Programme du soir (PDF) - Philharmonie

OPL – Festconcerten
Vendredi / Freitag / Friday
05.07.2013 20:00
Grand Auditorium
«Operconcert am Summer»
Orchestre Philharmonique du Luxembourg
Chœur de chambre les éléments
Christoph Altstaedt direction
Albina Shagimuratova soprano (Manon Lescaut)
Eric Cutler ténor (Le Chevalier des Grieux)
Vito Priante baryton (Lescaut, le cousin de Manon)
Anicio Zorzi Giustiniani ténor (Guillot de Morfontaine, un noble)
Derek Welton baryton-basse (Monsieur de Brétigny)
Nicolas Cavallier baryton-basse (Le Comte des Grieux,
le père du Chevalier)
Olivia Doray soprano (Poussette, une comédienne)
Carol García mezzo-soprano (Javotte, une comédienne)
Alisa Kolosova mezzo-soprano (Rosette, une comédienne)
Solistes de chœur
Jean-Baptiste Henriat baryton (L’hôtelier)
Marc Manodritta ténor (Un garde, Le sergent)
Pierre Virly baryton (Un garde, L’archer)
Édouard Hazebrouck ténor (Le joueur)
Joël Suhubiette direction de chœur
Muriel Corradini coaching linguistique
Evamaria Wieser casting vocal

Jules Massenet (1842–1912)
Manon. Opéra-comique en cinq actes et six tableaux (1881–1883)
Livret d’Henri Meilhac et Philippe Gille d’après l’abbé Prévost
(version concert / konzertante Aufführung, deutsche Übertitel)
Acte I (L’Hôtellerie d’Amiens)
Prélude
«Holà! Hé! Monsieur l’hôtelier!»
(Poussette, Javotte, Rosette, Guillot, De Brétigny, L’hôtelier)
«Allez à l’auberge voisine»
(Bourgeois et Bourgeoises, Voyageurs et Voyageuses,
Lescaut et les Gardes)
«Je suis encore tout étourdie» (Manon)
«Regardez-moi bien dans les yeux» (Lescaut)
«Voyons, Manon, plus de chimères» (Manon)
«Et je sais votre nom» (Des Grieux, Manon)
«Plus un sou! le tour est plaisant!»
(Lescaut, Guillot, De Brétigny, L’hôtelier, Poussette, Javotte,
Rosette, Bourgeois et Bourgeoises)
Acte II (L’appartement de Des Grieux et de Manon, rue Vivienne)
Prélude
«On l’appelle Manon» (Manon, Des Grieux)
«Enfin, les amoureux, je vous tiens tous les deux!»
(Lescaut, De Brétigny, Manon, Des Grieux)
«Adieu, notre petite table» (Manon)
«En fermant les yeux» (Des Grieux)
~70’
—

Acte III
(Le Cours-la-Reine)
«Voyez mules à fleurettes» (Marchands et Marchandes)
«C’est fête au Cours-la-Reine»
(Marchands et Marchandes, Bourgeois de Paris)
«La charmante promenade» (Poussette et Javotte)
«À quoi bon l’économie!» (Lescaut)
«Voici les élégantes!»
(Bourgeois et Bourgeoises, Marchands et Marchandes)
«Je marche sur tous les chemins!» (Manon)
Gavotte «Obéissons quand leur voix appelle» (Manon, Chœur)
«Pardon!… mais j’étais là» (Manon, Le Comte des Grieux)
Ballet
Préambule: La présentation «L’Opéra! voici l’Opéra!»
1 e entrée: Allegro moderato
2 e entrée: Andante
3 e entrée: Allegro – Allegro moderato
4 e entrée: Andante con moto – «C’est la fête au Cours-la-Reine»
(Le parloir du Séminaire de Saint-Sulpice)
«Quelle éloquence! l’admirable orateur!» (Les Dévotes)
«Épouse quelque bonne fille» (Le Comte des Grieux)
«Ah! fuyez, douce image» (Des Grieux)
«Pardonnez-moi, Dieu de toute puissance» (Manon)
«Oui! je fus cruelle et coupable!» (Manon, Des Grieux)
«N’est-ce plus ma main que cette main presse?» (Manon)

Acte IV (L’hôtel de Transylvanie)
«Le joueur sans prudence livre tout au hasard» (Les Aigrefins)
«À l’hôtel de Transylvanie» (Poussette, Javotte, Rosette)
«Manon, sphinx étonnant» (Des Grieux, Manon, Lescaut)
«À nous les amours et les roses»
(Manon, Poussette, Javotte, Rosette)
«Oui, je viens l’arracher à la honte!» (Le Comte des Grieux,
Manon, Des Grieux, Guillot, Poussette, Javotte, Rosette,
La Foule des joueurs)
Acte V (La route du Havre)
«Capitaine, ô gué, es-tu fatigué» (Les Archers)
«Tu pleures» (Manon, Des Grieux)
~80’
Début de la partition piano-chant de Manon
écrite par Massenet en 1882
(New York, The Morgan Library and Museum)

Du premier
au dernier voyage…
Manon de Massenet
Hélène Pierrakos
Manon appartient à ces opéras du très grand répertoire français
(aux côtés de Carmen de Bizet, du Faust de Gounod ou de Samson
et Dalila de Saint-Saëns), représentant d’une certaine manière le
modèle parfait de ce que doit être un opéra, avec son compte
de tension entre l’amour et la morale, les forces de vie et le destin
de mort, la sincérité et la duplicité… Et surtout une architecture
lyrique d’une grande efficacité, où alternent, de façon à la fois
prévisible et inventive, arias, chœurs, scènes de foule et scènes d’intimité,
moments-clé, ressentis comme tels par l’auditeur et séquences
de simple liaison.
Mais il y faut aussi des personnages suffisamment ambigus pour
nourrir l’intérêt dramatique, ou dont le destin au cours de l’intrigue
puisse du moins en révéler les dimensions cachées de la façon
la plus inattendue. Ainsi, Manon, jeune fille naïve que l’on
découvre dans sa première scène émerveillée par ‹le monde› et
ne souhaitant que s’amuser en folâtre compagnie, lors même que
sa famille l’envoie au couvent précisément parce qu’elle «aime
un peu trop le plaisir», avoue-t-elle avec candeur au Chevalier des
Grieux tout juste rencontré, va peu à peu se dévoiler à elle-même
et au public de l’opéra en amoureuse mélancolique, tout aussi bien
qu’en rouée prête à toutes les trahisons par simple intérêt, par
amour du gain. Et l’on saisit à la toute fin de l’opéra, lorsqu’elle
meurt dans les bras de son ancien amant (qu’elle a trahi puis
retrouvé), alors qu’on l’emmène sur la route du Havre pour être
déportée en Louisiane, avec d’autres prostituées, que sous les
mots si magnifiquement et si nostalgiquement mis en musique
par Massenet dans son monologue du 1 e acte: «Voyons, Manon,
plus de chimères!», c’est la Manon tragique qui pointait déjà.
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Du roman à l’opéra
La source littéraire du livret de Meilhac et Gille pour l’opéra de
Massenet est le roman de l’abbé Prévost, Histoire du chevalier des
Grieux et de Manon Lescaut, septième et dernier tome, publié en
1731, des Mémoires et aventures d’un homme de qualité qui s’est retiré
du monde. Antoine-François Prévost a eu une vie très agitée – entre
le monastère, la littérature, le journalisme et le métier des armes…
On peut donc supposer que l’intrigue de Manon Lescaut correspond
à quelque aventure vécue par son auteur.
Les librettistes de Massenet ont passablement modifié l’esprit
du roman et surtout ses personnages: Lescaut, de l’odieux frère
de Manon qui dans le roman est prêt à la prostituer pour son
intérêt, devient dans l’opéra son cousin, peu recommandable
mais avec bonhommie, si l’on peut dire. La présence des trois
actrices est une invention des librettistes, puisque dans le roman,
Manon est l’unique figure féminine. Comme le remarque
judicieusement Jean-Michel Brèque dans le numéro consacré à
Manon de L’Avant-Scène Opéra (N° 123 – Paris, 1989), il s’agissait
d’adoucir les éléments par trop réalistes du roman original pour
se prémunir d’éventuelles critiques et accusations d’indécence,
en cette année 1884 où, neuf ans auparavant, Carmen de Bizet
avait été reçue avec des critiques assez acerbes par les moralistes.
Rappelons à ce propos que la Salle Favart, c’est-à-dire l’Opéra-
Comique (où a été créée Manon) était la salle de spectacle où,
selon la formule consacrée, «une mère de famille devait pouvoir
conduire sa fille en toute sécurité».
Massenet et l’art du portrait
C’est sans doute le trait le plus extraordinaire du métier de Massenet,
que d’élaborer, pour soutenir les paroles de ses personnages,
un discours orchestral susceptible de nuancer, d’enrichir, voire
parfois de contredire ce qu’énonce tel ou tel des protagonistes
en jeu dans ses opéras. Massenet use d’ailleurs de motifs qui
fonctionnent de façon comparable à des leitmotiv, qui peuvent
suggérer à l’auditeur le cours de la pensée d’un personnage, lors
même que son chant explicite est d’une tout autre teneur. Massenet
est également un psychologue musicien de haute volée.
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Londres, National Portrait Gallery
«Madame Marie Roze is Manon to the life» – la chanteuse principale française
(1846–1926) de la représentation au Drury Lane Theatre à Londres en 1885
(Photographie Atelier Walery, 1884/1885)
La façon dont il dessine le portrait de Manon pour sa première entrée,
en jeune fille découvrant sa propre féminité est captivante –
tempérament de femme-enfant figuré par des effets de vocalises oiseleuses,
frivolité suggérée par ses brusques variations d’humeur,
magistralement soutenues par des modulations harmoniques très
inattendues, provoquant de véritables changements de plan, diraiton
au cinéma. C’est le portrait d’une innocente que l’on pressent
pouvoir basculer dans la ruse très prochainement – en aucun cas
l’innocence d’une Micaela dans Carmen…
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Jules Massenet
(Photographie Atelier Dupont, vers 1885)
La peinture des groupes sociaux
Au point de vue purement dramaturgique, l’une des qualités
les plus fascinantes de Manon, c’est le travail mis en œuvre par
Massenet sur l’espace sonore, et qui peut très bien se percevoir
lors d’une version concertante de l’opéra, comme c’est le cas ce
soir, puisque la scène n’y ajoute rien: il s’agit de ce magistral jeu
de balance entre les séquences chorales et les soli (ainsi que les
jeux d’intégration des uns aux autres) et surtout de l’inventivité
extrême du compositeur en matière de peinture des différents
groupes sociaux qui s’expriment dans les chœurs.
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Au début du premier acte, dans la cour d’une hôtellerie d’Amiens,
on a affaire à un dialogue très effervescent entre l’hôtelier, personnage
assez truculent, les deux nobles Brétigny et Guillot de
Morfontaine, Javotte, Poussette et Rosette, qui sont des actrices,
c’est-à-dire, dans l’univers social de cette époque, des femmes
‹de mauvaise vie›, presque des prostituées. À ces rôles solistes
s’ajoutent toutes sortes de groupes: celui des postillons et de porteurs,
des bourgeois, des voyageurs, puisque l’auberge en question
est un relais de poste.
Pour les 3 e et 4 e actes, Massenet est véritablement au sommet de
son art en matière de traitement des chœurs. Dans le 3 e , celui du
Cours-la Reine, l’évocation de la ‹promenade›, un jour de fête
populaire donne lieu à une éblouissante peinture d’une foule
en liesse, des cris des marchands (que certains commentateurs,
d’ailleurs, ont mis en relation avec la chanson polyphonique
«Les Cris de Paris» de Clément Janequin au 16 e siècle) et du brouhaha
d’un jour de marché. On peut aussi faire le lien entre cet
opéra de Massenet créé en 1884 et l’opéra naturaliste de Gustave
Charpentier, Louise, créé en 1900 à l’Opéra-Comique, dont les
scènes populaires des petits métiers sont peut-être un écho de
celles de Massenet pour Manon.
Au 4 e acte, la virtuosité et l’invention du compositeur pour les
séquences chorales est prodigieuse, mais tient peut-être d’abord
à l’originalité du traitement orchestral: la première partie de cet
acte met en scène, à l’Hôtel de Transylvanie, une salle de jeux où
croupiers, joueurs et aigrefins (escrocs), dialoguent et commentent
le jeu, alternant avec les interventions de Lescaut, de Guillot
et des trois actrices. La singularité de la couleur orchestrale tient
à son caractère oriental, sinueux et étrange tout à la fois (clarinettes
et bassons sur un roulement de cymbale: un motif qui vient,
semble-t-il d’un autre opéra de Massenet, Hérodiade, passage mis
au rebut pour cet opéra, mais récupéré pour cette scène de Manon).
Mise en musique des manigances, de l’escroquerie à l’œuvre,
de la tricherie et, d’une certaine manière, de la vulgarité – Massenet
réussit là l’une de ses scènes les plus abouties.
11

Styles
Cette expression musicale du trivial et de la thématique de l’argent
est d’ailleurs d’autant plus étonnante si on la compare à
la musique du ‹Divertissement› (c’est-à-dire le ballet, traditionnellement
présent dans les grands opéras français du 19 e siècle),
mettant en musique les danseurs de l’Opéra présentant leur chorégraphie
en pleine fête au Cours-la-Reine. Le ballet, dont la première
apparition se fait sur un thème évoquant la musique de
Rameau, comporte quatre ‹Entrées› et joue de façon très habile
de figurations très 18 e siècle et de dévoiements de ces conventions
néo-classiques de la part du compositeur.
L’opéra dans son entier est d’ailleurs un très savant alliage d’acceptation
par Massenet des codes d’une certaine musique ancienne,
et ce dès l’ouverture de l’opéra (pour mettre en lumière
cet univers un rien convenu de perruques poudrées et de jupes
à paniers), et d’invention mélodique, harmonique et orchestrale
à son sommet pour suggérer la complexité de telle situation ou
l’ambiguïté de telle personnalité… Le personnage de Manon est
certainement de ce point de vue le plus riche de tous.
L’air le plus fameux de tout l’opéra, «Adieu, notre petite table», au
2 e acte, avec son modelé pseudo médiéval, le côté suspendu de
la mélodie, où Manon, ayant déjà décidé de trahir son amant
(alors qu’elle l’aime encore) au profit… du profit, si l’on peut
dire! est une merveille de mélancolie et de finesse dans la peinture
de cette situation particulière. La sincérité et la nostalgie de
l’héroïne n’y pose nullement question, avec son caractère pastoral,
son allure de bergerette désenchantée et d’aria amoureuse
tout à la fois, mais l’auditeur, au fait de la trahison qui va suivre
et que Manon a déjà planifiée, ne peut que s’interroger sur le retour
de la tristesse de l’héroïne à ce stade de l’action… Et dans le
même temps, y a-t-il rien de plus humain que cette ambivalence,
même si elle se nomme aussi duplicité…? Tout Manon est dans
cette ligne double, psychologiquement et musicalement.
Massenet a choisi pour Manon le genre de l’opéra-comique,
c’est-à-dire celui d’un opéra faisant intervenir des dialogues par-
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«M. Massenet’s Manon […] is most entertaining
alike as an opera and as a spectacle.»
(Illustrated London News du 23.05.1885 à propos
de la représentation au Drury Lane Theatre à Londres)
lés (comme Carmen, par exemple). La mention de «comique»
ne concerne nullement le caractère de l’action (de même que le
genre du singspiel pour l’Allemagne), mais la simple présence de
la parole, au lieu des récitatifs chantés de l’opéra. Dans Manon
s’ajoute un mode musical particulier, que l’on appelle «mélodrame»,
consistant à faire parler un personnage sur un fond orchestral,
suscitant ainsi une atmosphère particulièrement expressive,
où l’orchestre, prenant seul en charge le lyrisme et laissant
à la voix la simple parole de la vie ordinaire, possède au moment
du mélodrame, le pouvoir de suggérer en musique tout ce que le
personnage ne dit pas.
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Synopsis
Acte 1
Une hôtellerie à Amiens. Guillot de Morfontaine et ses trois maîtresses,
Poussette, Javotte et Rosette, festoient avec de Brétigny.
Lescaut attend sa cousine Manon qu’il doit conduire au couvent.
La cour se remplit subitement de voyageurs, parmi lesquels la
ravissante Manon («Je suis encore tout étourdie»). Restée seule,
Manon attire le regard de Guillot, qui lui fait comprendre qu’il
est riche et pourrait l’emmener avec lui si elle lui accordait ses faveurs.
Lescaut, de retour, le chasse et s’en va rejoindre ses partenaires
de jeu. Manon rêve, seule, aux plaisirs entrevus («Voyons,
Manon, plus de chimères»). Arrive le jeune Des Grieux qui s’éprend
de Manon au premier regard («Enchanteresse au charme vainqueur»),
échanges de plus en passionnés entre eux, avant de décider
de partir ensemble («Nous vivrons à Paris!») en prenant la
voiture de Guillot. Lescaut et Guillot reviennent et découvrent
la fuite, indignés. Rires de la foule.
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Acte 2
À Paris, rue Vivienne. Manon et Des Grieux vivent ensemble depuis
deux mois. Des Grieux lit à Manon la lettre qu’il écrit à son
père pour lui demander la permission de l’épouser. On frappe à
la porte: ce sont Lescaut et Brétigny déguisés en gardes du corps.
Lescaut menace Des Grieux mais Brétigny prévient discrètement
Manon que son amant sera enlevé le soir-même sur ordre de son
père et lui propose un marché: elle vivra dans le luxe avec lui si
elle se tait. Manon dit «Adieu, notre petite table» et s’efforce de
sourire au retour de son amant. On frappe, elle lui demande de
ne pas ouvrir, mais c’est trop tard – un bruit de lutte, on a enlevé
Des Grieux.

Acte 3
Une fête populaire au Cours-la-Reine. Manon, au bras de Brétigny,
fait une entrée très remarquée et chante avec coquetterie
sa nouvelle vie («Je marche sur tous les chemins»), mais entend
dire que son ancien amant veut entrer au Séminaire de Saint-Sul
pice et devenir prêtre; elle tente d’en savoir davantage. Ballet de
l’Opéra, invité par Guillot pour Manon, espérant l’emmener avec
lui. Celle-ci part pour Saint-Sulpice. Dans le parloir de Saint-Sulpice,
le Comte des Grieux tente de dissuader son fils d’entrer dans
les ordres. Celui-ci songe à son amour («Ah fuyez, douce image…»),
Manon survient, son charme opère («N’est-ce plus ma main que
cette main presse?») et tous deux s’enfuient ensemble.
Acte 4
À l’hôtel de Transylvanie. Manon et Des Grieux dans cette maison
de jeu, où sont déjà Guillot, Lescaut et les trois actrices. Manon
persuade son amant de jouer pour gagner l’argent qui leur sera
nécessaire. Des Grieux gagne, Guillot perd et accuse les deux
amants de tricherie. La police, appelée par lui, les arrête. Le Comte
intervient en faveur de son fils mais Manon est emmenée.
Acte 5
Sur la route du Havre. Manon va être déportée en Louisiane. Sur
la route où doivent passer les prisonniers, Lescaut et Des Grieux
achètent le sergent gardant le convoi pour que Manon puisse
rester un instant avec son amant. Manon lui avoue qu’elle a été
ingrate et infidèle et lui demande pardon (»Seul amour de mon
âme»). Elle meurt dans ses bras en rêvant à leur bonheur passé.
Livret et roman à lire
Le très volumineux livret de Henri Meilhac et Philippe Gille aurait
excédé le cadre de ce programme du soir. Des éditions intégrales
sont disponibles en librairie, sur internet vous trouverez une mise
en ligne gratuite sur www.operamanager.com/libretti (F) et
www.opera-guide.ch/opera.php?id=208 (D). Le roman qui a inspiré
le livret, Histoire du chevalier des Grieux et de Manon Lescaut
(1731) de l’abbé Prévost, est également disponible en ligne, par
exemple sur www.gutenberg.org (F, E) et gutenberg.spiegel.de (D).
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Inhalt
Ein junger Soldat namens Lescaut soll seine Cousine Manon in
ein Kloster bringen, da ihre Familie mit dem leichtsinnigen Lebenswandel
der jungen Dame nicht einverstanden ist. Doch Lescaut
ist für diese Aufgabe der falsche Mann: Er ist mehr am Kartenspiel
als an der Beaufsichtigung seiner Cousine interessiert. Diese
wiederum interessiert sich auf einmal für den jungen Chevalier
des Grieux, der seinerseits auf dem Weg vom Priesterseminar zu
seiner Familie ist. Sofort entflammt das Liebesfeuer zwischen ihnen.
Sie fliehen nach Paris, wo sie jedoch feststellen, wie schnell ihnen
das wenige Geld durch die Finger rinnt. Lescaut und der reiche
De Brétigny lassen Manon wissen, dass Des Grieux’ Vater den
Junior entführen lassen will, um die Mesalliance zu verhindern.
Doch statt ihren Geliebten zu warnen, nimmt Manon wehmütig
Abschied von der kleinen Wohnung – und sucht nun mit De Brétigny
das Weite.
Manon wird zu einer Berühmtheit in der Pariser Schickeria. Selbst
Des Grieux’ Vater, eigens aus der Provinz angereist, muss sich
eingestehen, dass die junge Dame nicht ohne Reize ist. Von ihm
erfährt Manon schließlich, dass Des Grieux bald die Priesterweihe
empfangen wird. Die Angst quält sie. Sollte Des Grieux,
den sie immer noch liebt, sie vergessen haben? Im Priesterseminar,
wo man ihm die Erinnerung an Manon austreiben will,
wird Des Grieux als ein begabter Prediger geschätzt. Da taucht
Manon auf: Des Grieux kann ihren Avancen nicht widerstehen,
sie fliehen. Doch merkt er schnell, dass Manons Luxusbedürfnis
inzwischen ins Unermessliche gestiegen ist. Um an Geld zu
gelangen, zwingt Manon ihren Geliebten zum Kartenspiel. Die
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New York, The Morgan Library and Museum
Umschlag von Massenets Klavierauszug aus dem Jahr 1882
großen Summen, die er gewinnt, nützen ihm nichts – er wird
des Falschspiels beschuldigt. Sein einflussreicher Vater lässt ihn
zum Schein in Arrest nehmen, Manon jedoch wird als Komplizin
regelkonform verhaftet.
Auf einer Landstraße warten Lescaut und Des Grieux auf die zur
Deportation verurteilten Frauen, unter denen sich auch Manon
befindet. Die gewaltsame Befreiung der todkranken Manon
scheitert. Durch Bestechung eines Sergeanten schaffen es die beiden
Liebenden noch einmal, sich kurz sehen. Manon stirbt in
Des Grieux’ Armen.
Libretto und Roman zum Nachlesen
Das sehr umfangreiche Libretto von Henri Meilhac und Philippe
Gille hätte den Rahmen dieses Abendprogramms gesprengt.
Über den Buchhandel sind vollständige Textausgaben erhältlich,
im Internet finden Sie das Libretto kostenlos beispielsweise
unter www.opera-guide.ch/opera.php?id=208 (D) und
www.operamanager.com/libretti (F). Auch der dem Libretto zugrunde
liegende Roman Histoire du chevalier des Grieux et de
Manon Lescaut (1731) von Abbé Prévost ist mehrfach in Buchform
sowie online zu finden, beispielsweise unter gutenberg.spiegel.de
(D) und www.gutenberg.org (F, E).
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Auf dem Weg
zur Literaturoper
Massenets Manon zwischen Libertinage und Wagnérisme
Christoph Vratz
Als Jules Massenet im Frühling des Jahres 1912 zum letzten Mal
als Ehrenrat an einer Senatssitzung des Pariser Konservatoriums
teilnimmt, wirkt er hilflos, wie ein jüngerer Teilnehmer zu Protokoll
gibt: «Er verirrt sich in den langen Korridoren und beginnt,
eine dunkle und steile Treppe hinabzusteigen, fast eine Leiter,
auf der er einen Sturz riskiert – er ist siebzig Jahre alt. Ich gehe
mit ihm nach und biete ihm meinen Arm: ‹Ja, sagt er, seien Sie
meine Altersstütze…›»
Doch Massenet leidet nicht nur unter seinem Alter. Er fühlt sich
von den Zeitläuften verraten, der französische Wagnérisme – eine
im Gegensatz zum deutschen Richard-Wagner-Kult das kulturelle
und intellektuelle Leben Frankreichs erschütternde Bewegung –
hat Massenet überrollt. Vorbei die Zeit, als Massenet sich mit Freude
daran erinnert, wie er als Student den ersten in Paris gespielten
Orchesterstücken aus Tannhäuser und Lohengrin zugejubelt und
ihnen damit zum Durchbruch verholfen hat.
Vorbei auch die Zeit, in der Massenet bereit gewesen ist, das beim
Publikum neu entfachte Bedürfnis nach religiöser Symbolik zu
bedienen. Nach dem Sakraldrama Maria Magdalena von 1873
folgen zwei Jahre später das Mysterium Eva sowie die Legende
La Vierge, die Massenet 1880 in der Opéra dirigiert. Dem Gebet
der Jungfrau Maria erteilt er sozusagen selbst die Seligsprechung:
mit einem kitschigen Schluss-Magnificat, in dem sich Kinderchor,
Harfe und Orgel vereinen. «Ich glaube nicht an all diesen
weinerlichen Jesus-Kitsch», schreibt er seinem jüngeren Kollegen
Vincent d’Indy, «aber das Publikum liebt ihn, und man muss die
Übereinstimmung mit dem Publikum finden.»
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Jules Massenet
(Photographie von Nadar, um 1880)
Allerdings geht Massenet nicht so weit, dem Publikumsgeschmack
der Belle Époque bedingungslos zu folgen. Die Verewigung des
Jesus-Kitsches überlässt er letztlich den Architekten, die 1875 damit
beginnen, hoch über dem Montmartre Sacré-Cœur zu bauen.
Und auch, auf die Musik bezogen, eine Bearbeitung wie Gounods
1853 komponierte Versüßlichung von Bachs C-Dur-Präludium aus
dem Wohltemperierten Klavier mit dem nachher untergeschobenen
Text des «Ave Maria» wäre ihm wohl nicht in den Sinn gekommen.
Sieg der Libertinage und der Weiblichkeit
Massenet entwickelt die Marien-Verehrung der Zeit zu einer durchaus
unkitschigen weltlichen Variante weiter. Deren erste Protagonistin
ist die Indra-Priesterin Síta in der 1877 uraufgeführten
Oper Der König von Lahore: ein Stück über verbotene Liebe im
fernen Indien. Massenets Aufstieg zur Weltberühmtheit erfolgt
schließlich 1884 mit Manon.
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In seinem musikalischen Porträt der Kindfrau Manon, in dem
sich dirnenhafte Besitzgier und klösterliche Naivität mischen,
erkennt die Gesellschaft der französischen Gründerjahre ein
Wunschbild eigener, durch Konventionen unterdrückter Lüste.
Das wird besonders deutlich in jener Szene, die im Kloster Saint-
Sulpice spielt: Manon hat ihren ersten Liebhaber, den Chevalier
Des Grieux, aus einem banalen Grund verlassen – Des Grieux
war seiner Mesalliance wegen vom väterlichen Erbe ausgeschlossen
worden. Während sich Manon in der Halbwelt tummelt und
sich bewundern lässt, sagt Des Grieux allem Weltlichen Adieu
und schlüpft als Abbé in ein Priestergewand. In Saint-Sulpice
nun versucht Manon ihn zurückzugewinnen. Während aus der
Kirche ein vierstimmiges Magnificat dringt, findet auch Manon
zu einem kurzen Moment des Gebets: Sie betet um Des Grieux’
Liebe!
Als sie dem Angebeteten nun in der Kirche ihre nach wie vor
glühende Liebe gesteht, wirft er ihr entrüstet die blasphemische
Entweihung des geheiligten Ortes vor – der Hörer merkt sofort,
dass sich Manons «je t’aime» und Des Grieux’ «blasphème» aufeinander
reimen. Nach den langgezogenen, sinnlichen Melodiebögen,
die Massenet hier in fast nachahmender Bildlichkeit
komponiert hat, beendet ein abruptes Pizzicato der Streicher
alles Werben. Das ist der Punkt, an dem Des Grieux klar ist, dass
er nicht mehr zurück kann. Eine Rückkehr in das keuschheitsschützende
Ornat wird es nicht mehr geben. Darin liegt Manons
sinnlicher Triumph inmitten der Kirchenmauern: Es ist ein Sieg
der Libertinage und ein Sieg der Weiblichkeit auf dem Weg der
Emanzipation.
Rütteln an Tabus
Mit Manon stellt Massenet endgültig eine seiner Spezialitäten
unter Beweis: die Erotisierung eines sakralen Umfelds. Aus dem
Jesus-oder Marienkitsch seiner Anfänge ist ein Spiel geworden
um den Lust- und Sinngewinn des Menschen gegen vorgegebene
Tabus. Das ist frivol, doch Claude Debussy meint zu Recht: «Andererseits
ist aber auch bekannt, von welchen nicht enden wollenden
Schauern, Erregungen, Liebesausbrüchen diese Musik
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geschüttelt wird. Die Harmonien sind wie menschliche Arme,
die Melodien wie Nacken, die von diesen Armen umschlungen
werden; man neigt sich über Frauenstirnen, weil man um alles in
der Welt wissen möchte, was sich hinter diesen Stirnen verbirgt.»
Heute wissen wir, was sich dahinter verbirgt: Der Anspruch auf
ein eigenes Liebes- und Lebensglück, auch gegen herrschende
Wert- und Ordnungsvorstellungen. Was Debussy in Massenets
Opern als weibliche Seelengeschichte wahrnimmt, dieser emotionale
Lobpreis von Verführerinnen, Ehebrecherinnen, Dirnen
und Mörderinnen, markiert eine wichtige Station unserer Sozialgeschichte.
Ein Stück Literaturgeschichte
Neben der auf Gustave Flaubert zurückgehenden Hérodïade, der
auf Abbé Prévost basierenden Manon und der Goethe-Vertonung
des Werther wird Jules Massenet zum Vorkämpfer der Literaturoper
des 20. Jahrhunderts, allerdings mit einem entscheidenden
Unterschied: Bei Massenet, wie auch bei Gounods Faust, Verdis
Traviata und Bizets Carmen, wird die Vorlage keineswegs detailgetreu
in das Medium des Musiktheaters umgesetzt.
Antoine-François Prévost d’Exiles – verkürzt ist er als Abbé Prévost
in die Literaturgeschichte eingegangen – war eine für das
Ancien Régime charakteristische Persönlichkeit: schillernd, gewandt,
geistreich, aber ebenso zynisch, amoralisch und exzentrisch.
Sein Roman L’histoire du Chevalier des Grieux et de Manon
Lescaut (Die Geschichte des Ritters Des Grieux und Manon Lescauts)
erschien erstmals im Jahre 1731 als siebter Teil der Mémoires
et aventures d’un homme de qualité (Erinnerungen und Abenteuer
eines Mannes von Stande); 1753 folgte eine überarbeitete und in
einigen Fragen der Moral abgemilderte Version.
Was dieses Werk aus der Fülle an zeitgenössischen Liebesromanen
heraushebt, sind vor allem die zukunftsweisenden Momente:
Die Liebe erscheint nun nicht mehr als Zustand ritterlicher Glückseligkeit,
Prévost schildert sie als ein hereinbrechendes, unkontrollierbares
Naturereignis, dem die Protagonisten willen- und
22

Manons französischer und italienischer Liebhaber
Als Giacomo Puccini (1858–1924) bei der Arbeit an Manon
Lescaut (1893 Turin) gefragt wurde, warum er nur wenige
Jahre Jahre nach dem großen Erfolg von Massenets Manon
(1884 Paris) schon wieder eine Oper über denselben Romanstoff
aus dem 18. Jahrhundert komponieren wolle, schrieb
er seinem Verleger: «Warum sollte es nicht zwei Opern über
Manon geben? Eine Frau wie Manon kann durchaus mehr als
einen einzigen Liebhaber haben. Massenet hat die Oper erspürt
aus der Perspektive eines französischen Mannes, mit
Puder und Menuetten. Ich empfinde sie wie ein Italiener,
mit verzweifelter Leidenschaft!»
schutzlos ausgeliefert sind. Darüber hinaus weist Prévost literargeschichtlich
einen Weg in die Zukunft: zum einen, indem er
seinen Helden Des Grieux mehrere psychologisch geschickte Betrachtungen
und Selbstreflexionen anstellen lässt, zum anderen,
indem er eine moderne Erzähltechnik wählt – die des doppelten
Ich: Sowohl die Rahmenhandlung als auch die Geschichte selbst
wird aus der Ich-Perspektive erzählt.
Der Stoff macht schnell Karriere. Nicht nur, dass in der Literatur
Werke wie Goethes Werther ohne Prévosts Roman kaum denkbar
gewesen wären, auch als Oper, Operette und Ballett bleibt die
Geschichte von Manon lebendig: bei Jacques Halévy (1830) und
bei Auber (1856), bei Puccini (1893) und in Boulevard Solitude
von Hans Werner Henze (1952). Und auch im Film überlebt die
Geschichte, wenn auch etwas klischeehaft ins 20. Jahrhundert
übertragen in Jean Aurels Manon 70 mit Catherine Deneuve.
Vom Roman zur Oper
Inwiefern eignet sich die Romanvorlage für eine Umsetzung auf
der Opernbühne? Zunächst einmal durch die Länge: Prévosts
Roman könnte auch als etwas zu lang geratene Novelle durchgehen,
Nebenhandlungen werden vermieden, und die Zahl der
Protagonisten bleibt überschaubar. Eine Bühnen-Adaption wird
überdies erleichtert durch das bereits im Roman enthaltene sogenannte
Dreiecksverhältnis – zwei Liebende, ein Widersacher –
sowie durch die Tatsache, dass sich bei Prévost einige Episoden
in nur leicht abgewandelter Abfolge wiederholen. Insofern hatten
die Librettisten Henri Meilhac und Philippe Gille ein ver-
23

gleichsweise leichtes Spiel: Sie konnten die Handlung für die
Bühnenversion straffen, indem etwa Manon, die im Roman drei
Mal den Verführungskünsten reicher Roués erliegt und ihren
Freund verlässt, in der Oper ihren Geliebten nur ein Mal – sozusagen
modellhaft – aufgibt.
Einige Szenen allerdings mussten abgemildert werden: Während
die Verhaftungsszene in der Oper, als Des Grieux und Manon
des Falschspiels verdächtigt werden, eher zügig vonstattengeht,
hat sie im Roman eine ungleich größere Gewichtung: Des Grieux
sucht Manon im Palast des Rivalen auf, nachdem er einige Schurken
dafür bezahlt hat, diesen zu entführen; doch beim vertraulichen
Rendezvous taucht auf einmal dessen Vater auf, und Des
Grieux landet daraufhin mit seiner Geliebten gemeinsam in
Gewahrsam.
Auch das Ende ist anders gestaltet: Bei Prévost spielt das «finale
furioso» oder «finale tragico» im fernen Amerika, in New Orleans
(damals eine französische Kolonie), von wo das Liebespaar erneut
– ein letztes Mal – fliehen muss, bevor Manon in den Weiten
der Wüste an den Strapazen stirbt. Diese Episode haben Meilhac
und Gille mit einem dramaturgisch schlüssigen Kunstgriff verknappt:
Manon stirbt bereits auf dem Weg von Paris nach Le Havre.
Dabei bauen sie ein zusätzliches retardierendes Moment ein:
Manon, die weiß, dass sie durch ihre Treulosigkeit die Katastrophe
erst ausgelöst hat, reflektiert ihre schönen und traurigen
Momente. Manon, die sich auf ihre Weise gegen eine Männerwelt
auflehnt – Erotik innerhalb von Kirchenmauern! –, schaut
am Ende voller Nostalgie auf das Vergangene zurück. Massenet
bringt solche Momente des Erinnerns in seiner Oper mehrfach
in Verbindung mit alten Tanzformen wie der Gavotte zum Ausdruck;
denn seine Manon ist, anders als bei Prévost, eine Frau,
die immer wieder heimgesucht wird von Ahnungen und Erinnerungen
– nicht erst im Moment des Sterbens.
Auf Wagners Spuren
Massenets Manon war ein Auftragswerk der Opéra-Comique –
und Massenet hat den Namen des Opernhauses in seine Partitur
25

übernommen. Das mag verwundern, denn eine ‹komische Oper›
ist Manon, allein wegen ihres Endes, sicher nicht. Oder doch? Zu
den wesentlichen Merkmalen der Gattung Opéra-Comique zählt
die Ausgestaltung eines spezifischen Ambientes, die «couleur
locale», die man bei Massenet sehr wohl finden kann. Außerdem
haben die Librettisten mit Poussette, Javotte und Rosette
drei Figuren gegenüber der Romanvorlage hinzuerfunden: drei
junge Damen, die stets zu Scherzen und Späßen aufgelegt sind.
Sie verkörpern ungehemmte Lebenslust, was bei Massenet unverblümt
durch rasche Tempi, Staccati-Ketten, dominierende
Holzbläser (Piccoloflöte!), punktierte Rhythmen und einige tonmalerische
Effekte zum Ausdruck kommt.
Am 19. Januar 1884 fand die Uraufführung in besagter Opéra-
Comique statt. Obwohl der Abend zum Erfolg wurde, reagierte
die Kritik verhalten, glaubte man doch, zahlreiche Wagnérismen
entdeckt zu haben. Aus heutiger Sicht erscheint das merkwürdig.
Was die schreibende Zunft damals ärgerte, war die Aufwertung
des Orchesters im Vergleich zu früheren Opern: Jeder Akt hat
sein eigenes Vorspiel, jeder sein eigenes Nachspiel. Immer verweist
das Orchester auf künftiges Geschehen, immer wieder
charakterisiert das Orchester Personen und Situationen, stets
behält das Orchester das letzte Wort.
Fast alles wie bei Wagner… nur nicht so ganz.
26

«Donc au revoir!»
Une lettre de Tchaïkovski à Massenet
Cher maître!
Dresde 17 février 1889
Votre bonne lettre m’a rattrapé à Dresde et je m’empresse de
vous dire que j’ai été on ne peut plus content et heureux de ce
que vous ayez accepté notre invitation. Vous ne sauriez croire
combien on s’en réjouira à Moscou, où j’ai déjà annoncé par
télégraphe la bonne nouvelle.
Je serai à Paris dans le courant du mois de mars et tâcherai de
vous voir ne fut-ce que pour un moment pour vous remercier
de vive voix et aussi pour obtenir des renseignements plus ou
moins précis quant à la date de votre concert moscovite.
Donc au revoir! Recevez l’expression de ma vive admiration
et de ma grande reconnaissance!
P. Tchaïkovski
Tchaïkovski invita donc Massenet à Moscou – mais c’est à la
Philharmonie que vous pourrez écouter Eugène Onéguine
de compositeur russe à l’occasion du prochain «Operconcert
am Summer» le 11.07.2014.
Page de droite:
Piotr Ilitch Tchaïkovski à Paris en 1888
(Photographie Atelier Reutlinger)
28

Orchestre Philharmonique
du Luxembourg
Emmanuel Krivine
Directeur musical
Konzertmeister
Philippe Koch
Haoxing Liang
Premiers violons /
Erste Violinen
Fabian Perdichizzi
Nelly Guignard
Matthieu Handtschoewercker
Daniel Anciaux
Michael Bouvet
Yulia Fedorova
Larry Francini
Andréa Garnier
Silja Geirhardsdottir
Jean-Emmanuel Grebet
Attila Keresztesi
Na Li
Darko Milowich
Damien Pardoen
Angela Münchow-Rathjen
Fabienne Welter
Seconds violons /
Zweite Violinen
Osamu Yaguchi
NN
NN
Irène Chatzisavas
Jorge Cruz
Mihajlo Dudar
Sébastien Grébille
Marina Kalisky
Jun Qiang
Andreas Stypulkowski
Ko Taniguchi
Gisela Todd
Xavier Vander Linden
Rhonda Wilkinson
Barbara Witzel
NN
Altos / Bratschen
Ilan Schneider
Dagmar Ondracek
Kris Landsverk
Pascal Anciaux
Jean-Marc Apap
Olivier Coupé
Aram Diulgerian
Claire Foehr
Bernhard Kaiser
Olivier Kauffmann
Utz Koester
Petar Mladenovic
Violoncelles / Violoncelli
Aleksandr Khramouchin
Ilia Laporev
Niall Brown
Xavier Bacquart
Vincent Gérin
Sehee Kim
Katrin Reutlinger
Marie Sapey-Triomphe
Karoly Sütö
Laurence Vautrin
Esther Wohlgemuth
30

Contrebasses / Kontrabässe
Thierry Gavard
Eckhard Rudolph
Dariusz Wisniewski
Gilles Desmaris
Gabriela Fragner
André Kieffer
Benoît Legot
Isabelle Vienne
Flûtes / Flöten
Etienne Plasman
Markus Brönnimann
Hélène Boulègue
Christophe Nussbaumer
Hautbois / Oboen
Fabrice Mélinon
Philippe Gonzalez
Anne-Catherine Bouvet-Bitsch
Olivier Germani
Clarinettes / Klarinetten
Olivier Dartevelle
Jean-Philippe Vivier
Bruno Guignard
Emmanuel Chaussade
Bassons / Fagotte
David Sattler
Etienne Buet
François Baptiste
Stéphane Gautier-Chevreux
Trompettes / Trompeten
Adam Rixer
Simon Van Hoecke
Isabelle Marois
Niels Vind
Trombones / Posaunen
Gilles Héritier
Léon Ni
James Kent
Trombone basse / Bassposaune
Vincent Debès
Tuba
Csaba Szalay
Timbales / Pauken
Simon Stierle
Benjamin Schäfer
Percussions / Schlagzeug
Béatrice Daudin
Benjamin Schäfer
Klaus Brettschneider
Harpe / Harfe
Catherine Beynon
Cors / Hörner
Miklós Nagy
Leo Halsdorf
Kerry Turner
Marc Bouchard
Patrick Coljon
Mark Olson
31

Interprètes
Biographies
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Orchestre Philharmonique du Luxembourg
Emmanuel Krivine Directeur musical
L’Orchestre Philharmonique du Luxembourg (OPL) incarne la
vitalité culturelle de ce pays à travers toute l’Europe depuis ses
débuts éclatants en 1933 sous l’égide de Radio Luxembourg
(RTL). Depuis 1996, l’OPL est missionné par l’État. Il entre en
2005 en résidence à la Philharmonie Luxembourg, une salle parmi
les plus prestigieuses d’Europe avec laquelle il forme une seule
entité depuis janvier 2012.
L’OPL est particulièrement réputé pour l’élégance de sa sonorité.
L’acoustique exceptionnelle de la Philharmonie Luxembourg,
vantée par les plus grands orchestres, chefs et solistes du monde,
les relations de longue date de l’orchestre avec des maisons
telles que la Salle Pleyel à Paris et le Concertgebouw d’Amsterdam,
des festivals tels que Musica à Strasbourg et Ars Musica
à Bruxelles, contribuent à cette réputation. Mais c’est surtout
l’alliage de musicalité et de précision de son directeur musical,
Emmanuel Krivine, ainsi que la collaboration intensive de l’orchestre
avec des personnalités musicales de premier plan (Evgeny
Kissin, Julia Fischer, Jean-Yves Thibaudet, Jean-Guihen Queyras,
etc.), qui lui assurent une place de choix dans le paysage musical.
C’est ce dont témoigne par exemple la liste impressionnante
des prix du disque remportés ces seules six dernières années
pour une vingtaine d’enregistrements (Grand Prix Charles Cros,
Victoires de la musique classique, Orphée d’Or de l’Académie
du Disque Lyrique, Preis der Deutschen Schallplattenkritik, Télérama
ffff, Pizzicato Excellentia, IRR Outstanding, BBC Music
32

Orchestre Philharmonique du Luxembourg
(Photo: Blitz)
Choice, ainsi que plusieurs Diapasons d’Or, Chocs du Monde
de la Musique, Pizzicato Supersonic, Classica R10, parmi bien
d’autres distinctions).
Actuellement dans sa sixième saison, Emmanuel Krivine est le
sixième Directeur musical de l’OPL (après Henri Pensis, Louis
de Froment, Leopold Hager, David Shallon et Bramwell Tovey).
Disciple de Karl Böhm, Emmanuel Krivine tient à l’idéal d’un
orchestre symphonique s’adaptant à tous les langages et répertoires
disponibles. Cette ouverture et la clarté de ses interprétations
ont permis à l’OPL de s’établir comme «un orchestre
clair et élégant, d’une belle palette de couleurs» (Le Figaro),
«libre de tout décorum et autres nébuleuses, doté d’un style
sûr et d’une attention portée aux détails de chacune des pièces»
(WDR). Outre le répertoire classique et romantique, la musique
du 20 e et du 21 e siècle occupe une place importante dans la programmation
de l’orchestre: des œuvres d’Ivo Malec, Hugues
Dufourt, Toshio Hosokawa, Klaus Huber, Bernd Alois Zimmermann,
Helmut Lachenmann, Georges Lentz, Philippe Gaubert, Gabriel
33

Pierné, Arthur Honegger et bien d’autres, sont régulièrement
interprétées par l’orchestre, qui a par ailleurs enregistré l’intégrale
de l’œuvre orchestral de Iannis Xenakis.
Cette diversité se reflète également dans la variété des manifestations
auxquelles l’OPL participe: productions lyriques au
Grand Théâtre de Luxembourg, ciné-concerts tels que «Live
Cinema» avec la Cinémathèque de la Ville de Luxembourg, soirées
«Pops at the Phil» avec des stars telles que Patti Austin,
Dionne Warwick, Maurane ou Angélique Kidjo, concerts en plein
air avec des groupes de jazz ou de rock lors de la Fête de la
Musique, etc. On compte entre autres, parmi les partenaires
musiciens de la saison 2012/13, les solistes Anna Caterina Antonacci,
Gautier et Renaud Capuçon, Eric Cutler, Veronika Eberle,
Susanne Elmark, Isabelle Faust, Nelson Freire, Martin Fröst,
François-Frédéric Guy, Igor Levit, Radu Lupu, Tedi Papavrami,
Jean-Guihen Queyras, Julian Rachlin et Albina Shagimuratova,
ou encore les chefs Christoph Altstaedt, Frans Brüggen, Pierre
Cao, Reinhard Goebel, Jakub Hrůša, Eliahu Inbal, Alexander Liebreich,
Susanna Mälkki, Kazushi Ono, Pascal Rophé, Thomas
Søndergård, Lucas Vis, Jan Willem de Vriend, Gast Waltzing et
Lothar Zagrosek.
Un répertoire et un public très larges, l’estime de musiciens de
très haut vol – à ces points communs de l’OPL avec la Philharmonie
Luxembourg, s’en ajoute un autre: l’importance accordée
à une médiation musicale pleine d’invention, à destination des
enfants et adolescents, mais aussi des adultes. Depuis 2003,
le département éducatif de l’orchestre, «login:music», organise
des concerts et des ateliers pour les scolaires, les enfants et
les familles, produit des DVD, programme des «concerts de
poche» dans les écoles et les hôpitaux et fait participer des
classes à la préparation de concerts d’abonnements. Il produit
également le cycle «Dating:» qui, avec l’aide de comédiens et
de supports multimédias, fait découvrir des œuvres de compositeurs
variés.
En accord avec son pays, le Grand-Duché du Luxembourg, l’OPL
s’ouvre à l’Europe et sur le monde. L’orchestre avec ses 98
musiciens, issus d’une vingtaine de nations (dont les deux tiers
viennent du Luxembourg ou des pays limitrophes: France, Alle-
35

Il y a 80 ans…
L’Orchestre Philharmonique du Luxembourg
jouait son premier concert le 15 juillet 1933
La première soirée «Operconcert am Summer» de l’Orchestre Philharmonique
du Luxembourg marque la fin de la saison 2012/13 – et également
un jubilé remarquable: il y a près de 80 ans (le 15 juillet 1933
à 19:00 heures), Henri Pensis entamait le concert fondateur de l’orchestre
au studio de Radio Luxemburg – d’ailleurs avec l’ouverture d’un opéra
français.
Fondé en tant qu’orchestre de Radio Luxembourg (RTL), il est missionné
par l’État depuis 1996 et devient l’Orchestre Philharmonique du Luxembourg.
Il entre en 2005 en résidence à la Philharmonie avec laquelle il
forme une seule entité depuis 2012.
L’orchestre de Radio Luxembourg sous la direction de son chef fondateur, Henri Pensis
(1900–1958), au vieux studio à la Villa Lovigny lors de sa première saison 1933/34
37

Viele Sprachen und Stile
gleich von Anfang an
Das Luxemburger Orchester im Juli 1933
38
Am Vorabend des allerersten Konzerts des Luxemburger Orchesters erschien im
Luxemburger Wort vom 14.07.1933 dieser Artikel von Batty Weber, der zuvor eine der
Proben im alten Stadttheater besucht hatte. Wie der Anfang des Textes zeigt: Schon
zur Zeit seiner Gründung war das heutige Orchestre Philharmonique du Luxembourg
international und mehrsprachig…

..................................................................................................................
Samedi / Samstag / Saturday 15.07.1933 19:00
«Concert varié»
François-Adrien Boieldieu (1775–1834)
La Dame blanche (Die weiße Dame): Ouverture (1825)
Léo Délibes (1836–1891)
La Source. Suite (1866)
Felix Weingartner (1863–1942)
«Liebesfeier» op. 16 N° 1 (Nikolaus Lenau, –1894)
Giulio De Micheli (1899–1940)
«Bébé joue au soldat»
Franz Liszt (1811–1886)
Ungarische Rhapsodie N° 14 (1846)
(arr. Franz Liszt und Franz Doppler, 1857–1860)
..................................................................................................................
Jeudi / Donnerstag / Thursday 20.07.1933
Carl Maria von Weber (1786–1828)
Oberon JV 306: Ouvertüre (1826)
Felix Mendelssohn Bartholdy (1809–1847)
Musik zu Ein Sommernachtstraum (Le Songe d’une nuit d’été) op. 61
N° 1: Scherzo (1843)
Richard Strauss (1864–1949)
Der Rosenkavalier (Le Chevalier à la rose) op. 59 (Auszüge, 1910–1946)
Richard Wagner (1813–1883)
Die Meistersinger von Nürnberg (Les Maîtres Chanteurs de
Nuremberg) WWV 96: Vorspiel (Prélude) (1867)
… und ebenso zeigt sich das Orchester schon zur Zeit seiner Gründung spürbar
vielseitig: Im Anschluss an das leichte, unterhaltsame Programm des ersten Konzerts
(nicht im Konzertsaal, sondern über Radio Luxembourg ausgestrahlt) folgten insgesamt
16 Konzerte im August und September 1933 mit Komponisten von Pietro Nardini
(1722–1793) über Arnold Schönberg (1874–1951) bis hin zu Rio Gebhardt (1907–1944),
darunter Haydn, Mozart, Beethoven, Tschaikowsky, Liszt, Borodin, Dvořák, Janáček,
Bruch, Grieg, Franck, Albéniz, Rossini, Bizet, Saint-Saëns und Vieuxtemps – sowie
übrigens auch Massenet.
39

«Das Orchester von Radio
Luxembourg ist wirklich gut»
Der rasante internationale Erfolg des OPL
in seinen frühen Jahren als Rundfunkorchester
40
56 öffentliche und Studio-Konzerte von Juli bis Dezember 1933, 174 Konzerte (!) plus
etliche Unterhaltungssendungen im Jahr 1934 – das Orchester absolviert in der Gründungsphase
unter seinem Chefdirigenten ein enormes Pensum und eignet sich schnell
ein breites Repertoire an. Als Gäste kommen bald die renommiertesten Instrumentalsolisten
der damaligen Zeit, 1934 beispielsweise Elly Ney, Gregor Piatigorsky und
Maurice Maréchal, 1935 Arthur Rubinstein, Joseph Szigeti, Emanuel Feuermann,
Pierre Fournier und Jacques Thibaud, 1936 Gaspar Cassadó, Georges Enescu, Robert
Casadeus, 1937 und 1938 folgt u.a. eine intensive Zusammenarbeit mit Béla Bartók.
Der internationale Erfolg des jungen Ensembles lässt nicht lange auf sich warten: Nach
dem Konzert am 29.08.1937 im Pariser Théátre des Champs-Élysées bezeichnet die
New York Times das Luxemburger Orchester als «eines der besten Rundfunkorchester
Europas» und lobt die «herausragende Subtilität» seiner Debussy-Interpretation.

magne et Belgique) affirme sa présence dans la Grande Région
par un large éventail de concerts et d’activités. Les tournées
mènent l’OPL dans de nombreux centres musicaux à travers
l’Europe (dont Paris, Vienne, Berlin, Munich, Francfort, Salzbourg,
Bruxelles, Amsterdam, Londres, Athènes, Prague, Naples, Rome
et Moscou) ainsi que vers l’Asie et les États-Unis. Les concerts
de l’OPL sont régulièrement retransmis par la radio luxembourgeoise
100,7 et diffusés sur le réseau de l’Union européenne
de radio-télévision (UER).
L’OPL est subventionné par le Ministère de la Culture du Grand-
Duché, ainsi que par la Ville de Luxembourg. Ses partenaires
sont la BGL BNP Paribas, la Garage Arnold Kontz, HSBC, KBL
European Private Bankers et P&T. L’OPL bénéficie de la mise à
disposition par BGL BNP Paribas du violoncelle «Le Luxembourgeois»
de Matteo Goffriller.
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Orchestre Philharmonique du Luxembourg
Emmanuel Krivine Music director
The orchestra of the Grand Duchy, the Orchestre Philharmonique
du Luxembourg (OPL), represents a very dynamic part of the
culture of its country. Since its stunning debut in 1933 under
the aegis of Radio Luxembourg (RTL), the orchestra has been
present all over Europe. Publicly administered since 1996, the
OPL has been, since 2005, in residence at the Philharmonie
Luxembourg, one of the most prestigious concert halls in Europe.
Since January 2012 both institutions have formed one and the
same entity.
The acoustics of its residence, praised by great orchestras, conductors
and soloists all over the world, its long-standing connections
with institutions like the Salle Pleyel in Paris and the Amsterdam
Concertgebouw and with festivals like Musica (Strasbourg)
and Ars Musica (Brussels) have contributed to making
the OPL an orchestra renowned for the elegance of its sonority.
Moreover, the precision and musicality of its music director,
Emmanuel Krivine, and the orchestra’s close collaboration with
first-rate musical personalities such as Evgeny Kissin, Julia
Fischer, Jean-Yves Thibaudet and Jean-Guihen Queyras have
42

consolidated the orchestra’s reputation. Its standing has been
confirmed by an impressive list of prizes awarded for some
twenty CDs, all released in the last six years: Grand Prix Charles
Cros, Victoires de la musique classique, Orphée d’Or de l’Académie
du Disque Lyrique, Preis der Deutschen Schallplattenkritik,
Télérama ffff, Pizzicato Excellentia, IRR Outstanding, BBC
Music Choice, as well as several Diapasons d’Or, Choc du Monde
de la Musique, Pizzicato Supersonic, Classica R10 and many
others.
Now in his sixth season, Emmanuel Krivine is the sixth music
director of the OPL (after Henri Pensis, Louis de Froment,
Leopold Hager, David Shallon and Bramwell Tovey). A disciple
of Karl Böhm, Emmanuel Krivine holds to the ideal of a symphony
orchestra, adapting to all available idioms and repertoires. This
open attitude and the clarity of his readings have enabled the
OPL to make a name for itself as «a transparent, elegant orchestra
with a beautiful palette of colours» (Le Figaro), «free from
anything flowery or nebulous but imbued with stylistic security
and attuned to the specific qualities of each piece» (WDR).
Alongside the classic and romantic repertoire, the orchestra’s
programme reserves an important place for music of the twentieth
and twenty-first centuries: works by Ivo Malec, Hugues
Dufourt, Toshio Hosokawa, Klaus Huber, Bernd Alois Zimmermann,
Helmut Lachenmann, Georges Lentz, Philippe Gaubert,
Gabriel Pierné, Arthur Honegger and many others are regularly
performed. The orchestra has also recorded the complete orchestral
works of Iannis Xenakis.
The orchestra demonstrates its diversity with regular opera productions
staged at the Grand Théâtre de Luxembourg; film concerts
like «Live Cinema» in collaboration with the Cinémathèque
de la Ville de Luxembourg; «Pops at the Phil» evenings with such
stars as Patti Austin, Dionne Warwick, Maurane and Angélique
Kidjo; open-air concerts with jazz and rock groups as part of the
Fête de la Musique and so on. Soloists featured in the 2012/13
season include Anna Caterina Antonacci, Gautier and Renaud
Capuçon, Eric Cutler, Veronika Eberle, Susanne Elmark, Isabelle
Faust, Nelson Freire, Martin Fröst, François-Frédéric Guy, Igor
Levit, Radu Lupu, Tedi Papavrami, Jean-Guihen Queyras, Julian
43

Rachlin and Albina Shagimuratova, and conductors Christoph
Altstaedt, Frans Brüggen, Pierre Cao, Reinhard Goebel, Jakub
Hrůša, Eliahu Inbal, Alexander Liebreich, Susanna Mälkki, Kazushi
Ono, Pascal Rophé, Thomas Søndergård, Lucas Vis, Jan Willem
de Vriend, Gast Waltzing and Lothar Zagrosek.
Alongside its extensive repertoire and wide-ranging audiences,
as well as the esteem of high calibre musicians, one further point
links the OPL and the Philharmonie Luxembourg: the importance
they both attach to innovative education and outreach activities
for children, teenagers and adults. Since 2003, the orchestra’s
own music education team «login:music» has organised concerts
and workshops for schools, children and families; DVD productions
as well as ‹pocket concerts› in schools and hospitals.
In addition, it prepares school classes for subscription concerts
with music appreciation workshops, and it arranges the «Dating:»
cycle, which draws on actors and multi-media tools for
encounters with the works of selected composers.
The Grand Duchy of Luxembourg and the OPL share a common
spirit of openness towards Europe and the world. The 98 musicians
hailing from some 20 different nations (two thirds from
Luxembourg and its neighbour countries France, Germany and
Belgium) are active throughout the Greater Region with numerous
concerts and activities. Tours take the orchestra to many music
venues in Europe (including Paris, Vienna, Berlin, Munich, Frankfurt,
Salzburg, Brussels, Amsterdam, London, Athens, Prague,
Naples, Rome and Moscow) as well as in Asia and the USA.
OPL concerts are regularly broadcast by Luxembourg radio
100,7 and internationally by the European Broadcasting Union
(EBU).
The OPL is supported financially by the Ministry of Culture of
the Grand Duchy and by the City of Luxembourg. Its partners
are BGL BNP Paribas as well as Garage Arnold Kontz, HSBC,
KBL European Private Bankers and P&T. Since December 2012
a cello made by Matteo Goffriller (1659–1742) called «Le Luxembourgeois»
has been put at the OPL’s disposal by BGL BNP
Paribas.
45

Chœur de chambre les éléments
(photo: François Passerini)
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Chœur de chambre les éléments
Depuis sa création par Joël Suhubiette en 1997 à Toulouse, le
chœur de chambre les éléments est devenu l’un des chœurs
français les plus reconnus. Récompensés par l’Académie des
Beaux-Arts par le prix de la Fondation Liliane Bettencourt pour
le chant choral et par une Victoire de la Musique Classique en
2006, les éléments s’illustrent dans les répertoires de la Renaissance
à la création contemporaine et commandent régulièrement
des œuvres aux compositeurs d’aujourd’hui. A cappella,
avec ensemble instrumental, en oratorio, l’ensemble se produit
sur les plus grandes scènes nationales et internationales (Canada,
États-Unis, Liban, Egypte, Espagne, Allemagne, Angleterre, Pays-
Bas, Italie, Suisse). Le chœur de chambre est fréquemment
invité par des orchestres et chefs de renom tels que Philippe
Herreweghe, Christophe Rousset, Jérémie Rhorer, Emmanuel
Krivine et Marc Minkowski; il collabore avec l’Orchestre National
du Capitole de Toulouse, et pour des productions scéniques,
avec l’Opéra-Comique et le Théâtre des Champs-Élysées. Les
éléments enregistrent sous la direction de Joël Suhubiette pour
L’Empreinte digitale, Hortus, Virgin Classics et Naïve. Le chœur
de chambre les éléments est un ensemble conventionné par
le Ministère de la Culture et de la Communication – Direction
Régionale des Affaires Culturelles de Midi-Pyrénées, par la Région
Midi-Pyrénées et par la Ville de Toulouse. Il est subvention-
46

né par le Conseil Général de la Haute-Garonne. Il est soutenu
par la Sacem, la Spedidam, l’Adami, le FCM. Les éléments sont
membres de la Fevis et du Profedim. Il est accueilli en résidence
depuis 2001 à Odyssud Blagnac et depuis 2006 à l’Abbaye-école
de Sorèze. La saison 2012/13 des éléments est réalisée en partenariat
avec la Société Générale, Toulouse School of Economics,
Editions Efi et le Groupe La Dépêche du Midi. Mécénat Musical
Société Générale est le mécène principal du chœur de chambre
les éléments.
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Chœur de chambre les éléments
Founded in 1997, the chamber choir les éléments, conducted
by its founder Joël Suhubiette, has in just a few years established
itself as one of the leading lights of French choral life.
In 2005, the group won the Prix Liliane Bettencourt for choral
singing awarded by the Academy of Fine Arts of the Institut de
France, and in 2006 they were Ensemble of the Year at the Victoires
de la Musique Classique awards. They have performed
at the most prestigious venues in France, and have also been
invited to appear in Canada, USA, Lebanon, Egypt, Spain, Germany,
Great Britain, the Netherlands, Italy and Switzerland.
The ensemble is often invited as guests by conductors such
as Philippe Herreweghe, Christophe Rousset, Jérémie Rhorer,
Emmanuel Krivine and Marc Minkowski, by orchestras such as
the Orchestre National du Capitole de Toulouse and by opera
houses such as the Paris Opéra Comique and the Théâtre des
Champs-Élysées. The chamber choir is usually recording under
the direction of Joël Suhubiette for L’Empreinte digitale, Hortus,
Virgin Classics and Naïve. Les éléments is recognised by the
Ministry of Culture and Communication – DRAC (Regional Direction
of Cultural Affairs) of Midi-Pyrenees, by the Midi-Pyrenees
Regional Council and the Mayor of Toulouse. It receives
subsidies from and the General Council of the Haute-Garonne
department. It is supported by Sacem (musical copyright protection
association), Spedidam (Internet copyright protection association),
Adami (performing rights association) and the FCM.
The chamber choir les éléments is member of Fevis (federation
47

musical and vocal groups) and Profidem (syndicate of musical
and vocal groups). Since 2001 they have enjoyed a residency at
Odyssud (Blagnac), and since 2006 another at the Abbey School
of Sorèze. The 2012/13 season is sponsored by Société Générale,
Toulouse School of Economics, Efi Editions and the La
Dépêche du Midi Group. Mécénat Musical Société Générale is
the main sponsor of the chamber choir les éléments.
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Christoph Altstaedt direction
Christoph Altstaedt a repris le poste de chef titulaire du Tiroler
Symphonieorchester Innsbruck au début de la saison 2011/12,
coïncidant avec la dernière année de Brigitte Fassbaender en
tant qu’intendante du Tiroler Landestheater. La saison dernière,
Altstaedt a dirigé une nouvelle production d’Idomeneo et en
2012/13, il a dirigé Médée de Cherubini. Cette saison, Altstaedt
a engagé les solistes Steven Isserlis (Concerto pour violoncelle
N° 1 de Dvořák), Radek Baborak, Mark Padmore (Serenade de
Britten) et Gidon Kremer. Altstaedt a également repris le poste
de maître de chapelle de la Deutsche Oper am Rhein à Düsseldorf,
où il a dirigé les productions de La Bohème, Carmen, Così
fan tutte, Le nozze di Figaro et Hänsel und Gretel. Cette saison,
Christoph Altstaedt s’est produit avec le Trondheim Symphony
Orchestra, l’Helsingborg Symphony Orchestra, la NDR
Radiophilharmonie Hannover, la Deutsche Kammerphilharmonie
Bremen et en janvier 2013, il a fait ses débuts au Royaume-
Uni avec le Royal Scottish National Orchestra. Très sollicité
pour la saison 2013/14, Altstaedt fera ses débuts avec les Stuttgarter
Philharmoniker, le Radio-Sinfonieorchester Stuttgart et
l’Auckland Philharmonia Orchestra. Il se produira également
avec la Deutsche Radio Philharmonie Saarbrücken Kaiserslautern,
l’Orchestre de l’Opéra de Marseille, la Junge Deutsche
Philharmonie et retrouvera la NDR Radiophilharmonie Hannover.
Récemment, il a été invité à se produire avec le Stuttgarter
Kammerorchester, le Münchner Kammerorchester au Kagan
Music Festival de Kreuth l’été 2012 et en concert avec la Potsdamer
Akademie dans le cadre des festivités de l’UNESCO à
Postdam. En août 2011, Altstaedt a dirigé le Bundesjugendor-
48

Christoph Altstaedt
(photo: Ben Ealovega)
chester allemand lors d’une importante tournée en Amérique
du Sud. De 2006 à 2007, Christoph Altstaedt a dirigé de nombreuses
productions à la Bayerische Staatsoper dont La traviata,
Die Zauberflöte et Werther. Ses engagements en tant que chef
invité incluent le MDR Sinfonieorchester Leipzig, les Bamberger
Symphoniker, la Staatskapelle Weimar, la Komische Oper Berlin
et le Beethovenorchester Bonn.
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Christoph Altstaedt conductor
Christoph Altstaedt took up the position of Chief Conductor
at the Tiroler Symphonieorchester Innsbruck at the beginning
of the 2011/12 season, which was Brigitte Fassbaender’s final
year as Intendant of Tiroler Landestheater. Last season, Altstaedt
conducted a new production of Idomeneo and in 2012/13
season he conducts Cherubini’s Médée. This season sees Alt-
49

staedt bring soloists to the orchestra including Steven Isserlis
(Dvořák’s Cello Concerto N° 1), Radek Baborak, Mark Padmore
(Britten’s Serenade) and Gidon Kremer. Altstaedt also holds the
post of Kapellmeister for Deutsche Oper am Rhein, Düsseldorf
where he conducts productions of La Bohème, Carmen, Così
fan tutte, Le nozze di Figaro and Hänsel und Gretel. This season,
Christoph Altstaedt appeared with the Trondheim Symphony
Orchestra, Helsingborg Symphony Orchestra, NDR Radiophilharmonie
Hannover, Deutsche Kammerphilharmonie Bremen and
in January 2013 made his UK debut with the Royal Scottish National
Orchestra. Further ahead in the 2013/14 season, Altstaedt
will make his debut with the Stuttgart Philharmonic, Radio-Sinfonieorchester
Stuttgart, and the Auckland Philharmonia Orchestra.
He will also perform with the Deutsche Radio Philharmonie
Saarbrücken Kaiserslautern, the orchestra of Opéra de Marseilles,
Junge Deutsche Philharmonie and return to NDR Radiophilharmonie
Hannover. Recent guest appearances included a
performance with the Stuttgarter Kammerorchester, Münchner
Kammerorchester at the Kagan Music Festival in Kreuth in Summer
2012 and a concert with the Potsdamer Akademie as part
of the UNESCO celebrations in Potsdam. In August 2011 Altstaedt
conducted Germany’s Bundesjugend-orchester on a major South
American tour. Between 2006 and 2007 Christoph Altstaedt
conducted a number of productions at the Munich State Opera
including La traviata, Die Zauberflöte and Werther. Guest conducting
engagements have included the MDR Sinfonieorchester
Leipzig, Bamberger Symphoniker, Staatskapelle Weimar, Komische
Oper Berlin and Beethovenorchester Bonn.
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Albina Shagimuratova soprano (Manon Lescaut)
La brillante soprano colorature russe Albina Shagimuratova a
été remarquée pour la première fois à l’échelle internationale
en remportant la Médaille d’Or au Concours Tchaïkovski de
Moscou en 2007. Depuis ses débuts lyriques européens dans
la Reine de la nuit de Mozart (Die Zauberflöte) au festival de
Salzbourg en août 2008 sous la direction de Riccardo Muti,
elle a été applaudie comme la Reine de la nuit en titre lors de
50

52
ses débuts dans des lieux aussi prestigieux que le Teatro alla
Scala de Milan, le Metropolitan Opera de New York, la Wiener
Staatsoper, la Hamburgische Staatsoper, la Deutsche Oper am
Rhein, la Deutsche Oper Berlin, le Théâtre du Bolchoï à Moscou,
le Lucerne Festival, ainsi que lors de ses débuts au Los
Angeles Opera. Les saisons prochaines, elle reprendra ce rôle
au Royal Opera House de Covent Garden, au Festival d’Aix-en-
Provence et à la Bayerische Staatsoper. De plus, elle fera ses
débuts au Royaume Uni dans Donna Anna (Don Giovanni) au
Glyndebourne Festival Opera et ses débuts dans le rôle-titre de
Lucia di Lammermoor au Houston Grand Opera. La saison dernière,
Albina s’est produite au Théâtre du Bolchoï (Ludmila dans
Ruslan et Ludmila), à la Deutsche Oper Berlin (Lucia di Lammermoor),
au Wiener Staatsoper (dans Die Zauberflöte, La Bohème,
La sonnambula, L’elisir d’amore), au Houston Grand Opera
(La traviata) et au San Francisco Opera (dans Die Zauberflöte
et Rigoletto). Elle a également fait ses débuts dans Antonida
(Une vie pour le tsar) au Festival de Radio France et de Montpellier.
Elle a fait ses débuts avec le Boston Symphony sous la
direction de Rafael Frühbeck de Burgos dans le Stabat mater
de Rossini, ses débuts au Maggio Musicale Fiorentino dans le
Requiem de Mozart avec Zubin Mehta, elle a également chanté
Flaminia dans la production rarement donnée d’Il mondo della
luna de Haydn avec le Gotham Chamber Opera à New York.
De plus, Albina Shagimuratova fera ses débuts dans la compagnie
du Royal Opera House de Covent Garden, en chantant la
Reine de la nuit et Aspasia (Mitridate), Gilda (Rigoletto) au San
Francisco Opera, au Houston Grand Opera et au Lyric Opera
of Chicago, et elle sera dans d’autres productions au Metropolitan
Opera de New York, à la Wiener Staatsoper et au Théâtre
du Bolchoï. Au concert, Albina Shagimuratova a chanté les soli
d’œuvres de Mozart, Beethoven, Rossini, Mahler et Fauré. Elle
chantera prochainement le War Requiem de Britten sous la
direction d’Ed Gardner avec le City of Birmingham Symphony
Orchestra. Elle est diplômée du Houston Grand Opera Studio
qu’elle a rejoint en 2006. Elle y a chanté, très applaudie, Die
Zauberflöte et La Bohème. Ses autres rôles à Houston incluent
Le marchand de sable et La Fée Rosée (Hänsel und Gretel).

Albina Shagimuratova
(photo: Andrei Bogdanov)
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Albina Shagimuratova soprano (Manon Lescaut)
Dazzling Russian coloratura soprano Albina Shagimuratova first
came to international attention as the winner of the Gold Medal
in the 2007 Tchaikovsky Competition in Moscow. Ever since her
European operatic debut as Mozart’s Queen of the Night (Die
Zauberflöte) at the Salzburg Festival in August 2008 under the
baton of Riccardo Muti, she has been celebrated as the reigning
Queen of the Night with company debuts at world famous
venues such as Teatro alla Scala Milan, Metropolitan Opera
New York, Vienna State Opera, Hamburg State Opera, Deutsche
Oper am Rhein, Deutsche Oper Berlin, Bolshoi Theatre Moscow,
Lucerne Festival, as well for her debut at Los Angeles
Opera. In future seasons she will reprise this part at the Royal
Opera House Covent Garden, Aix-en-Provence Festival and Munich
State Opera. Furthermore, she gave her UK debut singing
Donna Anna (Don Giovanni) at the Glyndebourne Festival
Opera and her role debut (title role) in Lucia di Lammermoor at
53

Eric Cutler
(photo: Dario Acosta)
Houston Grand Opera. Last season Albina appeared at the Bolshoi
Theatre (Lyudmila in Ruslan and Lyudmila), the Deutsche
Opera Berlin (Lucia di Lammermoor), Vienna Staatsoper (in
Die Zauberflöte, La Bohème, La sonnambula, L’elisir d’amore),
Houston Grand Opera (La traviata) and San Francisco Opera (in
Die Zauberflöte and Rigoletto). She also gave her role debut as
Antonida (A Life for the Tsar) at the Montpellier Festival of Radio
France. She made her Boston Symphony debut under the
baton of Rafael Frühbeck de Burgos in Rossini’s Stabat mater,
her debut at the Maggio Musicale Fiorentino singing Mozart’s
Requiem with Zubin Mehta, she also sang Flaminia in Haydn’s
rarely-performed Il mondo della luna with Gotham Chamber Opera
in New York. Looking ahead Ms Shagimuratova will give her
company debut at the Royal Opera House Covent Garden, singing
Queen of the Night and Aspasia (Mitridate), Gilda (Rigoletto)
at San Francisco Opera, Houston Grand Opera and Lyric Opera
of Chicago, and she will have further performances at Metropolitan
Opera New York, Vienna Staatsoper and Bolshoi Theatre.
Albina Shagimuratova’s extensive concert experience includes
54

eing a soloist in works by Mozart, Beethoven, Rossini, Mahler
and Fauré. Looking ahead she will sing Britten’s War Requiem
under the baton of Ed Gardner and the City of Birmingham
Symphony Orchestra. She is a graduate of the Houston Grand
Opera Studio, which she joined in 2006. There she sung both
the Die Zauberflöte and La Bohème with the company to great
acclaim. Other roles in Houston have included the Sandman
and Dew Fairy (Hänsel und Gretel).
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Eric Cutler ténor (Le Chevalier des Grieux)
La virtuosité vocale unique d’Eric Cutler a été applaudie dans
les plus grands opéras. Il s’est produit au Metropolitan Opera
de New York, à la Bayerische Staatsoper, au festival de Salzbourg,
au Royal Opera House de Covent Garden, au Teatro la
Fenice de Venise, au Lyric Opera of Chicago, au Théâtre Royal
de la Monnaie de Bruxelles, au Teatro dell’Opera de Rome, au
Houston Grand Opera, au Vlaamse Opera, au Grand Théâtre de
Genève, au Glyndebourne Festival, à l’Opéra National de Paris,
au Santa Fe Opera, et bien d’autres. Il collabore régulièrement
avec les prestigieux orchestres d’Europe et des États-Unis. Cutler
s’est spécialisé dans les répertoires français et italien du 19 e siècle.
Ses récents grands évènements incluent Leicester (Maria
Stuarda) à Houston, le rôle-titre de Faust au Greek National
Opera, et Raoul de Nangis (Les Huguenots) à La Monnaie. Dans
le répertoire français, il a également chanté Roméo et Juliette
de Gounod, Iopas (Les Troyens) sous la direction de Valery Gergiev
et James Levine, Nadir (Les Pêcheurs de perles) à Chicago,
le rôle-titre de La Damnation de Faust au Vlaamse Opera et
Léopold (La Juive) au Metropolitan Opera. Ses rôles en italien
incluent le Duc (Rigoletto) à Venise et Houston, Alfredo (La traviata)
à Munich, Ernesto (Don Pasquale) au Royal Opera House,
Arturo (I Puritani) au Metropolitan Opera aux côtés d’Anna Netrebko,
et Amenophis (Moïse et Pharaon) à la fois au festival
de Salzbourg et au Teatro dell’Opera de Rome sous la direction
de Riccardo Muti. Entre autres grands moments, on a pu
l’entendre dans une nouvelle production de Roi Roger de Szymanowski,
dans Tamino (Die Zauberflöte) aux festivals de Glyn-
55

debourne et d’Edimbourg sous la direction de Claudio Abbado,
Belmonte (Die Entführung aus dem Serail) à Houston et Madrid,
Ferrando (Così fan tutte) à Chicago sous la direction de Sir Andrew
Davis, et Don Ottavio (Don Giovanni) au Santa Fe Opera
sous la direction d’Alan Gilbert). Parmi les grands évènements
de la saison 2012/13, il est retourné au Metropolitan Opera pour
y chanter Iopas (Les Troyens) et on a pu l’entendre dans Leicester
(Maria Stuarda) à la Staatsoper Unter den Linden de Berlin.
Ses récents engagements au concert incluent le Stabat mater
de Rossini avec le Boston Symphony Orchestra sous la direction
de Rafael Frühbeck de Burgos, le Requiem de Berlioz avec
le Los Angeles Philharmonic sous la direction d’Esa-Pekka Salonen,
la Messe en ut mineur de Mozart et la Symphonie N° 9 de
Beethoven aux BBC Proms. Cutler est un ancient étudiant du
Lindemann Young Artists Development Programme du Metropolitan
Opera. Il a remporté en 2005 le Richard Tucker Award, et
auparavant le Study and Career Grants de la Tucker Foundation.
Il a également remporté le Martin E. Segal Award du Lincoln
Center et l’ARIA Award. Il vit actuellement en Allemagne avec
sa femme et son fils.
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Eric Cutler tenor (Le Chevalier des Grieux)
Eric Cutler’s uniquely virtuosic voice has been celebrated in the
world’s leading opera houses. He has appeared at the Metropolitan
Opera New York, the Munich State Opera, the Salzburg
Festival, the Royal Opera House Covent Garden, Venice’s Teatro
la Fenice, the Lyric Opera of Chicago, Brussels’ Théâtre Royal
de la Monnaie, Rome’s Teatro dell’Opera, Houston Grand Opera,
Vlaamse Opera, the Grand Théâtre de Genève, the Glyndebourne
Festival, Paris National Opera, Santa Fe Opera, and many others.
He also collaborates regularly with leading orchestras in the USA
and Europe. Cutler specialises in the technically challenging French
and Italian repertoire of the 19 th century. Recent highlights include
Leicester (Maria Stuarda) in Houston, the title role of Faust for
Greek National Opera, and Raoul de Nangis (Les Huguenots) at
La Monnaie. Other French repertoire includes Gounod’s Roméo
et Juliette, Iopas (Les Troyens) under both Valery Gergiev and
56

James Levine, Nadir (Les Pêcheurs de perles) in Chicago, the title
role of La Damnation de Faust at Vlaamse Opera and Léopold
(La Juive) at the Metropolitan Opera. His roles in Italian have
included the Duke (Rigoletto) in Venice and Houston, Alfredo
(La traviata) in Munich, Ernesto (Don Pasquale) at the Royal Opera
House, Arturo (I Puritani) at the Metropolitan Opera opposite
Anna Netrebko, and Amenophis (Moïse et Pharaon) at both
the Salzburg Festival and Rome’s Teatro dell’Opera under Riccardo
Muti. Other recent highlights include a new production of Szymanowski’s
Król Roger, Tamino (Die Zauberflöte) at both the Glyndebourne
and Edinburgh festivals under Claudio Abbado, Belmonte
(Die Entführung aus dem Serail) in Houston and Madrid, Ferrando
(Così fan tutte) in Chicago under Sir Andrew Davis, and Don
Ottavio (Don Giovanni) at the Santa Fe Opera under Alan Gilbert).
Highlights of the 2012/13 season included a return to the Metropolitan
Opera to sing Iopas (Les Troyens) and Leicester (Maria
Stuarda) at Berlin’s Staatsoper Unter den Linden. Recent concert
engagements include Rossini’s Stabat mater with the Boston
Symphony Orchestra under Rafael Frühbeck de Burgos, Berlioz’s
Requiem with the Los Angeles Philharmonic under Esa-
Pekka Salonen, and both Mozart’s Mass in C Minor and Beethoven’s
Symphony N° 9 at the BBC Proms. Cutler is an alumnus
of the Metropolitan Opera’s Lindemann Young Artists Development
Programme. He is the winner of the 2005 Richard Tucker
Award, as well as earlier Study and Career Grants from the
Tucker Foundation. He also won the Martin E. Segal Award from
Lincoln Center and the ARIA Award. He currently lives in Germany
with his wife and son.
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Vito Priante baryton (Lescaut)
Le jeune baryton-basse italien Vito Priante, étoile montante de
l’opéra, s’est produit à travers toute l’Europe, dans de prestigieux
théâtres dont le Teatro alla Scala de Milan, la Wiener
Staatsoper, la Bayerische Staatsoper de Munich et la Staatsoper
Unter den Linden de Berlin, le Teatro San Carlo de Naples,
l’Opéra de Lyon, le Royal Opera House de Covent Garden, le
Gran Teatre del Liceu de Barcelone, le Teatro dell’Opera à Rome,
57

photo: Pietro Spagnoli
Vito Priante
aux festivals de Salzbourg et d’Édimbourg, sous la direction des
chefs de renom international Riccardo Muti, Daniel Barenboim,
Ivor Bolton, et Daniel Harding, entre autres. Ses engagements
à venir comprennent Il prigioniero à Madrid, La cenerentola à la
Wiener Staatsoper et au Los Angeles Opera, Le nozze di Figaro
à Munich, et L’elisir d’amore à Turin. Parmi ses récents grands
évènements, il a chanté Figaro (Le nozze di Figaro) au Glyndebourne
Festival, aux BBC Proms, au festival de Salzbourg et à
la Staatsoper Unter den Linden de Berlin, Leporello (Don Giovanni)
à Venise et Figaro (Il barbiere di Siviglia) à Florence. La
discographie de Vito Priante comprend Rodelinda et Alcina de
Haendel (Deutsche Grammophon), Pietro il Grande de Donizetti
(Dynamic), et Motezuma de Vivaldi (Deutsche Grammophon).
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Vito Priante baritone (Lescaut)
A rising operatic star, young Italian bass-baritone Vito Priante has
performed across Europe in venerable theatres including La Scala
in Milan, the State Operas in Vienna, Munich and Berlin, Naples’
Teatro San Carlo, Opéra de Lyon, Royal Opera House Covent
Garden, Barcelona’s Gran Teatre del Liceu Barcelona, Rome’s
Teatro dell’Opera, at the Salzburg and Edinburgh festivals, and
with internationally renowned conductors Riccardo Muti, Daniel
Barenboim, Ivor Bolton, and Daniel Harding among others. Up-
58

coming engagements feature performances Il prigioniero in Madrid,
La cenerentola at the Vienna State Opera and at the Los Angeles
Opera, Le nozze di Figaro in Munich, and L’elisir d’amore in
Torino. Recent highlights include appearances as Figaro (Le nozze
di Figaro) at the Glyndebourne Festival, the BBC Proms, the
Salzburg Festival, and Berlin State Opera, as Leporello (Don Giovanni)
in Venice, and as Figaro (Il barbiere di Siviglia) in Florence.
Vito Priante’s discography includes Handel’s Rodelinda and
Alcyna (Deutsche Grammophon), Donizetti’s Pietro il Grande
(Dynamic), and Vivaldi’s Motezuma (Deutsche Grammophon).
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Anicio Zorzi Giustiniani ténor (Guillot de Morfontaine)
Après avoir joué du violon pendant plusieurs années, Anicio
Zorzi Giustiniani a commencé à étudier le chant au Conservatoire
de Florence, perfectionnant sa technique vocale auprès
de Sherman Lowe, Jorge Ansorena et Fernando Cordeiro Opa.
Il a fait ses débuts très jeune en 2001 comme soliste dans le
Te Deum de Charpentier au Teatro della Pergola à Florence. En
2009, Anicio Zorzi Giustiniani a remporté la 39 e édition de l’International
Singing Competition Toti Dal Monte à Trévise pour le
principal rôle masculin dans La vera costanza. Il a chanté cet
opéra à Madrid, Trévise, Reggio Emilia et Liège. Il s’est ensuite
produit dans Don Basilio et Don Curzio (Le nozze di Figaro),
Edoardo Milfort (La cambiale di matrimonio), Marzio (Mitridate)
et dans le rôle-titre de Mitridate de Porpora (Teatro la Fenice et
Teatro Malibran à Venise, Teatro Calderòn à Valladolid et Festival
Mozart de Rovereto), dans Cavalier Belfiore (Il viaggio a Reims)
au Teatro Pergolesi à Jesi, et dans Thybalt (Roméo et Juliette).
En 2010 Anicio Zorzi Giustiniani a participé à la production de
La betulia liberata, dirigée par Riccardo Muti au festival de Salzbourg
et à Ravenne. Il a enregistré Moneta (Il conte Policronio)
pour Bongiovanni, Cesti (Le disgrazie d’amore) pour Hyperion,
Ezio pour Deutsche Grammophon, le rôle-titre d’Il ritorno di
Ulisse in patria pour Glossa, et Ariodante et Berenice de Haendel,
Ezio et Giove in Argo de Gluck pour EMI. Ses engagements
récents et à venir incluent Conte Ericco (La vera costanza) sous
la direction de Jesús López-Cobos, Conte di Almaviva (Il bar-
59

iere di Siviglia), Tamino (Die Zauberflöte), Conte (I due Figaro)
sous la direction de Riccardo Muti à Madrid, Tigrane de Scarlatti
à Nice, le rôle titre d’Artaserse de Hasse, Don Ottavio (Don
Giovanni) à Saint-Gall, et Ferrando (Così fan tutte) à La Fenice,
entre autres.
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Anicio Zorzi Giustiniani tenor (Guillot de Morfontaine)
After playing violin for many years, Anicio Zorzi Giustiniani began
studying singing at the Florence Conservatory, subsequently
improving his vocal technique with Sherman Lowe, Jorge
Ansorena, Fernando Cordeiro Opa. He made his debut at a very
young age in 2001 as soloist in Charpentier’s Te Deum at the
Teatro della Pergola in Florence. In 2009 Anicio Zorzi Giustiniani
won the 39 th Edition of the International Singing Competition
Toti Dal Monte in Treviso for the main male role in La vera
costanza. He sang this opera in Madrid, Treviso, Reggio Emilia
and Liège. Subsequently he appeared as Don Basilio and Don
Curzio (Le nozze di Figaro), Edoardo Milfort (La cambiale di matrimonio),
Marzio (Mitridate) and in the title role of Porpora’s
Mitridate (Teatro la Fenice and Teatro Malibran in Venice, Teatro
Calderòn in Valladolid and Mozart Festival of Rovereto), as Cavalier
Belfiore (Il viaggio a Reims) at the Teatro Pergolesi in Jesi,
and as Thybalt (Roméo et Juliette). In 2010 Anicio Zorzi Giustiniani
took part in the production of La betulia liberata, conducted
by Riccardo Muti at the Salzburg Festival and in Ravenna. He
recorded Moneta (Il conte Policronio) for Bongiovanni, Cesti
(Le disgrazie d’amore) for Hyperion, Ezio for Deutsche Grammophon,
the main role in Il ritorno di Ulisse in patria for Glossa,
and Handel’s Ariodante and Berenice, Gluck’s Ezio and Giove
in Argo for EMI. Recent and forthcoming engagements include
Conte Ericco (La vera costanza) under Jesús López-Cobos, Conte
di Almaviva (Il barbiere di Siviglia), Tamino (Die Zauberflöte),
Conte (I due Figaro) under Riccardo Muti in Madrid, Scarlatti’s
Tigrane in Nice, the main role in Hasse’s Artaserse, Don Ottavio
(Don Giovanni) in Sankt Gallen, and Ferrando (Così fan tutte) in
La Fenice, among others.
60

photo: Melbourne Headshot Company
Derek Welton
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Derek Welton baryton-basse (Monsieur de Brétigny)
Depuis qu’il a achevé ses études de chant lyrique à la Guildhall
School of Music and Drama, Derek Welton s’est produit
dans Pangloss, Martin et Cacambo (Candide) sous la direction
de Wayne Marshall et en Der Pfleger des Orest (Elektra) sous
la direction de Stefan Soltesz au Teatro dell’Opera à Rome. Il
a fait ses débuts avec Opera North dans Donner (Das Rheingold)
et avec le Pinchgut Opera dans Creonte (L’anima del filosofo).
Cette saison, Derek Welton a fait ses débuts aux Osterfestspiele
Salzburg dans Gralsritter (Parsifal) sous la direction de
Christian Thielemann, a chanté Figaro (Le nozze di Figaro) pour
Glyndebourne en tournée et a fait ses débuts au Festspielhaus
Baden-Baden avec Antonio (Le nozze di Figaro) sous la direction
de Thomas Hengelbrock. Il a également chanté les rôles du
comte Almaviva (Le nozze di Figaro), Don Giovanni et Masetto
(Don Giovanni), de Papageno et du narrateur (Die Zauberflöte),
du Bonze (Madama Butterfly), de Farfarello (L’Amour des trois
61

oranges), King (Sallinen’s The King Goes Forth to France), Geisterbote
(Die Frau ohne Schatten), Monterone (Rigoletto) et Nick
Shadow (The Rake’s Progress). Parmi les grands concerts de
cette saison, il a fait ses débuts avec le Royal Scottish National
Orchestra (Messiah) sous la direction de Paul Agnew. Derek
Welton s’est produit dans Jephtha de Haendel avec le London
Handel Festival orchestra dirigé par Laurence Cummings, Saul
à l’Aldeburgh Festival avec le Britten-Pears Orchestra dirigé par
Richard Egarr et Messiah avec le Hallé Orchestra sous la direction
de Christian Curnyn ainsi qu’avec la Royal Choral Society
sous la direction de Richard Cooke. Il a chanté Pilate et les airs
de basse dans la Johannespassion de Bach avec l’Orchestra of
the Age of Enlightenment au Theater an der Wien sous la direction
de Stephen Layton, la Messe en Ut de Beethoven avec
le Royal Philharmonic Orchestra sous la direction de Nicholas
Cleobury et le Requiem de Fauré au City of London Festival
avec le London Symphony Orchestra et Tenebrae sous la
direction de Nigel Short. Derek Welton apparaît sur deux enregistrements:
«On Christmas Day» (arrangements de chants
populaires de Vaughan Williams pour Albion Records), et dans
Creonte (L’anima del filosofo) (Pinchgut Live). Aux concours,
il a été classé à la première place du récent Emmerich Smola
Förderpreis et a remporté le premier prix de la Handel Singing
Competition en 2007. Derek Welton a également été membre
du Salzburger Festspiele 2011 Young Singers Project.
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Derek Welton bass-baritone (Monsieur de Brétigny)
Since completing his opera studies at the Guildhall School of
Music and Drama, Derek Welton has appeared with Rome’s
Teatro dell’Opera as Pangloss, Martin and Cacambo (Candide)
under Wayne Marshall and as Der Pfleger des Orest (Elektra)
under Stefan Soltesz. He made his debut with Opera North as
Donner (Das Rheingold) and with Pinchgut Opera as Creonte
(L’anima del filosofo). This season Derek Welton made his debut
at the Osterfestspiele Salzburg as Gralsritter (Parsifal) under
Christian Thielemann, appeared as Figaro (Le nozze di Figaro)
for Glyndebourne on Tour, and made his debut at Festspielhaus
62

Baden-Baden as Antonio (Le nozze di Figaro) under Thomas
Hengelbrock. Other roles have included Count Almaviva (Le
nozze di Figaro), Don Giovanni and Masetto (Don Giovanni),
Papageno and Sprecher (Die Zauberflöte), the Bonze (Madama
Butterfly), Farfarello (L’Amour des trois oranges), King (Sallinen’s
The King Goes Forth to France), Geisterbote (Die Frau ohne
Schatten), Monterone (Rigoletto) and Nick Shadow (The Rake’s
Progress). Concert highlights for the current season included
his debut with the Royal Scottish National Orchestra (Messiah)
under Paul Agnew. Derek Welton has performed Handel’s Jephtha
with the London Handel Festival orchestra conducted by
Laurence Cummings, Saul at the Aldeburgh Festival with the
Britten-Pears Orchestra conducted by Richard Egarr and Messiah
with the Hallé Orchestra under Christian Curnyn and also
with the Royal Choral Society under Richard Cooke. He sang Pilate
and bass arias in Bach’s Johannespassion with the Orchestra
of the Age of Enlightenment at Theater an der Wien under
Stephen Layton, Beethoven’s Mass in C Major with the Royal
Philharmonic Orchestra under Nicholas Cleobury and Fauré’s
Requiem at the City of London Festival with the London Symphony
Orchestra and Tenebrae under Nigel Short. Derek Welton
features on two recordings: «On Christmas Day» (folk song arrangements
by Vaughan Williams for Albion Records), and as
Creonte (L’anima del filosofo) (Pinchgut Live). Competition successes
include first place at the recent Emmerich Smola Förderpreis
and first prize in the 2007 Handel Singing Competition.
Derek Welton was also a member of the Salzburger Festspiele
2011 Young Singers Project.
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Nicolas Cavallier baryton-basse (Le Comte des Grieux)
Après ses études à la Royal Academy of Music et au National
Opera Studio de Londres, Nicolas Cavallier débute au Festival
de Glyndebourne dans le rôle de Sarastro (Die Zauberflöte),
dans une mise en scène de Peter Sellars. Interprète régulier
des grands rôles mozartiens en France et à l’étranger (Don Giovanni,
Leporello, Figaro, Don Alfonso, etc.), ainsi que des rôles
du répertoire italien: Dulcamara (L’elisir d’amore), Selim (Il Turco
63

in Italia) à Bruxelles et à Genève, il est également Philippe II
dans la version française de Don Carlos à l’Opéra du Rhin. Il est
régulièrement invité à l’Opéra de Paris pour Parsifal, Les Indes
Galantes, il a interprété le rôle de l’Avocat dans K…, opéra de
Philippe Manoury créé à l’Opéra Bastille en 2001, Publio (La
clemenza di Tito), Frère Laurent (Roméo et Juliette), rôle qu’il
reprend à Madrid et à la Scala de Milan, et Léandre (L’Amour
des trois oranges). Il affectionne particulièrement le répertoire
français: Méphistophélès (La Damnation de Faust) à Marseille
et Glasgow, Escamillo (Carmen) sous la direction de John
Eliot Gardiner, les Quatre Diables (Les Contes d’Hoffmann) à
Avignon, Monte Carlo, Genève, Don Quichotte à Avignon et
Seattle, ainsi qu’Arkel (Pelléas et Mélisande) à la Fenice. Plus
récemment, il interprète Oreste (Elektra) à l’Opéra de Marseille,
Le Roi (Le Roi d’Ys) à Montpellier et à l’Opéra-Comique,
et les Quatre Diables (Les Contes d’Hoffmann) à Hong-Kong.
Parmi ses projets: Gorjantchikov (De la maison des morts) et
Merlin (Le Roi Arthus) à l’Opéra du Rhin, Balthazar (La Favorite)
à l’Opéra de Monte Carlo, le rôle-titre de Don Giovanni et les
Quatre Diables (Les Contes d’Hoffmann) à Seattle, Le Roi (Le
Cid) à l’Opéra National de Paris, le Comte des Grieux (Manon)
à l’Opéra de Marseille.
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Nicolas Cavallier bass-baritone (Le Comte des Grieux)
Nicolas Cavallier studied at the Royal Academy of Music in London
and at the National Opera Studio. His professional career
began in Glyndebourne with the role of Sarastro (Die Zauberflöte).
In France, he regularly performs as Figaro (Le nozze di Figaro),
Leporello, Don Giovanni and Don Alfonso (Così fan tutte)
as well as Selim (Il Turco in Italia), Mustafa (L’Italiana in Algeria),
Dulcamara (L’elisir d’amore), Colline (La Bohème), Rocco (Fidelio),
Nick Shadow (The Rake’s Progress), Philippe II (Don Carlo),
the Four Devils (Les Contes d’Hoffmann), Escamillo (Carmen),
Massenet’s Don Quichotte (title role), Der fliegende Hollander
(title role), and Méphisto (Faust) in Strasbourg, Avignon, Nancy,
Marseille, Bordeaux, Lyon and Paris. Nicolas Cavallier also sang
Selim (Il Turco in Italia) in Brussels and Genève, Arkel (Pelléas et
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Mélisande) at La Fenice, Manoury’s K…, Weill’s Die sieben Todsünden,
Publio (La clemenza di Tito), Léandre (L’amour des trois
oranges) and L’Enfant et les Sortilèges at the Paris National Opera,
Raymond (Lucie de Lammermoor) at the Paris Théâtre du
Châtelet and in Lyon, Escamillo (Carmen) in Paris, Granada and
Oman, Debussy’s La chute de la maison Usher at the Bregenz
Festival, Mephistopheles (La Damnation de Faust) in Marseille
and Glasgow, Le nozze di Figaro and Don Quichotte in Seattle,
the Marquis de la Force (Les Dialogues des Carmelites) in Toulouse,
and Frère Laurent (Roméo et Juliette) in Paris, Reykjavik,
Madrid and Milan. More recently, he has performed as Orest
(Elektra) in Marseille, the King (Le Roi d’Ys) in Montpellier and
Paris and the Four Devils (Les Contes d’Hoffmann) in Hong-Kong.
Among his projects are Gorjantchikov (De la maison des morts)
and Merlin (Le Roi Arthus) in Strasbourg, Balthazar (La Favorite)
in Monte Carlo, the title role of Don Giovanni and the Four Vilains
(Les Contes d’Hoffmann) in Seattle, the King (Le Cid) at the Paris
National Opera, and the Comte des Grieux (Manon) in Marseille.
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Olivia Doray soprano (Poussette)
Olivia Doray commence ses études musicales et vocales à la
Maîtrise de l’Opéra National de Lyon. Elle poursuit sa formation
au Royal College of Music à Londres, au CNIPAL à Marseille et
à l’Atelier Lyrique de l’Opéra National de Paris. Elle se perfectionne
auprès de Barbara Bonney, Tom Krause, Mireille Alcantara.
Aujourd’hui, elle travaille auprès de Susan McCulloch. Sur
scène, elle interprète les rôles de Musetta (La Bohème) pour
la British Youth Opera Company, Anna (Die lustigen Weiber
von Windsor), Kate Pinkerton (Madama Butterfly) à Marseille,
Karolka (Jenůfa) à Toulon, Hélène (Une Éducation manquée)
et Landry (La Chanson de Fortunio) à Paris, Louise (Mozart de
Hahn) au Festival de Spoleto, Klärchen (Friederike de Lehár)
au Festival de Radio France à Montpellier et Francine (Un de
la Canebière) à Avignon. Egalement sollicitée pour des récitals,
elle donne un récital à l’Opéra-Comique et chante un programme
exclusivement dédié à la musique française au Midem
2008. Elle chante également le Requiem de Mozart à l’Opéra
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de Saint-Étienne. Olivia Doray fait ses débuts en 2010 à l’Opéra
National de Paris en Voce dal cielo (Don Carlo), puis chante
Käthchen (Werther) aux côtés de Jonas Kaufmann et Suor Dolcina
(Suor Angelica). Elle interprète ensuite sa première Pamina
(La Flûte enchantée) à Rouen en février 2011. Lors de la saison
2011/12, elle chante Mademoiselle Silberklang (Der Schauspieldirektor),
et Bastienne (Bastien und Bastienne) à Toulon et à Aixen-Provence,
Poussette (Manon) à l’Opéra National de Paris, et
Amour (Orphée et Eurydice) à Bordeaux. Elle débute sa saison
2012/13 avec Frasquita (Carmen) à Paris, Clorinda (La cenerentola)
à Massy, Marzelline (Fidelio) à Rouen, avant Pamina dans
(La Flûte enchantée) dans le cadre des Opéras en plein air en
France.
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Olivia Doray soprano (Poussette)
Olivia Doray started her musical studies in the Children Choir of
the Lyon Opera. She achieved her tuition first at the Royal College
of Music in London, then at the CNIPAL in Marseille, and
finally at Paris National Opera’s Atelier Lyrique. She took classes
with Barbara Bonney, Tom Krause, Mireille Alcantara and now
regularly works with Susan McCulloch. On stage, she sang Musetta
(La Bohème) with the British Youth Opera Company, Anna
(Die lustigen Weiber von Windsor), Kate Pinkerton (Madama
Butterfly) in Marseille, Karolka (Jenůfa) in Toulon, Hélène (Une
Éducation manquée) and Landry (La Chanson de Fortunio) in
Paris, Louise (Mozart by Hahn) at the Spoleto Festival, Klärchen
(Friederike by Lehár) at the Radio France Festival in Montpellier
and Francine (Un de la Canebière) in Avignon. In the concert and
recital fields, she gave a recital at the Opéra Comique in Paris in
2008 and a series of Mozart Requiem at the Saint-Étienne Opera
in 2009. Olivia Doray made her debut at the Paris National Opera
in 2010, singing Voce dal cielo (Don Carlo), Käthchen (Werther)
alongside Jonas Kaufmann and Suor Dolcina (Suor Angelica).
In February 2011 she sang her first Pamina (Die Zauberflöte) in
Rouen. During the 2011/12 season she sang Mademoiselle Silberklang
(Der Schauspieldirektor) and Bastienne (Bastien und
Bastienne) in Toulon and Aix-en-Provence, Poussette (Manon)
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at the Paris National Opera and Amour (Orphée et Eurydice) in
Bordeaux. This season, she has been singing Frasquita (Carmen)
in Paris, Clorinda (La cenerentola) in Massy, Marzelline (Fidelio)
in Rouen and Pamina (Die Zauberflöte) in a touring open-air opera
production in France.
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Carol García mezzo-soprano (Javotte)
La mezzo-soprano Carol García est née à Barcelone et a étudié
avec la mezzo-soprano Francesca Roig. Elle a été demi-finaliste
au Concours de chant Montserrat Caballé en 2008, finaliste
au concours de chant Luis Mariano et Francisco Viñas en
2009 et finaliste au Concours de l’Opéra National de Paris en
2010. Elle a fait ses débuts dans Rosina (Il barbiere di Siviglia)
au Teatro Real de Madrid et est membre de l’Atelier Lyrique de
l’Opéra National de Paris depuis 2009 où elle a chanté Les Madrigaux
de Fénelon, les Spanische Liebeslieder de Schumann,
Hortenzia (Mirandolina), Jenny Hildebrand (Street Scene) et
Concepción (L’Heure espagnole). Elle a également participé aux
concerts de l’Atelier Lyrique au Palais Garnier avec l’Orchestre
de l’Opéra National de Paris. À l’Opéra National de Paris, elle a
été la doublure de Rosina (Il barbiere di Siviglia) et de Cherubino
(Le nozze di Figaro) sous la direction de Philippe Jordan. Elle
a également chanté Adonella (Francesca da Rimini) et Javotte
(Manon) sous la direction d’Evelino Pidò. Récemment, elle a
chanté El amor brujo à Barcelone, Selinda (Il Farnace) à Strasbourg,
Amsterdam, Mulhouse et Versaillles, et Zulma (L’Italiana
in Algeri) à Marseille. Carol García a suivi les masterclasses
d’Enrique Baquerizo, Miguel Ortega, Montserrat Caballé, Jaume
Aragall, Carlos Chausson, Ann Murray et Michelle Wegwart. Elle
a notamment travaillé avec les pianistes David Zobel, Vladislav
Bronevetzky, Mark Hastings, Stanislav Angelov, Marco Evangelisti,
Patxi Aizpiri, Marta Pujol et Jean-Marc Bouget.
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Carol García mezzosoprano (Javotte)
Mezzosoprano Carol García was born in Barcelona and studied
with mezzosoprano Francesca Roig. She has been semi-finalist
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of the Montserrat Caballé Singing Competition in 2008, finalist
of the Luis Mariano and the Francisco Viñas singing competitions
in 2009 and finalist of the Paris National Opera competition in 2010.
She made her debut as Rosina (Il barbiere di Siviglia) at Madrid’s
Teatro Real and has been a member of Paris National Opera’s
Atelier Lyrique since 2009, where she sang Fénelon’s Les Madrigaux,
Schumann’s Spanische Liebeslieder, Hortenzia (Mirandolina),
Jenny Hildebrand (Street Scene) and Concepción (L’Heure
espagnole). She also participated in the Atelier Lyrique’s concerts
at the Palais Garnier with the Paris National Opera Orchestra.
At the Paris Opera National, Carol García did the cover of Rosina
(Il barbiere di Siviglia) and the cover of Cherubino (Le nozze di
Figaro) under Philippe Jordan. She also sang Adonella (Francesca
da Rimini) and Javotte (Manon) under Evelino Pidò. Recently
she sang El amor brujo in Barcelona, Selinda (Il Farnace) in
Strasbourg, Amsterdam, Mulhouse and Versaillles, and Zulma
(L’Italiana in Algeri) in Marseille. Carol García has attended master
classes with Enrique Baquerizo, Miguel Ortega, Montserrat
Caballé, Jaume Aragall, Carlos Chausson, Ann Murray and
Michelle Wegwart. She has worked with pianists David Zobel,
Vladislav Bronevetzky, Mark Hastings, Stanislav Angelov, Marco
Evangelisti, Patxi Aizpiri, Marta Pujol and Jean-Marc Bouget,
among others.
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Alisa Kolosova mezzo-soprano (Rosette)
Malgré son jeune âge, la mezzo-soprano Alisa Kolosova a déjà
chanté dans des lieux prestigieux tels que les festivals de Salzbourg,
Ravenna et Glyndebourne, l’Opéra National de Paris, la
Bayerische Staatsoper de Munich, le Concertgebouw d’Amsterdam,
le Rossini Opera Festival à Pesaro et le Kennedy Center
de Washington. Lauréate de nombreux concours et membre
de l’Atelier Lyrique de l’Opéra National de Paris, elle est actuellement
membre en résidence de la Wiener Saatsoper. Ses récents
engagements incluent Giuditta (La betulia liberata) et les
Lieder eines fahrenden Gesellen de Mahler sous la direction de
Riccardo Muti, Messiah sous la direction de Rinaldo Alessandrini,
Il Farnace de Vivaldi avec Diego Fasolis, Marchesa Melibea
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(Il viaggio a Reims) à Pesaro, Olga (Eugène Onéguine), Orphée
(Orphée et Eurydice) et Nicoletta (L’amour des trois oranges) à
Paris, et la troisième nymphe (Rusalka) au Glyndebourne Festival.
Durant la saison 2012/13, elle a chanté la Messe N° 5 de
Schubert avec le Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks
à Munich et l’Oratorio di Natale de Respighi au Festival
Nuits de décembre à Moscou. Elle s’est également produite
dans Fatima (Oberon) au Tchaikovsky Concert Hall à Moscou.
Parmi ses futurs projets, figurent le Magnificat de Vivaldi avec le
Chicago Symphony Orchestra, Calbo (Maometto II) au Teatro
dell’Opera à Rome, le Requiem de Donizetti au Festival de
Saint-Denis, la Duchesse (Rusalka) à l’Opéra National de Paris,
Olga (Eugène Onéguine) et Maddalena (Rigoletto) à la Staatsoper
de Munich et au Lyric Opera of Chicago.
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Alisa Kolosova mezzosoprano (Rosette)
Despite her relative youth, Russian mezzosoprano Alisa Kolosova
has already been singing at internationally renowned venues
such as the Salzburg, Ravenna and Glyndebourne festival, the
Paris National Opera and Munich State Opera, the Amsterdam
Concertgebouw, the Rossini Opera Festival in Pesaro and the
Kennedy Center in Washington. A winner of several competitions
and a member of Paris National Opera’s Atelier Lyrique, she is
currently a resident member of the Vienna Staatsoper. Recent
engagements include Giuditta (La betulia liberata) and Mahler’s
Lieder eines fahrenden Gesellen under Riccardo Muti, Messiah
under Rinaldo Alessandrini, Vivaldi’s Il Farnace under Diego
Fasolis, Marchesa Melibea (Il viaggio a Reims) in Pesaro, Olga
(Eugene Onegin), Orphée (Orphée et Eurydice) and Nicoletta
(L’amour des trois oranges) in Paris, and Third Nymph (Rusalka)
at the Glyndebourne Festival. During the 2012/13 season she
sang Schubert’s Mass N° 5 with the Bavarian Radio Symphony
Orchestra in Munich and Respighi’s Oratorio di Natale at the
December Nights Festival in Moscow. She also performed as
Fatima (Oberon) at the Tchaikovsky Concert Hall in Moscow.
Among her future plans are Vivaldi’s Magnificat with the Chicago
Symphony Orchestra, Calbo (Maometto II) at Rome’s Teatro
70

dell’Opera, Donizetti’s Requiem at the Festival Saint-Denis,
Duchess (Rusalka) at Paris National Opera, Olga (Eugene Onegin)
and Maddalena (Rigoletto) at the Munich State Opera and
at Lyric Opera of Chicago.
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Joël Suhubiette direction de chœur
Du répertoire a cappella à l’oratorio, de la musique de la
Renaissance à la création contemporaine, en passant par
l’opéra, travaillant en relation avec des musicologues, allant à
la rencontre des compositeurs d’aujourd’hui, Joël Suhubiette
consacre l’essentiel de son activité à la direction du chœur
de chambre toulousain Les Éléments qu’il a fondé en 1997.
Après des études musicales au Conservatoire de Toulouse,
Joël Suhubiette se passionne pour le répertoire choral, il
débute comme chanteur avec les Arts Florissants de William
Christie, puis chante avec Philippe Herreweghe à la Chapelle
Royale et au Collegium Vocale de Gand, avant de devenir son
assistant pendant huit années. Cette rencontre déterminante
lui permettra d’aborder un vaste répertoire de quatre siècles
de musique vocale. En 1997, naît le chœur de chambre Les
Éléments avec lequel Joël Suhubiette interprète la création
contemporaine, le répertoire a cappella et l’oratorio. Désireux
de restituer le répertoire ancien de la fin de la Renaissance
et du début de l’époque baroque, il dirige également à Tours
depuis 1993 l’Ensemble Jacques Moderne. Il interprète opéras,
oratorios et cantates avec plusieurs orchestres et ensembles
instrumentaux français tels que Les Percussions de Strasbourg,
l’Ensemble Ars Nova, l’Orchestre National du Capitole de
Toulouse, l’Orchestre de chambre de Toulouse, Les Passions,
l’Orchestre baroque de Limoges, l’orchestre de Pau-Pays de
Béarn, les orchestres du festival de Saint-Céré, des opéras de
Dijon et de Massy. Joël Suhubiette a enregistré une vingtaine
de disques parus chez Virgin Classics, Hortus, Calliope, Ligia
Digital, Naïve et L’Empreinte digitale. Depuis 2006, il est
directeur artistique du festival Musiques des Lumières de
l’Abbaye-école de Sorèze dans le Tarn. En 2007, il a été nommé
chevalier des Arts et des Lettres.
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Joël Suhubiette choir director
Joël Suhubiette rapidly fell in love with choral repertoire after
studying music at the Toulouse Conservatory. He started out
singing with Les Arts Florissants and William Christie, and then
encountered Philippe Herreweghe and his ensembles, the Chapelle
Royale and the Collegium Vocale of Ghent with whom he
then sang for about twelve years. As early as 1990, Herreweghe
gave Joël Suhubiette the role of assistant within both his choirs.
In 1997, the chamber choir Les Éléments was born, which went
on to become the Ensemble of the Year at the Victoires de la
Musique Classique awards in 2006. Joël Suhubiette devotes
a large part of his time and energy to exploring contemporary
creations, the rich repertoire of 20 th century a cappella and oratorio
works. Wanting as ever to pursue his quest to restore the
early music repertoire, since 1993 Joël Suhubiette has also conducted
the Ensemble Jacques Modern in Tours, made up of a
choir of 16 professional singers plus an ensemble of early instruments,
specialised in the music of the 16 th and 17 th centuries.
Although strongly attached to championing the a cappella repertoire,
Joël Suhubiette also performs oratorios and cantatas with
several French orchestras and instrumental ensembles (Les Percussions
de Strasbourg, Ensemble Baroque de Limoges, Ensemble
Ars Nova, Les Passions, Orchestre de chambre de Toulouse,
Orchestre National du Capitole de Toulouse and Orchestre
baroque de Limoges). He also conducts another type of vocal
repertory, namely opera, at the Saint-Céré Festival with the opera
company Opéra Eclaté, at the Massy Opera where he conducted
the French premiere of Weill’s Silbersee, and at the Dijon Opera
where since 1993 he conducted Don Giovanni, Die Zauberflöte,
Le nozze di Figaro and Sauguet’s Les Caprices de Marianne.
Joël Suhubiette is often invited as conductor of the Orchestre
de Pau-Pays de Béarn to perform classical and contemporary
works. With his two choirs, he has recorded 15 CDs with Virgin
Classics, Horus, Calliope, Logia Digital, Naïve and L’Empreinte
digitale. Since 2006, he has been artistic director of the Musiques
des Lumières Festival at the Abbaye-école in Sorèze. In 2007, he
was awarded the honour of a Chevalier des Arts et des Lettres.
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Chœur de chambre
les éléments
Joël Suhubiette
Directeur artistique
Sopranos
Cécile Dibon
Anne-Sophie Durand
Cyprile Meier
Françoise Roudier
Corinne Fructus
Solange Anorga
Eliette Parmentier
Sophie Boyer
Eliette Prévot Tamestit
Cécile Larroche
Basses
Matthieu Heim
Didier Chevalier
Christophe Sam
Antonio Guirao
Pierre Virly
Jean-Sébastien Nicolas
Jean-Bernard Arbeit
Jean-Baptiste Henriat
Bertrand Maon
Xavier Sans
Altos
Joëlle Gay
Caroline Marcot
Sophie Toussaint
Caroline Champy
Sandra Raoulx
Sabine Garrone
Brigitte Le Baron
Françoise Faidherbe
Nathalie Schaaf
Anne Gotkovsky
Ténors
Charles Barbier
Gauthier Fenoy
Marc Manodritta
Edouard Hazebrouck
Guillaume Zabe
Stéphan Olry
Pierre-Antoine Chaumien
Samuel Husser
Laurent David
Nicolas Kern
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La plupart des programmes du soir de la Philharmonie sont
disponibles avant chaque concert en version PDF sur le site
www.philharmonie.lu
Die meisten Abendprogramme der Philharmonie finden
Sie schon vor dem jeweiligen Konzert als Web-PDF unter
www.philharmonie.lu
your comments are welcome on
www.facebook.com/philharmonie
Impressum
© Etablissement public Salle de Concerts
Grande-Duchesse Joséphine-Charlotte 2013
Pierre Ahlborn, Président
Matthias Naske, Directeur Général
Responsable de la publication: Matthias Naske
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Tous droits réservés.
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