Los Angeles 1955 - 1985 / Parcours Exposition - Centre Pompidou

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Inauguration de l'espace d'exposition et d'enseignement artistique, Woman's Building à Los Angeles avec le Feminist Studio Workshop (FSW). First West Coast Conference for Woman Artists [Première conférence des femmes artistes de la Côte Ouest] à CalArts. 1974 Judy Chicago et un groupe de femmes commencent The Dinner Party. 1977 L'exposition historique "Women Artists: 1550-1950" ouvre au LACMA. 1979 Exposition de The Dinner Party à San Francisco. Comme le montre la chronologie ci-dessus, Los Angeles a ouvert la voie dans le développement de la pédagogie féministe de l'art. Tout d'abord avec le programme universitaire initié par Judy Chicago, implanté à CalArts en 1971. Ensuite, en 1971-72, avec la réalisation par une vingtaine d'artistes de CalArts des environnements de Womanhouse dans un bâtiment abandonné, dont chaque espace met en scène des thématiques liées à la vie de la femme. On y trouvait The Dollhouse [Maison de poupées], Menstruation Bathroom [Salle de bain de menstruation], Listick Bathroom [Salle de bain rouge à lèvres] ou Nurturant Kitchen [Cuisine Nourricière], qui célébraient l'expérience de la femme, mais dénonçaient son enfermement dans le rôle exclusivement domestique. En 1973, s’ouvrait le Woman's Building, avec le Feminist Studio Workshop (FSW), dotant les artistes femmes de lieux d'exposition, d'enseignement et de pratiques artistiques pluridisciplinaires à Los Angeles. Pendant une vingtaine d'années le Woman's Building accueillit de nombreuses expositions et événements qui privilégiaient les travaux collectifs et les performances s'appuyant sur des éléments autobiographiques afin de replacer l'histoire personnelle dans une large perspective sociopolitique. Les performances réalisées dans ce cadre par des artistes telles que Eleanor Antin, Judy Chicago, Suzanne Lacy, Linda Montano, Martha Rosler, Moira Roth, Miriam Schapiro, Faith Wilding ont eu une influence considérable sur l'art de la performance à Los Angeles. Enfin, The Dinner Party, réalisé à Los Angeles par Judy Chicago et des centaines de collaboratrices entre 1974 et 1979, constitue l'œuvre mythique de l'art féministe des années 70. (Du fait de ses dimensions monumentales, seul un élément de l'œuvre est exposé dans Los Angeles 1955- 1985) Surfer sur le site du Woman's Building pour voir des images d'archives http://www.womansbuilding.org Surfer sur le site de l'University of California, San Diego (UCSD) pour voir des images de Womanhouse: http://aal.ucsd.edu/reserves/art40192/chicago/index.html Lire : Through the Flower: My Struggle as a Woman Artist de Judy Chicago Judy Chicago The Dinner Party rend hommage à 1 038 femmes de l'histoire réelle ou mythologique, dont la vie accomplie mérite de figurer, à côté de celles des hommes, dans les annales de l'humanité. The Dinner Party représente une table de banquet triangulaire avec 39 emplacements pour les invitées d'honneur (soit trois fois le nombre de La Cène). Chaque place comprend une nappe brodée du nom de la convive (Sappho, Artemisia Gentileschi, Virginia Woolf, Georgie O'Keefe, etc.), un calice doré, des couverts et une assiette en porcelaine sculptée évoquant un sexe féminin. Les noms des 999 autres femmes sont inscrits en lettres d'or sur les 2 300 carreaux blancs du sol. Historiquement, l'œuvre est importante pour plusieurs raisons. Tout d'abord c'est la première œuvre monumentale conçue par des femmes pour glorifier des femmes. Ensuite, l'imagerie du sexe féminin sciemment utilisée ici constitue un précédent dans le monde androcentrique des beaux-arts. Enfin, elle rétablit les "travaux féminins" (broderie, peinture sur porcelaine, 22
etc.) au rang de pratique artistique en les incluant dans une œuvre destinée à l'exposition. Lors de sa première exposition au San Francisco Museum of Modern Art en 1979, un nombre record de visiteurs se présenta au musée. Aujourd'hui dans la collection du Brooklyn Museum, The Dinner Party est considéré comme une œuvre majeure davantage pour sa connotation culturelle et sociale, que pour sa valeur esthétique. Judy Chicago et al The Dinner Party, 1974-1979 Table triangulaire avec porcelaine peinte, assiettes sculptées et broderie. Sol en carreaux de céramique peints Chaque coté du triangle mesure 14,63 m (technique mixte 1436 x 1280 x 91,4 cm) The Brooklyn Museum, New York Voir l'image sur le site du City College of San Francisco http://fog.ccsf.edu/~jcarpent/images/Art%20103%20Slide%20List%206/chicago01.jpg De même, il serait difficile d'appréhender Illegal Operation (1962) de Edward Kienholz strictement sur le plan plastique tant l'œuvre est poignante. Dix ans avant l'éclosion des féministes à Los Angeles, Kienholz abordait déjà le sujet polémique de l'avortement clandestin avec un grand assemblage où le lyrisme laisse place au pathos, encore amplifié par le titre explicite et la présence d'objets ordinaires qui n'aménagent aucune échappatoire pour le regardeur. Ici, le thème de l'œuvre est parfaitement clair, la détresse et l'écœurement sont manifestes. Un vieux caddie sert de table d'"opération", un lampadaire tremblant de lampe chirurgicale, des instruments rouillés et un seau plein de chiffons souillés laissent deviner l'horreur. Un vieux sac de ciment éventré et béant évoque la femme meurtrie en son sein. L'œuvre est efficacement conçue pour émouvoir le public. Avec ces grands assemblages brutaux et crus, Kienholz dénonçait sans complaisance les travers les plus choquants de la société. Basé sur un fait réel, Five Car Studs (1969), par exemple, reproduisait cette fois l'atrocité et la violence d'un lynchage raciste. Sans pour autant entrer dans la catégorie de l'art engagé – puisque l'artiste ne prend pas parti et ne défend pas expressément une cause – le travail de Kienholz est toutefois lourd de sous-entendus moraux qui contribuent à la prise de conscience des regardeurs. Une nouvelle génération d'artistes de Los Angeles allait assumer cette même posture sociale d'observateur critique pour développer une réflexion politique au tournant des années 80. ⇒ Regards critiques sur la société consumériste : Jim Shaw, Raymond Pettibon Larry Johnson, Jeffrey Vallance, Stephen Prina, Christopher Williams Jim Shaw, Raymond Pettibon et Larry Johnson s'engagent dans une critique de la société de consommation à travers une appropriation des langages et des images des médias. Ils sont marqués par la culture populaire et par la scène punk qui s'est développée à Los Angeles avec des groupes comme X, Germ, Fear, Catholic Discipline et Black Flag lancé en 1976 par le guitariste Greg Ginn. Frère de Greg, Raymond (Ginn) Pettibon crée le logo du groupe et illustre leurs albums, ainsi que ceux d'autres groupes Punk Rock de Los Angeles. Raymond Pettibon Raymond Pettibon réalise des peintures et des dessins figuratifs à l'encre noire, accompagnés de textes, qui s'attaquent avec beaucoup d'humour à la société américaine contemporaine. L'objectif de Pettibon n'est cependant pas, comme il l'explique dans un 23
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