Peer Gynt - Odéon Théâtre de l'Europe

ANALYSES : “LA BATAILLE DE PEER GYNT” (SUITE)
engagé -à la fois professionnellement et politiquement- d'une énorme capacité de travail et d'un goût de
l'innovation doublé d'un très grand perfectionnisme. Refugié en Suède pendant le dernier conflit, il avait
été un des plus ardents zélateurs de la cause de la Norvège occupée. Entre autres, parcourant le pays
de long en large, il avait joué Peer Gynt dans le plus pur esprit du romantisme national, exaltant le héros
qui, aux yeux de tous, était le symbole même de la norvégianité.
Dès cette époque il était cependant conscient que, si elle servait la cause du patriotisme norvégien, cette
interprétation de Peer Gynt n'était pas conforme à l'esprit de l'oeuvre. Et, à la fin de 1945, une fois les
hostilités terminées, il envisagea de monter la pièce dans un esprit plus conforme à l'esprit de l'auteur.
Le 22 décembre, il écrit ainsi à Sandro Malmquist :
Donc, un Peer Gynt sans musique ou avec le moins de musique possible, en quel cas il serait préférable
d'avoir une musique entièrement nouvelle (par exemple, La Danse d'Anitra est absolument impossible
dans sa forme actuelle). Certes, La Mort d’Ase et La Halle du Vieux du Dovre sont remarquables... Mais
je ne suis pas sûr qu'un compositeur moderne ne puisse faire quelque chose d'entièrement nouveau et
d'encore plus puissant que la composition de Grieg. Dans l'ensemble, sa musique est beaucoup trop
lyrique. Et -peut-être en partie pour cette raison- on joue Peer Gynt de manière beaucoup trop lyrique.
Il ne faudrait pas oublier que Peer est une virulente satire de ce qu'Ibsen aimait le moins chez les
Norvégiens : leur amour de la rêverie, leur propension à préférer les contes aux réalités, à repousser
les décisions, à fabuler et se vanter. Certes, on voit bien que, secrètement, l'auteur se laisse peu à peu
séduire par le héros. Pour autant, il ne faudrait pas que la représentation occulte tout ce qu'il y a dans
l'oeuvre de satire cinglante. Et puis, il faut qu'on renonce, qu'on renonce enfin à ménager entre leurs
différentes parties des pauses remplies d'une musique plus ou moins distrayante qui, chaque fois
qu'une de ces parties commence, empêche le spectateur de se mettre tout de suite dans l'ambiance.
Et donc : le premier acte (jusqu'à La Mort d'Ase) se déroule dans un paysage de montagne qui constitue
un décor fixe. C'est là que le héros erre d'une scène à l'autre, et seule une vacillante petite lumière
d'aventure marque la séparation entre les différentes parties.
Deuxième acte : L'Afrique -donc le désert- une simple oasis, le sphinx et, à l'arrière, l'asile d'aliénés, le
tout relié par une musique de tam-tam qui évoque la halle du Vieux du Dovre. Anitra, qui n'a plus rien
d'une agile beauté, est maintenant une putain nègre difforme -la femme en vert sous une nouvelle apparence-
qui effectue sa danse du ventre au son d'une sauvage musique nègre ; elle est laide et sensuelle,
effrayante et attirante. A l'instar de la femme en vert, elle est la femelle en rut à l'état pur. L'asile
d'aliénés doit apparaître, en pire, comme une nouvelle version rêvée de la halle du Vieux du Dovre, une
débauche de terreur avec des gens fous qui se tranchent la gorge, un rappel de la scène du premier acte
où le garçon se coupait le doigt. Le directeur : identique au Vieux du Dovre, la même vision déformée, le
même noir sur blanc, mais en pire et plus sinistre encore. Le rêve et la réalité étroitement imbriqués.
Dernier acte. Peer revient à la maison. Lande et forêt désertes. Son interminable périple nocturne au
cours duquel l'assaillent ses anciennes pensées, le Vieux du Dovre, le forgeron Aslak, la mariée et puis,
au beau milieu du conte, non pas saint Pierre comme dans La Mort d'ifse mais le diable en personne,
non pas Notre-Seigneur mais le Fondeur de boutons.
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