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R e v i s t a C u l t u r a y D e s a r r o l l o
se reconocen también el resultado de procesos productivos que le
otorgan una dimensión económica.
El aporte de Don Daniel Rubín de la Borbolla a la artesanía latinoamericana
-tanto en su pensamiento como en su obra- lo ubica
como precursor de una visión, que hoy sigue siendo vigente, en la
que se integran:
- su valoración como patrimonio cultural vivo y cambiante
- su ubicación en la organización social y económica de las comunidades,
donde el artesano conforma una unidad productiva junto
con su familia y su taller
- su problemática para ubicar la producción en canales de comercio
justo
- sus peligros de extinción por la falta de continuidad en la enseñanza,
en la desaparición de materias primas originales o de funcionalidad
- su peligro de distorsión por efectos del mercado y el turismo.
Marco histórico
A partir del siglo XIX se transformaron la producción artesanal y,
sobretodo, la vida de los artesanos: el proceso de industrialización
modificó hábitos, valores y costumbres.
En México, con la desaparición de los gremios, los artesanos urbanos
quedaron en una situación de indefinición, no eran obreros
asalariados y habían dejado de ser campesinos al moverse a las ciudades.
En el campo, los artesanos indígenas o mestizos estaban en
una indefinición mayor, puesto que sus oficios reconocidos giraban
en torno a la producción agropecuaria o a las labores ligadas a ella.
El proceso de industrialización generó una pérdida acelerada de
conocimientos y habilidades en el aprovechamiento y transformación
de las materias primas, en el manejo de técnicas artesanales y
paulatinamente en la pérdida de los elementos identitarios y tradicionales
del arte popular y las artesanías.
Pero ello no impidió que el pasado prehispánico en México se convirtiera
en símbolo de legitimación nacional desde los primeros
movimientos emancipadores del siglo XIX y posteriormente, en las
primeras décadas del siglo XX, las diferentes expresiones del arte
popular como las artesanías, la música, la indumentaria o la danza
se utilizaron para reforzar la construcción ideológica del nacionalismo
mexicano.
Varios de los pintores y otros artistas, investigadores y críticos de arte más
importantes del momento como el Dr. Atl, Roberto Montenegro, Jorge
Enciso, Diego Rivera, Adolfo Best Maugard, Frances Toor, Manuel Gamio,
entre otros, participaron en ese movimiento a través de diferentes
acciones en el campo de las artesanías, por ejemplo con la formación de
una colección en la década de los años veintes que viajó por varios países
de Latinoamérica después de haberse presentado en México, o como el
gran proyecto de desarrollo que Manuel Gamio propuso alrededor de la
zona arqueológica de Teotihuacán buscando que los pobladores de la zona
tuvieran un beneficio económico del turismo al recuperar sus habilidades
como artesanos lapidarios inspirados en el arte prehispánico.
Otros artistas viajaron por el país, “asesorando” a los artesanos en el manejo
del color, de los diseños y las formas.
En 1934, cuando se abrió finalmente el Palacio de las Bellas Artes
en la Ciudad de México, se inauguró, con él, el primer Museo de
Arte Popular. El pintor Roberto Montenegro fue el encargado de
formar la colección y de escribir en el catálogo:
Las colecciones que exhibe el Museo de las Artes Populares del
Instituto Nacional de Bellas Artes, demuestran la fuerza inconfundible
de una raza que ha conservado en los elementos que participan
en su vida cotidiana, el toque artístico, el estilo y su personal
manera de ver lo decorativo para el goce de los que aman lo folklórico
y para atestiguar su intuición artística. (2)
Pocos años después, en 1940, se organizó en el Museo de Arte Moderno
de Nueva York la primera gran exposición de arte mexicano
que abarcaba desde la época prehispánica hasta el siglo XX, y en
la cual la sección de arte popular ocupó un lugar preponderante:
En el arte popular, representado ampliamente en nuestra exposición,
se funden plenamente las dos grandes tradiciones de la cultura
mexicana, la indígena y la española, en formas estéticas notables
por su calidad y riqueza (3)
En la Revista América Indígena, órgano del Instituto Indigenista
Interamericano, Don Alfonso Caso, eminente antropólogo mexicano
publicó en 1942:
Las artes populares en México tienen, en los momentos actuales,
una importancia especial, no sólo por lo que significan como conservación
de una manifestación cultural que es propia de nuestro
pueblo, sino también por la importancia económica que tienen, ya
que forman la base única del sustento de una buena parte de la población
indígena y mestiza de la República. (4)
Estos antecedentes hablan de la visión nacionalista, de la valoración
estética y tradicionalista y los primeros esbozos de la valoración
económica del arte popular y las artesanías. Los escritos, las
exposiciones y las actividades remarcaron estos valores sobre las
piezas de arte popular: el entorno, quienes las producían o quienes
las consumían no eran frecuentemente materia de estudio, excepto
en algunos casos como el de Manuel Gamio con los proyectos alrededor
de la zona arqueológica de Teotihuacán.
Las piezas de arte popular y artesanías eran objetos que además
inspiraban el gusto por coleccionarlos, tanto en instituciones públicas
como los museos o en forma particular. De esta época surgen
fondos importantes como el de Nelson Rockefeller, Fred Davis, y
otros apasionados artistas o empresarios extranjeros y mexicanos
que viajaron por todo México o enviaron emisarios a buscar aquellas
piezas que se destacaban por la estética, la forma y exaltaban
lo folclórico.
Muchas de estas piezas integraron exposiciones de arte mexicano
que valoradas por sus cualidades estéticas o su antigüedad contribuyeron
a divulgar al arte popular mexicano, pero al ser sacadas de
su medio y su significación cultural se convirtieron en objetos de
vitrina y de comercio, olvidando al artesano y al proceso social y
económico que les dio vida.
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