Nº 1-2 (nov. 1953) - Publicaciones Periódicas del Uruguay

eternidad viviente. De aquí procede la trascendencia y la importancia de
la materialidad de la obra artística. Es fundamental apoyarse en una materia,
la base de la obra artística, que es preciso construir con garantías de
permanencia. La materia es el espíritu ~: la ob~a de arte, es ~u encarnación
viva. El problema de la construcción en pilltura no es mas que el
de producir una materialidad plástica. Sin embar~o, una obra de. arte no
es solamente una objetividad material. Hemos dicho que el artrsta abstracto
se queda separado y aislado del mundo por tanto buscarse .a. ,sí
mismo y no encontrarse jamás. El arte de nuestro tiempo toma la d~C1sIon
de vivir en lo universal y rechaza, como pecado o enfermedad peligrosa,
toda manifestación de lo individual y de lo singular. Y el espíritu que es
intimidad aparece muchas veces ausente en las creaciones de los artistas
contemporáneos. Se formulan reservas a las aventuras per.~etua.s de
PICCASO y a la perfección artesana de BRAQUE, como también CIertas
manifestaciones del arte de PICABIA y CHAGALL semejan desprovistas de
espíritu. Ciertos críticos señalan el peligro en que puede caer el ~rte a~stracto
cuando se acepta una codificación recibida desde el extertor, fría,
y sin que responda a una práctica personal y a una necesidad. i~te:ior.
Reivindican, frente a este academicismo, los derechos de la intimidad
creadora y silenciosa. Pero, la verdadera, la profunda obra de arte se logra
cuando el hombre que se busca a sí mismo se encuentra proyectado fuera
de sí, encarcelado en su obra, plasmado en ella. El yo está vivo si crea
esta objetividad inmanente que es la obra de arte. Desde entonces, el hombre
íntimo no corre peligro de muerte o de aislamiento suicida cuando
aprende que el arte es la experiencia renovada de un perpetuo comenzar.
Por tanto, su obra, tomará como punto de partida el mundo de donde
procede y regresará siempre a su origen.
MUNDO O CONCIENCIA
'Por dónde iniciar la creación? ¿Por el objeto o por el sujeto? Como
se ve éesta lucha continúa y está abierto el pleito del artista consigo mismo.
Abrir los ojos desmesuradamente o escuchar la música invisible del espíritu
interior tal es el dilema. El arte abstracto se inclina a esta última solución,
va que aspira a expresar los símbolos más íntimos y hondos del alma. El
arte no-figurativo. como le llama HERBIN, se orienta claramente en un camino
de pureza y de eliminación de todo dato objetivo y aspira a m~nife~tar,
con los medios de una forma geométrica y de un color puro de vrtarninas,
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-impersonal al máximo-, el goce o la alegría, la angustia, o Ja inquietud
del hombre. KANDINSKY, en su libro "De lo espiritual en el arte", intentó
fijar las leyes gramaticales de la necesidad interior. La forma es la manifestación
externa de un contenido interior. Cada forma, dice, tiene un sonido
fundamental íntimo; un triángulo lleno de amarillo, un círculo lleno de
azul, son seres vivos ejerciendo entre ellos una acción diferente, viviendo su
propio drama interior. La ley de los contrastes de los colores, se basa en
las pasiones contradictorias del alma. El amarillo es el color de la locura,
de la melancolía y de la dispersión de las fuerzas cósmicas. El azul profundo
lleva al hombre hacia el infinito y despierta el ansia de pureza,
pero cuando su gama va descendiendo hacia el negro, se empapa de una
tristeza grave. El verde es el color de la inmovilidad, ejerce una acción
bienhechora sobre las almas que aspiran al reposo. El intento de esta
interiorización formal del arte es, sin duda, grandioso y profundo. Pero,
eliminando la referencia objetiva, el dato vivo, se corre el peligro de borrar
el yo interno que es lo que se quiere libremente expresar a través de la
forma y del color. No olvidemos que el yo más íntimo se encuentra situado
en el mundo y no puede olvidar su presencia diáfana. Y, como señala
justamente ESTIENNE, el arte abstracto no-figurativo tiende a crear un
nuevo objeto exterior más banal que el dato externo de los realistas
En ese sentido la pintura española actual, obedeciendo a una fuerte
tradición dramática y realista, se orienta hacia un camino menos cruzado
de obstáculos y de problemas sin solución. Este arte español pretende
no volver a un realismo naturalista ya imposible, sino a ahondar, a
profundizar la tierra, a descubrir sus virtudes secretas, sus ritmos escondidos.
joss GUTIÉRREZ SOLANA, BENJAMÍN PALENCIA, JUAN MANUEL
DÍAZ CANEJA, EDUARDO VICENTE Y FRANCISCO COSsÍo a pesar de caer,
algunas veces, en tópicos costumbristas, o en retóricas sentimentales y en
decorativismos, revelan verdades de la tierra, de sus hombres, y arrojan luminosidad
sobre el cosmos viviente con un acierto personal y fuertemente
original, SLl1 obedecer a tendencias, capillas o escuelas que tanto dañan
el arte francés, ya de por sí tan enamorado de normas, disciplinas frías y
escolásticas. Sin embargo, este arte español, no se queda limitado a un
frío objetivismo narrativo. La realidad está desvelada, mostrada en su
hueso y es visible el aliento o soplo espiritual que la anima. La anécdot>
que narran estos artistas españoles es bien desnuda, podada de sobras:
unos árboles en un largo camino; un montón de trigo apilado; unos zapatos
viejos; a veces unas cabras exaltadas o un Escorial de ensueño. Como
vemos, la anécdota es la necesaria, la mínima, para situar su intimidad
en el mundo y exhibir la nobleza y la belleza interior de su alma. Porque
es innegable que ambos, la materia viva del Mundo y el espíritu son
nobles puntos de partida de una creación interior. El grito o la queja,
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