mayo 1967 - Publicaciones Periódicas del Uruguay

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HORACIO
ROITMAN
como reacción a lo formal, a lo convencional, a
lo burgués y a la mecanización; son esfuerzos por
conservar para este mundo los pocos sintomas
de humanidad y romanticismo que le puedan quedar.
Pero aquí sucede lo contrario: todos los participantes
son consumados burgueses, y el Instituto
que los cobija es la más formal y convencional
de las instituciones de este tipo que existen
en el mundo.
La Bienal en general
Los salones estuvieron instalados en las futuras
aulas de la Facultad de Ingeniería, a punto de ser
inaugurada en la Ciudad Universitaria. Un humorista
cuya fama trasciende los límites de la vetusta
ciudad, Lorenzo Amengual, estuvo encargado
de la «decoración y señalamiento.. dentro
y fuera del edificio, que contrasta sus líneas
modernas con los pabellones estilo colonial,
edificados según la arquitectura del país que
representan. Los pabellones argentinos, tal vez
por razones de distancia y comodidad, fueron los
que recibieron más elogios de la crítica y del público.
Venezuela, por otra parte, con el Gran Premio
este año y el Invitado de Honor que lo ganó
el año último, fue la segunda. Para los cien mil
espectadores que visitaron la Bienal durante los
primeros cinco días (un 10 por 100 de la población
de Córdoba), el arte cinético representado
en primer término por Venezuela y también por
Argentina, concentró toda la atención. Cabe destacar
asimismo que los trabajos de Arias Vera,
de Perú, y Michael Burt, de Paraguay, tuvieron
muy buena aceptación; pese a no recibir premio
alguno, fueron compensados con invitaciones a
exponer en Europa y Estados Unidos. Entre las
otras participaciones no podemos olvidar la retrospectiva
de Xul Solar, y la conjunta de Koscice y
Romberg.
Nadie pone en duda hoy la importancia que ha
adquirido el arte cinético entre las revolucionarias
tendencias de la pintura moderna. Además son artistas
latinoamericanos los que han elevado a pIanos
más elevados su valor: Soto y Cruz Díez, ambos
ganadores de la Segunda y Tercera Bienal,
respectivamente, y Julio Le Parc, ganador absoluto
en Venecia y que junto a otros argentinos
forma el importante grupo de la «Recherche d'Art
Visuel ...
La pintura siempre trató de dar movimiento a
sus figuras, como lo prueban desde los murales
de Altamira hasta la obra de Calder, el escultor
norteamericano a quien podemos considerar padre
del arte cinético. Pero la diferencia entre las ma-
nifestaciones anteriores a Calder y las actuales,
reside en que en las primeras el propósito de movimiento
no era el requisito esencial de la obra,
como lo es hoy en los cinéticos, sino constituia
sólo un elemento, como lo era el color, la forma,
etc. Por otra parte, no se requería del público
una participación activa al observarla, como lo
piden los cinéticos hoy, sino que, por el contrario,
se trataba de una mera actitud contemplativa que
culminaba con la explicación racional de la obra.
Calder fue el primero que realizó esculturas que
cobran vida al ser accionadas por un motor, el
viento o el impulso del hombre. (Un crítico llegó
a afirmar a propósito de una obra de Calder en
Paris, que lo único que faltaba era un cartelito
que dijera: «iPor favor, toquelo»
En esta Bienal de Córdoba hay seis grupos de
obras cinéticas, pertenecientes a siete artistas:
tres venezolanos, dos argentinos, un chileno y un
brasileño.
El venezolano Jesús Rafael Soto, invitado especial
este año, merece una atenta consideración.
Su obra consiste en un plano muy sencillo (blanco
o negro) cruzado por rayas paralelas del color
opuesto y sobre el cual oscilan suspendidas por
un hilo fino varillas de metal dispuestas en forma
escalonada, las cuales en contraste con el
fondo y acompañadas por la traslación del cuerpo
humano adquieren movimiento. Para su logro,
Soto hace jugar lo que él llama las «relaciones
puras.., que son «estados existentes en la naturaleza,
independientes de los elementos materiales..
; estas relaciones pasan inadvertidas para el
hombre en cuanto arte cuando las observa en la
naturaleza, pero se elevan al plano del arte cuando
un artista las materializa, cuando las plasma
en su obra por medio de esos elementos (microestructurales)
de las que en todo momento hay
que prescindir. Su obra es pintura y no escultura
-como pretenden algunos-, pese a que los
elementos salen del plano. Pero en todas las
épocas ha habido trascendencia del plano, sin
dejar de ser pintura: Van Goghlo hizo, y también
se sigue haciendo todos los días con el «collage...
En la pintura cinética también hay superposición
de elementos, pero con otra intención: «obtener
ópticamente una superficie vibrante en el
plano.., no en el espacio. Los elementos que utiliza
resultan indispensables, y son los que no permitieron
llegar antes a la pintura cinética: la utilización
del espacio y el tiempo se han transformado
en cuestiones vitales, aumentando la participación
del público en la reconstrucción mental
de la obra y prescindiendo en todo momento de
forma alguna. En cuanto a la función estética,
ésta reside en la proposición: aunque no haya