trabajo final

Neoclásico
"Dante e Virgilio no inferno"
Por William- Adolphe Bouguereau (1850)
Etapa: representación del entorno de penumbra en Francia, luego de la Revolución Francesa, la época del "Terror"
y las guerras Napoleónicas. El artista utiliza de imágenes tenebrosas y misteriosas, que realzan la valoración del ser
humano y su conducta en el mundo terrenal.
Tema: Divina Comedia.
Género: Pintura de historia
Períodos: Neoclasicismo, Academicismo
Medios: lienzo, Pintura, Pintura al aceite
Tamaño: 281 cm × 225 cm
Localización Museo de Orsay de París, Francia.
1 DESCRIPCION
1.1 Asunto Representado
Inspirada en el octavo círculo del infierno de Dante. Según relata la Divina Comedia, Dante emprende junto a
al poeta Virgilio, un viaje por los nueve círculos del infierno. De aquí en adelante, el pintor
William A Bouguereau decide representar la décima fosa del octavo círculo, donde toman lugar los castigos de
aquellos que falsificaron objetos, palabras, identidades y dinero en el mundo terrenal. El pintor ilustra a los
viajeros como testigos de la guerra atroz entre Capocchio y Schicchi, dos falsificadores cuya humanidad
se trastorna de la misma forma en la que ambos desfiguraron la realidad.
1.2 Técnica
Óleo
1.3 Soporte
Lienzo
2

2 FORMAS DE EXPRESION
A partir de las figuras físicas se denota el realismo de la obra. El detalle de las tonalidades para crear
la percepción de volumen, dificulta que el espectador diferencie su realidad con la del cuadro. Asimismo, el
pintor utiliza del demonio como una imagen anti-naturalista, para representar lo siniestro y tenebroso del
infierno
La obra destaca principalmente la anatomía del cuerpo ilustrado en la parte central del cuadro,
mediante las figuras de los falsificadores. A los costados de la obra se encuentran dos testigos de la lucha:
los viajeros y el demonio, cuyas figuras están casi matizadas con el fondo.
Los cuerpos desnudos enfatizan lo indefenso y expuesto que es el ser humano al encontrarse en un
mundo distinto del terrenal. El pintor trata de demostrar que existen cosas peores que la realidad de nuestro
mundo
Cabe destacar que el autor utiliza la superposición de imágenes, con el sentido de enseñar
la profunda oscuridad que emprende el infierno
4 COMENTARIO
William- Adolphe Bouguereau realza como temática principal del neoclásico, la moralidad de los
seres humanos. El artista destaca la omnipotencia de la divinidad sobre los mortales y con esto atestigua que
existe el castigo por el pecado (nuestra inmoralidad). Los ciudadanos deben de ser honestos e íntegros, sobre
todo en Francia, que para este entonces se reconstruía de las consecutivas guerras. Finalmente, el
pensamiento neoclásico de la obra, se basa en que el terror y la malicia de las guerras no deben de afectar la
formación cívica. Nos recuerda que puede existir una realidad peor a la que se está viviendo, por lo que no
hay razón para ser amorales.
Romanticismo
"El Coloso"
Por Francisco de Goya (1808-1812)
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Etapa: muestra el preámbulo de la Guerra de la Independencia Española. El coloso representa la ferocidad del imperio
Napoleónico al atacar España, con el objetivo de asentar al trono a José Bonaparte, hermano de Napoleón.
Tema: Mitológico
Género: Pintura de historia
Períodos: Romanticismo
Medios: Óleo sobre lienzo
Tamaño: 116 x 105 cm
Localización Museo del Prado de Madrid, España.
1 DESCRIPCION
1.1 Asunto Representado
El Coloso se destaca por ser una obra con varias interpretaciones. López Vázquez y González de Zárate,
críticos e historiadores, inducen que el Coloso representa al príncipe Fernando XVII, cuya ignorancia llevaría España
a su propia destrucción. Igualmente se dice que Goya se inspiró en los poemas de Juan Bautista Arriaz, Profecía
de los Pirineos, los cuales describen cómo desde las montañas, entre España y Francia, surgiría un gigante
protector del reino hispano, que se opondría victorioso al ejército francés.
Oleo
Lienzo
1.2 Técnica
1.3 Soporte
2 FORMAS DE EXPRESION
Forma de expresión figurativa y anti-naturalista.
Utiliza de la imagen del Coloso para simbolizar el ejército francés
El cuerpo del Coloso se desvirtúa junto a la neblina que recubre las montañas, lo que da
profundidad al espacio
Los colores son intensos y se destacan pequeños rasgos de luces. Esto puede simbolizar el
periodo oscuro que le espera a España, pero también la posibilidad de poder salir victoriosos ante
la guerra.
La libertad creativa del gigante desplaza la racionalidad, propuesta en los periodos clásicos
3 COMENTARIO
Aunque no se conozcan las verdaderas intenciones del artista, El Coloso muestra las diferencias de poder y el
terror vivido durante la Guerra de Independencia Española. Esto se evidencia mediante los animales, los cuales están
huyendo del Coloso. Es decir, se vislumbra como el Coloso no pertenece a estas tierras, al igual que los invasores
franceses. También la diferencia de tamaño realza el poder del gigante sobre los residentes de la tierra. Cabe destacar
la presencia de temáticas románticas, como lo son la naturaleza, la mitología y el nacionalismo. Goya utiliza de estas
tres temáticas para ilustrar la inminente lucha que le esperaba a España por la libertad, en contra de un imperio liderado
por el Coloso.
4

Realismo
1 DESCRIPCIÓN
“El Desesperado”
Por Gustave Courbet (1841)
1.1 Asunto Representado
“El Desesperado” es un autorretrato del pintor Gustave Courbet, donde se muestra frustrado ante un espejo
Óleo
Lienzo
1.2 Técnica
1.3 Soporte
2 ANÁLISIS DEL CONTEXTO DE PRODUCCIÓN
El Realismo es una tendencia artística europea que se enmarca aproximadamente en la segunda mitad
del siglo XIX y aspira reflejar la realidad cotidiana de modo objetivo. La función de la pintura realista es dar
a conocer los aspectos más característicos de la realidad. No se ajusta a mejorar la naturaleza artística, debido
a que la belleza está en la realidad tal cual es.
En la obra, “El Desesperado”, Gustave Courbet es capaz de retratar al ser humano en un estado de
decadencia existencial. Courbet traslada los sentimientos de agonía y frustración, productos de la desesperación, y los
materializa en gestos y/o rasgos físicos. El pintor ilustra la ansiedad o agonía, al utilizar de sus mismas manos, aquellas
que sostienen y aprietan su cabellera como símbolo de retención. Su ceño fruncido muestra la frustración del inevitable
final. Sus ojos dilatados enseñan la exaltación, derivada de este conjunto de sentimientos. La palidez de su piel y la
contracción de los músculos, son también rasgos de estrés causados por algo que se le es difícil de lograr. A fin y al
cabo, un hombre desesperado desea agotar hasta sus últimos recursos para poder lograr algo que le parece imposible.
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3 VALORACIÓN INTUITIVA
Para muchos esta obra debería considerarse romántica, puesto que realza temáticas, como la oscuridad, la
decadencia del ser, entre otras. No obstante, Courbet no miente en ninguna pincelada. Es decir, cada toque
de pintura utilizado detalla los rasgos físicos del ser humano, en estado de desesperación. El pintor logra que
cualquier espectador comprenda los sentimientos que el mismo sintió, a partir de sus gestos, su lenguaje
corporal, los colores y las texturas. Es cierto que usa de técnicas artísticas para trasladar este sentimiento
abstracto, pero curiosamente consigue hacerlo a través de un medio físico. El pintor no solo logra mostrar
como se ve un hombre desesperado sino cómo se siente. Trasciende el concepto de objetividad al mostrar la
realidad del hombre en decadencia.
Impresionismo
1 DESCRIPCIÓN
“Dos Niñas al Piano”
Por Pierre-Auguste Renoir (1892)
1.1 Asunto Representado
Relata la historia de la vida burguesa de dos jovencitas tocando el piano
1.2 Técnica
Óleo
1.3 Soporte
Lienzo
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2 ANÁLISIS DEL CONTEXTO DE PRODUCCIÓN
A principios del Impresionismo los artistas se hallaban en una carrera contra el tiempo. A diferencia de los
retratos, las cámaras fotográficas eran capaces de plasmar imágenes en cuestión de minutos. Como consecuencia, los
pintores comenzaron a añadir aspectos que la cámara fotográfica no podía mostrar, entre ellos: el color, la luz, las
imágenes en contra luz y las texturas.
El Impresionismo se destacó por ser un movimiento artístico cuya intención era captar la impresión del
momento. “Dos Niñas al Piano” por Pierre-Auguste Renoir, capta el momento de las jóvenes burguesas disfrutando
del piano por la mañana. Los colores pasteles y la suavidad de sus pinceladas revelan la impresión de inocencia y
delicadeza, que tuvo el artista al observar a las pequeñas burguesas. Asimismo utiliza de los colores para recrear la
claridad de la escena y destacar brillos de luces en sus cabellos, mejillas y regazos. Renoir recrea la felicidad de las
jóvenes al utilizar de colores vivos y luces (sin dejar perder la elegancia de la vida burguesa), aspecto que la cámara
fotográfica no puede captar.
3 VALORACIÓN INTUITIVA
Renoir pinto más de una vez “Dos Niñas al Piano” y en cada obra los detalles añadidos eran tan pequeños, pero
más cercanos a la escena real. En sus trabajos se destaca su fascinación por la delicadeza de la mujer, las luces y
colores de los paisajes naturales, la suavidad que recrea el momento. De hecho lo más bello de sus obras es la
imperfección de la línea y la creación de los cuerpos a través del sfumato, lo que permite la presencia de muchos
colores sin que se vea recargado y se pierda la esencia del momento.
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A U G U S T M A C K E
La Vanguardia
El periodo expresionista se destaca por la
disposición de tonalidades saturadas que contrastan
entre sí. Durante el expresionismo, se introduce el color
negro para exaltar las emociones más profundas de
dolor y desgarro sentidas por el artista. Los expresionistas
consideran el color como la representación más
cercana de la realidad que nos rodea.
La dama con chaqueta verde es una de las
obras más famosas del pintor vanguardista, August
Macke. El artista nos traslada en una tarde de otoño por
la vereda. En su primer plano, Mocke destaca a la
dama de chaqueta verde, que intencionalmente se
encuentra sola. De hecho su vestimenta contrasta con
los colores de las otras damas del fondo. Su tonalidad
oscura representa el dolor y la soledad. Cabe destacar
que su expresión y forma de la cara vislumbran tristeza,
sentimiento que no le permite ver hacia delante.
Las parejas del fondo, en cambio, muestran la
naturalidad del pueblo. Los caballeros vestidos en traje
y las damas en vestidos luminosos de seda, en una
serena tarde.
El pintor distingue la imagen de la dama con la
de la sociedad, aquella que intriga por conocer la
causa de su tristeza. Esto se evidencia por las caras del
fondo, de las cuales el artista pinta dos de ellas en
dirección de la dama, dando pie a la crítica social. No
obstante su meta mensaje no es frio, si no vivo, es cálido
como los colores verdes, amarillo y naranjas que
recubren todo el fondo de la obra. Es como si la soledad
de la dama se encontrara sumergida en un panorama
tan acogedor. Esto lleva a que el color se oponga con
la mismísima temática que lo conforma.
D A M A C O N
C H A Q U E T A V E R D E
D E A U G U S T M A C K E
Óleo sobre tela 44 x 43,5 cm
Colonia, Museo Ludwig
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Estilización, Simbología y Figuración
Pierre Auguste Renoir
“Para mí, un cuadro debe ser algo amable, alegre y
hermoso, sí, hermoso. Ya hay demasiadas cosas
desagradables en la vida como para que nos inventemos
más.”
Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)
Estilización
“La Grenouillere (1869)”
Simbología
• Al igual que muchos artistas impresionistas, Renoir buscaba ilustrar la
presencia de luces en sus obras
• Destaca los colores verdosos, azulejos, el color blanco y las
tonalidades claras del amarillo para simbolizar los destellos de luz en
las figuras.
• También utiliza de colores fuertes para crear contrastes que destaquen
la luz
• En el impresionismo, se consideraba un gran artista aquel que pudiese
representar las emociones e ideas, a través de los colores.
• Renoir utiliza de pinceladas sueltas
para recrear los colores de las figuras
humanas.
• A simple vista el espectador
reconoce que hay un grupo de
personas cuyas vestimentas se asimilan
con las figuras más externas. Sin
embargo, al aumentar la imagen, no se
distinguen una figura de otra (solo se
ven manchones).
• Por tanto se destaca la
estilización del artista, a través del uso
de pinceladas sueltas y colores, para
recrear una percepción de la realidad
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“Retrato de Irene Cahen”
(1880)
• En el retrato de Irene Cahen, el artista utiliza de
tonalidades claras cercanas al blanco para representar la
piel de la dama burguesa. Esta tonalidad simboliza la
pureza de la joven, su elegancia. Asimismo es una de
sus tantas técnicas para vislumbrar los colores del fondo
y exaltar la vivencia del momento
• La calidad de la obra recae en la creación de sombras
(en su cabellera y alrededor de su perfil) las cuales
evocan un momento cálido y sereno. También de los
pequeños detalles, cómo los ojos y la boca, cuyos
colores reflejan la candidez y vitalidad de la joven.
Otras obras en donde se destacan la
simbología del color
“Jovencita con
Sombrero de Paja”
“Niña Joven
Leyendo”
(1891)
“Niña Joven con
Margaritas”
(1889)
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Arte Figurativo
• Se define por la representación de
figuras, entendiendo estas como
objetos identificables mediante
imágenes reconocibles.
• El Impresionismo se caracteriza por
captar el momento en sus obras. Se
muestra la percepción del artista
sobre la realidad. Esta acepción hace
que tanto las obras de Renoir como a
de los impresionistas sean
figurativas. Es decir, muestran el
anhelo de los artistas por representar
la emoción de la escena, a partir de
las figuras presentes y los fondos
naturales.
• Renoir le es fiel a la idea de ilustrar
la realidad presentada, pues si bien
dijo: “Ya hay demasiadas cosas
desagradables en la vida como para
que nos inventemos más”
“Niebla en Guernsey”
(1883)
“Baile de Moulin de la Galette”
(1876)
• Representa a algunos de sus
amigos.
• Su objetivo principal es
remarcar la vibrante vida parisiense en
la Butte Montmartre.
• Refleja la multitud en
movimiento durante el baile
• En esta escena detalla desde los
gestos hasta las acciones dadas. A
medida que se va hacienda mas
profundo, no se pierde en la imagen la
esencia de la alegre multitud
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El Arte Conceptual
El arte conceptual surge en un momento de revolución. Los
levantamientos tienen por objeto causar un cambio en la sociedad,
despertar y concientizar. Estos son los fundamentos que forman
el Arte Conceptual, además del contenido, simbolismo y
significado.
El Arte Conceptual Vs La Vanguardia
En mi opinión, el arte conceptual y la vanguardia van de la
mano al ser anarquistas de movimientos ideológicos y
tendencias artísticas. Es decir, ambos se oponen a un pensamiento,
siendo así libertarios e individualistas. No obstante existe una brecha
entre ambos conceptos. Conozcamos a continuación qué es en
realidad el arte conceptual y la vanguardia
El arte conceptual se originó a mediados de los 60, al
corromper el esquema de belleza y valor de la imagen plástica. Se refiere a la creación artística, cuyo objeto
es vislumbrar el concepto de la obra sin destacar las técnicas estéticas, ni los elementos de las artes
visuales (entre ellos la línea, el color y el punto).
La Vanguardia por otro lado se desarrolla a mediados del siglo XX, con el objetivo de trascender el
arte al introducir conceptos, utilizar técnicas e ilustrar elementos de las artes plásticas, que fuesen
innovadores para la norma del momento. Esto dio origen a movimientos como el dadaísmo, futurismo,
ultraísmo, entre otros. Las vanguardias son manifestaciones de rechazo a tendencias que predominan en un
periodo.
Finalmente llego a pensar que la gran diferencia seria que la vanguardia confronta el concepto del
arte que se manifiesta en el momento, a través de los elementos de la imagen visual. En contraste, el arte
conceptual aborda el contenido, su significado y simbolismo, ya sea para dar una crítica social o simplemente
para remarcar un concepto.
Acaso todo es arte
Si decimos que todo es Arte, entonces su concepto
correría peligro. Esto se debe a que no podríamos distinguir
lo artístico del todo. Si todo fuese Arte, estaríamos ignorando
los principios básicos de la Conceptualización o Arte
Conceptual, puesto a que perderíamos norte del significado
del arte y sus componentes. Es decir, no habría diferencia
entre lo artístico y no artístico. Por tanto, con firmeza se debe
argumentar que no todo es arte.
Que busca el arte con las críticas
El arte conceptual busca conectarse con la audiencia
resaltando temáticas que dichos espectadores viven el día a
día. Como destaca Yokaira, intenta llevar un mensaje directo
que mueva el interior de todas las personas a las que llegue
su arte para provocar un cambio, utilizando como
herramienta el poder de la crítica y/o sátira.
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Cultura Visual
Hoy en día vivimos en una era donde constantemente
estamos bombardeados de imágenes. Las redes sociales
utilizan de imágenes para simplificar un mensaje, dar
alusión a un sentimiento en común o simplemente atraer y
crear una comunidad guiada por la percepción visual o
mejor dicho, la cultura visual. A continuación se
desarrollará el concepto de cultura visual y destacará su
propagación a partir del desarrollo de la fotografía, cine y
comics
Para formular un concepto de la cultura visual, es
importante comprender qué es la cultura y por qué se considera
visual. Podemos definir cultura como el caparazón que constituye el pensamiento social de un grupo. “Es un
conjunto de ideas, comportamientos, símbolos y prácticas sociales, aprendidas de generación en generación
a través de la vida en la sociedad” (Significados.com , n.d.). Ahora bien, atribuimos el concepto visual como
el acto y resultado de nuestra observación y percepción. Por tanto, la cultura visual ha de ser un conjunto de
comportamientos, ideales y prácticas, derivadas de las imágenes que se producen a partir de nuestra
proyección y observación de la realidad.
En el texto de Nicholas Mirzoeff titulado “Una Introducción a la Cultura Visual”, se destacan varias
acepciones. Se distingue que la cultura visual es: “una estructura interpretativa fluida, centrada en la
comprensión de la respuesta de los individuos y los grupos a los medios visuales de comunicación”
(Mirzoeff, 1999). En la cita previa Mirzoeff vislumbra la sociología o teoría social detrás de las imágenes
bombardeadas por el medio. De hecho, expande el concepto de los críticos sobre la imagen como medio de
comunicación o más bien “una representación semiótica”. La imagen ya no es solo un instrumento de
comunicación. Es decir no se centra en solo en qué se observa sino en el mundo creado por la imagen en la
sociedad (Mirzoeff, 1999).
De aquí en adelante se introduce la visualización, que consiste en lograr ver cosas que a simple vista
no son perceptibles y que para ello requieren de medios como la tecnología. Los rayos x, las imágenes
microscópicas y telescópicas, son ejemplos de visualizaciones que han aportado en la comprensión de
nuestro medio. Lo que lleva a pensar que la cultura visual no depende de la imagen en sí; depende de la
tendencia moderna a representar en imágenes o visualizar la existencia (Mirzoeff, 1999). Vivimos en un
mundo donde frecuentemente buscamos actualizarnos, comprender lo que nos rodea y experimentar el día a
día, a través de la tecnología. Lo que creemos, investigamos y formamos yace en la imagen que se nos
presenta, tal cual destaca Platón en el Mito de la Caverna. Platón ilustra que los objetos que encontramos en
la vida cotidiana incluyendo las personas son sencillamente malas copias del efecto ideal de dichos objetos;
son proyecciones de nuestro concepto de realidad (Mirzoeff, 1999)(como se destaca al principio)
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La propagación de dicho concepto se manifiesta principalmente en las áreas del arte, entre ellas la
fotografía, el cine y los comics. Las primeras imágenes fotográficas fueron conseguidas con una cámara
oscura por Nicéphore Niepce en 1824 y en 1839
Daguerrotipo presenta la primera cámara fotográfica
capaz de conseguir imágenes en positivo. Dicho
descubrimiento fue revolucionario para la pintura y el
arte, en la proyección de la realidad vista por el ojo
humano (Santy Clavel Fotografía Profesional, 2016).
El arte se vuelve comercial (por compañías como
Kodak), abierto para todo público y se desglosan las
técnicas de expresión conocidas por la pintura en la
fotografía. Incluso, la fotografía se vuelve más
novedosa al introducir el cine.
El origen del cine remonta a finales de los 1800 por los hermanos Lumiére. Ambos utilizaron de
imágenes proyectadas en secuencia frente un público. A partir de aquí se deriva el concepto de cine como
un conjunto de fotogramas proyectados consecutivamente, en el cual la rapidez de dicha proyección genera
la ilusión de que los cuerpos están en movimiento. Asimismo surgieron técnicas de filmografía que podrían
distorsionar la realidad y crear a sensación de dinamismo (ideado por Méliés, colocando y quintando objetos
en cada escena). Edwin S. Porter unió el estilo Lumiére y Méliés, para dar origen al cine ficción. Filmo la
primera película de entretenimiento,
“Asalto y robo de un tren” en
1903, con una duración de 8
minutos. Incluía innovaciones
como el montaje de escenas
filmadas en distintos momentos y
locaciones, componiendo una
unidad narrativa. Finalmente el
cine llega a captar imágenes,
distorsionar la realidad y crear
historias que envuelven nuestros
ideales y sueños (Swingala.com,
n.d.).
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El comic, no se queda atrás. Se
considera como un producto comercial
de la cultura moderna que evolucionó
junto a la prensa. Aunque su origen
remonta en 1446, su auge se da en el
siglo XX cuando se hacen publicaciones
diarias Se relaciona con la fotografía y
el cine al poder reproducirse infinidad
de veces y al secuenciar las imágenes
para crear una estructura narrativa con
elementos fantásticos. Asimismo por
transmitir y vender un concepto de la
realidad que deseamos vivir, evocar el
pensamiento social y constituir nuestra
cultura. (Bruno, 2009).
Finalmente reconocemos cómo las imágenes impactan en la observación de nuestra realidad,
determinan cuales conocimientos absorber. La imagen visual junto a la tecnología, engloban la cultura que
nutre y educa la sociedad actual, dándole el suficiente poder para llamarlo cultura visual.
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