spirit n°17

Phantom
of the paradise
Brian de Palma
Opening Edition
Réalisé après “Sisters”, son premier succès
commercial notable, “Phantom of the
paradise” reste la pièce maîtresse dans
la filmographie 70 de Brian de Palma.
Avec une absolue virtuosité, le formaliste
surdoué mélangeait aussi bien “La damnation
de Faust”, “Le fantôme de l’opéra”,
l’horreur gothique, le fantastique post
expressionniste que son obsession pour
l’image (split screens, caméras, miroirs
et vidéos) et l’assassinat de Kennedy.
Précurseur de l’opéra rock (dont le
navrant “Rocky horror picture show”),
ce délire visuel prend à son compte le
grotesque kubrickien de “Orange
mécanique” pour l’appliquer à un conte
noir sur la médiocrité avilissante du
divertissement. Témoin de la vague
nostalgique qui entraînait par le fonds
l’industrie musicale, cette oeuvre raille
aussi bien les moguls du spectacle
(Swan, génial Paul Williams, en caricature
ultime de Phil Spector) que les aspirants
à la célébrité (Phoenix, épatante Jessica
Harper). Pillé par Kiss, George Lucas et
tous les aspirants gothiques, cette merveilleuse
et terriblement visionnaire série b, qui
voulait embarquer Bowie et les Stones
mais révéla l’incroyable Gerrit Graham,
rendait hommage à la tradition camp
des films de Warhol et Morrissey.
Rarement de Palma fut autant en état
de grâce. Preuve irréfutable que c’est
bien dans le cinéma de genre qu’il s’épanouit.
[Marc Bertin]
La Belle et la Bête
Jean Cocteau
Studio Canal, édition collector 2 DVD
Si l’on compare deux films français
marquants de la fin de la Seconde
Guerre mondiale, on peut rapprocher
Cocteau et Carné. Le premier pour
l’onirisme qui met la guerre entre
parenthèse dans “La Belle et la Bête”,
le second pour son réalisme magique
avec “Les Visiteurs du Soir” qui eut
quelques ennuis avec la censure de
l’Occupation pour un Jules Berry en
diable plus vrai que nature… Pourtant,
les cauchemars archétypaux de l’enfance
sont-ils si différents des horreurs du
nazisme sous couvert des “Riches
heures du duc de Berry” ? La dictature,
l’extermination et la toute-puissance
revendiquée n’ont-elles pas un rapport
direct avec la peur du méchant loup
caché au coin des mauvais rêves ?
Avec René Clément et Henri Alekan à
l’image, Georges Auric à la musique,
Christian Bérard aux décors et costumes,
Jean Marais et Josette Day (compagne
de Marcel Pagnol) au casting, Cocteau
réussit un classique et un chef d’œuvre.
On peut s’amuser de la version française
qui ne propose pas aujourd’hui, l’opéra
éponyme de Philip Glass qui suit le film
à l’image près comme dans la version
Criterion ; mais se féliciter du magistral
travail de restauration effectué sur
l’image et des bonus du second DVD
qui offre une lecture ésotérique du film.
Cocteau, balance un boulet de canon
(poétique, mais quand même !) avec ce
film qui se lit total alchimique, en faisant
passer par l’épreuve des transformations
ses héros pour les amener à un autre
niveau de vécu. Ainsi, dépasse-t-il le
chaos du début du film (la Bête demandant
au père de Belle une de ses filles pour
le venger d’avoir mutilé son jardin),
pour faire de ses héros des êtres évolués
qui ont traversé la transmutation alchimique
des éléments pour s’ouvrir au monde et
à la connaissance. En surmontant les
horreurs du chaos (de la guerre) on
passe dans une autre dimension, on en
sort transformé (la paix et les moyens
de ne pas recommencer, et une meilleure
connaissance de soi-même). Voilà comment,
en usant d’archétypes, Cocteau offre
une lecture de ce qu’est la guerre
(un passage) qui mène ailleurs vers
d’autres états plus glorieux (un autre
niveau de conscience). Un chef d’œuvre
magique et conçu comme tel, à voir et
revoir, même en en connaissant les
intimes ressorts. Ressorts que l’on voit
en cours de montage dans “La Belle et
la Bête, les coulisses du tournage”
(Editions Le Pré aux Clercs), ouvrage
signé Dominique Marny, petite-nièce de
Cocteau, avec les photos de tournage
de Corbeau pour des détails in situ.
[J-P Samba]