Jimmy Chiang marC CoPpey - Blog del Auditorio Miguel Delibes
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<strong>Jimmy</strong><br />
<strong>Chiang</strong><br />
Director<br />
Marc<br />
<strong>CoPpey</strong><br />
violonchelo
Duración total aproximada: 115´<br />
A. Dvorák: Sinfonía nº 9 43´<br />
E. Carter: Concierto para violonchelo y orquesta 18´<br />
E. Varèse: Amériques 24´<br />
La OSCyL y los intérpretes<br />
<strong>Jimmy</strong> <strong>Chiang</strong> dirigió a la OSCyL en la temporada 2009-10<br />
Marc Coppey actuó junto a la OSCYL en la temporada 2009-10<br />
La OSCyL y las obras<br />
A. Dvorák: Sinfonía nº 9<br />
Temporada 1991-92<br />
Max Bragado, director<br />
Temporada 1997-98<br />
Pedro Halffter, director<br />
Temporada 2000-01<br />
Theodore Kuchar, director<br />
Temporada 2005-06<br />
Alejandro Posada, director<br />
Temporada 2008-09<br />
Enrique Diemecke, director<br />
E. Varèse: Amériques<br />
Temporada 2009-10<br />
<strong>Jimmy</strong> <strong>Chiang</strong>, director<br />
Editado por<br />
Junta de Castilla y León<br />
Consejería de Cultura y Turismo<br />
Orquesta Sinfónica de Castilla y León<br />
<strong>Auditorio</strong> <strong>Miguel</strong> <strong>Delibes</strong><br />
Av. Monasterio Ntra. Sra. de Prado, 2<br />
47015 Valladolid<br />
T 983 385 604<br />
info@auditoriomiguel<strong>del</strong>ibes.com<br />
www.auditoriomiguel<strong>del</strong>ibes.com<br />
La Orquesta Sinfónica de Castilla y León es miembro de la<br />
Asociación Española de Orquestas Sinfónicas (AEOS)<br />
La Orquesta Sinfónica de Castilla y León y el <strong>Auditorio</strong> <strong>Miguel</strong> <strong>Delibes</strong><br />
son miembros de la Red de Organizadores de Conciertos Educativos (ROCE)<br />
Imprime: Gráficas Angelma<br />
Dep. Legal: Va-93/2012<br />
Valladolid, España 2012
Orquesta sinfónica<br />
de castilla y león<br />
<strong>Jimmy</strong> <strong>Chiang</strong><br />
Director<br />
—<br />
Marc cOPpey<br />
violonchelo<br />
Valladolid<br />
Abono OSCYL 11<br />
—<br />
viernes 17 y sábado 18 de febrero de 2012 · 20.00 h<br />
sala sinfónica. <strong>Auditorio</strong> <strong>Miguel</strong> <strong>Delibes</strong>
PROGRAMA<br />
Parte I<br />
—<br />
Antonín Dvorák<br />
(1841-1904)<br />
Sinfonía nº 9 en Mi menor, op. 95,<br />
Del Nuevo Mundo<br />
Adagio-Allegro Molto<br />
Largo<br />
Scherzo (Molto vivace)-Poco sostenuto-Scherzo Da Capo<br />
Allegro con fuoco<br />
—<br />
Parte II<br />
—<br />
Elliott Carter<br />
(1908)<br />
Concierto para violonchelo y orquesta*<br />
-Estreno en España-<br />
Drammatico-Allegro appassionato-<br />
Giocoso-Lento sempre-Maestoso-<br />
Tranquillo-Allegro fantastico<br />
—<br />
Edgar Varèse<br />
(1883-1965)<br />
Amériques (Versión 1929)<br />
—<br />
Editores: Boosey & Hawkes (Carter); Ricordi (Varése)<br />
* Primera vez por la OSCyL
música para un nuevo mundo<br />
Anton Dvorák<br />
(Nelahozeves, 8-ix-1841;Praga, 1-v-1904)<br />
Sinfonía No.9 en Mi menor, op. 95, Del Nuevo Mundo<br />
Composición: 1892-1893. Estreno: Nueva York, 16-xii-1893<br />
Dvorák llegó a Nueva York en septiembre de 1892, con el<br />
propósito de dirigir el nuevo Conservatorio Nacional de<br />
Música. Había sido convencido para aceptar el puesto por<br />
Jeanette Thurber, fundadora de la institución e importante<br />
mecenas neoyorquina. Thurber había estudiado música<br />
en el conservatorio de París y a su regreso a Nueva York,<br />
y apoyada por los considerables recursos económicos de<br />
su marido, decidió crear una institución a imagen de<br />
las europeas. Quería que estudiantes con talento y de<br />
diferentes estratos sociales pudiesen tener la oportunidad de<br />
tener una carrera musical que impulsase la música nacional.<br />
Tanto Dvorák como Thurber compartían el sueño de<br />
crear una escuela de composición genuinamente americana.<br />
En busca de fuentes de inspiración, Dvorak estuvo en<br />
contacto con la música afroamericana, prestando especial<br />
atención a los cantos espirituales negros, que causaron una<br />
profunda impresión en el compositor checo. De hecho,<br />
declararía para el New York Herald en mayo de 1893: “Estoy<br />
convencido que el futuro de la música de este país ha de<br />
estar fundado en lo que se llaman melodías Negras. Pueden<br />
ser la base de una escuela de composición seria y original<br />
que se desarrollaría en los Estados Unidos. Cuando vine el<br />
año pasado por primera vez, me impresionó esta idea
y se ha convertido en una convicción<br />
bien establecida. No hay ningún aspecto<br />
compositivo que no pueda encontrar en<br />
esa música una fuente temática.” Dvorák<br />
había conocido esta música a través de<br />
uno de sus alumnos <strong>del</strong> conservatorio,<br />
Harry Burleigh, compositor<br />
afroamericano que escribía canciones<br />
espirituales con arreglos clásicos, muy<br />
en consonancia con la inspiración de<br />
Dvorák en las melodías populares de<br />
Moravia.<br />
De este modo, cuando Dvorák<br />
comenzó a escribir esta nueva sinfonía,<br />
al poco tiempo de establecerse en<br />
Nueva York, trata de establecer algunos<br />
de los que podrían ser los elementos<br />
para un lenguaje compositivo nuevo y<br />
auténticamente estadounidense: “Nunca<br />
hubiese escrito la sinfonía como lo he<br />
hecho si no hubiese visto América”,<br />
afirmaría. Muchos musicólogos<br />
encuentran similitudes entre pasajes de<br />
la obra y melodías espirituales negras.<br />
Teniendo en cuenta la influencia de<br />
su alumno Burleigh, es muy posible<br />
que Dvorák usase estas melodías para<br />
mostrar un nuevo estilo americano.<br />
Dvorák no olvidó tampoco que una<br />
parte importante de la particularidad<br />
estadounidense son las raíces de los<br />
pueblos nativos americanos, en los<br />
que encuentra también inspiración<br />
compositiva. El segundo y tercer<br />
movimiento de su Novena Sinfonía<br />
estaban inspirados en el poema épico<br />
<strong>del</strong> escritor romántico estadounidense<br />
Longfellow, La cancion de Hiawatha. Este<br />
poema, escrito en 1855, está basado<br />
levemente en algunas leyendas de los<br />
Ojibwe, y narra los amores de Hiawatha<br />
y Minnehaha. Aunque si según Dvorak<br />
“…he escrito temas originales que llevan<br />
las peculiaridades de la música india, y<br />
usando estos temas los he desarrollado<br />
con todos los recursos de ritmos<br />
modernos, armonía, contrapunto y<br />
color orquestal” , no encontramos<br />
ningún elemento que demuestre una<br />
búsqueda de materiales musicales<br />
propios de los nativos americanos,<br />
ya que según el músico, debían sonar<br />
similares a los afroamericanos para<br />
el oído occidental. Es obvio pues que<br />
Dvorák, a pesar de mostrar cierto<br />
interés por la diversidad cultural, no<br />
tiene ninguna intención de realizar<br />
la labor de recopilación o estudio de<br />
materiales populares que una década<br />
después harían Bartók o Kodály. Para<br />
él, las músicas populares y étnicas eran<br />
simplemente una inspiración que<br />
integraba en su propio vocabulario<br />
artístico. Además, gran parte de la pieza<br />
continúa siendo básicamente bohemia.<br />
Lo que parece una contradicción es<br />
fácilmente comprensible si entendemos<br />
que ciertas melodías de escalas<br />
pentatónicas, séptimas disminuidas,<br />
sincopaciones rítmicas y notas centrales<br />
son comunes a las músicas folclóricas<br />
de todo el mundo, incluidas la música<br />
afroamericana y la de su Bohemia natal.<br />
En definitiva, esta Sinfonía <strong>del</strong> Nuevo Mundo<br />
esta inspirada por un tema inusual pero<br />
a la vez, está fuertemente anclada a la<br />
tradición orquestal europea y a las obras<br />
de inspiración checa <strong>del</strong> compositor.
El estreno tuvo un gran éxito de<br />
critica y público, sin duda uno de los<br />
mayores de la carrera <strong>del</strong> compositor.<br />
El crítico Henry T. Flinck llegó a<br />
declarar que era la más grande sinfonía<br />
jamás compuesta en suelo americano,<br />
lo que en 1893 era probablemente una<br />
afirmación verdadera.<br />
El primer movimiento, en forma<br />
de sonata, comienza con una lenta<br />
introducción que sirve como anuncio<br />
de los temas que se irán desarrollando<br />
en toda la sinfonía. En la sonata destaca<br />
la melodía melancólica de danza,<br />
interpretada por oboe y flauta y otro<br />
tema brillante con solo de flauta. El<br />
“Largo”, según Dvorak inspirado en<br />
La Canción de Hiawatha, abre con unos<br />
acordes densos antes de afirmarse en Re<br />
bemol mayor, dejando paso a la celebre<br />
melodía <strong>del</strong> corno ingles, una de las<br />
más conocidas de la música occidental.<br />
Con forma tripartita, la melodía deja<br />
paso a una sección bucólica, para luego<br />
regresar con el corno inglés en el tema<br />
inicial. El “Scherzo” está inspirado en la<br />
danza de Pau-Puk-Keewis en la boda de<br />
Hiawathe. Un tema rítmico y brillante<br />
precede el retorno los temas <strong>del</strong> primer<br />
movimiento. El “Finale, Allegro con<br />
fuoco”, es una de las pieza más célebres<br />
<strong>del</strong> repertorio clásico, presenta tras una<br />
épica introducción una recolección de<br />
los temas ya aparecidos, combinándolos<br />
magistralmente en una hermosa síntesis<br />
de la pieza.
Edgar Varèse<br />
(París, 22-x i i-1883; Nueva York, 6-x i-1965)<br />
Amériques<br />
Composición: 1918-1921; Estreno: Fila<strong>del</strong>fia, 9-iv-1926; Revisión: 1927<br />
Amériques es una de las obras más importantes de la carrera<br />
compositiva de Edgar Varèse, ya que, como él mismo<br />
afirmaba, con esta obra empezó a componer una música<br />
propia que dejaba atrás toda su producción anterior,<br />
demasiado anclada en la tradición. Varèse había estudiado<br />
en el conservador Schola Cantorum de París. En 1907<br />
se instaló en Berlín donde estuvo en contacto con las<br />
vanguardias alemanas y de vuelta a París en 1912, se rodeó<br />
de algunos de los principales intelectuales <strong>del</strong> momento,<br />
como Apollinaire, Satie, Cocteau, el futurista Luigi Russolo<br />
o Debussy. Sin embargo, aunque entre 1912 y 1913 estaba<br />
teniendo lugar en Europa una verdadera revolución musical<br />
que cambiaría definitivamente la historia de la música –se<br />
estrenaron La Consagración de la Primavera de Stravinsky, los Jeux<br />
de Debussy, o el Pierrot Lunaire de Schoenberg–, Varèse no<br />
había sido partícipe <strong>del</strong> cambio.<br />
Quizás por esta razón, cuando llegó a Nueva York<br />
en diciembre de 1915 –había sido llamado a filas con el<br />
estallido de la Gran Guerra, pero su <strong>del</strong>icada salud pronto<br />
le libró de servir en el ejército– estaba decidido a dar un<br />
paso hacia <strong>del</strong>ante y crear un idioma compositivo propio.<br />
El viaje en principio se aventuraba como una estancia<br />
temporal, pero se convertiría en su destino definitivo tras<br />
casarse en segundas nupcias con la escritora Louise Norton<br />
y adquirir la nacionalidad estadounidense. Estos primeros<br />
años en el nuevo continente transcurrieron de
forma modesta, trabajando como<br />
director de orquesta y vendedor de<br />
pianos.<br />
Es en estos primeros años<br />
cuando Varèse comienza a escribir<br />
Amériques, donde apuesta por un<br />
nuevo modernismo basado en la<br />
exploración tímbrica y la densidad<br />
de masas sonoras que se convertirían<br />
en las principales características de su<br />
lenguaje compositivo. Esta exploración<br />
de timbres y masas sonoras, aunque<br />
esencial para la pieza, se convirtió en el<br />
principal obstáculo para su estreno. En<br />
1922 el compositor envió una copia de<br />
Amériques a Leopold Stokowski, entonces<br />
director de la Orquesta de Fila<strong>del</strong>fia.<br />
Este respondió: “Estoy deseoso de<br />
estudiarla, tan pronto como esté menos<br />
ocupado” y poco después “Temo que<br />
tardaré mucho tiempo antes de poder<br />
ponerme con tu obra...Personalmente<br />
lo lamento mucho pero el Comité no<br />
puede dejarme las manos libres en este<br />
asunto por razones financieras”. Las<br />
razones financieras eran claras: la pieza<br />
requiere una inmensa orquesta que<br />
hace difícil su puesta en escena incluso<br />
en la actualidad, con una enorme<br />
sección de percusión e instrumentos<br />
exóticos, incluyendo una sirena.<br />
Además, la importancia que pone a las<br />
masas sonoras hace que la composición<br />
requiera de una orquesta gigantesca,<br />
unos 142 músicos en la versión inicial y<br />
125 en la revisión de 1927. Parece que<br />
Varèse no tenía ninguna esperanza de<br />
que pudiera ser estrenada. Escribió a su<br />
mujer: “Ojalá Stokowski lo haga, pero<br />
es gracioso, en realidad nunca he tenido<br />
ninguna esperanza. Creo que es una<br />
obra condenada a dormir para siempre<br />
en el fondo de un cajón. Y si después<br />
de algunos años se saca, será demasiado<br />
tarde. Habrá perdido todo significado<br />
e importancia”. Afortunadamente,<br />
Stokowski conseguiría estrenarla tan solo<br />
tres años después.<br />
La acogida <strong>del</strong> público y la crítica<br />
estuvo dividida, para algunos era una<br />
osadía que se atreviese a llamarla Américas,<br />
otros, sin embargo, vieron el instinto<br />
orquestal <strong>del</strong> músico y los nuevos<br />
caminos que estaba abriendo. Para<br />
Varèse, estos timbres “me ayudan a evitar<br />
la monotonía. Uso estos instrumentos<br />
en un nivel fijo y definido para crear<br />
un contraste con las sonoridades puras.<br />
Es sorprendente ver hasta qué punto<br />
un sonido puro, sin armónicos, da<br />
otra dimensión a la calidad de las notas<br />
musicales que le rodean... ser moderno<br />
es ser natural; es ser un intérprete <strong>del</strong><br />
espíritu de su tiempo. Les aseguro, no<br />
estoy intentando ser extraño.”<br />
Algunos críticos la entendieron<br />
como una representación <strong>del</strong> bullicio<br />
neoyorquino, de la moderna y dinámica<br />
América. Pero el compositor negó<br />
cualquier programa, para él “esta<br />
composición es la interpretación <strong>del</strong><br />
estado <strong>del</strong> alma, una pieza de música<br />
absoluta, completamente separada de<br />
los sonidos de la vida moderna que<br />
algunos críticos han querido encontrar<br />
en mi composición. En definitiva, el
tema es una meditación, la impresión<br />
de un extraño que se pregunta sobre las<br />
posibilidades extraordinarias de nuestra<br />
civilización”.<br />
Esta complicada pieza, de<br />
instrumentación cargada y<br />
sorprendentes bloques sonoros,<br />
dinámicas cambiantes y rítmicas,<br />
cascadas de sonido que cambian<br />
continuamente de dirección, de forma<br />
y de velocidad, consigue su propósito<br />
de señalar un nuevo camino musical.<br />
Los nuevos timbres en las percusiones,<br />
sin altura, crean una textura y atmósfera<br />
particulares, que serán en a<strong>del</strong>ante<br />
utilizadas por los compositores<br />
contemporáneos. Ademas, los crescendos<br />
y diminuendos excesivamente rápidos que<br />
dan efectos de pulsaciones, las paradas<br />
repentinas y la ruptura brusca de los<br />
sonidos se convirtieron en recursos<br />
comunes de la música <strong>del</strong> siglo x x.<br />
Varèse había logrado sin duda el objetivo<br />
que se había propuesto al llegar al nuevo<br />
continente.
Elliott Carter<br />
(Nueva York, 11-x i i-1908)<br />
Concierto para violonchelo y orquesta<br />
Composición: Nueva York y Southbury, 2000; Estreno: Chicago, 27-ix-2001<br />
Elliott Carter, con su música compleja, urbana y de tempos<br />
agitados, es sin duda el compositor que mejor representa el<br />
siglo xx americano. Nacido en 1908, estudió composición en<br />
Harvard y en París. Sus primeras obras se caracterizan por el<br />
estilo Neoclásico inspirado por compositores como Stravinsky.<br />
A partir de 1950, abandonó definitivamente este estilo para<br />
abrazar la música atonal. Inventa además un complejo sistema<br />
de modulaciones métricas, que se refieren a los constantes y<br />
precisos cambios de tempo de sus obras. Carter había estudiado<br />
contrapunto, y lo utiliza también para crear un estilo propio<br />
en el que densas texturas contrapuntísticas se convierten en una<br />
de las características esenciales su música. Su fascinación por<br />
la complejidad hace que en sus piezas ocurran muchas cosas<br />
al mismo tiempo, pero en tempos diferentes. Esta fascinación<br />
por las capas de contrapunto iría aumentando hasta los años<br />
70 –para muchos, en esa época, la hipercomplejidad de Carter<br />
hacía inaccesibles sus piezas–. En este sentido, Alex Ross escribía<br />
para el New Yorker en 1998: “En los 50 y en los 60, Carter fue el<br />
pintor de acción de los compositores, aplicando notas en capas,<br />
unas encima de las otras: la música es como acuarelas, si usas<br />
demasiada pintura todo se vuelve marrón. El culmen <strong>del</strong> estilo<br />
de Carter fue el Concierto para piano, dedicado a Stravinsky y<br />
que parecía poner al día La consagración de la primavera al público de<br />
1965. Stravinsky aclamó el concierto como una obra de arte,<br />
pero admitió que tenía problemas para oír toda la página 54.
Carter fue fotografiado <strong>del</strong>ante de esa<br />
página, que tenía 50 cuerdas tocando 50<br />
notas diferentes. Si Stravinsky luchó por<br />
escucharlo, ¿qué esperanza nos queda<br />
a los demás”. Carter sigue siendo<br />
sin duda un compositor complejo<br />
que requiere ser estudiado para ser<br />
entendido, para poder apreciar su<br />
particular sentido estético. Sin embargo,<br />
tras cumplir 80 años se produjo un<br />
cambio en su música. Aunque aún<br />
cerebral, complejo y original, sus<br />
últimas obras le empujaron a una mayor<br />
lucidez, aligerando las densidades<br />
<strong>del</strong> contrapunto, remplazando el<br />
conflicto por pasajes más líricos y con<br />
información más clara en cada página.<br />
Sus obras se volvieron más ligeras, más<br />
gráciles y mucho más accesibles.<br />
Entre las piezas de esta última etapa<br />
destaca el Concierto para violonchelo y orquesta,<br />
encargado por la Orquesta Sinfónica de<br />
Chicago en 2001. En esos momentos la<br />
orquesta estaba aún dirigida por Daniel<br />
Barenboim, y el concierto se concibió<br />
para el virtuoso violonchelista Yo-Yo<br />
Ma. Este músico había destacado por su<br />
interpretación de la Sonata para violonchelo<br />
de Carter, compuesta en 1948 y hasta<br />
entonces, única obra <strong>del</strong> músico para<br />
este instrumento, pero esencial para<br />
entender el resto de la producción <strong>del</strong><br />
compositor, ya que en ella introduce<br />
muchas de las características que<br />
serán la marca <strong>del</strong> autor, como las<br />
densas texturas en contrapunto y los<br />
ritmos complejos. El Concierto para<br />
violonchelo y orquesta está escrito en un<br />
movimiento continuo de 20 minutos.<br />
El violonchelo es el único protagonista,<br />
con una orquesta que apenas se limita a<br />
comentar las intervenciones <strong>del</strong> solista.<br />
En palabras de Carter: “Mi Concierto<br />
para violonchelo es introducido por<br />
el solista, que toca una cantinela<br />
frecuentemente interrumpida que<br />
presenta las ideas que más tarde se<br />
expandirán en movimientos. Estos están<br />
conectados por episodios que a menudo<br />
se refieren al final Allegro fantástico.<br />
En esta partitura he intentado encontrar<br />
formas personales y significativas de<br />
revelar la gran cantidad de maravillosas<br />
posibilidades <strong>del</strong> violonchelo”.<br />
En efecto, la obra empieza y termina<br />
con el solo <strong>del</strong> violonchelo. La primera<br />
entrada de la orquesta, con un acorde<br />
en fortissimo, sorprende al oyente,<br />
concentrado en la parte <strong>del</strong> chelo. Desde<br />
ese momento, la orquesta responde al<br />
solista, a veces afirmando su discurso,<br />
en ocasiones comentándolo. Por todas<br />
sus complejidades –dobles puntillos,<br />
modulaciones métricas, dislocaciones<br />
rítmicas, largos periodos de lirismo<br />
sostenido y luego interrumpido<br />
bruscamente– el violonchelo parece<br />
estar tocando una rapsodia improvisada<br />
y vertiginosa, a la manera de una extraña<br />
cadenza virtuosística. Sin embargo,<br />
a pesar de la gran dificultad de la<br />
partitura, retiene su calidad textual<br />
característica de la última producción<br />
de Carter. Con esta obra, el músico
neoyorquino demuestra que en su estilo<br />
intrincado hay cabida para lo emocional<br />
y no solo para lo intelectual.<br />
El estreno en el Carnegie Hall,<br />
ante un auditorio lleno, fue un éxito<br />
absoluto. Al terminar, Carter, que<br />
contaba entonces con 92 años, subió al<br />
escenario para recibir una prolongada<br />
standing ovation. Pero no era una ovación<br />
por el final de una carrera. De hecho,<br />
entre los 90 y 100 años ha publicado<br />
mas de 48 obras y unas 14 desde que<br />
cumplió la centena. No parece que<br />
Carter quiera ser sólo un compositor<br />
para el siglo x x.<br />
© Raquel Jiménez Pasalodos
JIMMY<br />
CHIANG<br />
Director<br />
Director y pianista afincado en Viena, primer premio<br />
<strong>del</strong> IV concurso de Jóvenes Directores Lovro von Matacic<br />
en Zagreb, inicia su educación musical en Hong Kong<br />
comenzando a estudiar piano a la edad de 4 años y realizando<br />
después estudios de composición y violonchelo. Ha obtenido<br />
el Fellows Diploma <strong>del</strong> Trinity College de Londres, es titulado<br />
por la Baylor University de Estados Unidos y recibió el título<br />
de Magister Artium [Maestro de las Artes] en la Universidad de<br />
Música y Artes Interpretativas de Viena donde fue alumno <strong>del</strong><br />
reconocido director especializado en Mozart, Leopold Hager.<br />
En 2003 por invitación de Seiji Ozawa, <strong>Chiang</strong> fue uno de los<br />
tres directores becados en el Rohm Music Festival en Kyoto,<br />
Japón, donde estudió en estrecha colaboración con el maestro.<br />
De 2004 a 2006 ha sido asistente musical y director de las<br />
producciones de ópera <strong>del</strong> Schloßtheater Schönbrunn de Viena.<br />
Desde 2007 aparece regularmente como Director Asistente <strong>del</strong><br />
Theater Lübeck y <strong>del</strong> Festival de Eutin en Alemania. Entre 2009
y 2011 ha sido el Principal Director<br />
<strong>del</strong> Theater Lübeck donde ha dirigido<br />
numerosas producciones que han recibido<br />
el reconocimeinto internacional, como<br />
Le Grand Macabre de Ligeti con el pretigioso<br />
director de escena español Calixto Bieito y<br />
Orfeo en los infiernos de Offenbach, entre otras.<br />
En 2010 hace su debut en la Komische<br />
Oper de Berlín con La Traviata de Verdi. Su<br />
creciente carrera como director en Europa<br />
le ha llevado a ser portada de la revista de<br />
ópera Orpheus en 2009 y a cosechar un gran<br />
éxito en el Festival de las Artes de Castilla y<br />
León en España por su interpretación de<br />
música contemporánea. Ha actuado entre<br />
otras orquestas con la Orquesta Sinfónica<br />
de Castilla y León, Zagreb Philharmonic,<br />
Lübeck Philharmonic, Oradea<br />
Philharmonic, Hong Kong Sinfonietta y<br />
Ensemble Amadeus que fundó en el año<br />
2000 en Texas, Estados Unidos. <strong>Chiang</strong><br />
es además Principal Director Invitado de la<br />
Hong Kong Pan Asia Symphony.<br />
Junto a su carrera internacional como<br />
director, <strong>Chiang</strong> actúa como pianista<br />
desde los 13 años. Además, es requerido<br />
con frecuencia como profesor vocal y<br />
es aclamado internacionalmente como<br />
pianista acompañante en los principales<br />
concursos de canto, clases magistrales y<br />
recitales.
MARC<br />
COPPEY<br />
VIOLONCHELO<br />
El violonchelista francés Marc Coopey, ganador de los<br />
dos premios más importantes <strong>del</strong> Concurso Bach de<br />
Leipzig en 1988 –primer premio y premio especial a la<br />
mejor interpretación de Bach– es considerado uno de<br />
los grandes violonchelistas de la actualidad. Sir Yehudi<br />
Menuhin descubrió su talento a edad muy temprana y le<br />
invitó a debutar en Moscú y París interpretando el Trío de<br />
Chaikovsky junto al propio Menuhin y Victoria Postnikova,<br />
colaboración documentada en la película <strong>del</strong> famoso<br />
director de cine Bruno Monsaingeon. En 1989 Mstislav<br />
Rostropovich le invitó al Festival de Evian lo que supuso el<br />
despegue su carrera como solista.<br />
Ha actuado como solista con las principales orquestas<br />
<strong>del</strong> panorama actual y ha colaborado con prestigiosos<br />
directores como Emmanuel Krivine, Rafael Frühbeck de<br />
Burgos, Michel Plasson, Jean-Claude Casadesus, Theodor<br />
Guschlbauer, Pascal Rophé, Yutaka Sado, John Nelson,
Raymond Leppard, Erich Bergel,<br />
Alan Gilbert, Lionel Bringuier, Kirill<br />
Karabits, Paul McCreesh y Asher<br />
Fisch. Coopey ha actuado en numerosas<br />
ocasiones en Europa, América <strong>del</strong><br />
Norte y <strong>del</strong> Sur y Asia, en algunas de<br />
las más importantes salas de conciertos<br />
como el Wigmore Hall de Londres, el<br />
Schauspielhaus de Berlín, la Sala Pleyel,<br />
el Théâtre de la Ville, el Théâtre des<br />
Champs-Elysées, el Théâtre du Chatelet<br />
y el Cité de la Musique en París, el<br />
Palais des Beaux-Arts en Bruselas, la<br />
National Concert Hall en Dublín, la<br />
Rudolfinum en Praga, el Conservatorio<br />
Liszt en Budapest, la Great Hall <strong>del</strong><br />
Conservatorio de Moscú, la Capella<br />
en San Petersburgo, la Casals Hall<br />
en Tokyo y el Metropolitan Museum<br />
en Nueva York. Es invitado habitual<br />
de los festivales de Radio-France-<br />
Montpellier, Strasbourg, Besançon,<br />
La Roque d’Anthéron, Printemps des<br />
Arts de Monte Carlo, Folles Journées<br />
de Nantes, Stuttgart, Midem, Kuhmo,<br />
Korsholm y Prades.<br />
Su interés por la música de cámara<br />
le ha llevado a explorar e interpretar<br />
el repertorio de violonchelo junto a<br />
reconocidos artistas como Maria João<br />
Pires, Stephen Kovacevich, Nicholas<br />
Angelich, Aleksandar Madzar, Michel<br />
Beroff, Peter Laul, François-Frédéric<br />
Guy, Augustin Dumay, Victoria<br />
Mullova, Tedi Papavrami, Ilya Gringolts,<br />
Laurent Korcia, David Grimal, Gérard<br />
Caussé, Janos Starker, Marie-Pierre<br />
Langlamet, Michel Portal, Paul Meyer,<br />
Emmanuel Pahud y los Cuartetos Prazak<br />
y Talich. De 1995 al 2000 fue miembro<br />
<strong>del</strong> Cuarteto Ysaÿe actuando en las<br />
salas de conciertos de mayor prestigio<br />
internacional.<br />
La elección <strong>del</strong> repertorio de Marc<br />
Coopey es ecléctica e innovadora.<br />
Interpreta frecuentemente las Suites<br />
de Bach completas y otras obras <strong>del</strong><br />
repertorio más conocido brindando a<br />
la vez al público obras que se escuchan<br />
en raras ocasiones. La interpretación y<br />
promoción de la música contemporánea<br />
es muy importante para Coopey y<br />
compositores como Christian Durieux,<br />
Fénelon, Jarrell, Krawczyk, Lenot,<br />
Monnet, Pauset, Reverdy y Tanguy le<br />
han dedicado obras. Coopey estrenó el<br />
Concierto para violonchelo de Lenot,<br />
el Concierto para violonchelo nº 1 de<br />
Tanguy y el Concierto para violonchelo<br />
de Elliott Carter en Francia.<br />
En la temporada 2010/11 destacó el<br />
estreno <strong>del</strong> Concierto para violonchelo<br />
de Marc Monnet con la Orchestre<br />
Philharmonique de Radio-France<br />
bajo la dirección de Eliahu Inbal,<br />
el Don Quijote de Strauss en la Sala<br />
Pleyel de París bajo la dirección de<br />
Alain Alinoglu, el Concierto para<br />
violonchelo de Schumann en el Festival<br />
Internacional Campos do Jordao en<br />
Brasil bajo la dirección de Yan-Pascal<br />
Tortelier, un concierto especial en el<br />
85 aniversario de Pierre Boulez en el<br />
Messiaen Festival en Francia, el estreno<br />
<strong>del</strong> Concierto para violonchelo de Tüür<br />
en Caen, su debut en el Concertgebouw
en Amsterdam, la integral de las Sonatas<br />
para piano y violonchelo de Beethoven<br />
con Francois-Frederic Guy en Lyon<br />
y Washington y por último, pero no<br />
menos importante, la grabación de<br />
un nuevo CD dedicado a la Sonata<br />
Arpeggione de Schubert.<br />
Las grabaciones de Marc Coopey han<br />
recibido el reconocimiento de la crítica<br />
en todo el mundo. Incluyen obras<br />
de Beethoven, Debussy, Emmanuel<br />
Fauré, Grieg y Strauss producidas por<br />
los sellos Auvidis, Decca, Harmonia<br />
Mundi y K617. Sus últimas grabaciones<br />
de la integral de las Suites de Bach<br />
–premio ffff de Télérama– y un CD<br />
dedicado a Dohnanyi –que aparece en<br />
el ‘10 de Répertoire’–, se han realizado<br />
por el sello Aeon/Harmonia Mundi.<br />
Marc Coopey ha grabado junto con el<br />
Cuarteto Prazak el Quinteto de Schubert<br />
para el sello Praga. En 2006 grabó dos<br />
nuevos CD: uno de grandes sonatas<br />
rusas para violonchelo, acompañado por<br />
el pianista Peter Laul –Aeon–, y el otro<br />
una interpretación <strong>del</strong> Concierto de<br />
Martin Matalon –Accord/ Universal–.<br />
La grabación en 2008 <strong>del</strong> Concierto<br />
para violonchelo de Dutilleux y los<br />
conciertos de Caplet con la Orquesta de<br />
Lieja bajo la dirección de Pascal Rophé<br />
obtuvo el Diapason d’Or y un Choc de<br />
la revista Le Monde de la Musique. También<br />
en 2008 ha grabado un CD de Sonatas<br />
de Brahms junto al pianista Peter Laul.<br />
En noviembre de 2009, Marc Coopey<br />
fue invitado a interpretar Bach en la<br />
Plaza de la Concordia de París en la<br />
celebración <strong>del</strong> 20 aniversario de la<br />
caída <strong>del</strong> muro de Berlín.<br />
Además de su carrera como solista<br />
y como intérprete de música de<br />
cámara, Marc Coopey es profesor en<br />
el Conservatorio Nacional Superior<br />
de Música de París e imparte clases<br />
magistrales por todo el mundo. Marc<br />
Coopey es Director Artístico <strong>del</strong> Festival<br />
de Música de Cámara de Colmar.<br />
Toca un violonchelo único de<br />
Matteo Goffriller –Venecia 1711– y<br />
reside en París.<br />
www.marccoppey.com
Lionel Bringuier<br />
director titular<br />
ORquesta<br />
sinfónica de<br />
castilla y león<br />
Alejandro Posada<br />
principal director<br />
invitado<br />
Vasily Petrenko<br />
principal director<br />
invitado<br />
La Orquesta Sinfónica de Castilla y León ha cumplido sus<br />
primeros veinte años situándose como una de las mejores y<br />
más dinámicas agrupaciones españolas gracias a su calidad, a la<br />
amplitud de su heterogéneo repertorio y a la incesante actividad<br />
desplegada en su sede estable <strong>del</strong> <strong>Auditorio</strong> <strong>Miguel</strong> <strong>Delibes</strong> de<br />
Valladolid y por todo el territorio nacional.<br />
Creada en 1991 por la Junta de Castilla y León, la OSCyL<br />
tiene como su primer director titular a Max Bragado-Darman.<br />
Tras este periodo inicial, Alejandro Posada asume la titularidad de<br />
la dirección durante 7 años hasta la llegada de Lionel Bringuer,<br />
quien permanecerá al frente de la formación orquestal hasta junio<br />
de 2012. Así mismo la OSCyL ha contado con Salvador Mas,<br />
Vasily Petrenko o Alejandro Posada como principales directores<br />
invitados.<br />
Durante estos 20 años de trayectoria, la OSCyL ha llevado<br />
a cabo importantes estrenos y ha realizado diversas grabaciones<br />
discográficas para Deustche Grammophon, Bis, Naxos, Tritó o<br />
Verso entre otras, con obras de compositores como Joaquín
Rodrigo, Dmitri Shostakovich, Joaquín<br />
Turina, Tomás Bretón, Osvaldo Golijov o<br />
Alberto Ginastera. Además, la OSCyL ha<br />
llevado a cabo una intensa actividad artística<br />
en el extranjero, con giras por Europa y<br />
America, que le han permitido actuar en<br />
salas tan destacadas como el Carnegie Hall<br />
de Nueva York.<br />
A lo largo de estas dos décadas, la<br />
OSCyL ha ofrecido centenares de conciertos<br />
junto a una larga lista de directores y solistas,<br />
entre los que destacan los maestros Semyon<br />
Bychkov, Rafael Frühbeck de Burgos, Jesús<br />
López Cobos, Marc Minkowski, Gianandrea<br />
Noseda o Josep Pons, los cantantes Teresa<br />
Berganza, Barbara Bonney, Juan Diego<br />
Flórez, Magdalena Kozena o Angela<br />
Gheorghiu, e instrumentistas como Daniel<br />
Barenboim, Alicia de Larrocha, Joaquín<br />
Achúcarro, Katia y Marielle Labèque,<br />
Maria João Pires, Viktoria Mullova, Gidon<br />
Kremer, Gil Shaham, Natalia Gutman o<br />
Misha Maisky, entre muchos otros.<br />
Algunos de los compromisos para la<br />
presente temporada 2011/2012 incluyen<br />
actuaciones con la soprano norteamericana<br />
Renée Fleming o junto al cantante y<br />
pianista Rufus Wainwright, así como una<br />
versión concierto de la ópera Rigoletto bajo<br />
la dirección de Semyon Bychkov. Además<br />
ofrecerá el estreno en España de 4 obras,<br />
entre las que cabe destacar el concierto para<br />
violín de James McMillan, interpretado por<br />
Vadim Repin.<br />
Uno de los principales objetivos de<br />
la OSCyL es la difusión <strong>del</strong> repertorio<br />
sinfónico en el sentido más amplio de la<br />
palabra, así como la creación de nuevos<br />
públicos. En este sentido es importante<br />
reseñar la alta implicación de la orquesta en<br />
las numerosas iniciativas sociales y educativas<br />
que el <strong>Auditorio</strong> <strong>Miguel</strong> <strong>Delibes</strong> está<br />
llevando a cabo.<br />
Desde el año 2007, la OSCyL tiene su<br />
sede estable en el <strong>Auditorio</strong> <strong>Miguel</strong> <strong>Delibes</strong><br />
de Valladolid, obra <strong>del</strong> arquitecto Ricardo<br />
Bofill.
ORQUESTA SINFÓNICA DE CASTILLA Y LEÓN<br />
VIOLINES PRIMEROS<br />
Elizabeth Moore, concertino<br />
Teimuraz Janikashvili,<br />
ayda. concertino<br />
Cristina Alecu<br />
Irene Ferrer<br />
Irina Filimon<br />
Pawel Hutnik<br />
Vladimir Ljubimov<br />
Eduard Marashi<br />
Renata Michalek<br />
Daniela Moraru<br />
Dorel Murgu<br />
Monika Piszczelok<br />
Piotr Witkowski<br />
Carlos Parra *<br />
Thomas Potiron **<br />
VIOLAS<br />
Nestor Pou, solista<br />
Marc Charpentier, ayda. solista<br />
Michal Ferens, 1 er tutti<br />
Virginia Domínguez<br />
Ciprian Filimon<br />
Harold Hill<br />
Doru Jijian<br />
Julien Samuel<br />
Paula Santos<br />
Jokin Urtasun<br />
Elena Boj *<br />
ARPA<br />
Marianne ten Voorde, solista<br />
Reyes Gómez **<br />
FLAUTAS<br />
Dianne Winsor, solista<br />
Pablo Sagredo, ayda. solista<br />
José Lanuza, 1 er tutti /solista piccolo<br />
André Cebrián **<br />
Alicia Garrudo **<br />
VIOLINES SEGUNDOS<br />
Jennifer Moreau, solista<br />
Malgorzata Baczewska,<br />
ayda. solista<br />
Benjamin Payen, 1 er tutti<br />
Mª Rosario Agüera<br />
Csilla Biro<br />
Anneleen van den Broeck<br />
Iuliana Muresan<br />
Blanca Sanchis<br />
Joanna Zagrodzka<br />
Tania Armesto *<br />
Iván García *<br />
Eva Meliskova *<br />
Hye Won Kim *<br />
VIOLONCHELOS<br />
Marius Diaz, solista<br />
Jordi Creus, ayda. solista<br />
Frederik Driessen, 1 er tutti<br />
Montserrat Aldomá<br />
Mary Helen Blossom<br />
Pilar Cerveró<br />
Marie Delbousquet<br />
Carlos A. Navarro<br />
Diego Alonso *<br />
Ricardo Prieto *<br />
CONTRABAJOS<br />
Miroslaw Kasperek, solista<br />
Joaquín Clemente, ayda. solista<br />
Joan Perarnau, 1 er tutti<br />
Nigel Benson<br />
Juan Carlos Fernández<br />
Emad Khan<br />
Nebojsa Slavic<br />
OBOES<br />
Sebastián Gimeno, solista<br />
Jorge Pinzón, ayda. solista<br />
Juan M. Urbán, 1 er tutti /<br />
solista corno inglés<br />
Unai Gastañares**<br />
Enric Tu<strong>del</strong>a ***<br />
CLARINETES<br />
Salvador Salvador, solista *<br />
Laura Tárrega, ayda. solista<br />
Julio Perpiñá, 1 er tutti /<br />
solista clarinete bajo<br />
Javier Prieto **<br />
Luis M. Torres **
FAGOTES<br />
Salvador Alberola, solista<br />
Igor Melero, ayda. solista<br />
Fernando Arminio, 1 er tutti /<br />
solista contrafagot<br />
Fernando Oriola **<br />
Vicente Moros **<br />
TROMPAS<br />
Carlos Balaguer, solista<br />
Emilio Climent, 1 er tutti<br />
José M. González, 1 er tutti<br />
Martín Naveira, 1 er tutti<br />
Pablo Cadenas **<br />
Enric Camarasa **<br />
Javier Rodríguez **<br />
Doris Gálvez ***<br />
TROMPETAS<br />
Roberto P. Bodí, solista<br />
Emilio Ramada, ayda. solista<br />
<strong>Miguel</strong> Oller, 1 er tutti<br />
Ricardo García **<br />
Roberto Morcillo **<br />
Victor Teresa **<br />
TROMBONES<br />
Philippe Stefani, solista<br />
Robert Blossom, ayda. solista<br />
Sean P. Engel, trombón bajo solista<br />
Rubén Prades **<br />
Héctor Prieto **<br />
TUBA<br />
José M. Redondo, solista<br />
David Olivera **<br />
TIMBALES/PERCUSIÓN<br />
Juan A. Martín, solista<br />
Tomás Martín, ayda. solista<br />
Ricardo López, 1 er tutti solista<br />
Ricardo Moreno, 1 er tutti<br />
Vicent Vinaixa *<br />
Alexandre Alventosa **<br />
Rodrigo Martínez **<br />
José Andrés Saez **<br />
Alejandro Sancho **<br />
Rocío Solís **<br />
Óscar Martín ***<br />
Pablo Reyes ***<br />
celesta<br />
Catalina Cormenzana, solista **<br />
* Contratado por la OSCyL<br />
** Contratado por la OSCyL para este programa<br />
*** Becados por la OSCyL<br />
Los profesores tutti están clasificados por orden alfabético
Próximos programas<br />
Orquesta Sinfónica<br />
de Castilla y León<br />
<strong>Auditorio</strong> <strong>Miguel</strong><br />
<strong>Delibes</strong> VALLADOLID<br />
Valladolid<br />
Extraordinario Jóvenes<br />
Intérpretes<br />
Jueves 8 de marzo de 2012<br />
20.00 h · Sala Sinfónica<br />
—<br />
SALAMANCA<br />
ABONO OSCYL 3<br />
Viernes 9 de marzo de 2012<br />
20.30 h · CAEM Salamanca<br />
ALEJANDRO<br />
POSADA<br />
director<br />
JOSÉ MArÍA<br />
VILLEGAS<br />
PIANO<br />
ELENA FRUTOS<br />
PIANO<br />
IGNACIO SOLER<br />
fagot<br />
Obras de C. M. von Weber,<br />
S. Rachmaninov y<br />
F. Men<strong>del</strong>ssohn<br />
Valladolid<br />
ABONO OSCYL 12<br />
Jueves 15 y viernes 16 de<br />
marzo de 2012 · 20.30 h<br />
Sala Sinfónica<br />
Lionel Bringuier<br />
director<br />
Nicholas<br />
Angelich<br />
PIANO<br />
Obras de J. Brahms<br />
<strong>del</strong>ibes+<br />
Viernes 17 de febrero<br />
de 2012 · 22.00 h<br />
Sala de Teatro Experimental<br />
ERIK TRUFFAZ<br />
QUARTET<br />
<strong>del</strong>ibes+<br />
Sábado 18 de febrero<br />
de 2012 · 22.00 h<br />
Sala de Teatro Experimental<br />
DIGITAL 21 vs<br />
ANA CURRA<br />
Grandes Orquestas<br />
Viernes 24 de febrero<br />
de 2012 · 20.00 h<br />
Sala Sinfónica<br />
London<br />
Philarmonic<br />
Orchestra<br />
Vladimir Jurowski<br />
director<br />
Joshua Bell<br />
violín<br />
Obras de<br />
W. A. Mozart, J. Brahms y<br />
S. Rachmaninov<br />
<strong>del</strong>ibes+<br />
Sábado 25 de febrero de 2012<br />
20.00 h. · Sala Sinfónica<br />
Rufus<br />
Wainwright<br />
COMPOSITOR, voz y piano<br />
OSCYL<br />
andrés Franco<br />
director<br />
en familia<br />
Sábado 25 de febrero de 2012<br />
12.30 h · Sala de Cámara<br />
Katia y<br />
Marielle<br />
Labèque<br />
Pianos<br />
Gonzalo<br />
Grau<br />
Percusión<br />
RaphaËl<br />
SÉguinier<br />
BATERÍA<br />
West Side Story<br />
de L. Bernstein<br />
PIANO<br />
Domingo 26 de febrero de 2012<br />
19.00 h · Sala de Cámara<br />
Katia y<br />
Marielle<br />
Labèque<br />
pianos<br />
Gonzalo<br />
Grau<br />
PERCUSIÓN<br />
RaphaËl<br />
SÉguinier<br />
BATERÍA<br />
Obras de I. Stravisnky,<br />
G. Gershwin y L. Berstein
www.auditoriomiguel<strong>del</strong>ibes.com