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Patto
Patto (1970)
Can
Tago Mago (1971)
Lou Reed
Berlin (1973)
Écouter Patto, c’est aussi saisir l’essence d’une époque riche en possibilités,
en mélanges de diverses influences. Non seulement Mike Patto
est parmi les chanteurs anglais les plus surprenants, mais Ollie Halsall
est certainement l’un des guitaristes les plus subtils et inventifs de son
époque. Le groupe est capable d’aborder tous les genres, aussi bien
le blues, le rock que le jazz (en concert, il y a des documents qui font
entendre un groupe qui joue carrément jazz rock pour revenir à un hard
blues au cours du même morceau) avec des intonations aussi bien soul
(The Man) que free (la longue intro de Money Bag). Le vibraphone joué
par Halsall permet de rapprocher le groupe d’un de ses contemporains
(Family), les deux groupes partageant la même volonté de défaire les
habitudes d’écoute propices au conformisme qui donnent lieu à la création
de tant de clones. Ce que Patto a bien pris soin d’éviter en créant
l’une des musiques les plus attachantes et foisonnantes de cette année
1970.
Ce double album fait partie de ces œuvres majeures aujourd’hui cataloguées
Krautrock. Faisons fi des catégories et disons le tout net, c’est
surtout l’album quintessentiel d’une époque qui ouvre à une riche et
luxuriante postérité. Can est un groupe qui enrichit la rock music d’un
rare panel d’influences en s’abreuvant aux musiques électroniques, à
celles contemporaines ou orientales. Les musiciens y inventent note
après note un monde nouveau de sonorités qui rompt avec les traditions
déjà constituées du rock ou du blues. La pulsation rythmique de Liebezeit,
la guitare parfois lyrique, parfois incendiaire de Karoli, les traficotages
électroniques du bassiste, le chant psalmodié de Damo Suzuki ou
encore les sons d’orgue de Schmidt font de cette pierre angulaire de la
musique continentale un objet sonore incontournable et intemporel. S’il
n’en restait qu’un…
Berlin est une oeuvre singulière et atypique. Plutôt que de s’inscrire dans
la continuité d’une réussite programmée, suite au succès rencontré avec
Transformer en 1972, Lou Reed va publier un disque au charme ambigu
qui met mal à l’aise. Chronique des gens ordinaires aux vies saccagées,
Lou Reed tend à la société un miroir dans lequel elle prendra garde de
ne pas se reconnaître (aux USA le disque sera éreinté par une large part
de la critique). Chanter la passion suicidaire, la violence faite aux femmes
et aux enfants arrachés à leur mère ou les amours défuntes, le tout
assaisonné de délire paranoïaque, ce n’est pas flatter le public aux goûts
versatiles et souvent bien pensant. Cependant, Lou Reed a grand soin
de ne pas tomber dans un pathos déprimant et, avec les arrangements
sophistiqués de Bob Ezrin, il donne à ses textes un écrin qui touche
parfois au sublime (Sad Song). Si vous y ajoutez des musiciens comme
Jack Bruce dont la basse est un contrechant aussi bien qu’une scansion
rythmique ou encore les batteurs A. Dunbar ou B.-J. Wilson (Procol Harum)
à la musicalité parfaite et aux incises millimétrées, vous tenez là
le meilleur album de Lou Reed post Velvet. Celui, par ailleurs, que Lou
Reed aura attendu 34 ans pour le jouer intégralement sur scène.
Vapeur Mauve
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