Música Clásica 3.0 Nº3

MÚSICA CLÁSICA 3.0
UNA PUBLICACIÓN MENSUAL DE MCBA
MUJERES EN
LA MÚSICA
PIAZZOLLA :
LOS AÑOS
DEL TIBURÓN
FABIÁN
VELOZ
SOMOS JULIETA,
Y TAMBIÉN ROMEO
#CONVOCATORIAS #VIDEOS
#AGENDA #RESEÑAS #NOTICIAS
#3
MARZO 2019

SUMARIO
3.
EDITORIAL
04
FABIÁN
VELOZ
14.
18.
24.
26.
CLARA WIECK SCHUMANN
MUJERES MÚSICAS
ASTOR PIAZZOLLA
98° ANIVERSARIO
28.
LOS BEATLES Y
LA MÚSICA CLÁSICA
10
SOMOS JULIETA, Y
TAMBIÉN ROMEO
33.
36.
38.
CONVOCATORIAS
FESTIVAL BARENBOIM
AGENDA: MARZO 2019
STAFF MCBA
DIRECTORES PROPIETARIOS MCBA
Gabriela Levite | Maximiliano Luna
DIRECTORA EDITORIAL
Gabriela Levite
DISEÑO EDITORIAL
María Luz Guillén | guillen.marialuz@gmail.com
ESCRIBEN EN ESTA EDICIÓN
Virginia Chacon Dorr
Pablo Lucioni
Natalia Cardillo
Iván Gordin
Carolina Aliberti
DISEÑO IMAGEN DE TAPA
María Luz Guillén
AGENDA
Carlos Romero
agenda.musicaclasicaba@gmail.com
COMUNICACIÓN INSTITUCIONAL
Alicia Gubitsch
prensa.aliciagubitsch@gmail.com
SUSCRIPCIONES
musicaclasicaba@gmail.com
CONTACTO COMERCIAL
musicaclasicaba@gmail.com
(+54 11) 4733 9048
MARZO 2019 | EDICIÓN N°3 - AÑO 0
Revista digital
Registro DNA en trámite

EDITORIAL
Este número de Música Clásica 3.0 queremos dedicarlo
especialmente a las mujeres. El 8 de marzo se
conmemora el Día Internacional de la Mujer y su lucha
frente a las desigualdades en relación a los derechos
laborales, profesionales y personales. La discriminación
y subestimación históricas de las capacidades de las
mujeres no fueron -ni son- ajenas al campo de la música.
En la Edad Media sólo los hombres podían dedicarse
a la interpretación y, sobre todo, a la composición. De
a poco, las cualidades tímbricas de la voz femenina
hicieron indispensable su incorporación en los motetes
y madrigales renacentistas y posteriormente en la
ópera barroca. Siempre fue “bien visto” que las damas
honorables complementaran sus conocimientos de
bordado, cocina y demás, con estudios de canto, piano,
arpa o violín. Sin embargo, su participación en orquestas
y sobre todo la dirección y composición -que por
mucho tiempo siguió siendo considerada una actividad
exclusivamente masculina- requirió de un arduo camino. Muchas veces geniales creadoras tuvieron que
optar entre seguir su vocación o permanecer a la sombra de su marido.
Aún hoy, hay más hombres que mujeres en las orquestas más importantes, las directoras se cuentan con
los dedos de las manos y nada tiene que ver con sus aptitudes para la música. Así lo muestra la nota
“Somos Julieta, y también Romeo” de Virginia Chacon Dorr, una propuesta de reflexión sobre el género
(y los géneros); el artículo sobre Clara Wieck, más conocida como Clara Schumann, de Carolina Aliberti; y
los comentarios sobre la situación actual realizados por destacadas artistas argentinas.
En este tercer número también encontrarán entrevistas a Fabián Veloz y Daniel Rosenfeld. Además, una
nota sobre la relación entre los Beatles y la Música Clásica y mucha información de agenda y convocatorias.
Gabriela Levite y Maximiliano Luna.
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ENTREVISTA A FABIÁN VELOZ ///
UN GRAN RIGOLETTO
PARA EL INICIO
DE TEMPORADA
DEL COLÓN
Por Pablo Lucioni
Para la apertura de la temporada 2019, el
Teatro Colón eligió programar Rigoletto, el
clásico verdiano sobre el cínico bufón jorobado
que es víctima de la maldición que
desatan contra él sus burlas.
La producción contará con dirección musical
del italiano Maurizio Benini y musical
del brasileño Jorge Takla. Fabián Veloz, uno
de nuestros cantantes más sólidos, con un
excelente presente a nivel local e internacional,
y un futuro aún más promisorio, es el
barítono que encarnará al personaje surgido
originalmente de la pluma de Víctor Hugo, e
inmortalizado por Giuseppe Verdi.
Con la partitura de Rigoletto de por medio, nos
reunimos con él luego de un ensayo para conversar
sobre este tema y otros.
Te toca uno de los más importantes títulos
verdianos, y además con este agregado
de ser comienzo de temporada. ¿Qué
representa para vos esta producción?
Es una responsabilidad muy grande, primero
porque llevás el peso de la obra sobre tus
hombros, aunque en este caso podríamos
decir sobre la joroba. Es el barítono el que articula
todo el desarrollo en esta ópera.
Estoy muy agradecido al Teatro Colón por
haber confiado en mí para ser el protagonista
de la producción. Es un rol que ya he cantado
varias veces, y uno de los que más me gusta
cantar. No porque me sienta identificado
con la historia, pero reconozco que me queda
bien, que lo puedo hacer holgadamente y
que doy siempre todo lo que tengo a mi alcance
para lograr que el público pueda apreciar
lo que Rigoletto vive y siente.
El público de Buenos Aires ya tuvo oportunidad
de verte cantar al bufón en varias
ocasiones, siendo las más representativas
la última producción que hizo BAL
de la ópera en el 2012, el concierto lírico
que se hizo en el CCK en 2015 y que te
valió una ovación tras el “Cortigiani” de
esta ópera… También lo has interpretado
varias veces en el exterior. ¿Dónde te
sentís más cómodo cantándolo?
Sin duda en el Teatro Colón, porque como uno
es de acá y ya le ha perdido el miedo, entre comillas,
a la sala. Esta semana me tocó, aparte
de ensayar, hacer de guía turístico para el resto
del elenco. Uno ve la sensación de los demás,
4 | Revista Música Clásica 3.0 | Marzo 2019 | musicaclasicaba.com.ar

Otello
Teatro Argentino
de La Plata (2015)

ENTREVISTA A FABIÁN VELOZ ///
“Es un gran trabajo, a
través del tiempo, pulir
y refinar aquello que
creíamos que hacíamos
bien desde siempre”
cuando llegan a la sala, es una gran exclamación:
“¡Dios mío, esto es inmenso!”. Yo lo
primero que les digo es que, en vez de asustarse,
primero prueben de emitir, y noten
cómo corre la voz… El otro día, que no había
visita guiada, estábamos con la soprano, ella
cantó un pedacito y me dijo: “Es fantástico, la
acústica que tiene es ideal”.
Para nosotros, los formados acá, y para mí
sin duda, el mejor lugar para cantar es el Teatro
Colón de Buenos Aires. He tenido la suerte
de recorrer varios escenarios en Europa, y
ahora vengo de China de dar mi primer paso
en la Ópera Nacional en Beijing, donde volveré
en el 2020 a hacer Rigoletto también,
así que estoy muy contento.
Es claro igual que cada teatro tiene su historia
y su mística, entrar en el San Carlos de
Nápoles, un teatro del estilo del Colón, más
chico, pero con la misma estructura, donde
Verdi ha estrenado óperas…Cuando uno
canta ahí se siente algo especial. También,
por ejemplo, fui a hacer Tosca a la Ópera de
Roma el 14 de enero, el día que Puccini la estrenó.
Todas estas experiencias se disfrutan
intensamente, pero por distintas cosas.
Varias veces has sido definido como barítono
verdiano. ¿Qué significaría exactamente
esto para vos?
Sí, esto de ser visto como verdiano se entiende
que es porque la voz de uno se adapta perfectamente
a los roles y estos roles se adaptan a
tu voz, como algo recíproco. Particularmente
en Verdi, para estos personajes potentes, uno
debe tener el slancio, esta palabra italiana difícil
de traducir, y que las óperas verdianas
piden, haciéndolo a veces poco alcanzable,
porque las orquestas suenan, te enciman y
la autoridad de tu voz sólo es tal cuando te
imponés con holgura e intensidad a la línea
orquestal. En este caso tenemos un buen director,
como el maestro Maurizio Benini, que
acompaña maravillosamente. Ya tuvimos el segundo
ensayo con orquesta, y me siento súper
cómodo, es un preparador musical que acompaña
y que canta con uno, en el buen sentido,
estando al servicio de la voz.
Como cantante hay que tener esa condición,
que en mi caso no sé si es innata o en qué
medida vino con el estudio y la preparación
de repertorio, pero me siento muy cómodo
cantando Verdi. No me toca a mí decir cuán
bien lo hago, pero lo que sé es que me desenvuelvo
de manera natural y amplia en estos
roles y que entonces hay lugar para la
interpretación y la búsqueda del detalle porque
uno no está exigido para llegar con el
canto a lo que dice la partitura.
¿También el legato y el fraseo que se asocian
tanto a la italianidad?
Exacto, pero también a nosotros nos pasa
que aun siendo extranjeros, nos sentimos
muy cercanos a la lengua italiana, y creemos
que tenemos la dicción y el fraseo muy a la
mano, entonces pensamos que con nuestro
espíritu latino y pronunciando las consonantes
marcadas vamos a lograr ser naturales.
Eso es un gran trabajo a través del tiempo, a
veces de pulir y refinar aquello que creíamos
que hacíamos bien desde siempre.
Además de todo esto que hablamos en relación
a Verdi, que sigue siendo aquel autor en
que mejor siento que me desenvuelvo, del
repertorio italiano, en los últimos tiempos
también incursioné en el verismo, estuve
cantando más Puccini, que era un compositor
al cual no había llegado tanto…
Según entiendo esta producción es una
puesta que tiene algo de tradicional,
pero también es novedosa. ¿Cómo viene
siendo el trabajo en relación a lo escénico?
Es un trabajo, como en toda ópera, donde primero
hay que conocer el espacio en el que
nos vamos a encontrar, cuál es la dinámica
que quiere el regisseur, qué es lo que busca
destacar de este Rigoletto, para luego componer
nuestros movimientos escénicos. Más allá
6 | Revista Música Clásica 3.0 | Marzo 2019 | musicaclasicaba.com.ar

de entrar por aquí y salir por allá, el tema es
cómo se construye internamente el personaje.
También nosotros aportamos parte de nuestra
experiencia y una cosa que quedó muy clara
desde el día uno, es que no hay que hacer un
Rigoletto estereotipado, más allá de que sí es
un Rigoletto jorobado. El último que hice
en Chile tenía la joroba, pero el director
escénico insistía que el bufón la
disimulaba y entonces todo el tiempo
había que ocultarla, lo cual era
muy difícil, porque uno está acostumbrado
a renguear y a tener la
espalda deformada.
Para la producción del Colón será el
típico “gobbo”, pero visto desde la
modernidad, no desde el punto
de vista histórico. Dentro de eso,
y con un desplazamiento temporal,
la construcción actoral es de
impronta tradicional, pero con
movimientos modernos.
Yo siempre digo que uno intenta
interpretar sin que el personaje se meta
adentro de uno, pero claramente todos los
cantantes líricos somos un poco bufones,
¿no? A nosotros nos pagan por ir a un lugar
e interpretar personajes, que sean dramáticos
o cómicos, son para el entretenimiento del
público. Y en esa impostura, en ese trabajo
de ser otro, a veces hay un límite
muy fino entre las cosas que
le pasan a Rigoletto y alguna
de las realidades
propias; hay cosas
que en algún punto
te rozan de
alguna manera
más personal,
y hay que
darle toda
Creo que va a ser interesante,
una buena producción, apoyada
mucho por el director de orquesta,
con quien hicimos un trabajo
arduo en pulir viejos vicios que uno
va teniendo y adquirió al hacerlo, y
que a él directamente no le gustan. Él
propuso una versión consistente, un
planteo integral musical, donde tendencias
interpretativas y subjetividades
no existen para mí ni para nadie,
entonces mantenemos toda una
línea de lectura según su versión,
que me parece perfecta y con la
cual estoy totalmente de acuerdo.
Antes decías que si bien uno
no es jorobado ni tiene el drama
de Rigoletto detrás, igual
es un personaje que por muchas
facetas humanas puede
resonarnos mucho, la cuestión
de lo paternal que está
tan presente, el tema de
esta situación de estar condenado
a reír y nunca poder
llorar… ¿Cómo te toca a vos
desde la perspectiva humana
el drama del bufón?
Rigoletto
Teatro Municipal
de Santiago de Chile
(2017)
musicaclasicaba.com.ar | Marzo 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 7

ENTREVISTA A FABIÁN VELOZ ///
Hace click
Teatro Comunale di Modena- Noviembre 2014
“Siempre digo que uno
intenta interpretar sin
que el personaje se meta
adentro de uno, pero
claramente todos los
cantantes líricos somos un
poco bufones, ¿no?”.
la emoción que el personaje merece sin que
nos sobrepase como personas, sin que se
meta la vida misma en escena.
¿La historia de Víctor Hugo y el argumento,
para vos siguen siendo actuales?
El argumento pone en juego muchas cosas,
que tal vez nos es difícil pensarlas en términos
exactos hoy en día. Si bien parece imposible
que un padre hoy mantenga una hija encerrada
sin contacto con el mundo exterior y tal vez
no exista un Duque que entre a su casa en el
medio de una orgía y diga: “Bueno ésta no me
gusta, esta puede ser…”. Aunque no se dé exactamente
en el formato que vemos, la temática
seguramente sigue existiendo en el mundo
actual. No es tan raro que haya una persona
poderosa que tiene un secuaz con el cual se
burla de aquellos que pisotea y que no le importa
el daño que haga con tal de satisfacer
sus deseos, probablemente en otro formato al
de la ópera, pero con idéntica carga.
Habiéndolo cantado ya tantas veces y
siendo emblemático para vos, ¿puede en
alguna instancia automatizarse y perder
espontaneidad?
Las circunstancias, la producción, el elenco,
siempre son distintos y uno siempre busca
un color distinto, una aproximación diferente.
Hay muchas razones que evitan la automatización.
Yo he cantado Rigoletto antes y
después de ser padre, y puedo asegurar que
no tiene nada que ver. Tu dimensión de las
cosas cambia de manera notable. Aunque
yo no tenga los problemas del bufón y mi hija
esté perfecta, algo de tu condición vital, resuena
diferente con la problemática que se
da en escena cuando viviste la paternidad
en primera persona…
Ahora hacía dos años que no cantaba Rigoletto,
con lo cual me vino muy bien,
porque al retomarlo hay cosas que surgen
8 | Revista Música Clásica 3.0 | Marzo 2019 | musicaclasicaba.com.ar

distintas, que tienen otro color y que van
saliendo de acuerdo a que ese rol descansó
y tuvo una decantación.
Tuve un período muy Rigoletto en una época,
primero en Estados Unidos, después pegadito
empezó lo de Italia, fue todo con mucha
continuidad. Estas cosas pasan, como
con Traviata y Tosca, que las hice durante
todo el año pasado, por ejemplo.
A veces se da que el primer título de la
temporada puede trabajarse con más detenimiento
por no haber otros compromisos
del Teatro y a veces se da que es más
a las corridas. ¿Cómo viene siendo este?
Estamos trabajando bien, desde mediados
de febrero, primero el elenco, después los
solistas, hemos tenido muchos ensayos musicales,
con la orquesta, ahora nos empezamos
a juntar e iremos al escenario…
Hubo un período para introducirnos en la
idea del regisseur…Creo que va a ser un
espectáculo muy logrado. En este caso hemos
tenido tiempo y se agradece, porque
en otras producciones no lo hay. Desafortunadamente
hay muchas que se hacen a las
corridas, es una tendencia actual, y en ese
sentido yo soy un poco de la vieja guardia, y
me gusta empezar progresivamente, ensayar
a conciencia, madurar la idea...
Por ejemplo, fui a la Ópera de Roma a hacer
Tosca, había cantado en enero y en febrero.
Después, cuando vuelvo en diciembre, sólo
tuvimos un ensayo con video para recordar
los movimientos, luego un ensayo general
con orquesta, y día por medio la función,
con lo cual, habiendo cambiado el director
y el tenor, la primera función terminó siendo
un descubrimiento para todos, porque no
hay un feeling anterior con el resto de los
artistas. Como en toda actividad con humanos,
hay veces que uno tiene un muy buen
vínculo con sus compañeros, y otras veces
que no. Cuando se trabaja así, uno termina
saliendo al escenario con extraños, en definitiva.
No estamos discutiendo si sabés el
rol, eso está clarísimo que es necesario y evidentemente
se aprecia la profesionalidad de
uno pudiendo preparar las cosas en un tiempo
corto. Pero así no llega a haber una adaptación
y no solamente hablo del personaje,
también del lugar, uno cambia de clima, de
estación, tenés más presente una producción
de otra ópera que estuviste haciendo
la quincena pasada y se supone que rindas
en la de mañana como si la hubieras estado
trabajando por semanas… Todas estas cuestiones
afectan y la lírica actual es cada vez
más express, más vertiginosa.
¿Cómo ves la evolución de tu carrera, en
cuanto a roles, dónde te gustaría trabajar,
que todavía hasta el momento no se
haya dado?
Tengo claro que me gustaría llegar a los cinco
más grandes teatros mundiales, en los
cuales no he tenido oportunidad de estar
todavía. Hace unos días me llegó una confirmación,
tengo un debut en Chicago en el
2022, por lo cual estoy muy contento. A mí
me siguen sorprendiendo esas cosas, que
me llamen para un compromiso dentro de
tres años y yo no sé ni lo que voy a hacer
la semana próxima. Pero es fantástico que
uno se pueda ir planteando objetivos a futuro
y te da una cierta alegría porque es una
confirmación de que estás haciendo más
o menos bien las cosas y que tu trabajo es
apreciado. Es muy reconfortante.
Yo creo que mi carrera sin duda va a evolucionar
para terminar de completar los roles
verdianos que me faltan, Simón Boccanegra
por ejemplo es un personaje que me encantaría
hacer. Seguro voy a seguir haciendo de
padre, de bufón, y me imagino en un tiempo
dedicándome también a los bufos, me
llaman mucho la atención Falstaff y Gianni
Schicchi, pero si bien puedo cantarlos, me
gustaría tenerlos suficientemente maduros
para llevarlos al escenario con confianza.
FICHA DE LA OBRA
Teatro Colón
Marzo 12, 13, 15, 16, 17, 19, 20 y 22
Director Musical: Maurizio Benini
Director de Escena: Jorge Takla
https://teatrocolon.org.ar/es/2019/
opera/rigoletto
musicaclasicaba.com.ar | Marzo 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 9

Delia
Reinhardt
caracterizada como
Cherubino

Somos Julieta, y
también Romeo
Por Virginia Chacon Dorr
Una vez un profesor me confió que se sentía muy
afortunado por haberse desarrollado como profesional
en la música, un ambiente que estimaba
“particular” por la igualdad que imperaba entre
el hombre y la mujer. Me acordé de él cuando
consulté en la base de datos del Centro de Documentación
del Teatro Colón cuántas directoras se
pararon frente a grandes orquestas en nuestro primer
coliseo. Me hubiese gustado saber sus consideraciones
ante del hecho de que me sobraron
los dedos de una mano para contarlas.
El trabajo de las intérpretes en la música tiene,
quizás, más visibilidad que el de otras especialidades.
Pero este protagonismo también fue
fruto de una prolongada lucha de las trabajadoras
del arte, que fueron tomando sus posiciones
tanto sobre el escenario como detrás.
Estos avances fueron concretados de distintas
maneras, una de ellas fue motivada por la imposibilidad
de los hombres de seguir cumpliendo
ciertos roles. Claro, cuando no podíamos entrar
por la puerta, entrábamos por la ventana.
Un claro ejemplo de esta manera de tomar posiciones
es el fenómeno del “papel en calzones”
en la ópera: cuando ya no era una posibilidad
emplear (ni mutilar) a los castrati, las mujeres tomaron
el protagonismo en los roles vacantes. Es
así que, junto al declive de los famosos “travestis
vocales” (definición de Pola Suárez Urtubey), las
mujeres tuvieron acceso a historias distintas que
las de la heroína que muere inexorablemente o
la dama que debe ser rescatada. Los compositores
más reconocidos de la historia de la música
hasta la actualidad aprovecharon esta nueva
posibilidad de emplear la voz femenina en sus
obras, entre ellos encontramos a Rossini, Wagner,
Strauss, Offenbach, Gluck, Mozart, Massenet,
Donizetti, Bellini, Berlioz, Berg, Adès, Furrer.
Desde los espacios de gestión, como desde los
técnicos y los de creación, las mujeres avanzaron
en las conquistas, que aunque son numerosas,
claramente quedan muchas más. En este
artículo, como una propuesta de reflexión sobre
el género (y los géneros), se repasa la historia
de grandes divas que se pusieron en la piel
de Orfeo y Cherubino en el Teatro Colón; para
luego cerrar con una propuesta más contemporánea
de la mano de Buenos Aires Lírica: el
Romeo de Montescos y Capuletos.
ORFEO Y EURIDICE - CHRISTOPH
WILLIBALD GLUCK
COMPAÑÍA LÍRICA ITALIANA
EN EL TEATRO COLÓN - 1924
El mito de Orfeo y Eurídice tiene una importancia
inigualable dentro de la historia de la ópera, no
sólo por haber sido visitado por los más grandes
operistas, sino por inspirar la primera ópera que
sobrevivió a la historia: Eurídice, de Jacopo Peri,
datada en el 1600. Gluck, gran reformista del género,
no fue la excepción. Lejos de todo adorno,
el compositor se inclinó hacia una “simplicidad
bella”, en la que el drama predomina sobre todos
los elementos de la obra. Este programa estético
se refleja en su Orfeo y Euridice, estrenada en Viena
en 1762, obra que fue revisada posteriormente
por el mismo Gluck y por Hector Berlioz. Éste
último fue quien trabajó en una versión francesa
de la obra para la voz de Pauline Viardot (mezzosoprano,
compositora y pedagoga). En todas sus
versiones y arreglos, Orfeo pasó por las voces de
contralto castrato, tenor, barítono y mezzosoprano.
La complejidad de la obra reside en la sutileza
que demanda. Los coloridos virtuosismos son
apartados para dar paso a líneas melódicas diáfanas
y armonías sencillas. Estas decisiones ponen
en eje el drama atemporal de los enamorados,
en el que el héroe debe transitar el infierno
para recuperar a su Euridice. El Teatro Colón fue
el escenario del estreno nacional de esta ópera
en 1924, y el público conoció al héroe de la
lira en la voz de la gran mezzosoprano/contralto
romana Gabriella Besanzoni. La categorización
de su voz es disputada por las dos cuerdas, la
musicaclasicaba.com.ar | Marzo 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 11

SOMOS JULIETA, Y TAMBIÉN ROMEO ///
posibilidad de escucharla hoy en grabaciones
a través de internet nos aclara el panorama: su
voz es amplia, dúctil, profunda y llena de graves.
Sobre su figura, el tenor italiano Giacomo
Lauri-Volpi sentenció: “Es la última voz de mezzosoprano
contralto que haya tenido Italia”.
Su primera presentación fue en 1918 con la
Gran compañía lírica italiana, que por ese entonces
tenía la concesión del Teatro Colón. En ese
año protagonizó: Samson et Dalila (Dalila), Carmen
(Carmen), Mignon (Mignon), Aida (Amneris),
Norma (Bellini), Jacquerie (Glorianda). Hasta
1935 fueron múltiples sus visitas al Colón, así
como a otras importantes casas de ópera.
Este papel (en calzones) fue llevado por Besanzoni
a los escenarios de Italia: entre 1932 y
1933 se presentó en el Teatro di Roma, con la
contralto mexicana Fanny Anitúa como partenaire.
De los registros de esta institución es la
fotografía que nos muestra a Besanzoni caracterizada
como Orfeo (¿No es extraordinario ver
al héroe con las uñas de los pies pintadas?).
LAS BODAS DE FÍGARO - WOLFGANG
AMADEUS MOZART
TEATRO COLÓN -1928/1931
El Teatro Colón subió esta ópera cómica a
su escenario cuando ya constituía una de las
obras favoritas del genio mozartiano, iniciando
una costumbre de presentaciones regulares
para el público local. El reparto que subió al
escenario para su primera representación local,
el 29 de junio de 1928, fue constituido por:
Emil Schipper (Conde), Berta Kiurina (Condesa),
Alexander Kipnis (Fígaro), Adele Kern
(Susanna) y Elly Krasser (Cherubino).
Cherubino, o Querubín, es un rol en calzones
desde su origen. En 1786 fue el estreno
de la ópera bajo la dirección de Mozart, en
el Teatro de la Corte de Viena. La primera interpretación
de este joven paje enamoradizo
la realizó la soprano austríaca Dorotea Bussani,
quien compartió escenario con Stefano
Mandini (Conde), Sofia Laschi (Condesa),
Francesco Benucci (Figaro), Nancy Storace
(Susanna), Dorotea Bussani (Cherubino) y
John O’Kelly (Don Basilio).
En esta comedia de enredos románticos y celos,
el joven Cherubino nos trae una muestra
del humor exquisito de Mozart: troca al género
del personaje con el del intérprete, y traviste
al travesti. Así, la intérprete vuelve a visitarse
como mujer a través del cristal de un hombre,
cuando Susanna disfraza a Cherubino de
dama para despistar al Conde.
Si bien Krasser fue la primera en interpretar
al paje, quizás la visita más interesante que
tomó este rol en calzones en los años tempranos
del Teatro fue la soprano alemana Delia
Reinhardt en 1931. Para ese entonces, ella ya
tenía experiencia en encarnar roles masculinos
de óperas cómicas: en sus presentaciones
en el Covent Garden (entre 1924 y 1929)
interpretó a Octavio, el joven Conde de Rofrano
protagonista de El caballero de la rosa
(Richard Strauss). En su visita a la Argentina,
Reinhardt interpretó en el mismo año dos ro-
Archivo histórico
de la Ópera de Roma.
Gabriella Besanzoni
como Orfeo, 1932/33
PH.
Liliana Morsia.
Rocío Giordano y
Cecilia Patawski
Buenos Aires Lírica
en el Teatro Avenida, 2016.
12 | Revista Música Clásica 3.0 | Marzo 2019 | musicaclasicaba.com.ar

les dentro de la tetralogía wagneriana de El
anillo del Nibelungo: Fricka en El oro del Rin y
Sieglinde en La valquiria. Con este último rol
debutó en 1922-23 en el Metropolitan Opera
House de Nueva York.
Hubiese sido interesante observar las posturas
y el despliegue vocal de Reinhardt, sobre
todo ante el porte de la cantante caracterizada
en la foto.
CAPULETOS Y MONTESCOS - VINCENZO
BELLINI | BUENOS AIRES LÍRICA
EN EL TEATRO AVENIDA - 2016
En este punto se bifurcan las fuentes y los
tiempos, para remitirme a una puesta contemporánea
de la ópera de Bellini que se centra
en la historia de amor más famosa de todos
los tiempos: Romeo y Julieta. Las fuentes que
usó el libretista se remontan a las originales
italianas del siglo XVI, siendo muy poco probable
que tanto él como el compositor conocieran
la versión de William Shakespeare.
Esta obra, como el Cherubino de Las bodas
de Fígaro, tiene a Romeo como un papel en
calzones original; de hecho el papel fue escrito
por Bellini (bastión del bel canto) para la
mezzosoprano italiana Giuditta Grisi. Capuletos
y Montescos fue estrenada en 1830, con
Rosalbina Caradori-Allan como Julieta. Dos
años después, la gran soprano francesa María
Malibrán interpretó a Romeo, con la condición
de que se cambie el final de la obra.
Por supuesto, La Malibrán consiguió que se
cumplieran sus exigencias.
Esta obra fue representada una sola vez en el
Teatro Colón, en el año 1971, y Romeo fue encarnado
por el tenor Renzo Castellato. Pero la
puesta que nos importa es otra: la de Buenos
Aires Lírica en 2016. Esta es la única representación
de las que refiero en este artículo
en la que, por obvios motivos temporales, estuve
presente. En mi memoria quedó impresa
la actitud de la mezzosoprano argentina Cecilia
Patawski, como un Romeo a medio camino
entre un valentón y un rockstar, que supo
administrar magistralmente el drama con una
robusta actuación vocal. Con puesta de Marcelo
Perusso, completaron el elenco Rocío
Giordano (Giulietta), Santiago Ballerini (Tebaldo),
Walter Schwarz (Capelio) Y Sebastián
Angulegui (Lorenzo).
Si bien los papeles en calzones están orientados
hacia jovencitos confusos, con cierto
grado de pureza e inexperiencia, la decisión
de mostrar este Romeo con toda la virilidad
que le era posible para su edad fue, sin duda,
un acierto. No me cabe duda que Patawski,
con su lenguaje corporal y caracterización,
hubiese hecho suspirar a muchas mujeres
convencidas de su heterosexualidad.
*Agradezco especialmente al Centro de Documentación Teatro Colón que me permitió usar su base de datos para
desarrollar el presente texto, y a Luxx Marina, militante feminista y periodista, por su colaboración.
musicaclasicaba.com.ar | Marzo 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 13

CLARA SCHUMANN Y SU GENIO MUSICAL ///
EL ANIMAL
ENJAULADO
CLARA SCHUMANN
Y SU GENIO MUSICAL
Retrato de
Clara Schumann
por Cäcilie Brandt
(1838)

UNA MEZCLA DE IMPOTENCIA Y SABOR AMARGO SE SIENTEN
AL LEER LA FRASE DE CLARA SCHUMANN “ALGUNA VEZ
CREÍ QUE TENÍA TALENTO CREATIVO, PERO HE RENUNCIADO
A ESTA IDEA; UNA MUJER NO DEBE DESEAR COMPONER.
NINGUNA HA SIDO CAPAZ DE HACERLO, ASÍ QUE ¿POR QUÉ
PODRÍA ESPERARLO YO?.” COMO ESTA, SE PUEDEN LEER
MUCHÍSIMAS OTRAS EXPRESIONES FRUSTRANTES EN LOS
DIARIOS DE ESTA EXCELSA PIANISTA Y COMPOSITORA,
DONDE SU CONDICIÓN DE MUJER ERA UN IMPEDIMENTO
PARA DESPLEGAR SU DESCOMUNAL TALENTO. ES QUE, COMO
TODOS SABEMOS, LA MUJER TENÍA UN ROL SECUNDARIO EN
LA MÚSICA TANTO COMO EN LA VIDA.
Por Carolina Aliberti
Clara Schumann es conocida, fundamentalmente,
como una de las primeras grandes
figuras femeninas de la interpretación
pianística. Como la niña prodigio, como
la intérprete virtuosa. Otros la reconocen
como “la esposa de Robert Schumann”.
Pero Clara Wieck fue además (y sobre
todo) una gran compositora. Su carrera
creativa fue corta, compuso alrededor de
67 obras para piano solo, canciones para
voz y piano, música de cámara, orquesta
y música coral a capella. Su talento en la
composición nunca llegó a desplegarse
en su máxima expresión debido a los interminables
obstáculos (la muerte prematura
de cuatro de sus ocho hijos, la delicada
salud mental de su esposo) que tuvo que
sortear; siempre luchando, siempre en pie.
Fue Clara quien llevó adelante la obra de
su marido que, tras un accidente doméstico,
se lesionó gravemente una mano, impidiéndole
seguir adelante con su carrera de
concertista. Fue ella la que llevó adelante la
edición de sus partituras, la que tocaba en
público sus composiciones, siempre recibiendo
los más altos honores, la que -en los
momentos más desesperantes- hizo giras
interminables por todo el continente europeo
para expandir la música de su marido y
para mantener a su familia.
Considerada por el público europeo al nivel
de Franz Liszt o Sigismund Thalberg, y
admirada por personalidades como Goethe,
Félix Mendelssohn, Frederic Chopin,
Johannes Brahms y Niccolò Paganini; Clara
Schumann -una de las pocas mujeres cuyo
arte se mantuvo en el relato de la Historia
de la Música- es sin lugar a dudas el ejemplo
del inmenso potencial artístico ensombrecido
y censurado por el patriarcado imperante
de la época. En el mes de la Mujer,
homenajeamos a esta increíble artista, y a
través de ella a todas las mujeres, haciendo
un breve recorrido por su obra.
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CLARA SCHUMANN Y SU GENIO MUSICAL ///
4 POLONESAS PARA PIANO (1828-30)
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CONCIERTO PARA PIANO EN LA MENOR (1835-36)
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PIANO TRIO EN SOL MENOR (1846)
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16 | Revista Música Clásica 3.0 | Marzo 2019 | musicaclasicaba.com.ar

KONZERTSATZ EN FA MENOR (1847)
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VARIACIONES SOBRE UN TEMA
DE ROBERT SCHUMANN (1853)
Hace click
SELECCIÓN DE OBRAS PARA PIANO
Hace click
musicaclasicaba.com.ar | Marzo 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 17

MUJERES EN LA MÚSICA ///
Mujeres en
la música
LA DISCRIMINACIÓN Y SUBESTIMACIÓN HISTÓRICAS DE LAS
CAPACIDADES DE LAS MUJERES NO FUERON -NI SON- AJENAS
AL CAMPO DE LA MÚSICA. EN ESTA NOTA COMPARTIMOS LA
OPINIÓN DE ALGUNAS REFERENTES DE LA ESCENA LOCAL
ACERCA DE CÓMO VEN LA SITUACIÓN ACTUAL DE LAS
MUJERES EN EL AMBIENTE MUSICAL, CÓMO LO VIVEN A
NIVEL PERSONAL Y QUÉ CONSIDERAN QUE SE PUEDE HACER
PARA GENERAR MAYOR IGUALDAD.
Hoy se habla con mayor libertad de casos de
discriminación, de acoso, de abusos, y sin
duda éste viene acompañado por cambios
de paradigmas en la sociedad actual gracias
a la incansable lucha y pelea que vienen realizando
las anteriores generaciones en busca
de derechos igualitarios entre hombres y mujeres.
Que hoy se hable de éste tema en la calle,
en un almuerzo, en un bar, en los medios
televisivos, en la prensa escrita, es un avance.
En el campo musical argentino creo que aún
hay disparidad. Aún hay diferencias de oportunidades,
aún hay discriminación, aún hay
prejuicios de género respecto a la capacidad
de las mujeres para hacerse cargo de determinados
puestos de trabajo, sobre todo en
aquellos que implican liderazgo.
NATALIA SALINAS
DIRECTORA DE ORQUESTA
Actualmente, estamos transitando un período
donde afortunadamente empiezan a hacerse visibles
las problemáticas que las mujeres siempre
enfrentaron en el campo laboral y en la vida cotidiana
a lo largo de la historia hasta la actualidad.
Pero la diferencia es que actualmente éstas
cosas se denuncian, se ponen en relieve, se
combaten y se pretende que haya cambios radicales.
Las mujeres estamos trabajando con
un espíritu solidario respecto a estos temas y
nos estamos escuchando, estamos entendiendo
que no son casos aislados las experiencias
vividas y nos encontramos ahora con temas en
18 | Revista Música Clásica 3.0 | Marzo 2019 | musicaclasicaba.com.ar

común sobre la mesa. Por eso, la unidad y la
solidaridad de estos tiempos son dos aspectos
que demuestran un comportamiento sumamente
inteligente y estratégico.
Es amplio el espectro de cosas que pueden
realizarse para generar igualdad en el mundo
musical actual, básicamente ésto involucra un
cambio de pensamiento y de comportamiento
en las personas que trabajan en instituciones
políticas, educativas, en los hogares, las familias,
etc. Pero de a poco están surgiendo espacios
y proyectos importantes. Cito dos ejemplos:
la creación de la ley de cupo femenino, y
a la Mtra. Ligia Amadio (Brasil) -actualmente Directora
Musical Titular de la Orquesta Filarmónica
de Montevideo-, quien trabaja desde hace
un tiempo en un espacio que resulta fundamental:
el Simposio Internacional de Directoras
Mujeres. Con un fuerte enfoque en la visibilidad
de las mujeres al podio, en 2018 se realizó
la segunda edición y esperamos seguir, y para
que eso suceda nos toca trabajar de manera
conjunta. Ganar cada vez más apoyo político
e institucional es un aspecto fundamental, ya
sea por la creación de una ley, o para el soporte
de espacios específicos donde se traten temas
de género. Siempre será crucial poder llegar a
las líneas políticas: los derechos igualitarios y
el trabajo por la visibilidad y reconocimiento de
las mujeres en el campo profesional debe ser
parte de las agendas de nuestros gobernantes.
de que no es un ambiente que propicie el pensamiento
o la reflexión. En parte, lo específico
de lo que hacemos, la enorme cantidad de tiempo
que invertimos en formarnos desde lo “técnico”
puede determinar esto.
Creo que la reflexión y el pensamiento crítico
son indispensables como artistas y seres sociales.
Este momento en particular me parece de
una gran riqueza para que las mujeres concienticen
sus deseos y ambiciones en el mundo artístico
y profesional y se decidan a concretarlos.
Sin duda ha habido algunos avances y no solamente
en lo reciente. Valoro profundamente la
conciencia feminista que en estos últimos años
se encendió con gran intensidad, pero viene
de lejos el recorrido de la historia que nos llena
de ejemplos de mujeres que se animaron a
pensarse fuera de los estereotipos. Creo que el
desafío es pensar la libertad y apropiarse de ella
desde lo profundo. No caer en un estereotipo
nuevo, sino ser libres de verdad. Eso requiere
un inmenso trabajo en nosotras mismas. Y una
mirada y acción atenta, despierta, que no caiga
en la trampa del slogan de la corrección política.
Pero es indiscutible que estamos mejor.
Personalmente he tenido referentes femeninos
muy fuertes y nunca, hasta ahora, me había
puesto a pensar en esta perspectiva de género.
Las mujeres de mi familia, mis maestras y las
colegas con las que he elegido trabajar me han
enseñado muchísimo y, de una u otra forma, han
servido de ejemplo.
Ser artista profesional en un país como Argentina
es muy, muy difícil. Nunca me planteé estas
dificultades en términos de género. Tampoco
me sentí discriminada particularmente por ser
mujer. Ahora bien, como la posibilidad de reflexionar
y pensar (y pensarse) es móvil y está
atravesada por las circunstancias que el devenir
aporta, me resulta muy enriquecedora esta
mirada y rever algunas situaciones que me han
tocado vivir.
FERNANDA MORELLO
PIANISTA
El ambiente musical participa, como todos los
demás, del contexto histórico y cultural que se
vive. Sin embargo, a veces, tengo la impresión
Es así que recuerdo, por ejemplo, algunas situaciones
de mi adolescencia: un profesor diciendo
que una mujer no podría jamás tocar
Brahms, un psicólogo escolar de orientación
vocacional diciendo que ser artista para una
mujer es incompatible con ser madre. Afirmaciones
que hoy desarticula cualquier estudiante.
Sin duda, estamos mejor.
Para generar igualdad, primero, hay que estar
consciente de esto como voluntad. A partir de
musicaclasicaba.com.ar | Marzo 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 19

MUJERES EN LA MÚSICA ///
eso, examinar las decisiones. Muchas se toman,
incluso sin mala voluntad, dejando a mujeres
de lado. De programaciones, de directorios, de
tapas de publicaciones o de artículos periodísticos
importantes. Se las convoca en agendas
“de lo femenino” y aquí es donde hay que tener
un sentido crítico y una alerta. Encontrarnos con
nuestros prejuicios y mirarlos sin miedo puede
ser, además, una actividad creativa.
to cultural sostenible en el tiempo.
En el campo de la creación musical, predominantemente
masculino, el simple hecho de que las
mujeres compositoras no sean consideradas en
forma igualitaria fue históricamente una constante.
La misma historia de la música invisibilizó totalmente
su trabajo y, por otro lado, las características
propias de los sistemas socioeconómicos y
culturales capitalistas patriarcales, no permitieron
el acceso de las mujeres y minorías étnicas a posibilidades
de formación e inserción en la actividad
profesional de forma equitativa.
Personalmente siempre sentí un doble esfuerzo:
el del trabajo específico en sí (en una profesión
realmente salvaje, que también es en realidad un
potencial permanente de construcción tendiente
a su profesionalización); y el trabajo del esfuerzo
de traspasar prejuicios instalados, ya sea por el género,
como por ser además latina, y como si fuera
poco, viviendo en Buenos Aires. La cuestión de la
periferia también es un tema pendiente que necesita
urgente atención, reflexión y acción.
PATRICIA MARTÍNEZ
COMPOSITORA
Creo que estamos en tiempos globales de transformación,
sobre todo desde los países periféricos.
En un proceso social, cultural y económico
hacia la construcción de igualdad y justicia. Y es
un largo camino de lucha, en el que los movimientos
feministas, con una energía avasallante, están
obligando a las sociedades en su conjunto a repensarse,
a deconstruirse desde la mirada hacia el
mundo, hasta en acciones y espacios concretos.
Específicamente en el campo musical -no popular
o no comercial (no creo demasiado en la palabra
“académico”, ya que no tiene que ver únicamente
con espacios educativos formales)- fue siempre,
en mi experiencia, uno de los campos artísticos
más vulnerables y faltos de organización. Es
decir, la situación, es muy delicada en general, y
por supuesto específicamente para las mujeres
y minorías no representadas. A la vez, la falta de
políticas culturales públicas, que deberían ser el
principal sostén, hace que todo quede liberado
a incertidumbres e iniciativas más de tipo individual.
Por ejemplo, la tendencia política de pensar
la cultura como “eventos” genera seguramente
acciones inmediatas más visibles, pero por otro
lado atentan contra un verdadero fortalecimien-
Personalmente, hace casi 30 años que vengo
trabajando en la composición y experimentación
musical e interdisciplinaria, organicé varios ensambles
con los que trabajamos muchos años
hasta que no pudimos seguir sosteniéndolos y
tratando de dar lo máximo en cada proyecto, y
con mucho trabajo para conseguir cada paso de
avance. También pude estudiar en el exterior gracias
a becas, primero de Argentina en 1996/97,
para estudiar en el IRCAM de París, y luego de la
Universidad de Stanford en Estados Unidos, donde
me doctoré en 2011. Y me sigue pasando que,
aunque sin ánimo consciente de ofensa, colegas
me digan cosas como porque soy “muy joven” no
puedo pensar en acceder a ciertos reconocimientos,
sin saber que tengo la misma edad que otros
colegas masculinos sí considerados. O que “nunca”
podría llegar a estar “al nivel” de los compositores
hombres, etc., sí creo que especialmente los
dos últimos años, se notan cambios importantes
de lo que antes estaba absolutamente normalizado,
y, aunque sea simplemente por “estar a tono”
con los tiempos que corren, o porque realmente
vamos tomando conciencia, es indudable que
como sociedad, no vamos a volver a dar pasos
hacia atrás, y este camino de igualdad y justicia es
un horizonte y un ideal por el que muchas y muchos
estamos dispuestos a pensar, crear y sostener
nuestra vida y trabajo.
Este pedido de reportaje, que agradezco sinceramente,
es un muy buen ejemplo. Y creo que
puede ser un excelente puntapié para que no
20 | Revista Música Clásica 3.0 | Marzo 2019 | musicaclasicaba.com.ar

Creo que, como en todos los ámbitos, es
un espacio que la mujer conquista paulatisólo
interese la “voz femenina” en el mes de la
mujer, sino que una práctica cotidiana sea empezar
a pensar a las mujeres y todas las minorías,
a la par, simplemente, y con los mismos derechos
que el resto de la sociedad.
En mis obras, en general, creo que se refleja mucho
el intento por la construcción de una propia
identidad, fuera de patrones o fórmulas predefinidas,
tal vez trascendiendo cualquier tipo de límite
(ya sea de género, o de otro tipo), intentando crear
una especie de espacio poético sensible capaz
de devenir e intervenir en el mundo. Creo que mi
trabajo con la música, o más bien diría con el arte
(ya que pienso mis obras desde una concepción
tal vez más abarcativa e integradora), me permitió
también la posibilidad de aceptarme, de darle
valor a mi propia voz, de sentir que hay algo que
merece la pena que puedo aportar al mundo, más
allá de lo tremendo de la existencia humana.
Pienso que lo inevitable, sería lograr la implementación
de políticas culturales gubernamentales,
ya que está todo puesto en iniciativas posibles
individuales, muy limitadas y de difícil supervivencia
en el tiempo. Por ejemplo, sería excelente la
creación de un sistema de encargos, siempre de
forma inclusiva, que podrían estar vinculados a
los organismos musicales (orquestas nacionales
y provinciales, etc.) e institucionales oficiales (teatros,
universidades, fundaciones, etc.). También
la realización de convocatorias para creación y
producción de obras, y proyectos con continuidad,
con condiciones dignas de trabajo. Por otro
lado, hace varios años, junto con los colegas Luis
Mihovilcevic, Miguel Magud y Diego Chamy, trabajamos
mucho en la redacción de un proyecto
de ley para la creación de ProMúsica Contemporánea
(basado en ProTeatro y ProDanza), que
lamentablemente no tuvo un curso positivo en
la legislatura porteña, pero que sería bueno que
se reconsidere. Sería interesante tomar ejemplos
de sistemas de apoyo a las artes de otros países
(por ejemplo en México, los creadores, son apoyados
con proyectos y planes de trabajo con varios
años de actividad y continuidad, al contrario
de por ejemplo, nuestro Fondo Nacional de las
Artes que otorga becas puntuales y no renovables).
También creo que sería importante lograr
la unión de trabajadores y trabajadoras del arte
y la cultura, o colectivos más específicos, para
la posibilidad de conquistar derechos, construir
y pensar aportes para lograr políticas culturales
sustentables, y que los gobiernos tomen la cultura
con la importancia que se merece.
Por otra parte, creo que las iniciativas del tipo
“cupo” son herramientas fundamentales en esta
etapa, que lograrían que la igualdad se comience
a generar desde algún lugar en donde previamente
ni se plantea. Por ejemplo, que en las programaciones
de las temporadas del Teatro Colón, el
teatro nacional de ópera argentino, incluya en su
programación el porcentaje legalmente necesario
de música argentina, y música creada actualmente,
y que se incluyan a las mujeres en igualdad de
porcentajes. Y por supuesto que se generen nuevos
espacios. Es cierto que la realidad es compleja
a todo nivel, pero que tal vez haya que empezar
simplemente por algún lugar, dando pasos.
Por último, creo que todo lo que se pueda hacer
para unirnos como latinoamericanos y latinoamericanas
es crucialmente necesario. La problemática
de género nos atraviesa como sociedad, y que
creo es necesario trabajar diariamente para que
desde cada lugar e individualidad, contribuir a la
creación de colectivos mayores que se vayan consolidando
a través del tiempo. La clave es la resistencia,
el tiempo, la permanencia, para que las
cosas tomen consistencia más real cada vez. Creo
que mis esperanzas y expectativas son muy fuertes
y positivas para una transformación hacia la
igualdad de la sociedad, ojalá, y hacia un sistema
que una e iguale, en lugar de separar y estratificar.
¡A seguir la lucha, a seguir creando!, y finalmente,
todo lo que se pueda decir, en realidad, tal vez casi
no cuenta: las obras tienen la palabra.
MARÍA JAUNARENA
DIRECTORA EJECUTIVA
DE JUVENTUS LYRICA Y RÉGISSEUR
musicaclasicaba.com.ar | Marzo 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 21

MUJERES EN LA MÚSICA ///
namente. En la ópera, una primera mirada
veloz advierte una preponderancia masculina:
en directores de orquesta, de escena,
escenógrafos, compositores. De hecho, y
lógicamente por una cuestión histórica, el
repertorio está compuesto mayoritariamente
por hombres.
Arriba del escenario eso no se advierte obviamente
porque las obras en sí mismas cuentan
con una suerte de “cupo” natural: hay personajes
masculinos y femeninos entre los solistas,
y el coro naturalmente necesita componerse
de sopranos, mezzosopranos, tenores
y barítonos. Por supuesto este cupo por sí
mismo no significa una valoración positiva
de las mujeres y de su rol en la vida social. En
ese sentido es muy interesante el ejemplo de
Mozart, un compositor con una percepción y
un pensamiento muy adelantado a su época
también con respecto a este punto. Cuando
aborda Las bodas de Fígaro, por ejemplo,
una mirada atenta permite vislumbrar la inteligencia
y la astucia en todos los personajes
femeninos. En los masculinos siempre prima
el ego por sobre la compasión, y hasta para
ellos dedica líneas temáticas y musicales
muy similares. En cambio, en los personajes
femeninos vuelca toda la creatividad, y el
único personaje masculino que se distingue,
el que no quiere ir a la guerra, al que el honor
y la competencia con otros hombres no
le interesan, quien considera que tiene mucho
que aprender de las mujeres y el que de
alguna manera representa el futuro, es decir
Cherubino, es aquel para el que Mozart pide
que sea interpretado por una mujer. Martha
Nussbaum concluye que la ópera Las Bodas
de Fígaro (infinitamente más que la obra previa
de Beaumarchais) es un pieza clave en la
historia de la democracia liberal.
Juventus Lyrica es una organización ideada y
conducida mayoritariamente por mujeres. Ese
tema no ha sido, ni es un estigma ni una asignatura
pendiente dentro de la organización.
Creo que lo fundamental es generar oportunidades
de acceso y de aprendizaje, en
donde todos puedan partir de iguales posibilidades
de entrenamiento y capacitación.
Promover la participación en disciplinas tradicionalmente
ocupadas por hombres. Ahora
bien, el talento, la musicalidad, la expertise y
lo sublime que puede alcanzar un artista en
el abordaje de su instrumento (ya sea musical,
o su propio físico con su voz, por ejemplo)
creo que excede el tema del género.
DANIELA TABERNIG
CANTANTE - SOPRANO
Como en todos lados. La situación de la mujer
en el mundo en general, es un tema que
hoy nos atraviesa a todos, y está presente en
todo momento.
Pienso que sí hubo avances en la igualdad
de género, pero aún falta mucho camino
por andar. Hay mucha confusión y falta de
información. Estos cambios requieren de
tiempo y compromiso por de parte de todos.
Conversar, debatir y brindar información con
fundamentos es primordial.
Yo lo vivo como un despertar luego del cual
tengo mucho que desaprender y aprender.
Comparto la idea de que la igualdad se tiene
que ver reflejada en los derechos. Cuando
dejemos de valorar a los seres humanos de
acuerdo a su identidad de género, orientación
sexual, características físicas, color de piel, si
le gusta el café amargo o dulce... ahí la humanidad
habrá dado un paso trascendental.
Una cosa muy importante para mi es no subestimar
a la mujer. El que ahora sea obligatorio
contratar a una mujer sólo por ser mujer
y no por sus capacidades profesionales no
es un avance, si no un retroceso. Tener las
mismas oportunidades que el hombre para
desempeñar nuestro trabajo, eso es progreso.
Y cuando hablo de mujer quiero incluir
también a todas las minorías relegadas históricamente.
22 | Revista Música Clásica 3.0 | Marzo 2019 | musicaclasicaba.com.ar

24 | Revista Música Clásica 3.0 | Marzo 2019 | musicaclasicaba.com.ar
PH.
Gentileza
Daniel Rosenfeld

BALADA PARA UN
SUEÑO CUMPLIDO
Por Natalia Cardillo
El próximo 11 de marzo se celebra
el aniversario N°98 del
nacimiento de Astor Piazzolla,
y desde hace 7 meses está
en cartel: “Piazzolla. Los años
del tiburón” es el más reciente
film de Daniel Rosenlfed,
que cuenta mucho más que
la historia de vida del músico
marplatense. El sinfín de
emociones fusionadas con
el enorme y particular manejo
del lenguaje cinematográfico
que este director tiene
en su haber, tal cual quedó
en evidencia ya en la exitosa
“Cornelia frente al espejo”,
hacen de esta obra de arte
un compendio de sensaciones
que deja al público con
la onírica vibración como
de quien sale de un sueño
profundo o, tal vez, de la
mismísima pantalla. Es una
película que atraviesa al espectador,
y lo vuelve inevitablemente
parte de ella. Aquí,
el renombrado cineasta, nos
lleva un rato por la fibra más
íntima de esta creación que
lo sigue llevando del mundo
de la niñez a todo el planeta.
¿Por qué Piazzolla?
Hay mucho sobre Piazzolla
dando vueltas. A quien le
gusta, casi lo más importante
que debería hacer es
escuchar su música. También
hay libros excelentes,
hay entrevistas en internet,
hay materiales. Hay
de todo. El asunto en todo
caso por el cual me decidí
a hacer la película tiene
que ver con encontrar un
lado de la intimidad, de la
creación; y fue a través de
un montón de archivos inéditos
de los audios con su
hija y los Superocho que
empezamos a vislumbrar
en el foco de la película.
¿Por qué considerás que
hasta ahora no se haya
hecho un documental sobre
este compositor en Argentina?
Tal cual el mismo
Astor declara en el film...
No es que yo piense que
no se hicieron trabajos sobre
Astor Piazzolla antes, si
no que hay un archivo en la
película donde él dice que
no se hicieron documentales
sobre él. En todo caso
lo que muestra ese archivo,
que es interesante, está relacionado
con algo que me
dijo su hijo, Daniel Piazzolla,
y es que “la vida de Astor es
como para hacer una película
y mientras él estaba en
vida se lo filmó muy poco en
los lugares que a él le gustaban;
haciendo las cosas que
él disfrutaba, en el mar, componiendo”.
Así que fue muy
duro encontrar archivos en
relación a eso. Igual hubo
visionarios que lo pudieron
filmar. Me refiero a Mauricio
Berú a fines de los cincuenta
y los sesenta, a Manuel
Antín, a Feldman (Simón).
Todas personas que en diferentes
momentos pudieron
tener un registro fílmico
de Piazzolla trabajando.
Algunos fragmentos de
eso están en la película en
parte, gracias a la colaboración
de los familiares.
¿Cómo fue la experiencia
de navegar en la cabeza y
el corazón de Daniel Piazzolla?
Se sienten muchos momentos
de contenida emoción
en la película. Una
perfecta alquimia entre
tecnicismos y emociones.
Bueno, Daniel Piazzolla, de
ese núcleo familiar, de su
hermana, su papá, su mamá,
es el único que está vivo. Es
el testigo de toda una infancia,
una adolescencia, que
es importante en la película.
Siendo él músico, además
un músico que tocó en el
octeto de Astor Piazzolla,
la suya era una visión muy
importante; sobre todo por
el tema de las relaciones
familiares. El noventa por
ciento de la película son
archivos, y en el momento
que se ve en otras filmaciones
a Daniel Piazzola, se lo
ve emocionado. Y él mismo
lo dice… Puede escuchar la
voz de su papá sin problema,
pero escuchar la voz
de su hermana Diana, que
musicaclasicaba.com.ar | Marzo 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 25

ASTOR PIAZZOLLA 98° ANIVERSARIO///
PIAZZOLLA, los años del tiburón (TRAILER)
falleció hace tiempo, es
muy emocionante para él.
Y eso que dice, se ve. Efectivamente
él escucha esos
cassettes por primera vez y
es de una generosidad muy
grande que haya podido conectarse
con eso.
En el año 2000 estrenaste
“Saluzzi. Ensayo para bandoneón
y tres hermanos”.
Mismo instrumento. Distintos
derroteros. ¿Qué
te llevó a volver a filmar
sobre la vida de un bandoneonista;
es la música una
protagonista importante
de sus creaciones?
Sí. No estaba en mis planes
una nueva película relacionada
con el bandoneón,
pero me parece que ambos
films tienen que ver con la
creatividad, con la fuerza de
los vínculos familiares a la
hora de crear y con la transmisión
de padres a hijos. Y
seguramente encontrarme
con la posibilidad de estos
archivos de Astor Piazzolla
hizo que nos decidiéramos
a contar esta película. A mí,
aunque ya lo sabía, me hizo
ver con precisión, con profundidad,
la genialidad del
arco creativo de Piazzolla.
Él fue testigo de un cambio
de época, de un cambio de
siglo, y eso está en su música
también.
¿Tenés una forma muy
personal de filmar; y una
vez más se deja ver esto
en “Piazzolla. Los años del
Tiburón”. Puede que haya
cierta empatía entre vos
y Astor Piazzolla radicada
en buscar y defender ese
camino propio?
Yo he tocado piano muchos
años, componiendo, improvisando.
Estudié con Violeta
Gainza, así que el asunto de
la expresión y de la música
está en el centro de las cosas
y muy relacionadas con
el cine; desde el montaje y
desde todos los aspectos
que tienen que ver con una
narración. Incluso la película
en la que colaboré y fui
productor “La calle de los
pianistas” también está relacionada
con la música.
¿Tenías pensada la estructura
del film o te fuiste dejando
sorprender por lo
que aparecía?
Con respecto a la estructura,
fue muy importante la
participación de las personas
que colaboraron objetivamente,
especialmente
Alejandro Carrillo Penovi,
montajista de la película. Estuvimos
un año trabajando y
sabíamos lo que no queríamos
hacer, que era algo que
se acercara al periodismo
o a la información. Lo que
queríamos hacer era un film
que uno terminara de verlo
y tuviera la sensación de
que algo de Piazzolla, con
esa fuerza, te había pasado
por el cuerpo. Y eso se
pudo hacer principalmente
gracias a haber encontrado
los buenos puntos de narración
en donde el eje princi-
26 | Revista Música Clásica 3.0 | Marzo 2019 | musicaclasicaba.com.ar

“Queríamos
hacer era un
film que uno
terminara de
verlo y tuviera
la sensación
de que algo de
Piazzolla, con
esa fuerza, te
había pasado
por el cuerpo”.
pal fueron esos cassettes de
audio, esa charla entre una
hija y su papá; y también los
Superocho y el hijo de Astor.
Así que el corazón de la
película es también ese corazón
familiar que está tan
relacionado con la música
también, ¿no?
Este próximo 11 de marzo
Mar del Plata, ciudad
natal del artista, celebra
con un festival de diez
días el aniversario número
noventa y ocho de su
nacimiento. Allí se emitirá
también el film que ya
consta con premios en su
haber, ¿verdad? ¿Cuál es
el recorrido que seguirá
haciendo el documental
tanto en Argentina como
en el mundo?
Sí. En marzo se va a dar en
el Auditorium, en Mar del
Plata; dentro de un marco
de varias actividades que
se van a hacer por su aniversario.
La película ganó
un premio en Italia. Fue la
película de la sección oficial
del IDFA, que es un festival
de Amsterdam, en un teatro
muy lindo, donde tocó
un bandoneonista holandés.
Y así sigue el derrotero
por otros países a estrenar
como Canadá, Dinamarca.
En Japón está en los cines
desde hace ya tress meses.
Se va a estrenar también en
España, Portugal y en Bulgaria.
Ese es el recorrido de
film. Y acá en Buenos Aires
en cartel, está en el Malba
desde hace siete meses y
en el Gaumont. Incluyendo
las salas comerciales, el largometraje
ya fue visto por
veinte mil personas.
¿Qué es lo que más te impactó,
y quedó en tu valija
de experiencias, todo ese
tiempo que llevó dar vida
a este documental?
Bueno, hay varias cosas
que descubrí ya al terminar
el film. Una, es parte de la
narración que tiene que ver
con la fuerza de la infancia
en un artista; en la infancia
de Astor y todo ese mundo.
Después, fue un hallazgo,
gracias a los coleccionistas
y amigos de Piazzolla que
guardaron tantos archivos
durante estos años y que
gracias a ellos se pudieron
encontrar muchas cosas. Es
escuchar una grabación de
Astor a los diez años, en los
años treinta. Tener ese material,
poder filmarlo y que
esté en la película me parece
que es un milagro, ya que
es la única copia que ha resistido
tantos años. Pero en
todo caso, sobre todo, para
mí la música de Piazzolla
tenía esa fuerza, esa melancolía
unida a Buenos Aires,
a Uruguay, a Mar del Plata…
Tenía ese mundo para mí;
ese mundo visual. Y sin embargo,
haciendo la película
me di cuenta que el lugar de
su corazón musical era Nueva
York, justamente porque
era el lugar de la niñez y eso
también está en la película.
La fuerza de la infancia es el
gran motor.
musicaclasicaba.com.ar | Marzo 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 27

LOS BEATLES Y LA MÚSICA CLÁSICA ///
Los Beatles y
la música clásica
Por Iván Gordin
28 | Revista Música Clásica 3.0 | Marzo 2019 | musicaclasicaba.com.ar

En el mes de marzo vuelve a nuestro país Paul McCartney,
sin duda uno de los músicos de Rock más grande de
todos los tiempos. Aprovechamos su visita para ver
cómo, entre tantas otras innovaciones, los Beatles
incorporaron en sus propias composiciones aspectos
hasta entonces más relacionados a la música clásica.
musicaclasicaba.com.ar | Marzo 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 29

LOS BEATLES Y LA MÚSICA CLÁSICA ///
Los cuatro de Liverpool cambiaron para
siempre el panorama de la música popular,
pero para ello, primero se inspiraron
en técnicas y procedimientos compositivos
del ámbito académico. ¿Cuáles fueron
las influencias clásicas que moldearon
las canciones de los Fab Four?
Mucho se escribe sobre Los Beatles, tal
vez demasiado. Su injerencia en todos
los terrenos de la cultura popular ha provocado
todo tipo de producción literaria:
libros, ensayos, antologías, biografías,
teorías conspirativas, y un larguísimo etcétera.
Dentro el inmenso mundo que estudia
a John, Paul, George y Ringo, quizás
las reflexiones más interesantes sean
aquellas que se dedican a entender, no
tanto el anecdotario privado de sus vidas,
sino el por qué y el cómo de su música.
Y, aunque siempre haya un elemento
relegado al misterio y al misticismo, se
pueden comprender decisiones y conceptos
a través de un análisis minucioso
de ciertas prácticas compositivas. Sí, Los
Beatles eran del Planeta Tierra; tanto así
que sintetizaron géneros y estilos de diversas
épocas y geografías.
Para comprender cómo ciertos elementos
de la música clásica pasan a ser predominantes
en lo que era una banda de
rock and roll pura y cruda, tenemos que
considerar dos aspectos importantes.
Por un lado, los oriundos de Liverpool no
recibieron una educación formal académica,
ni como compositores, ni como instrumentistas.
Son músicos autodidactas
e intuitivos de clase trabajadora; no buscaban
el estándar de perfección que se
pretende en un conservatorio, sino que
su sonido era una textura de pequeñas
imperfecciones que constituían
una estética especial y diferente. En
otras palabras, si uno escucha la primera
etapa de Los Beatles, está recibiendo la
energía de una banda en vivo, y eso es
parte de la magia. Las influencias de este
período son principalmente popes del
blues y el R&B que llegaban ilegalmente
al puerto de la ciudad británica. De hecho,
Paul McCartney ha confesado que
su padre (trompetista de una Big Band)
cambiaba bruscamente el dial cuando
escuchaba algún compositor del siglo
XIX. En conclusión, no hay una estructura,
ni un método ortodoxo para aproximarse
a las ideas y a los compositores canónicos.
Esto explica, en parte, algunas
de las ocurrencias más rupturistas que el
grupo tuvo, principalmente, en la segunda
mitad de los sesenta.
Por otro lado, no se puede ignorar la pieza
clave que permitió la experimentación
y el crecimiento musical de
los Fab Four: George Martin. El legendario
productor y arreglista de EMI, con
quien grabaron casi toda su discografía,
también era una persona autodidacta e
intuitiva pero sí tenía una formación académica
como pianista (aunque algo breve).
Previo a Los Beatles, había trabajado
largamente en el Departamento de Música
Clásica de la BBC y ya sabía amalgamar
sus conocimientos orquestales con
actos populares como el Goon Show de
Peter Sellers. Martin, en definitiva, pulió
lo que era un diamante en bruto: innovó
las prácticas de grabación, otorgó grandes
arreglos orquestales, y estimuló con
compositores vanguardistas los oídos de
los por entonces veinteañeros flequilludos.
El productor es, sin duda alguna, el
quinto Beatle.
A continuación, para entender -y disfrutar-
la genialidad de Los Beatles. Les
30 | Revista Música Clásica 3.0 | Marzo 2019 | musicaclasicaba.com.ar

dejamos algunos ejemplos de cómo el
cuarteto más popular del mundo utilizó
la influencia de compositores clásicos en
su música:
ELEANOR RIGBY Y FOR NO ONE
(LENNON/MCCARTNEY, 1966)
OCTETO DE CUERDAS Y BAJO ALBERTI
YESTERDAY (LENNON/MCCARTNEY,
1965) CUARTETO DE CUERDAS
La historia es conocida, Paul se despertó
un día con una melodía en la cabeza y meses
después se convierte en la canción
más versionada de la historia. La parte no
tan conocida del mito es que cuando Mc-
Cartney la llevó al estudio, Martin sugirió
escribir una partitura de acompañamiento.
Inmediatamente después, el bajista
tomó una hoja en blanco y escribió “por
Paul McCartney, John Lennon, George
Martin y...Mozart”. Esa aclaración le dio la
pauta al productor para escribir un cuarteto
de cuerdas que sirve no solo como
acompañamiento sino como un hermoso
contrapunto de la frase original.
El término “barroco” acompaña usualmente
al pop inglés de los sesenta. Generalmente,
la palabra se usa para describir un sonido
sobrecargado de arreglos e instrumentos.
En Los Beatles, esa etapa no llegaría a su
máxima expresión hasta 1967, pero un año
antes con Revolver ya podemos escuchar
los primeros indicios de esta estética. El segundo
track de esa obra maestra es Eleanor
Rigby, una canción que, a diferencia de Yesterday,
no puede separarse del arreglo para
octeto de cuerdas de Martin. En este caso,
la idea original es un poco más contemporánea:
Psicosis de Bernard Herrmann.
En la balada For No One, aparte de una instrumentación
configurada por un clavicordio
(barroco por excelencia) y una trompa
(o corno francés), podemos escuchar en
musicaclasicaba.com.ar | Marzo 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 31

LOS BEATLES Y LA MÚSICA CLÁSICA ///
la interpretación de McCartney un procedimiento
compositivo muy común en
Vivaldi y Mozart: el bajo de Domenico Alberti.
Este consiste en tocar la triada del
acorde en corcheas en una secuencia grave-agudo-medio-agudo.
Probablemente
heredado de las pocas clases que tomó
Paul en su infancia.
A DAY IN THE LIFE (LENNON/MCCART-
NEY, 1967) STOCKHAUSEN, BERIO
Y LOS 24 COMPASES
Entramos a 1967 y ahora la sección orquestal
se vuelve imprescindible. O al menos
eso parece cuando uno escucha la canción
apoteósica de Sgt. Pepper’s Lonely Heart
Club. La génesis del tema empezó con dos
estrofas de Lennon y dos estrofas de Mc-
Cartney, el problema es que no tenían nada
en el medio para unirlas. John, bajo la influencia
de compositores contemporáneos
como Karl Heinz Stockhausen, Luciano Berio
y John Cage, le pidió a George Martin
una sección orquestal que incrementara la
tensión hasta que fuera “el fin del mundo”.
El resultado fue una modulación de 24 compases
con un crescendo infinito que explota
en el Mi Mayor más famoso de la historia.
BECAUSE (LENNON/MCCARTNEY, 1969)
BEETHOVEN Y EL CORO BEATLE
Las armonías vocales son un sello distintivo
de Los Beatles, y el octavo tema de
Abbey Road quizás sea el mejor ejemplo
de ello. La leyenda cuenta que John escuchó
a Yoko interpretar la Sonata “Claro de
Luna” de Beethoven -incomprobable, por
cierto- y le sugirió a su futura esposa que
toque la melodía “al revés”. En el disco, se
puede escuchar esta “ocurrencia” en el
clave de George Martin, quien es acompañado
por el coro tripartito de Lennon,
McCartney y Harrison. Una inspiración romántica
y una ejecución barroca.
32 | Revista Música Clásica 3.0 | Marzo 2019 | musicaclasicaba.com.ar

CONVOCATORIAS///
CONVOCATORIA 2019 DE
FONDOS DE BECA MOZARTEUM
El Mozarteum Argentino anuncia la apertura de la convocatoria 2019 del Fondo
de Becas, que otorgará un total de 20 becas a jóvenes menores de 30 años
que se destaquen en el campo instrumental, vocal, dirección orquestal/coral y
composición, para realizar estudios de perfeccionamiento musical en la Ciudad
de Buenos Aires durante el 2019.
El Mozarteum Argentino anuncia la
apertura de la convocatoria 2019 del
Fondo de Becas, que otorgará un total
de 20 becas a jóvenes menores de 30
años que se destaquen en el campo
instrumental, vocal, dirección orquestal/
coral y composición, para realizar estudios
de perfeccionamiento musical en la Ciudad
de Buenos Aires durante el 2019.
Categoría 1: 10 becas de $ 30.000 c/u
Para residentes en CABA – AMBA y hasta
300 km de distancia para realizar estudios
en la Ciudad de Buenos Aires
Categoría 2: 10 becas de $ 70.000 c/u
Para residentes a más de 300 km de la
Ciudad de Buenos Aires para realizar
estudios en la misma
BASES Y FORMULARIO DE INSCRIPCIÓN
https://www.mozarteumargentino.org/becas
CONSULTAS
becas@mozarteumargentino.org
PERÍODO DE INSCRIPCIÓN
11/02 al 22/03/2019
musicaclasicaba.com.ar | Marzo 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 33

CONVOCATORIAS///
CONVOCATORIA ABIERTA A ESTUDIANTES
DE COMPOSICIÓN DE TODO EL PAÍS
El Centro de Experimentación del Teatro Colón (CETC) y el Ensamble Tropi
convocan a estudiantes y graduados recientes de Composición de instituciones
educativas de todo el país para presentar obras de cámara, en progreso o
concluidas, que serán leídas y trabajadas durante la Jornada de Lectura, el día
martes 4 de junio de 2019, en el marco de la Residencia 2019 en el CETC.
BASES Y CONDICIONES PARA LA
PRESENTACIÓN:
1. Ser estudiante regular o graduado
reciente hasta 2 años, de instituciones
educativas -universitarias o terciarias, de
gestión pública o privada- de todo el país.
2. Enviar los siguientes datos personales:
. Nombre y apellidos completos
. Teléfono
. Institución a la que pertenece
3. Las obras en progreso o concluidas
deben estar escritas para el orgánico
instrumental completo del Ensamble Tropi:
flauta, clarinete, violín, cello, piano, guitarra y
percusión. (*) Ver orgánico al final del texto.
Las obras deben ser para ensamble de
cámara (septeto) sin director.
4. La partitura deberá estar escrita con
los programas de edición de partituras
(Sibelius o Finale) y entregado en formato
PDF, únicamente.
5. El material (full score + particellas) se
deberá enviar por correo electrónico a la
dirección: tropiensamble@gmail.com
6. La duración de las obras en progreso o
concluidas no deberá superar los 10 (diez)
minutos.
7. Fecha límite: martes 30 de abril de 2019.
8. De todos los trabajos recibidos, el
Ensamble Tropi seleccionará un máximo
de 10 (diez) obras para la jornada de
lectura pública.
9. Una vez concluida la Residencia se
seleccionará al menos una de las obras
para ser estrenada en concierto dentro
de la temporada 2019 del Ensamble
Tropi.
(*) Orgánico disponible
flauta en do / flauta en sol / piccolo /
flauta baja
clarinete (la-sib) / clarinete bajo/ clarinete
requinto
violín
cello
piano
guitarra clásica / banjo / ukelele / guitarra
eléctrica (pedalera multiefecto, pedal de
volumen y expresión)
Percusión:
Glockenspiel, platillos (crashes, rides,
splash, hi-hat, entrechoque), tambores,
bombo de batería, congas, bongos,
timbaletas, cajón peruano, bombo legüero,
cencerros, templeblocks, woodblocks,
vibraslap, shakers, güiro, panderetas,
triángulos, castañuelas, Gran cassa, 2
toms, Platillo, Gong, Vibráfono, Xilofón.
34 | Revista Música Clásica 3.0 | Marzo 2019 | musicaclasicaba.com.ar

CONVOCATORIAS///
CONVOCATORIA ESCUELA DE CANTO CORAL
PARA NIÑOS DE 7 A 13 AÑOS
La Secretaría de Gobierno de Cultura de la Nación, a través de su Dirección
Nacional de Organismos Estables, anuncia la creación de la ESCUELA DE
CANTO CORAL dirigida en su primera etapa a niños y jóvenes de 7 a 13 años.
Esta escuela se enmarca en un proyecto de formación de profesores, maestros
corales y niños y jóvenes de todo el país en el marco de una RED NACIONAL DE
COROS DE NIÑOS Y JÓVENES.
través de un MÉTODO GLOBAL, “Aprender
la música con la misma música”. Los
diferentes grupos tendrán muestras y
conciertos durante el año.
INSCRIPCIONES
La responsabilidad artístico-pedagógica
estará a cargo de los maestros José
Maria Sciutto, prestigioso director coral y
orquestal con gran trayectoria en ámbitos
americanos y europeos (Academia
Nazionale di Santa Cecilia y Teatro de la
Ópera di Roma) y especialista en pedagogía
coral infantil, y María Paz De Cicco, directora
con especialidad en coros infantiles.
El principal objetivo de la ESCUELA DE
CANTO CORAL es propiciar que los alumnos
adquieran un alto nivel musical-coral. En esta
etapa inicial, el programa de estudios para
los niños y jóvenes aspirantes estará:
* Lectoescritura musical: se enseñará la
alfabetización musical rítmico- melódica de
forma lúdica y simple.
* Principios de técnica vocal: utilización de
los distintos resonadores vocales.
* Introducción a la polifonía: canto a una,
dos, tres y más voces.
Toda la actividad será desarrollada a
En este segundo periodo de audiciones,
podrán inscribirse hasta el día viernes 15
de marzo, inclusive, por la página web de
la Secretaría de Cultura de la Nación, en
el siguiente link: https://www.cultura.gob.
ar/audiciones-para-la-escuela-de-cantocoral_6936/
REQUISITOS PARA LA INSCRIPCIÓN
* Los aspirantes deben ser argentinos,
nativos o por opción, o extranjeros
residentes en nuestro país.
* La edad requerida para la inscripción es de
entre 7 y 13 años al momento de la audición.
* No se necesita contar con ninguna
experiencia musical y/o vocal previas.
De igual modo, no es necesaria la
preparación de obras, canciones o
repertorios. Simplemente deberán llegar
a la audición cargando el entusiasmo y el
gusto por el canto grupal.
* Tanto los aspirantes como, posteriormente,
quienes participen de esta primera etapa de
la Escuela de Canto Coral, deberán contar
con los medios de movilidad necesarios
para asistir a la audición y a las clases que
ocurrirán a lo largo del año 2019.
musicaclasicaba.com.ar | Marzo 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 35

CICLOS Y CONCIERTOS///
Festival
Barenboim 2019
Se desarrollará íntegramente en el CCK del 23 de julio al 8 de agosto,
con conciertos y encuentros de reflexión para todos los públicos.
Acompañarán al pianista y director Daniel Barenboim la West-
Eastern Divan Orchestra, Martha Argerich, Anne-Sophie Mutter y
Rolando Villazón.
El Festival Barenboim fija su residencia en el
CCK, con recitales, conciertos y conferencias
para todos los públicos. Durante quince días –del
23 de julio al 8 de agosto–, el director y pianista
argentino-israelí Daniel Barenboim ofrecerá en la
Sala Sinfónica conciertos sinfónicos y recitales
de piano. Lo acompañarán la West-Eastern Divan
Orchestra (WEDO), la reconocida pianista argentina
Martha Argerich, la violinista alemana Anne-Sophie
Mutter –que tocará por primera vez en
esta sala– y el tenor mexicano Rolando Villazón.
Habrá además ensayos abiertos gratuitos y conversaciones
con intelectuales y artistas abiertas
al público. Se realizarán transmisiones a través
de Contar, la plataforma de contenidos digital.
Serán dos semanas de música y reflexión de la
mano de este gran maestro.
Las entradas para los ensayos abiertos (días y
horarios a confirmar) serán gratuitas y deberán
reservarse previamente y estarán disponibles a
través de la web del CCK, desde una semana antes
de cada fecha. Los encuentros de reflexión
también serán abiertos y gratuitos, con la misma
modalidad de reserva.
Las entradas para los conciertos en la Sala Sinfónica
están a la venta en forma online y también de
forma presencial desde el miércoles 6 de marzo a
las 12 en Sarmiento 151, de martes a domingos y
feriados, de 12 a 19h. Los estudiantes, jubilados
y pensionados podrán adquirir las localidades
con un descuento del 50% (solo en la modalidad
presencial), acreditando identidad en mostrador.
El Festival dará comienzo el 23 de julio en la
Sala Sinfónica del CCK con tres recitales de
Daniel Barenboim dedicados a sonatas para
piano de Ludwig van Beethoven. El 31 de julio
el director ofrecerá, al frente de la West-Eastern
Divan Orchestra, un programa también consagrado
a Beethoven.
El 4 y 5 de agosto, la gran pianista Martha Argerich
será solista junto a la WEDO y con dirección
de Barenboim en el concierto para piano
n° 1 de Chaikovski, en un programa que se
completa con el Concierto para orquesta de
Witold Lutoslawski.
El 6 de agosto, se realizará un concierto de cámara
a cargo de solistas de la WEDO, con obras
de Serguéi Prokófiev y Dmitri Shostakovich, y el
2 de agosto el tenor mexicano Rolando Villazón
ofrecerá un recital de canciones.
El Festival tendrá una culminación excepcional
con el debut en la Sala Sinfónica de la consagrada
violinista alemana Anne-Sophie Mutter, quien
se presentará junto a Barenboim y la West-Eastern
Divan Orchestra el 7 y 8 de agosto. El repertorio
estará integrado por el concierto para violín
y fragmentos de Pelléas et Mélisande de Jean
Sibelius y la sinfonía n° 7 de Beethoven.
LA AGENDA DEL FESTIVAL
MARTES 23 DE JULIO, 20H - SALA SINFÓNICA
Daniel Barenboim, piano
En programa: sonatas de Ludwig van Beethoven
36 | Revista Música Clásica 3.0 | Marzo 2019 | musicaclasicaba.com.ar

VIERNES 26 DE JULIO, 20H
SALA SINFÓNICA
Daniel Barenboim, piano
En programa: sonatas de Ludwig van Beethoven
DOMINGO 28 DE JULIO, 20H
SALA SINFÓNICA
Daniel Barenboim, piano
En programa: sonatas de Ludwig van Beethoven
MIÉRCOLES 31 DE JULIO, 20H
SALA SINFÓNICA
West-Eastern Divan Orchestra. Director: Daniel
Barenboim. Solista: Michael Barenboim (violín)
En programa: de Ludwig van Beethoven: Obertura
Egmont, op. 84; Concierto para violín y orquesta en
re mayor, op. 61; Sinfonía n° 7 en la mayor, op. 92
VIERNES 2 DE AGOSTO, 20H
SALA SINFÓNICA
Rolando Villazón (tenor)
Recital de Lieder
DOMINGO 4 DE AGOSTO, 16H
SALA SINFÓNICA
West-Eastern Divan Orchestra. Director: Daniel
Barenboim. Solista: Martha Argerich, piano
En programa: Concierto para piano n° 1 de Chaikovski;
Concierto para orquesta de Witold Lutoslawski
LUNES 5 DE AGOSTO, 20H
SALA SINFÓNICA
West-Eastern Divan Orchestra. Director: Daniel
Barenboim. Solista: Martha Argerich, piano.
En programa: Concierto para piano n° 1 de Chaikovski;
Concierto para orquesta de Witold Lutoslawski
MARTES 6 DE AGOSTO, 20H
SALA SINFÓNICA
Miembros de la West-Eastern Divan Orchestra
En programa: Concierto de música de cámara.
Serguéi Prokófiev: Obertura sobre temas hebreos;
Dmitri Shostakovich: Quinteto para piano y cuerdas
MIÉRCOLES 7 DE AGOSTO, 20H
SALA SINFÓNICA
West-Eastern Divan Orchestra. Director: Daniel
Barenboim. Solista: Anne-Sophie Mutter, violín
En programa: Concierto para violín y fragmentos
de Pelléas et Mélisande de Jean Sibelius; Sinfonía
n° 7 en la mayor, op. 92, de Beethoven
Jueves 8 de agosto, 20h - Sala Sinfónica
West-Eastern Divan Orchestra. Director: Daniel
Barenboim. Solista: Anne-Sophie Mutter, violín.
En programa: Concierto para violín y fragmentos
de Pelléas et Mélisande de Jean Sibelius; Sinfonía
n° 7 en la mayor, op. 92, de Beethoven.
musicaclasicaba.com.ar | Marzo 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 37

AGENDA///
MARZO 2019
Viernes 1
20 hs. Anfiteatro Parque Centenario.
Ballet Estable del Teatro Colón,
Dirección artística: Paloma Herrera.
Programa compuesto por: “Clear”, con
música de Bach, coreografía de Stanton
Welch; Pas de Deux del Dormitorio
y Pas de Trois de “El Corsario”, con música
de Adolphe Adam, Cesari Pagni,
Leo Delibes y coreografía Anna-Maria
Holmes; y de “El Cascanueces”, el
Grand Pas de Deux y el Vals de las flores,
con coreografía de Rudolf Nureyev
y música de Tchaicovsky. Las entradas
son gratuitas, se retiran dos por persona
dos horas antes del comienzo de la
función en el Anfiteatro de Parque Centenario.
La distribución de localidades
será por orden de llegada hasta agotar
la capacidad del anfiteatro.
20:30 hs. Teatro de Cámara de City
Bell Diagonal 4 Urquiza 347, City Bell, La
Plata). Dúo “Vivalto da Camera” – Diana
Gasparini (Viola) y Gabriela Martínez
(Piano). Obras de Johannes Brahms:
Sonata Op. 120 n. 2; Hans Sitt: Albumblatter
n 1, 2 y 4; Fryderyk Chopin:
Polonesa brillante Op. 3; y de George
Gershwin: Tres preludios. Reservas:
reservas.teatrodecamara@gmail.com
Sábado 2
18 hs. Museo Sarmiento (Cuba 2079,
CABA). Ballet Folklórico Nacional – Festejos
de Carnaval, intervención en la exposición
“Una crónica (des) colorida, la otra
cara del carnaval”. Dirección: Silvia Zerbini.
Subdirección: Mariano Luraschi. - - Programa:
“Febrero en tu Risa”, coreografía
de Leonardo Cuello. Entrada gratuita.
19 hs. Usina del Arte | Sala de cámara.
Homenaje a Irma Urteaga y Eduardo
Grau / Concierto de música de cámara y
danza a cargo de la Asociación Argentina
de Compositores. Programa integrado
por obras de Irma Urteaga: “Turbulencias”
(violín y piano), “Tangoforte” (violín, corno
y piano), y “Ayer del Buen Ayre” (piano);
de Eduardo Grau: Ballet “El extraño”
-sobre libreto de Isolde Klietmann-
(violín, clarinete, piano y bailarines); y
de Agostina Fischy, Sonata para piano
-Estreno mundial-. Entrada gratuita.
20 hs. Anfiteatro Parque Centenario.
Ballet Estable del Teatro
Colón, Dirección artística: Paloma
Herrera. Ídem viernes 1.
Domingo 3
11:30 hs. Usina del Arte | Sala de
cámara. Recital de piano - Irina Dichkosvkaia
(Rusia). Obras de Mozart: Sonata
en Do mayor K.330; Chopin: Nocturno
en do sostenido menor Op.27 n. 1, Nocturno
en Re bemol mayor Op.27 n.2,
Scherzo en si menor Op.20 y Scherzo
en si bemol menor Op.31, Rachmaninov:
Étude-tableaux en Mi bemol
menor, Op. 39 n°5, Selección de
Preludios y Momento musical en Mi
menor, Op. 16 n°4; y de Tchaikovsky:
La suite “El Cascanueces” (Selección
de números). Entrada gratuita.
14 hs. Museo Sarmiento (Cuba
2079, CABA). Ballet Folklórico Nacional
– Festejos de Carnaval, intervención
en la exposición “Una crónica (des)
colorida, la otra cara del carnaval”.
Dirección: Silvia Zerbini. Subdirección:
Mariano Luraschi. -- Programa:
“Febrero en tu Risa”, coreografía de
Leonardo Cuello. Entrada gratuita.
19 hs. Anfiteatro Parque Centenario
| Ballet Estable del Teatro
Colón, Dirección artística: Paloma
Herrera. Ídem viernes 1.
Miércoles 6
13 hs. Templo Libertad (Libertad
769, CABA). Conciertos en Libertad:
Estudio Vocal Pergolesi – “El mundo
de la ópera, la opereta y la zarzuela”.
Obras de Gluck, Mozart, Donizetti,
Gounod, Verdi, Lehar, Serrano,
Sorozábal, Penella, Bretón, Chueca y
Moreno Torroba. Entrada gratuita, se
solicita presentar DNI.
18 hs. “Plaza del Zorzal” del
Abasto Shopping (Corrientes
3247, CABA). Música e Historia en
los Palacios de Buenos Aires - 2da.
Temporada. Relatora histórica: Noemí
Pilar Molinero, historiadora especializada.
Música a cargo del Cuarteto de
Amigos, formado por Haydée Seibert
Francia y Gustavo Mulé en violines,
Elizabeth Ridolfi en viola y Myriam Santucci
en cello. Entrada libre y gratuita.
Viernes 8
19 hs. Alianza Francesa | Sede
Flores (Granaderos 61, CABA). Dúo
Souto - Fainstein (viola y piano). Obras
de Lili Boulanger: Nocturno para
viola y piano; de Rebecca Clarke:
Sonata para viola y piano; y de Nadia
Boulanger: Tres piezas. Entrada: $200
(Alumnos y docentes de la Alianza
Francesa tienen 50% de descuento).
20 hs. Catedral de San Isidro (Av.
del Libertador 16200, San Isidro).
Barry University Esemble de Miami y
la Camerata de la Orquesta Infantil
y Juvenil de Las Tunas ONG, Dirección:
Dra. Giselle Elgarresta Ríos.
Programa: Misa en Sol Mayor, de
Schubert; Sinfonía Nro. 29, de Mozart
y otras obras. Entrada libre y gratuita.
20 hs. Trianon XXI Sitio de Artes
(Lavalle 959 Piso 1 CABA). Recital
de Canto - Celebrando el Día de la
Mujer: Gladys Martino (Soprano) &
Alejandro Graziani (Piano). Obras de
F. Schubert, R. Schumann, P. Viardot,
E. Chabrier, L. Delibes, R. Hahn,
G. Bizet, O. Respighi y P. Mascagni,
38 | Revista Música Clásica 3.0 | Marzo 2019 | musicaclasicaba.com.ar

Ver agenda actualizada en http://www.musicaclasicaba.com.ar/agenda
entre otros. Bono contribución $
250. Info & reservas:trianonsitiodeartes@gmail.com.
Sábado 9
17 hs. Teatro Colón | Salón Dorado.
Intérpretes argentinos: Capilla del Sol,
Director: Ramiro Albino. “Lacrimarum
Terra” - Obras polifónicas de carácter
penitencial y villancicos del Virreinato
de La Nueva España. Las entradas
gratuitas se podrán retirar a partir del
viernes 8/02 de 9 a 20 en la boletería
del Teatro Colón, Tucumán 1171. Se
entregarán 2 localidades por persona
hasta completar la capacidad de la sala.
19 hs. Museo Fernández
Blanco | Palacio Noel (Suipacha
1422, CABA). Mujeres de la música
argentina: Recital de piano a 6
manos. Interpretan: Melina Marcos,
Natalia González Figueroa y Daniela
Salinas. Obras de Celia Torrá, Lia Cimaglia,
Noelia Escalzo, Lilián Saba,
Claudia Montero y Natalia González
Figueroa. Acceso a la sala con la
entrada general del Museo ($50).
Bono contribución $20.
Domingo 10
18 hs. Museo Histórico Cornelio
de Saavedra | (Crisólogo Larralde
6309, CABA). “Pour la Flûte - Fantasías,
Suite, Partita” – Javier Gelati. Recital
de obras escritas expresamente para
flauta por tres grandes compositores
del barroco: Bach, Telemann y Boismortier.
Organizado por Comarca
Antigua. Entrada libre y gratuita.
20 hs. Teatro Taller del Ángel
| (Mario Bravo 1239, CABA). Ópera
“Don Giovanni” – W. A. Mozart, versión
reducida con coro- subtitulada.
Dirección Musical: Fernando Britos
- Dirección Escénica: Leandro Sosa.
Reserva de entradas en el teatro o por
mail a celebrartemusica@gmail.com
20 hs. Centro Cultural Kirchner
(CCK). | Dúo Isas-Kwiek: Cecilia
Isas (violín) y Alan Kwiek (piano).
Obras de compositoras de Europa
y América: Amanda Maier (Suecia),
Grazyna Bacewicz (Polonia), Clara
Schumann (Alemania), Lili Boulanger
(Francia) y Pía Sebastiani (Argentina).
Las entradas gratuitas se retiran personalmente
a partir del martes 06 de
marzo, de 12 a 19, en Sarmiento 151,
hasta agotar la capacidad de la sala
(hasta dos entradas por persona).
También se podrán reservar a través
de www.cck.gob.ar/reservas
Martes 12
19 hs. Casa de Rusia de Buenos
Aires (Av. Rivadavia 4266, CABA).
Concierto de piano dedicado al Día
Internacional de la Mujer. Interpretan:
Eduardo Delgado (Argentina),
Profesor honorario de música de
la Universidad Estatal de California
(Fullerton - EEUU), y Yuri Bogdanov
(Rusia), Artista Emérito de Rusia,
Profesor de la Academia Rusa de
Música Gnesin. Obras musicales de
compositores rusos y extranjeros.
20 hs. Club Sirio Libanés (Ayacucho
y Pacheco de Melo, CABA).
Música e Historia en los Palacios de
Buenos Aires - 2da. Temporada. Relatora
histórica: Noemí Pilar Molinero,
historiadora especializada. Música a
cargo del Cuarteto de Amigos, formado
por Haydée Seibert Francia y
Gustavo Mulé en violines, Elizabeth
Ridolfi en viola y Myriam Santucci
en cello. Entrada libre y gratuita.
20 hs. Teatro Colón. Ópera - “Rigoletto”,
de Giuseppe Verdi. Ópera en
tres actos (1851). Libreto: Francesco
Maria Piave; basado en la obra teatral
“Le Roi s’amuse”, de Victor Hugo.
Dirección de escena: Jorge Takla.
Producción junto a la Orquesta
Estable del Teatro Colón - Director
musical invitado: Maurizio Benini; y el
Coro Estable del Teatro Colón, dirigido
por Miguel Martínez. Localidades
en http://www.teatrocolon.org.ar
Miércoles 13
13 hs. Templo Libertad (Libertad
769, CABA). Conciertos en Libertad:
Ciclo de Conciertos de Profesores
del DAMus – UNA (1er concierto).
Laura Falcone, Laura Rus y Samara
Pierpaoli-flautas, Andrea Gallo-Piano.
Obras de J.S. Bach: Trío Sonata
en Sol Mayor; de J. Castérède:
Flautas en Vacaciones; de W.F.
Bach: Dúo en Mi menor; E. Bozza:
Moderatto, Allegretto, Allegro; y
de F. Doppler: Andante y Rondó,
op. 25. Entrada gratuita, se solicita
presentar DNI.
20 hs. Teatro Colón. Ópera - “Rigoletto”,
de Giuseppe Verdi. Ópera en
tres actos (1851). Libreto: Francesco
Maria Piave; basado en la obra teatral
“Le Roi s’amuse”, de Victor Hugo.
Dirección de escena: Jorge Takla.
Producción junto a la Orquesta
Estable del Teatro Colón - Director
musical invitado: Maurizio Benini; y el
Coro Estable del Teatro Colón, dirigido
por Miguel Martínez. Localidades
en http://www.teatrocolon.org.ar
19 hs. Templo Libertad (Libertad
769, CABA). Conciertos en
Libertad: Ciclo vespertino - Edgardo
Roffé (Piano) y Gustavo Garay (Violín).
Obras para violín y piano, y piano
solo de Bach, Paganini, Sarasate,
Tchaikovsky, Bartok, Piazzolla, entre
otros. Entrada gratuita sin reserva
previa, se solicita presentar DNI.
20 hs. Teatro Colón. Orquesta Filarmónica
de Buenos Aires – Abono
2, Director: Enrique Arturo Diemecke
– Solista: Sharon Isbin (guitarra -
EEUU). Programa integrado por obras
de Alex Nante: “Invocación” (Estreno
mundial); de Joaquín Rodrigo:
“Fantasía para un gentilhombre”;
de Howard Hanson: Sinfonía N°2,
“Romántica”; y de Leonard Bernstein:
Fancy Free Suite. Localidades en
http://www.teatrocolon.org.ar
musicaclasicaba.com.ar | Marzo 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 39

AGENDA: MARZO 2019///
Viernes 15
20 hs. Teatro Colón. Ópera - “Rigoletto”,
de Giuseppe Verdi. Ópera en tres
actos (1851). Libreto: Francesco Maria
Piave; basado en la obra teatral “Le Roi
s’amuse”, de Victor Hugo. Dirección de
escena: Jorge Takla. Producción junto a
la Orquesta Estable del Teatro Colón - Director
musical invitado: Maurizio Benini; y
el Coro Estable del Teatro Colón, dirigido
por Miguel Martínez. Localidades en
http://www.teatrocolon.org.ar
20:30 hs. Anfiteatro Parque Centenario.
Orquesta Sinfónica Nacional / Inicio
de Temporada 2019. Director invitado:
Gustavo Fontana. Programa: Ludwig v. Beethoven,
Obertura Coriolano op. 62; Pyotr Y.
Tchaicovsky, Obertura - Fantasía “Romeo
y Julieta”; y Johannes Brams, Sinfonía N°2
en Re Mayor, op. 73.Entrada libre y gratuita
hasta agotar la capacidad del anfiteatro.
21 hs. Usina del Arte – Auditorio. Banda
Sinfónica de la Ciudad de Buenos Aires -
Concierto “Gala Lírica”. Obras clásicas de
Mozart, Puccini, Verdi, entre otros. Dirección:
Lito Valle. Entrada gratuita. Las entradas se
reservan online en https://www.buenosaires.gob.ar/usinadelarte/entradas
desde
el lunes anterior al día de la función.
Sábado 16
20 hs. Teatro Colón. Ópera - “Rigoletto”,
de Giuseppe Verdi. Ópera en tres
actos (1851). Libreto: Francesco Maria
Piave; basado en la obra teatral “Le Roi
s’amuse”, de Victor Hugo. Dirección de
escena: Jorge Takla. Producción junto a
la Orquesta Estable del Teatro Colón - Director
musical invitado: Maurizio Benini; y
el Coro Estable del Teatro Colón, dirigido
por Miguel Martínez. Localidades en
http://www.teatrocolon.org.ar
Domingo 17
11 hs. Teatro Colón. Intérpretes argentinos
- Bayres Horns. Presentación en
vivo del disco Concertango, junto a otros
artistas que participaron en la realización.
Las entradas gratuitas se podrán retirar a
partir del viernes 15/02 de 9 a 20 en la boletería
del Teatro Colón, Tucumán 1171.
Se entregarán 2 localidades por persona
hasta completar la capacidad de la sala.
11:30 hs. Usina del Arte – Sala de
cámara. Dora de Marinis & Anaïs Crestin:
Recital de piano a cuatro manos. Obras
de Poulenc: Sonate pour piano à quatre
mains; Debussy: Andante Cantabile;
Fauré: Suite Dolly; y Guastavino: Romance
del Plata (Sonatina a cuatro manos).
Entrada gratuita. Las entradas se reservan
online enhttps://www.buenosaires.
gob.ar/usinadelarte/entradas desde el
lunes anterior al día de la función.
12 hs. Usina del Arte – Auditorio.
Ensamble coral Cámara XXI. Dirección:
Miguel Ángel Pesce. Repertorio de música
coral de diferentes épocas y estilos,
de compositores como Monteverdi,
Howells, Dominutti, Villalobos, entre otros.
Entrada gratuita. Las entradas se reservan
online en https://www.buenosaires.
gob.ar/usinadelarte/entradas desde el
lunes anterior al día de la función.
17 hs. Teatro Colón. Ópera - “Rigoletto”,
de Giuseppe Verdi. Ópera en tres
actos (1851). Libreto: Francesco Maria
Piave; basado en la obra teatral “Le Roi
s’amuse”, de Victor Hugo. Dirección de
escena: Jorge Takla. Producción junto
a la Orquesta Estable del Teatro Colón
- Director musical invitado: Maurizio Benini;
y el Coro Estable del Teatro Colón,
dirigido por Miguel Martínez. Localidades
en http://www.teatrocolon.org.ar
Lunes 18
19 hs. Auditorio AMIA (Pasteur 633,
1° subsuelo – CABA). Ciclo de Ópera:
“Don Giovanni”, de W. A. Mozart (Versión
reducida al piano con coro y sobretitulado
en español). Dirección general:
Patricia Palmer. Ingreso por estricto
orden de llegada, presentando DNI o
pasaporte originales, y reserva impresa
o a través de https://cultura.amia.org.ar/
eventos/opera-don-giovanni/
Martes 19
20 hs. Teatro Colón. Ópera
- “Rigoletto”, de Giuseppe Verdi.
Ópera en tres actos (1851). Libreto:
Francesco Maria Piave; basado en la
obra teatral “Le Roi s’amuse”, de Victor
Hugo. Dirección de escena: Jorge
Takla. Producción junto a la Orquesta
Estable del Teatro Colón - Director
musical invitado: Maurizio Benini; y el
Coro Estable del Teatro Colón, dirigido
por Miguel Martínez. Localidades
en http://www.teatrocolon.org.ar
Miércoles 20
13 hs. Templo Libertad (Libertad
769, CABA). Conciertos en Libertad:
Cuarteto de cuerdas Arkhé - Adriana
Miranda, Leandro Loggia (violines),
Luz Rivera (viola), Yetsabel Alejandra
Rodríguez (cello). Obras de
Wolfgang Amadeus Mozart: Cuarteto
de cuerdas no. 19 en Do Mayor,
k. 465 “Disonante”; y de Ludwig van
Beethoven: Cuarteto de cuerdas
op. 18 no. 4 en Do menor. Entrada
gratuita sin reserva previa, se solicita
presentar DNI.
20 hs. Teatro Colón. Ópera - “Rigoletto”,
de Giuseppe Verdi. Ópera en
tres actos (1851). Libreto: Francesco
Maria Piave; basado en la obra teatral
“Le Roi s’amuse”, de Victor Hugo.
Dirección de escena: Jorge Takla.
Producción junto a la Orquesta
Estable del Teatro Colón - Director
musical invitado: Maurizio Benini; y el
Coro Estable del Teatro Colón, dirigido
por Miguel Martínez. Localidades
en http://www.teatrocolon.org.ar
Jueves 14
20 hs. Teatro Colón. Orquesta Filarmónica
de Buenos Aires – Abono 3,
Director invitado: Alexander Anissimov
- - Solista: Filippo Gamba (piano - Italia).
Programa integrado por obras de Ludwig
van Beethoven: Obertura Fidelio,
40 | Revista Música Clásica 3.0 | Marzo 2019 | musicaclasicaba.com.ar

Ver agenda actualizada en http://www.musicaclasicaba.com.ar/agenda
Op.72 y el Concierto N° 3 para piano
y orquesta en Do menor, Op.37; y de
Nikolái Rimsky-Korsakov: Scheherazade,
Op. 35. Localidades en http://www.
teatrocolon.org.ar
21 hs. Al Escenario (Gregorio Araoz
de Lamadrid 1001, CABA). Dúo Pérez -
Biggeri y Dúo Kujta –Biggeri. Leonardo
Pérez (Violín), Sofía Kujta (Clarinete) y
Alberto Biggeri (Piano). Obras de Ravel,
Poulenc, Saint Saens y Boulanger,
Granados, Monasterio y Guastavino.
Taquilla inversa a partir de $150. Capacidad
limitada, reserva previa por mail:
alescenarioreserva@gmail.com
Viernes 22
20 hs. Teatro Colón. Ópera - “Rigoletto”,
de Giuseppe Verdi. Ópera en
tres actos (1851). Libreto: Francesco
Maria Piave; basado en la obra teatral
“Le Roi s’amuse”, de Victor Hugo.
Dirección de escena: Jorge Takla.
Producción junto a la Orquesta
Estable del Teatro Colón - Director
musical invitado: Maurizio Benini; y el
Coro Estable del Teatro Colón, dirigido
por Miguel Martínez. Localidades
en http://www.teatrocolon.org.ar
Sábado 23
18 hs. MarienHeim (Chaco y Pueyrredón,
Villa Ballester). Ópera Don Giovanni
de W. A. Mozart. Dirección: Leandro Sosa.
Entrada anticipada $350.- Día de la función:
$400.- Presenta Espacio Victorium.
20 hs. Teatro Colón. Ópera de cámara
en dos actos - “Powder her face”
(Reposición de la producción 2018).
Música de Thomas Adès, libreto de
Philip Hensher. Dirección musical:
Marcelo Ayub. Dirección de escena:
Marcelo Lombardero. Información en
http://www.teatrocolon.org.ar
Domingo 24
11:30 hs. Usina del Arte – Sala de cámara.
Dúo Desconcertadas - Recital de
piano y percusión con obras de Chopin,
Bach, Ginastera, Fandermole y otros.
Entrada gratuita. Las entradas se reservan
online en https://www.buenosaires.
gob.ar/usinadelarte/entradas desde el
lunes anterior al día de la función.
Martes 26
20 hs. Teatro Colón. Ópera de cámara
en dos actos - “Powder her face”
(Reposición de la producción 2018).
Música de Thomas Adès, libreto de
Philip Hensher. Dirección musical:
Marcelo Ayub. Dirección de escena:
Marcelo Lombardero. Información en
http://www.teatrocolon.org.ar
Miércoles 27
13 hs. Templo Libertad (Libertad
769, CABA). Conciertos en Libertad:
Ciclo de Conciertos de Profesores del
DAMus – UNA (2do concierto). Tesistas
de la Universidad Nacional de las Artes
(Cátedras de Flauta Lic. Laura Rus y Lic.
Laura Falcone). Flautas: Johana Brundo,
Nataly Salas, María Belén García e Iván
Castro. Piano: Martina Copello y Prof.
Andrea Gallo. Entrada gratuita sin reserva
previa, se solicita presentar DNI.
Jueves 28
20 hs. Teatro Colón. Ópera de cámara
en dos actos - “Powder her face”
(Reposición de la producción 2018).
Música de Thomas Adès, libreto de
Philip Hensher. Dirección musical:
Marcelo Ayub. Dirección de escena:
Marcelo Lombardero. Información en
http://www.teatrocolon.org.ar
Viernes 29
20 hs. Teatro Colón. Ópera de cámara
en dos actos - “Powder her face”
(Reposición de la producción 2018).
Música de Thomas Adès, libreto de
Philip Hensher. Dirección musical:
Marcelo Ayub. Dirección de escena:
Marcelo Lombardero. Información en
http://www.teatrocolon.org.ar
20 hs. Centro Cultural Kirchner
(CCK). Orquesta Sinfónica Nacional
/ Inicio de Temporada de Conciertos
en el CCK. Director invitado: Mariano
Chiacchiarini. Programa: Gustav Mahler -
Sinfonía N° 6, en La menor. Las entradas
gratuitas se retiran personalmente a
partir del martes 26 de marzo, de 12 a
19, en Sarmiento 151, hasta agotar la
capacidad de la sala (hasta 2 entradas
por persona). Reservas también a través
de www.cck.gob.ar/reservas
Sábado 30
18 hs. DAMUS (UNA) (Córdoba
2445, CABA). Foro Argentino de Compositoras
- Homenaje a Irma Urteaga.
Actuación de Marta Blanco- soprano y
del Coro Nacional de Niños. Dirección:
María Isabel Sanz. Mesa Redonda
sobre la Mujer Creadora con la participación
de la Lic. Ana María Mondolo y
las compositoras Amanda Guerreño y
Nelly Gómez. Entrada libre y gratuita
20 hs. Teatro Colón. Ópera de
cámara en dos actos - “Powder her
face” (Reposición de la producción
2018). Música de Thomas Adès, libreto
de Philip Hensher. Dirección musical:
Marcelo Ayub. Dirección de escena:
Marcelo Lombardero. Información en
http://www.teatrocolon.org.ar
Domingo 31
11:30 hs. Usina del Arte – Sala de
cámara. Víctor Torres y Pierre Blanchard:
“Amor y vida de mujer”, concierto para
canto y piano. Obras y cancioneros de
Schumann, Mozart, Schubert, Strauss,
entre otros. Entrada gratuita. Las entradas
se reservan online en https://www.buenosaires.gob.ar/usinadelarte/entradas
desde
el lunes anterior al día de la función.
17 hs. Teatro Colón. Ópera de
cámara en dos actos - “Powder her
face” (Reposición de la producción
2018). Música de Thomas Adès, libreto
de Philip Hensher. Dirección musical:
Marcelo Ayub. Dirección de escena:
Marcelo Lombardero. Información en
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• Teatro Coliseo (Marcelo T. de Alvear 1125. Martes a sábado de 12 a 20 hs.).
• Fundación Telefónica (Arenales 1540. Lunes a sábados de 14 a 20.30).
• I Violini (Perú 1076. Lunes a Viernes 9 a 19 hs. Sábados 9 a 14 hs).
• Pianos Baldwin (Paraná 913. Lunes a Viernes 10 a 19.30 hs Sábados de 10 a 12.30 hs).
• Fundación Beethoven (Av. Santa Fe 1452. Lunes a viernes 10 a 22 hs).
• Fundación Julio Bocca (Viamonte 555).
• Asociación Arte y Cultura (Guardia Vieja 3783).
• Instituto Superior de Música José Hernández
(Juan B. Alberdi 1294 Olivos. De 14:00 A 20:30 hs.)
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