Programme du soir (PDF) - Philharmonie

Grands solistes
Mardi / Dienstag / Tuesday
13.03.2012 20:00
Grand Auditorium
City of Birmingham Symphony Orchestra
Andris Nelsons direction
Rudolf Buchbinder piano
Benjamin Britten: Four Sea Interludes from Peter Grimes op. 33a
(1944–1945)
Dawn (Lento e tranquillo)
Sunday morning (Allegro spiritoso)
Moonlight (Andante comodo e rubato)
Storm (Presto con fuoco)
13‘
Ludwig van Beethoven: Klavierkonzert N° 4 G-Dur (sol majeur) op. 58
(1805–1806)
Allegro moderato
Andante con moto
Rondo: Vivace
32‘
—
Jean Sibelius: Symphonie N° 2 en ré majeur (D-Dur) op. 43
(1900–1902)
Allegretto
Tempo andante, ma rubato
Vivacissimo, attacca:
Finale: Allegro moderato
45‘

Mise en abyme
d’une tragédie
Les Quatre interludes marins de Peter Grimes de Britten
Jean-François Boukobza
À Los Angeles, le ténor et compagnon de Benjamin Britten (1913–
1976), Peter Pears, découvre chez un bouquiniste un volume des
poèmes de George Crabbe contenant The Borough (Le Bourg),
un récit de vingt-quatre lettres peignant la vie des pêcheurs, des
aubergistes et des personnes de condition modeste. Achevé en
1810, l’ouvrage s’inscrit à la suite de deux autres recueils explorant
des thèmes similaires, The Village et The Parish Register (Le
registre de la paroisse). La trilogie décrit la vie provinciale anglaise
du début du 19 e siècle, offrant une étude sociologique originale
laissant parfois deviner l’influence des tableaux de Hogarth.
Dès la première lecture, Britten est captivé. «Nous venons de
découvrir le poème de George Crabbe sur le Suffolk et sommes
enthousiastes: peut-être en naîtra-t-il un jour un opéra» écrit-il
à Elizabeth Mayer le 29 juillet 1941. Le projet prend corps après
que le chef d’orchestre Serge Koussevitzky a adressé au compositeur
la commande d’une pièce lyrique en échange d’une dédicace
de l’œuvre à la mémoire de sa femme, récemment décédée.
Britten demande à l’écrivain Christopher Isherwood de participer
à l’élaboration du livret. Devant le refus de ce dernier, il se
tourne vers Montagu Slater, un homme de lettres connu pour
ses convictions sociales, et pour lequel il a déjà rédigé des musiques
de scène lors de la décennie précédente. Le travail commence,
en relation étroite. «Je travaille avec acharnement en compagnie
de Montagu au livret de Peter Grimes. Les choses évoluent très
aisément; je suis très heureux de son attitude envers le sujet: très
simple, pleine de respect à l’égard de Crabbe et révélant une
véritable connaissance de la scène. Mes idées se cristallisent bien
3

Benjamin Britten
(Photographie prise par George Rodger, 1946)
et je pense que si l’occasion nous en est donnée, nous pourrons
en faire quelque chose de vraiment satisfaisant» écrit Britten au
mois de juin 1942.
La partition est créée trois ans plus tard au Sadler’s Wells Theater
de Londres. L’accueil est triomphal. Britten est rappelé plus d’une
dizaine de fois. «Lorsque que l’opéra fut achevé, les auditeurs
savaient qu’ils venaient d’entendre un chef-d’œuvre et que rien
de similaire ne s’était produit dans la musique anglaise. Ils étaient
debout, criaient et criaient encore» se souvient Imogen Holst.
L’événement est alors perçu comme l’acte de renaissance de l’opéra
anglais après l’âge d’or purcellien. The Pilgrims Progress de Vaughan
Williams, The Midsummer Marriage de Tippett, Billy Budd et The
Turn of the Screw de Britten marquent, dans les années qui suivent,
les étapes fondamentales de ce renouveau.
Le succès de Peter Grimes s’explique, lui, aisément. L’œuvre repose
sur un livret dense, formidablement construit sur le plan dramatique.
Le récit de Crabbe est considérablement modifié et la psychologie
du protagoniste passablement approfondie. «Dans le
beau poème de Crabbe Le Bourg, Peter Grimes n’est qu’un pêcheur
malveillant qui, après s’être révolté contre la discipline de
son père, se met à braconner, à faire de la contrebande et à boire»
explique Peter Pears. «Dans l’opéra de Britten, la plupart des
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personnages sont repris tels quels. Peter Grimes, en revanche, devient
un être nettement plus complexe. Il n’est ni un héros ni
un anti-héros: simplement un homme ordinaire, parfois brutal,
grossier ou primaire, parfois fragile. Sa lucidité et son émotivité,
exprimées sous forme de visions étranges et poétiques le marginalisent».
La violence monte par degrés à chaque scène, du jugement
de Grimes pour la mort accidentelle d’un de ses apprentis
(Prologue) à l’ire collective suivant le décès d’un second apprenti.
«Nous ferons payer le meurtrier» déclarent les membres du Bourg
tandis que Grimes monte sur son navire pour se saborder en
pleine mer. À cette violence continue s’opposent les hallucinations
du protagoniste, son obsession du premier apprenti disparu
et son désir de mariage – sortes de moments sis hors du temps et
contribuant néanmoins à la progression vers la tragédie finale.
Paysages marins
De l’opéra, Britten a détaché les interludes ponctuant chacun des
tableaux, pour les donner de façon indépendante au concert. Se
suffisant à eux-mêmes, ceux-ci peuvent évoquer la symphonie
classique, tout en en contournant le plan et l’ordonnance des
mouvements. Ils forment un ensemble à la fois évocateur (les
paysages marins) et dramatique, donnant un avant-goût de l’opéra
et incitant les spectateurs à venir le découvrir. Déroulés à des
moments différents de la journée – l’aube, le matin, le soir –, opposant
la nuit et le jour, ils se referment sur une scène de tempête
qui illustre le déchaînement des éléments comme la nature
tourmentée de Grimes.
Le premier interlude sert de prélude à l’opéra. De nature diatonique,
il débute dans le calme et le mystère, faisant alterner une
ligne monodique des cordes avec des accords sombres des cuivres
illustrant quelque menace. De conception strophique, il montre
un même élément sans cesse varié, parfois légèrement développé
et amplifié, parfois abrégé, évitant toute symétrie trop forte.
Le deuxième interlude ouvre le deuxième acte et peint un dimanche
matin pendant l’été. Les vagues brillent au soleil tandis
que les cloches d’église appellent les habitants à se presser autour
5

de l’autel. Le numéro se veut une page joyeuse, introduite par
les tierces énigmatiques des cors et animée par les figures alertes
des bois. Le récit progresse vers un point culminant central avant
une accalmie progressive couronnée par les sonneries des cloches
stylisées par quatre cors.
L’interlude suivant ouvre le troisième acte et se déroule un soir,
au clair de lune. Calme, douce, la page est ouverte par des accords
entrecoupés de silence auxquels s’ajoutent des appels des
vents, comme des remous ou des mouvements de surfaces imprévisibles.
La matière, peu développée, est réitérée avec quelques
variantes. «Dans cette pièce, écrit Britten, le regard se détourne
bientôt du bourg et se déplace vers la mer ondulant doucement
et qui sera bientôt une tombe pour Peter Grimes».
Le quatrième interlude est extrait du premier acte et peint les violentes
rafales de vent, si fréquentes sur la Côte Est. Le numéro
adopte la découpe d’un rondo en plusieurs épisodes intégrant
des passages fugués. Les séquences, courtes, opposent les mouvements
désordonnés des cordes aux roulements de timbales et
aux colorations des cuivres. Les phrases en plusieurs élans sont
animées par des modulations rapides dans des tons mineurs et
des tonalités éloignées.
L’ensemble des quatre interludes évolue de la sérénité quelque
peu troublée de l’aube à l’appel à la prière, perçue ici comme
dévotion avant la mise à mort, puis à la tombée symbolique de
la nuit et à la violence. A l’instar des partitions de Debussy (La
mer) ou de Frank Bridge (The sea), l’évocation de la mer cache
une analogie avec l’histoire humaine. Ainsi que l’a exprimé Gaston
Bachelard dans L’eau et les rêves, la matière aqueuse possède sa
propre poésie qui incite à prendre le pas sur la forme. L’eau développe
ainsi ses propres modes de comportement et connaît une
destinée qui peut souvent refléter celle des hommes. Les interludes
ne deviennent alors ici que des parenthèses au sein d’une
vaste tragédie qu’ils mettent poétiquement, et singulièrement,
en abyme.
6

L’implication sentimentale
Le Quatrième Concerto pour piano de Beethoven
Elisabeth Brisson (2009)
La première exécution du Concerto pour piano et orchestre N° 4 en
sol majeur op. 58 eut lieu en mars 1807 à Vienne lors de l’un des
deux concerts par souscription organisés pour les œuvres de Ludwig
van Beethoven (1770–1827) dans le palais du prince Lobkowitz;
le compositeur tenait la partie soliste. Le même jour furent
créées la Symphonie N° 4 et l’Ouverture de Coriolan. Le concerto
fut exécuté ensuite, le jour du concert public du 22 décembre
1808, au Theater an der Wien, Beethoven tenant la partie de
piano. Le désir de composer un nouveau concerto s’imposa à
peine le Concerto N° 3 op. 37 achevé, en juin/juillet 1804. Sa genèse
est intimement liée à celle de la Symphonie N° 5, et elle est
contemporaine de la composition de Leonore, comme de la relation
d’amour de Beethoven avec Josephine, comtesse Deym, née
Brunsvik.
Le musicologue Gustav Nottebohm (1817–1882), qui a commenté
la juxtaposition des esquisses de la «Sinfonia. All° 1mo» en ut
mineur, de celles du «Concert (tempo moderato)» et de celles
du projet de «Finale» pour le concerto, sur les quelques feuilles
qui tiennent ensemble et qu’il date de 1805, y voyait un exemple
du processus créateur de Beethoven, les œuvres s’appelant les
unes les autres: ici, en l’occurrence, le début de la symphonie
appelant le début du concerto, et le projet de «Finale» pour le
concerto préfigurant le chœur des prisonniers qui ouvre le premier
finale de Leonore. Nottebohm se demandait si Beethoven
aurait écrit de cette façon le concerto s’il n’avait pas pensé en
même temps à la symphonie, et s’il aurait écrit le chœur des prisonniers
de cette façon s’il n’avait pas écrit le concerto. Ainsi,
9

des œuvres de genres différents semblent procéder d’une même
idée musicale (un rythme tout simple, par exemple) et une configuration
musicale pensée pour une œuvre peut être déplacée vers
un autre genre, dans un autre contexte. Cette dynamique de la
pensée qui caractérise le processus créateur de Beethoven est
encore présente lors de la composition des œuvres (après le choix
de leur individualisation) pour en faire quelque chose de «ganz
neu», comme en témoigne l’écriture de ce concerto dans lequel
se trouvent plusieurs fois des gestes hardis, à l’image de ceux de
Leonore qui ose transgresser les normes établies pour arriver à ses
fins: libérer l’homme qu’elle aime.
De Leonore à Orfeo
Si le personnage de Leonore se retrouve, pour ainsi dire, dans
les audaces d’écriture, la tension qui forme l’intrigue de l’opéra
est également transposée dans le concerto par la référence implicite
à la scène des Furies de l’Orfeo de Gluck, référence qui fonctionne
comme une métaphore de la quête de l’être aimé qu’il
ne faut pas hésiter à aller rechercher au plus profond de l’enfer,
entreprise risquée qui peut se terminer par un drame mais à
laquelle il est impossible de renoncer.
Les relations musicales entre ce concerto et l’opéra de Beethoven
seront encore plus évidentes dans la version de 1814, quand Leonore,
dans son nouveau récitatif, évoque l’arc-en-ciel qui déchire
les nuages sur un thème proche du premier thème du concerto
et quand Florestan, à la fin de son air, tombe épuisé, accompagné
par un orchestre proche de celui de la fin du deuxième mouvement
du concerto. L’évocation par Beethoven de l’Orfeo de Gluck
à ce moment de sa vie peut être associée au choix de mettre en
musique An die Hoffnung, poème de Tiedge qui évoque l’espoir
de retrouver la bien-aimée disparue… Lied justement offert par
Beethoven à Josephine Deym en mars 1805 – comme si le mythe
d’Orphée (dont Beethoven ne parle jamais, mais qu’il connaissait,
ne serait-ce que par l’opéra réformateur de Gluck) correspondait
à sa problématique inconsciente, cristallisée autour du
désir de retrouver une femme aimée à jamais disparue, ou tout
au moins inaccessible, car de l’ordre de l’idéal.
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Houston, Museum of Fine Arts
Jean-Baptiste Corot: Orphée ramenant Eurydice des enfers, 1861
Le jeu pianistique
Ce concerto, bien que composé dans un certain contexte affectif
et créatif, n’en est pas moins une œuvre destinée à mettre un
soliste en valeur au cours d’un concert public. Quatrième concerto
publié avec un numéro d’opus, il correspond à un genre que Beethoven
maîtrise désormais comme en témoigne l’op. 37, composé
en 1803–1804 et dont il sait se servir pour produire un effet irrésistible
sur son public par son jeu brillant. D’après un récit oral
de Carl Czerny, lors de la première exécution en 1807, Beethoven
aurait joué bien plus de notes qu’il n’en avait écrit – cette habitude
qu’il avait d’ornementer à la limite de l’improvisation, il ne
supportait pas qu’un autre interprète se le permette, c’est sans
doute la raison pour laquelle il apporta des corrections à une
partition destinée au pianiste Friedrich Stein qui aurait dû jouer
cette œuvre en concert en janvier 1809.
Curieusement, du vivant de Beethoven, ce concerto eut si peu
de succès qu’il ne fut jamais rejoué à Vienne et ne fut pratiquement
pas réédité. Beethoven avait décidé de dédier ce concerto
à son ami Ignaz Gleichenstein (1778–1828), qui était très proche
de lui à cette époque. Mais, au cours de l’été 1808, juste avant
la publication du concerto, alors que Gleichenstein était absent
de Vienne, Beethoven choisit comme dédicataire l’archiduc Ro-
11

dolphe. Pour atténuer la déception de son ami, il le dédommagea
en lui dédiant la Sonate pour piano et violoncelle op. 69, une «œuvre
à paraître», comme il le lui écrivait dans sa lettre envoyée d’Heiligenstadt,
localité où il passait la fin de l’été.
Le manuscrit autographe n’a pas été retrouvé: Beethoven en a
perdu la trace dès la mise sous presse, alors qu’il l’avait prêté pour
effectuer une vérification sur la copie. Il existe une copie revue
par Beethoven – établie sans doute en mars 1806 pour servir à
une publication qu’il souhaitait rapide – qui porte des corrections
de sa main; elle faisait partie de l’inventaire après décès et de la
mise en vente aux enchères le 5 novembre 1827: achetée pour la
Gesellschaft der Musikfreunde de Vienne par son ami Ferdinand
Piringer, elle s’y trouve toujours.
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Pour un auditoire inflammable
La Deuxième Symphonie de Sibelius
Marc Vignal (2006)
Créée en mars 1902, la Deuxième Symphonie de Jean Sibelius (1865–
1957) reste la plus souvent exécutée des sept et constitue l’aboutissement
de la première période créatrice du compositeur, parfois
appelée ‹romantico-nationale›. Elle naquit dans un contexte bien
particulier. En 1899, le grand-duché de Finlande faisait partie de
l’empire russe depuis bientôt un siècle, mais y jouissait d’une
autonomie appréciable. Or, cette année-là, le tsar Nicolas II désigna
comme nouveau gouverneur le général Bobrikov, tristement célèbre
pour son action «panslaviste» dans les pays baltes. Et bientôt
parut un train de mesures connues sous le nom de «manifeste de
février» et destinées à faire de la Finlande une province comme
les autres: enrôlements de force dans l’armée, russification de
l’enseignement, censure, etc.
Dans le cadre des manifestations organisées pour protester contre
la censure, Sibelius composa en 1899 une série de pages patriotiques
parmi lesquelles le fameux Finlandia. En 1899 également,
fut créée la version originale de la Première Symphonie. Deux ans
plus tard, le compositeur se rendit avec sa famille en Italie et travailla,
en particulier à Rapallo (février – mars 1901), à la Deuxième
Symphonie. Créée à Helsinki sous la direction du compositeur le
8 mars 1902, l’œuvre connut un succès tel que trois autres exécutions
suivirent en une semaine. La salle était comble les quatre
soirs, ce qui ne s’était jamais vu en Finlande. C’est cependant en
grande partie à tort que plusieurs commentateurs devaient faire
de la Deuxième Symphonie le chant de combat et de libération
d’un peuple opprimé.
15

Une conception de grande envergure
L’écrivain néerlandais Simon Vestdijk, auteur d’ouvrages sur les
symphonies de Bruckner, Mahler et Sibelius, voit quant à lui
avec raison dans l’Allegretto initial «un regard lancé vers le Sibelius
de maturité, mais laissant subsister le ton romantique: tout
y est libre et léger, presque tout y est subtil et ramassé, tendant
vers l’idylle. C’est pourtant une conception de grande envergure
que ce premier mouvement, et par-dessus le marché une solution
particulièrement heureuse du problème de la forme sonate». Le
début frappe par son côté apparemment disloqué et fragmentaire.
Après un motif rythmique de cordes (noires régulières en mesure
à 6/4) essentiel pour la suite et un thème d’allure pastorale entonné
par les clarinettes et les hautbois, des bribes mélodiques
semblent se succéder au hasard d’un instrument à l’autre. Sans
entrer dans les détails, disons que les deux extrémités du mouvement
(le début surtout) se montrent assez instables et morcelés
au plan des timbres et de la dynamique, alors que le centre, après
un crescendo soutenu, énonce les mêmes idées (ou la plupart
d’entre elles) de façon dramatique, avec une puissance impressionnante,
en unifiant le discours par la nuance forte. La musique
semble enfin synthétiser des éléments jusqu’ici épars. À un point
d’orgue et à un silence succède la réexposition (retour du thème
pastoral), fortement abrégée. Fin dans la nuance piano. De telles
progressions, allant de l’analyse à la synthèse par le truchement
d’un vaste crescendo, devaient se retrouver dans beaucoup de
partitions ultérieures de Sibelius.
Le Tempo andante ma rubato, après cette exceptionnelle entrée
en matière, ramène en terrain plus connu. La structure est plus
rhapsodique, et certaines tournures sont modales. Le manuscrit
contient des références à Don Giovanni et à la Statue, ainsi qu’à
Florence. Sur le chemin du retour vers la Finlande, Sibelius nota
en 1901 à côté d’un nouveau motif: «Christ». Il ne s’agit pas pour
autant d’un combat entre Don Giovanni et le Christ, entre forces
de mort et forces de vie. Le mouvement s’ouvre par trentehuit
mesures de violoncelles et de contrebasses (en pizzicatos)
auxquels se joint bientôt un basson «lugubre». Interviennent ensuite,
en fa dièse majeur, un chant à la fois discret et chaleureux
16

Akseli Gallen-Kallela: Symposium, 1894
(de gauche à droite: le peintre, les compositeurs Oskar Merikanto
et Robert Kajanus ainsi que Jean Sibelius)
des cordes divisées à l’extrême et divers thèmes dans le registre
grave (bassons, tubas, altos, violoncelles), le tout ponctué de
violents éclats de cuivres.
Le troisième mouvement (Vivacissimo) est une sorte de mouvement
perpétuel à 6/8. Le motif initial incisif de ce Scherzo surgit
à intervalles plus ou moins réguliers aux registres les plus divers,
mais toujours porté par des cordes à l’unisson. Trois notes martelées
aux cors, timbales et cordes graves mènent à une seconde
idée, aux bois, rythmiquement indépendante mais toujours soutenue
par le mouvement perpétuel. Cinq coups de timbales espacés
sur la note si bémol introduisent le Trio (Lento e suave en
sol bémol majeur): il est ouvert par une mélodie de hautbois rappelant
le début de l’ouvrage et dont les neuf si bémol initiaux
(note non plus tonique de si bémol mais troisième degré de sol
bémol) ont suscité de nombreux commentaires. Le climat pastoral
subsiste tout au long de ce Trio. Suivent une reprise brutale
(cuivres et timbales fortissimo) et variée du Scherzo, puis du Trio.
Les cordes se livrent soudain à des figurations agitées qui, mêlées
à des appels de cuivres, constituent une transition vers le Finale,
joué sans interruption.
Ce finale (Allegro moderato) transforme la symphonie en vaste
poème épique. C’est une forme sonate à quatre thèmes principaux
accompagnés de nombreux motifs secondaires, avec développement
central fort court et brève coda triomphale. Le motif
principal, divisé en deux cellules de trois notes chacune (motif
17

écurrent entendu tout au long du mouvement), soutenu par un
rythme guerrier des cuivres, de la percussion et des contrebasses,
est immédiatement énoncé aux cordes. Une fanfare héroïque des
trompettes lui répond, suivie de l’envolée du premier thème. Le
deuxième thème, plus passionné, oppose cordes et bois. L’intensité
diminue, et sur d’incessantes figurations des cordes graves et
un roulement étouffé de timbales apparaît le troisième thème,
au hautbois relayé par la clarinette: c’est une sorte de marche
lente, ou plutôt de marche funèbre, car on sait que Sibelius y
évoqua la mémoire de sa belle-sœur Elli Järnefelt, morte peu de
temps auparavant par suicide. On a ici l’élément de contraste
indispensable. Le quatrième thème est une fanfare de cuivres
entendue deux fois. Le bref et serein épisode central, largement
fondé sur le troisième thème, prend un caractère hymnique, d’essence
communautaire ou presque. La réexposition est pour commencer
assez régulière, puis bute sur le troisième thème, inlassablement
répété (ostinato rythmico-mélodique) en un vaste crescendo
qui lui donne un nouveau caractère: celui d’un monde clos
apparemment impossible à fuir. L’évasion réussit pourtant, sous
forme d’une éclaircie en majeur suivie aux cuivres par le quatrième
thème, fanfare décidément rédemptrice. Un descrescendo et
des échos du troisième thème sous son aspect hymnique mènent
à la coda triomphale, surgie des profondeurs de l’orchestre, d’aspect
hymnique elle aussi et dominée par les trompettes. L’écriture
des cordes reste néanmoins d’une extraordinaire transparence.
«De toutes les grandes œuvres du répertoire, aucune n’est mieux
calculée pour enflammer un auditoire», écrivit le producteur de
disques Walter Legge dans le Manchester Guardian du 18 mai 1935
après avoir entendu à Londres la Deuxième Symphonie dirigée par
Serge Koussevitzky.
18

Maritimes und
Legendenumwobenes
Orchesterwerke von Britten, Beethoven und Sibelius
Kaja Engel
Menschen am Meer: Brittens Four Sea Interludes
Wer einmal am Meer gelebt hat, der weiß, wie sehr es die Menschen
dort prägt, wie die Stimmung sich wandeln kann angesichts eines
nebligen Sonnenaufgangs oder in einem tosenden Sturm. Wer das
Meer befahren hat, der weiß, wie gewaltig die Kräfte sind, denen
man ausgesetzt ist – im günstigen Fall beflügelnd, im schlimmsten
Fall tödlich. Wer dann gar darauf angewiesen ist, vom Meer zu
leben, sei es als Seemann oder als Fischer, der ist seiner elementaren
Wucht in der Regel in einer innigen Hassliebe verbunden,
der weiß ebenso um die Glücksgefühle, die das Meer ihm schenken
kann, wie um seine existenzielle Abhängigkeit.
Unter solchen Menschen spielt Brittens Oper Peter Grimes, die
der Komponist 1945 veröffentlichte. Es ist eine raue, grausame
Geschichte unter Fischern, die dort erzählt wird, über den Außenseiter
Peter Grimes, der verdächtigt wird, seine jungen Helfer zu
misshandeln. Im Mittelpunkt steht aber vor allem die Situation
der Menschen am Meer, ihr hartes Leben unter stetiger, unterschwelliger
Bedrohung.
«Ich wollte ausdrücken, wie bewusst mir die immerwährende
Mühsal der Männer und Frauen ist, deren Lebensgrundlage das
Meer bildet – trotz aller Schwierigkeiten, ein so universales Thema
im Theater darzustellen», schrieb Benjamin Britten (1913–1976)
in seiner Einführung zur ersten Produktion des Peter Grimes. Das
Orchester übernimmt in der Oper die Rolle des Meeres, sodass
die Four Sea Interludes op. 33a quasi den Hintergrund für die Handlung
bilden, infolge der engen Verbindung zwischen Menschen
21

Benjamin Britten (links) am Strand von Aldeburgh
(Photographie von George Rodger, 1946)
und Meer gleichzeitig aber auch symbolhaft für die Stimmungslage
in der Gemeinde stehen.
Der genaue Inhalt der Oper ist zum Verständnis der Four Sea
Interludes nicht zwingend Voraussetzung; Britten konzipierte die
vier Stücke als eigenständige kleine Suite für den Konzertsaal und
ließ sie auch schon vor der gesamten Oper aufführen.
The Borough (Die Gemeinde) ist der Originaltitel der zugrunde
liegenden Dichtung, einer Gedichtsammlung des Naturalisten
George Crabbe aus dem Jahr 1810. Sowohl der Dichter als auch
der Komponist gehörten zu den erwähnten Menschen am Meer:
Crabbe wurde in Aldeburgh geboren, an der Ostküste Englands
in der Grafschaft Suffolk gelegen; Britten siedelte sich ebendort
an, und zwar zur Zeit der Arbeit an Peter Grimes. In Lowestoft geboren,
etwa 50 Kilometer von Aldeburgh entfernt, war er ebenfalls
unmittelbar am Meer aufgewachsen, hatte dann aber als überzeugter
Pazifist einige Jahre im amerikanischen Exil verbracht.
Zurück in seinem Heimatland, wurde er in Aldeburgh heimisch
und begründete dort auch sein berühmtes Musikfestival, das bis
heute alljährlich stattfindet.
22

Das Unabsichtliche als Ereignis:
Beethovens Viertes Klavierkonzert
Den 22. Dezember 1808 hätte wohl mancher Musikfreund gern
miterlebt, insbesondere in Wien: In einer großen Akademie im
Theater an der Wien spielte Ludwig van Beethoven (1770–1827)
höchstselbst die öffentliche Uraufführung seines Klavierkonzerts
G-Dur N° 4 op. 58 (nach einer halbprivaten Vorabaufführung im
Palais seines Gönners Fürst Lobkowitz). Gleichzeitig erlebten
die Fünfte und die Sechste Symphonie sowie die Chorphantasie ihre
Uraufführung.
Widmungsträger des Konzerts war Erzherzog Rudolph von Habsburg,
und allein dies lässt darauf schließen, dass das Konzert Beethoven
besonders am Herzen lag: Dem Erzherzog galten seine
persönlichsten Widmungen, etwa die des «Erzherzog-Trios», der
Großen Fuge, der Klaviersonate op. 111 oder der Missa solemnis, Letztere
mit den Worten «Von Herzen – möge es wieder – Zu Herzen
gehn!»
Die Umstände der Uraufführung sind ein Zeichen dafür, dass es
sich um eine äußerst fruchtbare Phase in Beethovens Laufbahn
handelte. Das Konzert war in den Jahren 1805 und 1806 entstanden,
zeitgleich mit der Vierten, Fünften und Sechsten Symphonie,
der Oper Fidelio und dem Violinkonzert – um nur die größten
Kompositionen zu nennen.
«…in den allerschnellsten Tempis»
Bei allem Erfolg war Beethoven doch zeitlebens mit vielen seiner
bisherigen Kompositionen unzufrieden. 1803 kündigte er etwa
dem Geiger Wenzel Krumpholz gegenüber an, einen «neuen
Weg» einschlagen zu wollen. Hier deutet sich eine Wende an, als
deren letzte Konsequenz Werke wie die Große Fuge op. 133 oder
die Klaviersonate op. 111 gelten können – Werke, denen die Hörer
seiner Zeit oft nicht mehr folgen konnten. Unter den Kompositionen
der Jahre 1805 und 1806 waren es vor allem die drei Streichquartette
op. 59, die sogenannten «Rasumowsky-Quartette», in denen
Beethoven sein Publikum allein durch übermäßige Länge und
Schwierigkeit der Werke brüskierte.
24

Wien, Wienmuseum
Ludwig van Beethoven
(Portrait von Joseph Willibrord Mähler, 1804)
Das Vierte Klavierkonzert ist dagegen fasslicher, doch stieß auch
dieses Werk auf eine gewisse Beklommenheit, die freilich angesichts
der unangefochtenen Meisterschaft des Komponisten nur
verhalten geäußert wurde. Berühmt geworden sind die Worte des
Zeitgenossen Johann Friedrich Reichardt, der meinte, es handele
sich um ein «Pianofortekonzert von ungeheurer Schwierigkeit,
welches Beethoven zum Erstaunen brav in den allerschnellsten
Tempis ausführte». Reichardts Aussage spiegelt durchaus Anerkennung
wider, zeugt aber auch von einer gewissen Reserve, mit
der die Menschen Beethovens Werken zunehmend begegneten.
Als ein Beispiel für Beethovens unkonventionellen «neuen Weg»
mag der Beginn des Werks dienen, den der Pianist Wilhelm
Kempff mit folgenden Worten beschrieb: «Es gibt wohl in der
25

ganzen Klavierliteratur kaum etwas, was diesem Anfang des vierten
Beethoven’schen Konzerts zu vergleichen wäre. Das Orchester
schweigt. Aber schweigt der Solist nicht auch auf seine Weise?
Diese ersten Takte dürfen nicht gespielt werden. Es ist ein Horchen
nach innen. Deshalb kann die Technik hier nichts ausrichten. Und
jede Absichtlichkeit würde hier nur zerstörend wirken, denn das
Unabsichtliche, ‹hier wird’s Ereignis!›»
Finnlands Freiheitskampf? Sibelius’ Zweite Symphonie
Spricht man von Sibelius, spricht man von Finnland: Nur wenige
Komponisten werden so sehr mit ihrem Heimatland identifiziert
wie Sibelius, der in der Tat nahezu den Status eines Nationalhelden
einnimmt. Dabei ist es nicht zuletzt seine Zweite Symphonie,
die diesen Rang untermauert – jenes große Werk, das der finnische
Musikwissenschaftler und Komponistenkollege Ilmari Krohn als
«Finnlands Freiheitskampf» bezeichnete. Wie so oft, ist die Wahrheit
vielschichtiger, stellt sie sich doch in einer Vielzahl von Zeugnissen
dar, in denen man wohl zwischen den Intentionen des Komponisten
selbst und denen seiner Umwelt unterscheiden muss.
Sibelius selbst trennte generell deutlich zwischen Symphonien
und Symphonischen Dichtungen: Die Erstgenannten hatten für
ihn klar absolute Musik darzustellen, während die Letztgenannten
durchaus programmatische Inhalte transportieren konnten wie
beispielsweise En Saga, Valse triste oder die auf dem finnischen
Nationalepos Kalevala beruhenden Kompositionen. Eine Sonderstellung
nimmt allein Kullervo ein, eine frühe Komposition für
Orchester, Männerchor und zwei Solisten, die Sibelius zunächst
als «Tondichtung» bezeichnete, später aber als «Symphonie», und
die daher mitunter als «Nullte Symphonie» geführt wird.
Als Person war Jean Sibelius (1865–1957) schon früh in den Bann
der finnischen Nationalbewegung geraten – durch eigenes Interesse,
aber auch durch seine Verbindung zu Aino Järnefelt, deren
Familie in extremem Maße finnisch-nationale Ziele verfolgte.
1892 heirateten die beiden, und Aino blieb Sibelius ein Leben
lang treu verbunden (was mit Sicherheit nicht immer einfach war).
Dass Sibelius’ eigentlich nicht einmal ein «echter» Finne war son-
26

dern der finnlandschwedischen Oberschicht angehörte, spielte
keine große Rolle, teilte er dieses Schicksal doch mit der überwiegenden
Zahl der «Fennomanen».
Allerdings war die Vereinnahmung von Sibelius’ Musik für die
finnische Sache nicht generell durch ihn beabsichtigt; natürlich
verfolgte er mit den Kalevala-Kompositionen und anderen national-programmatischen
Werken klar national-künstlerische Ziele,
doch waren seine Intentionen eigentlich nicht wirklich politischer
Natur. Insbesondere sein nationales Werk schlechthin, Finlandia,
war für den Komponisten zunächst von eher untergeordneter
Bedeutung und erlangte seine Berühmtheit erst durch die
begeisterte Reaktion finnischer Freiheitskämpfer.
Der steinerne Gast als Inspiration
Die Zeit um die Wende zum 20. Jahrhundert war für Finnland
eine entscheidende Phase: Nach Jahrhunderten der Zugehörigkeit
zu Schweden waren große Teile des Landes 1809 an Russland
gefallen, und während zunächst eine weitgehende Autonomie im
Großfürstentum Finnland geherrscht hatte, betrieb der russische
Gouverneur Bobrikow seit den 1890er Jahren eine rigorose Russifizierung
des Landes, die den Widerstand der Finnen anfachte.
Erst in den Wirren der Russischen Revolution sollte die Unabhängigkeit
Finnlands schließlich erreicht werden – bis dahin erlebte
das Land Jahre der Unruhen und Kämpfe.
Obwohl Sibelius zu einer Symbolfigur des Widerstands geworden
war, trieb ihn selbst vor allem seine musikalische Arbeit an,
und er unternahm zahlreiche Reisen durch ganz Europa, wo er
sowohl als Komponist als auch Dirigent reüssierte, sich mit der
Musik Richard Wagners beschäftigte und Bekanntschaft mit
Richard Strauss machte, der ihn tief beeindruckte.
Eine Station seiner Reisen war das italienische Rapallo, wo er 1901
die folgende Vision des «steinernen Gasts» aus Don Juan festhielt:
«Don Juan. Sitze in der Dämmerung in meinem Schloss, ein Gast
tritt ein. Ich frage mehr als einmal, wer er ist. – Keine Antwort.
Ich versuche, ihn zu unterhalten. Immer noch stumm ist er. End-
28

Jean Sibelius, 1900
lich stimmt der Fremde ein Lied an. Da merkt Don Juan, wer er
ist – der Tod.» Dazu notierte Sibelius das Hauptthema des Andantes
aus seiner Zweiten Symphonie, das mit seinen ansteigenden
Sekunden eine wesentliche Keimzelle des motivischen Materials
der Symphonie darstellt (und somit auch des hymnischen Hauptthemas
des Finales, das entscheidend zur politischen Vereinnahmung
der Symphonie beigetragen hat).
Triumphale Geste
Die Zweite Symphonie beschäftigte Sibelius, nach Finnland zurückgekehrt,
den Rest des Jahres 1901 über und wurde von ihrer Uraufführung
im März 1902 an ein überragender Erfolg. Neben der
Anspielung auf den Don Juan gibt es vom Komponisten selbst
keinerlei außermusikalisches Programm zu jenem Werk, das denn
auch einen mustergültigen Beitrag zur Gattung Symphonie darstellt.
Natürlich trägt sie Sibelius’ individuelle Handschrift mit
wuchtigem Orchestersatz, gern in extremen Lagen, und mit teilweise
archaisch anmutenden Klängen. Nationale Elemente sucht
man jedoch vergeblich: Folkloristische Zitate oder Stilzitate spielen
in der Musik keine Rolle.
29

Dennoch wurde die Symphonie umgehend mit dem finnischen
Freiheitskampf in Verbindung gebracht. Insbesondere Helsinkis
Universitäts-Musikdirektor Robert Kajanus tat sich hierbei hervor,
ebenso der finnische Dirigent Georg Schnéevoigt. Letzteren wies
Sibelius 1939 deutlich zurecht und bekräftigte, die Zweite Symphonie
habe keinerlei «politische Motive». Die Legendenbildung
um sein Werk konnte er dennoch nicht aufhalten.
Über den außermusikalischen Gehalt der Musik kann man also
streiten – unumstritten bleibt der überwältigende Charakter von
Sibelius’ wohl populärster Symphonie. «[Das Finale] mündet
in einen triumphalen Schluss, der dazu geeignet ist, beim Hörer
die Vorstellung lichter und trostreicher Zukunftsaussichten zu
wecken.» Gegen dieses Schlusswort von Robert Kajanus ist in
keinem Fall etwas einzuwenden.
30

Interprètes
Biographies
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City of Birmingham Symphony Orchestra
Andris Nelsons Music Director
En novembre 1920, Sir Edward Elgar dirigeait le concert d’ouverture
du City of Birmingham Symphony Orchestra (CBSO). En
neuf décennies, le CBSO s’est développé de telle sorte qu’il est
devenu un ensemble de 90 musiciens d’une réputation mondiale,
même si, comme par le passé, il est toujours enraciné dans la
ville de Birmingham. En novembre 2010, nous avons fêté nos
90 ans d’existence avec deux concerts exceptionnels et nous
réjouissons de fêter en 2020 notre centième anniversaire. Elgar
n’a été que le premier des grands noms associés au CBSO. Sous
la direction de chefs tels qu‘Adrian Boult, Andrzej Panufnik et
Louis Frémaux, la réputation de l’orchestre a grandi de façon
continue. Pourtant ce sont les 18 années passées sous l’égide
de Sir Simon Rattle qui ont définitivement élevé le CBSO au rang
d’orchestre de qualité internationale. Cela s’est encore accentué
sous la direction du chef finnois Sakari Oramo, nommé chef
permanent en 1998 et en 1999 Music Director, poste qu’il a
conservé jusqu’en 2008. L’été 2005, un nouveau poste d’Assistant
Conductor a été créé pour Michael Seal, qui a allié cette
activité à sa carrière de violoniste au sein de l’orchestre et nous
sommes heureux de pouvoir annoncer sa nouvelle nomination
au poste d’Associate Conductor. En septembre 2008, c’est le
chef letton de 31 ans Andris Nelsons qui a été nommé Music
Director, suivant la tradition du CBSO de prendre à sa tête de
jeunes chefs exceptionnels. Dès ses débuts, il a reçu du monde
entier les plus hauts éloges pour son travail. À l’automne 2010,
32

photo: Neil Pugh
City of Birmingham Symphony Orchestra
Edward Gardner a été appelé comme premier chef invité, pour
une durée de trois ans. Le cœur du CBSO bat au Symphony Hall,
la salle de concert d’une acoustique parfaite, qui, depuis son ouverture
en 1991, a été le symbole de la renaissance de Birmingham.
Le CBSO y accueille le public le plus large possible, et lui
propose la palette la plus large possible d’œuvres musicales. On
y trouve le répertoire classique aussi bien que la musique contemporaine,
pour laquelle l’orchestre est réputé, mais aussi
une musique plus légère avec les séries de concerts très appréciés
du vendredi soir, qui vont de la musique de film à la variété.
À cela s’ajoutent les matinées ainsi que les concerts destinés
aux scolaires et aux familles. Le CBSO, toutefois, ne joue
pas uniquement à Birmingham: l’orchestre est surtout sollicité
33

34
dans le monde entier. En 2010, il a joué en Allemagne, en Autriche,
en Suisse, en République Tchèque et en Lettonie et il
est retourné également aux BBC Proms. En janvier 2012, il a
effectué une tournée de concerts avec sept concerts en Allemagne,
en France, aux Pays-Bas ainsi qu’en Espagne. L’orchestre
enregistre par ailleurs sous différents labels pour une discographie
considérable. Sous la direction de Sir Simon Rattle et de
Sakari Oramo, il a enregistré quelques CDs couronnés de prix,
dont les concertos pour piano de Saint-Saëns avec Stephen Hough
(Gramophone Award du CD de l’année 2002, Gold Disc Record
de Gramophone en 2008 pour le meilleur enregistrement des
trente dernières années). En 2009 est paru le premier CD du
CBSO sous la direction de son Music Director, Andris Nelsons,
avec des œuvres de Tchaikovski. Cela a marqué le début d’un
partenariat permanent avec l’important label allemand indépendant
Orfeo. Quatre autres CDs sous le label Orfeo avec des
œuvres de Strauss, Stravinsky et Tchaikovski ont été publiés
jusqu‘ici. En 2010, le CBSO a été distingué avec le Hallé Orchestra
d’un Classical Music Award .pour un cycle Nielsen enregistré
en commun. Le CBSO Centre, centre administratif et lieu de répétition
dans Berkley Street à Birmingham, fait aussi office de
petite salle de concert. Le centre a été installé en 2008 comme
lieu d’enseignement et héberge de nombreuses offres ‹Ignite›
du CBSO, le programme de recherche de nouveaux publics et
d’action dans les quartiers. Sous la bannière d’Ignite, le programme
de formation du CBSO coordonne entre autres une
importante offre en direction des écoles et des quartiers et du
West Midland. Ces projets peuvent être de grande ampleur
comme CBSO Youth Orchestra, qui se produit au Symphony
Hall deux fois par an avec les chefs du CBSO, ou encore petits
et compacts comme «Roadshow», un programme qui est présenté
dans les écoles par un groupe de musiciens du CBSO.
L’ensemble du programme de formation du CBSO est l’un des
plus importants et des plus ambitieux d’Europe. Il existe un
chœur d’adultes, un chœur d’enfants, deux chœurs de jeunes
et un chœur de garçons pour des jeunes en période de mue,
qui sont tous régulièrement engagés pour donner des concerts
avec le CBSO et d’autres orchestres et ensembles de premier

plan. Le chœur d’adultes a chanté lors de l’ouverture du Festival
Olympique de Sydney a enregistré la Neuvième Symphonie de
Beethoven avec les Wiener Philharmoniker sous la direction de
Sir Simon Rattle et a voyagé ces dernières années à Hong Kong,
Lyon, Grenoble et Kuala Lumpur. Les chœurs de jeunes ont
chanté avec de nombreux artistes, qui vont des Berliner Philharmoniker
à Jools Holland et par le biais de technologie vidéo,
ainsi que comme choristes avec Elvis. Le CBSO ambitionne la
plus haute qualité du travail artistique et de la formation, intervient
à Birmingham en faveur des habitants du West Midland et
de toute la Grande-Bretagne et offre à un large public un répertoire
vaste et ambitieux.
www.cbso.co.uk
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City of Birmingham Symphony Orchestra
Andris Nelsons Music Director
Im November 1920 dirigierte Sir Edward Elgar das Eröffnungskonzert
des City of Birmingham Symphony Orchestra (CBSO).
In neun Jahrzehnten hat sich das CBSO seitdem zu einem Ensemble
von Weltruf mit 90 Mitgliedern entwickelt, ist aber nach
wie vor fest in der Stadt Birmingham verwurzelt. Im November
2010 durften wir unser 90-jähriges Bestehen mit zwei Sonderkonzerten
feiern und freuen uns nun auf unsere Hundertjahrfeier
2020. Elgar war nur der erste große Name, den man mit
dem CBSO verbindet. Unter der Leitung von Dirigenten wie
Adrian Boult, Andrzej Panufnik and Louis Frémaux wuchs der
Ruf des Orchesters stetig. Doch war es die 18 Jahre währende
Ägide von Sir Simon Rattle, die das CBSO endgültig zu einem
Orchester von Weltrang erhob. Es gedieh weiter unter dem finnischen
Dirigenten Sakari Oramo, der 1998 Chefdirigent und
1999 Music Director wurde, ein Posten, den er bis 2008 behielt.
Im Sommer 2005 wurde die neue Stelle eines Assistant Conductor
für Michael Seal geschaffen, der diese Tätigkeit mit einer
Karriere als Violinist beim CBSO verbindet, und wir freuen uns,
seine neue Position als Associate Conductor verkünden zu dürfen.
Im September 2008 wurde, ganz in der Tradition, herausragende
junge Dirigenten ans CBSO zu holen, der 31-jährige
37

40
Lette Andris Nelsons zum Music Director ernannt. Von Anfang
an erhielt er international höchstes Lob für seine Arbeit. Im
Herbst 2010 wurde Edward Gardner als Erster Gastdirigent für
eine Zeit von drei Jahren berufen. Das Herz des CBSO schlägt
in der Symphony Hall, dem akustisch vollkommenen Konzertsaal,
der seit seiner Eröffnung 1991 zum Symbol der Wiedergeburt
Birminghams wurde. Hier bietet das CBSO einem möglichst
großen Publikum eine möglichst breite Palette musikalischer
Werke. Dazu gehören das klassische ebenso wie das zeitgenössische
Repertoire, für das das Orchester berühmt ist, aber
auch die leichtere Muse mit der beliebten Freitagabendreihe,
die alles von Film-Themen bis zu Musical-Hits bietet. Hinzu kommen
Matinéen, Schul- und Familienkonzerte. Allerdings spielt
das CBSO nicht nur in Birmingham: Das Orchester ist überall
in der Welt gefragt, 2010 spielte es in Deutschland, der Schweiz,
in Österreich, der Tschechischen Republik und in Lettland und
kehrte außerdem zu den BBC Proms zurück. Im Januar 2012
absolvierte es eine Konzerttournee mit sieben Konzerten in
Deutschland, Frankreich, den Niederlanden und Spanien. Das
Orchester arbeitet mit verschiedenen Labeln weiter an seiner
ansehnlichen Diskographie. Unter Sir Simon Rattle und Sakari
Oramo nahm es einige preisgekrönte CDs auf, darunter die Klavierkonzerte
von Saint-Saëns mit Stephen Hough (Gramophone
Award als CD des Jahres 2002, Gold Disc Record der Gramophone
Awards für die beliebteste Einspielung der vergangenen
30 Jahre 2008). 2009 erschien die erste CD des CBSO unter
seinem Music Director Andris Nelsons mit Werken von Tschaikowsky.
Dies markierte den Beginn einer andauernden Partnerschaft
mit dem führenden unabhängigen deutschen Plattenlabel
Orfeo. Vier weitere Orfeo-CDs mit Werken von Strauss,
Strawinsky und Tschaikowsky wurden bis jetzt veröffentlicht.
2010 wurde das CBSO zusammen mit dem Hallé-Orchester bei
den South Bank Show Awards mit dem Classical Music Award
für einen gemeinsamen Nielsen-Zyklus ausgezeichnet. Das
CBSO Centre, der Verwaltungssitz und die Probestätte in der
Berkley Street in Birmingham, fungiert gleichzeitig als kleiner
Konzertsaal. Das Zentrum wurde 2008 als Lernstätte eingerichtet
und beherbergt viele der Ignite-Angebote des CBSO, des

Programms zur Zuschauergewinnung und Gemeindearbeit.
Unter dem Banner von Ignite koordiniert das Bildungsprogramm
des CBSO u.a. ein umfangreiches Angebot für Schulen und Gemeinden
in den westlichen Midlands. Die Projekte können groß
sein wie das CBSO Youth Orchestra, das zweimal im Jahr in der
Symphony Hall mit den Dirigenten des CBSO auftritt, oder sie
sind klein und kompakt wie «Roadshow», ein Programm, bei
dem Gruppen von CBSO-Musikern in die Schulen gehen. Das
gesamte Bildungsprogramm das CBSO ist eines der umfangreichsten
und ehrgeizigsten in Europa. Es gibt einen Erwachsenenchor,
einen Kinderchor, zwei Jugendchöre und einen Knabenchor
für Jungen im Stimmbruch, die alle regelmäßig für
Konzerte mit dem CBSO und anderen führenden Orchestern
und Ensembles engagiert werden. Der Erwachsenenchor sang
bei der Eröffnung des Sydney Olympic Arts Festival, spielte
Beethovens Neunte Symphonie mit den Wiener Philharmonikern
unter Sir Simon Rattle ein und reiste in den letzten Jahren nach
Hong Kong, Lyon, Grenoble und Kuala Lumpur. Die Jugendchöre
haben mit zahlreichen Künstlern von den Berliner Philharmonikern
bis Jools Holland und mittels Videotechnologie sogar als
Backgroundsänger mit Elvis gesungen. Das CBSO strebt nach
höchster Qualität in der künstlerischen und der Bildungsarbeit,
setzt sich für die Menschen in Birmingham, den West Midlands
und ganz Großbritannien ein und bietet einem großen Publikum
ein breites und ehrgeiziges Repertoire.
www.cbso.co.uk
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Andris Nelsons direction
Andris Nelsons est l’un des jeunes chefs les plus sollicités sur
la scène musicale internationale et jouit d’une excellente réputation
aussi bien à l‘opéra que dans les salles de concert. Dans
les années qui viennent, il va poursuivre sa collaboration avec
des orchestres tels que les Berliner Philharmoniker, les Wiener
Philharmoniker, le Royal Concertgebouw Orchestra, le Symphonieorchester
des Bayerischen Rundfunks, la Staatskapelle Berlin,
le Boston Symphony Orchestra, le New York Philharmonic, le
Philharmonia Orchestra et le Tonhalle-Orchester Zürich. Il s’est
41

photo: Marco Borggreve
Andris Nelsons
produit récemment pour la première fois au Japon lors d’une
tournée avec les Wiener Philharmoniker. Cette saison, il fait ses
débuts à la tête du Gewandhausorchester Leipzig. Andris Nelsons
est régulièrement invité à diriger au Royal Opera House Covent
Garden, au Metropolitan Opera de New York, au Wiener Staatsoper
et au Staatsoper Unter den Linden. L’été 2011, il est retourné
au Festival de Bayreuth pour assurer une nouvelle fois la direction
musicale de la production de Lohengrin mise en scène
par Hans Neuenfels. En 2012, il dirigera également à Bayreuth.
Nelsons est depuis 2008 Music Director du City of Birmingham
Symphony Orchestra (CBSO) et a reçu les plus hauts éloges
pour les saisons successives qu’il a assurées depuis. Avec le
CBSO il entreprend de longues tournées à travers le monde
avec des concerts réguliers dans des festivals d’été tels que le
Festival de Lucerne, les BBC Proms et les Berliner Festspiele.
Il poursuit également une collaboration avec le Label Orfeo: Nelsons
et le CBSO travaillent à l’enregistrement intégral des œuvres
orchestrales de Tchaikovski et Strauss. À propos de leur
premier enregistrement d’œuvres de Strauss, leTimes a écrit
43

qu’il constituait l’une des «lectures les plus précieuses et les
plus raffinées d‘Ein Heldenleben qui ait jamais été enregistrée
en CD». D’autres enregistrements avec des œuvres de Stravinsky,
Chostakovitch et Mahler sont en projet. Plus de la moitié
des enregistrements d‘Andris Nelsons jusqu’à présent ont reçu
le Preis der Deutschen Schallplattenkritik. Nelsons a également
reçu en octobre 2011 le célèbre ECHO Klassik comme chef de
l’année. Ses enregistrements audiovisuels sont publiés exclusivement
sous le label Unitel. Né à Riga en 1978, Andris Nelsons
a grandi dans une famille de musiciens et a commencé sa carrière
comme trompettiste à l’Orchestre de l’Opéra National de
Lettonie, et a également reçu divers prix en tant que chanteur.
En 2001, il a reçu le célèbre Grand Prix de la musique lettone
pour des prestations exceptionnelles. La même année, il a terminé
ses études à Riga et s’est rendu à Saint-Pétersbourg pour
y poursuivre sa formation auprès du professeur Alexander Titov.
À partir de 2002, il a étudié en privé avec Mariss Jansons et a
achevé en 2009 son activité de Chefdirigent de la Nordwestdeutschen
Philharmonie à Herford. De 2003 à 2007, il a été directeur
musical de l’Opéra National de Lettonie.
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Andris Nelsons Leitung
Andris Nelsons ist einer der gefragtesten jungen Dirigenten in
der internationalen Musikszene, der sowohl an den Opern- als
auch an den Konzerthäusern einen exzellenten Ruf genießt. In
den kommenden Jahren wird er die Zusammenarbeit mit Orchestern
wie den Berliner Philharmonikern, den Wiener Philharmonikern,
dem Royal Concertgebouw Orchestra, dem Symphonieorchester
des Bayerischen Rundfunks, der Staatskapelle
Berlin, dem Boston Symphony Orchestra, dem New York Philharmonic,
dem Philharmonia Orchestra und dem Tonhalle-Orchester
Zürich fortsetzen. Kürzlich ist er während einer Tournee
mit den Wiener Philharmonikern zum ersten Mal in Japan aufgetreten.
Diese Saison wird er beim Gewandhausorchester
Leipzig debütieren. Andris Nelsons ist regelmäßig am Royal
Opera House Covent Garden, an der Metropolitan Opera New
York, der Wiener Staatsoper und der Staatsoper Unter den Lin-
44

den zu Gast. Im Sommer 2011 kehrte er zu den Bayreuther Festspielen
zurück und übernahm erneut die musikalische Leitung
von Lohengrin, einer Inszenierung von Hans Neuenfels. 2012
wird er ebenfalls in Bayreuth dirigieren. Nelsons ist seit 2008
Music Director des City of Birmingham Symphony Orchestra
(CBSO) und hat für seine bisherigen Saisons höchstes Lob erhalten.
Mit dem CBSO unternimmt er weltweit ausgedehnte
Tourneen mit regelmäßigen Auftritten bei Sommerfestivals wie
dem Lucerne Festival, den BBC Proms und den Berliner Festspielen.
Außerdem besteht eine produktive Kooperation mit
dem Label Orfeo: Nelsons und das CBSO arbeiten an einer
kompletten Einspielung der orchestralen Werke von Tschaikowsky
und Strauss. Über ihre erste CD mit Kompositionen von
Strauss schrieb die Times, es sei eine der «kostbarsten und raffiniertesten
Wiedergaben von Ein Heldenleben, die es je auf CD
gegeben hat». Weitere Aufnahmen mit Werken von Strawinsky,
Schostakowitsch und Mahler sind in der Planung. Über die Hälfte
der bisherigen Einspielungen von Andris Nelsons wurde mit
einem Preis der Deutschen Schallplattenkritik ausgezeichnet.
Außerdem erhielt Nelsons im Oktober 2011 den renommierten
ECHO Klassik als Dirigent des Jahres erhalten. Für audioviselle
Aufnahmen besteht ein Exklusivvertrag mit der Unitel. 1978 in
Riga geboren, wuchs Andris Nelsons als Kind einer Musikerfamilie
auf und begann seine Karriere als Trompeter im Orchester
der Lettischen Nationaloper, außerdem erhielt er diverse
Preise als Sänger. 2001 wurde er mit dem renommierten Großen
Lettischen Musikpreis für herausragende Leistungen ausgezeichnet.
Im selben Jahr schloss er sein Studium in Riga ab und
ging nach St. Petersburg, um dort bei Professor Alexander Titov
seine Ausbildung fortzusetzen. Seit 2002 studiert er privat bei
Mariss Jansons und beendete 2009 seine Tätigkeit als Chefdirigent
der Nordwestdeutschen Philharmonie in Herford. Von
2003 bis 2007 war er Music Director der Lettischen Staatsoper.
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Rudolf Buchbinder piano
Rudolf Buchbinder appartient aux grandes pointures de la scène
pianistique internationale et se voit régulièrement inviter par les
46

Rudolf Buchbinder
orchestres et festivals de premier plan dans le monde entier. Son
répertoire est vaste et comprend aussi de nombreuses pièces
du 20 e siècle. Rudolf Buchbinder accorde une importance particulière
à la recherche méticuleuse des sources. Se trouvent ainsi
en sa possession, entre autres, 35 éditions complètes des sonates
pour piano de Beethoven, une vaste collection de premières
éditions et d’éditions originales ainsi que des copies des
parties de piano et partitions d’orchestre des deux concertos
pour piano de Brahms de la main du compositeur. Plus de 100
enregistrements témoignent de l’ampleur et de la diversité du
répertoire de Buchbinder. Ont fait sensation son enregistrement
de l’intégrale de l’œuvre pour clavier de Haydn, qui a reçu le
Grand Prix du Disque, et un CD de transcriptions pour piano intitulé
«Waltzing Strauss». Rudolf Buchbinder privilégie parallèle-
47

ment les enregistrements live. Ceux des deux concertos pour
piano de Brahms (Royal Concergebouw Orchestra/Nikolaus Harnoncourt)
ainsi que les deux DVDs de six concertos pour piano
de Mozart en soliste et chef avec les Wiener Philharmoniker,
enregistrement en live des Wiener Festwochen 2006, l’illustrent
de façon impressionnante. En 2010 est paru un autre enregistrement
live des deux concertos pour piano de Brahms avec
Buchbinder en soliste avec l’Israel Philharmonic Orchestra sous
la direction de Zubin Mehta. En 2011 paraitra l’enregistrement
DVD en live des cinq concertos pour piano de Beethoven avec
Rudolf Buchbinder en soliste et chef des Wiener Philharmoniker
dans la grande salle du Musikverein de Vienne. D’une importance
particulière a été pour Rudolf Buchbinder l‘interpretation du
«Nouveau Testament»de la musique pour piano: avec l’interprétation
de l’intégrale des 32 sonates pour piano de Beethoven
dans plus de 40 villes – dont Vienne, Munich, Hambourg, Zurich,
Buenos Aires et Milan – il met et a toujours mis la barre très
haut. Pour la saison 2010/11 Rudolf Buchbinder était en lien particulièrement
étroit avec la Sächsischen Staatskapelle Dresden,
comme artiste en résidence. Son cycle de sonates de Beethoven
au Semperoper Dresden a été enregistré en live et est paru
en 2011 en coffret CD sous le label Sony/RCA Red Seal. Depuis
2007, Rudolf Buchbinder est intendant du Festival de Grafenegg.
Dans sa biographie, Da Capo, avec un prologue de Joachim
Kaiser, Rudolf Buchbinder donne un aperçu de sa vie, celle de
l’un des pianistes les plus importants d’aujourd’hui.
www.buchbinder.net
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Rudolf Buchbinder Klavier
Rudolf Buchbinder ist eine feste Größe in der internationalen
Klavierszene und regelmäßiger Gast bei den bedeutenden Orchestern
und Festivals weltweit. Sein Repertoire ist umfangreich
und schließt auch zahlreiche Kompositionen des 20. Jahrhunderts
ein. Rudolf Buchbinder legt besonderen Wert auf die akribische
Quellenforschung. So befinden sich u. a. 35 komplette Ausgaben
der Klaviersonaten Beethovens, eine umfangreiche Sammlung
von Erstdrucken und Originalausgaben sowie Kopien der
48

eigenhändigen Klavierstimmen und Partituren der beiden Klavierkonzerte
von Brahms in seinem Besitz. Über 100 Aufnahmen
dokumentieren Größe und Vielfalt von Buchbinders Repertoire.
Besonderes Aufsehen erregte seine Einspielung des gesamten
Klavierwerks von Haydn, die mit dem Grand Prix du Disque ausgezeichnet
wurde, sowie eine CD mit Klaviertranskriptionen
unter dem Titel «Waltzing Strauss». Mittlerweile bevorzugt Rudolf
Buchbinder Live-Aufnahmen. Die Konzertmitschnitte der beiden
Klavierkonzerte von Brahms (Royal Concergebouw Orchestra/
Nikolaus Harnoncourt) sowie zwei DVDs mit sechs Klavierkonzerten
von Mozart als Solist und Dirigent mit den Wiener Philharmonikern,
live von den Wiener Festwochen 2006, spiegeln dies
in beeindruckender Weise wider. 2010 erschien eine weitere
Live-Aufnahme der beiden Klavierkonzerte von Brahms mit Buchbinder
als Solist des Israel Philharmonic Orchestra unter Zubin
Mehta. 2011 wurden Rudolf Buchbinders Konzerte mit Beethovens
fünf Klavierkonzerten als Solist und Dirigent mit den
Wiener Philharmonikern im Großen Musikvereinssaal in Wien
live auf DVD aufgezeichnet. Zum wichtigen Anliegen wurde für
Rudolf Buchbinder die Interpretation des «Neuen Testaments»
der Klaviermusik: Mit der zyklischen Wiedergabe aller 32 Sonaten
Beethovens in über 40 Städten – darunter Wien, München,
Hamburg, Zürich, Buenos Aires und Mailand – setzte und setzt
er immer wieder Maßstäbe. In der Saison 2010/11 war Rudolf
Buchbinder als Artist in Residence der Sächsischen Staatskapelle
Dresden besonders eng verbunden. Sein Beethoven-Sonaten-Zyklus
in der Semperoper Dresden wurde live mitgeschnitten
und erschien 2011 als CD-Box bei Sony/RCA Red Seal. Seit 2007
ist Rudolf Buchbinder Intendant der Festspiele Grafenegg. In
seiner Biographie Da Capo, mit einem Vorwort versehen von
Joachim Kaiser, gibt Rudolf Buchbinder Einblicke in sein Leben
als einer der bedeutendsten Pianisten von heute.
www.buchbinder.net
51

La plupart des programmes du soir de la Philharmonie sont
disponibles avant chaque concert en version PDF sur le site
www.philharmonie.lu
Die meisten Abendprogramme der Philharmonie finden
Sie schon vor dem jeweiligen Konzert als Web-PDF unter
www.philharmonie.lu
your comments are welcome on
www.facebook.com/philharmonie
Impressum
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Grande-Duchesse Joséphine-Charlotte 2012
Matthias Naske, Directeur Général
Responsable de la publication: Matthias Naske
Photo Philharmonie: Antoine Huot
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Tous droits réservés.
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