olga pasichnyk olga pasichnyk Michal nesterowicz - Blog del ...
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<strong>Michal</strong><br />
<strong>nesterowicz</strong><br />
Director<br />
<strong>olga</strong><br />
<strong>pasichnyk</strong><br />
soprano
Duración total aproximada: 110´<br />
W. Lutoslawski: Música fúnebre 14´<br />
K. Penderecki: Agnus Dei 8´<br />
W. Kilar: Orawa 8´<br />
H. Górecki: Sinfonía nº 3 57´<br />
La OSCyL y los intérpretes<br />
<strong>Michal</strong> Nestorowic es la primera vez que dirige a la OSCyL<br />
La soprano Olga Pasichnyk es la primera vez que actúa<br />
junto a la OSCyL<br />
Editado por<br />
Junta de Castilla y León<br />
Consejería de Cultura y Turismo<br />
Orquesta Sinfónica de Castilla y León<br />
Auditorio Miguel Delibes<br />
Av. Monasterio Ntra. Sra. de Prado, 2<br />
47015 Valladolid<br />
T 983 385 604<br />
info@auditoriomiguel<strong>del</strong>ibes.com<br />
www.auditoriomiguel<strong>del</strong>ibes.com<br />
La Orquesta Sinfónica de Castilla y León es miembro de la<br />
Asociación Española de Orquestas Sinfónicas (AEOS)<br />
La Orquesta Sinfónica de Castilla y León y el Auditorio Miguel Delibes<br />
son miembros de la Red de Organizadores de Conciertos Escolares (ROCE)<br />
Imprime: Gráficas Lafalpoo<br />
Dep. Legal: Va-823/2011<br />
Valladolid, España 2011
Orquesta sinfónica<br />
de castilla y león<br />
<strong>Michal</strong> Nesterowicz<br />
Director<br />
—<br />
Olga Pasichnyk<br />
soprano<br />
Valladolid<br />
Abono OSCYL 4<br />
—<br />
jueves 24 y viernes 25 de noviembre de 2011 · 20.00 h<br />
sala sinfónica. Auditorio Miguel Delibes<br />
·<br />
salamanca<br />
Abono OSCYL 1<br />
—<br />
sábado 26 de noviembre de 2011 · 20.30 h<br />
caem salamanca
PROGRAMA<br />
Parte I<br />
—<br />
WITOLD LUTOSLAWSKI<br />
(1913-1994)<br />
Música fúnebre*<br />
Prologue - Metamorphoses - Apogeum - Epilogue<br />
—<br />
KRZYZSTOF PENDERECKI<br />
(1933)<br />
Agnus Dei*<br />
—<br />
WOJCIECH KILAR<br />
(1932)<br />
Orawa*<br />
—<br />
Parte II<br />
—<br />
HENRYK MIKOLAJ GÓRECKI<br />
(1933-2010)<br />
Sinfonía nº 3 op. 36 Sinfonía de las canciones dolorosas<br />
para soprano y orquesta*<br />
Lento – Sostenuto tranquillo ma cantabile<br />
Lento e largo – Tranquillissimo<br />
Lento – Cantabile semplice<br />
—<br />
Editores: Chester Music (Lutoslawski – Gorecki) / Schott (Penderecki) / PWM Edition (Kilar)<br />
* Primera vez por esta orquesta
El término “Escuela polaca de composición” fue propuesto<br />
a principios de la década de los años sesenta <strong>del</strong> siglo xx<br />
particularmente por la crítica musical alemana. Esta designación<br />
surgió para denominar un estilo específico que se estaba<br />
gestando en Polonia, en el cual la base de la creación de una obra<br />
musical está constituida por el color <strong>del</strong> sonido. El nacimiento<br />
de esta corriente fue posible gracias al deshielo político vivido<br />
después de la muerte de Stalin que en Polonia condujo a la crisis<br />
política <strong>del</strong> año 1956. Es entonces cuando, junto con el culto<br />
a la persona en la esfera política, fueron rechazados los dogmas<br />
<strong>del</strong> realismo socialista en el mundo de la cultura. También<br />
hay que señalar que en la aparición de la “Escuela polaca de<br />
composición” tuvo una importancia significativa la creación<br />
<strong>del</strong> Festival Internacional de Música Contemporánea Otoño de<br />
Varsovia, organizado por primera vez en octubre de 1956. Este<br />
festival fue el lugar obligado para la presentación en Polonia de<br />
las obras que constituían el canon de la música contemporánea<br />
–con La consagración de la primavera de Stravinsky a la cabeza– y<br />
también el ámbito en el que se dio cabida a las nuevas tendencias<br />
estéticas de la música nacional. Inicialmente se asumieron los<br />
rasgos <strong>del</strong> dodecafonismo para evolucionar después hacia un<br />
experimentalismo de gran radicalidad y una desinhibida libertad<br />
expresiva basada en la primacía <strong>del</strong> color <strong>del</strong> sonido sobre los<br />
demás elementos de la composición.
Witold Lutoslawski<br />
(Varsovia, 25-i-1913; Varsovia, 7-ii-1994)<br />
Música fúnebre<br />
La “Escuela polaca” tuvo en Witold Lutoslawski a su figura más<br />
influyente y representativa. Siendo el compositor de más edad de<br />
la vanguardia polaca, Lutoslawski constituye en cierto modo un<br />
caso paradójico. Tuvo unos inicios marcados por su condición de<br />
niño prodigio pero su revelación como compositor se produjo muy<br />
tardíamente, en parte debido a la acusación de “formalista” lanzada<br />
por las autoridades culturales al rechazar los dogmas de Realismo<br />
socialista, pero también debido a la búsqueda interior de las bases<br />
de un lenguaje propio. Su andadura como compositor comenzó<br />
siguiendo la estela de Stravinsky y Szymanowski por un lado y la<br />
escuela francesa de principios <strong>del</strong> siglo xx, especialmente la de<br />
Roussel, por otro y más tarde la de Bartók. Su evolución fue lenta<br />
pero de una constancia y coherencia poco comunes. Cada una de<br />
sus obras jalonan una trayectoria creativa marcada por la seguridad<br />
e independencia que es solo fruto de un espíritu insobornable, de<br />
manera que la obra de Lutoslawski, partiendo inicialmente de la<br />
experimentación con el folclore, ha pasado por diferentes etapas –el<br />
serialismo, la libertad absoluta de la música aleatoria, el tratamiento<br />
complejo de los aspectos fonéticos <strong>del</strong> lenguaje hablado o el juego<br />
con los parámetros temporales– que responden a la fusión de<br />
iniciativas creadoras únicas con la asimilación de sus consecuencias<br />
lógicas. Si el dominio de la técnica y la fantasía, escribe Ulrich<br />
Dibelius, son valores secundarios en su obra, la disciplina y el<br />
gran sentido de la responsabilidad constituyen las características<br />
esenciales de su lenguaje.<br />
La Música fúnebre para orquesta de cuerda fue escrita en 1956,<br />
coincidiendo con la época <strong>del</strong> deshielo. Como el mismo
compositor reconocía esta obra marcaba<br />
un punto de inflexión en su búsqueda de<br />
una nueva estética. La pieza fue encargada<br />
y estrenada por el director Jan Krenz el<br />
26 de marzo de 1958 en Katowice para<br />
conmemorar el décimo aniversario de la<br />
muerte de Béla Bartók. “Al escribir esta<br />
obra, afirmaba Lutoslawski, he intentado no<br />
tomar como mo<strong>del</strong>o la música de Bartók,<br />
de modo que las posibles reminiscencias no<br />
obedecen a ninguna decisión preconcebida.<br />
Si por casualidad hay alguna, ello solo<br />
confirma el hecho indudable de que el<br />
estudio de la obra de Bartók fue una de las<br />
lecciones fundamentales para la mayoría de<br />
los compositores de mi generación”. La Música<br />
fúnebre, estructurada en cuatro movimientos<br />
sin solución de continuidad, es producto<br />
de una reflexión profunda realizada por<br />
el compositor durante años acerca de la<br />
escritura musical. La utilización canónica<br />
de series de doce sonidos ha llevado a creer<br />
a algunos que Lutoslawski había escrito<br />
música dodecafónica, una afirmación que el<br />
propio compositor desmiente: “En la Música<br />
fúnebre utilizo una serie de doce sonidos, pero<br />
la manera y sobre todo la elección de los<br />
intervalos muestran claramente que se trata<br />
de obtener un resultado armónico, de crear<br />
agregaciones verticales, y no de emplear un<br />
nuevo sistema funcional de intervalos como<br />
en el caso <strong>del</strong> dodecafonismo”. Efectivamente<br />
el conjunto está construido sobre la<br />
utilización de tritonos y segundas menores,<br />
lo que origina resultados armónicos que no<br />
contienen terceras ni sextas, un recurso que<br />
potencia la atmósfera reflexiva y sombría de<br />
la pieza. Música densa y proteica dentro de<br />
la premeditada limitación interválica, en la<br />
que el espectro de los doce sonidos se apoya<br />
en un uso muy expresivo de los intervalos, los<br />
cuales tienen para Lutoslawski una cualidad<br />
sonora viva al contrario de lo que ocurre en<br />
el sistema serial donde son utilizados como<br />
una entidad estructural. Al mismo tiempo<br />
el diseño de una organización armónica<br />
en estratos se convirtió en un punto de<br />
referencia esencial y “la primera palabra en<br />
un lenguaje completamente nuevo”.
Krzysztof Penderecki<br />
(Debica, 23-xi-1933)<br />
Agnus Dei para orquesta de cuerdas<br />
La irrupción de Krzysztof Penderecki en el panorama de la<br />
música polaca a inicios de la década de los años sesenta <strong>del</strong> siglo<br />
xx fue arrolladora: las tres obras que envió al Certamen Nacional<br />
de Composición de Polonia en 1959 resultaron premiadas y<br />
su nombre se convirtió en un auténtico referente de la nueva<br />
música de su país. Señala Ulrich Dilebius que en la obra de<br />
Penderecki “destaca desde sus inicios la capacidad de otorgar<br />
a sus descubrimientos en el terreno de la sonoridad y a sus<br />
correspondientes estructuras formales un grado de inmediatez y<br />
expresividad tan alto que las dificultades de entendimiento jamás<br />
tuvieron lugar”. Pero a partir de mediados de la década de los<br />
setenta <strong>del</strong> siglo xx, el estilo de este enfant terrible de la vanguardia<br />
tomó una dirección inesperada hacia la tonalidad, una<br />
circunstancia común sin embargo a otros compositores como<br />
Górecki o Kilar con la diferencia de que estos últimos asumieron<br />
la sencillez y la claridad como rasgos estilísticos mientras que<br />
Penderecki optó por una retórica neorromántica de gran<br />
densidad y profundas conexiones históricas.<br />
La música de Penderecki, como la de su colega Górecki es<br />
portadora de una profunda sensibilidad religiosa. El Agnus Dei<br />
fue compuesto en 1981 en homenaje a la muerte <strong>del</strong> Cardenal<br />
Primado de Polonia Stefan Wyszynski. Escrito originalmente<br />
para coro mixto a ocho partes, se interpretó por primera vez<br />
durante los funerales <strong>del</strong> Cardenal en Varsovia el 31 de mayo<br />
de aquel mismo año, por el Coro de la Radiotelevisión Polaca<br />
dirigido por Antoni Wit. Varios años después Penderecki<br />
incorporó el Agnus Dei a su Requiem Polaco para solistas, coro mixto
y orquesta, obra finalizada en 1993, y cuyas<br />
diferentes secciones están dedicadas a los<br />
héroes y mártires de la nación polaca:<br />
las víctimas de la masacre de Katyn en<br />
1940, los caídos en 1943 en el gueto judío<br />
de Varsovia y en el alzamiento de 1944,<br />
también a los trabajadores muertos en<br />
las revueltas de los muelles bálticos en<br />
diciembre de 1970 y al Padre Maksymilian<br />
Maria Kolbe, asesinado en Auschwitz.<br />
El propio compositor afirmaba: “Si no<br />
hubiera sido por la situación política<br />
general, por el sindicato Solidaridad, no<br />
habría compuesto el Requiem, incluso<br />
aunque estuve interesado por el tema<br />
durante mucho tiempo. Pero escribiendo<br />
el Requiem quise adoptar una posición<br />
definitiva para declarar en que lado estaba”.<br />
En 1994 el Agnus Dei fue reorquestado para<br />
una pequeña formación de cuerdas por<br />
el violonchelista Boris Pergamenschikov,<br />
quien lo dirigió el 4 de diciembre de 1994<br />
en Cracovia. El carácter fúnebre de la pieza<br />
encuentra una novedosa materialización<br />
en esta versión instrumental, si bien la<br />
sustitución <strong>del</strong> elemento vocal la priva de<br />
su coloración mística manteniendo solo el<br />
tono de plegaria que deja traslucir cierta<br />
reflexión sobre la condición de la existencia<br />
humana.
Wojciech Kilar<br />
(Lwow, 17-vii-1932)<br />
Orawa<br />
Wojciech Kilar, nacido en 1932, fue el compositor más joven de<br />
aquella primera oleada vanguardista que se dio a conocer en el<br />
Otoño de Varsovia de 1956, junto a Witold Lutoslawski, Grazyna<br />
Bacewicz o Tadeusz Baird. Estudió en Katowice y Cracovia, y<br />
posteriormente en París bajo el magisterio de Nadia Boulanger.<br />
Junto a Penderecki y Górecki formó parte <strong>del</strong> grupo llamado<br />
Vintage 33 en los años de eclosión <strong>del</strong> radicalismo de vanguardia, si<br />
bien la mayoría de ellos, incluido el propio Kilar, evolucionaron<br />
en la década de los setenta <strong>del</strong> siglo xx hacia una simplicidad<br />
que recuperaba la tonalidad y cierto neorromanticismo. Kilar<br />
destacó en Polonia como prolífico autor de música para el<br />
cine, actividad que le llevó a trabajar con directores de la talla de<br />
Andrzej Wajda, Krzysztof Zanussi, Kazimierz Kutz o Krzysztof<br />
Kieslowski. En 1992 alcanzó renombre internacional cuando<br />
Francis Ford Coppola le llamó para que escribiera la banda<br />
sonora de Drácula de Bram Stoker. Kilar ofreció una magnífica<br />
y asfixiante partitura, muy superior a la fallida adaptación<br />
cinematográfica, que le abrió las puertas en occidente para<br />
colaborar con otros directores como Roman Polanski –Death and<br />
the Maiden, The Ninth Gate– o Jane Campion –Portrait of a Lady–. El<br />
estilo maduro de Kilar resulta difícil de clasificar pues va desde<br />
ese neorromanticismo ya citado a un variado eclecticismo que<br />
muchas veces se transforma en audaces y descaradas paráfrasis<br />
musicales sin perder su matiz de originalidad.<br />
Escrita en 1986, Orawa se inspira en el folclore de la región<br />
baja de Podhale. El título deriva de un término montañés para<br />
describir las laderas en las que la hierba ha sido segada. Cuando
la época de los pastos ha finalizado, la<br />
hierba que ha quedado es cortada y la ladera<br />
se convierte en el lugar idóneo para festejar<br />
el final <strong>del</strong> trabajo de pastores y campesinos.<br />
Orawa viene a ser un complemento a su<br />
anterior poema sinfónico, Krzesany, de 1974,<br />
en el que Kilar desplegaba una defensa<br />
consciente <strong>del</strong> folclore el cual había sido<br />
desterrado de la intelectualidad después<br />
de los años <strong>del</strong> realismo socialista. Orawa<br />
es una evocación de la naturaleza y de las<br />
costumbres populares mediante la asunción<br />
de ritmos básicos, escalas pentatónicas y<br />
motivos repetitivos que crean una arcaica<br />
estilización de los recursos interpretativos<br />
procedentes de la práctica musical en el<br />
medio campesino.
Henryk Mikolaj Górecki<br />
(Czernica, 6-xii-1933; Katowice, 12-xi-2010)<br />
Sinfonía nº 3, op. 36 Sinfonía de las canciones dolorosas<br />
En 1992 un disco de música clásica se convirtió en un auténtico<br />
éxito de ventas con más de 300.000 copias vendidas en Gran<br />
Bretaña, Estados Unidos y España, entre otros países. En los dos<br />
años siguientes al lanzamiento se alcanzó la cifra de 700.000<br />
discos vendidos en el mundo. Un acontecimiento extraordinario<br />
sin duda, pero lo es mucho más si tenemos en cuenta que el disco<br />
contenía la Sinfonía nº 3 de un ignoto compositor polaco llamado<br />
Henryk Mikolaj Górecki, prácticamente desconocido fuera de<br />
las fronteras de su país. Y aún más curioso resulta que en 1992<br />
se pusiera de moda una obra escrita dieciocho años antes, pues<br />
la Sinfonía nº 3 titulada Sinfonía de las canciones dolorosas había sido<br />
compuesta en 1976 y estrenada un año después en el Festival de<br />
Royan –Francia– por Stefania Woytowicz y la Orquesta de la Radio<br />
de Baden Baden bajo la batuta de Ernest Bour. La versión que dio<br />
a conocer la obra al mundo, editada por el sello Elektra-Nonesuch<br />
Records, estaba interpretada por la soprano Dawn Upshaw junto a<br />
la London Sinfonietta dirigidos por David Zinman. Sin duda todo<br />
respondió a una hábil estrategia comercial –de la que el compositor<br />
no tenía ni idea, pero que debió hacerle rico– elaborada<br />
aprovechando el “tirón” que en aquellos años tenía entre ciertos<br />
sectores la música New Age y el minimalismo, si bien Górecki<br />
siempre rechazó su adhesión a esta última corriente: “Ni siquiera<br />
sé lo que es eso. En Polonia no se pueden comprar partituras<br />
americanas”. El compositor estaba más sorprendido que nadie <strong>del</strong><br />
éxito de su obra a lo que afirmaba que “quizás la gente encuentra<br />
algo que necesitan en esta pieza musical […]. De algún modo acerté<br />
la nota correcta, hice algo que echaban de menos. Algo en algún
lugar se les había perdido. Sentí<br />
instintivamente que sabía lo que ellos<br />
querían”. La Sinfonía nº 3 no es como<br />
muchos creen un homenaje a las víctimas de<br />
Auschwitz ni se refiere a la guerra en general,<br />
sino “al continuo sufrimiento que el lado<br />
perverso de la naturaleza humana inflige hoy<br />
al mundo”.<br />
El primer movimiento de la Sinfonía<br />
nº 3 consta de tres secciones, las dos<br />
extremas son un canon a ocho partes que<br />
enmarcan una sección central en la que<br />
la soprano canta una lamentación de los<br />
Cantos isagora, una colección de la segunda<br />
mitad <strong>del</strong> siglo xv procedente <strong>del</strong> monasterio<br />
de la Santa Cruz. La perfecta simetría se<br />
consigue por la aparición inversa <strong>del</strong> canon<br />
en la reexposición. El movimiento se abre<br />
con una sencilla melodía en los contrabajos<br />
cuyas inflexiones Gorécki mo<strong>del</strong>a a partir<br />
de las mismas fuentes folclóricas que<br />
inspiraron el Stabat Mater de su compatriota<br />
Karol Szymanowski –1882-1937–. Con<br />
esta melodía como elemento germinador<br />
Gorécki construye una compleja estructura<br />
canónica en forma de arco en la que cada<br />
nueva voz va entrando una quinta más alta,<br />
creando un clima de gradual intensidad<br />
hasta alcanzar la sección central donde el<br />
protagonismo es asumido por la soprano.<br />
En el punto crítico de la plegaria la orquesta<br />
vuelve a tomar la densa textura canónica<br />
iniciándose su desintegración en la última<br />
sección reexpositiva donde las diferentes<br />
voces se van apagando progresivamente<br />
dentro de una atmósfera serena y visionaria.<br />
El segundo movimiento es el más breve de<br />
los tres que forman la sinfonía. El texto<br />
que canta la soprano es una oración a la<br />
Virgen que se encontró escrita en el muro<br />
de una de las celdas <strong>del</strong> cuartel general<br />
de la Gestapo instalado en el palacio de<br />
Zakopane durante la Segunda Guerra<br />
Mundial. Debajo de la oración se podía<br />
leer el nombre de la mujer que la escribió:<br />
“Helena Wanda Bausiakówna, de 18 años,<br />
detenida desde el 25 de septiembre de 1944”.<br />
La conmovedora sinceridad e inocencia de<br />
este movimiento son trasmitidas al tercero,<br />
donde una madre llora la muerte de su hijo<br />
soldado. El poema data con toda seguridad<br />
de los años de la Primera Guerra Mundial,<br />
mientras que la melodía principal es <strong>del</strong><br />
siglo xix y procede de la región de Opale,<br />
en el sudeste de Polonia. En la aparición de<br />
cada una de las cuatro estrofas <strong>del</strong> poema,<br />
Górecki modula sensiblemente la melodía y<br />
su acompañamiento sobre el modo eólico.<br />
La sinfonía concluye después de una breve<br />
recapitulación de la oscilación armónica <strong>del</strong><br />
comienzo.<br />
La Sinfonía de las canciones dolorosas constituye<br />
sin duda un testimonio conmovedor de la<br />
profunda religiosidad <strong>del</strong> pueblo polaco y<br />
de su incierto devenir histórico expresado<br />
en términos que asumen una reflexión<br />
universal sobre el dolor humano. Pero no es<br />
posible eludir un juicio de valor estético en el<br />
sentido de que los medios empleados por el<br />
compositor constituyen un fin en si mismos<br />
e imponen, por sus especiales características,<br />
sus propias limitaciones expresivas y musicales<br />
dibujando una <strong>del</strong>gada línea que puede llegar<br />
a convertirse en la frontera difusa entre lo<br />
sublime y lo rutinario.<br />
© Julio García Merino<br />
Archivero m u s i ca l d e la OSCyL
HENRYK MIKOLAJ GÓRECKI<br />
Sy m f o n i a pieśni ż a ł o s n y c h<br />
Si n f o n í a d e l a s c a n c i o n e s d o l o r o s a s<br />
I<br />
Synku miły i wybrany,<br />
Rozdziel z matką swoje rany;<br />
A wszakom cię, synku miły, w swem sercu<br />
nosiła,<br />
A takież tobie wiernie służyła.<br />
Przemow k matce, bych się ucieszyła,<br />
Bo już jidziesz ode mnie, moja nadzieja miła.<br />
I<br />
Hijo mío, mi predilecto y bien amado,<br />
comparte tus lágrimas con tu madre;<br />
querido hijo, así como siempre te he llevado en mi<br />
corazón, y siempre te he servido lealmente,<br />
habla con tu madre para tenerla contenta,<br />
así liberarás mi espíritu herido.<br />
II<br />
Mamo, nie płacz, nie.<br />
Niebios Przeczysta Królowo,<br />
Ty zawsze wspieraj mnie.<br />
Zdrowaś Mario.<br />
II<br />
Mamá, no llores más.<br />
Virgen pura, Reina <strong>del</strong> cielo,<br />
protégeme en todo momento.<br />
Ave María.<br />
III<br />
Kaize mi sie podzioł<br />
mój synocek miły?<br />
Pewnie go w powstaniu<br />
złe wrogi zabiły.<br />
Wy niedobrzy ludzie,<br />
dio Boga święteho<br />
cemuście zabili<br />
synocka mojego?<br />
III<br />
¿Dónde se encuentra<br />
mi hijo más querido?<br />
El cruel enemigo le ha dado muerte<br />
vosotros gente malvada.<br />
En el nombre de Dios,<br />
el más sagrado,<br />
decidme, ¿por qué<br />
habéis asesinado a mi hijo?
Zodnej jo podpory<br />
juz nie byda miała,<br />
choćbych moje stare<br />
ocy wypłajała.<br />
Choćby z mych łez gorzkich<br />
drugo Odra była,<br />
jesce by synocka<br />
mi nie ozywiła.<br />
Lezy on tam w grobie,<br />
a jo nie wiem kandy,<br />
choć sie opytuja<br />
między ludźmi wsandy.<br />
Moze nieborocek<br />
lezy kaj w dołecku,<br />
a mógłby se lygać<br />
na swoim przypiecku.<br />
Ej, ćwierkejcie mu tam,<br />
wy ptosecki boze,<br />
kyedi mamulicka<br />
znaleźć go nie moze.<br />
A ty, boze kwiecie,<br />
Kwitnijze w około,<br />
niech sie synockowi<br />
choć lezy wesoło.<br />
Nunca jamás<br />
tendré su apoyo<br />
aunque solloce<br />
hasta la última de las lágrimas de mi cuerpo.<br />
Incluso si mis amargas lágrimas<br />
formasen otro río Oder<br />
no podrían devolver la vida<br />
a mi hijo.<br />
Reposa en su tumba<br />
e ignoro donde se encuentra,<br />
aunque continúo preguntando a la gente<br />
por doquier.<br />
Quizás el pobre chiquillo<br />
repose en una cuneta,<br />
entonces reposaría<br />
en un cálido lecho.<br />
¡Oh cantad para él<br />
pajarillos <strong>del</strong> Señor!<br />
Porque su mamá<br />
no lo puede encontrar.<br />
Y vosotras florecillas <strong>del</strong> Señor,<br />
floreced a su alrededor<br />
para que mi hijo<br />
pueda dormir contento.<br />
Traducción a partir de la versión inglesa<br />
de Julio García Merino
michal<br />
nesteroWicz<br />
director<br />
Ganador de la novena edición <strong>del</strong> prestigioso Concurso Internacional<br />
de Dirección de Orquesta de Cadaqués, en España<br />
<strong>Michal</strong> Nesterowicz, nacido en Wroclaw en 1974, es uno de los<br />
directores polacos más interesantes de esta época. En 2004, a<br />
la edad de treinta años, fue nombrado Director Artístico de la<br />
Orquesta Filarmónica <strong>del</strong> Báltico de Gdansk, convirtiéndose en<br />
el director más joven de una Filarmónica de Polonia. Después<br />
de esto fue nombrado Director Titular de la Orquesta Sinfónica<br />
Nacional de Chile donde dirige actualmente.<br />
<strong>Michal</strong> Nesterowicz ha realizando conciertos a través de toda<br />
Europa y EE.UU. En 1999 fue uno de los ganadores <strong>del</strong> 6º<br />
Concurso Internacional de Dirección de Grzegorz Fitelberg y<br />
al mismo tiempo, ganó el premio especial de la Orquesta de la<br />
Radio Nacional de Polonia para el mejor director polaco. En<br />
2005, el diario polaco Gazeta Wyborcza otorgó a Nesterowicz<br />
el premio ‘Artistas <strong>del</strong> Año 2005’ y en 2006 fue nombrado<br />
‘Director <strong>del</strong> Año’ en Santiago de Chile. En junio de 2008,
el Jurado <strong>del</strong> Concurso Internacional de<br />
Dirección de Cadaqués, presidido por<br />
Gennady Rozhdestvensky y Sir Neville<br />
Marriner, le otorgó el primer premio.<br />
<strong>Michal</strong> Nesterowicz es licenciado por la<br />
Academia de Música de Wroclaw, habiendo<br />
hecho la especialidad en dirección a las<br />
órdenes <strong>del</strong> profesor Marek Pijarowski,<br />
acabando la misma con mencion especial en<br />
1997. Inició su actividad como director ya<br />
durante su época de estudiante, dirigiendo<br />
la orquesta de cámara creada por él mismo,<br />
la Giovanni Virtuosi. Desde que acabó sus<br />
estudios dirige con frecuencia en Europa,<br />
América <strong>del</strong> Sur y Estados Unidos.<br />
<strong>Michal</strong> Nesterowicz ha trabajado<br />
con diversos solistas de gran renombre,<br />
incluyendo Shlomo Mintz, Patricia<br />
Kopatchinskaja, Boris Berezowsky, Angela<br />
Marambio, Rachel Barton Pine, Ewa Podles,<br />
Iván Monighetti y muchos otros.<br />
En Polonia colabora con las mejores<br />
orquestas, entre otras: la Sinfonia Varsovia,<br />
la Orkiestra Synfoniczna Filharmonii<br />
Narodowej [Orquesta Sinfónica de la<br />
Filarmónica Nacional], la Narodowa<br />
Orkiestra Synfoniczna Polskiego Radia<br />
[Orquesta Sinfónica Nacional de Radio<br />
Polonia], la Polska Orkiestra Radiowa<br />
[Orquesta Sinfónica de la Radio Polaca], la<br />
Orkiestra Sinfonietta Cracovia, así como, la<br />
Polska Filharmonia Kameralna [Orquesta<br />
de Cámara de la Filarmónica]. En España<br />
ha dirigido ya las Orquestra Simfònica de<br />
Barcelona i Nacional de Catalunya, Radio<br />
Televisión Española, Orquesta Sinfonica de<br />
Tenerife, Orquesta de Euskadi, Orquesta<br />
de Gran Canaria, Orquestas Sinfónicas<br />
de Galicia, Sevilla y Córdoba y Real<br />
Filharmonía de Galicia.<br />
Sus próximos compromisos<br />
incluyen conciertos con Royal Liverpool<br />
Philharmonic, Orchestre National de<br />
Belgique, Orquesta y Coro Nacionales de<br />
España, Moscow Philharmonic Orchestra,<br />
Polish National Philharmonic Orchestra in<br />
Warsaw, Orquesta Sinfónica de Granada,<br />
Orquesta Sinfónica de Castilla y León,<br />
Orquesta Filharmónica de Valles, Orquesta<br />
Sinfónica de Tenerife, Virtuosi Italiani,<br />
Orchestra Sinfonica Siciliana, Basel<br />
Symphony Orchestra y muchos más.
Olga<br />
<strong>pasichnyk</strong><br />
soprano<br />
© B. Wielgosz<br />
Estudió en el Conservatorio de Kiev y en la Academia de<br />
Música Chopin de Varsovia. En 1992 entró en la Ópera de<br />
Cámara de Varsovia. Se ha presentado en salas de concierto<br />
europeas tan famosas como el Théâtre des Champs-<br />
Élysées, la Salle Pleyel, el Concertgebouw de Ámsterdam,<br />
el Konzerthaus de Berlín, Bozar de Bruselas, De Doelen de<br />
Róterdam y en otras de Japón, Estados Unidos y Australia.<br />
Interpretaciones importantes de los años pasados<br />
incluyen el papel de Donna-Anna de Don Giovanni en<br />
concierto seguido de una grabación para Harmonia<br />
Mundi con la Freiburger Barockorchester y René Jacobs;<br />
la Contessa de Le nozze di Figaro para una producción en Aixen-Provence;<br />
varios papeles de Han<strong>del</strong> –por los que fue<br />
designada ‘Cantante <strong>del</strong> Año’– como Almirena de Rinaldo,<br />
Dalinda de Ariodante y Dorinda de Orlando en la Ópera de<br />
Flandes y en la Ópera Estatal de Baviera, Bellezza de Il<br />
Trionfo con Marc Minkowski en la Salle Pleyel, Düsseldorf y<br />
Granada, Morgana de Alcina en la Ópera de París,
el papel de Semele en Essen y Cleopatra<br />
de Giulio Cesare en Varsovia.<br />
En 2008 debutó como Blanche de<br />
Dialogues des carmelites de Poulenc en la<br />
Ópera de Flandes, fue Ännchen de Der<br />
Freischütz en Ginebra, la protagonista<br />
de La Calisto de Cavalli en la Ópera<br />
de Baviera, Roxana en Krol Roger de<br />
Szymanovski en La Bastille y en los<br />
Bregenzer Festspiele. Otros papeles<br />
nuevos han sido Micaëla de Carmen en<br />
Lille, Ilia de Idomeneo con los Musiciens<br />
du Louvre y Marc Minkowski, Megacle<br />
de L’Olimpiade de Pergolesi en el<br />
Innsbruck Festspiel. Entre sus proyectos<br />
futuros está Roxana en el Teatro Real<br />
de Madrid, el Teatro Wielki de Varsovia<br />
y La Monnaie de Bruselas. También<br />
debutará en la Nederlandse Opera<br />
de Ámsterdam, Komische Oper de<br />
Berlín y Opéra National du Rhin en<br />
Estrasburgo.<br />
Olga Pasichnyk se ha presentado junto<br />
a la Orquesta de RTVE, Polish National<br />
Radio Orchestra, Sinfonia Varsovia,<br />
Maggio Musicale, The Royal Philharmonic<br />
Orchestra of Flandes, The English<br />
Concert, Freiburg Baroque Orchestra,<br />
Concerto Köln, Academy of Ancient<br />
Music, Akamus Berlin, Orchestre de Radio<br />
France, Collegium Vocale Ghent, Munich<br />
Philharmonic, Gulbenkian Orchestra<br />
y Brussels Philharmonic bajo la batuta<br />
de directores como Ph. Herreweghe, P.<br />
Goodman, A. Parrot, K. Penderecki, T.<br />
Pinnock, M. Soustrot, A. Boreyko, C.<br />
Spering, M. Viotti, A. Wit, M. Creed, M.<br />
Zanetti, A. De Marchi, C. Poppen, K.<br />
Ono, D. Callegari, A. Spering, H. Bicket,<br />
B. Tovey, I. Bolton, R. Jacobs, H. Holliger,<br />
E. Mazzola, J.C. Spinosi, O. Dantone, F.<br />
Brüggen, J.C. Casadesus, Chr. Moulds y<br />
M. Elder.<br />
Olga Pasichnyk ha grabado 45 CDs.
Lionel Bringuier<br />
director titular<br />
ORquesta<br />
sinfónica de<br />
castilla y león<br />
Alejandro Posada<br />
principal director<br />
invitado<br />
Vasily Petrenko<br />
principal director<br />
invitado<br />
La Orquesta Sinfónica de Castilla y León ha cumplido sus<br />
primeros veinte años situándose como una de las mejores y<br />
más dinámicas agrupaciones españolas gracias a su calidad, a la<br />
amplitud de su heterogéneo repertorio y a la incesante actividad<br />
desplegada en su sede estable <strong>del</strong> Auditorio Miguel Delibes de<br />
Valladolid y por todo el territorio nacional.<br />
Creada en 1991 por la Junta de Castilla y León, la OSCyL<br />
tiene como su primer director titular a Max Bragado-Darman.<br />
Tras este periodo inicial, Alejandro Posada asume la titularidad de<br />
la dirección durante 7 años hasta la llegada de Lionel Bringuer,<br />
quien permanecerá al frente de la formación orquestal hasta junio<br />
de 2012. Así mismo la OSCyL ha contado con Salvador Mas,<br />
Vasily Petrenko o Alejandro Posada como principales directores<br />
invitados.<br />
Durante estos 20 años de trayectoria, la OSCyL ha llevado<br />
a cabo importantes estrenos y ha realizado diversas grabaciones<br />
discográficas para Deustche Grammophon, Bis, Naxos, Tritó o<br />
Verso entre otras, con obras de compositores como Joaquín
Rodrigo, Dmitri Shostakovich, Joaquín<br />
Turina, Tomás Bretón, Osvaldo Golijov o<br />
Alberto Ginastera. Además, la OSCyL ha<br />
llevado a cabo una intensa actividad artística<br />
en el extranjero, con giras por Europa y<br />
America, que le han permitido actuar en<br />
salas tan destacadas como el Carnegie Hall<br />
de Nueva York.<br />
A lo largo de estas dos décadas, la<br />
OSCyL ha ofrecido centenares de conciertos<br />
junto a una larga lista de directores y solistas,<br />
entre los que destacan los maestros Semyon<br />
Bychkov, Rafael Frühbeck de Burgos, Jesús<br />
López Cobos, Marc Minkowski, Gianandrea<br />
Noseda o Josep Pons, los cantantes Teresa<br />
Berganza, Barbara Bonney, Juan Diego<br />
Flórez, Magdalena Kozena o Angela<br />
Gheorghiu, e instrumentistas como Daniel<br />
Barenboim, Alicia de Larrocha, Joaquín<br />
Achúcarro, Katia y Marielle Labèque,<br />
Maria Joao Pires, Viktoria Mullova, Gidon<br />
Kremer, Gil Shaham, Natalia Gutman o<br />
Misha Maisky, entre muchos otros.<br />
Algunos de los compromisos para la<br />
presente temporada 2011/2012 incluyen<br />
actuaciones con la soprano norteamericana<br />
Renée Fleming o junto al cantante y<br />
pianista Rufus Wainwright, así como una<br />
versión concierto de la ópera Rigoletto bajo<br />
la dirección de Semyon Bychkov. Además<br />
ofrecerá el estreno en España de 4 obras,<br />
entre las que cabe destacar el concierto para<br />
violín de James McMillan, interpretado por<br />
Vadim Repin.<br />
Uno de los principales objetivos de<br />
la OSCyL es la difusión <strong>del</strong> repertorio<br />
sinfónico en el sentido más amplio de la<br />
palabra, así como la creación de nuevos<br />
públicos. En este sentido es importante<br />
reseñar la alta implicación de la orquesta en<br />
las numerosas iniciativas sociales y educativas<br />
que el Auditorio Miguel Delibes está<br />
llevando a cabo.<br />
Desde el año 2007, la OSCyL tiene su<br />
sede estable en el Auditorio Miguel Delibes<br />
de Valladolid, obra <strong>del</strong> arquitecto Ricardo<br />
Bofill.<br />
VIOLINES PRIMEROS<br />
Wioletta Zabek, concertino<br />
Teimuraz Janikashvili,<br />
ayda. concertino *<br />
Elizabeth Moore,<br />
ayda. solista<br />
Cristina Alecu<br />
Irene Ferrer<br />
Pawel Hutnik<br />
Vladimir Ljubimov<br />
Eduard Marashi<br />
Renata <strong>Michal</strong>ek<br />
Daniela Moraru<br />
Dorel Murgu<br />
Monika Piszczelok<br />
Piotr Witkowski<br />
Carlos Parra *<br />
Sheila Gómez **<br />
VIOLINES SEGUNDOS<br />
Jennifer Moreau, solista<br />
Malgorzata Baczewska,<br />
ayda. solista<br />
Mª Rosario Agüera<br />
Csilla Biro<br />
Anneleen van den Broeck<br />
Iuliana Muresan<br />
Blanca Sanchis<br />
Joanna Zagrodzka<br />
Tania Armesto *<br />
Eva Meliskova *<br />
Iván García *<br />
Hye Won Kim *<br />
Sara Vaquero **
VIOLAS<br />
Nestor Pou, solista<br />
Marc Charpentier, ayda. solista<br />
<strong>Michal</strong> Ferens, 1 er tutti<br />
Virginia Dominguez<br />
Ciprian Filimon<br />
Harold Hill<br />
Doru Jijian<br />
Julien Samuel<br />
Paula Santos<br />
Jokin Urtasun<br />
Elena Boj *<br />
ARPA<br />
Marianne ten Voorde, solista<br />
FLAUTAS<br />
Dianne Winsor, solista<br />
Pablo Sagredo, ayda. solista<br />
José Lanuza, 1 er tutti /<br />
solista piccolo<br />
André Cebrián **<br />
TROMPAS<br />
José Miguel Asensi, solista<br />
Carlos Balaguer, ayda. solista<br />
Emilio Climent, 1 er tutti<br />
José M. González, 1 er tutti<br />
Martín Naveira, 1 er tutti<br />
TROMPETAS<br />
Roberto P. Bodí, solista<br />
Emilio Ramada, ayda. solista<br />
Miguel Oller, 1 er tutti<br />
VIOLONCHELOS<br />
Marius Diaz, solista<br />
Jordi Creus, ayda. solista<br />
Frederik Driessen, 1 er tutti<br />
Montserrat Aldomá<br />
Mary Helen Blossom<br />
Pilar Cerveró<br />
Marie Delbousquet<br />
Carlos A. Navarro<br />
Diego Alonso *<br />
Ricardo Prieto **<br />
CONTRABAJOS<br />
Miroslaw Kasperek, solista<br />
Joan Perarnau, ayda. solista<br />
Nigel Benson<br />
Juan Carlos Fernández<br />
Nebojsa Slavic<br />
Laura de la Hoz **<br />
Federico Esteve**<br />
OBOES<br />
Sebastián Gimeno, solista<br />
Jorge Pinzón, ayda. solista<br />
Juan M. Urbán, 1 er tutti /<br />
solista corno inglés<br />
CLARINETES<br />
Salvador Salvador, solista *<br />
Laura Tárrega, ayda. solista<br />
Julio Perpiñá, 1 er tutti /<br />
solista clarinete bajo<br />
Angelo Montanaro **<br />
FAGOTES<br />
Salvador Alberola, solista<br />
Igor Melero, ayda. solista<br />
Fernando Arminio, 1 er tutti /<br />
solista contrafagot<br />
Fernando Oriola<br />
TROMBONES<br />
Philippe Stefani, solista<br />
Robert Blossom, ayda. solista<br />
Sean P. Engel, trombón bajo solista<br />
Abel Clemente **<br />
TUBA<br />
José M. Redondo, solista<br />
TIMBALES/PERCUSIÓN<br />
Juan A. Martín, solista<br />
Tomás Martín, ayda. solista<br />
Ricardo López, 1er tutti solista<br />
Ricardo Moreno, 1 er tutti<br />
PIANO<br />
Catalina Cormenzana, solista **<br />
* Contratado por la OSCyL<br />
** Contratado por la OSCyL para este programa<br />
Los profesores tutti están clasificados por orden alfabético
ÓPERA<br />
–––<br />
DOMINGO 18<br />
de diciembre<br />
de 2011<br />
19.00 h<br />
REnée fleming<br />
SOPRANO<br />
Miguel<br />
Harth-Bedoya<br />
DIRECTOR<br />
Orquesta<br />
Sinfónica<br />
de castilla<br />
y León<br />
GALA DE ÓPERA<br />
Arias de Cumbres borrascosas de B. Herrmann, Antonio y Cleopatra de S. Barber,<br />
Arabella de R. Strauss, Adriana Lecouvreur de F. Cilea, La Bohème de<br />
R. Leoncavallo y Tosca de G. Puccini, entre otras...<br />
Programa sujeto a cambios
www.auditoriomiguel<strong>del</strong>ibes.com