Dossier de presse - Palais des Beaux Arts de Lille

Dossier de presse

Sommaire
Informations p.2
E.motion Graphique : propos et œuvres exposées p. 3 à 17
Autour de l’exposition : visites, événements et cinéma p. 17
Images disponible pour la presse p. 18 - 19
Informations
Palais des Beaux-Arts
Place de la République
59000 Lille, FRANCE
Tél. 33 (0)3 20 06 78 00
www.pba-lille.fr
Tarifs (individuels):
Horaires :
Exposition seule : 5,50 g - 3,80 g
Collections permanentes + exposition : 7 g - 5 g
Ouvert le lundi de 14 h à 18 h, du mercredi au dimanche de 10 h à 18 h
Fermé le mardi, le 25 décembre et le 1er janvier.
Direction du musée Alain Tapié, conservateur en chef du patrimoine,
Directeur du Musée des Beaux-Arts de Lille et du Musée de l’Hospice Comtesse
Commissariat de l’exposition :
Commissaire de la partie consacrée aux dessins
Cordélia Hattori, Chargée du Cabinet des dessins au Musée des Beaux-Arts de Lille
Commissaire de la partie contemporaine
Régis Cotentin, Chargé de la programmation culturelle contemporaine au Musée des Beaux-Arts de Lille
Cette exposition est organisée par le Palais des Beaux-Arts / Ville de Lille, grâce au mécénat de l’A.F.V.A.C. et, pour la partie
contemporaine, avec le concours de la Scène numérique / Seconde nature, Transcultures, Autour de Minuit & Lille3000.
Contact presse
Mathilde Wardavoir
+33 (0)3 20 06 78 18
mwardavoir@mairie-lille.fr
dossier de presse • e.motion graphique |

Avant-propos
L’exposition intitulée E.motion graphique se formule comme une expérience qui se veut exemplaire dans l’activité scientifique et culturelle
des musées aujourd’hui. L’exposition prend appui sur la présentation au public de plus de 170 dessins de la collection du musée qui, du
XVI ème au XX ème siècle, donnent une définition visuelle du geste du dessinateur dans son évolution au sein de la culture européenne. La
confrontation avec l’animation graphique issue de la technologie informatique permet de repérer des effets de permanence entre l’art du
passé et la pratique contemporaine. L’ensemble donne à voir le double temps recherché de ce mouvement qui procure l’émotion et que
précisément traduit, dans un jeu de mots entre français et anglais, le titre E.Motion Graphique.
Malgré l’attention très contemporaine aux formes d’expression archaïques et primitives, la quête de l’illusion née dans la culture antique est
toujours aussi vivante.
Alain Tapié
Conservateur en chef du patrimoine
Directeur du Palais des beaux-arts de Lille et de l’Hospice Comtesse
E.motion Graphique : propos et œuvres exposées
Père des trois arts : peinture, sculpture et architecture, selon Giorgio Vasari, peintre et théoricien florentin du XVIe siècle, le dessin occupe
une place essentielle dans le processus créatif des artistes. À toutes les étapes de sa carrière, de son apprentissage à la pleine possession
de ses moyens expressifs, l’artiste, du XVIe au XIXe siècle, commence par être un dessinateur. Sa formation débute en effet par des études
dessinées, d’après des modèles antiques puis aborde le corps humain d’après le modèle vivant dans son détail anatomique, sa plastique,
sa pose, son visage. Viennent alors l’étude de la perspective qui permet de créer un décor ou d’étudier des personnages en raccourci, puis
l’étude des plis et des drapés qui couvrent les figures. L’artiste est alors prêt à entreprendre ses compositions, à les concevoir dans leur ensemble
comme d’en isoler des détails pour obtenir le résultat recherché, perfectionner son œuvre. La peinture dite d’histoire, évoquant des
scènes historiques, mythologiques, allégoriques ou religieuses - la plus considérée par la hiérarchie des genres mis en place par l’Académie
royale de peinture et de sculpture, à Paris au XVIIe siècle - nécessite cette pratique du dessin, plus particulièrement celle du corps humain ; la
représentation de l’homme apparaissant comme le sujet le plus noble. Le paysage, moins considéré est cependant un sujet de préoccupation
pour nombre de peintres d’histoire qui en font un élément "parlant" de leurs œuvres, par l’étude de l’atmosphère, de la symbolique des
plantes, ou comme lieu de méditation.
À la charnière du XVIIe et du XVIIIe siècle, Roger de Piles, l’un des principaux théoriciens français de l’époque, résume ses pensées et la place
qu’il accorde au dessin dans un ouvrage paru à Paris en 1708, un an avant sa disparition. Tout en y développant, dans son raisonnement,
des aspects techniques, De Piles expose dans son Cours de peinture par principe qu’il adresse aux amateurs, les principes de la peinture. Le
dessin - écrit-il - "est la clef des Beaux-Arts". Il est "le fondement de la peinture". Les citations introduisant les sept sections de l’exposition
reprenant les différentes étapes de la pratique du dessin classique et des genres picturaux que nous avons évoqués, sont extraites de son
ouvrage.
Si aujourd’hui, les techniques du dessin, l’utilisation de la pierre noire, la sanguine, la plume et l’encre brune, le pastel etc., ne sont plus les
mêmes, la conception graphique, comme moyen artistique d’expression des formes, relie l’œuvre du dessinateur d’hier à celle du vidéaste
d’aujourd’hui.
Cordélia Hattori
Chargée du Cabinet des dessins au Musée des Beaux-Arts de Lille
Les réalisateurs des années 2000 composent des images de synthèse qui donnent corps à une vision charnelle de l’univers numérique. Cela
transparaît particulièrement dans les clips, les films d’animation et de motion graphic où les formes adoptent des morphologies merveilleuses
et organiques. Derrière leur aspect ludique et séduisant, parfois poétique, ils composent un monde virtuel où les éléments semblent en
interaction permanente. Ils affirment par le processus d’hybridation des images qu’une âme habite le numérique.
Le graphisme contemporain condense toutes les formules de l’illusion visuelle : la perspective, le réalisme des apparences, la symbolique des
formes, le trompe-l’œil et les métamorphoses. Grâce à ses nombreuses combinaisons, allégoriques et fantastiques, il propose d’expérimenter
le dépassement de la matière dans la simulation.
Les images virtuelles sont maintenant considérées comme des objets relevant comme les autres du discours de l’historien. Longtemps,
la question de l’image fut celle de la vérité. Et en ce début de XXIe siècle, les artistes, au cœur des débats sur l’authenticité des images,
questionnent le numérique en regard de l’histoire de l’art et des idées pour évaluer sa réelle portée culturelle. « Aujourd’hui, les nouveaux
médiums apparaissent souvent comme des masques de médiums plus anciens. […] Même les technologies les plus avancées du monde
numérique continuent à produire des images qui sont agencées en fonction des capacités d’intuition de nos habitudes visuelles. » Les
technologies se modernisent mais elles répondent aux mêmes problématiques esthétiques. Autorisant à l’infini la synthèse de toutes les
représentations, l’ère numérique fait toujours appel à nos références culturelles, qui interrogent l’imitation du réel.
Il est encore trop tôt pour définir avec exactitude quelle place auront les images de synthèse dans la longue histoire de l’art, mais quelle
qu’en soit l’issue, la croyance à l’illusion du réel préexistait à leur apparition. Il s’agit toujours d’évoquer notre réalité par analogie et par
métaphore parce que nous continuons de mesurer le degré de vraisemblance des images par rapport au réel.
Régis Cotentin
Chargé de la programmation culturelle contemporaine au Musée des Beaux-Arts de Lille
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Œuvres présentées en ouverture
Meischeid
Réalisation : MATRAY
Musique : GONZALES
France / 2007 / 2’18 / couleur
Musique : Gonzales
Production : Matray
© Matray
Né en 1981, Mathieu Auvray travaille depuis 2002 avec Nobrain sur le compositing d’habillage pour des chaînes de télévision (Canal J, MCM,
HBO) ainsi que le compositing 2D de différents vidéoclips (Syntax, Emilie Simon, Robert & Majandra, DSL, MC Solaar, No One Is Innocent).
En 2004, il réalise avec Stéphane Bève le clip The Way We Have Chosen pour le groupe OMR.
Avec son œuvre graphique Meischeid, sur la musique de Gonzales, l’artiste programmateur français Matray crée une des pièces contemporaines
les plus poétiques sur la relation des images et de la musique, prouvant ici la disposition des images de synthèse à générer un univers propre.
Sans utiliser les ressorts d’une symbolique ou d’un récit, libéré de toute référence, Matray réussit à traduire la résonance d’une mélodie aux
confins de notre imagination abstraite. Incomparable dans la délicatesse des motifs, les images dans leur instantanéité semblent "retentir"
à nos yeux comme les notes peuvent "enluminer" nos oreilles. La réussite de ce film parait encore plus éclatante quand nous découvrons
qu’aucune autre logique que celle de l’éclat graphique gouverne l’ensemble visuel en réponse à la mélodie inspirée d’Erik Satie.
Rest My Chemistry
Réalisation : BLIP BOUTIQUE – AARON KOBLIN
Musique : INTERPOL
USA / 2009 / 4’00 / couleur
Production : Blip Boutique / Zoo Films / Capitol Records
© Capitol Music Group Inc.
Le clip Rest My Chemistry du groupe anglais Interpol, réalisé par l’américain Aaron Koblin et par James Frost, est une œuvre significative
de la puissance d’illusion des univers artificiels. Comparant l’arborescence numérique au développement cellulaire, les images s’enchaînent
de façon allégorique pour rapprocher les microcosmes des macrocosmes. De l’interaction nucléaire à la régénérescence moléculaire, du
quadrillage d’une ville à la structure de la voûte céleste, tout semble régi par le même principe. A l’image des paysages anthropomorphes qui
jalonnent l’histoire de l’art, Rest My Chemistry correspond à un exercice de discernement de figures cachées. La poésie du procédé graphique
utilisé par Aaron Koblin confère aux images une fluidité caractéristique de la démonstration numérique. De l’infiniment petit à l’infiniment
grand, la croyance en sa force de calcul donne l’impression que toute résolution numérique, même artistique, a un caractère de vérité.
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Section I
Détails et morceaux d’anatomie
Dessins anciens
"L’anatomie est une connaissance des parties du corps humain
(…). Il est d’une nécessité indispensable [pour le peintre] de bien
connaître la forme et la jonction des os d’autant qu’ils altèrent
souvent les mesures dans le mouvement, comme il est nécessaire
de bien savoir la situation et l’office des muscles, puisqu’en cela
consiste la vérité la plus sensible du dessin."
Toutes les citations sont extraites de Roger de Piles,
Cours de peinture par principe, Paris, 1708
D’après Jacopo Carrucci dit Pontormo (1494 - 1557)
Homme nu assis, penché en avant tenant une coupelle
Pierre noire, 36,2 x 27 cm
D’après Andrea del Sarto (1486 – 1531)
Tête et mains
Sanguine, 17 x 24,2 cm
Bartolomeo Passarotti (1529 – 1592)
Étude d’une main et jambe
Plume et encre brune, pierre noire, 11,2 x 15,9 cm
Atelier de Baccio Bandinelli (1493 – 1560)
Deux études de têtes de profil, études d’une main, d’une jambe,
et d’un pied
Pierre noire, plume et encre brune, 34,4 x 24,7 cm
Anonyme florentin du XVIe siècle
Homme nu vu à mi-corps de dos, étude séparée de l’omoplate
Sanguine, 17,8 x 17,2 cm
D’après Raphaël (1483 – 1520)
Étude anatomique
Plume et encre brune, 42 x 26,2 cm
Anonyme florentin fin XVIe siècle
Squelette de profil à droite
Pierre noire, trace de lavis gris, annotation à la plume et encre brune,
37,1 x 27,4 cm
Anonyme florentin fin XVIe siècle
Squelette de face
Pierre noire, 36,9 x 27,3 cm
Alexis–Joseph Mazerolle (1826 – 1889)
Étude pour la figure de Néron
Fusain, pierre noire, graphite, craie blanche sur papier anciennement
bleu, 51,3 x 34 cm
Alexis-Joseph Mazerolle (1826 – 1889)
Étude du bras pour la figure de Néron
Pierre noire et fusain, 22,7 x 22 cm
Paul Baudry (1828 – 1886)
Étude pour le licteur
Fusain et sanguine, 82 x 66,5 cm
Achille (1815 – 1891) ou Léon Benouville (1821 – 1859)
Académie (écorché)
Crayon noir, craie blanche sur papier bleu, 38,2 x 27 cm
Joseph-Désiré Court (1797 – 1865)
Études pour la "Mort de César"
Pierre noire, 21,2 x 24,4 cm
Aimé-Nicolas Morot (1850 – 1913)
Étude d’homme nu
Fusain, craie blanche sur papier bleu lavé en brun, 49,1 x 38,5 cm
Eugène Thirion (1839 – 1910)
Homme vu de dessus en raccourci
Crayon noir, mis au carreau au crayon noir sur papier bleu,
15,6 x 25,9 cm
Œuvres contemporaines
Les êtres de synthèse sont créés à partir d’une structure tramée, dite
en "fil de fer", qui, après modélisation, forme un mannequin articulé
sur lequel sont appliqués des textures. Cette fabrication s’apparente
aux différentes étapes du dessin classique, qui commence par
la notation des proportions, qui se poursuit par la définition des
détails et qui se termine par le travail de l’ombre et de la lumière.
De l’écorché anatomique au motif particulier, la conception de
personnages virtuels s’appuie sur des techniques qui s’inspirent du
dessin pour façonner des morphologies artificielles qui prennent vie
à partir d’un squelette numérique.
Pierre-Paul Prud’Hon (1758 – 1823)
Académie d’homme
Crayon brun, craie blanche sur papier bleu, 60,9 x 40,3 cm
Henri Fantin-Latour (1836 – 1904)
Étude de bras et de tête pour "Immortalité"
Sanguine sur papier bleu, 22 x 23,8 cm
Henri Fantin-Latour (1836 - 1904)
Étude de bras et de mains pour l’ "Anniversaire"
Pierre noire, craie blanche sur un papier anciennement bleu,
28,4 x 22,1 cm
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Chrysalide (Iki)
Réalisation : YANN BERTRAND & DAMIEN SERBAN
France / 2005 / 7’30 / couleur
Musique: Benjamin Holst
Danseur: Jean-Louis Le Cabellec
Animation: Hicham Bouhennana
Production: Yann Bertrand & Damien Serban
© Yann Bertrand & Damien Serban
A partir du travail du danseur Jean-Louis Le Cabellec autour de la
danse contemporaine japonaise Butô, Chrysalide (Iki) propose de
contempler la mise en mouvement d’un "écorché" en image de
synthèse dont chaque facette semble témoigner d’une composante
organique. Le Butô, créé en 1959 par Tatsumi Hijikata est une
danse librement improvisée, à la fois minimale et spectaculaire, très
lente ou violente, qui se réclame de la tradition du théâtre Nô. Les
danseurs presque nus sont peints en blanc pour éveiller l’attention
sur les mouvements du souffle et la décomposition infime des
gestes dans une chorégraphie épurée et tendue. Chrysalide joue
du contraste de la présence charnelle du danseur et de la texture
lisse et froide de la 3D. Modélisée, l’image du danseur rappelle les
premières morphologies de synthèse formées de polygones non
"lissés". L’exemplarité du travail de Yann Bertrand et de Damien
Serban est de renouveler notre perception de cette structure qui
renvoie à l’ensemble des représentations des écorchés artistiques
comme images de "l’âme". Jouant de la déstructuration et du
parasitage pour attribuer à l’image numérique une pulsation dont
elle semble originellement démunie, la transmutation du danseur en
facette synthétique libère ce par quoi il est profondément animé, de
l’éclosion à la déflagration.
How Does It Make You Feel ?
Réalisation: ANTOINE BARDOU-JACQUET
Musique: AIR
France / 2002 / 3’39 / couleur
Production: Partizan Midi Minuit
© Partizan Midi Minuit / EMI Music France
Réalisé pour le groupe electro-pop français Air, How Does It Make
You Feel ? montre la fabrication d’un androïde, dont l’assemblage,
membre par membre, est régi mécaniquement. L’androïde est
incarné par le mannequin français Audrey Marnay. L’analogie entre
la construction d’un avatar et l’image composite d’un modèle est
légitime tant le monde de la mode participe à la fabrication de corps
hybrides. Progressivement, le disfonctionnement des machines
engendre un assemblage surréaliste du mannequin qui apparaît
comme une critique des canons de beauté qui contraignent plus
qu’ils ne libèrent.
Section 2
Pose et nu académique
Dessins anciens
"Il faut savoir (…) comment une tête doit être construite, un pied,
une main, et enfin tout le corps pour former un homme parfait.
(…) il est nécessaire en posant un modèle de chercher une attitude
qui dans son contraste soit naturelle et fasse voir de belles parties
(…).
(…) le nu (…) a ses marques de distinction. Les uns pour imiter
la chair donnent aux contours une inflexion qui porte cet esprit ;
les autres pour imiter l’antique conservent dans leurs contours la
régularité des statues, de peur de rien perdre de leur beauté."
Jean-Baptiste-Marie Pierre (1714 – 1789)
Académie d’homme
Pierre noire et rehauts de craie blanche, trace de sanguine brûlée,
27,2 x 40 cm
Alphonse-Amédée Cordonnier (1848 – 1930)
Femme nue vue de dos
Crayon noir, 38,5 x 27,8 cm
Anonyme Rome XVIIIe
Académie, étude d’homme nu endormi
Pierre noire, craie blanche, 34,9 x 51,9 cm
Anonyme Florentin XVIe
Homme nu vu de dos, les bras écartés
Pierre noire, 37 x 26 cm
D’après Jacopo Carrucci dit Pontormo (1494 – 1557)
Homme nu debout tourné vers la droite
Pierre noire, 36,7 x 25,9 cm
D’après Jacopo Carrucci dit Pontormo (1494 – 1557)
Figure nue assise
Pierre noire, 36 x 26,7 cm
Alphonse-Amédée Cordonnier (1848 – 1930)
Femme nue assise, avec des mesures
Pierre noire, 50,3 x 32,8 cm
Henri Fantin-Latour (1836 – 1904)
Étude de femme nue vue de dos
Sanguine, 30,8 x 24 cm
Alexis – Joseph Mazerolles (1826 – 1889)
Étude pour la figure de l’esclave agonisant
Pierre noire, pastel sur papier bleu, 48 x 82 cm
Jacques-Louis David (1748 - 1825)
Étude pour le soldat du tableau du Bélisaire
Crayon noir, 22 x 16,3 cm
Henri Fantin-Latour (1836 – 1904)
Esquisses de femmes nues vues de dos
Crayon noir sur papier calque, 17,1 x 27,1 cm
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Dessins anciens (suite)
Ottavio Vannini (1585 – 1642)
Homme nu assis de face
Sanguine, 37,1 x 25 cm
Jules-Elie Delaunay (1828 – 1891)
Homme assis se protégeant le visage avec son bras
Crayon noir, 26,2 x 31,5 cm
Emile-Antoine Bourdelle (1861 – 1929)
Femme nue vue de dos
Plume et encre noire, lavis noir, 31,1 x 20 cm
Henri Fantin-Latour (1836 – 1904)
Femme assise vue de dos
Crayon noir sur papier calque, 25,8 x 19,1 cm
D’après Raphaël (1483 – 1520)
Alexandre et Timoclée (?)
Plume et encre brune, 27,2 x 42,6 cm
D’après Raphaël (1483 – 1520)
Groupe d’hommes en lutte
Plume et encre brune, 41 x 28,3 cm
Œuvres contemporaines
Le nu pose problème à l’image de synthèse. Un corps qui s’expose
implique directement le spectateur, qui se reconnaît dans l’autre.
Face à un nu synthétique, l’identification n’est que symbolique
parce que l’homme ne se retrouve pas dans cette anatomie qui
n’enveloppe aucun organisme. Paradoxalement, le virtuel, qui
simule parfois (vainement ?) des réactions cybersexuelles, démontre
que ce n’est pas tant l’apparence d’un corps qui nous séduit
que sa mémoire charnelle qui dialogue avec la notre. L’épiderme
synthétique s’attribue l’apparence des chairs mais ne peut pas nous
raconter une histoire. Pour cette raison, les réalisateurs d’aujourd’hui
perfectionnent la technique de la motion capture qui prête aux
personnages virtuels le corps d’un comédien pour leur léguer une
"âme". A épouser ainsi le corps humain, les images synthétiques
poussent l’anthropomorphisme de la représentation à ses limites.
"Ce qu’elle(s) imite(nt) alors n’est plus le corps mais la conversion
dont le corps se rend capable (…), avec sa façon si troublante de
s’offrir, de souffrir et de s’ouvrir au regard d’un spectateur.
"Cette tentation questionne directement le réalisme de l’incarnation
virtuelle au regard de l’histoire des arts dans la révélation de l’"âme"
des choses.
Empruntant aux conceptions classiques du dessin, les corps de
synthèse héritent de toute l’histoire du nu. D’une souplesse infinie,
le numérique facilite les métamorphoses et la création d’anatomies
fabuleuses. Les physionomies virtuelles synthétisent toutes les
représentations du corps humain, des grotesques au beau idéal, des
créatures zoomorphes aux hybrides. Participant aussi à la définition
des canons de la beauté contemporaine, elles invoquent l’idée de
chirurgie plastique et de clonage. Devant les personnages artificiels,
le spectateur, orienté par ses réflexes d’identification, cherche à
reconnaître une sensibilité dans le tout numérique. Aussi les artistes
contemporains tendent à attribuer une conscience aux personnages
virtuels, par exemple en donnant le rôle d’un androïde à un acteur.
Cocoon
Réalisation: EIKO ISHIOKA
Musique : BJÖRK
Japon - USA / 2002 / 4’33 / couleur
© Mother / One Little Indian
Cocoon fait partie d’un triptyque de vidéo réalisé par où la
chanteuse islandaise Björk se présente sous son aspect le plus
charnel. Réalisé par la costumière de cinéma japonaise Eiko Ishioka,
le film métamorphose l’artiste en clone qui génère elle-même sa
chrysalide. Le clip commence en exhibant plusieurs clones de Björk
d’où s’extrait celle qui va chanter. Deux fils rouges s’échappent de
ses seins. Leur chorégraphie accompagne le chant. Cette danse
s’articule autour des intonations joyeuses ou mélancoliques. Puis les
fils rouges se libèrent de cette direction vocale et progressivement
enroulent Björk jusqu’à l’enfermer dans un cocoon. La mise en scène
minimaliste de la réalisatrice japonaise focalise notre attention sur
le contraste entre l’anatomie immaculée et les fils rouges, dont la
parenté avec le flux sanguin est évidente dans les gros plans. Björk
prend la pose en manifestant tout ce qui insuffle la vie dans nos
artères et nos viscères.
Eiko Ishioka est née à Tokyo et vit à New York. Honorée du prix de
la contribution artistique du Festival de Cannes de 1985 pour le film
Mishima de Paul Schrader et d’une nomination au prix Tony de 1988
pour le décor et les costumes de la pièce M. Butterfly, la costumière
japonaise est également lauréate du New York Art Directors Club
Hall of Fame. Son travail fait partie des collections permanentes des
grands musées du monde, notamment le Museum of Modern Art
de New York.
I Just Don’t Know What To Do With Myself
Réalisation: SOFIA COPPOLA
Musique : The WHITE STRIPES
USA / 2003 / 2’52 / noir et blanc
© XL Recordings Ltd.
"Quand les White Stripes m’ont demandé de réaliser la vidéo de
I Don’t Know What To Do With Myself, j’ai simplement imaginé
ce que j’aurais aimé voir sur cette musique. Je pensais à un
homme hanté par une fille qui lui a brisé le cœur. J’ai pensé à
Kate Moss, ondulant à la barre, sublimement entêtante."Dans
un noir et blanc au graphisme évident, la réalisatrice américaine
Sofia Coppola adapte la danse de Marlène Dietrich dans L’Ange
Bleu qui envoûtait Emil Jannings. Sur un socle ou à la barre, le
mannequin, avec détachement, bouge sans cesse pour prendre la
pose. Le corps inaccessible et le regard distant du modèle joue avec
le désir de celui qui est ensorcelée par la beauté. A l’exception de
quelques personnages virtuels qui exacerbent le fétichisme avec des
anatomies disproportionnées, il n’existe pas encore de sex-symbol
artificiel ; la volupté numérique a ses limites.
Le mannequin anglais Kate Moss est une des icônes de la mode
des années 1990-2000 les plus prisées et représentées. Au même
titre que Twiggy du Swinging London des années 60, elle définit
et incarne le style d’une génération. Sa célébrité transforme ses
choix de carrière, ses différentes apparences, ses faits et gestes en
actes fondateurs de tendances et augmente à la fois sa crédibilité
et son cachet. Le noir et blanc du clip se réfère à l’esthétique de
la photographie de mode et à l’influence musicale du groupe qui
aspire à l’authenticité des premiers blues. Le décor est simple. Le
prestation du mannequin est réduite aux fonctions élémentaires
d’un strip-tease. Avec détachement, le mannequin reprend les
poses et les gestes des séances de photo de mode dans le cadre du
cinéma, ces deux arts s’influençant réciproquement.
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Section 3
Visages et expressions
Dessins anciens
"Les traits du visage consistent dans la justesse du dessin et dans
l’accord des parties, (…) en sorte que le portrait de leurs corps soit
encore celui de leurs esprits.
Les parties du visage contribuent toutes à mettre au dehors les
sentiments du cœur ; mais surtout les yeux qui sont, comme dit
Cicéron, deux fenêtres par où l’âme se fait voir.
(…) si vous savez les joindre [les sourcils et la bouche] avec le
langage des yeux, vous aurez une harmonie merveilleuse pour les
passions de l’âme."
Anonyme italien XVIe siècle
Tête de Vitellius
Sanguine, 11,4 x 10,1 cm
Attribué à Raphaël (1483 – 1520)
Tête de trois-quarts vers la gauche
Fusain, trait de plume et encre brune, 29,4 x 26,7 cm
Raphaël (1483 – 1520)
Tête d’homme au turban (vers 1504-1505)
Pointe de métal sur papier préparé gris, 12,9 x 10,5 cm
Carlo Dolci (1616 – 1686)
Tête de jeune garçon de profil à gauche
Pierre noire et sanguine, 24,7 x 19,8 cm
Suiveur de Ottavio Mario Leoni (Ippolito Leoni ? (1616 – 1694))
Portrait de femme
Pierre noire, sanguine, pastel sur papier bleu, annotation à la plume
et encre brune, 18 x 13,8 cm
Suiveur de Ottavio Mario Leoni (Ippolito Leoni ? (1616 – 1694))
Portrait d’homme portant un chapeau noir
Pierre noire et sanguine sur papier bleu, annontation à la plume et
encre brune, 21,5 x 16,1 cm
Maurice Quentin de La Tour (1704 – 1788)
Portrait de Madame Pélerin
Pastel de papier beige, 35,6 x 27,3 cm
D’après Leonard de Vinci (1452 – 1519)
Quatre caricatures
Plume et encre brune, 18 x 14,7 cm
Rémy – Henri-Jospeh Delvaux (1748 – 1823)
Buste de femme de profil à gauche, dans un médaillon
Pierre noire, plume et encre brune, aquarelle, 24,6 x 20,1 cm
Rémy – Henri-Jospeh Delvaux (1748 – 1823)
Buste d’homme de profil à droite, dans un médaillon
Pierre noire, aquarelle, 24,3 x 20,4 cm
Pierre-Jean David D’Angers (1788 – 1856)
Tête d’Homère d’après l’antique
Pierre noire, texte à la plume et encre brune, 25,2 x 19,7 cm
Jules-Elie Delaunay (1828 – 1891)
Jeune homme vu en buste, la bouche ouverte
Crayon noir, 19 x 12,2 cm
Jules-Elie Delaunay (1828 – 1891)
Étude de tête de vieillard barbu, reprise de la tête
Crayon noir, craie blanche
20,5 x 18,3 cm
Raphaël (1483 – 1520)
Tête d’homme, 1505
Pointe de métal et tracé de stylet sur papier vert-beige,
piqué pour le report, 20,5 x 18,9 cm
Henri Matisse (1869 – 1954)
Visage féminin
Fusain, 27 x 21,3 cm
Charles Müller (1815 – 1892)
Deux femmes
Pierre noire, craie blanche, 52,2 x 45,6 cm
Alphonse Colas (1818 – 1887)
Tête de femme de profil
Pierre noire, estompe, craie blanche sur papier bleu,
47,5 x 33,8 cm
Eugène Delacroix (1798 – 1863)
Étude de profil de femme pour Médée
Graphite, 24,3 x 19 cm
Henri Fantin-Latour (1836 – 1904)
Tête de femme de profil à gauche (Charlotte Dubourg ?)
Sanguine, crayon noir sur papier beige-gris-bleu, 13,5 x 19,8 cm
Marie-Clémentine dite Suzanne Valadon
Portrait de femme
Fusain sur papier calque, 47,1 x 37,1 cm
D’après Agnolo di Cosimo, dit Bronzino (?) (1503 – 1572)
Tête d’enfant vu de face
Sanguine, 13,5 x 12 cm
Henri Fantin-Latour (1836 – 1904)
Portrait de Charles Ricada
Crayon noir, 24,5 x 22,7 cm
Alphonse Colas (1818 – 1887)
Jeune femme en buste de profil à gauche
Graphite, 17 x 10,5 cm
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Œuvres contemporaines
Le portrait, qu’il soit psychologique ou symbolique d’une activité,
est l’un des défis importants de l’image numérique. Si l’ordinateur
donne un réalisme saisissant aux créatures fantastiques qu’il invente,
il bute sur la représentation de nos semblables. Créer un grain de
peau identique à celui d’un être humain, faire palpiter le sang
sous les images, donner l’illusion de la chair sous les apparences
artificielles, tel semblent être les utopies et les objectifs des créateurs
contemporains. Comment créer une image qui communique une
sensibilité, une émotivité telles qu’elle souffrirait par transfert
analogique comme un être humain ? A l’inverse de l’acteur de chair
et d’os qui porte avec lui son histoire et ses secrets qui nous assurent
qu’il fonde ses relations sur la durée, sa mémoire et ses incertitudes,
le visage artificiel est réduit à son expression dans le présent de
l’image. Sa seule mémoire est celle que le spectateur lui octroie. Il
n’a de futur que celui de l’auteur qui écrit son parcours.
Des histoires se lisent sur les visages. La mobilité des lumières et des
ombres, le mouvement tonal des contours, la finesse des modelés
du dessin se retrouvent dans les portraits de synthèse. Comme toute
autre représentation, l’aspect anthropomorphique des corps virtuels
est une source infaillible de leur emprise sur l’affectivité humaine.
Mais si l’ordinateur donne un réalisme saisissant aux créatures
qu’il invente, il bute sur la représentation de nos semblables. La
3D, les images de synthèse créent des décors chimériques et des
paysages enchanteurs parfaitement illusionnistes mais ne restituent
pas encore à la profondeur psychologique d’un visage. Chaque
personnage est ainsi livré au péril de son aspect artificiel. Pour
cette raison, le cinéma contemporain recourt à la motion capture
qui prête aux créatures virtuelles les traits, les mouvements et les
expressions d’un comédien. Au-delà d’une simple ressemblance, les
personnages en motion capture témoigneraient enfin de la valeur
d’une vie ?
Thursday’s Child
Réalisation : WALTER STERN
Musique : DAVID BOWIE
Royaume-Uni / 1999 / 4’57 / couleur
Production: Risky Folio
© 2002 Risky Folio, Inc.
David Bowie est l’une des personnalités artistiques les plus originales
et influentes depuis les années 70. Jouant sur son androgynie, et sur
la beauté de son visage sur lequel le temps ne semble ne pas avoir
prise, le Dorian Gray du rock a créé au cours de sa carrière prolifique
une multitude d’avatars, tels Ziggy Stardust (1972) et le Thin White
Duke (1976) qui appartiennent à nos mythologies contemporaines.
Dans ce clip réalisé par Walter Stern, David Bowie se prête au jeu
du miroir pour examiner, en compagnie du spectateur, la vérité d’un
visage qui après avoir vécu tant de métamorphoses est aujourd’hui
rattrapé par le temps. Sans fard ni lumière esthétisante, le chanteur
redécouvre son visage, cherchant derrière les apparences ce
qui reste de sa vraie nature et des personnages qu’il a incarnés,
jusqu’au moment où son reflet abuse de lui-même et reproduit le
mirage de la jeunesse. Le comble de l’illusion n’est-il pas finalement
de se croire en mesure de se libérer de toute illusion. Reste que si
rien ne se cache réellement « derrière les apparences », on ne peut
nier que nous en ayons parfois l’impression et que le sentiment d’un
écart entre la surface et la profondeur des choses soit ancré dans la
conscience humaine.
House Of Cards
Réalisation : JAMES FROST
Musique : RADIOHEAD
USA / 2009 / 4’33 / couleur
Production : Dawn Fanning
3D Real-time capture : Geometrics Informatics Inc
3D Laser imaging equipment: Velodyne Lidar
© Copyright Xurbia Xendless Ltd.
“Radiohead has always matched musical creativity with visual
innovation. Continuing that trailblazing tradition is the band’s latest
video for the haunting, regret-tinged «House Of Cards», shot with no
cameras or lights, but rather with scanners and lasers by Zoo Film’s
James Frost. The promo, which debuted on Google - a first - cuts
between a glitchy, dot-matrix mask of Thom Yorke, ghostly rainbow
colored wire frame buildings and smeared digital brushstrokes of a
party, all disintegrating to the strains of Yorke’s melancholic vocal.
The concept was inspired by early discussions between James Frost
and Thom Yorke that touched on vaporization. Technical inspiration
came from conversations with digital artist Aaron Koblin (who Frost
worked with on Interpol’s "Rest My Chemistry"), who mentioned
hearing of bleeding-edge research on real-time laser scanning.”
– Citation du dossier de presse web
Ce clip pour le groupe Radiohead est réalisé sans caméra ni lumière.
Le chanteur Thom Yorke et les panoramas urbains sont scannés
en temps réel par des lasers qui restructurent numériquement
la lumière, le volume et le mouvement en une infinité de points
mobiles. En accompagnement de la musique, les images montrent
des phénomènes qui se dispersent dans une poussière de lumière.
Le grain et la texture des images exsudent des immanences fugaces.
Affleurant à l’écran dans le crépitement de la matière numérique,
elles se manifestent tels des visions spectrales.
La relation entre la Tête d’homme de Raphaël, piqué pour le transfert
sur un autre support, et le portrait 3D de Thom Yorke, montre que
toute représentation s’accomplit selon une grille de repères visuels,
qui assure une base constructive à toute représentation. D’autres
exemples montrent qu’elle peut se traduire sous une forme plus
subjective. Dans tous les cas, elle demeure toujours comme une
partition préalable à toute composition. Elle assure une base
constructive à toute représentation. Les images de synthèse sont
régies par un ensemble de repères, de grilles et de paramètres
qui assurent leur animation. Même si les artistes recherchent les
accidents et les défaillances de système, la numérisation recourt
inévitablement au final à une codification numérique de toutes
les images. En définitive, l’art numérique soutient le projet des
perspectivistes à régir toute représentation dans un ensemble de
grilles de modélisation.
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Section 4
L’invention du décor
Dessins anciens
"L’architecture est un art qui par le dessin et par des proportions
convenables imite et construit toutes sortes d’édifices.
[Dans l‘École d’Athènes] est un édifice d’une magnifique architecture
composée d’arcades et de pilastres, et disposée d’une manière à
rendre sa perspective fuyante (…). (…) il [Raphaël] a voulu encore
que les statues et les bas-reliefs, qui sont des ornements de son
architecture, contribuassent en même temps à la richesse et à
l’expression de sa pensée. "
Raffaello da Montelupo (1505 – 1566)
Aristotile da Sangallo (1481 – 1551)
Dessins du « Le Livre de dessins de Michel-Ange »
Dessins à la plume et encre brune, lavis brun, pierre noire,
21 x 13,8 cm
D’après Michelangelo Buonarroti dit Michel-Ange (1475 - 1564)
Sept études de têtes (mascarons)
Sanguine sur papier beige, 20,5 x 36,5 cm
Raphaël (1483 – 1520)
Deux têtes d’après l’antique et deux études de Silène
Pointe de métal sur papier préparé rose, 11 x 16,9 cm
Jacques de Lajoüe (1686 – 1761)
Décor de théâtre : vestibule d’un palais
Pierre noire, plume et encre noir et lavis d’encre grise, mis au carreau
à la pierre noire, 27,5 x 38,4 cm
Gilles-Marie Oppenord (1672 - 1742)
Fontaine et côté de galerie
Plume et encre noire, sanguine, lavis de sanguine sur plusieurs
papiers assemblés, 39,2 x 55,5 cm
Hubert Robert (1733 – 1808)
La colonnade de Saint-Pierre à Rome
Graphite, plume, encre brune, lavis gris et brun, aquarelle,
22,4 x 28,2 cm
Hubert Robert (1733 – 1808)
Colonnade en ruines
Plume, encre noire et aquarelle sur mise en place à la pierre noire
sur papier blanc, 80 x 77 cm
Victor-Jean Nicolle (1754 – 1826)
Arènes de Nîmes
Plume et encre brune, aquarelle, 16,3 x 23,9 cm
Albert Debayser (1804 – 1886)
Composition pour un panneau décoratif
Plume et encre brune, aquarelle, 42 x 15,8 cm
Pl. 1254
François-Louis-Florimond Boulanger (1807 – 1875)
Vue intérieure d’une église
Aquarelle, gouache, mine de plomb, plume et encre brune,
50 x 38,2 cm
Carlos Batteur (1844 – 1913)
Mosaïque de Pavie
Plume et encre noire, aquarelle, crayon noir, 41,9 x 25,4 cm
François Verly (1760 – 1822)
Panthéon, à Paris
Plume et encre noire, lavis gris, aquarelle, 62,2 x 48,8 cm
François Verly (1760 – 1822)
Le théâtre et les bains du peuple
Pierre noire, plume et encre noire, lavis gris, aquarelle,
52,3 x 90,3 cm
Œuvres contemporaines
Le dessin en perspective, avec son maillage serré de lignes et de
points de fuite, est parfaitement adapté au graphisme numérique.
La création d’univers fantastiques, de cités imaginaires, de mondes
merveilleux scrupuleusement architecturés pourvoient aux décors
des films de science-fiction et des productions à effets spéciaux.
Le numérique permet la conception d’architectures hybrides aux
formes inconnues, entre le réel et le virtuel, proche d’un espace
mental. Ce cyberespace abolit le déterminisme d’une architecture
statique et inerte comme métaphore d’un certain équilibre. Inspirée
entre autres par des modèles issus de la biologie moléculaire, la
fluidité du numérique dissout la masse des volumes et génère des
formes qui exaltent un désir de vitalité.
Régie par la perspective, l’architecture est parfaitement assimilée
par le numérique qui entraîne l’avènement de nouveaux plans
de constructions transparentes, mobiles, organiques et fluides.
Au cinéma, les réalisateurs puisent dans l’image de synthèse les
ressources infinies à la création de mondes virtuels parfaitement
illusionnistes. L’architecture historique est elle-même réinterprétée
par l’animation de sa symbolique pour habiter le virtuel d’une âme
mythique. Les artistes contemporains utilisent le patrimoine comme
un répertoire de formes. La perspective n’est plus perçue comme un
système qui réduit le regard à une vision cyclopéenne mais comme
une construction qui aide l’espace numérique à s’étendre dans un
univers imaginaire qui semble réel. Cette aspiration nous entraîne
dans un jeu de relation physique à l’image et nous projette au centre
d’un univers artificiel. Le point commun des images de synthèse est
la volonté de faire entrer le spectateur dans les univers qu’elles
décrivent. "L’homme s’affranchit ici de sa pesanteur physique et
s’échappe par l’imagination dans un monde de synthèse que la
technologie a créé pour lui".
François-Louis-Florimond Boulanger (1807 - 1875)
Coupe : décor intérieur d’une église
Aquarelle, gouache, mine de plomb, plume et encre brune,
54,5 x 42,2 cm
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Œuvres contemporaines
Logorama
Réalisation: H5 [F. Alaux, H. de Crécy & L. Houplain]
France / 2009 / 16’ / couleur
Prix Découverte Kodak à la semaine de la critique du Festival
de Cannes 2009.
Production : Autour de Minuit
en coproduction avec Addict, Arcadi, H5 & Mikros Image
© Autour de Minuit/H5/Addict/Mikros/Arcadi
Le studio graphique H5 est reconnu pour ses pochettes de disques
(Superdiscount, Air, Demon…) et sa direction artistique (Dior,
Cartier, YSL). François Alaux, Hervé de Crécy et Ludovic Houplain
sont les auteurs de nombreux clips (Alex Gopher, Massive Attack,
Röyksopp…), et sont régulièrement exposés en tant qu’artistes
(Nuit Blanche 2007, Beaubourg, MoMA…). Entièrement composé
de logos, Logorama est construit comme un mini polar à la fois
ludique et politique. Deux flics (des bonshommes Michelin) prennent
en chasse un gangster (Ronald McDonald) qui prend en otage un
enfant (Haribo). La poursuite est interrompue par le séisme "The Big
One" qui sépare la Californie du continent américain. La péninsule
se transforme en un croissant de terre qui est la marque Nike. Les
buildings, comme des monuments à la gloire des marques qu’ils
symbolisent, s’écrasent les uns contre les autres. L’histoire se finit
sur un bout d’île qui surnage parmi les décombres des images de
marques. La terre vue du ciel correspond elle-même à la marque
Universal qui évolue parmi les étoiles de la nébuleuse Milky Way.
Sur un ton inspiré des films d’action volubiles et référencés à la
Tarantino, Logorama détourne et exploite les logos comme des
ready-made, qui synthétisent la nature de ce qu’ils vendent. Mais
si l’objet industriel peut devenir une œuvre d’art, les marques
déposées ne s’emploient pas sans autorisation. Logorama invalide
la hiérarchie des valeurs de la consommation où le logo a plus de
valeur que l’objet qu’il représente. La symbolique est plus forte et
intouchable que la réalité. Les H5 en créant cet univers de logo
peuplés d’êtres "logo typés" ont composé la peinture de vanités la
plus emblématique de notre monde à la recherche d’une mythologie
et de symboles forts.
Streets
Réalisation : LE CABINET
France / 2002 / 1’20 / couleur
© Le Cabinet
Le Cabinet.Paris réunit les graphistes Pierre Emery et Marc Nguyen
Tan. Ensemble, ils ont réalisé plusieurs projets pour les maisons
de haute couture et les médias, Kenzo, Comme des garçons, Louis
Vuitton, M6, Paris Première, Eurosport, Channel Four, Arte European
TV Channel, Marie Claire Japon… Leurs images synthétisent les
diverses techniques de l’illustration, du graphisme, du design, de
l’animation et du film. Éveillant l’intérêt des perspectivistes, le très
court film Streets du duo de graphistes réunis sous l’appellation Le
Cabinet condense la réalité d’une ville à son tracé lumineux, pour
vivre son exploration comme une sensation.
Jubilee Line
Réalisation (Animation et musique) : TIM HOPE
UK / 2000 / 4’45 / couleur
Modèles : Elly Smith et Justine Kenyan
Production : Passion Pictures
© Passion Pictures
Réalisateur de spots publicitaires et de clips pour Coldplay, et
R.E.M., Tim Hope de Passion Pictures est un réalisateur anglais
qui aime fondre ensemble les techniques traditionnelles et celles
de l’animation numérique. Ce film est extrait d’une série de films
commandés par le British Council. En référence à la ligne de métro
londonien du même nom, Jubilee Line de Tim Hope développe cette
idée d’une cité transparente. Nostalgique, le réalisateur reconstruit
graphiquement le Londres d’avant la construction de cette ligne
pour y intégrer les modèles d’un défilé de mode. Conscient de
ne recouvrer la capitale qu’il affectionne que dans son souvenir
nostalgique, les modèles eux-mêmes, comme des figures à facettes,
traduisent cette impression de ne plus faire partie des lieux que
l’on a connus. Leur périple se termine au sein d’un théâtre, lieu
illusionniste par excellence, comme pour démontrer la difficulté du
corps humain à s’intégrer dans un univers structuré par les lois de
la perspective, et par extension de la place de l’homme dans un
développement urbain qui se soucie peu de son histoire.
Strata #1
Réalisation: QUAYOLA
France-Royaume-Uni / 2008/ 2’20 / couleur
Musique : Autobam
Photographie : James Medcraft
Production : Quayola
© Quayola/Onedotzero/MTV
Strata #2
Réalisation: QUAYOLA
France-Royaume-Uni / 2009 / 7’30 / couleur
Musique : Mira Calix + Autobam, Cello : Oliver Coates
Animation : Quayola, Labmeta
Photographie : James Medcraft
Production : Quayola / Elisa Scialpi
Co-Production : Arcadi
© Quayola
Quayola se consacre à la réalisation de films courts qui se projettent
en salle ou sous forme d’installation. L’évidence graphique de ses
créations montre les structures qui se dégagent de la nature et de
l’architecture.
Strata#1 & Strata#2 sont deux films qui dévoilent la structure cachée
d’un édifice baroque et d’une cathédrale gothique. Le numérique
anime sous forme d’éclats les couleurs des fresques et des
vitraux. La lumière des peintures et le rayonnement des rosaces se
matérialisent sous la forme d’un réseau de facettes chromatiques. En
perpétuelle évolution, leur multiplication semble suivre notre propre
découverte des lieux. Reproduisant l’enchaînement décoratif des
figures hybrides des grotesques , la prolifération des éléments crée
finalement une nouvelle architecture mobile au sein des bâtiments.
La raison de son apparition semble tout aussi énigmatique que le
sens des grotesques, mais, comme elles, cette nouvelle architecture
trouve sa raison d’être dans notre besoin de spiritualité qui ne
trouve refuge que dans la représentation abstraite.
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Section 5
Plis et drapés
Dessins anciens
"(…) Le peintre doit, avant que de disposer ses draperies, dessiner
le nu de ses figures pour former des plis sans équivoque et (…) que
le spectateur s’imagine voir ce que le peintre lui couvre par le jet
de ses draperies. (…) mais ce n’est pas assez que les étoffes soient
jetées diversement, il faut encore qu’elles soient entre elles d’une
nature différente (…)
Les plis (…) donnent beaucoup de vie à l’action (…) parce que le
mouvement des plis suppose du mouvement au membre qui agit
(…) et qui les rend plus ou moins agités selon la violence ou la
douceur de son action."
Stefano della Bella (1610 – 1664)
Femme debout de profil à droite
Plume et encre brune, traces de pierre noire, 11,6 x 7,3 cm
Stefano della Bella (1610 – 1664)
Deux études de femmes debout de dos
Plume et encre brune, pierre noire, 11,6 x 7,4 cm
Nicolas Lancret (1690 – 1743)
Jeune femme à demi allongée en appui sur le bras gauche
et étude d’homme
Sanguine, 18 x 20,7 cm
Nicolas Lancret (1690 – 1743)
Jeune femme assise, tournée vers la droite, tenant une bouteille
de la main droite
Sanguine, 18,8 x 16,2 cm
Nicolas Lancret (1690 – 1743)
Étude d’une femme et d’un homme assis
Sanguine, craie blanche, 22 x 31,3 cm
Nicolas Lancret (1690 – 1743)
Femme assise, les mains dans un manchon
Pierre noire rehaussée de craie blanche, 18,1 x 20,8 cm
Hubert Robert (1733 – 1808)
Six croquis d’études de figures (ca. 1760 – 1763)
Pierre noire. Ensemble de six feuilles collées en plein,
44,9 x 34,6 cm
Antoine Watteau (1684 – 1721)
Deux études d’homme
Sanguine et craie blanche, 20,2 x 31,8 cm
Pierre Peyron (1744 – 1814)
Les funérailles de Miltiade
Pierre noire, plume et encre brune, lavis gris, rehauts de gouache
blanche, 21,9 x 29,9 cm
Alphonse Colas (1818 – 1887)
Étude d’un vêtement d’un religieux
Pierre noire, fusain, estompe, craie blanche sur papier bleu,
48,5 x 32,2 cm
Anonyme florentin, début XVIIe siècle
Étude d’homme debout drapé
Sanguine, 40,8 x 27,4 cm
Anonyme romain, fin XVIIe siècle
Homme drape assis, la tête appuyée sur un bras
Pierre noire, 38,2 x 25,2 cm
Alphonse Colas (1818 – 1887)
Étude de draperie
Pierre noire, estompe, sanguine sur plusieurs morceaux de papier
bleu assembles, 47,3 x 37 cm
Michel Martin Drolling (1789 – 1851)
Étude de draperie
Pierre noire, plume et encre brune, craie blanche, 36 x 22,9 cm
Michel Martin Drolling (1789 – 1851)
Étude de draperie pour un jeune homme debout
Pierre noire, plume et encre brune, craie blanche, traces de fusain
et de sanguine, 44,8 x 29,8 cm
François-Joseph Heim (1787 – 1865)
Étude de draperie
Crayon noir, estompe, craie blanche, mis au carreau au crayon noir
sur papier brun, 28 x 13 cm
Alexis-Joseph Mazerolle (1826 – 1889)
Étude de draperie pour la figure de Néron
Fusain, crayon noir, craie blanche sur papier anciennement bleu,
49,7 x 39,4 cm
Alexis-Joseph Mazerolle (1826 – 1889)
Étude de figure de Locuste
Fusain, crayon noir, craie blanche sur papier bleu, 59 x 36,5 cm
Alexandre-Denis-Abel de Pujol (1785 – 1861)
Étude de l’allégorie de la Peinture
Crayon noir, craie blanche, mis au carreau au crayon,
40,2 x 27,3 cm
Pierre Puvis de Chavannes (1824 – 1898)
Étude de draperie
Crayon noir sur papier calque, mis au carreau à la sanguine,
23,8 x 14 cm
Anne-Louis Girodet (1767 – 1824)
Allégorie de l’Automne
Graphite, 19,9 x 9,3 cm
Pierre Puvis de Chavannes (1824 – 1898)
Vieillard barbu, vêtu d’une cape, couché sur le côté
Crayon noir sur papier calque, mis au carreau au crayon noir,
19,5 x 30,3 cm
dossier de presse • e.motion graphique | 12

Œuvre contemporaine
Section 6
Mythes et allégories
Dans le dessin comme dans la peinture, le pli épouse l’anatomie des
modèles et emporte les corps dans les arabesques de la composition.
Aérien et fluide, il glisse délicatement sur les corps. Son élégance est
comme abstraite. Il enveloppe et développe. La métaphore du pli
et du dépli rend visible l’étroite alliance entre l’âme et le corps. Le
drapé est comme habité. Sa tension accomplit dans la couleur l’idée
d’émanation spirituelle.
L’étude de draperies ne se distingue pas particulièrement au sein
des pratiques numériques. Néanmoins, la création de figures dont
la présence n’est signifiée que par le vêtement qui les recouvre est
une constante dans la composition d’un personnage virtuel. Les
mouvements des plis et de la lumière sur les matières enrichissent
leur nature et complexifient leurs caractères. Le travail des textures,
le jeu des lumières, le détail des matières parachèvent l’aspect
réaliste d’un personnage pour susciter l’identification du spectateur
Frankenman
Réalisation : TRANSFORMA
Allemagne / 2009 / 4’00 / monochrome
Production : Transforma / Seconde Nature / La Scène Numérique
© Transforma / Seconde Nature / La Scène Numérique
Sous influence de l’antique, le drapé est un exercice où l’artiste
exerce sa virtuosité dans le travail de la lumière et de la matière dans
l’abstraction des plis. Les artistes allemands Transforma, dans leur
film installation Frankenman, rendent compte de cette fascination
des draperies. Comme les dessins anciens, leurs images expriment
la délicatesse graphique des tracés qui structurent les plissements
des étoffes. La lumière caresse le jeu incessant des replis. Les
lignes lumineuses s’entremêlent pour former des figures dont
l’anthropomorphisme dévoile progressivement un corps. Dans le
dessin, les drapés traduisent le mouvement dans l’ordonnancement.
Dans la peinture, le réseau des plis anime le chatoiement de la lumière
et des couleurs sans rehaussements allégoriques et symboliques. Le
film Frankenman recrée ce même ravissement. Avec une image, qui
semble naturellement synthétique de par son traitement numérique,
les artistes de Transforma créent la confusion des sens lorsque le
spectateur découvre que la chorégraphie des plis est maîtrisée par
un danseur dans un habit de fils tendus.
Dessins anciens
"L’invention par rapport à la peinture se peut considérer de trois
manières : elle est ou historique simplement, ou allégorique, ou
mystique.
Les peintres se servent avec raison du mot d’histoire pour signifier
le genre de peinture le plus considérable, et qui consiste à mettre
plusieurs figures ensemble (…).
L’invention allégorique est un choix d’objets qui servent à représenter
dans un tableau, ou en tout, ou en partie, autre chose que ce qu’ils
sont en effet. L’invention mystique regarde notre religion."
Raphaël (1483 – 1520)
Angelot volant tenant des fleurs (1512-1513)
Pierre noire et rehauts blancs, mis au carreau à la pierre noire et au
stylet, arcs de cercle au compas et stylet, 23,5 x 17,3 cm
D’après Pietro Testa ( ?) (1617 – 1650)
Trois saints de Lucques intercédant auprès de la Vierge
Pierre noire, plume et encre brune, 24,3 x 15,9 cm
Anonyme florentin, milieu XVIe siècle
Vierge à l’Enfant , entourée de saints
Sanguine, 38,2 x 27,9 cm
Perino del Vaga (1501 – 1547)
Études de femmes en buste et dansant
Pierre noire, plume et encre brune, 20,7 x 14,9 cm
Perino del Vaga (1501 – 1547)
Saint Michel terrasant le démon, (vers 1545)
Plume et encre, esquisse à la pierre noire, 22,2 x 16 cm
Ottavio Vannini (1596 – 1657)
Figure allégorique esquissée dans un pendentif
Sanguine, 23,5 x 16,2 cm
François Boucher (1703 – 1770)
Le Génie de la peinture (?)
Sanguine brulée et estompe, 45 x 31,8 cm
François Boucher (1703 – 1770)
Hygie, la déesse de la Santé
Pierre noire sur papier beige clair, 39,1 x 25,1 cm
Jean Restout (1692 – 1768)
Étude pour Le Bon Samaritain
Pierre noire, pinceau et lavis gris, rehauts de craie blanche,
32,8 x 24,1 cm
Léon Cogniet (1794 – 1880)
Castor et Pollux délivrent Hélène
Pierre noire, plume et encre brune, gouache blanche,
20,2 x 16,3 cm
dossier de presse • e.motion graphique | 13

Attribué à François Boucher (1703 – 1770)
Femme nue couchée vue de dos
Pierre noire sanguine et craie blanche, 23,7 x 36,5 cm
Raphaël (1483 – 1520)
Un putto tenant une tablette, 1510
Pierre noire, rehauts blancs, arc de cercle au compas et stylet
à gauche, morceau de papier rapporté, 22,7 x 16,1 cm
Ottavio Vannini (1596 – 1657)
Tête et bras d’enfant
Sanguine sur papier passé au lavis, 23,5 x 21 cm
Domenico Antonio Gabbiani (1652 – 1726)
Tête de putto
Sanguine, 25,2 x 18,7 cm
Attribué à Jean François de Clermont, dit Ganif (1717 – 1807)
La Peinture représentée par des Amours
Pierre noire et rehauts de craie blanche, 14,5 x 26,9 cm
Charles-Dominique Eisen (1720 – 1778)
Saint Jean-Baptiste enfant en prières (1758)
Sanguine, 10,3 x 9 cm
D’après Giulio Romano (1499 – 1546)
Le Banquet, salle de Psyché, palais du Té à Mantoue,
Plume et encre brune, lavis brun, 60 x 158 cm
Giulio Romano (1499 – 1546)
Neptune sur son char
Plume et encre brune, lavis brun, 25,5 x 40,8 cm
Giulio Romano (1499 – 1546)
L’Enlèvement d’Europe
Pierre noire, plume et encre brune, 19,6 x 23,6 cm
Claude Gillot (1673 – 1722)
Fête du dieu Pan (ca. 1707-1708)
Sanguine et traces de pierre noire, 15,2 x 36 cm
Sebastiano Ricci (1659 – 1734)
Satyre découvrant une nymphe
Gouache, 15,5 x 18,5 cm
Carl Ernst Rudolf Heinrich Salem dit Henri Lehmann (1814 – 1882) :
> Le Vin
Pierre noire, rehauts de blanc, 125 x 110 cm
> Le Pain
Pierre noire avec rehauts de blanc sur papier bleu, 125 x 110 cm
> La Chasse
Pierre noire, rehauts de blanc, pastel sur papier bleu, 125 x 110 cm
> La Pêche
Pierre noire avec rehauts de blanc, pastel sur papier bleu,
100 x 102,5 cm
> Les Fruits
Pierre noire avec rehauts de blanc et pastel sur papier bleu,
115 x 90 cm
> Les Fleurs
Pierre noire, rehauts de blanc et pastel sur papier bleu,
125 x 90 cm
Joseph-Benoît Suvée (1743 – 1807)
L’Abondance
Pierre noire, 28,5 x 36,1 cm
Esprit-Antoine Gibelin (1739 – 1813)
Scène d’offrande à Priape
Plume et encre noire, lavis gris-brun, 40,7 x 55,7 cm
Œuvres contemporaines
Le monde des symboles, des mythologies et des légendes trouve son
plein épanouissement dans l’univers de synthèse. Les techniques
virtuelles ne rencontrent pas ici les problèmes de reproduction
d’un visage et d’un corps humain. Les personnages mythiques aux
morphologies fabuleuses, la faune des animaux mythologiques
et imaginaires, les anatomies fantastiques des mutants libèrent
la créativité des réalisateurs du souci de vraisemblance. La
dissemblance est même recherchée si celle-ci répond aux caprices
de nos rêves. Un nombre infini d’œuvres présentent des générations
entières de mutants et des superhéros dont l’apparence, la mission
et les pouvoirs s’inspirent de figures des mythologies immémoriales.
Leurs messages racontent le destin du monde, la naissance de
nouveaux dieux et l’apparition d’une nouvelle humanité. Ils traitent
aussi des questions fondamentales comme la transgression des
limites, la relation au sacré, la fatalité et le mystère de la mort. Les
mythes apparaissent comme des références vivantes parce qu’ils
continuent d’inspirer et imprégner notre vie quotidienne. "Sans
doute plus puissamment que les autres spectacles d’illusion (la
fameuse "impression de réalité"), le cinéma nous permet de jouer
à la fois la carte de la croyance et du doute (…). Nous voulons un
reflet qui obéisse au monde, qui nous rassure quant à son existence
et sa relative disponibilité, et d’un autre côté nous voulons une
représentation qui puisse se substituer à ce monde pour l’enchanter
ou en conjurer les périls, le spectacle du monde devenant "le
monde", un monde supplémentaire, un monde de remplacement."
- Jean-Louis Comolli
L’imaginaire numérique recourt souvent à l’invention des mythes
ancestraux pour créer des légendes et des personnages dont les
origines trouvent leurs sources "au cœur des mythologies", pour
reprendre un titre de Jacques Lacarrière. Pour paraphraser cet auteur,
pour que de tels récits aient "une valeur véridique et convaincante,
force est de (les) attribuer à des êtres ou des puissances qui
échappent aux contingences du temps et de l’espace, autrement
dit à des divinités supra-humaines et éternelles." Le merveilleux
qui s’accomplit grâce aux effets spéciaux entretient des rapports
étroits avec la littérature fantastique qui articulent entre eux mythes
et allégories. Le besoin de l’homme de se projeter dans des univers
parallèles semble aujourd’hui assouvi dans l’interaction des images
de synthèse, qui permet de "toucher" les images et de "pénétrer"
dans leur univers, mais comme pour les récits mythologiques,
l’efficience du leurre est une question de foi. Le numérique articule
entre eux différents niveaux de réalité. Il est l’expression d’un rapport
allégorique au réel. Cependant, comme le précise Réjane Hamus-
Vallée à propos des effets spéciaux, "est-ce parce que l’ordinateur
s’affranchit du réel qu’il lui est plus aisé ensuite de le reconfigurer
à sa guise ? Que re-présente-t-on avec une image de synthèse,
qui n’est pas la "trace du réel", la momie d’un changement ? Que
choisit-on, quand on opte pour une technique plutôt qu’une autre :
un visuel différent ou bien encore un rapport au réel différent ?"
dossier de presse • e.motion graphique | 14

The Tale Of How
Réalisation: The BLACKHEART GANG
Afrique du Sud / 2006 / 4’30 / couleur
Musique de Markus Smit / Wormstorm
© The Blackheart Gang
Sea Orchestra + Making of United Airlines Sea Orchestra
Réalisation: SHY THE SUN
Afrique du Sud / 2007 / 1’00 + 8’18 / couleur
Musique : Trivers & Myers
Production : Duck Studios / Nina Pfeiffer
© United Airlines / Barrie D’Rozario Murphy / Shy The Sun
The Blackheart Gang est un collectif de plasticiens, de graphistes et
de musiciens d’Afrique du Sud. Leur style original mêle les influences
de Brueghel, de Bosch dans une profusion de motifs qui rappellent
les estampes surréalistes de Max Ernst. La séduction immédiate de
leurs réalisations The Tale Of How et Sea Orchestra (que le groupe
a réalisé sous le nom de Shy The Sun) est le résultat de recherches
approfondies dans le grand livre de l’histoire de l’art, de l’illustration
scientifique et de l’imagerie populaire, comme le démontre le Making
of de Sea Orchestra. L’universalité de leur création crée des fables
oniriques où les références semblent issues d’une culture commune
illustrée par les innombrables dessins et peintures de scènes
mythologiques. L’animation de leurs personnages dans des univers
chimériques participe de la création d’une mythologie particulière.
Les images soignées et détaillées proposent des variantes des
représentations des contes pour enfants. Les films racontent des
légendes qui transforment notre perception de la réalité qui se
cache derrière les apparences.
Epilepsy Is Dancing
Réalisation: AFAS
Musique: ANTONY & THE JOHNSONS
USA / 2009 / 7’30 / couleur
© Secretly Canadian / Rough Trade Records
Le clip Epilepsy Is dancing du groupe américain Antony & The
Johnsons illustre de façon quasi littérale le titre de la chanson.
Une femme, terrassée par l’apparition d’un jeune cerf en pleine
zone urbaine, vit une crise d’épilepsie qui la plonge en rêve dans
l’univers des bacchanales. Théâtralisée et orchestrée comme un
rituel, la chorégraphie de la fête propose la vision idyllique d’un âge
d’or. Le visage du chanteur Antony, lui-même déguisé et masqué
en personnage mythique, apparaît en surimpression. L’atmosphère
bucolique correspond à ses convictions qui aspirent à une plus
grande tolérance entre communautés ethniques, culturelles et
sexuelles. Le clip d’Antony & The Johnsons dévoile un monde "que
seuls les narcotiques, l’émotion musicale et les pulsions printanières
peuvent révéler (…), un âge où les dieux et les hommes vivaient
en étroite communauté." Les peintres Tino Rodriguez et Virgo
Paradiso ont créé les costumes et les décors. Le chorégraphe Sean
Dorsey et ses danseurs interprètent le ballet de la séquence onirique.
La femme épileptique du début de film sort de sa rêverie en
souriant à la beauté du jeune cerf dont l’apparition ne pouvait
provoquer qu’enchantement et hallucination dans ce paysage
urbain sans attrait.
Section 7
Paysages
Dessins anciens
"Parmi tant de styles différents que les paysagistes ont pratiqués
(…) j’en distinguerai seulement deux dont les autres ne sont qu’un
mélange, le style héroïque et le style pastoral ou champêtre.
Le style héroïque est une composition d’objets qui (…) tirent de l’art
et de la nature tout ce que l’un et l’autre peuvent produire de grand
et d’extraordinaire.
Le style champêtre est une représentation des pays qui paraissent
bien moins cultivés qu’abandonnés à la bizarrerie de la seule nature.
Elle s’y fait voir toute simple, sans fard et sans artifice (…)."
Jean-Honoré Fragonard (1732 – 1806)
Vue du pont de San Stefano à Sestri près de Gênes
Pinceau, encre brune, lavis brun, 29 x 37,1 cm
Anonyme, Ecole française du XVIIIe siècle
Paysage des environs de Naples (1760)
Sanguine, 36 x 49,1 cm
Pietro Paolo Bonzi (1576 – 1636)
Paysage
Plume et encre brune, 32,3 x 22,8 cm
Pietro Francesco Cittadini (1616 – 1681)
Étude d’arbres
Plume et encre brune, 31 x 23,1 cm
Cristofano Paolo Galli (?) ( ? - ?)
Paysage avec un arbre au premier plan
Plume et encre brune, 29,5 x 21,5 cm
Giovanni Francesco Grimaldi dit Il Bolognese (1606 – 1680)
Paysage avec trois figures, derrière un groupe d’arbres
Pierre noire, plume et encre brune, rehauts de gouache blanche,
41,3 x 32,8 cm
Attribué à Giovanni Francesco Grimaldi dit Il Bolognese
(1606 – 1680)
Paysage avec cours d’eau et un pont
Plume et encre brune, 12,9 x 26 cm
Théodore Verkruys ( ? – 1739)
Vue d’une fontaine avec des femmes lavant du linge devant
un monument en ruine
Pinceau, encre noire et grise, lavis gris, 9,9 x 27,4 cm
Théodore Verkruys ( ? – 1739)
Paysage avec pêcheurs au premier plan
Pinceau, encre noire et grise, lavis gris, 9,8 x 27,3 cm
Achille Benouville (1815 – 1891)
Paysage avec cours d’eau, esquisse d’arbres
Crayon noir sur papier bleu, 29,6 x 44,7 cm
dossier de presse • e.motion graphique | 15

Achille Benouville (1815 – 1891)
Vue d’une plaine
Crayon noir, 29 x 41 cm
Constant Dutilleux (1807 – 1865)
Paysage, effet de lune
Fusain, craie blanche sur papier bleu sombre, 16,7 x 23,4 cm
François-Louis Français (1814 – 1897)
Vue de Tivoli
Aquarelle et gouache sur papier bleu, 42,5 x 57,9 cm
Théodore Rousseau (1812 – 1867)
Paysage
Fusain, craie blanche, 27,2 x 43,1 cm
Paul Théodore van Brüssel (1754 – 1795)
Un bois de chêne
Pierre noire, lavis gris, 22 x 24,3 cm
Adam Pijnaker (1622 – 1673)
Paysage
Pierre noire, lavis noir et gris, craie blanche, 25,4 x 32 cm
Antoine Chintreuil (1814 – 1873)
Vue de Saint-Valéry
Crayon noir, lavis brun, gouache blanche, 15,4 x 32,2 cm
François-Edouard Bertin (1797 – 1871)
Sous-bois
Crayon noir, craie blanche sur papier bleu-vert, 43 x 62,6 cm
Paul Huet (1803 – 1869)
Environs d’Abbeville
Crayon noir, aquarelle, 15,4 x 25 cm
Claude-Félix-Théodore Caruelle d’Aligny (1798 – 1871)
Vue de la Rocca Santo-Stefano
Plume et encre brune, 46 x 33 cm
Jan de Bisschop (1628 – 1671)
Paysage
Plume et encre brune, lavis brun, 10,1 x 15,5 cm
Achille Benouville (1815 – 1891)
Étude d’arbres
Caryon noir et craie blanche, mis au carreau au crayon noir
sur papier calque collé sur papier bleu, 28,5 x 33,3 cm
Œuvres contemporaines
Le paysage correspond à un point de vue qui anthropomorphise
notre relation à la nature. Cette vision personnifie les éléments selon
notre imagination et selon nos croyances en leurs effets. Elle se
traduit dans les métamorphoses allégoriques du minéral, du végétal
et des météores. La tradition du dessin de paysage se reconnaît dans
l’art numérique sous diverses formes. Les artistes contemporains
réalisent des compositions (images et installations) qui, selon
l’exemple de la libre évolution de la végétation, entremêlent les
éléments, confondent les échelles, rapprochent les espaces et
donnent l’impression d’une grande cohérence dans la profusion.
Le parallèle entre le tissage végétal et le réseau informatique
sensibilise notre rapport à l’électronique, et permet des analogies qui
organisent notre rapport à l’univers virtuel selon des lois biologiques
et organiques.
Forecast
Réalisation : ADRIAAN LOKMAN
Pays-Bas, France / 2006 / 9’30 / couleur
Musique : Oscar Van Dillen
Production : Adriaan Lokman
© Adriaan Lokman
La représentation du ciel est une interprétation indissociable de la
personne qui le contemple. L’homme s’identifie alors dans les forces
qui le gouverne parce qu’il y recherche l’énigme de son origine.
Comme face aux forces terrestres de la terre et de la mer, l’homme
essaie d’ébaucher une typologie de sa mythologie personnelle dans
ce qui se manifeste le plus intensément. Le sentiment esthétique
se met à parcourir ses propres chemins, conduit par l’arbitraire de
la curiosité et de l’imaginaire. Les caresses de la lumière du jour
ou les jeux d’ombres de la nuit donnent aux nuages parfois des
formes humaines ou imaginaires. Leur magnificence révèle alors une
présence muette qui rappelle notre fragilité et l’omniscience d’un
regard qui évalue nos actes à l’aune de la destinée universelle. Les
métamorphoses du ciel, capables de sortilèges comme de miracles
dans les contes et légendes, ont de tous temps intimidé les esprits.
"Montonneux ou filandreux, grisâtre, orangés ou diaphanes,
minuscules ou immenses, (…) en réponse aux classifications
habituelles qui regroupent les formations nuageuses selon
leurs altitudes, Forecast (soit "Prévision") explore sur un mode
symphonique les différents mouvements (genèse, métamorphose,
dissipation) qui agitent l’atmosphère. Alternant synchronicités
et synchronismes, les rapports image/son oscille au gré des
changements météorologiques. Tantôt imitative, tantôt abstraite -
sinon concrète -, la partition se rapproche par moments de motifs
figuratifs soutenus par des bruitages. (…) Averse, éclaircie, orage :
les tableaux successifs s’arrachent au réalisme en brouillant l’échelle
des dimensions." - Thomas Schmitt, Repérages.
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Gardens By The Bay I
Réalisation : SQUINT/OPERA
Royaume-Uni / 2003 / 4’52 / couleur
Production : Squint/Opera / Grant Associates / National Parks /
Wilkinson Eyre.Architects
© Squint/Opera
Gardens By The Bay II
Réalisation : SQUINT/OPERA
Royaume-Uni / 2003 / 2’41 / couleur
Production : Squint/Opera / Grant Associates / National Parks /
Wilkinson Eyre.Architects
© Squint/Opera
Squint/Opera est un studio spécialisé dans les films courts
d’architecture et de projets urbains. Les scénarios évoquent le futur
de cités et de paysages métamorphosés par l’illusion numérique.
Conçu comme un panoramique animé sur le tableau mural d’un
cabinet d’architectes, Gardens By The Bay I détaille un projet de cité
utopique dans le cadre de la compétition internationale de design
pour la Baie de Singapour. De leur propre aveu, ce premier volet
souhaite montrer l’intérieur du cerveau d’un architecte en plein
travail. Les notes et les esquisses s’animent. Les dessins se mélangent
aux photographies documentaires. Les plans se matérialisent en
3D. L’abondance de la nature s’harmonise à une représentation
organique de l’architecture. Les incrustations et les transparences
établissent des correspondances entre nature, structure et figure qui
ne sont plus seulement symboliques mais physiques. Pour autant la
construction d’un paysage, quelles que soient ses limites réelles ou
imaginaires demeurent inséparables de la diffusion d’une mystique
de l’aventure, intérieure et extérieure qui se visualise dans le second
volet Gardens By The Bay II.
Natures
Réalisation: QUAYOLA
France-Royaume-Uni / 2008 / 6 x 4’30 / couleur
Musique : Mira Calix + Oliver Coates
Production : Quayola / Faster Than Sound
© Quayola / Faster Than Sound
"Natures is a project that explores the dialogue between the natural
and the artificial, creating a world where these two elements coexist
harmoniously. It consists on a series of audio-visual compositions
that simulates organic behaviors through an atypical use of motion
tracking techniques. The melodious movement of plants spinning
with the wind triggers an intricate web of computergenerated lines
and shapes. Interpreting the organic structures of the plants, the
artificial element becomes part of the natural and vice versa." -
Quayola
Avec Natures, Quayola propose la vision originale de paysages, en
plan rapproché, dont le graphisme s’arrange des effets numériques
pour manifester leur évidence structurelle. Insaisissables et
éphémères, les mouvements du vent composent une partition
visuelle du tournoiement des fleurs dans la brise qui s’accorde
aux sons organiques de Mira Calix. Cette structuration numérique
des effets naturels est une réplique subtile au dessin de paysage.
Soumis aux lois de la perspective, les artistes ne conformaient pas
les paysages comme les architectures et les objets. Ils s’arrangeaient
de détails suggestifs pour dessiner l’épanouissement permanent de
la nature.
Autour de l’exposition
Conférence
(dans le cadre du cycle "Préambules à l’art contemporain")
Mercredi 02 décembre, 18 h 30.
Entrée libre.
Le graphisme contemporain et ses correspondances
avec le dessin ancien
Conférence sur de la présentation en avant-première des films qui
figureront dans l’exposition.
Vendredi 11 décembre 2009. Sur inscription - entrée libre
Journée d’étude sur le thème :
Les Pratiques Actuelles du dessin
Organisée par le Centre d’Étude des Arts Contemporains
Université de Lille 3.
Au regard des pratiques actuelles et des techniques mixtes de
plus en plus utilisées par les artistes d’aujourd’hui, cette journée
s’attachera à redéfinir l’usage et les fonctions du dessin.
Grâce à la contribution de conservateurs de musées, de commissaires
d’exposition un éclairage particulier sera posé sur le positionnement
des institutions sur ces pratiques. Quelle importance les collections
publiques accordent-elles au dessin actuel ? Comment celui-ci
s’expose-t-il désormais ? La réflexion sera également nourrie par la
présence et la participation d’artistes. En croisant les points de vue,
l’objectif est de dresser un aperçu des pratiques actuelles du dessin
et d’identifier si ces pratiques bénéficient en définitive de modes de
production et de diffusion particuliers.
Cette journée d’étude préfigure un programme d’expositions
"Dessiner-Tracer, le dessin dans tous ses états", organisé en 2011 par
l’Association des conservateurs des musées du Nord Pas de Calais.
Jeudi 21 janvier, 19 heures.
Tarifs : 11 euros / 6 euros
Nocturne "E.Motion en musique" (visite-concert)
Programme : J.S.Bach, C.Debussy et J.Adams,
avec Jean-Michel Dayez, piano
et Jacob Antony, vidéo.
Mercredi 03 février 2010, 19 h-22 h
Nocturne Étudiants
Entrée libre.
Le dimanche, à 16 h 30. Tarifs : 9,50 euros / 7,80 euros
Visite guidée de l’exposition
En alternance avec l’exposition Passion de la collection, Donation
Laporte-Pellegrin
dossier de presse • e.motion graphique | 17

Section 1
Détails et morceaux d’anatomie
(1)
D’après Raphaël (1483 - 1520)
Etude anatomique
Plume et encre brune, 42 x 26,2 cm
© Palais des Beaux-Arts de Lille
(2)
Alexis-Joseph Mazerolle (1826 - 1889)
Etude pour la figure de Néron
Fusain, pierre noire, graphite, craie blanche
sur papier anciennement bleu, 51,3 x 34 cm
© Palais des Beaux-Arts de Lille
7
I Just Don’t Know What To Do With Myself
Réalisation : SOFIA COPPOLA
Musique: The WHITE STRIPES
USA / 2003 / 2’52 / noir et blanc
© XL Recording Ltd
Section 3
Visages et expressions
(8)
Raphaël (1483 - 1520)
Tête d’homme, 1505
Pointe de métal et tracé de stylet sur papier
vert-beige,
piqué pour le report, 20,5 x 18,9 cm
©Lille, Palais des Beaux-Arts
(3)
Chrysalide (Iki)
YANN BERTRAND & DAMIEN SERBAN
Musique : Benjamin Holst
Danseur : Jean-Louis Le Cabellec
Animation: Hicham Bouhennana
Production: Yann Bertrand & Damien Serban
France / 2005 / 7’20 / couleur
© Yann Bertrand & Damien Serban
(9)
House Of Cards
Réalisation: JAMES FROST
Musique : RADIOHEAD
USA / 2009 / 4’33 / couleur
Production: Dawn Fanning
3D Real-time capture: Geometrics Informatics
Inc
3D Laser imaging equipment: Velodyne Lidar
© Copyright Xurbia Xendless Ltd.
Section 2
pose et nu académique
(4)
Anonyme Rome XVIIIe
Académie, étude d’homme nu endormi
Pierre noire, craie blanche, 34,9 x 51,9 cm
© Palais des Beaux-Arts de Lille
(10)
Thursday’s Child
Réalisation: WALTER STERN
Musique: DAVID BOWIE
Royaume-Uni / 1999 / 4’57 / couleur
Production: Risky Folio
© 2002 Risky Folio, Inc.
Section 4
L’invention du décor
(5)
Cocoon
Réalisation: EIKO ISHIOKA
Musique: BJÖRK
Japon - USA / 2001 / 4’33 / couleur
© Mother / One Little Indian Ltd
(11)
François-Louis-Florimond Boulanger
(1807 - 1875)
Vue intérieure d’une église
Aquarelle, gouache, mine de plomb, plume et
encre brune, 50 x 38,2 cm
© Palais des Beaux-Arts de Lille
(6)
Emile-Antoine Bourdelle (1861 - 1929)
Femme nue vue de dos
Plume et encre noire, lavis noir, 31,1 x 20 cm
© Palais des Beaux-Arts de Lille
(12)
Logorama
Réalisation: H5, F. Alaux, H. de Crécy
& L. Houplain
France / 2009 / 16’ / couleur
Prix Découverte Kodak à la semaine
de la critique du Festival de Cannes 2009
Production : Autour de Minuit
en coproduction avec Addict, Arcadi,
H5 & Mikros Image
Distribution : Autour de Minuit
© Autour de Minuit/H5/Addict/Mikros/Arcadi
dossier de presse • e.motion graphique | 18

(13)
Victor-Jean Nicolle (1754 - 1826)
Arènes de Nîmes
Plume et encre brune, aquarelle, 16,3 x 23,9
cm
©Lille, Palais des Beaux-Arts
Section 6
Mythes et allégories
(18)
Sebastiano Ricci (1659 - 1734)
Satyre découvrant une nymphe
Gouache, 15,5 x 18,5 cm
© Palais des Beaux-Arts de Lille
(14)
Streets
Réalisation : LE CABINET
France / 2002 / 1’20 / couleur
© Le Cabinet
(19)
Epilepsy Is Dancing
Réalisation: AFAS
Musique: ANTONY & THE JOHNSONS
USA / 2009 / 7’30 / couleur
© Secretly Canadian / Rough Trade Records
Section 5
Plis et drapés
(15)
Michel Martin Drolling (1789 - 1851)
Etude de draperie
Pierre noire, plume et encre brune, craie
blanche, 36 x 22,9 cm
© Palais des Beaux-Arts de Lille
(20)
Giulio Romano (1499 - 1546)
Neptune sur son char
Plume et encre brune, lavis brun,
25,5 x 40,8 cm
© Palais des Beaux-Arts de Lille
Photo RMN - Hervé Lewandowski
(16)
Nicolas Lancret (1690 - 1743)
Jeune femme assise, tournée vers la droite,
tenant une bouteille de la main droite
Sanguine, 18,8 x 16,2 cm
© Palais des Beaux-Arts de Lille
(21)
The Tale Of How
Réalisation: The BLACKHEART GANG
Afrique du Sud / 2006 / 4’30 / couleur
Musique de Markus Smit (Wormstorm)
© The Blackheart Gang
(17)
Frankenman
Réalisation : TRANSFORMA
Allemagne / 2009 / 4’00 / monochrome
Production : Transforma / Seconde Nature / La
Scène Numérique
© Transforma / Seconde Nature / La Scène
Numérique
Section 7
Paysages
(22)
Jean-Honoré Fragonard (1732 - 1806)
Vue du pont de San Stefano à Sestri
près de Gênes
Pinceau, encre brune, lavis brun,
29 x 37,1 cm
© Palais des Beaux-Arts de Lille
(23)
Gardens By The Bay I
Réalisation : SQUINT/OPERA
Royaume-Uni / 2003 / 4’52 / couleur
Production : Squint/Opera / Grant Associates /
National Parks / Wilkinson Eyre.Architects
© Squint/Opera
dossier de presse • e.motion graphique | 19