FR - Musée Würth France Erstein

5 JUIN 2013
> 5 JANVIER 2014
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DES PHOTOGRAPHES
RENCONTRENT DES ARTISTES
Toutes les activités du Musée Würth France Erstein
sont des projets de Würth France S.A.
COLLECTION WÜRTH
DOSSIER
DE PRESSE

DOSSIER DE PRESSE
CONTACTS
Marie-France Bertrand
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Art Faces
Des photographes rencontrent des artistes
L’art du portrait, classé comme un des genres nobles de la peinture dans la
hiérarchie des genres au cours du XVII e siècle, connait une concurrence sérieuse
avec le développement de la photographie au cours de la deuxième moitié du
XIX e siècle. En eff et, cette période correspond à la fois au triomphe du portrait
peint, porté par l’essor de la bourgeoisie, et au développement du portrait
photographique, moins onéreux et moins encombrant. Le XX e siècle fait ensuite la
part belle au portrait photographique, gagnant les couches populaires et relayant
le portrait peint au second plan.
De nombreux photographes se spécialisent dans l’art du portrait comme Nadar,
August Sander ou encore Helmut Newton. Qu’il s’agisse d’un instant « posé » ou
bien « volé », le portrait est toujours le fruit d’une rencontre, d’un jeu ou d’une
négociation entre deux sujets, l’un derrière l’objectif, l’autre devant.
L’exposition Art Faces se concentre sur des rencontres, souvent illustres, entre
quelques photographes de renoms tels que Michel Sima, Gisèle Freund ou
Herbert List avec des artistes comme Pablo Picasso, Piet Mondrian ou encore
Gerhard Richter. Cet ensemble de photographies, qui appartient aujourd’hui à la
Collection Würth, a été assemblé par le photographe suisse d’origine alsacienne
François Meyer. Le point de départ de sa collection est constitué d’une série de
portraits photographiques qu’il réalise à la fi n des années 1970, lors d’un séjour
aux États-Unis où il a la chance de fréquenter les ateliers de Sam Francis, Roy
Lichtenstein ou encore Andy Warhol. À partir de ce fonds, qui dort pendant vingt
ans dans ses tiroirs, il rassemble avec sa femme Jacqueline, à la fi n des années
1990 une collection de plus de 250 portraits d’artistes en noir et blanc. Au décès
de sa femme et selon ses dernières volontés, ces œuvres seront vendues au profi t
d’une fondation contre le cancer.

LES PHOTOGRAPHES
DE L’EXPOSITION
Kurt Blum 1922 – 2005
Philippe Bonan *1968
Jean-Christian Bourcart *1960
Denise Colomb 1902 – 2004
Pierre Descargues 1925 - 2012
Jean Dieuzaide 1921 – 2003
Luc Fournol 1931 - 2007
Gisèle Freund 1908 – 2000
Michael Halsband *1956
Monique Jacot *1934
Benjamin Katz *1939
Barbara Klemm *1939
Herbert List 1903 - 1975
Oliver Mark *1963
François Meyer *1953
Inge Morath 1923 - 2002
Arnold Newman 1918 - 2006
Sebastiano Piras *1961
Michel Sima 1912 –1987
James Van der Zee 1886 – 1983
Sabine Weiss *1924

Philippe Bonan (*1968)
BIOGRAPHIES
Philippe Bonan apprend la photographie très jeune après sa rencontre décisive avec
le photographe André Villers, portraitiste de Picasso, en 1986. Dans les années 1990,
il réalise les portraits photographiques de Keith Haring, Zao Wou Ki, Ben, Arman ou
encore Louise Bourgeois. Depuis ces années, le travail de Philippe Bonan est animé
par sa grande fascination pour l’espace de l’atelier d’artiste, qu’il nomme la caverne
d’Ali Baba. Le photographe parle du plaisir de frapper à une porte, d’ignorer ce qu’il
y a derrière et du bonheur, lorsque l’on entre dans l’atelier, de découvrir un monde
de couleurs. Ses portraits ne sont pas le fruit de quelques instants volés, mais
l’aboutissement d’une rencontre entre deux personnes. Très attiré par le graffi ti, il
photographie aussi avec prédilection des peintures urbaines, s’attarde sur des détails
de graffi tis ou des fragments de murs.
Ses fréquentes visites d’ateliers d’artistes ont conduit Philippe Bonan à se mettre lui
aussi à la peinture. En eff et, depuis 2010, le photographe est aussi peintre, dans un
mode d’expression inspiré de l’art urbain. Dans ses derniers travaux, Philippe Bonan
revisite ses anciens portraits noir et blanc d’artistes en les recouvrant partiellement
de graffi tis colorés.
Kurt Blum (1922 – 2005)
Né à Berne en 1922, Kurt Blum est une fi gure importante de l’après-guerre dans le
domaine de la photographie en Suisse. S’il travaille sur des sujets documentaires pour
de nombreuses revues illustrées tout au long de sa carrière, Kurt Blum mène par ailleurs
un travail artistique important depuis les années 1950. Car avant d’être photographe,
Kurt Blum se considère comme un artiste et il ne cessera de défendre le caractère
artistique de ce médium, allant jusqu’à explorer des pratiques expérimentales comme
les photogrammes et les dessins lumineux.
Artiste proche du cercle de la « photographie subjective », fondé par Otto Steinert en
Allemagne au début des années 1950, Kurt Blum cherche à saisir des visions imagées
et personnelles. Ce courant, qui fait référence à la « photographie nouvelle » des
années 1920, initiée par le Bauhaus et certains artistes expérimentaux de l’entre-deuxguerre,
s’oppose à la « photographie humaniste » représentée par Robert Doisneau,
Willy Ronis ou Edouard Boubat. Dans ces deux mouvements, « photographie nouvelle »
et « photographie subjective », les photographes récusent une reproduction objective
et naturaliste et prônent une photographie faite d’introspection et d’abstraction.
Déjà très investi dans la scène culturelle de sa ville natale, c’est par l’intermédiaire
du directeur de la Kunsthalle de Berne, Arnold Rüdlinger, que Kurt Blum rencontre
quelques artistes majeurs de son époque. Tous les portraits d’artistes qu’il réalise
au cours de sa carrière seront publiés en 1994 dans un ouvrage intitulé Au milieu
des artistes.

Denise Colomb (1902 – 2004)
Denise Colomb, pseudonyme qu’elle prend au cours de la Seconde Guerre mondiale
pour masquer ses origines juives, achète son premier appareil photo lors de son séjour
en Indochine de 1935 à 1937.
Son travail autour du portrait d’artiste débute en 1947, grâce à son frère galeriste Pierre
Loeb, fondateur de la Galerie Pierre en 1924, qui lui présente de nombreux peintres et
sculpteurs de l’époque. D’autres intermédiaires seront plus tard François Mathey ou
encore Christian Zervos, qui, au fi nal, lui auront permis de photographier la majorité
des artistes de « L’école de Paris ».
Parallèlement à son travail de portraitiste, elle réalise de nombreux reportages pour
des magazines comme Life, Vogue ou Paris Match. Ses travaux sont notamment
exposés à la Galerie Pierre ou à la Galerie Le Minotaure.
Le voyage constituera une activité centrale de sa vie et sera à l’origine de nombreux
reportages. Parmi les plus célèbres, le voyage aux Antilles en 1948 à l’invitation d’Aimé
Césaire à l’occasion du centenaire de l’abolition de l’esclavage ou encore le reportage
réalisé sur l’Île de Sein en 1950.
Tout le travail photographique de Denise Colomb est marqué par le fait qu’elle accorde
une place importante à l’expression des visages et aux scènes du quotidien. Comme
Edouard Boubat, Robert Doisneau ou Willy Ronis, sa démarche artistique relève du
réalisme poétique. Ce courant qualifi é aussi d’humaniste en photographie dans les
années 1950 tend à décrire à la fois la poésie du quotidien et une réalité humaine et
sociale complexe.
En 1991, Denise Colomb fait don de son œuvre à l’État français.
Jean Dieuzaide (1921 – 2003)
Né en 1921, sur les bords de la Garonne, Jean Dieuzaide débute sa carrière de
photographe lors de la libération de Toulouse en 1944. Il est alors le seul à photographier
la libération de la ville. La même année, il réussit un des premiers portraits du Général
de Gaulle. Il est considéré comme un photographe humaniste, proche du courant de la
« photographie subjective » d’Otto Steinert, pour ses travaux sur l’Espagne, le Portugal
ou la Turquie. Dans ses photos des pays du sud, et en Espagne en particulier, il essaye
de capter les réalités quotidiennes de la rue et du monde du travail.
C’est lors d’un de ses voyages en Espagne en 1953 que Dieuzaide réalise la série
de portraits de Dalí à Cadaquès. Le peintre avait, à l’époque, refusé de poser.
Dieuzaide lui propose alors de réaliser une série de portraits dans l’eau, ce que
Dalí accepte fi nalement malgré son aversion pour l’eau. Le photographe raconte :
« Nous nous sommes donc accroupis tous les deux dans l’eau devant les rochers et je
lui ai demandé de faire des yeux « riboulants »…ce qu’il a fait avec talent. J’ai déclenché
quatre ou cinq fois. Réitérant alors ma demande de le photographier chez lui, j’essuie
un nouveau refus ». Dieuzaide, dans cette série « Dalí dans l’eau », sans faire une photo
surréaliste, arrive à représenter Dalí comme un surréaliste.
Jean Dieuzaide consacra tout sa vie à la photographie. Il fut l’un des principaux acteurs
des Rencontres d’Arles qu’il contribua à créer et le premier photographe français à
être titulaire des deux prix Niépce et Nadar.

Gisèle Freund (1908 – 2000)
Berlinoise de naissance, Gisèle Freund étudie la sociologie et l’histoire de l’art à
l’université. Sa judéité et son opposition politique au régime nazi la contraignent à
quitter l’Allemagne pour Paris en 1933. Elle mène dès lors une double activité, de
recherche en reprenant ses études à la Sorbonne, et de photographe freelance, entre
reportages et portraits d’écrivains. Cette approche duale de la photographie, faire et
penser, aboutit dans un premier temps à la rédaction d’une thèse, L’Histoire de la
photographie en France au XIX e siècle, essai de sociologie et d’esthétique, soutenue
en 1936. La même année, elle obtient la nationalité française. Pour ses commandes de
portraits, Gisèle Freund ose dès 1938 l’emploi du fi lm couleur Agfacolor.
Rattrapée par le nazisme et l’antisémitisme, elle se réfugie en zone libre puis en
Argentine en 1942. En Amérique du sud, elle se consacre au reportage, même dans les
régions les plus reculées. La paix rétablie en Europe, elle intègre l’agence Magnum, de
1948 à 1954. Femme de courage et de conviction, Gisèle Freund pratique désormais
l’art du portrait, la littérature et le photojournalisme indépendant. Elle publie en
1974 l’ouvrage Photographie et société qui, poursuivant sa thèse, éclaire sous un jour
théorique les rapports entre usages de la photographie, histoire et sociologie.
Son ambition de portraitiste, face à l’écrivain, à l’intellectuel ou au philosophe, est de
faire tomber le masque d’une convention de l’apparence. Sans recourir à la retouche
ou à tout autre procédé d’embellissement que la photographie propose, Gisèle Freund
révèle souvent une vérité de l’être photographié et crée les images sur lesquelles se
construit une culture.
François Meyer (*1953)
François Meyer, né à Genève, est issu d’une famille d’industriels de Sélestat en Alsace. Dès
son enfance, il se familiarise avec le monde de l’art, visite de nombreux musées et côtoie
au quotidien les œuvres que son père collectionne avec passion : œuvres surréalistes,
du groupe CoBrA et peinture américaine des années 1960. Peu intéressé par les études,
François Meyer fait très tôt le choix de se tourner vers la photographie. Il entreprend
un apprentissage à l’atelier Borel-Boissonnas à Genève auprès de Paul Boissonnas. Il
réalise alors de nombreuses photos pour des catalogues de musées et d’expositions.
Cette activité lui permet notamment de rencontrer de nombreux collectionneurs et
conservateurs de musées.
Le contact avec les œuvres d’art éveille en François Meyer le désir de connaître leurs
auteurs, les artistes derrière les œuvres. Il réalise alors ses premiers portraits d’artistes
lors de fréquents voyages à Paris au milieu des années 1970, parmi lesquels César ou
encore Sonia Delaunay. En 1977, il séjourne à New York où il visite de nombreux ateliers
d’artistes de la scène Pop et des représentants de l’art minimal et conceptuel, grâce à
l’entremise du galeriste Leo Castelli. Ses photos présentent un kaléidoscope de l’esprit de
la scène artistique new-yorkaise des années 1970. Chaque photographie est un dialogue
entre l’artiste et le photographe : dans ses portraits, François Meyer cherche à établir
un lien entre l’univers de la photographie et l’univers de l’art et à montrer au travers de
l’objectif, combien le caractère de l’artiste se refl ète dans son œuvre. Mais cette activité
reste pour François Meyer une passion qu’il ne montre pas : pendant plus de vingt ans,
ses prortraits d’artistes restent en eff et dans un tiroir. Pendant cette période, il collabore
régulièrement aux magazines L’OEil, Connaissance des Arts, Architectural Digest et Elle
Décoration, pour lesquels il réalise des reportages.

En 1998, il épouse Jacqueline, qui découvre ses portraits et décide de compléter cette
collection par des acquisitions de portraits d’artistes réalisés par d’autres photographes.
Pour constituer ce fonds, Jacqueline et François Meyer ne sont pas à la recherche de
grands noms, mais de photos qui éveillent en eux une émotion ou véhiculent un message.
La collection de portraits d’artistes n’est donc pas une accumulation de photos connues
issues de publications célèbres, mais plutôt une collection de surprises associées à
la découverte de célébrités et de photographes parfois peu connus mais néanmoins
talentueux.
Jacqueline, qui se sait malade d’un cancer, souhaite que cette collection qui compte
alors plus de 250 photographies de 42 photographes soit vendue au profi t de la recherche
contre le cancer. Jacqueline décède malheureusement en 2002 et François Meyer
tient alors sa promesse faite à sa femme en vendant la collection de photographies à
la Collection Würth et en reversant le produit de la vente au Centre pluridisciplinaire
d’oncologie, une fondation privée de recherche sur le cancer créée à Lausanne par le
professeur Serge Leyvraz, lui-même amateur d’art et de photographie.
Ajourd’hui remarié à Yvonne, François Meyer parcourt le monde et continue à
photographier les artistes. Il noue avec eux de véritables liens d’amitié. Il continue
également à collectionner, non seulement de la photographie, mais également des
œuvres d’art brut, des Fauves ou encore de jeunes artistes de la scène américaine
contemporaine.
Michel Smajewski, dit Michel Sima (1912 – 1987)
Michel Smajewski, dit Michel Sima, naît en Pologne en 1912. Très jeune, il souhaite
devenir sculpteur : il part pour Paris en 1929, à l’âge de 17 ans, et entre à l’académie de
la Grande Chaumière où il étudie le dessin et la sculpture jusqu’en 1932. Parallèlement,
il s’initie à la photographie.
Dans les années 1930, Michel Sima fréquente les milieux artistiques, littéraires et
poétiques de Paris. Il travaille également pour des agences de presse pour lesquelles
il réalise des reportages photographiques sur les événements politiques et artistiques
de ces années-là. En 1936, il fait la connaissance de Pablo Picasso et de Gertrude Stein.
Pendant les premières années de la Seconde Guerre mondiale, Michel Sima partage sa
vie entre Paris et Vallauris où il dispose d’un atelier dans lequel il poursuit ses travaux
de sculpteur. En 1942, il expose à Cannes avec son ami Francis Picabia et connaît un
réel succès. Mais il est arrêté à Golf Juan en août 1942 et déporté à Auschwitz.
C’est à son retour des camps que l’œuvre photographique de Michel Sima dans le
domaine du portrait d’artiste commence réellement. En 1946, Sima accompagne le
processus de genèse de l’œuvre de Pablo Picasso « La joie de vivre » et, non seulement
il documente – comme il en avait l’intention au départ – les diff érentes étapes de
la création artistique, mais il conçoit d’emblée son travail comme la représentation
personnelle de l’artiste et de son œuvre, dans l’aura de sa création. Encouragé par
son expérience avec Picasso, Michel Sima contacte d’autres artistes et dresse alors le
portrait de presque tous les artistes de l’École de Paris, richement représentés dans
cette salle.
Tous ces portraits laissent transparaître le lien d’amitié profond qui lie Sima aux
artistes qu’il prend pour modèles. Cet attachement s’exprime dans une perception
ultra-sensible de la personnalité et de l’œuvre de chacun des artistes. Dans ses mises
en scène, Sima utilise adroitement le rapport à l’œuvre et à l’atelier pour que, par ce
biais, l’artiste portraituré parle de lui. Il en résulte un style original dans le domaine
du portrait photographique d’artiste et une documentation unique sur les artistes de

l’École de Paris, dont l’homogénéité et la sensibilité n’ont été égalées à ce jour par
aucun autre photographe.
James Van der Zee (1886 – 1983)
Né à Lenox, dans le Massachusetts, de parents domestiques, James van der Zee
s’intéresse à la musique avant de se tourner vers la photographie. Il rejoint New
York en 1906, pratique toutes sortes de petits métiers (liftier, serveur, gardien) avant
d’ouvrir son propre studio de photographe à Harlem en 1916. À partir de cette date il
photographie la vie et les habitants de Harlem : ces derniers viennent en grand nombre
prendre la pose dans le studio photo de James van der Zee. Mais le photographe se
déplace aussi beaucoup dans le quartier de Harlem pour saisir la vie quotidienne de
la communauté noire.
James van der Zee est l’un des protagonistes du mouvement culturel noir américain
de la Renaissance de Harlem, avec notamment le musicien Duke Ellington ou encore
le poète Countee Cullen. Ce quartier devient, entre 1918 et 1937, un lieu symbolique
où s’exprime une nouvelle conscience de la culture afro-américaine, et qui annonce la
lutte pour les droits civiques à la fi n des années 1940.
La rencontre en 1982 entre James van der Zee et Jean-Michel Basquiat a lieu dans le
studio de Harlem un an avant la mort du photographe à l’âge de 97 ans. James van
der Zee voit dans le jeune artiste un des représentants de la « new black generation »
et, en quelque sorte, un héritier du mouvement de Harlem Renaissance. La rencontre
sera aussi très marquante pour Basquiat, puisqu’il réalise la même année un portrait
en noir et blanc du photographe.
Sabine Weiss (*1924)
D’origine Suisse, Sabine Weber grandit entre une mère qui l’initie aux galeries de
peintures et aux églises romanes et un père chercheur chimiste. Elle achète enfant son
premier appareil de photographie avec son argent de poche et décide en 1942 de se
consacrer à la photographie. Elle fait son apprentissage à Genève dans le studio photo
de Frédéric Boissonnas jusqu’en 1945.
Elle quitte la Suisse pour Paris en 1946 et devient l’assistante du photographe de mode
Willy Maywald.
En 1950, elle épouse le peintre américain Hugh Weiss et devient membre de l’agence
Rapho sous le nom de Sabine Weiss. Commence alors pour elle une carrière de
photographe entre le reportage, la mode et la publicité dans les plus fameuses revues
telles que Time, Life ou Paris Match.
Son regard est proche des photographes humanistes et elle se lie particulièrement
d’amitié avec Robert Doisneau, qui remarqua ses photos dans Vogue avant de la
rencontrer. Sabine Weiss photographie l’instant. Elle cherche à fi xer le hasard tout en
essayant de saisir l’expression profonde de la personne.
Trois de ses photographies ont été sélectionnées par le photographe Edward
Steichen pour l’exposition « The Family of Man ». Cette collection, conçue comme
un manifeste pour la paix et l’égalité des hommes, a circulé dans le monde depuis
sa fondation en 1955. Elle regroupe 503 photographies de 273 auteurs originaires de
68 pays. Elle est installée depuis 1994 de manière permanente au Château de Clervaux
(Luxembourg).

CATALOGUE
Catalogue de l’exposition
Art Faces.
accompagné d’un livret de textes traduits en français
Format : 23 x 28,5 cm - 128 pages
Ouvrage relié, couverture cartonnée
Livret de traductions : 20 pages
Catalogue édité par Swiridoff Verlag (2003)
Livret de traductions édité par Musée Würth France Erstein (2012)
Prix : 34 €

VISUELS
Les visuels HD sont disponibles en téléchargement à l’adresse
http://www.musee-wurth.fr/presse/
Login : pressemwfe - Mot de passe : artfaces
Jean-Michel BASQUIAT
(1960 - 1988)
Photographié par James Van der Zee,
en 1982 à New York
Collection Würth, inv. 7017
Jean COCTEAU
(1889 - 1963)
Photographié par Luc Fournol,
en 1957 en France
Collection Würth, inv. 7050
PABLO PICASSO
(1881 - 1973)
Photographié par Michel Sima,
en 1946 à Antibes
Collection Würth, inv. 7166

ROY LICHTENSTEIN
(1923 - 1997)
photographié par François Meyer,
en 1977 à Southampton
Collection Würth, inv. 7129
GEORGES BRAQUE
(1882 - 1963)
Photographié par Herbert List
Collection Würth, inv. 7033
VICTOR BRAUNER
(1903 - 1966)
Photographié par Denise Colomb,
en 1954 à Paris
Collection Würth, inv. 7035
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entendu que pour les publications de presse en ligne, la défi nition des fi chiers est limitée à 400 x
400 pixels et la résolution ne doit pas dépasser 72 dpi.

PROGRAMMATION
CULTURELLE
Dimanche 23 juin à 17 h
Concert lyrique
Récital de Kirstin Chávez (soprano)
Vendredi 12 juillet à 16 h
Spectacle jeune public
La forêt des palabres
Dimanche 22 septembre à 17 h
Théâtre
Marilyn – Norma Jean Baker
Dimanche 29 septembre à 17 h
Théâtre
Prévert pour vivre
Dimanche 6 octobre à 16 h
Spectacle jeune public
Pile & Palle
Dimanche 13 octobre à 17 h
Chanson française
Non mais pour qui se prennent-ils ?
Dimanche 20 octobre
Concerts
Le Musée Würth fête le piano
Dimanche 17 novembre à 17 h
Concert Jazz d’Or
Quatuor Ixi

AUTRES ACTIVITÉS
ATELIERS ENFANTS
Ateliers plastiques
Pour les 6-8 ans
> Mardi 16 et mercredi 17 juillet de 14 h 30 à 16 h
> Mardi 22 et mercredi 23 octobre de 14 h 30 à 16 h
> Mardi 29 et mercredi 30 octobre de 14 h 30 à 16 h
Pour les 9-12 ans
> Jeudi 11 et vendredi 12 juillet de 14 h 30 à 16 h
> Jeudi 18 et vendredi 19 juillet de 14 h 30 à 16 h
> Jeudi 24 et vendredi 25 octobre de 14 h 30 à 16 h
Tarif : 12 € les 2 séances (matériel fourni)
Atelier du Petit conteur proposé aux enfants de 6 à 12 ans
par la conteuse Fatou Ba et la percussioniste Yuko Oshima
(cycle de 3 après-midi)
> Mercredi 10 et jeudi 11 juillet de 14 h à 16 h 30 :
2 séances d’atelier
> Vendredi 12 juillet à 16 h : spectacle de contes
Tarif : 20 € pour les 2 séances et la participation au spectacle

ATELIERS ADULTES
Ateliers plastiques
> Mardi 25 juin de 17 h 30 à 19 h 30
> Jeudi 11 juillet de 17 h 30 à 19 h 30
> Dimanche 22 septembre de 11 h à 13 h
> Mardi 29 octobre de 17 h 30 à 19 h 30
Ateliers d’écriture avec l’association Les Arte-Mots
> Samedi 5 octobre de 14 h à 16 h sur le thème de l’arbre
et de la forêt
> Samedi 23 novembre de 14 h à 16 h sur le thème du portrait
Tarif 12 € la séance (matériel fourni)
CONTES EN FAMILLE
Tous les 1 ers dimanches du mois à 11 h à partir de la rentrée
scolaire, venez écouter en famille des contes dans les salles
d’exposition.
À partir de 3 ans
Tarif entrée du musée

INFORMATIONS
PRATIQUES
Musée Würth France Erstein
Z.I. ouest / rue Georges Besse / BP 40013
F – 67158 Erstein cedex
Tél. : + 33 (0) 3 88 64 74 84
Fax : + 33 (0) 3 88 64 74 88
www.musee-wurth.fr
mwfe.info@wurth.fr
Horaires
Du mardi au dimanche de 11h à 18h
Tarifs d’entrée du musée
• Normal : 6 €
• Réduit : 4 € (étudiants, seniors, groupes, carte Cezam)
• Gratuit : Pass Musées, handicapés, scolaires (uniquement sur réservation)
• Gratuit pour tous le samedi
Tarifs programmation culturelle
• Normal : 12 €
• Réduit : 10 € (étudiants, seniors, groupes, carte Cezam, Pass Musées, Accent 4)
• Spectacles jeune public : 5 € (enfants) et 8 € (adultes)
Visites guidées pour les groupes
Renseignements et réservation au 03 88 64 79 10
ou par e-mail mwfe.info@wurth.fr