Contrastes Chile ED-D1

FEBRERO / MARZO 2016 EDICIÓN PROMOCIONAL • GIANNI BERENGO GARDIN • ZOOM SPOT • ALBERTO DE AGOSTINI • FORMATO RAW • FOTO ASTRONÓMICA
LA REVISTA DEL MUNDO FOTOGRÁFICO
ESTUDIO
ZOOM SPOT
MAESTROS
ALBERTO
DE AGOSTINI
SU PATAGONIA
EN SEPIA
DETRÁS
DE ESCENA
EL PAISAJE
ASTRONÓMICO
ENTREVISTA
EXCLUSIVA
GIANNI
BERENGO
GARDIN
LEYENDA DEL
FOTORREPORTAJE
Febrero/Marzo 2016
Ed Digital 03
Edición Anual Gratuita
HISTORIAS
LOS 14
AMBROTIPOS DE
MAURICIO
TORO GOYA
ILUMINACIÓN
EL TAMAÑO
RELATIVO DE LA
FUENTE
EMPRENDEDORES
PEPO FERNÁNDEZ
EN TIEMPO RÉCORD
RESEÑAS
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NIKON D500
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SUMARIO
Febrero
Marzo 2016
C Eduardo Schaberger Poupeau, Nota Detrás de escena,
Fotografía del paisaje astronómico
8 AGENDA, NOVEDADES, LIBROS
10 DETRÁS DE ESCENA A Fotografía de paisaje
astronómico
Eduardo Schaberger Poupeau habla de la
técnica y el equipo que se necesitan para esta
especialidad.
18 EMPRENDEDORES A A la velocidad de la luz
Pepo Fernández hizo una carrera meteórica.
Cuenta cómo.
24 ENTREVISTA A Gianni Berengo Gardin
Es uno de los padres del fotorreportaje. Lo
llaman el Cartier-Bresson italiano. Sus fotos y
una charla exclusiva con Contrastes.
40 ESTUDIO A Zoom Spot
Un tipo de iluminación muy utilizado en el teatro.
Se logra con un flash y les mostramos cómo.
44 HISTORIAS A El pasado golpea en 14
estaciones
Una serie de 14 ambrotipos del artista chileno
Mauricio Toro Goya.
50 ILUMINACIÓN A El tamaño relativo de la
fuente
Un ejemplo de cómo “fabricar” una fuente a la
medida del sujeto.
54 MAESTROS A Alberto De Agostini (1883-1960)
Cura y fotógrafo. Fue cautivado por la soledad de
la Patagonia y la ilusión de sus paisajes.
62 FORMATO RAW A Cinco entregas sobre este
tema que empiezan en la próxima edición papel
(Abril-Mayo 2016).
66 RESEÑAS A Nikon D5 / Nikon D500 / Nikon
KeyMission 360º
director
Nicolás J. Silberay Pérez
editores responsables
Nicolás J. Silberay Pérez
Guillermo Cantón
Dora Becher
editora de contenidos
Dora Becher
editor fotográfico
Guillermo Cantón
dirección de arte
Hernán Salas
foto de tapa
Cézaro de Luca
corrección
Julia Padin
colaboradores
María Ignacia Pentz, Cézaro de Luca,
Eduardo Schaberger Poupeau, Alejandro
Calderone, Manuel Castrillón y Fernanda
Soulé.
impresión
QuadGraphics
correo de lectores
lectores@contrastesmag.cl
distribución comercial
Meta
responsable comercial
publicidad@contrastesmag.cl
SILBERAY BECHER CANTON LATAM SPA
Apoquindo 5583, Oficina 91, Las Condes, Santiago.
lectores@contrastesmag.cl
FE DE ERRATAS:
La fotografía de tapa en la ediición Agosto/
Septiembre 2015 Contrastes Chile fue
realizada por el Sr. Antoño Pafundi.

AGENDA, NOVEDADES, LIBROS
EXPOSICIONES
LIBROS
C RETROSPECTIVA - SERGIO LARRAÍN
Interrumpió su carrera para potenciar su faceta más espiritual.
Antes de eso, Sergio Larraín, un maestro de la fotografía en Chile
y el mundo, construyó una carrera y una obra brillante. Es por eso
que, como parte de una itinerancia mundial que se inició en Francia
en 2013 –y que en 2014 arribó al Museo Nacional de Bellas Artes–,
llega a Valparaíso Sergio Larraín, Retrospectiva. Son 120 fotografías
en las que se repasa su carrera, desde sus años de aprendizaje hasta
sus trabajos en Magnum Photos, incluyendo sus dibujos y satori.
Hasta el 30 de marzo en el Museo de Bellas Artes de Valparaíso,
Palacio Baburizza.
C LA PLAYA – SAMUEL ROJAS GARRAU
A fines de la década del sesenta, Samuel Rojas Garrau (1917-2003)
comenzó a fotografiar la vida nocturna de Santiago, que en ese momento
tenía como centro de actividades el mítico Bim Bam Bum. A
diferencia de otros fotógrafos de la época, Rojas Garrau se lanzó al
color. Fue así como en una búsqueda más personal encontró en los
balnearios de la zona central de Chile, como Las Cruces, Algarrobo
y Cartagena, un espacio para hacer un trabajo más ocasional, curioso
e inquieto. La playa es, finalmente, una primera aproximación
a la obra casi desconocida de este fotógrafo. Desde el 22 de febrero
hasta el 6 de marzo, en el Centro Cultural Estación Mapocho.
a EL CALENDARIO
PIRELLI: 50 AÑOS Y
MUCHO MÁS
Luego de su primera
publicación en 1964 se
transformó en una leyenda.
El calendario Pirelli cumplió
50 años y para celebrar el
medio siglo se editó una
retrospectiva con todos los
calendarios que muestran a
las modelos tomadas por fotógrafos de la talla de Richard Avedon,
Peter Beard, Patrick Demarchelier, Nick Knight, Karl Lagerfeld,
Annie Leibovitz, Peter Lindbergh, Sarah Moon, Helmut Newton, Uwe
Ommer, Mario Testino y más. También incluye imágenes inéditas de
los rodajes, otras que fueron censuradas, y hasta el calendario de
1963 que nunca vio la luz. Ed. Taschen.
a 2 TIEMPOS - CARLOS RIVERA Y
PABLO ORTIZ
El chileno Carlos Rivera Segovia y el
mexicano Pablo Ortiz Monasterio se conocieron
en un taller sobre foto-libros
en el Festival Internacional de Fotografía
Valparaíso 2013. Se pasaron días enteros
en la antigua cárcel del puerto, analizando
libros fotográficos. Terminado el evento,
formaron un pequeño colectivo para desarrollar
un libro a partir de las fotografías que tomaron en el puerto
chileno. El trabajo en blanco y negro, y parte de un proyecto que
comenzó en los setenta, fue el aporte de Rivera. El color, en cambio,
es el resultado de dos viajes fugaces que Ortiz realizó a Valparaíso.
Ed. Lom.
a MÚSICA SIN FLASH – RODRIGO
FERRARI
Lo que comenzó en 2007 como una
excusa para entrar gratis a los conciertos,
se transformó para el fotógrafo y
abogado Rodrigo Ferrari, en la única
forma de vivirlos: con cámara en mano
y un bolso lleno de lentes. Así es como
nace Música sin flash, con más de 80
fotografías de conciertos y festivales realizados en Chile entre 2010
y 2014. Escenas captadas a pocos centímetros de artistas y bandas
como Kanye West, Morrissey, Pulp, Hot Chip y más. Con fotografías
impresas tal cual se tomaron, sin reencuadres ni flash.
8 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016

DETRÁS DE ESCENA
Fotografía del
paisaje astronómico
Retratar el cielo pero incluyendo referencias cercanas como árboles, edificios o montañas es
una rama de la astrofotografía que apasiona a Eduardo Schaberger Poupeau. Este fotógrafo
habla aquí de la técnica, los conocimientos y el equipo que se necesitan para sumarse a esta
especialidad.
Texto y fotos EDUARDO SCHABERGER POUPEAU
C Molino y Vía Láctea. Fuji X-T1, ISO 3200, f/2 y 20 segundos de exposición
con un lente Rokinon 12mm f/2.
10 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016

La vida moderna nos alejó de una práctica que era muy
común cuando no había televisión u otros entretenimientos
“dentro de casa”, la de observar el cielo y sus estrellas.
Pero las estrellas siguen ahí, sólo falta alejarse un poco de las
ciudades y su contaminación lumínica para poder volver a
disfrutarlas.
La fotografía de paisaje astronómico es una rama de la astrofotografía,
que consiste en retratar el cielo, pero dándole un marco
de referencia al incluir objetos más cercanos (árboles, molinos,
edificios, montañas, etc.) Nos permite recordar la inmensidad que
nos rodea, y nos pone en perspectiva frente al universo.
EQUIPO NECESARIO
Para realizar este tipo de fotografías, generalmente, se usan
cámaras réflex o mirrorless con lentes angulares. De esta manera
podemos realizar exposiciones prolongadas con la cámara fija
sobre un trípode, sin que se note el movimiento de las estrellas
ocasionado por la rotación terrestre.
Existe una regla conocida como la de los “quinientos” que
nos ayuda a determinar cuál debe ser nuestro tiempo máximo
de exposición para que las estrellas sigan siendo más o menos
puntuales. La fórmula que debemos utilizar es la siguiente: 500/
distancia focal/factor de recorte de nuestro sensor (cuando no
FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 11

DETRÁS DE ESCENA
c Capilla rural y la Vía Láctea. Toma única de 25 segundos
de exposición a f/2.8 e ISO 3200.
“Lo mejor es realizar nuestras sesiones en noches sin luna
para poder obtener los mejores resultados, ya que de otra
manera su intensa luz logrará ocultar el brillo de las estrellas
más débiles”.
usemos una cámara full frame). Como ejemplo, si tenemos una
Canon T5i con el lente 18-55 (usándolo en 18mm), el cálculo sería
500/18/1.6=17,3. Nuestro tiempo máximo de exposición entonces
será de unos 17 segundos.
Lo ideal es usar cámaras con sensores full frame y lentes muy
luminosos para obtener los mejores resultados. Pero con cualquier
réflex y el lente de “kit” 18-55mm se puede empezar a disfrutar
de esta apasionante especialidad fotográfica que nos permite
registrar el maravilloso cielo estrellado y poder contemplar cosas
invisibles a nuestro ojo a simple vista.
TÉCNICA GENERAL
Para planear nuestra sesión fotográfica tenemos que tener en
cuenta varios aspectos. En primer lugar, el cielo va variando al
cabo de los meses y la posición de la Vía Láctea también. Para
prever esto nos es de mucha ayuda el uso de softwares como
“Stellarium” (http://www.stellarium.org/es/). Este planetario nos
permite ver en tiempo real cómo se ve el cielo desde el lugar que
elijamos. También podemos disponer de una hora y fecha determinada,
entre otras muchas funciones. Es un software gratuito
para nuestra PC y también existe la versión para dispositivos
Android (no es gratuito pero es bastante económico).
Un tema importante a tener en cuenta es elegir el lugar desde
donde vamos a hacer nuestra foto y tratar de encontrar un paisaje
que tenga algo interesante para contraponer con el cielo.
Siempre es conveniente visitar previamente el lugar que utilizaremos
para asegurarnos de que no haya peligros difíciles de
detectar en la oscuridad de la noche.
12 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016

c Cometa Mc Naught. Exposición de 15 segundos, ISO 800
y f/4. Canon Xti con lente Sigma 70-300mm.
FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 13

DETRÁS DE ESCENA
“Siempre es conveniente visitar
previamente el lugar que
utilizaremos. Así nos vamos
a asegurar de que no haya
peligros difíciles de detectar en
la oscuridad de la noche”.
C (arriba) El arco de la Vía Láctea sobre una capilla rural. Panorámica
compuesta por 13 fotos de 20 segundos de exposición cada una a f/3.5 e
ISO 3200. Canon 6D, lente Tamron 15-30mm f/2.8.
C (abajo) Panorámica de la Vía Láctea compuesta por 14 fotos verticales.
Cada toma está hecha a ISO 3200, f/3.2 y 20 segundos de exposición con
una cámara Canon 6D y un lente Tamron 15-30mm f/2.8.
Lo mejor es realizar nuestras sesiones en noches sin luna para
poder obtener los mejores resultados, ya que de otra manera su
intensa luz ocultará el brillo de las estrellas más débiles.
Una vez elegido el lugar, la hora que más nos conviene y el
encuadre, comenzaremos con la captura de nuestra imagen. La
cámara debe estar sujeta a un trípode lo suficientemente firme
para soportar el peso de nuestro equipo. Aplicando la regla de los
“quinientos”, determinaremos cuál es el tiempo máximo de exposición
recomendado (cuanto menor la distancia focal de nuestro,
lente mayor va a ser el tiempo que podremos exponer).
En este tipo de fotografía debemos tratar de acumular la
mayor cantidad de luz posible, por lo que usaremos diafragmas
bien abiertos y valores de ISO altos. Este último parámetro va a
depender un poco del equipo utilizado: algunos nos permitirán
usar valores ISO muy altos para obtener muy buena calidad de
imágenes. Como punto de partida recomiendo un ISO 1600, aunque
también utilizo valores de 3200 y hasta 4000. Es muy importante
realizar nuestra captura en formato RAW, ya que nos va a
permitir tener una mayor flexibilidad en la edición.
14 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016

c (arriba) Conjunción de los planetas Venus y Júpiter (doble lucero) sobre
una formación ferroviaria en movimiento. ISO 1000, f/4, 8 segundos de
exposición. Canon 6D con lente Canon 16-35mm f/4 L IS.
c (abajo) Paso de la ISS (Estación Espacial Internacional). Composición de
6 fotos e ISO 1000, f/3.5 y 20 segundos de exposición. Canon 6D con lente
Tamron 15-30mm f/2.8.
FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 15

DETRÁS DE ESCENA
16 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016

C Yo con la Cruz del Sur a mi espalda y con mi cámara montada sobre un
astro tracker Sky Watcher.
A Mi equipo para fotografía de cielo profundo, fotografiando la Gran
Nebulosa de Orión.
a Paisaje rural con la Vía Láctea. ISO 4000, f/4 y 30 segundos de
exposición. Canon 6D con lente Canon 16-34mm f/4 L IS.
También es muy aconsejable activar la reducción de ruido por
larga exposición. Entonces, la cámara inmediatamente después
de tomada nuestra fotografía, hará otra de la misma duración sin
abrir el obturador, para poder disminuir el ruido que se produce
por el calentamiento del sensor. La reducción de ruido por altos
ISO es mejor desactivarlo y aplicarlo en el momento de la postproducción,
en la medida que nos sea más conveniente para no
perder detalles. Además, es muy aconsejable utilizar el bloqueo de
espejo y un disparador remoto para reducir al mínimo las vibraciones
que se producen al momento del disparo.
Otro tema importante es el enfoque. El autofoco de ninguna
cámara nos va a servir en estas condiciones, por lo que deberemos
usar el foco manual. Como punto de partida pondremos el
anillo de enfoque en la marca de infinito, buscamos una estrella
muy brillante, y ayudados por el live view de nuestra cámara y
utilizando la máxima magnificación que nos permite (generalmente
10x), moveremos el enfoque hasta que nuestra estrella se
vea lo más pequeña y puntual posible.
TÉCNICAS ESPECIALES
Cuando queramos fotografiar todo el arco de la Vía Láctea deberemos
generar una foto panorámica, ya que ningún lente nos
va a permitir fotografiarla en su totalidad. La metodología es
similar a cuando hacemos una panorámica de día, sólo que cada
uno de los disparos va a ser de larga exposición. Consejo: hacer
las fotos en modo vertical para poder captar la mayor cantidad
de cielo posible. Si bien hay programas dedicados a unir las fotos
que tomemos, Photoshop y Lightroom también pueden hacerlo
bastante bien.
Muchas veces la silueta de un árbol recortado frente a un cielo
estrellado puede funcionar muy bien, pero también este tipo
de fotografía se presta para combinarla con la técnica del “light
painting” o pintado con luz. Podemos dar rienda suelta a nuestra
creatividad e iluminar con flashes o linternas las cosas que más
nos interesen del paisaje. Un vehículo abandonado correctamente
iluminado o una vieja casa de campo pintada con los colores
de un flash pueden realzar una imagen del cielo estrellado.
PROCESO DE LA IMAGEN
La edición de los archivos RAW es muy flexible y nos permitirá
corregir muy bien los dominantes rojizos que tienen los cielos en
este tipo de fotografía, producidos por la contaminación lumínica.
Deberemos tener cuidado al realizar esa corrección, para no
virar los colores del paisaje terrestre.
En muchos casos un ajuste global no va a ser del todo correcto
y tendremos que procesar la imagen por partes. En este sentido,
Lightroom es muy poderoso con su filtro radial, filtro de degradado,
etc.
De todos modos, como en todo proceso creativo, no hay fórmulas
para la edición de estas fotografías. Sí vamos a encontrar,
buscando en la web, muchos filtros o plugins que sirven para
darle aspectos diferentes a nuestras fotos; pero seremos nosotros
y nuestro gusto los que decidiremos el aspecto final de cada imagen.
Á
FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 17

EMPRENDEDORES
A Pepo Fernández
A la velocidad
de la luz
Pepo Fernández descubrió su talento como fotógrafo a los 14 años y desde entonces no paró: a los
16 ya publicaba en reconocidas revistas nacionales y a los 17 hizo su primera campaña de retail.
Haber triunfado de adolescente no le impide ahora, con 21 años, replantear su trabajo y buscar
nuevos objetivos dentro de la fotografía.
Texto MARÍA IGNACIA PENTZ
-¿Pepo está atrasado o qué?
-Pepo soy yo.
Quien respondía desde el otro lado de la mesa, ante más de
una expresión de sorpresa, era Pepo Fernández de 17 años,
y vestido con uniforme de colegio. Ya habían pasado diez
minutos desde la hora acordada y esperaban. Hasta ahí nadie se
había dado cuenta de que el fotógrafo estaba sentado junto a las
modelos, listo para empezar la reunión. Fernández había ido a
una presentación con Ripley. Era su primera campaña, pero no su
primer trabajo. Ni tampoco la primera vez que lidiaba (y lidiaría)
con esas caras de sorpresa.
Pepo Fernández tiene ahora 21 años y es, ante todo, un autodidacta.
Hizo su primera editorial de moda, sin saber qué era una
editorial de moda, a los 15. Luego debutó con una portada en The
Newspaper, un fanzine, y a los 16 empezó a publicar en medios
establecidos como revista Ya, Cosas, Paula, Caras y Vanidades.
De ahí en más: producciones, editoriales, books, campañas, viajes,
exposiciones, test y más publicaciones. Hoy ya no vive en Chile;
hace un año y medio se fue a estudiar Fotografía al London
College of Comunnication, mientras acá lo representa la agencia
y productora Republik. Aun estando lejos, su nombre no deja de
sonar y su trabajo no deja de verse, ni acá ni en otros países: está
preparando publicaciones para Chile, México, Estados Unidos,
Inglaterra y más.
“Cualquier representación
tradicional de lo que es
masculino y lo que es
femenino me aburren.
Prefiero rechazar algo a
sacrificar todo lo que yo creo.
Hay que ser coherente”.
OBJETIVOS CLAROS
Quería ser doctor, como sus papás, sin embargo, de la nada, a los
14, tomó una point and shoot que había en su casa y comenzó a
fotografiar sin propósito, sin un objetivo. Sus amigas modelaban
para él y luego esas fotos las subía a Facebook. Sin esperarlo, a la
gente le gustó lo que hacía. “De repente, me empezaron a llamar
18 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016

FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 19

EMPRENDEDORES
20 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016

a Selección de su portfolio personal 2016.
c Selección de su portfolio personal 2016.
c Selección de su portfolio personal 2015.
“Causé mucho ruido porque nunca se ve a un pendejo de
16 teniendo publicaciones en revistas establecidas, es una
cuestión demasiado rara”.
amigas de mis amigas preguntándome cuánto cobraba por hacerles
un book. Ahí pensé: ‘Ah, puedo sacarle plata a esto’. Entonces
empecé a hacer books, los seguí subiendo a Facebook y me creé una
página web, que era más un blog en verdad”.
Poco a poco, gracias al boca a boca y a los diferentes trabajos
que iban saliendo, entró al ambiente de la moda. Trabajaba en
Si te he visto no me acuerdo, un sitio de fotos sociales por el que
constantemente asistía a eventos. Se hizo amigos, construyó
contactos y redes que no tenía; Fernández era totalmente ajeno a
ese mundo. “Causé mucho ruido porque nunca se ve a un pendejo
de 16 teniendo publicaciones en revistas establecidas, es una cuestión
demasiado rara. Me hicieron muchas entrevistas y más gente
me conoció, se corrió la voz y ahí ya estaba dentro”. Eso sí, no sin
antes tener que romper una barrera obvia: la edad. “Siempre tenía
que estar probando que era bueno. Había clientes que no conocían
tanto mi trabajo y les decían: ‘Trabaja con el Pepo’, y conocían al
Pepo y era como ‘pero este huevón está en segundo medio, ¡cómo va
a sacar fotos para mi marca!’”.
Fue a los 15 años cuando decidió que sería fotógrafo de moda,
y no fue fácil: “Yo estaba en el colegio. Humildemente hablando,
yo soy súper mateo, súper inteligente, pero me empezó a ir pésimo
porque ya no tenía interés, lo único que hacía era trabajar. Me
exploté mucho. Para mí era la única manera de que la gente me
tomara en serio. Entre retocar, hacer fotos y los trabajos del colegio,
era demasiado. Yo en tercero y cuarto medio prácticamente dormía
tres horas al día. Era terrible”. Y aunque fuera del colegio, hoy
sigue a ese ritmo: “Creo que tuve una presión que no mucha gente
tuvo. Además siempre he sido súper autoexigente. Me levanto y
me acuesto hablando y pensando en la pega. Y si no estoy frente al
computador, estoy detrás de la cámara. Es parte de mí. Yo soy fotógrafo
no porque tengo una cámara, soy fotógrafo porque es una
manera de pensar más que una cosa mecánica”.
FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 21

EMPRENDEDORES
b Campaña Subito SS16.
c Selección de su portfolio personal 2016.
“Era demasiado hacer fotos, retocarlas y cumplir con los
trabajos del colegio. Yo en tercero y cuarto medio dormía,
prácticamente, tres horas al día. Era terrible”.
SU NUEVA PRODUCCIÓN
Pepo Fernández comenta que se lanzó a la fotografía de moda
porque encontró allí un espacio para retratar, que era lo que finalmente
le interesaba. Pero, en 2014, antes de irse de Chile, se sintió
agobiado: “Sí, soy fotógrafo de moda, pero creo que la moda va
mucho más allá de la ropa. Por eso ahora logro decir ‘soy fotógrafo
de moda’ sin sentirme avergonzado. Antes lo decía, pero sentía que
no estaba haciendo absolutamente nada con mi fotografía. Sobre
todo porque yo soy súper político, trabajo mucho con el tema de
género. Y que tu práctica artística no tenga contenido político es
súper frustrante”. También confiesa que necesitaba encontrar
otro espacio para desarrollar su creatividad y por eso viajó a
Londres. Allí soltó los cánones y estéticas establecidas, y comenzó
a trabajar en análogo, a revelar, a tocar sus imágenes, a tener
consciencia de la materialidad; a valorar el grano, la textura, y
dejar de buscar que todo se vea digital. A manipular los negativos,
romperlos, echarles cloro. También a preferir colores desaturados
y una estética más cruda. “Más punk”, como él la describe. Y
al mismo tiempo salir de la estética mujer-sexy-glamour: “La
manera en que fotografío a una mujer o a un hombre es súper delicada,
pero, al mismo tiempo, súper agénero. Y les doy las mismas
indicaciones a la hora de posar frente a la cámara”.
Andróginos, transexuales, hombres muy afeminados, mujeres
muy masculinas, rostros con ojos separados, cabezas rapadas,
rasgos extraños. Eso es lo que busca Pepo Fernández para fotografiar.
Todo eso que, en general, no se ve en las revistas de moda:
“Cualquier representación tradicional de lo que es masculino y lo
que es femenino me aburren. A mí no me interesa fotografiar a una
mujer con un pelo voluminoso, con ondas, labios rojos, un vestido
apretado y unos tacos. Me muero de aburrimiento, prefiero no
hacerlo. Lo mismo que cuando me piden ‘que el hombre se vea masculino’
o ese tipo de cosas… Altiro les paro los carros. A mí me da lo
mismo perder una pega por anteponer mi estética. Prefiero rechazar
algo a sacrificar todo lo que yo creo. Hay que ser coherente”. Á
22 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016

FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 23

ENTREVISTA EXCLUSIVA
A Barco en el río Sena. París, 1954.
Gianni
Berengo
Gardin
“Hasta mis sueños
son en blanco y negro”
Es uno de los pioneros del fotorreportaje. Trabajó con Cartier-Bresson y aún hoy sigue haciendo
fotos, reflexionando sobre el oficio y sobre cómo posicionarse frente a la tecnología. El colega
Cézaro De Luca lo entrevistó para Contrastes en su casa-estudio de Milán. Aquí la nota y algunos
trabajos de este célebre fotógrafo italiano.
Texto y foto de tapa CÉZARO DE LUCA
En Italia lo consideran el que mejor ha retratado la vida
cotidiana de su país en los últimos 50 años. Gianni Berengo
Gardin tiene hoy 85 años y el mismo fervor de siempre por
la fotografía. Admirador de Cartier-Bresson, éste lo eligió junto a
otros 79 fotógrafos en 2003, un año antes de su muerte, para participar
de la exposición “Les choix d’Henri Cartier-Bresson”. “En
1958 hicimos juntos un libro para Olivetti sobre un establecimiento
que tenían en Pozzuoli, Nápoles. La experiencia fue excepcional.
Luego nos encontramos varias veces. Una fue durante el Festival
Internacional de Fotografía de Arlès, donde me regaló un libro con
una dedicatoria extraordinaria: ´A Berengo, con la amistad y la
admiración de Cartier-Bresson´, decía. Para un fotógrafo contar
con su admiración es todo”, dice el fotógrafo italiano.
Berengo comenzó su carrera de reportero gráfico en 1965
para El Mundo y en los años siguientes colaboró con los principales
periódicos nacionales e internacionales como Le Figaro,
L´Espresso y Tiempo. Su ojo agudo para reconocer las diferentes
realidades lo han llevado a destacarse también en otras disciplinas
como la documentación arquitectónica, la de paisajes y
en la fotografía publicitaria, con trabajos hechos para Procter &
Gamble, entre otros. Además, cuenta con otro récord: ha publicado
254 libros de fotos. “Trabajé más con las editoriales que con
los diarios. La mayoría de las veces me buscaba un sponsor y luego
ofrecía el proyecto a un editor”, dice este fotógrafo que se describe
a sí mismo como autodidacta y agrega: “Hice algunos cursos específicos
en Leica, Linhof, Agfa y Kodak, pero después me dediqué a
estudiar de los libros. Con los libros se aprende todo”.
–¿Hubo otros factores que lo hicieron evolucionar y progresar
como fotógrafo?
–Mi fotografía fue siempre similar. El salto de calidad y de interés
lo hice en mis inicios. Resulta que tenía un tío que vivía en
24 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016

FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 25

C Hospital psiquiátrico. Parma, 1968.
26 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016

FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 27

C En un barco a vapor. Venecia, 1960.
“À Berengo, con la amistad
y la admiración de Cartier-
Bresson´, decía la dedicatoria
de un libro suyo que me
regaló. Para un fotógrafo
contar con su admiración es
todo”.
Estados Unidos y era amigo de Cornell Capa, director de ICP
(International Center of Photography) en Nueva York. Así que
le pidió sus consejos, sabiendo que me interesaba la fotografía.
Capa le sugirió que debía ver unos libros de fotógrafos de
reportajes como los de Dorothea Lange, Eugene Smith, William
Klein, Cartier-Bresson. Una categoría de fotógrafos que hoy,
prácticamente, no existe más. Cuando los vi dejé el amateurismo.
Comprendí que la fotografía podía ser un trabajo, una profesión
con compromiso social para contar las cosas que me interesaban.
Luego, no cambié casi nada más.
–¿Y ha aprendido de sus colegas?
–El bar Jamaica, en Milán, era el lugar donde se juntaban todos
los grandes artistas, pintores y fotógrafos de los años 50, como
Ugo Mulas, Mario Dondero y Uliano Lucas. Yo estaba haciendo
mis primeras armas. Así que iba allí y me quedaba en un rincón,
calladito, escuchándolos. Aprendí mucho, especialmente, de Ugo
Mulas. Siempre le decía: ´Qué linda esta foto´. Hasta que una vez
me encaró: ´Me ofendés diciéndome que mis fotos son lindas´.
´¿Qué debo decir entonces, si para mí linda es buena?´, le pregunté.
´Eso, decí buena´, me contestó.
28 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016

C Celebraciones de Semana Santa. Sevilla, 1960.
–¿Usted también se ofende si a sus fotos las describen como
lindas?
–Una fotografía bella puede tener una linda composición, ser técnicamente
correcta… Pero no expresar nada. En cambio, una foto
buena puede estar un poco desenfocada o movida, pero dice algo.
Desde la conversación con Ugo he intentado hacer sólo fotos buenas,
aunque por trabajo también las debo hacer bellas. La gente
además de valorar las fotos buenas aprecia las que son lindas.
–Cuando los alemanes entraron en Italia, le quitaron a la gente
las cámaras. ¿Cree que la foto sigue siendo una herramienta de
concientización social?
–Sí. Cartier-Bresson decía que las fotos no se hacían con la
cámara fotográfica sino poniendo en el mismo eje la cabeza, el
ojo y el corazón. Y eso no cambió. Tampoco el rol del fotógrafo
como testigo. Además, una buena foto se puede hacer tanto con
una cámara digital como con la analógica. Yo hace más de 20 años
que no hago fotos color. El color distrae. Crecí con la televisión
en blanco y negro, y todos mis maestros de fotografía, desde los
estadounidenses que veía en los libros hasta los franceses que
frecuenté, como Robert Doisneau y Philippe Dubois, hacían fotos
en blanco y negro. Por otro parte, el blanco y negro es el dúo más
eficaz para mis reportajes, más crudo, más gráfico, más interesante.
Igual, no tengo opción. Hasta sueño en blanco y negro…
–¿Cuál es su relación con el cine?
–Me gusta el neorrealismo italiano, ese movimiento cinematográfico
que surgió durante la primera mitad del siglo XX como
una reacción a la Posguerra y para mostrar condiciones sociales
más auténticas y humanas. Y siento que ha tomado elementos de
la fotografía –nunca al revés–, porque la fotografía es en sí misma
neorrealista. Las personas que van por la calle son actores que
improvisan para la lente del fotógrafo.
–¿La fotografía callejera es una buena escuela para ejercitarse
en este oficio?
–Para hacer fotografía callejera hay que tener una idea. Me
parece insólito que los fotógrafos amateurs digan: ´hoy salgo con
la cámara, quizá encuentro algo interesante´. No se puede partir
de una casualidad, sino de una idea clara, de un proyecto fotográfico,
e ir a la búsqueda del sujeto. La composición y la técnica son
importantes, pero a mí me interesa el sujeto y el tema que elegí.
FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 29

C Mujer en su habitación. India, 1977.
30 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016

FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 31

ENTREVISTA EXCLUSIVA
A Plaza San Marco. Venecia 1959.
“A mí no me interesa utilizar la fotografía para hacer ´obras
de arte´, ni pasar por artista, como es la tendencia hoy. La
verdadera fotografía sólo debe contar historias y comunicar”.
–Usted pertenece a una generación de fotógrafos famosos, ¿qué
obras admira de sus contemporáneos?
–El trabajo sobre los gitanos de Josef Koudelka, sin dudas.
Sebastiâo Salgado es demasiado “grandioso”, hace demasiadas
cosas. Para nosotros, los fotógrafos italianos, es inalcanzable. Hay
que tener mucho presupuesto para hacer lo que él hace.
PROFESIONALES VS. AMATEURS
Berengo, como familiarmente lo llaman todos en Italia, recibió
grandes premios como el World Press Photo, en 1963; el Premio
Brassaï, en París, en 1990; el Leica Oskard Barnack, en Arlès, en
1995; el Premio Lucie a la Trayectoria, en los Estados Unidos, en
2008; entre otros. Sus obras fueron presentadas en más de 200
exposiciones individuales en Italia y el mundo y son parte de las
colecciones de varios museos y fundaciones culturales como el
Centro Nacional de Grabado de Roma, el Museo de Arte Moderno
de Nueva York, la Maison Europea de la Fotografía y la colección
de fotos FNAC de París.
A fines de agosto de 2015, su muestra “Mostri di Venezia”
(Monstruos de Venecia) dio qué hablar. Trataba sobre las grandes
embarcaciones y cruceros repletos de turistas que llegan a esa
ciudad. El alcalde la prohibió argumentando que daba una imagen
negativa de ese rincón geográfico tan particular. “Me quedé
mal con esa exclusión –cuenta Berengo–. Pero luego, cuando todos
los diarios del mundo como El País, Le Monde, The Guardian y The
New York Times hablaron del tema, me hicieron un favor. Ni bien
la exhibieron en otro centro, la FAI (Fondo Ambiente Italiano) en
Plaza San Marco, más de 1.200 personas la visitaron en los tres
primeros días”.
–En más de una ocasión usted señaló que descree de la fotografía
como arte, ¿sigue defendiendo esa idea?
–Con la fotografía se puede hacer arte y se puede comunicar. A
mí no me interesa utilizar la fotografía para hacer “obras de arte”,
ni pasar por artista, como es la tendencia hoy. La verdadera fotografía
sólo debe contar historias y comunicar cosas.
–Como testigo y partícipe de la fotografía de los últimos 70
años, ¿cree que viene un nuevo futuro para la fotografía?
–Un nuevo futuro no lo sé. A mí me basta con éste. Hoy con el
Photoshop se hacen cosas absurdas. Se anulan las sombras de
las fotografías nocturnas, y en las de paisajes siempre se fabrican
cielos tempestuosos. Una foto tratada con Photoshop no es más
una foto sino que es una imagen, como podría ser un dibujo. El
Photoshop debería ser abolido por ley porque es un instrumento
inadmisible en la fotografía.
–Aprovechando su experiencia, ¿qué le aconsejaría a las nuevas
camadas de fotógrafos?
–No sabría qué. No sirve más aprender la técnica porque las
cámaras modernas lo hacen todo. En cuanto a la preparación
32 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016

FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 33

34 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016

c Auto pequeño estacionado frente al mar.
Reino Unido, 1977.
FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 35

36 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016

c Campamento nómada. Florencia, 1993.
FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 37

C Plaza San Marco. Venecia 1960.
cultural –que considero lo más importante–, recomendaría que
vayan a los libros de los grandes fotógrafos para entender por qué
han hecho esas fotos. Eso es un gran aprendizaje.
–Con tanta catarata de información a través de imágenes, favorecidas
por la popularización de las cámaras digitales y teléfonos
celulares que encuentran difusión amplia e instantánea
en internet, ¿cómo hace un fotógrafo profesional para diferenciarse
de uno amateur?
–Me parece que no hay nada qué hacer. Prácticamente el oficio
de fotógrafo profesional de reportaje no existe más. Existe el de
moda, de still life, de arquitectura… Pero reportaje hace todo el
mundo. Deberían contar algo interesante y no las estupideces
que toman con los celulares. A mis alumnos siempre les decía:
“Primero piensen, luego disparen”. Ahora, hay una publicidad de
una marca de cámaras de fotos en Milán, que dice: “No pienses,
dispara”. Se “ametralla” de un modo casi irracional. Y otra de las
manías increíbles es la de mirar inmediatamente la foto sacada.
Un buen fotógrafo no tiene necesidad de verla enseguida por
miedo a que no le haya salido, sabe qué sacó. Es otra concepción
de la fotografía, y también estoy contra eso. Á
CUESTIÓN DE TÉCNICA
–¿Con qué cámara fotográfica le gusta trabajar?
–La M7, que tiene pocas diferencias con la M6, pero en ciertos
casos me interesa porque es capaz de medir la luz de manera
automática. Especialmente, para escenas con luz cambiante.
Sé que cuando Sebastiâo Salgado viaja lleva las digitales, pero
también una M6 porque dice: “La M6 no me ha traicionado
jamás”.
–¿Cuándo es el momento de cambiar de cámara?
–Nunca. Tengo una Leica M3, por ejemplo, que compré en el
54 y todavía la uso. En cambio la digital, luego de cinco a diez
años, ya no sirve: las fotos vienen con puntitos, detalles, y eso
es una complicación. La M3 la llevo con 2 M7. En lentes, sólo
gran angulares y alguna vez el 90mm. Mis lentes son el 28mm
y el 35mm, raramente el 21mm. Tengo un 24mm, pero del
28mm prefiero saltar al 21mm. El 35mm lo uso como el normal,
y cuando preciso más amplitud uso el 28mm, que además
me da más profundidad de campo. No uso casi nunca teleobjetivos
porque me dedico a los retratos ambientados. El 90mm
sólo lo uso cuando tengo que hacer propiamente retratos.
38 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016

ESTUDIO
40 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016

a La cantautora Bárbara Barale en un
escenario de ficción recreado en estudio.
Zoom Spot
Hay escenas que tienen luces tradicionales como la frontal sobre el ceño fruncido de un
interrogado o la contrapicada en un rostro de terror. El teatro también tiene las suyas. La luz
redonda que se enciende y luego aparece el personaje es un clásico en muchos espectáculos.
En realidad la produce un flash, y aquí mostramos cómo usarlo.
Texto y fotos ROBERT KINCAID • Asistente NICO FERRARI
En el teatro es habitual el uso de una
fuente de luz bien concentrada, en el
mejor de los casos concentrada con
elementos ópticos similares al objetivo
de un proyector, y con la posibilidad de
mover las lentes en frente de la lámpara
para reducir o agrandar el diámetro del
haz y a la vez hacer más o menos definido
el borde del propio haz. Eso es a lo que se
denomina un “seguidor”: una fuente que
se puede mover fácilmente y seguir los
desplazamientos en escena del artista.
Todos hemos vivido la emoción del rayo
de luz que se enciende y luego aparece
el personaje, una manera de concentrar
la atención bien probada y efectiva. El
Zoom Spot tiene esas cualidades, pero es
un flash, un poderoso flash de 4.800Ws.
Como es posible enfocar el haz, en este
caso mediante el uso de un diafragma iris
manual, también se puede utilizar como
proyector de fondos utilizando gobos,
que no son más que plantillas o stencils
que modifican la forma del haz de luz al
restringirlo y entonces dibujan figuras
sobre la superficie alcanzada. En este caso
lo utilizamos para generar esa luz clásica
de escena sobre una artista, una artista de
verdad, la cantautora Bárbara Barale.
El planteo de luces fue muy simple: el
Zoom Spot a 45 grados arriba y a la derecha
de la artista, un ángulo habitual en los
teatros. La elevamos lo suficiente como
para proyectar la sombra del personaje en
el piso. Dos luces más de contra, como si
vinieran de bambalinas, un tercer flash en
el piso detrás de la cantante iluminando el
fondo con color y un cuarto flash dirigido
al rostro desde el lateral izquierdo.
FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 41

ESTUDIO
C Toda la puesta. Podemos armar un teatro imaginario alrededor de esta puesta.
C Primera aproximación con el Zoom Spot
buscando el haz en el piso.
C La toma sin el fondo coloreado.
42 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016

C Gobos: filtros que se colocan frente al haz de
A luz para emitir figuras en lugar de áreas
circulares de iluminación, muy bien definidas.
a Como si fuese el diafragma de una cámara,
que regula la entrada de luz, éste permite
aumentar o disminuir el diámetro del haz de
luz emitido por el flash.
Tarea sencilla para el Zoom Spot, este
“aparato” está diseñado y construido para
grandes exigencias: tiene luz de modelaje,
ventilador incorporado y el haz de
luz se puede variar de 15 a 35 grados. Por
supuesto tiene soportes para filtros, gobos
y máscaras. Gran versatilidad para generar
efectos de luces de escenario. Eso sí,
tiene su peso: 14kg. Necesita un buen pie.
Nuestra intención era que en la imagen
apareciera el clásico círculo del haz de luz
en el piso, por lo que hicimos la toma un
poco picada, como si viéramos el espectáculo
desde la parte alta de un anfiteatro. El
sombrero del personaje nos obligó a poner
una luz a la altura de los ojos para borrar la
sombra que produce el Zoom Spot iluminando
desde arriba. Este tipo de flash no
es de esos elementos que vamos a utilizar
todos los días pero es de los que hacen su
tarea de forma irremplazable. Á
FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 43

HISTORIAS
El pasado
golpea en 14
estaciones
En una serie de 14 ambrotipos, el artista chileno Mauricio Toro
Goya, hace un paralelismo entre la vida de Jesús y la de una pareja
de detenidos desaparecidos durante la dictadura de Pinochet.
Texto DORA BECHER
El trabajo del fotógrafo Mauricio Toro Goya titulado Gólgota, Caravana de la
muerte, se basa en un paralelo entre la vida de Jesús y una pareja de detenidos
desaparecidos en Chile, víctimas de la Caravana de la Muerte, que se llevó a cabo
al mes del golpe de Estado encabezado por Augusto Pinochet y que significó la ejecución
y posterior desaparición de 96 personas. Catorce estaciones tuvo el calvario de Jesús y
catorce son las fotografías del relato de Toro Goya. Todas fueron realizadas con la técnica
de impresión fotográfica llamada ambrotipo, que data de mediados del siglo XIX
y que crea una imagen positiva en una placa de vidrio, mediante el proceso de colodión
húmedo.
Para la curadora de este proyecto Soledad Aguirre: “Quien llegue a aventurarse en la
obra Gólgota, Caravana de la muerte, debe estar dispuesto a impregnarse de una atmósfera
sombría y punzante, que de manera directa y frontal nos adentra en una narración
acerca de la memoria y los diálogos entre la historia y el pasado reciente. A partir de ello, el
autor cavila en torno a los complejos subtextos de cada composición, creando un corpus
alegórico en base a símbolos y elementos de la cultura popular, tales como animales u objetos
varios. Piezas, que a su vez son desplazadas en un escenario religioso impregnado de
demandas políticas”.
44 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016

c Estación 4, El juicio. (Ambrotipo 8x10 pulgadas)
FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 45

HISTORIAS
c Estación 2, Luego de la cena. (Ambrotipo 8x10 pulgadas)
c Estación 1, La felación. (Ambrotipo 8x10 pulgadas)
46 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016

c Estación 6, Tortura. (Ambrotipo 8x10 pulgadas)
c Estación 7, Violación. (Ambrotipo 8x10 pulgadas)
FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 47

HISTORIAS
C Estación 8, Fusilamiento. (Ambrotipo 8x10 pulgadas)
C Estación 9, Recogida de televisores. (Ambrotipo 8x10 pulgadas)
C Estación 10, Empaquetado. (Ambrotipo 8x10 pulgadas)
48 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016

C Estación 13, Bolsa de basura. (Ambrotipo 8x10 pulgadas)
En cuanto al autor, cuando presentó esta serie (está también en
formato libro) en Oaxaca, México, habló del proceso de construcción
de estas imágenes y dijo: “la investigación y las referencias
documentadas sobre personas que sufrieron tortura y la muerte
por los agentes de la DINA, son impactantes, muchas veces tuve
pesadillas durante el tiempo que duró el trabajo, esas mismas se
reflejan en algunas fotografías de este trabajo. He tratado de ser
lo más explícito posible, busco hacer visible algo que sólo está en
relatos y de esta forma provocar un cuestionamiento interno en el
espectador”.
Para conocer más sobre la obra del artista: www.torogoya.cl Á
EL AUTOR
Mauricio Toro-Goya nació en 1970. Vive actualmente en
Coquimbo. Tiene estudios en arte, diseño y fotografía.
Su obra reflexiona sobre la sociedad usando recursos
técnicos antiguos como base de su propuesta estética.
Desde 1990 trabaja en fotografía, con más de cuarenta
exhibiciones colectivas e individuales. Publicó 16 libros
con trabajos fotográficos en el área documental, autoral
y de investigación patrimonial, que son parte de los catálogos
de bibliotecas nacionales e internacionales. Es
ganador del Premio Fondart a nivel regional y nacional.
FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 49

ILUMINACIÓN
El tamaño
relativo de la
fuente
En diferentes números de Contrastes hemos dicho que el tamaño de la fuente se mide en función
del área que ocupa en el campo visual del sujeto/objeto fotografiado. En este ejemplo veremos
cómo “fabricar” una fuente a la medida del sujeto y de nuestras posibilidades.
Texto y fotos GUILLERMO CANTÓN
50 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016

a Baquet de Angel Lovalvo, Campeón 1937-39. Colección
del Museo del TC, Autódromo Mouras, La Plata.
c Tercera pared construida con un banner recubierto por tela blanca (friselina). Como
se aprecia, el área iluminada por los flashes es similar al tamaño del vehículo.
a mayoría de los
modificadores de luz
y ejemplos de iluminación
se refieren a
personas, y a cómo
iluminar retratos en
general. Tenemos a la figura humana
como referente para casi todas estas
cuestiones, somos antropocéntricos. Más
aún, en fotografía casi siempre el modelo
es “la” modelo. Digamos que la práctica
fotográfica es más vale feminicéntrica…
Este criterio también es válido para los
planos. Primer Plano, Plano Medio, Plano
Americano, todo es en referencia a la
figura humana.
Bien, ¿y qué pasa cuando fotografiamos
elementos con otras dimensiones
y formas? Este es un caso. Tenemos que
fotografiar un antiguo vehículo de competición
y dada la situación hay que iluminarlo.
El auto está en un clásico galpón
y podemos disponer para la toma de una
esquina, un ángulo interior con dos paredes
blancas. Buen comienzo. Nos falta una
tercera pared. Desde arriba no podemos
hacer nada, una pena. No tenemos elementos
ni tiempo para inventarlos. La tercera
pared la fabricamos con un gran banner,
que la providencia nos dejó en el lugar,
cubierto por una tela blanca (Foto 01).
En general, a los automóviles les viene
bien una iluminación con fuentes relativamente
grandes. El clásico recurso es
fotografiarlos en exteriores, cuando el sol
se puso y la luz proviene de toda la bóveda
celeste. ¿Por qué? Porque de esa forma no
vamos a tener reflejos especulares, ni puntos
de luz sobre las superficies. Pero en
este caso no era posible: la foto se hizo una
mañana de lluvia torrencial.
Por suerte, en el lugar disponemos de
dos paredes blancas que iluminadas con
sendos flashes nos van a proveer de una
FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 51

ILUMINACIÓN
C Desde este ángulo vemos los flashes que iluminan el banner, y el que
está detrás del auto hacia la pared.
c Los dos flashes directos al auto, sombras y brillos molestos.
52 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016

C (arriba) Motor iluminado con flash directo.
Atención a las sombras de los cables
proyectadas.
C (abajo) La misma toma con el paraguas,
desaparecen las sombras duras y los
volúmenes se aprecian mejor.
a Un paraguas de generosas proporciones es
muy efectivo a la hora de fotografiar
volúmenes complejos.
luz bien envolvente. Con la ayuda del
banner y la tela blanca nos hacemos de
una tercera pared blanca que también
transformamos en una gran fuente, en
relación al vehículo. La tela la podemos
usar para reflejar o refractar la luz. En este
caso sería imposible hacer pasar la luz de
los flashes por la tela como si fuese una
gran caja de luz, no hay espacio para eso.
Es más sencillo y práctico hacerlos reflejar
o rebotar.
Entonces, ponemos los flashes en el piso
apuntado hacia la tela de manera que el
área que iluminen ocupe una distancia
similar al largo del auto (Foto 02). Si apuntamos
los flashes directos hacia el auto
vemos como se producen sombras marcadas,
reflejos especulares y brillos molestos
(Foto 03). Por esta razón, si queremos tener
una luz envolvente, sin reflejos y sombras
marcadas, tenemos que generar una
fuente grande.
Recordemos que el tamaño relativo está
dado por el espacio que ocupa la fuente
en el campo visual del sujeto. Cómo ve
la fuente al sujeto fotografiado. En este
caso generamos tres fuentes grandes, las
paredes y el banner; y le agregamos una
cuarta fuente, un paraguas traslúcido de
1.20m de diámetro enfrente del automóvil.
Aunque el paraguas es considerablemente
más pequeño que las paredes, la forma
del vehículo –la trompa, especialmente–
permite que lo utilicemos sin riesgos de
reflejos puntuales.
El resto es la relación de intensidades
entre las cuatro fuentes que iluminan el
móvil. En este caso sobreexpusimos el
fondo para borrar detalles de la construcción
y marcar un contraluz.
EN SÍNTESIS:
1. El tamaño de la fuente es decisivo
en cuanto al resultado buscado.
2. El tamaño de la fuente es relativo.
Depende de cómo el sujeto ve la
fuente, y su construcción puede
ser tan simple como desplegar
una tela/papel blanco donde reflejar
un rayo de luz.
¡A no achicarse! La luz es muy generosa
y con un poco de ingenio podemos crear
fuentes de cualquier tamaño. Á
FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 53

c Alberto De Agostini con su cámara.
54 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016

MAESTROS
Alberto De Agostini (1883-1960)
Su Patagonia
en sepia
Cura y fotógrafo. Fue cautivado por la soledad de la Patagonia y la ilusión de sus paisajes. Se
encomendó a iluminar a los aborígenes del sur, con su fe y con su cámara. Aquí, su historia.
Texto FERNANDA SOULÉ
La primera vez que Alberto De Agostini nació, fue en el
Piamonte italiano, un 2 de noviembre de 1883. La segunda
vez que abrió los ojos, los suyos y los de su cámara, fue en
Tierra del Fuego.
Sólo un puñado del vasto pueblo que habían sido los Onas
y Yámanas, quedaba en aquellos primeros años del 1900. La
Conquista al Desierto los había diezmado, también había modificado
su entorno y sus hábitos con la introducción del ganado. Se
estaban muriendo sin remedio y en silencio. Gracias a la misión
de protegerlos y evangelizarlos que le encargaron los salesianos,
el padre Alberto María De Agostini llegó a Tierra del Fuego en
1910. Tenía 27 años y estaba recién ordenado.
Era un hombre curioso e inquieto. La sensación de aventura le
daba la vida. No era el típico cura de pueblo, abocado a las responsabilidades
y los ritos religiosos. Era un sacerdote de profunda
vocación, pero también un joven amante de la fotografía, los viajes
y la aviación. Para la época era, sin dudas, un excéntrico.
LA MISIÓN
Los salesianos se esforzaban por preservar la cultura de los aborígenes,
agrupándolos en misiones, pero tenían gran oposición de
las familias más poderosas de la zona que los demandaban como
mano de obra barata. De Agostini trabajaba intensamente como
religioso, pero dedicaba todo su tiempo libre a explorar el territorio
fueguino y a documentar sus viajes.
“El lugar es de los más salvajes y grandiosos. Selvas, lagos,
ríos, cascadas, constituyen el pedestal de este fantástico castillo
torreado, con murallones gigantescos, acorazado de hielos, sobrepasado
por agujas de terrible aspecto que tanta seducción ofrecen
al denuedo de los montañistas”, describía en su diario, maravillado
por la Cordillera. De aquellas expediciones quedaban palabras,
pero también imágenes.
El Padre era un fotógrafo aficionado que jamás salía sin su
cámara. Para él, funcionaba como una gran herramienta de
documentación. En sus travesías, siempre buscaba los puntos
más altos del paisaje, para poder obtener las mejores vistas panorámicas
y aportar así a la cartografía de la zona que, en aquellos
años, era aún precaria y equívoca.
A principios de la década del treinta, De Agostini se aventuró a
la región de los glaciares. Ya en Santa Cruz escribía entusiasmado:
“Un panorama estupendo, indescriptible por la profunda vastedad
del horizonte y por la sublime grandiosidad de los centenares de
cumbres… Son las primeras miradas humanas que contemplan
estas soledades de hielo, entre arrebatos de alegría y atónito recogimiento…
La mirada se dirige ávida a través de aquella inmensa
extensión de nieves, de hielo y de cumbres, que la cristalina transparencia
de la atmósfera y la fulgurante luz del sol tornan aún
más nítida, y procuro escrutar sus secretos”.
A esas alturas, De Agostini ya era un hombre al que costaba
definir en unas pocas palabras: antropólogo, fotógrafo, geólogo,
FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 55

MAESTROS
56 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016

En sus travesías siempre
buscaba los puntos más
altos del paisaje para poder
obtener las mejores vistas
panorámicas y aportar así a la
cartografía de la zona.
a Mujer Selknam.
C Tierra del Fuego, familia Selknam en su toldo. Isla Grande.
etnólogo, alpinista… todo combinado con la profunda espiritualidad
de quien se ha consagrado a la fe. Sus ojos (y su lente) eran
capaces de mirar a la vez la inmensidad del paisaje y la pequeñez
de los ojos turbados de un aborigen quebrado ante la extinción de
su vida y de su pueblo.
LA CIMA Y EL LLANO
“La atracción más imponente la constituye el Monte Fitz Roy… Es
el señor de toda esta vasta región montañosa, es otro Cervino (el
monte más famoso de los Alpes), algo más modesto en cuanto a
elevación pero no menos terrible por la verticalidad de sus paredes
y la majestuosidad de su cúspide. El Fitz Roy es sin duda una de las
montañas más bellas e imponentes de la Cordillera Patagónica…”,
escribió en su diario con vehemencia. Los gauchos que lo acompañaban
contaban –entre asombrados y risueños– que De Agostini
siempre escalaba en sotana y cargado de pesados equipos de
fotografía.
En el otro extremo de la experiencia en sepia, el acercamiento
llano y fraternal a aquellos hombres apenas cubiertos por pieles
aunque las temperaturas fueran crueles, aquellos que moraban
en cuevas y vivían de la caza. Al final del día, el padre Alberto, que
FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 57

MAESTROS
C Grupo Alacaluf en su canoa.
A Tapa del Libro Andes Patagónicos, segunda edición, 1945.
Los gauchos que lo
acompañaban contaban,
entre asombrados y risueños,
que siempre escalaba en
sotana y cargado de pesados
equipos de fotografía.
58 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016

c Mujer Selknam, Tierra del Fuego.
FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 59

MAESTROS
A Cazador Selknam, Isla Grande, Tierra del Fuego.
c Glaciar Piedras Blancas y Macizo del Fitz Roy. Comparativa de toma de
De Agostini 1945/Eric Guth 2013.
EL LIBRO
El periodista Germán
Sopeña, falleció el 28 de
abril de 2001 al caer el
avión en que se dirigía
a Punta Bandera. Justo
estaba escribiendo la
biografía de Alberto De
Agostini, con quien tenía
pasiones en común, a
pesar de no ser coetáneos.
Desde el amor a la
Patagonia hasta las fotos,
que el periodista también
acostumbraba a tomar en
sus coberturas. “Monseñor Patagonia”, es un libro atractivo
que cuenta la vida y los viajes del gran explorador salesiano,
Maestro de este número de Contrastes.
60 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016

C Alberto De Agostini y el piloto Franco Bianco, Puerto Bories, 1937.
Sus ojos y su lente eran
capaces de mirar la
inmensidad del paisaje y la
pequeñez de los ojos turbados
de un aborigen quebrado
ante la extinción de su
pueblo.
había venido desde Europa a enseñar la fe y la vida casta, terminaba
siendo un humilde alumno frente a aquella vida envuelta
en naturaleza. En cada imagen tomada a los aborígenes se percibe
el vínculo fraternal, la confianza de aquella gente vulnerable
hacia el hombre detrás de la lente. Aquel que no fue con armas,
aquel que no fue a robarles, aquel que llegó para quedarse.
A medida que se volvía mayor, De Agostini necesitaba refugiarse
en Italia durante los meses más duros del invierno austral.
Allí, en la Casa Matriz de los Salesianos en Turín, murió el 25 de
diciembre de 1960. La paradoja de la vida, quiso que el hombre que
nació dos veces, se fuera un día de Navidad.
En el macizo Torres del Paine, en la Patagonia Chilena, se
levanta un inmenso monte de 2.850 metros, el más alto del
entorno. Lleva el nombre de un padre salesiano: Alberto María
De Agostini. Tiene las mejores panorámicas, las que él hubiera
elegido para grabar en su cámara. Á
FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 61

FORMATO RAW
Formato
Raw
Desde la próxima edición en papel, cinco entregas sobre el formato Raw, por el fotógrafo
Alejandro Calderone. Aquí, explica la importancia de ese formato y lo que vamos a encontrar en
cada una de las entregas.
Texto ALEJANDRO CALDERONE
El formato de archivos más común
en fotografía es sin lugar a dudas
el JPG. Éste es legible en todos los
programas que puedan mostrar imágenes
y viene por defecto activado en todas las
cámaras fotográficas existentes. Esto
es muy versátil y práctico; ocupa muy
poco espacio en las tarjetas de memoria
y cuando vemos las fotos, están buenísimas
y nos damos por satisfechos
inmediatamente.
¡Uy! ¡Si supieran…! Las diferencias
entre un JPG y un RAW de cámara son
¡enoooooormes! Deberíamos conocerlas,
sobre todo, si nos dedicamos a la fotografía
profesional. No hay excusa.
En la vieja escuela, el proceso de una
imagen comenzaba en nuestra cabeza,
pasaba por la cámara y terminaba en
el laboratorio. Hoy en día, con las nuevas
tecnologías, debería ser lo mismo
pero con muchos y mejores resultados.
Sin embargo, vaya uno a saber por qué
extraña razón, la mayoría usa JPG, se
conforma con los ajustes de cámara, algún
toque en Photoshop o Lightroom y da por
terminado el trabajo… Lo siento, pero esto
es tan espantoso como ser cirujano sin
haber estudiado medicina.
C Con una exposición promedio podremos
obtener una cantidad de tonos y detalles que
en el formato JPG sería casi imposible.
62 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016

c Veremos cómo equilibrar luces y sombras,
extraer detalles y, por qué no, convertir a
blanco y negro con la mejor escala de grises
posible.
FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 63

FORMATO RAW
C En JPG capturamos 256 tonos por color y los
comprimimos haciendo que muchos
desaparezcan. En RAW tenemos 65.000 tonos
por color que se mantienen intactos por
siempre.
En los próximos cinco números de
CONTRASTES veremos por qué el RAW
de cámara es el mejor de todos los formatos
y las enormes diferencias que hay con
el resto de los archivos. Cómo sacarle provecho
a sus cámaras y, sobre todo, cómo
procesar sus imágenes.
En el primer capítulo encontrarán una
buena base teórica para saber por qué
éste, realmente, es el formato profesional
indiscutible y se darán cuenta de por qué
la mayoría de los fotógrafos profesionales
lo usan sin discusión. Trataremos las
diferencias entre los populares programas
Photoshop y Lightroom, cómo actualizar
el plugin en Photoshop, y qué es y para qué
sirve el DNG Converter de Adobe.
En el segundo veremos la enorme
cantidad de herramientas de ajuste y
retoque que este plugin ofrece antes de
abrir la foto en Photoshop, trabajando por
defecto en la mayor cantidad de bits que
tu cámara ofrezca.
En los tres capítulos restantes vamos a
procesar las fotografías para sacarles el
mejor provecho, tocando tres temas fundamentales:
retratos, naturaleza muerta
y paisajes.
Usaremos las herramientas básicas
y también entraremos en el inagotable
mundo de los pinceles de ajuste, máscaras
y degradados de tono. Trabajaremos el
foco y el ruido. Recuperaremos detalles
en las luces y las sombras sin demasiado
esfuerzo…
Bueno, espero haberlos entusiasmado,
que me sigan en los próximos números de
la revista y se embarquen en la hermosa
tarea de procesar imágenes para darles un
acabado profesional. Á
64 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016

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RESEÑAS
Texto MANUEL H. CASTRILLÓN
manuel.castrillon@gmail.com
NIKON D5
LA CES 2016, la feria de tecnología más importante del
mundo, que se realiza anualmente en los primeros días
de enero, no fue sólo un lugar para mostrar nuevos
drones, dispositivos de realidad virtual y pantallas HDR.
También fue el sitio elegido por Nikon para presentar su
modelo D5, un equipo que sobresale por varias características
a los modelos previos de la marca.
Estamos ante una cámara que tiene 20,8 millones
de píxeles efectivos, con un sensor de imagen CMOS
FX de 35,9 x 25,9 mm. El display táctil de cristal líquido
de 3,2 pulgadas, con resolución XGA, posee un ángulo
de visión de 170°, aproximadamente.
La velocidad que obtiene a resolución máxima es de
12 disparos continuos por segundo y llega a 14, si se
mantiene levantado el espejo. En esto no es la más rápida
del mercado, pero esta réflex de Nikon puede grabar
video en resolución 4K UHD, 3840 x 2160 píxeles a
30 fps, en formato MOV.
La D5 pesa 1,4 kg con la batería (EN-EL 18a de ión
de litio) y sus tarjetas de memoria colocadas, que pueden
ser dos XQD o dos Compact Flash. Si nos fijamos
en las interfaces que posee este modelo, vemos que
presenta salida HDMI, USB 3.0, Ethernet, conector de
auriculares y entrada de micrófono auxiliar, además
del que tiene incorporado. Para Wi-Fi recurre a una
unidad externa WT-5A/WT-6A. Usa de GPS el GP-1A de
Nikon.
Posee un máximo de 153 puntos de autofoco. El rango
de la sensibilidad ISO va desde 100 hasta 102.400.
Esto último vuelve a confirmar la fama de estos equipos
de Nikon para trabajar a muy baja luz natural.
Permite guardar las fotos en TIFF, JPEG y NEF, a 12 o
14 bits.
Si vemos el precio anticipado de la D5 en tiendas
digitales como Amazon, que es de unos US$ 6.400, notamos
que no ha subido mucho con relación a la D4S,
que está a 6.000 dólares. Muy poca diferencia pese a
ciertas mejoras notables, como pasar de 16,2 a 20,8
millones de píxeles efectivos.
Grabación de video 4K UHD.
No posee Wi-Fi incorporado.
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NIKON D500
ENTRE los distintos equipos presentados en la CES 2016
de Las Vegas estuvo la Nikon D500, una réflex con formato
del sensor de imagen DX que vendría a reemplazar
al modelo D300S. ¿Cuáles son las principales características
de este producto?
Para empezar, alcanza una resolución máxima de
20,9 millones de píxeles efectivos, con un sensor CMOS
de 23,5 x 15,7 mm. Permite tomar imágenes en formato
NEF, TIFF y JPEG. Captura videos en 4K UHD, que
serán almacenados como archivos MOV, a 24, 25 y 30 f.
Su pantalla de cristal líquido táctil es de 3,2 pulgadas,
con 2.359.000 puntos. Posee como máximo 153
puntos AF, de los cuales 55 o 15 están disponibles para
selección. Su rango de sensibilidad ISO va de 100 a
51.200.
Tiene conectividad Bluetooth 4 y posibilidad de
conectarse con dispositivos compatibles por medio
de NFC (con un toque o acercamiento muy cerrado
permite fácilmente enviar imágenes a un smartphone,
por ejemplo). Puede entonces transmitir las imágenes
utilizando el WI-FI de los móviles o el propio. La velocidad
de disparos continuos por segundo es de 10 fps.
El almacenamiento del equipo es por medio de tarjetas
de memoria SD, SDHC, SDXC y XQD.
El cuerpo de la D500 pesa, con batería (una EN-
EL15 de ión litio recargable) y tarjeta de memoria XQD
incluidas, unos 760 g.
Según fuentes oficiales de Nikon Japón, reproducidas
por medios especializados, el lanzamiento de la
D500 se retrasó un mes de la fecha inicial prevista, por
lo que estará en los comercios a fines de abril. Su precio
rondará los 2.000 dólares en el exterior.
Tiene Wi-Fi incorporado.
El LCD no tiene control automático de brillo.
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RESEÑAS
NIKON KEYMISSION 360
UNA cámara nacida para competir y ganar en el movido
mercado de las destinadas a los deportes extremos,
el de las action cam, como las que hacen GoPro, Sony
y otros fabricantes. Este parece ser el objetivo de la
recientemente presentada a la prensa por Nikon, la
KeyMission 360, la primera en su tipo que construye esta
compañía.
Aunque se dice que faltan pocos meses para su
lanzamiento en el mercado, es muy poco lo que se
sabe de la KeyMission 360. Su precio también es un
misterio. En principio, revelaron que posee dos sensores
y lentes a cada lado que permiten filmar videos en
resolución 4K UHD a 360°. También, capturar imágenes
fijas, como las del Street View de Google, que en
ciertos puntos del mapa podemos ver todo alrededor,
incluidos el cielo y la tierra. Esta función del gigante
informático constituye una herramienta colaborativa,
ya que cualquiera puede alojar sus propias tomas en el
Google Maps, logradas con equipos que lo permitan.
Otro de los datos revelados por la empresa es que
será sumergible hasta una profundidad de 30 m (aunque
no se sabe durante cuánto tiempo) y es a prueba
de golpes desde una altura de 2 m. También tendrá
una resistencia especial a las bajas temperaturas y a
los rayones producidos por el polvo.
A pesar de que no lo dice el comunicado de
Nikon, por las imágenes oficiales se puede inferir
que contará con tecnología de conectividad Wi-Fi y
Bluetooth, así como también NFC (siglas de Near Field
Communication), que sirve para enlazarla a un celular
u otro dispositivo.
No se indica si contará con giróscopo y GPS propio.
Lo que sí se informó es que saldrá a la venta con toda
una línea de accesorios para poder sujetarla, por
ejemplo, a los cascos de los paracaidistas, las bicicletas
o incluso a drones.
¿Logrará la KeyMission 360 de Nikon pisar fuerte
en este mercado? Tiene a su favor el prestigio de la
marca. Veremos si el precio no le juega en contra.
Cuenta con 2 sensores y 2 lentes que permiten
capturar imágenes y video en 360º.
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