Revista El Iris

JEFF KOONS
Jeff Koons es un artista conceptual,
minimalista el cual empezó en la década
de los 80 en Estados Unidos. Una de sus
esculturas llamada Rabbit se convirtió en
la obra más cara vendida en una casa de
subastas, fueron 91 millones de
dólares.
Las esculturas de globos de animales son su mayor
creación sobre todo la que representa a un perro
de globo inflado en color naranja (Balloon dog),
está realizada en acero y según Koons. 58 millones
de dólares es la cantidad que alcanzó la escultura
del artista Jeff Koons.
Puppy es una icónica escultura floral
moderna realizada por el artista
estadounidense Jeff Koons en 1992. Está
ubicada frente al Museo Guggenheim de
la ciudad de Bilbao, España, instalada en
octubre de 1997 hace referencia a un
jardín clásico europeo del siglo XVIII. Se
compone de una estructura de acero
recubierta con aproximadamente 38.000
plantas naturales, que son reemplazadas
dos veces al año a medida que dejan de
florecer.

Gazing Balls (Jeff Koons)
Estas bolas de cristal de color azul eléctrico, son un
recuerdo de la infancia de Jeff, la cuál paso en
Pensilvania, Nueva York. La gente las solía usar de
decoración en los jardines de sus casas, ya que
estéticamente les gustaba como quedaba de esa forma se
acabaron convirtiendo en un símbolo de estatus.
El trabajo
realizado por el
artista
estadounidense fue
expuesto en la
galería de arte que
David Zwiner en
Chelsea, Nueva
York.
“He pensado en Gazing balls durante décadas. He querido demostrar la
afirmación, generosidad, el sentido del lugar, y el gozo de los sentidos que
simboliza la Gazing balls.

Gravemud
Gravemud es un artista independiente estadounidense que pinta arte digital en 2D, centrándose en
un estilo surrealista y vibrante sin abusar de colores. Tiene también algunas animaciones en
youtube. Se dedica a publicar paquetes de piezas exclusivas en Patreon y encargos personalizados
remunerados. Con su trayectoria en las redes desde 2018, ha refinado sus habilidades hasta
conseguir comulgar el arte del horror con la etérea belleza de lo misterioso, de entidades de otro
plano que a cualquiera le costaría incluso idear

“Que todo se apacigüe como una luz de aceite.
Como la mar si sonríe,
como tu rostro si de pronto olvidas.
Olvida porque yo he olvidado
ya todo. Nada sé.
Cerca de ti nada sé.
Nada sé bajo tu sombra, amarilla
simiente del árbol del olvido.
Y todo volverá a ser como antes.
Antes, ni tú ni yo habíamos nacido.
Pero, ¿nacimos acaso?… O tal vez, no,
todavía no.
Nada, todavía nada. Nunca nada.
Somos presente sin pensamientos.
Labios sin suspiros, mar sin horizontes,
como una luz de aceite se ha extendido el olvido.”
“Mi arte no es aversivo, lo es la mirada del que lo ve. Si crees que me dedico a dibujar
horrores, es que no eres capaz de ver que otros pueden sentirlo como si la oscuridad en un
pasillo te abrazase como una reconfortante madre. “ -Gravemund

Takashi Murakami, polifacético artista que trabaja en escultura, pintura,
grabado, instalación… Es llamado el Andy Warhol japonés, un apodo de lo
más simplista, que aún así explica un poco su arte. Porque Murakami es puro
Pop. Se basa en la cultura popular y la utiliza como herramienta. De hecho,
sus típicos personajes son hoy en día un icono pop en sí mismos. Con la
tradición en mente, empezó a interesarse por estilos más contemporáneos.
Un viaje a Nueva York hizo que bebiera de influencias del arte americano.
Empezó así a crear un arte de esencia japonesa pero con enormes y
evidentes influencias occidentales.También empezó a centrarse en la cultura
popular, esa ‘’baja cultura’’ frente al ​’’arte de alto nivel’’, como es el caso del
otaku (anime y manga).

Nace así el Superflat. El Superflat es un movimiento artístico posmoderno
que provee una interpretación «exterior» a la cultura popular japonesa a
través de los ojos de la subcultura otaku.Murakami empieza a mostrar una
mirada crítica al consumismo y el fetichismo sexual (que prevaleció tras la
occidentalización de la cultura japonesa de la posguerra), la neurosis
capitalista, la repetición, la distorsión… Murakami crea sus propios personajes
como el Sr. Dob, una especie de autorretrato, las flores repetidas que llenan
toda la superficie, imágenes budistas, o dibujos hipersexualizados. El artista
juega también con las escalas, y suele crear obras de gran tamaño, o series
de la misma pieza en pequeño formato.
Desde 2002, Murakami ha organizado una feria de arte llamada GEISAI.
GEISAI es llevada a cabo dos veces al año, actualmente una vez en Tokio y
una en Taipéi, también ha sido realizada en Miami. Más que dar espacio a
galerías pre protegidas, GEISAI permite a artistas crear sus propias cabinas
y actuar directamente con compradores potenciales.

A
R
A
K
I
Su obra más reconocida es la serie
de manga JoJo’s Bizarre Adventures,
que comenzó en 1987. Una serie que
hoy día es una obra de culto de fama
mundial. Se caracteriza por una
estilística muy particular y un humor
y desarrollo de la trama altamente
dramático y absurdo, pero no por ello
menos entretenido.
JoJo’s (alcanzó
tanto éxito que logró adaptarse al formato
televisivo en 2012 en una serie que aún hoy
continúa en producción, habiendo
alcanzado las 5 temporadas.
El dibujo de Araki implica comúnmente figuras idealizadas en poses
amplias y expresivas a escalas y ángulos aventurados; con líneas
fuertemente entintadas y planos dispersos ennegrecidas;
presentándose un efecto escultural. En las ilustraciones y páginas en

colores, Araki varía yuxtaposiciones de color más o menos
complementarios.
Ha descrito su método de dibujo como "clásico". Ha indicado
admiración por Leonardo da Vinci en el texto de la manga y de lo
contrario; y en una presentación en vídeo en JOJOVELLER, se le ve
haciendo referencia visual a un libro de la obra de Miguel Ángel
Durante la construcción de una pieza.
Araki es conocido como un gran fanático de la música occidental,
siempre escucha música occidental mientras trabaja y ha dicho que
escucha cualquier género de música occidental. Además, en el trabajo
representativo "JoJo's Bizarre Adventure", la mayoría de los nombres de
los personajes y los nombres de los stands se citan de los nombres de
las canciones de la música occidental.
"Toco música para sentir los pensamientos, las modas y las
actitudes de los músicos a mi lado. Es alentador pensar que
estás entregando la música que creaste mientras la
sostienes"

Bnk es un artista independiente cuyo estilo
se centra en las siluetas, los colores sólidos y
la falta de relleno en las siluetas, dando una
sensación de dinamismo y misticismo única en
el género. Sus obras son entre surrealistas
y postmodernas, no se encasilla en una corriente
o la otra, pero sus obras se pueden
diferenciar entre sí. Algunas de sus piezas
tienen una capacidad de evocación muy
emocionales y explosivas mientras que otras
se identifican más por su carácter estético.
B N k
”El arte no requiere de muchos colores ni formas ni relieve para ser una herramienta de expresión
artística,, una idea y la constancia son suficientes”

Su arte está en constante evolución, dado que en cada pieza experimenta en ilustraciones distintas
y las maneras en las que puede moldear su tan característico estilo hacia lugares desconocidos a su
arte, más y más cada vez. Su objetivo es llegar a explotar todo el potencial de su técnica e
imaginación, necesariamente sin encasillarse en una temática por completo.

Antony Gormley
Antony Gormley es un escultor británico nacido en 1950 que es hoy en día uno de los referentes
más importantes en el mundo del arte. Sus principales trabajos consisten en representar la figura
humana, unas veces de manera más realista y en otras ocasiones de manera totalmente abstracta
y casi siempre, en unas proporciones gigantescas que funcionan a modo de grandes instalaciones
artísticas, tanto en entornos urbanos como en paisajes naturales.

“Basta con cerrar los ojos y nos encontramos en la oscuridad, en un espacio que no tiene objetos,
dimensiones ni edad. Es el lugar de la conciencia, del que intenta sustraernos todo en esta
sociedad contemporánea” Toda la obra de Gormley, desde principios de los años 80, es el intento
de representar ese espacio de la conciencia.”
Otra manera de declinar el mismo tema, que quizá es más conocida para Gormley, se obtiene con
el uso de líneas ortogonales que, además de marcar la superficie de una estructura, asumen una
consistencia propia y pasan a ocupar el volumen del espacio interior. No son esqueletos sino
estructuras arquitectónicas que representan el lugar íntimo de la conciencia. Como en un juego
paradójico, el artista usa ejes cartesianos para representar una dimensión donde la lógica
cartesiana pierde significado.