ROCKTOPÍA MX - NÚMERO 11 - ABRIL 2021

Revista no. 11
Abril 2021

ROCKTOPIA ROCKTOPIA ROCKTOPIA ROCKTOPIA
ROCKTOPIA ROCKTOPIA ROCKTOPIA
Criticados y odiados, pero talentosos en igual o mayor
medida, los jóvenes que traemos para ustedes EN PORTADA
de abril, nos referimos a Greta Van Fleet, daremos un
pasaje por la carrera de la banda que ya ha escrito su
nombre con letras doradas en el presente del Rock y lidera
una nueva generación que augura tiempos mejores.
También les compartimos un par de ROCKGRAFÍAS sobre
artistas esenciales: Uno ícono del Grunge, lo recordamos
en su aniversario luctuoso; el otro, un cumpleañero leyenda
del Punk. En ÁLBUMES, retomamos un LP que cumple
aniversario y en su momento encumbró a un cuarteto
legendario que rompió paradigmas al combinar el Metal
con el Rap, mientras levantaba la voz y los puños contra
la injusticia en el mundo. Además, a tono con la celebración
del Día del Niño, nuestra sección para NIÑOS (rockers,
claro), exhibe una GALERÍA DE FOTOS y un artículo
acerca de la relación entre los niños y el Rockcito.
El 30 de abril celebramos a la infancia, chamacos que
irradian luz y reflejan la pureza de la raza humana, al
final, para llegar a ser adultos, es obligatorio pasar por
la niñez, que esta fecha sea un motivo para despertar a
nuestro niño interior y crear un presente y futuros mejores.
Ya lo dijo Black Sabbath en su himno “Children Of The
Grave”: “Revolución en sus mentes, los niños comienzan
a marchar, contra el mundo en el que tienen que vivir y
todo el odio que hay en sus corazones. Están cansados
de ser empujados y les digan qué hacer, lucharán contra
el mundo hasta que ganen y el amor fluya a través”.
Les damos la bienvenida a una nueva edición de Rocktopía
Mx revista digital. Nuestro equipo sigue creciendo, Ana
Trueba Puebla, quien fue nuestra Colaboradora Especial
durante la primera etapa de la revista, ahora está de
regreso como parte de nuestros escritores, con amor y
gratitud la recibimos de vuelta.
Gabriel Lemus Granados
EDITORIAL
DIRECTORIO
Director/Editor:
Gabriel Lemus Granados
@GabrielLemusG
@gabriellemusgranados
Diseñadora/Colaboradora Especial:
Creepy In Wonderland
@creepy_in_wonderland
Escritores:
-Ricardo César
@cesardelrock21
-Fernanda Casillas:
@despeinada_aja_
@despeinada_aja_aja
-Ana Trueba Puebla
@AnaTrueba
@a_traves_de_mis_pupilas
Colaborador Especial:
-Diego López
@DieguitoLopez97
SUMARIO
Layne Staley.............................4
Greta Van Fleet.........................8
Rage Against The Machine.........12
Iggy Pop..................................14
Galería Fotográfica....................18
Mi Escuela Será El Rock.............20
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Foto por Ebet Roberts
ROCKGRAFÍA
Layne
Staley:
“Man in the hole”
Por: Fernánda Casillas
Nombre: Layne Thomas Staley
Fecha de nacimiento: 22/Agosto/1967
Lugar de nacimiento: Kirkland, Washington, Estados Unidos de América
Trayectoria: Alice in Chains (1987 - 2002)/ Mad Season (1994 - 1997) / Class of ‘99
Rol: Cantante / Cantautor / Músico / Compositor / Guitarrista
Influencias: Slayer / Black Sabbath / Iron Maiden
Discografía: “Facelift” (1990) / “Sap” EP (1992) / “Dirt” (1992) / “Jar of flies” (1994)
“Alice in Chains” (1995) / “Above” (1995) / “MTV Unplugged” (1996)
Canciones Esenciales: “River of deceit” / “I don’t know anything” / “Long gone
day” / “Nutshell” / “Man in the box” / “Rooster” / “Would” / “Down in a hole” / “No
excuses” / “Love, hate, love” / “Get born again” / “Brother” / “Frogs”...
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Imagina por un momento escuchar, que otro cinco de abril cumplía con esa fatídica
profecía, la historia se repetía… otro joven, otro músico, otra alma atormentada, sólo
que, en esta ocasión, un “Speedball”; polvo y líquido en la sangre de un cuerpo
en decadencia.
ROCKGRAFÍA
Foto por Frank Micelotta
Pequeño Layne, artístico, tímido, doloroso, talentoso… hijo de una familia “acomodada”,
pero marcado por los constantes pleitos maritales entre sus papás; como si fuera
una cuestión de destino, su padre, consumidor de drogas, alcohólico y ausente,
situación que marcó a Layne, hasta el último de sus días.
A los cinco años, ya cantaba en un pequeño grupo con sus compañeros de colegio,
donde era catalogado como audaz, dotado y muy despierto; pasando dos años,
a la postre, con la dolorosa separación de sus padres y la muerte de su progenitor,
resultó un trauma que llevó consigo todo el tiempo, ya que él deseaba pasar
tiempo a su lado, pero las drogas y algunos vínculos con la mafia, terminaron por
separarlos eternamente.
Cuando Layne comenzaba ya la pubertad, se comportaba de manera un tanto
agresiva, teniendo constantes problemas y peleas, pero también, desarrollando
esa parte artística que siempre estuvo dentro, le apasionaba esa facultad en sus
múltiples disciplinas.
A los 12 años, comenzó en el mundo musical, tocando la batería en algunas bandas
locales de hair metal, pero siempre con la mira a ser vocalista; en esa transición
decidió canjear su batería por un micrófono y un delay, y a pesar de que varias
personas le decían que no sabía cantar, él se aferró a esa pequeña voz interna.
Llegó Jerry Cantrel en el año de 1987 y forman Alice N’ Chainz, que posteriormente
cambia a Alice in Chains.
Comenzaba la historia de una de las cuatro bandas insignias del grunge, debutando
con el álbum “Facelift” en el año 1990, dejándonos canciones como “Man in the
box” y “We die Young” con un éxito rotundo, aunque no inmediato; pasando al
álbum “Dirt” (1992), con una notoria temática hacia la muerte, incluso dedicándole
el tema “Would” a su fallecido amigo Andrew Wood vocalista de la banda
Mother Love Bone.
1994, año que vio nacer al álbum “Jar of flies”, pero también a la progresiva decadencia
de Layne, provocando que la banda decidiera no realizar ningún tour de promoción,
y orillando a Staley a ingresar en una clínica de rehabilitación; en este lapso, el
guitarrista de Pearl Jam y amigo de Staley, Mike McCready, lo buscó para
sumarse como vocalista a su banda llamada The Gacy Bunch, que posteriormente se
llamaría Mad Season, haciendo alusión a al periodo del año en que crecen los
hongos alucinógenos.
Los rumores sobre Layne y su adicción persistente a la heroína eran cada vez más fuertes y notables en
1995, año en el que el grupo decidió reunirse de nuevo y sacar su álbum homónimo, logrando que Staley
contribuyera con sus letras, más que en cualquier otro disco de la banda; pero como era de esperarse,
nuevamente no pudieron realizar una gira promocional debido a los ya muy profundos estragos de Layne
debido a las drogas.
Una de las últimas presentaciones de Layne fue en 1996, con el MTV Unplugged, pero para ese entonces,
Staley sufrió una sobredosis de la cual salió tentativamente victorioso, pero, su pareja en ese entonces,
Demri Lara Parrot, no corrió con la misma suerte, situación que hundió por completo en la depresión al
cantante, dejándolo fuera del ojo público, hasta 1997; regresando a grabar en 1998 dos pistas con la banda,
pero volviendo a recluirse en su departamento ubicado en Seattle, y en donde gente cercana a él, comentaba
que solo jugaba videojuegos, como una manera de evadir su realidad, pero su físico ya era de una persona
consumida totalmente por las drogas, demacrado, sin dentadura y delgado casi hasta los huesos.
El alma ya cansada y lastimada de Staley, trascendió tentativamente un cinco de abril de 2002, dato que no
se sabe a ciencia cierta, ya que fue hasta el 19 de abril de ese mismo año, que encontraron su cuerpo en
avanzado estado de descomposición.
-. El espíritu de Staley se veía constantemente salir de su cuerpo cada que se plantaba en el escenario, su
voz era el eco de un niño atrapado en tan pálida y desvalida masa corpórea; difícilmente su esencia se difuminará
con el tiempo, pues la marca que él dejó, para su género, su arte y su música, no se acerca a cualquier
otra que se haya revelado desde su partida.-
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Greta
EN PORTADA
Van Fleet:
Mucho más que
los herederos de
Led Zeppelin
Por: Diego López Trujillo
Fotos cortesía de Greta Van Fleet
Seguramente el hecho de que numerosas revistas americanas los bautizaran
como “los herederos de Led Zeppelin” mientras acompañaban dicha opinión
de los temas “Safari Song” y “Highway Tune”, los dos mayores éxitos a escala
mundial cuyo sonido, innegablemente, recuerda a los creadores de “Stairway
To Heaven”, fue el desencadenante de todo tipo de opiniones, muchas de ellas
difamatorias bajo la muletilla de “es que son un plagio” o “lo que tocan ya existía
antes”. Pero, escuchando su álbum de debut y los primeros adelantos de su
próxima obra, es más que probable que dichos argumentos caigan por su propio
peso porque, en resumen, Greta Van Fleet es un grupo muy especial y con
una identidad propia.
Nacidos en una localidad de solamente 5.100 habitantes (Frankenmuth, Míchigan),
los gemelos Jake y Josh Kiszka empezaron desde muy jóvenes a aficionarse por
la música de los años 60 y 70, afición a la que poco después se uniría su hermano
pequeño, Sam. La “culpa” de este amor por la música de varias décadas atrás
fue de su padre, quien, además de saber tocar la guitarra, no paraba de poner
vinilos de Rock, Blues, Folk, Jazz o Soul de su infancia y, por otro lado, alejando a
los chicos de cualquier influencia sonora moderna, un factor, seguramente, decisivo
para dar luz a su sonido. Su progenitor los comenzó a llevar a bares de moteros
donde, de vez en cuando, subían al escenario vestidos con trajes de los años 70 para
interpretar versiones de sus artistas preferidos, así como algún que otro corte propio.
Ya con la mayoría de edad alcanzada, deciden fundar un grupo junto a su gran amigo
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EN PORTADA
Fotos cortesía de Greta Van Fleet
Danny Wagner, un batería de su localidad que solía frecuentar
la casa de los Kiszka durante sus audiciones
de música de otros tiempos. El nombre elegido fue
Greta Van Fleet, el cual deriva del nombre de una
vecina de su localidad, Gretna Van Fleet para quien
su padre trabajaba cortando leña. Sus composiciones
comenzaron a fluir con aparente sencillez (¡lo
que hace el talento!) y cuatro de estas conformarían
“BLACK SMOKE RISING” (2017), un EP de debut que
llamó la atención en seguida de todas las emisoras de
radio americanas y que, bajo el mencionado apodo de
“Los herederos de Led Zeppelin” llegarían también a los
oídos europeos. Era el origen de algo grande y así lo
probaban las visualizaciones y escuchas de “Highway Tune” y
“Safari Song”, sus dos mayores hits.
Con el mundo a sus pies decidieron entrar en el estudio
para grabar cuatro canciones adicionales que, junto
a las del primer lanzamiento, darían luz a un doble
Extended Play titulado “FROM THE FIRES” (2017) que
terminó por recibir honores varios como “Disco del
Año” o “Banda Revelación” por parte de numerosos
medios musicales. Aunque no vivieron exentos de
críticas lanzadas por aquellos rockeros que los comparaban
constantemente con Led Zeppelin, Greta Van Fleet
había llegado para quedarse eternamente con nosotros.
“ANTHEM OF THE PEACEFUL ARMY” (2018) fue su primer
“larga duración” y en este mostraron una mayor versatilidad
que comenzó a cerrar bocas a diversos críticos a
través de canciones con un sello más personal como
“Age Of A Man”, “Lover, Leaver”, “You’re The One”,
“When The Courtain Falls” y “The Cold Wind”. Fue tal
el éxito de ventas de este trabajo que las principales
promotoras internacionales hicieron posible la primera
gira mundial del grupo, que derivó en numerosas giras
por Europa y Latinoamérica en las que colocaron el
cartel de “No quedan entradas”.
Con el confinamiento obligatorio por culpa del Covid-19
los americanos decidieron encerrarse en su estudio
para empezar a grabar su próxima obra de estudio,
“THE BATTLE AT GARDEN’S GATE”, la cual verá la luz
muy pronto y que nos hace presagiar un nivel de calidad
altísimo así como una evolución, aún si cabe, más
personal del grupo hacia sus propios horizontes. De
hecho, como ha afirmado Josh en una de las ruedas
de prensa promocionales de esta nueva obra: “En
realidad, este es el sonido que queríamos tener al
principio, pero no llegamos a tener en cuenta que
podría haber sido perfecto para un primer disco
como lo es ahora tras haber logrado que nuestros
seguidores en todo el mundo, a los que hemos ido
conociendo durante nuestras giras, tengan una especie
de relación narrativa con lo que hacemos”
De momento sólo queda esperar un par de semanas
más para tener en nuestras manos este esperadísimo
material. Para hacer más sencilla la espera siempre
podremos escuchar los cuatro adelantos más que
convincentes con los que nos hacemos una idea de
las enormes ambiciones de los cuatro músicos: “My
Way Soon”, la monumental “Age Of Machine”, “Broken
Bells” y “Heat Above”.
El futuro para estos muchachos es muy prometedor y
parece que su historia sólo acaba de comenzar. Así
que toma asiento, unos buenos auriculares y adéntrate
en los idílicos mundos de Greta Van Fleet.
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ÁLBUMES
Calificación: 8/10
Publicación: 16/Abril/1996
Género: Rap Metal
Sello: Epic
Producción: Brendan O’ Brien
País: Estados Unidos de América
Portada: Epic/Mel Ramos
Tracklist:
1.People of the Sun
2.Bulls On Parade
3.Vietnow
4.Revolver
5.Sahakecharmer
6.Tire Me
7.Down Rodeo
8.Without a Face
9.Wind Below
10.Roll Right
11.Year of tha Boomerang
R ag e A ga i n s t
T h e Mac h i n e
Un grito furioso anti sistema
Por: Gabriel Lemus Granados
Una espera de cuatro años para la continuación musical de RATM,
“Imperio del Mal” no decepcionó, debutando en la cima de las listas
de popularidad. Rage promovió el lanzamiento con una actuación
en el programa de tv “Saturday Night Live”, que duplicó su duración
como un símbolo de protesta política.
El capitalismo estadounidense es la cúspide (o el declive) de las
sociedades modernas. La economía basada en los intereses de las
corporaciones, tales como la industria armamentista. La corrupción
de los políticos que siguen ciegamente a su dios dinero, manipulables
por una élite no tan secreta que ofrece cada vez una recompensa
más irresistible a sus mascotas. Así se toman las decisiones que
afectan a la población de las naciones, del mundo entero. En este contexto
estalló el segundo álbum de estudio de Rabia Contra La Máquina.
El material condensa la agresividad lírica y sonora de la agrupación,
a través de su estilo único que mezcla Heavy Metal con Hip Hop.
Musicalmente es brutal, con riffs de bajo y guitarra reventando junto
a la batería y los gritos en la voz. Enojo que reclama las injusticias
de un stablishment político fallido. Con este LP, Brad Wilk (baterista),
Tim Commerford (bajista), Tom Morello (guitarrista) y Zack de
la Rocha (MC), cada uno perfecto en su rol, se consolidaron como
una de las bandas más importantes del mundo en los 90s.
Lo mejor: “People of the Sun”, inspirada en las culturas mexicanas
prehispánicas, denuncia la problemática política-social en México,
causada por el gobierno priista de Carlos Salinas de Gortari, que
derivó en el levantamiento armado del Ejército Zapatista Liberación
Nacional, en Chiapas, 1994. Una despiadada crítica a las prioridades
bélicas del gobierno estadounidense por encima de la educación
y la pobreza corre a cargo de “Bulls On Parade”, furiosa y funk, se
convertiría en uno de los himnos de Rage. “Vietnow” desnuda la
táctica que ha usado (y continúa) el imperio, a través de sus medios
de comunicación oficiales en todo el mundo, para infundir terror
en la población, la propaganda es clara: “El miedo es tu único dios en la
radio”. La violencia doméstica y el machismo, son retratados en “Revolver”,
con una incitación a la rebelión de las mujeres, incluso a la venganza.
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Foto por Peter Hujar
ROCKGRAFÍA
Iggy
Pop:
Un loco que vivió
como quiso
Por: Ricardo César
Nombre: James Newell Osterberg, Jr.
Fecha de nacimiento: 21/abril/1947
Lugar de nacimiento: Ypsilanti, Michigan, Estados Unidos
Trayectoria: The Iguanas / The Prime Movers / The Stooges / Con James
Williamson / Solista
Rol: Cantante / Compositor / Productor / Actor
Influencias: The Doors / Jim Morrison / Blues de Chicago / MC5
Discografía: Con The Iguanas: “Jumpin With” (1964). Con The Stooges: “The
Stooges” (1969), “Fun House” (1970), “Raw Power” (1973), “The Weirdness”
(2007), “Ready to Die” (2013). Con James Williamson: “Kill City” (1977). Como
solista: “The Idiot” (1977), “Lust For Life” (1977), “New Values” (1979), “Soldier”
(1980), “Party” (1981), “Zombie Birdhouse” (1982), “Blah Blah Blah” (1986), “Instinct”
(1988), “Brick by Brick” (1990), “American Caesar” (1993), “Naughty Little
Doggie” (1996), “Avenue B” (1999), “Beat ‘Em Up” (2001), “Skull Ring” (2003), “Préliminaires”
(2009), “Après” (2012), “Post Pop Depression” (2016), “Free” (2019)
Canciones Esenciales: “Search & Destroy” / “Lust for Life” / “I’m Bored” / “The Passenger”
/ “I Wanna Be Your Dog” / “Candy” / “Real Wild Child” / “Nightclubbing” / “Gardenia”
14 15

ROCKGRAFÍA
Para esta edición toca hablar de uno de los personajes más polémicos en la
historia del Rock. Un tipo intenso, con una energía inigualable. Cuando estaba
en el escenario era una bestia de la teatralidad, de la improvisación y del caos.
Algunas veces sus actuaciones se tornaban sangrientas. Con un gran gusto por
andar con el torso desnudo. Por supuesto hoy hablaremos del “Padrino del Punk
Rock” mejor conocido como Iggy Pop.
Hablar de Iggy Pop, es hablar de una leyenda viviente del Rock. Es el estereotipo
del Sexo, Drogas y Rock and Roll materializado en una persona. Siempre desafiando
la vida, arrogante, loco, divertido. Se desnudaba en los escenarios. Lo curioso es
que nació en el seno de una familia de clase media. Parecería imposible imaginar
que le iba magnífico en lo académico. Pero James era una persona convencional,
cuyo sueño era ser presidente de Estados Unidos -y se dice que tenía madera para
serlo-. ¿Entonces qué le sucedió? Su gusto por la música y gozar de un entorno familiar
funcional, que le permitieron hacerse de una batería, le llevaron a vivir la vida que quiso.
Se fue gestando una carrera en la música, creó su primera banda escolar llamada
The Iguanas, de donde deriva su nombre artístico, posteriormente estuvo en
The Prime Movers, dejó la Universidad para ir a explorar la escena del Blues
en Chicago. Vio una presentación de The Doors y en la actitud y proyección del
gran Jim Morrison encontraría la inspiración para convertirse en una estrella
de Rock. Y se hizo un monstro, personificó todo lo contrario a los ideales de la
generación del amor de los sesenta.
La carrera musical de Iggy Pop fue bastante agitada, con diversos grados de éxito.
Yendo de menos a más. La primera etapa viene con The Stooges y los excesos, con
esta banda logró sacar tres álbumes antes de su primera disolución, hoy en día
“Funhouse” (1970) está considerado como uno de los cinco discos más grandes
del Punk, y “Raw Power” (1973) aparece entre los 10 álbumes que dieron forma
al Punk Rock. Sin embargo, en su momento estos álbumes pasaron desapercibidos.
En esta etapa el desorden de sus shows y las drogas fueron protagonistas en la
vida de Iggy, todo se volvió caótico, todo giraban en torno a ellas y hasta salir a
tocar se volvía imposible. En cuanto a lo escénico era innegable su espectáculo
puro, sus improvisaciones iban desde hacer cosas asquerosas como vomitar o
defecar en el escenario hasta aventarse y caminar sobre el público, llegando
incluso a autoflagelarse. Su intención era que todos interactuaran y se sintieran
parte del espectáculo, aunque a veces todo se salía de control.
Encontró en David Bowie la ayuda para convertirse en lo que hoy es. Y es que
mientras se topaba con problemas de dinero, de drogadicción, sin banda, sin contratos, Bowie le tendió la
mano para que mejorara en lo personal y en lo musical. Este dúo se mudó a Berlín para crear música libre de
sustancias nocivas y con mucho arte. Naturalmente si hubo muchas drogas, pero también arte, juntos lograron
una buena sinergia creativa, hacia los ochenta Iggy recibiría regalías por “China Girl” y “Lust for life”, éxitos
que coescribió con Bowie, lo que estabilizó sus finanzas. Además, su colaboración resultó en álbumes como
“The Idiot” y “Lust for life” siendo los más fructíferos en cuanto a ventas y buenas críticas en la carrera de
Iggy Pop hasta entonces. De cualquier forma, siguió sin ser un artista de ventas masivas ni éxito rotundo.
Ya con el aprendizaje y la disciplina laboral aprendida de Bowie, sacó algunos otros álbumes más, mientras las
drogas continuaban siendo un problema para Pop. Es hasta una gira en Japón que conoce a Suchi, la mujer
que lo motivó a rehabilitarse, lo cuidó y logró que se recuperara, emocional y físicamente. En este contexto
lanzó los álbumes “Blah, Blah, Blah” (1986) y “Brick by Brick” (1990), que se posicionaron entre los más exitosos
del cantante. El reconocimiento del artista, negado en las primeras décadas de su carrera, llegó en los noventa
cuando los discos no vendidos de su pasado comenzaron a venderse, a ser utilizados en películas o incluso
en comerciales. Desde entonces Iggy Pop ha tenido algunos papeles en filmes. Sus canciones han aparecido
en 18 bandas sonoras. Fue así como superó constantes cancelaciones de contrato, su espíritu juvenil autodestructivo
y su locura incontenible. Pasando a ser un Iggy que envejeció y ahora hasta es un conservador
asustado por las drogas -probablemente estamos exagerando-, el punto es que se rehabilitó. - ¡Vaya tipo! -.
Es evidente que siempre siguió su narrativa. Lo que Iggy Pop buscaba era divertirse con la música que creaba
y lo logró. Es un sobreviviente. Probablemente nadie en los años setenta habría apostado por una vida
longeva. Parece que aprendió a envejecer en algún punto, mejorando su relación con las drogas y creando
la música que le vino en gana. Se volvió un mejor hombre y músico. No se le reconocerá como el más virtuoso
de los rockeros, su legado será haber establecido los cimientos para la creación de nuevos géneros como
el Punk, el Post-Punk, el New Wave, entre otros, se convirtió en un icono que ha influido a varios músicos
desde el inicio de los años setenta hasta la actualidad. Es innegable la evolución entre el álbum “The Stooges”
(1970) hasta llegar al “Post Pop Depression” (2016) que fue una gran producción junto con Josh Homme
y colaboraciones de Dean Fertita y Matt Helders. Finalmente cabe mencionar que en México tuvimos la
oportunidad de verlo en acción en 2017 ya que fue el encargado de abrir a Metallica, y fue un deleite ver
a un LOCO QUE VIVIÓ COMO QUISO, ya menos enérgico, más tranquilo, pero al fin un loco que seguía
divirtiéndose en el escenario aun después de 51 años desde que inició con The Stooges.
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GALERÍA
FOTOGRÁFICA
Por: Creepy in Wonderland
Skatepark Constituyentes, CDMX
GALERÍA FOTOGRÁFICA/ Niños
Punkytud Fest 2019, Edo. Mex
Vanguards 2019, CDMX
Punkytud Fest 2018, Edo. Mex
Eskorbuto 2018, Ecatepec
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NIÑOS
Mi escuela
será el
Rock
Por: Ana Trueba Puebla
En México, en este mes celebramos a la niñez, y en Rocktopía amamos el Rock,
¿Por qué no combinar ambos temas?
El Rock nació en los cincuentas con el rock and roll, que surgió como una fusión
entre el country y el blues, con el tiempo ha ido tomando cosas de otros géneros
y estilos como el jazz, folk, y hasta la música clásica.
El Rock toca temas tan diversos como la humanidad misma, desde el amor, la
política y hasta los movimientos sociales, como ya lo vimos con Andrea Echeverri
y el movimiento feminista.
20 21

¿Pero en qué puede beneficiar
a los niños escuchar rock?
NIÑOS
Niños más inteligentes
Diversos estudios han establecido que las personas que escuchan rock son más
inteligentes. ¿Por qué? El lenguaje que usa e incluso a la frecuencia de las metáforas,
mejoran su capacidad de retención de información.
Desarrolla la creatividad
Un motivo más es que este tipo de música ayuda a los niños a desarrollar la capacidad
de creatividad e imaginación.
Crear vínculos más fuertes entre padres e hijos
A los que ya son padres y madres o en futuro quieren serlo, el rock puede unirlos aún
más para crear y reforzar sus vínculos afectivos, ¿Quién no disfrutaría poder ir
a ver a su banda favorita con alguno o sus dos padres?, también este apartado
nos recuerdo la historia de una madre que viajó con su hijo invidente a la Ciudad de
México para narrarle el concierto de Iron Maiden. Lo más hermoso que puede
hacer un padre por un hijo o viceversa.
Niños más felices
Esto avalado por nosotros, ja ja, nos ha tocado ver en varias ocasiones a niños
en conciertos de rock que se ven muy felices moviendo las manitas al ritmo de
San Pascualito Rey o Café Tacvba, de hecho, festivales musicales de la talla
del Vive Latino han creado espacios especialmente para los rockeritos. En general,
la música hace felices a los niños y los hace descubrir nuevas sensaciones, recordamos
hace unos años la noticia sobre un niño con autismo llorando de alegría al poder
ver a su banda favorita: Coldplay.
Adentrarse en el mundo de la música
Escuchar rock puede ser el click que falta para que un niño se interese por aprender a
tocar algún instrumento, lo cual ayudará a desarrollar su sentido musical, imaginación,
conciencia emocional y auditiva, el rock puede ser una gran inspiración.
Por otro lado, hablando de rock especializado para niños, existen bandas y grupos
a nivel internacional que componen canciones rock para niños, como DUBBI KIDS.
También hay sellos discográficos que hacen versiones de canciones de rock
para bebés, combinando la música instrumental y el rock.
Ahora les compartimos una mini lista de canciones de rock con las que se pueden
adentrar a los bebés y niños a este maravilloso mundo.
1.“WE WILL ROCK YOU” (1977)- Queen
Sonido y letra digerible, muy pegajosa, es una buena
opción para empezar a meterlos en este mundo,
además de que ayudará a su percusión corporal.
2.“FRIDAY I´M IN LOVE” (1987) - The Cure
Ritmo pegajoso, con mensaje optimista y ayudará a
los niños a aprender los días de la semana en inglés.
3.“THE PASSENGER” (1987) - Iggy Pop
Un clásico que hará que los más pequeños muevan el
esqueleto al ritmo de Iggy y el riff de guitarra pegadizo.
4.“NOTHING ELSE MATTERS” (1991) - Metallica
Puede servir como una canción relajante para los niños,
incluso como una canción de cuna, -Sí, un poco fuera
de lo normal a lo que se estaría acostumbrado, pero vamos,
son esos los momentos que hacen especial la vida, ¿No?-
5.“SHOULD I STAY OR SHOULD I GO” (1982) - The Clash
Cerramos con este otro clásico que además se ha hecho
tan mainstream por su uso en diferentes comerciales
que no será difícil de reconocer a la primera, con ese sonido
tan pegajoso y ochentero que caracterizaba a The Clash.
Bonus track – “Another Brick In the Wall”(1979) – Pink Floyd
No podía faltar puesto que es y será por siempre un
clásico, con un coro inolvidable, que nos hace recordar
nuestra niñez, una obra de arte musical con un mensaje
fuerte detrás tanto en la canción como el video.
Festejamos, felicitamos y celebramos a nuestros niños que no son el futuro, sino el presente de nuestro mundo,
hagámoslos felices para que crezcan siendo mejores y más conscientes en este mundo.
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