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que posteriormente borró y exhibió bajo el título Erased
De Kooning Drawing. Para Rauschenberg, era una
forma de decir que los materiales crean, sobre todo,
el vacío. En 1971, Federico Peralta Ramos quiso imitar
aquí la exposición Exposición higiénica, de Herve
Fischer, que consistía en un recinto con las paredes
cubiertas de espejos, pero por falta de sponsors se
quedó sin espejos.
Por otro lado, la crítica de Virilio y Sebreli apunta a los
temas y los soportes que el arte de las últimas décadas
ha elegido con preferencia para sus acciones revulsivas.
Uno de los casos más extremos de esto es el body-art.
Género nacido en los años 60, una de sus vertientes
se centró en las heridas, lesiones, marcas e incisiones
en la carne; su principal exponente se llamó Rudolf
Schwarzkogler, un alemán que en 1969 se amputó
centímetro a centímetro el pene mientras un fotógrafo
registraba la acción.
Heredera en parte de esta tradición es Orlan, la artista
francesa que a comienzos de los 90 “esculpe” su propio
rostro mediante cirugía estética en una provocativa
cruzada por convertirse en “la obra maestra absoluta”
(con lo que actuaba y denunciaba al mismo tiempo las
complejas relaciones entre arte y técnica, apariencia y
realidad, naturaleza y artificio) en operaciones filmadas.
Mutaciones y discusiones
¿Por qué la experiencia del arte se ha transformado en
una cuestión tan problemática? Desde los comienzos
de la modernidad, el régimen de transformaciones
permanentes de la era industrial modificó radicalmente
la noción de lo bello. Atrás quedó el ideal armónico y
trascendente: la belleza empezó a concebirse como
algo que cambia con los tiempos y que acompaña a
ese cambio a través del concepto de “novedad”. Para
decirlo de otro modo: hace rato que ya no es dominante
la creencia de que el arte debe ser el lugar de la armonía,
la estabilidad. Adorno decía que el arte puede mostrar
los conflictos irreconciliables en lo social.
Pero en la sociedad de los massmedia, la frontera entre
registros es muy lábil y las contaminaciones entre arte,
espectáculo, show e impacto están a la orden del día. De
ahí que la preocupación acerca de cómo sustraerse de
los códigos perceptivos de la sociedad del espectáculo
(el movimiento permanente, la velocidad irreflexiva, la
compulsión al cambio) se vuelve central.
Si bien los escándalos y polémicas se suceden mes a
mes, hay algo que pareciera estar fuera de discusión
en el campo del arte, tanto para los artistas como para
los críticos, museólogos, directores de museos y buena
parte del público: por más revulsiva que pueda ser
una obra, todos coinciden en que ni los tópicos ni los
tratamientos del arte deben someterse a los códigos de
la moral, la religión o la política.
Eso se vio en 1998, cuando la muestra Sensation se
exhibió en el Museo de Brooklyn de Nueva York. Allí,
la Santa María Virgen, de C. Ofili, escandalizó con su
virgen negra, pintada con caca de elefante y rodeada
de imágenes de vaginas. El entonces alcalde Rudolph
Giuliani amenazó con cerrar el museo para complacer a
los electores católicos. Ante esta ofensiva de la política,
el campo artístico se movilizó para afirmar la autonomía
del arte.
Para el crítico colombiano José Roca, la cuestión
central en esta época es ser capaz de reemplazar la
pregunta “¿esto es bueno, bello, original?” por otra:
“¿cuán abierto estoy a otras posibilidades artísticas?”.
Aun así, el enigma no está en las preguntas. Está en las
respuestas.
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