Guide de visite - Palais des Beaux Arts de Lille

Guide de visite

Sommaire e.motion numérique ... page 4
Section
1. Détails et morceaux d’anatomie pages 5 à 7
Section
2. Pose et nu académique pages 8 à 10
Section
3. Visages et expressions pages 11 à 13
Section
4. L’invention du décor pages 14 à 16
Section
5. Plis et drapés pages 17 à 19
Section
6. Mythes et allégories pages 20 à 22
Section
7. Paysages pages 23 à 26
Remerciements page 27
Propos de l’exposition
À toutes les étapes de sa carrière, de son apprentissage à la
pleine possession de ses moyens expressifs, l’artiste, du XVIe
au XIXe siècle, commence par être un dessinateur. Sa formation
débute en effet par des études dessinées, d’après des modèles
antiques puis aborde le corps humain d’après le modèle vivant
dans son détail anatomique, sa plastique, sa pose, son visage.
Viennent alors l’étude de la perspective qui permet de créer un
décor ou d’étudier des personnages en raccourci, puis l’étude
des plis et des drapés qui couvrent les figures. L’artiste est alors
prêt à entreprendre ses compositions, à les concevoir dans leur
ensemble comme d’en isoler des détails pour obtenir le résultat
recherché, perfectionner son oeuvre. La peinture dite d’histoire,
évoquant des scènes historiques, mythologiques, allégoriques
ou religieuses - la plus considérée par la hiérarchie des genres
mis en place par l’Académie royale de peinture et de sculpture,
à Paris au XVIIe siècle - nécessite cette pratique du dessin, plus
particulièrement celle du corps humain ; la représentation de
l’homme apparaissant comme le sujet le plus noble. Le paysage,
moins considéré est cependant un sujet de préoccupation pour
nombre de peintres d’histoire qui en font un élément ”parlant”
de leurs œuvres, par l’étude de l’atmosphère, de la symbolique
des plantes, ou comme lieu de méditation.
À la charnière du XVIIe et du XVIIIe siècle, Roger de Piles, l’un
des principaux théoriciens français de l’époque, résume ses
pensées et la place qu’il accorde au dessin dans un ouvrage
paru à Paris en 1708, un an avant sa disparition. Tout en y
développant, dans son raisonnement, des aspects techniques,
De Piles expose dans son Cours de peinture par principe qu’il
adresse aux amateurs, les principes de la peinture.
Le dessin – écrit-il – ”est la clef des Beaux-Arts”. Il est ”le
fondement de la peinture”. Les citations introduisant les sept
sections de l’exposition sont extraites de son ouvrage.
Comme le dessin qui émeut ceux qui voient en lui le geste de
l’artiste qui donne vie, le numérique répond à l’espoir ultime de
donner corps à l’image. Considéré comme un médium de contact,
l’écran digital fait croire à une relation tactile avec le monde des
idées et de l’imagination. Le numérique, dont le Motion Graphic,
permet de modeler la transparence de l’image comme une
substance. Aujourd’hui, notre besoin d’être en rapport direct
avec l’image correspond à ce désir d’associer la matière digitale
à un contact charnel, de faire évoluer la sensibilité de notre corps
dans la découverte de la réalité, d’aller toujours plus loin dans
son exploration pour continuer de nous interroger. Au-delà des
changements proprement techniques, l’ère numérique appelle
une lecture d’image appliquée à nos habitudes culturelles. Les
enjeux esthétiques liés à l’art de la simulation virtuelle ne sont
pas nés avec le numérique. Ils recouvrent les interrogations de
l’homme par rapport à la représentation du réel, aux problèmes
philosophiques de sa reproduction esthétique. Les technologies
se modernisent mais les enjeux et la réception même des images
de synthèse répondent aux mêmes problématiques.
Ainsi, si aujourd’hui, les techniques du dessin, l’utilisation de la
pierre noire, la sanguine, la plume et l’encre brune, le pastel etc.,
ne sont plus les mêmes, la conception graphique, comme moyen
artistique d’expression des formes, relie l’œuvre du dessinateur
d’hier à celle du vidéaste d’aujourd’hui en un mélange de
technique et d’émotion à la quête de l’illusion.
Cordélia Hattori et Régis Cotentin
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Introduction
Avant-propos
L’exposition e.motion graphique se formule comme une expérience qui se veut exemplaire
dans l’activité scientifique et culturelle des musées aujourd’hui. Elle prend appui sur la
présentation au public de plus de 170 dessins de la collection du musée qui, du XVIème au
XXème siècle, donnent une définition visuelle du geste du dessinateur dans son évolution au
sein de la culture européenne.
La confrontation avec l’animation graphique issue du numérique permet de repérer des effets
de permanence entre l’art du passé et la pratique contemporaine. L’ensemble donne à voir le
double temps recherché de ce mouvement qui procure l’émotion et que précisément traduit,
dans un jeu de mots entre français et anglais, le titre e.motion graphique.
Ci-dessus, de gauche à droite :
Pierre-Paul Prud’Hon (1758 – 1823)
Académie d’homme
Yann Bertrand & Damien Serban
Chrysalide (Iki)
Malgré l’attention très contemporaine aux formes d’expression archaïques et primitives, la
quête de l’illusion née dans la culture antique est toujours aussi vivante.
Alain Tapié
Conservateur en chef du patrimoine
Directeur du Palais des Beaux-Arts de Lille
et de l’Hospice Comtesse
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| Matray | Meischeid | Blip Boutique – Aaron Koblin & James Frost | Rest My Chemistry
e.motion numérique...
Ouverture :
| Matray |
Meischeid (Gonzales)
L’invention du décor :
| Blip Boutique, Aaron Koblin & James Frost |
Rest My Chemistry (Interpol)
L’artiste français Matray avec son œuvre graphique Meischeid
sur la musique de Gonzales crée une des pièces contemporaines
les plus poétiques sur la relation des images et de la musique.
Sans utiliser les ressorts d’une symbolique ou d’un récit, libéré
de toute référence, Matray réussit à traduire la résonance
d’une mélodie aux confins de notre imagination abstraite.
Incomparable dans la délicatesse des motifs, les images dans
leur instantanéité semblent ”retentir” à nos yeux comme les
notes ”enluminent” nos oreilles. La réussite de ce film paraît
encore plus éclatante quand nous découvrons qu’aucune autre
logique que celle de l’éclat graphique gouverne l’ensemble
visuel en réponse à la mélodie inspirée d’Erik Satie.
Le clip Rest My Chemistry du groupe anglais Interpol est une
œuvre significative de la puissance d’illusion des univers artificiels.
Comparant l’arborescence numérique au développement
cellulaire, les images s’enchaînent de façon allégorique pour
rapprocher les microcosmes des macrocosmes. De l’interaction
nucléaire à la régénérescence moléculaire, du quadrillage d’une
ville à la structure de la voûte céleste, tout semble régi par le
même principe. A l’image des paysages anthropomorphes qui
jalonnent l’histoire de l’art, Rest My Chemistry correspond à
un exercice de discernement de figures cachées. La poésie du
procédé graphique utilisé par Aaron Koblin confère aux images
une fluidité caractéristique de la démonstration numérique. De
l’infiniment petit à l’infiniment grand, la croyance en sa force
de calcul donne l’impression que toute résolution numérique,
même artistique, a un caractère de vérité.
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Détails et morceaux d’anatomie \\ Section 1
du dessin ancien ...
1
”L’anatomie est une connaissance des parties du corps humain (…). Il est
d’une nécessité indispensable [pour le peintre] de bien connaître la forme
et la jonction des os d’autant qu’ils altèrent souvent les mesures dans le
mouvement, comme il est nécessaire de bien savoir la situation et l’office des
muscles, puisqu’en cela consiste la vérité la plus sensible du dessin”.
... à l’animation contemporaine
L’illusion virtuelle puise ses ressources dans le dessin. Les corps de synthèse
témoignent de cet héritage. Les figures sont d’abord conçues comme des
squelettes en fil de fer, à partir desquels se conçoit une sorte de mannequin
articulé. Le personnage est ensuite recouvert de textures, extraites de
photographies de matières. L’intensité et l’orientation de la lumière
déterminent les contrastes des volumes. Pour imiter la vision humaine, le
numérique utilise le flou, le grain et les défauts d’optique, pour ”salir” une
image trop ”lisse”. Parachevés, les personnages virtuels supportent toutes
les mutations. D’un état à l’autre, nous reconnaissons ici la succession des
étapes du dessin d’un corps : la notation des proportions, l’étude anatomique
et l’analyse de la lumière.
1
Toutes les citations en début de section, sont extraites de Roger de Piles, Cours de peinture par principe, 1708, Paris.
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Section 1
du dessin ancien ...
| Paul Baudry (1828 – 1886) |
Étude pour le licteur
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... à l’animation contemporaine
Section 1
| Yann Bertrand & Damien Serban |
Chrysalide (Iki) (jap.: youchuu)
A partir du travail du danseur Jean-Louis Le Cabellec,
Chrysalide (Iki) propose de contempler la mise en mouvement
d’un ”écorché” en image de synthèse dont chaque facette
semble témoigner d’une composante organique. Le Butô,
créé en 1959 par Tatsumi Hijikata est une danse librement
improvisée, à la fois minimale et spectaculaire, très lente
ou violente, qui se réclame de la tradition du théâtre Nô.
Les danseurs presque nus sont peints en blanc pour éveiller
l’attention sur le souffle et la décomposition infime des
gestes dans une chorégraphie épurée et tendue. Chrysalide
joue du contraste de la présence charnelle du danseur et
de la texture lisse et froide de la 3D. Modélisée, l’image du
danseur rappelle les premières morphologies de synthèse
formées de polygones non ”lissés”. L’exemplarité du travail
de Yann Bertrand et de Damien Serban est de renouveler
notre perception de cette structure qui renvoie à l’ensemble
des représentations des écorchés artistiques comme
images de ”l’âme”. Jouant de la déstructuration et du
parasitage pour attribuer à l’image numérique une pulsation
dont elle semble originellement démunie, la transmutation
du danseur en facette synthétique libère ce par quoi il est
profondément animé, de l’éclosion à la déflagration.
| Antoine Bardou-Jacquet |
How Does It Make You Feel ? (Air)
Réalisé pour le groupe français Air, How Does It Make You Feel ?
montre la fabrication d’un androïde, dont l’assemblage, membre
par membre, est régi mécaniquement. L’androïde est incarné
par le mannequin français Audrey Marnay. L’analogie entre la
construction d’un avatar et l’image composite d’un modèle est
légitime tant le monde de la mode participe à la fabrication
de corps hybrides. Progressivement, le dysfonctionnement des
machines engendre un assemblage surréaliste du mannequin
qui apparaît comme une critique des canons de beauté qui
contraignent plus qu’ils ne libèrent.
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Section 2
\\ Pose et nu académique
du dessin ancien ...
”Il faut savoir (…) comment une tête doit être construite, un pied, une main,
et enfin tout le corps pour former un homme parfait. (…) il est nécessaire
en posant un modèle de chercher une attitude qui dans son contraste soit
naturelle et fasse voir de belles parties (…).
(…) le nu (…) a ses marques de distinction. Les uns pour imiter la chair
donnent aux contours une inflexion qui porte cet esprit ; les autres pour
imiter l’antique conservent dans leurs contours la régularité des statues, de
peur de rien perdre de leur beauté”.
à l’animation contemporaine
Empruntant aux conceptions classiques du dessin, les corps de synthèse
héritent de toute l’histoire du nu. D’une souplesse infinie, le numérique facilite
les métamorphoses et la création d’anatomies fabuleuses. Les physionomies
virtuelles synthétisent toutes les représentations du corps humain, des
grotesques au beau idéal, des créatures zoomorphes aux hybrides. Participant
aussi à la définition des canons de la beauté contemporaine, elles invoquent
l’idée de chirurgie plastique et de clonage. Devant les personnages artificiels, le
spectateur, orienté par ses réflexes d’identification, cherche à reconnaître une
sensibilité dans le tout numérique. Aussi les artistes contemporains tendent à
attribuer une conscience aux personnages virtuels, par exemple en donnant
le rôle d’un androïde à un acteur.
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du dessin ancien ...
Section 2
| Alphonse-Amédée Cordonnier (1848-1930) |
Femme nue assise, avec des mesures
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Section 2
... à l’animation contemporaine
| Eiko Ishioka | Cocoon (Björk)
Cocoon fait partie d’un triptyque de vidéo où la chanteuse
islandaise Björk se présente sous son aspect le plus charnel.
Les paroles de la chanson expriment le plaisir sexuel. Réalisé
par la costumière de cinéma japonaise Eiko Ishioka, le clip
commence en exhibant plusieurs clones de Björk d’où s’extrait
celle qui va chanter. Deux fils rouges s’échappent de ses seins
et dansent autour d’elle pour répondre à son bien-être.
Leur chorégraphie organique accompagne le chant. Puis ils
enroulent Björk jusqu’à l’enfermer dans un cocon. La mise
en scène minimaliste focalise notre attention sur le contraste
entre l’anatomie immaculée et le rouge vif des fils, dont la
parenté avec le flux sanguin comme métaphore de la passion
est évidente dans les gros plans. Björk prend la pose en
manifestant tout ce qui insuffle la vie dans nos artères et nos
viscères, dans la joie comme dans la tendre mélancolie.
| Sofia Coppola |
I Just Don’t Know What To Do With Myself
(The White Stripes)
Le mannequin anglais Kate Moss est l’une des icônes de la
mode des années 1990-2000 les plus prisées et représentées.
Au même titre que Twiggy du Swinging London des années
60, elle définit et incarne le style d’une génération. Le noir et
blanc du clip se réfère à l’esthétique de la photographie de
mode et à l’influence musicale du groupe The White Stripes
qui aspire à l’authenticité des premiers blues. Le décor est
simple. La réalisatrice américaine Sofia Coppola adapte la
danse de Marlène Dietrich dans L’Ange Bleu qui envoûtait
Emil Jannings. Sur un socle ou à la barre, le mannequin bouge
sans cesse pour prendre la pose. A l’exception de quelques
personnages virtuels qui exacerbent le fétichisme avec
des anatomies disproportionnées, il n’existe pas encore de
sex-symbol artificiel ; la volupté numérique a ses limites...
10 | Guide de visite

Visages et expressions \\ Section 3
du dessin ancien ...
”Les traits du visage consistent dans la justesse du dessin et dans l’accord
des parties, (…) en sorte que le portrait de leurs corps soit encore celui de
leurs esprits.
Les parties du visage contribuent toutes à mettre au dehors les sentiments
du cœur ; mais surtout les yeux qui sont, comme dit Cicéron, deux fenêtres
par où l’âme se fait voir.
(…) si vous savez les joindre [les sourcils et la bouche] avec le langage des
yeux, vous aurez une harmonie merveilleuse pour les passions de l’âme”.
... à l’animation contemporaine
La mobilité des lumières et des ombres, le mouvement tonal des contours, la
finesse des modelés du dessin se retrouvent dans les portraits de synthèse.
Comme toute autre représentation, l’aspect anthropomorphique des corps
virtuels est une source infaillible de leur emprise sur l’affectivité humaine. Mais
si l’ordinateur donne un réalisme saisissant aux créatures qu’il invente, il bute
sur la représentation de nos semblables. La 3D, les images de synthèse créent
des décors chimériques et des paysages enchanteurs parfaitement illusionnistes
mais ne restituent pas encore la profondeur psychologique d’un visage. Chaque
personnage est ainsi livré au péril de son aspect artificiel. Pour cette raison,
le cinéma contemporain recourt à la motion capture qui prête aux créatures
virtuelles les traits, les mouvements et les expressions d’un comédien. Au-delà
d’une simple ressemblance, les personnages en motion capture témoigneraient
enfin de la valeur d’une vie ?
Guide de visite | 11

Section 3
du dessin ancien ...
| Raphaël (1483 – 1520) |
Tête d’homme au turban (vers 1504-1505)
12 | Guide de visite

... à l’animation contemporaine
Section 3
| Walter Stern |
Thursday’s Child (David Bowie)
David Bowie est l’une des personnalités artistiques les plus
originales et influentes depuis les années 70. Jouant sur son
androgynie, et sur la beauté de son visage sur lequel le temps
ne semble ne pas avoir prise, le Dorian Gray du rock a créé
au cours de sa carrière prolifique une multitude d’avatars,
tels Ziggy Stardust (1972) et le Thin White Duke (1976) qui
appartiennent à nos mythologies contemporaines.
Dans ce film, il se prête au jeu du miroir pour examiner, en
compagnie du spectateur, la vérité d’un visage qui après
avoir vécu tant de métamorphoses est aujourd’hui rattrapé
par le temps. Sans fard ni lumière esthétisante, le chanteur
redécouvre son visage, cherchant derrière les apparences ce
qui reste de sa vraie nature et des personnages qu’il s’est plu
d’incarner, jusqu’au moment où son reflet abuse de lui-même
et reproduit le mirage de la jeunesse.
Le comble de l’illusion n’est-il pas finalement de se croire en
mesure de se libérer de toute illusion ?
| James Frost |
House of Cards (Radiohead)
Ce clip pour le groupe Radiohead est réalisé sans caméra ni
lumière. Le chanteur Thom Yorke et les panoramas urbains
sont scannés en temps réel par des lasers qui restructurent
numériquement la lumière, le volume et le mouvement en une
infinité de points mobiles. En accompagnement de la musique,
les images montrent des phénomènes qui se dispersent
dans une poussière de lumière. Affleurant à l’écran dans le
crépitement de la matière numérique, elles se manifestent
telles des visions spectrales. La relation entre la Tête d’homme
de Raphaël, piquée pour le transfert sur un autre support et
ce portrait 3D, montre que toute représentation s’accomplit
selon une grille de repères visuels qui assure une base de
construction. Les images de synthèse, plus qu’aucune autre,
sont régies par un ensemble de repères et de paramètres qui
assurent leur animation. Même si les artistes recherchent
les accidents et les défaillances de système pour plus
d’ ”humanité”, la numérisation recourt inévitablement à une
codification numérique de toutes les images.
Guide de visite | 13

Section 4
\\ L’invention du décor
du dessin ancien ...
”L’architecture est un art qui par le dessin et par des proportions convenables
imite et construit toutes sortes d’édifices.
[Dans l‘École d’Athènes] est un édifice d’une magnifique architecture
composée d’arcades et de pilastres, et disposée d’une manière à rendre sa
perspective fuyante (…). (…) il [Raphaël] a voulu encore que les statues et
les bas-reliefs, qui sont des ornements de son architecture, contribuassent en
même temps à la richesse et à l’expression de sa pensée”.
à l’animation contemporaine
Le dessin en perspective, avec son maillage serré de lignes et de points de fuite, est
parfaitement adapté au graphisme numérique. La création d’univers fantastiques,
de cités imaginaires, de mondes merveilleux scrupuleusement architecturés
pourvoient aux décors des films de science-fiction et des productions à effets
spéciaux. Le numérique permet la conception d’architectures hybrides aux formes
inconnues, entre le réel et le virtuel, proches d’un espace mental. Ce cyberespace
abolit le déterminisme d’une architecture statique et inerte comme métaphore
d’un certain équilibre.
Inspirée entre autres par des modèles issus de la biologie moléculaire, la fluidité
du numérique dissout la masse des volumes et génère des formes qui exaltent
un désir de vitalité. Aussi, à l’instar de la nouvelle architecture, les artistes
contemporains cherchent moins à s’inspirer du patrimoine qu’à voir l’architecture
historique comme un répertoire de formes.
14 | Guide de visite

du dessin ancien ...
Section 4
| Gilles-Marie Oppenord (1672 - 1742) |
Fontaine et côté de galerie
Guide de visite | 15

Section 4
... à l’animation contemporaine
| Tim Hope | Jubilee Line | Quayola | Strata#1 - Rome
| Le Cabinet | Streets
| Tim Hope | Jubilee Line
Streets, le film très court du duo de graphistes Le Cabinet,
condense la réalité d’une ville à son tracé lumineux, pour vivre
son exploration comme une sensation. En référence à la ligne
de métro londonien du même nom, Jubilee Line de Tim Hope
développe cette idée d’une cité transparente. Nostalgique,
le réalisateur reconstruit graphiquement Londres d’avant la
construction de cette ligne pour y intégrer les modèles d’un
défilé de mode. Conscient de ne recouvrer la capitale qu’il
affectionne que dans son souvenir nostalgique, les modèles
eux-mêmes, comme des figures à facettes, traduisent cette
impression de ne plus faire partie des lieux que l’on a connus.
Leur périple se termine au sein d’un théâtre, lieu illusionniste
par excellence, comme pour démontrer la difficulté du corps
humain à s’intégrer dans un univers structuré par les lois de la
perspective, et par extension de la place de l’homme dans un
développement urbain qui se soucie peu de son histoire.
| Quayola |
Strata#1-Rome | Strata#2-Paris
L’évidence graphique des créations Strata#1 & Strata#2 de
Quayola dévoile la structure cachée d’un édifice baroque et
d’une cathédrale gothique. Le numérique anime, sous forme
d’éclats, les couleurs des fresques et des vitraux. La lumière des
peintures et le rayonnement des rosaces se matérialisent sous
la forme d’un réseau de facettes chromatiques. En perpétuelle
évolution, leur multiplication semble suivre notre propre
découverte des lieux. Reproduisant l’enchaînement décoratif,
la prolifération des éléments crée finalement une nouvelle
architecture mobile au sein des bâtiments. Son apparition
trouve sa raison d’être dans notre besoin de spiritualité dans
la représentation abstraite.
Dans la section Paysages, Quayola, avec Natures, propose la
vision originale en plan rapproché, où le graphisme s’arrange
des effets numériques pour manifester l’évidence structurelle
de la nature. Insaisissables et éphémères, les mouvements
du vent composent une partition visuelle du tournoiement
des fleurs dans la brise qui s’accorde aux sons organiques
de Mira Calix.
16 | Guide de visite

Plis et drapés \\ Section 5
du dessin ancien ...
”(…) le peintre doit, avant que de disposer ses draperies, dessiner le nu de
ses figures pour former des plis sans équivoque et (…) que le spectateur
s’imagine voir ce que le peintre lui couvre par le jet de ses draperies. (…)
mais ce n’est pas assez que les étoffes soient jetées diversement, il faut
encore qu’elles soient entre elles d’une nature différente (…)
Les plis (…) donnent beaucoup de vie à l’action (…) parce que le mouvement
des plis suppose du mouvement au membre qui agit (…) et qui les rend plus
ou moins agités selon la violence ou la douceur de son action”.
... à l’animation contemporaine
Dans le dessin comme dans la peinture, le pli épouse l’anatomie des modèles
et emporte les corps dans les arabesques de la composition. Aérien et fluide, il
glisse délicatement sur les corps. Son élégance est comme abstraite. Il enveloppe
et développe. La métaphore du pli et du dépli rend visible l’étroite alliance
entre l’âme et le corps. Le drapé est comme habité. Sa tension accomplit dans
l’existence de la couleur l’idée d’émanation spirituelle.
L’étude de draperies ne se distingue pas particulièrement au sein des pratiques
numériques. Néanmoins, la création de figures dont la présence n’est signifiée
que par le vêtement qui les recouvre est une constante dans la composition d’un
personnage virtuel. Les mouvements des plis et de la lumière sur les matières
enrichissent leur nature et complexifient leurs caractères. Le travail des textures,
le jeu des lumières, le détail des matières, parachèvent l’aspect réaliste d’un
personnage pour susciter l’identification du spectateur.
Guide de visite | 17

Section 5
du dessin ancien ...
| Alphonse Colas (1818 – 1887) |
Étude de draperie
18 | Guide de visite

... à l’animation contemporaine
Section 5
| Transforma |
Frankenman
Sous influence de l’antique, le drapé est un exercice où l’artiste
exerce sa virtuosité dans le travail de la lumière et de la matière
dans l’abstraction des plis. Les artistes allemands Transforma,
dans leur film installation Frankenman, rendent compte de cette
fascination des draperies. Comme les dessins anciens, leurs images
expriment la délicatesse graphique des tracés qui structurent
les plissements des étoffes. La lumière caresse le jeu incessant
des replis. Les lignes lumineuses s’entremêlent pour former
des figures dont l’anthropomorphisme dévoile progressivement
un corps.
Dans le dessin, les drapés traduisent le mouvement dans
l’ordonnancement. Dans la peinture, le réseau des plis anime le
chatoiement de la lumière et des couleurs sans rehaussements
allégoriques et symboliques. Le film Frankenman recrée ce
même ravissement. Avec une image, qui semble naturellement
synthétique de par son traitement numérique, les artistes de
Transforma créent la confusion des sens lorsque le spectateur
découvre que la chorégraphie des plis est maîtrisée par un
danseur dans un habit de fils tendus..
Guide de visite | 19

Section 6
\\ Mythes et allégories
du dessin ancien ...
”L’invention par rapport à la peinture se peut considérer de trois manières :
elle est ou historique simplement, ou allégorique, ou mystique.
Les peintres se servent avec raison du mot d’histoire pour signifier le genre
de peinture le plus considérable, et qui consiste à mettre plusieurs figures
ensemble (…).
L’invention allégorique est un choix d’objets qui servent à représenter dans
un tableau, ou en tout, ou en partie, autre chose que ce qu’ils sont en effet.
L’invention mystique regarde notre religion”.
à l’animation contemporaine
L’imaginaire numérique recourt souvent à l’histoire pour créer des légendes
et des personnages dont les origines trouvent leurs sources ”au cœur des
mythologies”, pour reprendre un titre de Jacques Lacarrière. Pour que de tels
récits aient ”une valeur véridique et convaincante, force est de (les) attribuer
à des êtres ou des puissances qui échappent aux contingences du temps et de
l’espace, autrement dit à des divinités supra-humaines et éternelles”. Le besoin
de l’homme de se projeter dans des univers parallèles semble aujourd’hui assouvi
dans l’interaction des images de synthèses, qui permet de ”toucher” les images
et de ”pénétrer” dans leur univers. Mais comme pour les récits mythologiques,
l’efficience du leurre est une question de foi.
Cependant, comme le précise Réjane Hamus-Vallée à propos des effets spéciaux,
”est-ce parce que l’ordinateur s’affranchit du réel, qu’il lui est plus aisé ensuite
de le reconfigurer à sa guise ? Que re-présente-t-on avec une image de synthèse,
qui n’est pas la ”trace du réel”, la momie d’un changement ? Que choisit-on,
quand on opte pour une technique plutôt qu’une autre : un visuel différent ou
bien encore un rapport au réel différent ?”.
20 | Guide de visite

du dessin ancien ...
Section 6
| Giulio Romano (1499 – 1546) |
Neptune sur son char
Plume et encre brune, lavis brun
Guide de visite | 21

Section 6
... à l’animation contemporaine
| The Blackheart Gang | The Tale Of How
The Blackheart Gang est un collectif de plasticiens,
graphistes et musiciens d’Afrique du Sud. Leur style original
mêle les influences de Brueghel et de Bosch dans une profusion
de motifs qui rappellent les estampes surréalistes de Max Ernst.
La séduction immédiate de The Tale Of How est le résultat de
recherches approfondies dans le grand livre de l’histoire de
l’art, de l’illustration scientifique et de l’imagerie populaire.
L’universalité de leur création crée une fable onirique où les
références semblent issues d’une culture commune illustrée par
les innombrables dessins et peintures de scènes mythologiques.
L’animation de leur univers chimérique participe de la création
d’une mythologie particulière qui propose une variante pour
des représentations des contes pour enfants.
| AFAS | Epilepsy Is Dancing
(Antony & The Johnsons)
Ce clip du groupe américain Antony & The Johnsons illustre
de façon quasi littérale le titre de la chanson. Une femme,
terrassée par l’apparition d’un jeune cerf en pleine zone urbaine,
vit une crise d’épilepsie qui la plonge en rêve dans l’univers
des bacchanales. Théâtralisée et orchestrée comme un rituel, la
chorégraphie de la fête propose la vision idyllique d’un âge d’or.
Le visage du chanteur Antony, lui-même déguisé et masqué en
personnage mythique, apparaît en surimpression. L’atmosphère
bucolique correspond à ses convictions, et aspirent à une plus
grande tolérance entre communautés ethniques, culturelles
et sexuelles. Le clip d’Antony & The Johnsons dévoile un
monde ”que seuls les narcotiques, l’émotion musicale et les
pulsions printanières peuvent révéler (…), un âge où les dieux
et les hommes vivaient en étroite communauté” 1 . La femme
épileptique du début de film sort de sa rêverie en souriant à la
beauté du jeune cerf, dont l’apparition ne pouvait provoquer
qu’enchantement et hallucination dans ce paysage urbain sans
attrait.
1
Friedrich Nietzsche : la vision dionysiaque du monde, Introduction de
Lionel Duvoy, Editions Allia, Paris, 2004, p.20
22 | Guide de visite

Section 7
\\ Paysages
du dessin ancien ...
”Parmi tant de styles différents que les paysagistes ont pratiqués (…) j’en
distinguerai seulement deux dont les autres ne sont qu’un mélange, le style
héroïque et le style pastoral ou champêtre.
Le style héroïque est une composition d’objets qui (…) tirent de l’art
et de la nature tout ce que l’un et l’autre peuvent produire de grand et
d’extraordinaire.
Le style champêtre est une représentation des pays qui paraissent bien
moins cultivés qu’abandonnés à la bizarrerie de la seule nature. Elle s’y fait
voir toute simple, sans fard et sans artifice (…)”.
à l’animation contemporaine
Le paysage correspond à un point de vue qui anthropomorphise notre relation à
la nature. Cette vision personnifie les éléments selon notre imagination et notre
croyance en leurs effets. Elle se traduit dans les métamorphoses allégoriques
du minéral, du végétal et des météores. La tradition du dessin de paysage se
perpétue dans l’art numérique sous diverses formes. Les artistes contemporains
réalisent des compositions (images et installations) qui, selon l’exemple de la libre
évolution de la végétation, entremêlent les éléments, confondent les échelles,
rapprochent les espaces et donnent l’impression d’une grande cohérence dans
la profusion. Le parallèle entre le tissage végétal et le réseau informatique
sensibilise notre rapport à l’électronique, et permet des analogies qui organisent
notre rapport à l’univers virtuel selon des lois biologiques et organiques.
Guide de visite | 23

Section 7
du dessin ancien ...
| Cristofano Paolo Galli (?) ( ? - ?) |
Paysage avec un arbre au premier plan
24 | Guide de visite

... à l’animation contemporaine
Section 7
| Adriaan Lokman |
Forecast
La représentation du ciel est une interprétation indissociable
de la personne qui le contemple. L’homme s’identifie alors
dans les forces qui le gouvernent parce qu’il y recherche
l’énigme de son origine. Comme face aux forces terrestres de
la terre et de la mer, l’homme essaie d’ébaucher une typologie
de sa mythologie personnelle dans ce qui se manifeste le plus
intensément. Le sentiment esthétique se met à parcourir ses
propres chemins conduit par l’arbitraire de la curiosité et de
l’imaginaire. Les caresses de la lumière du jour ou les jeux
d’ombres de la nuit donnent aux nuages parfois des formes
humaines ou imaginaires. Leur magnificence révèle alors une
présence muette qui rappelle notre fragilité et l’omniscience
d’un regard qui évalue nos actes à l’aune de la destinée
universelle. Les métamorphoses du ciel, capables de sortilèges
comme de miracles dans les contes et légendes, ont de tous
temps intimidé les esprits.
| Squint/Opera |
Gardens By The Bay I & II
Squint/Opera est un studio spécialisé dans les films courts
d’architecture et de projets urbains. Les scénarios évoquent
le futur de cités et de paysages métamorphosés par l’illusion
numérique. Conçu comme un panoramique animé sur le tableau
mural d’un cabinet d’architectes, Gardens By The Bay I détaille
un projet de cité utopique dans le cadre de la compétition
internationale de design pour la Baie de Singapour. De leur
propre aveu, ce premier volet souhaite montrer l’intérieur du
cerveau d’un architecte en plein travail. Les notes et les esquisses
s’animent. Les dessins se mélangent aux photographies
documentaires. Les plans se matérialisent en 3D. L’abondance
de la nature s’harmonise à une représentation organique de
l’architecture. Les incrustations et les transparences établissent
des correspondances entre nature, structure et figure qui ne
sont plus seulement symboliques mais physiques. Pour autant,
la construction d’un paysage, quelles que soient ses limites
réelles ou imaginaires, demeure inséparable de la diffusion
d’une mystique de l’aventure, intérieure et extérieure qui se
visualise dans le second volet Gardens By The Bay II.
Guide de visite | 25

... à l’animation contemporaine
| H5 | Logorama
Le studio graphique H5 est reconnu pour ses pochettes
de disques (Superdiscount, Air, Demon…) et sa direction
artistique (Dior, Cartier, YSL). François Alaux, Hervé de Crécy
et Ludovic Houplain sont les auteurs de nombreux clips (Alex
Gopher, Massive Attack, Röyksopp…), et sont régulièrement
exposés en tant qu’artistes (Nuit Blanche 2007, Beaubourg,
MoMA…). Entièrement composé de logos, Logorama est
construit comme un mini polar à la fois ludique et politique.
Deux flics (des bonshommes Michelin) prennent en chasse un
gangster (Ronald McDonald) qui prend en otage un enfant
(Haribo). La poursuite est interrompue par le séisme ”The
Big One” qui sépare la Californie du continent américain. La
péninsule se transforme en un croissant de terre qui est la
marque Nike. Les buildings, comme des monuments à la gloire
des marques qu’ils symbolisent, s’écrasent les uns contre les
autres. L’histoire se finit sur un bout d’île qui surnage parmi les
décombres des images de marques.
La terre vue du ciel correspond elle-même à la marque
Universal qui évolue parmi les étoiles de la nébuleuse
Milky Way. Sur un ton inspiré des films d’action volubiles et
référencés à la Tarantino, Logorama détourne et exploite les
logos comme des ready-made, qui synthétisent la nature de
ce qu’ils vendent. Mais si l’objet industriel peut devenir une
œuvre d’art, les marques déposées ne s’emploient pas sans
autorisation. Logorama invalide la hiérarchie des valeurs de
la consommation où le logo a plus de valeur que l’objet qu’il
représente. La symbolique est plus forte et intouchable que la
réalité. Les H5, en créant cet univers de logos peuplé d’êtres
”logo typés”, ont composé la peinture de vanités la plus
emblématique de notre monde en quête d’une mythologie et
de symboles forts.
26 | Guide de visite

Remerciements
Nous adressons notre reconnaissance à Martine Aubry, Maire de Lille, Présidente de Lille Métropole Communauté Urbaine,
à Catherine Cullen, adjointe au Maire, déléguée à la Culture, à Laurent Dréano, directeur général de la Culture et à Isabelle
Seigneur, qui nous ont permis de réaliser cette exposition.
Cette exposition a été rendue possible grâce au mécénat de l’AFVAC, Association Française des vétérinaires et animaux de
compagnie. Elle est réalisée en partenariat avec la Mairie de Lille ; Lille3000 ; Autour de Minuit, Paris ; Seconde Nature,
Aix-en-Provence et Transcultures, Mons
Les œuvres de la section contemporaine de l’exposition n’auraient pas été réunies sans la générosité des distributeurs et des artistes :
AFAS, Antony Hegarty, Antoine Bardou-Jacquet, Yann Bertrand, The Blackheart Gang, Blip Boutique, Sofia Coppola, James Frost, H5,
Tim Hope, Eiko Ishioka, Aaron Koblin, Adriaan Lokman, Matray, Quayola, Damien Serban, Squint/Opera, Walter Stern, Transforma.
Nous remercions vivement Elsa Chevallier et Nicolas Schmerkin d’Autour de Minuit pour la négociation des droits de diffusion auprès
des distributeurs et des artistes ; Laurent Poutrel (Mairie de Lille) ; Didier Fusillier, Thierry Lesueur, Frédéric Platteau (Lille3000) ; Pierre-
Emmanuel Reviron (Seconde Nature, Aix-en-Provence) ; Philippe Franck, Elodie Delaigle (Transcultures, Mons) pour leur coopération
exceptionnelle dans le prêt du matériel audiovisuel.
Direction Palais des Beaux-Arts et de l’Hospice Comtesse :
Alain Tapié, Conservateur en chef du patrimoine
Commissariat de l’exposition :
Cordélia Hattori, Chargée du Cabinet des Dessins
Régis Cotentin, Chargé de la programmation contemporaine
Administration : Stéphanie Devissaguet
Responsable administratif et Financier : Sébastien Desramaut
Ressources Humaines : Catherine Lauret
Développement et communication : Anne-Françoise Lemaître
Ligne graphique : Claire Masset
Restauration et montage des dessins : Odile Liesse
Régie des œuvres : Sophie Loock
Hamid Boudersa, Samir Ayache, Karim Merabet,
Grégory Ryckewaert, Christian Simoulin
Montage vidéo supervisé par Hamid Boudersa
Régie technique : Fabrice Gosset
Sébastien Druelle, Sébastien Eckes, Denis Villaume
Menuiserie : Philippe Baron
Merci aux équipes techniques et muséographiques, aux équipes du développement des publics et de la communication, à Axima,
aux équipes d’accueil, de caisse et de surveillance, aux guides conférenciers et animateurs, aux enseignants détachés et aux Amis
des Musées de Lille, et à tous ceux qui ont participé à la réalisation de cette exposition ou la font connaître.

Crédits photographiques : dessins
© Palais des Beaux-Arts de Lille.
Photo : Régis Cotentin
Crédits photographiques : films
Meischeid
Réalisation : MATRAY / Musique: GONZALES - France /
2007 / 2’18 / couleur - Musique : Gonzales / Production:
Matray © Matray
Rest My Chemistry
Réalisation: BLIP BOUTIQUE – AARON KOBLIN
- Musique: INTERPOL - USA / 2009 / 4’00 / couleur -
Production: Blip Boutique / Zoo Films / Capitol Records
© Capitol Music Group Inc.
DETAILS & MORCEAUX D’ANATOMIE
Chrysalide (Iki)
Réalisation: YANN BERTRAND & DAMIEN SERBAN -
France / 2005 / 7’30 / couleur - Musique: Benjamin Holst
- Danseur: Jean-Louis Le Cabellec - Animation: Hicham
Bouhennana - Production: Yann Bertrand & Damien
Serban © Yann Bertrand & Damien Serban
How Does It Make You Feel ?
Réalisation: ANTOINE BARDOU-JACQUET - Musique: AIR
- France / 2002 / 3’39 / couleur - Production: Partizan
Midi Minuit © Partizan Midi Minuit / EMI Music France
POSES & NUS ACADEMIQUES
Cocoon
Réalisation: EIKO ISHIOKA - Musique: BJÖRK - Japon
- USA / 2002 / 4’33 / couleur © Mother / One Little
Indian
I Just Don’t Know What To Do With Myself
Réalisation: SOFIA COPPOLA - Musique: The WHITE
STRIPES - USA / 2003 / 2’52 / noir et blanc © XL
Recordings Ltd.
VISAGES & EXPRESSIONS
House Of Cards
Réalisation: JAMES FROST - Musique :
RADIOHEAD
USA / 2009 / 4’33 / couleur - Production: Dawn Fanning
- 3D Real-time capture: Geometrics Informatics Inc - 3D
Laser imaging equipment: Velodyne Lidar © Copyright
Xurbia Xendless Ltd.
Thursday’s Child
Réalisation: WALTER STERN - Musique: DAVID BOWIE
Royaume-Uni / 1999 / 4’57 / couleur - Production: Risky
Folio © 2002 Risky Folio, Inc.
DRAPERIES
Frankenman
Réalisation : TRANSFORMA - Allemagne / 2009 / 4’00 /
monochrome - Production : Seconde Nature, Transforma
© Transforma
L’INVENTION DU DECOR
Jubilee Line
Réalisation (Animation et musique) : TIM HOPE - UK /
2000 / 4’45 / couleur - Modèles : Elly Smith et Justine
Kenyan - Production : Tim Hope - avec le soutien de
Elizabeth Magill, Shelley Fox, The British Council, Tiger
Lily, Siri Milchior © Passion Pictures
Streets
Réalisation : LE CABINET - France / 2002 / 1’20 / couleur
© Le Cabinet
Logorama
Réalisation: H5 [F. Alaux, H. de Crécy & L. Houplain] -
France / 2009 / 16’ / couleur - Prix Découverte Kodak
à la semaine de la critique du Festival de Cannes 2009.
- Production : Autour de Minuit en coproduction avec
Addict, Arcadi, H5 & Mikros Image - Distribution : Autour
de Minuit © Autour de Minuit/H5/Addict/Mikros/Arcadi
Strata #1 - Rome
Réalisation: QUAYOLA - France-Royaume-Uni / 2008/
2’20 / couleur - Musique : Autobam - Photographie :
James Medcraft - Production : Quayola - Co-Production :
Arcadi © Quayola/Onedotzero/MTV
Strata #2 - Paris
Réalisation: QUAYOLA - France-Royaume-Uni / 2009
/ 7’30 / couleur - Musique : Mira Calix + Autobam,
Cello : Oliver Coates - Animation : Quayola, Labmeta -
Photographie : James Medcraft - Production : Quayola /
Elisa Scialpi - Co-Production : Arcadi © Quayola
Couverture :
Jules-Elie Delaunay, Jeune homme vu en buste, la bouche
ouverte / Cocoon, 2002, réalisation : Eiko Ishioka,
musique : Björk © Mother - One Little Indian.
conception/ligne graphique : Claire Masset, PBA 2009
MYTHES ET ALLEGORIES
Epilepsy Is Dancing
Réalisation: AFAS - Musique: ANTONY & THE JOHNSONS
- USA / 2009 / 7’30 / couleur © Secretly Canadian /
Rough Trade Records
The Tale Of How
Réalisation: The BLACKHEART GANG - Afrique du Sud
/ 2006 / 4’30 / couleur - Musique de Markus Smit /
Wormstorm © The Blackheart Gang
PAYSAGES
Forecast
Réalisation : ADRIAAN LOKMAN - Pays-Bas, France
/ 2006 / 9’30 / couleur - Musique : Oscar Van Dillen -
Production : Adriaan Lokman © Adriaan Lokman
Gardens By The Bay I
Réalisation : SQUINT/OPERA - Royaume-Uni / 2003
/ 4’52 / couleur - Production : Squint/Opera / Grant
Associates / National Parks / Wilkinson Eyre.Architects
© Squint/Opera
Gardens By The Bay II
Réalisation : SQUINT/OPERA - Royaume-Uni / 2003
/ 2’41 / couleur - Production : Squint/Opera / Grant
Associates / National Parks / Wilkinson Eyre.Architects
© Squint/Opera
Natures
Réalisation: QUAYOLA - France-Royaume-Uni / 2008 / 6
x 4’30 / couleur - Musique : Mira Calix + Oliver Coates
Production : Quayola / Faster Than Sound
© Quayola / Faster Than Sound
Ce choix est dédié à Alexis (9 mois) qui aime beaucoup
les livres d’images sonores. R.C.