Dossier_final_ok_definitivo

CONCIERTOS SINFÓNICOS

La Orquesta Sinfónica de RTVE celebrará sus 50 años de actividad interpretando
obras del español Manuel de Falla y de Igor Stravinsky
SÁBADO 1 DE AGOSTO
Palacio de Festivales • Sala Argenta 20:30 h.
ORQUESTA SINFÓNICA DE RTVE
Pablo González, director
María Espada, soprano
Manuel de Falla
• El sombrero de tres picos
Igor Stravinsky
• El pájaro de fuego
Duración total aproximada: 1h 35’
• El 27 de mayo de 1965 nace la Orquesta de Radio Televisión Española como una de las
orquestas más jóvenes de la radio y televisión europeas, pudiéndose afirmar que cuando
se habla de la actividad musical en nuestro país a lo largo de la segunda mitad del siglo
XX, resulta indispensable hablar de la Orquesta Sinfónica de RTVE como protagonista de
primerísima fila. Se presentó oficialmente en el Teatro de la Zarzuela de Madrid junto a su
Director-Fundador, Igor Markevitch, con un programa que incluía obras de Prokofiev, Wagner,
Falla y Beethoven. Solo unos días antes había debutado con Odón Alonso en el Festival de la
SIMC interpretando obras de autores como Nilsson, Webern, Stravinsky y Schoënberg. Esas
primeras actuaciones públicas marcaban ya las líneas maestras de la Orquesta: el repertorio
clásico-romántico, la música española y el servicio a la creación musical de nuestro tiempo.
Markevitch repetiría aquel concierto inaugural en 1982, pocos meses antes de su muerte,
cerrando así un período histórico de la Orquesta.
Tras él desempeñarían el puesto de Director Titular Antoni Ros Marbà (1965-1967), Enrique
García Asensio (1966-1984), Odón Alonso (1968-1984), Miguel Ángel Gómez Martínez
(1984-1987), Arpad Joó (1988-1990), Sergiu Comisiona (1990-1998) de nuevo García Asensio
(1998-2001), Adrian Leaper (2001-2010) y actualmente Carlos Kalmar es su Director Titular.
También han visitado la Orquesta maestros como Celibidache, Maazel, Rozhdestvensky,
Kondrashin, Frühbeck de Burgos, Inbal, Walter Weller, López Cobos, Dutoit, Leif Segerstam,
Albrecht, Rilling entre muchos otros. Entre los compositores que han subido al podio de la
Orquesta para dirigir sus propias obras destacan los nombres de Nadia Bulanger, Carlos
Chávez, Aarón Copland, Luciano Berio, Cristóbal Halffter, Tomás Marco, Mauricio Kagel o
Kryzsztof Penderecki.
Aun siendo la radio y la televisión el vehículo natural de la Sinfónica de RTVE (lo que ha
hecho de ella la Orquesta más escuchada de España), su residencia permanente en Madrid
la ha llevado a distintas sedes hasta 1988 que se instala definitivamente en el Teatro
Monumental. A la presencia del conjunto en los principales festivales españoles hay que
añadir el espaldarazo internacional que podrían resumir sus actuaciones en el Carnegie
Hall de Nueva York (1971), Royal Festival Hall de Londres (1975), Tonhalle de Zurich (1986),
Théatre Chatelet de París (1986), Suntory Hall de Tokio (1988), L’Arsenal de Metz (1989),
Festival Enescu de Bucarest (1995), Estrasburgo (1998) Festival de Otoño en Varsovia (2008).
En junio de 2007 realizó una gira de conciertos en distintos auditorios de Japón: Tokyo
Jornada patrocinada por:
3

Metropolitan Art Space, Music and Art Center en Niigata, Ongaku Center en Takasakishi
(Gunma) y Utsunomiyashi Bunka Kaikan en Tochigi; así como la grabación de dos programas
para el Canal de Televisión Asahi en el Bunkyo Civic Hall de Tokio.
La Orquesta Sinfónica de RTVE mantiene una interesante actividad discográfica. Ha realizado
innumerables grabaciones para el archivo sonoro de RNE. En los últimos años ha grabado
para el sello de RTVE y, para los sellos VERSO, NAXOS y WARNER.
En el presente año la Orquesta Sinfónica y el Coro de RTVE ha recibido el premio “Codalario”
a la Mejor Entidad Musical 2013 y el premio ‘Personalidad’ por su aportación al panorama
musical español por sus casi 50 años de magnífica trayectoria y por la difusión de la música
de concierto al gran público, en el Festival Spanish Brass Alzira.
En el año 2015 la Orquesta Sinfónica de RTVE celebra su 50 aniversario.
• Altamente apreciado por su expresividad, musicalidad y excelente técnica que se
materializan en conciertos llenos de carácter y de intensidad artística, Pablo González
(Oviedo, 1975) encara una brillante y exitosa carrera que le está llevando a las más
importantes orquestas internacionales. Desde septiembre de 2010 es director musical
de la Orquestra Simfònica de Barcelona i Nacional de Catalunya, responsabilidad que
además de la temporada regular de conciertos incluye la realización de grabaciones y giras
internacionales.
Gracias a los éxitos obtenidos con anterioridad, Pablo González está siendo reinvitado
en la actualidad a orquestas como las filarmónicas de Varsovia, Países Bajos, Sinfónica
de Bournemouth, sinfónicas de Malasia y Queensland, Deutsche Radio Philharmonie
Saarbrücken Kaiserslautern, Orchestra della Swizzerra Italiana, Orquesta Sinfónica de la SWR
de Baden Baden y Freiburg y la BBC de Gales. En otoño de 2013, tuvo su debut como director
de ópera en Reino Unido con “L’elisir d’amore”, en Glyndenbourne on Tour.
En la temporada 2012/2013 Pablo González debutó en Estados Unidos dirigiendo a la Dallas
Symphony, y volvió a dirigir a orquestas como Royal Liverpool Philharmonic y Filarmónica de
Lieja, la Scottish Chamber Orchestra y la Kyoto Symphony. En temporadas anteriores debutó
con gran éxito con la Netherlands Philharmonic en Concertgebouw y la NHK Symphony, en
Japón. También ha dirigido a las principales orquestas españoles, incluyendo la Nacional
de España, Sinfónica de Castilla y León, Orquesta Ciudad de Granada y Real Filharmonía
de Galicia. Dirigió a la London Symphony en Madrid, a la Tonkunstler Orchestra en la
Musikwerein de Viena y las principales orquestas francesas y suizas. Con la Deutsche Radio
Philharmonie Saarbrücken Kaiserslautern ha grabado dos discos con obras de Schumann
para Hänssler Classics, uno de ellos distinguido en 2011 con el International Classical Music
Award.
Otros compromisos destacados incluyen aparaciones con la London Symphony Orchestra,
Tonkunstler Orchestra en el Musikwerein, Orchestre National du Capitol de Tolouse,
Orchestre de Chambre de Lausanne, Sinfonieorchester Basel y Orchestre Philharmonique
de Strasbourg.
En el terreno de la ópera, y además de su debut en Glyndenbourne on Tour, ha dirigido
La voix Humaine de Poulenc y Una Voce in Off de Montsalvatge en el Liceu de Barcelona,
Madama Butterfly y Don Giovanni en Oviedo así como Carmen en San Sebastián. También ha
dirigido en versión de concierto Die Zauberflöte, Daphne de Strauss y Rienzi en el Teatro del
Liceu de Barcelona.
Ha colaborado con solistas como Anne-Sophie Mutter, Maxim Vengerov, Truls Mork, Nicola
Benedetti, Renaud Capuçon, Viviane Hagner, Viktoria Mullova, Alban Gerdhart, Violetta
Urmana, Christopher Maltman Y Florian Uhlig.
Pablo González nació en Oviedo en 1975 y estudió en Londres, en la Guildhall School of
Music and Drama. Ganó el Concurso de dirección Donatella Flick en el año 2000, tras lo cual
4

fue director asociado de la London Symphony y de la Bournemouth Symphony así como
principal director invitado de la Orquesta Ciudad de Granada. En 2006 obtuvo el primer
premio del 8º Concurso Internacional de Dirección de Cadaqués.
• Nacida en Mérida, María Espada, ha estudiado canto con Mariana You Chi y con Alfredo
Kraus, entre otros.
Ha cantado con directores como Mariss Jansons, Iván Fischer, Frühbeck de Burgos, Jesús
López Cobos, Carlos Kalmar, Antoni Ros Marbá, Aldo Ceccato, Michael Sanderling, Juanjo
Mena, Howard Griffiths, Josep Pons, Pablo González, Víctor Pablo Pérez, Diego Fasolis, Andrea
Marcon, Fabio Biondi, Tom Koopman, Giovanni Antonini, Tamás Vásáry, Enrico Onofri, Frans
Brüggen, Christophe Coin, etc.
Ha actuado con orquestas y grupos como Royal Concertgebouw Orchestra, BBC
Philharmonic Orchestra, Netherlands Radio Chamber Philharmonic, Orquesta Nacional de
España, Orquesta Sinfónica de Euskadi, Orquesta Sinfónica de Bilbao, Orquesta Sinfónica
de Barcelona y Nacional de Cataluña (OBC), , Orquesta de RTVE, Orquesta Sinfónica de
Madrid, Orquesta de la Radio Húngara, Orquesta Sinfónica de Galicia, Il Giardino Armonico,
Venice Baroque Orchester, Orchestra of the 18th century, Les Talens Lyriques, I Barocchisti,
L’Orfeo Barockorchester, Orquesta Barroca de Sevilla, “Al Ayre Español”, Orquesta Barroca de
Helsinki, etc
Se ha presentado en salas como Philharmonie de Berlín, Konzerthaus de Viena,
Concertgebouw de Amsterdam, Théâtre des Champs Élysées de París, Teatro Real de
Madrid, Palais des Beaux Arts de Bruselas, Auditorio Nacional de Madrid, Santa Cecilia de
Roma, Vredenburg de Utrecht, Teatro del Liceo de Barcelona, Palau de la Música Catalana de
Barcelona, L’Auditori de Barcelona, Maestranza de Sevilla, Teatro de la Zarzuela de Madrid,
Kursaal de San Sebastián, Auditorio de Zaragoza, Euskalduna de Bilbao, Auditorio de Galicia,
Baluarte de Pamplona, Auditorio Príncipe Felipe de Oviedo, etc.
Ha grabado para los sellos Harmonia Mundi, Chandos, Naxos, y Challenge, entre otros.
5

Un concierto de película con la música de grandes obras, como Memorias de África,
Casablanca, Harry Potter o La guerra de las galaxias, y de excelentes compositores
como John Barry, John Williams y Miklos Rozsa.
Concierto extraordinario
JUEVES, 6 DE AGOSTO
Palacio de Festivales • Sala Argenta • 20:30 h.
MÚSICA DE CINE
Orquesta sinfónica de Castilla y León
Jordi Bernácer, director
John Barry
• Memorias de Africa
Max Steiner
• Casablanca (Suite)
John Williams
• Harry Potter y la piedra filosofal
Nicola Piovani
• La vida es bella
Basil Poledouris
• Conan el bárbaro
John Williams
• Parque Jurásico
John Barry
• Bailando con lobos
Klaus Badelt
• Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra
John Williams
• La lista de Schindler
Miklos Rozsa
• Ben-Hur (Suite)
Hans Zimmer
• El código da Vinci
John Williams
• La guerra de las galaxias
Elmer Bernstein
• Los siete magníficos
Duración total aproximada: 1h 30’
6

• La Orquesta Sinfónica de Castilla y León ha cumplido veintitrés años situándose como
una de las agrupaciones sinfónicas de mayor proyección en España.
Creada en 1991 por la Junta de Castilla y León, la OSCyL tiene como su primer director titular
a Max Bragado-Darman. Tras este periodo inicial, Alejandro Posada asume la titularidad de
la dirección durante 7 años hasta la llegada de Lionel Bringuer, quien ha permanecido al
frente de la formación orquestal hasta junio de 2012. Desde ese año cuenta con el maestro
zamorano Jesús López Cobos como Director Emérito. Esta temporada Andrew Gourlay se
une al equipo de la OSCyL en el papel de Principal Director Invitado en sustitución de Vasily
Petrenko, que lo fue durante los últimos 8 años. Y Jaime Martín es también Principal Director
Invitado.
Durante estos 23 años de trayectoria, la OSCyL ha llevado a cabo importantes estrenos y ha
realizado diversas grabaciones discográficas para Deutsche Grammophon, Bis, Naxos, Tritó
o Verso entre otras, con obras de compositores como Joaquín Rodrigo, Dmitri Shostakovich,
Joaquín Turina, Tomás Bretón, Osvaldo Golijov o Alberto Ginastera. Además, la OSCyL ha
llevado a cabo una intensa actividad artística en el extranjero, con giras por Europa y America,
que le han permitido actuar en salas tan destacadas como el Carnegie Hall de Nueva York.
A lo largo de estas dos décadas, la OSCyL ha ofrecido centenares de conciertos junto a una
larga lista de directores y solistas, entre los que destacan los maestros Semyon Bychkov,
Rafael Fruhbeck de Burgos, Jesús López Cobos, Gianandrea Noseda, Eliahu Inbal, Ton
Koopman, Juajo Mena, Josep Pons o David Afkham, los cantantes Ian Bostridge, Angela
Denoke, Juan Diego Flórez, Magdalena Kozena, Leo Nucci, Renée Fleming o Angela
Gheorghiu, e instrumentistas como Daniel Barenboim, Midori, Emmanuel Pahud, Gordan
Nikolic, Viktoria Mullova, Gidon Kremer, Gil Shaham, Natalia Gutman, Misha Maisky o Hilary
Hahn entre muchos otros.
Algunos de los compromisos para la presente temporada incluyen actuaciones con los
maestros Eliahu Inbal, Leopold Hager, Lionel Bringuier, Juanjo Mena o Maasaki Suzuki y
solistas como Paul Lewis, Steven Isserlis, Xavier de Maistre, Vilde Frang, Gordan Nikolic o
Radovan Vlatkovic. Además ofrecerá el estreno de obras de encargo de los compositores
Lorenzo Palomo y Óscar Colomina.
Es importante reseñar la alta implicación de la orquesta en las numerosas iniciativas sociales
y educativas que el Centro Cultural Miguel Delibes está llevando a cabo, como el proyecto
“In Crescendo”.
Desde el año 2007, la OSCyL tiene su sede estable en el Auditorio Miguel Delibes de
Valladolid, obra del arquitecto Ricardo Bofill.
• Jordi Bernácer inicia sus estudios musicales a la edad de seis años, diplomándose en la
especialidad de flauta con Mención de Honor a los dieciocho en el Conservatorio “Joaquín
Rodrigo” de Valencia, donde también estudia Musicología, Dirección de Coro y Dirección
de Orquesta. Se diploma en Viena con las máximas calificaciones (Auszeichnung) en el
“Konservatorium Wien” con Georg Mark y Reinhard Schwarz, asistiendo a su vez a los cursos
internacionales de dirección de orquesta de Ervin Acél en la “Universität für Musik” de Viena.
En 1997 obtiene el Premio en Dirección de Orquesta del Verein Wiener Musikseminar. En
2004 dirige en el “Beethoven Workshop” impartido por Daniel Barenboim en el Musikverein
de Viena.
Ha sido asistente del Maestro Lorin Maazel quien le invita a participar como director asociado
en el Castleton Festival en Virginia (EEUU) colaborando a su vez con los Maestros Riccardo
Chailly, Sir Andrew Davis, Valeri Gerguiev, Zubin Mehta y Georges Prêtre entre otros.
Ha dirigido la Orquesta y Coro Nacionales de España, Orquesta Sinfónica de RTVE, Orquestra
de la Comunitat Valenciana (“Palau de les Arts Reina Sofía”), Sinfónicas de Galicia, Principado
de Asturias, Bilbao, Euskadi, Navarra, Barcelona, Murcia y Tenerife, así como las Orquestas de
7

Valencia, Extremadura y Comunidad de Madrid.
Se ha puesto al frente, a su vez, de orquestas como la Baden-Baden Philharmonie y
Filarmónica de Sofía en tournée con Plácido Domingo, la Sinfónica de la Radio Eslovaca,
Orchestra Internazionale d’Italia, Orquesta y Coro de los teatros Mariinsky (San Petersburgo),
Carlo Felice (Génova), San Carlo (Nápoles), Los Angeles Opera (EEUU) y Wielki (Poznan,
Polonia) así como las orquestas de cámara de Qatar, Berlin y Praga.
Ha dirigido producciones operísticas en el “Palau de les Arts” de Valencia (Manon, Simon
Boccanegra), Teatro di San Carlo de Nápoles (Cavalleria Rusticana), Los Angeles Opera
(Tosca), Palacio Euskalduna (El gato con botas de Montsalvatge), Festival de Peralada (El rey
que rabió), Teatr Wielki de Poznan, Polonia (Carmen), Castleton Festival en Virginia, EEUU (The
Beggar’s Opera), Pamplona (L’occasione fa il ladro) y Martina Franca, Italia (estreno absoluto
de Nûr de Marco Taralli).
Ha sido invitado por prestigiosas instituciones musicales como Abu Dhabi Classics,
Fundación Pergolesi-Spontini de Jesi (Italia), Auditorio Nacional de Música de Madrid,
Festival de Música Contemporánea de Alicante, Festival Mozart de La Coruña o el Festival
della Valle d’Itria (Italia).
8

La orquesta más antigua de Rusia interpretará la Suite de Romeo y Julieta, de Prokofiev,
y junto al pianista Javier Perianes, Premio Nacional de Música 2012 y nominado a los
Premios Grammy Latinos, el concierto para piano Ravel
DOMINGO, 16 DE AGOSTO
Palacio de Festivales • Sala Argenta • 20:30 h.
ORQUESTA FILARMÓNICA DE SAN PETERSBURGO
Yuri Temirkanov, director
Javier Perianes, piano
Maurice Ravel
• Ma mere l’Oye
• Concierto para piano en Sol Mayor
Serguei Prokofiev
• Suite de Romeo y Julieta
Duración total aproximada: 1h 40’
• La Orquesta Filarmónica de San Petersburgo, el más antiguo conjunto sinfónico de
Rusia, fue fundada en 1882, cuando en la Orden del zar Alejandro III, se estableció el coro
musical de la Corte, el prototipo del actual «Colectivo de Honor de la Federación Rusa».
El coro de los músicos fue fundado para actuar en el marco imperial en las recepciones,
ceremonias oficiales, bailes, obras de teatro y conciertos en el Corte Real. Cumbre de este
tipo de actividad fue la participación del coro en 1896 en el Acto de Сoronación del zar
Nicolás II. En 1897, el Coro de la Corte se convirtió en la Orquesta de la Corte y sus músicos
se trasladaron desde el departamento militar y se les otorgó los mismos derechos que los
demás actores de los teatros imperiales. En el siglo XX la orquesta fue autorizada a actuar
en conciertos comerciales para el público en general. La serie de conciertos “Colecciones
Orquestales de Novedades Musicales” mostró las primeras actuaciones rusas de los poemas
sinfónicos de Richard Strauss. Los conciertos incluían actuaciones de un compositor, una
serie de conciertos de abono, y una “serie histórica”, acompañada por una conferencia o
un discurso introductorio. Entre los directores había músicos de renombre mundial como
Richard Strauss, Arthur Nikisch, Alexander Glazunov y Serge Koussevitzky.
En 1917 la orquesta se convirtió en la Orquesta del Estado y de acuerdo con el Decreto
de 1921 se incorporó a la recién fundada Orquesta Filarmónica de Petrogrado, la primera
de su género en el país. Poco después comenzaron giras sin precedentes con toda una
pléyade de directores occidentales. Sus nombres gozan de una autoridad incuestionable
en el mundo musical de hoy: Otto Klemperer, Bruno Walter y Felix Weingartner. Como
solistas, Vladimir Horowitz y Sergey Prokofiev también colaboraron con la orquesta. Por
iniciativa de los directores extranjeros, la orquesta comenzó a tocar el repertorio moderno
- Stravinsky, Schoenberg, Berg, Hindemith, Honegger y Poulenc. También se trató la música
de compositores rusos. En 1918 la orquesta realizó bajo su batuta la Sinfonía Clásica de
Prokofiev por vez primera. Y en 1926 Shostakovich estrenó su 1ª Sinfonía en el Gran Hall
Philharmonia.
En 1934 la orquesta se convirtió en el primer conjunto en el país en recibir el nombre de
Jornada patrocinada por:
9

“Colectivo de Honor de la Federación Rusa “. Cuatro años más tarde Evgeny Mravinsky unió
a la orquesta y durante la mitad de un siglo, paso a paso, creó una de las mejores orquestas
del mundo. En 1946 fue la primera gira al extranjero de la orquesta- la primera en la historia
soviética. Desde entonces se dan giras con carácter regular a muchos países. La alianza entre
Mravinsky y Shostakovich es única en el mundo musical. Muchas sinfonías del compositor,
incluyendo la 8ª, dedicada al director, fueron realizadas por Mravinski por primera vez.
Tras el fallecimiento de Mravinsky en 1988, la orquesta seleccionó a Yuri Temirkanov como
su director principal.
La orquesta y su director titular han abierto la temporada en curso con una gran gira por
Europa. En esta temporada se celebra un doble aniversario el Maestro Temirkanov ha
cumplido 75 años y lleva 25 años dirigiendo la Orquesta Filarmónica de San Petersburgo, se
dará continuación al ciclo de conciertos de G. Rozhdestvensky, se realizará el estreno en San
Petersburgo de El paseo del invierno 1949, de Desyatnikov y se ofrecerá el estreno ruso de la
composición de Sheng. M. Tilson Tomas, A. Wit, K. Nagano, M. Jansons, I. Marín, M. Jurowski,
V. Sinaysky, N. Lugansky, D. Matsuev, E. Virsaladze, Repin, S. Shoji, Y. Bashmet, N. Gutman, M.
Maisky, N. Dessay, P. Burchuladze, E. Glennie colaborarán con la orquesta durante este año
especial.
• Desde 1988 Yuri Temirkanov ha sido el director artístico y director principal de la Orquesta
Filarmónica de San Petersburgo.
Nacido Nal’chik, ciudad del Cáucaso, Yuri Temirkánov comenzó sus estudios musicales a
la edad de nueve años. Cuando tenía trece años, asistió a la Escuela de Leningrado para
Niños con Talento donde continuó sus estudios de violín y viola. Al graduarse, asistió al
Conservatorio de Leningrado, donde completó sus estudios de viola y más tarde regresó a
estudiar dirección, donde se graduó en 1965. Después de ganar el prestigioso Concurso de
Dirección Soviético Nacional en 1966, fue invitado por Kirill Kondrashin de gira por Europa
y los Estados Unidos con el legendario violinista David Oistrakh y la Orquesta Filarmónica
de Moscú.
Yuri Temirkánov hizo su debut con la Orquesta Filarmónica de San Petersburgo a principios
de 1967 y luego fue invitado a unirse a la orquesta como Director Asistente de Yevgeny
Mravinsky. En 1968, fue nombrado Director Titular de la Orquesta Sinfónica de Leningrado,
donde permaneció hasta su nombramiento como Director Musical de la Ópera y Ballet de
Kirov (hoy Teatro Mariinsky) en 1976. Permaneció en este cargo hasta 1988 y sus producciones
de Eugene Onegin y la Reina de Picas se han convertido en leyenda en la historia del teatro.
Es el primer artista ruso autorizado a actuar en Estados Unidos después de que se reanudaran
las relaciones culturales con la Unión Soviética al final de la guerra en Afganistán en 1988. Ha
actuado con las principales orquestas europeas como la Filarmónica de Berlín, Filarmónica
de Viena, Dresden Staatskapelle, London Philharmonic, London Symphony, Philharmonia
Orchestra, Royal Concertgebouw Orchestra, Accademia di Santa Cecilia, Roma y La Scala,
Milán y otras.
Después de hacer su debut en Londres con la Royal Philharmonic Orchestra en 1977, fue
nombrado principal director invitado, y luego en 1992 nombrado director titular, cargo
que ocupó hasta 1998. De 1992 a 1997 fue también el principal director invitado de la
Filarmónica de Dresden Orquesta y de 1998-2008 Principal Director Invitado de la Orquesta
Sinfónica de la Radio Nacional Danesa. Siendo asiduo visitante de los EE.UU. Fue el director
musical de la Orquesta Sinfónica de Baltimore desde 2000 hasta 2006 y principal director
invitado del Teatro Bolshoi hasta 2009. De 2010 a 2012 ocupó el puesto de Director Musical
del Teatro Regio di Parma.
Ha recibido numerosos premios y reconocimientos, entre ellos en 2002, recibió el Premio
Abbiati al Mejor Director, y en 2003 fue nombrado Director del Año en Italia. Recientemente,
10

se hizo Académico Honorario de Santa Cecilia y en 2012 fue galardonado con “ El Comandante
de la Orden de la Estrella de Italia”.
• El clamor entusiasta de la crítica y de la audiencia confirma el estatus de Javier Perianes
como uno de los artistas españoles más destacados del panorama concertístico actual.
Javier Perianes, “Premio Nacional de Música 2012”, es habitual en los festivales y salas de
conciertos más importantes de España, ha sido Artista en Residencia en el Festival de
Música y Danza de Granada 2012, así como el primer Artista en Residencia del Teatro de
la Maestranza y de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla durante la temporada 2012/13. Ha
actuado en prestigiosas series de conciertos en todo el mundo, incluyendo el Carnegie Hall
de Nueva York, Concertgebouw de Ámsterdam, Royal Festival Hall, Barbican y Wigmore Hall
de Londres, New World Center de Miami, Suntory Hall de Tokio, Teatro de los Campos Elíseos
de París Asimismo ha colaborado con prestigiosos directores como Barenboim, Frühbeck
de Burgos, Zubin Mehta, Mena, Tilson Thomas, Dausgaard, Harding, Temirkanov, Pons, López
Cobos, Maazel y Petrenko entre otros. Sus proyectos discográficos con harmonia mundi han
sido recibidos de manera entusiasta por la crítica internacional. Entre ellos se incluyen los
Impromptus y Klavierstücke de Schubert, sonatas para teclado de Manuel Blasco de Nebra,
Música Callada de Mompou, la música para piano de Manuel de Falla junto a Noches en los
Jardines de España con la BBC Symphony Orchestra y Josep Pons (nominado a los Grammy
Latinos), Moto perpetuo, un CD dedicado a sonatas de Beethoven y …les sons et les parfums,
con obras de Chopin y Debussy. Su último trabajo está dedicado a la música para piano
de Mendelssohn. Compromisos recientes y futuros incluyen actuaciones con orquestas
como la Atlanta Symphony, Filarmónica de San Petersburgo, San Francisco Symphony,
BBC Symphony Orchestra, Orquesta de París, BBC Scottish, Sao Paulo Orchestra, Orchestra
National de Lyon, City of irmingham Orchestra, BBC Philharmonic, así como recitales Madrid,
Barcelona, París, Ravinia Festival, San Petersburgo, Río de Janeiro, Marsella y Ginebra.
11

La música envolvente del Bolero de Ravel y la fuerza de Stravinsky, nuevo reto de la
Joven Orquesta de Cantabria
SÁBADO, 22 DE AGOSTO
Palacio de Festivales • Sala Argenta • 20:30 h.
JOVEN ORQUESTA DE CANTABRIA
Jaime Martín, director
Ellinor D’Melon, violín
Maurice Ravel
• Bolero
Piotr Ilich Tchailovski
• Concierto para violín y orquesta en Re Mayor Op.35
Jornada patrocinada por:
Igor Stravinsky
• La consagración de la primavera
Duración total aproximada: 1h 50’
• La Joven Orquesta de Cantabria nace en el año 2011 como un proyecto necesario y
esperado en una región que está viendo crecer la cantidad y calidad de sus jóvenes talentos
musicales, y pretende ser punto de encuentro artístico para los músicos en etapas previas a
su integración profesional, al tiempo que formativo en el terreno de la práctica sinfónica y
camerística. La orquesta realiza varios encuentros anuales que culminan con la realización
de conciertos, fundamentalmente en la región. Ha recibido desde el inicio el impulso de
la Consejería de Educación, Cultura y Deporte de la comunidad, con el apoyo de otras
entidades públicas y privadas. Fue dirigida por el maestro Emilio Otero hasta 2013, cuando
Jaime Martín asumió la dirección titular. La Orquesta se ha presentado en el seno del Festival
Internacional de Santander en 2013. En marzo de 2014, la orquesta de cámara de la JOSCAN
ha sido invitada como ensemble en residencia en Crans-Montana (Suiza).
• Jaime Martín ha sido aclamado internacionalmente como director tras una brillante
carrera como flautista. Es Director Artístico y Director Principal de la Gävle Symphony
Orchestra desde septiembre de 2013 y recientemente ha sido designado Principal Director
Invitado de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León. Es además Director Titular de la Orquesta
de Cadaqués y Director Artístico del Festival Internacional de Santander.
En su apretada agenda es invitado regularmente a dirigir una larga lista de orquestas entre
las que se destaca la London Philharmonic Orchestra, Orchestre Philharmonique de Radio
France, Orquestra Sinfónica de Barcelona, Orchestre National du Capitol de Toulouse, Royal
Liverpool Philharmonic, Swedish Radio Symphony, Symphonic Orchestra de Sao Paulo,
London Mozart Players, Irish y English Chamber Orchestras, National Orchestra Lyon,
Lausanne Chamber Orchestra, Beijing Symphony, Academy of St Martin in the Fields en
Londres, Aarhus Symphony, Ulster Orchestra y Winterthur Orchestra.
Jaime Martín debutó en el campo operístico dirigiendo La flauta mágica en El Escorial en
Madrid y en el Festival de San Sebastián en agosto de 2012. Realizó su debut con la English
National Opera en 2013 dirigiendo El barbero de Sevilla y volverá en 2014.
12

Ha realizado grabaciones de obras de Halffter y Beethoven junto a la Orquesta de Cadaqués
y, de Agustí Charles y Albéniz con la Orquestra Simfònica de Barcelona i Nacional de
Catalunya, para el sello Tritó con gran éxito de la crítica. Sus grabaciones como solista
incluyen, entre otras, Conciertos de Mozart con Sir Neville Marriner, la grabación del estreno
de la Sinfonietta Concierto para flauta y orquesta escrita para él por Xavier Montsalvatge y
dirigido por Gianandrea Noseda, obras para flauta, violín y piano de Bach con Murray Perahia
y la Academy of St. Martin in the Fields para Sony y un Cuarteto para flauta de Mozart para
el sello EMI.
Nacido en Santander, España, Jaime Martín estudió con Antonio Arias en Madrid y después
con Paul Verhey en La Haya, Holanda.
13

El Stabat mater de Rossini reúne a un gran elenco artístico, bajo la personal batuta de
Alberto Zedda
MIÉRCOLES, 26 DE AGOSTO
Palacio de Festivales • Sala Argenta • 20:30 h.
ORQUESTA DE CADAQUÉS
ORFEÓN DONOSTIARRA
Alberto Zedda, director
María José Moreno, soprano
Marianna Pizzolato, mezzosoprano
Celso Albelo, tenor
Nicola Alaimo, barítono
Gioachino Rossini
• La morte di Didone, para soprano y coro masculino
• Stabat Mater
Jornada patrocinada por:
Duración total aproximada: 1h 40’
• La Orquesta de Cadaqués se formó en 1988 a partir de un grupo de jóvenes músicos
españoles y de otros países de Europa que tenían unos objetivos claros como formación
orquestal: trabajar de cerca con los compositores contemporáneos vivos, recuperar un
legado de música española que había sido injustamente olvidada e impulsar la carrera de
solistas, compositores y directores emergentes.
De origen mediterráneo pero con una clara visión cosmopolita, la Orquesta de Cadaqués
fue reconocida rápidamente en el ámbito musical por la calidad y el compromiso de sus
músicos y el dinamismo de sus proyectos.
Directores como Sir Neville Marriner, Gennady Rozhdestvensky o Philippe Entremont
apadrinaron el proyecto y se convirtieron en principales invitados, como también lo hicieron
Alicia de Larrocha, Victoria de los Ángeles, Teresa Berganza, Paco de Lucía o Ainhoa Arteta,
entre otros.
En 1992 la orquesta impulsó uno de sus proyectos de más envergadura: el Concurso
Internacional de Dirección, un certamen bienal que (con el apoyo de otras orquestas
sinfónicas españolas) abría las puertas del mercado profesional a jóvenes directores de
todo el mundo. Pablo González, Gianandrea Noseda, Vasily Petrenko o Michal Nesterowicz
han sido algunos de los directores ganadores que hoy ocupan un puesto destacado en
orquestas de renombre.
Gianandrea Noseda, primer premio del concurso en 1994, es desde 1998 el director principal
de la Orquesta de Cadaqués, y Jaime Martín, uno de los músicos fundadores de la orquesta y
primer flauta a lo largo de veinte años, ocupa desde 2011 el cargo de director titular.
A fin de promover y difundir la música contemporánea, la Orquesta de Cadaqués creó el
Ensemble Orquesta de Cadaqués y la figura del compositor residente. En estos veinticinco
años se han estrenado obras de Xavier Montsalvatge, Jesús Rueda, Hèctor Parra, Jesús Torres,
Luis de Pablo o Joan Guinjoan, entre otros.
La Orquesta de Cadaqués cuenta con varias grabaciones de la mano de sus directores
principales, Sir Neville Marriner, Gianandrea Noseda y Jaime Martín, editadas por los
sellos discográficos Tritó y Philips, y ha creado una colección de música clásica para
14

niños: «Solfa la redonda».
Asimismo, la orquesta ha estado implicada desde sus inicios en proyectos pedagógicos con
orquestas de jóvenes, como el que actualmente lleva a cabo con la Joven Orquesta de las
Comarcas de Gerona.
La Orquesta de Cadaqués funciona como una entidad privada y cuenta con el apoyo del
Inaem-Ministerio de Cultura del Gobierno de España y del Departamento de Cultura de la
Generalitat de Catalunya en sus giras.
• El Orfeón Donostiarra está considerado como la más importante agrupación coral de
España. Su repertorio abarca un centenar de obras sinfónico-corales, más de cincuenta
títulos de ópera y zarzuela y gran número de obras de folklore y polifonía. Mantiene el
espíritu de coro amateur aunque con una dedicación de profesional capaz de ofrecer una
media de 35 a 40 conciertos por año. Su director desde 1987 es José Antonio Sainz Alfaro.
Participa con asiduidad en los festivales de música más importantes de España y también en
algunos de los más relevantes de Europa, como los de Salzburgo, Montreux, los certámenes
alemanes del Rhin y las Trienales del Rhur, el Festival de Lucerna, el de Saint-Denis de París,
el de Chorègies d’Orange o el de Radio France y Montpellier.
De entre los numerosos directores con los que ha trabajado destacan Abbado, Argenta,
Barenboim, Chailly, Frühbeck, Gergiev, Gilbert Varga, López Cobos, Maag, Makerras, Maazel,
Mandeal, Markewich, Masur, Mehta, Muti, Nézet-Séguin, Ozawa, Pletnev, Rattle, Salonen,
Sokhiev, Stokovsky, Ticciati o Víctor Pablo Pérez.
En cuanto a las orquestas con las que ha colaborado resaltan: la Berliner Philharmoniker
Orchester, la English Chamber Orchestra, la Filarmónica Checa, Filarmónica de Dresde, Royal
Liverpool Philharmonic, Rundfunk Sinfonie Orchester de Berlín, Sinfónica de Galicia, Sinfónica
de Madrid, Sinfónica de Euskadi, Russian National Orchestra o la Filarmónica de Milán.
Ha realizado más de 200 grabaciones.
• Alberto Zedda (Milán, 1928) es un destacado musicólogo y director de orquesta,
especializado en el repertorio de la música italiana del siglo XIX, con atención a músicos
como Gioachino Rossini.
Inicia sus estudios de director de orquesta junto a Antonio Votto y Carlo Maria Giulini en
Milán, y en 1956 debuta con Il Barbiere di Siviglia. Al año siguiente resulta ganador en el
Concurso Internacional de la RAI para directores de orquesta, premio que le reporta el
consiguiente reconocimiento. A partir de ese momento, compagina su labor como director
junto con la docencia y su trabajo como musicólogo, revisando y editando obras de los
más importantes músicos de la historia (Vivaldi, Handel, Donizetti, Bellini, Verdi). Su carrera
despega internacionalmente y auditorios de todo el mundo albergan actuaciones del
director milanés.
Su trayectoria se ha visto estrechamente ligada a la figura de Gioachino Rossini, compositor
del cual es considerado el mayor experto en nuestro tiempo. En el año 2000 Zeda es
nombrado Presidente Honorario de la Deutsche Rossini Gesellschaft. Actualmente es
además Director Artístico del Rossini Opera Festival y Director de la Academia Rossiniana
(Pesaro).
En 2014 recibe la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes, como reconocimiento a su
intensa y fructífera carrera en el mundo de la música.
• María José Moreno nació en Granada y desde muy joven reside en Madrid, ciudad
donde estudió en la Escuela Superior de Canto. En 1997 ganó el Concurso Francesc Viñas
de Barcelona, dentro del cual se le conceden también los premios del público y al mejor
cantante español. Debutó en la Staatsoper de Viena con Il barbiere di Siviglia y regresó con
15

Les contes d’Hoffmann. En el Teatro alla Scala de Milán debutó como Gilda en Rigoletto junto
a Leo Nucci. En 2009 cantó en el Festival Rossini de Pésaro interpretando la Condesa Adèle
del Comte Ory, con Carignani, y en 2010 Lisinga de Demetrio e Polibio, con Rovaris, ambas
grabadas en directo. Ha interpretado Nannetta de Falstaff de Verdi en Londres con Sir Colin
Davis y la London Symphony Orchestra, de la cual se realizó una grabación con el sello LSO
que fue premiada con un Grammy. Entre sus papeles principales cabe destacar el de Amina
en La sonnambula, Lucia en Lucia di Lammermoor, Elvira en I puritani, Marie en La fille du
régiment, Donna Anna en Don Giovanni, Fiorilla en Il turco in Italia, Amenaide en Tancredi,
Rosina en Il barbiere di Siviglia, la Reina de la Noche en Die Zauberflöte, Ilia en Idomeneo y
Susanna en Le nozze di Figaro, entre otros. Entre sus recientes proyectos cabe destacar Lucio
Silla y Cendrillon en el Gran Teatro del Liceo, Pagliacci en el Teatro de la Zarzuela de Madrid
y Festival de Granada, Petite messe en la Coruña, Don Giovanni en Oviedo y Pamplona,
Los diamantes de la Corona en el teatro de la Zarzuela de Madrid y Oviedo. Próximamente
interpretara La Reina de la Noche, en la Coruña, Lucia di Lammermoor en el Gran Teatro del
Liceo, Alcina en el Teatro Real de Madrid.
• Marianna Pizzolato se gradúo en Conservatorio Bellini de Palermo. Asistió a clases de
lieder en Nuremberg con Rosemarie Cabaud y Werner Dormann. A lo largo de su carrera ha
colaborado con Raul Gimenez con quien ha estudiado las principales obras de Rossini. En la
actualidad continua sus estudios con Claudio Carbi.
Su debut operístico tuvo lugar en 2002 cantando Tancredi de Rossini. Interpreta de forma
habitual repertorio barroco.
Grandes hitos en su carrera son sus colaboraciones en La Clemenza di Tito en Barcelona,
Mitridate Re di Ponto en la Welsh National Opera, Cosí fan tutte en el Teatro San Carlo de
Nápoles, Il Barbiere di Siviglia en Bologna y Palermo, Stabat Mater de Pergolessi en Baden
Baden, La Donna del Lago y L’italiana in Algeri en Widbad con Alberto Zedda, Tancredi en
Roma, Lucrezia Borgia en Las Palmas, Liege y Ancona.
Sus futuros compromisos incluyen Nabucco en el Liceu de Barcelona, La Mort de Cléopatre
en Bari, L’Italiana in Algeri en el Capitole de Toulouse, Tancredi en Santiago de Chile, Zelmira
en la Ópera de Lyon, el Requiem de Verdi en Leipzig, asi como el debut en la Metropolitan
Opera en New York.
• Nacido en Santa Cruz de Tenerife, Celso Albelo, se formó en el Conservatorio Superior de
Música de su ciudad con Isabel García Soto y en la Escuela Superior de Canto Reina Sofía de
Madrid con Tom Krause y Manuel Cid, perfeccionándose más tarde con Carlo Bergonzi en la
Academia de Busseto.
En 2006 salta a la primera línea de la escena operística internacional tras su exitoso Duque de
Mantua de Rigoletto en Busseto, junto a Leo Nucci. A partir de entonces es invitado por La Scala
de Milán (Pagliacci, Don Pasquale), la Royal Opera House de Londres (La Sonnambula), la Opéra
National de Paris (La fille du régiment), Théâtre des Champs-Élysées (Guillaume Tell), la Wiener
Staatsoper (L’elisir d’amore; La Sonnambula, Roberto Devereux), la Deutsche Oper de Berlin (Lucia
di Lammermoor), el Maggio Musicale Fiorentino (Roberto Devereux), San Carlo de Nápoles
(Rigoletto), La Fenice de Venecia (L’elisir d’amore, Rigoletto), el Rossini Opera Festival de Pésaro
(Stabat Mater, Guillaume Tell), la Academia de Santa Cecilia en Roma (Guillaume Tell, grabado en
directo para la EMI), el Teatro Verdi de Trieste (Don Pasquale, Les pêcheurs de perles, Maria Stuarda,
Anna Bolena), el Carlo Felice de Génova (Don Pasquale), o el Comunale de Bolonia (I Puritani).
Su presencia es habitual en numerosos recitales y conciertos líricos en las más prestigiosas
salas de España, Japón, Estados Unidos, Bélgica, Italia, Holanda e Inglaterra.
Ha colaborado con directores como Antonio Pappano, Zubin Mehta, Daniel Harding, Daniel
Oren, Alberto Zedda, Nello Santi, Rafael Frühbeck de Burgos, Carlo Rizzi, Donato Renzetti,
16

Giuliano Carella, Fabrizio Carminati, Frédéric Chaslin, Antonio Fogliani o Marcelo Panni.
Ha sido galardonado con, entre otros, los Premios Ópera Actual 2008, el Oscar de la Lírica
de la Fundación Verona per l’Arena (2010-2012) y el Premio Lírico Teatro Campoamor.
Recientemente ha recibido la Medalla de Oro de Canarias 2013, el Premio Giuseppe Lugo
2013 y el Premio Codalario 2014.
• Nicola Alaimo estudió en Palermo, su ciudad natal. Ganó el Concurso G. di Stefano
en Trapani. Asistió a la Accademia Rossiniana en Pesaro. Hizo su debut en 1997 con La
Cenerentola. Ha actuado varias veces en el Wexford Festival Opera. Se especializó bajo la
supervision de Simone Alaimo y Vittoria Mazzoni.
En 2003 hizo su debut en el escenario del Festival de Ravenna con Il Trovatore. Colabora
habitualmente con Riccardo Muti en óperas como Il Matrimonio Inaspettato, Otello, Moises
et Pharaon y Don Pasquale. En 2010 participó en el Rossini Opera Festival al que volvió para
interpretar Il Barbiere di Siviglia, Matilde di Shabran y Guillaume Tell.
Futuros compromisos de Alaimo incluyen Guillaume Tell en Monte Carlo y Paris, Falstaff
en Marsella y el Teatro alla Scala de Milan, La Gazzetta en el Rossini Opera Festival, Simon
Boccanegra en el Liceu de Barcelona, Don Quichotte en el Lyric Opera de Chicago, Il Barbiere
di Siviglia en Paris, Il trovatore en Monte Carlo y La Traviata en Londres.
17

Un programa innovador de la mano de una orquesta que reúne a jóvenes de diversos
países de Europa Oriental, junto a al extraordinario talento de Lisa Batiashvilli, figura
del violín ganadora de prestigiosos premios
VIERNES, 28 DE AGOSTO
Palacio de Festivales • Sala Argenta • 20:30 h.
I, CULTURE ORCHESTRA
Kirill Karabits, director
Lisa Batiashvili, violin
Alexander Mosolov
• Factory: machine-music (Iron Foundry) Op. 19
Serguei Prokofiev
• Concierto para violín y orquesta N. 1 Op. 19
Sulkhan Tsintsadze
• Miniatures
Leoš Janáček
• Taras Bulba, rapsodia para orquesta
Duración total aproximada: 1h 30’
• Fundada por el Instituto Adam Mickiewicz en 2011, I, Culture Ochestra (ICO) lo forman
jóvenes músicos destacados de Polonia y países adyacentes, Armenia, Azerbaijan, Bielorrusia,
Georgia, Moldavia y Ucrania.
La misión de la orquesta es favorecer el cambio social y cultural en el desarrollo de los
países del este de Europa a través de actividades de la más alta calidad artística. Cada año
se seleccionan los integrantes de entre cientos de candidatos. Es una iniciativa con un
enorme potencial, un laboratorio de educación cívica, cooperación y comprensión con
trascendencia.
La clave del éxito de la orquesta está en sus principios de solidaridad, integración y amistad.
Como proyecto educativo permite a jóvenes talentos cambiar sus perspectivas respecto
al mundo artístico y afilar sus herramientas bajo la supervisión de eminentes músicos de
algunas de las mejores orquestas del mundo. El buque insignia del programa de cultura
extranjera de 2011 de la presidencia polaca en la Union Europea, la orquesta debutó con
una gira europea en Londres, Berlin, Bruselas, Berlin y Madrid dirigida por sir Neville Marriner
y Pawel Kotla.
La orquesta está patrocinada por LOTOS.
• En su sexta temporada como director principal de la Bournemouth Symphony Orchestra,
Kirill Karabits fue nominado como mejor director del año 2013 por la Royal Philharmonic
Society Music Awards, el más alto reconocimiento para la música clásica en vivo en Reino
Unido.
Sus próximos compromisos incluyen conciertos con Cleveland Orchestra, Philadelphia
Orchestra, Royal Philharmonic Orchestra, Orchestra Sinfonica, Nazionale della Rai, Orchestre
Philharmonique de Strasbourg, Orchestre National de France, Orchestre National de
18

Belgique, Malaysian Philharmonic Orchestra, Oslo Philharmonic Orchestra, Residentie
Orkest y BBC Symphony Orchestra.
Ha dirigido en el Glyndebourne Festival Opera, English National Opera y el Bolshoi Theatre.
Para celebrar el aniversario de Richard Wagner ha dirigido Der fliegende Holländer en
Wagner Geneva Festival. Proximamente debutará en la Deutsche Oper y la Oper Stuttgart.
Trabajar con jóvenes músicos tiene vital importancia para Karabits. Ha trabajado con I
Culture Ochestra desde 2013 en todas sus giras por Europa que han incluido conciertos en
el Baltic Sea Festival, Festival de la Roque d’Anthéron, y el Edinburgh International Festival.
• Lisa Batiashvili, instrumentista del año 2015 por Musical America, es en la presente
temporada artista en residencia de la New York Philharmonic y la NDR Sinfonieorchester
Hamburg. Sus próximos compromisos incluyen conciertos con la Orquesta Filarmónica
della Scala, Staatskapelle Berlin, Orchestra dell’Accademia Nazionales di Santa Cecilia, así
como una gira con la Philadelphia Orchestra bajo la dirección de Yannick Nézet-Seguin. En
diciembre, junto a su marido François Leleux realizarán el estreno del concierto para violín
y oboe de Thierry Escaich con la NDR Sinfoniorchester. En esta temporada ofrecerá recitales
con Paul Lewis en New York, Boston, Philadelphia y Toronto.
La violinista georgiana toca habitualmente con Berliner Philarmoniker, Staatskapelle
Dresden, Staatskapelle Berlin, Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Royal
Concertgebouw Orchestra, Chamber Orchestra of Europe.
Graba exclusivamente con Deutsche Grammophon.
19

Bajo la batuta de su titular, el joven y gran maestro ruso Vasily Petrenko, la Orquesta
Filarmónica de Olso homenajea a Tchaikovsky y Brahms, junto con la virtuosa violinista
Vilde Frang
SÁBADO, 29 DE AGOSTO
Palacio de Festivales • Sala Argenta • 20:30 h.
ORQUESTA FILARMÓNICA DE OSLO
Vasily Petrenko, director
Vilde Frang, violín
Johannes Brahms
• Concierto para violín y orquesta en Re Mayor Op. 77
Piotr Ilich Tchaikovski
• Sinfonía N. 4 Op. 36
Duración total aproximada: 1h 40’
• La Orquesta Filarmónica de Oslo comienza su historia con Edvard Grieg y Johan Svendsen
y se estableció con su nombre actual en 1919. En su sala de conciertos, Oslo Concert Hall,
ofrece entre 60 y 70 conciertos al año, muchos de ellos rentransmitidos por la Norwegian
National Radio. La orquesta ofrece tanto conciertos sinfónicos al uso como conciertos
didácticos y al aire libre.
Con Mariss Jansons, director musical de 1979 a 2002 la orquesta adquirió fama internacional.
Las giras desde 1982 incluyen actuaciones en festivales como BBC Proms, Edimburgo,
Lucerna y Salzburgo, incluyendo una residencia art´sitica en el Musikverein de Viena, en
América y Asia. En 2002 André Previn sustituyó a Mariss Jansons, y en 2006 la orquesta firmó
con Jukka-Pekka Saraste un contrato para cinco años que se amplió hasta 2013.
En febrero de 2011, Vasily Petrenko comenzó como principal director invitado.
La orquesta ha logrado un reconocimiento internacional con sus grabaciones como con la
del ciclo completo de Tchaikovsky. En 1986 firmaron el contrato más extenso de la historia
de una orquesta con EMI.
• Nacida en Oslo en 1986, Vilde Frang, estudia en el Instituto Due Music de Barratt en Oslo
y con Kolja Blacher en la Escuela Superior de Música de Hamburgo.
Galardonada en 2012 por unanimidad con el prestigioso Premio Credit Suisse Young Artist
Award, hizo su debut con la Orquesta Filarmónica de Viena bajo la batuta de Bernard Haitink
en el Festival de música de Lucerna.
Su expresividad musical y su virtuosísimo la convierten en una de las jóvenes líderes de
su generación desde que a la edad de 12 años debutara con Mariss Jansons y la Orquesta
Filarmónica de Oslo.
De sus compromisos recientes y futuros destacan conciertos con la Mahler Chamber
Orchestra, Academy of St. Martin in the Fields, Philharmonia Orchestra, Symphonieorchester
des Bayerischen Rundfunks, Deutsches Symphonie-Orchester Berlin, Gewandhausorchester
Leipzig, Wiener Symphoniker, Tonhalle-Orchester Zurich, St.Petersburg Philharmonic,
Orchestre de Paris, Orchestre Philharmonique de Radio France, Sydney Symphony y NHK
Symphony en Tokyo, con directores como Ivan Fischer, Paavo Järvi, Neeme Järvi, Vasily
Jornada patrocinada por:
20

Petrenko, Krzysztof Urbanski, Vladimir Ashkenazy, Daniel Harding, Mariss Jansons, David
Zinman, Esa-Pekka Salonen y Yuri Temirkanov.
Ha participado en festivales como los Proms de Londres, Salzburg, Lockenhaus, Kaposvar,
Rheingau, Mecklenburg-Vorpommern, Gstaad, Verbier y Lucerne. Colaborando con Gidon
Kremer, Yuri Bashmet, Martha Argerich, Janine Jansen, Leif Ove Andsnes, Truls Mørk y Maxim
Vengerov, y junto a Anne-Sophie Mutter ha estado de gira por Europa y Estados Unidos,
tocando el concierto para dos violines de Bach junto a la Camerata Salzburg.
• Vasily Petrenko nació en 1976 comenzando su carrera musical en la St Petersburg Capella
Boys Music School la academia de música más Antigua de Rusia. Ha participado en clases
magistrales con Ilya Musin, Mariss Jansons, Yuri Temirkanov y Esa-Pekka Salonen. Es la
segunda persona en recibir el doctorado honorario en la University of Liverpool y Liverpool
Hope University, y un reconocimiento al compañerismo en la Liverpool John Moores
University, ganado con el reconocimiento del impacto que tuvo en la Royal Liverpool
Philharmonic y el panorama cultural de la ciudad.
En febrero de 2011, un poco después de su primer concierto con la orquesta, Vasily Petrenko
fue nombrado director titular de la Orquesta Filarmónica de Oslo durante la temporada
2013-2014. Durante el periodo 2011-2013 dirigió conciertos con las orquestas de Oslo,
Berlin, Viena, Bratislava y Paris.
Su primera gira con la OPO como director titular de la misma le llevaría a dos conciertos en
los BBC Proms y otro en Dublín en agosto de 2013. En marzo de 2014 fueron invitados a
diez conciertos en el Toshiba Grand Concert Series en Japón. Vasily Petrenko mantiene su
condición de director titular de la Royal Liverpool Philharmonic Orchestra, principal director
invitado del Teatro Mikhailovsky, donde comenzó su carrera en 1994. Desde 2008 hasta 2013
fue director titular de National Youth Orchestra de Gran Bretaña. Como director invitado,
Vasily Petrenko es requerido por las orquestas más importantes de Europa, Estados Unidos
y Japón.
La temporada acutal incluye conciertos conorquestas europeas como Danish national
Symphony, Orchestre Philharmonique de Radio France, Wiener Symphoniker, Netherland’s
Radio Philharmonic, London Philharmonic y Philharmonia, Israel Philharmonic y en el US
Chicago, San Francisco Symphony y Los Angeles Philharmonic. En el verano de 2015 dirigirá
las orquestas de Australia y New Zelanda.
21

Los seis finalistas del prestigioso Concurso mostrarán su talento en dos grandes
conciertos sinfónicos junto la Orquesta Sinfónica de Radio Televisión Española, dirigida
por el Maestro Pablo González
LUNES, 3 DE AGOSTO
Palacio de Festivales • Sala Argenta • 19h.
FINAL DEL XVIII CONCURSO INTERNACIONAL
DE PIANO DE SANTANDER PALOMA O’SHEA
Pablo González, director
Orquesta Sinfónica de RTVE
MARTES, 4 DE AGOSTO
Palacio de Festivales • Sala Argenta • 19h.
FINAL DEL XVIII CONCURSO INTERNACIONAL
DE PIANO DE SANTANDER PALOMA O’SHEA
Pablo González, director
Orquesta Sinfónica de RTVE
Duración total aproximada: 2h 45’
• El Concurso Internacional de Piano de Santander Paloma OShea, creado en 1972, celebra
este verano su XVIII edición. Desde el 25 de julio y hasta el 1 de agosto veinte jóvenes
pianistas se presentarán en recital y en formación de cámara junto con el Cuarteto Casals. La
prueba final, que se encuadra en el programa del Festival Internacional de Santander, tendrá
como invitada a la Orquesta Sinfónica de Radio Televisión Española dirigida por el Maestro
Pablo González y consistirá en dos grandes conciertos sinfónicos que tendrán lugar los días
3 y 4 de agosto en la Sala Argenta. Los ganadores se conocerán el día 5 de agosto durante la
Gala de Clausura y Ceremonia de Entrega de Premios, en la misma sala.
23

Lucía Lacarra rinde homenaje a la pasión y la sensibilidad de Víctor Ullate con un espectáculo
que reúne a discípulos del prestigioso bailarín y coreógrafo que triunfan en
compañías internacionales
SÁBADO, 8 DE AGOSTO
Palacio de Festivales • Sala Argenta • 20:30 h.
DANZA EN CUERPO Y ALMA
HOMENAJE A VÍCTOR ULLATE
LUCÍA LACARRA, dirección
Lucía Lacarra (Bayerisches Staatsballett)
Marlon Dino (Bayerisches Staatsballett)
Erik Murzagaliyev (Bayerisches Staatsballett)
Joaquín de Luz (New York City Ballet)
Sarah Lane (American Ballet Theatre)
Carlos Pinillos (Companhia Nacional de Bailado)
Filipa de Castro (Companhia Nacional de Bailado)
Petr Chukhov, piano
Duración total aproximada: 2h
Jornada patrocinada por:
• Three Preludes
Lucía Lacarra y Marlon Dino, bailarines
Petr Chukhov, piano
Ben Stevenson, coreografía
Sergei Rachmaninov, música
Chenault Spence, diseño de luces
Estrenado en Nueva York en 1969 por Harkness Youth Company Obra premiada internacionalmente
desde su creación por Ben Stevenson en 1969, Tres Preludios está montado sobre
una selección de los Preludios de Serguéi Rajmáninov. El sutil y romántico paso a dos se centra
en los personajes de dos bailarines que se enamoran mientras trabajan en un estudio de
danza. Los tres movimientos despliegan gran velocidad e intensidad en paralelo a la pasión
que crece entre los bailarines.
• Fratres
Carlos Pinillos y Filipa de Castro, bailarines
Víctor Ullate, coreografía
Arvo Pärt, música
• Other Dances
Joaquín de Luz y Sarah Lane, bailarines
Petr Chukhov, piano
Jerome Robbins, coreografía
Frederic Chopin, música
Jennifer Tipton, diseño de luces
Estrenado en Nueva York en 1976 en el Metropolitan Opera House
El título de esta serie de danzas está relacionado a la obra Dances at the Gathering, de Jerome
Robbins. Había tanta música de Chopin sobre la que el Sr. Robbins deseaba coreografiar y no
25

pudo, que utilizó esta oportunidad para crear para Natalia Makarova y Mikhail Barishnikov
estas “Otras Danzas” (Other Dances).
• Sola
Lucía Lacarra y Marlon Dino, bailarines
Víctor Ullate, coreografía
Arvo Pärt, música
• Movimiento lento para cuarteto de cuerdas
Carlos Pinillos y Filipa de Castro, bailarines
Vasco Wellenkamp, coreografía
Anton Webern, música
Vasco Wellenkamp y Cristina Piedade, diseño de luces
Estrenado en Lisboa en 2008 por la Companhia Nacional do Bailhado
“El registro lírico de Langsamer Satz für Streichquartett (Movimiento Lento para Cuarteto de
Cuerdas) de Anton Webern y las emociones que nos ha transmitido, a mí y a los bailarines, es lo
que nos ha conducido durante todo el proceso creativo. Vivir físicamente la música puede ser la
más sublime de las emociones. Y eso es lo que tratamos de encontrar moviéndonos dentro del
canto y las imágenes que la danza nos iba ofreciendo a su vez.” – Vasco Wellenkamp
• De Triana a Sevilla
Joaquín de Luz y Sarah Lane, bailarines
Víctor Ullate, coreografía
Manolo Sanlucar, música
• Broken fall
Lucía Lacarra, Marlon Dino y Erik Murzagaliyev, bailarines
Russell Maliphant, coreografía
Barry Adamson, música
Michael Hulls, diseño de luces
Estrenado en Londres en 2003 en el Royal Opera House – Covent Garden
Broken Fall es una pieza de gran intensidad e ambiente íntimo. Creada para Sylvie Gulliem y
BalletBoyz, recibió el premio “Oliver Award” a la mejor producción de danza de 2003.
• Danza en cuerpo y alma, es un espectáculo con un significado especial, tanto artístico
como emocional, en el que un pequeño grupo de grandes bailarines se reúnen después de
muchos años en un mismo escenario, para celebrar su recorrido profesional y agradecer y
honorar a la persona que inició ese recorrido.
Yo, Lucia Lacarra, junto con Joaquín de Luz y Carlos Pinillos, iniciamos nuestras carreras en
la Compañía de Victor Ullate, y de allí nos proyectamos de forma internacional, cosechando
éxitos por todo el mundo. Pero nunca hemos olvidado a ese gran maestro que nos dio nuestra
base, y que nos inculcó la pasión, técnica y disciplina con la que hemos sido identificados
todos estos años.
Y esta es nuestra ocasión de dedicarle este espectáculo en su honor. Como agradecimiento
por su trabajo, dedicación y cariño.
En este espectáculo cada uno de nosotros, acompañados de nuestros parteneres actuales
(Marlon Dino, Ashley Bouder, Filipa de Castro y Erik Murzagaliev) mostraremos dos facetas;
Una dedicada a Victor Ullate, en la que cada uno de nosotros bailará una coreografía suya. Y
la otra, nuestra faceta contemporánea, en la que bailaremos coreografñías que representamos
en la actualidad en nuestras compañías.
26

En este espectáculo no hay pasos a dos cortos sacados de un Ballet. Son piezas cortas e independientes,
con una atmosfera, historia, y estilos únicos constituyendo un espectáculo en el
que pondremos nuestros cuerpos y almas en el escenario.
• Lucía Lacarra, directora artística y bailarina principal del Bayerisches Staatsballett, nacio
en Zumaia, Gipuzkoa. Supo desde su más tierna infancia que llegaría a ser bailarina. Cada
vez que veía fotografías de la escuela de ballet de Monte Carlo, patrocinada por Grace Kelly,
lloraba porque ella todavía no tenía la oportunidad de bailar. Cuando en su pequeño
pueblo vasco se abrió un estudio, pudo comenzar con las lecciones. Tenía diez años en ese
momento. Pronto fue enviada a una escuela de verano, dirigida por Rosella Hightower y,
posteriormente, a San Sebastián junto a Mentxu Medel, quien trabajó con Lucía durante
tres años de una manera totalmente desinteresada. Ya en su segundo año le ofrecieron un
contrato para el Ballet de Víctor Ullate. Tenía quince años cuando bailó Allegro Brillante de
Balanchine. En el curso de cuatro temporadas continuó con Concerto Barocco, Las Sylphides
de Fokine, cuatro obras de Hans van Manen, Before Nightfall de Nils Christe, así como cuatro
obras de su mentor, Ullate, quien le dio la necesaria confianza en sí misma.
En 1994 se unió a los Ballets de Roland Petit de Marsella, como bailarina principal. Petit le
confió el papel de Esmeralda, con Patrick Dupont como su partenaire, en Notre Dame de
París, en sustitución de Dominique Khalfouni. Durante tres años bailó los papeles principales
en siete ballets de Roland Petit, cuatro de los cuales se crearon para ella, el más notable fue
el de Angélique en Le Guépard y, como partenaire de Nicolas Le Riche, en el famoso Le Jeune
Homme et la Mort.
En su búsqueda del clasicismo, en 1997 decidió unirse al Ballet de San Francisco. Bajo la
dirección de Helgi Tomasson, bailó Giselle, El Lago de los Cisnes y La Bella Durmiente por primera
vez. The Cage, In the Night y Dances at a Gathering de Jerome Robbins, llegaron a ser
parte de su repertorio, así como seis ballets de Balanchine, desde Serenade a Jewels, y Grand
Pas Classique de Victor Gsovsky, tres ballets de Helgi Tomasson, The Invitation de MacMillan,
Black Cake de van Manen, Without Words de Nacho Duato, L’Arlésienne de Roland Petit y Desdémona
en el Otelo contemporáneo de Lar Lubovitch.
Lucía Lacarra se unió al Bayerisches Staatsballett en la temporada 2002/2003 con el fin de
trabajar con los coreógrafos líderes en Europa. En el transcurso de los primeros tres meses
en Múnich bailó Raymonda, Tatiana y Odette / Odile, así como el tercer paso a dos de In the
Night. También bailó en Portrait John Neumeier, en Jupiter Symphony, y en The Blue Garden.
En el otoño de 2003, interpretó a Louise en El Cascanueces de John Neumeier, así como Titania
/ Hipólita en su Sueño de una Noche de Verano, y el papel protagonista en la nueva
producción de Ivan Liska La Bella Durmiente.
En los últimos años ha debutado papeles como: Marguerite en La Dama de las Camelias
(J. Neumeier), Julieta en Romeo y Julieta (J. Cranko), Cinco Tangos (H. van Manen), Sophie
en The Silver Rose (G. Murphy), Medora en El Corsario (M. Petipa, I. Liska), Ariel en Der Sturm
(J. Mannes), Violakonzert/II (M. Schlä pfer), Zobeida en Scheherezade (M. Fokine) y Dulcinea
en Don Quijote (M. Petipa, nueva coreografía de R. Barra, A. Gorski, Tradicional), entre otros
muchos títulos.
Lucía Lacarra fue galardonada con el Premio Nijinsky en Monte Carlo, en diciembre de 2002,
seguido del Premio Benois que ganó en Moscú en abril de 2003. Fue nominada en 2004 y
2005 para el Theaterpreis Merkur en Múnich. En noviembre de 2005 fue galardonada con el
Premio Nacional de Danza Español, uno de los premios más altos que concede el gobierno
español. En 2007 fue nombrada ciudadana honoraria y embajadora cultural de Zumaia. En
2008, le fue otorgado el título honorífico de “kammertanzerin” por el Ministerio bávaro de
Cultura. En 2010 , 2011 y 2013 recibió el Premio “Dance Open” en St. Petersburgo así como el
“Premio a la bailarina de la década”, en Moscú en el 2010.
27

Lucía Lacarra está casada con Marlon Dino, con el que forma también pareja artística.
• Marlon Dino, bailarín principal del Bayerisches Staatsballet, nació en Albania y se formó
en la Escuela de Ballet y Coreografía en Tirana. En 1998 continuó estudios en el Centro de
Danza de Ginebra, bajo la dirección de David Allen. Posteriormente, en 2001, comenzó a
bailar para el Ballet de la Ópera de Viena.
Se convirtió en miembro del cuerpo de baile del Bayerisches Staatsballett en 2002, donde
bailó una pieza en solitario en Six Dances de Jirí Kylián. Creó dos coreografías dentro del
Programa de Jóvenes Coreógrafos del propio ballet: un paso a dos para Cheryl Wimperis y él
mismo, en el año 2003; y Nimm’s wie du willst en 2004. Se convirtió en solista en el otoño de
2005. Durante la temporada 2009/2010 se convirtió en bailarín principal.
Entre su repertorio clásico y contemporáneo destaca Brahms- Scho”nberg-Quartett, 4º mov.
de George Balanchine, el Conde Paris y Tybalt en Romeo y Julieta (J. Cranko), Agon (Balanchine),
Gastón en la Dama de las Camelias (J. Neumeier), Cinco Tangos (Hans van Manen),
Rotbart en El Lago de los Cisnes (R. Barra), Alí y Birbanto en El Corsario (M. Petipa, I. Liska),
Hombre en Song of the Earth (K. MacMillan), Romeo en Romeo y Julieta (J. Cranko), Siegfried
en Once Upon An Ever After (T. Kohler), Jean de Brienne en Raymonda (M. Petipa), Príncipe
Desiré en La Bella Durmiente (M. Petipa, I. Liska), Gunther en El Cascanueces (J. Neumeier),
Broken Fall (Russell Maliphant), Two Times Two (Russel Maliphant), Sonatas (José Carlos Martínez),
Tres preludios (Ben Stevenson) y Theseus/Oberon en Sueño de una noche de verano (J.
Neumeier), entre muchos otros títulos.
Como estrella invitada participa en las siguientes producciones: Príncipe Sigfried de El Lago
de los Cisnes, Ballet de la Ópera de Bratislava en 2005; Pas de deux Legend de J. Cranko en
2008 para la Gala Nijinsky de Hamburgo; gira del Asami Maki Ballet de Tokio, con la producción
Duke Ellington Ballet de Roland Petit en 2008; en el año 2010 participa en numerosas
galas en Europa; en 2011 baila con el Ballet de Hamburgo, el rol del Rey Ludwig en Illusions
of Swan Lake; y en 2012, en la Ópera de Tirana, asume el rol de Albrecht en Giselle.
Marlon Dino ha recibido los premios “Rosenstrauss des Jahres”, al mejor artista del año, por el
éxito obtenido con su debut en el rol de Onegin en 2007; en el 2008 es nominado en Múnich
para el “Premio Merkur” al mejor artista del año; y es nombrado como el “Mejor Bailarín del
2008” por la revista Dance for you Magazine.
• Erik Murzagaliyev, bailarín solista del Bayerisches Staatsballet, nació en Almaty, Kazakstán.
Comenzó sus estudios de danza en la Escuela Nacional de Danza de Almaty. Comenzó
su carrera profesional como bailarín aprendiz del Teatro Nacional de Opera y Ballet de Kazakstán
durante la temporada 2007/2008. Durante la temporada 2009/2010 fue miembro de
la Cinevox Junior Company.
En la temporada 2010/2011 ingresó como aprendiz en el Bayerisches Staatsballett de Munich.
Empezó a bailar en el Cuerpo de Baile al inicio de la temporada 2011/2012, y como
Solista en la temporada 2014/2015.
Erik ha estrenado los roles de Solista en Broken Fall (R. Maliphant), BIPED (M. Cunningham),
Paris en Romeo y Julieta (J. Cranko), Spiral Pass (R. Maliphant), Demetrius en Sueño de una
noche de Verano (J. Neumeier) y Lucien en Paquita (M. Petipa / A. Ratmansky).
• Carlos Pinillos, bailarín principal de la Companhia Nacional de Bailado, nace en Madrid.
Con cinco años inicia su formación dancística y dos años más tarde consigue una beca e
ingresa en la escuela del maestro Víctor Ullate. Alain Baldini y Attilio Labis, ex bailarines de la
Opera de París, José Parés, Menia Martínez y Aurora Bosch del Ballet Nacional de Cuba, han
sido maestros que han marcado su formación.
Debuta como bailarín profesional en el Ballet de Víctor Ullate en 1995. En 1998 recibe el
28

primer premio del Concurso Internacional de Danza de Viena y en 2000 se convierte en bailarín
principal.
En ese mismo año participa con el Ballet Arena de Verona en la obra Giselle justo antes de
ser invitado por Mark Jonkers, en 2001, para integrar el elenco de la Companhia Nacional
de Bailado (Ballet Nacional de Portugal), donde aún hoy permanece en calidad de bailarín
principal bajo la dirección de Luisa Taveira.
Además de Giselle su repertorio abarca grandes clásicos como Coppelia de John Auld, El Lago
de los Cisnes (uno de los más interpretados por Carlos a lo largo de su carrera) o La Dama
de las Camelias de Mehmet Balkan. De Ullate, sobre la versión de Petipa, interpretó el gran
clásico Don Quijote, donde el coreógrafo arriesga creando para él un roll habitualmente representado
por una mujer, Cupido, convirtiéndose así en el primer varón que lo interpretaba
en más de un siglo de existencia de la obra y que supuso uno de los secretos del éxito de
esta particular versión. En 2003 Olga Roriz crea con él el papel de Pedro joven en su mítica
pieza Pedro e Inês.
En 2005 la asociación amigos de la Companhia Nacional de Bailado le otorga el galardón “un
momento de excelencia” por su representación del ballet Cinco Tangos de Hans van Manen,
coreógrafo del cual Carlos ya interpretó múltiples ballets como In the future, In and out, Gro§e
Függe, Hammerklavier, Solo y Kammerballet.
En 2006 es convidado por Ángel Corella para participar en los espectáculos Angel Corella and
Stars of the American Ballet Theatre, donde interpreta Apollo de George Balanchine. De este
coreógrafo también represento las obras Allegro Brillante, Theme and Variations y Who cares.
En ese mismo año Carlos obtiene una mención de la crítica internacional por su interpretación
de Puck en Sueño de una Noche de Verano de Heinz Spöerli, cuando se le compara en el
mismo roll con otros dos bailarines de Royal Ballet of London y Boston Ballet. 2006 fue también
el año en que la revista internacional de danza Dance Europe destacó a Carlos como
uno de los diez bailarines del momento.
También bailó obras de otros coreógrafos como Micha van Hoeke, Niels Christie, Uwe Scholz,
Robert North, Kevin O’Day, Mauro Bigonzetti, Jiri Kylian o Nacho Duato y sus partenaires incluyen
nombres de la talla de Tamara Rojo, Daria Klimentová, Alina Cojocaru o Ana Lacerda.
Actualmente, junto a Filipa de Castro, representa a la CNB en los más prestigiosos eventos
internacionales de danza entre los que ya se encuentran International Ballet Festival of Miami
(donde le es encomendada la creación de su primera coreografía Vent), Gala des Étoiles
de Montreal, Youth American Grand Prix Mexico Tour, International Ballet Festival Riga, International
Ballet Gala Tokyo/Takamatsu, Festival Internacional de Música de Maputo, International
Ballet Gala Karlsruhe, junto a Itziar Mendizábal del Royal Ballet, Gala des Étoiles de
Luxemburgo, junto a Irena Veterova o Eleonora Abagnatto and Friends in Cattolica junto a
Barbora Hruskova.
En 2008 y 2009 fue artista invitado de la Opera Estatal de Praga para interpretar El Lago de
los Cisnes junto a Ana Lacerda y Daria Klimentová respectivamente. En 2010 Carmina Burana
con La Opera de Limoges y en 2012 Don Quijote con el Ballet Estatal de Estambul.
En 2012, la revista internacional Dance Europe vuelve a destacar la interpretación de Carlos
en Romeo y Julieta de John Cranko.
Anne Kisselgoff, crítica de The New York Times, define a Carlos como una mezcla interesante
de pura técnica e intenso contacto con el público.
• Filipa de Castro, bailarina principal de la Companhia Nacional de Bailado, nace en Lisboa
en 1978 y realiza sus estudios de danza en la Escuela de Danza del Conservatorio Nacional,
hasta que en 1996 pasa a formar parte del elenco de la Companhia Nacional de Bailado, entonces
dirigida por Jorge Salavisa, que en aquel momento apostó en el talento de jóvenes
bailarines.
29

Muy pronto empieza a bailar roles de gran responsabilidad, en coreografías como In The
Middle Somewhat Elevated de William Forsythe, aunque uno de los momentos más importantes
de su carrera está marcado por el trabajo con la coreógrafa belga Anne Teresa de
Keersmaker. The Lisbon Piece representa el descubrimiento de su talento en el lenguaje de la
danza contemporánea. Serenade, Apollo, Agon y Who Cares? de Balanchine fueron también
determinantes en su transcurso.
Es la ambición de seguir aprendiendo que hace que tome la decisión de buscar fuera de
Portugal nuevas fuentes de conocimiento. En agosto de 2001 ingresa en el Ballet Real de
Amberes, bajo la dirección de Robert Denvers. Eight Seasons de Maurício Wainrot, Symposium
de Christopher D’Amboise o Like You, del talentoso Nicolo Fonte hacen parte de su
experiencia en esta compañía.
En 2003 Filipa decide regresar a la Companhia Nacional de Bailado, en aquel momento dirigido
por Mehmet Balkan. Obras de Nijinsky, Cranko, Van Manen, Jirí Kilian, Mauro Bigonzetti
o Nacho Duato se añaden a su currículo. De su repertorio se destacan las interpretaciones en
El Lago de los Cisnes (Odette/Odile), Giselle (Giselle), Don Quijote (Kitri), Coppélia (Swanilda),
La Cenicienta (Cenicienta y Hermanastras), El Cascanueces (Clara y Hada del Azúcar), Romeo
y Julieta (Julieta), La Bella Durmiente (Aurora), Paquita, Sueño de una Noche de Verano, Diana
y Acteón, Orfeo y Eurídice de Olga Roriz y Noche Transfigurada y Mozart Concert Arias de Anne
Teresa de Keersmaeker.
Actualmente, junto a Carlos Pinillos, representa a la Companhia Nacional de Bailado en los
más prestigiosos eventos internacionales de danza entre los que ya se encuentran International
Ballet Festival of Miami, Gala des Étoiles de Montreal, International Ballet Festival Riga,
Festival Internacional de Música de Maputo, Gala des Étoiles de Luxemburgo, Lappeenranta
Ballet Gala y Stars of the 21st Century.
En 2010, fue artista invitada para interpretar El Cascanueces con La Opera de Limoges, Francia.
En 2005, la Asociación de los Amigos de la Danza de Portugal le atribuyó el Premio Bailarina
Revelación por su interpretación en el ballet Romeo y Julieta.
30

La danza más personal de Antonio Najarro y el duende flamenco unidos en un espectáculo
lleno de brillo, dinamismo y sensibilidad
VIERNES, 21 DE AGOSTO
Palacio de Festivales • Sala Argenta • 20:30 h.
BALLET NACIONAL DE ESPAÑA
Antonio Najarro, director
• Alento & Zaguan
Alento
Antonio Najarro, idea original y coreografía
Fernando Egozcue, música
Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM),
bajo la dirección de Joan Albert Amargós, grabación musical
Teresa Helbig (ACME), diseño de figurines
Nicolás Fischtel (AAI), diseño de iluminación
Zaguán
Blanca del Rey (Soleá del Mantón), La Lupi (Milonga y Tangos), Mercedes Ruiz (Alegrías de
Córdoba) y Marco Flores (Seguirilla y Guajira), coreografía
Jesús Torres, música
Davis Picazo, dramaturgia
Yaiza Pinillos, diseño de figurines
Nicolás Fischtel (AAI), diseño de iluminación
Estreno absoluto en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, el 12 de junio de 2015, por el Ballet
Nacional de España.
Duración total aproximada: 1h 50’
Con Alento & Zaguán, nos adentramos en una propuesta personal en la que mostramos un
nuevo giro estético y estilístico en el Ballet Nacional. Tras el gratificante resultado de la recuperación
de la tradición del folclore y de los diferentes estilos de nuestra danza española en
nuestra última producción "Sorolla", damos de nuevo lugar a la nueva creación.
Alento es un vivo reflejo de mi estilo como creador, así como de mi visión personal de la
danza clásico española. Un recuerdo de mi bagaje coreográfico, inspirado en la partitura del
genial compositor, guitarrista y compañero de viaje Fernando Egozcue, el cual ha creado
una música muy rítmica y llena de sensibilidad.
Un mensaje positivo, fresco, brillante y alentador, a través de una coreografía dinámica, llena
de vida y sensibilidad, interpretada por todos los bailarines de la compañía.
Zaguán, como lugar de transición, es un ballet flamenco donde varios de los jóvenes artistas del
panorama actual, Mercedes Ruiz, La Lupi y Marco Flores, mostrarán su vocabulario, su estilo y su
sello personal. Para esta ocasión viviremos un momento mágico, una de las grandes damas del flamenco
de nuestro país, Blanca del Rey, nos dejará el legado de su emblemática "Soleá del Mantón".
La música de Zaguán ha sido compuesta por el guitarrista flamenco Jesús Torres y la diseñadora Yaiza
Pinillos ha creado un vestuario de época, de corte tradicional, con un tratado elaborado de tejidos.
31

• Antonio Najarro (Madrid, 1975) Joven bailarín y coreógrafo, formado por los más prestigiosos
maestros de danza en todos los estilos: ballet clásico, escuela bolera, clásico español,
folclore, flamenco y danza contemporánea. Matrícula de Honor en Danza Española en el
Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma de Madrid, interpreta como Primer Bailarín
coreografías de los Maestros Rafael Aguilar, Antonio Gades, Alberto Lorca, Mariemma,
José Antonio Ruiz y José Granero, entre otros.
Su carrera profesional la inicia con 15 años formando parte de las compañías de danza española
más reconocidas como el Ballet Antología, Ballet del Teatro Lírico de La Zarzuela,
Compañía Antonio Márquez, José Antonio y los Ballets Españoles y Compañía de Aída Gómez.
En 1996, es Solista invitado en la obra "La Gitana", coreografiada por José Antonio Ruiz
y Paul Chalmer, con el Ballet del´Arena di Verona bajo la dirección de Carla Fracci. Ingresa
en el Ballet Nacional de España (BNE) en 1997, bajo la dirección de Aurora Pons, Nana Lorca
y Victoria Eugenia y tres años después, asciende a la categoría de Primer Bailarín con Aída
Gómez en la dirección artística de la compañía.
Su vocación creadora le lleva muy pronto a coreografiar, participando en varias ediciones
del Certamen Coreográfico de Danza Española y Flamenco de Madrid con Suspiro del Moro
(1995), Movimientos Reversos (1996) y Nereidas (1999), primer Premio a la mejor coreografía
en la VIII edición del mismo Certamen e incluida posteriormente en el repertorio del BNE.
Crea su propia Compañía Antonio Najarro en 2002, para la que ha coreografiado cuatro producciones:
Tango Flamenco (2002), Flamencoriental (2006), Jazzing Flamenco (2008) y Suite
Sevilla (2011). Es, asimismo, habitual creador de piezas para grandes figuras del patinaje artístico
sobre hielo, Medalla de Oro en los Juegos Olímpicos de Invierno Salt Lake City (2002)
con Flamenco para la pareja francesa Marina Anissina y Gwendal Peizerat y con Poeta y Otoño
Porteño (2006-2008), para el suizo Campeón del Mundo, Stephane Lambiel.
Premio Mejor Coreógrafo en el Certamen Internacional de Danza Española y Flamenco de
Sevilla (2008), ha sido galardonado con el Premio Harlequín al Mejor Joven Coreógrafo 2009
y, en 2010, Mejor Intérprete de Danza Masculino el Premio MAX de las Artes Escénicas. Premio
APDE 2012, otorgado por la Asociación de Profesores de Danza Española, Clásico y Flamenco,
por su valiosa aportación al mundo de la danza. Antonio Najarro, nombrado Director
del BNE en abril de 2011, se incorpora a la Compañía el 1 de septiembre 2011.
• El Ballet Nacional de España (BNE) aborda en la actualidad nuevos proyectos bajo la
dirección de Antonio Najarro. Fundado en 1978 bajo el nombre de Ballet Nacional Español
con Antonio Gades como primer director, es de las unidades de producción del Instituto
Nacional de la Artes Escénicas y de la Música (INAEM), una de las de mayor proyección internacional
como embajadora de nuestra cultura en el mundo.
El BNE ha obtenido el reconocimiento internacional de crítica y público con la concesión de
diversos premios, destacando entre otros el Premio a la Crítica al Mejor Espectáculo Extranjero
(1988) en el Metropolitan de Nueva York; Premio de la Crítica Japonesa (1991); Premio
de la Crítica al Mejor Espectáculo (1994) en el Teatro Bellas Artes de México; Premio del Diario
“El País” (1999) al espectáculo “Poeta” y los Premios de la Crítica y del Público (2002) a la
coreografía Fuenteovejuna, de Antonio Gades en el VI Festival de Jerez.
En 2008, 2010 y 2012, el BNE ha sido galardonado con los Premios Teatro de Rojas (Toledo)
al Mejor Espectáculo de Danza, concedido por el público y, en agosto de 2010, el Festival.
Internacional del Cante de las Minas le ha concedido el Premio Extraordinario a las Artes
Escénicas por su magnífica contribución a la preservación y difusión del mejor flamenco.
32

Estreno absoluto de la obra ganadora del III Concurso de Composición para Música de
Cámara Arturo Dúo Vital de la Fundación Botín junto a un interesante repertorio de
vanguardia: Steve Reich y Pierre Boulez, entre otros
MARTES, 11 DE AGOSTO
Palacio de Festivales • Sala Argenta • 20:30 h.
PLURALENSEMBLE
Fabian Panisello, director
Allison Bell, soprano
Franco Donatoni
• Arpège
Steve Reich
• Clapping music
Juno Erto
• Beltane, Memory of the fire
Estreno absoluto. Obra ganadora del III Concurso de Composición
para Música de Cámara Arturo Dúo Vital
Pierre Boulez
• Dérive I
Fabian Panisello
• Libro del frio
En colaboración con:
Peter Eötvös
• Natasha
Duración total aproximada 1h 40’
• PluralEnsemble es un conjunto instrumental especializado en la música de los siglos xx
y xxi, fundado por Fabián Panisello, su director titular. Buscando siempre la más alta calidad
interpretativa, desarrolla anualmente una temporada estable de conciertos y giras, alternando
el repertorio más exigente de solista con obras para conjunto.Por sexto año consecutivo
desarrolla el Ciclo de Conciertos Fundación BBVA de Música Contemporánea en el Auditorio
Nacional de Música de Madrid y el Ciclo de Solistas Fundación BBVA en su sede del Palacio
del Marqués de Salamanca, y participa asimismo en el IV Ciclo de Conciertos de Música Contemporánea
organizado por la Fundación BBVA en su sede de Bilbao. Realiza habitualmente
giras nacionales e internacionales. Además, dentro de su programa pedagógico divulgativo,
realiza el proyecto Claves de Acceso en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.
A lo largo de su trayectoria ha intervenido con gran éxito de crítica y público en los principales
festivales internacionales especializados, como son Musica de Estrasburgo, A Tempo
de Caracas, Présences de París, Ars Musica de Bruselas, Manca de Niza, Spaziomusica de Cagliari,
Aspekte de Salzburgo, IFCP Mannes de Nueva York, el Festival Internacional de Música
Contemporánea de Alicante, la Quincena Musical Donostiarra de San Sebastián, el ciclo de
la WDR de Colonia, Nous Sons del Auditori de Barcelona, el Festival de Otoño de Varsovia,
34

Ultraschall y la Konzerthaus de Berlín y Klangspuren del Tirol, entre otros.
Colabora con artistas como Peter Eötvös, Salome Kammer, Hilary Summers, Cristóbal Halffter,
Marco Blaauw, Jörg Widmann, Dimitri Vassilakis, Nicholas Isherwood , Alda Caiello, Allison
Bell, José Manuel López López, Siegfried Mauser, Jorg Widman, Wolfgang Lischke, Cristian
Baldini, Nicolas Altstaedt, Zsolt Nagy, César Camarero, Jon Ketilsson, Pablo Márquez,
Charlotte Hellekant, Matthias Pintscher, Hansjorg Schellenberger, Tadeusz Wielecki, Lorraine
Vaillancourt, Peter Csaba, Johannes Kalitzke, Luis de Pablo o Toshio Hosokawa.
Ha realizado numerosas grabaciones para diversas emisoras de radio europeas (WDR, RBB,
RNE, RF, ORF, RTBF o la Radio Polaca entre muchas otras), así como grabaciones discográficas
para los sellos col legno, Verso, Cervantes y NEOS.
• Nacida en Tasmania, Allison Bell, estudió historia y música en la Universidad de Sydney y
también se formó en el Australian Theatre for Young People. Continuó sus estudios en Londres,
donde ingresó en el Programa para Jóvenes Knack de la English National Opera y ganó
el premio Lilian Baylis, una beca de la Fundación Lynn y el premio William Cox, otorgado a
jóvenes cantantes. En el extranjero, fue finalista del Concurso de Coloratura Sylvia Geszty
de Luxemburgo, Concurso de Ópera Belvedere Hans Gabor de Viena, ganó el Concurso de
Canto Francisco Viñas del Liceu de Barcelona, el de Jóvenes Cantantes del Teatro de La Scala
de Milán y una beca para estudiar con la célebre soprano Virginia Zeani.
Ha colaborado con reconocidos maestros de canto, como Janice Chapman, Robert Kettelson,
Sylvie Leroy, Alessandro Zuppardo y Tony Legge, y participado en clases magistrales
impartidas por Magda Olivero, Ghena Dimitrova, Gundula Janowitz, Dalton Baldwin, Lillian
Watson, Valerie Masterson, Paul Hamburger, Sylvia Geszty y Sir Donald McIntyre.
Sus papeles operísticos incluyen Morgana (Alcina, Händel), Serpetta (La Finta Giardiniera,
Mozart), Mademoiselle Silberklang y Madame Herz (El empresario, Mozart), Reina de la Noche
(La flauta mágica), Blondchen (El rapto del serrallo), Glauce (Medea, Cherubini, con el que
debutó en la Ópera de Montpellier), Adele (El murciélago, J Strauss), Oscar (Un Ballo In Maschera,
Verdi), Olympia (Los cuentos de Hoffman, Offenbach), Julieta (Romeo y Julieta, Gounod),
Zerbinetta (Ariadna en Naxos, R Strauss), Isotta (La mujer silenciosa, R Strauss), Bubikopf (El
emperador de Atlantis, Ullmann), Ruiseñor (Los pájaros, Braunfels) y Monica (Medium).
Su repertorio en concierto incluye las Pasiones de Bach, el Requiem y arias de Mozart, Misa
de Nelson de Haydn, Cristo en el monte de los olivos de Beethoven, Réquiem de Brahms,
4ª Sinfonía de Mahler, Carmina Burana’ de Orff, Dona nobis pacem de Vaughan Williams,
Lieder de Strauss, canciones de Debussy, Satie, Ravel, Britten, Barber y Previn. Ha actuado
como solista con la Orchestre Philharmonique du Luxembourg y la UK’s National Symphony
Orchestra, entre otras.
Con amplia experiencia en la música vocal del siglo XX, ha interpretado Primera Voz en A
Ronne de Berio, en la English National Opera, y Aria de John Cage, para el Festival Inventing
America, en el Barbican de Londres. Fue solista en el estreno en el Reino Unido del drama
musical Los últimos ritos paganos de Kutavicius, en el Festival Glamorgan, y el estreno mundial
del poema tonal The Jumblies de Alastair Borthwick, con la Hull Sinfonietta. Interpretó
los papeles de Vole y Sun en el estreno mundial de la opera de Richard Ayres The Cricket Recovers,
nominada para un premio Southbank, en la Ópera de Almeida Opera y en el Festival
de Aldeburgh. También ha colaborado frecuentemente con la Opera Genesis, en la Royal
Opera, en la presentación de nuevas obras vocales.
Durante las pasadas temporadas, ha realizado importantes d ebuts: en Austria, como Vole y
Sun, en The Cricket Recovers, en el Festival de Bregenz; Lakmé, para la Opera Holland Park; y
en la ópera/ballet La Callas, en el Teatro Nacional de Ópera y Ballet de Eslovenia, en Maribor.
Interpretó el papel de Pretty Polly en Punch and Judy de Harrison Birtwistle, para el Teatro
Musical de Gales y Royal Opera House, Covent Garden. Más recientemente, fue aclamada
35

por su interpretación de Sierva Maria, en su debut en el Festival de Glyndebourne, en el estreno
mundial de Love and other Demons de Peter Eötvös, dirigida por Vladimir Jurowski, un
papel que volverá a ofrecer en la Opéra du Rhin de Estrasburgo, en 2010. Otras de sus actuaciones
en 2009 incluyen Octet Plus y Natascha de Peter Eötvös, en Caen y Budapest; Aspasia
en Mitridate Re di Ponto de Mozart, para la Classical Opera Company, dirigida por Ian Page, en
Londres y Buxton; Tres madrigales, Tres escenas y El sonido amarillo de Alfred Schnittke, con
Vladimir Jurowski y la London Philharmonic Orchestra, en Londres. Entre sus proyectos, cabe
destacar Love and other demons, en Vilna y Estrasburgo, así como colaboraciones en música
y películas de los célebres realizadores Quay Brothers.
Su vestuario en actuaciones es cortesía de Comme des Garçons. Asimismo, agradece el generoso
apoyo de Richard Carne Trust.
• Compositor y director argentino-español afincado en Madrid, Fabian Panisello, es director
y fundador de PluralEnsemble y director de la Escuela Superior de Música Reina Sofía y
del Instituto Internacional de Música de Cámara de Madrid.
Se formó como compositor con Francisco Kropfl en Buenos Aires y con Bogusław Schaeffer
en el Mozarteum de Salzburgo (Diploma de Excelencia, 1993). Completó su formación con
Elliott Carter, Franco Donatoni, Brian Ferneyhough y Luis de Pablo en composición y con
Peter Eotvos en dirección.
Han interpretado su obra artistas como Pierre Boulez, Peter Eötvos, el Cuarteto Arditti, Susanna
Malkki, Dimitri Vassilakis, Allison Bell, Laia Falcon, Marco Blaauw, Leigh Melrose o Francesco
D’Orazio y agrupaciones como la Orquesta de la Sudwestrundfunk (Baden-Baden),
Deutsches Symphonie-Orchester de Berlin, Orquesta Nacional de España,Orquesta del Mozarteum
de Salzburgo, Orquesta de la Comunidad de Madrid, Orquesta Sinfónica de la BBC,
Orquesta de la Opera de Lyon, Ensemble Modern, Nouvel Ensemble Modern y Orquesta Sinfónica
de Puerto Rico, entre otras.
Ha obtenido premios como el Mozarts Erbe que concede la ciudad de Salzburgo o el Premio
Iberoamericano de Composición Rodolfo Halffter, así como becas de numerosas fundaciones,
incluida la beca del rector del Mozarteum de Salzburgo.
Desde 2010 es miembro de la Academia Nacional de Bellas Artes de Argentina. Como compositor
y director ha actuado en los principales festivales del mundo dedicados a la música
actual, como Wien Modern, Donaueschingen, Bienal de Munich, Otono de Varsovia, Presences,
Musica de Estrasburgo, Ars Musica, Ultraschall, Aspekte, Manca, Spazio Musica, el ciclo
de musica contemporánea de la Westdeutscher Rundfunk, Klangspuren Tirol, además de,
en Espana, la Quincena Musical Donostiarra. Ha participado como codirector en dos estrenos
absolutos de Karlheinz Stockhausen, Hoch-Zeiten y Mixtur-2003, con las orquestas de la
Westdeutscher Rundfunk de Colonia y la Deutsches Symphonie-Orchester de Berlin.
Ha estrenado numerosas obras y grabado discos para sellos como NEOS y col legno (Munich),
Cypres (Bruselas) o Verso (Espana). Publica sus obras en la editorial Peters de Francfort.
36

El virtuosismo, la delicadeza y calidad artística de Grigory Sokolov
MIÉRCOLES, 12 DE AGOSTO
Palacio de Festivales • Sala Argenta • 20:30 h.
GRIGORY SOKOLOV, piano
Johann Sebastian Bach
• Partita N. 1 en Si bemol Mayor BWV 825
Ludwig van Beethoven
• Sonata para piano N. 7 en Re Mayor Op. 10 N. 3
Franz Schubert
• Sonata en la menor Op. 143 D 784
• Six moments musicaux Op. 94 D 780
Duración total aproximada: 2h
• Grigory Sokolov nació el 18 de abril de 1950 en Leningrado. En los cuarenta años que han
transcurrido desde que el joven Grigory Sokolov de 16 años fuera galardonado con el primer
premio en el Concurso Internacional de Piano Tchaikovsky en Moscú, el mundo se ha visto
fascinado por lo que un crítico americano recientemente calificó como “un tipo de pianismo,
musicalidad y calidad artística que uno pensaba que se había perdido para siempre”.
Alumno desde muy joven de Emil Gilels y figura prominente de la escena musical rusa, Sokolov
se ha forjado un status casi místico entre los amantes de la música y en especial del piano
de todo el mundo. Está considerado por muchos uno de los más grandes pianistas vivos del
mundo. Desde su primer recital en Leningrado a los 12 años, Sokolov ha cautivado a todos
los públicos una y otra vez con su repertorio y su profunda musicalidad. Usando el pedal
pequeño y con un dominio total de la pulsación, consigue sacar del piano una inmensa variedad
de sonidos; tiene una ilimitada paleta de colores, una imaginación espontánea y un
control mágico de la línea. Sus interpretaciones son poéticas y tremendamente individuales,
y su libertad rítmica y elasticidad de fraseo son posiblemente inigualables entre otros pianistas
de hoy en día.
Aquellos que conocen su arte se ven particularmente atraídos por la naturalidad de sus maneras
interpretativas, que son parte de su credo artístico. Su forma de tocar no tiene influencias
de maestros anteriores, su estilo y aproximación son puramente personales y son únicos.
Cualquier cosa que Sokolov interpreta, sea Pavane o William Byrd, una Fantasía de Bach,
Mazurka de Chopin o Preludio de Ravel, suena completamente nuevo. Incluso una Sonata
de Beethoven puede ser redescubierta. Pero toda esta magia tiene su lado terrenal: Sokolov
conoce mejor los Steinway que muchos técnicos y antes de sentarse a tocar un instrumento
que no conoce, primero examina su mecánica interna. Suele estudiar muchas horas cada
día, e incluso el día del concierto trabaja en el escenario durante horas “conociendo” el piano.
Que prefiere que sus CDs se graben en directo no es una sorpresa, ya que le gusta capturar
los momentos sagrados de un concierto en directo y evitar la atmósfera estéril de un estudio
de grabación.
Grigory Sokolov es un invitado habitual de las más prestigiosas salas de concierto y festivales
de toda Europa. Ha actuado en Londres, París, Viena, Berlín, Madrid, Salzburgo, Munich,
Roma y Nueva York, y trabajado con muchos de los más destacados directores del mundo:
Jornada patrocinada por:
37

Myung-Whun Chung, Valery Gergiev, Trevor Pinnock, Neeme Järvi, Herbert Blomstedt, Sakari
Oramo, Alexander Lazarev, Moshe Atzmon, etc. Entre las orquestas con las que ha trabajado
destacan Filarmónica de Nueva York, Sinfónica de Montreal, Filarmónica de Munich, Leipzig
Gewandhaus, Philharmonia y Concertgebouw.
Sokolov ha grabado numerosos discos en directo con Melodya y Opus 111. Estos discos
incluyen obras de Bach, Beethoven, Brahms, Chopin, Rachmaninoff, Prokofiev, Schubert,
Schumann, Scriabin y Tchaikovsky. Su publicación más reciente es un DVD de un recital en
Théatre des Champs-Elysées en París dirigido por Bruno Monsaingeon.
38

La mezzosoprano Ann Hallenberg, Maxim Emelyanychev como director y la orquesta
barroca Il Pomo d’Oro mostrarán distintas arias en torno al personaje de Agrippina
MARTES, 18 DE AGOSTO
Palacio de Festivales • Sala Argenta • 20:30 h.
ANN HALLENBERG, mezzosoprano
IL POMO D’ORO, orquesta barroca
MAXIM EMELYANYCHEV, director
Agrippina en Italia
Georg Friedrich Haendel
• Ogni vento aria de “Agrippina” HWV 6
Nicola Antonio Porpora
• Mormorando anch’il ruscello aria de “L’Agrippina”
Antonio Vivaldi
• Concierto para violín en Do Mayor Op. 9 n 1 R.v. 181a
Georg Friedrich Haendel
• L’alma mia fra le tempeste aria de “Agrippina” HWV 6
Carl Heinrich Graun
• Mi paventi il figlio indegno aria de “Britannico”
Georg Friedrich Haendel
• Pensieri, voi mi tormentate aria de “Agrippina” HWV 6
Antonio Vivaldi
• Concierto para dos trompas en Fa Mayor RV 539
Giuseppe Maria Orlandini
• Tutta furie e tutto sdegno aria de “Nerone”
Giovanni Battista Sammartini
• Non ho più vele aria de “Agrippina”
• La mezzosoprano sueca Ann Hallenberg aparece regularmente en Óperas y Festivales
como el Teatro alla Scala de Milán, Teatro la Fenice de Venecia, Teatro Carlo Felice de Génova,
Teatro Real de Madrid, Theater an der Wien, Opernhaus de Zúrich, Opéra National de Paris,
Théâtre des Champs-Elysées de París, Opéra de Lyon, Opéra du Rhin Strasbourg, Opéra de Lille,
Opéra de Bordeaux, Opéra de Dijon, Opéra de Mónaco, Théâtre de La Monnaie de Bruselas,
Netherlands Opera de Ámsterdam, Vlaamse Opera de Antwerp, Bayerische Staatsoper de
Munich, Staatsoper de Berlín, Semperoper de Dresde, Ópera Nacional Noruega, Ópera
Nacional Sueca, Festival de Salzburgo, Festival de Edimburgo y Festival de Drottningholm
en Estocolmo. Es muy solicitada como cantante de concierto y frecuentemente aparece en
salas de conciertos de toda Europa y América del Norte.
40

Ann Hallenberg trabaja regularmente con directores como Giovanni Antonini, Fabio Biondi,
Ivor Bolton, William Christie, Alan Curtis, Ottavio Dantone, Alessandro De Marchi, Marcello
Di Lisa, Laurence Equilbey, Diego Fasolis, Adam Fischer, Patrick Fournillier, Sir John Eliot
Gardiner, Jane Glover, Pablo González, Emmanuelle Haïm, Daniel Harding, Nikolaus Harnoncourt,
Philippe Herreweghe, Michael Hofstetter, Paavo Järvi, Bernard Labadie, Louis Langrée,
Paul McCreesh, Nicholas McGegan, Riccardo Minasi, Marc Minkowski, Christopher Moulds,
Riccardo Muti, Kent Nagano, Sir Roger Norrington, Renato Palumbo, Sir Antonio Pappano,
Evelino Pidò, Jérémie Rhorer, Christophe Rousset, Federico Maria Sardelli, Andreas Spering,
Jean-Christophe Spinosi, David Stern, Lothar Zagrosek y Alberto Zedda.
Su repertorio incluye los principales roles en óperas de Rossini, Mozart, Gluck, Handel, Vivaldi,
Monteverdi, Purcell, Bizet y Massenet. Paralelamente ha desarrollado un inusualmente
amplio repertorio para concierto, abarcando desde la música de principios del XVII con
obras de Monteverdi y Cavalli, continuando con Mozart, Beethoven, Berlioz, Martin y Chausson
hasta llegar a obras contemporáneas de Franz Waxman y Daniel Börtz.
Entre sus proyectos en 2013 se incluyen “Davide Penitente” (Mozart) en Berlín con la Berliner
Philharmoniker, Anna en “Il Ritorno de Tobia” (Haynd) en el Festival de Salzburgo, “Stabat Mater”
(Rossini) en el Teatro Real de Madrid, el rol principal en “Agripina” (Handel) en el Théâtre
des Champs-Elysées de París y en el Auditorio Nacional de Música de Madrid, Dejanira en
“Hércules” en Moscú, “Alto Rapsody” (Brahms) con la Frankfurt Radio Orchestra, “Stabat Mater”
(Pergolesi) con Los Angeles Philharmonic, “Pasión según San Mateo” (Bach) en Roma con
la Accademia Nazionale di Santa Cecilia, “Misa en B minor” (Bach) con la Orchestre Symphonique
de Montréal, “Stabat Mater” (Pergolesi) (Traetta) en el Festival de Ambronay con Les
Talens Lyriques, “Misa en B minor” y “Magnificat” (Bach) en Estocolmo con la Swedish Radio
Orchestra, Teseo en “Arianna in Creta” (Handel) en el Theater an der Wien, “Pianto di Maria”
(Ferrandini) en el Concertgebouw de Ámsterdam y en Cracovia, Tirinto en “Imeneo” (Handel)
en Siena, Servilia en “Tito Manlio” (Vivaldi) en el Festival de Ambronay con Concerto de Cavalieri
y un cocnierto de arias de Handel , Porpora y Orlandini en Antwerp con Il Pomo d’Oro.
En 2014 podemos incluir el rol de Farnaspe en “Adriano en Siria” (Veranini) en el Konzerthaus
de Viena, Emila en “Catone en Utica” (Vivaldi) en el Théâtre des Champs-Elysées de París,
Orphée en “Orphee et Euridici” (Gluck) en Lisboa, “Das Paradies und die Peri” (Schumann)
en Gewandhaus de Leipzig, “Le Poeme de L’Amour et e la Mer” (Chausson) en el Théâtre
des Champs-Elysées de París, “Das Lied Von der Erde” (Mahler) y “Vier Ernste Gesange” en
la Philharmonie de Berlín, “Les Nuits d’Ete” (Berlioz) en Oviedo, Zaragoza y Budapest con la
Orchestre Révolutionnaire et Romantique y con la Orquesta Filarmónica de Macedonia en
Skopie, la “Novena Sinfonía” (Beethoven) con la Orquesta Sinfónica de Rotterdam, Servilia en
“Tito Manlio” (Vivaldi) en el Auditorio Nacional de Madrid y en el Centro Cultural de Lisboa,
“Misa en C minor” (Mozart) en el Festival de Salzburgo, “Kindertotenlieder” (Mahler) en París,
Poitiers y Gante con la Orchestre des Champs Elysées, “Gloria” (Vivaldi) en la Accademia
Nazionale di Santa Cecilia de Roma, arias de Porpora, Broschi, Giacomelli y Leo en el Wigmore
Hall de Londres, la “Novena Sinfonía” (Beethoven) con la Orquesta de Cámara Nacional
Danesa, “Misa Solemnis” (Beethoven) con la Gothenburg Symphony Orchestra, “Requiem”
(Mozart) con la Orquesta Ciudad de Barcelona y con la Orquesta del Teatro Real de Madrid y
con la Orquesta Nacional de Letonia, arias de Handel con la Orquesta de Cámara de Zúrich,
arias de Mozart, Haynd y Gluck con la Drottningholm Festival Orchestra y arias de Handel,
Telemann y Porpora con el Festival de Ernen.
Ha iniciado 2015 con Irene en “Tamerlano” (Handel) en el Théâtre de La Monnaie de Bruselas
y conciertos con arias de Bizet, Saint-Saëns y Mozart en Antwerp.
• Il Pomo d’oro es una orquesta fundada en el año 2012, con una fuerte orientación hacia
la ópera, pero que igualmente está comprometida con actuaciones instrumentales en difer-
41

entes formatos. Los músicos que reúne esta orquesta, están entre los mejores que se pueden
encontrar en la música con instrumentos de época, formando un ensemble de excepcional
calidad, combinando conocimiento estilístico, destreza técnica y entusiasmo artístico…
La colaboración con el violinista y director Riccardo Minasi, les llevó a obtener numerosos
reconocimientos por su primera grabación (Vivaldi “Per I’lmperatore”). La segunda, los conciertos
para violín de Vivaldi “Per Pisendel” con Dmitry Sinkovsky como violín y director, recibió
el Diapason d’or. Además, en el 2012, realizó la grabación de 3 discos con los contratenores:
Max Enmanuel Cenci “Venezia”, Franco Fagioli “Arias for Caffarelli” y Xavier Sabata “Bad
Guys”, bajo la dirección de Riccardo Minasi. El álbum “Arias for Caffarelli obtuvo el premio
“Choc de l’annee 2013” por la revista francesa “Classica”.Otra grabación con Naice fue la Edición
de Vivaldi del Concierto para dos violines interpretado y dirigido por Riccardo Minasi
y Dmitry Sinkovsky, lanzado en octubre del 2013. La grabación de “Venetian Barcarole” cantada
por Vicenzo Capezzuto, completada con el libro homónimo escrito por Donna Leon.
Además de un recital de arias de Agripina, dirigido por Riccardo Minasi, también en 2013.
Pomo d’Oro ha grabado tres óperas: “Tamerlano” de Handel, “Catone in Utica” de Leonardo
Vinci y “Partenope” de Handel, todas ellas dirigidas por Riccardo Minasi; así como un nuevo
recital, “Napoli” con Max E. Cencic (2015) y dirigido por Maxim Emelyanychev.
Además, entre las grabaciones instrumentales se cinluyen los concierto de Haynd para clave
y violín, co-dirigidos por Maxim Emelyanychev (clave) y Riccardo Minasi (violín), un recital de
violonchelo con Edgar Moreau (con obras de Haynd, Bocchetini, Platti, Graziani y Vivaldi) y
los conciertos de violín de Bach con Riccardo Minasi como solista y director.
Il Pomo d’Oro actúa en los principales escenarios y festivales internacionales: París (Théâtre
des Champs Elysées), Versalles (Théâtre Royal), Londres (Wigmore Hall), Viena (Theater an
der Wien), Madrid, Barcelona, St. Petersburgo, Ginebra, St. Moritz, Copenague, Potsdam,
Schwetzingen, Beaune, Colonia, Hamburgo, Göttingen, Gstaad, entre otros). En 2015, Il
Pomo d’Oro también realizó una gira por Asia con la mezzosoprano americana Joyce DiDonato
(Drama Queens, dirigido por Dmitry Sinkovsky) y por EEUU con el contratenor Max E.
Cencic (“Napoli”, dirigido por Maxim Emelyanychev).
El nombre de la orquesta hace referencia al título de una ópera de Antonio Cesti, compuesta
para la boda del emperador Leopoldo I de Austria con Margarita Teresa de España en Viena
en 1666. La ópera era la parte final de una celebración imperial esplendorosa, empezando
con los fuegos de artificio de 73.000 cohetes y un ballet ecuestre con 300 caballos. Con sus
24 partes diferentes, despampanantes efectos especiales como torres que se derrumban,
dioses que vuelan y barcos hundiéndose, Il Pomo d’Oro fue, probablemente, la más cara y
fastuosa producción operística hasta entonces, de la joven historia de este género. Proporcionó
papeles para 50 cantantes y más 10 horas de un magnífico espectáculo músical.
42

Un homenaje a Bach y sus coetáneos de la mano de Freiburg Barockorchester, con
Andreas Staier al clave
LUNES, 24 DE AGOSTO
Palacio de Festivales • Sala Argenta • 20:30 h.
FREIBURGER BAROCKORCHESTER
Petra Müllejans, violín y director
Susanne Regel, oboe
Andreas Staier, clave
Bach y sus coetáneos
Georg Philipp Telemann
• Obertura en Si Bemol Mayor TWV 55: B 1 de Tafelmusik (Musique de table) III
para dos oboes, cuerdas y bajo continuo
• Conclusion en Si Bemol Mayor TWV 50:10 de Talfelmusik (Musique de table) III
para dos oboes, cuerdas y bajo continuo
Jornada patrocinada por:
Johann Sebastian Bach
• Concierto en fa menor BWV 1056 para clave solo, cuerdas y bajo continuo
Johann Friedrich Fasch
• Concierto en re menor FWV L: d 4 para violin y oboe solo, cuerdas y bajo continuo
Jan Dismas Zelenka
• “Hipocondrie“ a 7 Concertante en La Mayor ZWV 187 para 2 oboes, fagot,
cuerdas y bajo continuo
Johann Sebastian Bach
• Concierto en sol menor BWV 1058 para clave solo, cuerdas y bajo continuo
• Concierto en La Mayor BWV 1055 para clave solo, cuerdas y bajo continuo
Duración total aproximada: 1h 45’
• Freiburger Barockorchester (FBO) cuenta con toda una historia de éxito. Desde sus comienzos
en 1987 y en unos cuantos años, se ha convertido en una orquesta con extraordinario
éxito internacional, convirtiéndose en invitada habitual en las principales óperas y
salas de concierto. El sonido especial de FBO con instrumentos de época es continuamente
alabado, así como su virtuosa manera de interpretar y la variedad de su repertorio: del primer
Barroco a nuestros días. El ensemble lleva este sonido desde Friburgo a sus vecinos
europeos, al norte y sur de América, Asia e incluso Australia y Nueva Zelanda. Desde mayo
de 2012, los “Friburgos” tienen una única e internacional sede: la Ensemble House, un taller
musical y laboratorio de nuevas ideas para música antigua y contemporánea.
FBO colabora con importantes artistas como René Jacobs, Andreas Staier, Isabel Faust, Kristian
Bezuidenhout, Christian Gerhaher y Pablo Heras-Casado. Tiene una estrecho vínculo
laboral con el sello harmonia mundi France, una fructífera colaboración musical que se refleja
en numerosos CD’s y premios recibidos, como el reciente ECHO Classical Music 2014 y
43

Edison Classical Music 2013, ECHO Classical Music en 2012 y 2013, Gramophone en 2012,
Edison Classical Music en 2012, Gramophone en 2011, ECHO Classical Music en 2011 y el
Premio Anual de la Crítica Alemana en 2009.
Bajo la dirección artística de sus dos concertinos, Gottfried von der Goltz y Petra Müllejans, y
bajo la batuta de directores seleccionados, FBO presenta cerca de cien representaciones por
año en diferentes formaciones que van de la orquesta de cámara a la de ópera: un ensemble
autogestionado con sus propios conciertos de abono en el Concert Hall de Friburgo,
Liederhalle de Stuttgart y Philharmonie de Berlín, y con giras alrededor de todo el mundo.
• Andreas Staier, es uno de los más reconocidos intérpretes de fortepiano y clave, comenzó
su carrera como solista en 1986 y desde entonces, su maestría musical se ha convertido en
una marca en la interpretación del repertorio barroco, clásico y romántico.
Nacido en Göttingen en 1955, estudia piano moderno y clave en Hannover y Amsterdam.
Durante tres años fue clavecinista de Musica Antiqua Köln con quien ha realizado giras
y grabado varios discos. Como solista actúa por toda Europa, Estados Unidos y Asia, con
orquestas como Concerto Köln, Freiburger Barockorchester, Akademie für Alte Musik Berlin
y Ochestre des Champs-Elysées Paris.
Ha sido invitado como director en festivales internacionales y en las principales auditorios
y teatros de Europa, America y Japón incluyendo Konzerthaus Wien, Philharmonie Berlin,
Gewandhaus Leipzig, Wigmore Hall London, Concertgebouw Amsterdam, Théâtre des
Champs-Elysées Paris, Sala Filarmonica Roma, Suntory Hall Tokyo, y Carnegie Hall New York.
Es invitado regularmente como solista invitado por la BBC.
Ha grabado para BMG, Teldec Classics y Harmonia Mundi France. Su vasto catálogo incluye
varios premios incluido el Diapason d’or, el Preis der Deutschen Schallplattenkritik y el
Baroque Instrumental Gramophone Award.
44

La magia del teatro de títeres y la música en directo hacen de El Sastrecillo Valiente
un espectáculo único para que niños y mayores disfruten de la famosa historia de los
hermanos Grimm.
LUNES, 10 DE AGOSTO
Palacio de Festivales • Sala Argenta • 19:00 h.
EL SASTRECILLO VALIENTE de Tíbor Harsányi
Compañía de títeres ETCÉTERA
Enrique Lanz, dirección de escena, escenografía, vídeos y títeres
Enrique Lanz y Yanisbel Victoria Martínez, dramaturgia
Tim Anderson, dirección musical
Lía Alves, iluminación
Jorge Ferrera, dirección de actores
Noche Diéguez y Yanisbel Victoria Martínez, actrices
Araceli García, Carlos Montes y Óscar Ruiz, titiriteros
Pablo Navarro (violín), Julia Torralba (violonchelo), Pilar del Campo (flauta), Cristina
Martín (clarinete), Delia Nerea Bastida (fagot), Jesús Cabanillas (trompeta), David
González (percusión) y Alexis Delgado (piano)
Araceli García, Carlos Montes y Mariana Piñar, asistencia al diseño de objetos
Victor Alcalá, Fátima Sahara Castillo, Araceli García, Ana Lanz, Enrique Lanz, Carlos
Montes, Mariana Piñar, Óscar Ruiz, Cuca Vidal y Carlos Villarraso, realización de títeres
y escenografía
Fátima Sahara Castillo, costura
Boualeme Bengueddach, contrucción de fuentes de luz
Merlí Borrell, post-producción de vídeos
Jornada patrocinada por:
Coproducción del Teatro Real, Etcétera, ABAO-OLBE y Festival Internacional de Música y
Danza de Granada. Con la colaboración del Parque de las Ciencias de Granada
Duración total aproximada: 50’ sin descanso
• Esta nueva creación de Etcétera es a partir de la obra musical El sastrecillo valiente, del
compositor húngaro-francés Tibor Harsányi (1898-1954), quien tomó como referencia
el cuento homónimo de los hermanos Grimm. El sastrecillo valiente es un cuento popular
alemán entre los recogidos por los hermanos Grimm en Cuentos de la infancia y el hogar de
1812 (aunque sus primeras versiones literarias se remontan al siglo XVI). Cuenta la historia
de un sastrecillo que en su taller mata de un golpe a siete moscas que le importunan.
Sorprendido por el número, decide salir a contar su hazaña, para lo que borda un cinturón
en el que pone “siete de un golpe”. Llega cerca de un palacio, donde los campesinos y gente
de la corte al leer su cinturón, creen que se trata de siete hombres. Por el valor y la fuerza
que le suponen, el rey, enterado de su presencia, le encomienda entonces salvar al reino de
diferentes peligros: dos gigantes, un jabalí y un unicornio. En recompensa el sastre recibirá la
mitad del reino y la mano de la princesa. El valiente sastrecillo consigue vencer los obstáculos
gracias a múltiples astucias y trucos, y termina contrayendo nupcias con la hija del monarca.
El sastrecillo valiente satisface el deseo de muchos de que venzan los débiles, los pequeños,
46

los listos; ya que la sagacidad es algo que se adquiere. El espectáculo aborda el tema de que
el saber vale más que la fuerza, enfocando valores como la igualdad de género o la riqueza
no material - esa que aporta el trabajo y el conocimiento. Cuestionamos la sobredimensión
de la “fama” y acentuamos la importancia de la creatividad, la imaginación, las ideas...
• Tibor Harsányi escribió esta partitura para títeres en 1950 y él mismo versionó el cuento de
los hermanos Grimm. La traducción al castellano de este cuento musical es de Felicia Sastre.
Se trata de una suite para ocho instrumentistas y narrador, que juntos cuentan esta historia
épica, tierna y graciosa. La música es amable al oído, apta para niños y mayores. Compuesta
para ser representada con marionetas, es muy descriptiva y permite seguir fácilmente las
acciones, cambios de escenarios y personajes, estados de ánimo
• Etcétera, bajo la dirección de Enrique Lanz, pone en escena esta obra con objetos propios
de una sastrería: patrones, maniquíes, miriñaques, agujas, planchas, tijeras, rollos de tela.
El sastrecillo valiente se compone a partir de un trozo de tela ante la vista del público, la
plancha se convierte en un jabalí, los bastidores de bordado en gigantes, y patrones y tijeras
conforman un gran unicornio... Títeres, objetos, sombras, proyecciones de vídeo y actrices, se
ponen al servicio de una obra musical y ofrecen una versión contemporánea de este cuento
clásico. Como en otras creaciones de la compañía hay una historia dentro de otra. En este caso
la del departamento de sastrería de un teatro, que cuenta su versión del cuento, a la vez que
introduce a los niños en el mundo de la sastrería escénica, y enseña términos, instrumentos,
acciones habituales de este oficio… Con esto se pretende que el espectáculo no solo sirva
para difundir valores literarios y musicales, sino también para dar a conocer esos oficios del
teatro que son menos visibles para el público. Como es ya una constante en el trabajo de
Etcétera, el espacio, los decorados y los títeres, albergan numerosos trucos, sencillos pero
eficaces, de forma que nada es lo que parece y todo se transforma mágicamente ante el
espectador. Trampantojos, juegos de planos, cambios de escalas, multiplicidad de espacios
de juego, elementos que aparecen, desaparecen, o se transmutan, artificios y artesanía
escénica característica de la poética de Etcétera, para provocar en el público un estado de
encantamiento sensorial. Estos elementos persiguen crear un espectáculo que se convierta
en una experiencia de goce estético, que la magia teatral, el humor y la temática, unidos a
la música, provoquen momentos de verdadera felicidad y reflexión para disfrutar en familia.
• La compañía granadina Etcétera, fundada en 1981 por Enrique Lanz y Fabiola Garrido,
se ha consolidado como una de las más reconocidas internacionalmente. La excelencia y
versatilidad de su trabajo la han convertido en un referente de calidad dentro del teatro
de títeres contemporáneo español. Etcétera ha estrenado diferentes espectáculos entre los
que destacan: Sypnosis (1985), Trans (1990), Pedro y el lobo (1997), La serva padrona (1998),
Soñando el carnaval de los animales (2004). Estas creaciones han conocido un significativo
éxito del público y la crítica, que les ha permitido presentarse en los más importantes
festivales de títeres y música a nivel internacional, viajando por una docena de países,
actuando además en los teatros de mayor renombre de la escena española. El trabajo de
Etcétera se podría identificar por la escenificación de obras musicales con títeres para todos
los públicos, pero más allá de esta evidencia, lo que distingue su obra es la poesía de sus
espectáculos, la concienzuda búsqueda estética para crear los títeres y la investigación
continua como motor y eje de todos los proyectos. Debemos destacar, por su repercusión
pública, su colaboración ininterrumpida con el Gran Teatre del Liceu de Barcelona desde la
temporada 1999/2000, donde ha presentado cuatro de sus espectáculos. Uno de los más
recientes espectáculos de Etcétera es El retablo de Maese Pedro, de Manuel de Falla estrenado
en 2009. Fue una co-producción de la compañía con el Gran Teatre del Liceu, el Teatro Real,
47

el Teatro de la Maestranza, el Teatro Calderón, la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera,
y la Ópera de Oviedo, con la colaboración de la Junta de Andalucía. En 2009 Etcétera estrenó
también La caja de los juguetes, de Enrique Lanz, a partir de músicas de Claude Debussy.
• Enrique Lanz dirige desde 1981 la compañía Etcétera. Combina su formación autodidacta
con los cursos que recibe de importantes maestros del arte escénico (Xavier Fàbregas,
Albrecht Roser, Henryk Jurkowski...) Con sus primeros espectáculos, Sypnosis (1985) y Trans
(1990), recorre los más importantes festivales europeos de títeres. En 1996 coproduce con
el Ensemble Instrumental de la Société de Musique Ancienne, el Choeur Départamental des
Alpes Maritimes y el Théâtre de la Massue, el oratorio Motets en Dialogue de G. Bouzignac.
Ese año Trans es invitado al Festival Internacional de Títeres de Teherán, donde resulta
seleccionado como mejor espectáculo; lo mismo ocurre en 1998 con Sypnosis. En 1997 Lanz
dirige Pedro y el lobo, que en 1999 obtiene el Premio Nacional Teatralia al mejor montaje para
niños. Hasta hoy acumula más de dos mil representaciones en España, Europa y América.
A partir de ese momento la labor del director se perfila hacia la realización de montajes de
títeres que poseen como fuente el repertorio de la música clásica: La serva padrona (1998),
Historia de Babar el elefantito (2001) y Soñando el carnaval de los animales (2004), El teatrino
de Bernat (2005), El retablo de maese Pedro (2009), La caja de los juguetes (2009). El desván de
los juguetes, llega al Teatro Real en 2011. Ha sido comisario de varias exposiciones dedicadas
a su abuelo, el polifacético artista plástico Hermenegildo Lanz. Es comisario y diseñador de
la exposición Títeres. 30 años de Etcétera, en el Parque de las Ciencias de Granada.
• Yanisbel V. Martínez es Licenciada en Arte Teatral en el Instituto Superior de Arte de
la Habana. Entre 1993 y 1999 trabaja con diferentes compañías teatrales en Cuba. Sus
espectáculos reciben varios premios y excelentes críticas. En 1999 viaja a Francia para
estudiar teatro de títeres en la Escuela Superior Nacional de Artes del Títere y luego en
la Sorbonne Nouvelle. Cursa dos Masters en Arte Teatral, investigando sobre el teatro de
títeres contemporáneo. Ha trabajado con varias compañías internacionales como Turak
Théâtre, Kilkis Puppet Company, Thang Long Water Puppet Theatre y Teatro Nacional de
Títeres de Vietnam. Entre 2003 y 2007 dirige en Salamanca la compañía de títeres Alánimo
Teatro. En 2007 se integra a la compañía Etcétera, como ayudante de dirección de Enrique
Lanz. En esta agrupación trabaja además como responsable de producción, manipuladora
de títeres y actriz. Ha impartido numerosos talleres y cursos de teatro en Cuba, Venezuela,
Francia, Tailandia, Grecia, España y Vietnam. Colabora desde 1997 con revistas teatrales
cubanas: Tablas, Conjunto, Mojiganga; así como en la organización de festivales, eventos y
publicaciones de teatro en Cuba.
48

¿Cuántas personas serían capaces de interpretar el Bolero de Ravel? Un concierto
sorprendente para un nuevo reto de los jóvenes músicos cántabros
DOMINGO, 23 DE AGOSTO
Palacio de Festivales • Sala Argenta • 12 h. • Jornada Familiar
EL BOLERO DE RAVEL
Joven Orquesta de Cantabria
Jaime Martín, director y presentador
Con música del Bolero de M. Ravel y La Consagración de la Primavera de I. Stravinsky
Duración total aproximada: 70’ sin descanso
• La Joven Orquesta de Cantabria nace en el año 2011 como un proyecto necesario y
esperado en una región que está viendo crecer la cantidad y calidad de sus jóvenes talentos
musicales, y pretende ser punto de encuentro artístico para los músicos en etapas previas a
su integración profesional, al tiempo que formativo en el terreno de la práctica sinfónica y
camerística. La orquesta realiza varios encuentros anuales que culminan con la realización
de conciertos, fundamentalmente en la región. Ha recibido desde el inicio el impulso de
la Consejería de Educación, Cultura y Deporte de la comunidad, con el apoyo de otras
entidades públicas y privadas. Fue dirigida por el maestro Emilio Otero hasta 2013, cuando
Jaime Martín asumió la dirección titular. La Orquesta se ha presentado en el seno del Festival
Internacional de Santander en 2013. En marzo de 2014, la orquesta de cámara de la JOSCAN
ha sido invitada como ensemble en residencia en Crans-Montana (Suiza).
• Jaime Martín ha sido aclamado internacionalmente como director tras una brillante
carrera como flautista. Es Director Artístico y Director Principal de la Gävle Symphony
Orchestra desde septiembre de 2013 y recientemente ha sido designado Principal
Director Invitado de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León. Es además Director Titular
de la Orquesta de Cadaqués y Director Artístico del Festival Internacional de Santander.
En su apretada agenda es invitado regularmente a dirigir una larga lista de orquestas entre
las que se destaca la London Philharmonic Orchestra, Orchestre Philharmonique de Radio
France, Orquestra Sinfónica de Barcelona, Orchestre National du Capitol de Toulouse,
Royal Liverpool Philharmonic, Swedish Radio Symphony, Symphonic Orchestra de Sao
Paulo, London Mozart Players, Irish y English Chamber Orchestras, National Orchestra
Lyon, Lausanne Chamber Orchestra, Beijing Symphony, Academy of St Martin in the Fields
en Londres, Aarhus Symphony, Ulster Orchestra y Winterthur Orchestra.
Jaime Martín debutó en el campo operístico dirigiendo La flauta mágica en El Escorial en
Madrid y en el Festival de San Sebastián en agosto de 2012. Realizó su debut con la English
National Opera en 2013 dirigiendo El barbero de Sevilla y volverá en 2014.
Ha realizado grabaciones de obras de Halffter y Beethoven junto a la Orquesta de
Cadaqués y, de Agustí Charles y Albéniz con la Orquestra Simfònica de Barcelona i
Nacional de Catalunya, para el sello Tritó con gran éxito de la crítica. Sus grabaciones como
solista incluyen, entre otras, Conciertos de Mozart con Sir Neville Marriner, la grabación
del estreno de la Sinfonietta Concierto para flauta y orquesta escrita para él por Xavier
Montsalvatge y dirigido por Gianandrea Noseda, obras para flauta, violín y piano de Bach
con Murray Perahia y la Academy of St. Martin in the Fields para Sony y un Cuarteto para
49

flauta de Mozart para el sello EMI.
Nacido en Santander, España, Jaime Martín estudió con Antonio Arias en Madrid y después
con Paul Verhey en La Haya, Holanda.
50

La agrupación española Accademia del Piacere hará un recorrido por la música
antigua española bajo sus señas de identidad: emoción, fuerza y vanguardia
VIERNES, 7 DE AGOSTO
Palacio de Festivales • Sala Pereda • 20:30 h.
ACCADEMIA DEL PIACERE
Fahmi Alqhai, viola da gamba y dirección
Rami Alqhai, viola da gamba
Johanna Rose, viola da gamba
Enrique Solinís, vihuela y guitarra barroca
Fantasías, diferencias y glosas sobre música española en los siglos XVI y XVII
Anónimo
• Moresca
“Antonio de las obras” (Antonio Cabezón) y Fahmi Alqhai
• La dama le demanda
Jacobus Arcadelt Diego Ortiz y Fahmi Alqhai
• O felici occhi miei
“Antonio de las obras” (Antonio Cabezón) y Fahmi Alqhai
• Diferencias sobre Guárdame las vacas
“Antonio de las obras” (Antonio Cabezón)
• Tientos III en el primer tono
Cristóbal de Morales y Fahmi Alqhai
• Glosado sobre el Peccantem me quotidie de Morales
Fahmi Alqhai
• Glosa sobre Mille Regretz de Josquin Desprez
Hernando de Cabezón, arr. Fahmi Alqhai
• Susana un jur glossada
Improvisación
• Xácaras y Folías
Bartolomé de Selma y Salaverde
• Susana passeggiata
Gaspar Sanz y Fahmi Alqhai
• Marionas y Canarios
52

• La valentía de sus innovadores proyectos, la capacidad técnica de sus músicos y la fuerte
personalidad artística de su director han hecho de Accademia del Piacere el grupo de vanguardia
de la música antigua española y uno de los punteros en Europa.
Desde sus comienzos en 2002, dedicados al repertorio alemán del XVIII, Accademia del Piacere
ha profundizado y revelado nuevos matices en repertorios fundamentales de la música
histórica, como el Seicento italiano, al que ha dedicado sus discos Le Lacrime di Eros (Premio
Prelude Classical Music 2009) y Amori di Marte, centrado en el Combattimento di Tancredi e
Clorinda de Monteverdi (Disco Excepcional Scherzo 2011 y CD Tipp en Toccata Magazine,
Alemania), o la música de cámara francesa de la corte del Rey Sol, registrada en Les violes
du Ciel et de l’Enfer (nominado al premio de la crítica europea International Classical Music
Award 2011). En todos ellos la crítica ha destacado el fascinante y directo poder de comunicación
hacia el público de Accademia, gracias a su concepción de la música histórica como
algo vivo, lleno de emociones que sus músicos interiorizan como propias y transmiten al
espectador.
En 2011 Accademia del Piacere convulsionó el mundo de la música histórica con “Las Idas
y las Vueltas”, una incursión por el mundo del flamenco y sus conexiones con la música barroca
realizada en colaboración con el cantaor Arcángel, que le valió el Giraldillo a la Mejor
Música de la Bienal de Flamenco de Sevilla 2012 y un gran éxito discográfico a nivel europeo
como cuarto CD del sello fundado por Fahmi y Rami, Alqhai&Alqhai.
Igualmente valiente es su siguiente proyecto discográfico, que revive el apasionante mundo
de la improvisación en la España del 1600: Rediscovering Spain (2013), donde de nuevo Alqhai
y Accademia arriesgan, y ofrecen nuevas glosas al público de hoy.
El reconocimiento a nivel español y europeo ha valido a Accademia su presencia en los
escenarios más prestigiosos de la música clásica europea y mundial: entre otros muchos, ha
visitado recientemente el Konzerthaus de Berlín y el de Viena, la Philharmonie de Colonia,
el Festival Händel de Halle, la Fundação Gulbenkian de Lisboa, el Festival de Música Antigua
de Brujas, el Auditorio Nacional de Madrid y el Festival Internacional Cervantino de México,
además de otros muchos festivales de Holanda, Alemania, Bélgica, Suiza, España... Los
conciertos de Accademia del Piacere son regularmente emitidos en directo por la Unión
Europea de Radiodifusión desde sus emisoras asociadas, como RNE, NDR de Alemania, Radio
della Svizzera Italiana o la Radio Checa, y han aparecido en múltiples emisiones televisivas.
• Fahmi Alqhai es considerado hoy como uno de los más importantes intérpretes de viola
da gamba del mundo, y uno de los mayores renovadores de la interpretación de la música
antigua, gracias a su concepción arriesgada, personal y comunicativa del acercamiento a los
repertorios históricos.
Nacido en Sevilla en 1976 de padre sirio y madre palestina, pasa sus primeros once años de
vida en Siria, donde comienza su formación musical a muy temprana edad. Más tarde en
España estudia de manera autodidacta hasta ingresar en 1994 en el Conservatorio Superior
de Sevilla Manuel Castillo para estudiar la viola da gamba con Ventura Rico. Continúa su formación
en la Schola Cantorum Basiliensis (Basilea) y el Conservatorio della Svizzera Italiana
(Lugano) guiado por los maestros Paolo Pandolfo y Vittorio Ghielmi, respectivamente. Paralelamente
obtiene la Licenciatura de Odontología por la Universidad de Sevilla.
Ya en 1998 comienza su carrera de solista especializándose en el repertorio alemán para la
viola da gamba; sus versiones de las sonatas de viola da gamba y clave obligado de Johann
Sebastian Bach, grabadas en 2004 junto a Alberto Martínez Molina, han tenido en todas sus
actuaciones una inmejorable crítica tanto por el público como por la prensa especializada.
En 2002 funda Accademia del Piacere junto a la soprano Mariví Blasco, conjunto del que es
director. Es también fundador, junto a su hermano Rami Alqhai, del sello discográfico Alqhai
& Alqhai, con el que ha producido y grabado cuatro CDs de Accademia, dos de ellos dedica-
53

dos al Seicento italiano (Le Lacrime di Eros, Premio Prelude Classical Music 2009, y Amori di
Marte) y un tercero a la música virtuosa para viola da gamba de Marais y Forqueray (nominado
a los International Classical Music Awards 2011). En 2012 Fahmi Alqhai recibió el Giraldillo
a la Mejor Música de la Bienal de Flamenco de Sevilla 2012 por la música de su cuarto CD, Las
idas y las vueltas, junto al cantaor Arcángel. Como director de Accademia del Piacere Alqhai
ha actuado en lugares como el Konzerthaus de Viena (Austria), el Konzerthaus de Berlín, la
Philharmonie de Colonia (Alemania), la Fundación Gulbenkian de Lisboa (Portugal), el Parco
della Musica de Roma (Italia), el Auditorio Nacional de Madrid (España), el Festival Internacional
Cervantino de Guanajuato (México) y muchos otros.
En 2014 presenta en Glossa su primer CD a solo, A piacere, cuya renovadora concepción de
la viola da gamba histórica recibe una excelente acogida en España, Alemania y toda Europa.
Para la revista británica Gramophone es un CD “extraordinario” que “lleva la viola da gamba
a un nuevo terreno de gozoso potencial”, y “un feliz tributo a todo lo que la viola pudo haber
sido, y puede aún ser”.
Requerido desde muy joven por las mejores formaciones del panorama internacional de
la música antigua, ha sido integrante habitual de numerosos y afamados conjuntos, tales
como Hesperion XXI (Jordi Savall) o Il Suonar Parlante (Vittorio Ghielmi). Es miembro fundador
de More Hispano (Vicente Parrilla). Con ellos, con Accademia del Piacere y en recitales a
solo ofrece regularmente conciertos en las mejores salas de Europa, Japón, EEUU y Latinoamérica.
En calidad de solista ha actuado con orquestas de la talla de Orquesta Nacional de España,
Orquesta Filarmónica de Galicia, Ensemble Vocal de Lausanne (Michael Corboz), Orquesta
Barroca de Sevilla y Al Ayre Español, entre otras. Realiza además incursiones en el campo de
la música contemporánea y el jazz con artistas de la importancia de Uri Caine.
Ha realizado numerosas grabaciones para sellos discográficos (Alia Vox, Glossa, Winter &
Winter, Tactus, Arsis, Enchiriadis, etc.), televisiones y radios de Europa, Asia y América.
Desde 2009 es director artístico del FeMAS, Festival de Música Antigua de Sevilla.
VIERNES, 14 DE AGOSTO
Palacio de Festivales • Sala Pereda • 20:30 h.
SOLISTAS DE LA ORQUESTA DE CADAQUÉS
Con JAIME MARTÍN, flauta
W.A. Mozart
• Cuartetos con flauta
L.V. Beethoven
• Septimino
54

La agrupación barroca interpretará partituras inéditas de música de la corte española
encontradas en el archivo del Palacio del Real, con la prometedora voz de la soprano Alicia Amo
SÁBADO, 15 DE AGOSTO
Palacio de Festivales • Sala Pereda • 20:30 h.
MUSICA BOSCARECCIA
Alicia Amo, soprano
Andoni Mercero, violín y dirección
Alexis Aguado, violín
Mercerdes Ruiz, violonchelo y viola da gamba
Juan Carlos de Múlder, archilaúd y guitarra
Carlos García-Bernalt, órgano y clave
Dulze Acento
Cantadas sacras y sonatas de Francisco Corselli
• Dulze azento, voz Canora
Recitativo: Cómo podrá mi Lengua balbuciente - Aria: Dulce azento, voz Canora
Recitativo: Cante pues de Misterio - Aria: Si el hombre no puede dar
Jornada patrocinada por:
PRESMANES
JOYEROS
• Sonata para violín y bajo en re menor
• Oh, ¡qué suerte, mi Dios!
Recitativo: Oh, ¡qué suerte, mi Dios! – Aria: Si amoroso y agradable
• Sonata para violín y bajo en Re Mayor
• Si aquel Monarca de Israel
Recitativo: Si aquel Monarca de Israel - Aria: Ya Dueño amoroso
Recitativo: Nuevas Aras David dedicó - Aria: Culto dará incesante
• El ensemble Musica Boscareccia toma prestado su nombre de la colección de canciones
publicada por Johann Hermann Schein en Leipzig en 1621 (“Musica Boscareccia” - música del
bosque- o “Wald Liederlein”-cancioncillas del bosque-, como reza la primera página de esta
edición). Es una agrupación de instrumentación variable que se dedica principalmente a la
interpretación del repertorio vocal camerístico de los siglos XVII y XVIII, desde la canción a
una voz con bajo continuo hasta las cantatas con acompañamiento instrumental. Se trata
por tanto de un repertorio amplísimo y extraordinariamente variado que aún encierra muchas
composiciones poco conocidas por el gran público, obras inéditas y piezas que todavía
esperan a ser redescubiertas. Así bien, el propósito de Musica Boscareccia es reunir en su
repertorio obras compuestas por compositores bien conocidos por los melómanos con ese
repertorio poco frecuente que merece un lugar en las salas de concierto.
Los miembros que integran Musica Boscareccia colaboran regularmente con algunas de las
principales agrupaciones barrocas del panorama musical español e internacional y su actividad
concertística les lleva a participar asiduamente en los más importantes festivales de
música y salas de concierto.
55

• Alicia Amo nace en Santander en 1984. Comienza sus estudios de violín en el conservatorio
Antonio de Cabezón (Burgos). Continúa en Musikene (País Vasco) obteniendo el título superior
con las más altas calificaciones. Seguidamente realiza un Máster en violín y comienza
sus estudios de canto en la Universität für Musik de Graz. Se traslada a Basilea y allí estudia
Bachelor y Máster en canto en la Schola Cantorum Basiliensis con Gerd Türk y Alessandro
di Marchi entre otros, obteniendo Matrícula de Honor. Recibe consejos de Anne Sofie von
Otter, Thomas Hampson, Christophe Coin, Eduardo López Banzo, Andreas Scholl, María Espada,
Emma Kirkby, Rosa Domínguez, Carlos Mena, Richard Levitt, Margreet Honig, etc. También
estudia violín barroco y realiza dos Operastudio con Pablo Maritano y Alberto Zedda.
Es ganadora del VIII Concorso Internazionale di Canto “Francesco Provenzale” (Nápoles), del rol
principal en Atelier Lyrique (Estrasburgo), de la residencia en el Festival d’Ambronay, de los premio-beca
Jóvenes Excelentes de Caja de Burgos y Fonds Marie-Louise (Basilea), del concurso Regino
Sáinz de la Maza y es finalista del XXIV Concours International de Chant Clermont- Ferrand,
del I Concurso Internacional Ópera de Tenerife y del Chamber Music Competition Aberdeen.
Actúa como soprano solista junto a numerosas agrupaciones de toda Europa como Café
Zimmermann, Zürcher Kammerorchester, Le Parlement de Musique, Orchestra di Camera di Lugano,
Orquesta Sinfónica de Burgos, Orquesta Sinfónica de Reinach, etc. y funda Musica Boscareccia
junto a A.Mercero, ensemble con el cual realiza la grabación de cantadas sacras inéditas
de F.Corselli. Canta La flauta Mágica de W.A.Mozart como Pamina (W.Schmidt - Graz),
Dido y Eneas de H.Purcell como Belinda (O.Gershensohn - Burgos), La Liberazione de Ruggiero
de G.Caccini como Nunzia (G.Paronuzzi - Basilea y Semperoper Dresde), Ariodante de
G.F.Händel como Dalinda (A.Marcon - Basilea), L’Orfeo de C.Monteverdi como Musica y Proserpina
(S.Schwannberger - Hannover), Orpheus ou l’inextinguible soif de vengeance d’Orasia
de G.P.Telemann como Orasia (M.Gester - Strasbourg, Mulhouse, Spa y Offenburg), Carmina
Burana de C.Orff (J.Castro - Burgos), De lo humano… y lo divino como principal rol femenino
(C.Mena-Teatro de la Zarzuela de Madrid),Oratorio di Natale de G.L.Lulier como Angelo
(R.Alessandrini - Basilea), etc.
Alicia Amo también es miembro de ensembles dirigidos por T.Koopman, A.Marcon,
A.Recasens W.Testolin y M.Pascucci y es profesora en AIMAntiqua y Baroque Opera Studio
(Universidad de Burgos).
En su trayectoria como violinista ha sido solista y concertino de la Joven Orquesta Nacional
de España (JONDE) y Orquesta Sinfónica de Burgos, miembro de la European Union Youth Orchestra
(EUYO), Steirische Philarmonie, I Barocchisti (D. Fasolis), y ha colaborado con la Orquesta
Sinfónica de Euskadi, Orquesta de la Radio Televisión Española y Orquesta Barroca de Sevilla.
Entre sus próximos proyectos como soprano solista cabe destacar la representación de La
Susanna de A.Stradella en el papel de Susanna (Ginebra), recitales en el Royal College (Londres)
y junto a E. López Banzo en Arolsen Festival, y la grabación de los oratorios de G. Carissimi,
madrigales de L. Marenzio y cantatas para soprano recién descubiertas de A. Stradella
con René Jacobs (Venecia).
• Andoni Mercero nace en San Sebastián, donde comienza sus estudios de violín y viola,
obteniendo el grado superior de violín y de música de cámara en 1994. Continúa sus estudios
en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid con Zakhar Bron, la Universidad de
Toronto con David Zafer, la Hans Eisler Hochschule für Musik de Berlin con Kim Kashkashian y
Carol Rodland y el Conservatorio de Amsterdam con Jürgen Kussmaul. Completa además su
formación con profesores como Rainer Schmitt, Veronica Hagen, Walter Levin, Richard Gwilt,
Mira Glodeanu y Lucy van Dael, entre otros.
Ha obtenido varios premios en concursos nacionales e internacionales, entre ellos el Premio
Nacional Pablo Sarasate, el Concurso Nacional de Violín Isidro Gyenes, el Concurso Internacio-
56

nal Julio Cardona en Portugal, el Concurso de Música de Cámara Vittorio Gui en Florencia o
el Premio Bonporti de violín barroco y música de cámara con instrumentos originales en Rovereto
(Italia).
A. Mercero ha dirigido, desde el puesto de concertino, la Orquesta Ciudad de Granada, la Orquesta
Sinfónica de Burgos, la Orquesta Barroca de Salamanca y la Orquesta Barroca de Sevilla.
Es concertino habitual de la Orquesta Barroca de Sevilla, Al Ayre Español y la Orquesta Sinfónica
de Euskadi y ha sido concertino invitado de la Ópera de Oviedo, la Accademia Bizantina, I
Barocchisti, la Capilla Santa María de Vitoria, la Orquesta Sinfónica del Vallés, la Capilla Real de
Madrid, La Cetra Barockorchester Basel y la Kammerorchester Zürich. Ha sido además invitado
como viola solista por la Orquesta Sinfónica Giuseppe Verdi en Milán, la Orquesta de Radiotelevisión
española, la Orquesta de Euskadi, la Orquesta Ciudad de Barcelona, y ha ocupado la
plaza de viola solista de la Orquesta Ciudad de Granada durante tres años. Asimismo colabora
regularmente con grupos como Cafe Zimmermann, Le Concert des Nations, Le Parlement de
Musique, Il Complesso Barocco y The Rare Fruits Council.
Andoni Mercero ha sido siempre muy activo en el campo de la música de cámara, tanto
con el violín como con la viola, y ha sido miembro de varios grupos como el Cuarteto Casals
o el Trío Alzugaray. Ha colaborado también con ensembles de música contemporánea,
como el Barcelona 216, el Proyecto Gerhard y el Ensemble TAIMA de Granada. Actualmente es
miembro del Cuarteto Granados, de Mensa Harmonica y es además director del grupo Musica
Boscareccia, con el cual ha grabado recientemente cantadas inéditas y sonatas para violín de
Francesco Corselli.
Ha actuado como solista con la Orquesta Ciudad de Granada, la Orquesta Sinfónica de Burgos,
la Orquesta Barroca de Sevilla, la Camerata Strumentale di Prato (Italia) y la Orquesta de Cámara
de Mantua (Italia).
Colabora también como profesor en varios cursos como el Curso de verano de
Lucena, la Escuela Internacional de Música de la Fundación Príncipe de Asturias, la Joven
Orquesta Nacional de España (JONDE) y la Academia de Música Antigua de la Universidad de
Salamanca. Actualmente Andoni Mercero es profesor de cuarteto de cuerda en Musikene
(Centro superior de estudios musicales del País Vasco).
57

La delicadeza de un quinteto de viento formado por músicos españoles, premiado en el
prestigioso Concurso Internacional de Música ARD y con una brillante carrera musical
en Europa
LUNES, 17 DE AGOSTO
Palacio de Festivales • Sala Pereda • 20:30 h.
AZAHAR ENSEMBLE
Frederic Sánchez, flauta
María-Alba Carmona, oboe
Antonio Lagares, trompa
María José García, fagot
Gonzalo Esteban, clarinete
Wolfgang Amadeus Mozart
• Andante en Fa Mayor KV 616 “für eine Orgelwalze”
Samuel Barber
• Summer Music for Wind Quintet Op.31
José Luis Turina
• Die Windsbraut (La novia del Viento) Estreno absoluto. Obra dedicada a Azahar
Ensemble
Giya Kancheli
• Quinteto de Viento
Paul Hindemith
• Kleine Kammermusik, op. 24 N. 2
Duración total aproximada: 1h 20’
• Azahar Ensemble se forma en el seno de la Joven Orquesta Nacional de España en el
verano de 2010. Desde el primer momento los miembros del grupo sintieron una fuerte
conexión musical y se sorprendieron de que sus sonidos individuales empastaban de una
manera muy natural, creando un sonido de grupo especial. Con la motivación de desarrollar
y explorar las posibilidades artísticas que tocar juntos les podía ofrecer, decidieron dar
comienzo a un proyecto conjunto y propio: Azahar Ensemble.
Gracias a la beca para estudios de música de cámara otorgada por la fundación JONDE/BBVA
Azahar Ensemble tuvo la posibilidad de estudiar en la Hochschule für Musik der Stadt Basel
(Suiza) con el fagotista Sergio Azzolini, sin la cual los primeros pasos del quinteto no habrían
sido posibles.
Azahar Ensemble ha sido premiado en diversos concursos, entre los que destacan el
“ORPHEUS Swiss Chamber Music Competition” 2011, donde el grupo fue premiado e
invitado al Festival Internacional de Música de Cámara de Adelboden (Suiza); el Concurso
Internacional de Música “El Primer Palau” 2012 (Barcelona), donde obtuvo el 2º Premio y el
“63º Concurso Internacional ARD de Múnich” 2014, en el cual Azahar Ensemble recibió el
58

2º Premio (quedando el 1º desierto), el Premio del Público y el Premio Especial “ifp-Musik”.
Tras el resultado obtenido en el Concurso Internacional ARD se abre para Azahar Ensemble
la posibilidad de iniciar una carrera artística a nivel internacional. Entre los futuros proyectos
del grupo se encuentran su debut en la Sala de Cámara de la Philharmonie de Berlín, la
invitación por parte del Ensemble Pentaèdre para participar en el Festival de Música
de Cámara “Les Journées des Vents” en Montréal, una gira en China organizada por Wu
Promotion’s , la participación en Festivales Internacionales como el de Davos y Santander, y
así como diversos conciertos por Europa.
59

El Brodsky Quartet interpretará sus especialidades: Shostakovich y Beethoven
JUEVES, 20 DE AGOSTO
Palacio de Festivales • Sala Pereda • 20:30 h.
BRODSKY QUARTET
Aleksander Borodin
• Scherzo en Re Mayor de “Les Vendredis”
Dimitri Schostakovich
• Cuarteto N. 8
Ludwig van Beethoven
• Cuarteto Op. 130
Duración total aprox: 1h 30’
“Lo que resulta más llamativo de toda la trayectoria musical de Brodsky Quartet es su desbordante
amor por la música”.
Gramophone (Junio de 2012)
Daniel Rowland, violin, Ian Belton, violin, Paul Cassidy, viola y Jacqueline Thomas,
violonchelo
• Desde su formación en 1972, el Brodsky Quartet ha realizado más de 3000 conciertos
en los principales escenarios del mundo y ha publicado más de 60 grabaciones. Una curiosidad
natural y un deseo insaciable de explorar ha impulsado al grupo hacía muy diversas
direcciones artísticas lo que les ha proporcionado no sólo una posición relevante dentro
del actual mundo de la música de cámara sino también una rica y variada existencia musical.
Su energía y pericia les ha reportado numerosos premios y el reconocimiento del mundo
entero lo que, unido a su gran amor y dedicación por la labor educativa, les ha llevado a
transmitir toda esta experiencia a las siguientes generaciones.
A lo largo de sus 40 años de profesión ha actuado en muchos de los principales festivales y
auditorios del Reino Unido y regularmente graba y colabora con la BBC. El cuarteto mantiene
una apretada agenda internacional y ha realizado frecuentes giras por Australia, América
del Norte y del Sur, Asia, Suráfrica y Europa. Durante estos años ha manifestado un especial
interés por la realización de ciclos e integrales: Schubert, Beethoven, Tchaikovsky, Britten,
Schönberg, Zemlinsky, Webern, Bartok, Shostakovich… una pasión que siempre ha caracterizado
al cuarteto.
Es, sin embargo, la Integral de los cuartetos de Dmitri Shostakovich la que se ha convertido
en sinónimo de su nombre. En 1994 realiza en seis conciertos su primera Integral de los
Cuartetos de Dmitri Shostakovich en España: “El Lenguaje Secreto”.
El cuarteto ha realizado también una importante carrera discográfica y 2012 marcó también
el comienzo de una nueva y exclusiva relación con Chandos Records. El primer disco del
Cuarteto para el sello: “Petits Fours” fue lanzado en febrero de 2012 y es un álbum-celebración
de piezas breves, ideado exclusivamente por el Cuarteto para su 40 aniversario. En abril
60

de 2012, Chandos brindó a Brodsky Quartet la oportunidad de realizar un proyecto largamente
acariciado por el cuarteto: la grabación del cuarteto de Debussy junto a “Deux Danses”
para cuarteto de cuerdas y arpa, y en marzo de 2013, Chandos lanza “In the South” con
obras de Verdi Paganini, Wolf y Puccini. Los últimos premios recibidos incluyen el “Diapason
d’Or” y el “Choc du Monde de la Musique” por sus grabaciones con los cuartetos de Britten,
Beethoven y Janacek. Y, “por su destacada contribución a la innovación en la programación” el
cuarteto ha recibido el Royal Philharmonic Society Award.
Ha impartido clases magistrales en numerosos cursos internacionales de música de cámara
y ostentado el título de “Cuarteto en Residencia” en diversas instituciones de música, siendo
el primero el de la Universidad de Cambridge. Actualmente son International Fellows
of Chamber Music en el Royal Conservatoire of Scotland y ostentan el título de Doctores
Honorarios de la Universidad de Kent y de la Universidad Teesside.
El cuarteto toma su nombre del gran violinista ruso Adolf Brodsky, especializado en el concierto
para violín y orquesta de Tchaikovsky y apasionado músico de cámara
Daniel Rowland toca un violín Lorenzo Storioni, Cremona 1793. El violín de Ian Belton es
un Gio. Paolo Maggini, c.1615. Jacqueline Thomas toca un violoncello Thomas Perry de
1785. Paul Cassidy toca una viola “La Delfina” (c. 1720) cedida por cortesía de Dña. Delfina
Entrecanales.
61

DOMINGO, 2 DE AGOSTO
Palacio de Festivales • Sala Pereda • 20:30 h.
50 AÑOS DE LA ORQUESTA SINFÓNICA DE RTVE
Proyecciones y encuentro con
Alfonso Aijón, primer gerente y Mikaela Vergara, actual Directora gerente
Duración total aprox: 1h 30’
MIÉRCOLES, 19 DE AGOSTO
Palacio de Festivales • Sala Pereda • 20:30 h.
Proyección “LA CONSAGRACIÓN DE LA PRIMAVERA”
Coreografía de Maurice Béjart
Una producción de Mezzo Tv / Fundación Béjart Ballet Lausanne y Fundación Maurice Béjart
Rubén Amón, periodista
JUEVES, 27 DE AGOSTO
Palacio de Festivales • Sala Pereda • 20:30 h.
Proyección “UNA ROSA PARA SOLER”, documental dirigido por Arantxa Aguirre
Cuarteto Bretón
Rosa Torres-Pardo, piano
• Quinteto N. 3 en Sol Mayor de Antonio Soler
Duración total aprox: 1h 30’
63

DOMINGO, 2 DE AGOSTO
Palacio de Peñas Blanca • Miengo • 21:30 h.
LUNES, 3 DE AGOSTO
Jardines del Marqués de Albaicín • Noja • 22 h.
En colaboración con:
COLINA MIRALTA SAMBEAT TRÍO
Javier Colina, contrabajo
Marc Miralta, batería
Perico Sambeat, saxo y flauta
Danza Guaná
• Apocalypso (Perico Sambeat)
• Kalimba (Perico Sambeat)
• Camino del Batey (Perico Sambeat)
• Una cana al aire (Perico Sambeat)
• You don’t know what love is (Raye-De Paul)
• Mirasambolina (Marc Miralta)
• Juramento (Miguel Matamoros)
• Danza guaná (Perico Sambeat)
• Dos mundos (Perico Sambeat)
No hay dos sin tres. Colina Miralta Sambeat CMS Trío se ha tomado su tiempo, su distancia
con el exitoso disco precedente, Andando (Universal 2009); un disco, el segundo, que les
consolidó en ese inquieto terreno en el que el jazz convive con el flamenco y recibe con los
brazos bien abiertos las músicas latinas y africanas, sabiendo que es mucho lo que les une.
Habrán pasado 6 años y en lugar de agotar recursos y cerrar vías de inspiración, han
interiorizado la propuesta para convertir lo que podían ser pinceladas de color en una
auténtica comunión cromática. El estilo CMS se mueve con facilidad pasmosa entre bulerías,
danzones, boleros, calipsos, soleás y esos densos desarrollos jazzísticos que en directo
levantan al público de sus butacas.
Danza Guaná es la nueva etapa de un camino firme y personal que sabe acercarse al público
sumando intensidad a lo popular.
• Colina Miralta Sambeat Trío es una formación que ha sido base de muchos proyectos
de jazz y otros estilos como el flamenco o la música cubana. Su álbum debut Colina Miralta
Sambeat Trio (Contrabaix) fue uno de los discos de jazz más vendidos en España en 2007 y
fue nominado a mejor disco de jazz en los Premios de la Música 2008.
Tras un gran éxito discográfico y musical, y más de 50 conciertos en las grandes capitales
del mundo como Londres, Paris, Frankfurt, Montevideo o Buenos Aires, en 2009 CMS Trio
presentó su segundo álbum, Andando (Universal); un disco lleno de pasión y creatividad,
donde se fusionaban estilos como el bop, el latin y el flamenco.
“CMS conforman un trío de tres estrellas absolutamente consagradas que han conseguido
algo al alcance de muy pocos músicos de jazz, no sólo nacionales sino también internacionales:
poner de acuerdo la crítica y el público en la calidad de la propuesta y vender una cifra de
discos poquísimas veces vista en un músico español.” Distrito Jazz
“El CMS Trio volvía al festival donde se dio a conocer en sociedad [] y lo hizo con un
concierto de gran altura que nos permitió disfrutar, sin minusvalorar a sus compañeros, de
65

las excelencias de un Colina magistral con el contrabajo []” La Vanguardia
[] Sonido colosal, magnifico y sensacional correspondiente a las siglas CMS de los músicos
Javier Colina, Marc Miralta y Perico Sambeat. Tres individuos de primera magnitud []” Avui
66

DOMINGO, 2 DE AGOSTO
Iglesia de Santa María • Laredo • 20:30 h.
En colaboración con:
PEDRO GUALLAR, órgano
Obras de A. Guilmant, N. Otaño, J.M. Udandizaga y F. Peters
ASOCIACIÓN PARA CONSERVACIÓN
DE LOS ÓRGANOS DE CANTABRIA
MIÉRCOLES, 5 DE AGOSTO
Iglesia de San Juan • Colindres • 21 h.
JUEVES, 6 DE AGOSTO
Iglesia de San Román • Viérnoles • 21 h.
TRÍO VEGA
Marc Paquin, violín
Orfilia Saiz Vega, violonchelo
Domenico Codispoti, piano
Mujeres compositoras
Elfrida Andrée
• Trío para violín, violonchelo y piano N. 2 en Sol Menor
Teresa Carreño
• Vals. Allegretto
Fanny Mendelssohn
• Trío para violín, violonchelo y piano en re menor Op.11
• El Trío Vega está compuesto por el violinista Marc Paquin, la violonchelista Orfilia Saiz
Vega y el pianista Domenico Codispoti. Sus componentes han sido galardonados con varios
premios en concursos nacionales e internacionales.
Con esta y otras agrupaciones han actuado en salas de Inglaterra, Francia, Suiza, España,
Italia, República Checa y en Estados Unidos, los Emiratos Árabes, entre las que cabe destacar,
Wigmore Hall, Grande Salle du Conservatoire de Ginebra, Musicades de Lyon, Schubertiades
Suisses, Conservatorio de París, Fundación Botín de Santander, Fundación March, etc.
Con el objetivo de difundir tanto el repertorio clásico como la música contemporánea, el
Trío Vega pretende aportar a la escena musical del país un grupo de cámara profesional y
estable, prestando especial atención a los compositores españoles actuales y consagrados.
Recientemente han obtenido el reconocimiento del público en la Fundación Botín de
Santander, Fundación Juan March de Madrid, Auditorio de Granada y Sociedad Filarmónica
de Gijón, Sociedad Económica de Jaén, Noches en los Reales Alcázares de Sevilla y
participado en conciertos en Astana y Suiza.
67

• Marc Paquin, estudia en la Guildhall School of Music and Drama de Londres, y en su
formación para la música de cámara han participado maestros como: cuartetos Amadeus,
Takacs, Vellinger, Melos, Trío de Milano y Sir Colin Davis.
A los diez años da su primer concierto en la sala Patino (Ginebra). Desde entonces ha actuado
regularmente como solista con la Orquesta Sinfónica de Basilea, la Guildhall Symphony
Orchestra, la London Philarmonic Youth Orchestra, Aargauer Symphonie Orchester (Suiza),
Orchestre du Festival du Jura (Suiza) y con la Orquesta Ciudad de Granada, tocando
conciertos de Bach, Vivaldi, Lalo, Shostakovich, Sibelius, Beethoven, Sarasate, Saint‐Saëns…
de cuyas interpretaciones ha obtenido críticas excelentes.
Ha grabado para Espace 2 y DRS2 (Suiza), BBC2 de Londres, TVE2 española. Ha sido
galardonado con el Primer Premio en el Concurso para Jóvenes Músicos (Suiza), Primer
Premio en el Concurso Internacional “Rovere d’Oro” (Italia), Primer Premio del “Concerto
Competition” organizado por el Eastern Music Festival (USA) y Primer Premio en el Concurso
Dorothy Adams, adjudicado por el Cuarteto Takacs
Fue durante dos años profesor de música de cámara para el Junior Department de Guildhall
School of Music (Londres) y profesor en el conservatorio de la Chaux‐des‐Fonds (Suiza).
Entre 2003 y 2007 fue concertino de la Aargauer Symphonie Orchester (Suiza). Actualmente
es solista la Orquesta Ciudad de Granada.
Marc Paquin toca un violín construido en 1780 por Ferdinando Gagliano generosamente
cedido por la Fundación Brunschwig de Zurich.
• Orfilia Saiz Vega estudia en Bilbao y la Guildhall School of Music and Drama de Londres
y obtiene el Diploma de Solista en el conservatorio de Lausanne (Suiza) con el maestro
Patrick Demenga. Ha asistido a clases magistrales con maestros como Radu Aldulescu,
Frans Helmerson, Anner Bylsma, Gubaidulina En su formación para la música de cámara ha
recibido clases de maestros como Nicolae Duca, Marta Gulyas, cuartetos Amadeus, Takacs,
Vellinger, Melos, Trio de Milano y Sir Colin Davis.
Como solista ha tocado con la Orquesta de Cámara de Lausanne, Orchestre du Festival
du Jura, (Suiza), Orquesta Vivaldi de Paris, Orquesta Nacional de Transilvania y Bucarest…
interpretando conciertos de Haydn, Sain‐Saëns, Tchaikovsky y Schumann. Como miembro
de diferentes agrupaciones camerísticas ha tocado en Wigmore Hall de Londres, Festival
de Manchester, Musicades de Lyon, Schubertiades Suizas, BBC Messiaen Festival, CDMC de
Madrid, Fundación Botín de Santander, Sala del conservatorio de Ginebra, etc...
Ha grabado para TVE2, para RNE2, BBC2 Radio de Londres, y para Espace2 de la Radio Suisse
Romande un recital en directo y dos CD para el sello danés “Classico” con música de Piazzolla.
Entre 1998 y 2000 fue profesora de música de cámara en el departamento de la Junior
Guildhall School de Londres, ha enseñado en el conservatorio de Sion en 2005/2006 y
actualmente es profesora en el conservatorio de música de Granada.
Orfilia Saiz Vega toca un violonchelo Giuseppe Pedrazzini del año 1913.
• Domenico Codispoti ha sido solista con prestigiosas orquestas como: Luzerner
Sinfonieorchester, Sinfónica de la Radio de Varsovia, London Chamber Orchestra, Filarmónica
de Brno, Sinfónica Nacional de Islandia y Filarmónica Italiana, entre otras.
En los Estados Unidos ha actuado con las West Virginia Symphony, Irving Symphony, Allen
Philarmonic, Lewisville Symphony, San Angelo Symphony, y en México con la Filarmónica
de Jalisco en Guadalajara.
Como solista en España cuentan sus actuaciones con conjuntos como la Sinfónica de Galicia,
Real Filharmonia de Galicia, Sinfónica de Castilla y León, Orquesta de Córdoba y Filarmónica
Excelentia. Entre sus galardones aparecen el Premio Rendano en Roma, los concursos
internacionales de Pinerolo, Saint Vincent y T.I.M. de Roma (Italia), y los premios Cidade de
68

Ferrol y Premio Jaén (WFIMC), éxitos que abren el camino a una estable presencia en los
escenarios de toda Europa (Londres, Paris, Praga, Milán, Roma, Reykjavik), América (Steinway
Hall de New York y de Dallas, Phillips Collection de Washington, Salt Lake City, Charleston,
Guadalajara, Guatemala City, Lima) y Asia (Hong Kong, Kuala Lumpur). En España ha sido
protagonista en Festivales como Festival Mozart de La Coruña, Festival Orozco de Córdoba
y Festival de Música y Danza de Úbeda, actuando en importantes salas como Auditorio
Nacional de Madrid (Concierto n.2 de S. Rachmaninov), Auditorio de Zaragoza, Auditorio
Manuel de Falla en Granada, Auditorio de Galicia en Santiago de Compostela y Palacio de
la Opera de La Coruña, entre otros. Su debut discográfico con Dynamic es de 1997, en 2011
ha grabado en la Sala Turina de la Fundación Cajasol de Sevilla un CD dedicado a Chopin y
Schumann, edito por Cable Musical de Madrid, y es de inminente presentación un CD por
Odradek Records con música de Granados y Liszt.
69

SÁBADO, 8 DE AGOSTO
Iglesia de San Julián y Santa Basilisa • Isla • 20:30 h.
DOMINGO, 9 DE AGOSTO
Santuario de La Bien Aparecida • 20:15 h.
ACCADEMIA DEL PIACERE
Rami Alqhai, viola da gamba
Johanna Rose, viola da gamba
Enrique Solinís, vihuela y guitarra barroca
Fahmi Alqhai, viola da gamba y dirección
Fantasías, diferencias y glosas sobre música española en los siglos XVI y XVII
Anónimo
• Moresca
“Antonio de las obras” (Antonio Cabezón) y Fahmi Alqhai
• La dama le demanda
Jacobus Arcadelt, Diego Ortiz y Fahmi Alqhai
• O felici occhi miei
“Antonio de las obras” (Antonio Cabezón) y Fahmi Alqhai
• Diferencias sobre Guárdame las vacas
“Antonio de las obras” (Antonio Cabezón)
• Tientos III en el primer tono
Cristóbal de Morales y Fahmi Alqhai
• Glosado sobre el Peccantem me quotidie de Morales
Fahmi Alqhai
• Glosa sobre Mille Regretz de Josquin Desprez
Hernando de Cabezón, arr. Fahmi Alqhai
• Susana un jur glossada
Improvisación
• Xácaras y Folías
Bartolomé de Selma y Salaverde
• Susana passeggiata
Gaspar Sanz y Fahmi Alqhai
• Marionas y Canarios
70

• La valentía de sus innovadores proyectos, la capacidad técnica de sus músicos y la fuerte
personalidad artística de su director han hecho de Accademia del Piacere el grupo de
vanguardia de la música antigua española y uno de los punteros en Europa.
Desde sus comienzos en 2002, dedicados al repertorio alemán del XVIII, Accademia del
Piacere ha profundizado y revelado nuevos matices en repertorios fundamentales de la
música histórica, como el Seicento italiano, al que ha dedicado sus discos Le Lacrime di Eros
(Premio Prelude Classical Music 2009) y Amori di Marte, centrado en el Combattimento di
Tancredi e Clorinda de Monteverdi (Disco Excepcional Scherzo 2011 y CD Tipp en Toccata
Magazine, Alemania), o la música de cámara francesa de la corte del Rey Sol, registrada en
Les violes du Ciel et de l’Enfer (nominado al premio de la crítica europea International Classical
Music Award 2011). En todos ellos la crítica ha destacado el fascinante y directo poder de
comunicación hacia el público de Accademia, gracias a su concepción de la música histórica
como algo vivo, lleno de emociones que sus músicos interiorizan como propias y transmiten
al espectador.
En 2011 Accademia del Piacere convulsionó el mundo de la música histórica con “Las Idas y
las Vueltas”, una incursión por el mundo del flamenco y sus conexiones con la música barroca
realizada en colaboración con el cantaor Arcángel, que le valió el Giraldillo a la Mejor Música
de la Bienal de Flamenco de Sevilla 2012 y un gran éxito discográfico a nivel europeo como
cuarto CD del sello fundado por Fahmi y Rami, Alqhai&Alqhai.
Igualmente valiente es su siguiente proyecto discográfico, que revive el apasionante mundo
de la improvisación en la España del 1600: Rediscovering Spain (2013), donde de nuevo
Alqhai y Accademia arriesgan, y ofrecen nuevas glosas al público de hoy.
El reconocimiento a nivel español y europeo ha valido a Accademia su presencia en los
escenarios más prestigiosos de la música clásica europea y mundial: entre otros muchos, ha
visitado recientemente el Konzerthaus de Berlín y el de Viena, la Philharmonie de Colonia,
el Festival Händel de Halle, la Fundação Gulbenkian de Lisboa, el Festival de Música Antigua
de Brujas, el Auditorio Nacional de Madrid y el Festival Internacional Cervantino de México,
además de otros muchos festivales de Holanda, Alemania, Bélgica, Suiza, España... Los
conciertos de Accademia del Piacere son regularmente emitidos en directo por la Unión
Europea de Radiodifusión desde sus emisoras asociadas, como RNE, NDR de Alemania, Radio
della Svizzera Italiana o la Radio Checa, y han aparecido en múltiples emisiones televisivas.
Accademia del Piacere recibe el apoyo de:
• Fahmi Alqhai es considerado hoy como uno de los más importantes intérpretes de viola
da gamba del mundo, y uno de los mayores renovadores de la interpretación de la música
antigua, gracias a su concepción arriesgada, personal y comunicativa del acercamiento a los
repertorios históricos.
Nacido en Sevilla en 1976 de padre sirio y madre palestina, pasa sus primeros once años de
vida en Siria, donde comienza su formación musical a muy temprana edad. Más tarde en
España estudia de manera autodidacta hasta ingresar en 1994 en el Conservatorio Superior
de Sevilla Manuel Castillo para estudiar la viola da gamba con Ventura Rico. Continúa su
formación en la Schola Cantorum Basiliensis (Basilea) y el Conservatorio della Svizzera Italiana
(Lugano) guiado por los maestros Paolo Pandolfo y Vittorio Ghielmi, respectivamente.
Paralelamente obtiene la Licenciatura de Odontología por la Universidad de Sevilla.
Ya en 1998 comienza su carrera de solista especializándose en el repertorio alemán para la
viola da gamba; sus versiones de las sonatas de viola da gamba y clave obligado de Johann
Sebastian Bach, grabadas en 2004 junto a Alberto Martínez Molina, han tenido en todas sus
actuaciones una inmejorable crítica tanto por el público como por la prensa especializada.
En 2002 funda Accademia del Piacere junto a la soprano Mariví Blasco, conjunto del que es
director. Es también fundador, junto a su hermano Rami Alqhai, del sello discográfico Alqhai &
71

Alqhai, con el que ha producido y grabado cuatro CDs de Accademia, dos de ellos dedicados
al Seicento italiano (Le Lacrime di Eros, Premio Prelude Classical Music 2009, y Amori di Marte)
y un tercero a la música virtuosa para viola da gamba de Marais y Forqueray (nominado a
los International Classical Music Awards 2011). En 2012 Fahmi Alqhai recibió el Giraldillo
a la Mejor Música de la Bienal de Flamenco de Sevilla 2012 por la música de su cuarto CD,
Las idas y las vueltas, junto al cantaor Arcángel. Como director de Accademia del Piacere
Alqhai ha actuado en lugares como el Konzerthaus de Viena (Austria), el Konzerthaus de
Berlín, la Philharmonie de Colonia (Alemania), la Fundación Gulbenkian de Lisboa (Portugal),
el Parco della Musica de Roma (Italia), el Auditorio Nacional de Madrid (España), el Festival
Internacional Cervantino de Guanajuato (México) y muchos otros.
En 2014 presenta en Glossa su primer CD a solo, A piacere, cuya renovadora concepción de la
viola da gamba histórica recibe una excelente acogida en España, Alemania y toda Europa.
Para la revista británica Gramophone es un CD “extraordinario” que “lleva la viola da gamba
a un nuevo terreno de gozoso potencial”, y “un feliz tributo a todo lo que la viola pudo haber
sido, y puede aún ser”.
Requerido desde muy joven por las mejores formaciones del panorama internacional de la
música antigua, ha sido integrante habitual de numerosos y afamados conjuntos, tales como
Hesperion XXI (Jordi Savall) o Il Suonar Parlante (Vittorio Ghielmi). Es miembro fundador de
More Hispano (Vicente Parrilla). Con ellos, con Accademia del Piacere y en recitales a solo
ofrece regularmente conciertos en las mejores salas de Europa, Japón, EEUU y Latinoamérica.
En calidad de solista ha actuado con orquestas de la talla de Orquesta Nacional de España,
Orquesta Filarmónica de Galicia, Ensemble Vocal de Lausanne (Michael Corboz), Orquesta
Barroca de Sevilla y Al Ayre Español, entre otras. Realiza además incursiones en el campo de
la música contemporánea y el jazz con artistas de la importancia de Uri Caine.
Ha realizado numerosas grabaciones para sellos discográficos (Alia Vox, Glossa, Winter &
Winter, Tactus, Arsis, Enchiriadis, etc.), televisiones y radios de Europa, Asia y América.
Desde 2009 es director artístico del FeMAS, Festival de Música Antigua de Sevilla.
72

MARTES, 11 DE AGOSTO
Iglesia de San Pedro ad Vincula • Liérganes • 21h.
MIÉRCOLES, 12 DE AGOSTO
Iglesia de la Santa Cruz • Escalante • 21 h.
VESPRES D’ARNADÍ
Jordi Domenech, contratenor
Pere Saragossa, oboe
Oriol Aymat, violonchelo
Dani Espasa, clave
All´in torno d´il Senesino
Francesco Bernardi, il Senesino (1680-1759), rival de Farinelli
Música barroca alrededor de uno de los grandes castrados del siglo XVIII, Francesco Bernardi,
“Il Senesino”. Un programa de cantatas y arias de ópera y oratorio de Haendel y de sus rivales
y sucesores: Porpora y Hasse
Johann Adolph Hasse
• Piange quel fonte de la ópera Numa Pompilo
Georg Friedrich Haendel
• Obertura de la Suite n.5 HWV 532, clave solo
• Aria Qual nave smarrita de la ópera Radamisto
• Ah, stigie larve…Vaghe pupille de la ópera Orlando
• Sonata para oboe en Fa mayor HWV 363a
Nicola Porpora
• Cantata Mentre doglioso un giorno
• Sonata para violonchelo y continuo en Fa mayor
Georg Friedrich Haendel
• Cantata: Mi palpita il cor
• Nacido en Manlleu, Jordi Domenech estudia piano en la Escola de Música de Vic, en l’Estudi
Àngel Soler y en el Conservatori Superior de Música de Barcelona y canto en Royal Academy
of Music y en Guildhall School of Music and Drama de Londres.
Ha actuado con los principales coros y orquestas de Cataluña además de las Orquestas
Barrocas de Sevilla y Salamanca, las Orquestas Sinfónicas de Córdoba, Granada, Euskadi,
Sevilla y la Real Filharmonía de Galicia y con los grupos Europa Galante, Accademia Bizantina,
Venice Baroque Orchestra, Wiener Akademie, Early Opera Company, Hippocampus, London
Baroque y Al Ayre Español, en los principales festivales europeos (Glyndebourne, Moscú,
Granada, Cuenca, Viena, Utrecht y Amsterdam entre otros), los principales auditorios de
España y el Konzerthaus de Viena, La Cité de la musique de París, el Gran Teatro de Burdeos
y Saint John’s, Smith Square de Londres, entre otros.
Ha participado en el estreno de obras contemporáneas como Passione Secondo Matteo de
Adriano Guarnieri con el Coro y Orquesta del Teatro alla Scala de Milán yL’adéu de Lucrècia
Borgia de Carles Santos para la inauguración del Teatre Lliure de Barcelona.
73

En noviembre de 1999 debuta en España en un rol operístico con Orfeo ed Euridice de Gluck
para la Ópera de Sabadell. Ha cantado Giulio Cesare in Egitto de Händel, L’Incoronazione
di Poppea de Monteverdi y Boris Godunov de Mussorgsky para el Gran Teatre del Liceu de
Barcelona, Tat’jana de Azio Corgui para el Teatro alla Scala de Milán, La Didone de Cavalli
con Europa Galante en el Teatro alla Scala de Milán, Venecia y Turín La Catena d’Adone de
Mazzocchi para el Festival de Innsbruck y Amberes, Agrippina, Amadigi y Rodelinda de
Händel, Bajazet, Andromeda Liberata, Orlando furioso y Ercole sul Termodonte de Vivaldi, Carlo,
Re d’Allemagna de Scarlatti (para el Teatro Massimo de Palermo) y Orfeo y L’incoronazione
di Poppea (para la Staatsoper de Hamburgo) de Monteverdi. Ha interpretado también
los papeles principales de las óperas de Haendel Radamisto (en Los Ángeles, con Wiener
Akademie), Orlando (con Al Ayre Español) y, en el Festival Haendel de Halle y en el Musikverein
de Viena, la versión escénica del oratorio Belshazzar, también de Haendel. Paralelamente
ha cantado los grandes oratorios y cantatas de Bach, Vivaldi, Porpora, Haendel, Scarlatti,
Pergolesi y Orff y ha hecho recitales de música barroca y lieder con fortepiano.
Ha recibido premios de piano, composición y canto (Premio al mejor contratenor del
Concurso Internacional de Canto Francesc Viñas 1997).
Vespres d’Arnadí es un grupo especializado en la interpretación del repertorio barroco con
instrumentos de época creado en 2005 bajo la dirección de Dani Espasa y Pere Saragossa.
Ofrecen versiones llenas de emoción, frescura y espontaneidad utilizando, además de
criterios propios, los diferentes legados en tratados, crónicas y estudios actuales sobre la
música barroca.
Grandes intérpretes forman parte de la formación, colaboradores también de grupos
como Les Talents Lyriques, Accademia Bizantina, Friburg Barockorkester, Europa Galante o
Ensemble Matheu, entre otros.
El grupo ha actuado en prestigiosos Festivales y salas de conciertos de Europa, como por
ejemplo el Festival Via Stellae, en el que en 2012 abordaron su primera ópera completa,
Rodelinda de Handel.
Su primer disco aparecido en 2009 está dedicado a las suites instrumentales del compositor
marsellés Charles Desmazures, quien en 1702 las dedicó a María Gabriela Luisa de Saboya. En
2011 presentan su segundo disco dedicado a la obra religiosa de Josep Mir i Llussà. Ambos
discos han recibido diferentes premios y excelentes críticas en revistas especializadas de
Europa, Asia y América.
Las Academias, nombre que recibían los conciertos privados del siglo XVIII, eran ofrecidas en
las tardes-noches (vespres) después de las cenas distinguidas de familias nobles y burguesas de
sociedades artísticas. Arnadí es un delicioso postre de calabaza, azúcar y almendras, de tradición
en Xàtiva (Valencia), del que pudieron disfrutar los asistentes a aquellas veladas cortesanas.
74

JUEVES, 13 DE AGOSTO
Iglesia de Nuestra Señora de la Asunción • Liendo • 21 h.
AUDI ALTERAM
Petri Arvo, bajón, fagot barroco y flautas dulces
María Martínez Ayerza, flautas dulces
Petros Paukkunen, órgano
...las piedras y los árboles movía...
Música para un mundo cambiante
Giovanni Antonio Pandolfi Mealli
• Sonata quarta: La Castella de Sonate à violino solo, per chiesa e camera... Opera
terza. Innsbruck, 1660.
Francisco Correa de Arauxo
• Tiento de dos tiples de séptimo tono de Libro de tientos y discursos de musica
prattica... Facultad orgánica. Alcalá, 1626.
Jan Pieterszoon Sweelinck
• Fantasia [contraria] en sol. SwWV.270, S.3 (g1)
Aurelio Virgiliano
• Ricercare de Il Dolcimelo d’Aurelio Virgiliano... Biblioteca della musica de Bologna, ID 2895
Bartolomé de Selma y Salaverde
• Fantasia 5 a basso solo de Canzoni, fantasie et correnti... Venecia, 1638
Pierre Sandrin / Diego Ortiz
• Doulce memoire de Trattado de glosas sobre cláusulas... Roma, 1553.
Bartolomé de Selma y Salaverde
• Canzon a doi, soprano e basso de Canzoni, fantasie et correnti... Venecia, 1638.
Michelangelo Rossi
• Toccata 7 de Toccate e corenti d’intavolatura d’organo e cimbalo. Roma, 1640.
Carlo Gesualdo
• Gagliarda del principe di Venosa de Nápoles, Biblioteca del Conservatorio S.
Pietro in Majella
Tarquinio Merula
• Ciaccona de Canzoni overo sonate concertate per chiesa e camera. Venecia. 1637
75

• Audi Alteram nace para promover uno de los repertorios más innovadores y valiosos de
la historia de la música occidental: el Stylus Phantasticus. Este estilo de música instrumental
del siglo XVII se caracteriza por la utilización de una variada paleta expresiva, grandes
contrastes y una libertad compositiva desconocida hasta el momento. Alrededor del año
1600, los instrumentos musicales encontraron un vocabulario propio. Pasajes altamente
virtuosos, tiratas, trinos, acentos, escalas, cromatismo... son recursos abstractos con los que
construir una narrativa musical similar a la de los textos de la época.
• María Martínez Ayerza es una intérprete de flautas dulces con pasión por la música de
cámara y de conjunto. Con el doble sexteto de flautas renacentistas The Royal Wind Music,
el quinteto Seldom Sene y el trío de voz y flautas dulces ÆroDynamic María ha ofrecido
conciertos por toda Europa y en los Estados Unidos, actuado en radio y televisión, grabado
once discos para Lindoro y Brilliant Classics y recibido diversos premios en concursos
internacionales.
María es profesora de flauta dulce en el Royal College of Music de Londres y ha ofrecido
cursos y clases magistrales por toda Europa y en Australia. Es redactora jefe de la revista
especializada Blokfluitist y forma parte de la dirección del festival “Open Recorder Days
Amsterdam”. Actúa regularmente para niños de entre cero y seis años en colaboración con
la Fundación “Memorable Moments” de Ámsterdam. Cursó sus estudios de flauta en Sevilla
con Guillermo Peñalver y en Ámsterdam con Paul Leenhouts y es licenciada en Musicología
por la Universidad de Ámsterdam.
• El flautista y fagotista Petri Arvo desarrolla su actividad artística en una gran variedad de
campos que varían desde la música de cámara a la orquestal, y desde el repertorio medieval
hasta el contemporáneo. Petri estudió flauta dulce en la Academia Sibelius de Helsinki con
Rabbe Forsman y en el Conservatorio de Ámsterdam con Paul Leenhouts. Actualmente es
miembro del doble sexteto de flautas renacentistas The Royal Wind Music, del conjunto
barroco Ensemble Nylandia y del trío All Boys! Compagina su actividad concertística con
sus estudios de fagot histórico en el Real Conservatorio de Bruselas bajo la tutela de Alain
de Rijckere.
• Petros Paukkunen nació en 1990 en Kotka (Finlandia) y comenzó a tocar el órgano a los
diecisiete años bajo la tutela de Markku Mäkinen. En 2009 se unió a la clase de órgano del
profesor Olli Porthan en la Academia Sibelius de Helsinki. Posteriormente cursó estudios de
clavecín y composición y obtuvo el grado de Master of Music con las máximas calificaciones
tras perfeccionarse como organista con Jacques van Oortmerssen en el Conservatorio de
Ámsterdam.
A Petros Paukkunen se le conoce fundamentalmente como intérprete y promotor de la
música de compositores alemanes, británicos y bálticos del Romanticismo desconocidos
para el gran público, además de como improvisador. Durante los últimos años se ha centrado
en la música del Renacimiento y actualmente prepara una extensa investigación sobre las
tablaturas de órgano de los siglos XV y XVI. Petros ha ofrecido numerosos conciertos en toda
Europa y es miembro de la directiva artística de varias asociaciones musicales y festivales,
entre ellos el festival de música renacentista Aurore y la asociación Organum en Helsinki.
76

JUEVES, 13 DE AGOSTO
Iglesia de Santa María del Puerto • Santoña • 20:30 h.
En colaboración con:
“El Terral” Op. 139. Auto Sacramental para recitador, 2 actores, piano, percusión, coro y
órgano. Estreno absoluto
ASOCIACIÓN PARA CONSERVACIÓN
DE LOS ÓRGANOS DE CANTABRIA
Antonio Noguera (1963)
Fabián Gobantes Ruiz de Gopegui, texto
Manuel Galiana, recitador
Fernando Abascal, Fray Martín
Ana Gobantes de Miguel, piano
Guillermo Odriozola, percusión
Portus Victoriae de Santoña, coro
Alberto Carrera Ibáñez, director del coro
Antonio Noguera, órgano
Inauguración de la restauración del Órgano de la Iglesia parroquial de Santoña
77

VIERNES, 14 DE AGOSTO
Claustro de la Colegiata de Santa Juliana • Santillana del Mar • 22 h.
MUSICA BOSCARECCIA
Alicia Amo, soprano
Andoni Mercero, violín y dirección
Alexis Aguado, violín
Mercerdes Ruiz, violonchelo
Juan Carlos de Múlder, archilaúd y guitarra
Carlos García-Bernalt, órgano y clave
Dulze Acento
Cantadas sacras y sonatas de Francisco Corselli
• Dulze azento, voz Canora
Recitativo: Cómo podrá mi Lengua balbuciente - Aria: Dulce azento, voz Canora
Recitativo: Cante pues de Misterio - Aria: Si el hombre no puede dar
• Sonata para violín y bajo en re menor
• Oh, ¡qué suerte, mi Dios!
Recitativo: Oh, ¡qué suerte, mi Dios! – Aria: Si amoroso y agradable
• Sonata para violín y bajo en Re Mayor
• Si aquel Monarca de Israel
Recitativo: Si aquel Monarca de Israel - Aria: Ya Dueño amoroso
Recitativo: Nuevas Aras David dedicó - Aria: Culto dará incesante
• El ensemble Musica Boscareccia toma prestado su nombre de la colección de canciones
publicada por Johann Hermann Schein en Leipzig en 1621 (“Musica Boscareccia” - música del
bosque- o “Wald Liederlein”-cancioncillas del bosque-, como reza la primera página de esta
edición). Es una agrupación de instrumentación variable que se dedica principalmente a la
interpretación del repertorio vocal camerístico de los siglos XVII y XVIII, desde la canción a
una voz con bajo continuo hasta las cantatas con acompañamiento instrumental. Se trata
por tanto de un repertorio amplísimo y extraordinariamente variado que aún encierra
muchas composiciones poco conocidas por el gran público, obras inéditas y piezas que
todavía esperan a ser redescubiertas. Así bien, el propósito de Musica Boscareccia es reunir
en su repertorio obras compuestas por compositores bien conocidos por los melómanos
con ese repertorio poco frecuente que merece un lugar en las salas de concierto.
Los miembros que integran Musica Boscareccia colaboran regularmente con algunas de
las principales agrupaciones barrocas del panorama musical español e internacional y su
actividad concertística les lleva a participar asiduamente en los más importantes festivales
de música y salas de concierto.
• Alicia Amo nace en Santander en 1984. Comienza sus estudios de violín en el
conservatorio Antonio de Cabezón (Burgos). Continúa en Musikene (País Vasco) obteniendo
78

el título superior con las más altas calificaciones. Seguidamente realiza un Máster en violín
y comienza sus estudios de canto en la Universität für Musik de Graz. Se traslada a Basilea
y allí estudia Bachelor y Máster en canto en la Schola Cantorum Basiliensis con Gerd Türk y
Alessandro di Marchi entre otros, obteniendo Matrícula de Honor. Recibe consejos de Anne
Sofie von Otter, Thomas Hampson, Christophe Coin, Eduardo López Banzo, Andreas Scholl,
María Espada, Emma Kirkby, Rosa Domínguez, Carlos Mena, Richard Levitt, Margreet Honig,
etc. También estudia violín barroco y realiza dos Operastudio con Pablo Maritano y Alberto
Zedda.
Es ganadora del VIII Concorso Internazionale di Canto “Francesco Provenzale” (Nápoles), del
rol principal en Atelier Lyrique (Estrasburgo), de la residencia en el Festival d’Ambronay, de los
premio-beca Jóvenes Excelentes de Caja de Burgos y Fonds Marie-Louise (Basilea), del concurso
Regino Sáinz de la Maza y es finalista del XXIV Concours International de Chant Clermont-
Ferrand, del I Concurso Internacional Ópera de Tenerife y del Chamber Music Competition
Aberdeen.
Actúa como soprano solista junto a numerosas agrupaciones de toda Europa como Café
Zimmermann, Zürcher Kammerorchester, Le Parlement de Musique, Orchestra di Camera di
Lugano, Orquesta Sinfónica de Burgos, Orquesta Sinfónica de Reinach, etc. y funda Musica
Boscareccia junto a A.Mercero, ensemble con el cual realiza la grabación de cantadas sacras
inéditas de F.Corselli. Canta La flauta Mágica de W.A.Mozart como Pamina (W.Schmidt -
Graz), Dido y Eneas de H.Purcell como Belinda (O.Gershensohn - Burgos), La Liberazione de
Ruggiero de G.Caccini como Nunzia (G.Paronuzzi - Basilea y Semperoper Dresde), Ariodante
de G.F.Händel como Dalinda (A.Marcon - Basilea), L’Orfeo de C.Monteverdi como Musica
y Proserpina (S.Schwannberger - Hannover), Orpheus ou l’inextinguible soif de vengeance
d’Orasia de G.P.Telemann como Orasia (M.Gester - Strasbourg, Mulhouse, Spa y Offenburg),
Carmina Burana de C.Orff (J.Castro - Burgos), De lo humano… y lo divino como principal rol
femenino (C.Mena-Teatro de la Zarzuela de Madrid),Oratorio di Natale de G.L.Lulier como
Angelo (R.Alessandrini - Basilea), etc.
Alicia Amo también es miembro de ensembles dirigidos por T.Koopman, A.Marcon,
A.Recasens W.Testolin y M.Pascucci y es profesora en AIMAntiqua y Baroque Opera Studio
(Universidad de Burgos).
En su trayectoria como violinista ha sido solista y concertino de la Joven Orquesta Nacional
de España (JONDE) y Orquesta Sinfónica de Burgos, miembro de la European Union Youth
Orchestra (EUYO), Steirische Philarmonie, I Barocchisti (D. Fasolis), y ha colaborado con la
Orquesta Sinfónica de Euskadi, Orquesta de la Radio Televisión Española y Orquesta Barroca
de Sevilla.
Entre sus próximos proyectos como soprano solista cabe destacar la representación de
La Susanna de A.Stradella en el papel de Susanna (Ginebra), recitales en el Royal College
(Londres) y junto a E. López Banzo en Arolsen Festival, y la grabación de los oratorios de
G. Carissimi, madrigales de L. Marenzio y cantatas para soprano recién descubiertas de A.
Stradella con René Jacobs (Venecia).
79

SÁBADO, 15 DE AGOSTO
Abadía Cisterciense Vía Coeli • Cobreces • 20 h.
En colaboración con:
Ana Aguado, órgano
ASOCIACIÓN PARA CONSERVACIÓN
DE LOS ÓRGANOS DE CANTABRIA
Obras de F. Mendelssohn, A. Guilmant, C. Franck, J.J. Eslava y M. Torres
80

SÁBADO, 15 DE AGOSTO
Iglesia de San Pedro • Noja • 22 h.
DOMINGO, 16 DE AGOSTO
Iglesia de la Santa María • Miera • 21 h.
LA RITIRATA
Hiro Kurosaki, violín
Lina Tur Bonet, violín
Josetxu Obregón, violonchelo y dirección
Luigi Boccherini
Tríos de cuerda, Op. 34
• Trío N. 5 en Do Mayor (G.105)
• Trío N. 1 en Fa Mayor (G.101)
• Trío N. 4 en Re Mayor (G.104)
• Creada durante su etapa de residencia en Holanda por Josetxu Obregón, La Ritirata toma
su nombre del último movimiento del célebre quinteto que Luigi Boccherini compuso en
Madrid, titulado “La Música Notturna delle strade di Madrid”.
Actúan de manera habitual en festivales y salas de gran prestigio, como Ludwigsburger
Schlossfestspiele y Musikfestspiele Potsdam (Alemania), Musika-Música (la Folle Journée) del
Palacio Euskalduna de Bilbao, Sligo Festival of Baroque Music (Irlanda), Auditorio Nacional
(Madrid), Teatro Nacional de Pekín, Festival de Música Antigua de Barcelona, Festival de
Música Antigua del CNART (México), Acto de Clausura de la Presidencia Española de la UE en
Tokyo, Fundación Juan March (Madrid), CNMB Versailles (Francia), Museo Nacional de Bellas
Artes y Universidad de Santiago de Chile, Festival Internacional de Música Barroca Santa Ana
(Costa Rica), Festival Internacional de Música Renacentista y Barroca Americana Misiones de
Chiquitos (Bolivia), Festival Internacional de Música Antigua FIMA (Perú), Felicja Blumental
International Music Festival de Tel Aviv (Israel), Centro Studi Boccherini en Lucca (Italia), Real
Alcázar de Sevilla, Semanas de Música Antigua de Estella y Álava, Festival de Música Antigua
de los Pirineos (FeMAP), Auditorios de Zaragoza, Salamanca, León, etc.
Galardonados en Sitges, subvencionados por el INAEM desde 2011 y habiendo sido el único
grupo español seleccionado a nivel europeo para la primera Gran Audición de REMA 2010
(Red Europea para la Música Antigua), La Ritirata tiene en su haber varias grabaciones para
las discográficas Verso, Arsis, Columna Música y Cantus, que han cosechado un gran éxito
de crítica en las principales publicaciones de nuestro país, recibiendo en dos ocasiones el
sello «Recomendado CD Compact», la calificación de «Disco Excepcional del Mes» de la
revista Scherzo y disco «especialmente recomendado» de la revista Ritmo. Actualmente
han pasado a ser artistas del sello Glossa, siendo los primeros artistas españoles invitados a
grabar con esta discográfica desde su fundación en 1992. Su último trabajo para Glossa ha
sido la integral de los cuartetos de cuerda de Juan Crisóstomo de Arriaga en instrumentos
de época.
La Ritirata ha recibido el Premio Ojo Crítico 2013 de Radio Nacional, en la modalidad de
Música Clásica, concedido por primera vez en su historia a un grupo de música antigua.
• Profesor del Real Conservatorio Superior de Madrid y galardonado con más de 13 premios
en concursos nacionales e internacionales, Josetxu Obregón nace en Bilbao, cursa estudios
superiores y de postgrado en violoncello, música de cámara y dirección de orquesta con las
81

más brillantes calificaciones en España, Alemania y Holanda, donde estudia cello barroco en
el Koninklijk Conservatorium de La Haya y con Anner Bijlsma.
Ofrece numerosos conciertos en Alemania, Francia y en más de 18 países europeos, Japón,
China, Israel, Estados Unidos, México, Chile, Costa Rica, Perú, Bolivia, Nicaragua, etc. Ha
sido miembro de las más importantes orquestas, como Royal Concertgebouw Orchestra y
Rotterdam Philharmonic Orkest, entre otras, y en el mundo de la interpretación histórica
ha sido cello solista de EUBO-Orquesta Barroca de la Unión Europea, l’Arpeggiata, Arte
dei Suonatori, etc. y ha formado parte de Le Concert des Nations, Orchestra of the Age of
Enlightment (Inglaterra), etc. compartiendo escenario con Jordi Savall, Christina Pluhar,
Fabio Bonizzoni, Enrico Onofri, Philippe Jaroussky, etc. y fuera de la música antigua con
Krzysztof Penderecki, Plácido Domingo, Jesús López Cobos, etc.
Ha interpretado conciertos en Tokyo Opera City y Yokohama Minato-Mirai (Japón), Teatro
Nacional de China (Beijing), Concertgebouw (Amsterdam), Royal Festival Hall y Wigmore
Hall (Londres), Usher Hall (Edimburgo), Auditorio Nacional (Madrid), l’Auditori (Barcelona),
Centro Nacional de las Artes (México), etc.
Artista del sello Glossa, además ha participado en grabaciones para Virgin, Alia Vox, Verso,
etc. así como para la BBC3 (Reino Unido), NPS Radio3 (Holanda), NDR, Deutschlandradio,
SWR (Alemania), Mezzo, Arte (Francia), TVE, RNE, Televisión de Macedonia, etc.
• Músico austriaco de origen japonés, Hiro Kurosaki creció en Viena y es hoy uno de los
artistas más demandados dentro del campo musical de la interpretación historicista. Estudió
violín con los maestros Franz Samohyl y Nathan Milstein.
Hiro Kurosaki ha sido galardonado con los premios Wieniawsky de Polonia y el Kreisler de
Viena, lo que facilitó el comienzo de su carrera internacional como solista junto a prestigiosas
orquestas como la Royal Philharmonic Orchestra de Londres, Staatskapelle Dresden, Wiener
Symphoniker y Mozarteum Orchester de Salzburg.
Kurosaki se especializó en violín barroco y colaboró estrechamente con personalidades de
la música antigua como René Clemencic, Jordi Savall y William Christie. Al mismo tiempo
ha actuado como concertino con Les Arts Florissants, Clemencic Consort, London Baroque,
Cappella Coloniensis y Orquesta Barroca de Sevilla, siendo también fundador del grupo Les
Quatre Violons. Ha realizado numerosas grabaciones para sellos como EMI, Virgin, Harmonia
Mundi, Erato o CPO.
Es invitado frecuentemente a los más prestigiosos festivales del mundo, participando en
giras por Europa, Japón, Estados Unidos y Australia.
Tras su paso como profesor de violín barroco en el Real Conservatorio Superior de Música
de Madrid, actualmente es profesor de la Universidad de Música y Artes Interpretativas de
Viena y del Mozarteum de Salzburgo.
• Lina Tur Bonet recibió sus primeras lecciones de música a temprana edad de la mano
de su padre, Antonio Tur. Estudió violín con Chumachenco, Pichler, Kurosaki, y recibió
clases de Varga, Gulli, Askenasi, Dumay, Silverstein, Höbarth y Kussmaul. Con frecuencia
es requerida para actuar como concertino en Il Complesso Barocco de Italia, Orquesta del
Palau de les Arts de Valencia, Orquesta de Cámara de Mannheim, Bach Consort de Viena,
Neue Hofkapelle Munich, Clemencic Consort, Capilla Real de Madrid, Hippocampus, Euskal
Baroque Ensemble, Estil Concertant, Accademia del Piacere, Forma Antiqua o La Ritirata.
Como solista recorre toda Europa y Sudamérica y sus conciertos han sido grabados en varias
ocasiones por la BBC Londres, RTVE, TV3, radio y televisión alemanas, las televisiones de
Eslovenia, Croacia y Bulgaria y ORF austriaca.
Interpreta cámara con Mennahem Pressler, Georg Faust, Ulf Rodenhäuser, Patrick Demenga,
John Holloway, Hiro Kurosaki, José Luis Moreno o Thomas Brandis.
82

Colabora con Les Arts Florissants, Les Musiciens du Louvre, Orquesta de Cámara Reina
Sofía, Orpheon Consort, Al Ayre español, BandArt y Mahler Chamber Orchestra. Tur Bonet
ha grabado para los sellos Deutsche Gramophon y Virgin, y ha actuado en las salas más
importantes del mundo bajo la batuta de Minkowski, Curtis, Biondi, Goebel, Goodman,
Heyerick, Rifkin, Goodwin, Christie, Dantone, Harding, Nagano o Abbado.
Actualmente y desde el año 2005 ocupa una cátedra en el Conservatorio Superior de Música
de Zaragoza.
83

LUNES, 17 DE AGOSTO
Castillo de San Vicente • Argüeso • 20 h.
ARS ATLÁNTICA
Marta Infante, mezzosoprano
Manuel Vilas, arpa de dos órdenes
Juan Hidalgo
• Rompa el aire en suspiros de Dos tonos humanos
• Ay que me río de amor de Dos tonos humanos
Giulio Caccini
• Amarilli mia bella
Francisco Valls
• Ausente de tus ojos (solo humano)
Anónimo Español (Siglo XVII)
• No hay mas Flandes
Rugero y hachas (Lucas Ruiz de Ribayaz, del libro de arpa “Luz y Norte”)
Anónimo Veneciano (siglo XVII)
• Voi dell’alma opressa (cantata)
• Bella bocca (cantata)
Anónimo Español (Siglo XVIII)
• Mis suspiros (Solo al Santísimo Sacramento)
Sebastián Durón
• Sosieguen, Descansen (Tono profano de la zarzuela “salir el amor del mundo)
• Fuego fuego, agua, agua (Tono divino al Santísimo Sacramento)
Giovanni Felice Sances
• Audite me divini fructus
Giovanni Maria Trabaci
• Versos de primer tono
Tarquinio Merula
• Hor ch’e tempo di dormire
• El ensemble Ars Atlántica se formó en 2007 y está dirigido por el arpista Manuel Vilas. Se
dedica a la interpretación de repertorio de los siglos XII al XVIII de ámbito latino (portugués,
español, italiano e hispanoamericano), centrándose sobre todo en obras barrocas para
voz sola y continuo e instrumentos melódicos y continuo. El primer disco de Ars Atlántica
consiste en la primera grabación mundial de las cantatas venecianas procedentes del
palacio Contarini en Piazzola Sul Brenta (Padova) interpretada junto a la mezzosoprano
Marta Infante, registro sonoro que recibió excelentes críticas así como el galardón PRELUDE
84

AWARD MUSIC (Holanda) como uno de los mejores discos de música antigua de 2010.
Ars Atlántica y su director llevan adelante el proyecto de grabación de los 100 tonos humanos
procedentes del llamado “Manuscrito Guerra” (2º mitad del siglo XVII), que contiene piezas
vocales procedentes de obras teatrales del barroco español: el proyecto se compone de la
grabación de la totalidad de las piezas de este manuscrito en seis discos compactos, de
los cuales ya han salido los tres primeros volúmenes en la discográfica inglesa NAXOS,
recibiendo excelentes críticas y dos premios: disco excepcional de la revista Ritmo (España.
Mayo 2011) y disco del mes de la Musicweb internacional (USA. Diciembre 2012).
Ha actuado en el festival “Via Stellae” (Santiago de Compostela), en el Real Coliseo de
Carlos III (El Escorial), Teatro principal de Santiago, Festival Música-Musika (Bilbao) y, en su
formación a dúo, en el museo del teatro de Almagro (Ciudad Real) en la presentación de la
edición facsímil del Manuscrito de música teatral de la cofradía de la Novena.
Recientemente presentó en el festival de músicas contemplativas 2013 de Santiago de
Compostela y en el festival de Arte Sacro de Madrid 2014 un peculiar recital poético- musical
junto a la actriz y cantante Mónica de Nut compuesto por poesías y obras vocales creados
por monjas de clausura de los siglos XVI al XVIII de España y América.
En 2015 presentará su nuevo proyecto compuesto por una peculiar versión de la ópera de
George Friedrich Haendel “Rinaldo” protagonizada por la mezzosoprano Marta Infante.
• Marta Infante nace en Lleida, ciudad donde comienza sus estudios de piano, viola y canto,
completando su formación superior de canto en la Universidad de Ostrava, en la Repúbica
Checa. Hasta la fecha ha realizado actuaciones en Chequia, Alemania, Francia, Noruega,
Italia, Polonia, Grecia, Japón, y las principales ciudades de Oriente medio y Sudamérica, así
como en diferentes festivales y auditorios de España donde ha cantado con la Orquesta
Sinfónica de Galicia, Sinfónica de Madrid, Sinfónica región de Murcia, Filarmónica de Málaga,
Orquesta Sinfónica Nacional del Salvador, Orquesta de la Comunidad de Madrid, Orquesta
sinfónica de Barcelona i Nacional de Catalunya, Orquesta Nacional de España, orquesta de
RTVE, etc. Trabajando con directores como Jordi Casas, Arturo Tamayo, Francisco Rodilla,
M.Á.Gómez Martínez, Germán Cáceres, Aldo Ceccato, León Botstein, José Ramón Encinar,
Carlos Kalmar y Kees Bakels, entre otros.
En el ámbito de la música antigua colabora habitualmente con Las agrupaciones más
importantes de nuestro país y de grupos europeos y ha cantado con directores como
Vaclav Luks, Enrico Onofri, Federico María Sardelli, Ottavio Dantone, Richard Egarr, Giovanni
Antonini, Rinaldo Alessandrini y Paul Goodwin.
Junto al pianista Jorge Robaina realiza una importante labor en el mundo del lied ofreciendo
recitales en la fundación Juan March de Madrid, Palacio Euskalduna de Bilbao, el Teatro
Calderón de Valladolid, Caixaforum y en el Palau de la Música Catalana de Barcelona donde
obtiene un premio en el concurso “Primer Palau” por su interpretación de Mahler y Dvorák.
Ha cantado también en el Teatro Principal de Santiago de Compostela y en el Teatro de la
Maestranza de Sevilla junto a Rubén Fernández- Aguirre.
Ha grabado para la radio Checa, Mezzo, Catalunya Música, RNE y las discográficas Alpha,
Glosa, CDM,Verso, Enchiriadis y EMEC, entre otros. Su amplia discografía abarca desde discos
de música medieval y renacimiento hasta los de música barroca, entre los que destacan:
cantatas para alto de Telemann, “Amor aumenta el valor” e “Iphigenia en Tracia” de Nebra,
“Tonos al arpa” junto al arpista Manuel Vilas, “Cantate Contarini”, cantatas del seicento
italiano que en Holanda recibió el premio a mejor disco de música antigua de 2009, y
“Juditha Triumphans” de Vivaldi con la Academia 1750 bajo la dirección de Ottavio Dantone.
• Manuel Vilas nace en Santiago de Compostela, donde inicia sus estudios musicales.
Estudia arpas antiguas de los siglos XII a XVIII en Madrid con Nuria Llopis y en Milán con
85

Mara Galassi. Ha colaborado con numerosos grupos como Les Musiciens du Louvre, Al Ayre
español, Capilla Jerónimo de Carrión, Musica Ficta, Capela de Ministrers, Música temprana,
Ensemble Elyma, Camerata Iberia, La hispanoflamenca, La galanía, Ars Longa, La Trulla de
vozes, Orquesta barroca de Sevilla, coro nacional de España, Armonía del Parnás, etc. en
los más importantes festivales de España, Alemania, Cuba, USA, Ecuador, República checa,
Paraguay, Austria, Portugal, Suiza, Francia, Bolivia, Bélgica, Argentina, Chile, Holanda, etc...
También realiza conciertos como solista con programas centrados en la música barroca
española, americana e italiana, (conciertos ofrecidos en Holanda, Chile, España, USA y Cuba),
además de conferencias y cursos a través de diferentes países. Ha colaborado tanto como
acompañante como solista en más de 60 discos con diferentes grupos y discográficas. Ha
participado en producciones operísticas en París y Viena (L´incoronazione di Poppea, de
Monteverdi), Madrid, Ginebra y Méjico (La Púrpura de la Rosa, de Torrejón y Velasco), Munich,
Vigo y San Sebastián (Orfeo de Monteverdi), así como en la recuperación de la obra escénica
Andrómeda y Perseo en el corral de comedias de Almagro y en las representaciones de la
zarzuela Salir el amor del mundo de Sebastián Durón en el teatro Arriaga de Bilbao. Ha sido
el primer arpista en ofrecer un curso de arpa barroca española en Estados Unidos y en Cuba.
Actualmente se encuentra centrado en un ambicioso proyecto de recuperación de piezas
vocales del barroco español interpretadas exclusivamente con el acompañamiento del arpa
de dos órdenes, tal como se hacía en la época. De este proyecto hasta este momento han
salido cuatro discos compactos: uno para el sello Naxos con las tonadas de Sebastián Durón
con la soprano Raquel Andueza, otro con la mezzo Marta Infante titulado “Tonos al arpa”
para el sello Enchiriadis, un tercero con la soprano Estrella Estévez para el sello Arsis y muy
recientemente para el sello “La ma de Guido” los tonos de José Marín junto al tenor Felix
Rienth. Es el director artístico del proyecto de grabación de los 100 tonos del Manuscrito
Guerra (siglo XVII), manuscrito que investiga desde hace más de diez años, y cuya grabación
integral publicará la discográfica naxos en 6 discos compactos. Los dos primeros cds de esta
serie, realizados junto a la soprano Isabel Monar y el tenor Juan Sancho, salieron al mercado
en 2011 y 1012 respectivamente. Ha sido invitado por el festival de Franders (Bélgica) para
dar una masterclass sobre arpas antiguas ibéricas y fue asesor en el proyecto patrocinado
por la Generalitat valenciana de recuperación de los instrumentos de los frescos de la
catedral de Valencia.
En 2008 funda el grupo Ars Atlantica, que se presenta en el festival Via Stellae (Santiago de
Compostela) con el estreno en tiempos modernos de las cantatas procedentes del palacio
que la familia Contarini poseía cerca de Venecia. La grabación de estas cantatas, junto a la
mezzo Marta Infante, fue galardonado en Holanda con el premio “prelude classical music”
como unos de los mejores disco de música antigua del 2010.
Asimismo, es pionero en el estudio de cierto tipo de arpas hoy totalmente olvidadas, como
el arpa jesuítica chiquitana (Bolivia, siglo XVIII), y el arpa doble que circulaba por la corona
de Aragón en el siglo XIV, que presentó recientemente interpretando obras de Guillaume
de Machaut.
Una de sus especialidades es ofrecer recitales con cantantes: ha acompañado a Marta
Infante, Guillemette Laurens, Raquel Andueza, Isabel Monar, Juan Sancho, Roberta
Invernizzi, Mercedes Hernández, Marivi Blasco, Jose Antonio López, Isabel Álvarez, Francisco
Fernández Rueda, Lidia Vinyes, Yetzabel Arias, Monica Piccinini, etc.
Recientemente fue invitado a representar a España en el VI festival mundial de arpa en la
ciudad de Asunción (Paraguay) siendo el primer arpista en ofrecer un recital de arpa de dos
órdenes en este país.
86

MARTES, 18 DE AGOSTO
Iglesia de San Juan Bautista • La Cavada • 21 h.
AZAHAR ENSEMBLE
Frederic Sánchez, flauta
María-Alba Carmona, oboe
Antonio Lagares, trompa
María José García, fagot
Gonzalo Esteban, clarinete
Wolfgang Amadeus Mozart
• Andante en Fa Mayor KV 616 “für eine Orgelwalze”
Samuel Barber
• Summer Music for Wind Quintet Op.31
José Luis Turina
• Die Windsbraut (La novia del Viento) Estreno absoluto.
Obra dedicada a Azahar Ensemble
Giya Kancheli
• Quinteto de Viento
Paul Hindemith
• Kleine Kammermusik, op. 24 N.2
Azahar Ensemble se forma en el seno de la Joven Orquesta Nacional de España en el
verano de 2010. Desde el primer momento los miembros del grupo sintieron una fuerte
conexión musical y se sorprendieron de que sus sonidos individuales empastaban de
una manera muy natural, creando un sonido de grupo especial. Con la motivación de
desarrollar y explorar las posibilidades artísticas que tocar juntos les podía ofrecer,
decidieron dar comienzo a un proyecto conjunto y propio: Azahar Ensemble.
Gracias a la beca para estudios de música de cámara otorgada por la fundación JONDE/
BBVA Azahar Ensemble tuvo la posibilidad de estudiar en la Hochschule für Musik der
Stadt Basel (Suiza) con el fagotista Sergio Azzolini, sin la cual los primeros pasos del
quinteto no habrían sido posibles.
Azahar Ensemble ha sido premiado en diversos concursos, entre los que destacan el
“ORPHEUS Swiss Chamber Music Competition” 2011, donde el grupo fue premiado e
invitado al Festival Internacional de Música de Cámara de Adelboden (Suiza); el Concurso
Internacional de Música “El Primer Palau” 2012 (Barcelona), donde obtuvo el 2º Premio y
el “63º Concurso Internacional ARD de Múnich” 2014, en el cual Azahar Ensemble recibió
el 2º Premio (quedando el 1º desierto), el Premio del Público y el Premio Especial “ifp-
Musik”.
Tras el resultado obtenido en el Concurso Internacional ARD se abre para Azahar
Ensemble la posibilidad de iniciar una carrera artística a nivel internacional. Entre
los futuros proyectos del grupo se encuentran su debut en la Sala de Cámara de la
Philharmonie de Berlín, la invitación por parte del Ensemble Pentaèdre para participar
87

en el Festival de Música de Cámara “Les Journées des Vents” en Montréal, una gira en
China organizada por Wu Promotion’s , la participación en Festivales Internacionales
como el de Davos y Santander, y así como diversos conciertos por Europa.
88

MARTES, 18 DE AGOSTO
Jardines de la Cueva del Valle • Rasines • 21 h.
MIÉRCOLES, 19 DE AGOSTO
El Torco • Suances • 21:30 h.
JUEVES, 20 DE AGOSTO
Palacio del Marqués de Sobrellano • Comillas • 21 h.
ANDREAS PRITTWITZ & LOOKINGBACK SEXTET
Andreas Prittwitz, flautas de pico, clarinete, saxo soprano y dirección
Laura Salinas, viola da gamba
Antonio Toledo, guitarra española y buzuki
Ramiro Morales, guitarra barroca
Iván Mellén, percusión
Roberto terrón, contrabajo
Pierre Attaignant
• Tourdion
Gaspar Sanz
• Españoleta y Xácara
Christopher Simpson
• Ground en Sol
Thomas Ravenscroft
• Three ravens
Girolamo Frescobaldi
• Se L’aura spira
Johann Sebastian Bach
• Gigue, Sarabande y Minuetos de la suite N. 1 para violonchelo
Johann Sebastian Bach
• Siciliana
Francesco Maria Veracini
• Allegro de la sonata sexta para flauta
Francesco Corbetta
• Chacona
Claudio Monteverdi
• Si dolce il tormento
89

• Andreas Prittwitz nació en 1960 en Munich (Alemania). Ha colaborado como solista
de flauta de pico con diversas orquestas en Europa, en España con la OSA, OSPA y
JOSPA(Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias), Orquesta de Cámara Española (Víctor
Martín), Ars Nova o Atrium Musicae, Zarabanda, Orquesta de Cámara Ocas, Orquesta del
Círculo de Bellas Artes, .
Paralelamente, estudió Clarinete y Saxofón como autodidacta, adentrándose en el mundo
de la improvisación (Jazz, Folk, Músicas del Mundo) y colaborando, tanto en grabación como
en directo, con músicos como José Antonio Ramos, Jorge Pardo, Horacio Icasto, Canal Street
Band, Hot Club de Madrid, entre otros.
Especializado como productor artístico y músico de sesión ha trabajado con las máximas
figuras del panorama musical español, como Javier Krahe, Serrát, M. Ríos. Víctor Manuel y
Ana Belén, J. Sabina, L.E. Aute, Manola Tena, Toreros Muertos...
Tiene editados 12 discos (Colección TERRA) de música New Age, grabó junto a José Antonio
Ramos el disco “Y”, finalista de los Premios de la Música 2005, premio que otorga la Academia
de la Música. En 2009 vuelve a ser nominado como “Mejor Intérprete de Música Clásica” por
el disco “Looking back over the Renaissance”, junto a Placido Domingo, Joseph Carreras y
E. Paniagua. En 2011 edita la segunda entrega de este proyecto: “Lookingback over The
Baroque” y “Flauta Dulce Flauta”, grabación dedicada al repertorio de la flauta de pico
solista. En invierno del 2012 graba el tercer disco de la serie “Lookingback”, en este caso
sobre música de F. Chopin con el pianista Daniel del Pino, estrenado en el Museo Thyssen-
Bornemisza el 18 de febrero del mismo año. En el 2014 edita junto a Isabel Álvarez e Iñaki
Salvador “Beau Soir”.
Con “Lookingback”, su principal proyecto ha actuado en infinidad de Festivales, tanto de
Música Antigua como de Jazz, o salas de conciertos como el Auditorio Nacional de Madrid o
Teatro Arriaga de Bilbao con todas sus formaciones disponibles: desde el dúo con Daniel del
Pino hasta la LBO, “Lookingback Baroque Orchestra” con los solistas de cuerda de la Orquesta
Nacional de España.
90

VIERNES, 21 DE AGOSTO
Polideportivo Municipal • San Vicente de la Barquera • 20:30 h.
JOVEN ORQUESTA DE CANTABRIA
Ellinor D’Melon, violín
Jaime Martín, director
Maurice Ravel
• Bolero
Piotr Ilich Tchailovski
• Concierto para violín y orquesta en Re Mayor Op.35
Igor Stravinsky
• La consagración de la primavera
Duración total aproximada 1h 35’
• La Joven Orquesta de Cantabria nace en el año 2011 como un proyecto necesario y
esperado en una región que está viendo crecer la cantidad y calidad de sus jóvenes talentos
musicales, y pretende ser punto de encuentro artístico para los músicos en etapas previas a
su integración profesional, al tiempo que formativo en el terreno de la práctica sinfónica y
camerística. La orquesta realiza varios encuentros anuales que culminan con la realización
de conciertos, fundamentalmente en la región. Ha recibido desde el inicio el impulso de
la Consejería de Educación, Cultura y Deporte de la comunidad, con el apoyo de otras
entidades públicas y privadas. Fue dirigida por el maestro Emilio Otero hasta 2013, cuando
Jaime Martín asumió la dirección titular. La Orquesta se ha presentado en el seno del Festival
Internacional de Santander en 2013. En marzo de 2014, la orquesta de cámara de la JOSCAN
ha sido invitada como ensemble en residencia en Crans-Montana (Suiza).
• Jaime Martín ha sido aclamado internacionalmente como director tras una brillante carrera
como flautista. Es Director Artístico y Director Principal de la Gävle Symphony Orchestra
desde septiembre de 2013 y recientemente ha sido designado Principal Director Invitado
de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León. Es además Director Titular de la Orquesta de
Cadaqués y Director Artístico del Festival Internacional de Santander.
En su apretada agenda es invitado regularmente a dirigir una larga lista de orquestas entre
las que se destaca la London Philharmonic Orchestra, Orchestre Philharmonique de Radio
France, Orquestra Sinfónica de Barcelona, Orchestre National du Capitol de Toulouse, Royal
Liverpool Philharmonic, Swedish Radio Symphony, Symphonic Orchestra de Sao Paulo,
London Mozart Players, Irish y English Chamber Orchestras, National Orchestra Lyon,
Lausanne Chamber Orchestra, Beijing Symphony, Academy of St Martin in the Fields en
Londres, Aarhus Symphony, Ulster Orchestra y Winterthur Orchestra.
Jaime Martín debutó en el campo operístico dirigiendo La flauta mágica en El Escorial en
Madrid y en el Festival de San Sebastián en agosto de 2012. Realizó su debut con la English
National Opera en 2013 dirigiendo El barbero de Sevilla y volverá en 2014.
Ha realizado grabaciones de obras de Halffter y Beethoven junto a la Orquesta de Cadaqués
y, de Agustí Charles y Albéniz con la Orquestra Simfònica de Barcelona i Nacional de
Catalunya, para el sello Tritó con gran éxito de la crítica. Sus grabaciones como solista
91

incluyen, entre otras, Conciertos de Mozart con Sir Neville Marriner, la grabación del estreno
de la Sinfonietta Concierto para flauta y orquesta escrita para él por Xavier Montsalvatge y
dirigido por Gianandrea Noseda, obras para flauta, violín y piano de Bach con Murray Perahia
y la Academy of St. Martin in the Fields para Sony y un Cuarteto para flauta de Mozart para
el sello EMI.
Nacido en Santander, España, Jaime Martín estudió con Antonio Arias en Madrid y después
con Paul Verhey en La Haya, Holanda.
92

DOMINGO, 23 DE AGOSTO
Santuario de La Bien Aparecida • 20:15 h.
LUNES, 24 DE AGOSTO
Santuario de Nuestra Señora de Latas • Loredo • 21 h.
YAGO MAHÚGO, clave
Joseph-Hector Fiocco
• Piezas de Première Suite de Pièces pour Clavecin
Louis-Nicolas Clérambault
• Suite en do menor
Domenico Scarlatti
• Sonata en re menor K.213
• Sonata en Re Mayor K.1
Antonio Soler
• Fandango
Joseph-Nicolas-Pancrace Royer
• Piezas de Premiére Livre de Pièces pour Clavecin
“Mi lista 2013 (...) Artista español. Me inclino por Yago Mahúgo. Por su deslumbrante grabación
dedicada a Royer. Por el virtuosismo y la hondura de su trabajo. Por haber interiorizado el
barroco francés como si lo hubieran acunado con él (...)”
Rubén Amón - Periódico El Mundo. Diciembre 2013
“la interpretación del clavecinista madrileño resulta sencillamente antológica. El sonido del clave
(una copia de un Ruckers) es fantástico, Resulta difícil imaginar otra tarjeta de presentación
mejor que ésta para Mahúgo“
Eduardo Torrico – Revista Scherzo. Abril 2013
”El resultado fue verdaderamente espléndido: , fraseo elegante, sonido precioso y coordinación
admirable: todo estaba en su sitio. He ahí una demostración de cómo deben hacerse las cosas“
Juan Krakenberger.- mundoclasico.com. Mayo 2008
• Yago Mahúgo nace en Madrid. Ha sido galardonado en el XXXV. Concurso Internacional de
Clave de Budapest y el XIII. Concurso de Clave de Brujas (Bélgica), considerado el concurso
más importante de música antigua. Comienza su educación musical tocando el piano
y estudiando con Ana Guijarro. Cuando obtiene su Título Superior en Piano, prosigue los
estudios de posgrado con el profesor Tibor Szász en la Universidad de Freiburg (Alemania).
Allí entra en contacto con el mundo de la música interpretada con instrumentos originales y
se convierte en discípulo del profesor Robert Hill, bajo cuya tutela obtuvo la licenciatura de
profesor de instrumentos históricos de teclado (clave, fortepiano y órgano) y las licenciaturas
de formación artística (posgraduado) en las asignaturas de clave y fortepiano. Ha estudiado
93

también con maestros de la talla de Christophe Rousset, Kenneth Gilbert, o con Jacques Ogg
en el conservatorio de La Haya.
Sus actuaciones se reparten por las más prestigiosas salas de Europa y EEUU, destacando
conciertos como solista con la orquesta de Duisburg (Alemania) bajo la dirección de Peter
Baberkoff, y con la orquesta de cámara Ferenc Erkel de Budapest, así como con la orquesta
de música contemporánea Proyecto Gerhard.
En 2008 Yago Mahúgo fue invitado por el Palau de les Arts de Valencia y la orquesta de
la Comunidad Valenciana a participar como clavecinista en la ópera de Gluck Iphigenie en
Tauride junto al tenor Plácido Domingo y director Patrick Fourniellier. Ha actuado como
solista en diversos escenarios como el Palacio de Festivales de Santander y el Auditorio
Nacional de Madrid, destacando sus interpretaciones del Concierto para clave de Manuel
de Falla. Así mismo es invitado a participar regularmente en festivales destacando su
participación en la Expo 98 de Lisboa, en el Festival Bach-Fest de Leipzig en 1999 y en el L.
Festival Internacional de Música y Danza de Granada donde obtuvo un gran éxito de crítica
y público. Es invitado regularmente por la Fundación Juan March con conciertos como
fortepianista en instrumentos de los siglos XVIII y XIX.
Ha sido profesor de Clave e Interpretación Histórica en el Conservatorio Superior de Badajoz,
impartiendo regularmente cursos y conferencias sobre esta materia (conservatorio de
Albacete, Alcázar de San Juan, conservatorio superior del Liceu de Barcelona.). Ha grabado
para las televisiones y radios estatales de España, Hungría y República Checa (RNE, TVE,
Bartók Radio, MTV). Ha publicado el primer CD de la obra integral para piano de Domenico
Cimarosa. Su primer disco de clave, publicado por Brilliant Classics y Onclassical.com, con
las obras completas del compositor francés del s. XVIII Pancrace Royer, ha sido galardonado
como “Disco excepcional del mes” por la prestigiosa revista Scherzo en su número de abril
de 2013. Es fundador y director del conjunto historicista Impetus, formación dedicada
exclusivamente a la interpretación de repertorio con instrumentos originales. Desde 2009
también es continuista de la formación historicista Sphera Antiqva, trabajando, entre otros
artistas, con Enrico Onofri.
Además de su actividad concertística, desarrolla su labor pedagógica como clavecinista de
la Escuela Superior de Música Reina Sofía. A partir del curso 2014-2015 impartirá cursos de
máster en interpretación histórica, fortepiano y clave en el centro superior de enseñanza
musical Katarina Gurska.
94

LUNES, 24 DE AGOSTO
Teatro Municipal Concha Espina • Torrelavega • 21 h.
Jornada patrocinada por:
JOVEN ORQUESTA DE CANTABRIA
Ellinor D’Melon, violín
Jaime Martín, director
Maurice Ravel
• Bolero
Piotr Ilich Tchailovski
• Concierto para violín y orquesta en Re Mayor Op.35
Duración total aproximada 1h 35’
• La Joven Orquesta de Cantabria nace en el año 2011 como un proyecto necesario y
esperado en una región que está viendo crecer la cantidad y calidad de sus jóvenes talentos
musicales, y pretende ser punto de encuentro artístico para los músicos en etapas previas a
su integración profesional, al tiempo que formativo en el terreno de la práctica sinfónica y
camerística. La orquesta realiza varios encuentros anuales que culminan con la realización
de conciertos, fundamentalmente en la región. Ha recibido desde el inicio el impulso de
la Consejería de Educación, Cultura y Deporte de la comunidad, con el apoyo de otras
entidades públicas y privadas. Fue dirigida por el maestro Emilio Otero hasta 2013, cuando
Jaime Martín asumió la dirección titular. La Orquesta se ha presentado en el seno del Festival
Internacional de Santander en 2013. En marzo de 2014, la orquesta de cámara de la JOSCAN
ha sido invitada como ensemble en residencia en Crans-Montana (Suiza).
• Jaime Martín ha sido aclamado internacionalmente como director tras una brillante carrera
como flautista. Es Director Artístico y Director Principal de la Gävle Symphony Orchestra
desde septiembre de 2013 y recientemente ha sido designado Principal Director Invitado
de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León. Es además Director Titular de la Orquesta de
Cadaqués y Director Artístico del Festival Internacional de Santander.
En su apretada agenda es invitado regularmente a dirigir una larga lista de orquestas entre
las que se destaca la London Philharmonic Orchestra, Orchestre Philharmonique de Radio
France, Orquestra Sinfónica de Barcelona, Orchestre National du Capitol de Toulouse, Royal
Liverpool Philharmonic, Swedish Radio Symphony, Symphonic Orchestra de Sao Paulo,
London Mozart Players, Irish y English Chamber Orchestras, National Orchestra Lyon,
Lausanne Chamber Orchestra, Beijing Symphony, Academy of St Martin in the Fields en
Londres, Aarhus Symphony, Ulster Orchestra y Winterthur Orchestra.
Jaime Martín debutó en el campo operístico dirigiendo La flauta mágica en El Escorial en
Madrid y en el Festival de San Sebastián en agosto de 2012. Realizó su debut con la English
National Opera en 2013 dirigiendo El barbero de Sevilla y volverá en 2014.
Ha realizado grabaciones de obras de Halffter y Beethoven junto a la Orquesta de Cadaqués
y, de Agustí Charles y Albéniz con la Orquestra Simfònica de Barcelona i Nacional de
Catalunya, para el sello Tritó con gran éxito de la crítica. Sus grabaciones como solista
incluyen, entre otras, Conciertos de Mozart con Sir Neville Marriner, la grabación del estreno
95

de la Sinfonietta Concierto para flauta y orquesta escrita para él por Xavier Montsalvatge y
dirigido por Gianandrea Noseda, obras para flauta, violín y piano de Bach con Murray Perahia
y la Academy of St. Martin in the Fields para Sony y un Cuarteto para flauta de Mozart para
el sello EMI.
Nacido en Santander, España, Jaime Martín estudió con Antonio Arias en Madrid y después
con Paul Verhey en La Haya, Holanda.
96

MARTES, 25 DE AGOSTO
Iglesia de San Julián y Santa Basilisa • Isla • 20:30 h.
Finalistas del Concurso de Música de Cámara Ecoparque Trasmiera
Dúo Dalí
Fernando Pascual, violín
Aida Velert, piano
Obras de C. Cano, C. Franck, J.L. Escriva, C. Saints-Saëns, G. Faurè, R. Hahn, M. Ravel y
R. Shcherin
• El Dúo Dalí centra su atención en el repertorio español escrito originalmente para violín y
piano. Sus integrantes han tenido ocasión de trabajar juntos tanto en el ámbito académico
como fuera de él, recibiendo consejos de los profesores Vadim Gladkov (Escuela Superior de
Música Reina Sofía), Adolfo Bueso, Antonio Galera e Isabel Soler. Asimismo, ha participado
en clases magistrales impartidas por Marta Zabaleta, Carlota Garriga y Luis Fernando Pérez
en la Academia Granados-Marshall (Barcelona). Además, cada uno de ellos cuenta con una
extensa trayectoria como intérprete solista o como componente de otros grupos de música
de cámara.
El Dúo Dalí ha sido galardonado con el Primer Premio en el IV Concurso de Música de Alzira
(2013) y ha sido invitado a ofrecer recitales durante la primavera de 2015 en la Sala Eutherpe
de León, así como en la Casa de Valencia en Madrid y en la Sala Rodrigo del Palau de la Música
de Valencia. También ha sido incluido en las programaciones del ciclo Concerts al Claustre
y del Centro Cultural de Alcàsser, y ha ofrecido conciertos en espacios históricamente
significativos como el Ateneo Mercantil de Valencia o la Sala “Alicia de Larrocha” de la
Academia Granados-Marshall.
97

JUEVES, 27 DE AGOSTO
Iglesia de Santa María • Castro Urdiales • 21 h.
CAMERATA DE LA UNIVERSIDAD DE CANTABRIA
Grupo Instrumental de la Camerata
Raúl Suárez, director
El coro y el órgano del s.XVII al s. XX
Henry Purcell
• Music for the funeral of Queen Mary
Gabriel Fauré
• Cantique de Jean Racine
Jean Langlais
• Messe Solennelle
• La Camerata Coral de la Universidad de Cantabria cumple, en este año 2015, 40 años
interpretando música de los más diversos estilos. Es obra suya el estreno en el siglo XX de
obras de los maestros de capilla de varias catedrales españolas: José de Nebra, Enrique de
Villaverde, Jerónimo de Carrión, Miguel de Irízar, Juan Ezequiel Fernández, Manuel Ibeas,
Miguel de Ambiela, Cristóbal de Medrano (Magister Cantabriensis) y, en especial, Juan
Antonio García de Carrasquedo, primer maestro de capilla de la Catedral de Santander.
También ha realizado estrenos de obras del s. XX como la grabación de la música incidental
para Madre Prometeo del compositor cántabro Juanjo Mier, así como el estreno en España
en 2006 de la Messe Solennelle de Jean Langlais.
En su haber están, entre otros, los programas dedicados a la música sacra de la familia Bach,
al primer Clasicismo alemán, a la música coral del Romanticismo, a las Antífonas para la
Coronación de Haendel y la Theresienmesse de Haydn, al madrigal Renacentista, a la música
de San Marcos de Venecia, al Coral Protestante, a los Cancioneros del Barroco Español, a la
música religiosa española, a la música del Barroco virreinal, Music for the funeral of Queen
Mary de H. Purcell, Gloria de J. Rutter o Magnificat de J. Willcocks .
Son numerosas las agrupaciones que han colaborado con la Camerata Coral de la U.C.;
entre otras, la Camerata Musicale de Basilea, The Baroque Orchestra of The Royal Collage of
Music, Les Nations de Ámsterdam, Pro Mvsica Antiqva de Madrid, la Orchestre Baroque de
Montauban, la Orquesta de Cámara Arriaga de Bilbao, la Orquesta Sinfónica de Asturias, la
Orquesta Sinfónica de RTVE así como prestigiosos instrumentistas y solistas vocales.
Actúa regularmente en los principales marcos históricos, catedrales (Santiago, Burgos,
Salamanca, etc.) y teatros del país (Teatro Real de Madrid, Arriaga de Bilbao, Real Coliseo
Carlos III de El Escorial, etc.), así como en los más prestigiosos festivales internacionales
de música: Santander, Segovia, Cuenca o Mónaco, siendo además la primera agrupación
española que participa en este último. En el extranjero destacan sus conciertos por Inglaterra,
Bélgica (Catedrales de Bruselas, Gante y Brujas), Francia (Catedrales de Nôtre Dame de París y
Chartres), Mónaco (Catedral) e Italia.
Su labor ha sido recogida en numerosas grabaciones para RTVE y RNE (Radio 2 Clásica)
y en dos discos dedicados a los maestros de capilla de la catedral de Santander, siendo
98

galardonado uno de ellos con el Premio Nacional del Disco. También ha colaborado en el
disco Cruce de Caminos de Pepe Santos.
En su palmarés cuenta con galardones como el Primer Premio en Polifonía del XIII Certamen
Nacional de Canto Coral, Segundo puesto en el XIV Certamen Nacional de Canto Coral,
Primer Premio (Lira de Oro) y Premio especial del público del 43º Certamen de la Canción
Marinera de San Vicente de la Barquera, Lira de Bronce en la 41º edición de este mismo
certamen, Primer Premio en el XII Concurso Nacional de Corales Antonio José de Burgos,
Premio especial del público y Segundo Premio en el Certamen Nacional de Coros de Rivas-
Vaciamadrid y 2º Premio en el 26º Certamen Coral Internacional Villa de Avilés.
Tras haber sido fundada y dirigida por Lynne Kurzeknabe, fue dirigida por Alfonso Manso y
Mª del Mar Fernández Doval, y desde septiembre de 2004 la Camerata emprende una nueva
etapa bajo la dirección de Raúl Suárez García.
99

VIERNES, 28 DE AGOSTO
Santuario de La Bien Aparecida • 20:15 h.
CUARTETO BRETÓN
ROSA TORRES-PARDO, piano
Quintetos
Antonio Soler
• Quinteto N. 4 en la menor
• Quinteto N. 6 en sol menor
• Quinteto N. 3 en Sol Mayor
• Rosa Torres-Pardo es artista-residente de la New York Opera Society es madrileña
y Premio Extraordinario del Real Conservatorio Superior de Música. Estudia con Joaquín
Soriano y Gloria Olalla, con María Curcio en Londres, en “Juilliard School” de Nueva York y
con Hans Graff en Viena.
Obtiene el premio Masterplayers de Lugano (Suiza) en 1986 y debuta con gran éxito en
el Teatro Real de Madrid en 1987 interpretando en 3er concierto de Prokofiev junto a la
Filarmonía Hungárica y Jean Bernard Pommier.
Ha trabajado con grandes orquestas como la Filarmónica de Los Angeles en Hollywood
Bowl y la Royal Philarmonic de Londres o con directores como Spivakov, Dutoit, Fournet,
Vasary o Termikanov en salas como Carnegie Hall y Alice Tully Hall de N. York y Kennedy
Center de Washington, Sala de las Columnas de Moscú y Philarmonie de S. Petersburgo,
Wigmore Hall o Sadlers Wells de Londres, Konzerthaus de Berlín, Music Halle de Hamburgo
e innumerables teatros en Europa.
Conciertos desde el Colón de B. Aires o City Hall de Hong Kong hasta recitales en Australia
y China. Actuaciones con Plácido Domingo en Estados Unidos y conciertos y recitales en
España con las mejores orquestas del país.
Ha colaborado con cuartetos como Melos, Assai o Janacek, con cantantes como Ruggero
Raimondi, Enrique Viana, María Bayo, Isabel Rey, Marina Pardo y Rocío Márquez. Con actores
como José Luis Gómez y Ana Belén, con bailarines como José Martinez y Lola Greco, con el
escritor y poeta Luis García Montero o el director de escena José Carlos Plaza.
Participa con la Fundación Largo Caballero en su programa “Música en las Fábricas y en las
Casas del Pueblo” para los trabajadores, en escenarios tales como los talleres de RENFE, los
hangares de Iberia, Heineken de Sevilla, Metro, Aceralia (Avilés) etc.
Desde 1998 el pintor Eduardo Arroyo crea en Robles de Laciana (León) el festival de música
Encuentros con Rosa Torres-Pardo en el que han colaborado importantes músicos y pintores.
Ha grabado para DECCA, Calando, Naxos, Autor, Deustche Grammophon y Glossa.
Destacadas han sido sus versiones tanto de Goyescas de Granados como de los Ballets Rusos,
del Concierto Breve de Montsalvatge y la Rapsodia de Albéniz con la Sinfónica de Tenerife, el
concierto de Nin Culmell con la Sinfónica de Sevilla o el concierto nº 3 de Balada con la OCB
y el estreno en CD de la versión para voz y piano de todas las canciones asturianas de Antón
García Abril. Sus grabaciones junto al cuarteto Assai “Tangos, Habaneras y otras Milongas”
para el sello Deustche Grammophon o “Las horas vacías” de Ricardo Llorca con a la New
York Opera Society Orchestra han tenido una estupenda acogida de público y crítica.
Su última grabación es un doble CD junto al cuarteto Bretón y Columna Música con los Seis
Quintetos del Padre Soler que se editan íntegramente por vez primera.
Ha sido galardonada junto a Alicia de Larrocha con la medalla Isaac Albéniz en Camprodón,
100

Gerona (ciudad natal del compositor) por la interpretación y difusión de Iberia. Trabajó en la
película musical de C. Saura, IBERIA y Luis G. Montero escribió para ella SUITE ALBÉNIZ, una
serie de poemas sobre obra y vida del compositor.
Ha participado también en un documental de Javier Rioyo sobre García Lorca, en “El Color
de la Música” de López-Linares y actualmente rueda otra película documental sobre el
compositor Antonio Soler (sXVIII), dirigida por Arantxa Aguirre que se estrenará en el
Instituto Cervantes de Tokio en junio de 2014.
• El Cuarteto Bretón se empieza a gestar en 2003, cuando cuatro músicos con larga
experiencia en diversas formaciones de música de cámara comparten la necesidad de dar
a conocer cuartetos de compositores españoles, tanto actuales como del pasado, junto al
gran repertorio de la formación. En ese empeño fueron inspirados por ilustres predecesores
como los Cuartetos Francés, Vela o Rafael, que un siglo años antes iniciaron esa importante
labor en España.
Desde entonces el Cuarteto Bretón ha sido invitado a formar parte de numerosas series de
conciertos en las salas mas importantes de España: el Auditorio Nacional, la Fundación “Juan
March”, el Auditorio del Canal Isabel II, la Residencia de estudiantes, el Centro de Difusión de
Música Contemporánea, el Auditorio “Conde Duque” o el Teatro Albéniz.
A partir de ese compromiso inicial, el Cuarteto Bretón ha puesto un énfasis especial en la
obra de compositores como Ernesto y Rodolfo Halffter, Jesús Guridi, Julián Bautista, Jesús
García Leóz, Tomás Bretón, Julián Orbón, Joaquín Turina o Julio Gómez, y, por supuesto,
en los compositores actuales como Agustín Charles, Alfredo Aracil, Tomás Marco, José Luis
Greco, Mario Carro o Cristobal Halffter, sin descuidar el gran repertorio para cuarteto de
todas las épocas, desde Mozart y Haydn, a Debussy, Shostakovich o Szymanowsky, pasando
por Beethoven, Schubert, Mendelssohn, Schumann, Brahms, Borodin, Lalo, etc.
Entre sus actuaciones destacadas se encuentra el estreno en Madrid de “La Cuzzoni”, ópera
de cámara de Agustín Charles para tres voces y cuarteto de cuerda; o la participación en
el Festival Iberoamericano con la interpretación del “Concerto Grosso” para cuarteto de
cuerda y orquesta, de Julián Orbón, con la Orquesta Sinfónica de Tenerife, en el Auditorio
Nacional de Madrid. En 2009 grabaron las obras de cámara de Rodolfo Halffter para el
sello Naxos. En 2010, protagonizaron el estreno mundial del cuarteto Nº 3 de Jose Luis
Greco, y grabaron la integral de los cuartetos de cuerda de Alfredo Aracil (entre los cuales
se cuenta el estreno del cuarteto Nº 4, dedicado al Cuarteto Bretón). Otros compositores
que dedicaron obras al Cuarteto Bretón son José Luis Greco, Mario Carro, Juanjo Colomer,
Gabriel Loidi o Víctor Padilla.
En 2011 se realizaron conciertos en el Auditorio Reina Sofía con estrenos de cuartetos de A.
Aracil y J. L. Greco, Fundación Canal, Residencia de Estudiantes, Ciclo de Verano de El Escorial
o los Teatros del Canal.
2012 comenzó con importantes proyectos discográficos como la grabación de la integral de
los cuartetos de Jesús Guridi y de Tomás Bretón para NAXOS, así como la integral de Quintetos
con piano del Padre Soler con Rosa Torres Pardo, además de Conciertos en el Colegio Español
de París, Fundación BBVA, Festival de Música Antigua de Aranjuez, Sendesaal de Bremen,
presentando música de cámara de Juan José Colomer y 2013 los llevará a la Semana de
Música Contemporánea de Málaga, la Fundación March, Música/Musika de Bilbao, Semana
de Música Religiosa de Cuenca, Auditorio Nacional, Festivales de Ganada y Quincena de San
Sebastián, y Festival Internacional de Cuartetos de Luberon, Francia.
101

VIERNES, 14 DE AGOSTO
Palacio de Hualle • Treceño • 20:30 h.
SÁBADO, 15 DE AGOSTO
Palacio de Hualle • Treceño • 20:30 h.
VII Noches líricas del Palacio de Hualle
Fantochines de Conrado del Campo
Ópera de cámara en un acto con títeres
Estrenada en el teatro de la Comedia de Madrid en 1923
Tomás Muñoz, dirección de escena
Sonia de Munck, Doneta
Borja Quiza, Lindísimo
Fabián Barrutia, Doña Tía y el Titerero
Concierto Organizado por la Asociación Cultural Amigos del Palacio de Hualle.
102

SÁBADO, 1
DOMINGO, 2
Palacio de Festivales • Sala Argenta • 20:30 h
ORQUESTA SINFÓNICA DE RTVE (50 aniversario)
Pablo González, director
María Espada, soprano
Miengo • Palacio Peñas Blancas • 21:30 h
COLINA MIRALTA SAMBEAT TRÍO
Palacio de Festivales • Sala Pereda • 20:30 h
50 AÑOS DE LA ORQUESTA SINFÓNICA DE RTVE
Coloquio con proyecciones
Alfonso Aijón, primer gerente y Mikaela Vergara, actual Directora gerente
Laredo • Iglesia de Santa María • 20:30 h
PEDRO GUALLAR, órgano
LUNES, 3
Palacio de Festivales • Sala Argenta • 19 h
CONCURSO INTERNACIONAL DE PIANO DE SANTANDER PALOMA O’SHEA
Final con orquesta (I)
Noja • Jardines del Marqués de Albaicín • 22 h
COLINA MIRALTA SAMBEAT TRÍO
MARTES, 4
MIÉRCOLES, 5
JUEVES, 6
Palacio de Festivales • Sala Argenta • 19 h
CONCURSO INTERNACIONAL DE PIANO DE SANTANDER Paloma O’Shea
Final con orquesta (II)
Colindres • Iglesia de San Juan • 21 h
TRÍO VEGA
Palacio de Festivales • Sala Argenta • 20:30 h
Música de Cine
ORQUESTA SINFÓNICA DE CASTILLA Y LEÓN
Jordi Bernácer, director
Viérnoles • Iglesia de San Román • 21 h
TRÍO VEGA
VIERNES, 7
SÁBADO, 8
Palacio de Festivales • Sala Pereda • 20:30 h
ACCADEMIA DEL PIACERE
Palacio de Festivales • Sala Argenta • 20:30 h
DANZA EN CUERPO Y ALMA. Homenaje a Víctor Ullate
LUCÍA LACARRA, dirección
Isla • Iglesia de San Julián y Santa Basilisa • 20:30 h
ACCADEMIA DEL PIACERE
DOMINGO, 9
Santuario de La Bien Aparecida • 20:15 h
ACCADEMIA DEL PIACERE
104

LUNES, 10
MARTES, 11
Palacio de Festivales • Sala Argenta • 19 h
El sastrecillo valiente, Tibor Harsányi. Espectáculo familiar
Compañía de Títeres ETCÉTERA
Palacio de Festivales • Sala Argenta • 20:30 h
PLURALENSEMBLE
FABIAN PANISELLO, director
Allison Bell, soprano
Liérganes • Iglesia de San Pedro ad Vincula • 21 h
VESPRES D’ARNADI
JORDI DOMENECH, contratenor
MIÉRCOLES, 12
Palacio de Festivales • Sala Argenta • 20:30 h
GRIGORY SOKOLOV, piano
Escalante • Iglesia de la Santa Cruz • 21 h
VESPRES D’ARNADI
JORDI DOMENECH, contratenor
JUEVES, 13
Liendo • Iglesia de Ntra. Sra. de la Asunción • 21 h
AUDI ALTERAM
Santoña • Iglesia de Santa María del Puerto • 20:30 h
A. NOGUERA: “El Terral” Op. 139. Auto Sacramental para recitador,
2 actores, piano, percusión, coro y órgano. Estreno absoluto
VIERNES, 14
Palacio de Festivales • Sala Pereda • 20:30 h
SOLISTAS DE LA ORQUESTA DE CADAQUÉS
Con JAIME MARTÍN, flauta
Santillana del Mar • Claustro de la Colegiata • 22 h
MUSICA BOSCARECCIA
SÁBADO, 15
Noja • Iglesia de San Pedro • 22 h
LA RITIRATA
Palacio de Festivales • Sala Pereda • 20:30 h
MUSICA BOSCARECCIA
Cóbreces • Abadia Cisterciense Via Coeli • 20:30 h
ANA AGUADO, órgano
DOMINGO, 16
Palacio de Festivales • Sala Argenta • 20:30 h
ORQUESTA FILARMÓNICA DE SAN PETERSBURGO
Yuri Temirkanov, director
Javier Perianes, piano
Miera • Iglesia de Santa María de la Asunción • 21 h
LA RITIRATA
105

LUNES, 17
Palacio de Festivales • Sala Pereda • 20:30 h
AZAHAR ENSEMBLE., quinteto de viento
Argüeso • Castillo de San Vicente • 20 h
ARS ATLANTICA
MARTES, 18
Palacio de Festivales • Sala Argenta • 20:30 h
ANN HALLENBERG, mezzosoprano
IL POMO D’ORO, orquesta barroca
MAXIM EMELYANYCHEV, director
Rasines • Jardines del parque de la Cueva del Valle • 21 h
ANDREAS PRITTWITZ & THE LOOKINGBACK SEXTET
La Cavada • Iglesia de San Juan • 21 h
AZAHAR ENSEMBLE, quinteto de viento
MIÉRCOLES, 19
Palacio de Festivales • Sala Pereda • 20:30 h
Proyección “LA CONSAGRACIÓN DE LA PRIMAVERA”
Coreografía de Maurice Béjart
Rubén Amón, periodista
Suances • El Torco, Fuerte antiguo • 21:30 h
ANDREAS PRITTWITZ & THE LOOKINGBACK SEXTET
JUEVES, 20
Palacio de Festivales • Sala Pereda • 20:30 h
BRODSKY QUARTET
Comillas • Palacio del Marques de Sobrellano • 21 h
ANDREAS PRITTWITZ & THE LOOKINGBACK SEXTET
VIERNES, 21
Palacio de Festivales • Sala Argenta • 20:30 h
BALLET NACIONAL DE ESPAÑA
ANTONIO NAJARRO, director
San Vicente de la Barquera • Polideportivo Municipal • 20:30 h
JOVEN ORQUESTA DE CANTABRIA
Jaime Martín, director
Ellinor D’Melon, violín
SÁBADO, 22
DOMINGO, 23
Palacio de Festivales • Sala Argenta • 20:30 h
JOVEN ORQUESTA DE CANTABRIA
Jaime Martín, director
Ellinor D’Melon, violín
Palacio de Festivales • Sala Argenta • 12 h
EL BOLERO DE RAVEL. Concierto Familiar
Joven Orquesta de Cantabria.
Jaime Martín, director y presentador
106

DOMINGO, 23 Santuario de La Bien Aparecida • 20:15 h.
YAGO MAHÚGO, clave
LUNES, 24
Palacio de Festivales • Sala Argenta • 20:30 h
FREIBURGER BAROCKORCHESTER
PETRA MÜLLEJANS, violín y dirección
Andreas Staier, clave
Torrelavega •Teatro Municipal Concha Espina • 21 h
JOVEN ORQUESTA DE CANTABRIA
Jaime Martín, director
Ellinor D’Melon, violín
Loredo • Santuario de Nuestra Señora de Latas • 21 h
YAGO MAHÚGO, clave
MARTES, 25
MIÉRCOLES, 26
JUEVES, 27
Isla • Iglesia San Julián y Santa Basilisa • 20:30 h
Grupo finalista del Concurso de Música de Cámara Ecoparque Trasmiera
DÚO DALÍ
Palacio de Festivales • Sala Argenta • 20:30 h
ORQUESTA DE CADAQUÉS
ORFEÓN DONOSTIARRA
Alberto Zedda, director
Palacio de Festivales • Sala Pereda • 20:30 h
Proyección “UNA ROSA PARA SOLER”
Cuarteto Bretón Y ROSA TORRES - PARDO, piano
Castro Urdiales • Iglesia de Santa María • 21 h
CAMERATA DE LA UNIVERSIDAD DE CANTABRIA
Grupo Instrumental de la Camerata
Raúl Suárez, director
VIERNES, 28
Palacio de Festivales • Sala Argenta • 20:30 h
I, CULTURE ORCHESTRA
Kirill Karabits, director
LISA BATIASHVILI, violín
Santuario de la Bien Aparecida • 20:15 h
CUARTETO BRETÓN
ROSA TORRES- PARDO, piano
SÁBADO, 29
Palacio de Festivales • Sala Argenta • 20:30 h
ORQUESTA FILARMÓNICA DE OSLO
Vasily Petrenko, director
VILDE FRANG, violín
107

Calle Gamazo, s/n • 39004 Santander
Teléfono: 942 210 508 • Email: prensa@festivalsantander.com
www.festivalsantander.com
Festivalinternacionalsantander
@FestSantander
@festsantander
FestivaldeSantander