Rock To Rock Magazine N°12

www.rock2rock.cl N°12 2018
Amaranth
Conflicted
Franco Mitchell
Errante
Mano Humana
Lirock
7 Minutos
Marcelo Millaval
y mucho más...
Fin al silencio
TESTIGO

CONTACTO:
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Todas las opiniones en
esta revista son responsabilidad
de quienes la
emiten.
Agradecimientos:
Elías Martínez, Felix Barros,
y Ricardo Martinez.
Colabora:
The Resistance, Eventrid,
Mustach, Overtone
Music, Arise, Red Exodia,
y Nice Pig Music.
Editor:
Marcelo Oyanadel
Director de Negocios:
Bruno Lavín
Staff:
Sebastián Lago
Pilar C.J.
Felipe Canales
Franzisko Unzaga
Colaboradores:
Diego Pino
Claudio Miranda
Juan E. Lagos
Juan G. Carrasco
Webmaster:
Marcelo Oyanadel
Jorge Severino
¿Esta es la edición número
12? OH yes!! si lo es.
Soy Marcelo, el editor, y
me gustaría decir unas
palabras en este aniversario:
ha pasado un año
de trabajo, un año en que
hemos estado aportando
poco a poco en la escena
de la música chilena. Nos
alegra saber que hemos
estado dando oportunidades
a artistas que probablemente
necesitan espacio,
vitrina, mucha vitrina,
y que no lo encontrarán
en otros medios, o artistas
que suenan en regiones
pero no en Santiago, u
otras regiones.
Sabemos que no somos
una revista con decenas de
miles de seguidores, pero
hemos hecho las cosas
bien, y nos hemos ganado
un pequeño espacio de
respeto que los artistas
valoran.
Debo confesar que al
inicio, en los primeros
números de Rock To Rock
Magazine nos ofrecieron
unirnos a 2 medios,
porque les encanto la
idea, el diseño, entre otras
cosas bien potentes que
realizamos en esta revista,
pero quizimos seguir como
medio independiente. Es
super sano que existan
más medios que estén
entregando contenido, ese
es el valor que buscan los
artistas y que necesita la
industria musical chilena,
sonar, escuchar y leerse no
en uno, ni en 2 o 3 medios,
ojala exista un mar de medios
ansiocos por devorar
musica chilena.
Pero, lamentablmente no
lo es.
Los shows internacionales,
la jugosa idea de ir a hacer
reviews a bandas internacionales,
entrar gratis, por
fotos, espacio, contamina
el arte de escribir, de hacer
periodismo, de atender la
contingencia de la música
nacional, y de hacer brillar
lo que tenemos en estas
tierras, plagadas de ideas,
de innovación, arte que
se siente en los poros de
miles de chilenos.
Nos gusta estar en la
vereda de los que aportan
a la escena nacional y
destinar más de un 95%
de nuestro contenido solo
a música chilena.
Por último, si los conocen
denle un merecido aplauso
a los que contribuyen
o han contribuido en esta
revista, porque también
tienen en la espalda una
bandera de Chile tatuada
con arte nacional, y que
destinan parte importante
de su vidas a seguir luchando
(si, aunque suene
raro). Pueden ver sus nombres
a un costado.
Un abrazo, gracias!.
Rock2Rock Staff.
Indice
6LIROCK
Ya no hay vuelta atrás.
8CONFLICTED
Under Live Violence.
10LA CUNA DEL ROCK
Artículo de Opinión.
15MANO HUMANA
No vomite la materia.
16AMARANTH
Post Hardcore sin freno.
167 MINUTOS
Nuevos Sonidos.
22TESTIGO
En la ruta hacia la internacionalización.
28FRANCO MITCHELL
Baterista de Entomos.
30CAUDAL
Nuevo clip: No da igual.
32ERRANTE
A diez años de su fundación.
36MARCELO MILLAVIL
Industria Musical Chilena.
40IV FESTIVAL DE LAGO
RANCO
Blues y Cerveza.

¿QUIERES IR A UN CONCIERTO? | EVENTRID
www.eventrid.cl
Página 5

De exportacióni
LIROCK
Ya no Hay vuelta atrás
Dirigido por Rodrigo Burotto, Lirock publicó en
diciembre su último vídeo clip, el que ha estado siendo
promocionado por todo el verano y que es parte de su
Ep 2018 títulado Ya no Hay vuelta Atrás.
Más info en facebook.com/LiRockChile/
Página 6

De exportacióni
CONFLICTED
Under Live Violence
La banda de Thrash Metal Conflicted publicó el álbum en vivo “Under Live
Violence”. Se trata del primer registro oficial en audio de los ariqueños y que
fue liberado de manera gratuita en diferentes plataformas digitales tales
como YouTube, Spotify, Bandcamp y Soundcloud.
El material en directo fue registrado en uno de los shows de promoción del
más reciente lanzamiento del cuarteto ariqueño, tour promocional que los
tuvo girando por Europa, Perú, Bolivia y varias ciudades de Chile.
Página 8

“LA CUNA DEL
ROCK”
Una de Hace poco se realizó en Concepción el festival REC,
el cual llegó para ratificar la asignación de la ciudad como la
cuna del rock en nuestro país. Por ello, quise dedicar este escrito
a que analicemos si esta metrópoli (ya que se incluye todas
las comunas aledañas) debería denominarse así. Esto debido
a que a pesar de que muchos podemos asociar a la ciudad con
este término, es algo que se puede debatir ya que he apreciado
que no todos comparten esta idea. Yo tuve la suerte de vivir en
Concepción durante 6 años, por lo que pude observar el caso
más de cerca y pude ver que no todos en la ciudad compartían
esta opinión.
Una de las investigaciones que
más profundiza en el tema es
la de Valentina Rivas (2012)
llamada “Rock penquista: la
historia de un mito, 1987-
2000”. La autora ahonda en las
coincidencias existentes entre
el rock nacional y la ciudad de
Concepción. Ella comenta que
su investigación nace a partir del
mito que afirma que Concepción
es la cuna del rock chileno, por
lo que se plantea si es realmente
así y de qué forma la ciudad es
entendida como tal, además de
averiguar si el rock penquista
cumple un rol importante en la
escena nacional.
Rivas asegura que el rock
nacional es una historia
transversal que ocurre en todo
el país, en mayor medida en
Valparaíso y Santiago y en menor
medida en Concepción, llegando
a ser un fenómeno inexistente
–o al menos desconocido– en
otras ciudades. Ella destaca
que las principales ciudades
Página 10
portuarias y Santiago son las
que más desarrollan el rock. En
Concepción el rock se comienza
a fijar principalmente a mitad de
los ochenta, aunque de menor
manera que en Valparaíso y
Santiago.
La autora también comenta
ciertos acontecimientos que se
expresaron junto al movimiento
nacional en sus orígenes, como la
banda de la nueva ola penquista,
poco conocida, llamada Jordi
Santa María y Los Tigres. Y que en
1960, Bill Halley y sus Cometas
realizaron una gira y tocaron el
17 de noviembre en el Local
penquista “El Quijote”, lo que
daría señas de que Concepción
era una ciudad importante para
los sucesos ocurridos en relación
al rock, aunque en menor medida.
Ya en los ochenta, varias
bandas surgen de la oleada
punk y new wave. También la
presentación de Los Prisioneros,
junto a los locales Los Ilegales
en Concepción, en 1984 fue
propulsora de la oleada del rock
que venía. Ya desde la segunda
mitad de esta década aparecen
más bandas, destacando a
Emociones Clandestinas (1985-
1989), Los Tres (1987-2000,
2006-actualidad), Santos
Dumont (1990-2002), Machuca
(1991-actualidad) y Los Bunkers
(1999-2014).
Finalmente, Rivas (2012)
concluye que el rock en Chile
se desarrolla desde la mitad de
los años cincuenta en Santiago
y Valparaíso principalmente,
mientras si bien en Concepción
surgen agrupaciones de rock
en esos años, no es suficiente
para sostener la tesis de que es
la cuna del rock, pues muchas
de estas bandas no lograron ni
si quiera registrar su trabajo.
Arriesgándose, Rivas postula
que el rock realmente nació en
Valparaíso, pues al ser el puerto
principal de Chile promovió el
intercambio cultural, además del
fuerte centralismo nacional. La
autora aclara que Concepción no
es la cuna del rock en el sentido
en que sea el lugar donde nace,
sino que es donde se comienza
una nueva etapa del rock, con el
punk, y más específicamente la
new wave de los ochenta, ya que
en las zonas más centralizadas
del país había más censura y los
medios de comunicación eran
más controlados.
Esta afirmación que da Valentina
en su tesis, personalmente ya
la había escuchado antes de la
boca de un profesor que tuve en
la universidad llamado Rodrigo
Pincheira –quien por estos
tiempos es conocido por haber
escrito “Los elementos: voces
y asedios al grupo Congreso”
(2017)–. Él en una clase dijo
que no creía que Concepción
fuese la cuna del rock, para él
era Valparaíso. Y entonces ¿Qué
hacemos para averiguar cual de
las dos ciudades es la que se
debe acuñar tal denominación?
Para eso, debemos retroceder
hasta los orígenes del rock en
Chile.
Los orígenes del
rock en Chile han
sido establecidos
por la mayoría de los
estudiosos desde el año
1964 aproximadamente.
El argumento tras
de ello es que, en
etapas previas, las
prácticas afines al
rock carecerían de
característica esenciales,
como por ejemplo, un
discurso crítico hacia
la sociedad. Además,
consistían básicamente
en imitaciones de
música extranjera, por
lo cual les faltaría un
componente identitario
para ser consideradas
netamente chilenas.
Gonzalo Planet en su
libro “Se oyen los pasos”
(2004), indica que esto
se debe a que antes de 1964, la
música no era rock como tal, sino
rock and roll. Contra esta opinión,
Juan Pablo González (2006) en
su texto “Rock, memoria del
cuerpo” manifiesta que para él
igual es importante considerar
los 10 años anteriores en el país.
Este autor propone considerar
como parte de la historia del rock
el periodo de sus orígenes, que
se extiende desde 1955 a 1959
aproximadamente, el cual incluye
la llegada del rock and roll al
país y su asimilación sin grandes
transformaciones por parte de los
músicos locales.
David Ponce (2008) en su libro
“Prueba de sonido. Primeras
historias del rock en Chile (1956-
1984)” habla en su primera
sección de la Orquesta Huambaly
de Santiago. El autor afirma que
esta orquesta fue la primera en
grabar temas de rock and roll
durante los cincuenta: “Huambaly
rock” y “Rock del Mono”. Sin
embargo, se trató de excepciones
para la agrupación –que se
dedicaba a tocar canciones para
bailar– y que fueron grabados
netamente con fines comerciales.
Artículo de Opinióni
Así mismo, Ponce habla de
los “primeros imitadores” en
el primer capítulo de su libro
“Ancestros. Rock and roll y el
borde de la Nueva Ola (1956-
1964)”, catalogándolos como un
antecedente. Debido a lo dicho
por los autores, los datos más
relevantes que se desprenden de
esta época son los siguientes:
Las primeras manifestaciones
de rock and roll en el país se
distinguieron en la región de
Valparaíso, por ser el puerto más
importante de Chile y el más
cercano a la capital, era expuesto
a un intercambio cultural
constante gracias a los marinos.
Ponce asegura que: “Rock and roll
se llamaba uno de los legendarios
bares de los subterráneos del
Barrio Puerto en Valparaíso,
junto a American Bar, y no de
casualidad. Es en esa ciudad
donde hacia 1956 surgieron los
pioneros rocanroleros chilenos…”
(Ponce, 2008, p. 23). González y
otros (2009) en su libro “Historia
Social de la Música Popular en
Chile, 1950-1970” confirman lo
dicho, asegurando también que
los primeros programas radiales
dedicados al rock and roll
comenzaron en Valparaíso, como
Página 11

Artículo de Opinióni
es el caso de “… Al compás de la
juventud, del Radio Presidente
Prieto, conducido por Mario
Herrera desde un auditorio donde
se presentaban grupos en vivo”
(González et al., 2009, p. 613).
Sin embargo, en este mismo
texto, se manifiesta que la noticia
más antigua sobre rock and roll
apareció en Santiago un poco
antes, en 1955, cuando Camilo
Fernández informó en la revista
Ecran sobre la popularidad que
estaban adquiriendo temas de
rock and roll a través de películas
estadounidenses que eran
estrenadas en Chile.
En 1956 la absorción del rock
and roll ya era un hecho en
Chile: los jóvenes se juntaban a
practicar sus bailes e incluso los
certámenes de baile (existentes
desde los años cuarenta),
comenzaron a incluir rock
and roll. Se intentaba imitar
lo extranjero en la ropa y en
la actitud, normalmente con
recursos de menor calidad. En
diciembre de ese mismo año fue
estrenada la película Rock around
the clock y ya en febrero de 1957
se estrenó Don’t knock the rock,
películas con bandas sonoras de
rock and roll que ayudaron a la
masificación del género, a pesar
de esto, en esos tiempos era
la radio la que permitía mayor
difusión en el país.
En Chile, el rock and roll se
incorporó cuando existía una
fuerte protección a la industria
nacional, lo cual dificultó
la importación de discos e
instrumentos; es por esta razón
que se impulsó la producción
discográfica chilena con un
positivo efecto en la nueva
ola incipiente. Dentro de este
panorama, aparece Peter Rock,
el primer cantante de la nueva
ola en grabar un disco, ya que
comenzó imitando a Elvis Presley
en los años cincuenta, cuando
aún era un adolescente.
A fines de los años sesenta
Página 12
apareció el beat y el go-go con
bandas como Los Mac’s, Los
Jokers, Los Vidrios Quebrados,
Los Beat 4 –los primeros en
cantar en castellano–, Los Larks,
Los Picapiedras, Los Sacros,
Los Trapos, Los Sonny’s, The
Appatition, Hawks, Los Masters
–de Quilpué y una parte de
los futuros Congreso–, Los
Sicodélicos –también de Quilpué,
con la otra parte de Congreso, el
vocalista, Francisco Sazo–, Gaffas,
Escombros, Los Amigos de María,
etc. Quienes a pesar de tener
un discurso más crítico seguían
teniendo un sonido musical
imitativo.
Lo anterior sirvió como
antecedente para lo que
muchos clasifican como la
llegada del verdadero rock
chileno a principios de los
setenta en una época que yo
llamo de la psicodelia y la raíz
latinoamericana, donde nacen
bandas con sonido propio y con
identidad, siendo las tres
principales Los Jaivas,
Los Blops y Congreso.
Sin embargo, el dato más
relevante es que dos de
estas provienen de la
región de Valparaíso, lo
que conlleva a pensar
en lo importante de esta
región para el rock en sus
orígenes.
Si nos movemos a la
actualidad, podemos
apreciar que Concepción
es una ciudad que
constantemente nos
brinda bandas de rock y
esto es por una respuesta
al mito. Por la sola existencia
del mito, ya hay una motivación
para que los penquistas formen
sus bandas y se determinen a
tocar. Sin olvidar que las mismas
autoridades locales se empeñan
a que este concepto siga vivo,
esa fue una de las razones de la
creación de REC, a pesar de que
muchos penquistas no vean con
muy bueno ojos este festival
(he escuchado comentarios de
que no representa el verdadero
rock de la ciudad y de que sólo
llevan a bandas “poperas”, pero
bueno eso ya es opinión de cada
uno). También es importante
mencionar que las Universidades
de la ciudad –sobre todo la
Universidad de Concepción y
la Universidad del Biobío– han
jugado un papel fundamental
como plataforma de difusión de
bandas, de hecho la Udec tiene
un concurso para músicos, y es
obvio que estas circunstancias
se dan también por el mito de
la cuna del rock. En cuanto a la
industria musical tiene los mismo
problemas que se tienen en todo
Chile, hay muchas bandas, bueno
músicos, pero no hay espacios ni
difusión suficiente (a pesar de la
ayuda de instituciones), además
que la industria aun se podría
considerar pequeña.
En Valparaíso actualmente el
rock no es tan bullado, existen
varias bandas,
pero la región
es mucho
más conocida
como una
entidad cultural
importante más
que sólo de
música rock,
razón por que
CNCA (ahora
ministerio) se
ubicó en ese
lugar, como
forma de
alimentar este
otro mito por
parte de las
autoridades.
Teniendo todas estas referencias
¿Se podría deducir cual es la
cuna del rock? La respuesta es
que depende de su perspectiva
del concepto “cuna”, ya que si
crees que esto se refiere sólo a
los orígenes pues entonces es
Valparaíso, pero si crees que es
un lugar que constantemente ve
nacer bandas de rock durante
su historia, entonces se podría
considerar Concepción.
Aunque yo me inclinó más por
esta última, mi opinión es que por
más que intentemos buscar a la
cuna del rock en otras ciudades,
la verdad es que como en todo
en este país, el rock se centra en
Santiago: es la ciudad con más
bandas, con más lugares para
tocar y la que más se adjudica
fondos –al menos eso según el
“Directorio de Agentes Culturales
de la Música 2014” (2015) y la
“Política Nacional del Campo de
la Música 2017-2022” (2016)–.
Así que esperando que esto
cambie, mi anhelo es que con
el tiempo y esperando que las
políticas de descentralización
realmente funcionen, Concepción
se convierta sin dudas en la cuna
del rock y Valparaíso en la cuna
de la cultura.
Y para que ustedes mismos se
formen una opinión, las fuentes:
Bibliografía
Consejo Nacional de la Cultura y
las Artes (CNCA, 2016). “Política
Nacional del Campo de la Música
2017-2022”.
“Directorio de Agentes Culturales
de la Música 2014” (2015)
González, J. P. (2006). “Rock,
memoria del cuerpo”
González, J. P., Ohlsen, O. y Rolle,
C. (2009). Capítulo “XI Música
Juvenil” del libro “Historia Social
de la Música Popular en Chile,
1950-1970”.
Planet , G. (2013, original 2004).
“Se oyen los pasos”.
Ponce, D. (2008). “Prueba de
sonido. Primeras historias del
rock en Chile (1956-1984)”.
Rivas, V. (2012). “Rock penquista:
la historia de un mito, 1987-
2000”.
Videografía
Baher, K. (2012). “Gritos de fin de
siglo”.
Consejo Nacional de Televisión
(CNTV, 2011). “Memorias del rock
chileno”.
García, P. (2015). “Rock en Biobío:
Sonidos de exportación”.
Mahnke, R. (2015). “Concepción
¿cuna del rock?”.
Por Pilar Ardiles, Antropologa
Página 13

De exportacióni
MANO HUMANA
No vomite la materia
La banda de metal extremo santiaguina, conformada
por Osvaldo Guzmán (voz), José Ignacio Guzmán
(bajo), Felipe Valenzuela (guitarra) y Diego Valenzuela
(batería), luego de su debut del 2015 con su álbum
Sombras, vuelve anunciando nuevo disco para principios
de este año y junto a ello un lyric video del nuevo
material atacando la hipocresía en Chile. No Vomite
La Materia es el single del nuevo álbum Necrópolis,
producido en Audiocustom por Sebastián Puente
(Nuclear) y que saldrá bajo el sello Sickbangers.
Página 15

AMARANTH
Desde la Región de Los Ríos,
post hardcore sin freno
Actualmente las generaciones jóvenes que asoman por
el circuito independiente, vienen con otro switch. Ni la
militancia sin reconocimientos o los prejuicios tóxicos de
épocas inmaduras afectan a lo que hoy pareciera ser el recambio
que mira proyectos no como hobby, sino como actos
disciplinarios en pro de la creación.
Página 16
Saben que pararse a la par
con emergentes, consagrados
y consolidados no es tarea
fácil, pero tampoco les quita el
sueño: participaciones junto a
Tenemos Explosivos, Sexual
Democracia, Sonora De Llegar,
Hategram o Fuma & Baila
han hecho de Amaranth ser
los nuevos mimados de los
medios, pues no es menor ser
el único número post hardcore
en actos tan eclécticos como
los mencionados con anterioridad…
y de Valdivia.
¿Sienten que estos hitos a
corto plazo reflejan el buen
momento de la banda?
Sí, definitivamente. Estamos en
un momento en el que necesitamos
tirar para arriba, necesitamos
un pequeño empujoncito, porque
básicamente en la parte musical
hemos trabajado bastante, llevamos
mucho tiempo tocando juntos,
tres años modificando todo
hasta llegar a lo que somos ahora.
Ya tenemos por lo menos lo que
queremos hacer, tenemos la madurez
de lo que queremos hacer y
de lo que nos queremos enfocar
de aquí en adelante. Básicamente
tenemos claro la idea que queremos
expresar, lo que queremos
decir con nuestra música.
¿En cuánto tiempo se elaboró
este proceso de identificación?
Tito (Héctor Leiva, bajo) y Roy
(Ariel Jara, guitarra) comenzaron
en 2014, después me integré y
ahora último Carlos Calisto en
batería. Pasamos por hartas etapas
musicales, experimentamos
por varios lados dentro del rock
y poquito dentro del metal y nos
quedamos entre el metalcore y el
hardcore, porque… no sé, encuentro
que es lo que nos sale de
adentro. Es donde nos complementamos
entre los cinco.
Y realmente igual no estamos
tirando bien pesadito, tenemos
canciones que son tiradas al
Entrevista a Amaranthi
deathcore y a mí eso me agrada
demasiado.
Ya poseen en streaming y en
tiendas del ramo un nuevo EP.
¿Qué líneas musicales y cuáles
serían las temáticas en torno
a las líricas que llevará este
esfuerzo frente a lo que ya se
ha escuchado al menos en la
web?
Son tres temas que grabamos
ahora más un cuarto que ya lo
sacamos hace meses, pero los
últimos, los que se vienen ahora,
vienen distintas en el sentido
vocal, porque hay uno que pasa
bien en lo que es hardcore, en
las voces limpias en especial.
Después hay otro que es más o
menos deathcore, que igual tiene
como un comienzo instrumental
a la antigua porque parte con
guitarra acústica.
¿Hablamos a la antigua como
As I Lay Dying, cosas así, o
más a la antigua?
La guitarra se basa más que nada
en la parte barroca, es que es una
guitarra clásica, entonces es bien
entretenido, porque esa canción
viene de un proyecto alterno a
Amaranth, un proyecto que hicimos
así de “mono” para experimentar
y salió una canción muy
buena y no queríamos dejarla
que muriera ahí.
¿Esperaban que tuviera la
acogida que ha tenido al
menos en redes, tanto en comentarios,
visitas o al menos
al ruido que han generado?
Es que aquí en Valdivia había una
escena hardcore, muy cargada.
¿Pertenecieron a esa escena
ustedes?
Por lo menos en ese tiempo
pertenecía a otra escena que era
black metal, pero sé que en ese
tiempo había un movimiento muy
grande de hardcore.
¿Ese movimiento existe aún?
Se bajó y ahora como que de
los pocos de todas las bandas
que hay acá en Valdivia, aparte
de nosotros, igual hay una o dos
bandas que están saliendo en ese
estilo.
¿Cuáles?
Magnetismo Cero en la que nuestro
vocalista igual trabaja y Todos
Los Relatos que es una banda
amiga igual, incluso tocaron con
Tenemos Explosivos siendo sus
miembros parte de lo que fue
la escena del 2011, en Ramona
Flowers, entones somos poquitos
pero está surgiendo de nuevo ese
movimiento.
Hablaban principalmente de
que las composiciones tienen
este sentido medio clásico medio
barroco aparte del deathcore.
Más que nada, ‘Per Anthonnya’
tiene harto trabajo, una mezcla
entre deathcore con un poco de
black metal, es bien entretenido
el tema. En esa lírica me inspiré
en el suicidio, es bien densa y
ahora viene en el material.
¿Y eso viene a ser como un
poco la pauta ese tipo de
temáticas para este EP?
No.
¿Qué abarcaría principalmente
a grandes rasgos?
La adicción, aunque no especificamos
en qué, va según la persona.
Hay otro que va más al suicido
como lo dijo Alonso. Y el otro que
se llama ‘La cara de la verdad’, en
esa canción estaba pasando por
un momento bien denso en mi
vida, bien confuso y también la
canción es confusa porque tiene
dos visiones porque gran mitad
de la canción la escribí yo y la
otra mitad la escribió Ariel, tiene
dos visiones.
Página 17

¿Entonces han hecho un trabajo
como banda en la composición
de las canciones y las
letras?
Después de esta primera mitad
del EP (porque son dos), vamos
a lanzar una segunda mitad de
cinco o seis temas que todavía
estamos en selección. Entonces
va a ser como un conjunto, va
a ser como el disco oficial si se
podría decir.
¿Es como lo que hizo un poco
Periphery con este álbum
como conceptual doble?
Claro, algo más o menos como
eso. Las letras están basadas
básicamente como la vida en
general, de repente en lo que
cae el ser humano en la adicción,
otras veces problemas en el amor
y así sucesivamente.
Son bien personales en realidad.
Sí, es como los momentos de
cada uno. De hecho las canciones
de nosotros son muy personales
sobre todo las que escribo yo,
hablan de mi vida.
¿Y la gente que ha escuchado
esto se ha sentido identificada
al menos con las temáticas que
exponen?
Algunos sí, otros no. Lo típico. Estamos
de hecho trabajando harto
en las letras, y yo estoy volviendo
a componer. Creo que estamos
en un momento de escribir cosas
más consistentes, que digan un
mensaje directo.
¿Qué edad tienen ustedes en
promedio?
20
Entonces están en la flor de
la vida. Bueno por lo que he
estado escuchando quieren
hablar harto del disco que se
viene, por lo mismo cuéntenme
un poco sobre los detalles,
Página 18
producción, grabación, la
portada, quién lo va a hacer;
hablábamos sobre la cantidad
de tracks y más o menos
cuánto han compuesto dentro
de todo eso.
Respecto a la composición, tuvimos
que ser selectivos en una
parte y parar en otras porque
había demasiadas canciones. Entonces
ahora estamos en la parte
de que terminamos la segunda
parte de lo que va a ser el segundo
EP. Estamos complementando
las canciones ahora, ya decidimos
podemos cambiar esto por
esto, estamos puliendo detalles.
Básicamente tenemos muchos
temas y lo que hacemos nosotros,
que es lo más inteligente que
podría hacer una banda, es elegir
los temas que están conectados
de alguna forma entre sí, me
refiero a que en general todo el
EP tenga un mensaje conjunto.
Aunque las letras sean diferentes,
son cosas que le pueden pasar a
cualquier persona, en especial los
más jóvenes.
En lo musical tiene muchos
matices porque pasamos del post
hardcore al metalcore, del metalcore
nos ponemos más densos
y nos pasamos al deathcore.
Al final, del post hardcore nos
movemos a la parte instrumental,
melódica, ambiental, yo meto un
poquito mis efectos… innovando
en nuevas afinaciones.
¿Por qué el nombre de la
banda?
Antiguamente teníamos una
banda que se llamaba Lumbrera.
No era muy llamativo, era raro,
una mezcla de todo. En ese momento
teníamos otro batero y a
él no le gustaban los guturales,
no le gustaban las cosas más
pesadas que nosotros queríamos
hacer y después se terminó
yendo, ahí dijimos “ya, tenemos
que renacer” y el amaranto, que
es una flor que no se marchita,
nos motivó al nombre y a querer
seguir adelante.
¿Dónde van a hacer
este disco, dónde
lo van a grabar,
quién lo va producir?
La primera parte
está grabada
en los estudios
de la Universidad
Austral de
Chile. Ahí nos
tomó un amigo
de nosotros, Ignacio
Alcalde (Todos
Los Relatos), quien
por su carrera tuvo que
grabar una banda. Le gustó
cómo grabamos y la velocidad;
era llegar y trabajar.
Nosotros como ya
habíamos pasado
por varios temas,
era automático
grabar, no teníamos
problemas
con los clicks ni
nada, entonces
a él lo que le
acomodó fue
eso, aparte de
la versatilidad
y lo seguro que
estábamos de lo
que estábamos
haciendo.
Se debe principalmente
al
arduo ensayo
que tienen
ustedes. Me
contaron que
ensayan casi
como disciplina
japonesa,
cuatro veces
a la semana,
que está
súper bien.
Más que cuatro
veces a la
semana, hubo
un momento en que
ensayábamos los
domingos cuatro
o seis horas
de repente
incluso
salíamos
de ensayo
yo
e iba a
la casa
de Tito
a alojar
y seguíamos
tocando,
el
guitarrista
igual, entonces
estábamos
todo el día tocando,
buscando lo que
en verdad queríamos.
A parte que ellos fueron
los que me tomaron a mí
porque yo no era guitarrista,
entonces me tuvieron
que pulir más todavía.
El trabajo fue constante
entre todos.
¿Cuál es el elemento
diferenciador que los
caracteriza frente a la
escena hardcore?
Entrevista a Amaranthi
Los diferentes matices que
tenemos musicalmente. Encuentro
que nos diferencia porque
no solamente estamos encasillados
en el hardcore, tratamos
de abarcar todo. Lo que pasa es
que incursionamos tanto anteriormente
en otros proyectos, en
otros estilos tan variados que
intentamos implementar un poco
el peso del metal combinado con
alguna melodía de rock, así como
baladas o cosas así.
‘Adicción’ posee su versión
rock.
Sí, ahora la hicimos más pesadita.
En realidad esa canción tenía
dos versiones: la versión rock
la lanzamos primero para ver
qué sucedía, qué pasaba, qué tal
nos iba. Tuvo buena recepción,
entonces ahora vamos con la versión
pesadita, ahora nos vamos
a tirar con todo, fue como
para decir si les gusta o
no.
Claro, un anzuelo
ahí para que
enganchen con la
banda en realidad.
Esta banda es como obviamente
como un ser humano, a
un ser humano no solamente
le gusta una cosa, sino más
cosas y eso es lo que nosotros
abarcamos. Al Alonso le gusta
el post hardcore melódico, a mí
me gusta el deathcore, al Ariel
le gusta le metalcore, el Akira, el
Akira es una mezcla de muchas
cosas y eso es lo que planteamos
en cada canción, nuestras personalidades.
Tras la grabación, ya van a
tener un disco, la portada, la
identidad todo ¿qué se viene?
Después de eso estamos pensando
más o menos en la presentación
de nuestros materiales,
nosotros no somos de tocar
muy constante. La idea del EP es
como tirar un balde de agua generalmente
al público de acá en
Valdivia que le gusta este estilo
de música, porque intentamos
hacer algo súper innovador a mí
parecer la idea es esa.
¿Y la recepción de ellos cómo
ha sido frente a ustedes?
Buena. Incluso los músicos de
Valdivia que son de mayor edad
que nosotros lo han recibido sido
bien recibido. Tenemos performance
en vivo, incluso a veces
hay ensayos que no son para
crear, sino que pura performance,
porque cuando tocamos no
estamos parados. A la gente se le
muestra euforia.
Finalmente ¿qué les parece la
formalización de una escena
desconocida en Chile como lo
es el circuito de Valdivia?
¡No se olviden del sur! Hay un
montón de bandas buenas, pero
no tienen el espacio, no saben
gestionarse; entonces la asociación
lo que está buscando es
la gestión de las bandas. Acá en
Valdivia hay una buena escena
que ha viajado harto, pero el
tema es que haya nuevas bandas.
Muchas gracias chicos. De
verdad los felicito por que se
nota que hay trabajo. Se ve
un futuro prometedor si es que
ustedes pretenden seguir haciendo
carrera. Así que ahora
es tiempo de invitar a la gente
a que los conozcan, su propuesta
y como no del circuito
valdiviano.
Invitamos a todos a ser parte
de nosotros porque eso es una
motivación igual, las personas,
entonces nos pueden seguir en
Facebook, Instagram, Youtube
y Soundcoud como “Amaranth
Oficial”.
Por Juan G. Carrasco
Página 19

Nuevos Sonidosi
7 MINUTOS
7 minutos es una banda de Quillota/Limache formada
a finales de 2016, este proyecto fue puesto en marcha
por Constanza Morales (voz) y Jaime Zúñiga (guitarra),
con el tiempo se consolidó como baterista Francisco
Hormazabal y al bajo Nadia. A principios de 2017
sacaron un demo de tres canciones que incluye: “Estas
aqui”, “Alejate de mi” e “Intoxicación”. En enero de
2018 publican su primer EP titulado ‘’Reglas del juego’’.
La formacion actual es Constanza Morales (Voz),
Jaime Zúñiga (Guitarra), Juan Silva (Bajo) y Francisco
Hormazabal (Bateria).
Página 21

Entrevista a Testigoi
TESTIGO
En la ruta hacia la
internacionalización
El extenso silencio de Testigo tuvo una sola gran razón: madurar. A los
tracks que desfilaron en “Punto Sin Retorno” (2012, Independiente), varios
quedaron relegados por su falta de consistencia, y para aquel registro, quedaron
solo los mejores. Resultado de ello quedó plasmado en una mini gira
por Perú, fans en México y variadas presentaciones en Chile. Sin embargo,
de aquello quedó mucho que mostrar. Tiempo suficiente para lograr lo que
hoy tiene a la banda comandada por Jorge Becker más que contentos.
Página 22
Página 23

“El Héroe Calavera” llegó
para alegrar la vida del
quinteto y de miles más:
24 mil reproducciones en
Spotify, 13 mil suscritos
en streaming, más de 14
mil vistos de ‘She burns’
y, afirmense, 360 mil visualizaciones
de la misma
en Facebook. Datos más,
datos menos, la música
habló. Ahora, a demostrar
el porqué de tamaño recibimiento.
¿A qué se debe el nombre
de “El Héroe Calavera”?
Jorge Becker, voz: Muchos
hombres y mujeres se
sacrificaron por una libertad
que aún no llega. Solo
quedan sus huesos como
recuerdo. Muchos podemos
ver el trasfondo de traiciones
y sangre de cómo se
conformó nuestra historia,
incluso la reciente.
¿Por qué esperaron cinco
años para un nuevo registro?
Creemos que los temas
deben tener sentido, no es
solo juntar partes. Respetamos
mucho el tiempo de inspiración
y proceso de cada
tema. Son como tus hijos,
para nosotros no es rápido
el proceso de escribir.
Además, tratamos de hacer
un trabajo fino en el estudio,
repetimos muchas tomas,
son muchas voces melódicas
y guturales. Daniel (morales,
guitarra) canta varias
partes en este disco además
de los instrumentos acústicos.
Lamentablemente no
solo nos dedicamos a esto,
así que había que acomodar
horarios y coincidir con el
estudio.
Hay cambios significativos
en la interna de
la banda. ¿Qué tal los
nuevos fichajes?
Siempre el quinto Testigo
ha costado, incluso pensamos
en quedarnos como un
cuarteto. Pero hace un año
llegó Raúl Estrada (guitarra)
resultó ser un total aporte,
se ganó el puesto.
En este disco tocan tópicos
sobre existencia,
las injusticias
y la búsqueda personal.
¿Sienten
más
profundas
las líricas a
comparación
de “Punto
Sin Retorno”?
Muchos de la
banda pasamos
situaciones
complejas
que
inspiraron en
parte este
disco, y
lógico
estamos
más
viejos.
Se percibe un salto
olímpico entre “Punto Sin
Retorno RMZTR” y “El
Héroe Calavera”. ¿Esto Lo
atribuyen a su propia investigación
por un mejor
sonido o derechamente a
la labor de Orange Studio
en la producción?
Es un poco de todo. Erick se
sintió muy libre de trabajar,
pero más enfocado en el
sonido. Según él los temas
que estaban listos, tuvieron
muy pocas acotaciones con
respecto a cómo fueron escritos.
De igual manera hizo
crecer las canciones con
pequeños pero importantes
detalles. Su mis-
Entrevista a Testigoi
Página 24
Página 25

Entrevista a Testigoi
ión era sacarnos un sonido de
calidad y único. Cambiamos
paradigmas con respecto a
cómo debe sonar el metal o
el rock pesado. Somos una
banda de trabajo periódico,
ensayamos más de un día
todas las semanas.
Hay figuras folclóricas
entre sus composiciones,
entre ellas, la inclusión
de un bombo legüero. ¿De
dónde proviene la sugerencia?
El tema lo pedía, le da todo
Página 26
el ambiente y el contexto
del tema. Además, todas las
partes acústicas las pensamos
más folclóricas que con
tocada de manera anglo,
siempre buscando la identidad.
Otro factor son los
pasajes melódicos, algo
que en su anterior entrega
no incluyeron. ¿Hay motivos
especiales para ello
en este registro?
O sea, en “Punto Sin Retorno”
tenemos melodías, coros
y partes. Lógicamente esto
creció. Pipiolo (Juan Pablo
Torres, bajo) canta bonito y
los temas daban para tener
más pasajes melódicos incluso
tenemos temas acústicos
como ‘Onírico’.
Cinco años se notan en la
forma en cómo entregan
el registro. ¿El hecho que
sea un larga duración
viene a responder la acumulación
de canciones en
este disco?
Claro, pasó mucha agua
bajo el puente, acumulamos
muchas historias que contar,
incluso algunos cortes son
del comienzo de la banda,
temas que no grabamos para
“Punto Sin Retorno”.
Sorpresivamente para una
banda nacional, ustedes
poseen una base de fans
en México. ¿Qué creen
que haya dado punta pie a
tener seguidores desde tan
lejos?
En otros países de habla
hispana valoran mucho la
música hecha en el propio
idioma, sobre todo en
México. Tenemos mucho
feedback de otros países de
Latinoamérica, mucho más
que en Chile. Creo que es la
forma de comunicar nuestra
música, cantar en tu lengua
para nosotros es esencial y
natural, creo que se puede
transmitir mejor en tu idioma
nativo, el lenguaje afecta
la música y el ambiente de
esta.
Muchísimas gracias por
su tiempo. Les pediríamos
que hagan la invitación
a no perderse los pasos
de Testigo hacia nuestros
lectores.
Gracias por la entrevista,
espero que disfruten el
disco. Lo hicimos con mucho
amor y trabajo. Somos cinco
amigos que amamos hacer
esto y rodea nuestras vidas,
esperamos transmitirles esto
mismo con nuestra música.
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¿Cómo comenzó tu relación
con la música?
Mi relación con la música partió
muy temprano, cuando iba a
ver a mi padre tocar batería en
distintos shows, acompañando a
baladistas y músicos tropicales.
Creciendo entré a clases de piano
y empecé a conocer un poco
más de la formación de acordes
simples y escalas, aunque la
verdad siempre lo encontré
muy aburrido e iba un poco
obligado por mi mamá. Ya en mi
adolescencia conocí los discos
que escuchaba mi hermano, La
Renga, Metallica y música más
pesada, que de a poco me fueron
cautivando y fueron la antesala a
la música de los 2000 donde ya
me decidí a intentar tocar batería.
Página 28
FRANCO
MITCHELL
¿Cuáles fueron las primeras
bandas que te incentivaron a
interpretar música?
Recuerdo claramente cuando
estaba en las vacaciones
entre 8vo y 1ero medio que
iba escuchando Mago de Oz y
tratando de imitar los patrones
de batería, donde había un
bombo que no seguía lo mismo
que el Hi-hat, (es como el
primer gran desafío al aprender
a tocar batería), luego de unas
3 veces pude hacerlo. Con eso
me convencí de que podía tocar
metal progresivo jajaja. Luego
con más tiempo empecé a tocar
temas de System of a Down,
Metallica, y alucinaba con la
velocidad de Joey Jordison
(Slipknot), Richard Christy y Gene
Holgland (ambos bateristas de
Death) y empecé a tocar con mis
primera bandas temas de Guns,
Angra, Pantera, Judas Priest y
en poco tiempo ya empezaba a
estudiar a Mike Portnoy (Dream
Theater), Danny Carey (Tool),
Bobby Jarzombek (Spastic Ink) y
a escuchar y tratar de entender
música mucho más compleja
relacionada a las métricas
irregulares y polimetrías.
¿Empezaste directo con la
batería o pasaste por otros
instrumentos antes?
De pequeño clases de piano y
ya en el colegio la típica flauta
dulce. En la media tuve un muy
buen profe de música en el
colegio que nos hacía tocar los
jaivas y música rockera, siempre
motivándonos y haciéndonos
tocar mucho.
¿Actualmente tocas algún
instrumento aparte de la
batería?
He tocado instrumentos de
percusión africana, timbaletas,
jam blocks, calimbas. En la
universidad tuve que tocar
guitarra y piano, pero siempre
fui muy mediocre con eso,
solo apuntaba a aprobar el
ramo y ya estaba listo. No es
que encuentre fomes los otros
instrumentos, pero cuando veo
a tanto guitarrista extraordinario
haciendo dedajes y técnicas
imposibles que me dan más
ganas de ser mejor baterista que
de ser humillado tocando guitarra
jajaj.
¿Qué shell pack usas?
¿Usaste otros antes? ¿Cómo se
comparan?
Actualmente uso una batería
Tama Superstar Hyperdrive,
donde sus mayores característica
son las medias de toms cortos, lo
cual permite mayor comodidad
en todo el kit, y su bombo
profundo de 22x20 que tiene
mucho volumen, aunque claro,
debes pegarle más fuerte si
quieres tocar rápido y tener
definición.
Mi primera batería fue una
Peace, batería muy básica pero
siempre le agregaba cosas
nuevas, le fui añadiendo más
toms e incluso bongos emulando
toms más chiquititos con lo
que podía jugar a tener 6 toms.
Comparativamente el sonido es
muy diferente, y da gusto tener
un producto pesado y con herraje
de calidad, pero la verdad el
instrumento no hace al músico,
y la mejora en sonido no es solo
por el kit, sino que yo también
con los años aprendí a tener un
mejor touch.
¿Qué platos usas? ¿Usaste
otros antes? ¿Cómo se
Entrevista a Franco Mitchelli
comparan?
Actualmente solo uso platillos
de aleación B20 en su mayoría
Turcos (Turkish,Istanbul,
Crescent, Impression), con
excepción del China que es
marca “Cañon”, de procedencia
china pero de un emprendedor
chileno. Anteriormente tenía
principalmente Orion, marca
brasileña de aleación B8, los
cuales me duraron muchísimos
años pero su sonido no era lo
que necesitaba para encontrar mi
sello sonoro personal.
¿Qué doble pedal usas?
¿Usaste otros antes? ¿Cómo se
comparan?
Actualmente uso Tama Speed
Cobra, un pedal semi longboard
muy ágil y que prácticamente ya
es una extensión de mis piernas.
Anteriormente tenía un doble
pedal Mapex básico que me
acompaño en mil y una batallas,
pero comparándolos tiene mucho
menor estabilidad y sensibilidad,
aunque me enseñó a darle peso a
el golpe con las piernas.
Hace poco sufrieron el robo
de varios equipos durante la
gira del Disidencia ¿Sufriste
alguna pérdida en particular
de tu batería?
Lamentablemente sufrimos el
robo de cerca de 3 millones
de pesos en instrumentos y en
equipos, donde mi principal
perdida fue mi juego de
micrófonos shure, por suerte
mis platillos y pedal quedaron,
seguramente por su peso. La
pérdida más sensible fue mi
caja Tama, pero un par de días
después Andrés Lathrop, dueño
de Piedra Roja en Concepción, me
donó una caja piccolo que me ha
servido todas estas fechas. En
este momento estoy ahorrando
para poder comprar nuevamente
una caja definitiva y volver a mi
sonido o incluso mejorarlo.
¿Has utilizado o te
interesa utilizar otro tipo
de percusiones? Latinas,
programadas, pads, etc.
Sí, he estado en cursos de
percusión africana y también he
tenido la experiencia de tocar
música latina donde se deben
utilizar timbaletas, cencerros,
claves y patrones rítmicos
bastante complejos. También
tengo una batería electrónica
donde juego con muchos timbres
y sintetizadores que hacen que
el estudio del instrumento sea
menos monótono y mucho más
experimental.
¿Alguna pieza de batería
que hayas tenido y que te
arrepientas de ya no tener?
¿Por qué?
Mi caja Tama que fue robada en
Temuco, una pérdida importante
pero al ser algo material no me
quita el sueño tampoco. Creo que
es solo una piedra en el camino
que me dará la oportunidad de
equiparme con algo mejor.
¿Algún consejo técnico que
quieras compartir?
Sí, he visto muchísimos bateristas
durante toda mi vida y creo
que, independiente de los
años que lleven tocando, son
pocos los que cuidan el toque y
afinación de la caja. Recordemos
que es el instrumento que
mantiene la constancia, el
pulso o backbeat de la música.
No puede descuidarse ese
sonido, y especialmente en el
rock encuentro prácticamente
obligatorio el uso del rimshot
para escuchar todo el potencial
del tambor.
Por Franzisko Unzaga
Página 29

De exportacióni
CAUDAL
Nuevo clip: No da igual
Los santiaguinos de Caudal lanzaron su primer videoclip promocional:
No Da Igual. El single se desprende de su primer Ep que consta de cinco
canciones y que será lanzado en formato físico y digital durante el primer
semestre de 2018.
La temática de la canción “aborda la resiliencia, el sobreponerse a todo lo
que nos puede derrumbar a lo largo de los días. Los problemas están ahí,
son reales y se pueden manifestar de muchas formas (depresión, trastornos
bipolares, etc.), pero lo importante es sentarse, respirar y no dejar de
cuestionar lo que nos hace daño, lo que sentimos que es injusto o está mal,
dejar de sobre pensar las cosas y sentir lástima de nosotros y empezar a
ser”, dicen sus compositores.
La producción de este video estuvo a cargo de Artefactovisual, productora
que ha realizado trabajos para destacados artistas nacionales como Ana
Tijoux, Portavoz, Miguelitos y Como Asesinar a Felipes, entre otros, y su
dirección y montaje estuvo a cargo de Miguel Contreras.
Página 30

ERRANTE
La vida es ingrata ante actos perseverantes como los expuestos por Errante,
trío que con más de una década recién está viendo la luz en un foso tapado
por nombres de consumo rápido intrascendentes en el tiempo. A como si la
industria fuese un mall lleno de tiendas de manufacturan a gran escala, Errante
son los artesanos en un circuito sesgado y poco curioso. Al menos la
sordera por fin está teniendo cura.
¿Cómo podrían definir esta
primera década en el circuito
nacional?
Jebu Barrios (voz): Constante
aprendizaje, descubrimientos.
Hacer amigos, perder otros. Perseverar.
Gustavo Pinto (batería):
Bastante fructífera, ya que hemos
podido ser capaces de crear
una base desde la cual podemos
movernos cómodamente. Si bien
es cierto yo me uní en la mitad
del camino, junto a Repo (Felipe
Rebolledo, bajo) hemos sabido
utilizar la experiencia de Jebu
para lograr objetivos cada vez
más altos y satisfactorios, desde
componer cosas en donde los
tres nos sentimos plenos a sacar
discos, videos, además de tocar
en lugares cada vez mejores.
Claro que todo esto necesita constancia
y un buen entendimiento,
porque no es fácil. Los años no
han pasado para nada en vano en
Errante (risas).
Felipe: De la década en sí, he estado
presente por casi siete años,
pero como es más de la mitad,
podría decir algo: La verdad es
que todo ha sido una mezcla de
experiencias nuevas, aprendizaje,
compañerismo, viajes. Lo mejor
es que siguen cosas nuevas por
venir, lo cual entusiasma más.
¿Cuáles han sido las mayores
satisfacciones de estos diez
años?
Jebu: Descentralizar
de alguna forma
el foco de atención
en las
propuestas
netamente
capitalinas y
hacernos un
espacio en los
conteos de fin
de año. Recibir
críticas constructivas,
crear una
propuesta reconocible
y desmarcarse
en ocasiones.
No es
que hayamos
reinventado la
rueda, pero si
la hacemos
girar genuinamente.
Gustavo:
Yo creo
tendría
que partir
desde
que me
uní a
Errante
junto a
Repo,
luego
ven- d-
rían los discos, ya que
cada uno devela una
parte importante de
cada uno de nosotros
tanto en
conjunto como
individualmente,
pero sin duda alguna todo el
proceso de “Punto de Quiebre”,
ya que básicamente gracias a
ese disco tuvimos una enorme
retroalimentación y llegamos a
muchos más lugares. Por último y
para nada menos importante creo
que gracias a la música hemos
podido conocer gente increíble
con la cual hemos generado unos
muy buenos lazos.
Felipe: Personalmente, la mayor
satisfacción ha sido mantenernos
como grupo y no haber quedado
en el camino. Con eso ya me siento
más que satisfecho.
¿Y las frustraciones vividas
en este periodo?
Jebu: Ver a las mismas
bandas de siempre
en los
carteles de eventos importantes.
Es en esos momentos donde
dices ¿que estoy haciendo mal?
¿Tengo malas canciones? ¿No conozco
a la gente idónea? ¿Habrá
que jugar sucio para triunfar en
la industria? ¿Las personas serán
tan presas del fan service que les
aterra conocer algo desafiante y
nuevo?
Hay que ser bien autocrítico,
nunca hay que culpar siempre al
entorno de tu frustración. Ahí hay
que tomar aire y seguir trabajando.
Nada llega sin la constancia
de instruirse.
Gustavo: Yo creo que el
sentir de que uno está marcando
el paso y el desgaste
en no haber sabido identificar
de forma adecuada
y oportuna las cosas
que nos restaban,
o que al final
de cuentas no nos
entregaban nada.
Eso lo fuimos
aprendiendo a
medida
que fuimos
adquiriendo
más experiencia
en el
circuito.
Entrevista a Errantei
Felipe:
La verdad
sobre
aquellas
situaciones
solo
quedó sacar conclusiones y
aprender lecciones. Cuando no
salen, puta, hay que acatar y
seguir.
Han sido varios años viendo la
industria, desde su nacimiento
hasta su actual constitución.
¿Les ha favorecido en algo a
ustedes que provienen desde
Región?
Jebu: Hay ocasiones en los que
se convierte en una desventaja.
Si bien somos de Rancagua, un
lugar para nada alejado de Santiago,
quizás tener poco roce con
personas con las que podríamos
conectar con otras audiencias, a
veces merma un poco. Lo que si
encuentro favorable y me llena
cada vez que ocurre fuera de
nuestra región, es que si le gustamos
a alguna persona y se acerca
post show y nos pregunta de
dónde somos y decir que somos
de Rancagua, me hace sentir responsabilidad
con lo que estamos
entregando como banda, aparte
de ser distintivos o sea cual sea
el motivo con el que conectemos
con otras audiencias.
Gustavo: Yo creo que nos ha
favorecido en el hecho de que
quizá pueda ser llamativo para la
gente ver en un anuncio o titular
“banda de región”, pero además
de eso, yo diría que no.
Felipe: No. Somos una banda de
la ciudad cuyo nombre es fonéticamente
parecido a un personaje
de Slam Dunk. Creo que eso
resume todo (risas).
¿Qué creen que falta para que
de una vez por todas los chilenos
aprecien su música?
Jebu: Ufff, exposición en escenarios
grandes, algún suceso
que genere cierta mitología. Ser
políticamente correctos y abanderarse
con todo. Personalmente
a veces no sé lo que buscan las
personas, con respecto a cómo
se comportan con la música.
Página 32 Página 33

Quizás a veces uno peca en sólo
centrarse en sus composiciones,
tocar y a pesar de instruirse en
todo lo que significa manejo de
redes sociales, palabras clave
y cuanto estudio existe, no sé,
simplemente falla, aunque des
la vida tocando en vivo y siendo
enérgico. Debe haber algo que
estemos haciendo mal, quizás
con la forma de conectar con las
personas, al no abordar temáticas
obvias y seguir el camino fácil de
la demagogia, de lo que es correcto
o no en estos días. Es una
pregunta difícil, son demasiados
factores a considerar. Tal vez falta
que alguien nos venda como la
última revelación de quizás que y
nos edulcore con adjetivos innecesarios.
Lo único que tengo claro
es que nunca hay que dejar de
aprender e intentar. Quizás sólo
sean buenas canciones y aún no
las hemos hecho.
Gustavo: Uh, yo creo que mayor
difusión de la que nosotros
podemos llegar, porque la calidad
y la motivación están al 100 %.
Felipe: Interés. La música está
hecha, difundida. Es llegar, buscar
y hasta descargar. Básicamente
quienes presentan sus proyectos
en esta era hacen una especie de
“filantropía musical”. Igual habíamos
pensado en teñirnos rubios
y usar lentes de contacto azules
como para llamar la atención,
pero nah…
¿Habían pensado en realizar
al menos un disco de los
ya expuestos con algún
productor?
Jebu: Si, pero siento que
fracasamos en la forma de
comunicarnos con dicha
persona tal vez. No sé a ciencia
cierta si habría mejorado el
resultado final. Es complicado
abordar el tema de un
productor externo. La música
es un lenguaje y como todo
lenguaje, hay distintas
interpretaciones y a veces
unificar criterios con personas
con las que no tienes cierta
afinidad, puede terminar mal.
Gustavo: Yo creo que sí y
no, debido a que nunca nos
sentábamos a pensar sobre un
productor por un tema de dinero
netamente, pero si nos atrae la
idea de trabajar con gente que
nos pueda aportar.
Felipe: La verdad es que no.
¿Lo sienten necesario?
Jebu: Yo creo que sí, aunque
a veces es un poco triste que
el producido por, sólo sea
considerado como un índice de
calidad y le quite mérito a la
banda. Todas esas asociaciones
un tanto erradas que hace la
mente, producto del hype de
tanta prensa que uno lee, me
desmotivan en demasía. Aparte
del factor monetario, de sumar
adicionalmente a toda la logística
que implica grabar un disco,
alguien que se haga cargo de una
parte fundamental del proceso
creativo.
Gustavo: Totalmente. Si se
escoge a la persona correcta se
pueden lograr grandes
cosas en donde
ambas partes se
beneficien
y queden
satisfechas.
Encuentro
que cerrarse
a la idea de
no querer
contar con
una persona
externa
experimentada
que te pueda
mejorar en
equis aspecto
es tener el ego
muy arriba.
Felipe: Por
mi parte, no.
Tenemos
nuestro proceso bien
estructurado.
Pasando a otro tema ¿cómo
nació esta alianza entre
Beduino y ustedes para este
split?
Jebu: Con Beduino nos
conocemos desde 2012, cuando
los descubrimos en una fecha
en la que coincidimos. Con el
paso de los años fue creciendo
el vínculo, nos hicimos amigos,
hemos compartido muchas
anécdotas y fechas en vivo. Son
una banda por la que siento
un gran cariño y respeto por su
propuesta musical. Tienen un
gusto por el stoner bien marcado,
pero lo saben matizar con otros
estilos, lo que los hace salirse
del canon. Un día, entre muchas
conversas y juerga, surgió la
espontánea idea de colaborar
en un disco. Dos canciones
por banda, íbamos a hacer una
canción que involucrará a las dos
bandas, pero fue logísticamente
imposible reunirse, pero así
y todo logramos un poderoso
resultado que nos ha mantenido
motivados ya que las
composiciones que aportamos,
son de alta intensidad.
Gustavo: Por medio de una
tocata nos conocimos y con el
paso del tiempo nos fuimos
acercando más hasta que nos
hicimos re buenos amigos, al
final la música fue la puerta de
entrada para todo lo que vino
después.
Felipe: A mi hermano Julio,
Don Brian Good y Don Garrido
los conocimos en muchas
tocatas en las cuales siempre
nos veíamos. Comenzamos a
hablar y compartir, mostrábamos
ideas que nacían en nuestros
respectivos ensayos y surgió la
idea de hacer una colaboración.
Hablando de Beduino,
recomiendo a quien esté leyendo
esto, que vaya al Bandcamp de
los muchachos y escuche su disco
“Quemadura”. Es un estruendo
bueno para el alma.
Desde “Punto de Quiebre” que
una producción de Errante
no sonaba tan inspirado.
¿Sienten un antes y un
después gracias a este Split?
Jebu: Si bien “Nuevos Colores
en el Lienzo/Incertidumbre”
no obtuvo los resultados que
esperábamos, igual logramos
exponer algo distinto a lo que
veníamos haciendo y logramos
críticas favorables. Fueron
distintos factores los que los
hacen tal vez sonar con menos
garra que “Punto de Quiebre”.
Estas composiciones surgieron
justo después de haber
terminado el otro disco, que
había tenido mucho más tiempo
de planeación y maduración
de las canciones. A veces la
emergencia y ansiedad de
mostrar algo nuevo (porque entre
crear, producir, grabar y difundir
uno ya siente viejo lo que creó,
no así para el público) es un
arma de doble filo. Todo esto
sumado a que hace un par
de años trabajamos un poco
más pausados ya que nuestro
baterista estudia fuera de
la región, eso ha hecho
que el proceso creativo
a veces demore un poco
más, pero lo ha nutrido
de cierta perspectiva, ha
servido para pulir más
el resultado final. Eso
explica el poderío de
‘Entre la razón y el afecto”
y ‘La tristeza del hombre
común’, canciones que
son muy intensas y
a su vez, marcan una
vara bien alta a la hora
que encaremos nuevas
composiciones a futuro.
Gustavo: Yo creo
que este split es una
buena forma de entrar
en nuestra música.
Mediante dos temas
extensos, podemos
explicar nuestras influencias
sonoras y lo que nos gusta hacer
y lo que hemos hecho a través
de estos 10 años. Ambos temas
tienen pasajes que se entrelazan
y generan nuevas ideas
demostrando siempre nuestro
sello. Así que más que un antes y
un después, es una buena forma
de enmarcar nuestra música.
Felipe: Si. Nuestra relación con
los amigos de Beduino es más
fuerte. Y eso no tiene precio.
Ahora bien, ¿qué planes
poseen para hacer justicia a
tantos años de porfía musical?
Jebu: Estamos preparando un
micro documental, a cargo de
Ro Faúndez, con quien hemos
trabajado el lado audiovisual
durante toda nuestra trayectoria
y hemos ido creciendo a la
par. A su vez, está ejerciendo
actualmente un rol de productor
artístico, ya que parte de nuestros
planes corto y largo plazo, es
ofrecer una propuesta
visual atractiva para
el espectador, para
completar toda la
experiencia que
signifique presenciar
una performance de
Errante.
También estamos
preparando un
compilatorio, que
resuma a cabalidad
nuestra discografía
y así mostrar a
gente que no está
familiarizada con
nuestra discografía,
la música que
hacemos, para que
con el tiempo se
interioricen más en
todo lo que abarca
la sonoridad de
Errante.
Por último,
seguimos
componiendo sin
Entrevista a Errantei
pausa, pero sin prisa. Hay que
hacer las cosas bien.
Felipe: Seguir dándole. Si
llegamos a tocar en “Mucho
Gusto”, es porque ya tocamos
techo (risas).
Muchísimas gracias por su
tiempo y felicitaciones por sus
años dando cara a la música
independiente. Inviten a todos
a seguir los pasos del Errante.
Jebu: Primero que todo, gracias
por el espacio en su sitio y por
la entrevista. Se agradece las
preguntas interesantes y no las
recurrentes sacadas del manual.
Los invito a seguirnos en la red
social que más les acomode.
Nos pueden escuchar en Spotify,
iTunes, Deezer y Bandcamp y
enterarse de nuestras novedades,
interactuar con nosotros,
respondemos siempre. De una
u otra forma, nos ayudan a
mejorar nuestro alcance orgánico
y podemos compartir con más
gente, esto que nos gusta hacer
contra todo pronóstico.
Gustavo: Si o si se llevarán una
sorpresa al escucharnos. Lo
siento no nos puedo definir
en un estilo en particular,
pero si te puedo de decir
que nuestra música es
transparente, distorsionada,
cohesionada, emocionante
y sincera. Además de
fresca en el sentido que no
tenemos miedo a mezclar
cosas, todo lo contrario, nos
encanta.
Por Juan G. Carrasco
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MARCELO
MILLAVIL
En la industria de la música chilena, hay variados y connotados agentes que
desde el anonimato han realizado arte y parte para levantar escena. Uno de
los tantos que aún se encuentran vigentes es Marcelo Millavil, periodista
que con vasta trayectoria en el medio, hoy goza un puesto de privilegio en
Evolución (REC, Javiera y Ángel Parra presentan: Las Últimas Composiciones
de Violeta Parra, entre otros). Sin embargo, fue mucho lo que tuvo
que observar para dar con lo que hoy lo tiene entusiasmado en esta nueva
aventura. Sus recomendaciones, a continuación.
Página 36
Antes que todo, cuéntanos
brevemente cómo surgió tu
ingreso a la industria musical.
Comenzó como un hobbie en el
2013 cuando en una especia de
crisis vocacional, dejé mi trabajo
de periodista institucional en una
empresa para dedicarme a escribir
sobre música en Alavena.cl,
luego pasé a escribir a otro sitio
más grande (POTQ) y comencé
a conocer a músicos. Con Niño
Cohete comencé a tener comunicación,
hasta que un día me
ofrecieron trabajar en prensa en
el 2014, desde ahí entré de a
poco en la industria.
Muchos te conocimos por tus
labores en Alavena y moviendo
a los artistas de El Clan por
los medios. ¿Qué te hizo dar el
salto a Evolución?
En Evolución trabajaban con una
agencia, pero las necesidades
cambiaron, buscaban personalizar
más el trabajo de prensa y contar
con un periodista propio y que
conociera los medios de nicho
para complementar las redes
mainstream que ellos tenían. En
esa etapa yo estaba en el último
proceso de Niño Cohete antes de
separarse, las producciones del
Teatro Oriente y La Cúpula fue
con ellos, desde ahí me hicieron
un seguimiento de lo que hacía
en El Clan y con Beast Discos
hasta que un día me ofrecieron
el puesto. Me interesó desde un
principio pero tuve que calcular
los tiempos que iba a dedicar a
cada trabajo, lo bueno es que en
Evolución me ofrecieron libertad
para trabajar con los otros
proyectos desde sus oficinas,
tuve que finalizar los proyectos
chicos (prensa de bandas más
chicas) para quedar solo con
Beast y El Clan, y así me sumé al
equipo de la productora. Hasta
ahora ha resultado bien la convivencia
de los 3 trabajos.
¿Qué es lo que haces específicamente
en Evolución?
Entrevista a Marcelo Millavili
Me encargo de la prensa de las
bandas, la planificación de la
agenda, entregar puntos de vista
respecto a las fechas de lanzamiento.
También me hago cargo
de la prensa de espectáculos
grandes, como el REC - Rock En
Conce.
Respecto a las bandas también
complemento el trabajo del
promotor radial para introducir la
música en la parrilla constante en
radios.
¿Cuál crees que es tu aporte a
la escena musical chilena tras
fichar con Evolución?
Antes de entrar a Evolución,
siempre había considerado la
lejanía que tenían sus artistas con
la prensa de nicho como los sitios
web y radios digitales, que fue
lo primero que comencé a desarrollar.
La idea era crear un alineamiento
de los medios grandes
junto con los medios chicos para
acercar a los artistas, por ejemplo
que Ángel Parra hijo diera una
entrevista en La Tercera y que
luego pasara a SoloArtistasChilenos.cl,
ha resultado bien, ahora
los medios de nicho sienten que
es más fácil acceder a artistas de
más trayectoria, donde se crea
una confianza y un compromiso
de estos medios con Evolución. Y
en el caso de los medios grandes
generar un trabajo más fluido
para asegurar que la información
se publique o emita. Los directores,
editores y periodistas agradecen
estos gestos. A lo que voy
con todo lo anterior es que mi
aporte es profesionalizar más la
escena musical desde los medios
chicos a medios grandes.
Vemos cifras sobre la circulación
de música nacional en medios y
el porcentaje es deprimente. A
nivel de Estado ¿debiese haber
medidas para mitigar el endiosamiento
extranjero imperante en
los medios del país?
Yo creo que antes de exigir
medidas para los medios, hay
que generar una demanda. Es
un tema cultural que involucra
educación y formación, aún hay
un alto porcentaje de la población
chilena que está con el
estigma de que la música chilena
es mala. Los planes educacionales
en establecimientos se
centran en la cueca, tiene que
haber una mezcla de estilos y
periodos, por suerte ahora pasan
más música de Violeta Parra y
Víctor Jara, pero no avanzan.
La música de Los Jaivas aún se
aborda en 3 canciones, siendo
que tienen obras impresionantes
que mezclan folclore, el rock, la
psicodelia, para qué decir de Los
Prisioneros, Jorge González es
uno de los mejores compositores
con letras de canciones que son
joyas literarias, Buddy Richard
junto con Los Ángeles Negros
han influido mucho en la música
mexicana, pero eso no lo pasan
en clases de música como ejemplos
para valorar.
Mejorar la educación se puede
lograr que las futuras generaciones
puedan demandar al Estado
y a los medios más presencia
de música nacional y que exista
gente que consuma, así no se
necesitaría una ley de porcentaje
de parrilla y se haría una pelea
más fuerte a la inversión de los
sellos transnacionales que meten
canciones en las pautas radiales.
Según tu experiencia, ¿en qué
errores caen los músicos cuando
intentan hacer carrera de
la música?
La falta de profesionalismo, el
creer que la vida de rock and roll,
por decirlo de alguna manera, es
no preocuparse de nada. Dedicarse
a la música también hay responsabilidades,
crear un método
de trabajo, un equipo de trabajo.
Cuando Los Bunkers llegaron
a Santiago, ensayaban 7 horas
diarias, había una metodología
que se fue complementando, por
ejemplo.
Página 37

Entrevista a Marcelo Millavili
Conocer y explorar la industria,
desde los locales para tocar hasta
los medios de comunicación. En
El Clan algunas ocasiones llegan
mails de bandas de metal pidiendo
una fecha, siendo que nuestra
línea editorial no agendamos
metal, es cosa de revisar la cartelera,
o cuando estaba en POTQ
me llegaban mails de bandas de
cumbia que querían que les hiciera
una nota siendo que el sitio
abordan otros estilos musicales
que es cosa de leer los artículos,
al final es una pérdida de tiempo
para la banda que se genera un
desgaste y desencantamiento,
hay que conocer para saber enfocar
los objetivos y canalizar los
esfuerzos en ellos.
¿Cuáles son los principales
factores que debiste aplicar
para consagrar a un artista?
La planificación por sobre todo
para establecer el plan de trabajo.
Tener claro los objetivos de
acuerdo al material de la banda o
músico, ser sincero con el artista
con metas reales y no generar
Página 38
una sobre expectativa.
A lo anterior se suma que hay que
tener una buena base de contactos
y conocerlos en persona, eso
se logra con ir a hartos conciertos,
conocer a los periodistas o
editores en terreno. Con ese paso
uno puede presentar el material,
para ofrecer como contenido.
Por último tener un criterio con
qué material trabajar, primar la
calidad de material por sobre
plata, crear un filtro propio.
¿Qué consejo entregarías a las
bandas que buscan la música
como una forma de vivir?
Paciencia, trabajo, autocrítica,
trabajo, profesionalizar, trabajo,
crear un grupo de trabajo,
conocer los lugares de conciertos,
crear redes con otros músicos,
aceptar críticas de gente externa,
trabajo, buscar opiniones que no
sean de amigos, trabajo, aprender
a gestionar, trabajo.
Finalmente y recordando la
invitación al panel de CNL
(Campeonato Nacional de
Lucha Libre) Pro Talks, ¿impartirás
más charlas como
aquellas?
Esa charla fue interesante,
adapté el marketing y trabajo de
difusión al mundo de la lucha,
que tiene elementos o se genera
escenas similares a lo musical.
Los luchadores recibieron bien
los consejos, me sorprendió que
hubo muchas consultas al terminar,
me gusta hablar de mi pega
porque me apasiona mucho y
les respondía con mucho entusiasmo.
El mundo de la música
es atractivo y a la gente le entretiene
saber cómo funcionan
algunas cosas y enganchan bien
cuando se ocupa de ejemplo de
trabajo para otro ámbito. Volvería
a repetir la experiencia.
Por Juan G. Carrasco

IV Festival de
Blues & Cerveza en
Lago Ranco
IV Festival Lago Rancoi
Tras dos ediciones a tablero vuelto (2015 y ‘16, respectivamente), la eventual
confirmación de un IV encuentro de los sonidos del alma la tuvo difícil tras
los resultados de un 2017 para el olvido: temporal de cuatro días y la nula
gestión de medios mermaron en asegurar a Ranco como capital del blues. Lo
anterior hizo que volvieran los fantasmas de “festival debut” (EMERGE Río
Bueno) dejando a la suerte de Dios la realización de su versión 2018.
El muñequeo por si iba o
no terminó al último round;
principios de enero y señales
de vida mejor ni hablar... Sin
embargo, la gente abogó a favor
del encuentro blusero más
austral del mundo como una
oportunidad extra para levantar
el turismo, construir patrimonio
y por la simple razón de hacer
justicia a tres ediciones de alto
rendimiento.
Con las energías confabulando
a favor de un buen clima (cabe
recordar que en Ranco llueve
diez meses al año), la comunidad
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informada en tiempo record,
más la porfía de Vikingos
Bier Bar aportaron con los
ingredientes necesarios para
entregar un banquete de música
latinoamericana en el tercer lago
más grande de Chile.
Desgraciadamente con un día
menos en el cartel por ordenanza
municipal (la proximidad de la
semana ranquina fue uno de los
factores), el Festival de Blues y
Cerveza en Lago Ranco era una
realidad.
¿Quiénes pasaron?
De jueves a sábado parecía que
la cosa explotaría en cualquier
momento; stands llenísimos,
cerveceras a doble personal y las
notas azules entretejidas con el
aroma fresco del lago formaron
la invitación perfecta para no
perderse a las 15 agrupaciones
distribuidas en jornadas de
ensueño. Entre el reencuentro de
amigos junto a la camaradería del
line up, las divisiones entre uno
y otro no existían, pues todos se
debían el éxito de lo que ocurría:
Jueves 15
Yisus Ocares
Abriendo una nueva edición del
festival de blues más grande
del país, Yisus Ocares junto a la
Juke Joint Blustíbulo obtuvieron
el honor de llenar la primera
noche con la picardía de una de
las representantes más jóvenes
(17) del under blues nacional
justamente de Ranco.
Blues de Garage
Catalogados como visita
ilustre desde la querida nación
Argentina, Blues de Garage
dijo nuevamente presente
con su “bondi” que los tuvo
girando este verano tanto en “La
Confluencia” como en calle Roca
a finales de febrero. Originarios
de Cipolleti, los resguardados
por Tafarí Records fueron otra de
las cartas seguras exponiendo
lo mejor del sonido Chicago a
orillas de Lago Ranco.
Bourbon Street Blues
Provocativos desde el timbre
soul setentero, hasta la
referencia innegable de la
gran Janis Joplin, “La Bourbon”
como les dicen en sus cercanos,
simplemente eran quienes
debían dejar calentita a la
audiencia para los días restantes
del encuentro. Primera noche
donde el poder femenino triunfó.
Viernes 16
Dewman
Conjunto christian jazz
debutante en el festival que
camufla reinterpretaciones
vocales del himnario evangélico
en clave instrumental. Algo muy
de la zona por lo demás. La
vía de la originalidad siempre
se agradece y con la escuela
interpretativa que poseen,
perfectamente podrían ahondar
en la creación sin eslogan.
El Alambique
Superando las inclemencias
del tiempo de la versión 2017
del festival, los expertos de El
Alambique, tras varias pruebas
de maestría al son del jazz y
ritmos propios de la idiosincrasia
musical argentina, los de
Bariloche se ganan un puesto
privilegiado en el evento de
blues y gastronomía gracias a
sus 18 años de madurar notas
y puesta en escena levanta
muertos. Podemos decir a
ciencia cierta que han cumplido
la mayoría de edad.
Jazz Street Blues
Los ritmos New Orleans de la
Jazz Street Blues encantan año
tras año a residentes y visitantes
de la Región de Los Ríos.
Armónicas en clave shuffle, la
sutileza del jazz y los tonos del
blues forjados desde las tierras
de la leche y la carne (Osorno),
son motivos suficientes para
tenerlos nuevamente en las
tablas de Carpa Costanera.
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IV Festival Lago Rancoi
Sábado 17
The Blues Swingers
El recorrido de la Blues Swingers
por el país parece no tener
descanso; tras el paso de sus
miembros por Bar Grez o el Black
Forest de Pucón, durante febrero
los tuvieron de vuelta como uno
de los shows destacados según la
prestigiosa revista Rockaxis.
Toro & Bluesman
Repasando su catálogo junto a
El Cruce, más los clásicos del
cancionero del alma, Felipe
Toro y Claudio “Bluesman”
Valenzuela llegan como las
estrellas debutantes de esta IV
versión. Dejando la bandera del
blues en lo más alto de la pasada
versión de la Cumbre del Rock
Chileno a punta de guitarras
afiladas y poderosas armónicas,
la propuesta debutó formato con
Página 42
gran ovación.
La Rox Band
Nacho Parra, Iván Sepúlveda,
Diego Torres y Rox Pardo, dieron
vida a esta fusión épica –según
sus fanáticos- de blues, rock y
psicodelia.
Paola Brunner
Con una carrera construida en
base al sentimiento por el canto,
Paola Brunner (o simplemente “La
Negra”), lleva a cuestas más de
una década tomando la bandera
del blues desde su natal Ecuador.
La sensualidad de su voz y su
actitud sobre el escenario, han
llevado a Brunner por lugares tan
especiales como España, Francia,
Portugal y hoy, por segundo año
consecutivo, al Festival de Blues
y Cerveza en Lago Ranco. Sin
embargo descansó su personaje
como animadora y nos deleitó
con un selecto repertorio en
compañía de los cabezas de
cartel.
Vintage Blues
Sacándose la espina de no
poder salir a escena a horas
donde el agua quemaba
equipos durante el pasado
verano, Vintage se descargó
con un blues rock maduro para
seguidores del AOR (Adult
Oriented Rock: Eagles, Fleetwood
Mac, Journey). Empoderados
de su misión de cerrar el día, el
tiempo les extendió minutos en
su presentación y soltaron la
artillería en dos horas entre pistas
de autoría y un jam que pedía a
gritos el amanecer.
Domingo 18
La Barra Blues
Hijos ilustres de nuestros vecinos
valdivianos, La Barra Blues posee una
transversalidad sobre el escenario
que les ha valido compartir tablas
con Julius Popper o Combo Chabela
en lugares tan únicos como el Foso
del Castillo Niebla, la Gato Negro
Moto Club y ahora en la IV versión del
encuentro familiar.
12 Bar Cats
Asumiendo por segundo año
consecutivo la tarea de poner a bailar
a la audiencia de Ranco, 12 Bar Cats es
otro de los representantes de la selecta
parrilla del Festival de Blues y Cerveza.
Variadas plazas han sido conquistadas
por el cuarteto quienes, en su afán por
la camaradería, se dejan querer por
la compañía de grandes exponentes
nacionales –como Rafaela Burgos o
el hombre de las armónicas Ricardo
García Huidobro- en cada una de sus
paradas por el territorio. Hoy se suben
al escenario de Carpa Costanera con
un recorrido que los tuvo en el Blues &
Wine, FLU Providencia, o el encuentro
International Night California.
Pancho Blues Cartagena
Pancho Blues llegó a entregar la
experiencia sonora con un tracklist de
infarto para amantes de las notas rudas
sin censura. Catalogado como un capo
en su zona, varios fanáticos desviaron
su ruta con total de ver la potencia del
blues sin filtro.
Bryan Blues Band
Aunque cueste creerlo, Bryan Blue
es el verdadero nombre de otro de
nuestros representantes nacionales
de la música del Mississippi. Prodigio
en los instrumentos, el joven Bryan
(25) perfeccionó su técnica del slide
guitar y el cigar box con los maestros
del género en la meca del blues y
se llevó el amor del público. Y no
es por exagerar su capacidad con el
instrumento, por el contrario, el mismo
medio lo aplaude por su actitud en
las cuerdas y una voz tocada por los
dioses del cuarto arte. Fue su debut en
Lago Ranco.
Fotos: Pablo Ortiz
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