Programa general | OFUNAM Segunda temporada 2023

SEGUNDA TEMPORADA 2023

Fotografía de György Ligeti en portada: Markus Bollen, Alemania

JUGAMOS
CON LA MÚSICA
Y LA MÚSICA
JUEGA CON
NOSOTROS.
Ligeti
musica.unam.mx

Ligeti en su centenario
Cuando el compositor húngaro György Ligeti acudió en Viena al estreno
local de 2001: Odisea del espacio, la película de Stanley Kubrick hecha en
colaboración con el autor del libro homónimo, Arthur C. Clarke, se llevó la
tremenda sorpresa de escuchar su música por doquier. Sin que nadie le hubiera
pedido permiso, a lo largo de las dos horas y veinte minutos de la cinta
figuraban fragmentos de su Réquiem, de la obra orquestal Atmósferas y de
la pieza coral a capella Lux aeterna. (También estaban, por supuesto, los
célebres momentos con música de los dos Strauss: el Zarathustra de Richard
en la secuencia prehistórica inicial y el Danubio azul de Johann II en el vals
espacial.) “Estaba estupefacto. Me enojé mucho”, confesó en una entrevista
concedida en 1974, seis años después del estreno. En un gesto característico
de su forma de proceder, decidió volver al cine, cronómetro en mano, para
medir cuánto tiempo exactamente habían usado su música. La respuesta:
poco más de 30 minutos.
La primera contestación que obtuvo al quejarse fue que debía sentirse
honrado que su música apareciera en una plataforma tan visible. (Argumento
que, por desgracia, sigue siendo demasiado frecuente cuando se pretende
justificar por qué se le paga mal o nada a los creadores.) El incidente terminó
por ser resuelto, previo pago de una cifra ínfima para los estándares del
cine. Y Kubrick usaría de nuevo la música de Ligeti en The Shining y Eyes
Wide Shut, ahora sí previa solicitud y pago sustancial mediante.
Más allá del valor anecdótico del suceso y sin justificar en absoluto el
atropello de propiedad intelectual, el suceso sí permitió a un público muy
amplio advertir algo: en pleno 1968, la música “contemporánea” sí tenía algo
diferente, muy particular y seductor que podía aportar. Y colocó en las luminarias
a un creador sonoro dueño de un espíritu inquisitivo constante y una
creatividad deslumbrante, única en la segunda mitad del siglo XX.
Ligeti se formó a la sombra del legado de Bartók, de quien la Hungría
comunista de la posguerra censuraba muchas obras pero no se atrevía a
borrarlo del todo. Su imponente compatriota era tanto el modelo a seguir
(“Bartók fue el gran genio; para mí, todavía lo es”) como la nave que tarde o
temprano debería quemar. En cuanto escapó a Austria en 1956 pudo experimentar
todo aquello que apenas se alcanzaba a vislumbrar tras la cortina
de hierro: el serialismo de Boulez y Stockhausen, el laboratorio electrónico de
4

Colonia, Alemania, la interdisciplina y experimentación de Fluxus. Compuso
Artikulation, su única obra electrónica, y escribió su singular Poema sinfónico
para 100 metrónomos, un estudio sonoro de la entropía. Pero no le interesaba
sumarse a las corrientes o defender manifiestos. Kylwiria, el mundo
fantástico que se había inventado de niño, para el cual creó también un idioma
propio y donde la música era una presencia constante, era demasiado
vasto y llamativo como para perder el tiempo enfrascándose en las grandes
batallas dialécticas de su época. Tuvo dos hallazgos reveladores, según él
mismo advertía: la música polirrítmica de África y el encuentro con la música
de Conlon Nancarrow, el compositor que pasó décadas perforando sus rollos
de pianola en su casa de Las Águilas, aquí en nuestra CDMX, y a quienes
muy pocos prestaban atención antes de que Ligeti reparara en él.
Las cinco obras que tocará la OFUNAM en este Foco Ligeti (y que se
completa con un ciclo de conciertos de cámara) ofrecen un ponderado recorrido
por su trayectoria. La más temprana es el Concierto rumano de 1951,
donde la influencia de Bartók es evidente. Enseguida vienen dos de las
grandes obras de los años 60: la micropolifonía fulgurante de Atmósferas
(tan bien aprovechada por Kubrick) y las densidades y colores cambiantes
de Lontano. Un interés renovado en elementos menos estáticos de la música,
a saber la línea melódica y la propulsión rítmica, se advierten en las obras
de los años 70, la bien llamada Melodien así como San Francisco Polyphony.
Hoy en día no hay tabúes: todo se permite. Pero no
es posible volver así nada más a la tonalidad, no es el camino.
Debemos evitar la vuelta pero también la continuación de
la vanguardia. Estoy en una prisión: un muro es la vanguardia,
el otro es el pasado, y yo quiero escapar.
Mira que lo hiciste. Y de qué manera. Felices 100, Ligeti.
José Wolffer, director general de Música UNAM
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Orquesta Filarmónica de la UNAM
SEGUNDA TEMPORADA 2023
15_16 abril
Programa 1 p. 13
Sylvain Gasançon, director titular
Ligeti
Atmosphères
Rajmáninov Concierto para piano 2
Anna Geniushene, piano
Bartók
Concierto para orquesta
Sábado 10:00 am
Ensayo abierto, entrada libre
22_23 abril
Programa 2 p. 19
—Fiesta del Libro y la Rosa
—Shakespeare en concierto
Srba Dinic, director huésped
Bliss
Saariaho
Rossini
Mendelssohn
Prokófiev
Homage to Shakespeare
The Tempest Songbook
Jacinta Barbachano, soprano
Rodrigo Urrutia, barítono
Obertura de Otello
Obertura de Sueño de una noche de verano
Suite 2 de Romeo y Julieta
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29_30 abril
Programa extraordinario p. 25
—Concierto infantil
Christian Gohmer, director huésped
César Piña, director de escena
Montsalvatge
Sábado 6:00 pm
Domingo 12:00 pm
El gato con botas
Frida Portillo, mezzosoprano
Andrés Carrillo, tenor
Tania Solís, soprano
Rodrigo Urrutia, barítono
Charles Oppenheim, bajo
6_7 mayo
Programa 3 p. 31
Iván López Reynoso, director huésped
Agudelo
Ligeti
Rajmáninov
Parajes de la memoria: La selva
Concierto rumano
Danzas sinfónicas
Sábado 10:00 am
Ensayo abierto, entrada libre
13_14 mayo
Programa 4 p. 37
—Sones y valses de México
Eduardo Álvarez, director huésped
Dios nunca muere, Club Verde, Alingo lingo, Alejandra, El carretero, Por los
caminos del sur y Sobre las olas, entre otros
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20_21 de mayo
Programa 5 p. 43
—El Aleph Festival de Artes y Ciencia
Ludwig Carrasco, director huésped
Silvestrov
Shostakóvich
Plegaria por Ucrania
Sinfonía 7, Leningrado
27_28 mayo
Programa 6 p. 49
Sylvain Gasançon, director titular
Ligeti
Bartók
Lontano
Música para cuerdas, percusión y celesta
Beethoven Sinfonía 5
3_4 junio
Programa extraordinario p. 55
Constantine Orbelian, director huésped
Rimski-Kórsakov
Scheherezade
Rajmáninov Concierto para piano 3
Daniil Trifonov, piano
Conciertos organizados por el Patronato y la Sociedad de Amigos de la OFUNAM
10_11 junio
Programa 7 p. 61
Iván López Reynoso, director huésped
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Ligeti
Liszt
Ritter
Stravinski
Melodien
Los preludios
Metanoia
Suite de El pájaro de fuego

17_18 junio
Programa 8 p. 67
Sylvain Gasançon, director titular
R. Valdez Hermoso Anti-Heroica
R. Strauss Concierto para oboe
Rafael Monge, oboe
Beethoven
Sinfonía 3, Heroica
Sábado 10:00 am
Ensayo abierto, entrada libre
24_25 junio
Programa 9 p. 73
Sylvain Gasançon, director titular
Ligeti
Wagner
San Francisco Polyphony
El anillo sin palabras
Sala Nezahualcóyotl
Sábados 8:00 pm (excepto donde se indica)
Domingos 12:00 pm
Programación sujeta a cambios
Consulta cartelera para transmisión de conciertos
en musica.unam.mx
Avisos y recomendaciones
Por cuestiones de derechos, no está permitido tomar fotografías ni grabar
video o audio dentro de la sala durante los conciertos.
Favor de abstenerse de ingerir bebidas y alimentos en el interior de la sala.
Si usa dispositivos móviles, favor de mantenerlos en silencio durante los
conciertos.
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Orquesta Filarmónica de la UNAM
La Orquesta Filarmónica de la UNAM (OFUNAM), fundada en 1936, es
una de las orquestas más importantes de México, y su sede es la Sala
Nezahualcóyotl, en Ciudad Universitaria.
En sus más de ochenta años de historia la OFUNAM ha pasado por la
batuta de José Rocabruna, José Francisco Vásquez, Icilio Bredo, Eduardo
Mata, Héctor Quintanar, Enrique Diemecke, Eduardo Diazmuñoz, Jorge
Velazco, Jesús Medina, Ronald Zollman, Zuohuang Chen, Alun Francis, Jan
Latham-Koenig y Massimo Quarta como directores titulares, además de
docenas de directores huéspedes. Su director actual es Sylvain Gasançon.
Ha comisionado y estrenado obras de varios compositores mexicanos y ha
tenido dos giras internacionales: Italia en 2014 y Reino Unido en 2015.
La OFUNAM ofrece tres temporadas de conciertos al año, realizados
en la Sala Nezahualcóyotl. La orquesta también realiza giras por diferentes
escuelas y facultades de la UNAM.
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Sylvain Gasançon, director titular
Sylvain Gasançon ocupa el cargo de director titular de la Orquesta
Filarmónica de la UNAM (OFUNAM) desde enero de 2023. Nacido en Metz,
Francia, estudió violín en su país natal y ofreció sus primeros conciertos
a una edad muy temprana. Posteriormente se graduó del Conservatorio
Real de Bruselas con Endre Kleve. Estudió dirección orquestal con Jean-
Sébastien Béreau, Gerhard Markson, Gianluigi Gelmetti, Pinchas Zukerman
y Jorma Panula en Salzburgo, Siena, Ottawa, Lausanne y San Petersburgo.
Se tituló del Conservatorio Nacional Superior de Música de París y obtuvo
un título de maestría en musicología de la Universidad de París. Fue ganador
del Primer Premio Internacional Eduardo Mata de Dirección de Orquesta
en México (2005, con la OFUNAM) y el Segundo Premio del Concurso
Internacional Jorma Panula en Finlandia (2006). Ha dirigido orquestas en
países de América, Europa y Asia, como la Orquesta Sinfónica Portuguesa, la
Filarmónica de Magdeburgo, la Sinfonia Rotterdam, la Filarmónica de Hong
Kong, la Filarmónica de Buenos Aires, la Orquesta del Estado de São Paulo y
las orquestas sinfónicas nacionales de México, Argentina, Colombia y Chile.
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15_16 abril
Programa 1

Sala Nezahualcóyotl
Sábado 15 de abril
8:00 pm
Domingo 16 de abril
12:00 pm
Orquesta Filarmónica de la UNAM
Sylvain Gasançon, director titular
György Ligeti (1923-2006)
Atmosphères (Atmósferas)
Duración aproximada: 10 minutos
Serguéi Rajmáninov (1873-1943)
Concierto para piano núm. 2 en do menor, Op. 18
I. Moderato
II. Adagio sostenuto
III. Allegro scherzando
Duración aproximada: 33 minutos
Anna Geniushene, piano
Intermedio
Béla Bartók (1881-1945)
Concierto para orquesta, Sz. 116, BB 123
I. Introduzione. Andante non troppo - Allegro vivace
II. Giuco delle coppie. Allegretto scherzando
III. Elegia. Andante non troppo
IV. Intermezzo interrotto. Allegretto
V. Finale. Pesante - Presto
Duración aproximada: 36 minutos
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György Ligeti (Dicsőszentmárton, 1923 - Viena, 2006)
Atmosphères (Atmósferas)
Entre las partituras orquestales popularizadas por la película de Stanley
Kubrick 2001: Odisea del espacio, Atmosphères de Ligeti ocupa un lugar
destacado. Terminada en 1961, la obra recurre al uso extremo de clústeres
tonales, es decir, racimos de notas adyacentes que suenan simultáneamente
y se funden en gigantescas masas sonoras. Nos encontramos ante un originalísimo
estudio del timbre orquestal que resultó seminal para la música de
la segunda mitad del siglo XX. Cada nueva sección parece deslizarse de la
anterior y hacia la siguiente, y aunque la densa masa orquestal se percibe
estática y casi inmóvil, está llena de actividad interna. Además de numerosos
efectos tímbricos, el compositor emplea una técnica llamada “micropolifonía”,
que consiste en presentar cánones —es decir, la misma melodía
tocada en imitación por grupos pequeños dentro de la orquesta— de tal
manera que las entradas de las voces están tan cerca unas de otras que
es imposible percibirlas de manera individual, para producir un efecto de
saturación. La pieza ha gozado de un éxito notable desde su estreno y es
considerada una obra de culto.
Serguei Rajmáninov (Oneg, 1873 - Beverly Hills, 1943)
Concierto para piano núm. 2 en do menor, Op. 18
El fracaso que representó el estreno de su primera sinfonía en 1897 sumió
a Rajmáninov en una profunda depresión. Tras una parálisis creativa, el trabajo
que realizó con el neurólogo e hipnoterapeuta Nikolái Dahl permitió al
compositor recuperar su confianza y terminar en 1900 el segundo y tercer
movimiento de su Concierto para piano núm. 2. Un año después, Rajmáninov
terminó el primer movimiento de la obra y decidió dedicarla a Dahl. El concierto
inicia de manera dramática, con el piano en solitario tocando una serie
de ocho acordes in crescendo que se alternan con una nota en el registro
grave que emula el tañer de una enorme campana, una constante en la música
de Rajmáninov. Estos acordes dan paso a una vigorosa figuración con
la que el piano acompaña al tema principal, introducido por las cuerdas. El
instrumento solista toma el papel de acompañante o interlocutor de la orquesta
en múltiples ocasiones durante la obra. El segundo tema, presentado
líricamente por el piano, es desarrollado en una sección central que culmina
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con un monumental clímax que combina una marcha en el piano con el tema
principal tocado por la orquesta. Los movimientos subsecuentes muestran
la influencia de los conciertos de Grieg y Chaikovski, sobre todo en el uso
de la orquestación y la explotación de momentos de gran intensidad emocional.
Destaca en este sentido el segundo tema del Allegro final, expuesto primero
por las violas y reutilizado de forma apoteósica hacia el final de la obra.
Béla Bartók (Nagyszentmiklós, 1881 - Nueva York, 1945)
Concierto para orquesta, Sz. 116, BB 123
En 1940, con el fin de huir de la guerra y la expansión nazi en Europa, Bartók
dejó su natal Hungría para establecerse en Nueva York, lugar en el que nunca
se sintió completamente a gusto y donde moriría de leucemia cinco años
más tarde. Entre las pocas obras que logró terminar durante este exilio, el
Concierto para orquesta fue la que tuvo el éxito más inmediato. Resultado
de un encargo del director de la Sinfónica de Boston, Serguéi Koussevitzky,
la partitura fue estrenada en 1943. El título se refiere a una obra sinfónica
que despliega, de manera concertante, las posibilidades de todas las secciones
de la orquesta, ya sea en conjuntos o con instrumentos solos, recurriendo
a una escritura eminentemente virtuosística. El compositor nos dice: “La
atmósfera general de la obra —aparte del burlón segundo movimiento—
representa una transición gradual de la severidad del primer movimiento
y el lúgubre canto de muerte del tercero a la afirmación vital del último”. El
concierto está conformado por un arco simétrico de cinco movimientos: el
primero y el último en forma sonata, y el segundo y el cuarto, con la función
de scherzi, rodean a un movimiento lento central que constituye el núcleo
emotivo de la obra. La partitura contiene numerosas referencias a la música
tradicional centroeuropea y el contrapunto occidental (primer y quinto movimientos),
la característica música nocturna bartokiana con sus ecos y murmullos
de la naturaleza (tercer movimiento), y toques de humor, incluyendo
la parodia de una melodía tomada de la Séptima sinfonía de Shostakóvich
que interrumpe el cuarto movimiento.
Notas:
Ricardo de la Torre
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Anna Geniushene, piano
Anna Geniushene debutó como pianista a los 7 años en la sala de cámara
de la Filarmónica de Berlín. En 2022 ganó medalla de plata en el Concurso
Internacional de Piano Van Cliburn. Ha desarrollado una carrera diversa y
versátil como artista, con interpretaciones en algunos de los recintos más
importantes del mundo como la Sala de Conciertos Nacional de Dublín
en Irlanda, el Museo de las Artes de Tel Aviv en Israel y la Sala Greppi de
Bergamo en Italia. Tiene un interés especial por la música de cámara, que
suele interpretar junto a su esposo, Lukas Geniušas y en colaboración cercana
con el Cuarteto de Cremona. Es fundadora de NikoFest, festival de
creación musical colaborativa. Actualmente reside en Lituania.
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22_23 abril
Programa 2
—Fiesta del Libro y la Rosa
—Shakespeare en concierto

Sala Nezahualcóyotl
Sábado 22 de abril
8:00 pm
Domingo 23 de abril
12:00 pm
Orquesta Filarmónica de la UNAM
Srba Dinic, director huésped
Arthur Bliss (1891-1975)
Homage to Shakespeare (Homenaje a Shakespeare)
Duración aproximada: 1 minuto
Kaija Saariaho (1952)
The Tempest Songbook (Cancionero de La tempestad)
I. Ariel’s Hail (El saludo de Ariel)
II. Caliban’s Dream (El sueño de Calibán)
III. Miranda’s Lament (El lamento de Miranda)
IV. Prospero’s Vision (La visión de Próspero)
V. Ferdinand’s Comfort (El consuelo de Fernando)
Duración aproximada: 21 minutos
Jacinta Barbachano, soprano
Rodrigo Urrutia, barítono
Intermedio
Gioachino Rossini (1792-1868)
Obertura de Otello
Duración aproximada: 6 minutos
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Felix Mendelssohn (1809-1847)
Obertura de Sueño de una noche de verano, Op. 21
Duración aproximada: 12 minutos
Serguéi Prokófiev (1891-1953)
Suite núm. 2 de Romeo y Julieta, Op. 64ter
I. Los Montesco y los Capuleto
II. La joven Julieta
III. Fray Lorenzo
IV. Danza
V. Romeo y Julieta antes de partir
VI. Danza de las doncellas de las Antillas
VII. Romeo ante la tumba de Julieta
Duración aproximada: 30 minutos
Arthur Bliss (Londres, 1891 - Londres, 1975)
Homage to Shakespeare (Homenaje a Shakespeare)
Shakespeare, aquel maestro de las palabras cuyas tragedias nos enseñan
que el amor y el dolor son hermanos. No es de extrañar que sus letras hayan
sido el germen de tantas y tan diversas obras musicales. Incontables óperas,
canciones y piezas instrumentales han capturado al Bardo entre sus pautas.
Arthur Bliss escribió Homage to Shakespeare como una fanfarria al gran
autor de Stratford. Este género musical, generalmente interpretado por los
instrumentos de aliento metal y percusiones, ha sido utilizado históricamente
para expresar solemnidad y grandeza. Bliss hizo lo propio a partir de
una frase musical de John Wilbye, contemporáneo del escritor y uno de los
mejores madrigalistas ingleses de la época isabelina.
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Kaija Saariaho (Helsinki, 1952)
The Tempest Songbook (Cancionero de La tempestad)
Sin importar idiomas y fronteras, el legado literario de Shakespeare continúa
vigente. Muestra de ello es The Tempest Songbook, de Kaija Saariaho,
una colección de canciones basadas en La tempestad. La compositora nos
sumerge en la trama a través del canto de los protagonistas de la historia.
La música retrata el carácter y el mundo interno de cada personaje, cautivando
nuestros oídos con su hechizante sonido.
Gioachino Rossini (Pesaro, 1792 - Passy, 1868)
Obertura de Otello
Los dramas del Bardo han servido como fuente de inspiración para numerosos
compositores de ópera. Tal fue el caso del Otello de Gioachino
Rossini, cuya música es un claro ejemplo del estilo operístico italiano del
siglo XIX. La obertura nos ofrece un breve atisbo del funesto final. Esta
lúgubre premonición pronto cambia por un ánimo acelerado y combativo
que nos prepara para la entrada victoriosa del moro en el primer acto de
la trama.
Felix Mendelssohn (Hamburgo, 1809 - Lepizig, 1847)
Obertura de Sueño de una noche de verano, Op. 21
Felix Mendelssohn fue otro compositor que incorporó las letras de
Shakespeare en su música. Tenía sólo 17 años cuando escribió su Obertura
para Sueño de una noche de verano, obra que capturó la magia de la comedia
original desde sus primeros acordes. Tras adentrarnos al mundo de
los sueños, las hadas revolotean entre las cuerdas. Los amantes aparecen y
sosiegan el movimiento. La exaltación regresa con la entrada de los artesanos,
incluyendo a Bottom que, transformado en burro, lanza su característico
rebuzno.
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Serguéi Prokófiev (Sontsivka, 1891 - Moscú, 1953)
Suite núm. 2 de Romeo y Julieta, Op. 64ter
“Nunca hubo una historia de más pesar que la de Julieta y su Romeo”. Ante
las dificultades de realizar el ballet homónimo de 1936, Prokófiev escribió
dos versiones orquestales, entre ellas la Suite núm. 2. Aun sin palabras, el
compositor nos arrastra por las emociones y sentimientos de los enamorados,
nos lleva a través de esta historia de rivalidad, venganza y fatalidad.
Pero al centro de todo prevalece el amor, que resplandece al final como un
último suspiro.
Notas:
Montserrat Pérez Lima
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Srba Dinic, director huésped
Srba Dinic estudió piano y música de cámara en Belgrado, y dirección en
Bonn y Skopje. Comenzó su carrera internacional en Basilea en 1995, y desde
entonces ha sido director musical de la Ópera de Berna (2007-2011),
director titular de la Orquesta del Teatro de Bellas Artes (2013-2019), di
rector de la orquesta de cámara Strings of St. George (2014-2019), y la
orquesta y ópera de Braunschweig, Alemania (2017). Ha colaborado
con exponentes de la ópera, como Anna Netrebko, Diana Damrau, y Ramón
Vargas, y se ha presentado en más de veinte países alrededor del mundo
con la Staatskapelle Dresden, la Orchestra di Verona y la Orquesta del
Teatro Colón, entre muchas otras.
Jacinta Barbachano, soprano
Jacinta Barbachano es egresada de la Facultad de Música de la UNAM. Ha
ganado varios concursos de canto, entre los que destaca el primer lugar
en el Concurso Francisco Araiza, dos premios en el Concurso Carlo Morelli
y el orfeo de plata en el Orfeo Concurso de Canto Lírico de América. Se
ha presentado como solista en los principales recintos de la Ciudad de
México, y ha sido ganadora dos veces de los Metropolitan National Council
Auditions. Fundadora, junto al reconocido guitarrista mexicano Pablo
Garibay, del Dúo Khordē, que busca promover el repertorio clásico y de
obras nuevas y jóvenes.
Rodrigo Urrutia, barítono
Rodrigo Urrutia comenzó sus estudios de piano y clarinete en el
Conservatorio de Puebla, para posteriormente ingresar al Conservatorio
Nacional y la Facultad de Música de la UNAM, de la que es egresado en canto.
Ha sido beneficiario del Estudio de Ópera de Bellas Artes y becario del
programa de Creadores Escénicos del Fondo Nacional para la Cultura y las
Artes. Se cantado ópera, Lied y mélodie en los principales recintos del país.
En el Concurso de Ópera de San Miguel de Allende 2019 fue seleccionado
para participar en el Festival Saint-Eustache en Quebec y fue premiado con
una beca completa para hacer estudios de maestría en interpretación de
ópera en el Conservatorio del Liceo de Barcelona en España.
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29_30 abril
Programa extraordinario
—Concierto infantil

Sala Nezahualcóyotl
Sábado 29 de abril
6:00 pm
Domingo 30 de abril
12:00 pm
Orquesta Filarmónica de la UNAM
Christian Gohmer, director huésped
César Piña, director de escena
Xavier Montsalvatge (1912-2002)
El gato con botas
Ópera en un acto con libreto de Néstor Luján
Duración aproximada: 75 minutos
Gato: Frida Portillo, mezzosoprano
Molinero: Andrés Carrillo, tenor
Princesa: Tania Solís, soprano
Rey: Rodrigo Urrutia, barítono
Ogro: Charles Oppenheim, bajo
Bailarines
Comparsas
Indra Alzati
Daniela Fernández
Martín Morales
Hugo de Niz
Irina Montero
Gloria Andrade
Tehutly López
Aarón González
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Producción ejecutiva: Eleonora Velásquez, In memoriam
Diseño de iluminación: Rafael Mendoza
Video mapping: Leobardo Márquez
Coreografía: Hugo de Niz
Asistente de dirección: Samanta Carbajal
Asistente de vestuario: Sheila Bautista
Asistente de producción: Jesús Cortés
Maquillaje: Hilda Sánchez
Pianistas repasadores: Mitchel Casas y José Luis González
Torre de Viento Producciones
Productora asociada: Juliana Vanscoit
Realización de títeres: María Luisa Rivera
Realización de vestuario: Dolores Rosales
Realización de utilería y tocados: Luis Gerardo García y Claudia Hernández
Realización de escenografía: TXD impresiones digitales, Antonio Solares
y Juan Solares
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Xavier Montsalvatge (Gerona, 1912 - Barcelona, 2002)
El gato con botas
Bien conocemos la belleza y la astucia de los gatos. Estos pequeños felinos
que llenos de elegancia, dulzura y encanto nos enternecen, son también
algunos de los cazadores más exitosos del reino animal. Por sus ágiles y
precisos movimientos y su atenta mirada, pueden atrapar diminutas presas,
incluso a pequeñitos moscos en el aire. Esta cautivadora cualidad felina sigue
pareciéndonos enigmática y misteriosa pese a los más de diez mil años
de domesticación. Quizás esta fascinación motivó al compositor catalán
Xavier Montsalvatge a retomar el cuento popular de El gato con botas como
el argumento de la primera de sus tres óperas. Néstor Luján adaptó este
cuento medieval que había sido recopilado, adaptado y publicado por el
escritor francés Charles Perrault a finales del siglo XVII, junto a otros clásicos
de literatura infantil como La Cenicienta, Caperucita Roja, Pulgarcito y
La Bella Durmiente, entre otros. El gato con botas, ópera de magia y misterio
en cinco escenas nos cuenta a través de música que nos recuerda a Ravel y
Satie, la historia de un inteligente e ingenioso gato que, a costa de estrategias
y engaños ayuda a su amo, el Marqués de Carabás, a encontrar el amor y
la fortuna. En la ópera escucharás arias donde canta el gato, en las cuales
Montsalvatge evocó la picardía y sagacidad de esta fábula. La obra se estrenó
en 1947 en el Liceo de Barcelona y desde entonces ha sido una de las
óperas infantiles más populares en habla hispana.
Nota:
Mariana Hijar Guevara
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Christian Gohmer, director huésped
Egresado de la Escuela Superior de Música, Christian Gohmer comenzó el
aprendizaje del violín a temprana edad. Ha estudiado dirección de orquesta
con Enrique Diemecke; Enrique Patrón de Rueda y Alain Paris. Ha tomado
cursos de perfeccionamiento con la Orquesta Barroca de Friburgo,
el ensamble Recherche y Diabolus in Musicæ, entre otros. Ha sido director
titular de la Orquesta de la Escuela Superior de Música, la Filarmónica
de Sonora y desde 2017 de Solistas Ensamble del INBA. Es fundador del
ensamble de música contemporánea Tempus Fugit con el que ha realizado
numerosas producciones y grabaciones. Ha actuado al frente de la
Filarmónica de la Ciudad de México, la Sinfónica Nacional, la Filarmónica
de la UNAM, la Sinfónica del Estado de México, la Sinfónica de Xalapa,
Orquesta Juvenil Universitaria Eduardo Mata y muchas otras. Ha colaborado
con Jorge Federico Osorio, Simone Kermes, Sarah Maria Sun, Christophe
Dujardin, Tarja Turunen, Francisco Ladrón de Guevara, Erika Dobosiewicz,
Cuauhtémoc Rivera, Alexander Paskov y muchos otros.
César Piña, director de escena
César Piña estudió arquitectura en la Universidad de Guanajuato, actuación
con Ludwik Margules y Eugenio Barba y dirección de escena con Juan
Ibáñez. Ha incursionado en ópera, teatro, televisión, dirección de escena,
producción ejecutiva, iluminación, escenografía y vestuario, además de dirección
de marionetas con su compañía familiar. Desde 2004 ha dirigido
óperas como El elíxir de amor, La flauta mágica, El barbero de Sevilla, La hija
del regimiento, Attila, La traviata, Aída, Tosca, La bohemia, Payasos, Carmen,
Sansón y Dalila y Alicia. Ha dirigido el estreno en México de Candide de
Bernstein y El conde Ory de Rossini, así como los estrenos mundiales de La
Muerte Pies Ligeros de Víctor Rasgado y Nuestro Tres Guerras de Guillermo
Diego. Ha realizado numeroros proyectos de ópera o cuentos infantiles con
diversas orquestas mexicanas entre los que se pueden mencionar Bastián y
Bastiana de Mozart, La Cenicienta de Rossini, Caperucita Roja de Barab, El
niño y los sortilegios de Ravel, Amahl y los visitantes nocturnos de Menotti,
El pequeño príncipe de Ibarra, Pinocho de Dove y El gato con botas de
Montsalvatge, entre otras.
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6_7 mayo
Programa 3

Sala Nezahualcóyotl
Sábado 6 de mayo
8:00 pm
Domingo 7 de mayo
12:00 pm
Orquesta Filarmónica de la UNAM
Iván López Reynoso, director huésped
Graciela Agudelo (1945-2018)
Parajes de la memoria: La selva
Duración aproximada: 14 minutos
György Ligeti (1923-2006)
Concierto rumano
I. Andantino
II. Allegro vivace
III. Adagio ma non troppo
IV. Molto vivace
Duración aproximada: 14 minutos
Intermedio
Serguéi Rajmáninov (1873-1943)
Danzas sinfónicas, Op. 45
I. Non allegro
II. Andante con moto (Tempo di valse)
III. Lento assai - Allegro vivace - Lento assai. Come prima - Allegro vivace
Duración aproximada: 35 minutos
32

Graciela Agudelo (Ciudad de México, 1945 - Ciudad de México, 2018)
Parajes de la memoria: La selva
Penumbra y niebla
son tu bostezo diurno
grandiosa selva
Graciela Agudelo
En el lento pero decidido proceso de integración y reconocimiento de la
labor artística de las mujeres en la música en México sobresale el nombre
de la compositora y pedagoga Graciela Agudelo. Parajes de la memoria
es una obra orquestal escrita en 1993 y estrenada un año después por la
Orquesta Filarmónica de la UNAM. Para esta obra, Agudelo tomó como base
el poemario Estampas y elegías (1960) de Guillermo Agudelo Valencia, su
padre. En específico, Graciela tomó inspiración de lo relacionado con sus
andanzas por la selva, ya que ella fue una amante de la naturaleza: “él fue
oriundo de la Colombia amazónica, y cuando yo era niña me contaba sus
viajes, la exuberancia de la selva, el color de los animales. Eso quedó en mi
mente y escribí una pieza de algo que no conocí, pero que fue una especie
de memoria compartida.”
György Ligeti (Dicsőszentmárton, 1923 - Viena, 2006)
Concierto rumano
“Un día, alrededor de Nochevieja, unos músicos salvajes aparecieron en
nuestro patio sin avisar. Tocaban el violín y el cimpoi, una especie de gaita.
Uno de ellos iba enmascarado y llevaba una capa de piel de cabra. Su
máscara tenía cuernos y una especie de pico que le hacía parecer una cabra
demoniaca.” Este inquietante suceso asombró profundamente a Ligeti,
quien con tan sólo 3 años vivió aquella Navidad su primer contacto con
esta tradición y con el chamanismo rumano. Con esta huella en la memoria,
veintitrés años después escribió el concierto que aquí se presenta. Colmado
de inesperados giros armónicos propios de la música campesina rumana,
así como de brillantes solos de cuerda y viento madera, la obra se basa en
melodías populares transilvanas que Ligeti había previamente recopilado y
33

transcrito de rollos de cera y discos para el Instituto de Folclor de Bucarest.
Con esta obra, el compositor intentó “escapar al dictado del realismo socialista”
impuesto en la Hungría comunista. Sin embargo, la obra fue prohibida
por el uso de disonancias en un pasaje en el cuarto movimiento, disonancias
que, de hecho, eran propias de la música tradicional rumana pero que fueron
vistas como una injuria vanguardista que transgredía la estética hegemónica.
“Que bromas tonales tan inofensivas pudieran ser denunciadas como
un ataque a la seguridad del Estado parece claramente impensable para un
oyente moderno”, aseguró con ironía en una entrevista años después. Pese a
ello, la obra sólo fue interpretada públicamente en 1971, veinte años después
de haber sido concluida.
Serguéi Rajmáninov (Oneg, 1873 - Beverly Hills, 1943)
Danzas sinfónicas, Op. 45
Como toda última obra en la vida de un autor, las Danzas sinfónicas de
Rajmáninov poseen un aire de nostálgica introspección y un aura de culminación.
Quizás por ello, el propio compositor consideró a esta obra como
“su último destello”. Luego de tres años de ausentarse de la composición,
Rajmáninov inició la escritura la que sería su última partitura orquestal en
1940. Esta obra está llena de citas musicales, reminiscencias y referencias a
su propia música. La primera danza es una marcha en la que los alientos
presentan el tema principal, que luego es recuperado de manera invertida
por el saxofón y sobre el cual se desarrolla toda la pieza. La sección de alientos
juega un papel fundamental en la parte central de esta danza, y le
proporciona un equilibrio casi atmosférico antes de que la pieza retome su
enérgico carácter. Tal vez con un propósito redentor, al final de esta danza
Rajmáninov citó su infortunada Primera sinfonía, una obra escrita en 1897,
y por cuya desventurada recepción cayó en depresión por tres años. El
segundo movimiento es un delicado vals que rememora nostálgicamente el
gusto vienés y ruso decimonónico. Este vals está lleno de rubati, es decir, de
ligeras aceleraciones y desaceleraciones del tempo. La tercera es una danza
de ritmos sincopados en la cual puede distinguirse cierta premonición lúgubre.
El “lamentoso” solo del carinete bajo anuncia una larga sección media,
la cual es interrumpida por la trompeta que toca el Dies irae, el canto gregoriano
de la liturgia de difuntos. Pese a este signo mortuorio, la obra recupera
34

un brío enérgico y dinámico. Hacia el final de la pieza, Rajmáninov escribió
“¡Aleluya!”, como una especie de canto a la vida que nunca termina, sino que
va convirtiéndose en silencio, tal como sucede con el último golpe del tamtam,
en donde el compositor escribe como indicación: “dejar vibrar” hasta
que el sonido se pierda.
Notas:
Mariana Hijar Guevara
35

Iván López Reynoso, director huésped
Iván López Reynoso realizó sus estudios de violín con Gellya Dubrova,
de piano con Alexander Pashkov y de dirección de orquesta con Gonzalo
Romeu. Ha dirigido orquestas en España, Italia, Alemania y México, y se
ha presentado en los principales recintos de este país. Tiene un especial
interés en la ópera y ha dirigido más de cuarenta títulos y cuatro estrenos en
México. Es el primer mexicano en dirigir en el Festival de Ópera Rossini
de Pesaro en Italia. Desde 2020 es director artístico de la Orquesta del
Teatro de Bellas Artes y desde 2018 es director invitado principal de la
Oviedo Filarmonía. Recientemente ha dirigido en la Ópera de Zúrich y en
la Ópera de Santa Fe.
36

13_14 mayo
Programa 4
—Sones y valses de México

Sala Nezahualcóyotl
Sábado 13 de mayo
8:00 pm
Domingo 14 de mayo
12:00 pm
Orquesta Filarmónica de la UNAM
Eduardo Álvarez, director huésped
Macedonio Alcalá (1831-1869)
Dios nunca muere
Rodolfo Campodónico (1866-1926)
Club Verde
José Alfredo Jiménez (1926-1973)
Camino de Guanajuato
Severiano Briseño (1902-1988)
El sinaloense
Enrique Mora (1876-1913)
Alejandra
Felipe Villanueva (1862-1893)
Vals poético
Agustín Lara (1897-1970)
Farolito
38

Quirino Mendoza (1862-1957)
Cielito lindo
Rubén Fuentes (1926-2022) y Silvestre Vargas (1901-1985)
El carretero
Guadalupe Trigo (1941-1982)
Mi ciudad
Intermedio
Agustín Ramírez (1903-1957)
Por los caminos del sur
Nicandro Castillo (1914-1990)
El hidalguense
Juventino Rosas (1868-1894)
Sobre las olas
Manuel Mejía
Alingo lingo
Anónimo
La bamba
Duración total aproximada: 71 minutos
39

40
Este programa es un recorrido por nuestro país a través de algunas de sus
expresiones musicales populares a partir de mediados del siglo XIX.
El protagonista principal de este concierto es el vals. Esta danza, originaria
de las regiones del sur de Alemania y Austria, se popularizó en
Francia durante el siglo XIX y de ahí causó un furor alrededor del mundo,
hasta posicionarse como el baile de salón por excelencia. El entusiasmo por
el vals llegó también a México, donde la danza adoptó nuestra sazón para
convertirse en su propio género, el vals mexicano. Durante el Romanticismo
se compusieron en México una enorme cantidad de valses, algunos de los
cuales le dieron la vuelta al mundo. Es el caso de Sobre las olas de Juventino
Rosas, que se ha convertido en parte del imaginario del vals en todo el mundo,
y del Vals poético de Felipe Villanueva, uno de los valses más sonados y
bailados del país en el siglo antepasado.
Más allá de la sala de conciertos, por todo el país se escribieron valses
que integraron el carácter regional al género: Macedonio Alcalá compuso
el inmortal Dios nunca muere poco antes de fallecer a los 38 años. Rodolfo
Campodónico escribió Club Verde en 1901, un caso inusual de un vals motivado
no por amor, sino por política: el Club Verde era el partido antirreeleccionista
que se oponía al Club Rojo del “mal gobierno” en Sonora. Este vals
fue prohibido por las autoridades porfiristas locales, aún no era tiempo de
que triunfara el movimiento. En 1907, en Mazatlán, Sinaloa, Enrique Mora
Andrade compuso Alejandra en honor de una joven, a petición de su despechado
pretendiente.
Además de valses se escuchará hoy una pequeña selección de sones
mexicanos. La palabra “son” simplemente viene del vocablo “sonar”, y describe
una amplia variedad de músicas de todo el país, cada una de las cuales
tiene su propio carácter. El sinaloense, por ejemplo, es un huapango que hoy
forma parte del repertorio tradicional de las bandas de viento sinaloenses,
mientras que La bamba es un son jarocho con un lenguaje e instrumentación
muy distintos y en el que se siente más fuertemente la influencia afromexicana
de la costa del Golfo.
El programa se complementa con algunas canciones mexicanas icónicas
y representativas de distintos rumbos del país, como Camino de
Guanajuato, Cielito lindo, Mi ciudad y Por los caminos del sur. Una pieza
más complementa el concierto de hoy: Alingo lingo, también conocida como
Charco choco, que no es ni son, ni canción, ni vals: es una chilena de la

costa chica de Guerrero. De costa a costa, de Mazatlán a Veracruz y de
Sonora a Oaxaca, ésta es tan sólo una probadita de la inmensa diversidad
musical de nuestro país traducida al lenguaje de la orquesta.
Nota:
Elisa Schmelkes
41

Eduardo Álvarez, director huésped
Eduardo Álvarez estudió acordeón, violín con Roberto Vaska y dirección con
Francisco Savín y Efrem Kurtz; también fue alumno de Franco Ferrara. Fue
violinsita de la Orquesta Filarmónica de la UNAM, al tiempo que coordinaba
en México giras de orquestas como la Filarmónica de Brooklyn, la Sinfónica
de Dallas, la Sinfónica de Atlanta, los Atlanta Virtuosi, la Sinfónica de
Louisville y la Orquesta de Cámara Escocesa. Ha tenido puestos de dirección
con la Filarmónica de la Ciudad de México, la Sociedad Filarmónica de
Conciertos, la Orquesta del Conservatorio Nacional de Música y es fundador
de la Filarmónica de Acapulco y la Escuela Estatal de Música Margarito
Damián Vargas en Guerrero. Ha impartido clases en el Centro Cultural Ollin
Yozlitli, el Conservatorio Nacional de Música. Ha realizado más de 35
grabaciones y ha sido director huésped de más de 70 orquestas en diferentes
países.
42

20_21 mayo
Programa 5
—El Aleph Festival de Arte y Ciencia

Sala Nezahualcóyotl
Sábado 20 de mayo
8:00 pm
Domingo 21 de mayo
12:00 pm
Orquesta Filarmónica de la UNAM
Ludwig Carrasco, director huésped
Valentín Silvestrov (1937)
Plegaria por Ucrania
Duración aproximada: 6 minutos
Dimitri Shostakóvich (1906-1975)
Sinfonía núm. 7, Op. 60, Leningrado
I. Allegretto
II. Moderato (poco allegretto)
III. Adagio
IV. Allegro non troppo
Duración aproximada: 70 minutos
44

Valentín Silvestrov (Kyiv, 1937)
Plegaria por Ucrania
En la ciudad de Kyiv, capital de la República de Ucrania, nació el compositor
Valentín Silvestrov. Los habitantes de esta misma ciudad de Kyiv actualmente
son víctimas de los horrores de la guerra, pues desde febrero de 2022
Ucrania libra una lucha desesperada por contener la invasión que el ejército
ruso lleva a cabo en su territorio, en donde miles de personas han perdido la
vida y millones se han visto forzadas a desplazarse a lugares menos inseguros.
Entre ellas se encuentra el mismo Valentín Silvestrov, quien en 2014
y como consecuencia de los conflictos que comenzaban a convulsionar su
país, compuso su Plegaria por Ucrania, originalmente concebida para coro y
basada en los versos de un poeta anónimo, cuyas palabras repiten incesantemente:
“Padre nuestro, Padre nuestro, protege a Ucrania. Danos fuerza,
fe y esperanza. Padre nuestro, Padre nuestro.” La obra, posteriormente orquestada
por el violonchelista y compositor ucraniano Eduard Resatsch, es
de una profunda religiosidad.
Dimitri Shostakóvich (San Petersburgo, 1906 - Moscú, 1975)
Sinfonía núm. 7, Op. 60, Leningrado
Durante los ochocientos setenta y dos días que duró el sitio que los ejércitos
alemanes le impusieron a la ciudad de Leningrado durante la Segunda
Guerra Mundial, se calcula que perdieron la vida alrededor de un millón
doscientas mil personas, entre militares y civiles, como consecuencia de
los bombardeos, el hambre y el frío, además de que fueron evacuados más
de un millón setecientos mil habitantes, entre ellos el compositor Dimitri
Shostakóvich, quien antes de abandonar su ciudad natal había compuesto
tres de los cuatro movimientos de su Séptima sinfonía, considerada por la
propaganda comunista como una de las obras más emblemáticas del heroísmo
del pueblo soviético durante la llamada Gran Guerra Patria. Shostakóvich
afirmó que su intención original era que cada uno de los cuatro movimientos
que componen la obra llevara un título: Guerra, Memorias, Los grandes
espacios de mi patria y Victoria, pues la sinfonía debía ser un homenaje al
sufrimiento de los habitantes de Leningrado y su triunfo ante el enemigo.
Pero, si bien es cierto que el adversario exterior del pueblo soviético era
45

Adolfo Hitler, para Shostakóvich el principal enemigo de su patria era su
líder, Iósif Vissariónovich Dzhugashvilli, mejor conocido como Stalin.
Años después, el mismo Shostakóvich llegó a comentar, en relación con
el fragmento del primer movimiento, que supuestamente describe el avance
del ejército alemán sobre Leningrado, que
El tema de la invasión no tiene nada que ver con el ataque. Pensaba
en otros enemigos de la humanidad cuando compuse este tema.
No tengo nada en contra de denominar a la séptima sinfonía Leningrado,
pero no se trata del Leningrado asediado, se trata del Leningrado que
Stalin ha destruido y del que Hitler no ha hecho más que acabar su obra.
Notas:
Roberto Ruiz Guadalajara
46

Ludwig Carrasco, director huésped
Nacido en Morelia, Ludwig Carrasco cursó la licenciatura y la maestría en
música en las especialidades de violín y dirección de orquesta, así como títulos
de posgrado en musicología y gestión cultural. Se doctoró en dirección
orquestal por la Universidad del Noroeste en Estados Unidos. En su carrera
como director y violinista ha ofrecido conciertos en 31 países de América,
Asia y Europa. En 2023 fue designado director artístico de la Orquesta
Sinfónica Nacional de México. Anteriormente ha ocupado cargos similares
al frente de la Orquesta de Cámara de Bellas Artes, la Orquesta Filarmónica
de Querétaro y la Sinfonietta Prometeo en Estados Unidos.
47

27_28 mayo
Programa 6

Sala Nezahualcóyotl
Sábado 27 de mayo
8:00 pm
Domingo 28 de mayo
12:00 pm
Orquesta Filarmónica de la UNAM
Sylvain Gasançon, director titular
György Ligeti (1923-2006)
Lontano (Lejano)
Duración aproximada: 11 minutos
Béla Bartók (1881-1945)
Música para cuerdas, percusión y celesta
I. Andante tranquillo
II. Allegro
III. Adagio
IV. Allegro molto
Duración aproximada: 27 minutos
Intermedio
Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Sinfonía núm. 5 en do menor, Op. 67
I. Allegro con brio
II. Andante con moto
III. Scherzo. Allegro
IV. Allegro
Duración aproximada: 31 minutos
50

György Ligeti (Dicsöszentmárton, 1923 - Viena, 2006)
Lontano (Lejano)
“Todo está en los detalles.” Esta conocida frase nos permite aproximarnos
a Lontano, obra de 1967 cuyo título proviene del vocablo italiano que significa
“lejano”. A pesar de su nombre, Lontano resulta una obra cercana e
intimista, donde los detalles crean el todo.
Ligeti comparó su obra con “la apertura y cierre de una ventana hacia
los mundos de ensueño de la infancia”. Como pequeños haces de luz
que se cuelan por los cristales, Lontano se conforma de pequeñas líneas
sonoras que emergen entre los instrumentos de la orquesta. Cada halo
de sonido posee su propio carácter. Algunos son oscuros, otros brillantes.
Aparecen en distintos momentos, con diferentes articulaciones y duraciones.
Uno a uno, se suman sigilosamente; creando un canon muy sutil que
poco a poco se transforma en una gran masa sonora.
A veces podemos distinguir cada sonido, cada detalle. Otras veces
resulta imposible, y es inevitable rendirse ante el efecto de sus reflejos,
como un caleidoscopio sonoro que nos atrapa irremediablemente.
De esta manera, Lontano se transforma en una experiencia interna,
en un viaje a lo más recóndito de nuestros pensamientos. Quizá por esta
razón el director estadounidense Stanley Kubrick eligió utilizar Lontano
para varias escenas de El resplandor (1980), como aquélla en en donde
Jack Torrance entra en un profundo trance, tras el encierro en aquel misterioso
—y lejano— hotel.
Béla Bartók (Nagyszentmiklós, 1881 - Nueva York, 1945)
Música para cuerdas, percusión y celesta
Escrita en 1936, la Música para cuerdas, percusión y celesta resultó de la intersección
de dos intereses de Béla Bartók: su avidez por la música tradicional
de la región de Hungría y su fascinación por la simetría y la proporción áurea.
Bartók dividió a la orquesta de cuerdas en dos grupos iguales, cada
uno a un lado del director. Colocó a los instrumentos de percusión al fondo,
dejando el piano, el arpa y la celesta al centro del escenario y creando la
ilusión de un espejo. Pero la simetría no se encuentra sólo en el acomodo
de la orquesta. El compositor elaboró la forma y el balance de toda la obra a
partir de la proporción áurea.
51

La idea del espejo aparece en el primer movimiento. Las violas presentan
un tema que es replicado por cada sección de las cuerdas, dando pie a una
fuga intensa y dramática cuyo viaje por las tonalidades se asemeja
a una espiral que se eleva al cielo. Tras llegar al punto más alto, esta espiral
desciende y nos arrastra de vuelta a la tierra. El punto de quiebre de la espiral
coincide con la sección áurea de la pieza.
El segundo movimiento es vivo, y juega con dos temas que pasan por las
secciones de la orquesta, e incluye pasajes solistas del piano. El enigmático
tercer movimiento fue también retomado por Stanley Kubrick en su película
El resplandor (1980). Pero, contrario al ambiente de terror del filme, Bartók
buscaba evocar las sensaciones y sonidos de una noche en la naturaleza.
La música tradicional aparece en el último movimiento, que toma el
carácter de unas danzas búlgaras. Entre aquellos saltos alegres y violentos
regresa el tema del primer movimiento, para completar así la fantasía
del espejo.
Ludwig van Beethoven (Bonn, 1770 - Viena, 1827)
Sinfonía núm. 5 en do menor, Op. 67
“Sin importar con qué frecuencia se escuche, esta sinfonía invariablemente
ejerce su poder sobre personas de todas las edades, como aquellos grandes
fenómenos de la naturaleza que nos llenan de miedo y asombro a cada momento.”
Robert Schumann no podía estar más en lo cierto.
La Quinta sinfonía fue concebida entre 1804 y 1808, una temporada en la
que Beethoven se encontraba rodeado por un clima político adverso, tras
la invasión de Viena por el ejército de Napoleón. Sobre todo, el compositor
se sentía abrumado al enfrentarse al inevitable aumento de su sordera. La
pesadumbre imperante, a la que Anton Schindler nombró “destino”, llamó a
la puerta de Beethoven para arrebatarle hasta la última migaja de felicidad. El
compositor tomó aquella afrenta y la llevó a las pautas en su Quinta sinfonía.
Formada a partir de un sencillo motivo de cuatro notas (¡ta ta ta taaaa!),
éste aparece con fuerza en el primer movimiento. Como una pequeña célula,
se reproduce y crea un organismo complejo que se debate entre la vida y
la muerte. El tema continúa desarrollándose a lo largo de los siguientes movimientos,
destacando el magistral juego de tema y variaciones del segundo
movimiento.
52

Las palabras que Beethoven confesó en una carta a su amigo Franz Wegeler
ilustran la idea central de los últimos dos movimientos: “Tomaré al destino
por el cuello, no me aplastará completo.” La tensión y la batalla abren paso
a la victoria. La música nos expresa los tormentos y los triunfos del alma, un
viaje desde la oscuridad hacia la luz.
Notas:
Montserrat Pérez Lima
53

3_4 junio
Programa extraordinario

Sala Nezahualcóyotl
Sábado 3 de junio
8:00 pm
Domingo 4 de junio
12:00 pm
Orquesta Filarmónica de la UNAM
Constantine Orbelian, director huésped
Nikolai Rimski-Kórsakov (1844-1908)
Scheherezade, Op. 35
I. El mar y la nave de Simbad
II. La historia del Príncipe Kalendar
III. El joven príncipe y la joven princesa
IV. Festival en Bagdad. El mar. Naufragio. Final
Duración aproximada: 42 minutos
Intermedio
Serguéi Rajmáninov (1873-1943)
Concierto para piano núm. 3 en re menor, Op. 30
I. Allegro ma non tanto
II. Intermezzo: Adagio
III. Finale: Alla breve
Duración aproximada: 39 minutos
Daniil Trifonov, piano
Conciertos organizados por el Patronato y la Sociedad de Amigos de la
OFUNAM
56

Nikolai Rimski-Kórsakov (Tikhvin, 1844 - Lyubensk, 1908)
Scheherezade, Op. 35
Un ejemplo de orientalismo en música y de la fascinación que el mundo
islámico ejerció sobre Occidente durante del siglo XIX, esta suite sinfónica
compuesta en 1888 evoca episodios de Las mil y una noches, la serie de
fantásticas historias narradas por Scheherezade en un intento por posponer,
noche tras noche, su ejecución, ordenada por el sultán Shahriar. Rimski-
Kórsakov originalmente adscribió títulos a cada uno de los movimientos: I.
El mar y el barco de Simbad, II. La historia del príncipe Kalendar, III. El joven
príncipe y la joven princesa, IV. Festival en Bagdad - El mar - El barco se
hace pedazos contra un acantilado coronado por un guerrero de bronce.
Más tarde estos títulos fueron suprimidos, pues el compositor no deseaba
que su música se viera como expresamente programática o narrativa.
Sin embargo, ciertos elementos recurrentes en la partitura se han asociado
con personajes concretos: la amenazadora fanfarria inicial con el sultán, el
seductor tema expuesto por el violín solo, acompañado por el arpa, con la
narradora misma. Entre ambos encontramos un pasaje para los alientos
madera con claras referencias al inicio de la obertura para Sueño de una
noche de verano de Mendelssohn que reaparece al final de la obra.
Rimski-Kórsakov, célebre orquestador, despliega aquí toda su maestría:
nótese, por ejemplo, la forma en que la sinuosa melodía que sucede al solo
de violín en el segundo movimiento pasa del fagot al oboe, a las cuerdas, a
las maderas, intercalando solos de violonchelo y corno, por no mencionar
el espectacular uso de la orquesta en la más rápida sección intermedia. El
tercer movimiento, de un carácter más tranquilo, deriva su tema principal
de otros que ya hemos escuchado y da paso a una breve cadenza del violín
que introduce el tumultuoso último movimiento, en el que el compositor
retoma varios de los temas y efectos orquestales de los tres anteriores. Al
finalizar la obra escuchamos la voz la narradora por última vez: el sultán ha
perdonado la vida de Scheherezade.
Serguéi Rajmáninov (Oneg, 1873 - Beverly Hills, 1943)
Concierto para piano núm. 3 en re menor, Op. 30
Existen pocas obras en el repertorio para instrumento solista y orquesta que
despierten en sus intérpretes la combinación de fascinación y respeto, acaso
57

temor, que produce el Tercer concierto de Rajmáninov. La obra, escrita para
la primera gira estadounidense del compositor en 1909, goza de la reputación
de ser una de las más demandantes entre todas las escritas para el piano, pero
recompensa a quienes logran vencer sus dificultades con una parte solista de
particular brillo, virtuosismo y sustancia musical que no deja de emocionar a
sus escuchas.
Su envergadura y desafíos técnicos, aunados a elementos extramusicales
(como su presencia en la trama de la película australiana Shine estrenada en
1996), han contribuido al estatus casi mítico del concierto, al punto de opacar
su extraordinario contenido narrativo y musical, de un oficio compositivo
impecable y lleno de la nostalgia y sinceridad de expresión características de
Rajmáninov.
La obra comienza con una melodía de caracter ruso que reaparecerá varias
veces durante el concierto como uno de varios vínculos temáticos que lo
unifican. Este tema es expuesto primero por el piano con una simplicidad pasmosa:
unas pocas notas, repartidas al unísono entre ambas manos sobre un
sutil acompañamiento orquestal. La música aumenta en complejidad hasta alcanzar
varios puntos climáticos a lo largo del movimiento. El compositor dejó
dos cadenzas a elección del intérprete. Nuestro solista de hoy, Daniil Trifonov,
opta por la célebremente más compleja y demandante.
El segundo movimiento está constituido por una serie de cinco variaciones,
algunas impregnadas de la intensidad ya desplegada en el primer movimiento,
enmarcadas por un tutti orquestal que representa el único momento
de reposo para el solista.
Después de la presentación de los dos temas principales del Finale,
Rajmáninov introduce un ingenioso episodio con variaciones que integran
elementos del segundo tema del primer movimiento y el inicio del tercero.
Después de otra cadenza, la música avanza hacia su apoteósica conclusión en
una coda de desbordada intensidad. El concierto termina con una figura de un
valor rítmico largo seguido de dos más cortos y otro largo que ha sido leída
como la firma musical del compositor: Raj-má-ni-nov.
Notas:
Ricardo de la Torre
58

Constantine Orbelian, director huésped
Hijo de padres migrantes de origen ruso y armenio, Constantine Orbelian
nació en San Francisco. Tras graduarse de la Escuela de Música Juilliard
comenzó una carrera como pianista y colaboró con orquestas en Estados
Unidos, Reino Unido, Rusia y otros países de Europa. Ha estado al frente de
la Orquesta de Cámara de Moscú, la Filarmónica de Rusia y la Sinfónica de
Kaunas en Lituania. Como director del Teatro Académico de Ópera y Ballet
de Ereván en Armenia realizó producciones de óperas y ballets de Bizet,
Mozart, Massenet, Donizetti y Karen Khachaturian. A lo largo de su carrera
ha buscado acercar a Estados Unidos y Rusia a través de la música, lo que
le ha valido diversos reconocimientos. Es fundador del Festival Internacional
de Música de los Palacios de San Petersburgo. En cuatro ocasiones ha sido
candidato a los premios Grammy y ha recibido galardones en Estados
Unidos, Rusia y el Reino Unido.
Daniil Trifonov, piano
Daniil Trifonov es egresado del Instituto de Música de Cleveland, donde
estudió con Sergei Babayan. Ganó el tercer lugar del Concurso Chopin de
Varsovia, el primer lugar del Concurso Rubinstein de Tel Aviv y el primer
lugar y gran premio del Concurso Chaikovski de Moscú, así como el Grammy
a mejor álbum instrumental solista por una grabación con música de Liszt.
Ha recbido invitaciones a tocar con la Orquesta Sinfónica Nacional de
Estados Unidos, la Orquesta de Filadelfia, la Filarmónica de Nueva York, la
Sinfónica de Chicago, la Filarmónica de Rotterdam, la Orquesta Nacional de
Francia, la Filarmónica Real de Londres y otras orquestas. Sus grabaciones
de música de Bach, Chopin y Rajmáninov le han valido nominaciones y premios
por parte de Opus Klassik y la BBC. La revista Gramophone lo nombro
artista del año en 2016 y el gobierno francés le otorgó el grado de Caballero
de la Orden de las Artes y las Letras en 2021.
59

10_11 junio
Programa 7

Sala Nezahualcóyotl
Sábado 10 de junio
8:00 pm
Domingo 11 de junio
12:00 pm
Orquesta Filarmónica de la UNAM
Iván López Reynoso, director huésped
György Ligeti (1923-2006)
Melodien (Melodías)
Duración aproximada: 13 minutos
Franz Liszt (1811-1886)
Les préludes, S. 97 (Los preludios)
Duración aproximada: 16 minutos
Intermedio
Jorge Ritter (1957)
Metanoia
Estreno mundial. Obra comisionada por la OFUNAM
Duración aproximada: 7 minutos
Ígor Stravinski (1882-1971)
Suite de El pájaro de fuego (versión de 1919)
I. Introducción
II. El pájaro de fuego y su danza
III. Variación del pájaro de fuego
IV. Ronda de princesas
V. Danza infernal del Rey Kaschéi
VI. Canción de cuna
VII. Final
Duración aproximada: 31 minutos
62

György Ligeti (Dicsöszentmárton, 1923 - Viena, 2006)
Melodien (Melodías)
Compuesta en 1971, Melodien (Melodías) formó parte de las celebraciones
conmemorativas por el 500 aniversario del nacimiento de Alberto
Durero. Como si fuera un grabado de aquel pintor renacentista, Ligeti trazó
diferentes líneas melódicas a través de su técnica de “micropolifonía”, que
consiste en el entrelazamiento o superposición de diferentes líneas de sonido.
En total, la obra contiene veinticinco líneas melódicas que suenan simultáneamente,
aunque difieren entre sí en su tempo, ritmo y duración.
Como en una fotografía, la obra presenta tres planos dinámicos: un primer
plano que consiste de melodías y patrones melódicos breves; un plano medio
de figuraciones subordinadas a estas primeras melodías, como ostinati;
y un fondo conformado por sonidos largos y prolongados.
Melodien juega con estos elementos y despliega un bordado colorido,
lleno de líneas y relieves que se adelgazan o densifican, dando la impresión
de un flujo constante, como si no tuvieran principio ni fin..
Franz Liszt (Raiding, 1811 - Bayreuth, 1886)
Les préludes, S. 97 (Los preludios)
“¿Qué es nuestra vida sino una serie de preludios a un canto desconocido
donde la muerte entona la primera nota solemne?” Con estas contundentes
palabras, Franz Liszt nos introduce a su poema sinfónico Les préludes (Los preludios),
concebido en 1848. La obra fue originalmente escrita como una obertura
para la pieza coral Los cuatro elementos, basada en los poemas del poeta
francés Joseph Autran. En 1854 Liszt la revisó como obertura de concierto
y le asignó el título de un poema del escritor francés Alphonse de Lamartine.
Les préludes se convirtió en un retrato de la vida humana, cuyas facetas
y emociones quedaron reflejadas en una obra continua que transita desde
el amor a través de la tormenta, la paz del campo, la batalla hasta finalmente
alcanzar la victoria ante la adversidad.
Liszt nos presenta un tema principal que se transforma como un ser
viviente a lo largo de la obra. La lucha y superación de los obstáculos nos
ofrece distintas versiones del tema que sale avante en un final triunfal que
nos trastoca y eriza la piel.
63

Jorge Ritter (Ciudad de México, 1957)
Metanoia
En 2020 la Orquesta Filarmónica de la UNAM comisionó nueve obras para
conmemorar el 250 aniversario de Ludwig van Beethoven. Metanoia resultó
de aquel encuentro entre Jorge Ritter y la Segunda sinfonía del compositor
alemán.
Históricamente, la Segunda sinfonía nos conecta con un periodo penoso
en la vida de Beethoven. Fue entonces cuando comenzó a sufrir los
primeros síntomas de su sordera. Para Ritter, éste es un momento crucial
donde “Beethoven comenzó una relación con el sonido muy distinta, pues
ya no era sólo el sonido escuchado, sino el sonido recordado”.
Metanoia proviene del griego y significa “más allá de la mente”. Para
Ritter, la aflicción de Beethoven lo obligó a ir “más allá del oído, a viajar
dentro de sí mismo”. Con esta idea en mente, el compositor mexicano tomó
los primeros compases del primer movimiento de la Segunda sinfonía de
Beethoven, y los convirtió en la base de su obra.
En un solo movimiento, Metanoia presenta tres secciones contrastantes.
La primera es lenta. En ella escuchamos el esbozo de la melodía original
de la sinfonía. Sin embargo, este gesto melódico se difumina entre los cánones
de la orquesta que, como nubes de sonido, se expanden en el tiempo.
La segunda sección es viva. La idea original permanece de fondo, mientras
continúa el efecto expansivo. Tras una explosión sonora, regresa la calma
del inicio. Como la memoria de aquel sonido lejano, la obra se difumina lentamente
hasta desparecer.
Ígor Stravinski (Oranienbaum, 1882 - Nueva York, 1971)
Suite de El pájaro de fuego (versión de 1919)
Bienvenidos al bosque encantado del malvado Rey Kaschéi. Aunque está
habitado por bellas princesas y manzanas de oro, es un lugar lleno de terribles
hechizos de los que nadie puede escapar. Al menos, no sin la ayuda del
pájaro de fuego.
Escrito en 1910, El pájaro de fuego fue el primer ballet que Stravinski
trabajó para la compañía de Serguéi Diaghilev. La obra tomó forma a partir
de diferentes historias tradicionales, entre ellas la que daría nombre al ballet.
En 1919 el compositor realizó una versión en forma de suite, con siete
64

movimientos clave dentro de la historia: un cuento de hadas donde la inocencia
lucha contra el mal.
A través de la música somos partícipes de las hazañas del príncipe Iván,
quien se adentra en el bosque del Rey Kaschéi. En aquel peligroso territorio es
cautivado por la belleza de un ave fénix, a la que confunde con una mujer. Tras
atraparla, Iván la libera a cambio de una de sus plumas.
Después, participamos del encuentro entre el joven y un grupo de princesas,
entre ellas la bella Zarevna, de quien queda profundamente enamorado.
A pesar de las advertencias de la princesa, Iván la sigue hasta el castillo del
malvado monarca, donde permanece prisionera. Las tropas de Kaschéi se
abalanzan contra el invasor. Pero el príncipe agita la pluma mágica; aparece
el pájaro de fuego y pone a dormir al rey y sus secuaces. Iván destruye el
alma del tirano y finalmente, escapa con su amada.
Notas:
Montserrat Pérez Lima
65

Iván López Reynoso, director huésped
Iván López Reynoso realizó sus estudios de violín con Gellya Dubrova,
de piano con Alexander Pashkov y de dirección de orquesta con Gonzalo
Romeu. Ha dirigido orquestas en España, Italia, Alemania y México, y se ha
presentado en los principales recintos de este país. Tiene un especial interés
en la ópera, y ha dirigido más de cuarenta títulos y cuatro estrenos en
México. Fue el primer mexicano en dirigir en el Festival de Ópera Rossini de
Pesaro en Italia. Desde 2020 es director artístico de la Orquesta del Teatro
de Bellas Artes y desde 2018 es director invitado principal de la Oviedo
Filarmonía. Recientemente ha dirigido en la Ópera de Zúrich y en la Ópera
de Santa Fe.
66

17_18 junio
Programa 8

Sala Nezahualcóyotl
Sábado 17 de junio
8:00 pm
Domingo 18 de junio
12:00 pm
Orquesta Filarmónica de la UNAM
Sylvain Gasançon, director titular
Rodrigo Valdez Hermoso (1978)
Anti-Heroica
Estreno mundial. Obra comisionada por la OFUNAM
Duración aproximada: 7 minutos
Richard Strauss (1864-1949)
Concierto para oboe en re mayor, TrV 292
I. Allegro moderato
II. Andante
III. Vivace
Duración aproximada: 28 minutos
Rafael Monge, oboe
Intermedio
Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Sinfonía núm. 3 en mi bemol mayor, Op. 55, Heroica
I. Allegro con brio
II. Marcia funebre: Adagio assai
III. Scherzo: Allegro vivace
IV. Finale: Allegro molto
Duración aproximada: 47 minutos
68

Rodrigo Valdez Hermoso (Ciudad de México, 1978)
Anti-Heroica
Después de una deslumbrante carrera militar que lo llevó a convertirse en el
héroe de la Francia revolucionaria y en la esperanza de las clases oprimidas
en Europa, Napoleón Bonaparte se hizo coronar Emperador. No fueron pocos
lo que vieron en tal hecho una traición a los ideales de “Igualdad, Libertad y
Fraternidad” que inspiraron a los revolucionarios franceses. Decepcionado por
aquél a quien originalmente había dedicado su Tercera sinfonía, Beethoven
raspó el nombre de Napoleón Bonaparte de la carátula del manuscrito, hecho
que inspiró a Rodrigo Valdez Hermoso para escribir su obra sinfónica Anti-
Heroica, de cuya génesis comentó:
En Anti-Heroica me he centrado en la desilusión, la profunda decepción,
y el intragable dolor que Beethoven debió sentir al momento de ver al
ente libertador, poseedor de todos los ideales humanos que admiraba,
autoproclamado emperador de la Francia revolucionaria. A Beethoven lo
embargó la rabia generada por su candidez, a Bonaparte la condición humana:
¡quítate tú, que me pongo yo! Trama que se repite una y otra vez
a lo largo de la historia. Cambian los personajes y los escenarios, pero
lamentablemente la trama es la misma.
No obstante, en el plano personal la obra se encuentra dedicada a su hija
Constanza, con la intención de dejarle este mensaje: “Trabaja duro para alcanzar
tus sueños y enaltecer tus ideales. El éxito conlleva sacrificio y es fruto
de la determinación y la constancia. Nadie va a hacer lo que a ti te toca hacer,
mucho menos un caudillo.”
Richard Strauss (Múnich, 1864 - Garmisch-Partenkirchen, 1949)
Concierto para oboe en re mayor, TrV 292
Al finalizar la Segunda Guerra Mundial, las grandes ciudades alemanas
habían sido devastadas por la furia de la aviación aliada. No así las pequeñas
poblaciones como Garmisch-Partenkirchen, en la región de Baviera,
cuyos habitantes fueron desalojados de sus casas por el ejército norteamericano,
salvo algunas excepciones. El número 42 de la calle Zoppritzstrasse
69

era hogar de Richard Strauss, quien se identificó ante el teniente Milton
Weiss —quien además de militar era músico— como el compositor
de las famosas óperas El caballero de la rosa y Salomé. El lugar no sólo
fue respetado sino que se convirtió en punto de visita de curiosos y admiradores,
entre los que se encontraba un joven de 24 años, miembro de
los servicios de inteligencia, y que antes de enlistarse en el ejército era
el oboísta principal de la Orquesta Sinfónica de Pittsburgh. Este joven,
de nombre John de Lancie, le preguntó a Strauss si no había considerado
la posibilidad de escribir un concierto para oboe. La respuesta fue
“no”. Pero la inquietud había sido sembrada en el viejo compositor de
81 años. A su regreso a Estados Unidos, de Lancie, quien se convertiría
en el oboísta principal de la Orquesta de Filadelfia, descubriría con no
poco asombro que Strauss había publicado un concierto para oboe, cuya
partitura original llevaba la inscripción: “Concierto para oboe —1945—
sugerido por un soldado estadounidense”. La obra, la penúltima creada
por Strauss, constituye uno de los últimos resplandores crepusculares
del romanticismo alemán.
Ludwig van Beethoven (Bonn, 1770 - Viena, 1827)
Sinfonía núm. 3 en mi bemol mayor, Op. 55, Heroica
Podríamos decir que Napoleón Bonaparte y Ludwig van Beethoven alcanzaron
la cima de sus respectivas carreras en 1804: aquél proclamándose
emperador, y éste con la creación de su Sinfonía Heroica. Inspirada precisamente
en la figura de Napoleón, la Tercera sinfonía contiene algunas
de las transformaciones más importantes introducidas por Beethoven en
la estructura de la sinfonía. Por, ejemplo: sabido es que los primeros movimientos
de las sinfonías anteriores a la Heroica estaban generalmente
conformados por una exposición, un desarrollo, y una reexposición. Bueno,
pues Beethoven le añade un redesarrollo. Por otro lado, los segundos movimientos
estaban inspirados generalmente en formas cantables como el aria
o el Lied, pero Beethoven pone como segundo tiempo una inmensa marcha
fúnebre. Por su parte, los terceros movimientos estaban conformados
por una primera sección llamada minuet, a la que seguía una denominada
trío, en la que los instrumentos considerados protagonistas de la orquesta,
como los violines, los clarinetes y los oboes, llevaban la parte importante.
70

No obstante, Beethoven privilegia en esta sección a los cornos, hasta
entonces mero relleno armónico. Y para acabar de trastornar el oído de
sus contemporáneos, Beethoven decidió ubicar como último movimiento,
no el clásico rondó, sino unas inmensas y complejas variaciones. Por todo
esto y muchas otras cosas más, como acentuaciones dislocadas, secciones
“hipertrofiadas” o tiempos excesivamente rápidos para la sensibilidad de
aquellos años, Beethoven causó una profunda conmoción en el mundo musical,
de la misma manera que Napoleón la había provocado a nivel social,
político y económico en toda Europa.
Notas:
Roberto Ruiz Guadalajara
71

Rafael Monge, oboe
Nacido en Pérez Zeledón, Costa Rica, Rafael Monge es oboísta principal de
la Orquesta Filarmónica de la UNAM y la Sinfónica del Instituto Politécnico
Nacional. Comenzó sus estudios musicales en la Escuela de Música Sinfónica
de Pérez Zeledón y los continuó en la Universidad Loyola de Nueva Orleans,
el Conservatorio Bard de Nueva York y el Conservatorio de Música de
la Universidad Lynn de Boca Ratón en Florida. Formó parte de la
Orquesta Sinfónica Juvenil de las Américas, con sede en Puerto Rico, y
de la Orquesta Juvenil de las Américas en sus giras por Chile, Canadá
y varios países en Centroamérica. Ha sido solista y recitalista en diversos
recintos de México, Estados Unidos, Venezuela y Costa Rica.
72

24_25 junio
Programa 9

Sala Nezahualcóyotl
Sábado 24 de junio
8:00 pm
Domingo 25 de junio
12:00 pm
Orquesta Filarmónica de la UNAM
Sylvain Gasançon, director titular
György Ligeti (1923-2006)
San Francisco Polyphony
Duración aproximada: 12 minutos
Intermedio
Richard Wagner (1813-1883)
El anillo sin palabras
Arreglo: Lorin Maazel
Duración aproximada: 70 minutos
74

György Ligeti (Dicsöszentmárton, 1923 - Viena, 2006)
San Francisco Polyphony
A finales de los años cincuenta y como reacción a la imposición de la estética
del realismo socialista y en específico, a la censura ideológica que la
Hungría comunista impuso en su Concierto rumano, Ligeti inició un cambio
gradual en su estilo musical. Esta transformación estética, caracterizada
por “una polifonía más transparente, más delineada, más fina y quebradiza”,
llegó a su estado más radical en la pieza orquestal San Francisco Polyphony,
considerada por el propio compositor “el punto final” de esta evolución estilística.
Sobre esta obra, Ligeti escribió:
en ella hay una planificación precisa de los intervalos y la armonía que
ordena las partes melódicas heterogéneas como un campo magnético.
[…] Aquí hay una alternancia entre el orden y el caos: las líneas melódicas
individuales son lógicas y bien ordenadas; por otra parte, su combinación
simultánea y sucesiva es caótica, y el orden finalmente se manifiesta de
nuevo de gran forma en el desarrollo global de los acontecimientos musicales.
Uno se imagina varios objetos arrojados al azar en un cajón que
a su vez tiene una forma definida con precisión; dentro del cajón reina el
caos, pero está bien proporcionado.
Richard Wagner (Leipzig, 1813 - Venecia, 1883)
El anillo sin palabras
Si ya no voy a la fortaleza del Valhalla, ¿sabes a dónde iré?
Parto de la morada del deseo, huyo para siempre de la morada
de la ilusión; ahora cierro tras de mí las puertas abiertas
del devenir eterno: hacia la sagrada tierra elegida, libre del deseo
y la ilusión, propósito de migración del mundo, redimida de la
encarnación, ahora se encamina la mujer, iluminada.
Brunilda, en el final de El ocaso de los dioses de Wagner
El desarrollo del arte dramático moderno y contemporáneo no podría entenderse
si no es a partir del cambio paradigmático que representó la obra
de Richard Wagner. Uno de sus monumentales proyectos fue la creación del
75

Ciclo del Anillo, integrado por cuatro óperas escritas entre 1848 y 1874: Das
Rheingold (El oro del Rin), Die Walküre (La valquiria), Siegfried (Sigfrido) y
Götterdämmerung (El ocaso de los dioses). Esta tetralogía es un viaje al universo
mítico germánico y nórdico en el cual dioses, humanos, enanos y dragones
se disputan por el destino de un anillo. Considerando que la música
orquestal de este ciclo formaba una suerte de “texto subconsciente”, el compositor
y director de orquesta Lorin Maazel se dio a la tarea de unir las cuatro
óperas utilizando las oberturas, preludios y episodios orquestales de manera
cronológica. De esa forma, El anillo sin palabras es una travesía sonora por el
universo mítico wagneriano, “de tal manera que la gente oiga lo que no puede
ver”, como escribió el propio Wagner a su amigo Franz Liszt al respecto de la
música de este ciclo.
Notas:
Mariana Híjar Guevara
76

Orquesta Filarmónica de la UNAM
Concertinos
Sebastian Kwapisz
Manuel Ramos
Violines primeros
Benjamín Carone
Ewa Turzanska
Erik Sánchez
Alma Osorio
Edgardo Carone
Pavel Koulikov
Juan Luis Sosa
José Juan Melo
Carlos Arias
Jesús Jiménez
Teodoro Gálvez
Jonathan Cano
Ekaterine Martínez
Roberto Bustamante
Toribio Amaro
Martín Medrano
Violines segundos
Osvaldo Urbieta*
Carlos Gándara*
Nadejda Khovliaguina
Elena Belina
Cecilia González
Mariano Batista
Mariana Valencia
Myles Mckeown
Miguel Ángel Urbieta
Héctor Robles
Cristina Mendoza
Oswaldo Soto
Ana Caridad Villeda
Juan Carlos Castillo
Benjamín Carone Sheptak
Violas
Francisco Cedillo*
Gerardo Sánchez*
Patricia Hernández
Jorge Ramos
Luis Magaña
Anna Arnal
Érika Ramírez
Juan Cantor Lira
Miguel Alonso Alcántara
Omar José Pérez
Roberto Campos
Aleksandr Nazaryan
79

Violonchelos
Beverly Brown*
Valentín Lubomirov Mirkov*
Jorge Ortiz
José Luis Rodríguez
Marta Fontes
César Martínez
Jorge Amador
Rebeca Mata
Lioudmila Beglarián
Rodolfo Jiménez
Contrabajos
Víctor Flores*
Alexei Diorditsa*
Fernando Gómez
Enrique Bertado
Héctor Candanedo
Claudio Enríquez
Jesús Hernández Chaidez
Alejandro Durán
Flautas
Alethia Lozano*
Abraham Sáenz*
Jesús Martínez
Piccolo
David Rivera periodo meritorio
Oboes
Rafael Monge*
Daniel Rodríguez*
Araceli Real
Patrick Dufrane
Clarinetes
Manuel Hernández Aguilar*
Edgar Lany Flores*
Austreberto Méndez
Alberto Álvarez
Fagotes
Gerardo Ledezma*
Manuel Hernández Fierro*
Rodolfo Mota
David Ball
Cornos
Silvestre Hernández*
Mateo Ruiz
Mario Miranda
Trompetas
James Ready*
Rafael Ancheta*
Humberto Alanís
Arnoldo Armenta
Trombones
Alejandro Díaz*
Enrique Cruz* periodo meritorio
Alejandro Santillán
Tuba
Héctor López
Percusiones
Javier Pérez*
Abel Benítez
80

Arpa
Janet Paulus
* Principal
Piano y celesta
Duane Cochran
Edith Citlali Morales
Subdirectora Ejecutiva
Clementina del Águila
Enlace Artístico
Leonel Ramírez
Operación y Producción
Israel Alberto Sandoval
Coordinación Artística
Hipólito Ortiz
Roberto Saúl Hernández
Personal Técnico
Julia Gallegos
Asistente de la
Subdirección Ejecutiva
Erick Tapia
Apoyo en Archivo
musica.unam.mx ofunam musicaunam
81

La difusión de la cultura se significa como uno de los objetivos esenciales de
nuestra máxima casa de estudios: la Universidad de la Nación. El Patronato
y la Sociedad de Amigos de la Orquesta Filarmónica de la UNAM se esfuerzan
por contribuir al fortalecimiento de dicho propósito, a partir de la
promoción y difusión de la música.
La misión del Patronato es coadyuvar con el desarrollo de la OFUNAM
y su optimización artística. Para lograrlo, apela a la generosidad de quienes
aman y disfrutan la música, así como de empresas e instituciones públicas y
privadas que se reconocen en este afán.
El Patronato y la Sociedad de Amigos de la OFUNAM constituimos una
gran familia. Nos hermana la música y seguiremos uniendo esfuerzos para
consolidar el prestigio de nuestra Orquesta.
Agradecemos su generosidad y patrocinio.
¡Bienvenidos a la Segunda temporada 2023 de la OFUNAM!
82

Patronato de la OFUNAM
Dr. Enrique Luis Graue Wiechers
Presidente Honorario
CONSEJO DIRECTIVO
Armando Jinich Ripstein
Presidente
Efrén Ocampo López
Vicepresidente
Jaime Arturo Coste Setién
Secretario
Fausto García López
Tesorero
Eugenia Meyer | René Solís Brun
Vocales
ASOCIADOS
Françoise Reynaud | Alain Gibersztein | Eduardo Lozowsky Teverow |
Leonardo Curzio Gutiérrez | Marcos Cherem Entebi
HONORARIOS
Alfredo Adam Adam | Leopoldo Rodríguez Sánchez |
Luis Rebollar Corona | José Visoso del Valle
Dalia Gómezpedroso Solís
Directora Ejecutiva del Patronato
83

Sociedad de Amigos de la OFUNAM
Alicia Ayala
Directora
Lorena Muñoz
Asistente Administrativa
Roberto Smith Cruz
Medios Electrónicos
Equipo Técnico del Patronato
Datos de contacto:
amigosofunam.org
saofunam@unam.mx
Tel. 55 5622 7112
Amigos OFUNAM
www.amigosofunam.org
84

Amigos de la OFUNAM
Concertino
Ernesto García
Lic. Ricardo Nassar Zacarías, In memoriam
Sara Jaet, In memoriam
Diego, Luz Elena y Efrén Ocampo
María del Carmen Poo
Prestissimo
Dr. Jaime P. Constantiner, In memoriam
Npsic. Erika Meza Dávalos
Dr. Armando Torres Gómez
Presto
Anónimo (3)
Rafael Beltrán Rivera
Arturo Coste
Marcos Cherem Entebi
Alain Giberstein
Aarón Jaet y Cecilia Baram
Ing. Miguel Jinich y Consuelo Ripstein de Jinich, In memoriam
Martín Kushner y Miriam Korsenng
Eduardo Lozowsky Teverow
Julio A. Millán Bojalil
Proveedora Mexicana de Monofilamentos, S.A. de C.V.
Maricarmen Uribe Aranzábal
Josefina y Gregorio Walerstein, In memoriam
Vivace
Anónimo (2)
Familia Cantú Ramírez
María Luisa García Lozano, Yolanda Mireya y Luis Carrasco García
Luis Miguel Hernández Ramos
85

Françoise Reynaud
Jesús Ruiz y Cecilia López
Dora Santos Bernard
Antonio Serrano Pueyo
Susana y Bernardo Stockder
Allegro
Anónimo (8)
Dr. Alfredo Adam Adam y Ma. Cristina Dájer
Jalil y Sarita Aspani
Alberto Atala
María Eugenia Basualdo
Fernando Canseco Melchor
CASS Abogados
Desarrollos Inmobiliarios Laguna, S.A. de C.V.
José Antonio Emerich Z.
María Victoria Flores Cruz Rodríguez
Mauricio y Magdalena Fortes
Dr. Gerardo Gamba Ayala
Fausto y Alicia García
Pedro García y Marsá
Familia García Valdés
Melissa Golubov
Hilos Policolor, S.A.
Iván Jaso y Bertha Rendón
José León de la Barra Mangino
Silvia Lemus
Lucía Lestrade
Martha Inés Mariela Marino
María del Consuelo Parra Abaunza y Carlos Enrique García Belina
Sebastián Patiño Jiménez
Dr. Héctor Polanco y Dra. Nohemí Polanco
Sres. Luis y María Elena Rebollar
Alfonso Reynoso Martínez del Campo
Vladimir Rivas
Francisco y María Teresa Sekiguchi
Jorge Manuel Valdez
Psic. Ethel Villanueva
86

Allegretto
Anónimo (2)
Ma. Aurora Armienta
Isabel y José Antonio Carrasco
Marina Ariza
Felipe Castro
Rocío L. Centurión
Eduardo y Mely Cohen
Carlos Cortés Carreño y Regina Millán Álvarez
Fernando de la Barreda
Servando de la Cruz Reyna
Gaby y Roberto
Ana Luisa Izquierdo de la Cueva
Ana Elena Lemus Bravo
Isabel Menocal
Oliverio Moreno
Hermenegildo Pérez
Aldo Pezzotti
Margarita Roel
Luis Urquiza Arribas
Bernardo Velázquez Pallares
Andantino
Anónimo (10)
Juan y Sophie Álvarez
Yomtov y Eugenia Béjar
Martha E. Beltrán Sánchez, In memoriam
Carlos Coronado
Alberto del Río Azuara
Renée y Elias Darwich
José Ramón Fernández Gro.
María Cristina Flores Leal
Gloria Frías
Lic. Francisco Fuentes Hungler
Javier Gaitán Rojas
Manuel Garnica Fierro, In memoriam
Ing. Santos Francisco Garnica Ramones
Olga Hernández de la Fuente
87

Magdy Hierro
José Antonio Ibarra
Jorge Ibarra Baz
Eduardo J. López Morton S.
Carlos López Natarén
Juan José Lozano Pereda
Teresa Morán de Basave
Ricardo Carlos Moyssén
Horacio Perea Reyes
Irene Phillips Olmedo
Carlos Ríos Espinosa
Julieta Robles Castro
Marcela Rodríguez
Leopoldo Rodríguez Olivé
Dra. Liliana Rojas Velázquez
José Luis Salas Lizaur
Felipe Zámano
Andante
Anónimo (4)
Carey, Grisi, Harumi y Pumita
Alberto del Río
Ing. Sergio Fernández Armendáriz
Myrna Gerson, In memoriam
Jesús Grajeda Vivero
Hellel Picciotto
Adagio
Salvador Vázquez Boder
Larghetto
Enrique Escobar Ángeles
Amiguitos de la OFUNAM
Emma y Léa Carlos Delaplace
Mariana Constantino
Matías Rafael González Eguía
Esteban Polanco Saldívar
Ana Sofía y Mariana Polanco Ontiveros
88

ÚNETE Y PARTICIPA CON LOS AMIGOS DE
LA ORQUESTA FILARMÓNICA DE LA UNAM
El Patronato y Sociedad de Amigos de la OFUNAM es una asociación
civil cuyo objetivo es apoyar a nuestra orquesta, a fin de difundir la
música de los grandes compositores, clásicos y contemporáneos, ejecutada
por los mejores y más reconocidos intérpretes.
Nuestra misión es procurar fondos a fin de favorecer a la OFUNAM y sus
integrantes para:
• Acceder a una permanente formación musical a través de cursos de
perfeccionamiento, así como congresos y conferencias que los
enriquezcan profesionalmente;
• Apoyarlos en la adquisición de instrumentos musicales y el necesario
mantenimiento de los mismos;
• Contratar solistas nacionales y extranjeros de renombre internacional;
• Fortalecer sus incentivos laborales;
• Extender su presencia a un público cada vez más amplio.
Te invitamos a formar parte de los Amigos de la OFUNAM y disfrutar
de los múltiples beneficios que como amante de la música te ofrecemos.
Apoya a la orquesta que es motivo de orgullo para la UNAM y
para México.
Comunícate con nosotros: saofunam@unam.mx

Recintos Culturales
José Luis Montaño Maldonado
Coordinador de Recintos
Gabriel Ramírez del Real
Coordinador Técnico
Aída Escobar Pérez
Asistente del Coordinador Técnico
SALA NEZAHUALCÓYOTL
Felipe Céspedes López
Coordinador
Melissa Rico Maldonado
Administradora
Cynthia Jiménez Alaniz
Jefa de Servicios
Pedro Inguanzo González
Jefe de Taller
G. Alejandro Celedón Granados
Iluminación
Julio César Colunga Soria, jefe de taller
Audio
Manuel de Jesús Escobar Sánchez, jefe de taller
Jorge Alberto Galindo Galindo
José Revilla Manterola
Rubén Monroy Macedo
Alejandro Zavala Pérez
Técnicos de Piso
93

Dirección General de Música
José Wolffer
Director General
Valeria Palomino
Coordinadora Ejecutiva
Gabriela Peláez
Subdirectora de Programación
Edith Silva
Subdirectora de Comunicación
Francis Palomares
Subdirectora de Operación
Rodolfo Mena
Jefe de la Unidad Administrativa
Abigail Dader
Gestión de Información
Paola Flores
Redes Sociales
Gildardo González
Logística
María Fernanda Portilla
Vinculación
Rafael Torres
Cuidado Editorial
Olivia Ambriz y Araceli Bretón
Asistentes Ejecutivas
94

Universidad Nacional Autónoma de México
Enrique Luis Graue Wiechers
Rector
Leonardo Lomelí Vanegas
Secretario General
Luis Agustín Álvarez Icaza Longoria
Secretario Administrativo
Patricia Dolores Dávila Aranda
Secretaria de Desarrollo Institucional
Raúl Arcenio Aguilar Tamayo
Secretario de Prevención, Atención y Seguridad Universitaria
Hugo Concha Cantú
Abogado General
Néstor Martínez Cristo
Director General de Comunicación Social
Rosa Beltrán Álvarez
Coordinadora de Difusión Cultural
95

Universidad Nacional Autónoma de México
Dirección General de Música
Orquesta Filarmónica de la UNAM
Programa general Segunda temporada 2023
Se terminó de imprimir en el mes de abril de 2023
en los talleres de Diseño Integral,
Rubén Ángel Gamborino Prieto,
La Quebrada 309, Col. Narvarte Oriente,
C.P. 03020, Ciudad de México.
Su composición se realizó con las familia tipográficas:
Metric: 10.5/14, 12/14, 16/14, 23/21
El tiraje consta de 5000 ejemplares más sobrantes para reposición.

LA MÚSICA BASTA
PARA TODA UNA
VIDA, PERO TODA
LA VIDA NO BASTA
PARA LA MÚSICA.
Rajmáninov