dossier de presse par mail - La maison rouge

dossier de presse
à la maison rouge du 22 février au 18 mai 2008
vernissage presse le jeudi 21 février 2008 de 15h à 18h
vernissage le jeudi 21 février 2008 de 18h à 21h
gregor schneider,
süßer duft
pilar albarracín
marie maillard,
wall 0208
une proposition des amis de la
maison rouge pour le patio
contact presse
la maison rouge
Claudine Colin Communication
fondation antoine de galbert
Julie Martinez
10 bd de la bastille – 75012 Paris
5, rue Barbette – 75003 Paris www.lamaisonrouge.org
julie@claudinecolin.com
info@lamaisonrouge.org
t : +33 (0)1 42 72 60 01 t : +33 (0)1 40 01 08 81
f : +33 (0)1 42 72 50 23 f : +33 (0)1 40 01 08 83

sommaire
p.3 présentation de la maison rouge
antoine de galbert
le bâtiment
la librairie
le café
p.4 les activités de la maison rouge
la suite
pour les enfants
les amis de la maison rouge
le vestibule
édition
p.5 gregor schneider, süßer duft
communiqué de presse
p.7 UMSTÜLPUNG UND ENTFALTUNG par Julian Heynen (extraits)
p.10 liste des expositions (sélection)
p.11 pilar albarracín
communiqué de presse
p.12 PILAR ALBARRACÍN : MILLE ET UNE FEMMES par Rosa Martínez
p.15 liste des expositions (sélection)
p.16 marie maillard, wall 0208
communiqué de presse
p.17 liste des expositions (sélection)
p.18 informations pratiques
en couverture :
Ur 45, Steindamm, 2003, Hamburger Kunsthalle, Hamburg ©Gregor Schneider
Prohibido el Cante, 2000 ©Pilar Albarracín
Sans titre, 2007 ©Marie Maillard
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présentation
La maison rouge, fondation privée reconnue d’utilité publique, a ouvert ses portes en juin 2004 à
Paris. Elle a été créée pour promouvoir la création contemporaine en organisant, au rythme de trois
par an, des expositions temporaires, monographiques ou thématiques, confiées pour certaines à
des commissaires indépendants.
Si la maison rouge ne conserve pas la collection de son fondateur, Antoine de Galbert, amateur
d’art engagé sur la scène artistique française, elle est imprégnée par sa personnalité et sa
démarche de collectionneur. Ainsi depuis L’intime, le collectionneur derrière la porte, la maison rouge
poursuit une programmation d’expositions sur la collection privée et les problématiques qu’elle
soulève.
antoine de galbert
Diplômé de sciences politiques, Antoine de Galbert (né en 1955) travaille dans la gestion des
entreprises, avant d’ouvrir, pendant une dizaine d’années, une galerie d’art contemporain, à
Grenoble. Parallèlement il débute une collection qui prend de plus en plus d’importance dans sa vie.
En 2000, il choisit l’option de la fondation pour donner à son engagement dans la création
contemporaine une dimension pérenne et publique.
le bâtiment
Le bâtiment est une ancienne usine réhabilitée, situé dans le quartier de la Bastille, face au port de
l’Arsenal. Il occupe un site de 2500 m² dont 1300 m² de surface d’exposition qui s’étendent autour
d’un pavillon baptisé « la maison rouge ».
Ce nom, « la maison rouge », témoigne de la volonté de faire du lieu, un espace convivial, agréable,
où le visiteur peut voir une exposition, assister à une conférence, boire un verre, explorer la
librairie…
L’aménagement des espaces d’accueil a été confié à l’artiste Jean-Michel Alberola (1953, Paris).
la librairie
La librairie de la maison rouge, située au 10 bis, bd de la Bastille, a été confiée à Bookstorming,
librairie spécialisée en art contemporain. Disposant d’ouvrages réactualisés en fonction des
expositions en cours à la maison rouge, de DVD et vidéos d’artistes et d’un ensemble important de
livres épuisés et d’éditions d’artistes, elle propose aussi des ouvrages traitant de l’actualité de l’art
contemporain.
Bookstorming, t. +33 (0)1 42 25 15 58
le café
Situé au cœur de la fondation, en terrasse de la maison rouge, le café offre au visiteur, en accès
libre, la possibilité de se restaurer durant les heures d’ouverture, et le mardi entre 12h30 et 15h.
Dans un cadre privilégié pour apprécier l’œuvre exposé temporairement dans le patio, le visiteur
peut déjeuner ou boire un verre tout au long de la journée (brunchs le week-end). Le café propose
des formules et des plats du jour.
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les activités de la maison rouge
la suite
A l’initiative de Gérard Wajcman, la maison rouge développe ses activités en parallèle à ses expositions et a
construit dans ses espaces, une grande chambre d’hôtel, La Suite, afin d’y accueillir des invités issus de
tous les domaines de la pensée et de la création actuelle pour des rencontres insolites avec le public.
pour les enfants
Un mercredi par mois, la maison rouge reçoit les enfants de 4 à 11 ans pour un après midi conte-goûter autour
des expositions.
Renseignements et réservations : stephaniemolinard@lamaisonrouge.org
visites commentées
pour les individuels
Tous les samedis et dimanches à 16h, la maison rouge propose une visite commentée gratuite des
expositions en cours.
Les visites sont assurées par des étudiants en histoire de l'art.
droits d'entrée : 6,50 euros
pour les groupes
Visite commentée sur demande (75 euros + droits d'entrée)
Renseignements et réservations : Stéphanie Molinard, 01.40.01.92.79 ou
stephaniemolinard@lamaisonrouge.org
les amis de la maison rouge
L’association les amis de la maison rouge accompagne le projet d’Antoine de Galbert et lui apporte son
soutien. Elle participe à la réflexion et aux débats engagés sur le thème de la collection privée, propose des
activités autour des expositions et participe au rayonnement de la maison rouge auprès des publics en
France et à l’étranger.
Adhésion à partir de 70 €
t. +33 (0)1 40 01 94 38, amis@lamaisonrouge.org
le vestibule
Le souhait de rester attentif et curieux à la jeune création a conduit Antoine de Galbert à créer Le vestibule.
Ce lieu, en accès libre, accueille des expositions à un rythme de quatre à six semaines.
édition
La maison rouge publie un catalogue pour chacune des collections privées qu’elle présente.
Achat en ligne et informations complémentaires sur le site Internet de la maison rouge.
> Programme et dates de toutes les activités disponibles sur le site Internet : www.lamaisonrouge.org
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gregor schneider, süßer duft
Depuis l’âge de 16 ans Gregor Schneider (né à Rheydt en 1969) transforme l’intérieur de son foyer,
une maison héritée de son père située dans la ville de Rheydt en Allemagne. Engagé jusqu’en 2007
dans un travail in process, il crée sans cesse de nouvelles pièces, isole des chambres, évacue les
éléments de confort, clôt des ouvertures de fenêtres, en reproduit des artificielles, générant un
labyrinthe qu’il intitule Haus u r (« la maison u r »). Sporadiquement des visiteurs sont invités à y
passer la nuit et à partager son espace intime.
A partir des années 90 il reconstruit à l’identique des sections de sa maison dans des musées ou
des galeries.
A la Biennale de Venise 2001, il transpose la maison u r dans le pavillon allemand, et construit un
dédale de pièces sombres et inquiétantes qui ouvrent chacune sur des escaliers, des passages
incongrus et des cul-de-sac que doit emprunter seul le visiteur avant de pouvoir sortir et se sentir
enfin libéré. Il reçoit le Lion d’or pour cette œuvre au titre de Totes Haus u r (« La maison morte »).
En 2004, avec Die Familie Schneider (« La famille Schneider », Londres) Gregor Schneider commence
à se détacher de la maison u r pour créer de nouveaux espaces complexes dérivés de sa première
œuvre.
Pour cette exposition il invite le public à prendre rendez-vous pour accéder à deux maisons
jumelles se jouxtant: deux architectures domestiques classiques d’un étage, habitées chacune
d’une famille aux ressemblances troublantes, affairées aux mêmes taches, dans les mêmes pièces.
Seul, invisible aux regards des « habitants » des lieux, le visiteur est jeté dans un trouble qu’il
redouble, à la fois intrus et voyeur de l’espace domestique de la famille Schneider.
Plus récemment dans son exposition Weisse Folter (« Torture blanche », 2007) au K20K21
Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen à Düsseldorf, Gregor Schneider porte son intérêt sur
l’espace public et dresse un portrait de l’univers carcéral. En se référant à la prison de haute
sécurité de Guantanamo (Camp V), il recrée un lieu oppressant où se succèdent des cellules, de
longs couloirs, une salle d’interrogatoire ou encore une pièce entièrement noire dont la sortie ne
peut être découverte que par tâtonnements, plongeant le public dans un nouvel effroi.
Pour son exposition à la maison rouge, Gregor Schneider poursuit sa réflexion sur l’architecture et
envisage une installation pensée tout spécialement pour le lieu. Il invite les visiteurs à se laisser
guider par un parfum doucereux et à passer de l’autre côté des murs de la salle d’exposition. Il leur
propose de quitter la salle blanche pour les espaces sombres des doublages, et découvrir ce qui les
habite, les hante, et rencontrer leurs propres peurs de l’inconnu.
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Haus u r, Rheydt, Allemagne ©Gregor Schneider
Ur 45, Steindamm, 2003, Hamburger Kunsthalle, Hamburg ©Gregor Schneider
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UMSTÜLPUNG UND ENTFALTUNG / « Demi tour et en avant », par Julian Heynen
[extraits du catalogue Gregor Schneider, Weiße Folter, K21 Kunstsammlung Nordrhein-
Westfalen, Düsseldorf, 2007]
En 2001, lorsque Gregor Schneider dut « déconstruire » la plupart des pièces qu’il avait mis quinze ans à
aménager dans sa Haus u r pour les transporter de Rheydt à Venise et les réunir à nouveau dans son
pavillon allemand pour en faire la Totes Haus (la maison morte), ce fut là une forme d’externalisation toute
particulière. Un travail qui, derrière les portes d’une maison privée, avait combiné la vie et l’œuvre de
l’artiste, souvent indissociables l’une de l’autre, un travail auquel seulement quelques invités avaient eu
accès au compte-goutte sous l’escorte attentive de l’artiste, et qui n’avait été vu de façon publique que
sous la forme de pièces indépendantes ou de petits ensembles, était maintenant une sorte de
transplantation totale exposée à un large public.
L’artiste se mit en retrait, se retira de son œuvre et autorisa d’autres à prendre possession et à interpréter
la maison comme ils le souhaitaient.
[…]
La seconde présentation de Totes Haus aux Etats-Unis marqua le début d’une phase durant laquelle
différents thèmes de l’œuvre furent explorés, tels que le recours à la duplication (avec une intensité
particulière dans Die Familie Schneider 2004 à Londres) et où l’adaptabilité de l’œuvre aux espaces des
musées fut testée (Hambourg 2003).
L’artiste commença alors à se détacher peu à peu des pièces de Haus u r , bien que certaines de ses
nouvelles œuvres pourraient, de par leur caractère, être des dérivés de la maison de Rheydt.
La famille Schneider, par exemple, apparaît comme une version de la maison d’origine qui aurait été
adaptée aux conditions locales, dupliquée et animée d’êtres humains. Et bien que certaines des pièces
présentées par Schneider soient encore, pour la plupart, privées et dans l’intimité desquelles le visiteur se
voit contraint de faire intrusion, l’attention de Schneider se tourne désormais aussi vers des pièces et
espaces implicitement publics: un garage vide et désaffecté, par exemple, dont la porte d’entrée est
ouverte (Düren 2002, Hambourg et Santa Fe 2003) et une ruelle sinueuse qui, bien que construite à
l’intérieur d’un bâtiment, n’est accessible que depuis la rue extérieure. Deux lieux inhospitaliers et
sombres, de ceux qu’on éviterait plutôt ou que l’on rechercherait justement pour cette raison.
L’inquiétante étrangeté constamment présente dans Haus u r et tout ce qui en découle n’a pour autant
absolument pas déserté ces nouveaux espaces, tout en ayant toutefois d’autres points de départ. A la
place du mystérieux occupant – autour duquel tournent toutes les suppositions et les craintes du visiteur
au sein de la maison – ce sont désormais, dans des pièces plus ouvertes, les aspects sombres du collectif
qui occupent et tourmentent l’esprit de qui y pénètre.
[…]
De ces développements de l’œuvre Haus u r, émergea à partir de 2004 un intérêt très spécifique, qui devait
devenir une sorte de catalyseur. Schneider porta son attention sur la Kaaba de la Mecque, un édifice
fondamental, alliant la forme de base abstraite du cube – mot dérivé de Kaaba – à la dimension
sociologique et l’espace du dedans, de ce qui est caché.
[…]
La sculpture Cube Venice, qui est l’expression de l’intérêt pour un édifice tel que la Kaaba et qui devait être
érigée en 2005 sur la place Saint Marc à Venise, fut victime, là-bas et plus tard à Berlin – d’hypothèses et
d’inquiétudes politiques alimentées par une certaine nervosité face au fondamentalisme islamique.
Cependant, le projet fut finalement réalisé à Hambourg, non pas en tant que monument abstrait, isolé
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dans un espace public, mais comme faisant partie d’une exposition qui le situera dans un contexte
artistique plus large. Ce travail exploite la fascination exercée par le carré noir, peint par Kasimir Malévitch
au tout début de la première guerre mondiale, repris et exploré depuis par des artistes sous des formes
diverses. Si différentes que soient les formes d’intérêt suscitées par cette forme indépendante tout de noir
vêtue, les fondements de cette attirance semblent être constitués de la fusion paradoxale de tous les
symboles universels et spirituels d’un côté, et d’une insondable négation de l’autre. La sublimation du
parfait et de l’éternel sont ici inextricablement liés dans un abysse de néant et d’absurdité. Le désir
métaphysique et le déni radical sont réunis ici en une seule et même image. Vus ainsi, le carré noir et ses
successeurs sont certainement les symboles premiers du 20ème siècle dans ses nombreuses
contradictions.
[…]
Le cube de Schneider n’est en aucun cas une réplique de la Kaaba de la Mecque, mais il lui rend hommage
dans un sens – sous une forme abstraite – et l’incorpore dans le cosmos de lieux réels et symboliques qui
illustrent l’existence humaine. Par son exploration – à travers la (re) reconstruction – de sites de ce type, il
s’est risqué à sortir de l’espace personnel de la "maison", du cocon domestique de tout individu, de la
sphère privée, et s’est concentré pour un temps, sur leur présence dans l’imaginaire collectif.
[…]
L’exposition 4538 KM de Deurle en Belgique, et dans une plus large mesure WEISSE FOLTER (Torture blanche)
à Düsseldorf, ne gardent aucune trace d’une quelconque présence humaine, passée ou actuelle. Ces pièces,
d’une propreté presque suspecte, aseptiques, n’ayant encore jamais été utilisées ou dans lesquelles un
nettoyage consciencieux est constamment répété afin de supprimer toute trace d’un quelconque passage.
Le "nettoyage" ou l’épuration va si loin que les détails éloquents ou les „accessoires“ qui pourraient donner
des indications sur l’utilisation concrète de ces pièces, ont été limités au strict minimum. C’est peut-être
ce qui est le plus surprenant à première vue, dans le cas de cette suite de pièces qui ont pour point de
départ des photographies de centres de détention militaires américains, circulant sur Internet, qui furent
d’abord créés par le gouvernement Américain dans la baie de Guantanamo à Cuba en 2001, suite aux
conflits en Afghanistan.
[…]
Jusqu’à très récemment, le travail de Schneider portait fréquemment les traces visibles d’un corps humain
vivant ou qui, du moins, le suggérait. Les déchets et résidus de corps anonymes, mais imaginables en
termes plastiques, et de leurs vies, étaient pour ainsi dire profondément et indissociablement incrustés
dans la matière et la géométrie de ses pièces. Mais dans les nouvelles pièces de WEISSE FOLTER, ces
marques illustratives ont disparu. Toute tentative d’imprégnation de l’atmosphère ou toute volonté de
rendre plus accessible une pièce si terriblement vide par l’invention de scénarii, ne font que ricocher sur
des surfaces rigides et muettes. La géométrie rigoureuse, presque stéréotypée parfois, de ses derniers
travaux et la suppression volontaire de toute sensualité narrative semblent plus adaptées à des sujets, qui
ne mettent plus en lumière les perspectives de l’individu (radical) mais qui, au lieu de cela, tentent de se
rapprocher de pièces qui seraient constituées par la société en tant qu’ensemble. Ces pièces existant de
façon publique sont, d’un côté, plus générales et plus abstraites, et d’un autre, contiennent et influencent
très concrètement la vie de chacun et de tous en même temps. Mais ce qui semble particulièrement
intéresser Schneider ici, comme pour ses précédents travaux, est tout ce qui relève du caché, du secret, de
l’intime, de ce qui est invisible tout en étant présent. Mis à part Haus u r, où le "caché" était indissociable
d’un certain voyeurisme dans lequel le visiteur se voyait tomber inévitablement, il semble que, dans
Schwarzer Kubus, dans Weisse Folter […], le fait que quelque chose soit caché à l’intérieur soit l’élément
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constitutif de son existence et de sa signification dans la société. Ceci s’applique spécifiquement à la
dimension religieuse d’abord, puis à la réalité politique, et en troisième lieu à la question de la mort. C’est
un peu comme si Schneider, par ces travaux en forme de spirale, avait réussi à inverser, de façon
paradoxale par de nombreux aspects, ses anciennes méthodes de travail. Auparavant, il semblait creuser
de plus en plus profondément en lui-même, de façon concentrique, animé par le désir de trouver l’ultime
pièce de sa propre existence, qu’il ne parviendrait évidemment jamais à trouver. C’est comme si, depuis
quelques années maintenant, il avait inversé le mouvement, effectué un véritable demi-tour. L’impulsion
ressemble maintenant à une spirale décrivant des cercles toujours plus grands de façon excentrique. Mais
il ne peut y avoir de conclusion, de point final, peu importe la direction. Et quelle que soit cette direction,
l’inconnu avance toujours en restant hors de portée. C’est cette perpétuelle et irrésistible fascination qui
créé, finalement, le véritable malaise que suscite ses œuvres et qui est à l’origine de sa compulsion à rester
constamment en mouvement, à travailler sans relâche, à questionner sa propre existence et par là même, à
affirmer sa propre vie.
Julian Heynen est directeur du K21 Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen à Düsseldorf. Il a été le
commissaire de l’exposition de Gregor Schneider, Weiße Folter, au K21.
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liste des expositions (sélection)
1985-2007
Haus u r, Rheydt, Allemagne
2001
Totes Haus u r, Deutscher Pavillon, 49. Biennale de Venise, Venise, Italie (C). Commissaire: Udo Kittelmann
N. Schmidt, Kabinett für aktuelle Kunst, Bremerhaven, Allemagne, Commissaire: Jürgen Wesseler
2002
Startkapital, K21, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Allemagne (C). Commissaire: Julian
Heynen
Haus u r, Stiftung DKM (Art and Culture Stiftung Duisburg), Duisburg, Allemagne (C)
Fotografie und Skulptur, Museum für Gegenwartskunst, Siegen, Allemagne (C). Commissaire: Barbara
Engelbach
2003
Gregor Schneider. Hannelore Reuen, Hamburger Kunsthalle, Hambourg, Allemagne (C). Commissaire: Frank
Barth
Dead House u r, Museum of Contemporary Art, Los Angeles, USA (C). Commissaire: Paul Schimmel
517West 24th, Barbara Gladstone Gallery, New York, USA
Gregor Schneider, Aspen Art Museum, Aspen, USA (C). Commissaire: Dean Sobel
2004
Die Familie Schneider, Artangel Londres, Londres, Grande Bretagne (C). Commissaire: James Lingwood
2005
Gregor Schneider, Museu de Arte Contemporânea de Serralves, Porto, Portugal (C). Commissaire: Ulrich Loock
51. International Art Exhibition, Biennale de Venise, Venise, Italie
Kabinett Für Aktuelle Kunst Bremerhaven, Bremerhaven, Allemagne. Commissaire: Jürgen Wesseler
2006
Totalschaden, Bonner Kunstverein, Bonn, Allemagne. Commissaire: Gregor Schneider
4538 KM, Museum Dhont-Dhaenens, Deurle, Belgique. Commissaire: Joost Declercq
Into Me / Out of Me, P.S.1 Contemporary Art Center, New York, USA. Commissaire: Klaus Biesenbach
Gregor Schneider Fotografie, Kunstverein Arnsberg e. V, Arnsberg, Allemagne. Commissaire: Necmi Sönmez
Fondazione Morra Greco, Naples, Italie
2007
Wonderwall - Constructing The Sublime, Tomio Koyama Gallerie, Tokyo, Japon. Commissaire: Anna-Catharina
Gebbers
WEISSE FOLTER, K20K21 Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Allemagne (C). Commissaire: Julian
Heynen, Brigitte Kölle
Das schwarze Quadrat Hommage an Malewitsch, Hamburger Kunsthalle, Hambourg, Allemagne (C).
Commissaire: Hubertus Gassner
MARTa schweigt., MARTa Herford gGmbH, Herford, Allemagne (C). Commissaire: Jan Hoet, Michael Kröger
Bondi Beach, 21 beach cells, Kaldor Art Projects, Bondi Beach, Australie. Commissaire: John Kaldor
2008
Come-in, RMIT-Gallery, Melbourne, Australie
Gregor Schneider est représenté par la galerie Luis Campaña, Cologne, Allemagne
Pour plus d’information : www.gregorschneider.de
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pilar albarracín
Pilar Albarracín (née à Séville en 1968, elle vit et travaille à Madrid), a fait de son héritage culturel
andalou et de la position de la femme dans la société espagnole le centre de son travail.
Son regard amusé et cinglant se porte sur l’ensemble des représentations de la figure féminine
que véhicule la tradition, à l’instar de la photographie Prohibido el Cante (« Interdit de chanter »,
2000) où elle apparaît dans un bar au décor riche des archétypes andalous (photographies de
corrida, jambons pendus, tête de taureau trônant) vêtue d’une robe de danseuse flamenco,
bâillonnée et ligotée sur une chaise.
Pilar Albarracín travaille aussi bien avec la photographie, la sculpture, le dessin, l’installation, la
vidéo, ou encore la performance qui demeure son médium privilégié. Elle incarne à tour de rôle
la gitane, la paysanne, la prostituée, l’émigrante ou encore la femme au foyer, et produit une
œuvre qui peut être interprétée comme l’écrit Rosa Martínez, comme « une métaphore de
l’insoumission ».
Pour sa première exposition personnelle en France, Pilar Albarracín a choisi de présenter une grande
installation, Techo de Ofrendas, et une série de vidéos dont La cabra, Lunares et Prohibido el Cante,
associant l’émotion exacerbée du flamenco au rituel de la corrida, au sacrifice et à la mort.
Dans la vidéo performance intitulée Prohibido el Cante (2000), elle accompagne un guitariste de
flamenco d’une plainte qui s’amplifie jusqu’à devenir un cri, dévoilant alors un couteau de
boucher avec lequel elle lacère sa robe et s’arrache littéralement le cœur (un cœur de bœuf)
avant de le jeter à terre et quitter la salle.
Dans Lunares (« Pois », 2004), Pilar Albarracín établit cette fois un parallèle entre la danseuse de
flamenco et le taureau sacrifié dans l’arène. Sur scène, entourée d’un groupe de musiciens restés
dans l’ombre, elle danse et pare sa robe immaculée de pois de sang en se piquant d’une aiguille,
donnant au spectacle la forme d’une tauromachie.
Le rapprochement est plus explicite encore dans La cabra (« La chèvre », 2001) où elle danse de
façon endiablée avec « pour partenaire » une outre de vin qui se déverse sur sa robe.
L’artiste présentera également Techo de Ofrendas 2004, un « Toit d’offrandes » composé de plusieurs
centaines de robes de flamenco suspendues, qui se déploie sur près de cinquante mètres carrés. Le
visiteur est invité à circuler sous cette vaste couverture colorée et baroque, écho d’une coutume en usage
dans certaines églises espagnoles, ou lors de certains pèlerinages, où les femmes se dessaisissent de leurs
robes en offrande à la Vierge pour qu’elle intercède auprès de Dieu.
L'exposition est coproduite par la Seacex (gouvernement espagnol, ministère des affaires étrangères et de la
coopération, programme de l'art espagnol à l'étranger).
A l’occasion de cette exposition un catalogue bilingue français-espagnol, 96 pages couleur, est publié aux
éditions fage avec le soutien de la SEACEX (Société nationale espagnole pour l’action culturelle extérieure),
textes de Cécile Bourne, Georges Didi-Huberman, Xavier Arakistain et Lourdes Mendez.
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Prohibido el Cante, 2000 ©Pilar Albarracín
PILAR ALBARRACÍN : MILLE ET UNE FEMMES par Rosa Martínez
[extraits du catalogue du Prix Altadis, 2002]
Une rue, à Séville. Une femme gît dans une mare de sang. Une autre pose, dissimulée parmi des
mannequins, dans la vitrine d’un grand magasin de la capitale andalouse. Une jeune marocaine en
costume traditionnel est amarrée à la galerie d’une voiture d’émigrants, au beau milieu des colis et des
malles. Une magnifique créature vêtue de falbalas, un bâillon sur la bouche, est ligotée sur une chaise,
sous le regard imposant d’une tête de taureau. Toutes ces femmes ont été utilisées ou exploitées par un
système qui les considère comme de simples meubles, de purs produits de consommation. Toutes sont
incarnées par Pilar Albarracín.
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A travers ses mises en scène et ses performances, Pilar Albarracín lève le voile sur le drame des structures
de domination et la violence perpétrée contre les femmes. Mais au lieu d’adopter un point de vue
dogmatique et moralisateur, elle privilégie l’ironie et le sarcasme nés de visions surréelles et
d’appropriations cocasses. Elle incarne à elle seule de nombreuses figures féminines : la gitane, la
paysanne, la gardienne du foyer, la prostituée, la dépositaire du folklore, l’émigrante, ou encore la petite
fille blessée. En choisissant de mettre en images la subordination sexuelle, sociale et identitaire (tant
nationale qu’ethnique), Pilar Albarracín rejoint dans son analyse des constructions symboliques les plus
éminents penseurs de ces dernières décennies.
[…]
Pilar Albarracín s’immerge dans la culture andalouse – vampirisée par le franquisme et devenue, par
métonymie, symbole de la culture espagnole – en portant un regard à la fois amusé et critique sur ses
principaux éléments. La gastronomie, le folklore, la religion et l’économie rurale occupent une place
fondamentale dans ses œuvres. Témoin la vidéo-performance Tortilla a la española (1999), dans laquelle
elle n’hésite pas à déchirer ses vêtements avant de passer, littéralement, “ à la casserole ”, au cours d’une
cérémonie d’auto-immolation métaphorique. Témoin encore Lujo Ibérico (2001), sculpture constituée de
magnifiques chapelets de saucissons et de boudins en velours et soie noirs et rouges suspendus à un
crochet de boucher. Autre exemple : ses Relicarios (1993), véritables amulettes des temps modernes qu’elle
commercialise. Réalisés à partir d’une photographie de Pilar Albarracín et d’un morceau d’étoffe provenant
de la blouse qu’elle revêt pour peindre, ces “ reliquaires ” projettent une lumière ironique sur le rôle
protecteur, la fonction mystique et la dimension presque sacrée de l’artiste. Les séries Ora et labora (2001)
mettent en scène une paysanne gironde vaquant à ses occupations champêtres dans un décor idyllique,
dans une parodie du bonheur que procure le travail à ceux qui savent rester à leur place.
Capitalisant sur une post-modernité qui lui permet de transcender les disciplines, et consciente du
potentiel offert par les nouvelles technologies, Pilar Albarracín passe avec aisance de la vidéo à la
sculpture, de la photographie à l’installation et du dessin à la couture. La performance demeure toutefois
son mode d’expression privilégié, en lui offrant un territoire où crier sa révolte d’un ton aussi brutal que
radical. L’art de Pilar Albarracín est une métaphore de l’insoumission. Ses interventions dans l’espace
public jouent sur l’élément de surprise, agissant comme un électrochoc social. S/T (sangre en la calle)
(1992) est constitué de sept scènes tournées dans sept lieux de Séville témoins d’agressions contre des
femmes. Dans Escaparates (1993-95), l’artiste s’immisce à nouveau dans le paysage urbain en se
substituant cette fois aux mannequins des devantures de magasins. La beauté devient prison dans La
noche 1002 (2001) où, illustrant le “ pouvoir hypnotique de la domination ” (Virginia Woolf), l’érotisme
tintinnabulant de la danse du ventre se confond avec le cliquetis des chaînes de l’oppression dans un
fondu visuel fascinant.
L’univers de Pilar Albarracín est fait de parodies et de tragi-comédies qui confinent au paroxysme
cathartique. Les danseuses de flamenco de Dots (2001), par exemple, arborent des robes découpées dans
un tissu à pois faits de tâches de sang. Dans La cabra (2001), l’artiste entame une danse endiablée avec une
outre de vin qui se répand sur elle à chaque pas. Pour Prohibido el cante (2000), sous les traits d’une
chanteuse populaire, elle crie son désarroi d’un ton crescendo avant de déchirer ses vêtements, de
s’arracher le cœur et de le jeter à terre dans des halètements orgastiques. Toutes ces œuvres représentent
des scènes de danses burlesques où l’érotisme et la mort s’entrecroisent, et où les débordements qui
mènent à la libération sont poussés à l’extrême. Elles traduisent l’idée du “ corps pathétique ”, un corps
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soumis à toutes sortes de blessures et de tensions, et renvoient au théâtre du grotesque et aux rituels de la
cruauté. A la différence des cérémonies religieuses qui visent à perpétuer des systèmes de croyances, la
performance contemporaine dispose d’un pouvoir critique qu’elle met à profit pour déconstruire ces rituels
et provoquer une catharsis libératrice. Le choc, les larmes et le rire sont autant d’armes qu’elle utilise pour
y parvenir. L’art possède donc une fonction thérapeutique dans la mesure où il nous permet d’affronter
nos démons personnels, tout en sachant qu’ils ne sont que le produit de l’idéologie et des structures
sociales.
L’œuvre de Pilar Albarracín a également été marquée par la création d’objets dynamiques conduisant à des
mises en situation et exigeant une participation active du spectateur. Duchamp affirmait que c’est le
spectateur qui fait l’œuvre, par le biais de son interprétation. Pilar Albarracín va encore plus loin. Jugeant
l’analyse intellectuelle insuffisante, elle recherche l’interaction convulsive avec le spectateur. Ce dernier
doit littéralement éprouver, ressentir, l’œuvre – qu’elle soit souffrance ou jouissance – et ce dans sa chair
comme dans sa tête. Un objectif pleinement atteint par des œuvres comme El viaje (2002), qui dépeint le
retour aux sources chaque année des émigrants nord-africains exilés en Europe. Au milieu des rires
inévitables devant le véhicule bardé de bagages, le spectateur revit les mêmes sensations que les
occupants battant la campagne espagnole, des odeurs aux secousses provoquées par les ornières creusant
les milliers de kilomètres qui les séparent de la mère patrie. Visionneuses panoramiques créées à l’occasion
d’une manifestation à San Vicente de Pollença (îles Baléares), Si no lo veo no lo creo (2002) représente des
scènes empruntées à d’autres rivages (pateras, pirates, massacres de thons) qui semblent virtuellement
confluer vers les eaux touristiques de Majorque. Un lieu dédié à l’hédonisme et au farniente avec lequel
tranchent violemment les situations évoquées par l’artiste : exploitation, rêves de liberté, destruction de
l’environnement, etc. Dans Diván (2002), le spectateur est invité à s’étendre sur une réplique du divan de
Freud, comme pour une thérapie, mais il ne tarde pas à ployer sous le poids de tous ses malheurs. Choc
émotionnel encore avec Espejito (2001), miroir hilarant qui n’est pas sans rappeler celui de Blanche Neige, à
cette différence près que tous ceux qui s’y mirent, homme ou femme, s’entendent qualifier d’affreux
(affreuse) !
[…]
Son goût de l’excès et des contrastes renvoie au Baroque, son amour du kitsch au Pop Art. Pilar Albarracín
se situe dans une lignée créative qui remet en cause le puritanisme du mainstream anglo-saxon pour
défendre les poétiques de la débauche et de l’érotique “ sortir de soi ” cher à Bataille.
Analysant les images issues de l’art et de la culture populaire, Pilar Albarracín dissout le modèle patriarcal
qui enferme les femmes dans des clichés castrateurs. Son art est la preuve même de l’existence de la
femme comme sujet d’énonciation (quoi qu’en dise Lacan). Mais ce qui fait d’elle un phénomène, pour ne
pas dire un miracle, c’est son excessive générosité et son impétuosité, doublées d’une ténacité sans faille
et d’une exigence sans concession à l’égard d’elle-même. Sans parler du courage qu’il lui a fallu réunir pour
descendre dans l’arène et attraper le taureau par les cornes, ou par la queue – au choix.
Rosa Martínez est critique d’art et commissaire d’exposition. Elle a été directrice de la 51 e Biennale de
Venise (2005) et commissaire en chef du Musée d’Art Moderne d’Istanbul (2004-2007).
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liste des expositions (sélection)
2003
El real viaje Real / The Real Royal Trip. PS1 MOMA. New York, USA. Commissaire : Harald Szeemann.
In Progress. 56 Festival Internazionale del Film Locarno. Locarno, Suisse. Commissaire : Harald Szeemann.
© Europe Exists. Macedonian Museum of Contemporary Art. Thesalonique, Grèce. Commissaire : Rosa
Martínez. Avec l’assistance spéciale de Harald Szeemann’s Agency of Spiritual Guestwork.
2004
La alegría de mis sueños. I Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Sevilla.
Monasterio de la Cartuja de Santa María de las Cuevas. Seville, Espagne. Commissaire : Harald Szeemann.
Brainstorming, topographie de la morale. Centre National d’Art et du Paysage. Ile de
Vassivière, France. Commissaire : Guy Tortosa.
2005
Art that works / Catch me. 46th October Salon, Belgrade. Serbie et Montenegro. Commissaire : Darka
Radosavijevic, Nebojsa Vilic.
Centre of Gravity. Istanbul Modern Sanat Müzesit, Istambul.Turkey. Commissaire : Rosa Martínez.
Always a little further. 51st International Art Exhibition, Biennale de Venise, Arsenale de Venise, Venise,
Italie. Commissaire : Rosa Martínez.
Here comes the sun. Magazín 3, Stockholm Konsthall, Suède.
Dialectis of Hope. I Moscow Biennale of Contemporary Art. Moscou, Russie. Commissaire : Joseph
Backstein, Iara Boubnova, Nicolas Bourriaud, Daniel Birnbaum, Rosa Martínez, Hans Ulrich Obrist.
2006
Housewarming, Film screening, Swiss Institute, New York, USA. Commissaire : Gianni Jetzer (décembre)
"EN PRIMEIRA PERSOA",AHHHHHHHH La Expresión de la euforia y el desahogo, Centro Galego de Arte
Contemporáneo, Santiago de Compostela, Espagne. Commissaire : Mar Caldas e Silvia Martí
Voices of Silence, Herzliya Museum of Contemporary Art, Herzliya, Israël. Commissaire : Dalia Levin.
Selection from the International competition of the KunstFilmBiennale Köln 2005 , KW Institute for
Contemporary Art, Berlin, Allemagne
Cieplo / Zimno, Letnia mitosc / hot / cold, Summer Living, Zacheta Narodowa Galeria Sztuki / Zacheta
Nacional Gallery of Art, Varsovie, Pologne. Commissaire : María Brewínska Julio /July
Mirador/ Medienkunst Aus Spanien. Centrum fur Gegenwartskunst, Linz, Autriche.
Commissaire : Genoveva Ruckert, Martin Sturm.
2007
Going Staying. Movement, Body, Place in Contemporary Art, Kunstmuseum Bonn, Allemagne (novembre).
BODY CITY, videoapartament, Dublin, Irelande. Commissaire : Nigel Rolfe, Cliodhna Shaffrey, Shelagh
Morris (novembre).
Os trópicos: Visões a partir do centro do globo ou O paraíso na outra esquina, Centro Cultural Banco do
Brasil, Brasilia, Brésil. Commissaire : Hug Alfons (octobre).
The Passion acording to ABO. Festival di Ravello, Ravello, Itália. Commissaire : Achille Bonito Oliva. Villa
Rufolo (Juin).
Global Feminisms, Brooklyn Museum, New York, USA. Commissaire : Linda Nochlin, Maura Reilly, Lila
Acheson Wallace (mars).
«I AM MAKING ART - 4 Studies on the Artist’s Body», Centre d’Art Contemporain Genève, Suisse.
Commissaire : Katya García-Antón et Clare Manchester (février)
2008 janvier - mai
La Mirada Iracunda, Centro Cultural Montehermoso, Vitoria, España (janvier-mai).
Pilar Albarracín est représentée par la galerie Filomena Soares, Lisbonne.
Pour plus d’information : www.pilaralbarracin.com
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wall 0208
une proposition de Marie Maillard pour le patio de la maison rouge
Installation proposée et produite par l’association des amis de la maison rouge.
Chaque année, l’association produit une œuvre spécifique pour le patio de la maison
rouge. Tous les membres sont invités à proposer un nom et à voter pour l’un des trois
artistes sélectionnés par un comité, présidé cette année par Jean-Pierre Criqui.
À la croisée de l’art contemporain, du design et de l’architecture, l’œuvre de Marie Maillard
investit l’espace pour en faire une trame sensible. Ses video-wallpapers projettent des
motifs de façon à ce qu’ils se confondent avec les murs et modifient la perception du lieu.
Ils produisent ainsi des images à vivre et non à contempler. Idéalement, leur répétition
infinie induit que le spectateur puisse libérer son attention pour vaquer à ses occupations
tandis que la représentation imprègne l’endroit d’une couleur, d’un rythme, d’une
pulsation. C’est alors sur le mode de l’écho physique que l’on continue à y répondre. Les
video-wallpapers animent l’environnement traversé de vibrations. Ils offrent la possibilité
à l’habitat d’abandonner sa neutralité rationnelle pour devenir une réalité englobante plus
émotionnelle.
Pour le projet du patio de la Maison rouge, Marie Maillard revient sur l’histoire du site, une
ancienne usine construite autour d’un pavillon d’habitation. Espace de transition visible
avant d’accéder aux expositions, cette cour intérieure laisse passer la lumière du jour et
montre la brique rouge qui évoque l’ancienne fonction de l’édifice. L’artiste a décidé de la
reproduire à une échelle réduite et de placer son dispositif au cœur du patio. Ce
redoublement, associé à l’inversion des matériaux (le verre et la brique), entraîne une
perte des repères. Le lieu clos se fragmente et s’ouvre à une multitude de dimensions. De
la sorte, Wall 0208 brise la séparation stricte entre le réel et le virtuel, le concret et
l’imaginaire. En dépit de sa petite taille, il trace un labyrinthe que le spectateur est invité à
arpenter mentalement, comme une zone de projection, à la fois inaccessible et intime,
secrète et familière.
Fabien Danesi
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liste des expositions
2001
Paysages, 4 ème Biennale d’Art Contemporain, Enghien-les-Bains
Traversées, Musée d'Art Moderne de la ville de Paris. Invitée par l’artiste Dominique Petitgand
2002
L’appartement, Galerie Interface, Dijon
Galerie Ipso Facto, Nantes
2003
Images projetées, Aperto, Montpellier
Commande de papiers peints vidéo pour Karl Lagerfeld, Paris
2004
Biennale de Busan, Corée du Sud. Commissaire: Manu Park
Histoire Intra Muros, Atelier Cantoisel, Joigny
Designer's Days, Espace Cappellini, Paris
2005
Installations vidéos, Chanel, Metropolitan Museum, New York
It’s not about sex, Luxe Gallery, Paris
2006
La Cabane, Palais de Tokyo, Paris. Commissaire : Pascal Beausse
La Visite, Fondation Zervos, Vézelay. Commissaire : Christian Besson
Wall 1006, FIAC, Grand Palais, Paris. Production Citroën. Commissaire : Anne-Pierre d’Albis.
Version Animée, BAC (Bâtiment d’Art Contemporain), Genève. Commissaire : Laurence H Dreyfus
Projet vidéo pour le concours d’une tour de Jean Nouvel à la Défense, Paris
2007
Luxe Gallery, New York
Galerie Aline Vidal, Paris
RadioMobile, Performance, Art Basel
Places, Luxe Gallery, New York
The best of, Galerie Aline Vidal, Paris
Marie Maillard est née à Besançon en 1973. Elle vit et travaille à Paris.
Elle est représentée par la Galerie Aline Vidal à Paris et par la Luxe Gallery à New York
Pour plus d’information : www.video-wallpaper.com
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informations pratiques
transports
métro : Quai de la Rapée (ligne 5) ou Bastille (lignes 1,5,8)
RER : Gare de Lyon
bus : 20/29/91
accessibilité
les espaces d’exposition sont accessibles aux visiteurs handicapés moteur
ou aux personnes à mobilité réduite
jours et horaires d’ouverture
du mercredi au dimanche de 11h à 19h
nocturne le jeudi jusqu’à 21h
fermeture les 25 décembre, 1 er janvier et 1 er mai
tarifs
plein tarif : 6,50 €
tarif réduit : 4,50 € (13-18 ans, étudiants, maison des artistes, carte senior)
accès gratuit : pour les moins de 13 ans, les chômeurs, les accompagnateurs de personnes invalides, les
membres de l’ICOM et les Amis de la maison rouge
laissez-passer annuel, plein tarif : 16 €
laissez-passer, tarif réduit : 12 €
accès gratuit et illimité aux expositions
accès libre ou tarifs préférentiels pour les événements liés aux expositions
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