FR - Musée Würth France Erstein

DOSSIER DE PRESSE
CONTACTS
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E-mail : marie-france.bertrand@wurth.fr
Caroline Strauch
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L’EXPOSITION
L’exposition L’appel de la forêt. Arbres et forêts dans la Collection Würth a été
présentée une première fois sous le titre Waldeslust. Bäume und Wald in Bildern
und Skulpturen der Sammlung Würth à la Kunsthalle Würth à Schwäbisch Hall en
2011, année internationale des forêts. Elle est aujourd’hui adaptée et présentée
par le Musée Würth à Erstein.
Pour les artistes, la forêt, et plus largement la nature, est un terrain idéal pour
projeter fantasmes, craintes et espoirs. Reflet de leur culture, de leur histoire,
de la société qui leur est contemporaine, elle est, pour l’historien de l’art
Fabrice Hergott, un « sujet miroir » de l’humanité.
Terre de danger, d’épreuves ou d’aventures, mais aussi refuge où trouver
protection et paix dans l’Antiquité, la forêt devient vite le théâtre des contes pour
enfants dans lequel évoluent sorcières, ogres et autres créatures fantastiques,
incarnations de la violence humaine.
Les romantiques du XIX e siècle ont quant à eux créé une véritable esthétique de la
forêt : leur vision fantasmagorique, désespérée de celle-ci, déteint encore sur son
image actuelle, poétique et à haute valeur méditative.
Après la prise de conscience au XX e siècle du Waldsterben*, le goût pour la forêt
a évolué : face à un monde essentiellement citadin, ordonné, maîtrisé, c’est l’idée
de régénérescence urbaine qui attire plutôt que son aspect sauvage. Elle devient
un élément du cadre de vie urbain. La forêt sombre, obscure, menaçante, laisse
sa place à une promesse de vie plus essentielle, d’harmonie originelle.
La vision de la forêt varie aussi selon chaque culture : la nature anglo-saxonne,
souvent représentée sous la forme naïve d’un jardin, est à l’opposé des forêts
germaniques, icônes de la nation, plus sombres et marquées par l’histoire.
Aujourd’hui, ces critères tendent à s’estomper : la vision de la forêt est plus
universelle, plus globalisée. Elle devient un enjeu de survie, un espace à sauver,
un idéal de vie non urbanisé.
La Collection Würth compte un fond unique et vaste d’œuvres ayant pour
thématique la forêt, dont une large sélection est présentée au Musée Würth
France Erstein. De Ernst Ludwig Kirchner à David Hockney, en passant par Alfred
Sisley, Max Ernst, Georg Baselitz, Gerhard Richter ou Christo, l’exposition explore
les divers aspects de la représentation de la forêt dans l’histoire de l’art moderne
et contemporain.
*Apparu en Allemagne au début des années 1980, ce terme évoque le déclin,
la mort de la forêt. Transposé peu à peu dans d’autres langues, c’est devenu un terme
universel pour évoquer la destruction et l’exploitation de la nature.

Max Ackermann
Donald Baechler
Georg Baselitz
Herbert Brandl
Max Beckmann
Lester Campa
Christo
Lotte Copi
Lovis Corinth
Joan Costa
Richard Deacon/Bill Woodrow
André Derain
Max Ernst
Rainer Fetting
Günter Grass
Hap Grieshaber
David Hockney
Alfred Hrdlicka
Max Gerd Kaminski
Alex Katz
Ernst Ludwig Kirchner
LES ARTISTES
EXPOSÉS
Richard Kissling
František Kupka
Max Liebermann
Robert Longo
Markus Lüpertz
André Masson
Gabriele Münter
Camille Pissarro
Gerhard Richter
Christian Rohlfs
Alexander Rothaug
Hermann Scherer
Bernard Schultze
Alfred Sisley
Carl Spitzweg
Gabi Streile
Norbert Tadeusz
Volker Tannert
Günther Uecker
Ben Willikens
Lambert Maria Wintersberger

CATALOGUE
Catalogue de l’exposition
Waldeslust.
Bäume und Wald in Bildern und Skulpturen der Sammlung Würth
Accompagné d’un livret de textes traduits en français
L’appel de la forêt.
Arbres et forêts dans la Collection Würth
Format : 24,5 x 32,5 cm - 320 pages
Ouvrage relié, couverture cartonnée
Livret de traductions : 68 pages
Catalogue édité par Swiridoff Verlag (2011)
Livret de traductions édité par Musée Würth France Erstein (2012)
Prix : 69,90 €
Avec des contributions de :
Reinhold Würth
Avant-Propos
C. Sylvia Weber / Beate Elsen Schwedler
L’appel de la forêt… Quel appel !
Comte Christoph Graf Douglas
Ô larges vallées, Ô sommets
Ô belle et verte forêt
Peter-Klaus Schuster
Arbres et forêts
La construction romantique de l’identité allemande
Barbara Gaehtgens
L’appel de la forêt. Les parcs élégants dans la vie des grandes villes
L’espace vert urbain comme phénomène de la « modernité »
Werner Spies
« La forêt sur un plancher d’hôtel »
Réponse à la question de Max Ernst : « Qu’est-ce qu’une forêt ? »

Fabrice Hergott
Entre enfer et paradis, mémoire et oubli, processus et sujet :
quelques aspects de la forêt dans l’art d’aujourd’hui
Beate Elsen-Schwedler
Toutes les traces mènent en forêt
Harald Unkelbach
Le mythe de la forêt – un malentendu ?
Günter Grass / Olaf Tschimpke
« Est-ce aujourd’hui un crime de ne pas parler des arbres ? »
Michaël Friedrich
Le calendrier dendrochronologique du sud de l’Allemagne
Dater avec précision les 12 650 dernières années grâce aux cernes des arbres
Extraits du texte « Toutes les traces mènent en forêt » de Beate Elsen Schwedler
Péché originel et famille de faunes
Notre exposition aurait pu commencer par L’Arbre de la connaissance ou par
Le Péché (1546) d’Adam et Ève, thème crucial dans les représentations sacrées
du Moyen Âge. Lucas Cranach l’Ancien y présente le Paradis comme une sorte de
locus amoenus, un endroit idéal où les êtres humains vivent en parfaite harmonie
avec la faune et la flore. Le Péché figure en son centre un arbre chargé de fruits.
Un chevreuil alangui et deux perdrix suffisent pour donner l’illusion d’un lieu
paradisiaque à la faune abondante. Œuvre directe du Créateur, le premier couple
de l’humanité est représenté dans une beauté idéale, arborant une carnation
nacrée produite par le buisson sombre et touffu derrière lequel le ciel bleu peine
à filtrer.
L’exposition aurait tout aussi bien pu s’ouvrir sur la Famille de faunes (vers 1530),
autre œuvre de Lucas Cranach l’Ancien appartenant à la Collection Würth.
Tout comme Le Péché, elle nous livre une représentation de la nature fondée
à la fois sur l’observation scientifique précise et sur la mythologie enseignée à
l’époque à partir des chroniques et des commentaires sur La Germanie de Tacite.
Cet enseignement s’est peu à peu enrichi des représentations médiévales de
« l’homme sauvage » à l’Âge d’Argent et des illustrations des êtres mystérieux
qui peuplaient les forêts, réalisées d’après les évocations d’auteurs célèbres de
l’Antiquité. Les interprétations allégoriques du sujet ont perduré. C’est ainsi qu’un
personnage masculin armé d’une massue et figuré aux côtés d’un lion exprime la
virtus – la force, la bravoure –, tandis qu’un personnage féminin entouré d’enfants
évoque la caritas – l’amour de Dieu et du prochain.
(...)

De l’Arcadie à l’Élysée
Nous rencontrons d’autres représentations bucoliques ou arcadiennes chez
Alexander Rothaug, par exemple dans Printemps sacré (non daté), évocation fin
de-siècle empreinte de pathos inspirée des cultes antiques, qui ne sont pas sans
nous rappeler la solennité du Bois sacré (1886) d’Arnold Böcklin. La même lecture
peut être faite pour l’étude Trois Nus dans la forêt (1910) de Max Ackermann et
pour le Paysage de forêt avec baigneurs (vers 1905) de Richard Kissling. Ces deux
tableaux figurent, dans un style néoclassique, un groupe de baigneurs debout, à
la fois symboles de l’homme nouveau de l’ère moderne et références aux modèles
antiques d’une humanité idéale. Ces personnages renvoient également à l’image
du corps revendiquée par la culture du corps libre à la fin du XIX e siècle.
Nous retrouvons des emprunts à l’Arcadie, certes sous une forme sublimée,
dans les représentations des Bois de Woldgate de David Hockney. Même s’ils
sont figurés sans présence humaine, les arbres constituent des représentations
animistes de la forêt, notamment dans Totems (2008), rappelant Virgile ou
des scènes de la mythologie grecque. David Hockney ne cesse de souligner le
caractère mystérieux des paysages de sa contrée natale. Un mystère qui ne
trouve pas uniquement son origine dans la réalité de la nature, mais qui se nourrit
également de l’ambiance particulière chargée des lumières de son enfance et de
son adolescence, de souvenirs et d’humeurs retrouvées.
Les représentations de la forêt par David Hockney traduisent d’une manière
fascinante à la fois ce qui a réellement été observé et ce qui relève du ressenti et
du souvenir. Amateur de contrastes, l’artiste associe des arbres abattus, qui
incarnent surtout une vision fonctionnelle et pragmatique de la forêt, à des
couleurs tout droit sorties des contes. C’est ainsi que des troncs bleu turquoise
encerclent une souche rose cyclamen, évoquant en quelque sorte les gardiens du
Graal.
Du sentiment panthéiste de la nature d’inspiration romantique
à l’art du paysage chez les expressionnistes
L’écrivain romantique Ludwig Tieck avait déjà souligné que la vénération de
la forêt dans l’art devait non pas se résumer à une compréhension naturaliste
de la nature mais proposer une illustration et une résolution des problèmes
de la psyché humaine. Aussi n’entendaitil pas décrire les arbres mais évoquer
la sensibilité intérieure. Au XIX e siècle, les mises en scène de la nature, par
Caspar David Friedrich notamment, sont moins des représentations que des
symboles – le reflet des zones de l’âme en quelque sorte, fondé sur un sentiment
profondément panthéiste de la nature où elle apparaît comme un ensemble
de hiéroglyphes visibles du monde de l’esprit. Leur déchiffrage fait moins appel à
la raison qu’aux sentiments. Il ne s’agit pas de jouir des scènes, mais d’être saisi
par elles.
Trois ans plus tard, Carl Spitzweg, l’un des principaux représentants du style
Biedermeier en Allemagne, rompra avec cette représentation de l’âme chargée

de pathos. Son couple d’amoureux assis à l’orée du bois est entouré d’une auréole
rouge doré qui se veut moins l’expression de la grandeur et de l’omnipotence de
la nature qu’un espace de résonance pour le bonheur évident qui transparaît
dans l’œuvre. L’ironie qui se dégage du titre, La Leçon (vers 1845), rompt avec le
sentiment panthéiste de la nature des romantiques, l’artiste préférant évoquer
le bonheur intime d’un premier baiser au crépuscule savouré par un couple au
paradis (terrestre). L’impressionniste Max Liebermann renonce pour sa part
totalement à tout sentimentalisme de ce type, même ironique. Dans Allée dans
le Tiergarten avec promeneurs et voiture (vers 1923), pendant urbain au « dehors
sauvage », des promeneurs déambulent si naturellement entre les troncs droits
des arbres, « sans manières ni protocole », qu’ils semblent se fondre dans
l’environnement. Parallèlement, chez les expressionnistes allemands, une liberté
picturale, une spontanéité et une ardeur impulsive se font jour, chose que l’on
avait pu observer peu de temps auparavant chez les fauvistes français, chez
Maurice de Vlaminck ou André Derain par exemple. Selon les critiques formulées
par les expressionnistes et leurs théoriciens, « l’impressionnisme est la tentative
de ne laisser à l’homme rien d’autre que sa rétine ».
(...) [Une œuvre telle que] Sous-bois avec touches de rose au premier plan
(1913/1920) d’Ernst Ludwig Kirchner montre bien les différentes manières
d’aborder le sujet chez les impressionnistes et chez les expressionnistes. (...)
Ernst Ludwig Kirchner nous emmène jusque dans les zones de la semi-conscience
et des émotions, que l’artiste a davantage ressenties qu’analysées. La peinture
n’a pas besoin d’être figurative : bien souvent, un motif naturel placé au bon
endroit suffit pour suggérer au spectateur le sens qu’il doit donner aux formes et
aux couleurs. De même, Soleil dans une forêt de hêtres (1917) de Lovis Corinth
– pourtant un instantané impressionniste de l’effet produit par la nature – est
un tableau porteur d’expressions révélées par l’application libre de couleurs
expressives, dans lequel transparaît à la fois toute une subjectivité et le simple
plaisir des sens que procure la peinture. L’œuvre de Lovis Corinth est ainsi plus
proche de Sous-bois avec touches de rose au premier plan d’Ernst Ludwig Kirchner
que du Coucher de soleil à Moret post-impressionniste (1892) d’Alfred Sisley.
La peinture pour elle-même
Cette évolution vers l’autonomie de la peinture, certains artistes la poursuivent
aujourd’hui encore. C’est le cas par exemple de Georg Baselitz qui, en « faisant
pivoter » son [motif] relègue au second plan le sujet présenté de façon toute
tachiste. Son sujet inversé Retour à l’école (2005) évoque non seulement un
souvenir d’enfance suggéré dans le titre mais renvoie aussi très clairement à la
liberté d’aborder des aspects purement picturaux. Son tout premier tableau
renversé est d’ailleurs un paysage de forêt. S’il n’exclut pas, vis-à-vis de tous les
objets de ses tableaux, son lien personnel avec le modèle, cette relation n’a,
selon ses propres dires, rien à voir avec son intérêt exclusif pour la peinture ; et
elle n’est donc pas significative pour le spectateur.
Quoi qu’il en soit, nous retrouvons dans son évocation de ses années d’école des
références claires à la Forêt de Wermsdorf de Ferdinand Ludwig Von Rayski (1859),

un tableau dont une reproduction était affichée dans le hall de l’école de Georg
Baselitz et qui a visiblement produit une grande impression sur l’artiste. Selon
Peter-Klaus Schuster, les touches de peinture rouge vif apparaissant sur le sol de
la forêt de Baselitz font écho aux curieuses successions de coups de pinceaux
observées dans le coin inférieur droit du tableau de Ferdinand Ludwig Von Rayski.
Ces coups de pinceaux évoquent, comme dans un tableau plus tardif, Société
de chasse dans la forêt de Wermsdorf, l’endroit où le gibier abattu a été
entreposé. « Les touches de peinture rouge vif ne sont rien d’autre que le sang du
gibier abattu. »
Introduire des valeurs purement picturales dans le tableau reste l’objectif
suprême de l’art de Georg Baselitz. Ce qu’il renverse, ce n’est pas le tableau, mais
le sujet. L’Autrichien Herbert Brandl adopte un peu la même démarche : malgré
des compositions figuratives, il n’entend pas être jugé à l’aune de la réalité, mais
plutôt attirer l’attention sur l’utilisation virtuose de la matière par le biais d’une
touche très visible, faisant la part belle aux coulures et aux coups de pinceaux
apparents. Il ne puise pas son inspiration dans la nature, mais dans la peinture
elle-même : « Je crée de la couleur à partir de la couleur et non à partir de la
forme. Ma peinture se caractérise par des taches ou des nuages de couleur,
dont découle une couleur principale qui finit par tout envahir. (...) Si tu veux
peindre une montagne, ne te perds pas dans les détails. Si tu veux représenter
une forêt, ne te limite pas aux branches et au feuillage. Si tu veux peindre un
coucher de soleil, associe-le au rouge du crépuscule ou au brouillard naissant
afin de donner avec peu de couleur une impression encore plus grande que celle
produite dans la réalité ». Herbert Brandl ne se laisse pas distraire, ne donne pas
de détails qui plairaient aux promeneurs ou aux gardes forestiers. À ses yeux,
la forêt n’est pas un ensemble de troncs et de branches, mais l’expression de
l’opinion collective sur son existence.
(...)
Du fantasme de la mémoire du tableau aux événements en surface
Donner la possibilité de s’approprier ce qui appartient à la nature semble être,
pour certains peintres et sculpteurs, une qualité essentielle de la forêt. Dans la
mesure où elle échappe à l’homme, plus encore que tout autre domaine de la
réalité extérieure – pensons à la réalité virtuelle –, la nature à l’état « naturel »
n’est quasiment plus jamais considérée comme une source d’identification. Elle
redevient dans une large mesure, de la fiction. Si autrefois l’homme se tenait
éloigné de la forêt, perçue comme inhospitalière, par crainte de s’égarer et par
crainte des dangers qu’elle était susceptible de receler, son rythme de vie se
trouve aujourd’hui en dissonance avec les évolutions saisonnières de la forêt.
Le philosophe Gernot Böhme souligne à juste titre que même en ville, nous
vivons dans la nature, au sens où « le matin, il fait jour et le soir, il fait sombre...
La différence, c’est que lorsque le ciel s’assombrit, nous allumons la lumière...
court-circuitant le crépuscule. Du fait de la disponibilité quasi illimitée de la
lumière, nous avons perdu le contact avec le champ expérimental que constitue
le crépuscule ». L’existence moderne ou, plus généralement, urbaine s’inscrit

ainsi moins dans le cours des événements naturels. Il fut un temps où la mise au
repos de la nature coïncidait avec le repos nocturne de l’être humain, un temps
où le crépuscule enveloppant faisait office de maison ou de chambre.
Les œuvres de Robert Longo s’inscrivent dans cette densité atmosphérique
saisissante, exprimant à la fois le sublime et la grisaille du quotidien. Il n’est
pas rare que Robert Longo se réfère pour ses compositions monumentales
aux fantasmes exprimés dans les films devenus cultes. S’inspirant de scènes
conservées au fond de sa mémoire depuis les années 1970, il construit ses
tableaux comme une sorte de transition mouvante entre réalité et fiction.
Rien ne nous permet de distinguer ce qui est réel de ce qui ne l’est pas. Mais
comme l’a formulé très justement Werner Spies, là où « Hollywood prend la
place des Métamorphoses d’Ovide », ce ne sont plus seulement les conventions
de l’Antiquité qui s’appliquent, mais aussi celles de la profusion des images
produites par les médias, dont il faut (inter)rompre le pouvoir. Robert Longo y
parvient, non pas en occultant le pouvoir des images mais en choisissant
d’évoluer dans leur vaste univers. Outre le « secret » inspirant qui entoure ses
tableaux, c’est la perfection technique éprouvée dans ses délicieuses horreurs
qui fascine. C’est cette maîtrise qui rend la surface [de ses œuvres] si « belle »,
si séduisante, qui lui confère la qualité que doit posséder un tableau aujourd’hui
pour concurrencer les images des médias, dont la surface n’a plus rien de vrai,
tant elle a été transformée.
Nous rencontrons cette superficialité tout à la fois stupéfiante et parfaite chez
Alex Katz également, avec une autre connotation toutefois. Tandis que Robert
Longo entraîne les observateurs de ses œuvres dans les profondeurs de l’illusion,
la banalité n’est jamais assez banale pour Alex Katz lorsqu’il s’agit d’ôter aux
tableaux le poids du sens nécessaire à leur interprétation. Cela l’amène à réduire
les formes au strict minimum, à éliminer tout ce qui est superflu ou purement
décoratif. Au travers de sa peinture, qui ne pourrait être plus plane, il ne
veut effleurer rien d’autre que la surface des choses. Aucune profondeur n’est
suggérée ; l’accent est mis sur la surface. Comme si Alex Katz voulait contester,
une bonne fois pour toutes, le reproche qui est fait à la peinture de n’être
qu’illusion.
La forêt, empreinte de la mémoire (collective)
(...)
Markus Lüpertz s’intéresse quant à lui à l’histoire allemande et à ses zones
d’ombres d’une manière très inhabituelle. Lui non plus ne croit pas au caractère
purement représentatif de l’art. Il est à la recherche de l’image possible, comme
dans ses Seelower Höhen (2009), qui visent à faire entrer dans l’histoire la plus
grande et la plus mortelle bataille qui ait jamais eu lieu sur le sol allemand,
en 1945. S’il la replace dans un contexte géographique approprié constitué
de champs, de prairies, de forêts mixtes, de sentiers et de routes, les sentiers
sont barrés par la végétation et les voies ferrées ne mènent nulle part. Nous
ne voyons pas des scènes de guerre, entrées depuis longtemps dans l’histoire,
mais des symboles allemands de souveraineté chargés d’émotions – un casque

en acier, par exemple, motif qui intéressait déjà Markus Lüpertz dans les années
1970. Markus Lüpertz n’a pas pour objectif d’illustrer l’histoire, mais plutôt de
l’interpréter en tant qu’artiste libre. Comme Henri Matisse, il pourrait déclarer :
« Les détails, […] le peintre n’a plus à s’en préoccuper, la photographie est là
pour rendre cent fois mieux et plus vite la multitude des détails. […] L’objet
de la peinture n’est plus de décrire l’histoire, puisqu’elle est dans les livres.
Nous en avons une conception plus haute. Par elle, l’artiste exprime ses visions
intérieures » (Dominique Fourcade, Henri Matisse. Écrits et propos sur l’art,
Hermann, Paris, 1992).
Max Beckmann exprime lui aussi sa vision interne, ses peurs et ses doutes dans
un tableau au sujet à première vue banal. Réalisé en exil à Amsterdam, où il
connaît la précarité et la solitude et se voit privé de la reconnaissance sociale
et artistique, Le chemin du parc (1943) semble évoquer la détente insouciante
procurée par une promenade dans un parc. Les moyens picturaux utilisés
renvoient cependant à tout autre chose : le champ est restreint par la verticalité
du format, le sentier et les cyclistes évoquent une sorte de train-train dont il
est impossible de s’extirper, tandis qu’au centre du tableau, un imposant feuillu
vert foncé masque le reste de la scène. Dans cette représentation du parc, Max
Beckmann ne dépeint pas la scène prétendument idyllique qu’offre un sujet
propice à l’harmonie, mais la contradiction, la soif de liberté que nous retrouvons
dans ses imposantes scènes mythologiques de la même époque.
Les traces des échecs de l’homme
(...)
[L’œuvre] Ceiba (2005), une représentation à la fois idyllique, fantastique et
réaliste d’un parc par le Cubain Lester Campa, [a] quelque chose de déroutant.
Ceiba figure en son centre un énorme arbre à kapok, derrière lequel on devine, au
loin, une mégalopole. Considéré comme sacré par les Mayas, cet arbre symbolise
l’axe du monde, mettant en communication les trois niveaux du cosmos : le
souterrain par ses racines, la surface de la terre par son tronc et les hauteurs par
ses branches supérieures et sa cime. Les enfants d’Amérique latine continuent de
croire que des petits êtres vivent dans ses creux.
(...)
Landscape into Art – ou comment faire de l’art à partir d’un arbre
Une fois de plus, Christo prouve qu’il est possible de s’intéresser aux secrets de
la forêt et des arbres, ainsi qu’à la force de vie générée entre les racines et la
cime des arbres sans les moyens traditionnels de la peinture et de la sculpture.
L’œuvre enveloppée réalisée spécifiquement pour cette exposition élève au
rang d’art un arbre ayant grandi de façon naturelle. L’essence de cet art est la
métamorphose non pas de l’objet en lui-même, mais de la conscience que nous
en avons.

VISUELS
Les visuels HD sont disponibles en téléchargement à l’adresse
http://www.musee-wurth.fr/presse/
Login : pressemwfe - Mot de passe : foret2012
Camille PISSARRO
Route de Berneval-le-Petit, 1900
Huile sur toile
64,8 x 54,6 cm
Collection Würth, Inv. 3430
Photo : Philippe Schönborn, Munich
Ernst Ludwig KIRCHNER
Sous-bois avec touches de rose au premier plan
Waldinneres mit rosa Vordergrung, 1913/1920
Huile sur toile
121 x 91,5 cm
Collection Würth, Inv. 4393
Photo : Volker Naumann, Schönaich
Gabriele MÜNTER
Jardin d’acacias
Garten mit Akazien, 1924
Huile sur carton
32,9 x 40,8 cm
Collection Würth, Inv. 5762
© ADAGP, Paris 2012
Photo : Volker Naumann, Schönaich
Max ERNST
La forêt du somnambule, 1934
Huile, gouache, frottage sur papier,
marouflés sur toile
36 x 25,5 cm
Collection Würth, Inv. 4528
© ADAGP, Paris 2012
Photo : Volker Naumann, Schönaich

Max BECKMANN
Terrain de golf à Baden-Baden
Golfplatz Baden-Baden, 1937
Huile sur toile
110 x 65 cm
Collection Würth, Inv. 10632
© ADAGP, Paris 2012
Photo : Ivan Baschang, Paris/Munich
HAP GRIESHABER
Bourgeon - Couple bleu
Baumblüte - Das blaue Paar, 1963
Gravure sur bois sur vélin
70 x 69,5 cm
Collection Würth, Inv. 11714
© ADAGP, Paris 2012
Photo : Ralph Feiner, Malans
Markus LÜPERTZ
Tronc d’arbre - dithyrambique
Baumstamm – dithyrambisch, 1966
Détrempe sur toile
305 x 115 cm
Collection Würth, Inv. 3468
© Markus Lüpertz
Photo : Joachim Littkemann, Berlin
CHRISTO
Wrapped Tree, Project for the Museum Würth,
Germany, 1994
Collage : crayon, tissu, ficelle, polyéthylène,
pastel, fusain, peinture à l’émail, carton gris
et brun
67,5 x 78,5 x 5,5 cm
Collection Würth, Inv. 2601
© Christo
Photo : André Grossmann, New York

Rainer FETTING
Paysage nordique (Paysage danois)
Nordische Landschaft (Dänische Landschaft), 1997
Huile sur toile
200 x 302 cm
Collection Würth, Inv. 5177
© Rainer Fetting
Photo : Kerstin Müller/Carmen Hoffmann
Georg BASELITZ
Retour à l’école
Zurück in die Schulzeit, 2005
Huile sur toile
250 x 200 cm
Collection Würth, Inv. 8578
© Georg Baselitz
Photo : Joachim Littkemann, Berlin
Lester CAMPA
Ceiba, 2005
Acrylique sur toile
85,5 x 115,5 cm
Collection Würth, Inv. 14104
© Lester Campa
Photo : Andi Schmid, Munich
Alex KATZ
Meadow 2, 2007
Huile sur toile
305 x 610 cm
Collection Würth, Inv. 14502
© Alex Katz / ADAGP, Paris 2012
Photo : Paul Takeuchi

David HOCKNEY
The Road to Thwing, Late Spring, 2006
Huile sur toile
186 x 370,5 cm
Collection Würth, Inv. 11286
© David Hockney
Photo : Richard Schmidt
Robert LONGO
Untitled (Fairmount Forest), 2011
Graphite et fusain sur papier marouflé
176 x 300 cm
Collection Würth, Inv. 15015
© ADAGP, Paris 2012
Photo : Galerie Thaddaeus Ropac
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PROGRAMMATION
CULTURELLE
DANSE : Mardi 2 octobre à 20h
GIGS - Danse & Musique
Compagnie SomeBody, dans le cadre de la 3 e édition du festival IMPRéVU
Succession d’improvisations courtes mêlant danse et musique qui s’enchaînent
comme dans un concert, la seule contrainte énoncée juste avant l’entrée sur
scène étant la durée de chaque pièce et le nombre de personnes y participant.
Avec : Marjorie Burger-Chassignet, Agostina D’Alessandro, Paolo Cingolani, Boris
Cossio, Christophe Dozzi, Aurélie Gandit, Julyen Hamilton, Billie Hanne, Ana
Iommi, Galaad Le Goaster, Barbara Pereyra, Theodossia Stathi + Vincent Peter,
Vincent Posty, Francesco Rees
Pour en savoir plus : www.cie-somebody.com
CONCERTS ET DÉGUSTATIONS DE VINS :
Samedi 27 et dimanche 28 octobre
Le Musée Würth fête le piano
Tout au long d’un week-end, le musée propose de fêter le piano. Quatre pianistes
se sont prêtés au jeu pour composer 3 programmes variés : jazz, œuvres à
4 mains et récital solo. Dans une atmosphère conviviale, les spectacteurs
peuvent, en un même week-end, écouter 3 concerts, faire des visites guidées de
l’exposition et déguster des vins (les dégustations sont proposées par Le Cellier
Mobile, Erstein).
Samedi 27 octobre à 20h
Ragn’Boogie - Sébastien Troendlé
Sébastien Troendlé, formé à l’Ecole de Jazz de Bâle aussi bien qu’à l’école
de la route, part sur les traces du son des origines du jazz. Rag’n Boogie,
est un spectacle émaillé d’anecdotes et de cascades de notes, débordant
de rythme et de mélodies, de drôlerie et de nostalgie. Il délivre les plus
belles pages du ragtime et du boogie-woogie, deux styles qui ont fait
fureur dans le Sud des États-Unis voici un siècle. Composés par des Noirs
à la vie jamais facile, joués devant un public frénétique, ces morceaux
entêtants ont traversé les âges avec une fraîcheur intacte, cent ans
après avoir déterminé l’éclosion du jazz et irrigué l’histoire des musiques
populaires du XX e siècle.

Dimanche 28 octobre à 15h
Promenade dans le répertoire français - Lara Erbès et Luc Benoît
Ce programme est tissé d’un choix d’œuvres issues du riche répertoire
de la musique française pour piano à 4 mains de la fin du XIX e et du XX e
siècle. Il permet de découvrir toute l’étendue du « style français » entre
légèreté et profondeur, gravité et humour... de l’énergie rythmique d’une
« rhapsodie » à la souplesse rêveuse de « l’après-midi d’un faune », du
piano de salon au piano orchestral. Au programme du concert : Ravel,
Satie, Bizet, Fauré et Chabrier.
Dimanche 28 octobre à 18h
Trois Sonates de Beethoven - Daniela Tsekova
Les Sonates pour piano de Beethoven, ensemble considéré comme l’un
des monuments dédiés à l’instrument, témoignent du cheminement
stylistique du compositeur. Dans les 3 sonates au programme, l’opus
81a dite « Les Adieux », l’opus 110 et l’opus 111, les difficultés techniques
mettent en jeu les possibilités physiques de l’interprète comme celles de
l’instrument, et exigent une attention soutenue de la part de l’auditeur.
Ces sonates font partie du groupe dit de la « dernière manière ». Ce
terme désigne un aboutissement stylistique de Beethoven, dans lequel
le compositeur, désormais totalement sourd et possédant toutes les
difficultés techniques de la composition, délaisse toutes considérations
formelles pour ne s’attacher qu’à l’invention et à la découverte de
nouveaux territoires sonores.
CONCERT : Dimanche 18 novembre à 17h
Récital violoncelle et piano - En partenariat avec l’AJAM
Maxime Ganz (violoncelle), Jonathan Bénichou (piano)
Solistes de la nouvelle génération, le violoncelliste strasbourgeois Maxime
Ganz et le pianiste Jonathan Bénichou se rencontrent en 2011 à Strasbourg.
La résonance entre les deux musiciens est immédiate et le désir d’interpréter
l’immense et riche répertoire du duo violoncelle et piano tient de l’évidence. Le
projet se concrétise très rapidement et, bientôt, on peut les entendre dans des
lieux et des festivals prestigieux tels que l’Auditorium Paul Klee à Berne (Suisse),
l’hôtel Negresco de Nice ou encore le Festival Piano Folie au Touquet.
Pour leur tournée en Alsace, les deux musiciens nous proposent trois maîtres de
la sonate romantique pour violoncelle : Beethoven, Grieg et Rachmaninov.
CONCERT : Dimanche 25 novembre à 17h
Visions : 4 générations de compositeurs italiens
En partenariat avec l’Institut Culturel Italien de Strasbourg
Ruggero Marchesi (violon), Alessandro Maccione (violoncelle),
Fabio Menchetti (piano)
Ce concert s’inscrit dans le cadre de la manifestation franco-italienne « Suona
italiano 2012 », projet de promotion et de diffusion de la musique italienne en
France, organisé par La Fondazione Musica per Roma.Au programme, des œuvres
de Lupi, Ghedini, Zangelmi, Nicoli, Maccione, compositeurs italiens du XX e siècle.

THÉÂTRE : Jeudi 29 novembre à 20h30
Récit de lit - Dans le cadre de la saison du Relais Culturel d’Erstein
Compagnie Hors Cadre
Récit de lit est un spectacle qui se nourrit de ce moment particulier où l’on se
découvre, en pudeur, en tension, en question. Un corps à corps écrit à deux
plumes, rédigé au creux d’un lit. De la 1ère nuit à la 18 250ème : lit à aimer, à
mourir, à rêver, entre Elle et Lui, tous ces lits à travers ...
CONCERT : Dimanche 2 décembre à 17h
Sonates pour piano de Mozart
Amy Lin
Le répertoire de la pianiste d’origine taïwanaise Amy Lin est très important et
riche. Elle excelle en particulier dans l’interprétation des œuvres de la tradition
viennoise de Schubert, Beethoven et Mozart. Elle propose dans le programme
de ce concert un parcours dans les sonates pour piano de Mozart qu’elle a
récemment enregistrées sur le piano de l’auditorium du Musée Würth.
THÉÂTRE LYRIQUE : Mardi 15 janvier à 20h
Offenbach et la Diva Hortense
Compagnie Villatheatre : Mélanie Moussay (soprano) et Cécile Steffanus (piano)
À travers le personnage de la cantatrice Hortense Schneider, ce récital lyrique
amène le public à découvrir la musique, pétillante, revigorante et ingénieuse de
Jacques Offenbach. Dans ce récital, la musique respire, inspire et transpire le
théâtre, tout en laissant au chant sa place principale.
CONCERT ROCK : Mardi 22 janvier à 20h
La Lune jaune
Flash Compagnie
Des grands textes introspectifs de Michaux, Tardieu, Apollinaire, Louise Labé,
Baudelaire, Pessoa… accompagnés par des compositions originales aux accents
résolument rock… Poèmes du XVI e au XX e siècle et guitare électrique : voilà qui
peut paraître paradoxal, voire choquant. Or, c’est le contraire. Quelque chose se
passe dans la confrontation entre poésie et musique rock, qui sert le texte, qui
l’actualise mais jamais ne l’anecdotise. « Un grand texte résiste à tout », dit-on ;
mais c’est plus que cela : un grand texte se régénère, reprend du souffle, si on
lui offre le souffle et les intonations d’aujourd’hui. La Lune jaune est également
l’occasion pour Corine Linden d’exécuter en direct des peintures Tch’an à l’encre
de Chine sur un grand panneau tendu de papier Whenzou.
CONCERT JEUNE PUBLIC : Dimanche 3 février à 16h
Stockhausen raconté aux enfants
Ensemble Linea & Compagnie Flash Marionnettes
Stockhausen raconté aux enfants met en scène une rencontre fictive entre le
compositeur allemand Karl-Heinz Stockhausen et une musicienne japonaise
admiratrice de son œuvre... Tentant d’abord de communiquer dans les langues
qu’ils connaissent, ils parviennent finalement à dialoguer avec leurs instruments.
L’intrigue cède alors la place à un voyage musical et coloré, riches en surprises,

dans l’univers de Stockhausen. Ce spectacle est une initiation ludique et
poétique, pour petits et grands, à la musique d’aujourd’hui.
MARIONNETTES : Dimanche 17 février à 11h et à 16h
Contes de l’Arbre-Monde
Compagnie Aboudbras
On dit que c’est un arbre qui tient le monde. Un arbre aux racines profondes
qui s’enfoncent dans le ventre de la terre. Un arbre aux branches si hautes, si
élancées, qu’elles touchent le ciel. On dit que c’est un arbre qui relie la terre au
ciel. On l’appelle « l’arbre-monde ». On dit aussi que quand on vient sous l’arbremonde,
quand on prend vraiment le temps d’écouter, alors il nous livre ses
histoires. Ce sont des histoires qui nous parlent du monde des arbres. Car les
arbres savent parler, pourvu qu’on sache un peu les écouter ! Et si finalement les
arbres nous parlaient de nous ?
WEEK-END DE L’ART CONTEMPORAIN
Samedi 16 et dimanche 17 mars
Programme à définir
CONCERT ÉLECTROACOUSTIQUE : Mardi 26 mars à 20h
Métamorphoses
Nightingale - Corinne Chatel
Corinne Chatel, avec la complicité de l’ingénieur du son Benoît Burger, explore
les aptitudes infinies de la voix humaine, en consacrant ses recherches à
l’improvisation vocale. La poésie sonore se glisse à travers les barrières
linguistiques. Elle est compréhensible par tous, elle suscite des émotions, elle
crée des atmosphères, c’est une invitation au voyage, à l’imaginaire, au souvenir,
au partage. Le monde infini du son - archaïque, végétal, animal, primordial et
spirituel - s’enracine dans notre passé, fait résonner notre mémoire collective et
vibrer notre corps dans l’instant. Dans cet état de présence ici et maintenant,
Corinne Chatel collecte les bruits urbains, les rythmes du quotidien, la musique
des voix, les images sonores et colorées du monde. Inspirée par ce mouvement
dansant entre le passé et le présent, sa voix s’inscrit dans l’espace contemporain,
lieu de liberté et d’innovation. »
CONCERT : Dimanche 7 avril à 16h
Concert-Collage - Concert organisé par le Cercle des amis de Marcelle Cahn
Avec les professeurs et les élèves du Centre Musical de la Krutenau, Strasbourg
Le concert s’inscrit dans une saison de petits événements, autour de l’œuvre de
Marcelle Cahn, qui s’égrènent de mars 2012 à mai 2013. Le programme du concert
est construit autour des goûts musicaux de Marcelle Cahn et de Paul Arma, ami
de l’artiste, musicien, compositeur et plasticien.
Entrée libre, plateau en faveur de l’association « Tôt ou t’Art ».
Pour en savoir plus : voir le site de l’association www.marcelle-cahn.fr

CONCERT : Dimanche 14 avril à 17h
Mozart, Schumann, Magnard - En partenariat avec l’AJAM
Quatuor Varèse : François Galichet et Jean-Louis Constant (violons), Sylvain
Séailles (alto), Thomas Ravez (violoncelle)
Le Quatuor Varèse fait ses débuts en 2006 au Conservatoire National Supérieur
de Musique et de Danse de Lyon auprès de Zoltan Toth et Reiko Kitahama du
Quatuor Ravel avant de se former auprès du Quatuor Ysaÿe pendant
quatre ans. Tout en étudiant de façon régulière avec Marc Danel et le Quatuor
Debussy, il suit l’enseignement de Miguel Da Silva à la Haute Ecole de Musique de
Genève (HEM) depuis octobre 2011. Maintes fois primé, boursier de la Fondation
d’entreprise Banque Populaire depuis cette année, le Quatuor Varèse se produit
très régulièrement en France et à l’étranger (Allemagne, Algérie, Irlande, Italie,
Québec, Japon). On a pu l’entendre en direct sur les ondes de Radio-France et
dans les émissions de Gaëlle Le Gallic, Jean-Pierre Derrien, Arnaud Laporte et
Frédéric Lodéon.
CONCERT : Dimanche 28 avril à 17h
Au Salon romantique : piano et cordes
Quatuor Florestan et Eveline Rudolf (piano)
Le Quatur Florestan et la pianiste Eveline Rudolf proposent un programme
romantique : Robert Schumann, Première Sonate piano et violon, opus 105 en la
mineur ( 1851), Gustav Mahler, Quatuor en la mineur ( 1876) et Johannes Brahms,
Quatuor pour piano et cordes opus 25 en sol mineur ( 1863).
La pièce de Gustav Mahler constitue l’unique incursion du compositeur dans le
domaine de la musique de chambre. Œuvre de jeunesse, composée pendant
les années d’étude au Conservatoire de Vienne, ce quatuor fut retrouvé aux
États-Unis et donné en concert près d’un siècle plus tard en 1973. Une œuvre de
jeunesse, certes, mais aussi une pièce délicieuse à découvrir.
THÉÂTRE : Dimanche 12 mai à 17h
Trois fois trois vœux
Compagnie l’Apostrophe
Empruntant la forme traditionnelle du conte de fée, Jacques Jouet, auteur
dramatique et poète oulipien nous offre une fable ontologique irrévérencieuse,
un divertissement étincelant d’intelligence et d’humour, accessible à tous les
publics. Imaginez que Dieu, déçu par sa création, décide de s’incarner sous
diverses formes (lépreux, huppe, crapaud) pour proposer à ses créatures une
chance d’améliorer leur condition, celles-ci sauraient-elles la saisir ? Pour sa part,
Dieu paraît bien pessimiste...
Le spectacle aura lieu dans le parc du musée, en plein air.
NUIT EUROPÉENNE DES MUSÉES : Samedi 18 mai de 18h à minuit
Programme à définir

AUTRES ACTIVITÉS
Si la forêt m’était contée...
Tous les 1 ers dimanches du mois à 11 heures, découvrez ou redécouvrez en famille
les contes traditionnels qui ont pour décor la forêt (Le Petit Chaperon Rouge,
Hansel et Gretel, Le Petit Poucet…).
> Tarif d’entrée du musée
Ateliers plastiques pour les enfants
Pendant les vacances scolaires (Toussaint, février, printemps), le musée organise
des cycles d’ateliers plastiques en lien avec les œuvres de l’exposition, pour les
enfants de 6 à 12 ans.
> 10 € les 2 séances d’1h30
Visites guidées gratuites (en individuel)
• Français : tous les dimanches à 14h30
• Allemand : tous les 3 èmes dimanches du mois à 11h
> Tarif d’entrée du musée, sans réservation

INFORMATIONS
Musée Würth France Erstein
Z.I. ouest / rue Georges Besse / BP 40013
F – 67158 Erstein cedex
Tél. : + 33 (0) 3 88 64 74 84
Fax : + 33 (0) 3 88 64 74 88
www.musee-wurth.fr
mwfe.info@wurth.fr
Horaires
Du mardi au dimanche de 11h à 18h
PRATIQUES
Tarifs d’entrée du musée
• Normal : 6 €
• Réduit : 4 € (étudiants, seniors, groupes, carte Cezam)
• Gratuit : Pass Musées, handicapés, scolaires (uniquement sur réservation)
• Gratuit pour tous le samedi
Tarifs programmation culturelle
• Normal : 12 €
• Réduit : 10 € (étudiants, seniors, groupes, carte Cezam, Pass Musées, Accent 4)
• Spectacles jeune public : 5 € (enfants) et 8 € (adultes)
Visites guidées pour les groupes
Renseignements et réservation au 03 88 64 79 10
ou par e-mail mwfe.info@wurth.fr