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Le Cabinet d’Or
LE MUSÉE ROYAL À LA MAISON ROCKOX

À partir du 2 février 2013, la collection de la Maison Rockox s’enrichira temporairement de chefsd’œuvre
du Musée Royal des Beaux-Arts d’Anvers, fermé pour rénovation et transformations.
Dans cette optique, la demeure du bourgmestre et mécène Nicolas Rockox (1560–1640) dans
la Keizerstraat est aménagée en une riche collection d’art anversoise du Siècle d’Or : le Cabinet
d’Or. La collaboration des deux musées n’a rien de fortuit. Les collections du Musée Royal et de
la Maison Rockox résultent toutes deux de la passion de collectionner au fil du temps.

Le Musée Royal des Beaux-Arts
d’Anvers
Le Musée Royal plonge ses racines dans le
patrimoine culturel de la Guilde de Saint-Luc,
qui regroupe des artistes depuis le quatorzième
siècle. En 1663, David Teniers II, chanoine
honoraire de cette guilde, fonde l’Académie
anversoise. À la dissolution des corporations
à la fin du dix-huitième siècle, la riche collection
d’œuvres d’art est transférée à l’Académie.
L’occupant français abolit les ordres monastiques
et déplace l’Académie vers les bâtiments
inoccupés du couvent des Frères Mineurs à
Anvers. L’église des Frères Mineurs est aménagée
en Musée des Beaux-Arts. Cette église
servait aussi à abriter les œuvres d’art dont
les troupes françaises avaient dépossédé les
églises et monastères et qui revinrent à Anvers
vers 1815. Plus tard, d’importantes donations
et legs vinrent encore compléter la collection
du Musée des Beaux-Arts. En 1890, le musée
déménagea vers les nouveaux quartiers dans le
sud de la ville. Au bout de cent vingt années,
ce temple de l’art ferme temporairement ses
portes pour assurer l’avenir du bâtiment et de
la collection.
Qui était Nicolas Rockox ?
Nicolas Rockox (Anvers 1560–1640) était issu
d’une famille patricienne anversoise aisée. Il
étudia le droit à Louvain, Paris et Douai et joua
au cours de la première moitié du dix-septième
siècle un rôle déterminant dans la vie politique,
artistique et sociale de sa ville. C’est notamment
en qualité d’échevin et de bourgmestre qu’il
exerça des fonctions à responsabilités. Il épousa
l’Espagnole Adriana Perez, issue quant à elle
d’une ancienne famille de riches marchands.
Rockox et son épouse n’eurent pas d’enfants.
Rockox se distingua aussi tout particulièrement
comme mécène, humaniste, archéologue et
numismate. Il fut à la base du succès de Rubens
pendant la deuxième décennie du dix-septième
siècle en passant d’importantes commandes
à ce grand maître du baroque. En tant que
bourgmestre, Rockox demanda à Rubens de
peindre L’Adoration des Mages pour l’hôtel de
ville d’Anvers (Madrid, Prado). À titre privé, il
commanda à Rubens notamment sa célèbre
épitaphe, L’Incrédulité de Thomas (Anvers,
Musée Royal des Beaux-Arts) et c’est en qualité
de capitaine de la guilde des arquebusiers qu’il
commanda à Rubens la célèbre Descente de
Croix pour l’autel de cette guilde dans la cathédrale.
Aujourd’hui, le souvenir de cet éminent
patricien du dix-septième siècle est entretenu
dans l’évocation de sa maison de bourgmestre
à Anvers. L’immeuble, acquis et restauré par
KBC dans les années 1970, est ouvert au public
depuis 1977.
Le Cabinet d’Or
Le nom de ce projet conjoint, Le Cabinet d’Or,
fait référence au titre Het Gulden Cabinet van
de Edel Vry Schilderconst du rhétoriqueur des
Pays-Bas méridionaux Cornelis de Bie (1627–
1715). Les trois tomes du livre regroupent des
biographies de peintres des Pays-Bas méridionaux
avec leurs portraits gravés. Le Cabinet
d’Or à la Maison Rockox réunit des œuvres de
premier plan de l’art en Europe occidentale du
quatorzième au dix-septième siècle. Le point
de départ du projet est un Cabinet d’art peint
par Frans Francken II (1581–1642) de la collection
du Musée Royal des Beaux-Arts. Francken
fut l’inventeur du genre et Rockox lui fit aussi
peindre son propre cabinet d’art. Cette belle
impression de la collection d’art de Rockox se
trouve aujourd’hui à l’Ancienne Pinacothèque
de Munich.
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L e C a b i n e t d ’ O r L E M u s é e R o y a l à l a M a i s o n R o c k o x
SALLES 1 et 2
Un cabinet du Moyen Âge tardif
Le Musée Royal possède une collection unique d’art du Moyen Âge tardif, dont les œuvres
principales seront exposées en alternance dans cette salle. Simultanément, cette collection du
Moyen Âge tardif se veut une ode à Florent Joseph, chevalier van Ertborn (Anvers 1784 – La Haye
1840), tout comme Nicolas Rockox un ancien bourgmestre d’Anvers et un collectionneur averti.
Rockox collectionnait les peintures tant de la Renaissance que de sa propre époque. Van Ertborn
se passionnait pour l’art de la fin du Moyen Âge. En 1840, il fit don au Musée Royal de pas moins
de 141 œuvres de sa collection. Le Moyen Âge est une période longue de près de 1 000 ans
qui va de la chute de l’Empire romain d’Occident (476 de notre ère) à la Renaissance (vers
1400/1500). Cette période était dominée par le dogme de l’Église chrétienne et par une société
aux contrastes accusés, avec d’une part la noblesse et les humanistes et d’autre part la classe
paysanne soumise. Cette image du temps se reflète pleinement dans l’art. Au cours du Moyen
Âge, les thèmes religieux et le portrait constituaient l’essentiel de l’iconographie des Beaux-Arts.
Les artistes italiens furent les premiers à annoncer la Renaissance, en suggérant la perspective
dans leurs peintures et en introduisant l’expression dans la figuration.
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Jean-Baptiste Greuze (Tournus 1725 – Paris 1805)
Portrait de Florent Joseph chevalier van Ertborn
Anvers, collection privée
(jusqu’à la fin 2013)
Ce portrait brillant nous montre Florent van Ertborn à
l’âge de 20 ans. Nous avons là une œuvre caractéristique
du peintre français Greuze qui peignit le jeune van Ertborn
vers la fin de sa vie. Greuze connut le succès grâce à des
portraits bourgeois, des représentations religieuses et des
scènes de genre. Il travaillait surtout dans le style rococo
et, après un séjour de deux ans en Italie, commença à se
laisser inspirer par un style plus moralisateur.
Jozef Geefs (Anvers 1808 – Bruxelles 1885)
Buste de Florent van Ertborn
1849
KMSKA, inv. 1067
En 1849, la ville d’Anvers demanda au sculpteur Jozef
Geefs de réaliser ce buste de marbre pour le Musée Royal.
Geefs, étudiant à l’Académie Royale des Beaux-Arts d’Anvers,
y fut ensuite professeur de sculpture et d’anatomie
pour en devenir enfin le directeur en 1876.
Simone Martini (Sienne 1284 – Avignon 1344)
Polyptique Orsini
Vers 1335
KMSKA, inv. 257-260
Ces quatre représentations sur fond doré faisaient initialement
partie d’un autel de voyage. Les panonceaux avec
l’archange Gabriel et la Vierge Marie formaient probablement
les portes du polyptique. Ils furent autrefois sciés
dans leur épaisseur : Le Portement de Croix et la Mise au
Tombeau qui occupaient initialement la face interne sont
conservés au Louvre à Paris et à la Gemäldegalerie à Berlin.
Les deux petits panneaux représentant le Calvaire et la
Descente de Croix, figurés ici à droite, doivent s’être initialement
trouvés au milieu. Martini peignit le petit autel
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L e C a b i n e t d ’ O r L E M u s é e R o y a l à l a M a i s o n R o c k o x
pour le cardinal Napoleone Orsini (1263–1342), actif en
Avignon en tant que diplomate sous les pontificats de Clément
V et de Jean XXII. Le cardinal est représenté dans le
bas de la Descente de Croix. Les panneaux dont il est question
ici sont des chefs-d’œuvre de la peinture siennoise
précoce. Ils furent acquis par van Ertborn à la Chartreuse
de Champmol près de Dijon en 1826.
Antonello da Messina (Messine 1430 – 1479)
Calvaire
Daté et signé 1475 / Antonellus messaneus / me.pinxit.
KMSKA, inv. 4
Le Christ en croix est flanqué du bon et du mauvais larron.
Marie et Jean sont en lamentations au pied de la croix. Le
crâne à l’avant-plan rappelle Adam, dont on croyait qu’il
avait été enterré au Golgotha. La peinture comporte de
nombreux symboles de la mort et de la rédemption. Le hibou
représente les pécheurs qui s’éloignent de la foi vraie.
Les serpents qui se tortillent dans le crâne symbolisent la
mort et le diable. Dans ce chef-d’œuvre, l’artiste sicilien
réunit la peinture à l’huile du Nord et le sens flamand du
détail à l’attention méridionale pour la synthèse et la composition.
Artiste du Quattrocento, da Messina séjourna en
Flandre de 1457 à 1460. En 1826, le professeur Van Rotterdam
acheta l’œuvre à la famille gantoise Maelscamp van
Balsberge pour la revendre ensuite à Florent van Ertborn.
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Jean Fouquet (Tours 1420 – 1471)
Madone entourée de séraphins et de chérubins
KMSKA, inv. 132
Cette célèbre madone forme un diptyque avec le portrait
d’Étienne Chevalier avec saint Étienne (Berlin, Gemäldegalerie).
Jusqu’à la Révolution française, cette œuvre se
trouvait à Notre-Dame de Melun, au-dessus de la pierre
tombale de l’épouse de Chevalier. Le contraste entre les
chérubins et séraphins rouges et bleus et la carnation laiteuse
de la madone à l’enfant crée un effet irréel. Marie
aurait en fait les traits d’Agnès Sorel, la maîtresse du Roi
de France Charles VII. Selon l’historien Johan Huizinga, la
peinture évoque une ‘décadente impiété’ et un ‘aplomb
blasphématoire’. Les surréalistes firent toutefois du ‘mannequin
… aux seins ronds’ une icône mondiale. Fouquet
est la figure de proue de l’école de peinture française. Son
style fait référence aux peintures des frères van Eyck et à
la Renaissance florentine, qu’il avait découverte en Italie.
Jan van Eyck (Maaseik vers 1390 – Bruges 1441)
Sainte Barbe de Nicodème
Signé et daté sur le cadre original :
IOH[ANN]ES DE EYCK ME FECIT 1437
KMSKA, inv. 410
Avec Rogier van der Weyden, Jan van Eyck est un des
chefs de file des Primitifs flamands. Barbe était la fille
unique d’un noble syrien qui l’avait enfermée dans une
tour pour que personne ne puisse la voir. La conversion
de Barbe au christianisme rendit son père furibond. Il la fit
torturer en vain, car ses blessures guérissaient miraculeusement
pendant la nuit. Finalement, le père fit décapiter
sa fille; la terre se mit à trembler et l’homme fut frappé
par la foudre. Barbe feuillette avec retenue un bréviaire.
Dans sa main gauche, elle tient une palme. Derrière elle se
dresse un clocher gothique. Van Eyck intégra à son sujet la
représentation d’un chantier contemporain. Van Mander
décrivit l’œuvre comme une ‘doodverwe’, ce qui signifie :
‘ébauche’. Cette œuvre est le plus ancien panneau demeuré
inachevé de la peinture aux Pays-Bas. Elle fit partie
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des collections de Lucas de Heere (peintre et écrivain flamand
du seizième siècle), Johannes Enschede, J. Cornelis
Ploos van Amstel et Florent van Ertborn.
Jan van Eyck (Maaseik vers 1390 – Bruges 1441)
Madone à la Fontaine
Signé et daté sur le cadre original : ALS (ICH) XAN et IOH[ANN]
ES DE EYCK ME FECIT ET [COM]PLEVIT ANO 1439
KMSKA, inv. 411
(à partir de mai 2013)
Dans un jardin clos (hortus conclusus) à la végétation luxuriante,
Marie se tient avec l’Enfant Jésus devant une riche
étoffe de brocart tendue par deux anges. La mère et
l’enfant se témoignent une tendresse mutuelle : le petit
Jésus caresse de la main droite la nuque de Marie, pendant
qu’elle lui lance un regard plein de tendresse. Le croyant
de la fin du Moyen Âge cherche refuge auprès de Marie,
comme l’enfant auprès de sa mère. Vers 1516/1523, ce
joyau appartint probablement à Marguerite d’Autriche. En
1838, van Ertborn acheta le tableautin au curé du petit
village de Dikkelvenne.
Rogier van der Weyden
(Tournai 1399/1400 – Bruxelles 1464)
Philippe de Croy
Vers 1460
KMSKA, inv. 254
(septembre 2013 – janvier 2014 : Huntington L.A.)
Ce portrait est le volet droit d’un diptyque dont le volet
gauche, une Madone, se trouve à San Marino en Californie.
Dans ses mains jointes, le jeune homme tient un chapelet
pourvu d’une croix. Deux inscriptions et un blason
au revers de l’œuvre identifient le modèle comme Philippe
de Croy (1434–1482), une étoile montante à la cour de
Philippe le Bon. Il fut un temps grand bailli de Hainaut
et, après la mort de son père en 1473, il devint comte
de Chimay. Après le décès de sa mère en 1461, il hérita
du titre de seigneur de Quiévrain, cédant son titre de sei-
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gneur de Sempy à son frère. Comme ce dernier titre figure
sur la peinture, celle-ci doit être antérieure à 1461. Elle fut
acquise par van Ertborn dans un château des environs de
Namur en 1825.
(à partir de mai 2013)
Atelier de Rogier van der Weyden
(Tournai 1399/1400 – Bruxelles 1464)
L’Annonciation
KMSKA, inv. 396
Dans la chambre à coucher d’une demeure bourgeoise,
la Vierge s’agenouille devant un prie-Dieu, sur lequel elle
tient son bréviaire ouvert. Sa concentration est interrompue
par l’arrivée de l’archange Gabriel qui lui apporte le
message divin. À l’avant-plan est disposé dans un cruchon
un bouquet de lis blancs, symbole de la virginité mariale.
Ce tableautin possède la précision d’une miniature. Sa
composition est apparentée à celle de deux autres annonciations
de van der Weyden de plus grand format :
une première sur le volet gauche du retable Columba à
l’Ancienne Pinacothèque de Munich (vers 1455) et une seconde
au Metropolitan Museum de New York, qu’il avait
peinte pour Ferry de Clugny (1465/70).
(à partir de juin 2013)
Attribué à Rogier van der Weyden
(Tournai 1399/1400 – Bruxelles 1464)
Portrait d’un juge de camp
KMSKA, inv. 539
L’homme représenté ici une grande flèche à la main est
considéré par certains comme Jean Lefèvre de Saint-Remy,
premier roi d’armes de l’Ordre de la Toison d’Or. Le même
homme figure encore sur trois autres œuvres de van der
Weyden. D’autres portraits du quinzième siècle montrent
encore le modèle une flèche à la main. Elle était l’attribut
de l’arbitre.
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L e C a b i n e t d ’ O r L E M u s é e R o y a l à l a M a i s o n R o c k o x
Anonyme, Augsbourg (fin du seizième siècle)
Horloge murale
Maison Rockox, inv. 79.4
L’horloge ne possède qu’une seule aiguille et sonne
l’heure. Le mécanisme réglé par un foliot est originaire de
la ville d’Augsbourg. Les gravures aux motifs se rapportant
à l’astronomie trahissent une influence anversoise. Cette
petite horloge suggère une atmosphère familiale.
Hans Memling (Seligenstadt 1423/43 – Bruges 1494)
Homme avec une pièce de monnaie romaine
Vers 1473/74
KMSKA, inv. 5
(de mai à septembre 2013)
Cet homme d’âge moyen nous considère d’un regard un
peu rêveur. Il tient une monnaie romaine, un sesterce de
l’empereur Néron. Dans le bas au centre, on peut voir deux
feuilles de laurier qui continuaient probablement sur le
cadre d’origine aujourd’hui disparu. Une trouée entraîne
notre regard vers un cavalier dans un paysage idyllique
avec un palmier et des cygnes sur un étang. Memling est
un des premiers artistes à utiliser le paysage en arrièreplan
d’un portrait. On ne peut définir avec certitude qui
le portrait représente. On pense à l’humaniste vénitien
Bernardo Bembo (1433–1519) qui possédait une importante
collection de peintures et de monnaies antiques. La
peinture fut acquise par van Ertborn en 1826 à la vente
publique du baron Vivant Denon, l’homme qui coordonna
les transports d’œuvres d’art de Napoléon. Nicolas Rockox
possédait lui aussi dans sa collection un sesterce de bronze
de l’empereur Néron. Probablement Memling suivit-il les
leçons de van der Weyden. En tout cas, il était inscrit à la
Guilde de Saint-Luc à Bruges en 1476 et fit prendre un
nouveau tournant à l’art du portrait.
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Maître de Francfort (Anvers 1460 – 1515/25)
Le peintre et sa femme
KMSKA, inv. 5096
Le Maître de Francfort fut le premier peintre important
actif à Anvers. Nous ignorons son véritable nom. Le surnom
qu’on lui donna fait référence à deux triptyques
de sa main (de 1503 et 1506), conservés dans cette ville
d’Allemagne. Cette petite peinture serait un autoportrait
du peintre en compagnie de sa femme. Sur le cadre d’origine,
nous lisons la date de 1496 et leurs âges respectifs,
à savoir 36 et 27 ans. Dans le haut figure l’écusson de la
Guilde anversoise de Saint-Luc. La banderole reprend la
devise des Violieren, la chambre de rhétorique de la guilde,
‘Wt lonsten versaemt’ (par l’amitié réunis). C’est un des plus
anciens portraits d’artiste des Pays-Bas. Il figure dans un
inventaire des biens de Marguerite d’Autriche en 1516.
Maître de Francfort (vers 1460 – 1515/25)
Fête d’archers
KMSKA, inv. 529
À partir du quatorzième siècle, beaucoup de villes flamandes
et brabançonnes abritèrent des guildes d’archers
qui s’exerçaient au maniement de ces armes. Les archers
organisaient également des concours assortis de beuveries
avec leurs confrères d’autres villes. La fête d’archers montrée
ici a été peinte sur une commande de la Guilde anversoise
de l’Oude Voetboog. Au milieu des festivités trône un
homme sous un baldaquin : le vainqueur du tournoi. La
clé dorée au-dessus de sa tête annonce un banquet gratuit.
Deux bouffons exécutent une ‘danse mauresque’ sur
la musique d’un tambour noir. Une grille ne peut empêcher
que certains individus désirent se ménager un accès
à cette party exclusive. Cette peinture énigmatique a livré
ses multiples significations. Un homme dans le jardin nous
regarde directement. C’est l’artiste dont nous trouvons la
représentation sur le double portrait dans cette salle.
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Anonyme, vers 1520/30
Hallebarde
Maison Rockox, inv. 77.174
Une hallebarde est une arme d’estoc multifonctionnelle.
Elle consiste en un manche de bois de deux bons mètres
prolongé d’un fer, avec d’un côté une hache et de l’autre
côté un croc recourbé. La hache était tranchante et pouvait
infliger de graves mutilations à l’adversaire. Pendant
un combat, l’arme pouvait être utilisée de taille et d’estoc
et, au moyen du croc, un cavalier pouvait être jeté à bas
de son cheval. Du Moyen Âge au seizième siècle, la hallebarde
fut utilisée par les écuyers ou plus précisément par
la piétaille. Plus tard, l’arme fut remplacée par la pique et
surtout par les armes à feu pour ne plus servir que d’arme
cérémonielle, portée comme signe distinctif par les sergents
de ville ou à l’occasion de parades.
Maître de la Véronique de Cologne (quinzième siècle)
L’Homme de Douleurs avec la Madone
et sainte Catherine d’Alexandrie
Vers 1400–1420
KMSKA, inv. 5070
Le Christ est flanqué de la Madone et de sainte Catherine,
pourvue des instruments de son martyre, la roue et le
sabre. Initialement, ce petit panneau était le volet médian
d’un petit triptyque domestique. Le Christ y est représenté
en Homme de Douleurs avec la couronne d’épines sur la
tête. Il nous montre ses blessures (ostentatio vulnerum) et
nous rappelle que nous avons été sauvés par son sacrifice.
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Maître de l’Adoration d’Anvers
(Pays-Bas méridionaux, vers 1500 – 1530)
L’Adoration des Mages
Vers 1519 ?
KMSKA, inv. 208-210
(à partir de mai 2013)
Le Maître de l’Adoration d’Anvers est un peintre anonyme,
dont on pense qu’il travaillait à Anvers au cours des
premières décennies du seizième siècle. C’est le triptyque
montré ici qui valut au maître son nom de commodité. Le
raffinement de cette œuvre est toutefois supérieur à la
production des ‘Maniéristes anversois’ et il n’est pas exclu
que le peintre ait été actif à Bruges ou à Gand. Le panneau
médian représente l’Adoration des Mages, un thème
prisé. Sur les volets latéraux, nous voyons à gauche saint
Georges avec le dragon et à droite sainte Marguerite d’Antioche
avec le commanditaire agenouillé. En différents
endroits de la peinture, la signature est visible à l’œil nu.
Anonyme (vers 1515)
Retable anversois, L’Adoration des Mages
Maison Rockox, inv. 77.209
(jusqu’au mois de mai 2013)
L’Adoration des Mages n’est pas représentée ici dans une
étable avec crèche, bœuf et âne comme le souhaite la
dévotion populaire, mais bien dans une maison comme
l’évoque l’évangile (Mt 2,11 «En entrant dans la maison
...»). Sur le retable peuvent se voir des marques : deux
mains sur le côté droit de l’armoire, une main sur le côté
du volet droit (marques du retablier) et encore une main
sur la tête de chaque statuette (marques du sculpteur). La
production de retables était gérée par les ordonnances
anversoises de 1470, 1472 et 1493 qui adjugeaient la production
à cinq métiers d’art. Le «beeldsnydere» sculptait
les figurines et les coulisses. Le «metselsnydere» finissait
les détails de la menuiserie. Le tapissier et le doreur se
chargeaient de la polychromie. Le «backmaker» réalisait
le caisson du retable dont le peintre décorait les battants.
Cette spécialisation augmentait la productivité et la qua-
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lité, confirmées par les marques : la main pour le bois et
le château pour la polychromie. Chaque figurine est taillée
dans un bloc de bois distinct. La menuiserie de bonne
qualité est anversoise. Sur les volets sont représentés à
gauche saint Hadrien (martyr, † 304) et à droite sainte
Claire († 1253), disciple de saint François. Les saints furent
peints sur les panneaux latéraux probablement à la demande
de l’acheteur. Ce sont soit les saints patrons d’un
couple, soit les patrons d’une fondation. Ce retable faisait
probablement office de retable domestique ou de retable
de dévotion dans une chapelle latérale d’une église.
Maître brabançon anonyme (début du seizième siècle)
Jardin clos
KMSKA, inv. 5094
Ce jardin clos consiste en un encadrement de faible profondeur,
une sorte de maison de poupées, décoré d’éléments
floraux. À l’intérieur du châssis se trouvent de
nombreuses figures polychromes. Le jardin est délimité
par des panonceaux latéraux portant des représentations
religieuses. Ces Jardins étaient généralement commandés
par des couvents de religieuses. Ils résultaient de la collaboration
entre retabliers, peintres, sculpteurs et tapissiers.
On peut voir dans le bas une clôture de jonc avec
un portail. C’est une référence au Jardin Clos du Cantique
des Cantiques ainsi qu’une allusion à la virginité de Marie.
La Madone auréolée constitue la figure centrale. Dans le
bas, Adam et Ève sont chassés du paradis terrestre. Les
panneaux sénestres représentent l’Ascension et la descente
aux Enfers, les panneaux dextres le miracle de la
Pentecôte et le Noli me tangere. Les panneaux d’origine
allemande sont avec certitude antérieurs d’un demi-siècle
aux sculptures.
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Joachim Beuckelaer (Anvers 1530 – 1573)
Maraîchère
Monogrammé et daté 1567
Maison Rockox, inv. 77.51
À l’époque de Rockox se dressait ici le foyer de la cuisine.
Avec le puits ménagé dans le sol, la cheminée constituait
l’équipement principal dans une cuisine du dix-septième
siècle. Pour une cuisine patricienne, il arrivait que le
manteau de la cheminée soit orné d’une peinture, d’une
œuvre d’art se référant à la fonction du local. Un Joachim
Beuckelaer aurait très certainement été à sa place ici.
La maraîchère propose un vaste choix de légumes et de
fruits, son compagnon vend du gibier. Le canard aux fruits
était un mets prisé des patriciens. Joachim Beuckelaer peignit
à ses débuts des thèmes religieux. Plus tard, il utilisa
le contexte religieux pour développer ses scènes de
marché et natures mortes. Avec son oncle, l’artiste peintre
amstellodamois Pieter Aertsen (Amsterdam 1508–1575), il
introduisit des scènes de marché et la nature morte comme
thèmes autonomes dans la peinture. Leurs œuvres étaient
souvent aussi des représentations allégoriques.
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PASSAGE 1
Sebastiaan Vrancx (Anvers 1573 – 1647)
Les Plaisirs d’Hiver
Monogramme S.V. sous le traîneau à l’avant-plan
KMSKA, inv. 613
Jeunes et vieux patinent sur une rivière gelée. Certains
portent un costume de carnaval. Une petite fille à l’avantplan
à droite porte une couronne des rois sur la tête. Sous
le bras, elle porte la galette des rois dont elle a trouvé la
fève : elle est la reine d’un jour.
Louis de Caullery (Caullery 1579/81 – Anvers 1621)
Mardi Gras sur la Glace
KMSKA, inv. 938
Des patineurs masqués parcourent un canal gelé au centre
d’une cité modèle de la Renaissance. Sur les rives se bouscule
une foule bigarrée occupée à toutes sortes de divertissements,
comme du théâtre de plein air ou les cabrioles
d’un acrobate.
Pieter Neefs I (Anvers vers 1578 – après 1656)
et Frans Francken III (Anvers 1606 –1667)
Intérieur d’église
Signé PEETER NEEFFS
KMSKA, inv. 683
Pieter Neefs I était le meilleur peintre d’intérieurs d’églises
en Flandre. L’intérieur de l’église Notre-Dame à Anvers,
la plus grande église des Pays-Bas, constituait une source
permanente d’inspiration. Les impressionnants piliers de
l’église n’ont toutefois jamais été représentés de manière
fidèle à la réalité, mais selon la répartition souhaitée. Dans
l’intérieur vide, Frans Francken III a représenté de petits
personnages. Les deux artistes ont collaboré à de nombreuses
peintures.
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Paul Vredeman de Vries (Amsterdam 1567 – 1617)
et Sebastiaan Vrancx (Anvers 1573 – 1647)
Palais
KMSKA, inv. 936
Une terrasse à portiques débouche sur un impressionnant
édifice à portail. Le sol est pavé de marbre polychrome. À
droite, par-delà un jardin avec une fontaine, se dresse un
palais dont certains éléments font penser à l’hôtel de ville
d’Anvers. Sebastiaan Vrancx a peuplé cette architecture
d’élégants personnages. Cette vision onirique répondait
très certainement aux aspirations urbanistiques que nourrissait
la bourgeoisie dans la ville scaldienne. Peter Paul
Rubens tenta de stimuler davantage ces ambitions architecturales
par la publication de Palazzi di Genova (1622).
Sebastiaan Vrancx (Anvers 1573 – 1647)
Coche dévalisé par des brigands à cheval
KMSKA, inv. 880
Vrancx peignait principalement des scènes de bataille, de
pillage, d’attaque et de kermesse. De ses personnages, il
peuplait aussi les paysages de Joos de Momper II et Jan
Brueghel I. En plus d’être peintre, Vrancx était aussi actif
successivement comme maître de quartier, doyen, chef des
escrimeurs, capitaine de la garde civile. En tant que factor
des ‘Violieren’, il écrivit quelque quatorze tragicomédies.
Mattheus Adolfsz. Molanus
(Frankenthal 1590/1595 – Middelburg 1645)
Paysage
KMSKA, inv. 926
On ne connaît pas bien la vie de Molanus. On le trouve
inscrit à Middelburg comme doyen de la Guilde de Saint-
Luc en 1626. Nous soulignerons encore qu’il fut influencé
par Gillis van Coninxloo III et Jan Brueghel I. Il peignait
surtout des paysages, notamment hivernaux, ce qui lui
valut le surnom de ‘Sneebrueghel’, mais aussi des scènes
villageoises.
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L e C a b i n e t d ’ O r L E M u s é e R o y a l à l a M a i s o n R o c k o x
Willem II van Nieulandt II (Anvers 1584 – Amsterdam 1635)
Paysage
Anvers, collection privée
(jusqu’en juillet 2013)
Van Nieulandt était un artiste peintre, graveur et écrivain
anversois. Son père Adriaen était un marchand parti avec
sa famille pour Amsterdam pour des raisons religieuses
ou économiques. Willem II s’initia à la peinture auprès de
Jacob Savery à Amsterdam. En 1601, il se rendit à Rome
où il vécut et travailla chez son oncle Willem (I) ainsi qu’en
1604 dans l’atelier de Paul Bril. Il peignit surtout des paysages,
des ruines, des arcs de triomphe, des temples et
des monuments. Il italianisa son nom en Guglielmo Terranova.
Il revint à Amsterdam, où il se maria en 1606 pour repartir
à Anvers, où Willem devint membre de la Guilde de
Saint-Luc locale. En 1629, il retourna à Amsterdam. Sa
fille Constancia épousa le peintre Adriaen van Utrecht. En
1635, cette fois en sa qualité d’écrivain, il publia une tragédie.
Cette peinture représente probablement le Campo
Vaccino à Rome, les ruines du Forum Romanum qui restèrent
enfouies jusqu’en 1800.
Willem van Nieulandt II (Anvers 1584 – Amsterdam 1635)
Vue sur le Campo Vaccino à Rome
Signé et daté G.V. Nievland-1611
KMSKA, inv. 440
(à partir de juillet 2013)
Cette peinture est une vue du Campo Vaccino à Rome, depuis
le Capitole. Ce surnom fut donné au seizième siècle
aux ruines du Forum Romanum recouvert de gravats et de
terre au fil des siècles et sur lequel paissaient les vaches.
On ne commença à le dégager qu’à partir de 1800. À
gauche, on remarque Santa Maria del Popolo. Au loin se
dresse l’arc de triomphe de Septime Sévère, dont la partie
inférieure est encore enfouie dans le sable. Les ruines
des temples de Romulus ainsi que d’Antoine et Faustina
occupent le côté droit de la composition.
16

SALLE 3
De Cleyn Salette
Le cabinet d’art Renaissance
L’inventaire de la maison mortuaire de Rockox, en décembre 1640, nous informe quant au revêtement
mural de plusieurs pièces de la demeure. De Cleyn Salette, Tgroot Salet et la chambre derrière
Tgroot Salet, un cabinet d’étude, étaient tendus de cuir de Cordoue. Le notaire qui dressa l’inventaire des
biens de Rockox note la teinte de base du cuir de Cordoue dans chacune de ces pièces. Dans De Cleyn
Salette, la couleur de base était le noir, dans Tgroot Salet le rouge et dans le cabinet d’étude le vert.
Nous avons respecté ces couleurs. Les côtés de la cheminée ont été recouverts de papier de la teinte de
base correspondante présentant un motif rappelant le cuir de Cordoue. De Cleyn Salette était à l’époque
de Rockox un salon, empreint de grandeur, un local qui rappelle de nos jours la Renaissance. Cette époque
fut un moment clé dans l’histoire et symbolisa de diverses manières l’élargissement des horizons. On
découvrait de nouveaux continents et leurs cultures, mais la science prenait elle aussi un nouvel envol et
l’on s’intéressait à nouveau de près à l’étude de l’Antiquité classique. Pourtant, la principale évolution de la
Renaissance fut probablement l’introduction de l’imprimerie. On assista à l’émergence de l’humanisme et
l’individu se retrouva au centre. On se mit à émettre de subtiles critiques sur la société. Dans les beaux-arts,
nous reconnaissons un réalisme issu de l’idéalisme. Le nu acquiert ses lettres de noblesse. Le processus de
sécularisation pénètre lentement l’iconographie, alors même que l’on relativise la religion. Le paysage et la
nature morte – surtout d’un intérêt décoratif au Moyen Âge dans les scènes religieuses – deviennent des
thèmes par eux-mêmes dans la peinture.
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L e C a b i n e t d ’ O r L E M u s é e R o y a l à l a M a i s o n R o c k o x
Quinten Massijs I (Louvain 1456 – Anvers 1530)
Sainte Vierge à l’Enfant Jésus
Maison Rockox, inv. 77.201
Massijs était un des pionniers de la peinture Renaissance
et un des fondateurs de l’école de peinture anversoise.
Avant de commencer à peindre, il avait pratiqué la ferronnerie
d’art. On ignore où Massijs a suivi sa formation.
Il grandit à Louvain et fut inscrit en 1491 comme francmaître
dans les registres de la Guilde de Saint-Luc à Anvers.
Au début, son style était encore proche des Primitifs
flamands, ce dont témoigne ce tondo. Passé 1500, il se
concentra sur l’idéal de beauté de la Renaissance. Dans
son cabinet d’art, Nicolas Rockox conservait de ce peintre
le célèbre diptyque Marie et Jésus (Anvers, KMSKA, exposé
à Louvain, Musée M).
Copie d’après Quinten Massijs I
(Louvain 1456 – Anvers 1530)
Portrait de Peter Gillis
KMSKA, inv. 198
Le greffier de la ville d’Anvers Peter Gillis ou Aegidius
(1486–1533) était un remarquable humaniste. Il publia des
poésies et assura la publication d’ouvrages classiques, de
lettes d’Érasme et de l’Utopie de Thomas More. Sa maison
était un lieu de rencontre international pour des savants,
diplomates, artistes et amateurs d’art. C’est à dix-sept
ans, en exerçant le métier de correcteur, que Gillis fit la
connaissance d’Érasme chez l’imprimeur Dirk Martens. En
1517, ils commandèrent leurs portraits à Quinten I Massijs
en guise de cadeau pour leur ami Thomas More. Le
peintre les a représentés dans un seul et même cabinet
d’étude. Sur le portrait de gauche, on peut voir Érasme
écrivant. Dans le portrait de droite, Gillis montre un livre
de son ami, pendant qu’il tient dans la main gauche une
lettre de Thomas More. Cette peinture est une réplique de
l’œuvre originale (Salisbury, Collection de Lord Radnor).
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Quinten Massijs I (Louvain 1456 – Anvers 1530)
Saint Christophe
Vers 1490
KMSKA, inv. 29
La Legenda Aurea du treizième siècle évoque le géant
païen Christophe, qui aspirait à travailler pour le plus puissant
souverain du monde. Il entra au service d’un seigneur
chrétien. Un jour, celui-ci se signa par crainte du malin.
Christophe entra alors au service du diable manifestement
plus puissant. Mais à son tour, Satan prit peur devant
une croix dressée au bord du chemin. Christophe voulut
connaître ce souverain à la croix. Un ermite lui dit qu’il
pouvait servir ce seigneur en aidant les gens à franchir un
fleuve aux eaux profondes et que ledit seigneur se ferait
prochainement connaître. Au bout d’un long moment
apparut un enfant qui souhaita traverser. L’eau montait et
l’enfant était lourd. C’est avec peine qu’il atteignit l’autre
rive. Christophe avait fait traverser non seulement l’Enfant
Jésus, mais aussi la charge qu’Il portait sur les épaules.
Massijs exploite le thème pour peindre un splendide paysage
fluvial au coucher du soleil.
Joachim Patinir (Bouvignes ? 1475/80 – Anvers 1515/24)
Saint Christophe portant l’Enfant Jésus
Maison Rockox, inv. 77.35
Joachim Patinir était originaire de la région de Dinant. Probablement
fut-il formé à Bruges, dans l’atelier de Gerard
David. Il devint ensuite membre de la Guilde de Saint-Luc
à Anvers. Au seizième siècle, beaucoup de peintres se
spécialisèrent dans un genre en particulier. Patinir fut le
premier véritable paysagiste aux Pays-Bas. Albrecht Dürer
l’appelait ‘der gut landschaft maler’. Ce fut la première
mention du mot ‘paysage’ dans la langue allemande.
Beaucoup de peintres ont représenté ce saint protecteur
médiéval. Au début du seizième siècle, une grande partie
de la population croyait que le malin reculait à la vue de
l’effigie du mythique Christophe. Le géant devint le saint
patron des voyageurs, des passeurs, des bateliers et des
marins. On croyait que l’on ne pouvait pas mourir le jour
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L e C a b i n e t d ’ O r L E M u s é e R o y a l à l a M a i s o n R o c k o x
où l’on contemplait son image. À la fin du Moyen Âge et
au début de la Renaissance, il était représenté grandeur
nature sur les places et dans les églises.
Et tout comme Massijs, Patinir a placé le saint dans un
paysage grandiose. Ce n’est plus Christophe qui domine
dans l’œuvre de Patinir, où le paysage prend la prépondérance
sur la scène religieuse. Patinir peignait souvent en
perspective plongeante, ce qui lui donnait l’occasion de
déployer le paysage sous tous ses aspects jusqu’à l’horizon
tout en ramenant l’élément religieux à un minimum.
Joachim Patinir (Bouvignes ? 1475/80 – Anvers 1515/24)
Paysage avec la Fuite en Égypte
Signé Opus. Joachim D. Patinir
KMSKA, inv. 64
Joseph, Marie et leur enfant fuient dans un paysage fictif,
qui associe formes capricieuses des rochers mosans, pittoresques
fermes flamandes et côte italienne brumeuse.
Provenance : collection van Ertborn.
Disciple de Joachim Patinir
(Bouvignes ? 1475/80 – Anvers 1515/24)
Lot et sa famille fuient Sodome et Gomorrhe
KMSKA, inv. 5129
L’ire divine a frappé la ville dissolue de Sodome et incendié
une côte découpée. Un ange a emmené Lot et sa famille
par la main pour fuir la ville à temps. Il leur a demandé de
ne pas se retourner pour voir la ville en flammes. La femme
de Lot a désobéi et a été changée en statue de sel (Genèse
11:14 et 19). Le thème biblique offre au peintre un magnifique
prétexte pour représenter un paysage infernal.
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Marinus van Reymerswale
(Reimerswaal 1490/95 – Goes 1546/56)
Les Comptables de l’Accise
KMSKA, inv. 244
Un comptable de l’accise encaisse des accises sur la bière,
le vin et le poisson, et inscrit les recettes sous le regard
contrarié et méfiant d’un commerçant. L’étrange couvrechef
du receveur, comme recouvert d’un filet d’étoffe
rouge, contribue à l’effet caricatural de la scène. Sur
l’étagère dans le haut, nous notons une boîte ronde qui
contient des effets de commerce. Van Reymerswale peignit
encore d’autres receveurs de ville, avocats ou changeurs ;
certaines de ces œuvres sont des portraits réels. Le peintre
donne ainsi corps à l’émergence du capitalisme au début
de la Renaissance. Provenance : collection van Ertborn.
Attribué à Michiel Gast (Anvers 1505/25 – 1577/97)
Le Roi David dans un paysage
KMSKA, inv. 5123
Ce petit tableau rond fut attribué au paysagiste Michiel
Gast par analogie avec Les Pèlerins d’Emmaüs au Centraal
Museum d’Utrecht. Cette dernière peinture est datée
et monogrammée MG 1577. Les deux œuvres de petite
dimension sont très comparables en style et ce sont les
seules pièces connues que l’on puisse attribuer au maître.
Comme Le Roi David dans un paysage n’est pas peint sur
un panneau de chêne, on admet que Gast le réalisa pendant
son séjour à Rome (1538–1556).
Anonyme, Pays-Bas méridionaux
(premier quart du seizième siècle)
Saint Jean à Patmos
KMSKA, inv. 5042
Saint Jean l’Évangéliste et son aigle assis sur l’île de Patmos
que le peintre situe sur un large cours d’eau avec une
ville à l’arrière-plan. Dans le ciel, il représente la vision de
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L e C a b i n e t d ’ O r L E M u s é e R o y a l à l a M a i s o n R o c k o x
Jean : dans une lumière dorée apparaissent la Madone sur
un croissant de lune et le dragon heptocéphale de l’Apocalypse.
Anonyme, Pays-Bas méridionaux
(première moitié du seizième siècle)
Ecce Homo
KMSKA, inv. 572
(à partir d’avril 2013)
Ecce Homo seraient les mots prononcés par le gouverneur
romain Ponce Pilate lorsqu’il montra au peuple juif Jésus
après la flagellation, coiffé de la couronne d’épines, vêtu
de la tunique et portant les attributs royaux. Cette figure
du Christ est une copie d’un Ecce Homo de Quinten Massijs
I au Palazzo Ducale à Mantoue. Provenance : collection
van Ertborn.
Catharina van Hemessen (Anvers, 1527/28 – 1560/80)
La Déploration du Christ
Maison Rockox, inv. 77.94
Catharina, fille du peintre Jan van Hemessen, est une des
rares artistes féminines du XVIe siècle. Elle est également
représentée dans cette salle par le gracieux portrait d’une
dame inconnue. Elle figure ici avec subtilité le drame de la
déploration, poignant, mais affichant une peine refoulée.
Jean montre un chagrin visible et dissimule son visage
d’un linge ; Marie-Madeleine tient affectueusement la
main du Christ. Elle est reconnaissable au pot d’onguent
à l’avant-plan. À l’arrière-plan, nous reconnaissons la Jérusalem
céleste, représentée dans une teinte claire.
Anonyme (vers 1600)
Table pliante ronde
Maison Rockox, inv. 77.157
22

Coquillages
Nicolas Rockox possédait une collection de coquillages.
Twee caskens met diversche soorten van schelpen van allerhande
couleuren (deux caissettes de diverses sortes de coquillages
de toutes sortes de couleurs) cite son inventaire.
Les navires marchands les rapportaient de leurs lointains
voyages et ils étaient à cette époque de précieux bibelots.
Les orfèvres transformaient les coquilles en coupes.
Lambert Lombard (Liège, 1505/6 – 1566)
La Multiplication des Pains et des Poissons
Maison Rockox, inv. 77.35
Au cours de la première moitié du seizième siècle, Lambert
Lombard aura exercé une forte influence sur l’école de
peinture anversoise. Sa fascination pour la culture antique
– il séjourna deux ans à Rome – a incité Frans Floris I et
Willem Key à suivre ses leçons. C’est surtout Frans Floris I
qui deviendra la figure de proue de la peinture Renaissance
à Anvers. Les personnages principaux de ce récit
biblique occupent le centre de l’image : le Christ bénit les
pains et les poissons avec à sa droite ses disciples, Pierre
et André. Cette composition aux très nombreux personnages
est clairement structurée, selon un avant-plan montant
et un horizon trop haut placé, ce qui indique que
l’artiste ne maîtrisait pas les règles de la perspective.
Jan Massijs (Anvers 1509 – 1575)
La Sainte Famille
Signé et daté 1563 IOANNES MASSIJS PINGEBAT
KMSKA, inv. 5052
On ne connaît pas grand-chose de la vie de Jan Massijs. Le
fils de Quinten Massijs I fut suspecté de sympathies pour
le meneur de la secte des Loïstes, Eligius Pruystinck, et dut
quitter les Pays-Bas en 1544. Il séjourna très certainement
un temps à Gènes, mais son style érotique, raffiné et maniériste
laisse également supposer qu’il était également
proche de l’école de Fontainebleau.
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L e C a b i n e t d ’ O r L E M u s é e R o y a l à l a M a i s o n R o c k o x
Cornelis van Cleve (Anvers 1520 – après 1594)
L’Adoration des Mages
KMSKA, inv. 464
Ce panneau central d’un triptyque ornait initialement le
monument funéraire de Lodewijk Clarys et de son épouse
Marie le Batteur dans la cathédrale d’Anvers. L’historien
de l’art Max Friedländer attribua la peinture à Cornelis
van Cleve (fils d’un plus célèbre Joos) et en fit la base de
la reconstitution de l’œuvre du maître. Peut-être est-ce
cet artiste que d’anciennes sources surnomment ‘sotten
Cleef’, car il était atteint de déficience mentale. On rencontre
nombre de ces adorations dans les collections d’art
anversoises des seizième et dix-septième siècles.
Joachim Beuckelaer (Anvers 1533 – 1573)
La Fuite en Égypte
Monogrammé JB sur un tonneau et daté 1563
Maison Rockox, inv. 77.182
Fortement chargés, les marchands descendent vers la rive
d’un fleuve pour traverser avec le bac. Parmi les présents,
nous reconnaissons Joseph menant un âne sur lequel est
assise Marie avec l’Enfant Jésus. La scène biblique passe
inaperçue sur le marché. Dans cette peinture, le paysage
domine la scène biblique.
Joachim Beuckelaer (Anvers 1533 – 1575)
L’Allégorie de l’imprudence
Monogrammé JB et daté 1563
KMSKA, inv. 858
Ce panneau a été interprété comme une représentation du
fils prodigue, une scène d’auberge ou une scène de maison
close. Le comportement désinvolte du jeune homme
à l’avant-plan, la cage suspendue au plafond et différents
aliments dans la peinture font crument référence à la
luxure. Le vieil homme endormi à l’arrière-plan symbolise
un autre vice : la paresse. L’œuvre peut s’interpréter comme
une allégorie de l’imprudence. Le jeune écervelé court le
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danger de se brûler au feu de sa passion. Le dormeur
court quant à lui le risque de se brûler au feu du foyer.
Lucas van Valckenborch (Louvain ou Malines,
vers 1535 – Francfort-sur-le-Main 1597) et Georg Flegel
(Olmütz 1563 – Francfort-sur-le-Main 1638)
Marché au poisson ou Hiver
Vers 1595
KMSKA, inv. 5112
Lucas van Valckenborch était actif non seulement comme
paysagiste, mais aussi comme portraitiste et peintre de
scènes de marché. Dans bon nombre de ces œuvres, son
collaborateur Georg Flegel a réalisé la partie nature morte.
Ce marché au poisson enneigé faisait initialement partie
d’une série avec les autres saisons. Sur le plan d’eau gelé
à l’arrière-plan, nous pouvons voir des patineurs. Deux
dames emmitouflées viennent faire leurs achats. Elles sont
vêtues à la mode brabançonne des années 1580–1600.
À l’aide d’un hachoir, le poissonnier débite un saumon
en darnes, pendant que son épouse décroche du poisson
fumé. L’avant-plan est l’œuvre de Flegel. On notera tout
particulièrement le splendide éclat métallique du seau
d’étain et le bassin subtilement peint.
Paul Vredeman de Vries (Anvers 1567 – 1617)
Daniel demande la justice pour Suzanne
Monogrammé ‘PVR 1613’
Anvers, collection privée
Paul Vredeman de Vries était tout à la fois le fils et l’élève
de Hans Vredeman de Vries. Paul collabora à l’Architectura,
le chef-d’œuvre de son père. À la fin du seizième siècle,
Paul partit avec son père pour Prague, où il fonda la galerie
d’art impériale de Rudolf II. Paul était également fasciné par
la perspective et jouait avec l’espace. Dans ses peintures
également, l’architecture domine souvent l’iconographie
de l’avant-plan. Ce récit biblique évoque un jugement.
Suzanne est injustement accusée d’adultère par deux
hommes, pour avoir refusé leurs avances. Un jeune homme
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L e C a b i n e t d ’ O r L E M u s é e R o y a l à l a M a i s o n R o c k o x
nommé Daniel fait en sorte que ce ne soit pas Suzanne,
mais bien les deux hommes qui soient condamnés à mort.
Pieter Brueghel II
(Bruxelles 1564 ou 1565 – Anvers 1638)
Proverbes
Signé P. Bruegel, 1595
Maison Rockox, inv. 77.152
On n’a guère de détails sur la vie de Pieter Brueghel le
Jeune. Né à Bruxelles, il est le fils aîné du célèbre Pieter
Brueghel l’Ancien. Étant donné qu’il était fort jeune à la
mort de son père, c’est probablement en même temps
que son frère Jan I qu’il apprit la peinture auprès de sa
grand-mère Mayken Verhulst. L’art de Pieter II est entièrement
placé sous le signe de celui de son père. Non seulement
il a fréquemment copié nombre de ses œuvres,
mais des peintures qui sont le fruit de sa propre inspiration
ont été influencées par le style populaire de son père.
Cette œuvre de la collection de la Maison Rockox est une
bonne copie de la peinture que Pieter Brueghel l’Ancien a
réalisée en 1559 à Anvers et qui se trouve aujourd’hui à
Berlin. Les plus de cent proverbes peuvent se répartir en
deux groupes. Le premier illustre l’absurdité des actes des
hommes et met le monde sur la tête, le symbolisant par
un globe dont la croix est dirigée vers le bas. Ces comportements
écervelés peuvent générer des péchés, qui font
l’objet de la seconde catégorie de scènes symbolisées par
la femme infidèle qui entoure son mari de la cape bleue.
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Jan Brueghel I (Bruxelles 1568 – Anvers 1625)
Fleurs dans un vase
KMSKA, inv. 643
Les fleurs de cette peinture sont ordonnées les unes
au-dessus et à côté des autres sans se recouvrir. Jamais
Brueghel n’a eu ce somptueux bouquet sous les yeux dans
la réalité, car la fritillaire, l’iris, la pivoine, le lis, la tulipe, le
narcisse, le myosotis et la rose fleurissent à des moments
différents. Brueghel est la figure centrale dans la diffusion
de la nature morte aux fleurs aux Pays-Bas méridionaux et
septentrionaux, peu après 1605. Selon ses propres écrits,
il ne laissait personne collaborer à ses délicates natures
mortes aux fleurs. Mais son fils Jan travaillait tout à fait
dans le même style et il n’est pas toujours facile de distinguer
une main de l’autre.
Osias Beert I (Anvers vers 1580 – 1624)
Bouquet de fleurs
Maison Rockox, inv. 77.167
Sur les traces de Jan Brueghel I, Beert peignit ses natures
mortes aux fleurs au début du dix-septième siècle. L’inventaire
de Rockox ne fait pas mention d’œuvres de Beert,
mais bien de peintures de représentants de la dynastie des
Brueghel. Les deux artistes étaient passés maîtres dans la
création de somptueux bouquets, représentant chaque
fleur au moment le plus attrayant de son existence en
se basant sur une observation approfondie. Ces compositions
florales renvoient à la fugacité de l’existence terrestre,
à la vanitas.
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L e C a b i n e t d ’ O r L E M u s é e R o y a l à l a M a i s o n R o c k o x
Cornelis Hagaerts
(Breda, fin du seizième siècle – Anvers, 1642)
Virginal
Maison Rockox, inv. 80.1
Hagaerts est mentionné comme maître de la Guilde de
Saint-Luc en 1626–1627 et fut également membre de la
corporation des menuisiers. Hagaerts construisit ce virginal
absolument de la même manière que la célèbre famille
Rückers, pour laquelle il a probablement travaillé. La table
d’harmonie est délicatement peinte de divers oiseaux et
fleurs. La citation latine ‘Sic Transit Gloria Mundi’ (Ainsi
passe la gloire du monde) est probablement tirée de De
Imitatione Christi du moine augustin médiéval Thomas à
Kempis et se rapproche fortement de l’idée de vanitas que
nous retrouvons aussi dans les natures mortes.
Cabinet d’art avec jardin en perspective et fleurs et fruits
Anvers, milieu du dix-septième siècle
Maison Rockox, inv. 77.96
Ce cabinet est entièrement plaqué d’ébène. Les portes
extérieures dissimulent des tiroirs abritant toutes sortes
d’objets précieux comme des documents de valeur, des
monnaies, des diamants, des bijoux, des broderies et dentelles.
Mais il arrivait aussi que l’on range des bulbes précieux
dans les tiroirs de cabinets. Au centre du cabinet est
ménagée une perspective ou chambre à miroirs. En leur
milieu, les deux portes montrent des reliefs sculptés avec
talent, Le sacrifice d’Abraham et Isaac et Rebecca et Eliezer,
d’après des compositions de Bernard Salomon. Sous
la corniche se trouvent les représentations d’Abraham et
Sarah et de Le renvoi d’Agar. L’intérieur et l’extérieur des
portes ainsi que les tiroirs sont gravés de motifs floraux,
des fleurs de printemps et d’été.
Coraux
Tout comme les coquillages, les coraux font partie des naturalia
qui étaient souvent exposés dans les cabinets d’art. On
les collectionnait pour leur origine exotique et leur rareté.
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Jan Massijs (Anvers 1509 – 1575)
Judith
Signé et daté IOANNES MASSIIS PING.
KMSKA, inv. 5076
Judith est parée de bijoux élégants et vêtue d’un voile
transparent. Dans sa main gauche, elle tient la tête d’Holopherne,
général de Nabuchodonosor, roi d’Assyrie. Elle
détourne discrètement les yeux. Sa main droite tient un
sabre. Elle a séduit et enivré Holopherne pour le décapiter
ensuite, sauvant ainsi le peuple juif du déclin. À gauche,
on assiste à la panique qu’occasionne l’événement chez
l’ennemi. Les femmes fortes de l’Ancien Testament comme
Judith, mais aussi Ève et Dalila, étaient un thème très prisé
dans la peinture et la littérature d’Europe occidentale.
Jan van Hemessen (Hemiksem 1500 – 1563)
Saint Jérôme en moine
Maison Rockox, inv. 77.3
Jan van Hemessen (Hemiksem 1500 – 1563)
Saint Jérôme en moine
Anvers, Collection privée
(jusqu’au mois d’août 2013)
Le saint Jérôme de la Maison Rockox est la seule œuvre
de la collection originale dont nous disposions dans notre
collection actuelle. Jérôme était un des quatre pères de
l’Église latine. Sur ce panneau, il est représenté en savant
au travail dans son cabinet d’étude. Jérôme partit pour
Jérusalem, où il traduisit l’Ancien Testament d’hébreu en
latin et révisa la traduction latine du Nouveau Testament.
Jérôme fut choisi comme patron de l’humanisme, car on
le considérait comme un symbole de contemplation. Par
la fenêtre nous voyons Bethléem, mais cette ville d’Orient
est représentée dans le style architectural du gothique
flamand primitif. Deux chameaux peints à l’avant-plan
constituent le seul élément exotique de cette scène.
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L e C a b i n e t d ’ O r L E M u s é e R o y a l à l a M a i s o n R o c k o x
Petite armoire murale
Anvers, vers 1600
Maison Rockox, inv. 77.88
Cette armoire murale expose un échantillon de la collection
de porcelaine chinoise de la Maison Rockox. Cette
porcelaine nommée d’après Wanli (1563–1620), dernier
empereur de la dynastie Ming (1368–1644), était un bien
d’exportation très populaire. On l’appelle aussi ‘porcelaine
caraque’. Le terme ‘caraque’ fait référence à un type de
navire portugais, la carraca ou caraque, à bord de laquelle
les premières porcelaines ont été importées en Europe à la
fin du seizième siècle.
Jean Clouet (Hainaut vers 1480 – Paris 1531)
Le dauphin François, fils du roi François Ier
KMSKA, inv. 33
Le prince héritier français François est né en 1518 pour
décéder prématurément en 1536. Probablement le peintre
de cour Jean Clouet a-t-il fait le portrait de l’enfant
vers 1522/1523, lorsqu’il avait quatre ou cinq ans. Le rang
royal du modèle peut se déduire de ses riches atours.
Par les fentes du pourpoint doré, on entrevoit la chemisette
blanche ; les épaules sont recouvertes de velours
rouge et le chapeau noir est décoré de duvet d’eider.
Le petit visage exprime volonté et royale dignité : les enfants
royaux n’ont guère le temps d’être des enfants.
Attribué à Jan van Amstel
(Amsterdam 1490/1510 – Anvers 1537/44)
Saint Christophe
KMSKA, inv. 849
Cette peinture illustre la légende de saint Christophe
comme s’il s’agissait de la représentation d’un rhétoriqueur.
À droite, le saint observe la déroute des armées de
Satan. À gauche, il est accablé du poids sur ses épaules
de l’Enfant Jésus juché sur un globe terrestre. Le premier
globe terrestre date de 1493 et est de la main du
30

marchand de Nuremberg Martin Behaim qui séjourna à
plusieurs reprises à Anvers. Plusieurs marchands et collectionneurs
de la ville scaldienne possédaient de tels globes.
Pieter Pourbus (Gouda 1523/24 – Bruges 1584)
Portrait d’Olivier Nieulant
Monogrammé et daté P P An° DNI 1573
KMSKA, inv. 5074
Grâce au blason en haut à droite, nous pouvons identifier
la personne portraiturée comme Olivier van Nieulant,
échevin à Bruges, greffier de la cour de justice ainsi que
pensionnaire du conseil et greffier du Pays de Waes. Sous
la date, nous trouvons l’âge d’Olivier : 26 ans et 10 mois.
Catharina van Hemessen (Anvers 1527/28 – 1560/80)
Portrait d’une femme
Monogrammé CJgF et CHF
(selon catalogue du musée en 1920)
KMSKA, inv. 182
L’artiste peintre amateur Catharina van Hemessen, seconde
fille du peintre Jan van Hemessen, était dame
d’honneur de Marie de Hongrie à Bruxelles. Catharina
peignait principalement des sujets religieux et des portraits
de femmes. Celui-ci représente probablement une
dame d’honneur, élégamment vêtue d’un corsage noir à
manches rouges. Provenance : collection van Ertborn.
Hans Bol (Malines 1534 – Amsterdam 1593)
Vue panoramique d’Anvers et de son port
Signé HBOL et daté 1583
Maison Rockox, inv. 2003.1
Hans Bol appartenait à l’école malinoise des paysagistes.
En 1572, il s’enfuit de Malines occupée par les Espagnols
pour rejoindre Anvers. Mais lorsque cette ville tomba à
son tour aux mains des troupes espagnoles en 1584, Bol
chercha refuge aux Pays-Bas septentrionaux ; il mourut à
31

L e C a b i n e t d ’ O r L E M u s é e R o y a l à l a M a i s o n R o c k o x
Amsterdam. Cette magnifique vue de la ville d’Anvers est
dominée par la pointe de la cathédrale Notre-Dame et le
clocher disparu de l’abbaye Saint-Michel. Entre ces deux
édifices se dresse la tour de l’église Saint-André. Sur la
gauche de ce panorama urbain, nous entrevoyons encore
l’église Sainte-Walburge aujourd’hui démolie, partiellement
cachée par le Steen. Cette miniature est tout juste
antérieure à l’invasion espagnole. Rien ne trahit l’approche
d’une catastrophe pour Anvers : on voit beaucoup de bateaux
et il règne encore une activité intense sur l’Escaut.
Lucas van Valckenborch (Louvain ou Malines,
vers 1535 – Francfort-sur-le-Main 1597)
Huy-sur-Meuse, vue d’Ahin
KMSKA, inv. 30
Lucas van Valckenborch est né dans une famille qui comptait
trois générations de peintres. Il travailla à Liège, Aixla-Chapelle,
Anvers, Bruxelles, Linz et Francfort. Il avait
des sympathies calvinistes et espérait que ses voyages le
feraient échapper aux persécutions. Van Valckenborch
était peintre de la cour de l’archiduc Matthias, qui fut
brièvement gouverneur général des Pays-Bas espagnols
(1578–1581). Cette peinture représente la vallée de la
Meuse avec à l’arrière-plan la ville de Huy que l’on reconnaît
à la collégiale, à la porte de Namur et à la citadelle.
Sur la droite, un haut-fourneau témoigne de la longue
tradition de métallurgie dans la région. À l’avant-plan, un
porcher se sert d’un bâton pour faire tomber des glands
d’un chêne, pour nourrir ses cochons.
Jeremias van Winghe
(Bruxelles 1578 – Francfort-sur-le-Main 1645)
Nature morte
Collection privée, en prêt de longue durée
au KMSKA, inv. IB 07.005
Sur les traces de son père Joos, Jeremias van Winghe pratiquait
initialement le dessin à la plume. Il étudia ensuite
chez le peintre Frans Badens à Amsterdam et séjourna
32

quelques années en Italie, avant de s’installer comme portraitiste
à Francfort. En 1616, il épousa la fille d’un bijoutier
et devint négociant en pierres précieuses et bijoux
pour revenir à la peinture en 1640. On connaît de sa main
quelques portraits, scènes de marché et natures mortes.
Osias Beert I (Anvers vers 1580 – 1624)
Nature morte avec trois verres à vin dans une niche
Collection privée, en prêt de longue durée
au KMSKA, inv. IB 07.001
Le peintre de fleurs et de fruits Osias Beert I ne signait que rarement
ses œuvres. Elles sont cependant aisément reconnaissables
à la touche claire et descriptive. Dans cette charmante
nature morte, la réflexion de la lumière fait scintiller les verres
d’apparat comme autant de joyaux. Avec Clara Peeters, Beert
est au nombre des pionniers de la nature morte flamande.
Clara Peeters (Anvers ? 1580/89 – vers 1640)
Nature morte au poisson
Vers 1620. Signé à deux reprises CLARA P.
KMSKA, inv. 834
Après avoir apposé sa première signature, l’artiste a rabaissé
la table, ce qui a fait disparaître cette signature en
grande partie. Au centre de cette délicate nature morte,
on peut voir une carpe et un brochet dans une passoire
de terre cuite. À droite des poissons, des crevettes et des
huîtres et, à gauche, quelques écrevisses. On sait peu de
choses de la vie de Clara Peeters. Peut-être a-t-elle été formée
par Osias Beert I. On connaît de sa main des natures
mortes de la période de 1607 à 1621.
33

L e C a b i n e t d ’ O r L E M u s é e R o y a l à l a M a i s o n R o c k o x
PASSAGE 2
“Inventaris van allen de meuble ende ruerende haeffelycke goederen,
pampieren, rentbrieven, stucken ende munimenten,
conste van schilderyen ende anderssints,
bevonden ten sterffhuysse van wylen heer Nikolaas Rockox,
ridder oudt borgemeester was deser stadt Anvers,
die op den twelfsten december vanden jegenwoordigen jaere
sesthienhondert viertich deser weerelt is overleden.”
Peu après la mort de Nicolas Rockox, on dressa un inventaire de sa
maison mortuaire. Son mobilier est décrit dans un document qui continue
à nous informer de nos jours du mode de vie d’un patricien du dixseptième
siècle comme Rockox.
34

Antoine Steenwinkel
(Pays-Bas méridionaux ? – Copenhague 1688)
Portrait de vanité du peintre
KMSKA, inv. 5025
Les inscriptions Steenwinkel og hústrú (‘Steenwinkel et son
épouse’ en danois) et Ipse pinxit sont peintes sur le craquelé
et donc de date ultérieure. Le miroir qui reflète le
portrait d’un homme au chapeau à large bord n’est pas
tenu par une femme, mais par un jeune homme. Devant
ce miroir sont disposés sur une armoire divers symboles de
la vanitas : un sablier, des livres et un crâne. L’avant-plan
est occupé par un mystérieux tiroir ouvert. Steenwinkel
crée ici une remarquable illusion d’optique, dont la signification
se prête à différentes interprétations.
Disciple d’Adriaen Brouwer
(Audenarde, vers 1605 – Anvers 1638)
Un porteur
KMSKA, inv. 897
Le haut couvre-chef en forme de sac descendant jusqu’aux
épaules laisse supposer que le personnage représenté est
un débardeur ou un porteur. La pose élégante des jambes et
l’attitude aristocratique du bras contrastent vivement avec
le regard quelque peu embrumé de cet ouvrier du port.
35

L e C a b i n e t d ’ O r L E M u s é e R o y a l à l a M a i s o n R o c k o x
SALLE 4
Tgroot Salet
Le cabinet d’art baroque
En 1603, Rockox acquit sa demeure dans la Keizerstraat. Elle se composait de deux immeubles, avec
à l’arrière un petit jardin de ville. Rockox fit transformer l’habitation dans le style de la Renaissance
flamande et y ajouta un cabinet d’art et un cabinet d’étude. Le cabinet d’art est parallèle à la
colonnade couverte et ferme le jardin intérieur Renaissance. Dans son cabinet d’art, l’attention
est immédiatement attirée par la cheminée Renaissance. C’est l’unique cheminée encore d’origine
de la maison Rockox. En 1608, Rubens revint d’Italie. Il y avait séjourné près de huit ans pour s’y
plonger dans l’art et l’histoire de l’Antiquité romaine et les réalisations des maîtres italiens. Il y
étudia notamment l’école vénitienne avec Titien, Véronèse et le Tintoret. Son art était alimenté par
la sculpture de l’Antiquité classique, par Michel-Ange et le Caravage. Rubens donna ainsi corps à
l’art baroque en Europe du Nord. Avec Jacques Jordaens et Anthony van Dyck sur ses traces, il fit
du baroque un label de qualité pour Anvers. Rubens devint peintre à la cour des archiducs Albert
et Isabelle, mais pouvait s’acquitter de cette tâche depuis Anvers. Un de ses principaux mécènes
après son retour d’Italie fut Nicolas Rockox. Ce dernier passa à Rubens d’importantes commandes
pour l’hôtel de ville d’Anvers, pour la cathédrale, pour l’église Saint-Charles Borromée, pour l’église
des Frères Mineurs et pour sa propre maison dans la Keizerstraat.
36

Nicolas Rockox, un célèbre collectionneur d’art
L’inventaire de sa maison mortuaire nous apprend que Rockox possédait 82 peintures.
Une collection dans laquelle les principaux peintres étaient représentés : des artistes
contemporains comme Rubens, van Dyck, Francken, des œuvres de la dynastie des
Brueghel et beaucoup d’autres. Vers 1630, un patricien possédait en moyenne quinze
peintures. Un autre orgueil de ses collections d’art étaient ses monnaies, plus de onze
cents pièces, des exemplaires grecs et romains depuis le cinquième siècle avant notre
ère jusqu’au second siècle de notre ère. Il en tenait un catalogue écrit de sa main. Des
sculptures ornaient également sa demeure et faisaient partie des objets antiques dont
Rockox avait également dressé un inventaire. Il y citait dix-neuf bustes, des hommes
d’État, des orateurs, des figures mythologiques … Dans la maison de Rockox, on trouva
également deux cent trois livres après son décès. Les archives du musée Plantin Moretus
nous apprennent que sur une période de trente et un ans, il avait acquis soixante-deux
volumes, les bestsellers de son époque, parmi lesquels un certain nombre de belles
éditions botaniques, des ouvrages historiques connus mais aussi des livres religieux.
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L e C a b i n e t d ’ O r L E M u s é e R o y a l à l a M a i s o n R o c k o x
Peter Paul Rubens (Siegen 1577 – Anvers 1640)
Venus frigida
Signé et daté sur une pierre, à gauche
d’Amor : P.P. Rubens F. 1614
KMSKA, inv. 709
(du 15 septembre 2013 au 15 avril 2014,
Madrid, Prado)
Rubens illustre ici un proverbe antique du dramaturge
romain Térence : ‘Sans Cérès et Bacchus, Vénus a froid’ ou
en d’autres termes : ‘La faim et la soif refroidissent l’amour’.
Pour la déesse gelée, le peintre s’est inspiré d’une statue
de marbre romaine qu’il avait admirée pendant son séjour
à Rome au Palais Farnèse. Le format initial de la peinture
était plus petit et à la verticale (121 x 95 cm) ; le paysage
n’a été agrandi qu’après la mort de l’artiste. À la fin du
dix-septième siècle, l’œuvre appartenait à J.A.N. Peytier
de Merchten, échevin d’Anvers (°1706).
Jacques Jordaens (Anvers 1593 – 1678)
Les enfants fredonnent la chanson du père
Signé et daté J. JORDE. FECIT 1638
KMSKA, inv. 677
(du 15 septembre 2013 au 15 avril 2014,
en remplacement de la Venus Frigida)
Dans cette joyeuse scène domestique, les grands-parents
interprètent des airs d’un recueil de chansons, tandis
que le père souffle vigoureusement dans sa cornemuse.
Même les tout petits font de leur mieux. Le bébé sur les
genoux de sa mère souffle dans la flûte de son hochet
pendant que son grand frère joue de la flûte à bec. Dans
le haut du cartouche, on peut lire le proverbe qui figure
dans l’ouvrage emblématique de Jacob Cats, Spiegel van
den ouden en nieuwen tijdt (1632) : les jeunes succèdent
aux vieux. Le vieil homme est probablement Adam Van
Noort, précepteur et beau-père de Jordaens. Le joueur de
cornemuse est peut-être Jordaens lui-même.
38

Anthony van Dyck (Anvers 1599 – Blackfriars 1641)
La Déploration du Christ
KMSKA, inv. 404
Cette toile a été peinte en 1635 sur une commande de
l’abbé italien Cesare Alessandro Scaglia, comte de Verrua.
Scaglia accomplissait non seulement des missions diplomatiques,
mais c’était aussi un homme d’affaires et un
marchand d’art. En tant qu’ambassadeur à Londres, il servait
les intérêts du roi d’Espagne Philippe IV. En 1639, Scaglia,
très malade, vint à Anvers pour y vivre ses dernières
années au couvent des Frères Mineurs. Anthony van Dyck
reçut la commande de peindre une déploration du Christ,
qui serait accrochée au-dessus de la tombe de Scaglia.
L’abbé possédait pas moins de sept peintures de van Dyck
qui avait réalisé plusieurs portraits de lui.
Jacques Jordaens (Anvers 1593 – 1678)
Méléagre et Atalante
KMSKA, inv. 844
(jusqu’au 27 janvier 2013 à Bruxelles,
Musées Royaux des Beaux-Arts et du 1er mars
au 16 juin 2013 à Cassel, Fridericianum du
Museumslandschaft Hessen)
L’Iliade d’Homère conte que la déesse Diane envoya un
énorme sanglier en Calédonie, car le roi de ce pays avait
négligé de lui faire un sacrifice. On tenta bien de chasser
et de tuer l’animal et la combative Atalante parvint même
à blesser le sanglier. Son bien-aimé, le prince héritier
Méléagre, donna le coup de grâce et lui offrit la tête de
l’animal. Les oncles jaloux de Méléagre voulurent toutefois
lui dérober le trophée de chasse. Jordaens représente
le moment où Méléagre indigné tire son épée. Dans le
récit, il tue ses oncles et est ensuite maudit par sa mère. Il
mourra d’une mort atroce.
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L e C a b i n e t d ’ O r L E M u s é e R o y a l à l a M a i s o n R o c k o x
Abraham Janssens I (Anvers vers 1573 – 1632)
Concorde, Charité et Sincérité conquérant Discorde
1622
KMSKA, inv. 5001
(jusqu’à la fin juin 2013,
en remplacement de Méléagre et Atalante)
De sa main droite, Concordia (la concorde) retient une
corne d’abondance avec des fruits et des épis de blé et
dans la main gauche, elle tient un faisceau de flèches.
C’est là un symbole de l’unité dans la multiplicité. Caritas
(la charité) noue le faisceau de flèches avec un ruban
rouge. À côté d’elle, un garçonnet brandit un cœur enflammé.
Sincerita (la sincérité) vêtue de blanc a déjà noué
son ruban blanc. À l’arrière-plan, l’inquiétante Discordia (la
discorde) contemple la scène, impuissante. Des répliques
de cette œuvre sont conservées à la Gemäldegalerie de
Berlin et au Musée des Beaux-Arts de Valenciennes.
Jacques Jordaens (Anvers 1593 – 1678)
L’Éducation de Jupiter
Maison Rockox, inv. 77.20
Outre de nombreuses peintures – tant mythologiques
que religieuses – et des cartons de tapisseries, Jordaens
a laissé une œuvre de plus de quatre cents dessins. Il a
probablement réalisé cette petite œuvre vers 1645.
Jupiter ou Zeus (dans la mythologie grecque) était fils de
Cronos et de Rhéa. Cronos dévorait ses propres enfants à
la naissance, mais Rhéa put sauver Zeus à temps en le cachant
en Crète, où il fut élevé par des nymphes. La chèvre
Amalthée, représentée dans le haut à droite, allaita Zeus.
Celui-ci est figuré ici avec une lyre. Cet instrument fut
probablement introduit en Grèce depuis l’Asie mineure.
La lyre et la cithare, apparentée mais plus grande et plus
robuste, servaient surtout d’accompagnement au chant
ou à la récitation de poésies.
40

Peter Paul Rubens (Siegen 1577 – Anvers 1640)
Épitaphe de Nicolas Rockox et de
son épouse Adriana Perez
KMSKA, inv. 307-311
Rubens peignit ce triptyque pour Rockox (1560–1640)
et son épouse Adriana Perez (1568–1619) vers 1613/15.
Les deux époux occupent les panneaux latéraux. Au dos
de ces panneaux, le peintre a représenté les blasons du
couple. La scène du panneau central est généralement décrite
comme L’Incrédulité de Thomas, mais probablement le
thème se veut-il plus large et représente-t-il la foi dans le
Christ ressuscité. Le triptyque était exposé dans la chapelle
funéraire de Rockox ou chapelle de l’Immaculée, derrière
le chœur de l’église des Frères Mineurs à Anvers. La Maison
Rockox toute proche s’imposait donc pour exposer ce
chef-d’œuvre pendant la fermeture du KMSKA.
Rafraîchissoir à bouteilles, 17e siècle
Maison Rockox, inv. 7764
Rempli de glace, ce rafraîchissoir en cuivre battu servait
autrefois à refroidir le vin. Seules les personnes nanties
avaient les moyens de se procurer en été de la glace qui
avait été stockée l’hiver dans des glacières spécialement
aménagées à cet effet. Le rafraîchissoir à bouteilles était
un symbole de richesse.
Cornelis de Vos (Hulst 1584 – Anvers 1651)
Portrait d’Abraham Grapheus
Signé et daté C. DE Vos, F. Anno 1620
KMSKA, inv. 104
Abraham de Graef ou Grapheus était au service de la Guilde
de Saint-Luc à Anvers en qualité de ‘knaep’. Maerten de Vos,
Jacques Jordaens et Anthony van Dyck immortalisèrent son
visage buriné de diverses manières. Dans ce portrait particulier,
il est représenté comme un vieillard, bardé du collier
d’honneur fait de plaques pectorales en argent ornées des
symboles de la guilde. Le calice dans la main de Grapheus
41

L e C a b i n e t d ’ O r L E M u s é e R o y a l à l a M a i s o n R o c k o x
est probablement celui que les familles de notables offrirent
à la guilde en 1549. Le calice de droite sur la table, couronné
de Pictura, la personnification de la peinture, fut créé par
Sebastiaan Vrancx en 1612. Cette pièce d’orfèvrerie a disparu
dans la tourmente de la Révolution française.
Anthony van Dyck (Anvers 1599 – Blackfriars 1641)
Portrait de Marten Pepijn
Inscription : ME PICTOREM, PICTOR PINXIT D. ANT. VAN DYCK
EQVES ILLVSTRIS en A° D. 1632 / AET. ME LVIII.
KMSKA, inv. 793
Le peintre Marten Pepijn (1575–1643) était un des Romanistes
anversois. Ces peintres travaillaient dans un style un peu austère,
classique et furent rapidement éclipsés par Rubens et
ses collaborateurs. Van Dyck peignit le portrait pendant sa
seconde période anversoise (1627–1632), au cours de laquelle
il pratiqua un style très atmosphérique et raffiné. Cela doit
avoir eu lieu en janvier ou février 1632, car une lettre atteste
que l’artiste était déjà à Londres le 13 mars de la même année.
Peter Paul Rubens (Siegen 1577 – Anvers 1640)
Portrait de Gaspard Gevartius
Vers 1628
KMSKA, inv. 706
Jan Gaspard Gevaerts ou Gevartius (1593–1666) nous
considère depuis son cabinet de travail. Le modèle étudia
le droit à Louvain et se fit connaître comme philologue,
poète néo-latin et historiographe. Il écrivit notamment un
commentaire inédit sur l’empereur et philosophe romain
Marc Aurèle, dont un buste orne son bureau. De 1621
à 1662, Gevartius occupa le poste de greffier de la ville
d’Anvers. Dans cette position, il était responsable de
l’organisation de cérémonies officielles comme la Joyeuse
Entrée du Cardinal-Infant Ferdinand en 1635 et entretenait
des liens étroits avec son ami Rubens. Par ailleurs,
il allait également prendre à sa charge la formation classique
du fils aîné de Rubens, Albert, et rédiger l’épitaphe
latine de l’artiste à l’église Saint-Jacques.
42

Willem Key (Breda vers 1515 – Anvers 1568)
Portrait d’une dame
Maison Rockox, inv. 78.1
Comme aucun autre artiste, Key sut conférer de la dignité
au portrait Renaissance. Nous sommes ici face à une dame
de qualité, vêtue à la mode espagnole. Il émane d’elle une
grande assurance, un caractère impénétrable qui force
le respect, autant de traits que l’on associe à l’individu
Renaissance du milieu du seizième siècle. Même si nous
ignorons l’identité de cette dame, sa présence qui en impose
et son élégance nous permettent de la rattacher à la
bourgeoisie aisée.
Joos de Momper II (Anvers 1564 – 1635)
Le voyage de Tobie
Maison Rockox, inv. 77.130
Probablement de Momper, après son accession à la maîtrise
à Anvers en 1581, se rendit-il en Italie, pour en revenir
au plus tard en 1590. Son voyage par-delà les Alpes
l’a inspiré et, passé 1600, nous voyons souvent dans ses
paysages des formations rocheuses, des grottes et des
montagnes. Cette période est la plus productive, mais
n’apporte encore que peu d’innovation. Bien que les paysages
postérieurs à 1600 continuent à charmer le public,
il s’agit toujours de variations sur un même thème. De
Momper ne signait ou datait que rarement ses œuvres.
L’étude de son art est donc basée sur une comparaison de
styles et de connaissances. Le paysage sert ici de décor au
voyage biblique de Tobie.
Mattheus Adolfsz. Molanus
(Frankenthal 1590-1595 – Middelburg 1645)
Baptême du Serviteur maure
KMSKA, inv. 933
Ici également, le paysage fait office d’arrière-plan pour
une scène biblique.
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L e C a b i n e t d ’ O r L E M u s é e R o y a l à l a M a i s o n R o c k o x
Roelant Savery (Courtrai, 1576 – Utrecht 1639)
Paysage avec animaux sauvages
Maison Rockox, inv. 77.39
L’empereur Rodolphe II, pour qui Savery travaillait à
Prague, possédait un jardin zoologique ainsi qu’une collection
de pierres, de coquillages, d’insectes naturalisés et
autres raretés exotiques. Savery fut invité comme paysagiste
à Prague, car il suivait la tradition de Pieter Brueghel
l’Ancien. Cette peinture particulière de sa main met en
scène divers animaux sauvages. De robustes quadrupèdes
comme des lions et des léopards dévorent les plus faibles,
comme les canards et les cerfs.
Frans Francken II (Anvers 1581 – 1642)
L’Adoration du Veau d’Or
Maison Rockox, inv. 77.93
Frans Francken II faisait partie d’une famille d’artistes qui
comptait bon nombre de peintres. II s’est surtout consacré
à la peinture de cabinets d’art. Pour le reste, il a surtout
réalisé des peintures religieuses, comme cette Adoration
du Veau d’Or. À l’avant-plan, les Israélites déposent leurs
bijoux et vaisselle d’argent aux pieds d’Aaron. Plus loin, on
danse autour du piédestal du veau d’or. En haut à gauche,
Moïse redescend du Mont Sinaï en compagnie de Josué.
Désabusé, il brise les Tables de la Loi.
Hans Bol (Malines 1534 – Amsterdam 1593)
Kermesse flamande
Maison Rockox, inv. 77.103
Outre des paysages, Bol peignait aussi des scènes bibliques
et mythologiques ainsi que des tableaux de genre dans
la tradition de la Renaissance. Son œuvre, influencée par
celle de Pieter Brueghel l’Ancien, montre également une
parenté avec celle de Jacob Grimmer et Joachim Patinir. La
kermesse était une fête flamande au cours de laquelle on
célébrait le saint patron de la paroisse. Chaque citoyen y
prenait part. La plus grande partie de la foule représentée
44

ici sont des paysans au dur labeur. Ils s’amusent, dansent
et chantent. Les riches bourgeois et les nobles paradent
dans leurs coûteux habits et se distancient du peuple.
Bien qu’il y eût à cette époque presque autant de jours
de congé qu’aujourd’hui (on ne travaillait pas le dimanche
et quelque trente à quarante fêtes de saints étaient également
chômées), les loisirs étaient absorbés pour une
bonne part par les occasions religieuses.
Jerôme Duquesnoy II (Bruxelles 1602 – Gand 1654)
Cimon et Pero (‘Caritas Romana’)
KMSKA, inv. 703
Duquesnoy était un sculpteur et architecte baroque. Cette
sculpture de marbre représente une légende romaine
populaire. Cimon est emprisonné et condamné à mourir
de faim. Sa fille Pero vient le visiter et le nourrit au sein.
Grâce au lait de sa fille, le vieillard retrouve des forces. Le
magistrat, qui vient à entendre l’histoire, décide de libérer
Cimon. Très vite, Pero devient le symbole de l’amour filial.
En 1654, Duquesnoy II fut pris en flagrant délit de sodomie
avec deux jeunes assistants qui travaillaient avec lui
au mausolée de l’évêque Antoine Triest, pour être ensuite
étranglé et brûlé sur le Marché au Grain de Gand.
Attribué à Artus Quellinus I
(Anvers 1609 – 1668)
Énée porte son père Anchise après l’incendie de Troie
KMSKA, inv. 5126
Quellinus était un des principaux sculpteurs du dix-septième
siècle, influencé à Rome par Duquesnoy et à Anvers
par Rubens. Les errances d’Énée – demi-dieu et chef
des Troyens – sont décrites de façon circonstanciée dans
l’Iliade d’Homère et dans l’Énéide de Virgile. Avec son père
Anchise âgé sur les épaules, Énée fuira Troie en flammes
pour reconstruire une autre vie ailleurs. Il aboutira finalement
au Latium, où ses descendants Romulus et Remus
fonderont une nouvelle ville : Rome.
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L e C a b i n e t d ’ O r L E M u s é e R o y a l à l a M a i s o n R o c k o x
Attribué à Michiel Coignet (Anvers 1618 – vers 1663)
Cabinet d’art avec le récit
des Métamorphoses d’Ovide
Maison Rockox, inv. 77.144
Les cabinets d’art ou de curiosités servaient à ranger de
petits objets précieux, bijoux, lettres, monnaies … Ils ne
manquaient généralement pas à l’inventaire du mobilier
d’un riche patricien. Cet exemplaire est décoré de petites
peintures représentant des scènes des Métamorphoses du
poète romain Ovide, comme sur le panneau intérieur le
récit de Méléagre et Atalante et sur le panneau de droite Le
Sacrifice d’Iphigénie.
Attribué à Frans Francken II
(Anvers 1581 – 1642)
Cabinet peint de scènes de la Genèse
Amsterdam Rijksmuseum, inv. NM 4789
À l’instar de leurs homologues d’Augsbourg, les ébénistes
d’Anvers réalisaient eux aussi des cabinets d’apparat et ce,
dès le seizième siècle. Mais contrairement aux meubles
allemands qui étaient exécutés entièrement en ébène et
autres essences précieuses, les portes et tiroirs des armoires
anversoises étaient décorés d’une tout autre façon, à
savoir de miniatures ou de broderies. À Anvers, des dizaines
de peintres de cabinets travaillaient sur commande
pour de grands marchands d’art comme Forchondt.
Table à pieds renflés flamande
Premier quart du dix-septième siècle
Maison Rockox, inv. 77.27
Sur cette table sont exposés des rariora du dix-septième
siècle :
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Frederik Hildebrand (seizième siècle)
Coupe d’apparat en vermeil,
avec scènes mythologiques dans des cartouches
Maison Rockox, inv. 77.57
Attribué à Rombout de Raisier
(Anvers vers 1573 – avant 1638)
Coupe Van Nispen
1615
Maison Rockox, inv. 2007.1
La coupe Van Nispen est une tazza, initialement un gobelet,
mais créé ici comme un gobelet d’apparat pour Balthasar
Van Nispen, le prévôt de la Monnaie de Brabant.
Peut-être Van Nispen a-t-il fait réaliser lui-même la tazza
pour immortaliser la visite des archiducs Albert et Isabelle.
Une autre possibilité est que les monnayeurs aient offert
cette tazza à Van Nispen à l’occasion de son mariage en
1621. La coupe est un bel échantillon d’argent ciselé et
nous montre l’intérieur d’un atelier monétaire avec des
monnayeurs au travail à l’avant-plan. Au milieu de la
coupe figure Balthasar Van Nispen, prévôt de la Monnaie.
Il offre probablement une médaille aux archiducs Albert et
Isabelle. Dans le haut de la scène, on peut voir deux angelots
avec le blason couronné de l’Espagne. Une banderole
en espagnol porte l’inscription suivante : ‘Je vous confie
la charge de bien l’exécuter’. Le texte gravé nous apprend
encore que cette rencontre a eu lieu le 26 août 1615. Sur
le pied sont représentés les blasons de Balthasar Van Nispen,
de son épouse et de la Monnaie d’Anvers, ainsi que
des emblèmes qui rappellent le métier de monnayeur. Sur
la tige, nous reconnaissons les armoiries du Brabant.
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L e C a b i n e t d ’ O r L E M u s é e R o y a l à l a M a i s o n R o c k o x
Jan Gaspard Gevartius (Anvers 1593 – 1666)
Pompa Introitus
Anvers, Johannes Meursius, 1642
Maison Rockox, inv. 2008.1
Ce livre raconte et illustre la Joyeuse Entrée du Cardinal-
Infant Ferdinand en 1635, en 43 planches gravées, dont la
plupart sont de la main de Theodoor van Thulden d’après
des projets de Peter Paul Rubens. Le Cardinal-Infant Ferdinand
était cardinal et archevêque de Tolède et frère du
roi d’Espagne Philippe IV, qui le désigna comme successeur
de l’archiduchesse Isabelle décédée en 1633. Pour se
montrer sous son meilleur aspect au nouveau régent, Anvers
prépara sous la tutelle de l’échevin Nicolas Rockox, du
secrétaire de la ville Jan Gaspard Gevartius (1593–1666)
et de Peter Paul Rubens d’impressionnantes décorations
pour la ville. Les caisses de la ville ne pouvaient pas financer
la totalité de l’opération estimée à 36 000 florins et
Rockox prêta 8 000 florins à la ville. En outre, les accises
sur la bière furent augmentées pour pouvoir payer les
grandioses festivités.
Coffret à bijoux avec feuille d’argent gravée
Anvers, deuxième moitié du dix-septième siècle
Maison Rockox, inv. 77.126
Douze plaquettes de feuille d’argent racontent l’histoire
d’Abraham et de Joseph. La plupart des sujets sont basés
sur des dessins de Hans Hanssen (1605 – après 1630) et de
Christoffel van Sichem II (Bâle 1571/1591–1658). À l’intérieur
du couvercle, on peut voir L’Allégorie de la Foi et de
l’Espoir, d’après des gravures de Jacob Matham (Haarlem,
1571–1631).
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Marten Rijckaert (Anvers 1587 – 1631)
Paysage
KMSKA, inv. 974
Rijckaert est né et a grandi à Anvers. Tout comme Rubens,
il fut l’élève de Tobias Verhaecht. Il voyagea en Italie et, en
1611, il devint membre de la Guilde de Saint-Luc à Anvers.
Son art a été influencé par la peinture de paysage italienne.
Ses œuvres sont caractérisées par des paysages de
forêts rocailleuses, abritant souvent des chutes d’eau, des
ruines et autres architectures spectaculaires. Son œuvre
est proche de l’art de Joos de Momper II.
Adriaen Thomasz. Key (Anvers 1534/54 – après 1589)
La dernière Cène
KMSKA, inv. 230-231
Cette Dernière Cène est peinte au verso de deux panneaux
latéraux d’un triptyque, dont le panneau central a été
perdu. Key peignit l’œuvre en 1574 sur une commande
du marchand Gillis de Smidt et de son épouse Maria de
Deckere. L’année suivante, il plaça l’œuvre sur le maîtreautel
de l’église des Frères Mineurs à Anvers mais, moins
de trois ans plus tard, elle en fut à nouveau retirée sous
la pression des calvinistes. Après la reconquête de la ville
par les catholiques en 1585, le retable retrouva sa place
initiale. En 1619, on le remplaça par Le Coup de Lance de
P. P. Rubens, une peinture qui avait été payée par Nicolas
Rockox. Ce lien justifie la sélection de La dernière Cène
dans cette présentation. Les retables de cette dimension
ne se trouvent pas dans les demeures des patriciens.
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L e C a b i n e t d ’ O r L E M u s é e R o y a l à l a M a i s o n R o c k o x
Jan Brueghel I (Bruxelles 1568 – Anvers 1625)
L’Adoration des Mages
Signé et daté BRUEGHEL 1600
KMSKA, inv. 922
Les trois rois d’Orient et leur suite particulièrement nombreuse
visitent l’Enfant Jésus nouveau-né dans une ferme
délabrée de Bethléem. Le sens du détail dans cette petite
peinture sur cuivre est réellement stupéfiant. Deux ans
plus tôt, Jan Brueghel I avait peint deux adorations comparables
d’un format un peu plus grand : une première à
la gouache sur parchemin (Londres, National Gallery) et
une seconde à l’huile sur cuivre (Vienne, Kunsthistorisches
Museum).
Jan Brueghel I (Bruxelles 1568 – Anvers 1625)
Voyageurs en route
Monogrammé
Maison Rockox, inv. 77.118
Cette peinture témoigne de la technique picturale talentueuse
de Jan Brueghel I. Ce dernier est un maillon important
dans l’histoire du paysage. Cette petite œuvre doit
avoir été peinte vers 1610 et démontre une manière très
raffinée d’aborder la perspective. Le peintre utilise pour ce
faire deux zones colorées, une brune suivie d’une bleue.
Un certain nombre des personnages sont représentés dos
au spectateur et marchant dans la direction d’un village
dans le lointain. Cela renforce encore l’impression de profondeur.
Peter Paul Rubens (Siegen 1577 – Anvers 1640)
Marie en adoration devant l’Enfant Jésus endormi
Maison Rockox, inv. 77.2
Ce petit tableau, peint vers 1616, fait référence au bonheur
conjugal de Rubens. Comme souvent, nous reconnaissons
dans les peintures religieuses de Rubens les membres de
sa famille proche. Le modèle posant pour cette jolie scène
est sans doute Isabella Brant, la première épouse de Ru-
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ens et, dans l’Enfant Jésus, nous reconnaissons les traits
du visage de Nicolas, le second fils de Rubens.
Daniël Seghers (Anvers 1590 – 1661)
et Cornelis Schut I (Anvers 1597 – 1655)
Madone à la Guirlande
KMSKA, inv. 330
Le thème de la Madone dans une couronne de fleurs fut
introduit dans la peinture flamande par Jan Brueghel I et
Peter Paul Rubens. Après Brueghel, le Jésuite Seghers fut
sans aucun doute le plus grand peintre de fleurs aux Pays-
Bas méridionaux. Le frère-peintre tenait à jour une liste
écrite de 239 œuvres peintes de sa main. Plusieurs d’entre
elles avaient été commandées comme cadeaux diplomatiques.
Seghers a réalisé la peinture montrée ici en collaboration
avec le peintre d’histoire Schut, surtout connu
pour de luxuriantes compositions de grandes dimensions.
Morpho menelaus
Papillons et autres objets d’histoire naturelle étaient très
convoités par les riches patriciens. Ils évoquaient de lointains
voyages et décoraient souvent les cabinets d’art
peints. Ces morphos exerçaient un grand attrait du fait
de leur belle couleur gaufrée bleu foncé, qui varie selon
l’angle de vue.
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L e C a b i n e t d ’ O r L E M u s é e R o y a l à l a M a i s o n R o c k o x
SALLE 5
De camer achter het Tgroot Salet
Le cabinet d’étude
À l’époque de Rockox, le cabinet d’art comportait un cabinet d’étude, un studiolo où, en plus de
peintures, il y avait également place pour des raretés et de petits objets d’étude. Le patricien y
consacrait du temps à l’étude et à la contemplation. Outre vingt peintures, on note dans cette
pièce achter het grote salet, l’inventaire du mobilier de la maison mortuaire faisant mention
de diverses sortes de coquillages, de dix bustes de marbre, cinq bustes de plâtre et quelques
sculptures d’ébène, d’ivoire et de marbre. Il y avait encore dans ce local une boîte de gravures
avec des portraits et des paysages, sans autre précision. Les coquillages étaient des curiosités
méridionales. Les noms sur les bustes aidaient Rockox à donner un visage à l’Histoire romaine
et les moulages en plâtre de la collection de bustes de marbre qui étaient probablement en sa
possession étaient aisés à emporter chez ses amis collectionneurs. Les portefeuilles de gravures
comprenaient des conterfeytsels ou portraits, peut-être bien un certain nombre de belles
gravures de contemporains célèbres de Rockox, de la série Iconografie d’Anthony van Dyck. Au
premier étage, Rockox possédait encore un second cabinet d’étude, son comptoir. C’est ici qu’il
abritait ses monnaies et ses livres. Il y avait d’ailleurs souvent plusieurs cabinets d’étude dans
une maison.
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Cabinet d’art
Italie (?), milieu du dix-septième siècle
Maison Rockox, inv. 77.181
Les cabinets d’art étaient conçus pour y ranger toutes
sortes d’objets précieux, bijoux, collections de monnaies,
correspondance … et symbolisent les nombreuses
curiosités d’un patricien. L’avant de ce meuble montre
un trompe-l’œil architectural. Les portes dissimulent des
tiroirs et derrière l’un de ceux-ci, il y a même encore un
second tiroir, secret.
Joos de Momper II (Anvers 1564 – 1635),
Hendrick van Balen I (Anvers 1573 – 1632),
Jan Brueghel I (Bruxelles 1568 – Anvers 1625)
Visite de Minerve aux Muses
Signé BALE MOMPER BRVEGHEL
KMSKA, inv. 957
Tandis que Hendrick van Balen I peignait les personnages,
Joos de Momper II se chargeait du paysage et Jan Brueghel
I réalisait les fleurs. Nous voyons sur la peinture comment
la déesse Minerve (à gauche) rend visite aux Muses sur le
mont Hélicon, près du golfe de Corinthe. À droite jaillit
l’Hippocrène, une source sacrée qui apportait l’inspiration
à celui qui s’y désaltérait ou s’y baignait. Selon le mythe, le
cheval Pégase martelant le sol de ses sabots est à l’origine
de la source. On notera le magnifique cadre orné de la fin
du dix-septième siècle.
Roelant Savery (Courtrai, 1576 – Utrecht 1639)
Chevaux et bœufs
Maison Rockox, inv. 77.184
Savery peignait surtout des paysages dans la tradition flamande
de Gillis van Coninxloo II, où animaux et plantes
occupaient une place prépondérante, dans un contexte
mythologique, biblique ou moralisateur. En 1603/04,
Roelant Savery se rendit à Prague pour y devenir peintre
de la cour de l’empereur Rodolphe II, le souverain Habs-
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L e C a b i n e t d ’ O r L E M u s é e R o y a l à l a M a i s o n R o c k o x
bourg qui invita de nombreux artistes à rejoindre sa cour
de Prague. Dans cette scène, tous les animaux semblent
se combattre, tant au sol que dans les airs. Mais dans le
village peint à l’arrière-plan à droite, les humains semblent
se poursuivre eux aussi.
Gonzales Coques (Anvers 1614/18 – 1684)
Les cinq sens : l’odorat, le toucher, le goût, l’ouïe et la vue
KMSKA, inv. 759-763
Coques est surtout connu pour des portraits de groupes
bourgeois plutôt informels. L’influence d’Anthony van
Dyck lui valut le surnom de petit van Dyck. Il semble que
ces cinq petits panneaux seraient des portraits d’artistes.
L’homme respirant le parfum d’une feuille de tabac roulée
est probablement le sculpteur Lucas Fayd’herbe (1617–
1697). On suppose que l’homme qui taille sa plume est
le portraitiste Pieter Meert (1619–1669) et l’homme qui
tient un roemer est considéré comme un autoportrait
de Coques. Le peintre de fleurs Jan Philip van Thielen
(1618–1667) chante et s’accompagne au luth et l’homme
qui modèle une statuette est peut-être le portrait d’Artus
Quellinus I (1609–1668).
Frans Francken II (Anvers 1581 – 1642)
Le cabinet d’amateur de Sébastien Leerse
KMSKA, inv. 669
On pensait autrefois pouvoir identifier la famille représentée
sur la base d’un portrait de famille par van Dyck à Cassel
comme le marchand anversois Sébastien Leerse (°1594),
sa seconde épouse et leur jeune fils Jean-Baptiste. Les ressemblances
ne sont cependant qu’assez superficielles. En
outre, il n’existe pas d’inventaire contemporain des biens
de Leerse qui puisse établir le lien. Dans la peinture du
cabinet d’amateur, Francken a représenté des peintures de
ou d’après Jan Massijs, Pieter Neefs I, Joos de Momper
II, Daniël van Heil, Bonaventura Peeters I et de sa propre
main. Rockox conservait dans ce local son propre cabinet
de curiosités, qui avait également été peint par Francken.
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Frans Francken II (Anvers 1581 – 1642)
Une chambre d’art
Signé F. FRANCK et daté trois fois (!) : 1618 et 1619
KMSKA, inv. 816
Sur la table devant le mur sont disposés toutes sortes
d’objets : un album avec un dessin de Frans Floris I, une
médaille d’Henri IV, des monnaies grecques et romaines,
des coquillages, une boîte en laque, un cadenas japonais,
une dent de requin et un luxuriant bouquet de fleurs. Nous
reconnaissons encore un petit paysage avec un moulin
de Jan Brueghel I (désormais à Dresde) et l’autoportrait
du miniaturiste Simon Bening. Au mur sont accrochés
des paysages de Bril, Lytens, de Momper et Govaerts et
quelques scènes religieuses, parmi lesquelles une madone
dans une couronne de fleurs de Francken lui-même. À
droite, des hommes aux oreilles d’âne fracassent les symboles
de l’art et de la science. L’iconoclasme était encore
frais dans les mémoires.
Peter Paul Rubens (Siegen 1577 – Anvers 1640)
Le Fils prodigue
Vers 1618, probablement modifié vers 1630
KMSKA, inv. 781
La parabole biblique du Fils prodigue (Luc 15: 11-32) raconte
comment le cadet de deux fils réclame sa part d’héritage
à son père. Ensuite, le fils part avec cet argent vers des
contrées lointaines, où il dilapide le tout. Il revient enfin
repentant vers son père, qui l’accueille avec tendresse. La
composition est un magistral exercice d’équilibre. Rubens
ne s’est cependant pas contenté de représenter une ferme
flamande en pleine activité. Quelques animaux y symbolisent
les vices et font allusion au péché. Rubens conservera
ce chef-d’œuvre jusqu’à sa mort. Plus tard, la peinture
appartint notamment au marchand d’art anversois Diego
Duarte, à Pieter van Aertselaer – dans la collection duquel
elle fut admirée par Sir Joshua Reynolds – et à Sir Thomas
Lawrence.
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L e C a b i n e t d ’ O r L E M u s é e R o y a l à l a M a i s o n R o c k o x
Peter Paul Rubens (Siegen 1577 – Anvers 1640)
Christ en croix
1628
Maison Rockox, inv. 77.124
Rubens réalisa cette esquisse à l’huile à titre de préparation
à un retable commandé par l’église Saint-Michel à
Gand. Mais en 1628 et 1629, il séjourna successivement
à Madrid et à Londres, où il collabora au traité de paix
conclu entre l’Espagne et l’Angleterre, le 15 novembre
1630. Cette mission diplomatique empêcha Rubens de
terminer la commande pour Gand. Il demanda à Anthony
van Dyck de reprendre sa tâche et de peindre le retable
pour l’église Saint-Michel, où l’on voit encore ce Christ en
croix.
Pieter Claesz. Soutman ? (Haarlem 1593/1601 – 1657)
Les quatre Évangélistes
Collection privée
Cette esquisse à l’huile est fort proche des projets de P. P.
Rubens. Rien d’étonnant donc que cette petite œuvre ait
été précédemment attribuée au maître lui-même. Il n’est
pas exclu que nous nous trouvions ici devant une étude
de Pieter Claesz. Soutman, un peintre dont les activités
au sein de l’atelier de Rubens ne sont encore que peu
connues. Une composition similaire signée et datée de
1615 se trouve au Nationalmuseum à Stockholm.
Jan Brueghel I (Bruxelles 1568 – Anvers 1625)
Visite à la ferme
KMSKA, inv. 645
Un couple vêtu de manière bourgeoise, accompagné
d’une servante, est en visite dans une ferme. Une famille
de paysans est réunie dans une pièce. Un petit enfant
espère recevoir une obole des riches hôtes. Près du feu,
on surveille un nourrisson. Comme il sied pour une visite
à l’accouchée, le père du nouveau-né reçoit un pain au
sucre. Sur le dossier du banc sont épinglées des gravures,
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parmi lesquelles un calvaire. À l’arrière est suspendue
une cage avec une pie. Cette grisaille joliment exécutée
se réfère probablement à une composition entre-temps
perdue de Pieter Brueghel I.
Jacques Jordaens (Anvers 1593 – 1678)
Deux têtes de femmes et le torse d’un guerrier
KMSKA, inv. 819
(jusqu’au 16 juin 2013 à Cassel au Fridericianum,
Museumslandschaft Hessen)
Jordaens peignit cette étude vers 1620/23. Il utilisa le
torse de l’homme à gauche pour un guerrier dans un projet
pour la tapisserie Alexandre à la bataille d’Ixus. Les deux
têtes de femmes figurent en image inversée sur L’Offrande
à Cérès au Prado de Madrid.
Jacques Jordaens (Anvers 1593 – 1678)
L’Adoration des Bergers
KMSKA, inv. 928
Jordaens a représenté L’Adoration des Bergers à plusieurs
reprises et de différentes manières : de nombreux dessins,
esquisses et peintures conservés illustrent ce thème.
L’artiste utilisait souvent les mêmes schémas et plus d’une
œuvre est issue d’un travail d’atelier. Cette méthode
n’allait pas sans engendrer des stéréotypes et débouchait
souvent sur des œuvres difficiles à dater et parfois moins
réussies. Jordaens réalisa l’esquisse de cette composition
pour un retable qui provient de la chapelle de l’ancien palais
épiscopal d’Anvers et se trouve aujourd’hui au KMSKA
(inv. 221).
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L e C a b i n e t d ’ O r L E M u s é e R o y a l à l a M a i s o n R o c k o x
Anthony van Dyck (Anvers 1599 – Blackfriars 1641)
Saint Augustin en extase
KMSKA, inv. 5145
Van Dyck réalisa cette ébauche en brunaille pour un grand
retable à l’église Saint-Augustin à Anvers. L’artiste livra la
toile en 1628. La peinture se trouve en prêt de longue
durée au KMSKA. Un dessin brun et quelques rehauts
blancs sommaires, nerveux, suffisent à suggérer le relief
de la composition.
Anthony van Dyck (Anvers 1599 – Blackfriars 1641)
Deux études d’une tête d’homme
Maison Rockox, inv. 77.111
(à partir de juin 2013)
Van Dyck fut un portraitiste important du deuxième quart
du dix-septième siècle. Il avait le don de saisir le caractère
de la personne portraiturée. Pendant son séjour en Angleterre,
il a exercé une forte influence sur le portrait dans
l’art anglais du dix-septième au dix-neuvième siècle. Van
Dyck réalisa cette esquisse à l’huile pendant sa première
période anversoise, probablement vers 1618. Il s’agit de
l’étude d’une tête d’homme qui posa pour différentes
représentations de saint Jérôme.
Jan Boeckhorst (Münster 1604 – Anvers 1668)
Apollon et Diane tuent les enfants de Niobé
KMSKA, inv. 5157
Entre 1664 et 1668, l’échevin et collectionneur anversois
Antoon van Leyen commanda à Boeckhorst une série de
huit études sur la vie d’Apollon en préparation à des tapisseries.
Cette esquisse à l’huile était au nombre de ces
projets. Armés d’arcs et de flèches, Apollon et Diane tuent
les sept fils et filles de Niobé. Ces représailles sanctionnent
le mépris de Niobé pour la déesse Léto, mère d’Apollon
et Diane. Les tapisseries sont actuellement conservées au
Patrimonio Nacional à Madrid, à l’ambassade espagnole à
Londres et dans une collection privée belge.
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Lucas Franchoys II (Malines 1616 – 1681)
Adoration des Bergers
KMSKA, inv. 5150
Franchoys réalisa divers retables pour les églises malinoises
et fut fortement influencé par Anthony van Dyck.
Il était le neveu du sculpteur Lucas Fayd’herbe. Franchoys
peignit à l’huile cette esquisse préparatoire à un retable
pour l’Église des Frères Mineurs de Tournai. Cette peinture
est datée de 1650 et se trouve actuellement au séminaire
épiscopal de cette ville. On notera les deux figures
féminines en grisaille qui flanquent la scène. Ce sont les
vertus divines Caritas (la Charité) et Fides (la Foi). De toute
évidence, le peintre réalisa encore le projet des sculptures,
pilastres et ornements destinés à encadrer son retable.
Gillis Claesz. de Hondecoeter
(Anvers 1575 – Amsterdam 1638)
Baptême du Serviteur maure
Maison Rockox, inv. 77.83
De Hondecoeter était un élève de Gillis van Coninxloo II
(Anvers 1544 – Amsterdam 1607). La scène se déroule
dans un paysage boisé, dans la tradition de Gillis van Coninxloo
II. Au milieu du seizième siècle, le paysage devint
un genre à part entière et cette peinture en est un bel
exemple. Le paysage y sert d’arrière-plan, avec les arbres
traités en coulisses. Le paysage boisé est encore étoffé
du récit du Baptême du Serviteur maure. Ce thème est
emprunté aux Actes des Apôtres (IIX: 26-40). Sur l’ordre
d’un ange, le diacre Philippe prit le chemin de Jérusalem à
Gaza. Il y rencontra le serviteur maure revenant d’un pèlerinage
à Jérusalem. Sur le chariot qui l’en ramenait, il lisait
le livre d’Isaïe sans en comprendre le contenu. Philippe
lui offrit de lui expliquer le texte. S’appuyant sur l’Ancien
Testament, il prêcha la doctrine du Christ. Arrivé au bord
de l’eau, le serviteur demanda à être baptisé.
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L e C a b i n e t d ’ O r L E M u s é e R o y a l à l a M a i s o n R o c k o x
Hans Jordaens III (Anvers 1595 – 1643)
David et Abigaïl
Maison Rockox, inv. 77.169
Le paysage de montagnes se réfère aux paysages de Joos
de Momper II. Le récit de David et Abigaïl est basé sur le
Livre de Samuel (25, 1-15). Après la mort de Samuel, David
partit pour le désert de Maon où vivaient le richissime
Nabal et sa femme Abigaïl. Mais Nabal était bourru et
vindicatif. David lui envoya dix jeunes hommes pour le
saluer, solliciter la paix et le prier d’un bon accueil. Nabal
le rejeta brutalement, après quoi David indigné partit en
expédition punitive contre Nabal avec quelque 400 soldats.
Lorsqu’Abigaïl l’apprit, elle partit à l’insu de Nabal
à la rencontre de David, accompagnée de ses serviteurs
chargés de pains, de viande et de figues. Elle se prosterna
devant David, lui offrit des cadeaux et, avec beaucoup
d’éloquence, sut convaincre David de renoncer à sa vengeance.
Entre-temps, Nabal avait festoyé et s’était enivré.
Lorsqu’il fut dégrisé, Abigaïl raconta à son mari ce
qu’elle avait fait. De consternation, Nabal succomba à une
attaque. David prit alors pour femme Abigaïl, qui accepta
volontiers.
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Attribué à Paul de Vos
(Hulst 1595 – Anvers 1678)
Concert d’oiseaux
KMSKA, inv. 428
Un hibou chef d’orchestre enserre un livre de musique
et dirige une multitude d’oiseaux sylvestres, champêtres
et aquatiques sifflant, criaillant et piaillant. Quelques oiseaux
exotiques complètent cette compagnie bigarrée :
un toucan, un perroquet amazone et un ara rouge. La
scène représente une fable d’Ésope, mais établit aussi
un lien avec un proverbe fameux du poète néerlandais
Jacob Cats : Elck vogeltge singt soo ’t gebeckt is (chaque
oiseau chante selon son bec). La toile est basée sur une
composition de Frans Snijders conservée à l’Hermitage de
Saint-Pétersbourg. Récemment encore, on attribuait cette
œuvre à Jan van Kessel I (Anvers 1626 – 1679), connu surtout
pour ses petites études précises d’insectes, de fleurs
et de coquillages. Le style fait toutefois penser davantage
à celui du beau-frère de Snijders, Paul de Vos.
Joannes Fijt (Anvers 1611 – 1661)
Concert d’oiseaux
Maison Rockox, inv. 92.2
Fijt, qui fut l’élève de Frans Snijders, est un peintre animalier
renommé. Au dix-septième siècle, les concerts d’oiseaux
étaient un thème populaire souvent empreint d’allusions
ironiques. L’ara rouge donne la mesure de sa patte
levée. Tous les oiseaux représentés dans cette peinture ont
pour particularité de ne pas pouvoir chanter, à l’exception
du geai des chênes : un poulet, un perroquet, un héron
cendré, un coq, un pigeon et un paon. La partition posée
sur le tronc d’arbre est illisible. Peut-être ces oiseaux fontils
l’objet d’une parodie.
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L e C a b i n e t d ’ O r L E M u s é e R o y a l à l a M a i s o n R o c k o x
Willem van Aelst (Delft 1627 – Amsterdam 1683/84)
Fruits et verre à vin
Signé et daté Guillme van Aelst 1659
KMSKA, inv. 729
Ce peintre hollandais de fleurs et natures mortes de
chasse, a représenté dans le roemer de verre sur cette
nature morte magistrale, son propre reflet et celui des fenêtres
de son atelier. Au fil du temps, les feuilles de vigne
vertes ont vu leur teinte se dégrader en bleu. L’œuvre a
fait partie de la collection d’art du médecin et minéralogiste
belge François-Xavier de Burtin (1743–1818).
Frans Snijders (Anvers 1579 – 1657)
Nature morte
1616
Maison Rockox, inv. 85.3
L’art de Frans Snijders comporte outre des scènes de
chasse, également des natures mortes, parmi lesquelles
de monumentales scènes de marché et natures mortes de
fruits. Ces peintures sont un régal pour l’œil, mais aussi
une source d’information importante sur les habitudes
de table d’un bourgeois du dix-septième siècle. Les fruits
constituaient un élément important du menu quotidien
du riche patricien et on les servait principalement avec
le gibier. La peinture est datée 1616, en pleine trêve de
Douze Ans. Cette magnifique corbeille de fruits rappelle
la prospérité de cette brève période de paix, au cours de
laquelle l’Escaut fut temporairement ouvert, ce dont Anvers
bénéficia sur le plan économique.
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Peter Willebeeck (Anvers avant 1632 – après 1646)
Nature morte
Maison Rockox, inv. 77.104
Cette œuvre est un bel exemple de la fragilité des choses.
Pour représenter cette vanitas, Willebeeck s’est servi
d’objets usuels suggérant la vanité ou la vacuité. Le roemer
renversé, la tazza et la cruche du Westerwald sont vides,
le cigare allumé n’en a plus pour bien longtemps, la pipe
éteinte gît inutilisée et le coquillage n’abrite plus aucune
vie. Willebeeck soulignait surtout la fugacité des stimulants,
de la boisson et du plaisir enivrant du tabac.
Armoire à cinq portes
Anvers 1621
Maison Rockox, inv. 77.14
Cette armoire finement travaillée avec de fines têtes d’angelots,
mufles de lion et motifs décoratifs symétriques sur
panneaux expose les pièces suivantes :
Verres à la façon de Venise
Anvers (verre à ailes),
Liège (verre à vin transparent), milieu du dix-septième siècle
Maison Rockox, inv. 2002.01
Les verriers vénitiens devinrent surtout célèbres vers le
milieu du quinzième siècle, lorsqu’ils furent à même de
produire du verre incolore, souvent encore relevé d’éléments
décoratifs en émail. Dans les cabinets d’art peints
et illustrations de cabinets de curiosités du dix-septième
siècle, on voit souvent un verre vénitien. Si les techniques
de soufflage du verre de Venise et plus précisément de
Murano devaient rester un secret, les souffleurs de verre
réputés furent attirés vers d’autres centres européens à
partir du deuxième quart du seizième siècle avec toutes
sortes de privilèges. On soufflait du verre ‘à la façon de
Venise’ entre autres à Anvers.
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L e C a b i n e t d ’ O r L E M u s é e R o y a l à l a M a i s o n R o c k o x
Plat de porcelaine avec Le Coup de Lance de Rubens
Dynastie Qing, Jingdezhen, vers 1710 – 1720
KMSKA, inv. 5160
Un peintre chinois de la ville porcelainière de Jingdezhen
a métamorphosé la gravure de Rubens d’après son propre
retable Le Coup de Lance en une scène haute en couleur.
Cette “porcelaine jésuite” était à l’époque très en vogue
en Europe. Cet exemple illustre bien que le langage rubénien
s’était promptement trouvé reproduit dans les arts
appliqués. On trouve un plat similaire au Victoria and
Albert Museum à Londres.
Monnaies
Rockox possédait une importante collection de monnaies,
d’un grand intérêt qualitatif et très complète sur le plan
chronologique. Rockox tenait lui-même un catalogue non
seulement de sa collection d’antiquités, mais aussi de sa
collection numismatique. Il possédait principalement des
monnaies de bronze, d’argent et d’or de la Rome impériale
ainsi que des pièces de la période républicaine. Sa collection
comportait aussi des monnaies grecques, fût-ce dans
une moindre mesure. Nous ignorons combien de monnaies
d’or Rockox possédait précisément, car son catalogue précise
qu’une partie de ses monnaies était déjà en possession
de Gaston d’Orléans, le frère de Louis XIII. Pour les pièces
de bronze et d’argent, Rockox a noté lui-même le nombre
de 1 129 pièces sur la page de titre de son catalogue,
744 pièces d’argent et 385 de bronze pour être précis.
Laocoon
Italie, début du dix-septième siècle
Maison Rockox, inv. 83.6
Le Laocoon original, sculpté vers 25 avant notre ère par
l’école de Rhodes, fut découvert à Rome en 1506. La
sculpture grecque se situe à la base de l’idéal de beauté
de la Renaissance. L’histoire de Laocoon se déroule à la fin
de la guerre de Troie en 1184 avant notre ère. Le prêtre
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Laocoon était chargé à Troie du culte du dieu Poséidon. Il
s’attira la colère du dieu en rompant son vœu de célibat.
Son rôle fut décisif dans la chute de Troie ; c’est en vain
qu’il mit les Troyens en garde contre le cheval de bois.
Cette tête, figuration de génie de la souffrance d’un mourant,
a inspiré les peintres baroques.
Lucas Fayd’herbe (Malines 1617 – 1697)
Madone à l’Enfant Jésus
Maison Rockox, inv. 77.16
Fayd’herbe travaillait comme architecte et sculpteur à
Malines. Il suivit une partie de sa formation chez Rubens.
Auprès de ce dernier, il apprit surtout le langage des
formes du baroque, qu’il traduisit dans la sculpture. Il a
réalisé cette Madone à l’Enfant à l’apogée de sa carrière,
vers 1675. Il en émane une expressivité baroque soutenue
d’une grande attention pour la finition et les détails.
Anacréon/Démosthène (plâtre)
Dix-septième siècle
Museum Plantin-Moretus / Prentenkabinet, Anvers
(jusqu’en décembre 2013)
Le buste d’Anacréon/Démosthène était un des fleurons de la
collection de Rockox. Ce buste se compose de deux parties,
le socle avec l’inscription Demosthenes et la tête-portrait.
À l’origine, ces deux éléments étaient indépendants. Ils ont
probablement été réunis au seizième siècle. Des recherches
ultérieures ont démontré que Démosthène (384–322 avant
notre ère) avait un autre visage. Le portrait grec est plus vraisemblablement
celui du poète ionien Anacréon (°570 avant
notre ère) que celui de l’orateur athénien. La sculpture originale
se trouve au Musée National de Stockholm. De cette
sculpture ainsi que d’autres de ses marbres, Rockox possédait
un moulage en plâtre. Ces plâtres servaient probablement à
répandre le renom de la collection ou à rendre celle-ci plus
accessible dans son cercle d’humanistes.
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L e C a b i n e t d ’ O r L E M u s é e R o y a l à l a M a i s o n R o c k o x
Cabinet d’art anversois
Première moitié du dix-septième siècle
Maison Rockox, inv. 77.58
Ce second cabinet d’art remarquable est décoré de représentations
soigneusement brodées de fruits, de fleurs,
d’arbres et de volatiles sur fond de soie claire. L’avant des
deux portes intérieures, l’intérieur du couvercle rabattable
et l’avant des tiroirs et du portique sont égayés de divers
points de broderie. Sur les panneaux intérieurs, un griffon
appuyé à un arbre-candélabre a été brodé au fil d’or et
d’argent et au fil de soie de couleur au centre d’un ovale.
Adriaen Brouwer
(Audenarde vers 1605/06 – Anvers 1638)
Joueurs de cartes
KMSKA, inv. 642
Après un séjour à Amsterdam et Haarlem, où il aurait suivi
les leçons de Frans Hals, Brouwer devint franc-maître à
Anvers vers 1631/32. La soixantaine de petites œuvres
que nous connaissons de lui appartiennent à l’apogée
de la peinture de genre flamande. Son œuvre fut largement
imitée et le nom de l’artiste allait rapidement devenir
synonyme de scènes de taverne. Les inventaires du
dix-septième siècle font souvent mention de nombreux
‘brouwerkens’. Ses Joueurs de cartes sont une œuvre des
débuts encore empreinte de la caricature à la Brueghel,
mais annoncent déjà le naturel et la subtilité de son œuvre
ultérieure, comme le montre le Vieil homme dans une taverne,
également présent dans l’exposition.
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Adriaen Brouwer
(Audenarde vers 1605/06 – Anvers 1638)
Vieil homme dans une taverne
Collection Communauté flamande,
en prêt de longue durée au KMSKA, inv. IB 08.004
Prématurément disparu, Adriaen Brouwer était rapidement
devenu une figure culte et ses peintures étaient
fort prisées. Rubens possédait dix-sept petits tableaux
de Brouwer. Le Vieil homme dans une taverne est une
œuvre remarquablement sereine des dernières années
de Brouwer. L’arrière-plan est occupé par un homme tentant
de séduire une femme. Le bourgeois âgé assoupi à
l’avant-plan est magistralement représenté. On notera
la finesse de la touche dans le rendu du col plissé et du
visage marqué par les ans.
David Teniers II (Anvers 1610 – 1690)
Fête villageoise
Maison Rockox, inv. 77.132
Teniers perpétuait la tradition de la dynastie Brueghel et
cherchait l’inspiration dans la vie rurale. Cette fête villageoise,
peinte vers 1650, met en scène des paysans fêtards,
non sans quelque romantisme dans la représentation
idyllique. Teniers vivait à une époque où il était fort
populaire de donner une leçon de morale au spectateur,
sous la forme d’allusions à la fragilité de l’existence terrestre.
Sur un petit auvent de l’auberge, nous pouvons voir
un crâne de cheval. Généralement, un crâne était considéré
comme un symbole de fugacité ; un crâne de cheval
auquel manquait le maxillaire inférieur suggérait l’orgie, la
folie et la bêtise.
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L e C a b i n e t d ’ O r L E M u s é e R o y a l à l a M a i s o n R o c k o x
Table flamande à pieds renflés
Premier quart du dix-septième siècle
Maison Rockox, inv. 77.119
Scriban
Rhénanie, deuxième quart du dix-septième siècle
Maison Rockox, inv. 77.115
Ce petit bureau est marqueté de diverses essences de bois
et tout comme les cabinets d’art, comporte des tiroirs
secrets.
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JARDIN DE VILLE
Le jardin intérieur est une évocation d’un jardin de ville du début du dix-septième siècle.
Aucune iconographie ne nous renseigne quant au jardin de Rockox, mais des sources écrites
suggèrent un agréable coin de verdure. La correspondance que Rockox échangea avec
l’humaniste français Nicolas Claude Fabri de Peiresc nous enseigne que pendant deux années
consécutives, Rockox reçut douze jeunes plants de la lointaine Aix-en-Provence. La
bibliothèque de Rockox contenait aussi huit ouvrages de botanique avec pour auteurs des
experts comme Dodoens et Clusius. Les livres de botanique étaient parmi les publications
les plus coûteuses de l’époque. Rockox possédait aussi Le théâtre d’Agriculture du célèbre
jardinier paysagiste français Olivier de Serre. Cet ouvrage reprend divers plans de jardins de
ville qui servirent de source d’inspiration pour dessiner le jardin actuel de la maison Rockox.
Buste d’Homère
Italie, dix-septième siècle
Maison Rockox, inv. 83.5
Rockox collectionnait les bustes, probablement pour mieux
appré hender l’histoire romaine. Il tenait un inventaire des objets
antiques de sa collection et faisait mention de dix-neuf bustes de
chefs d’État, orateurs et personnages mythologiques romains.
Ce buste d’Homère en marbre n’a jamais fait partie de la collection
de Rockox, mais il symbolise sa collection d’antiquités.
Homère vivait au neuvième siècle avant notre ère et était un
poète-chanteur célèbre pour ses épopées, l’Iliade et l’Odyssée.
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Colophon
Textes
Hildegard Van de Velde
Nico Van Hout
Traduction
Service de Traduction KBC – Eric Etienne
Révision
Service de Traduction KBC – Chantal Magnée
Présentation
Anne Van den Berghe
Crédits photographiques
KBC, Erwin Donvil,
KMSKA, Lukas-Art in Flanders vzw
Coordination
Bert Peeters
www.kmska.be
www.rockoxhuis.be
Éditeurs responsables : VZW Museum Nicolaas Rockox, Keizerstraat 12, 2000 Antwerpen
et KMSKA, Lange Kievitstraat 111-113 bus 100, 2018 Antwerpen