ENSEMBLE VALLMONT - Blog del Auditorio Miguel Delibes

CÁMARA
ENSEMBLE
VALLMONT

Editado por
Junta de Castilla y León
Consejería de Cultura y Turismo
Auditorio Miguel Delibes
Av. Monasterio Ntra. Sra. de Prado, 2
47015 Valladolid
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Fotografía de portada: Nacho Carretero
Imprime: Alcañiz Fresnos
Dep. Legal: VA-193/2012
Valladolid, España 2012

Cámara
ensemble vallmont
·
Renata Michalek
violín
Irina Filimon
violín
NÉstor Pou
VIOLA
Aldo Mata
VIOLONCHELO
QI SHEN
piano
Valladolid
—
domingo 11 de marzo de 2012 · 19.00 h
sala de cámara. Auditorio Miguel Delibes

PROGRAMA
Parte I
—
Ludwig van Beethoven
(1770-1827)
Cuarteto para cuerda nº 7
en Fa mayor, op. 59 nº 1
Allegro
Allegretto vivace e sempre scherzando
Adagio molto e mesto
Thème russe. Allegro
—
Parte II
—
Erich Wolfgang Korngold
(1897-1957)
Quinteto con piano en Mi mayor, op. 15
Mässiges Zeitmass, mit schwungvoll blühendem Ausdruck
Adagio. Mit Grösster Ruhe, Stets Ausserst Ausdrucksvoll
Finale: Gemessen, Beinahe Pathetisch

entre el romanticismo y la experimentación
Algo más de un siglo separa estas dos obras de cámara de
Beethoven y Korngold que, sin embargo, tienen muchas
cosas en común. Se trata de dos obras maestras nacidas
en Viena al inicio y al final, simbólicamente, del período
romántico. Ambas son composiciones complejas, de gran
dificultad interpretativa, en las que sus respectivos autores
experimentan con el género camerístico.
Lu d w i g va n Be e t h ov e n
(Bonn, 1770; Viena, 1827)
Cuarteto para cuerda nº 7 en Fa mayor, op. 59 nº 1
Composición y estreno: 1806
En el verano de 1806 Beethoven emprendió una de las
composiciones más relevantes del que ha sido denominado
por la historiografía tradicional su “segundo período
compositivo” o “período heroico”: el conjunto de
tres Cuartetos de cuerda op. 59. Por su complejidad y
dimensiones, estos cuartetos figuran junto a obras como las
sinfonías Tercera Heroica y Quinta, las sonatas para piano
Waldstein y Appassionata o la ópera Fidelio como composiciones
emblemáticas del Beethoven romántico y “heroico” cuya
imagen pasaría a la posteridad casi como un mito.
Estos cuartetos fueron encargados a Beethoven por uno
de sus mecenas, el conde Rasumovsky, embajador ruso en
Viena, a quien están dedicados, y por esta razón se conocen
habitualmente como Cuartetos Rasumovsky. Sin embargo, y a
pesar de que como deferencia hacia el conde Beethoven
incluyó en ellos varios temas rusos, son composiciones

hechas a la medida del primer cuarteto
profesional de la historia, el cuarteto
Schuppanzigh, lo que explica en parte su
gran dificultad interpretativa. De hecho,
no fueron bien acogidos por el público
y la crítica e incluso en la reseña de los
cuartetos publicada dos años más tarde de su
composición en la revista musical de Leipzig
Allgemeine Musikalische Zeitung se afirmaba que
eran “muy largos y difíciles, profundamente
pensados y admirablemente concebidos,
pero no al alcance de todo el mundo”. El
propio Beethoven plasmó su aspiración
a la libertad creativa en una anotación
manuscrita contenida en un borrador del
final del tercer cuarteto: “lo mismo que te
arrojas aquí en el torbellino mundano, lo
mismo puedes escribir obras a despecho
de todas las trabas que impone la sociedad.
No guardes más el secreto de tu sordera, ni
siquiera en tu arte”.
Si comparamos estos cuartetos con los
anteriores, los seis Cuartetos de cuerda
op. 18 de 1799-1800, comprobamos
que las dimensiones se han duplicado: la
duración total de los tres nuevos cuartetos
es prácticamente la misma que la de los seis
anteriores. En ellos la forma se ha ampliado
hasta alcanzar proporciones inauditas en
virtud de la multitud de temas, los largos y
complejos desarrollos y las extensas codas.
Esto responde a la tendencia de Beethoven
a la amplificación formal, que afecta en
este período a casi todas sus composiciones.
Pero, además, estos cuartetos suponen un
cambio fundamental en la concepción del
género, y en esto Beethoven se adelanta
a su tiempo. Como ha señalado el
musicólogo Joseph Kerman, el contexto
de los Cuartetos op. 18 era el habitual de
finales del siglo xviii y principios del xix:
estaban pensados para su interpretación
por parte de profesionales y aficionados
en un ambiente reducido de salón, en un
contexto colegial en el que el ideal estético
era el diálogo musical. Recordemos la
célebre definición de Goethe del cuarteto
de cuerda: una conversación entre cuatro
personas inteligentes. Los Cuartetos op. 59,
sin embargo, llevan el sello del concierto
público y están íntimamente ligados a la
figura de Ignaz Schuppanzigh, violinista y
director de orquesta que había constituido
un cuarteto profesional con la finalidad de
dar conciertos en Viena y actuaba también
en los salones del conde Rasumovsky; para
él escribió indudablemente Beethoven
estos nuevos cuartetos. Su dificultad
interpretativa es tan grande que difícilmente
podían ser tocados por los cuartetos
de aficionados. Aunque esta dificultad
alcanzaría sus cotas más altas en los cuartetos
del último período beethoveniano, las
exigencias técnicas iniciadas con el op. 59
comienzan a ensanchar la brecha entre
intérpretes aficionados y profesionales –se
ha llegado a hablar de muerte del cuarteto
amateur- y al mismo tiempo subrayan
la imagen pública de Beethoven como
compositor de “música seria”.
El primero de estos tres cuartetos, en
Fa mayor, es un buen ejemplo del nuevo
camino emprendido por Beethoven. J. y
B. Massin, en su biografía del compositor,
citan las quejas de Schuppanzigh al
enfrentarse a la partitura a causa de sus
dificultades técnicas y la respuesta del
maestro: “Cómo queréis que piense en

vuestras miserables cuerdas cuando me habla
el espíritu”. El cuarteto, de gran extensión,
está estructurado siguiendo los cuatro
movimientos habituales en las sinfonías
y cuartetos del clasicismo vienés, aunque
intercambiando el lugar del movimiento
lento –aquí en tercer lugar– y el scherzo.
Beethoven maneja la escritura de los cuatro
instrumentos con verdadera maestría,
tratándolos en pie de igualdad y realizando
un trabajo contrapuntístico admirable.
Destaca como característica peculiar que es
el único cuarteto que adopta la forma de
sonata en sus cuatro movimientos.
El “Allegro” inicial es excepcionalmente
largo a pesar de que en él Beethoven
renuncia a la repetición de la exposición,
habitual en la forma de sonata. Se abre con
un atractivo tema llevado por el violonchelo
que es el que va a dominar en todo el
movimiento, siendo sometido a todo tipo
desarrollos y elaboraciones. Al final del
extenso desarrollo, que incluye un pasaje
fugado, Beethoven utiliza un procedimiento
expresivo muy efectivo: preparar y retrasar al
mismo tiempo la llegada de la reexposición,
que al ser esperada durante largo tiempo
adquiere un fuerte carácter de afirmación.
El movimiento termina con una coda
basada en el primer tema.
El “Allegretto vivace e sempre
scherzando” es una de las piezas más
originales de esta etapa beethoveniana. Es
un auténtico scherzo en cuanto al carácter,
pero no en la estructura, una forma de
sonata bastante libre con sus dos temas
contrapuestos –en Sib mayor y Fa menor
respectivamente–, un largo desarrollo,
una recapitulación variada y una coda.
Sin embargo, pertenecen totalmente al
espíritu del scherzo [juego] el ímpetu rítmico,
los continuos elementos sorpresivos, las
interrupciones, los contrastes dinámicos,
los cambios armónicos bruscos, así como
el carácter “popular” del motivo inicial
de notas repetidas que presenta un aire
casi de danza, recurrente durante todo el
movimiento, y del segundo tema.
El tercer movimiento, en Fa menor y
marcado por Beethoven con la indicación
de tempo “Adagio molto e mesto”
[Muy lento y triste], es efectivamente
enormemente triste y conmovedor. Al final
de los bocetos de esta página Beethoven
escribió una misteriosa frase: “Un sauce
llorón o una acacia sobre la tumba de mi
hermano”. El tema principal es una larga
y dolorosa melodía cantada por el primer
violín y repetida por el violonchelo. El
segundo tema, algo más dramático, es
iniciado por el violonchelo y continuado
por los demás instrumentos. El largo
desarrollo explota ambos temas en orden
inverso e introduce además material nuevo
antes de la reexposición variada.
El final del “Adagio” conduce sin
interrupción al “Allegro” final, un ágil y
brillante movimiento basado en un tema
popular ruso. El tema es iniciado por el
violonchelo y retomado a continuación por
los demás instrumentos. Beethoven explota
al máximo los timbres y recursos expresivos
de los cuatro instrumentos, explayándose en
los juegos contrapuntísticos y finalizando la
obra de manera brillante.

Er i c h Wo l fg a n g Ko r n g o l d
(Brno, 29-v-1897; Los Ángeles, 29-xi-1957)
Quinteto con piano en Mi mayor, op. 15
Estreno: Hamburgo, 16 febrero 1923
Impresiona saber que el autor de una obra tan compleja y difícil
como el Quinteto con piano en Mi mayor fue un joven compositor
de veintidós años, aunque no tanto si pensamos que el compositor
checo radicado en Viena Erich Wolfgang Korngold había sido
un niño prodigio que compuso sus primeras obras en 1905, con
sólo ocho años, al año siguiente Mahler declaró que era un genio
y en 1910 sus obras empezaron a difundirse con éxito en Europa y
América. Cuando compuso el quinteto que hoy nos ocupa ya tenía
en su haber diversas obras pianísticas, dos colecciones de lieder,
una sonata para violín y piano, un trío con piano, un sexteto de
cuerda, varias obras sinfónicas y tres óperas, y entre los intérpretes
que habían contribuido a la difusión de estas composiciones
encontramos los nombres del pianista Arthur Schnabel, los
directores de orquesta Nikisch y Weingartner o el Cuarteto Rosé.
El mismo año de la composición del Quinteto Korngold terminó
también el Concierto para piano para la mano izquierda, encargo
del pianista Paul Wittgenstein, y un arreglo de la opereta de Johann
Strauss Una noche en Venecia para el Teatro de Viena.
Su orientación musical experimentaría un importante cambio
unos años después: en 1935, debido a su experiencia como
director y arreglista de operetas, fue llamado desde Hollywood
para ilustrar musicalmente la película El sueño de una noche de
verano, adaptando la música de Mendelssohn. La calidad de la
adaptación derivó en un contrato con la industria cinematográfica
norteamericana, para la que trabajó durante varios años desde

Viena, recibiendo un óscar en 1936 por
la banda sonora de El caballero Adverse de M.
LeRoy. En 1938, tras la invasión y anexión
de Austria por parte del ejército nazi, se
vio obligado a trasladarse a Los Ángeles
debido a la difícil situación en la que se
encontraba por su condición de judío. Ese
mismo año fue premiado con otro óscar
por la música para Robin de los bosques de M.
Curtiz. En 1947 se retiró de la composición
cinematográfica para retomar su actividad
compositiva, pero en plena era del serialismo
y la música electroacústica sus obras fueron
rechazadas por románticas. Fallecería en
Los Ángeles conocido sobre todo por
su producción cinematográfica. En los
últimos años, sin embargo, su obra de
concierto ha experimentado una importante
revalorización.
El Quinteto con piano, dedicado
al escultor austriaco Gustinus Ambrosi,
obtuvo un gran éxito cuando se estrenó en
Hamburgo el 16 de febrero de 1923 con el
propio compositor al piano, y contribuyó a
consolidar la reputación de Korngold como
compositor de música de cámara. Se trata de
una obra particularmente exigente, en la que
el compositor experimenta con el lenguaje
de la música de cámara. En el ámbito de
la textura Korngold consigue, mediante la
abundante utilización de cuerdas dobles y
triples en los instrumentos de cuerda y la
densidad pianística, que una composición
escrita para un número tan limitado
de intérpretes suene como si estuviera
interpretada por un conjunto mucho
más grande. También experimenta con el
ritmo: en una composición relativamente
breve, constituida por tres movimientos,
encontramos más de cincuenta cambios de
compás. El continuo desarrollo del material
temático, así como su cromatismo, en la línea
postromántica de Richard Strauss y Mahler,
hacen que este quinteto sea una de las obras
de cámara más complejas de Korngold,
aunque accesible y atractiva, ya que está llena
de intensidad expresiva y bellas melodías.
El quinteto está constituido por tres
movimientos contrastantes precedidos
por expresivas indicaciones de tempo en
alemán. El primero, “Mässiges Zeitmass, mit
schwungvoll blühendem Ausdruck” [Tiempo
moderado, con un enérgico florecimiento
de expresión], comienza en la tonalidad de
Mi mayor con un tema audaz y expansivo,
intensamente romántico, con el que
constrasta un segundo tema de gran belleza
y simplicidad. La complejidad de la escritura
de la cuerda se complementa con una parte
pianística de gran virtuosismo.
El “Adagio”, con la indicación “Mit
Grösster Ruhe, Stets Äusserst Ausdrucksvoll”
[Con mayor tranquilidad, siempre
intensamente expresivo], es un conjunto de
nueve variaciones sobre una de las canciones
de su ciclo Lieder des Abschieds [Canciones de
Despedida] compuesto en 1920, en concreto
la tercera, titulada Mond so gehst du wieder auf
[Luna, has vuelto a salir]. Sigue en esto la
estela de otros compositores alemanes que
habían utilizado sus propias canciones como
temas de sus composiciones instrumentales,
entre ellos Mahler, cuya influencia es
evidente.

El “Finale: Gemessen, Beinahe
Pathetisch” [Medido, casi patético] con
el que termina el Quinteto se inicia con
un dramático y declamatorio tema en Do
sostenido menor que da paso a un animado
tema de Rondó, ya en la tonalidad principal
de Mi mayor. Tras una serie de brillantes
variaciones, vuelve el tema inicial de la obra,
con el que se cierra la composición en un
recorrido circular.
© María Nagore Ferrer

ensemble
vallmont
© Nacho Carretero
Formación creada en el año 2005 y que ha participado
con gran éxito en los festivales Internacionales de Astorga,
Pereira –Colombia– y Molinos, presentándose así mismo
en ciudades como Valladolid, Madrid y Segovia. Engloba
concertistas de varias procedencias –España, Rumanía,
Polonia, Puerto Rico y China–. Su dedicación exclusiva y
la razón de ser del ensemble es la difusión del repertorio
camerístico.

Renata Michalek, violín
Nacida en Cracovia, Polonia, realiza los
estudios superiores de violín en la Academia
de Música de Cracovia donde obtiene el
Master en 1992 y después el Doctorado en
2007.
Durante diez años es catedrática de
violín y también de cuarteto de cuerda en la
Facultad de Música de Cámara de la misma
Universidad en Cracovia.
Anteriormente recibe las becas de la
Fundación de Mozart en Praga y Varsovia,
Royal Academy of Music en Londres donde
estudia con los miembros del famoso y
legendario Amadeus Quartet y en varias
ocasiones con Gabor Tacacs-Nagy, fundador
del Tacacs Quartet.
Fue primera violinista del Cuarteto
Cracovia, participando en varios concursos
y festivales internacionales en Europa y otros
continentes. Ha realizado varios estrenos de
obras para violín solo y cuarteto de cuerda.
Finalista de los mas importantes
concursos de la música de cámara en Banff
–1995–, Nueva York –1997–, Londres
–1997– y Melbourne –1999–.
Premiada en diferentes concursos como
el Concurso de Violín Mozart en Krakow
–Primer Premio–, Concurso Penderecki
–Segundo Premio– o el Concurso de
Música de Cámara en Sicilia, Italia –premios
especiales–.
Ha colaborado con instrumentistas como
Denes Zsigmondy, Eduard Bruner o Boris
Pergamenshikov.
En su actividad orquestal destaca su
pertenencia al grupo Sinfonietta Cracovia
–1994-1996– entre otros. Actualmente es
violinista en la OSCyL.
Irina Filimon, violín
Nació en Botosani, Rumanía, en una familia
donde la música siempre ha tenido un lugar
importante. Con solo tres años, tanto ella
como sus otras dos hermanas, asistieron
tanto a los ensayos como a los conciertos de
la orquesta sinfónica donde su madre tocaba
el violín. A los seis años comenzó las clases
del violín, primero con su madre y después
en el colegio de música de su ciudad natal.
Con diez años de edad se trasladó al Colegio
de Música de Iasi –Rumanía–, ciudad en
que acaba sus estudios en el Conservatorio
Superior de Música George Enescu, en el
año 2005. Ha tenido como profesores de
violín a N. Epure, L. Parvu, L. Popovici,
A. Anania, y a Reiner Schmidt de viola. Ha
participado también en numerosas clases
magistrales impartidas por Florin Paul
–concertino de la NDR Sinfonieorchester
Hamburgo–, Wolfgang Marschner, y
Modest Iftinchi. Actuó como solista con la
Orquesta del Conservatorio Superior y la
Orquesta Sinfónica de Botosani –J. S. Bach,
Concierto para 2 violines y orquesta en Re
menor y H. Wieniawski, Concierto nº 2 en
Re menor para violín y orquesta–. A los 18
años empezó a colaborar con la Orquesta
Filarmónica Moldova y la Orquesta Sinfónica
de la Ópera Nacional de Iasi. Desde 2006 es
profesora de violín en la OSCyL.

Néstor Manuel Pou Rivera, viola
Puertorriqueño, comenzó sus estudios
de música a los ocho años de edad con
Guillermo Figueroa. En 1984 recibe
una beca para estudiar en el prestigioso
Conservatorio de Nueva Inglaterra en
Boston. Allí obtuvo el Diploma de Viola
Performance y el Superior de Viola en 1989
y 1990 respectivamente. Sus profesores
fueron Walter Trampler, Burton Fine,
Marcus Thompson y Eduardo Lassaletta
Garbayo. Sus mentores en música de cámara
han sido Eugene Lehner, Louis Krasner,
Leonard Shure y Colin Carr entre otros.
También ha participado en clases magistrales
con renombrados violistas como Heidi
Castleman, Samuel Rhodes, Lawrence
Dutton, Michael Tree y Rivka Golani. Su
experiencia orquestal se ha desarrollado en
la Orquesta Sinfónica del Conservatorio de
Puerto Rico, Orquesta Sinfónica del Estado
de México, Orquesta Sinfónica de Puerto
Rico y actualmente es el solista de viola de
la OSCyL. Ha participado destacadamente
en festivales como el Eastern Music, Yellow
Barn, Tanglewood Fellowship Program,
Casals y Spoleto.
Como solista o miembro de conjuntos
de música de cámara ha actuado con
la OSCyL junto a Natalia Gutman al
violonchelo interpretando el Don Quijote
de R. Strauss en el Auditorio Nacional de
Madrid, con la Orquesta Sinfónica Nacional
de Colombia, con la Orquesta Filarmónica
de Medellín, en el Museo de Arte de Ponce,
Teatro Tapia de San Juan de Puerto Rico,
Centro de Cultura de Santiago de Los
Caballeros en la República Dominicana,
Centro de Arte Contemporáneo de Santiago
de Compostela, Conciertos para Radio
Nacional de España y Tiempo Clásico entre
otros. Ha impartido clases en las jóvenes
orquestas de Castilla y León y la Comunidad
de Madrid. Actualmente es catedrático
interino del Conservatorio Superior de
Música de Salamanca.
Aldo Mata, violonchelo
Nace en Madrid en 1973 donde estudia
con María de Macedo y Elías Arizcuren.
Ingresa en la Escuela Reina Sofía teniendo
como profesor a Iván Monighetti. En
EEUU obtiene un Master Cum Laude en el
Chicago Musical College bajo la dirección
de Kim Scholes y un doctorado por la
Universidad de Indiana con Janos Starker y
Tsuyoshi Tsutsumi. Continúa sus estudios
en Budapest con el gran maestro Ferenc
Rados. Obtiene diversos premios y becas
–Popper, Juventudes Musicales, Fulbright,
AIE, etc– y su interpretación de la Sonata en
Re de Mendelssohn se ha grabado por Sony.
Tiene una actividad profesional ecléctica:
profesor de violonchelo en el Conservatorio
Superior de Salamanca, co-principal
en la OSCyL, miembro del Cuarteto
Granados, profesor de cuarteto en Musikene
–2009-10–, concertista –actuaciones en
EEUU, Croacia, China, América del Sur,
y en España donde ha sido invitado a los
más prestigiosos festivales y ha tocado el
concierto doble de Brahms en el Auditorio
Nacional de Madrid–, estrenos de música
contemporánea –De Amore de Sotelo, Caprichos
5 de Leonardo Balada que graba para Naxos),
versiones historicistas de las suites de Bach,
etc. Es invitado a impartir clases magistrales
en Alemania –Hochschule de Weimar–,

Portugal, China y Colombia siendo profesor
habitual de los cursos de Madrid, Llanes,
Molinos y Presjovem. Actualmente toca un
violonchelo construido en Piacenza en 1787
por Joseph Nadotti.
QI SHEN, piano
Nace en Harbín, Chína. Empieza a estudiar
piano a los cuatro años de edad con la
profesora Qiu-Yun Ma. En 1980 es aceptada
en el Conservatorio Central de Pekín donde
estudia con los pianistas Pin-Guo Zhao y
Er-Yao Lin. Posteriormente se traslada a
los Estados Unidos donde es becada para
estudiar en el Chicago Musical College con
la profesora Ludmila Lazar, directora del
departamento de piano de dicha institución.
En 1995 estudia con David Kaiserman, de la
Universidad Northwestern de Chicago. En
1997 obtiene su título universitario Bachelor
of Music en piano. Durante su estancia en
América toca recitales en varias salas: Ganz
Hall, Auer Hall, Ford Hall, etc., colaborando
con artistas como Kim Scholes o Daniel
Rubistein. También tiene la oportunidad
participar en clases magistrales con Menahem
Pressler, Dalton Baldwin, Janos Starker, etc.
Durante su estancia en Estados Unidos gana
los siguientes concursos: Chicago Fine Arts
Piano Competition, Irene Tiner Award para
jovenes pianistas de gran talento, Concerto
Competition del Chicago Musical College
–lo que le permite tocar el concierto nº 3
de Béla Bartók–, y el Illinois State MTNA
Wurlitzer Collegiate Artist Competition.
Actualmente reside en España donde realiza
numerosos conciertos camerísticos.

Próximos programas
Orquesta Sinfónica
de Castilla y León
Auditorio Miguel
Delibes VALLADOLID
Valladolid
ABONO OSCYL 12
Jueves 15 y viernes 16 de
marzo de 2012 · 20.00 h
Sala Sinfónica
Lionel Bringuier
director
Nicholas
Angelich
PIANO
Obras de J. Brahms
Valladolid
ABONO OSCYL 13
Jueves 22 y viernes 23 de
marzo de 2012 · 20.00 h
Sala Sinfónica
Lionel Bringuier
director
Nelson Freire
PIANO
Obras de J. Brahms
Valladolid
ABONO OSCYL 14
Jueves 29 y viernes 30 de
marzo de 2012 · 20.00 h
Sala Sinfónica
Lionel Bringuier
director
Néstor Pou
VIOLA
Marius Díaz
violonchelo
Obras de R. Strauss
y B. Bartók
PIANO
Domingo 18 de marzo de 2012
19.00 h. · Sala de Cámara
Yuja Wang
piano
Obras de S. Rachmaninov,
L. van Beethoven,
A. Scriabin, G. Fauré,
C. Debussy, I. Albéniz y
M. Ravel
Grandes Orquestas
Martes 20 de marzo de 2012
20.00 h. · Sala Sinfónica
ROYAL
PhilHarmonic
Orchestra
charles dutoit
director
elisso virsaladze
piano
Obras de
L. van Beethoven
y R. Strauss
antigua
Sábado 24 de marzo de 2012
20.00 h · Sala Sinfónica
Les Musiciens
du Louvre
Marc Minkowski
director
Markus Brutscher
“evangelista”
Christian Immler
“JESÚS”
solistas vocales
La Pasión según San Mateo
de J. S. Bach
delibes+
Sábado 24 de marzo de 2012
22.00 h. · Sala Teatro
Experimental
SIDONIE
GRUPO INVITADO
DEHRADUN
Cámara
Sábado 31 de marzo
de 2012 · 20.00 H
Sala de Cámara
Cuarteto
de Tokio
Obras de
W. A. Mozart,
B. Bartók y
L. van Beethoven
Cámara
Sábado 14 de abril
de 2012 · 20.00 H
Sala de Cámara
quinteto
de viento
de la oscyl
Obras de
S. Brotons, S. Barber,
J. Françaix, A. Reicha y
H. Villa-lobos
delibes+
Sábado 14 de abril de 2012
22.00 h. · Sala Teatro
Experimental
love of lesbian

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