquences le parcours
d’une jeune femme sur une place publique entre un regroupement
d’une douzaine de personnes autour d’un homme mort et
un café ; dans lequel elle va entrer, puis duquel elle va ressortir.
Faire d’un film (celui de Verneuil) un prétexte pour faire un film
sans sujet qui ne s’intéresserait qu’à sa propre narrativité, une fiction
qui ne renverrait qu’à elle-même…
Céline Huyghebaert
Armelle Aulestia
Second Ride
2004, 9 mn 25
Un parcours en taxi dans Manhattan, de Soho à
Chelsea, en écho au déplacement des galeries
d’art durant les années 90. Assemblage de
modules musicaux préfabriqués, la bande-son
recrée l’ambiance intensément urbaine de ce
trajet. Cette œuvre doit être diffusée avec un
fort volume sonore.
Armelle Aulestia
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24 JUIN 2006 À 21 H. LILLE, LA MALTERIE
42 RUE KULHMANN – 59000 LILLE – +33 3 20 78 28 72
A N TO I N E D E F O O RT
ANTOINE DEFOORT EST UN ANCIEN ETUDIANT DE L’ÉCOLE DES BEAUX-ARTS DE VALENCIENNES. UN ATELIER
EST ACTUELLEMENT MIS A SA DISPOSITION A LA MALTERIE. LA SAISON VIDEO LUI CONSACRE UNE SOIREE EN
PROJETANT UNE SELECTION DE SES TRAVAUX (VIDEOS, CAPTATIONS DE PERFORMANCES, VIDEOS-PERFOR-
MANCES) ET “D’EXPERIENCES EN DIRECT” (TERME QU’IL PREFERE EMPLOYER EN PLACE DE PERFORMANCE).
Des chorales contraintes ou décalées, des bricolages autofictionnels ;
des extractions des musiques de Psychose et du Mépris mises en scène
dans des situations qui font plus que frôler l’absurde mais toujours parfaitement
maîtrisées, minutieusement réécrites ; des relents de Bill
Viola et de Boris Achour au travers de ses vidéos et performances…
autant d’emprunts dans des créations ou des micro-phénomènes qui
ont croisé sa route mais aussi celles de nombre d’entre nous. Antoine
Defoort y pioche des éléments, interroge les interactions entre
l’image, le langage et la musique. Confronter jusqu’à faire surgir des
contradictions. Manipuler à l’extrême lors de vastes digressions. La
diversité de ses références se retrouve dans la pluralité des formes de
sa création : musique improvisée, performance, vidéo lui permettent
toujours de tester, associer, dissocier des éléments disparates pour
mieux en faire surgir les liens, faire éclater la conformation du
contenu au contenant… “Ce qui m’intéresse, dans la vie, c’est faire
des connexions. Des connexions de formes, de sens, de médias, de
matériaux. Je suis une sorte de collectionneur de connexions. Je fais
des collexions, quoi.” Ainsi donc, il “collexionne” jusqu’à tester le
degré de porosité de la mince frontière entre son art et sa vie quotidienne.
Comment le définir ? Sans doute par la ligne directrice qu’il a luimême
énoncée : “l’inconstance est de rigueur”, exploiter jusqu’au
bout son incapacité chronique à se fixer et en faire une source de
création intarissable.
HD
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Les artistes
Fanny Adler, vit à Paris
Armelle Aulestia, vit à Paris
Gilles Balmet, vit à Paris
Butz&Fouque, vivent à Saint-Omer
José Pedro Cortes, vit à Lisbonne
Michael Cousin, vit à Cardiff
Antoine Defoort, vit à Lille
Jean Baptiste Delannoy, vit à Paris
Mathias Delfau, vit à Colombes
Elsa Gaudefroy, vit à Lille
Christian Glaeser, vit à Londres
Patrice Goasduff, vit à Rennes
Jonas Halfmeyer, vit à Londres
Emma Hart, vit à Londres
Anton Hecht, vit à Newcastle
Camille Henrot, vit à Paris
Steve Hines, vit à Londres
Cécile Huyghebaert, vit à Lille
Nick Jordan, vit à Manchester
Annis Joslin, vit à Brighton
Ben Judd, vit à Londres
Agnieszka Kalinowska, vit à Varsovie
Jessica Laranjo, vit à Dunkerque
Frédérique Lecerf, vit à Paris
Serge le Squer, vit à Marseille
Laurent Mareschal, vit à Paris
Luke Marsh, vit à Alderley Edge, Cheshire
Jenny Mellings, vit à Exeter
Christian Merlhiot, vit à Paris
Eléonore de Montesquiou, vit entre Tallinn et Berlin
Michelle Naismith, vit entre Nantes et Glasgow
Rokhshad Nourdeh, vit à Paris
Rashad Omar, vit à Brighton
Predrag Pajdic, vit à Londres
Paulagabriela, vivent à Sao Paulo
Cécile Paris, vit à Paris
Ellie Rees, vit à Londres
Montserrat Rubio, vit à Ascot
Alexandra Sà, vit à Montreuil
Erica Scourti, vit à Seven Kings
Amy Sharrocks, vit à Londres
Ilka Schulz, vit à Liverpool
Markus Soukup, vit à Liverpool
Houri der Stepanian-Abdalian, vit en France et au Canada
Tobias Sternberg, vit à Londres
James Stokes, vit à Bath
Jeanne Susplugas, vit à Paris
Theodore Tagholm, vit à Londres
The Miller and McAfee Press, vivent à Londres
Franck Turpin, vit à Paris
Rémi Ucheda, vit à Paris
Yu-Chen Wang, vit à Londres
Simon Warner, vit dans le West Yorshire
Russell Webb, vit à Brighton
Konrad Johan Welz, vit à Bracknell
Mateo Willis, vit à Cranleigh
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Pour recevoir le programme Saison Vidéo à domicile :
Prénom :
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Adresse :
Code Postal :
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Pays :
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La Saison Vidéo a été créée en 1988
Ce numéro est le trentième.
S A I S O N V I D E O
BP 71
F - 59370 MONS EN BAROEUL
Tel. +33 3 20 04 38 16 - email : saisonvideo@netcourrier.com
La Saison Vidéo remercie les artistes sans qui ces programmes vidéos n’auraient pas lieu :
Fanny Adler, Armelle Aulestia, Gilles Balmet, Butz&Fouque, José Pedro Cortes, Michael Cousin, Antoine Defoort, Jean Baptiste
Delannoy, Mathias Delfau, Elsa Gaudefroy, Christian Glaeser, Patrice Goasduff, Jonas Halfmeyer, Emma Hart, Anton Hecht, Camille
Henrot, Steve Hines, Cécile Huyghebaert, Nick Jordan, Annis Joslin, Ben Judd, Agnieszka Kalinowska, Jessica Laranjo, Frédérique
Lecerf, Serge le Squer, Laurent Mareschal, Luke Marsh, Jenny Mellings, Christian Merlhiot, Eléonore de Montesquiou, Michelle
Naismith, Rokhshad Nourdeh, Rashad Omar, Predrag Pajdic, Paulagabriela, Cécile Paris, Ellie Rees, Montserrat Rubio, Alexandra Sà,
Erica Scourti, Amy Sharrocks, Ilka Schulz, Markus Soukup, Houri der Stepanian-Abdalian, Tobias Sternberg, James Stokes, Jeanne
Susplugas, Theodore Tagholm, The Miller and McAfee Press, Franck Turpin, Rémi Ucheda, Yu-Chen Wang, Simon Warner, Russell
Webb, Konrad Johan Welz, Mateo Willis…
ainsi que les personnes, les responsables d’espaces culturels, des lieux d’expositions, musées, associations,collectifs d’artistes,
écoles d’art, lycées et établissements d’enseignement supérieur et qui ont en rendu possible l’élaboration ou la lisibilité :
Dominique Agnès, Florence Albaret, Ann Bernachin, Aude Cordonnier, Nathalie Cogez-Poisson, Amanda Crabtree, Sonia Criton,
Valérie Detournay, Yves Ducrocq, Arnaud Dupond, Lisa Finch, Gilles Fournet, Jacqueline Gueux, Amandine Gaignaire, Laurent
Grasso, Jessica Laranjo, France Latournerie, Virginie Maes, Lisa Maddigan, Laurent Moszkowicz, Françoise Pierard, Marie Joseph
Pilette, Thierry Pochet, Pascale Pronnier, Marek Ribicky, Gilles Rose, Hélène Roussel, Linda Senadji, Francine Taraska, Philippe
Tavernier, Natalia Trebik, Gaëlle Vasseur, Jean-François Veran, Sophie Warlop…
Crédits photographiques :
Les artistes, Laurent Mareschal/le Fresnoy, Houri der Stepanian-Abdalian/le Fresnoy, Elsa Gaudefroy, La Saison Vidéo 2006.
rédaction et ligne éditoriale : Mo Gourmelon assistée de Hélène Dantic
La SAISON VIDEO est soutenue par le Ministère de la Culture - DRAC Nord Pas de Calais, le Conseil Régional Nord
Pas de Calais, le Conseil Général du Nord, l’Union Européenne à travers le projet Interreg IIIA
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Conception graphique : nocrea 2006
Impression : SNEL Grafics, Liège, Belgique
directeur de publication : Eric Deneuville
dépot légal 1er trimestre 2006
Couverture : photographies extraites de For your eyes, 2005, de Jeanne Susplugas p. 27
Intérieurs 1 et 2 : Brighton, Saison Vidéo 2006