Rock To Rock Magazine N°5

www.rock2rock.cl N°5 2017
LA CONSPIRACIoN de
SOBERNOT
SOBERNOT
El machismo en el rock ZOOM H6
SOBERNOT
Artículo de opinión
Charly Campos
Luthier de Goya Luthiers
Caterina Nix
Nueva gira por Europa
Víctor Escobar
La escena chilena
AKBAL
Mirando al Cielo
Reseña Técnica
El nuevo MiBar
de Felipe Vuletich
Bleak Fleash
Metal del furuto
Julián Inostroza
Bajista de Bagual
Unkown Musical Object
Nuevo Disco

Esta nueva edición
es sumamente especial,
primero porque
demuestra que
nuestro equipo de
trabajo se ha consolidado
mucho más,
y segundo porque
debido a esa misma
consolidación hemos
crecido en el número
de artículos disponibles.
Crecer en este ámbito
para un medio
digital que hace todo
por amor al arte, es
todo un logro desde
el punto de vista
del compromiso y
profesional. Toda la
gente que conformamos
este staff tiene
sus propios trabajos,
prioridades, y hobbys,
los cuales son
totalmente independiente
de Rock
To Rock Magazine.
Que cada uno de
ellos destine varias
horas al mes, es una
demostración de
esfuerzo, cariño y
pasión por la música
y la industria musical
chilena.
Ahora bien, muchos
de nuestros lectores
destacan la identidad
que posee Rock
To Rock Magazine, la
mezcla distinta entre
música chilena, industria,
artículos de
contingencia y entrevistas
a la medida.
Todos estos temas
se han robustecido
enormemente con la
entrada al staff por
parte de Franzisko,
Felipe, Sebastián y
Pilar. De parte de
todo el “viejo” staff
estamos agradecidos
por su aporte
mensual y por el
profesionalismo que
registran en cada
una de las palabras
de sus correspondientes
artículos.
Existe una alta demanda
por parte de
los músicos que nos
escriben mes a mes,
a todos ellos les
pedimos paciencia,
estamos haciendo
todo lo posible por
poder abarcar mes a
mes a todas los artistas
que nos escriben.
Para cerrar, recalcar
el apoyo de los
lectores y seguidores
de redes sociales,
esperamos crecer
aún más, gracias por
sus comentarios,
“likes” y por compartir
el material.
Un abrazo, gracias!.
Rock2Rock Staff.
CONTACTO:
Consultas, sugerencias,
publicidad, marketing:
info@rock2rock.cl
www.rock2rock.cl
Todas las opiniones en
esta revista son responsabilidad
de quienes la
emiten.
Agradecimientos:
Sobernot, Caterina Nix,
Víctor Escobar, Juan G.
Carrasco, Charly Campos,
Julián Inostroza, Bleak
Flesh, Felipe Vuletich,
Akbal,Diego Pino, Elías
Martínez, Felix Barros, y
Ricardo Martinez.
Colabora:
The Resistance, Eventrid,
Mustach, Overtone Music,
Nice Pig Music.
Editor:
Marcelo Oyanadel
Director de Negocios:
Bruno Lavín
Staff:
Sebastián Lago
Pilar C.J.
Felipe Canales
Franzisko Unzaga
Colaboradores:
Diego Pino
Claudio Miranda
Juan E. Lagos
Juan G. Carrasco
Webmaster:
Marcelo Oyanadel

Indice
5Unkown Musical
Object
Nuevo disco.
20Charly Campos
Luthier de Goya Luthiers.
6Akbal
Mirando al Cielo.
22El machismo en
el rock
Artículo de opinión.
8Víctor Escobar
La escena chilena.
26ZOOM H6
Reseña técnica.
10Ajimsa
Ciudadanos del Mundo.
30El nuevo MiBar
de Felipe Vuletich.
12Bleak Flesh
Metal del futuro.
32Sobernot
La conspiración de Sobernot.
14Julián Inostroza
Bajista de Bagual.
38Caterina Nix
Nueva gira por Europa.
17Selvamonos
Orgullo latinoamericano

¿QUIERES IR A UN CONCIERTO? | EVENTRID
www.eventrid.cl

En su propia vozi
UNKNOWN
MUSICAL OBJECT
La exploración de armonías densas y ritmos obstinados que recrean
ambientes no convencionales son el sello del debut discográfico de
U.M.O., el trío de fusión rock compuesto por el guitarrista Nicolás Avilés
(Feria, Ariztía, PopDivas), el baterista Juan Carlos Raglianti (Luis Jara,
Kudai, Dama Juana, Aisles y Esencia, entre otros) y el bajista Felipe
Castro (Coprófago: Unorthodox Creative Criteria/Images of Despair).
En U.M.O. es posible descubrir temas de corte tradicional como Abismo y Equidistante,
donde la guitarra se luce con improvisaciones propias del rock clásico.
Tracks más pesados como Turbulencia y Denso, no escatiman en generar
importantes niveles de intensidad y dan luces del interés por la exploración
del metal progresivo. Asimismo, hay obras caleidoscópicas como Perturbado,
donde el bajo colabora en la co-construcción del ámbito melódico, complementándose
sincrónicamente con la batería. Por último, en Barcelona y Polisémico
se advierten métricas alternativas y “discursos de la ciudad” representados
por conversaciones radiales y voces grabadas que sustituyen la falta de
una voz principal.
- Felipe Castro M. Bajista de U.M.O
Página 5

AKBAL
Con 3 discos y 20 años de experiencia,
conversamos con Cristian Guerrero de
los talquinos Akbal para hablar de su
último vídeo clip Voraz, la escena del
metal chileno y su centralismo.
Cristian ¿Cual es el mensaje
y el concepto detrás que nos
deja Voraz?
Voraz es una de las canciones
con contenido más explícito de
nuestro último LP Mirando al
Cielo. Habla acerca del materialismo
excesivo. Todos podemos
desear tener cosas materiales,
pero cuando eso se transforma en
un deseo más allá de toda lógica,
dejando de lado cualquier otra
prioridad y ética, apartando todo
sólo por el hecho de obtener
dinero, beneficios materiales y
poder, ahí está puesto el énfasis
del mensaje. En todas aquellas
personas que basan su vida en
generar recursos “devorando” al
resto sin importar cómo hacerlo.
Página 6
Algo demasiado común en nuestros
días por lo demás.
¿Quién y donde grabaron el
vídeo clip, cómo fue el trabajo
de edición y producción?
El video estuvo a cargo de Jorge
Panchana, con quien habíamos
trabajo anteriormente y conocíamos
desde hace varios años ya
que el también es de Talca, pero
ahora radicado en Santiago.
La grabación del video estuvo
dividida entre las 2 ciudades,
las tomas nuestras se grabaron
en Talca en el subterráneo del
antiguo Cine Plaza y el resto de
la grabación y postproducción se
hicieron en Santiago.
Pasando a otro tema, vemos
que han conseguido varios
reconocimientos, y que en
algunos medios como Chileanskies
o Rockaxis, han sabido
reconocer su propuesta ¿cómo
ha sido para Akbal difundir
Mirando Al Cielo en un sistema
tan centralista?
Si bien llevamos varios años de
recorrido, nuestro trabajo más
serio fue cuando comenzamos
la composición de Mirando al
Cielo. Nos pusimos como meta
hacer un disco que tuviera una
correcta integridad en cuanto a
música, contenido y sonido, por
lo que trabajamos arduamente
para lograr un resultado que
nos dejara conformes en estos 3

Entrevista a Akbali
ámbitos. Teniendo aquello sabíamos
que la parte más difícil aún
estaba por llegar, ya que difundir
un disco de una banda de región
siempre es más complejo. No fue
fácil, nos cerraron puertas y varios
portales no nos escucharon,
pero los que se dieron el tiempo
de escuchar nuestro trabajo nos
han retroalimentado de muy
buena manera, afirmándonos
de que vamos por buen camino.
Sentimos que estamos recién
comenzando, aunque llevemos
muchos años haciendo esto.
¿Creen que la escena musical
chilena queda al debe frente
a las propuestas sobre todo de
las bandas de metal?
Últimamente hay algunas bandas
de metal que han logrado surgir
desde el underground y han podido
estar en un sitial de reconocimiento
nacional, pero no vemos
que sea por un tema de que el
medio les dé los espacios, sino
porque ellos mismos se los han
generado. Esto reafirma que la
manera de llegar lejos es, aparte
de tener el talento, tener la
convicción y la insistencia en el
proyecto musical. Creemos que
sin lugar a dudas aún faltan los
espacios para bandas emergentes.
Talento en Chile hay mucho y
en todas partes del país.
Para cerrar el artículo, ¿Cuales
son los planes de Akbal para
lo que resta del año?
A principios de año teníamos
planeado tocar en lugares fuera
de Talca y la región pero tuvimos
que frenar todo debido a la lamentable
fractura de hombro de
nuestro baterista. Ahora estamos
de a poco retomando los ensayos
para pensar volver a los escenarios
en la última parte del año.
En estos meses también hemos
comenzado a bosquejar nuestro
próximo disco y de manera
paralela también trabajar en una
última sorpresa audiovisual para
ya cerrar el círculo de Mirando al
Cielo.
Por Marcelo Oyanadel
Página 7

VÍCTOR
ESCOBAR
Con años en la escena del rock y metal chileno el vocalista
de Alto Voltaje, Victor Escobar, nos cuenta sus impresiones
sobre la actual escena chilena en base a su experiencia con
la actual gira de promoción de Contracorriente.
Víctor, con la actual gira de
promoción de su más reciente
álbum ¿Cómo ves la producción
de los espacios presentes
en el país que abren a la
puerta para shows de bandas
rock y metal chilenas?
Primero que todo, muchas gracias
por este espacio para poder
conversar sobre el rock y metal
nacional. Con respecto a la pregunta,
es un poco complejo, ya
que todo es relativo, hay lugares
muy buenos que cuentan con
sistemas de sonido e iluminación
muy profesional y algunos muy
modestos, todo depende de
donde vayas a tocar, pero muchas
veces los locales más modestos
son aquellos que te llenan mas
el alma ya que su gente te trata
como el artista que eres y como
se debe tratar al músico chileno.
Luego del lanzamiento del disco
en diciembre del 2016, no hemos
tenido descanso ya que hemos
tocado en muchos lugares, en el
centro de la capital y en comunas
más alejadas del centro, así
también en regiones, acá debo
destacar que en regiones hay una
gran preocupación por el músico,
y eso se nota en cada detalle
de los locatarios, con buenos y
bonitos espacios, buenos escenarios,
y buen sistema de sonido,
con backline incluido para que
las bandas lleguen solo a tocar,
Página 8
En regiones se preocupan del
espectáculo más que del lucro.
Y eso se agradece, ya que dan
ganas de volver, por nombrar
algunos locales de regiones de
calidad, Barrabass bar de Puerto
Montt, Pub Duna de Coquimbo,
Bar Zalsipuedes Talcahuano, La
Taberna Rock de Temuco, Bar
Playa Valparaíso, Golden Rock
Bar de Rancagua, entre muchos
más, así como también hay que
mencionar los grandes festivales
que se hacen
en provincia,
como el Rock
en Rio Bueno,
Merken rock
de Temuco, El
Woodstaco
en Teno. No
todo está
en Santiago.
¿Qué
opinas de
la respuesta
del público
chileno, en
general, para
las bandas de
hard rock y
metal en el contexto
de los pequeños
shows de bares y
pubs a lo largo del país?
Hablare por nosotros, ya que no
nos podemos quejar, en Santiago
contamos con un público fiel, que
ya mas que publico son parte
de nuestra historia, son nuestra
familia, nos acompañan siempre
a todos nuestros shows en
la capital y muchas veces
hacen el esfuerzo de viajar
a regiones, de eso somos
unos agradecidos.
Y qué
decir
del
publico

de regiones, cada vez que vamos
a tocar fuera de Santiago,
la gente nos llena de cariño, se
nota que al rockero en provincia
les gusta y respeta a las bandas
nacionales.
¿Cómo ves la entrega de los
fans de regiones versus los de
Santiago?
Como decía anteriormente, el
publico de regiones es muy
apasionado, disfrutan al máximo
cuando uno les lleva un espectáculo
a su ciudad, y eso
te carga de energía,
siempre es muy
grato tocar en
regiones. Pero
como también
te comentaba,
no nos
podemos
quejar de
nuestro
público en
Santiago, ya
que tenemos
el privilegio
de contar
con esta
gran familia
que son la
pandilla Alto
Voltaje y que
nunca nos
han dejado
solos.
Creo que
todos los
que estamos
en la
industria
musical
sabemos
que hay
deficiencias
y la
escena
musical
no
avanza
como
Entrevista a Victor Escobari
quisiéramos, ¿Cuales son para
ti las principales deficiencias
que posee para Chile como
para romper esta barrera y
convertirse en un polo de la
música a nivel sudamericana?
Mira en Chile hay excelente
bandas, de calidad y profesionalismo
que no tienen nada que
envidiar a bandas internacionales,
los músicos han ido creciendo,
haciendo buenos shows,
se nota el trabajo en las salas
de ensayo, también se están
haciendo buenas producciones
discográficas, con buen sonido,
buen arte. Al menos esa parte
está muy bien, además hay una
unión entre las bandas sin importar
el estilo musical que ejecuten,
al menos nosotros mantenemos
un vinculo de amistad con muchas
bandas y nos respetamos,
sean Hard rock, Heavy metal,
Trash, Death, Punk, Folk. Creo que
por ahí va la cosa, el respetar el
trabajo de tus pares, y por ahí
va parte del cambio de mentalidad.
Pero falta el otro 50%,
que es que el público también
comience a querer más lo suyo
que a lo de afuera. Investigar,
ir a conciertos de bandas Chilenas,
todos los fines de semana
hay eventos en distintos lugares
del país con excelentes bandas
nacionales a un precio que no
ha variado desde mediados de
los noventas. Vayan a los conciertos
internacionales temprano
cuando este partiendo la banda
soporte. Compren discos, o sea,
queramos lo nuestro, sin caer en
que si es chileno es bueno, pero
hay muchos de excelencia mundial
que se los están perdiendo.
Cuando el publico Chileno salga
del computador el fin de semana
y salga a la realidad de la vida a
disfrutar en vivo y en directo a
una banda nacional, sabrá que
el rock y metal chileno está más
vivo que nunca.
Finalmente, ¿Qué elementos
rescatas de la escena musical
chilena, tanto desde la vereda
de los músicos, como desde las
productoras, fans, entre otros?
Volviendo al punto de los músicos,
rescato que estamos cada
vez mas unidos, tenemos grandes
lazos de amistad con muchas
bandas con las que nos colaboramos
en lo musical, grandes
amigos y artistas. Debo destacar
bandas de las cuales me siento
orgulloso de haber compartido
escenario y ser más que colegas
con ellos, no nombrare ninguna
porque sería una lista interminable,
pero cada uno de ellos saben
a quienes me refiero.
Con respecto a las productoras,
debo destacar a Jorge Hurtado
(Chargola Producciones) quien
en estos momentos se la está
jugando por la música Chilena,
un productor serio y cercano con
el músico. También hay muchas
otras productoras que están haciendo
las cosas de manera profesional
y con respeto al artista,
como por ejemplo Armagerock,
que de apoco se está situando en
un buen lugar en la música rock y
metal. Así como También Bestial
Conspiracy, Mil Voltios, Choques
de Metal y Wolf Producciones por
nombrar algunas de las que están
trabajando de gran manera.
Y con respecto a los Fans de la
música Chilena Rock y Metal,
simplemente agradecer a los que
van a los conciertos, a los que
compran discos y merchandising,
a los que ven los videos de
youtube, ya que así se mantiene
en pie este tan hermoso trabajo
que es hacer música.
Nuevamente dar las gracias por
el espacio que nos dan para
expresarnos y difundir nuestra
música. Alto Voltaje hay para rato,
así como hay shows para rato
hasta fin de año continuando
nuestra Gira Contracorriente
2017.
Por Marcelo Oyanadel
Página 9

De Exportacióni
AJIMSA
Ciudadanos del Mundo
Cuando el amor por la
música no mide fronteras,
nacen propuestas como
Ajimsa, proyecto musical
que unifica los sonidos
del mundo gracias al cruce
cultural entre el compositor
Cristian Torres y la
tecladista francesa Julie
Gaye. Formalmente constituidos
desde 2015 producto
de las grabaciones
Página 10
correspondientes a “Cosmovisión”,
su LP debut, la
apuesta jugó a la segura
e invitó a Rodrigo Latorre
(La Mano Ajena) quien
puso de su experiencia al
servicio de la world music
con sabor latinoamericano.
Del sánscrito “Ahimsa”
(“respeto a la vida en todas
sus formas”, “no violencia”),
el actual sexteto
se atreve a dar aire fresco
a la escena a través de
diez obras que
bailan entre el medio oriente,
lo celta y el folclor.
Disponible en Spotify, PortalDisc
y Youtube.

BLEAK FLE
Bleak Flesh es una banda que podría, fácilmente, ser encasillad
Metal a secas. Sin embargo, dando una oída más certera y profu
con claridad que sólo miran al pasado para encontrar raíces e in
que en la creación, están siempre con un pie hacia el futuro. Mat
guitarrista, nos cuenta todo acerca de “Overcoming
reality”, su nuevo disco.
Lanzaron un disco hace poco
tiempo, “Overcoming reality”
¿Cómo ha sido la recepción?
La recepción ha sido tremendamente
positiva, excelentes
reviews y apoyo en varias partes
del mundo y Chile, creemos definitivamente
que hemos logrado
avanzar como banda en todo
sentido con esta producción. Más
gente se ha interesado en nuestro
trabajo, más medios lo han difundido
y publicado reseñas. Otra
cosa importante es que “Overcoming
Reality” nos ha permitido
conocer excelentes personas en
bandas, medios de comunicación
y también muchos amigos a distancia
que están disfrutando de
este material.
¿Cómo se ha dado el reconocimiento
internacional?
¿Comenzaron enviando ustedes
el material o fue más
espontáneo?
De manera progresiva. Inicialmente
utilizamos las redes
sociales para compartir el material,
con el objetivo de traspasar
nuestras fronteras y poder llegar
a más personas que estuviesen
interesadas en este estilo de
música. El interés se fue generando
de manera espontánea,
cada vez más gente comenzó a
compartir nuestra música y eso
nos permitió masificar nuestra
propuesta dentro de este nicho
súper acotado que es el Death
Página 12
Metal Técnico. Otro aspecto
importante fue generar lazos de
confianza con músicos de otras
agrupaciones tanto en Chile
como en el extranjero, intercambiando
material y compartiendo
su música. También es primordial
ser constantes, mantener actualizados
los canales de información
y establecer continuamente un
diálogo transversal con las personas
que están interesadas en
conocer la propuesta de la banda.
¿En qué se basan sus diseños?
¿Existe un concepto que lo
emparente globalmente junto
a la música?
Los diseños de artwork e imagen
que acompañan el material de
la banda, tratamos de relacionarlos
con los conceptos que se
tratan en las letras. En el caso de
Overcoming Reality el arte está
inspirado en películas y cómics
de ciencia ficción de los 80. La
imagen femenina de la carátula
es básicamente la representación
de cuando el ser humano sigue el
camino del “Spectral Path” (última
canción del disco) y se transforma
en un ente biomecánico.
Los primeros pasos del proceso
se pueden ver en el videoclip
que realizamos del mismo tema,
en donde el protagonista realiza
un ritual antiguo para poder abrir
un portal a otras dimensiones en
donde el bien y el mal son uno
solo, la voluntad de conseguir las
metas y de acceder a este plano
superior reemplazan a la condición
humana y como consecuencia,
se supera la realidad.
¿Ven una escena chilena de
metal técnico como el que
hacen ustedes?
Por supuesto, hemos conocido
bandas que se están atreviendo a
experimentar con este estilo generando
sus propias propuestas e
incluyendo sus propias influen-

SH
a como Death
nda se puede ver
fluencias, pero
ías Quiroz, su
Entrevista a Bleak Fleshi
agrupación que tiene una gran
trayectoria, su propuesta siempre
se ha caracterizado por
ser muy original, brutal y con
influencias muy varia das, definitivamente
son un referente del
metal extremo técnico chileno.
Otra banda que se me viene a la
mente es Icingdeath, su música
proviene de un origen Deathcore
y también incluye elementos
técnicos, son increíbles en sus
presentaciones vivo.
Me gustaría mencionar también
a Dethroner, a ellos los considero
la banda definitiva que representa
el Death Metal Técnico
en Chile, tienen una trayectoria
tremenda y tuvimos la suerte de
contar con ellos para el lanzamiento
de “Overcoming Reality”.
Puedo decir sin ninguna duda
que es la mejor banda que he
visto tocar en vivo en este estilo,
gente profesional y tremendamente
humilde. Otras bandas
que también forman parte de
las historia del metal técnico
en Chile pero que no están tan
directamente relacionadas
con lo que hacemos nosotros
son Coprófago, Stigmatized y
Norphelida.
final que se usará en vivo. Con
las guitarras y batería listas se
compone el bajo, los arreglos sinfónicos/electrónicos
y al mismo
tiempo Ngen Kerruff trabaja las
letras de acuerdo a una estructura
que acordamos.
Luego de que el tema ya está
terminado, pasamos a una segunda
etapa personal en donde
cada integrante desarrolla y
trabaja su parte. Posteriormente
en la sala de ensayo practicamos
a diferentes velocidades sobre
todo los temas técnicos y rápidos
hasta llegar al objetivo. Los tracks
sinfónicos y los metrónomos se
agregan a una sesión de Cubase
en donde se encuentran los
distintos setlist que usamos dependiendo
del tiempo que exista
para que la banda se presente
en cada presentación, a través
de una interfaz de audio generamos
dos salidas, una para el
monitoreo de Sebastián con los
metrónomos y pistas de referencia
y otra en estéreo que va a
una caja directa para los samples
electrónicos.
¿Cuál es el futuro de Bleak
Flesh?
cias. Podría mencionar las siguientes
agrupaciones: Mechanical
Decapitation que realiza una
mezcla increíblemente efectiva
entre el Death Metal Técnico, el
Grindcore y el Black Metal;, Daedius
y Annog Vnrama de la quinta
región, los primeros trabajan el
Death Metal Técnico con influencias
más modernas y progresivas,
Annog Vnrama es una máquina
de brutalidad y según mi humilde
opinión, cuenta con los mejores
guitarristas de metal extremo
del país. Innana es un tremenda
¿Cómo componen y trabajan
los temas?
Actualmente el proceso de composición
de los temas se divide
básicamente en dos etapas:
primero, la idea original normalmente
parte con un conjunto de
riffs que son transcritos a una
tablatura, posteriormente trabajo
estas nociones hasta llegar a un
resultado satisfactorio, agrego
las partes de batería que mejor
complementan los riffs a través
de anotaciones en el mismo
archivo, luego, nuestro baterista
Sebastián Vidal desarrolla esas
secciones, agrega los elementos
de percusión co rrespondientes
y también crea los metrónomos
que posteriormente se usarán
para ensayar los temas a distintas
velocidades incluido el track
Seguiremos promocionando
“Overcoming Reality” y tocando
en vivo dentro de lo posible,
ya hemos comenzado a componer
nuevo material pero nos
tomaremos todo el tiempo que
sea necesario para trabajarlo
y entregar una nueva producción
al público en el futuro. Otro
objetivo que tenemos en mente
siempre es llevar nuestra música
en vivo al extranjero, de a poco
hemos ido cimentando este
camino y seguiremos trabajando
para cumplirlo. Quiero agradecer
personalmente a Felipe por el
interés y apoyo a nuestra banda,
desde ya los dejo a todos invitados
a escuchar y conocer nuestra
propuesta musical.
Por Felipe Canales
Página 13

Julián
Inostroza,
bajista de Bagual
Con dos discos bajo el brazo, “I: Viento
Sur” (2014) y “II: Viento Norte” (2015), y
recién terminado el proceso de grabación del
tercero, hace rato Bagual viene dando que
hablar desde la trinchera del Stoner Rock.
Visitamos su sala de ensayo junto a Julián
Inostroza, bajista y miembro fundador, para
conversar sobre los equipos y configuraciones
detrás de su sonido.
¿Cuál es la música que te
gusta y que ha generado la
inquietud musical que te ha
llevado a tener los equipos que
tienes?
Esa es una pregunta difícil para
mí, porque me gusta mucha
música: jazz, grunge, folk, boleros,
tangos, música clásica, etc. Pero
hay algunos bajistas en particular
que me han influenciado hacia el
sonido que tengo en Bagual, entre
los que está Federico Ramos
(Buffalo), Jeff Matz (High On Fire),
Mel Schacher (Grand Funk Railroad)
y Tony Levin (King Crimson,
entre otros).
Yendo a tus equipos, cuéntanos
un poco de tu bajo.
He pasado por varios bajos en la
vida. En general, no me gustaban
mucho los bajos con las clavijas
alineadas, solo por un tema
estético, nada más. Hasta que vi
un video de no sé qué banda en
Página 14
la que salía el bajista tocando un
Jazz Bass (que tiene ese tipo de
clavijero) y pensé: “no se ve tan
mal”. En ese momento yo tenía
un Schecter y un LTD S254 AT
(tipo Les Paul), este último me
gustaba harto pero lo malo era
que entre las dos capsulas tenía
una protuberancia que me molestaba
al tocar (toco con los dedos).
Así que vendí el LTD y me compré
mi bajo actual, un Peavey Zodiac
BXP. Este bajo venía con unas
cápsulas genéricas (supongo) y
se las cambié por unas Seymour
Duncan Jazz Bass (puente) y
Precision Bass (cuello). Además,
le instalé un cubre capsulas, no
tanto por sonido, sino para rendir
homenaje a Mel Schacher, ya que
él tocaba con un Jazz Bass así.
¿Qué cuerdas usas?
En Bagual tocamos en afinación
Do estándar, por lo que uso un
calibre mayor. A partir de este
disco que estamos grabando
(tercero) estoy usando cuerda
DR modelo DDT. Antes tocaba
con cuerdas Flat, las cuales
no son entorchadas, son lisas,
y se utilizan principalmente
en instrumentos fretless
(sin trastes) para no dañar el
mástil. Yo las utilizaba porque
le daban un sonido más
opaco, más oscuro que las
cuerdas entorchadas. Ahora
tenía ganas de levantar
un poco mi distorsión,
darle un poco
más de brillo y decidí
comenzar por las cuerdas.
Hasta ahora me ha
dado resultado, estoy
conforme. Eso sí, estoy
tocando con cuerdas
de hombre así que mis
deditos se están rompiendo
jaja.
Jaja, ¿te vas a pasar a

uñeta entonces?
Nooo, jaja. No
soy contrario a
la uñeta, solo
creo que es
para otro tipo
de música,
para cosas
progresivas,
experimentales,
donde
necesitas que
el bajo suene
con precisión.
A mí me
gusta mucho
el toque
que le da
al sonido el
tocar con los
dedos. También
existen
diferencias
a la hora de
Entrevista a Julián Inostrozai
tocar con los dedos, hay personas
que tocan con la punta de
los dedos y otras con las yemas.
Yo toco con las yemas un poco
arrastradas.
Cuéntanos de tu amplificador
Este es un cabezal Kustom
DE300 HD de la serie Deep End.
Yo soy más bien bruto para tocar,
no me gusta perillar demasiado,
me gusta conectarme y sonar
fuerte. Este amplificador no tiene
ecualizador de banda, por eso
llegue a la conclusión de que era
el que me podía servir. De hecho,
la primera vez que lo toqué no
me produjo nada, le tenía poca
fe, pero con el tiempo me di
cuenta que era un buen amplificador,
tiene un sonido similar
a los Ampeg. En los 70’s eran
conocidos por tener una cubierta
acolchada en vez de tolex. Este
cabezal es híbrido, tiene un tubo
12AX7 en el previo y la etapa de
potencia a transistores. Tiene un
control de ganancia, bajos, medios
y agudos, Room EQ y master.
El room EQ te permite cortar
bajos o agudos específicos. Los
gabinetes son Kustom también,
4x10 con parlantes Deep End
y 1x15 con parlante Eminence.
Ambos gabinetes tienen tweeters
seleccionables. El cabezal lo
uso con una configuración limpia
sobre la cual agrego la distorsión
con pedales. La verdad es un
amplificador con una excelente
relación precio/calidad.
¿Y tus pedales?
Uso un afinador Korg Pitchblack,
un bass EHX Big Muff Pi y un
Tech 21 SansAmp Para Driver DI.
Mi sonido básico es con el Para
Driver activado, ese es mi sonido
“limpio” en Bagual. Con el
Big Muff le añado la distorsión.
Tanto el Para Drive como el Big
Muff tienen bastante ganancia
disponible, pero es importante
definir tu sonido considerando el
sonido de los otros instrumentos.
En Bagual tenemos dos guitarras
y si todos ponemos la ganancia
al máximo se formaría una masa
de sonido inentendible. El Para
Driver permite controlar varios
parámetros de sonido, tanto los
de la señal normal como los de la
salida directa (DI).
¿Usas la salida directa del
Para Drive?
Solo la he usado una vez y fue
un desastre. Durante una tocata
el amplificador que estábamos
usando murió y alguien me dijo
“tú tienes una caja directa!”. Dije
“Ya, bueno”, pero no tenía idea
como usarla, conecte todo rápido
y después no me funcionaba la
distorsión, todo mal jaja. Pero
eso fue mi culpa, el Para Drive es
un pedal espectacular. Ahora, no
hay que confundirlo con el Bass
Driver. Algunos amigos bajistas
me han dicho “me compré el
SansAmp y vale callampa!”, pero
se han comprado el Bass Driver,
el cual no es malo, pero no hace
lo mismo que el Para Driver.
¿Qué fuente de poder usas?
Para alimentar los pedales uso
una fuente de poder CIOKS Baby
2. Hace bien la pega, cero ruido.
Veo que tienes una Selftitled
Pedalboard. ¿Qué tal?
Súper piola, me la compré hace
poco, antes de empezar a grabar
el último disco. Para mi es perfecta,
súper simple, tamaño preciso,
económica, producto nacional y
viene con un bolso y velcro.
Vi que tienes varios cables,
¿Alguna recomendación?
Tengo algunos Santo Angelo que
no me gustaron mucho. Los de
parlante andan bien, esos uso,
pero los de instrumento no. Para
mí el cable por excelencia es el
Planet Waves (D’Addario). Este de
aquí lo tengo desde que empecé
a tocar bajo a los 13 años, ahora
tengo 29, ahí teni’ cable!
por Franzisko Unzaga, ingeniero,
guitarrista y compositor.
Página 15

De Exportacióni
SELVÁMONOS
Orgullo latinoamericano
Oxapampa continúa haciendo
historia con la
novena edición de un
clásico de la selva peruana.
Nos referimos al
festival Selvámonos, encuentro
musical al aire
libre celebrado durante
el primer fin de semana
de julio cuyo cartel contó
con la camaradería de la
productora por nuestro
país. A su ya interesante
line up, dos números
chilenos en veredas consolidadas
y consagradas
se hicieron presentes en
horario estelar. De esta
forma Gepe y Negros de
Harvard representaron
la música chilena acompañando
a Turbopótamos,
Macaco o La Nueva Invasión.
Hasta el momento
ha sido la edición con
más asistentes desde su
origen. Todo parece indicar
que la celebración de
su primera
década será en grande.
Página 17

Charly
Campos
Goya Luthiers
Vive hace 15 años en Chile, por
sus manos han pasado o se han
creado innumerables instrumentos
y tiene una importante clientela de
guitarristas y bajistas. Conversamos
con Charly Campos de Goya Luthiers
para conocer un poco sobre su oficio
y su historia.
Charly, cuéntanos un poco de
tu relación con la música
Aprendí a tocar el bajo a los 14
años, luego seguí con la guitarra,
luego la batería, el piano y al final
estudié canto. Toqué con todo el
mundo y recorrí el circuito argentino
y el de los países limítrofes
ya que era el boom de la música
en vivo y de las bandas en ese
momento (principio de los 80´s).
Tanto fue así que llegué a tocar
con mi ídolo Norberto Napolitano
(Pappo) en 1986. Toma en cuenta
que yo tenía 20 años y el más de
40. La banda se llamaba “Pappo y
hoy no es hoy”, hacíamos heavy
metal y grabamos un disco llamado
“Diabólico Plan”.
Cuando Pappo se fue a EE.UU. yo
Página 20
formé, junto a Gabriel Carambula,
la banda “Los Perros”. La verdad
tuve mucha suerte, me fue muy
bien con la música, en 1993
conseguimos un disco de oro con
esa banda. Varios años después
Pappo volvió a Argentina y me
vino a buscar a casa para rearmar
la mítica banda “Pappo´s Blues”.
¿Recuerdas alguna anécdota
tocando con tu ídolo?
Cuando me enteré que Pappo
estaba buscando bajista, tomé
mi bajo y me fui corriendo a su
casa (vivía a 15 cuadras de la
mía). Al llegar me encontré con
una fila que daba la vuelta a la
esquina, estaban todos los bajistas
de rock de Buenos Aires,
pensé “ahora o nunca”. Llegó mi
turno, entré a la casa y, para mi
sorpresa, Pappo comenzó a tocar
sin siquiera saludarme. Como
era mi ídolo me sabía todos los
temas, pero con el detalle de que
los tocaba en otros tonos. Si el
tema era en Sol, lo tocaba en Fa#,
si era en La, lo tocaba en Re, y así
sucesivamente. Yo pensé que era
para probarme, pero después me
di cuenta que hacia eso todo el
tiempo, inclusive en los shows.
Cosas de viejo loco supongo.
¿Cómo llegaste a la lutheria?
La luthería la descubrí a los 16
años cuando por mis propios
medios me fabriqué un bajo, sin
saber nada de luthería pero con
profundos conocimientos de las
maderas, ya que mi papá tenía

una fábrica de carrocerías para
camiones y yo, literalmente, vivía
dentro. Desde muy chico manejaba
máquinas industriales, acompañaba
a mi padre a comprar los
árboles al norte de Argentina y
hacía soldaduras de precisión
porque tenía un pulso excelente.
Fui discípulo de Floreal Benito
Avalos (Lito). Lito es un maestro
de la vida, una persona muy
espiritual, nos daba charlas
increíbles para formarnos como
personas, mucho más allá del
trabajo. Buscaba exacerbar nuestras
sensibilidades, hilaba fino
en nuestro interior, obviamente
para sacar lo mejor de nosotros,
después nos pasaba los libros de
Luthería para estudiar. Dicho sea
de paso, todos los libros estaban
en inglés, alemán, italiano y
francés, ninguno en castellano,
por lo que además debíamos
traducirlos.
Luego se lo veía a Lito caminando
por el taller rodeado de
discípulos preguntones, al mejor
estilo mamá pata con sus patitos.
Recuerdo una vez en la que yo
estaba atascado en una parte de
un libro, no podía comprender el
concepto de lo que estaba estudiando
(los libros de Luthería son
muy difíciles de digerir) y le preguntaba
una y otra vez a Lito por
ese punto en particular. Él me explicaba
los conceptos generales y
hablaba de todo menos de lo que
le estaba preguntando, se negaba
a revelármelo porque decía
que yo debía resolverlo, llegué
a soñar con ese rompecabezas!
Hasta que un día me iluminé, lo
comprendí todo, era tan obvio
ahora. Fui corriendo con libro en
mano a contárselo a Lito, le expliqué
con lujo de detalles todo
lo que había descubierto y cómo
ahora los conceptos tenían otro
significado y podían entrelazarse
y dar nuevas respuestas. Pude
ver como su rostro se iluminaba y
entre risitas me responde, “¿si lo
sabes para qué preguntas?”.
Entrevista a Charly Camposi
¿Cómo y por
qué te viniste
a Chile?
Me vine a Chile
por amor el
año 2002 y me
quedé porque
me gustó. Ese
año en Argentina
estaba el
“Corralito”, eso
significaba que
los bancos no
te daban tu
dinero y por lo
tanto no había
efectivo en las
calles, entonces
circulaban billetes
falsos que
se llamaban
“Patacones” y
todo el mundo los aceptaba y los
utilizaba normalmente. ¿Cómo no
me guardé uno? ¡Increíble!
Para mí, lo mejor que tiene Chile
es que está aislado, se mantiene
prístino, casi virgen, o sea es
tierra fértil para todo lo que se te
ocurra hacer o crear. Lo peor no
lo he visto todavía, pero podríamos
decir que no valoran lo que
tienen.
¿Cuáles son los principales
trabajos de lutheria que haces?
En Luthería para guitarras y
bajos lo hacemos todo: circuitos,
maderas, entrastados, calibraciones,
pintura y todo lo que se
te pueda ocurrir. Constantemente
estudio y busco alternativas para
construir o mejorar lo que ya está
hecho, es un oficio apasionante y
muy gratificante. Literalmente me
pagan por hacer lo que me gusta.
¿Cómo ves a guitarristas y
bajistas chilenos en relación
a la necesidad de servicios de
lutheria para sus instrumentos?
En general el músico chileno ha
crecido notablemente en todos
los aspectos. En lo que a Luthería
se refiere está muy al día con las
nuevas tecnologías, investiga en
internet, se baja tutoriales, pregunta
y quiere aprender. Cuando
llegué los clientes eran muy desconfiados,
sabían poco o nada de
Luthería y traían las guitarras en
estado de coma. Ahora te dicen
exactamente cómo quieren que
les dejes el instrumento, con medidas
y especificaciones precisas,
o sea, un gran cambio.
¿Qué consejo les darías a guitarristas
y bajistas respecto al
cuidado de sus instrumentos?
Consejo de cuidados del instrumento
hay miles, digamos uno
por cada guitarrista. Creo que
la mejor manera de cuidar un
instrumento es tocarlo todos
los días. Usar el sentido común
es imprescindible, por ejemplo:
no dejarlo al sol, no dejarlo en
lugares húmedos, limpiarlo y
secarlo después de tocar, dejarlo
siempre afinado y jamás aflojar
las cuerdas para viajar en avión.
por Franzisko Unzaga, ingeniero,
guitarrista y compositor.
instagram.com/pacounzaga
Página 21

El machismo
en el rock
Un tema que ha sido de contingencia en el último tiempo,
es el caso de Tea-Time, ahora ex-integrante de Los Tetas,
quien fue acusado de violencia de género por su ex.
Aunque encuentro horrible lo que pasó, no escribiré sobre
esto, sino de otro tema que encuentro que -de momentoconsiderado
más relevante en la actualidad y que tiene
directa relación con lo sucedido con el controvertido
frontman: Me refiero a “El machismo”.
Tal vez sea un término demasiado
manoseado en estos días, pero
me pareció importante revisar
cómo diariamente hechos que se
pueden considerar dentro de esta
connotación son apreciados entre
los rockeros. Siendo un tema recurrente,
hablaré un poco de mis
experiencias vividas, lo que he
visto y he escuchado. Debo aclarar
que jamás me ha tocado presenciar
un caso tan extremo de
violencia, pero he visto pequeñas
cosas que también dicen mucho
de la sociedad que nos rodea,
por lo que creo relevante abordar
este tema.
Hablando desde mi experiencia
personal, una vez fui a una tocata
en la que un hombre me empezó
a manosear y ni si quiera habíamos
cruzado una mirada. Le dije
Página 22
que parara y seguía, me invitaba
a ponerme delante de él (como si
necesitara que él me protegiera
en la tocata pu), le dije que no y
lo miré feo, pero siguió hasta que
llegaron otras personas y lo detuvieron.
O sea, primero el tipo no
entendió cuando yo le dije que
no, como si mi opinión no valiera
mucho para él y recién se detuvo
cuando alguien más le paró los
carros. Personalmente, me sorprendió
vivir este tipo de cosas
en una tocata.
Sé que se vive en discos y es la
razón por cual las odio –me siento
como un pedazo de carne en
una vitrina–, sin embargo, resulta
que un lugar que yo pensé que
era diferente pasó exactamente
lo mismo. Aquí es cuando uno se
pregunta cómo es que muchos
rockeros critican determinados
estilos de música, pero manifiestan
cierta incoherencia en su
discurso. En un ambiente que
supuestamente es diferente viví
exactamente lo mismo que ellos
repudian.
Podemos mencionar otro tipo de
actitudes también, como el típico
comentario que he escuchado
muy seguido, de como ser un
“verdadero hombre”, ya saben, el
estereotipo de macho alpha de
ser el más rudo, el que más toma
cerveza, el que no es dominado
por la mujer y hace lo que quiere,
etc. Por desgracia, esta actitud
es repetitiva, tanto por hombres
como mujeres, porque las mujeres
que escuchamos rock también
tenemos que seguir ciertos
estereotipos de ser “rudas” y nos

urlamos de quienes no caben
en estas características , lo cual
es una tontera que no resisten
mayor análisis.
La gracia del rock es que nos permite
ser nosotros mismos, pero
de alguna u otra forma también
terminamos siguiendo un montón
de estereotipos que si no lo
seguimos no somos verdaderos
rockeros, posers dirían muchos.
Entonces, cuando alguien no
sigue estas actitudes “rockeras”,
se burlan: a los hombres normalmente
con apelativos homofóbicos
y las mujeres comparándonos
con otras mujeres más “lloronas”
que escuchan música cebolla o
cosas por el estilo.
Por eso digo, que si ponemos un
poco de atención de las actitudes
de cada día, el machismo es
súper latente, lo que es inmensamente
contradictorio en la misma
naturaleza del rock ¿Por qué? Se
preguntaran. Para entenderlo tenemos
que irnos a los inicios del
rock, a sus orígenes proletarios,
derivado del rhythm and blues
y del country and western, combinando
la cultura blanca de Estados
Unidos con la afroamericana,
lo cual ya era impensado para
la época. La misma estética de
los bailes que simulaban el acto
sexual con letras que incitaban
el libertinaje era visto con malos
ojos por los más conservadores.
En realidad, en la época, el rock
and roll era considerado como el
peor ejemplo para la juventud,
ya que incitaba a no seguir las
normas establecidas de casarse,
tener hijos, con un jefe de familia
hombre y una dueña de casa sin
voz ni voto. El que las mujeres se
volvieran locas por Elvis, ya era
una indecencia inaceptable.
Con una actitud así de sencilla, se
creó algo nuevo contra la hegemonía
parental que iba mucho más
allá de un nuevo género musical
bailable, de hecho, es por eso
que el rock y todas sus ramas son
reconocidos más como movimientos
que meros estilos musicales.
El rock en sí, siempre lleva
un discurso reflexivo, es por eso
que cada vez nacen más ramas
y nuevas expresiones rockeras
en la juventud, a pesar de que a
los más veteranos no siempre les
guste, pero eso demuestra que
el rock sigue siendo de alguna
u otra forma una respuesta a la
hegemonía parental.
Entonces, ese conservadurismo
que veo a diario en muchas
personas demuestra cómo tenemos
pensamientos que siguen
dogmas anticuados los cuales
nosotros no tenemos por qué
aceptarlos. El rock es reflexivo,
por lo que mirar de forma crítica a
la sociedad actual es parte de su
propia naturaleza. Eso es lo que
lo diferencia de otros estilos, más
que la parte meramente musical.
Por eso también, como dijo Fabio
Salas, el rock no se identifica con
sectores políticos o religiosos
(con excepciones claro), porque
si llegase a comprometerse con
algo es muy probable se pierda
un poco de la crítica que lo caracteriza.
Otro punto importante es las
pocas bandas con mujeres que
hay. Personalmente, este problema
lo veo por una cosa de crianza
cultural de la sociedad, ya que
desde que nacemos nos imponen
a las mujeres de ser de una forma
y a los hombres otra. El rock normalmente
se asocia a lo masculino,
por eso es que las mujeres
rockeras salimos del “molde”. En
este sentido, creo que asociar
el rock con lo “masculino” no es
correcto, ya que sólo es un constructo
social que ha logrado que
para las mujeres sea más difícil
ser parte de este mundo.
Artículo de Opinióni
de hombre o mujer me parecen
una tontería y es por esa crianza
que hay menos mujeres en el
rock, situación que en los tiempos
actuales ha ido cambiando y
espero que siga así hasta que nos
dejen de condicionar por nuestro
sexo lo que nos debe gustar o no.
Tampoco se trata de que el rock
haya estado al margen de tema,
pues han existido varios movimientos
rockeros que toman la
emancipación de la mujer como
un tema de relevancia, como el
punk y el grunge. Sin embargo,
me sorprende ver diariamente
como el machismo está tan normalizado
en este mundo, donde
supuestamente estamos las personas
que nos jactamos de tener
una mirada crítica a la sociedad.
En realidad, se podrían ejemplificar
muchas otras actitudes más,
esto es tema para rato. Sin embargo,
yo sólo quería contar un poco
mi opinión al respecto, pero si
les interesa más les recomiendo
leer a Guadalupe Becker quien ha
hecho algunas investigación musicológicas
sobre rock y género
en Chile. Ella abarca otros temas
como la liberación sexual y la importancia
de la empoderación de
la mujer como instrumentista.
Para concluir, el machismo que
se vive en el rock lo encuentro
contradictorio y es algo que se
vive diariamente. Pongan un
poco de atención, fíjense en lo
arraigado que está y lo poco
que es cuestionado, tanto como
por hombres como por mujeres.
Ahora muchos están criticando el
caso de Tea-Time, pero en la vida
diaria también están las pequeñas
actitudes que son parte del
problema.
En lo personal, es algo que me ha
afectado desde pequeña y cuando
salí del “molde” fue sumamente
difícil, porque era algo de
lo que mi familia no estaba acostumbrada.
Pero dividir las cosas,
juguetes, ropa o gustos que son
por Pilar C.J., antropóloga sociocultural
y magíster en artes mención música,
enfocada en los estudios sociales del
rock y el metal.
Página 23

ZOOM H6
Grabadora portátil e interfaz de
audio USB, con un sistema de
micrófonos intercambiables,
permite grabar hasta 6 pistas
de forma simultánea e incluye
Cubase LE. Una herramienta
ideal para el trabajo en banda.
Cuando una banda se propone
componer música, es fundamental
que el proceso creativo
considere registro sonoro. La
grabación de ensayos permite
volver a escuchar tranquilamente
alguna buena idea (que puede
haber sido una inspiración del
momento), rescatarla y trabajarla.
Permite escuchar algún tema en
desarrollo y generar nuevas ideas
(la intro que faltaba, el puente
entre estrofa y coro, un arreglo
aquí o allá). Permite también
Página 26
identificar errores,
ya sea de ejecución,
de niveles,
de tempo, etc.
Dejando de lado
la grabación formal,
en estudio,
considerando
que ésta corresponde
a una
etapa posterior,
es decir, al registro
de material ya
compuesto, las formas
de grabar como apoyo al
proceso creativo son muchas
y muy variadas, poniendo la
grabación con el teléfono en el
primer lugar por su simplicidad
(pero pésima calidad). En este
contexto, revisaremos la ZOOM
H6 Handy Recorder.
La ZOOM H6 es una grabadora de
campo o grabadora portátil y corresponde
a la última integrante
de la línea H de ZOOM (H1, H2n,
H4n Pro y H5). Es la más completa
de la familia, muy versátil y con
múltiples funciones, las cuales
permiten obtener y manipular
grabaciones de manera simple y
de gran calidad.
Características principales
La ZOOM H6 tiene 4 canales con
entradas XLR/TRS, cada uno con
su propio control de nivel, atenuación
(-20 dB) y phantom power
(opcional). Además, posee cabezales
intercambiables entre los
que se pude elegir: (a) micrófono
X/Y, ideal para grabar frontalmente
con gran profundidad (ej.
conciertos), permitiendo ajustar
el espectro sonoro entre 90° y
120°; (b) micrófono M-S (Mid-
Side), muy útil para grabar sonidos
desde distintas direcciones
(ej. ensayos), ya que capta sonidos
frontal y lateralmente; y (c)
2 entradas XLR/TRS adicionales
(cada una con control de nivel,
atenuación compartida [-20 dB]
y phantom power), con las
que se aumentan a 6 los
canales disponibles, haciendo
posible incluso
microfonear una banda
completa, considerando
una configuración rockera
tradicional. Además,
cuenta con una salida
de línea, salida de audífonos,
parlante incorporado,
entrada para
control remoto,
entrada para
tarjeta SD (es
recomendable
invertir en una
tarjeta de buena
capacidad para
no preocuparse
de la duración
de las grabaciones) y
entrada micro USB mediante
el cual es posible
alimentarla (USB o conexión
tradicional, mediante adap-

tador), transferir información
(ej. extracción de archivos) y
utilizarla como interfaz de audio
junto con el programa Cubase LE
(incluido) u otro.
La H6 viene cargada con un programa
muy potente y una pantalla
a color, lo que permite monitorear,
editar (cortar, eliminar,
dividir, regrabar [overdubbing]) y
mezclar fácilmente y sin necesidad
de usar un computador.
Además, permite ajustar distintas
características de los micrófonos
(según el que estemos usando),
aplicar filtro Lo-Cut (atenuación
de graves) y compresor/limitador
a los distintos micrófonos,
configurar el formato de grabación
(distintas calidades de
MP3 y WAV) e incluso posee un
metrónomo y afinador integrado.
Con todas estas características,
no cabe duda que la ZOOM H6
posee múltiples aplicaciones,
pero aquí nos enfocaremos en su
uso como apoyo en el trabajo de
banda.
Apoyo al proceso de composición
Considerando que la
disposición tradicional
dentro de sala
de ensayo es aproximadamente
en
círculo, el micrófono
que mejor se ajusta
a esa situación es el
M-S. Así, ubicando
la H6
al centro
de la sala
podremos
iniciar y
detener el
proceso de
grabación
fácilmente
en cualquier momento
y se irán creando
nuevos archivos, con solo
apretar REC. Es importante darse
el tiempo de encontrar el mejor
lugar para ubicar la H6, utili-
Técnica de los 3 micrófonos
Cuando no es posible microfonear una batería de manera tradicional
(un micrófono por pieza más dos micrófonos aéreos), una manera
simple, pero efectiva, es utilizar la técnica de los 3 micrófonos o técnica
de Glynn Johns (en honor a su creador, productor e ingeniero de
sonido detrás de muchos discos de Led Zeppelin).
La configuración de los micrófonos es la siguiente:
Micrófono 1: ubicado sobre la batería, a 1 m de altura y apuntando
hacia la caja.
Micrófono 2: ubicado a la derecha del baterista (considerando bateristas
diestros), a 1 m de la caja, apuntando hacia el hi-hat y a 0,5 m por
sobre el tom de piso.
Micrófono 3: bombo
El objetivo es que los micrófonos 1 y 2 capten un sonido global balanceado
y el micrófono 3 permita controlar la presencia del bombo en
la mezcla.
zando la función de monitoreo
o haciendo algunas grabaciones
de prueba y escucharlas en el
momento (mediante audífonos).
El nivel de la voz suele ser un
problema en los ensayos y aquí
la H6 es de gran utilidad, ya que
es posible captar la voz directamente
por alguno de los 4 canales
disponibles y monitorear solo
ese canal, utilizando el mixer y
los monitores de la sala como
retorno. Así, tendremos una pista
con todos los instrumentos y otra
Reseña ZOOM H6i
solo con la voz, permitiéndonos
nivelarlas separadamente.
Una vez terminada la sesión, es
posible editar cada archivo en la
misma H6: eliminar fragmentos
al inicio o al final, dividir grabaciones
si quedaron dos o más
temas en un mismo archivo, mezclar
las distintas pistas de audio
que hayamos creado (según la
cantidad de canales que se hayan
utilizado) y crear un archivo
consolidado con la mezcla que
Página 27

Reseña ZOOM H6i
nos parezca mejor o con distintas
mezclas. Todo esto sin necesidad
de un computador. Luego, simplemente
extraemos los archivos
al computador para compartirlos
con el resto de la banda.
En este contexto, una opción es
grabar el ensayo en un solo gran
archivo de audio, echar a correr
la grabación y tocar despreocupadamente.
Esta opción
es útil para captar todos
los momentos del ensayo
y no dejar escapar
ninguna buena idea
que pueda
haber surgido
en una
improvisación.
Sin embargo,
esta alternativa
involucra más
tiempo de edición
ya que habrá que
escuchar el archivo
completo, dividiéndolo
según las
distintas improvisaciones
o temas que se
hayan tocado. Es un trabajo
laborioso pero que vale la pena
si el proceso de composición de
la banda gira en torno a la improvisación.
Otra opción es grabar solo cuando
sabemos que vamos a tocar
algo que queramos registrar,
como puede ser el caso de practicar
temas en trabajo, probar un
nuevo arreglo, etc. En este caso,
se crearán tantos archivos como
queramos, pero cada uno será de
la duración del tema en cuestión,
por lo que el trabajo de edición
será más rápido.
Preparación de conciertos
Si bien, en la mayoría de los
conciertos todos o parte de los
instrumentos estarán microfoneados
y el público escuchará la
mezcla que haga el sonidista, es
importante conocer el sonido que
está generando la banda. Mien-
Página 28
tras se está tocando puede ser
difícil poner atención al sonido
global, por lo que registrarlo y
escucharlo posteriormente es de
gran ayuda para saber si es que
está sonando equilibrada, apretada,
como un conjunto de sonidos
armónicos y bien equilibrados.
En este caso, la disposición de
equipos en la sala debe ser lo
más parecida posible a cómo será
en el
lugar del
concierto, lo cual
suele ser con todos
los instrumentos hacia
el frente (de paso, se practica
el tocar sin mirarse constantemente).
La grabadora se instala
delante de la banda, utilizando
el micrófono X/Y captando todos
los instrumentos y ajustando el
espectro sonoro entre 90° y 120°
según las dimensiones de la sala.
Esto nos permitirá contar con una
imagen bastante fidedigna del
sonido global de la banda.
Grabación de demos
Considerando una configuración
de banda de rock tradicional
(voz, guitarra, bajo, batería), las
funciones y versatilidad de la H6
permiten grabar temas con una
calidad de demo más que aceptable.
Utilizando el cabezal XLR/
TRS contaremos con 6 canales, lo
cual nos permite tener un canal
para voz, uno para guitarra y otro
para bajo, dejando 3 canales
disponibles para la batería (utilizando
la técnica de los 3 micrófonos
[ver recuadro]). Ajustando
la disposición de los equipos
y apoyándonos con elementos
sencillos, es posible implementar
cierto nivel de aislación de
cada micrófono, de manera que
cada pista se “ensucie” lo menos
posible con los sonidos de otros
instrumentos. En este caso, se
echa de menos la incorporación
de algunos efectos en la H6,
de manera de hacer mezclas
un poco más ricas y no
en seco. Sin embargo, es
posible extraer cada uno
de estos archivos, abrirlos
en el programa que más nos
guste como pistas independientes
y realizar una mezcla con
todos los efectos que queramos.
Así, es posible obtener un material
con una calidad suficiente
como para, por ejemplo, mostrar
en lugares de conciertos.
Resumen
La ZOOM H6 es una herramienta
muy poderosa, versátil y simple,
que permite aprovechar de mejor
forma los ensayos y establecer un
método de trabajo en la banda.
Es una inversión muy recomendable
para cualquier banda que se
encuentre en trabajo de composición
o pulido de temas ya
compuestos y que no tengan un
lugar de ensayo fijo que les permita
implementar un sistema de
grabación permanente. Además
de otorgar la posibilidad de
registrar presentaciones con muy
buena calidad.
por Franzisko Unzaga, ingeniero, guitarrista
y compositor.
instagram.com/pacounzaga

Felipe Vuletich, Nuevo
dueño del prestigioso
“MiBar”
Felipe Vuletich es publicista y analista de sistemas.
Actualmente trabaja administrando una empresa
de computación y desde el año 2017 es el dueño del
conocido local “MiBar”, ubicado en Barrio Italia.
También es conocido por militar en las bandas
Witchblade y Battlerage.
¿Qué te motivó a adquirir el
“MiBar”? ¿Nos puedes contar
cómo fue el proceso de compraventa?
El 2016 fue un año lleno de cambios
personales. Por otro lado,
la música es una de mis grandes
pasiones. Ese proceso de cambio
más la necesidad de emprender
junto a un muy buen amigo, anexado
a la pasión por la música, me
motivó a adquirir “MiBar”. Tuve la
posibilidad de tocar en numerosas
ocasiones en él, además de
ser un cliente habitual del lugar.
En una de esas numerosas ocasiones,
me enteré que Marcelo
Da Venezia (Weichafe y entonces
dueño del local) iba a vender el
recinto debido a que iba a establecerse
en México con su banda.
Con mi socio nos dimos cuenta
que era nuestra oportunidad. Si
bien estuvimos mirando otros lugares,
nos fijamos que todos eran
karaokes, expendedores de comida
chatarra, de música pachanga,
etc. En fin, puras asquerosidades
que no cumplían con lo que realmente
queríamos. Concertamos
una reunión con Marcelo, conversamos
y con un apretón de manos
cerramos el proceso ¡Así mismo!
Aquí no hubo firmas, ni promesas
de compraventa, ni nada de
eso; un simple apretón de manos
bastó para cerrar el trato.
Página 30
Fue un trabajo de un año, por supuesto
que cuando llegó la hora
del traspaso hicimos todo con
las respectivas firmas y todos los
aspectos legales requeridos para
comprar un local.
¿Cuál es el sello Vuletich de
esta nueva administración?
¿En qué se diferenciará de lo
que hacía su anterior dueño?
Aquí no hay ningún sello en particular.
“MiBar” va a mantener el
concepto con el cual fue creado:
un bar de música. Tampoco es
un bar metalero, es un local de
música donde todos los estilos
están permitidos. Obviamente
predomina el rock, es eso lo que
nos gusta y nos motivó a hacernos
cargo de él. Si bien estamos
haciendo mejoras técnicas, que
el cliente ya ha notado, estamos
expandiéndonos artísticamente
a otros estilos que antes tenían
poca o nula cabida.
Lo importante es transparentar a
los músicos que acá tienen un espacio
cómodo y técnicamente apropiado
para tocar. Por otro lado,
ellos deben respetar este lugar.
Los músicos están acostumbrados
a hacer lo que quieren, pero acá
hay normas que cumplir y horarios
a respetar. Nosotros cuidamos
a los músicos y ellos también
tienen que
respetar el
lugar. El sello
quizás es
ese, un lugar
digno para
que los músicos
puedan
mostrarse sin
problemas.
Es conocido
el debate
existente en
el país sobre
la tensión
entre
locatarios,
músicos
y bandas
tributo
¿Cómo lo
percibes
ahora que
eres dueño
de un local?
¿Cambia un
poco tu concepto,
si lo
contrastamos
con tu
rol como
músico?
La verdad
es que sí.
Ahora estoy

en ambas veredas
y entiendo muchas
cosas. Dejo
claro que las bandas
tributos -en
“MiBar”- no tienen
cabida y no la tendrán
jamás. Por otro
lado nosotros no
le cobramos a las
bandas por tocar
como lo hacen en
otros lugares en
donde les piden
Entrevista a Felipe Vuletichi
un mínimo o derechamente les
cobran. Nosotros no lo hacemos,
aunque hay momentos que uno
se lo cuestiona ya que tenemos
que cubrir ciertos costos operacionales.
En “MiBar”, para que
una banda se presente, tenemos
que habilitar el salón que está
en el segundo piso y para eso
necesito llevar gente a trabajar,
desde sonidista, garzones y
bartender, más los costos fijos
que más menos todos manejan.
Cuando las bandas
piden fechas todas
llenan estadios.
Sin embargo, hay
momentos en que
el artista no lleva
a nadie, tanto así
que ni siquiera
nos alcanza para
pagar los costos
fijos ¿Mala promo?
¿La banda
no es conocida?
Son muchos
los factores por
eso es que somos
selectivos a la hora
de agendar fechas.
Pero dejo claro que
no somos un bar
para bandas emergentes,
somos un
espacio para bandas
con trayectoria
y profesionales.
contribuir a una mejor escena?
El desafío es el respeto máximo
por el músico y darle todas las
condiciones técnicas para que
puedan ejecutar su arte sin problemas.
También queremos ser un
lugar grato, cómodo, limpio con
una buena carta y precios razonables
en donde el cliente se sienta
bien y vuelva cuando quiera.
Hace poco unos meses se hizo
popular un post en Facebook
con las nuevas reglas del bar
de un conocido periodista del
medio, que desató un montón
de críticas ¿Por qué crees que,
en el colectivo, existe un ánimo
tan negativo hacia algunos
locales?
Ahí volvemos un poco a la pregunta
anterior, hay que cubrir
costos y derrepente las bandas
no cumplen con las expectativas
y eso es una realidad, a mi me ha
pasado también como músico. Un
día tienes buenas tocatas y otras
veces no; cuando uno dice “acá
se cobra por tocar”, se engrifan
como gatos enojados; no entienden
que como locatario tengo
gastos. Al final todo queda en las
redes sociales e igual terminan
pidiendo fecha. Ahora, insisto en
que “MiBar” no tiene esa política,
aunque la entiendo. Es un debate
del cual podríamos estar horas
hablando.
¿Cuáles son los
desafíos de los
locatarios y escenarios
para
Hoy por hoy ¿Cuál es el mejor
escenario en la Región Metropolitana
para tocar en vivo?
Hay varios buenos locales. Sin
temor a equivocarme, creo que
“MiBar” está dentro de los mejores.
Los invito a visitar nuestras
redes y estar atento a la cartelera.
por Seba Lago, Periodista de la PUCV
y Diplomado en Arquitectura de la
Información en la UPA. Actualmente
se dedica al marketing y estrategia en
contenido
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SOBERNOT
Sobernot es de aquellas bandas que pese a
llevar poco tiempo en activo ha aprovechado
cada oportunidad para hacer crecer su carrera,
labrándose un espacio dentro de los exponentes
más reconocidos del metal nacional contemporáneo.
Actualmente la banda se encuentra dando los toques
finales a su primer larga duración, titulado “Silent
Conspiracy”, con motivo de tal acontecimiento los
entrevistamos en exclusiva para Rock 2 Rock.
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Página 33

Sabemos que actualmente se
encuentran trabajando en un
nuevo disco, ¿podrían adelantarnos
los detalles de este
nuevo trabajo?
Pablo: Bueno, el disco contará
con 11 temas, lo grabamos de
febrero a junio de este año, llevará
por título Silent Conspiracy,
esta demoledor, lo produjimos
Mauricio Olivares y yo. Las baterías
las grabamos en el estudio
de Benjamín Lechuga, las guitarras
en mi estudio y todo lo demás
en el estudio de Mauricio.
César: Así que como comentó
Pablo, estamos terminando el
sonido del disco y definiendo la
cantidad de copias, esperamos
sacar unas mil copias, una vez
que lancemos el disco durante
agosto pretendemos destruir el
mundo.
Joaquín: En cuanto al arte, este
estuvo a cargo de José Canales
de Alto Voltaje, el trabajo fue
demoledor, lo llevo más allá de
lo que nosotros imaginábamos,
así que lo recomendamos a todas
aquellas bandas que quieran un
trabajo rápido y bonito.
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¿Por qué el título del disco?
¿Hay alguna especie de mensaje?
Pablo: En base al arte, el tema
que más se aproximaba era Silent
Conspiracy, es una letra corta,
pero esquizofrénica.
César: El tema habla de un compadre
que sufre una especie de
esquizofrenia, de cierta manera
él recibe o capta los mensajes
del resto de las canciones del
disco, hay 3 temas de nuestro EP
“Aurt” que están en el disco, uno
de ellos es Dead Space, canción
que perfectamente puede ser el
sueño de este amigo, un sueño
sádico de nuestro compadre que
quiere matar, dentro de su locura
nuestra música encaja perfectamente.
Hablando de temáticas, ¿En
qué se basan las letras de Sobernot?
Pablo: Las letras en general
pueden ser cualquier cosa,
puede ser una historia, un discurso
sobre política o religión,
es libre, una letra que acompañe
la música pesada que hacemos,
tenemos temática fuerte violenta,
vulgar, con rabia y sufrida, nos
manejamos en emociones altas e
intensas.
César: Nuestro disco tiene el parental
advisory (material explicito)
porque hay contenido violento
en las letras. Puede que no
sea lenguaje grosero, sino letras
fuertes, nos pusimos el parche
antes de la herida.
Hablando de contenido, en su
opinión ¿Las bandas de metal
tienen que involucrarse en la
política en cuanto a su mensaje?
Pablo: Es relativo, hay bandas
que hablan de la edad media y
otras cosas, por ejemplo, Bleak
Flesh es una banda súper espacial
hablan de la galaxia y esas
temáticas, en el fondo una banda
puede tomar la postura que quiera,
eso sí, cabe considerar que si
toma una postura debe comprometerse
con ella. No puede ser
algo superfluo, en mi opinión, es
algo de por vida.
César: Hay bandas como Slayer,
en que Tom Araya ha confesado

que es católico muy devoto y el
weon en sus letras habla de matar
a dios, entonces, depende de
la banda, es un plus que la banda
viva la faceta que vende, que la
tenga clara, que la letra y la actitud
converjan es algo que suma.
Felipe: Políticamente, ves lo
que pasa a diario y la letra va a
quedar buena y entretenida, va
a pegar con la música. El último
periodo ha sido tan sucio que lo
puedes aplicar a una letra de una
canción. Para qué vas a hablar
de dragones si está la caga en el
centro todos los días.
César: Los tiempos actuales están
hechos para el metal.
Desde la perspectiva musical,
a Sobernot se le encasilla
como una banda de Groove
Metal ¿Están de acuerdo con
esa definición o tienen alguna
propia?
Joaquín: Yo creo que le cae muy
bien, pero no es solo Groove
metal, tratamos de rescatar
detalles del death, thrash, metal
progresivo, es como una mezcla,
metes todo a la juguera y obtienes
a Sobernot.
Pablo: Para mí la banda es como
Entrevista a Sobernoti
una mixtura de varias bandas,
que la importancia recae en el
riff, tú te vas a acordar de Sobernot
por el riff.
Felipe: En la batería vas a encontrar
hartos elementos, como
zamba, blasts bien metaleros,
es súper variado musicalmente
como para encasillar a la banda
en cierto estilo. En cualquier estilo
que nos encasillen está bien.
César: El comentario más usado,
es como “oh son como Pantera
2” a mí no me molesta porque
en verdad para mi Pantera es
la zorra, que me comparen con
Pantera es apoteósico, de verdad
gracias.
Pablo: Si me dijeran ustedes me
recuerdan a Weichafe, ahí hasta
luego, tomo los instrumentos y
para la casa. La gente escucha lo
que quiere escuchar, si se siente
identificado con un estilo de
música y es lo que quiere en una
banda, claramente le va a gustar.
Joaquín: Si lo escuchas la primera
vez y te puede sonar como
Pantera, le das 2, 3 escuchadas
y vas a encontrar elementos de
diversas bandas Cannibal Corpse,
Testament, Megadeth, nos gusta
hacer guiños a las influencias. Es
como un tributo general al metal
que nos gusta.
Pese que cuentan con un EP
titulado Aurt, recién van a
lanzar su primer disco o sea
el “comienzo de su búsqueda
musical”. Como banda, ¿creen
que han encontrado un sonido
o aún les queda camino por
recorrer?
Pablo: Cuando grabamos el Aurt
llevábamos poco tiempo juntos,
entonces fue como recién nos
estábamos conociendo, pero
teníamos claro el sonido que
queríamos tener, los dos años
que tocamos en vivo fue para
pulir el sonido y encontrarle
detalles a los temas, por eso hay
varios temas del EP que están en
el disco y están mucho más trabajados,
en el EP son sólo maquetas
que suenan bien.
Joaquín: El sonido que te vas a
encontrar en el disco yo creo que
realmente te va a volar la cabeza,
no hay otra palabra. Estamos
más afiatados todos entendemos
como tocar los temas.
Felipe: Para mí esa búsqueda musical
no termina nunca, siempre
salen elementos nuevos, bandas
nuevas que sacan cosas que
podrías incorporar en tu banda y
no sería malo meterlas. Entonces,
esa es la idea de ser diversos, no
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Entrevista a Sobernoti
limitados. Es una búsqueda incesante,
como estamos actualmente
es un engranaje bien pulido.
César: Eso sí, Siempre dirigido al
género que es el metal, siempre
vas a encontrar riffs brutales, percusiones
rápidas, voces agresivas,
melodías para diferenciarse, nos
hemos preocupado de trabajar
las armonías, vas a escuchar temas
que están bien armonizados
en las voces. Ese fue el trabajo de
estos dos años con las bandas.
Buscamos la musicalidad dentro
de toda la brutalidad que hacemos.
Definan el próximo disco con 3
palabras.
Todos: Puta destrucción total.
Sobernot lleva bastante tiempo,
pero han logrado tocar en varios
lugares,
¿Qué recomendarían para las
bandas que recién empiezan y
se encuentran en búsqueda de
lugares para tocar?
Joaquín: Atreverse, tirarse a la
piscina, ir a preguntar en cada bar,
tener contactos lo hace más fácil,
pero la verdad no te cuesta nada
agarrar tu teléfono y contactar a
los diferentes bares. Lo peor es
que te puede decir que no, creo
que hay espacios para mostrarse,
la diferencia es si el público te
va a ir a ver o no. Tienes que ir
tocar la puerta y tener material,
cómo vas a ir a mostrar maquetas
asquerosas.
Pablo: Hay que profesionalizar
las cosas desde el minuto uno,
grabar un demo, luego un disco,
y sacarte la chucha en vivo. En
los últimos 2 años hemos tocado
bastante, a lo que voy es que tocamos
harto en Santiago, hubo un
mes que tocamos 3 o 4 veces en
Santiago, eso es mucho para una
banda, eso es parte de la banda
para un proceso de afiatamiento,
logramos un fiato en vivo que se
siente, ves a la banda y ves cuatro
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músicos compenetrados. Eso es
el fiato que logras tocando en
vivo, no es lo mismo tocar bonito
en la sala de ensayo y tocar en
vivo para dar la hora. Cuando
tocas, vas puliendo detalles, la
idea es una mejora que se de en
la calle. Mi recomendación es
que hay que practicar y no tener
miedo a mostrar tu música, si es
mala te van a criticar, lo mismo
si es buena, todo eso va a servir
para seguir adelante.
César: Cuando tocas en vivo,
tocas delante de gente, he visto
bandas donde hay músicos que
se quedan atornillados en su lugar
y ni siquiera miran al público,
debes entregarte a la gente, eso
es importante. Nosotros tratamos
de interactuar mucho con el
público, nuestros temas hacen
que se prendan, que se muevan,
todas las bandas debiesen
lograrlo, la gente quiere divertirse
con el show. Independiente de
si tocas ante 500 o 10 personas,
debes darlo todo igual, entregarles
el arte a esas 10 personas.
¿Ustedes opinan que en Chile
existe una escena como tal?
César: Creo que hay escenas de
los subgéneros, está la del thrash,
donde estos grupos hacen fechas
juntos y se potencian, me parece
súper bueno. Es natural que no
puedas mezclar bandas power
metal con el thrash, los públicos
son distintos, hablar de la escena
de metal es agrupar muchos
subgéneros, el metal tiene muchas
subdivisiones para todo
gusto. Hay escena para algunos
géneros del metal para el thrash
y el black, en el black se da harto
eso, arman sus festivales y llevan
harto público, hay una escena
para cada subgénero, no para
todos, pero en algunos hay.
A propósito de los últimos
sucesos y “escándalos con la
SCD” ¿Se sienten representados
por esta entidad?
César: La verdad es que no
puedo hablar mucho ni a favor ni
en contra, mi relación con ella es
muy superficial, la verdad es que
tampoco siento que exista una,
bueno quizá, en el metal es más
complicado, no es muy radial,
tenemos dos radios en Chile que
pasan metal, es natural que le
resten importancia. Probablemente
el metal debe ser de los
géneros con menos apoyo de la
scd y es natural. Actualmente, no
existe una banda de metal que
tenga un producto afuera sonando.
Es lo que queremos hacer
nosotros, cuando lo logremos y
no nos apoyen ahí podríamos
decir que la SCD no sirve, pero
por ahora diré que no sé.
Para ir cerrando la entrevista
dejamos este espacio para que
digan lo que quieran:
Joaquín: Les invito a escuchar
nuestro nuevo disco Silent Conspirancy
que se viene brutal, una
patada en el cráneo de 40 de
minutos, vas a quedar con todo el
metal que necesitas para el resto
de vida o por lo menos para todo
el segundo semestre. También
vamos a estar presentando el
disco, este 09 de septiembre en
el House Of Rock, vamos a tocar
con Gonzalo Sanhueza.
César: Atrévanse a escuchar
metal nacional, denos una oportunidad,
probablemente han
escuchado que existe una banda
llamada Sobernot y nunca le
habían puesto oreja, les invito a
ponerse los audífonos y escucharnos
a todo chancho. Hacerse
pico escuchando metal..
por Diego Pino, Director y
fotografo de The Resistance, 5
años de experiencia en medios
independientes relacionados
con el rock/metal incluyendo
Headbangers Latinoamérica y
Rockerio. Traductor y estudiante
de publicidad.
Twitter.com/DiegoPino_Ph

CATERINA
NIX
Caterina Nix parte de gira
al viejo continente entre
septiembre y octubre para
presentar el repertorio
de su disco Chaos
magic (producido
por Timmo Tolkki)
así como su
nuevo material.
Conversamos con
ella para que nos
cuente del estado
actual de su próxima
gira.
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Entrevista a Caterina Nixi
Cati, ¿cuéntanos un
poco sobre la recepción
en el último año
que ha tenido en
Europa tu último
disco?
La mejor recepción
fue durante
el 2015, cuando
fue lanzado Chaos
Magic a nivel mundial.
Fue sorpresivo
recibir tanta atención,
mucho fans se
comunicaron conmigo,
me dieron mucho
cariño además de
haber recibido
muy buenos
reviews.
Ahora que
ha decantado
un poco,
sigo cosechando
los frutos de
ese proyecto, lo
que me ha abierto
muchas puertas. A
dos años de su
lanzamiento, es
hora de mostrar
nuevo material, esta
vez música escrita y
producida por mi.
¿Puedes contarnos
un poco
del circuito
que realizarás
en
Europa?
Estaremos
tocando
en Republica
Checa,
Austria,
Rumania,
Hungria,
Ucrania, Grecia y Polonia, entre
el 22 de septiembre y el 9 de octubre.
Me acompañan excelentes
músicos chilenos; Carlos Hernandez
en la batería, Mario Torres en
guitarra y Nasson en bajo y voz.
Estoy muy feliz con el recorrido
que haremos y con el grupo que
hemos formado para el viaje. Durante
3 fechas nos acompanara
Mistheria en los teclados, creador
de Vivaldi Metal Project y quien
fuera tecladista de Bruce Dickinson.
¿Cómo ha sido la recepción de
tus fans en Europa respecto a
esta noticia?
Muy buena, de hecho varios me
han contactado preguntando
por que no voy a Inglaterra o
Finalndia, así que para la próxima
tendré que pasar por otros
países.
¿Qué hitos esperas concretar
en esta gira?
Tengo un álbum que se lanzo
mundialmente y creo que un
hito el hecho de que ahora estoy
yendo a la par con eso. Voy con
muchas ganas de dar a conocer
lo que se viene a futuro. Otro elemento
importante es que estoy
demostrando que quiero estar
cerca de mis fans, de llevar allá
el producto chileno presencialmente,
tener un reconocimiento
mas cercano e intimo. Creo que
el hecho de participar en una
gira como esta abre puertas
insospechadas y es un gran paso
que estoy tomando en pos de mi
carrera.
Por Marcelo Oyanadel
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