Guide de visite - Palais des Beaux Arts de Lille

Guide de visite
l'Allee de sculptures
Actualite des restaurations

Remerciements
Nous adressons notre reconnaissance à Martine Aubry, Maire de Lille, Présidente de Lille Métropole
Urbaine, à Catherine Cullen, adjointe au maire, déléguée à la Culture, à Laurent Dréano, directeur
général de la Culture et à Isabelle Seigneur qui nous ont permis de réaliser cette exposition.
Passion de la collection a été rendue possible grâce au mécénat des Amis des Musées de Lille, dont
nous remercions tout particulièrement le président, François Pouille.
Direction
Palais des Beaux-Arts et de l’Hospice Comtesse :
Alain Tapié, Conservateur en chef du patrimoine
Commissariat de l’exposition :
Annie Scottez - De Wambrechies
Conservateur en chef du patrimoine
Elisabeth De Jonckheere
Assistante qualifiée du patrimoine
Archives Municipales : Michel Sarter
Administration : Stéphanie Devissaguet
Responsable administratif et Financier :
Sébastien Desramaut
Ressources Humaines : Catherine Lauret
Développement et communication :
Anne-Françoise Lemaître
Ligne graphique : Claire Masset
Restauration et montage des dessins : Odile Liesse
Régie des œuvres : Sophie Loock,
assistée de Hamid Boudersa
Samir Ayache, Karim Merabet, Grégory Ryckewaert,
Christian Simoulin
Régie technique : Fabrice Gosset
assisté de Sébastien Druelle, Sébastien Eckes,
Denis Villaume
Menuiserie : Philippe Baron
Merci aux équipes techniques et muséographiques, aux équipes du développement des publics et de la
communication, à Axima, aux équipes d’accueil, de caisse et de surveillance, aux guides conférenciers et
animateurs, aux enseignants détachés et aux Amis des Musées de Lille, et à tous ceux qui ont participé à la
réalisation de cette exposition ou la font connaître.
Sommaire
Propos de l’exposition page 4
La passion de la collection pages 5 à 20
L’allée de sculptures pages 21 à 23
Les restaurations pages 24 à 26

Donation Laporte-pellegrin
Passion de la collection
Fins connaisseurs des collections du Palais des Beaux-Arts qu’ils avaient déjà gratifiées
d’oeuvres d’Arnould de Vuez, de Luc-Olivier Merson et d’Henri Biebuyck, des
collectionneurs dont un Lillois de souche, Philippe Laporte et Yannick Pellegrin, viennent
d’accorder au musée une belle donation originale. Passionnante par bien des aspects, elle
comporte 48 pièces datées des XIX e et XX e siècles : une huile sur papier, des dessins, des
photographies argentiques et une majorité de sculptures en plâtre, terre cuite et bronze qui
nous ouvrent les portes de la modernité.
Outre leurs qualités plastiques et stylistiques, reflets des courants artistiques de leur temps,
ces œuvres constituent souvent des révélations ; elles sont également sources d’informations
précieuses en lien direct avec les collections du musée comme avec la scène artistique
lilloise des années 1850 aux années 1950. Les peintres et sculpteurs présents sont presque
tous nés à Lille ou alors à Valenciennes, Hazebrouck, Bailleul... ils ont reçu une formation
aux Ecoles académiques ou à l’Ecole des Beaux-Arts de la ville, qui les a généralement
propulsés dans les ateliers parisiens de Falguière, Cabanel, Barrias et surtout de Landowski,
leur permettant de gagner le premier ou le second prix de Rome, gage d’accès à une
carrière nationale.
Autre point fort de la donation, l’entrée de deux artistes essentiels dans la collection de
sculptures, Constantin Meunier (1831-1905), le peintre et sculpteur belge marqué par la
vie industrielle de son époque et le novateur "classique" Paul Landowski (1875-1961).
Passion de la collection démontre l’étonnante vitalité de cette école lilloise encore
méconnue, mais cependant excellente, qui fut stimulée par l’enseignement de qualité
dispensé à Lille aux XIX e et XX e siècles, sous l’égide d’Alphonse Colas et d’Aimé Blaise par
exemple ; elle transmet le regard enthousiaste et savant de deux collectionneurs attachés
au Palais des Beaux-Arts. A cet égard, ils ont eu à cœur d’enrichir l’exposition Passion de la
collection en prêtant exceptionnellement quatre autres sculptures. Pour leur collaboration
exemplaire et généreuse, nous exprimons à Philippe Laporte et Yannick Pellegrin notre
entière reconnaissance.
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Luc-Olivier Merson
Paris, 1846- Paris, 1920
Etude du Christ pour "La Vision" (1)
Le don de cette feuille a constitué en 2002 la première approche de
Philippe Laporte et de Yannick Pellegrin, une démarche réfléchie qui
révélait leurs connaissances des collections lilloises. Ils offraient ainsi un
dessin préparatoire à l’une des œuvres majeures du musée La Vision.
Légende du XIV e siècle de l’un des meilleurs peintres du XIX e siècle.
Lauréat du prix de Rome en 1869, Luc-Olivier séjourne à la villa
Médicis, à Rome où il est subjugué par Raphaël et les peintres du
Quattrocento, références dont il va user, notamment pour La Vision qui
connaît le succès au Salon de 1873, à Paris.
Le dessin s’attache à définir la pose et l’étude anatomique des bras du
Christ, l’un à droite étant cloué à la croix tandis que l’autre à gauche
s’en détache pour bénir la sainte religieuse, tombée en extase face à ce
miracle. Notons le visage imberbe du Christ, à la différence de celui
peint barbu sur le tableau du musée de Lille.
Inv. W 4460. (1)
Léon Comerre
Trélon (Nord), 1850 - Paris, 1916
Personnage drapé à l’antique (2)
Elève précoce, il entre à l’âge de 9 ans aux Ecoles académiques de
Lille auprès du peintre Alphonse Colas, et se lie d’amitié avec Albert
Darcq, Alphonse-Amédée Cordonnier et André Laoust. De nombreux
prix et médailles viennent couronner sa scolarité. En 1869, il part à
Paris à l’Ecole des Beaux-Arts auprès du peintre Alexandre Cabanel.
Grand Prix de Rome en 1875 avec L’Ange annonçant aux bergers
la naissance du Christ, sa carrière est importante : pendant 40 ans il
participe, au Salon des artistes français. Grand dessinateur, à la manière
académique de son maître Cabanel, il aime traiter les scènes d’histoire,
telles La Mort de Timophane, Samson et Dalila conservés au musée de
Lille. Comme d’autres artistes, il est chargé sous la III e République de
décorer les édifices publics parisiens et d’autres villes françaises. Notre
dessin au crayon et mise au carreau, aura peut-être été esquissé pour un
personnage du décor Le Destin réalisé pour la Mairie du IV e arr. à Paris.
Il est l’oncle du célèbre artiste cubiste Albert Gleizes.
Inv. 2008.2.13 (2)
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Inv. 2008.2.11 (4) Inv. 2008.2.12 (5)
Inv. W. 4494 (3)
Arnould DE VUEZ
Saint-Omer, 1644 – Lille, 1720
La Paix et la Justice se donnant la main (3)
Premier prix de dessin à Rome en 1667, après sa
formation chez le frère Luc à Paris, Vuez devient membre
de l’Académie royale de peinture et de sculpture en 1681.
Il s’installe à Lille en 1694, et devient le peintre officiel
de la ville. Jusqu’à la fin de sa vie, il reçoit de nombreuses
commandes pour les églises et les congrégations religieuses
de la région.
Ce dessin, à l’encre noire et lavis gris, donné en 2005,
vient enrichir l’important fonds Vuez du musée, pas
moins d’une quarantaine de peintures et 194 œuvres
graphiques. Si la plupart des peintures traitent de sujets
religieux, les dessins abordent des thèmes différents. Cette
allégorie rappelle d’autres réalisations (coll.part.), La Justice
et l’Economie, La Paix et l’Autorité, et surtout la grisaille La
Paix et la Justice se donnant la main, conservée au musée.
Alphonse COLAS
Lille, 1818 – Lille, 1887
La Vierge Marie (4)
Assomption de la Vierge (5)
Dès 1834, il fréquente l’Ecole académique de dessin à
Lille et obtient rapidement les 1 ers prix. En 1838, l’Ecole
de peinture est créée sous la direction du peintre François
Souchon. Colas s’y inscrit et y est très vite remarqué pour
ses qualités artistiques. De 1843 à 1848, il fait le voyage
en Italie pour étudier et copier les grands maîtres de la
Renaissance, principalement Raphaël à qui il voue une
véritable admiration. En 1866, il offre à la ville L’Elévation
de la croix réalisée en Italie, présentée avec son esquisse
et 6 études dans les salles du musée. Considéré comme
le plus grand peintre religieux de sa région, il reçoit de
nombreuses commandes pour les églises, notamment
pour Saint-Michel à Lille (10 études données par les Amis
des musées en 1997). Ses dessins, au crayon avec mise au
carreau, sont traités avec finesse et précision tant dans le
contour et le modelé d’une figure, que dans le relief et les
contrastes d’une draperie.
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Inv. 2005.9.2 (1) Inv. 2008.0.4.14 (2)
Henri Biebuyck
Wacken (Belgique), 1835 – Lille,1907
Portrait d’un notable, 1886 (1)
Paul Auguste Crépy, 1899 (2)
Peu connu aujourd’hui, Henri Biebuyck, élève des Ecoles
académiques de Lille, présente au Salon lillois de 1866 un
projet de fontaine La ville de Lille et les communes annexées,
pour lequel il reçoit une médaille d’or. Cet ensemble
en plâtre, destiné à célèbrer le rattachement des villes
de Moulins, Esquermes et Wazemmes à Lille, appartient
aujourd’hui au musée.
Dans les années 1868 à 1899, la décoration d’immeubles
et d’hôtels particuliers lillois qu’il orne de cariatides
encore visibles aujourd’hui lui apportent la notoriété.
Il s’agit, entre autres, des immeubles situés au 62, rue
Faidherbe, au 14-18 boulevard de la Liberté, et à l’angle
de la rue Inkermann et de la rue Gauthier de Châtillon.
Il est aussi l’auteur de sculptures ornant les frontons de
la Préfecture de Lille ou le tympan de l’église Sainte
Elisabeth à Roubaix, lesquels révèlent son habilité à
pratiquer la sculpture monumentale.
Parallèlement, il s’adonne à l’art précis et complexe
du médailleur et nous livre ici deux beaux portraits en
bronze le Portrait d’un notable, donné en 2005, et surtout
l’imposant profil de Paul Auguste Crépy que l’on retrouve
sur la tombe de la grande famille lilloise au cimetière
du sud de Lille. Ces deux pièces viennent enrichir la
collection du musée déjà propriétaire de deux médaillons
de cet artiste Monsieur Six-Horemans (bronze), Madame
d’Hespel (plâtre) et d’un buste en plâtre représentant
Frédéric Mottez.
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Inv. 2008.2.30 (4)
Inv. 2008.2.29 (3)
Agathon Léonard
Lille, 1841 – Paris, 1923
Sainte Cécile, 1888 (3)
Le scapulaire, 1891 (Inv. D. 2009.3.2 - prêt exeptionnel)
La paysanne (4)
Agathon Léonard, devient célèbre lors de l’Exposition
universelle de 1900, lorsqu’il expose au stand de la
Manufacture de Sèvres, avec laquelle il collabore depuis
1894, le spectaculaire surtout de table en biscuit composé
de 15 danseuses le Jeu de l’écharpe. Cet ensemble lui vaudra
la médaille d’or et la légion d’honneur.
Artiste Art nouveau par excellence, l’image de la femme
idéalisée des années 1900, femme chaste, pure, rêveuse,
femme fleur… sera son thème de prédilection tout
au long de sa carrière. Allégories, Vierges à l’Enfant,
Annonciations, saintes emplissent son œuvre. Ce thème
des saints et saintes sera très répandu à l’époque, le célèbre
médailleur Vernon en exécutera de nombreux reliefs.
Le bas-relief Sainte Cécile, a probablement été présenté
au Salon des artistes français de 1888, et sera à nouveau
repris par l’artiste 20 ans plus tard. Le profil de la sainte est
inscrit dans un cercle parfait, le regard levé vers le ciel, les
cheveux sont enserrés par un cerceau, témoignage de son
engagement spirituel. Présenté à la Société nationale des
beaux-arts en 1891, Le scapulaire, désigne pour ce buste
de marbre, le vêtement à l’origine porté sur les épaules
par les religieux. Cette femme aux yeux baissés et au
visage penché exprime le recueillement et la soumission.
Nommée plus simplement, La Paysanne est une réplique
plus petite en biscuit et émail cristallisé polychrome
de Sèvres.
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Alphonse-Amédée CORDONNIER
La Madeleine,1848 – Paris, 1930
Héraut d’armes du XVIe siècle, vers 1884 (1)
Le Semeur, 1907 (2)
Elève aux Ecoles académiques de Lille en même temps que
Darcq, Cordonnier devient pensionnaire de la fondation Wicar
à Rome en 1873, il y séjourne pendant quatre ans. Il remporte
ensuite le prix de Rome en 1877, ce qui lui permet de retourner
en Italie.
Inv. 2008.2.15 (1)
Héraut d’armes du XVIe siècle
Cette statuette en bronze, est une réduction de l’œuvre
commandée par la Ville de Paris et réalisée en1884, pour décorer
la cour sud de l’Hôtel de Ville. Cordonnier s’est surtout intéressé
au côté décoratif d’une figure représentative d’une fonction bien
précise ; il accorde une attention toute particulière au costume
et à l’armure et campe son personnage dans une attitude fière
et autoritaire. Le musée possède deux dessins préparatoires sur
ce thème.
Le Semeur
Le courant réaliste marque profondément la fin du XIXe siècle
et le début du XXe siècle. A l’exemple de son aîné, Constantin
Meunier, Cordonnier est soucieux de représenter l’humanité
laborieuse qui nous entoure. Dans cet esprit, il exécute cette très
belle tête en terre cuite, qui sera utilisée pour l’imposant Semeur
du musée de Roubaix. Le visage aux yeux vides est ridé, marqué
par un travail fatiguant et pénible. Une Tête d’homme âgé (1907)
du musée de Picardie d’Amiens s’avère très proche de la nôtre.
Cordonnier multipliera les sujets à caractère social, comme en
témoignent les deux groupes Les Miséreux, Les Pauvres gens, ou
L’Inoculation et La Fermentation, conservés au musée de Lille.
Inv. 2008.2.14 (2)
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Inv. 2008.2.16 (3)
Albert DARCQ
Lille, 1848 – Lille, 1895
Vue de campagne prise à Marque (3)
Esquisse pour un fronton (Inv. 2008.2.17)
Elève des Ecoles académiques dès 1855, Albert Darcq
suit les cours de peinture de Colas avant de se consacrer
à la sculpture et complète sa formation à Paris auprès de
Cavelier. De 1875 à la fin de sa vie, il occupe le poste
d’enseignant aux Ecoles académiques, et compte Edgar
Boutry et Hippolyte Lefebvre parmi ses élèves. De 1874
à 1892, il participe régulièrement aux Salons parisiens.
A partir de 1887, il intervient sur les frontons du palais
Rameau et de la faculté de médecine. Outre les bustes
des personnalités installés dans la cour intérieure de la
Vieille Bourse, on lui doit aussi les portraits d’éminents
Lillois, tels Géry Legand (1881), Jules Houdoy (1880), Paul
Martin (1891), conservés au musée. Il sera Directeur du
premier musée de sculpture de 1886 à 1895. Son oeuvre
graphique est méconnue ; cette Vue de campagne prise à
Marque complète heureusement notre fonds.
Pharaon De Winter
Bailleul, 1849 – Lille, 1924
La Neuvaine, 1889 (Inv. 2008.2. 43)
Encouragé par son père, il fréquente dès l’âge de 11ans,
l’Académie de dessin à Bailleul, et suit de 1869 à 1872, les
cours de Colas aux Ecoles académiques à Lille. Il termine
sa formation à Paris à l’Ecole des Beaux-Arts, dans l’atelier
de Cabanel. A cette époque, Pharaon fréquente Carpeaux
et Puvis de Chavannes. Personnage très attaché à sa Flandre
natale, il puise dans son entourage familier les modèles de
ses portraits, des scènes intimistes de la vie quotidienne et
de ses sujets religieux. S’entourant des conseils précieux
de ses amis, les peintres Jules Breton et Bastien Lepage, il
est par excellence, le peintre réaliste dans la pure tradition
flamande. Ce dessin à l’atmosphère pieuse et recueillie, au
crayon et à l’encre, s’avère être préparatoire à une gravure
(PBA, Lille). Il est à rapprocher de l’esquisse, conservée au
musée de Bailleul, pour le tableau final présenté au Salon
de 1889 (musée d’Amiens). On y retrouve son épouse
Julie Fagoo déjà présente dans plusieurs peintures.
Guide de visite |

Edgar Boutry
Lille, 1857- Levallois-Perret, 1938
L’Amour et la Folie, 1890 (1)
La plaque en bronze est une réduction de l’imposant
bas-relief en plâtre que Boutry exécute en 1889 à Rome
et qu’il donne rapidement au musée (1892). Il est alors
pensionnaire à la villa Médicis ayant gagné le prix de
Rome en 1887, un succès qui soulève un enthousiasme
délirant à Lille où il est accueilli princièrement. Elève
de Darcq aux Ecoles académiques lilloises, puis de
Cavelier à l’Ecole des Beaux-Arts à Paris, il décroche
le second prix de Rome en 1885 avec un bas-relief
en plâtre Corps d’un spartiate rapporté à sa mère exposé
dans la galerie de sculptures. Apprécié pour ses qualités
plastiques, l’œuvre de Boutry est abondant comme à
Paris que dans sa ville natale où il est appelé à succéder
à Darcq aux Ecoles académiques et, où l’on note son
empreinte, par exemple à l’opéra de Lille, pour les
statues du maréchal Foch, de Louise de Bettignies et
de Léon Trulin.
Inv. 2008.2.7 (1)
Omer Désiré BOUCHERY
Lille, 1882 – Paris 1962
Lille, la braderie devant l’église Saint-Maurice (Inv. 2008.2.6)
Conseillé par son oncle, le sculpteur lillois Hippolyte Lefebvre, Omer Bouchery entre à l’âge de 14 ans à
l’Ecole des Beaux-Arts de Lille. Il est l’élève de Pharaon de Winter et poursuit ses études à Paris. Il manifeste
un véritable savoir faire dans la copie des grands maîtres, Verrocchio, Holbein, Franz Hals. Ses représentations
de paysages à la manière des hollandais, et ses vues de villes et de monuments sont de grande qualité graphique,
tant par la précision du trait que par la beauté des contrastes et des effets de lumière. Ses scènes de la vie
quotidienne, vives et pittoresques ne sont pas sans évoquer parfois le monde caricatural de Daumier. Enfin,
à la demande du grand éditeur lillois Emile Raoust, il illustre les textes des historiens Fernand Beaucamp et
Paul Parent, et nous offre de superbes représentations de rues, d’hôpitaux, de monuments de la région, dont
certains, aujourd’hui disparus.
10 | Guide de visite

Constantin Meunier
Etterbeck (Belgique), 1831- Bruxelles, 1905
Juin ou Le faucheur - Prêt exceptionnel (2)
Mater Dolorosa (3)
Surnommé le Rodin belge, Constantin Meunier a
cependant débuté comme peintre avant de s’adonner
brillamment à la sculpture, au début des années 1880.
Le monde des paysans accapare l’attention du sculpteur
tel que le montre Juin ou Le faucheur au repos, statuette
en bronze issue de la collection André Hardy, ancien
conservateur du musée de Valenciennes ; elle a pour soeur
une autre statuette Paysan debout buvant (musée d’Orsay,
Paris) toutes deux fondues par J. Pettermann à Bruxelles ;
elles représentent des faucheurs harassés, marquant
une pause brève, le premier s’essuyant le front ou se
protégeant les yeux du soleil, le second se désaltérant.
Par ailleurs, l’univers de la mine et de l’industrie en
plein essor en cette fin de siècle fascinent Meunier ; le
labeur intense des contrées de Liège et de Charleroi, du
port d’Anvers nourrissent l’essentiel de sa création. Le
sculpteur entend glorifier le travailleur moderne.
Dérivée du grand bronze Le Puddleur (1887), La tête
de puddleur est une édition commerciale de La Maison
moderne à Paris en 1890 ; elle témoigne de l’écho
populaire rencontré par ce regard inédit posé sur l’ouvrier
moderne, façonné par son travail, en l’occurrence ici
celui de l’acier.
Bien qu’empruntée au répertoire religieux, la figure de
Mater Dolorosa traite davantage de la douleur d’une mère
confrontée à la mort de son fils, comme celle pleurant
son fils mineur, victime d’un grisou, une scène vécue par
Meunier lui-même. Le sujet revêt ainsi une dimension
quotidienne et universelle ; malgré sa petite taille, le relief
en bronze participe à cet effet, magistral d’expression ;
malgré un modelé simplifié et lisse, il rend la douleur
sourde et indicible d’une mère que la torsion du cou et
les mains jointes accentuent.
Inv. D 2009.3.4 (2)
Inv. 2008.2.32 (3)
Guide de visite | 11

Inv. 2008.2.2 (1)
Emile Bernard (?)
Lille, 1868 - Paris, 1941
Un grand tétras ou un coq de bruyère (1)
L’aquarelle est impressionnante d’effet bien que son
attribution à Emile Bernard soit discutée par les
spécialistes du peintre. Indépendamment de la signature
(douteuse ou authentique) apposée au crayon en bas à
gauche de la feuille, l’œuvre force l’attention car elle
possède une réelle puissance d’ invention et d’exécution.
La mise en page serrée sur le sujet et la palette contrastée,
aux jeux de lumière vifs, rehaussés d’ombres noires
peuvent évoquer Emile Bernard dont on ne connaît
malgré tout, pratiquement pas de sujets animaliers.
Le Palais des Beaux arts de Lille possède un bel ensemble
d’oeuvres représentatif de la vitalité créatrice d’Emile
Bernard : de la période de Pont-Aven avec la peinture
sur verre à la manière d’un vitrail Les cueilleuses de poires
(vers 1890), de son séjour en Egypte grâce aux tableaux
Femmes au bord du Nil (1900) et L’Autoportrait (1901), à
ses retrouvailles avec la France et l’Italie avec le tableau
Nymphes au bain (1908. Dépôt du musée d’Orsay, Paris),
auxquels se rattache un dessin inspiré par le terroir natal
Maison de la grand mère de l’artiste, 51 rue de St-Etienne.
12 | Guide de visite

Inv. 2008.2.22 (2)
Jean Joire
Lille, 1862- Lille, 1950
Cavalier au chien, caricature présumée de Carolus Duran (2)
Cavalier au chien et à la cravache (3)
Inv. 2008.2.23 (3)
Etabli au 129, puis au 135 boulevard de la Liberté, l’artiste
accomplit la totalité de sa carrière a Lille, après être passé par
les Ecoles académiques de la ville vers 1875-1880. Il ne néglige
pas pour autant une participation régulière au Salon des artistes
français à partir de 1891 où il est connu pour sa production
animalière déclinée soit, autour de chiens de berger debout, en
alerte ou couchés, veillant seul comme Tom, chien de berger belge
(1907) installé à l’entrée du bâtiment-lame du Palais des beaux arts,
soit autour de chevaux, au trot ou sauteur, de cirque ou en attelage,
en plâtre ou en bronze.
Dans ce contexte, les deux caricatures de cavaliers, arrêtées d’une plume alerte rehaussée d’aquarelle et datées 1896,
prennent un relief extraordinaire, révélant les talents insoupçonnés de dessinateur et de caricaturiste du sculpteur Joire.
Sa verve animalière et sa profonde connaissance du domaine équestre le conduit à exercer un regard critique et facétieux
sur ses contemporains, croquant leurs travers. Ainsi, ce fier cavalier en osmose avec sa monture à l’allure précieuse, paradet-il
la cravache à la main, fumant un gros cigare à l’instar du peintre renommé Carolus Duran (1837-1917), aimant
chevaucher dans les allées du Bois de Boulogne, à Paris. Or, lié à sa ville natale, ce dernier exposait au Salon de Lille en
1896. Par contre, le deuxième cavalier demeure non identifié à ce jour.
Guide de visite | 13

Aimé Gustave Blaise
Anzin (Nord), 1877 - Lille, 1961
Conscience, 1907 (Inv. 2008.2.4)
Dernier Baiser, 1947 (1)
L’oeil averti de Messieurs Laporte et Pellegrin nous
mène à l’heureuse redécouverte de l’oeuvre d’un
artiste qui exerça un rôle majeur dans l’art de la
sculpture à Lille et à Valenciennes, autour des années
1920-1940, comme en témoigne l’ensemble formé
par deux reliefs en plâtre, Conscience et Dernier
Baiser.
Né d’un père mineur, Aimé Blaise apprend la
sculpture auprès de Maugendre-Villers à l’Académie
de Valenciennes, avant de suivre les cours de Barrias
et de Coutan à l’Ecole nationale des Beaux-Arts à
Paris dès 1895. Second prix de Rome en 1904, il
décroche le premier prix en 1906. A partir de 1922,
consécration pour cet homme discret, il enseigne la
sculpture à l’Ecole des Beaux-Arts de Lille où il va
former la génération moderne de sculpteurs parmi
lesquels Emile Morlaix, Lucien Fenaux, Gaston
Watkin, Gérard Choain, René Leleu.
Inv. 2008.2.5 (1)
Conscience appartient à la période de formation de
Blaise à Rome, comme pensionnaire à la villa Médicis,
un an après son arrivée. Inspiré de La Légende des
Siècles de Victor Hugo, le relief en plâtre incarne la
mauvaise conscience de Caïn poursuivi dans sa fuite
par l’oeil divin le foudroyant ; il vient de tuer son
frère Abel dont on devine le corps à l’arrière plan,
coincé contre le rocher. La projection de la figure de
Caïn vers le vide, le modelé réaliste et alerte participe
efficacement à l’effet dramatique recherché.
Quarante ans plus tard, toujours de manière symboliste,
Blaise renouvelle le sujet religieux de la crucifixion
en portant l’accent sur l’ultime baiser d’amour que la
Vierge Marie tente de donner à son fils crucifié, la
tête renversée, haussée sur la pointe des pieds.
14 | Guide de visite

Paul Landowski
Paris, 1875 – Boulogne-Billancourt (Hauts-de-Seine), 1961
Gaston Riou (1883-1958) (2)
Petit-fils du célèbre compositeur et violoniste, Henri Vieuxtemps et père de la pianiste et également peintre,
Françoise Landowski-Caillet (1917-2007), Paul Landowski se forme auprès de Louis-Ernest Barrias à l’Ecole
nationale des Beaux-Arts et obtient le prix de Rome en 1900 avec David combattant. De 1933 à 1937, il dirige
l’Académie de France à Rome.
Il est l’auteur peu connu de la très célèbre œuvre monumentale de 30 mètre de haut Le Christ rédempteur de Rio
de Janeiro (1931), devenue en 2007, l’une des sept nouvelles merveilles du monde. On lui doit également le
monument A la mémoire des artistes dont le nom s’est perdu (1902) au Panthéon à Paris et plusieurs groupes sculptés
au Père Lachaise, Retour à la nature, Les signes du Zodiaque. Aujourd’hui, à Boulogne Billancourt, à l’emplacement
de sa maison et de son atelier où il vécut de 1906 à 1961, un Musée-jardin Paul Landowski a été créé à la
demande de sa famille. Son Journal, publié après sa mort reste un outil de référence sur le métier de sculpteur
avant la première guerre mondiale et jusqu’à la fin de sa vie.
Ecrivain et homme politique, Gaston Riou était
très proche du sculpteur, il aurait d’ailleurs posé
pour un des soldats du Tombeau du Maréchal
Foch aux Invalides. Un modèle en plâtre est
préparatoire à notre buste en bronze. Daté de
1924, il est aujourd’hui détruit, mais connu
grâce à une photographie de l’atelier de l’artiste.
Inv. 2008.2.24 (2)
Guide de visite | 15

Inv. 2008.2.18-2 (1)
Inv. 2008.2.19 (2)
Félix Alfred Desruelles
Valenciennes, 1865 - La Flèche (Sarthe), 1943
Le premier Monument aux fusillés lillois (1)
Les cinq photographies argentiques, dont deux signées
par Desruelles lui-même, immortalisent des monuments
créés par l’artiste dont le célèbre Monument aux fusillés
lillois dans une version avant 1929. Sont représentés des
résistants lillois de la Grande Guerre Eugène Jacquet,
Sylvère Verhulst, Ernest Deconinck et Georges Maertens
au moment de leur éxécution en 1915. Le jeune Léon
Trulin, également passé par les armes la même année, est
disposé face contre terre, comme le montrent les deux
reliefs conservés au musée. Détruit par les Allemands en
1940, le monument est reconstitué par Germaine Oury-
Desruelles (1889-1978), l’épouse du sculpteur.
Passé par l’Académie de Valenciennes, Desruelles
fréquente l’atelier de Falguière, à l’Ecole des Beaux-Arts,
à Paris. Il sera second prix de Rome en 1891. Il doit sa
renommée principalement aux nombreux monuments
aux morts dans le Nord. Le square de l’église Saint-
Germain-des-Près à Paris porte son nom.
Lucien Jean Maurice Fenaux
Hazebrouck, 1911- Neuville-aux-Bois (Loiret), 1969
Les Haleurs (2)
L’oubli a absorbé l’œuvre de ce bel artiste dont ne subsiste
aujourd’hui que le Mémorial national de la déportation du
Struthof (1959). Pourtant Fenaux a joui d’une carrière
honorable, débutée dans l’atelier de Blaise à Lille et
poursuivie avec succès à l’Ecole des Beaux-Arts, à Paris,
avec Landowski et Gaumont. Second prix de Rome
en 1938, il gagne le premier prix en 1943 ; en 1949, il
séjourne à la Casa Vélasquez à Madrid.
Le bas-relief Les Haleurs, fonte à la cire perdue de Bisceglia,
s’inscrit dans le sillon naturaliste des sujets dédiés aux
travailleurs de force de l’ère industrielle, thématique
chère à Meunier (vers 1880-1900). Ici, des haleurs
s’arcqueboutent dans l’effort prodigieux à produire et
à répéter sans fin. Prêt exceptionnel, La Paix, statuette
en bronze fondue par Susse, puise quant à elle dans le
répertoire antique de l’allégorie tout en la modernisant
avec sobriété, un modeste rameau d’olivier en offrande.
16 | Guide de visite

Lucien Brasseur
Saultain (Nord) 1878 – Paris, 1960
Les Oiseaux, 1937 (3)
Fils d’une famille de paveurs, Lucien Brasseur est un artiste précoce
puisqu’il est reçu à l’âge de 16 ans à l’Ecole des Beaux-Arts et obtient
en 1905, le prix de Rome. De sa brillante carrière de sculpteur, se
dégage une forte puissance émotionnelle et lyrique.
Le plâtre, Les Oiseaux ou Jeune fille à la colombe est une réplique de
la pièce commandée lors de la construction du Palais de Chaillot
pour l’Exposition internationale des arts et techniques de 1937. Elle
est située, ainsi que sept autres sculptures, comme elle, toutes en
bronze doré, sur le parvis de la place des Droits de l’Homme au
Trocadéro.La cape de la pièce lilloise est plus courte que celle du
modèle parisien et les plis de la robe plus longs sur les pieds. La
grande qualité plastique apportée au rendu du drapé et le sentiment
d’intériorité qui se dégage de cette figure féminine la rapproche
immanquablement de La Pensée visible sur la façade du musée de
Valenciennes.
Inv. 2008.2.8 (3)
Inv. 2008.3.1 (4)
Gérard Choain
Lille, 1906 - Paris, 1988
Portrait de Maurice Planque, vers 1930 (4)
Elève de Blaise à l’Ecole des Beaux-Arts de Lille vers 1922-1925,
Choain poursuit sa formation auprès de Landowski à l’Ecole
des Beaux-Arts, à Paris. Au long de sa carrière, sensible à la ligne
florentine de la sculpture du Quattrocento, le sculpteur s’adonnera
principalement à l’art du portrait et à la sculpture monumentale
comme, par exemple à Paris, La Seine, place de l’Alma ou le
Monument aux déportés des camps de concentration au cimetière du
Père Lachaise.
Les deux têtes d’homme exposées démontrent l’exceptionnelle
maîtrise du portrait acquise par Choain. Dans une masse imposante
de bronze ou de noyer, il campe en peu de traits stylisés, le portrait
d’un inconnu ou le visage sévère et autoritaire de Maurice Planque
(1884-1942), secrétaire général de la mairie de Lille sous le mandat
des maires Gustave Delory et Roger Salengro.
Guide de visite | 17

Inv. 2008.2.38 (1) Inv. 2008.2.36 (2)
Emile Arthur Morlaix
Lille, 1909 – Paris, 1990
Buste d’Apollon (1)
Le Génie de la Patrie, 1958 (2)
Camarade d’études de Lucien Fenaux, René Leleu et
Gérard Choain dans l’atelier lillois de Emile Blaise puis
dans celui de Paul Landowski à l’école des Beaux-Arts
à Paris, Morlaix remportera le second prix de Rome en
1937 avec le bas-relief en plâtre Apollon et les muses exposé
au musée de Lille. Le buste en terre cuite d’Apollon,
fondu en bronze par Susse Frères, reprend en trois
dimensions le doux visage du dieu, incliné vers l’une des
trois muses. La simplification du modelé et des formes
rappelle la tradition archaïque grecque en cours dans les
années 1930, à laquelle Morlaix demeurera sensible dans
le sillage de ses aînés Bourdelle et Maillol.
Conçues dans la pierre, Les Baigneuses arrivées au musée
de Lille en 1949 relève encore de cet esprit, comme
plusieurs années plus tard, la figure coupée aux genoux
Jeune femme, exposée ici, dont l’allure hiératique, les bras
croisés dans le dos, un demi-sourire éclairant le visage
évoque le souvenir des Koraï grecques.
A partir de 1945, Morlaix partage son temps entre Paris
et le Nord où il va enseigner la sculpture et la céramique
aux écoles des Beaux-Arts de Lille et de Douai. A cet
effet, il sera l’un des résidents la villa Médicis du Nord,
sise au 181 bis rue Solférino à Lille. Comme nombre
d’artistes contemporains, Morlaix est aussi l’auteur de
monuments commémoratifs tel l’exemple présent Le
Génie de la Patrie, allégorie, incarnée par une femme
élancée et fière, la chevelure et la draperie flottant au vent
comme un drapeau ; elle constitue le modello en plâtre,
à la plastique sobre et puissante, de la figure devant orner
le second monument aux morts français de Wissembourg,
inauguré en 1960.
18 | Guide de visite

René Marie Joseph Leleu
Lille, 1911 – Paris, 1984
Etude pour un atlante (3)
Triptolème (4)
Etude de femme (5)
Inv. 2008.2.25 (3)
Inv. 2008.2.26 (4) Inv. 2008.2.27 (5)
Elève auprès du sculpteur Aimé Blaise à l’Ecole des
Beaux-Arts de Lille de 1927 à 1929, il poursuit sa
formation à Paris dans l’atelier de Paul Landowski.
Premier Prix de Rome en 1939, c’est principalement
dans la sculpture monumentale qu’il se réalise
pleinement et exprime toute la puissance de son art,
ainsi, entre autres, au Mémorial du Mont-Valérien
(1960), et à l’Hôpital du Val-de-Grâce à Paris (1980).
Malgré d’importantes commandes, il décide de se
consacrer à l’enseignement et à partir de 1950, il
devient professeur aux Académies de Valenciennes et
de Rouen.
Des œuvres de dimensions plus petites témoignent des
réelles qualités de cet artiste sérieux, grand humaniste
et historien d’art, comme en témoigne son ouvrage
Métamorphoses de l’Art rédigé de 1942 à 1954. Par
ailleurs, il participa activement à l‘instauration du 1%
en faveur de la création d’une œuvre d’art lors de la
construction d’un bâtiment public ou scolaire.
Le petit plâtre Etude pour un atlante peut aisément
rejoindre la série des 9 bronzes et les deux grands
plâtres du musée, où l’on retrouve la monumentalité
des grands ensembles de l’artiste.
Triptolème en bronze patiné est la réplique de la
statue en bronze exposée à Valenciennes, dont le
musée conserve un plâtre. Cette force sculpturale
est également présente dans son Etude de femme,
au crayon et au fusain : la position du corps, sa place
dans l’espace, le traitement du visage, des mains et des
pieds attestent du savoir faire d’un grand artiste qui
rappelle Maillol.
Guide de visite | 19

Inv. 2008.2.20 (1) Inv. 2008.2.21 (2)
Roger Frezin
Lille, 1927 - vit et travaille à Lille
Violon, 1965 (1)
Fleur et casse noix, 1965 (2)
En réaction contre l’enseignement jugé trop académique
et trop figé de l’Ecole des Beaux-Arts de Lille, Roger
Frezin, aidé par Pierre Olivier et Claude Valois, fonde en
1957, l’atelier de la Monnaie. Ce sera le lieu de rendezvous
de tout un groupe d’artistes voulant échanger leurs
idées et projets sur une nouvelle forme de peinture...
Journalistes, hommes de lettres, comédiens, musiciens
fréquentaient volontiers cet endroit où l’humour et la
dérision étaient de rigueur.
Ces deux fusains datés de 1965, se situent à l’époque où
Roger Frezin fréquente le groupe surréaliste "Phases"
créé par le peintre Edouard Jaguer, et dans cet esprit, il
détourne les formes et les objets de leur fonction première,
pour recréer, à partir d’un enchevêtrement compliqué et
abstrait, un nouveau monde imaginaire et onirique. Se
considérant avant tout comme un dessinateur, la couleur
pour lui est accessoire, ces deux dessins à caractère figuratif
et de petit format, plutôt rares chez l’artiste qui travaille
surtout en grands formats, sont donc importants pour le
musée de Lille puisqu’ils correspondent à une période
où l’artiste travaillait essentiellement sur la mécanisation
et l’abstraction.
20 | Guide de visite

L’allée de sculptures
En contre-point à Passion de la collection, quatre sculptures monumentales en marbre
blanc sortent des réserves pour prendre place et vie dans la galerie d’accueil du Palais
des Beaux-Arts.
Ce geste "sculptural" est destiné à renouer avec l’esprit architectural du Palais jadis,
lors de son ouverture en 1892. De fait, le "musée de la sculpture" accueillait le visiteur
dès son entrée : il déployait dans l’actuelle galerie d’entrée plus d’une centaine de sculptures
contemporaines, dont la particularité appréciée était de mêler les célébrités nationales et
du Nord de la France. Cette présentation, remaniée à trois reprises, s’est maintenue malgré
la perturbation des deux guerres mondiales jusqu’à la tombée en disgrâce de la sculpture
XIX e siècle, dans les décennies 1950-1960.
Quatre œuvres liées aux années 1880-1900 de quatre artistes issus de la même génération
ont été choisies pour former un ensemble cohérent, organisé le long d’une allée : elles
font ainsi revivre le talent de grands sculpteurs tant originaires de la région comme Eugène
Déplechin (1852-1926), Edgar Boutry (1857-1938), que parisiens comme Emile Peynot
(1850-1932) et Gustave Michel (1851-1924). Ces œuvres suscitent entre elles le jeu des
correspondances formelles et charnelles ; il en émane un dialogue sensuel, parfois spirituel
qui résonne sous les voûtes de la galerie et accueille ainsi les visiteurs du musée.
Notre intention, certes, est de raviver le talent d’une époque qui excellait à s’exprimer
de manière allégorique et monumentale sous le ciseau des sculpteurs mais également de
susciter une appréciation nouvelle de cette statuaire majestueuse, et pourquoi pas éveiller
la contemplation.
Guide de visite | 21

Inv. Sc 59 (1) Inv. Sc 40 (2)
Emile Edmond Peynot
Villeneuve-sur-Yonne, 1850 - Paris, 1932
La Proie, 1888 (1)
Comme l’Etat a coutume d’agir sous la III ème République,
et le Palais des Beaux-Arts de Lille en bénéficie
amplement, surtout au moment de son édification
(1885-1892), il envoie en 1889 La Proie, un marbre
terriblement fougueux. En équilibre instable sur un
rocher, l’inextricable et dramatique enchevêtrement de
corps humains et de rapace représente la lutte féroce de
deux chasseurs pour s’emparer d’un aigle ; ce dernier
résiste, les yeux et le bec redoutables, et s’agrippe à l’un
des hommes que son compagnon ou adversaire (?), à
l’expression effrayante, semble écraser.
Prix de Rome en 1881, Peynot avait conçu le sujet
lors de son séjour de pensionnaire à la villa Médicis,
sous l’emprise de l’art puissant de Michel Ange. Il
produit toutefois une œuvre personnelle qui ne cesse
d’impressionner depuis son exposition au Salon de 1888,
à l’Exposition universelle de 1889 et au musée à Lille.
Gustave Frédéric Michel
Paris, 1851- Paris, 1924
La Forme se dégageant de la matière, 1902 (2)
En 1903, l’Etat envoie le marbre d’un artiste jouissant
d’une solide réputation internationale et récent lauréat
d’un Grand Prix à l’Exposition universelle de 1900,
Gustave Michel.
Thème symboliste, La Forme se dégageant de la Matière
(modèle en plâtre au musée de La Piscine à Roubaix)
incarne par excellence l’acte de création du sculpteur ;
elle illustre aussi l’admiration vouée à Michel Ange, par la
forme puissante et le recours au "non finito", technique
pour suggérer l’émergence de la vie. Ici comme dans ses
autres oeuvres, Michel veille toujours à insuffler le souffle
vital de la nature qu’il embellit d’un mouvement de
lignes élégantes et ondoyantes dont le félicitait la critique
de l’époque. Les mêmes qualités de force et de sérénité
imprègnent La Pensée, un buste monumental exposé
dans la galerie de sculptures, que l’artiste exécuta deux
ans plus tard.
22 | Guide de visite

Edgar Henri Boutry
Lille, 1857- Levallois-Perret (Hauts-de-Seine), 1938
Pax (3)
Avec Cordonnier et Lefebvre, camarades d’études aux Ecoles académiques
à Lille, Boutry fait partie des sculpteurs lillois célèbres pour avoir décroché
le prix de Rome et ainsi accéder à l’Académie de France à Rome, installé
villa Médicis, et recevoir par la suite des commandes officielles. A cette
occasion, en 1887, Lille reçoit en grande pompe Boutry qui avait déjà
gagné le second prix en 1885 avec le haut relief en plâtre Corps d’un
Spartiate rapporté à sa mère, exposé dans la galerie de sculptures.
Inspiré des allégories antiques comme l’atteste le terme latin Pax gravé dans
le marbre, la Paix est symbolisée par une femme au geste dynamique pour
dispenser son pouvoir, un enfant casqué, assis à ses pieds sur une peau de
lion ; Pax offre cependant ici une nudité aux formes généreuses et à
l’aura maternelle qui reflète l’esprit des années 1900. Elle pourrait avoir
été exécutée à la suite des ravages que la Première guerre mondiale infligea
à la ville de Lille.
Inv. 2008.0.6.48 (3)
Eugène Valentin Déplechin
Roubaix, 1852-Thiais (Val de Marne), 1926
Amphitrite, 1893 (4)
La déesse de la mer pose avec coquetterie et langueur, un dauphin enroulé
à ses pieds pour attribut : la statue vaut à l’artiste une médaille au Salon de
1893. Le modèle en plâtre est exposé au musée de Roubaix. Fixé à Lille,
Depléchin connaît une brillante carrière que couronne Le petit Quinquin,
son œuvre la plus célèbre pour le Monument à Desrousseaux, en 1902 :
la douceur du modelé, la tendresse des traits marquent les deux effigies
féminines. Amphitrite dormait dans les réserves du musée sous une couche
de poussière, les chevilles et la queue du dauphin cassées. La restauration
s’avérait délicate : une fois dépoussiérée, le haut de la statue a été soulevé
à l’aide d’une tour de levage afin d’emboîter de solides goujons au niveau
des chevilles ; une fois ces cassures bouchées, ainsi que celles de la queue,
le marbre a été nettoyé à l’eau.
La restauration a été assurée par Daniel Ibled, restaurateur agréé des
musées de France, grâce au mécénat des Eaux du Nord.
Inv. Sc 33 (4)
Guide de visite | 23

Actualité des restaurations
Inv. 2008.0.6.35 (1) Inv. Sc 51 (2)
Charles Gauthier
Chauvirey-le-Châtel (Haute-Saône), 1831- Paris, 1891
Cléopâtre, 1880 (1)
La restauration a permis de révéler le véritable auteur du
plâtre : ce n’était pas le Lillois Albert Darcq (1848-1895),
mais le Parisien Charles Gauthier à la carrière fructueuse.
Puissante et sensuelle, la sculpture relate le suicide de
Cléopâtre piquée par un aspic : l’Etat l’acquiert au Salon
de 1880, l’expédie à l’ambassade de Tunis, puis la dépose à
la préfecture de Lille en 1886 et, enfin au musée.
Longtemps en réserves, le plâtre était très empoussiéré
et s’écaillait. La restauratrice l’a dépoussiéré pour débuter
ensuite un méticuleux travail de dégagement des
2 premiers badigeons colorés au scalpel et atteindre ainsi
la dernière couche ocre posée sur le plâtre; les éclats ont
été bouchés et la retouche est venue harmoniser les
derniers accidents du plâtre patiné.
La restauration de l’œuvre a été assurée par Sabine Kessler,
restauratrice agréée des Musées de France, grâce au mécénat
des Eaux du Nord.
James Pradier
Genève, 1790 - Bougival (Yvelines), 1852
Satyre et bacchante (2)
Envoyée par l’Etat à Lille en 1889, Satyre et bacchante
est une œuvre majeure du musée, soupçonnée être
le modèle en plâtre du marbre exposé au Louvre et
dont la sensualité suscita le scandale au Salon de 1834.
La restauration a confirmé l’hypothèse, le plâtre étant
jusqu’alors alourdi par les 3 couches de badigeons
posées au fil du temps ; leur dégagement a été long et
difficile : il a été pratiqué à l’aide de décapants en gel
et en liquide, puis au scalpel. Des pointes de clou et
des croix au crayon, servant de repères pour la taille du
marbre, ont été découvertes. Les fissures comme celle
au niveau du bras droit du satyre ont été comblées et de
légères retouches ont harmonisé la surface générale.
La restauration a été entreprise par le groupement de
restauratrices agréées des Musées de France, Pascale Klein,
Véronique Picur et Anne Liégey sous le contrôle du C2RMF à
Versailles avec Axelle Davadie. Cette restauration a été réalisée
grâce au mécénat de la B.C.M.N.E., filiale du Crédit Mutuel
Nord Europe.
24 | Guide de visite

Statuette du dieu Amon (3)
Basse Epoque (664-323 av. J.-C.)
Egypte, Saqqara (?)
Bronze polychrome
Au début du XX e siècle, le Musée du Louvre dépose au
Palais des Beaux-Arts de Lille des caisses d’objets provenant
de fouilles menées en Egypte, dont un petit torse en
bronze. Oublié dans les réserves avec d’autres statuettes du
même matériau, il suscite l’attention du conservateur du
fait de la présence inhabituelle de résidus sur la surface et
de sa qualité plastique.
Une restauration est programmée pour analyser plus
finement l’aspect du bronze et préserver tout élément
informatif sur l’histoire de l’objet. L’observation sous
loupe binoculaire, la radiographie et l’analyse par faisceau
d’ions au moyen de l’ accélérateur AGLAE ont décelé
que le bronze était une fonte creuse élaborée à partir
d’un noyau constitué de plusieurs pièces (torse, deux bras,
deux jambes, une tête). Sont également apparus des traces
brunes d’enfouissement, des résidus de préparation blanche
témoignant de la pose de pigments colorés, et même
d’infimes particules d’or et de bleu. Tous ces éléments
témoignent d’un bronze polychrome d’excellente facture
qu’un fidèle a déposé dans l’enceinte d’un temple ou à
proximité d’un lieu de culte en signe de dévotion, comme
la pratique en était courante au I er millénaire. La similarité
des concrétions de fouilles de notre statuette avec celles
trouvées sur d’autres bronzes conservés au Musée du
Louvre et provenant de Saqqara suggèrerait une même
origine : les fouilles de Mariette au Sérapéum.
Inv. ME 409 (3)
L’étude, la restauration et le soclage ont été
réalisés par le C2RMF et les restauratrices
agréées par les Musées de France,
Isaure d’Avout-Greck et Shérérazade Bentouati,
grâce au mécénat de Proxiad.
Les recherches menées dans les réserves du Louvre ont
permis la découverte d’une tête pouvant appartenir au
torse de Lille. Des cassures similaires à celles observées au
niveau du cou de la statuette confirment cette hypothèse.
La décision est alors prise de remettre en place la tête. Et
du torse anonyme initial émerge une statuette à l’effigie
du roi des dieux, Amon.
Guide de visite | 25

Attribué à Domenico PANETTI
Ferrare, vers 1460 – ?, avant 1513
La Vierge, l’Enfant Jésus et sainte Cécile
Le style et le sujet de ce tableau anonyme renvoient à l’art
de Domenico Panetti, peintre de l’école de Ferrare établi à
Bologne dans sa phase de maturité, c’est-à-dire au cours de
la première décennie du XVI e siècle. La manière douce et
sensible visible dans l’attitude rêveuse de la Vierge, la pose
naturelle de l’Enfant ou le paysage harmonieux qui s’ouvre
à gauche évoquent le classicisme poétique du Pérugin ou
de Raphaël. Au premier plan, l’arbre frêle finement découpé
sur un panorama qui se dissout dans le bleuissement des
lointains est une référence directe aux créations de ces deux
maîtres.
Toute la singularité de ce tableau réside dans un motif
inhabituel pour pareille scène : la présence d’une figure
de sainte auréolée qui complète la composition à droite
de la Vierge. On l’identifie comme sainte Cécile grâce à
son attribut, un orgue positif représenté derrière elle. La
patronne des musiciens désigne une partition polyphonique
inscrite sur un cartel qu’elle présente ostensiblement. Il
s’agit d’un motet, mise en musique d’un psaume dont le
texte latin est clairement lisible : Fiat, Domine, cor meum
im[m]aculatum ut non confundar («Fais, Seigneur, que mon
cœur soit sans tache afin que je ne connaisse pas la honte»).
C’est la clef de cette œuvre énigmatique : la sainte au cœur
pur est une image de la Nativité dépeinte à ses côtés. Or,
selon la Légende dorée de Jacques de Voragine, sainte Cécile
est une vierge romaine du début du III e siècle qui, mariée
de force, continue de respecter envers et contre tout son
vœu de virginité.
La restauration de cette peinture à l’huile sur bois, qui
l’a dégagée des larges repeints et du vernis jaune qui
l’obscurcissaient, a permis de lui rendre sa lumineuse
lisibilité... mais la composition n’a rien perdu de sa
charmante étrangeté.
Inv. P.781
L’intervention a été réalisée par Brigitte Arbus (pour la
couche picturale) et Patrick Mandron (pour le support),
restaurateurs agréés des Musées de France, sous le contrôle
du C2RMF à Versailles, grâce au mécénat de Groupama.
26 | Guide de visite

Rédaction des textes :
Annie Scottez - De Wambrechies
et Elisabeth De Jonckheere
Crédits Photographiques :
Reproduction des oeuvres pages 1, 4, 5, 6, 8, 9, 10, 11, 12,
13, 14, 15, 16, 17, 18, 19, 20, 25 :
Palais des Beaux-Arts © RMN - photo : Hervé Lewandowski
Reproduction des oeuvres pages 22, 23, 24 :
© Palais des Beaux-Arts - photo : Philip Bernard
Reproduction page 26
© Palais des Beaux-Arts - photo : Frédéric Iovino
Couverture :
Agathon Léonard, La Paysanne
© Palais des Beaux-Arts - photo : Philip Bernard
Conception et ligne graphique :
Claire Masset, PBA 2009

Informations pratiques
horaires d’ouverture :
lundi - 14 h à 18 h,
du mercredi au dimanche 10 h à 18 h.
Fermé le mardi, le 25 déc., le 1er janv.
tarif
5,50 g - 3,80 g
réservation - visites guidées
Service des publics
tél 33 (0)3 20 06 78 17 • fax. 33 (0)3 20 06 78 23
@ : reservationpba@mairie-lille.fr
autour de l’exposition :
Visite guidée
le dimanche à 16 h 30, en alternance avec l’exposition
e.motion graphique
• Tarif : 4 g + droit d’entrée
Visite et table ronde
jeudi 17 décembre 2009 • Entrée libre, sur réservation
• à 14 h 30
Visite avec les commissaires et
les collectionneurs
• à 16 h table ronde sur le thème :
Collections publiques / collections privées
Plus d’info : www.pba-lille.fr