catálogo completo de ambulante 2013 - Dropbox

distrito federal
8 al 21 de febrero
Guerrero
22 al 28 de febrero
Puebla
1 al 7 de marzo
Veracruz
8 al 14 de marzo
ViVe latiNo
15 al 17 de marzo
baja califorNia
15 al 21 de marzo
NueVo leóN
29 de marzo al 4 de abril
coaHuila
5 al 11 de abril
jalisco
12 al 18 de abril
MicHoacáN
19 al 25 de abril
cHiaPas
26 de abril al 2 de mayo
oaxaca
3 al 9 de mayo

coNteNido CONTENTS
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PreseNtacióN | Foreword
Notas de ProGraMacióN | Programming notes
REFLECTOR
Expedition to the End of the World
Expedición al fin del mundo
The House I Live In
La casa donde vivo
How to Survive a Plague
Cómo sobrevivir una plaga
Les Invisibles
Los invisibles
The Invisible Ones
Journal de France
Diario de Francia
The Queen of Versailles
La reina de Versalles
Stories We Tell
Las historias que contamos
PULSOS
El alcalde
The Mayor
Diario a tres voces
Three Voices
Elevador
Elevator
Inori
Palabras mágicas (para romper
un encantamiento)
Magic Words (To Break a Spell)
Partes de una familia
Parts of a Family
La piedra ausente
The Absent Stone
Quebranto
Ruin
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60
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61
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62
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63
64
64
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El sueño de San Juan
Dream of San Juan
AMBULANTE MÁS ALLÁ
Campo 9
Field 9
Chibal’Kan
De tres…uno
From Three... One
El futuro en nuestras manos
The Future in Our Hands
Guardianes del Mayab
Guardians of Mayab
Koltavanej
El Nail
No quiero decir adiós
I Don’t Want to Say Goodbye
Sanjuana
Tramas y trascendencias
Resilience
OBSERVATORIO
Argentynska Lekcja
Lección argentina
Argentinian Lesson
Future My Love
Futuro mi amor
Leviathan
Leviatán
Planet of Snail
Planeta del caracol
Tchoupitoulas
A Última Vez que vi Macau
La última vez que vi Macao
The Last Time I Saw Macao

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84
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86
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DICTATOR’S CUT
Ai Weiwei: Never Sorry
Ai Weiwei: nunca se arrepiente
Camp 14—Total Control Zone
Campo 14–Zona de control total
Campesinos
Peasants
Chircales
Brickmakers
The Gatekeepers
Los guardianes
Qu’ils reposent en révolte
(Des figures de guerres I)
Que descansen en rebelión
(Figuras de guerras I)
May They Rest in Revolt (Figures of Wars I)
Winter, Go Away!
Invierno, ¡lárgate!
INJERTO
Programa 1: Películas favoritas
del público de Cinema 16
Program 1: Cinema 16 Audience Favorites
Programa 2: La ciudad que vio
nacer Cinema 16
Program 2: The City Where Cinema 16
Was Born
Programa 3: El cine como arte
subversivo
Program 3: Film As a Subversive Art
Programa 4: Seducciones
Program 4: Seductions
Programa 5: Cine en primera persona
Program 5: First-Person Cinema
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127
127
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SONIDERO
Beware of Mr. Baker
Ciudado con el sr. Baker
The Chemical Brothers: Don’t Think
Don’t Stop Believin’: Everyman’s
Journey
Je suis venu vous dire...
Gainsbourg par Ginzburg
He venido a decirle…
Gainsbourg por Ginzburg
Gainsbourg by Gainsbourg:
An Intimate Self-Portrait
Ornette: Made in America
Paul Simon: Under African Skies
Searching for Sugar Man
Buscando a Sugar Man
AMBULANTITO
Alouette
The Cow Who Wanted
to Be a Hamburguer
La vaca que quería ser hamburguesa
Fiesta Brava
Interlude
Interludio
Les Kiriki, acrobates japonais
Los Kiriki, acróbatas japoneses
The Kiri-kis, Japanese Acrobats
One Week
Una semana
Ten Minutes Older
Diez minutos mayor

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130
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144
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145
146
146
147
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ENFOQUE:
CINE SOBRE CINE
Emak Bakia
Emak Bakia baita
La casa Emak Bakia
The search for Emak Bakia
Love
Amor
The Pervert’s Guide to Ideology
La guía de ideología del pervertido
What Is This Film Called Love?
¿Qué es esta película llamada amor?
Where the Condors Fly
Donde vuelan los cóndores
RETROSPECTIVA:
ChRIS MARkER
...à Valparaiso
A Valparaíso
Valparaiso
A.K.
Le fond de l’air est rouge
El fondo del aire es rojo
A Grin Without a Cat
La Jetée
El muelle
The Pier
Le joli mai
El hermoso mayo
Beautiful May
Une journée d’Andrei Arsenevitch
Un día en la vida de Andrei Arsenevitch
One Day in the Life of Andrei Arsenevich
Level 5
Nivel 5
Loin du Vietnam
Lejos de Vietnam
Far from Vietnam
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148
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149
149
150
150
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189
190
193
Sans Soleil
Sin sol
Sunless
Le souvenir d’un avenir
Recuerdos del porvenir
Remembrance of Things to Come
Le train en marche
El tren en marcha
The Train Rolls On
On vous parle du Brésil: Tortures
Reporte desde Brasil: Torturas
Report on Brazil: Tortures
On vous parle du Chili:
Ce que disait Allende
Reporte desde Chile: Lo que Allende dijo
Report on Chile: What Allende Said
Dans l’atelier de Chris Marker
En el estudio de Chris Marker
Agnès Varda in Chris Marker’s Atelier
Las variaciones Marker
The Marker Variations
IMPERDIBLES
AMBULANTE
INTERNACIONAL
AMBULANTE ANTE
LA CRíTICA
ambulante:
a critical review
directorio | directory
íNdice de realizadores | index oF directors
íNdice de títulos | index oF titles
PatrociNadores | sPonsors

presentación | FOrEwOrd

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eleNa fortes | directora general • ambulante a.c.
Finalmente bajamos el telón de 2012, un año de primaveras
inquietantes e inviernos turbulentos. Desde el
inicio de la revolución tunecina en 2010, las estaciones
del año se han instalado en nuestro discurso político
como metáforas para describir los cambios en las configuraciones
geopolíticas. Esta nueva “atmósfera” global,
cargada de energía creativa y una contagiosa sensación
de empoderamiento, ha generado un activismo
muy particular y de mucho mayor impacto, que se
apropia de manera estratégica de recursos interactivos
y formas alternativas de protesta.
Decidimos rendir homenaje a este espíritu de revolución
creativa al estructurar nuestra programación
de 2013 alrededor de la noción de liberación. Las
películas incluidas en esta selección aluden a procesos
individuales y acciones colectivas que trascienden
una variedad de limitaciones; muchas de ellas se
enfocan en procesos íntimos de liberación. El documental
parece estar alejándose de las explicaciones
totalitarias sobre el orden mundial y dirigiéndose hacia
las historias personales que pertenecen a entornos
privados, y que quizá son más efectivas para develar
ciertos aspectos de nuestra naturaleza. Es a través de
los rituales y gestos cotidianos que somos capaces
de comprender mejor nuestra humanidad.
Nuestra idea de liberación también celebra la irreverencia
del documental. Los experimentos recientes
en el nebuloso terreno de la no ficción desafían
la categorización, no solo en relación con la forma,
pero también en términos del medio elegido para la
producción y la exhibición. Las nuevas plataformas
nos obligan a repensar las convenciones narrativas,
la noción de autoría y de público. Los documentales
interactivos y la práctica documental en otras expresiones
culturales, como el teatro y el performance,
han cambiado radicalmente las posibilidades para el
futuro desarrollo del género.
Entre los diversos programas de 2013, destaca
un homenaje a Chris Marker y una retrospectiva de
su trabajo. Marker es una de las figuras más prolífi-
cas y enigmáticas de la historia cinematográfica; su
aproximación radical al cine y deseo de indagar en
los límites del medio han influido en innumerables
cineastas contemporáneos que trabajan en los terrenos
de la ficción y de la no ficción. Como contraparte
literaria de esta retrospectiva, publicamos una colección
de ensayos y reflexiones sobre la vida y obra de
Marker a cargo de cineastas, críticos, programadores
y académicos. Nuestra sección Enfoque celebra la
introspección cinematográfica, mostrando películas
autoreflexivas que dirigen nuestra atención al medio.
Injerto está dedicado al legado de Cinema 16, la
famosa sociedad fílmica que cambió el curso del cine
independiente y llevó las obras del cine de vanguardia
a la pantalla grande. Ambulante Más Allá presenta
diez proyectos completados durante el primer año
de esta nueva iniciativa. Por tercer año consecutivo,
AMBULANTE participará en el festival de música Vive
Latino, con un programa curado especialmente por un
grupo selecto de músicos como Quique Rangel (Café
Tacvba), Amandititita, Adanowsky, Rodrigo Guardiola
(Zoé), Saúl Hernández (Caifanes) y Julieta Venegas.
Cualquiera que sea el término o la forma que actualmente
se utilice para hablar del documental, siempre
parte de una historia construida desde lo real. A veces
olvidamos que nosotros mismos somos nuestra propia
historia, nuestra propia construcción. Las historias
son la manera en la que nos interpretamos a nosotros
mismos, nuestro pasado y futuro, y en última instancia,
lo que nos trasciende.
Por este motivo, los invitamos a sumarse a esta
octava gira y a participar en la construcción de una
nueva historia de AMBULANTE.
Damos nuestro más sincero agradecimiento a
todas las personas que han hecho este viaje posible:
nuestros socios, patrocinadores, colaboradores, voluntarios,
cineastas, amigos, corresponsales, colegas y
a nuestro público generoso.
Ambulante

director • amBUlante a.c.
We finally drew the curtain on 2012, a year marked
by exhilarating springs and turbulent winters. Since
the onset of the Tunisian Revolution in 2010,
seasons have entered our political discourse as
metaphors to describe the changes in geopolitical
configurations. The resulting global “atmosphere,”
charged with creative energy and a contagious
sense of empowerment, has given rise to a singular
form of activism—one that is able to effect a greater
impact through a strategic appropriation of interactive
resources and alternative forms of protest.
We have chosen to honor this spirit of creative
revolution by structuring our program for 2013
around the notion of liberation. The films included
in the selection address individual processes and
collective actions that transcend a variety of limitations.
Many of the films focus on more intimate
processes of liberation. Documentary seems to be
drifting away from totalizing claims about the world
order and the delivery of factual information, and
moving toward more personal stories that belong
to private realms, and are perhaps more successful
in unveiling certain aspects of our nature. It
is often through daily rituals and small gestures
that we are able to better assimilate our humanity.
Our idea of liberation also celebrates irreverence
in documentary. Recent experiments within the
nebulous domain of nonfiction defy categorization,
not only in terms of form but in terms of the chosen
medium of production and exhibition. New platforms
are challenging the conventions of storytelling and
the ideas of authorship and audience. Interactive
documentaries and documentary practice across
other cultural expressions, such as theater and
performance, have radically reset the possibilities
for the future development of the genre.
Highlights of this year’s program include a tribute
to Chris Marker and a retrospective of his work.
One of the most prolific and enigmatic figures in
film history, Marker’s radical approach to cinema
and desire to probe film frontiers have inspired
countless contemporary filmmakers working in
both fiction and nonfiction modes. A publication
of collected essays and reflections on his life and
work that includes contributions by notable filmmakers,
critics, programmers and scholars will serve
as a literary counterpart to this retrospective. Our
Enfoque section this year will celebrate cinematic
introversion, featuring self-reflexive films that draw
attention to the medium. Injerto will be devoted to
the legacy of Cinema 16—the famous film society
that changed the course of independent cinema
and brought works of the avant-garde to the big
screen. Ambulante Beyond will feature the ten
projects completed throughout the first year of this
new initiative. For the third year in a row, AMbulANTe
will participate in the Vive latino Music
Festival, with a program specially curated by a
select group of musicians, including Quique Rangel
(Café Tacvba), Amandititita, Adanowsky, Rodrigo
Guardiola (Zoé), Saúl Hernández (Caifanes) and
Julieta Venegas.
Whichever term or form applies to documentary
today, at its core, there is always a story built from
the real. We sometimes fail to acknowledge that
we are ourselves our own story, our own construction.
Stories are part of how we interpret ourselves,
our past and our future, and are ultimately what
transcend us.
We thereby encourage you to join us on our
eighth journey and partake in the construction of
the story of AMbulANTe.
Our heartfelt gratitude goes to all the extraordinary
people that have made this journey possible:
our generous partners, sponsors, collaborators,
volunteers, filmmakers, friends, correspondents,
colleagues, and our remarkable audience.
Ambulante
9

10
alejaNdro raMírez MaGaña | director general
cinépolis
Hoy, más que nunca, el ser humano tiene consciencia
de su entorno y del mundo en el que vive. En
la era del Internet y de las telecomunicaciones no
es necesario viajar a otros países ni tener un grado
académico para poder penetrar en los misterios
de otras sociedades y de otras culturas. Siempre
que exista la curiosidad suficiente, es posible
desarrollar un conocimiento, al menos básico,
sobre prácticamente cualquier tema.
Tanto el avance de esta interconexión global
como el desarrollo de la tecnología digital han
impulsado dramáticamente la producción de obras
cinematográficas. Probablemente, el género que
más se ha beneficiado de estos avances es el
documental. Afortunadamente, los documentales
no solo han aumentado en cantidad sino también
en calidad.
AMBULANTE ha estado presente a lo largo de
siete años atestiguando, por un lado, el desarrollo
del género documental y, por otro, el creciente
interés del público por los documentales. Este
año, Ambulante Gira de Documentales llega a su
octava edición y se consolida como el foro por
excelencia para la exhibición del género documental,
un espacio que se ha logrado gracias a un
trabajo intenso con el objetivo de formar al público
y crear un vínculo con él.
Cinépolis, la empresa de exhibición cinematográfica
más importante de América Latina, ha
estado presente durante todo este proceso —y
desde su fundación— trabajando de la mano con
AMBULANTE en la promoción del género documental
en México. En este octavo año, la Gira
recorrerá once estados de la República Mexicana,
incluyendo por vez primera Coahuila.
Esperamos que sea una edición más de mucho
éxito para AMBULANTE y para el documental
en México.

general director
cinepolis
Now more than ever, people are conscious of their
surroundings and the world they live in. The era of
Internet and telecommunications makes it possible
to penetrate the mysteries of other societies and
other cultures without traveling or possessing an
academic degree. Wherever there is the will to know,
it is possible to develop at least a basic knowledge
of almost any subject.
The advance of this global interconnection, as
well as the development of digital technology, has
dramatically influenced film production. The genre
that has probably benefitted the most from these
developments is documentary. Fortunately, documentaries
have not only increased in number, but
have also improved in quality.
For seven years now, AMBULANTE has contributed
to the development of documentary culture
and new audiences. This year, the Ambulante Documentary
Film Festival reaches its eighth edition, and
as the most important forum for the exhibition of
documentaries, it has continued to educate audiences
and bond with a diverse public.
Cinépolis, the most important film exhibition
company in Latin America, has been present throughout
this process, working alongside AMBULANTE
since its foundation to promote documentary film
in Mexico. In this eighth edition, the film festival
will visit eleven states in Mexico, including, for the
first time, Coahuila.
We hope that this edition will be another great
success for both AMBULANTE and for documentaries
in Mexico.
11

12
daNiela MicHel | directora general
festival internacional de cine de morelia
Ambulante Gira de Documentales comenzó como
una propuesta única en nuestro país: un festival de
cine documental que, a lo largo de su recorrido por
varias ciudades de México, buscaba diversificar los
canales de exhibición de un género que rara vez
llegaba a la pantalla grande. Ahora, en su octavo
año, AMBULANTE ha logrado descentralizar la
exhibición del cine documental, generando nuevos
y numerosos públicos, y recalcando la importancia
del cine como instrumento de concientización
política y social. Además de convertirse en el
festival más importante de cine documental de
nuestro país, se ha consolidado como una fuente
importante de apoyo a la producción y distribución
del documental, que fomenta la capacitación de
jóvenes cineastas en diversas comunidades del
sureste del país a través de los talleres de capacitación
de Ambulante Más Allá.
Como cada año, el Festival Internacional de
Cine de Morelia se enorgullece de colaborar con
este importante proyecto. Para nosotros es un
gran privilegio poder apoyar esta iniciativa, con la
cual, desde un inicio, hemos compartido objetivos:
promover y divulgar el cine de nuestro país y crear
un punto de encuentro único para los cineastas, el
público y la comunidad fílmica internacional. Este
año, nuestra programación se vio enriquecida con
la participación de AMBULANTE en la presentación
de los documentales de estreno Los invisibles (de
Sébastien Lifshitz) y Buscando a Sugar Man (de
Malik Bendjelloul), cintas que inspiran con historias
y testimonios que nutren nuestra memoria
colectiva y expanden los contornos de nuestra
consciencia política. También tuvimos el privilegio
de presentar tres trabajos, producto de la iniciativa
de Ambulante Más Allá, en el marco de nuestra
sección Foro de los Pueblos Indígenas, y una cinta
del legendario Chris Marker, cineasta francés que
reinventó el género documental a través del cine
ensayo. Es un honor poder ofrecer espacios para
difundir la importante labor de AMBULANTE en
Morelia y brindarle a nuestro público un preámbulo
de la maravillosa programación de la próxima gira
de documentales.
Les deseamos una exitosa gira y felicitamos
su loable tarea de difundir el cine documental en
nuestro país.

GENERAL diREctoR
moRELiA iNtERNAtioNAL fiLm fEstivAL
The Ambulante Documentary Film Festival began
as a unique project in our country: a documentary
film festival that through its tour in several cities in
Mexico sought to diversify the modes of exhibition
of a genre that rarely reached the big screen. Now
in its eighth year, AMBULANTE has succeeded
in decentralizing theatrical exhibition, generating
new and diverse audiences and emphasizing the
importance of cinema as a tool for raising social
and political awareness. Besides being the most
important documentary film festival in Mexico, AM-
BULANTE also constitutes, through the Ambulante
Beyond initiative, an important resource for
production and distribution, as well as education and
training for young filmmakers in different Mexican
communities.
As always, the Morelia International Film Festival
is proud to be able to collaborate in this important
project. Since AMBULANTE’s inception, our festivals
have shared a mission: to promote documentary film
and create a unique meeting point for filmmakers,
audiences and the international film community.
This year our programming was greatly enriched
by AMBULANTE’s participation with the presen-
tation of the documentaries The Invisible Ones
(directed by Sébastien Lifshitz) and Searching for
Sugar Man (directed by Malik Bendjelloul), which
offer inspiring stories and testimonies that nourish
our collective memory and broaden the expanse of
our political consciousness. We also had the privilege
of presenting three works that resulted from
the Ambulante Beyond training initiative and were
featured in our First Nations Forum section, as well
as a film by legendary filmmaker Chris Marker, who
reinvented the documentary genre through the essay
film. It is an honor to be able to offer a platform
to promote AMBULANTE’s mission in Morelia and
offer our audience a wonderful preamble to the
festival’s upcoming program.
We wish AMBULANTE a successful festival
and congratulate the team’s admirable efforts to
promote documentary cinema in our country.
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Mario broNfMaN | representante de la oficina para
méxico y centroamérica • fundación ford
El año 2012 fue muy especial para la oficina de
la Fundación Ford en México y Centroamérica.
Celebramos cincuenta años de presencia ininterrumpida
en la región y para ello organizamos, a lo
largo de todo el año, un conjunto de actividades de
muy diverso tipo: mesas redondas, exposiciones
fotográficas, cursos, reuniones e instalaciones, entre
otras más. AMBULANTE acompañó a la Fundación
Ford en este año de festejos y fue parte central de
dos de las actividades principales: una muestra
de películas y paneles sobre migración realizada
en Tijuana y San Diego, bajo el título Ambulante
Border Series y un ciclo llamado Ideas migratorias
y estrategias documentales que incluyó, además
de una muestra cinematográfica y charlas con
invitados especiales, una degustación gastronómica
y una maravillosa exhibición de arte con el
nombre de Maletas Migrantes. La trascendencia
que estos eventos tuvieron para la Fundación
Ford se refleja en el hecho de que el presidente y
los vicepresidentes de la Fundación viajaron a la
ciudad de México para participar en la inauguración.
Para nosotros, el tema de la gira 2013 −liberación−
tiene una importancia particular, pues
engloba uno de nuestros propósitos: ayudar a
grupos marginados a tomar control sobre su destino
y lograr un cambio social. Este año es uno más en
la historia de la profunda y estratégica colaboración
entre la Fundación Ford y AMBULANTE. Un
año más en el que volvemos a sentir el orgullo y
el honor de que nuestro nombre esté asociado
con un proyecto que crece y se consolida por
la fuerza de su contenido y la vitalidad sin límites
de sus participantes. Por ello, celebramos que
esta alianza fundamental crezca y se fortalezca al
tiempo que atestiguamos la maduración de una
organización como AMBULANTE, imprescindible
para la expansión de los valores que compartimos.

epresentative of the office for mexico and central america
ford foundation
The year 2012 was very special for the Ford Foundation’s
Mexico and Central America office. We
celebrated fifty years of uninterrupted presence in
the region and organized a diverse series of events:
round tables, photo exhibits, courses, meetings and
art installations, among others. AMBULANTE joined
the Ford Foundation in this year-long celebration
as an integral part of two of the main activities
that were carried out: a presentation of migrationrelated
films in Tijuana and San Diego under the
Ambulante Border Series program, and a series
of events grouped under the name Migratory Ideas
and Documentary Strategies, which included a film
series and panels with special guests, but also a
wonderful art exhibit entitled Migrant Suitcases and
a food tasting. The importance that these events had
for the Ford Foundation is reflected in the fact that
the president and vice presidents of the Foundation
traveled to Mexico to attend the inauguration.
The subject of the 2013 film festival, liberation,
is of particular importance for us as it encompasses
one of our main objectives: to help marginalized
groups take control of their own destiny and to bring
about social change. This will be another year of
profound and strategic collaboration between the
Ford Foundation and AMBULANTE, a year in which
we will again feel honored and proud that our name
is associated with a project that is expanding and
breaking new ground thanks to the strength of its
content and the limitless vitality of its participants.
And so we celebrate the growth and strength of this
fundamental alliance, while attesting to the maturity
of AMBULANTE, an organization which is essential
in promoting the values we share.
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16
caroliNa coPPel | directora
ambulante más allá
Ambulante Más Allá, una de las iniciativas de
AMBULANTE, es un proyecto de capacitación en
producción documental que tiene como objetivo
formar a nuevos realizadores provenientes de
diversos rincones de México y Centroamérica,
facilitando el acceso a las herramientas necesarias
para compartir sus historias con un público
amplio. Trabajamos con jóvenes, mujeres y organizaciones
comunitarias indígenas que difícilmente
tienen oportunidades de capacitarse en medios
audiovisuales.
Ambulante Más Allá busca fomentar la realización
cinematográfica independiente que permita a
las comunidades marginadas recuperar y fortalecer
su identidad, reivindicar sus derechos, así como
romper estereotipos y transformar los imaginarios
sociales negativos asociados a sus comunidades.
Buscamos celebrar la diversidad y contribuir a la
democratización de la producción audiovisual,
promoviendo historias contadas desde una perspectiva
cultural y estética propia, sin la imposición
de parámetros audiovisuales convencionales y
homogeneizantes. Asimismo, queremos generar
un espacio creativo para que las comunidades
puedan desarrollar sus historias.
Además de fortalecer la organización y participación
comunitaria por medio de la realización
de documentales independientes, para nosotros
es fundamental la difusión de los trabajos, con el
objetivo de aprovechar al máximo su potencial
como herramienta de transformación social. El
documental inspira respuestas y acciones constructivas
que pueden poner en marcha cambios
sociales, además de incitar a la reflexión crítica,
al ofrecer diversas perspectivas en torno a la realidad.
También creemos que es necesario seguir
luchando por la democratización de los medios
y la autorepresentación de los grupos excluidos.
En la primera edición (2012) contamos con
cincuenta estudiantes de diferentes comunidades
de Yucatán, Campeche, Chiapas y Guatemala
que produjeron diez documentales en los cuatro
talleres organizados por un equipo pequeño,
entregado y muy profesional, e impartidos por
cineastas con una amplia experiencia docente.
Cada uno de los participantes del taller compartió
con nosotros su corazón y su mirada. Gracias a
ellos aprendimos algo nuevo sobre nuestro país
y sobre nosotros mismos.

director
ambulante beyond
Ambulante Beyond, one of AMBULANTE’s recent
initiatives, is an educational documentary film training
project for new filmmakers from different regions
of Mexico and Central America who have limited
access to the tools that will allow them to share
their stories with a broader audience. This initiative
works with youth and community organizations that
have scarce resources or no long-term training
opportunities in audiovisual media.
Ambulante Beyond seeks to foster independent
filmmaking that allows marginalized communities
to reclaim and strengthen their identity, assert
their rights, and shatter stereotypes to transform
the negative social perceptions associated with
their communities. We seek to celebrate diversity
and contribute to the democratization of audiovisual
production, promoting stories anchored in a
unique cultural perspective and aesthetic without
the imposition of conventional stylish or narrative
parameters. Likewise, we want to provide a
creative space so that these communities can
share their stories.
Strengthening community participation and organization
through the production and distribution
of independent documentaries is fundamental to us.
Documentaries inspire constructive responses and
actions that can activate social change and provoke
critical reflection by offering diverse perspectives
on reality. We also believe that it is necessary to
promote the democratization of media and support
the self-representation strategies of excluded groups.
During this first cycle (2012), fifty students from
different communities of Yucatán, Campeche, Chiapas
and Guatemala produced ten documentaries,
the result of the four workshops organized by a small,
dedicated and very professional team and taught
by filmmakers with ample experience. Each of the
workshop participants shared their heart and their
stories. Thanks to them, we learned something new
about our country and ourselves.
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luciaNa kaPlaN | coordinadora de la beca
cuauhtémoc moctezuma – ambulante
En 2011, para continuar la tradición de la Beca Gucci
Ambulante, surge un nuevo fondo de apoyo al
cine mexicano documental: la Beca Cuauhtémoc
Moctezuma-Ambulante.
Esta beca tiene como objetivo apoyar anualmente
y por tres años consecutivos entre uno y dos
documentales mexicanos que se encuentren en la
etapa de posproducción, dando prioridad a temas
relacionados con el medio ambiente, la educación,
el arte y la cultura, los deportes y el ámbito laboral.
Durante seis años, las becas de AMBULANTE
han permitido que grandes proyectos documentales
que no contaban con el apoyo necesario se
finalizaran y distribuyeran satisfactoriamente. En
ese sentido, no hay mejor ejemplo que el caso de
Presunto culpable, de Roberto Hernández. Aunque
era apenas el esbozo de un proyecto, decidimos
apostar por él y posteriormente se convirtió en el
documental más visto en México. La misión de esta
beca siempre ha sido y seguirá siendo apoyar la
producción de cine documental de calidad que, de
alguna manera, nos ayuda a cuestionar la realidad
en la que vivimos.
Gracias al interés de Cuauhtémoc Moctezuma
se seguirá impulsando la actividad documental
nacional, incentivando el documental de autor y
reflexivo, así como la búsqueda de nuevas y mejores
maneras de contar historias.
En esta primera convocatoria de la Beca Cuauhtémoc
Moctezuma-Ambulante recibimos 27 trabajos,
de los cuales decidimos apoyar los siguientes:
Elevador (dirigido por Adrián Ortiz)
Quebranto (dirigido por Roberto Fiesco)
El jurado estuvo conformado por: Gael García
Bernal (socio fundador de AMBULANTE, actor,
productor y director de cine), Paulina del Paso
(directora de cine), Martha Sosa (productora),
Elena Fortes (directora general de AMBULANTE),
Reynold Montemayor (gerente de marcas Premium
de la Cervecería Cuauhtémoc Moctezuma).
Ambos trabajos forman parte de Pulsos, sección
dedicada a la producción nacional, de Ambulante
Gira de Documentales 2013.

cuauhtémoc moctezuma - ambulante
grant coordinator
In 2011, following in the tradition of the Gucci
Ambulante Grant, a new fund was created to foster
Mexico’s documentary cinema: the Cuauhtémoc
Moctezuma-Ambulante Grant. This grant’s objective
is to support annually over the course of three
years one or two Mexican documentaries in the
postproduction stage. It will give priority to films
focusing on the environment, education, art and
culture, sports and the workplace.
For six years, AMBULANTE’s grants have allowed
documentary projects lacking the support needed to
receive adequate financing and distribution. There is
no better example of this than the case of Presumed
Guilty, by Roberto Hernández. We decided to back
this project when it was still in its early stages; it
later went on to be the most viewed documentary in
Mexico. The mission of this grant has always been,
and will continue to be, to support the production of
high-quality Mexican documentary film that in some
way helps us to question our reality.
Thanks to the interest of Cuauhtémoc Moctezuma,
documentary film will continue to thrive, encouraging
auteurist and reflective styles, as well as the quest
for new and better storytelling methods.
In this first call for submissions for the Cuauhtémoc
Moctezuma-Ambulante Grant, we received
twenty-seven projects, of which we decided to offer
support to the following:
Elevator (directed by Adrián Ortiz)
Ruin ( directed by Roberto Fiesco)
The jury included: Gael García Bernal (founding
partner of AMBULANTE, actor, producer and film
director), Paulina del Paso (film director), Martha Sosa
(producer), Elena Fortes (director of AMBULANTE),
Reynold Montemayor (Premium Brand Manager,
Cervecería Cuauhtémoc Moctezuma)
Both projects are included in Pulsos, the section
focusing on national productions, in the Ambulante
Documentary Film Festival 2013.
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NiNa MayaGoitia García | gerente de responsabilidad social
cervecería cuauhtémoc moctezuma
Cuauhtémoc Moctezuma es una empresa que a
lo largo de sus más de 120 años ha enfocado sus
esfuerzos en el desarrollo económico de México,
pero sobre todo, en el de su sociedad, con programas
y acciones que inciden directamente en
el bienestar de sus colaboradores, sus familias y
la comunidad.
Nuestra meta, a través de la filosofía “Brindando
un mejor futuro”, es ofrecer las herramientas necesarias
para promover un cambio de mentalidad
y actitud que permitan a la sociedad mexicana
construir su futuro a partir de sus capacidades,
aprovechando al máximo sus oportunidades.
Una de nuestras líneas de acción para lograr
estos objetivos es el desarrollo de talento en México.
Es por esto que encontramos en AMBULANTE un
aliado ideal para apoyar a los cineastas mexicanos
que buscan oportunidades de desarrollo, así como
para crear foros de discusión que promuevan la
participación ciudadana en temas prioritarios para
nuestra empresa y nuestras comunidades.
Nuestra alianza con el Festival Ambulante incluye:
Beca Cuauhtémoc Moctezuma-Ambulante:
Se otorgan apoyos anuales a proyectos relacionados
con temas de educación, medio ambiente, arte
y cultura, deporte y empleo, que se encuentren en
su etapa final de edición y que requieran fondos
para la posproducción.
Reflexiones Ambulante: Serie de mesas redondas
en el marco de Ambulante Gira de Documentales
en once estados del país con el objetivo
de incrementar la concientización sobre temas
relacionados con educación, deporte, arte y cultura,
empleo y medio ambiente. En estos espacios
de discusión y análisis participan realizadores y
especialistas invitados por AMBULANTE para
intercambiar experiencias y puntos de vista con
el público, en colaboración con organizaciones e
instituciones académicas.
Nuestro compromiso con la comunidad es a
largo plazo, por lo que nos aseguramos de que
cada producto que vendamos esté pensado para
preservar nuestro medio ambiente, nuestra economía
y nuestra sociedad.

social responsibility Director
cuauhtemoc moctezuma brewery
Cuauhtémoc Moctezuma is a company that over its
120 years of existence has dedicated its efforts to
Mexico’s economic development, particularly that of
its society, through programs and actions that have
a direct effect on the well-being of its stakeholders,
their families and the community.
Our goal, through our philosophy of “Providing
for a Better Future,” is to offer the necessary tools
to bring about a change in the way Mexican society
thinks and acts. This will help it to shape its future
by profiting from its skills and making the most of
its opportunities.
One of the lines of work through which we
pursue these goals is the development of Mexican
talent. This is why AMBULANTE has proven to be
an ideal partner in supporting Mexican filmmakers
who search for opportunities for their development,
as well as in opening discussion spaces that promote
social participation in topics that we consider to be
a priority for our company and our communities.
Our partnership with the Ambulante Festival includes:
Cuauhtémoc Moctezuma-Ambulante Grant:
Annual contributions are given to projects in postproduction
that need funds to be completed and
focus on education, the environment, art and culture
as well as sports and employment.
Ambulante Reflections: A series of round
tables within the Ambulante Documentary Film
Festival that visits eleven states in Mexico aimed
at raising awareness of issues related to education,
sports, art and culture, employment and the
environment. Filmmakers and specialists invited
by AMBULANTE participate in these discussions
to exchange experiences and viewpoints with the
audience, in collaboration with academic institutions
and organizations.
We have a long-term commitment to the community
to make sure that every product we sell is
designed to be sustainable for our environment,
our economy and our society.
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Notas de ProGraMacióN • liberación ambulante 2013
Nuestra programación en 2012 se construyó alrededor
de la noción de utopías, entendidas como modelos de
pensamiento o ejercicios de imaginación críticos que
tienen un impacto legible y palpable en la realidad.
Este año queremos llevar la idea de utopía a la praxis
y preguntarnos cómo pasar del plano de las ideas
a la acción. En otras palabras, ¿cómo materializar
estos proyectos utópicos, cómo liberar estas ideas y
orquestarlas en un escenario para la acción?
Inspirados por estas preguntas, la programación de
Ambulante Gira de Documentales 2013 se articulará
en torno a la noción de “liberación”, comprendida en
sentido amplio como toda acción o proceso encaminado
a trascender limitaciones de cualquier tipo, superar
condiciones desfavorables, romper ataduras, buscar
salidas, multiplicar posibilidades, generar encuentros
y establecer diálogos más justos y equitativos. Existen
diversas formas de buscar la libertad y de definirla:
puede ser concebida como el resultado de la acción
colectiva o de procesos individuales, o puede ser
descubierta por medio de una transformación interior o
exterior, privada o pública, personal o social, violenta
o pacífica. Nos interesan las liberaciones íntimas y
subjetivas que no obstante resultan indispensables
para que haya más movimientos de liberación, así como
la acción colectiva y masiva, presente en las grandes
revoluciones sociales pasadas y contemporáneas, y los
movimientos políticos y culturales que han impulsado
un cambio real en el mundo.
Proponemos pensar en la liberación no solo en
términos de una estructura jerárquica, como la rebelión
de los de abajo, sino como algo más horizontal que
reorganiza la acción y que muchas veces opera a
nivel micro por medio de gestos cotidianos y tácticas
de resistencia en pequeña escala; por medio de los
esfuerzos de héroes anónimos que cultivan alternativas
en un momento histórico que impide pensar en soluciones
dramáticas. Entendemos, además, la liberación
como un proceso continuo, una tendencia constante
y no un estado definitivo que se logra de una vez y
para siempre. Sobre todo, nos interesa reconocer y
promover aquellos proyectos, acciones e iniciativas
en los que el arte y la cultura sirven como plataformas
de liberación. Sin duda, el cine documental juega un
papel fundamental en este sentido, ya que registra
y expresa diferentes formas de encuentro con una
realidad histórica y fenomenológica. Se trata de un
medio que tiene el potencial de subvertir hegemonías,
reconfigurar nuestra percepción de las estructuras
de poder, exponer prácticas coercitivas y orientar
nuestro pensamiento e imaginación hacia la acción y
la liberación. El cine, como una estética de la liberación,
tiene la capacidad de extraer imágenes de una
esfera y trasladarlas a distintos contextos históricos,
geográficos e ideológicos.
También nos inclinamos por una idea de liberación
más conceptual en relación con el lenguaje cinematográfico,
como la hibridación del cine debido a la proliferación
de tecnologías digitales, plataformas interactivas,
expresiones culturales y prácticas performativas. El
cine documental nos permite percibir y cuestionar las
formas y narrativas convencionales que conforman y
dotan de sentido a nuestra realidad. El programa de
este año hace énfasis en las modalidades autoreflexivas
e interactivas del cine que dirigen la atención hacia el
medio, hacia la noción de autor (socavando algunas
veces la idea de una sola fuente de conocimiento), y
que invitan a los espectadores a formar parte en la
construcción de significado. Esperamos mostrar una
variedad de prácticas cinematográficas experimentales,
estrategias documentales y de no ficción que van más
allá de las formas estrictamente cinematográficas y que
se manifiestan en diferentes plataformas culturales
como la música y el teatro. El cine documental liberador,
crítico, de vanguardia, reflexivo, comprometido, que
nos invita a reimaginar y reinventar nuestra relación
con el pasado, el presente y el futuro, será el núcleo
de la programación de AMBULANTE 2013.

ProGraM Notes • liberation ambulante 2013
The 2012 program of the Ambulante Documentary
Film Festival was built around the notion of utopias,
understood as models of thought or exercises of
critical imagination that have a legible and palpable
impact on reality. This year we want to push the
idea of utopia into praxis and ask ourselves: How
can we move from ideas to action? How can we
make these utopian projects effective? How can
we liberate these ideas and orchestrate them into
a stage for action?
Inspired by these questions, the 2013 program
will be articulated around the notion of “liberation,”
defined in a broad sense as every action or process
that leads the way to transcending limitations of any
kind, overcoming unfavorable conditions, breaking
ties, finding ways out, multiplying possibilities,
generating encounters and establishing fair and
egalitarian dialogues. There are multiple ways of
looking for freedom and multiple ways of defining
it: it can be conceived as the result of collective action
or individual processes, or it may be discovered
through interior or exterior transformations, private
or public, personal or social, violent or peaceful. We
are interested in intimate and subjective liberations
that are nonetheless indispensable for widespread
liberations to happen, and in collective and massive
action such as historical and contemporary social
revolutions as well as the political and cultural movements
that trigger a change in the world.
We propose to think of liberation not only in terms
of a hierarchical power structure—as the rebellion
of the oppressed—but also as a lateral motion that
reorganizes action and operates often at a micro
level: through everyday gestures and small-scale
resistance tactics, through the efforts of anonymous
heroes who cultivate alternatives when history
discourages us from imagining dramatic solutions.
We understand liberation as a continuous and open
process and not as a definitive state that is achieved
once and for all. Above all, we are interested in recognizing
and promoting those projects, actions and
initiatives where art and culture work as platforms
for liberation. Documentary filmmaking undoubtedly
plays a fundamental role in this sense, as it registers
and expresses different forms of encounters with a
historical and phenomenological reality; it has the
potential to subvert hegemonies, reconfigure our
perception of power structures, expose coercive
practices and orient our thoughts and imagination
toward action and liberation. Cinema, as an aesthetics
of liberation, has the capacity to extract images
from one sphere and translate them into different
historical, geographical and ideological contexts.
We also want to address a more conceptual idea
of liberation in relation to cinematographic language
and the hybridization of cinema through the proliferation
of digital technologies, interactive platforms and
other cultural expressions and performative practices.
Documentary film allows us to perceive and question
the conventional forms and narratives that shape
and signify our reality. This year’s program places
emphasis on self-reflexive and interactive modes that
draw attention to the medium and to the notion of
author (sometimes undermining the idea of a single
source of signification) and that invite spectators to
partake in the construction of meaning. We hope to
showcase an array of experimental film practices,
both documentary and non-fiction strategies, that
go beyond strictly cinematic forms and manifest
themselves across different cultural platforms such
as music and theater. Critical, avant-garde, reflexive
and engaged documentary cinema that prompts us
to reimagine and reinvent our relationship to the
past, present and future will comprise the core of
AMBULANTE’s 2013 program.
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reflector
Películas de gran atractivo e interés general que han sido aclamadas por la audiencia
y los críticos de diferentes festivales del mundo.

Films of wide appeal that have been highly acclaimed by audiences and critics
at festivals around the world.

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Dinamarca | 2013 | Danés, inglés | Color | 90’
Dirección: Daniel Dencik
Dirección de fotografía: Martin Munch
Guion: Michael Haslund-Christensen, Daniel Dencik, Janus Metz
Edición: Per Sandholt, Rebecca Lønqvist
Sonido: Per Lønqvist
Música: Mads Heldtberg
Producción: Michael Haslund-Christensen
Compañías de producción: Haslund Film Aps, Michael Haslund-Christensen
Festivales | Festivals
IDFA, CPH:DOX, Festival Internacional de Cine de Gotemburgo, Festival de Cine de Estocolmo.
Contacto | Contact
Michael Haslund-Christensen
Haslund Film Aps
Nørrebrogade 12, 1.th
DK 2200 Copenhagen N
Dinamarca
haslundfilm@gmail.com
T: +45 20231388
Daniel Dencik (Suecia, 1972) estudió edición en la Escuela Nacional de Cine de Dinamarca
en 1999. Ha escrito y editado varias películas galardonadas, incluyendo The Five Obstructions,
Happy Now, Dark Horse, Into Eternity, Danish Dynamite y Labrador. En 2012, Dencik
debutó como director de documentales con Moon Rider. También en ese año se publicó su
cuarto libro, el obituario Via Katastroferne.
Daniel Dencik (Sweden, 1972) graduated as a film editor from The National Film School of
Denmark in 1999 and has written and edited numerous award-winning films, including The Five
Obstructions, Happy Now, Dark Horse, Into Eternity, Danish Dynamite and Labrador. In 2012
Daniel Dencik debuted as a feature documentary director with Moon Rider. His fourth book, the
obituary Via Katastroferne, was also published in 2012.
reflector exPeditioN to tHe eNd of tHe World | exPediciÓn al Fin del mundo

Expedición al fin del mundo, documental que tuvo un gran éxito en CPH:DOX 2012, es una moderna
y épica aventura por los parajes recónditos del noreste de Groenlandia. Cada año, durante algunas semanas,
el deshielo en el Polo Norte revela un estrecho camino hacia los fiordos. En el espíritu de Erick
El Rojo, un intrépido y peculiar grupo de científicos y artistas aprovechan la oportunidad para explorar
este territorio desconocido. Llevan consigo equipo de alta tecnología y sofisticados vehículos que, sin
embargo, fallan en el momento más inesperado.
Vemos a los tripulantes investigar, analizar sus hallazgos y buscar nuevas especies, huellas de nuestros
antepasados y respuestas sobre la existencia. Filosofía, ciencia, arte y espiritualidad se conjugan.
La ecléctica tripulación incluye un capitán, dos artistas, un teólogo, un geólogo, un geoquímico, un
geógrafo, un zoólogo, un arqueólogo y una bióloga marina, que reflexionan sobre el significado de la
vida y las perspectivas de la humanidad. La sensibilidad poética se contrapone al cinismo, cuando los
navegantes intercambian sus interpretaciones radicalmente opuestas sobre el mundo y nuestro lugar
en él. Un soundtrack irreverente y un singular sentido del humor marcan el ritmo de estas meditaciones
y el tono de la impactante cinematografía que muestra espectaculares paisajes dignos de otro mundo.
Los grandes bloques en deshielo, un solitario oso polar y un barco petrolero nos recuerdan el poder
destructivo del hombre sobre la tierra. La angustia nos sobrecoge ante el hecho de que observamos algo
que podría cambiar radicalmente en el futuro cercano. La grandeza y la trivialidad del género humano son
un tema recurrente en el filme. Mientras que el descubrimiento de una nueva especie nos recuerda la
“grandeza” humana, la “grandeza” de la naturaleza frente al hombre, solo parece reafirmar la conclusión
del geólogo de que la humanidad es “solo un paréntesis en el desarrollo de la Tierra”.
A success at CPH:DOX 2012 and likely to continue to top charts around the world, Expedition to the End
of the World is a modern-day epic adventure into the hidden recesses of Northeast Greenland. For a few
weeks every year, the ice melting at the North Pole allows a narrow access into the fjords. In the spirit of
Erik the Red, an audacious and quirky group of scientists and artists take advantage of the opportunity and
set out to explore this uncharted territory. However, their twenty-first century technology—sophisticated
equipment and vehicles—incidentally seems to fail when most needed.
We follow the team as they do their research, analyze their findings and search for new species, the
traces of our ancestors and answers to the questions of existence. Philosophy, science, art and spirituality
come together. The members of the eclectic crew—a captain, an artist and theologist, a geologist, a
geochemist, a geographer, another artist, a zoologist, an archaeologist and a marine biologist—reflect on
the meaning of life and the prospects for humanity. Lyrical sensibility clashes with raw cynicism as they
reveal their radically different approaches to interpreting the world and our place within it. An irreverent
soundtrack and a singular sense of humor set the tone for their musings, and the stunning cinematography
captures beautiful landscapes that seem to belong to another world.
However, the collapsing blocks of ice, a lonely polar bear and an oil tanker, bring us back to the reality
of man’s destructive footprint on Earth. We are left with a lingering anxiety stemming from the fact that
what we are looking at may be radically altered in the near future. The grandeur and the insignificance of
mankind is a recurring theme throughout the film. As the marine biologist encounters a new species, we
are reminded of the accomplishments of the human race. On the other hand, the scale and perseverance
of nature leave us with the disquieting realization that mankind may just be, in the words of the geologist,
“but a parenthesis in the development of the Earth.”
Elena Fortes
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Estados Unidos | 2012 | Inglés | Color | 116’
Dirección, guion: Eugene Jarecki
Dirección de fotografía: Sam Cullman, Derek Hallquist
Edición: Paul Frost
Música: Robert Miller
Producción: Eugene Jarecki, Melinda Shopsin
Compañía de producción: Charlotte Street Films
reflector tHe House i liVe iN | la casa donde vivo
Contacto | Contact
Ana Vicente
ana@dogwoof.com
www.dogwoof.com
Festivales | Festivals
Sundance, IDFA, Festival de Cine Documental Full Frame, Silverdocs, Festival de Cine de Los Ángeles, Sundance Londres,
Sheffield Doc/Fest, Festival Internacional de Cine de Melbourne, Festival Internacional de Cine de Bergen, Festival de Derechos
Humanos WatchDocs.
Eugene Jarecki (EUA) es un cineasta multipremiado, líder de opinión y escritor. Ha recibido
el reconocimiento de la crítica por la mayoría de sus películas, entre las que se encuentran
Reagan, un documental basado en el exitoso libro Freakonomics, la mundialmente aclamada
Why We Fight y The Trials of Henry Kissinger. Esta última se proyectó a nivel internacional,
fue transmitida en los canales de la BBC y Sundance, y obtuvo numerosos galardones, incluyendo
el premio Amnistía Internacional 2002. Como experto en relaciones internacionales,
Jarecki ha colaborado en televisión, radio y medios impresos.
Eugene Jarecki (USA) is an award-winning filmmaker, public thinker and author. He has received
critical recognition for multiple films, including Reagan; a documentary based on the bestseller
Freakonomics; the globally acclaimed Why We Fight; and The Trials of Henry Kissinger, which
screened internationally, aired on the BBC and the Sundance channels, and received a number
of accolades, including the 2002 Amnesty International Award. An authority on international
affairs, Jarecki has also appeared in an array of television, radio, and print media, from NPR to
MTV and the New York Times.

Eugene Jarecki es el segundo director que ha ganado en dos ocasiones el gran premio del jurado
en el Festival de Sundance. Primero lo hizo con Why We Fight (2006), un análisis de la industria
y la ideología bélica en Estados Unidos, y ahora lo consigue con La casa donde vivo, documental
que plantea una aguda crítica a la guerra contra las drogas en ese mismo país. A partir de su propia
historia familiar, narrada en primera persona, Jarecki elabora una reconstrucción inteligente y bien
documentada de la relación hipócrita y bipolar que mantienen la sociedad y el gobierno norteamericanos
con las drogas, sobre todo desde que Nixon las declaró el enemigo público número uno, a
finales de los años sesenta.
Además de un despliegue sobresaliente de imágenes de archivo, este documental logra un acceso
privilegiado a diferentes actores involucrados en esta absurda trama. Conocemos de cerca escuadrones
de la policía antidrogas, vendedores callejeros, adictos, consumidores ocasionales, jueces,
abogados, activistas, académicos, presos, custodios y ciudadanos comunes. Con gran habilidad,
Jarecki vincula estos casos concretos con una visión panorámica, destacando varios aspectos de
esta compleja problemática, como la venta de armas al interior de Estados Unidos y su exportación
a otros países, los fines electorales de los discursos y políticas antidrogas, el papel de la ideología y
la educación, el racismo asociado con las distintas oleadas migratorias, el crecimiento desmesurado
de la población carcelaria y el inmenso negocio que este combate sin sentido representa.
La casa donde vivo es una película indispensable para repensar el tema de la legalización y el
combate a las drogas, una cuestión tan trillada como mal comprendida. Las acciones de nuestros
vecinos del norte tienen un impacto profundo en el mundo entero, pero afectan particularmente a
México, ya que en buena medida son causantes de la violencia generada en nuestro país en la lucha
del gobierno contra el crimen organizado.
Eugene Jarecki is the second director to receive the Grand Jury Prize twice at the Sundance Film Festival.
He won it first for Why We Fight (2006), an analysis of the industry and ideology of war in the United
States. He received his second award for The House I Live In, a documentary that sharply criticizes
the war on drugs in the U.S. Jarecki delves into his own family’s history to elaborate an intelligent and
well-documented reconstruction of the hypocritical and bipolar relationship that U.S. society and its
government holds with regard to drugs—especially since Nixon declared them public enemy number
one at the end of the 1960s.
In addition to presenting an extraordinary display of images, this documentary allows privileged access
to different parties involved in this complicated story. We get to know DEA agents, dealers, addicts, occasional
users, judges, lawyers, activists, academics, prisoners, prison guards and common citizens. With
great skill, Jarecki embeds individual cases within a larger concept, underscoring many aspects of these
complex problems: the sale of weapons in the United States and their exportation to other countries, the
electoral interests of anti-drug discourses and policies, the role of education and ideology, the racism
associated with migration flows, the disproportionate growth of the prison population and the successful
business that this war constitutes.
Zirión
The House I Live In is essential to rethinking the war on drugs and the question of legalization, which
is poorly understood. The actions of our neighbor to the north have a profound impact on the entire world,
but primarily on our country, which suffers the violent effects of the war on drugs. Antonio
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Estados Unidos | 2012 | Inglés | Color | 110’
Dirección: David France
Dirección de fotografía: Derek Wiesehahn
Guion: David France, T. Woody Richman, Tyler H. Walk
Edición: T. Woody Richman, Tyler H. Walk
Sonido: Lora Hirschberg
Música: Stuart Bogie, Luke O’Malley, Arthur Russell
Producción: Howard Gertler, David France
Compañías de producción: France/Tomchin Film, Ford Foundation/Just Films,
Impact Partners, Little Punk, Sundance Institute Documentary Film Program
reflector HoW to surViVe a PlaGue | cÓmo sobrevivir una Plaga
Contacto | Contact
Mongrel Media
1028 Queen Street West
Toronto, M6J 1H6
Canadá
T: 416-516-9775
info@mongrelmedia.com
www.mongrelmedia.com
Festivales | Festivals
Sundance, Silverdocs, New Directors/New Films, Festival de Cine True/False, Festival Internacional de Cine de Seattle, Festival
de Cine de Zurich.
David France (EUA) es un reconociodo periodista que ha escrito sobre el SIDA desde 1982.
Es también uno de los más conocidos cronistas de la epidemia. En los años noventa cubrió
para el New York Times noticias sobre la enfermedad; hasta el 2003 trabajó en Newsweek
como editor en jefe de investigaciones y ahora es editor invitado de GQ y la revista New York.
Su trabajo ha sido en varias ocasiones premiado y ha servido como fuente de inspiración
para películas como Our Fathers. Actualmente prepara una historia sobre el SIDA que se
publicará bajo el sello de Alfred A. Knopf en 2013.
David France (USA) is an award-winning journalist who has been writing about AIDS since 1982.
Today he is one of the best-known chroniclers of the epidemic, having worked at the New York
Times, where he was AIDS newswriter in the 1990s; Newsweek, where he was senior editor
for investigations until 2003; and now GQ and New York magazine, where he is a contributing
editor. His work has inspired several films, most recently the film Our Fathers. He is now working
on a history of AIDS, to be published by Alfred A. Knopf in 2013.

Este extraordinario documental narra las iniciativas y los logros de TAG (Grupo de acción por el tratamiento)
y ACT-UP (la Coalición contra el SIDA para liberar el poder), en su lucha por un tratamiento
médico adecuado para el VIH. Durante el gobierno de Reagan y de Bush, el prejuicio y la indiferencia
reinaban. El número de muertes por el SIDA era alarmante. La situación provocó que un grupo de jóvenes
activistas demandaran la investigación y el desarrollo de medicamentos para controlar el virus y
prevenir más decesos.
Para estos jóvenes, autodidactas en materia de medicina, la búsqueda de un tratamiento efectivo se
convirtió en una carrera contra el tiempo y la muerte, pues muchos de ellos libraban su propia batalla
contra el virus. Su victoria constituye un hito en la historia del activismo: lograron combatir las políticas
inhumanas de poderosas corporaciones —a pesar de las barreras legales y los intereses de las farmacéuticas—
y conseguir tratamientos más efectivos para el público.
ACT-UP se convirtió en un ejemplo de activismo y protesta política creativa. Las arriesgadas acciones
de sus integrantes han inspirado a numerosos movimientos sociales alrededor del mundo, por ejemplo,
al movimiento Occupy. En un acto irreverente, ACT-UP envolvió con un condón gigante la casa de
Jesse Helms, el líder republicano que se oponía a los derechos civiles, al feminismo y a los derechos
de los homosexuales. De esta forma protestaron contra la negativa del senador a aprobar los fondos
necesarios para la investigación y el tratamiento del SIDA, enfermedad que para él era un castigo divino
dirigido a los homosexuales.
Esta película, dirigida con maestría por David France, es también una prueba de su perseverancia y
diligencia. France seleccionó material de sus más de 700 horas de grabación y de otras filmaciones de
protestas a partir de 1982. Cómo sobrevivir una plaga sin duda estremecerá la conciencia política de
los espectadores y les revelará al activista que llevan dentro. Es una lección de empoderamiento que
nos recuerda nuestra capacidad colectiva para transformar la historia.
A heart-wrenching yet inspiring documentary that tracks the triumphs and travails of the ACT-UP (AIDS
Coalition To Unleash Power) movement and the later TAG (Treatment Action Group) in their struggle
to achieve a major breakthrough in the treatment of HIV. The prejudice and indifference that pervaded
despite AIDS’s rising death toll during the Reagan and Bush administrations finally prompted a group of
young, self-taught activists to bring attention to the research into drugs that could control the virus and
mitigate the fatality rate. The race to identify an effective treatment became for them a race to defy their
own death, as many of the group leaders were themselves struggling against the virus. Their victory in
overturning the inhumane policies of powerful corporations, bypassing legal barriers and pharmaceutical
interests in order to bring more effective treatments into the hands of the public, constituted a milestone
in the history of activism.
ACT-UP became a paradigm of grassroots activism and creative political protest. Its members’ extravagant
acts have inspired numerous movements, most recently the Occupy demonstrations across the globe.
(In)famously draping a giant condom over the house of Jesse Helms —the leading conservative who opposed
civil rights, feminism and gay rights— ACT-UP protested the Republican senator’s refusal to approve
funding for research and treatment for AIDS, which he believed to be God’s punishment for homosexuality.
David France’s deftly crafted film is also a testament to his own perseverance and diligence, as he
sifted through more than 700 hours of his own footage and footage collected from protesters since 1982.
How to Survive a Plague will without a doubt stir viewers’ political conscience and bring forth the activist
within, as it conveys a lesson of empowerment that reminds us of our capacity to collectively shape our
own history.
Elena Fortes
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Francia | 2012 | Francés | Color | 113’
Dirección: Sébastien Lifshitz
Dirección de fotografía: Antoine Parouty
Edición: Tina Baz, Pauline Gaillard
Sonido: Yolande Decarsin, Philippe Mouisset
Productor: Bruno Nahon
Compañías de producción: Zadig Films, Rhône-Alpes Cinéma, Sylicone
reflector les iNVisibles | los invisibles | ThE iNviSiblE ONES
Contacto | Contact
Doc & Film International
13 rue Portefoin 75003
París, Francia
T: + 33 1 42 77 56 87
www.docandfilm.com
Festivales | Festivals
TIFF, Festival de Cannes, Festival de Cine de Londres, DocLisboa, Cinédécouvertes, Festival Internacional de Cine de Río
de Janeiro, Festival Internacional de Cine de Morelia, Festival Internacional de Cine de Vancouver, Image+Nation Festival
Internacional de Cine LGBT de Montreal.
Sébastien Lifshitz (Francia, 1968) comenzó su carrera cinematográfica con el corto Il faut
que je l’aime. En 1995 realizó un documental sobre Claire Denis y en 1998 completó la película
Open Bodies, seleccionada para el Festival de Cannes y el Festival de Cine de Clermont-
Ferrand, y galardonada con el Premio Jean Vigo y el Premio Kodak para mejor cortometraje.
En 2000 dirigió Come Undone, su primer largometraje. En 2001 su documental-road movie,
The Crossing, fue seleccionado para la Quincena de Realizadores en Cannes, y en 2004 su
película Wild Side ganó un premio Teddy en el Festival de Cine de Berlín.
Sébastien Lifshitz (France, 1968) began his film career in 1994 with the short Il faut que je
l’aime. In 1995 he made a documentary about Claire Denis and in 1998 he filmed Open Bodies,
which was selected for the Cannes and Clermont-Ferrand festivals and won the Prix Jean Vigo
and the Kodak Award for Best Short Film. In 2000 he directed Come Undone, his first full-length
feature. In 2001 The Crossing, his documentary-road movie, was selected for the Director’s Fortnight
in Cannes and his feature Wild Side won the Berlin Film Festival’s Teddy Award in 2004.

Los invisibles, conmovedor documental de Sébastian Lifshitz, reúne las historias de hombres y mujeres
homosexuales mayores que construyeron sus vidas al margen de la historia oficial de la liberación homosexual.
Los sujetos de Lifshitz, “los invisibles”, no son individuos traumatizados de por vida, alienados por
una sociedad intolerante; no vivieron recluidos ni fueron condenados a refugiarse en el celibato durante
la vejez. Tampoco es la victimización lo que los une, sino una verdadera joie de vivre y una excepcional
determinación para vivir libremente.
Esto constituye el ángulo político del filme de Lifshitz: evidenciar los testimonios de personas que
hasta ahora no habían sido representadas en la versión oficial de la lucha homosexual y cuya experiencia
no corresponde a la visión trágica que caracteriza gran parte de esta historia. Sus intereses resultan
diferentes a los de la agenda política contemporánea, que emula estructuras heterosexuales convencionales
(como el matrimonio y la adopción gay), y sus valores son ajenos a los de la cultura gay prevalente
obsesionada por la juventud y la belleza. Algunos de estos hombres y mujeres decidieron casarse, tener
una familia y vivir tranquilamente; otros se abocaron al espíritu colectivo de protesta y liberación de
Mayo del 68 para emprender causas sociales, otros más iniciaron una carrera política o simplemente
disfrutaron de una idílica vida rural.
Sus historias de vida evocan la lucha colectiva por desafiar los prejuicios, oponiéndose al yugo de
la moral católica y a la mirada patologizante de la psiquiatría. A pesar de que han logrado subvertir las
normas sociales, su heroísmo destaca más en su extraordinaria voluntad de ser felices sin importar las
circunstancias y en mantener la claridad en momentos difíciles.
Lifshitz decidió, acertadamente, filmar la película en formato Cinemascope. El resultado es una
experiencia visual deslumbrante: las memorias y cavilaciones de los protagonistas animan los lugares,
objetos e imágenes de archivo. Sin que su presencia sea evidente, el director crea una atmósfera íntima
que nos invita a apreciar los ritmos silenciosos y cotidianos de estas vidas radiantes, construidas de
otra manera y en otra parte.
A deftly crafted documentary by Sébastien Lifschitz, Les invisibles captures the compelling stories of
elderly gay men and women who have made their lives in the periphery of the conventional narratives and
political agendas that make up the “official” account of gay liberation. Lifschitz’s subjects, “the invisible
ones,” are not traumatized individuals, permanently scarred by an intolerant society and forced into closeted
lives or condemned to recede into the obscurity of aging and sexless existence. It is not victimhood
that defines them, but a genuine joie de vivre, a remarkable determination to live joyfully and love openly.
This is the political edge of Lifschitz film. These candid testimonies come from people who are neither
represented in the official history of gay struggle—a narrative usually punctuated by trauma—nor in a contemporary
political agenda attached to emulating heteronormative structures (e.g. gay marriage and gay
adoption), nor in the youth-and-beauty-obsessed values of mainstream gay culture. Some of them have
led quiet lives, married and raised families; others joined the militant causes of May 1968, made a career
in politics or chose to revel in the idylls of rural life. Their personal journeys evoke the collective struggle to
defy prejudice—they grew up under the weight of Catholic morality and the pathologizing gaze of psychiatric
science. But their heroism lies less in their subversion of normative views than in their extraordinary willfulness
to be happy against all odds, to retain a lightness about living that can carry them over all hurdles.
Lifschitz’s bold choice of Cinemascope makes for a visually stunning experience, allowing places, objects
and archives to be animated by the memories and musings of his eloquent protagonists. Respectfully
Fortes
remaining off-screen, the director creates an atmosphere of candor and intimacy that invites us to appreciate
the quiet and quotidian rhythms of beautiful lives led otherwise and elsewhere. Mara
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Francia | 2012 | Francés | Color, blanco y negro | 100’
Dirección, guion: Raymond Depardon, Claudine Nougaret
Dirección de fotografía: Raymond Depardon
Edición: Simon Jacquet
Producción: Claudine Nougaret
Compañías de producción: Palmeraie et Désert, France 2 Cinéma
reflector jourNal de fraNce | diario de Francia
Contacto | Contact
Esther Devos
Wild Bunch
99, rue de la Verrerie
75004 París, Francia
T: +33 1 5301 5020
Festivales | Festivals
Festival de Cannes, RIDM, Festival Internacional de Cine de Tokyo, Festival Internacional de Cine de Río de Janeiro, Festival
Internacional de Cine de Vancouver, Festival de Cine de Telluride.
Raymond Depardon (Francia, 1942) comenzó a tomar fotografías a los doce años. En 1960
se unió a la agencia parisina Dalmas como reportero. En 1966 cofundó la agencia Gamma.
En 1974, además de su carrera como fotógrafo, empezó a dirigir documentales, y en 1978
se incorporó a Magnum. Por su trabajo fotográfico y cinematográfico, ha recibido importantes
reconocimientos. Considerado uno de los fotoreporteros más importantes del mundo,
ha realizado dieciocho películas y publicado cuarenta y siete libros. Claudine Nougaret
(Francia, 1958), productora, directora y sonidista, ha trabajado para directores como Alain
Resnais y Eric Rohmer. Ha participado como productora y sonidista, además de codirectora,
en varias películas de Depardon.
Raymond Depardon (France, 1942) began taking photographs at the age of twelve. He left
for Paris in 1958, and two years later he joined the Dalmas agency as a reporter. In 1966 he cofounded
the Gamma agency. Alongside his photography career, he began to make documentary
films in 1974, and in 1978 he joined Magnum. Both his photographic work and documentaries
have received important awards. Considered one of the most prominent figures in photojournalism,
he has made eighteen feature-length films and published forty-seven books. Claudine Nougaret
(France, 1958) is a producer, director and sound engineer. She has worked for Alain Resnais
and Eric Rohmer, and has been the producer and the sound engineer, as well as co-director, of
many of Depardon’s films.

Conocer la obra fotográfica de Raymond Depardon es suficiente para ser su admirador. Apreciar su
cine añade otra dimensión a su trabajo: su mirada inquisitiva se extiende en el tiempo, adquiere duración
y movimiento. Ver Diario de Francia, su más reciente película, en la que hace un recuento de su propia
trayectoria como fotógrafo y cineasta, representa una experiencia sublime para sus aficionados. Pero
también, para quien no lo conoce, esta película es sin duda la mejor forma de adentrarse en la obra de
uno de los más grandes creadores de imágenes del mundo contemporáneo.
Junto con su mujer, Claudine Nougaret, con quien ha trabajado por más de veinticinco años, él en
la cámara y ella en el sonido, recorren Francia durante cuatro años —él retratando el paisaje con una
cámara y ella elaborando un minucioso diario—, recapitulando de paso los momentos más significativos
de su carrera. El viaje por Francia se convierte en un pretexto para emprender también una excursión
por su pasado.
Desempolvan gran cantidad de material fílmico, en buena parte inédito, y así nos transportan a las
primeras andanzas de Depardon, a sus veinte años, con una cámara de cine por las calles de París, en
1962. Nos conducen por numerosos países y escenarios históricos que marcaron el rumbo de la segunda
mitad del siglo XX. Sus ojos parecen haberlo visto todo, ha documentado la historia de la humanidad
en los últimos cincuenta años, en su vasta diversidad y complejidad, con sensibilidad de autor, aguda
conciencia social, fuerte compromiso político y profundo respeto por la gente.
El resultado es un excepcional ensayo autobiográfico, un singular retrato protagonizado por él, narrado
por ella, codirigido por ambos, que mezcla cine y foto, ficción y documental. Diario de Francia es un
relato amoroso, íntimo, libre de vanidad o protagonismo, en el que Depardon proyecta sobre sí mismo
aquella mirada franca y serena presente en toda su obra. A lo largo del filme descubrimos, detrás de la
cámara, más allá del artista, a un hombre tan inquieto e incansable, como modesto y tranquilo.
To see the photographic work of Raymond Depardon is enough to become an admirer. Seeing his cinema
adds another dimension to his work: his inquisitive eye extends in time and acquires duration and movement.
To watch Journal de France, his most recent film in which he reviews his own career path as a photographer
and filmmaker, represents a sublime experience for his fans. For those who do not know him, this film is
without a doubt the best way to delve into the work of one of the most important image-makers of our day.
Depardon and his wife Claudine Nougaret, with whom he has worked for more than twenty-five years—
he with the camera and she recording sound—travel around France in a small van for four years while he
depicts the landscape with an old large-format camera and she writes a detailed diary. At the same time
they summarize the most significant moments of their artistic biography. The trip through France becomes
an excuse to undertake a journey to the past.
They dust off copious film material, most of it unpublished, taking us back to 1962 when at the age
of twenty Depardon roamed the streets of Paris, film camera in hand. They calmly take us to numerous
countries and historic scenarios that marked the direction of the second half of the twentieth century. His
eyes seem to capture everything. He has documented the history of mankind over the last fifty years in all
its diversity and complexity with an auteur sensibility, a sharp social conscience, a strong political commitment
and a profound respect for people.
The result is an exceptional autobiographical essay, a singular portrait of Depardon, narrated by Nougaret
and co-directed by both, that combines film with photography and fiction with documentary. Journal
Zirión
de France is a loving, intimate film. Depardon casts upon himself the same honest and sober gaze present
through all his work. In this film we discover—behind the camera and beyond the artist—a man as lively and
restless as he is modest and calm. Antonio
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Estados Unidos | 2012 | Inglés | Color | 101’
Dirección: Lauren Greenfield
Dirección de fotografía: Tom Hurwitz
Edición: Victor Livingston
Sonido: Michael Jones
Música: Jeff Beal
Producción: Danielle Renfrew Behrens, Lauren Greenfield
Compañía de producción: Evergreen Pictures
reflector tHe QueeN of Versailles | la reina de versalles
Contacto | Contact
Matt Cowal
Arianne Ayers
Magnolia Pictures
Estados Unidos
T: +1 212 9246701
publicity@magpictures.com
Festivales | Festivals
IDFA, Sundance, Silverdocs, Hot Docs, Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary, Festival Internacional de Cine de Río
de Janeiro, Festival de Cine de Estocolmo, Festival Internacional de Varsovia, Festival Internacional de Cine de Mar del Plata,
Festival Internacional de Cine de Reikiavik.
Lauren Greenfield (EUA, 1966) es una reconocida fotógrafa y cineasta documental, así
como una prominente cronista de la cultura juvenil y el consumismo. Además de La reina de
Versalles, ha dirigido tres documentales premiados en distintos festivales: THIN, kids +money
y Beauty CULTure. THIN recibió el prestigioso Premio John Grierson al mejor documental en
el Festival de Cine de Londres 2006; kids + money recibió una nominación como uno de los
mejores cortometrajes de no ficción en Cinema Eye Honors en 2009. Su trabajo fotográfico
forma parte del acervo de reconocidos museos internacionales.
Lauren Greenfield (USA, 1966) Acclaimed documentary photographer/filmmaker, Greenfield
is considered a preeminent chronicler of youth culture and consumerism. In addition to The
Queen of Versailles, she has directed three award-winning documentary films: THIN, kids +
money, and Beauty CULTure. THIN received the John Grierson Award for Best Documentary at
the London Film Festival in 2006; kids + money was selected as one of the top five nonfiction
shorts in the world by Cinema Eye Honors 2009. Her photo work can be found in the collections
of major international museums.

“El precio: nadie puede adivinarlo”. Así describieron los titulares a Xanadu, la colosal mansión de Ciudadano
Kane, película en la que la casa de ensueño de un hombre se convierte en su prisión, en lugar de su
refugio. Algo similar ocurre en La reina de Versalles, documental sobre la familia Siegel y la construcción
de su hogar, la casa más grande de Estados Unidos. Sin embargo, en este caso sí sabemos el precio:
cien millones de dólares. Y está en venta.
Al dueño de esta imitación del palacio de Versalles, David Siegel “el rey de los tiempos compartidos”,
le gusta pensar que no sólo vende propiedades para vacacionar, sino que además brinda la oportunidad
a sus clientes de experimentar qué se siente vivir como rico. Siegel monta el escenario para que hagan
realidad su fantasía de opulencia, a pesar de que pagan por una ilusión que no podrán solventar.
La directora, Lauren Greenfield, capta con humor la vida excesiva de la familia: las cantidades exorbitantes
de ropa, el trato a la servidumbre, los caprichos de los niños y su consumismo compulsivo. Ellos
representan el credo consumista de cantidad, no calidad. Cuando llega la crisis económica de 2008, se
revelan todas las contradicciones de este mundo de riqueza falsa; a pesar de su vasta fortuna, el señor
Siegel no tiene liquidez y su palacio permanece inconcluso.
Aunque se trata de un desafortunado cambio de suerte para los Siegel, la película muestra, en un tono
compasivo y cómico, su lucha por adaptarse a la nueva situación, así como su atroz incapacidad para
ser autosuficientes. Finalmente simpatizamos con Jackie y David Siegel, a pesar de nuestro desagrado
por los negocios ilícitos de él o por el obsceno consumismo de ella. Sus problemas financieros son
exagerados, pero su historia casi caricaturesca refleja la situación de muchos estadounidenses menos
adinerados, que se aferran a una vida que ya no pueden costear.
“Cost: No man can say,” was how the headlines described Xanadu, the colossal mansion in Citizen Kane, in
which a man’s dream home became his prison rather than his refuge. In The Queen of Versailles, a documentary
about the Siegel family and their project to build the largest home in America, a similar situation
occurs. However, in this case we do know the cost: 100 million dollars. And it’s for sale.
The owner of this new faux Versailles, David Siegel, known as the king of the timeshare, does not just
sell yearly weeklong vacation properties: he likes to think that he offers the opportunity to feel what it is like
to be rich. He sets the stage for his customers to act out their fantasies of living the good life, even though
this simulation was bought on cheap credit that they could not actually afford.
Director Lauren Greenfield captures the humor in the overabundance of the Siegel’s lifestyle: the exaggerated
quantities of clothing, servants and even children, as well as their compulsion to accumulate even
more. Theirs is the epitome of the consumerist creed of quantity not quality. When the 2008 economic crisis
hits, the contradictions of this world of fake wealth and buying on credit are revealed. Suddenly, despite his
vast fortune, Mr. Siegel has no cash and his palace sits in ruins.
Although it is an unfortunate turn of events for the Siegels, the film shows their struggle to adjust to
their new situation and their appalling lack of self-sufficiency with a compassionate and comic tone. When
Jackie and David become characters we cannot help but sympathize, despite our disgust at his illegal deal-
Monsour
ings or her obscene consumerism. The Siegels’ financial troubles are magnified in scale, but their story is a
cartoon-like reflection of the situation many less-affluent American face after the economic crisis, as they
struggle to hold on to a lifestyle to which they have grown accustomed yet that they can no longer afford. Meghan
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Canadá | 2012 | Inglés | Color | 109’
Dirección, guion: Sarah Polley
Director de fotografía: Iris NG
Edición: Michael Munn
Sonido: Sanjay Mehta
Música: Jonathan Goldsmith
Productora: Anita Lee
Compañía de producción: The National Film Board of Canada
reflector stories We tell | las Historias Que contamos
Contacto | Contact
Jennifer Mair
NFB
T: 416-954-2045
C: 416-436-0105
j.mair@nfb.ca
Festivales | Festivals
TIFF, Festival Internacional de Cine de Río de Janeiro, Festival de Cine del Atlántico, Festival de Nuevo Cine de Montreal,
Festival de Cine de Venecia, Festival Internacional de Cine de Estocolmo, Festival de Cine de Abu Dhabi, Festival de Cine de
Telluride.
Sarah Polley (Canadá, 1979) debutó como directora en 1999. Escribió y dirigió Away from
Her (2007), película que cosechó una larga lista de premios, y el drama romántico Take This
Waltz (2011). Como actriz, Polley ha participado en películas de directores importantes como
Isabel Coixet, David Cronenberg, Atom Egoyan, Terry Gilliam, Hal Hartley, Wim Wenders y
Michael Winterbottom. Stories We Tell es su primer documental.
Sarah Polley (Canada, 1979) made her directorial debut in 1999. She wrote and directed
Away from Her (2007), which garnered a long list of awards, and the romantic drama Take This
Waltz (2011). As an actress, she has appeared in films by such directors as Isabel Coixet, David
Cronenberg, Atom Egoyan, Terry Gilliam, Hal Hartley, Wim Wenders and Michael Winterbottom.
Stories We Tell is her first documentary.

Muchas de las recientes producciones documentales a nivel mundial se caracterizan por la tendencia o
necesidad de contar historias propias, por un fuerte interés hacia los temas familiares, y por un deseo de
investigar nuestros orígenes personales y de entendernos a nosotros mismos a partir de lo que nos rodea.
¿A qué se debe esta necesidad de conocer de dónde venimos, quiénes somos, precisamente en
estos momentos? ¿Refleja un deseo de diferenciarse de los demás en medio de una unificación cultural
y social cada vez mayor? ¿O responde a una necesidad de reafirmar la conciencia que tenemos
de nosotros mismos y reforzar nuestra identidad? Detrás de nuestra búsqueda de individualidad, hay
indudablemente una búsqueda de cierta verdad, frente a las constantes discrepancias que suelen surgir
en torno a la memoria colectiva.
Para enfrentar las dudas que siempre ha tenido acerca de su historia personal, Sarah Polley, reconocida
actriz de películas como My Life Without Me (de Isabel Coixet) y realizadora de otras cintas como
Away From Her (2006) y Take This Waltz (2011), se da a la tarea de entrar en la intimidad y memoria
de cada uno de sus familiares y amigos para reconstruir su historia.
Haciendo uso de varios métodos narrativos —desde la lectura en voz alta de un guion escrito por su
padre, pasando por la recopilación de los archivos familiares de películas Súper 8, hasta la recreación
de ciertas escenas—, Polley descubre y enfrenta una desconcertante verdad acerca de su identidad.
La película se convierte en una especie de catarsis familiar, en una memoria muy íntima y original de
una familia tan particular como universal, pero sobre todo, se vuelve una herramienta que la llevará a un
proceso de liberación personal.
Stories We Tell, una innovadora película aclamada por el público a nivel internacional en importantes
festivales de cine, se incorpora este año a nuestra sección Reflector como una propuesta fresca y
representativa de las más recientes producciones canadienses.
Most recent international documentary production is characterized by a strong tendency—or necessity—to
tell personal stories, a heavy interest in family themes, as well as a desire to investigate personal origins in
order to understand ourselves through our intimate surroundings.
Why, at this moment in time, do we have this need to know where we come from and who we are?
Does it reflect a desire to differentiate ourselves from others in response to increasing cultural and social
homogenization? Or does it respond to a need to reaffirm the consciousness we have of ourselves and
reinforce our identity? Behind our search for individuality, there is undoubtedly a search for a certain truth
amidst the frequent discrepancies of collective memory.
To confront questions about her personal history, Sarah Polley—a well-known actress (My life Without
Me, dir. Isabel Coixet) and the director of films such as Away From Her (2006) and Take This Waltz
(2011)—explores the memory and intimacy of each of her family members and friends in order to reconstruct
her own story.
Using various narrative methods—from reading aloud a script written by her father to showing fragments
of her family’s Super 8 movies, recreating certain scenes—Polley discovers and confronts a disconcerting
thruth about her identity. The film becomes a cathartic process for the director, and it is an intimate and
original record of a very particular family—yet one which we can all identify with. But, above all, the film
becomes a key that will lead her on a process of personal liberation.
The widely acclaimed and original Stories We Tell is part of our Reflector section and great example
of innovative Canadian cinema.
Marie-Ève Parenteau
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reflector

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pulsos
Selección de la más reciente producción documental en México que promueve
obras con voz y visión originales tanto a nivel nacional como internacional.

Selection of the most recent documentary production in Mexico
that promotes works of singular vision and voice within Mexico and abroad.

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el alcalde | tHe mayor
México | 2012 | Español | Color | 80’
Dirección: Emiliano Altuna, Carlos F. Rossini y Diego E. Osorno
Dirección de fotografía: Carlos F. Rossini
Edición: Pedro G. García
Sonido: Emiliano Altuna, Edwin Culp, Daniel Hidalgo, Jorge Angulo
Música: Daniel Hidalgo
Producción: Emiliano Altuna, Carlos F. Rossini
Compañías de producción: Bambú Audiovisual, Imcine-Foprocine
Contacto | Contact
Bambú Audiovisual
T: +52 55 5536 4156
info@bambu.tv
www.bambu.tv
Festivales | Festivals
Festival Internacional de Cine de Morelia, Festival Internacional de Cine de Monterrey, DocsDF, Baja Festival Internacional de Cine.
Emiliano Altuna (Argentina, 1978) y Carlos F. Rossini (Argentina, 1976) crearon en
2004 Bambú Audiovisual, productora independiente especializada en el desarrollo de filmes
documentales y de ficción. En 2005 Altuna dirigió Seguir siendo y en 2008 codirigió junto a
Rossini El ciruelo. Diego E. Osorno (México,1980) es periodista y escritor, autor de varios
títulos, entre ellos País de muertos: crónicas contra la impunidad y Nosotros somos los
culpables. La tragedia de la guardería ABC.
Emiliano Altuna (Argentina, 1978) and Carlos F. Rossini (Argentina, 1976) created Bambú
Audiovisual in 2004, an independent production company specialized in the development of documentaries
and fiction. Altuna directed Seguir siendo and co-directed El ciruelo with Rossini. Diego
E. Osorno (Mexico, 1980) is a journalist and writer, author of Nosotros somos los culpables. La
tragedia de la guardería ABC and País de muertos: crónicas contra la impunidad, among others.

Al norte de una enorme nación, hay un pueblo digno de cualquier utopía: una aldea perfecta, bendecida
con cascadas, ríos y fuentes de oro. En sus escasos metros cuadrados, sus pocos habitantes viven
felices y despreocupados. El rey que los protege posee el castillo más deslumbrante, la más distinguida
colección de arte y las evidencias de sus más pomposas relaciones. Cerca de este reino, protegido por
los más fuertes y valientes gladiadores, acecha la oscuridad: un mundo hostil, violento y peligroso. Para
defender su aldea, el rey hace uso “legítimo” de las mismas fuerzas que oscurecen el mundo exterior,
logrando así proteger a sus ciudadanos y ofrecerles una vida digna. Mientras tanto, en el reino utópico, los
habitantes han dejado de desarrollar sus actividades cotidianas; los espacios públicos están vacíos, cada
vez hay menos convivencia y todo el mundo sospecha de su vecino. Los sentimientos generales oscilan
entre la negación, el miedo y la desconfianza. La respuesta del reino utópico a la violencia desencadena
una violencia más aguda en el lado oscuro.
El alcalde, segundo largometraje documental de la dupla Rossini-Altuna −esta vez junto a Diego
Enrique Osorno−, es un retrato de Mauricio Fernández Garza, controvertido alcalde de San Pedro Garza
García y personaje radical e impredecible, cuyas ideas y estrategias han desatado fuertes polémicas
a nivel nacional. San Pedro, localizado en Monterrey, Nuevo León, es uno de los municipios más ricos
de América Latina.
Este trabajo nos obliga a plantearnos una serie de preguntas sumamente importantes: ¿Cuáles han
sido los costos y las consecuencias de construir una burbuja social de esta índole? ¿Representa una
solución combatir el crimen generando más crímenes? ¿Es utópico creer en ciudades libres de violencia
donde cada uno pueda circular libremente, disfrutar y convivir? Sin duda, El alcalde nos coloca en esta
ambigüedad, plantea cuestionamientos imprescindibles para imaginar el futuro de nuestro país y ofrece
puntos de partida para generar una reflexión profunda en torno a nuestra sociedad actual.
To the north of a big nation sits a town with utopian aspirations: a perfect village, blessed with waterfalls,
rivers and fountains of gold. Its few inhabitants live happily and carefree in its limited square footage. The
king who protects them owns a stunning castle, the most distinguished art collection and objects that reflect
his most powerful relations. He lives surrounded by the strongest and bravest gladiators. However, hostility,
violence and danger lurk in the surrounding darkness. The king “legitimately” uses the same forces that
obscure the exterior world to defend his village and thus has managed to protect his citizens and offer them
a dignified life. Meanwhile, the people surrounding this utopian kingdom have ceased their daily activities.
Public spaces are disappearing, social interactions diminishing and suspicion among residents growing.
General feelings oscillate between denial, fear and suspicion. Every response from the utopian kingdom to
the surrounding chaos unleashes a more violent reaction from the dark side.
The Mayor, the second full-length documentary from the duo Rossini-Altuna in collaboration with Diego
Enrique Osorno, is a portrait of Mauricio Fernandez Garza, the controversial mayor of San Pedro Garza García.
Located in Monterrey, Nuevo León, San Pedro is one of the wealthiest municipalities of Latin America.
A radical and unpredictable figure, Fernandez Garza’s ideas and strategies have unleashed controversy
across the country.
This film obliges us to ask a series of deeply important questions: What are the costs and consequences
of building a social bubble of this nature? Is fighting crime with more crime a solution? Is it truly utopian to Parenteau
believe in cities without violence, where people can freely circulate, enjoy life and live together? Without a
doubt, The Mayor places us in the middle of this ambiguity and raises necessary questions about Mexico’s
future—generating new ways to reflect upon these matters. Marie-Ève
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Pulsos

Pulsos
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diario a tres Voces | tHree voices
México | 2012 | Español | Color | 63’
Dirección, guion, producción: Otilia Portillo Padua
Dirección de fotografía: Erick Castillo
Edición: Otilia Portillo Padua, Alfonso Pineda, Óscar Figueroa
Sonido: Miguel Ángel Molina
Compañías de producción: Flores Negras, Conaculta, Estudios Churubusco Azteca
Festivales | Festivals
Festival Internacional de Cine de Morelia, DocsDF, SXSW.
Contacto | Contact
FLORES NEGRAS
México D.F.
diario3voces@gmail.com
Otilia Portillo Padua (México, 1980) estudió arquitectura en la Universidad de Cambridge
y la Asociación de Arquitectos. Codirigió el cortometraje documental Tzolkin (Guatemala–México,
2001) sobre el sincretismo religioso en Guatemala y dirigió el largometraje documental
Llegando al cielo todo se refleja (Guatemala–México, 2006). En 2010 fue becaria del Fondo
Nacional para la Cultura y las Artes, en el 2011 ganó el premio Docs in Progress (DocsDF–
Estudios Churubusco) de posproducción para terminar Diario a tres voces y participó en la
Doc Station de la Berlinale con esta misma película.
Otilia Portillo Padua (Mexico, 1980) studied architecture at the University of Cambridge and
the Architectural Association. She co-directed the short film Tzolkin (Guatemala–Mexico, 2001),
a short documentary about religious syncretism in Guatemala as well as the feature-length documentary
Heaven Mirrors Everything (Guatemala–Mexico, 2006). She was awarded a fellowship
from Mexico’s National Fund for Culture and Arts in 2010 to start Three Voices and participated
at the Berlinale’s Doc Station. She won the 2011 DocsDF-Churubusco Docs in Progress Award
to finish the film.

Diario a tres voces presenta un detallado acercamiento al amor tal y como lo experimentan tres
mujeres de distintas generaciones. Dejando a un lado el sentimentalismo y los típicos clichés de las
historias de amor, Otilia Portillo Padua filma a sus sujetos mientras hablan cándidamente sobre los
hombres que amaron.
Nora, una mujer de mediana edad, se enamoró, la aburrieron las rutinas del hogar y la maternidad,
encontró consuelo en un peculiar curandero urbano y, finalmente, se reinventó; Monserrat, una adolescente
de la generación Facebook para quien el amor ocurre rápidamente y siempre en público,
habla de su atracción por dos chicos mientras ofrece un discurso sofisticado sobre los estereotipos
de la belleza y los roles de género; Aldegunda, el personaje más entrañable de la película, describe
al amor de su vida —un hombre que “le dio a su hija” y luego se fue con otra—, mientras navega entre
sus recuerdos en la víspera de su cumpleaños número noventa. Aldegunda, al combinar una dosis
del tanque de oxígeno con generosas cantidades de cerveza y tequila, transmite un aire de estrella
de rock, a la vez que acepta tranquilamente que la vida y el amor son cosas del destino.
Utilizando hábilmente ciertos códigos cinematográficos para confrontar la versión idealizada y
monumentalizada del amor, Portillo crea una meditación compleja del espacio y del color, inspirada
por los melodramas tecnicolor de Douglas Sirk de los años cuarenta y cincuenta. Las animaciones
cursis le otorgan un tono irónico. El discurso de cuento de hadas se convierte en la base de una
arquitectura de fantasías y un contrapunto al amor ordinario.
Diario a tres voces tuvo un gran éxito en el Festival Internacional de Cine de Morelia y DocsDF,
prueba de su impacto en los espectadores, precisamente porque no es un ostentoso pronunciamiento
sobre la naturaleza del amor, solo un honesto recuento del mismo, tal y como lo han experimentado
ciertas personas en ciertos momentos de la vida.
Three Voices presents a studied approach to love as experienced by women of three different generations.
Forgoing sentimentality and the usual clichés attached to love stories, Otilia Portillo Padua records
her subjects as they speak candidly about the men they loved.
The middle-aged Nora fell in love, got bored when she receded into the routines of house-wifedom
and motherhood, found solace in a peculiar urban healer, and finally reinvented herself. Monserrat, a
teenager of the Facebook generation for whom love happens fast and always in public, recalls her crush
on two guys while delivering a remarkably sophisticated discourse on beauty stereotypes and gender
roles. Aldegunda, the film’s most endearing character, describes the love of her life—a man who “gave
her her daughter” and then left her for another—while she shuffles through the memories that keep her
company as she approaches her ninetieth birthday. Alternating whiffs of her oxygen tank with generous
doses of beer and tequila, Aldegunda channels a bit of rock-star attitude, while quietly accepting that
life and love are simply a matter of destiny.
Expertly drawing on cinematic codes to contrast the idealized and monumentalized version of love
that mediates human relationships with the reality of its transience, Padua creates a complex meditation
on space and color, inspired by Douglas Sirk’s technicolor melodramas of the 1940s and 50s. Cheesy
animation sequences have an ironic effect, as the veneer of fairy-tale love easily becomes the architecture
of fantasies and the counterpoint to everyday love.
Three Voices screened at the Morelia International Film Festival and DocsDF to wide acclaim. This is
proof that the film strikes a powerful chord in its viewers, precisely because it is not a grand pronouncement
about the nature of love but simply an honest account of it, as experienced by certain people at a
certain moment in their lives.
Mara Fortes
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Pulsos

Pulsos
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eleVador | elevator
México | 2012 | Español | Color | 72’
Dirección, guion: Adrián Ortiz Maciel
Dirección de fotografía: Hatuey Viveros Lavielle
Edición: Natalia Brushtein, Adrián Ortiz Maciel
Sonido: Rodrigo Lira
Producción: Hatuey Viveros Lavielle, Adrián Ortiz Maciel
Compañías de producción: Sardina Films, Aldea Cine, Fonca, Beca Cuauhtémoc
Moctezuma-Ambulante
Festivales | Festivals
Festival de Cine de Cracovia.
Contacto | Contact
Hatuey Viveros
hatueyviveros@hotmail.com
Adrián Ortiz Maciel
T: +52 (1) 55 34 41 1304
adriansucoaf@yahoo.com
Adrián Ortiz (México, 1976). Realizó estudios de guion y realización cinematográfica en
Madrid, España, y en Guadalajara, México. En 2009 egresó del Centro de Capacitación
Cinematográfica (CCC) con especialidad en dirección. Actualmente se encuentra trabajando
en un nuevo proyecto documental y en el guion de su ópera prima de ficción.
Adrián Ortiz (Mexico, 1976) studied screenwriting and filmmaking in Madrid, Spain, and
in Guadalajara, Mexico. In 2009 he graduated from the film school Centro de Capacitación
Cinematográfica with a major in film direction. He is currently working on a new documentary
project and on the script for his first feature film.

Un amable saludo rutinario seguido de una conversación trivial; se aprieta un botón y en pocos
segundos las puertas de la caja metálica vuelven a abrirse para dar paso a los inquilinos que salen
y entran del elevador. Quienes permanecen dentro, las y los elevadoristas del Centro Urbano Presidente
Alemán, ven pasar el tiempo con actitud serena dentro de estos cajones transportadores.
Elevador, primer documental de Adrián Ortiz, involucra al espectador en múltiples viajes
verticales a través del testimonio y la memoria rescatada de la interacción entre los pasajeros
y operadores del emblemático multifamiliar. Este edifico, construido para los trabajadores de la
administración pública federal en la primera mitad del siglo XX, y cuyo diseño corrió a cargo del
arquitecto Mario Pani, tuvo el propósito de integrar en un mismo espacio tanto comercio como
vivienda y recreación, erigiéndose así en un símbolo de la modernidad en la capital mexicana.
Con el paso de los años, la imagen de este monstruo de cemento y ladrillo que alberga a
cinco mil personas es recordado por sus elevadoristas y habitantes, quienes lo mismo platican de
su oficio que evocan varias historias personales. Un tema recurrente es el cambio que significó
la falta de apoyo federal en la administración y mantenimiento de los condominios. Si con este
multifamiliar se logró un aparente ascenso de la clase burócrata en la escala social, los elevadoristas
dan testimonio del eventual descenso de este grupo en la nunca fácil convivencia vecinal.
A kind, routine greeting is followed by a trivial conversation. A button is pushed and in a few seconds
the doors to the elevator open and give way to the tenants entering and leaving. Those who remain
inside, the elevator operators of the President Alemán Urban Housing Complex, pass the time within
this transportive metal box calmly.
Elevator, the first documentary from Adrián Ortiz, takes the viewer on multiple vertical trips
through testimonies and memories recovered from the interaction between passengers and operators
of this emblematic apartment complex. The building, built for federal administration workers
in the first half of the twentieth century and designed by architect Mario Pani, was intended to
integrate commerce, living and recreation in the same space. With such a design, it was a symbol
of modernity in Mexico’s capital.
Over the years, elevator operators and residents, who discuss their roles in the withdrawal of
federal support for the administration and maintenance of the apartment complex, remember this
cement and brick monster, home to 5,000 people. If the public housing complex allowed federal
workers to ascend the social ladder, the elevator operators attest to their eventual descent amid
their never-easy coexistence with tenants.
Jonathan Martell
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iNori
Japón | 2012 | Japonés | Color | 73’
Dirección, dirección de fotografía y edición: Pedro González-Rubio
Sonido: Osamu Takizawa, Uriel Esquenazi
Música: Héctor Ruiz
Producción: Naomi Kawase
Coproducción: Syunji Dodo
Compañía de producción: Comité Organizador del Festival Internacional
de Cine de Nara
Contacto | Contact
Shinji Kitagawa
Nara, Japón
T: +81 (0) 904847 2923
T: +81 (0) 74295 5780
kitagawa@nara-iff.jp
Festivales | Festivals
Festival de Cine de Locarno, Viennale, Festival Internacional de Cine de Nara, Festival Internacional del Cine de Morelia, Festival
Internacional de Cine de Río de Janeiro, Festival de Nuevo Cine de Montreal, Baja Festival Internacional de Cine, Festival de
Cine de Derechos Humanos de Croacia.
Pedro González-Rubio (México, 1976). Su iniciación en las Artes Visuales fue a los dieciseis
años, cuando vivía en Nueva Delhi. Estudió Ciencias de la Comunicación en la ciudad
de México antes de asistir a la Escuela de Cine de Londres. En 2005 codirigió Toro Negro.
Durante su estadía en la península de Yucatán realizó su debut individual como director con
Alamar (2009), ganadora de más de quince premios internacionales. Inori, su última película,
fue producida por la cineasta japonesa, Naomi Kawase, para el proyecto NARAtive 2012.
Pedro González-Rubio (Mexico, 1976) began his work in visual arts at the age of sixteen
while living in New Delhi. He studied communications in Mexico City before attending the London
Film School. In 2005 he co-directed the documentary Toro negro. During his time in the Yucatan
Peninsula, he completed his directorial solo debut Alamar (2009), which received more than fifteen
prizes worldwide. Inori, his latest film, was produced by Japanese filmmaker Naomi Kawase for
the project NARAtive 2012.

Los temas de las películas de Pedro González-Rubio han transitado de lo sórdido a lo sublime. En Toro
negro (2005) filmó junto con Carlos Armella la historia de un peculiar torero maya, violento y alcohólico,
y la relación destructiva que mantenía con su pareja. Ambos cineastas fueron invitados por Alejandro
González Iñárritu para hacer el making-of de Babel (2007). En Alamar (2009) González-Rubio capturó
la conmovedora historia de un pescador que emprende con su hijo pequeño un viaje de despedida a
través de parajes marítimos surrealistas, logrando escenas memorables, llenas de ternura y nostalgia.
El nuevo documental de González-Rubio, producido por Naomi Kawase, se titula Inori, que en japonés
significa oración o rezo. Se trata de un refinado y sutil ensayo audiovisual en torno a una pequeña aldea
japonesa escondida en la montaña, habitada por una comunidad de ancianos; un lugar en el que aparentemente
no sucede nada.
Con una mirada paciente e inquisitiva, capta los ritmos de la naturaleza, se deja llevar por su lenta
cadencia; el viento sopla tranquilo, el tiempo se desliza en medio de los árboles. Poco a poco descubrimos
la vida espiritual de sus pobladores, hasta obtener un retrato abstracto pero íntimo de su mundo.
González-Rubio observa con interés y respeto las costumbres y los rituales, siempre atento al detalle
etnográfico en la cocina, los rezos o la medicina tradicional. Vemos imágenes de un puente colgante,
símbolo recurrente, metáfora del umbral que separa la realidad exterior de esta aldea de ensueño.
Inori puede verse como una meditación cinematográfica y antropológica sobre la vejez, sobre la
cultura tradicional y la vida cotidiana en una de las pocas comunidades que permanecen relativamente
aisladas del resto del mundo. Es una excelente expresión del nuevo cine contemplativo y multisensorial,
de la afortunada articulación de estrategias documentales con la libertad creativa de las artes visuales,
que provocan en el espectador una experiencia estética y una reflexión intercultural.
The themes of Pedro González-Rubio’s films range from the sordid to the sublime. He co-directed with
Carlos Armella Toro negro (2005), a film about a peculiar Mayan bullfighter, both violent and alcoholic, and
his destructive relationship with his partner. Alejandro González Iñarritu later invited both González-Rubio
and Armella to direct the “making-of” of Babel (2007). In Alamar (2009), González-Rubio captured a
moving story about a father and his young son who embark on a farewell journey together through surreal
maritime settings, resulting in memorable scenes of tenderness and nostalgia. Inori, which means “prayer”
in Japanese, is González-Rubio’s new documentary, produced by Naomi Kawase. The film is a refined and
subtle audiovisual essay about a small Japanese village hidden in a mountain, inhabited by a community of
elderly people, a place where aparently nothing happens.
With a patient and inquisitive eye, the director captures nature’s rhythms and is carried away by its slow
cadence; the wind blows and time slips through the trees. Little by little, we discover the spiritual life of the
villagers, arriving at an abstract yet intimate portrait of their inner world. With interest and respect, González-
Rubio observes their customs and rituals, always attentive to ethnographic detail in their food preparation,
prayers and traditional medicine. We see images of a suspension bridge, a recurrent symbol and a metaphor
of the threshold that separates exterior reality from this dream village.
Inori can be watched as a cinematographic and anthropological meditation about old age, traditional
culture and everyday life in one of the few communities that remains relatively isolated from the rest of
Zirión
the world. It is an excellent expression of the new multisensory and contemplative cinema as well as the
favorable articulation of documentary strategies with the creative freedom of the visual arts, all of which
provoke an aesthetic experience and intercultural reflection in the viewer. Antonio
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Palabras MáGicas (Para roMPer uN eNcaNtaMieNto)
magic words (to break a sPell)
México–Guatemala | 2012 | Español | Color | 83’
Dirección de fotografía: Carlos F. Rossini, Leoncio Villarías
Edición: Mercedes Cantero
Sonido: Lena Esquenazi
Música: Leoncio Lara Bon
Producción: Mercedes Moncada Rodríguez, Jorge Sánchez Sosa
Compañías de producción: Producciones Amaranta, Imcine-Foprocine, TVUNAM,
Casa Comal
Festivales | Festivals
Festival Internacional de Cine de San Sebastián, IDFA, DOK Leipzig, DocsDF, Festival de Cine de Guadalajara.
Pulsos Dirección, guion: Mercedes Moncada Rodríguez
Contacto | Contact
Jorge Sánchez Sosa
Producciones Amaranta
Rep. de Uruguay 52, Centro
México, D.F.
jsanchezsosa@yahoo.com.br
Mercedes Moncada (España). Nacida en una familia española-nicaragüense, Mercedes
Moncada pasó la mitad de su vida entre los dos países antes de mudarse a México. Es
socióloga de profesión con experiencia en periodismo e investigación de campo. En 1996
se involucró en la producción cinematográfica y desde entonces ha realizado películas de
ficción y documentales entre los que destacan La pasión de María Elena (2003), Historia
de dos hermanos–El inmortal (2005) y La sirena y el buzo (2009).
Mercedes Moncada (Spain). Born into a Spanish-Nicaraguan family, Mercedes Moncada spent
half of her life living in both countries before moving to Mexico. She is a trained sociologist with
experience in journalism and field research. In 1996 she became acquainted with film production,
and she has since worked on several documentaries and narrative films such as La pasión de María
Elena (2003), Historia de dos hermanos–El inmortal (2005) and La sirena y el buzo (2009).

Palabras mágicas (para romper un encantamiento) es una película que evoca todos los sentidos.
En uno de sus trabajos más poderosos y personales, Mercedes Moncada indaga en sus recuerdos
de los eventos que ocurrieron después de la revolución sandinista en Nicaragua en 1979,
cuando, en palabras de la directora, “cada uno de nosotros era la mejor versión de sí mismo”.
Desafortunadamente, la brutalidad de la dictadura de Somoza fue reemplazada rápidamente por
la corrupción y la demagogia de algunos líderes sandinistas, quienes traicionaron el espíritu de
la revolución y los corazones de quienes creyeron en ella.
Moncada entreteje sus propias memorias con material de archivo e imágenes deslumbrantes
y sugerentes del paisaje que dan testimonio de su propio desencanto. Traza sorprendentes
paralelos históricos con el contexto social contemporáneo, en secuencias extraordinarias de
montaje e imágenes de protestas actuales, que son prácticamente idénticas. A través de esta
introspección fílmica, Mercedes Moncada registra el desvanecimiento de los ideales que avivaron
la lucha por la liberación y logra una reflexión catártica sobre la naturaleza cíclica de la historia.
El contaminado lago de Managua se convierte en un trasfondo metafórico del estancamiento
y la miseria que han permeado en el país, del podrido legado de los regímenes corruptos y del
peso de las memorias acumuladas de Moncada. Es también un recordatorio del carácter monumental
y eterno de la naturaleza, que contrasta con la existencia efímera del hombre.
Magic Words (To Break a Spell) is a film that addresses all the senses. It is one of Mercedes
Moncada’s most powerful and personal works and perhaps her most ambitious. She revisits her
memories of the sequence of events that followed the triumph of the 1979 Sandinista Revolution
in Nicaragua, when, as Moncada puts it, “each of us was the best version of ourselves.” Then she
meditates on the subsequent dissolution of the ideals that fueled the struggle for liberation in
the first place. The brutality of the Somoza dictatorship was soon replaced by the corruption and
demagoguery of power-hungry Sandinista leaders, who betrayed the spirit of the Revolution and
the hearts of those who believed in it.
Moncada weaves together her own recollections with archival footage and haunting images of
the landscape that speak to her own experience of disillusionment. By drawing striking parallels
to the contemporary social climate and brilliantly matching scenes from the past to the arsenal of
images from present-day protests, she effects a cathartic reflection on the cyclical nature of history.
The polluted Managua Lake serves as a backdrop and a metaphor for the stagnation and misery
that have permeated the country, the rotten legacy of corrupt regimes and the weight of her own
accumulated memories. It is also a reminder of the monumentality and timelessness of nature, which
contrasts and bears witness to our ephemeral existence and shortsightedness.
Elena Fortes
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Partes de uNa faMilia | Parts oF a Family
México–Países Bajos | 2012 | Español | Color | 83’
Dirección, fotografía, producción: Diego Gutiérrez
Edición: Danniel Danniel
Sonido: Mark Glynne
Música: Tembembe Ensamble Continuo
Compañías de producción: Bonanza Films, DocLab-Binger FilmLab, Imcine-
Foprocine, FICM
Festivales | Festivals
Festival Internacional de Cine de Morelia.
Contacto | Contact
Diego Gutiérrez
eldespacho@gmail.com
www.partsofafamily.com
Ventas internacionales
Deckert Distribution
Marienplatz 1, 04103
Leipzig, Alemania
T: +49 341 215 66 38
info@deckert-distribution.com
Diego Gutiérrez (México, 1966) es cineasta, artista visual y fotógrafo. Estudió en la Escuela
Nacional de Artes Plásticas en México y también en la Real Academia de Artes Visuales y el
Binger Filmlab, ambos en los Países Bajos. En 1998 fundó El Despacho, una iniciativa que
relaciona a artistas visuales con personas de otras disciplinas para desarrollar proyectos
de cine documental por medio de procesos formativos lúdicos. Gutiérrez ha colaborado
con artistas como Kees Hin y Yael Bartana, entre otros. Asimismo, ha recibido numerosos
reconocimientos nacionales e internacionales.
Diego Gutiérrez (Mexico, 1966) is a filmmaker, visual artist and photographer. He studied visual
arts at the National School of Arts in Mexico as well as at the Royal Academy of Visual Arts and
the Binger Filmlab, both in the Netherlands. In 1998 he founded El Despacho, an initiative that
seeks to bring together individuals from several disciplines to develop an alternative way of making
documentary films by means of playful formative processes. Gutiérrez has collaborated with
artists such as Kees Hin and Yael Bartana, among others. He has received various national and
international awards and distinctions.

Partes de una familia es un retrato impactante y elocuente de la relación de los padres del director Diego
Gutiérrez. La pareja pertenece a cierta clase alta, rara vez retratada en el cine mexicano contemporáneo.
A pesar de ser incapaces de soportarse, los dos comparten un caserón en las afueras de la ciudad de
México. Gutiérrez los sigue en sus actividades cotidianas, invitándolos a que reflexionen sobre sus vidas.
La madre, quien dedicó su vida al cuidado de la casa y de los niños, vive relegada en su propia soledad
y la nostalgia de su juventud. El padre, un doctor retirado, se dedica a escribir sus memorias y asegura
que a sus ochenta años nunca había sido tan feliz.
En un intento por definir los hechos y eventos que los distanciaron, el director entreteje fragmentos
de la vida diaria de la pareja y del archivo fílmico de la familia con la leyenda mexica de los dos amantes
convertidos en volcanes. En contraste con el Popocatépetl y el Iztaccíhuatl —que observan la casa, unidos
eternamente por la geografía y la leyenda—, los padres de Diego parecen estar juntos por inercia y porque
los limitan las paredes de su residencia. Primeros planos extremos, tomas desarticuladas y pantallas
divididas emulan y reafirman su relación fracturada. Objetos irrumpen en el encuadre separándolos aún
más. Sin embargo, la complejidad de la película va más allá de su construcción visual. Las palabras se
revelan en fragmentos, las emociones quedan suspendidas en tensión y los silencios incómodos guían
la narrativa de la película, que se interrumpe solo por puntuales y devastadores comentarios.
Partes de una familia es un logro visual y narrativo, así como una generosa y sincera obra sobre la
historia de una familia, compuesta “en partes”, a través de momentos íntimos que son profundamente
conmovedores y estremecedores. Nos obliga a reflexionar sobre nuestras propias nociones míticas y
románticas del amor y las aparentes trivialidades que atan las relaciones humanas.
Parts of a Family is an eloquent and powerful portrait of the relationship between director Diego Gutiérrez’s
parents, who belong to a certain upper class rarely portrayed in contemporary Mexican cinema. They share
an enormous house on the outskirts of Mexico City despite hardly being able to bear each other. Gutiérrez
follows them as they go about their daily activities, encouraging them to reflect upon their lives. His mother,
who devoted her life to taking care of the house and children, is now relegated to her solitude, nostalgic for
the happiness that marked her early years. His father, a retired doctor, is now absorbed writing his memoirs
and feels reborn at 80, claiming to never have been happier.
In an attempt to single out the traits and events that led to their distancing, Gutiérrez intertwines archival
footage of family history and fragments of the couple’s daily life with the Aztec legend of the two lovers
who became volcanoes. In contrast to the volcanoes that overlook the house, bound together forever by
geography and legend, Diego’s parents seem to be bound only by inertia and the walls of their house.
Extreme close-ups, fragmented shots, and split screens emulate and reinforce their broken relationship.
Commonplace objects disrupt the frames further separating husband and wife. But the film’s sophistication
goes well beyond visual construction. Words are let out in bits, emotions are suspended in tension, and
uncomfortable silences guide the film’s narrative, interrupted only by crushing remarks.
Parts of a Family is a visual and narrative accomplishment as well as a generous, open-hearted work of
family history brilliantly put together “in parts” through intimate moments that are both profoundly moving
and quietly devastating. Ultimately, it forces us to reflect upon our own mythical notions of love and the
apparent trivialities that bind human relations.
Elena Fortes
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la Piedra auseNte | tHe absent stone
México–Estados Unidos | 2012 | Español, inglés | Color, blanco y negro | 82’
Dirección, producción: Sandra Rozental, Jesse Lerner
Dirección de fotografía, edición: Jesse Lerner
Guion: Sandra Rozental
Sonido: Michael Kowalski, Sara Harris
Música: José Chavarría
Compañías de producción: Foprocine, INAH, El Egipto Americano, S.A.
Contacto | Contact
El Egipto Americano
593 Glendale Blvd.
Los Ángeles, CA 90026
Estados Unidos
T: +1 213 413 1333
jesselrn@gmail.com
sandra.rozental@gmail.com
Sandra Rozental (México, 1979), doctora en Antropología Social, ha trabajado como
investigadora y curadora de museos de antropología y de cultura popular. Este es su primer
documental y está basado en casi una década de investigación antropológica y de archivo.
Jesse Lerner es cineasta, escritor y curador. Sus cortometrajes y largometrajes han ganado
premios en festivales internacionales, y se han presentado en el Museo de Arte Moderno de
Nueva York y la Bienal de Sydney, por citar algunos espacios. Como curador ha organizado
exposiciones para importantes museos nacionales e internacionales.
Sandra Rozental (Mexico, 1979), Ph.D. in social anthropology, has worked as a researcher and
curator of anthropology and popular culture museums. This is her first documentary, based on a
decade of archival and anthropological research. Jesse Lerner is a filmmaker, writer and curator.
His short films and features have received many awards at international film festivals and have
been featured at the Museum of Modern Art in New York and the Sidney Biennale, among other
venues. As a curator he has organized exhibitions for important national and international museums.

La piedra ausente combina de manera novedosa una reflexión antropológica, surgida de la investigación
exhaustiva de Sandra Rozental, con una narrativa lúdica y transgresora característica de la obra
del cineasta Jesse Lerner. El documental sigue la trayectoria de una piedra a través de la historia y
el paisaje mexicano. Se trata de uno de los objetos más emblemáticos de la identidad nacional: un
enorme monolito que representa una deidad prehispánica de la lluvia. El monolito, que durante siglos
permaneció en San Miguel Coatlinchan —un pueblo en el Estado de México—, fue declarado patrimonio
nacional y trasladado al Museo Nacional de Antropología en 1964. Su llegada fue acompañada de una
gran tormenta que inundó la urbe.
La película nos transporta a un episodio poco conocido de la historia contemporánea de México:
la expropiación de una piedra y los conflictos que suscitó. Se reconstruye el proceso de imposición,
confrontación, resistencia y eventual asimilación de un pueblo que luchó por defenderla hasta que
intervino el ejército. El relato polifónico se construye a partir de los recuerdos y la vida cotidiana de los
pobladores actuales de Coatlinchan, e incluye además entrevistas con célebres arquitectos, arqueólogos
y autoridades responsables de la operación, y la cobertura de los medios de comunicación de la época.
Además de la filmación en 16 milímetros y animaciones realizadas por el colectivo Viumasters, los
directores mezclan material de archivo de toda índole, haciendo gala de una extraordinaria recopilación
iconográfica. La irreverencia del lenguaje audiovisual revela las discrepancias y contradicciones que
existen entre la historia oficial y las memorias personales a nivel local. Los autores nos presentan su
versión extraoficial sin la solemnidad y rigidez que suelen acompañar a la historia y las ciencias sociales;
lanzan una mirada crítica a los usos y los juegos de poder en torno al patrimonio cultural; y confrontan
la historia aprovechando la maleabilidad del pasado y la ambigüedad del presente.
The Absent Stone combines, in a novel way, anthropological reflection based on Sandra Rozental’s exhaustive
research with a playful and transgressive narrative that characterizes the work of filmmaker Jesse Lerner.
The documentary follows the journey of a stone through Mexico’s history and landscape. This is not just any
stone but one of the most emblematic objects of national identity: an enormous monolith that represents a
pre-Hispanic rain deity. The monolith, which was located for centuries in San Miguel Coatlinchan—a town in
the State of Mexico— was declared national patrimony and moved to the National Museum of Anthropology
in 1964. Its arrival was accompanied by a severe storm that flooded the metropolis.
The film transports us to an unexplored episode of modern Mexican history: the expropriation of the stone
and the conflicts it provoked. It reconstructs the process of imposition, confrontation and resistance, as well
as the eventual defeat of the town, which had fought to defend it until the army intervened. The polyphonic
account is built from the memories and everyday life of Coatlinchan’s inhabitants as well as from interviews
with well-known architects, archaeologists and authorities in charge of the operation and its media coverage.
In addition to the 16mm footage and a series of animations made by the collective Viumasters, the directors
mix a myriad of archival material, creating an extraordinary iconographic compilation. The irreverence of
this audiovisual language reveals the discrepancies and contradictions that exist between the official story
and local, personal memories. The authors introduce us to their unofficial version without the solemnity and
strictness that tend to accompany history and the social sciences. Instead, they critically approach the power
games that seek to control cultural patrimony. They confront history, taking advantage of the malleability of
the past and the ambiguity of the present.
Antonio Zirión
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QuebraNto | ruin
México | 2012 | Español | Color | 95’
Dirección: Roberto Fiesco
Dirección de fotografía: Mario Guerrero
Edición: Emiliano Arenales Osorio
Guion: Julián Hernández, Roberto Fiesco
Sonido: Omar Juárez Espino, Armando Narváez del Valle, Alejandro Zuno
Producción: Hugo Espinosa, Ernesto Martínez Arévalo
Compañías de producción: Mil Nubes-Cine, Foprocine, Ruta 66 con el apoyo del
CUEC-UNAM, Fonca, Beca Cuauhtémoc Moctezuma-Ambulante
Contacto | Contact
MIL NUBES – CINE
Roberto Fiesco
T: +52 55 5598 9060
robfiesco@yahoo.com
RUTA 66
Hugo Espinosa
hugoespinosa@att.net.mx
Roberto Fiesco (México, 1972) estudió en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos
(CUEC) y en la Escuela Nacional de Arte Teatral, ambas en México. Varias de las
películas en las que trabajó como productor recibieron premios en distintos festivales del
mundo. Además de impartir clases de producción en el CUEC, ha publicado diversos artículos
y ensayos sobre cine. Fue becario en dos ocasiones del programa Jóvenes Creadores. Su
cortometraje David (2005) ganó el premio al mejor cortometraje en el Festival Internacional
de Cine de Morelia.
Roberto Fiesco (Mexico, 1972) studied at the CUEC film school and at the National School
of Theatre, both in Mexico. Many of the movies in which he has worked as a producer have
received awards in different international film festivals. In addition to teaching production at the
CUEC, he has published various articles and essays about cinema. He has twice received the
Young Creators Fellowship. His film David (2005) won the prize for best short at the Morelia
International Film Festival.

Habitante de un mundo de recuerdos, Coral Bonelli, la actriz y bailarina transgénero, evoca su
niñez y juventud como Fernando García “Pinolito”, en compañía de su madre, la también actriz
Lilia Ortega. Remembranza de dos vidas hilvanadas, madre e hija recuperan del pasado la
prometedora y fugaz carrera artística de Coral como imitador en las carpas urbanas y su debut
como actor infantil en la película Caridad de Jorge Fons. La vida de Coral no puede pensarse
sin la presencia de doña Lilia, una mujer fuerte y vital quien a sus ochenta años mantiene una
lucidez y una picardía envidiables.
En Quebranto, Roberto Fiesco expone a través de una puesta en escena casi teatral el
contraste de un pasado de gloria efímera donde el peso de la identidad llevó a Coral a tomar la
decisión de liberarse, con las consecuencias que esto implicó en su futuro, más allá de los éxitos
y fracasos de una carrera ingrata. Testimonios conmovedores de dos mujeres que en complicidad
han enfrentado una sucesión de pérdidas en su vida: el padre ausente, la familia quebrantada
tras la muerte del hermano en el terremoto de 1985, la inexistente relación con la hermana y el
cambio transgresor de la identidad de Fernando.
Del estrellato a la prostitución, las voces desgarradoras de estas dos actrices secundarias
revelan un destino diferente al de sus sueños: ahora luchan por vencer los prejuicios y ambigüedades
de una sociedad reacia a entender que en las decisiones de la vida, la felicidad es
lo más importante.
Transgender actress and ballerina Coral Bonelli inhabits a world of memories; she reminisces
about her childhood and adolescence as Fernando García “Pinolito” alongside her actress mother
Lilia Ortega. Reflecting on their intertwined lives, mother and daughter recall Coral’s promising yet
fleeting artistic career as an urban and child actor in the Jorge Fons film Caridad. It is impossible
to contemplate Coral’s life without recognizing doña Lilia’s strong presence. Even in her 80’s she
maintains an enviable mischief and lucidity.
In Quebranto, Roberto Fiesco uses theatrically staged scenes to expose an ephemeral, glorious
past where identity’s heavy burden leads Coral to actively seek liberation, beyond the successes and
failures of a thankless career. It is a moving testimony of two women who have endured a series of
losses: an absent father, a family broken by the death of a son in the 1985 earthquake, a distant
relationship with a sister and Fernando’s trans identity.
From stardom to prostitution, the heartbroken voices of these two actresses reveal a destiny
apart from dreams. They now struggle to overcome the prejudices and nuances of a society that
refuses to understand that when making decisions in life, happiness is what matters.
Jonathan Martell
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beca
beca cuauHtéMoc MoctezuMa - aMbulaNte

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el sueño de saN juaN | dream oF san juan
México-Polonia | 2012 | Español | Color | 45’
Edición: Irek Grzyb
Sonido: Jonathan Macías, Leszek Freund, Andrzej Kaczynski
Música: Marín del Paso
Producción: Piotr Kempa
Compañías de producción: DeLord, Jan Pawel Trzaska, Instituto Polaco del Cine
Festivales | Festivals
Festival de Cine de Cracovia, Festival Internacional de Cine de Morelia.
Joaquín del Paso (México, 1986). Director y cinefotógrafo. En 2007 completó sus estudios
de dirección y guion en el ICAIC en La Habana. Actualmente estudia en la Escuela de Cine
de Lodz. Sus cortometrajes y documentales han sido presentados en festivales internacionales.
Jan Pawel Trzaska (Polonia, 1983). Director, cinefotógrafo y fotógrafo graduado de la
Escuela de Cine de Lodz y la Academia de Fotografía de Varsovia. Ha trabajado como director
y director de fotografía en documentales, cortometrajes, programas de televisión y videoclips.
Joaquín del Paso (Mexico, 1986) is a film director and cinematographer. In 2007 he completed
coursework in Film Directing and Scriptwriting at the State Film School in Cuba. He is currently
studying at the Film School in Lodz. His short feature films and documentaries have been presented
at film festivals worldwide. Jan Pawel Trzaska (Poland, 1983). A graduate of the Film School
in Lodz and the Academy of Photography in Warsaw, Trzaska is a film director, cinematographer
and photographer. As a director and director of photography he has worked on documentaries,
short feature films, TV programmes and video clips.
Pulsos Dirección, guion, fotografía: Joaquín del Paso, Jan Pawel Trzaska
Contacto | Contact
Joaquín del Paso
T: +48 515636380
joaquindelpaso@gmail.com

Un hombre sueña con el fin del mundo, con el día en que una enorme nube negra cargada de
lluvia se acerque amenazante hacia él y su familia. En medio de esa apocalíptica oscuridad que
convierte su sueño en pesadilla, abrazará a su esposa e hijos para esperar con resignación lo
que tenga que suceder.
A través de un discurso audiovisual casi minimalista, construido con imágenes de la vida
cotidiana en la población rural de San Juan Ixtaltepec, Oaxaca, los documentalistas egresados
de la Escuela Nacional de Cine de Polonia, el mexicano Joaquín del Paso y el polaco Jan Pawel
Trzaska, retratan el infructuoso esfuerzo de sus pobladores por advertir a las autoridades gubernamentales
sobre el grave peligro de deslaves que amenazan con destruir su comunidad
durante la temporada de lluvias.
A pesar de este trágico panorama, el trabajo de Trzaska y Del Paso consigue exponer con
sutileza momentos bellos de una realidad permanente en la región de la sierra mexicana, donde
a la carencia de recursos con los que sobrevive esta comunidad mixteca, se suman el miedo y
la desesperanza de sus habitantes, quienes desde el anonimato imploran un estudio geológico
de la zona de riesgo, en cuyo resultado confían encontrar la argumentación para ser reubicados.
Mientras esperan la ayuda, el desastre es inminente.
A man dreams of the end of the world, of the day when a dark rain cloud will approach and threaten
him and his family. In the middle of this apocalyptic darkness that turns his dream into a nightmare,
he holds onto his wife and children, waiting for the inevitable.
Through a minimalist audiovisual discourse constructed with images of everyday life in rural San
Juan Ixtaltepec, Oaxaca, the Mexican filmmaker Joaquín del Paso and the Polish filmmaker Jan Pawel
Trzaska, both graduates of the Polish National Film School, portray the rural community’s unsuccessful
efforts to warn local authorities of the oncoming threat of landslides that the rainy season brings.
Despite this tragic story, Tzaska and Del Paso’s work succeeds at subtly exposing the beautiful
glimpses of the reality of the Mexican sierra. The inhabitants of the Mixtec community conduct an
anonymous geological survey of the area, hoping to justify their relocation to safer grounds. In the
meantime, they must survive with limited resources and in a state of constant fear and anxiety. They
wait for assistance, in spite of the imminent disaster.
Jonathan Martell
59
Pul
Pulsos

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Fomenta y difunde la realización cinematográfica independiente para lograr
que nuevos realizadores provenientes de diversos rincones de Latinoamérica
cuenten sus historias desde una perspectiva cultural y estética única.

Ambulante Beyond fosters and promotes independent productions in order for new
filmmakers from all over Latin America to tell their stories from a unique cultural
perspective and style.
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caMPo 9 | Field 9
México | 2012 | Español | Color | 24’
Dirección, guion: Carlos R. Rivero Uicab
Fotografía, producción: Nicolás Feldman
Edición: Mayra P. Caal Gaspar
Sonido: Carlos R. Rivero Uicab,
Mayra P. Caal Gaspar
Carlos, el director del documental, ha trabajado durante
cuatro años con la familia de Abraham, un menonita
que vive en la región de Campeche desde hace
más de una década. Su principal trabajo era la tala
de árboles para producir carbón. En la comunidad
maya no estuvieron de acuerdo con la tala de árboles
y finalmente lograron que cesara esta actividad. Los
menonitas tenían miedo de los mayas, de igual manera
que los mayas temían a los menonitas. Hoy estas culturas
tan diferentes viven en paz. El documental retrata
el modo de vida de los menonitas desde el punto de
vista de un director maya.
Carlos, the director of the documentary, worked for
four years with Abraham and his family of Mennonites
who have lived in the Campeche region for over a
decade. Abraham mainly worked cutting down trees
to produce charcoal. The Mayan community, which
does not agree with tree felling, finally put a stop
to it. The Mennonites were once apprehensive and
afraid of the Mayans, just as the Mayans were afraid
of them. Today, these two very different cultures live
in peace. This documentary portrays the Mennonites’
way of life from the point of view of a Mayan director.
campeche
cHibal’kaN
México | 2012 | Español | Color | 29’
Dirección: Glenny G. Torres Canul
Fotografía: Paloma Jesús Cituk Andueza
Sonido: Ulsía Urrea Mariño
Producción: María Beatriz Tzuc Dzib
Colaboración de: Dana Silverman
Ayudar para ser ayudado, así es como Víctor Ceballos
concibe su labor: la preparación de un remedio
herbolario contra la mordida de serpientes venenosas
que aprendió desde niño como parte de una sabiduría
ancestral y secreta que se ha heredado en la familia
Ceballos de generación en generación.
“Helping in order to be helped,” this is how Víctor
Ceballos sees his work. He prepares an herbal
remedy to fight venomous snake bites, a skill he
learned during childhood as part of the Ceballos
family’s ancient wisdom that has been passed down
for generations.
yucatán

de tres... uNo | From tHree... one
México | 2012 | Español | Color | 29’
Dirección: Eloi Antonio Chávez Carreño
Fotografía: Francisco Javier Bautista de la Cruz
Edición: Nicolás Feldman
Sonido: Yanir Jiménez Martínez
Producción: Natalia del Carmen Matus Yepes
Asistente general: Anery Molina Jiménez
Evelia , Andrés y Tony tienen dos cosas en común: sus
padres trabajan el campo y parte de sus vidas giran
en torno al CECYT, un bachillerato cuyas carreras
técnicas no corresponden con la realidad rural de sus
comunidades. El documental aborda la incompatibilidad
entre el perfil de las carreras técnicas que estos jóvenes
no tuvieron más remedio que elegir, y la realidad de
su ambiente rural, así como las frustraciones que se
generan cuando la vida no brinda las oportunidades
necesarias para crecer como persona.
Evelia, Andrés and Tony have two things in common:
their parents work the land and part of their
lives revolve around the CECYT, a high school with
terminal technical degrees that do not correspond
with the realities of their rural communities. This
documentary takes on the incompatibility between
the technical programs, which are the only options
for these young people, and the reality of their rural
environment. It also shows us the frustrations that
arise when the opportunities you need to grow as
a person are not available.
campeche
el futuro eN Nuestras MaNos
tHe Future in our Hands
México | 2012 | Español | Color | 19’
Dirección: Sara Oliveros
Fotografía: Óscar Hernández
Edición: Jaime Méndez
Sonido: Melissa Briseño
Producción: Abimelec Arcos
Asistente de dirección: Leonardo Alejo
La reserva de la biósfera de Calakmul es una de las
más importantes de México y la segunda más extensa
del continente después de la Amazonía, sin embargo
las autoridades y los habitantes no cuentan con un
manejo apropiado de los residuos sólidos. El documental
aborda esta problemática a partir de la historia
de Miguel, Armando y Víctor, tres niños que viven en
el basurero municipal y se dedican a separar residuos
para sobrevivir.
The Calakmul Biosphere Reserve is one of Mexico’s
most important and the second largest in the continent
after the Amazon. However, its authorities
and inhabitants do not have adecuate solid waste
management. This documentary approaches the issue
through Miguel, Armando and Víctor, three boys
who live in the municipal dump and work separating
waste in order to survive.
campeche
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aMbulaNte Más allá

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GuardiaNes del Mayab
guardians oF mayab
México | 2012 | Maya | Color | 33’
Dirección: Jaime Magaña
Asistente de dirección y edición:
Aurora Rubí Be Ciau
Fotografía: Giovani Balam Caamal
Sonido: Eli Casanova
Producción: María Bello
Lucio Puc es un jmen (chamán) maya yucateco. Muere
y viaja a la dimensión de los siete cielos, ahí conoce a
los báalam (guardianes), y por medio de ellos obtiene
el poder de la curación y la sabiduría, el cual utilizará
cuando vuelva a la vida, para ayudar a sus semejantes.
Luis Puc is a Yucatecan Mayan jmen (shaman).
He dies and travels to the dimension of the seven
heavens where he meets the báalam (guardians).
Through them, he receives healing powers and
wisdom, which he uses to come back to life to help
his fellow man.
chiapas
koltaVaNej
México | 2012 | Español | Color | 19’
Dirección: Concepción Suárez Aguilar
Fotografía: María Cameras Myers, Concepción
Suárez Aguilar y Jaime Luis Mecías Deara
Edición: María Cameras Myers
Sonido: Juan Cristóbal Velasco Pérez
y Concepción Suárez Aguilar
Producción: Gemma Estrella
Rosa López Díaz, mujer tsotsil, fue torturada durante
el embarazo para que se autoinculpara de un crimen
del que se había declarado inocente. Conoció distintas
caras de la violencia mucho antes de ir a prisión. Desde
el Centro de Rehabilitación Social número 5, en San
Cristóbal de Las Casas, Chiapas, su voz trasciende los
muros y nos muestra su dignidad.
Rosa López Díaz, a Tsotsil woman, was tortured
during her pregnancy so that she would accept
the blame for a crime for which she had pleaded
innocent. She witnessed many forms of violence
far before she went to prison. From cell number 5
in San Cristóbal de Las Casas, Chiapas, her voice
breaks through the walls and illustrates her dignity.
yucatán

el Nail
México | 2012 | Tseltal | Color | 28’
Dirección, edición: Néstor A. Jiménez Díaz
Fotografía: Juan Antonio Méndez Rodríguez
Sonido: Guillermo Gómez Sánchez
y Marisela Sánchez Gómez
Producción: Marisela Sánchez Gómez
En el pueblo de Tenejapa se han perdido los rezos, no
hay quienes pidan por la vida, han llegado las enfermedades
y los problemas. Los antiguos, los del costumbre,
ya no son tomados en cuenta. Alonso Sántis López es
uno de los pocos rezadores tradicionales que tienen
tatuado el servicio al pueblo. Su trabajo consiste en pedir
a los dioses por los bankilales (hermanos mayores) y
velar por la vida de la gente. Durante el carnaval, ritual
en donde empieza el nuevo año y con ello un periodo
más del cargo en el costumbre, conoceremos a El Nail.
The town of Tenejapa has lost its prayers; its people no
longer pray for life, and illnes and hardship have arrived.
The ancient ones, those who uphold Tenejapa’s
traditions and customs, are no longer acknowledged.
Alonso Sántis López is one of the few traditional
prayer men who serves the town. His work consists
of praying to the gods for bankilales (elder brothers)
and watching over the lives of the people. We meet
El Nail during “el carnaval,” a ritual that marks the
new year and the responsibility to preserve tradition.
No Quiero decir adiós
i don’t want to say goodbye
México | 2012 | Español | Color | 29’
Dirección: Ana Isabel Ramírez Guadarrama
Asistente de dirección: Xóchitl Alamilla Nandayapa
Fotografía: Ángel López
Edición: Madely Adylene Trujillo Ballinas
Sonido: Alfredo Vicente de la Torre González
Producción: Blanca Olivia Hernández Hernández
El 13 de enero de 2007 un suceso marca la vida de
doña Olga y de Ana Isabel, al enterarse de que una
persona muy especial para ellas no regresa a su casa.
Este documental retrata el caso de Ana Laura, joven
presuntamente asesinada hace cinco años por uno de
sus maestros. Narrada por personas vinculadas a los
hechos, la cinta sigue de cerca la lucha de doña Olga
y Ana Isabel para superar esa pérdida y conseguir que
el caso no quede impune.
January 13, 2007, was a day that doña Olga and
Ana Isabel will never forget. It was the day they found
out that a loved one would not be coming home.
This documentary focuses on the case of Ana
Laura, a young woman who was presumably murdered
five years ago by one of her teachers. It is
narrated by the people who are involved and follows
closely doña Olga and Ana Isabel’s fight to
overcome their loss and assure that the crime is
not left unpunished.
chiapas chiapas
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aMbulaNte Más allá

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saNjuaNa
México | 2012 | Español | Color | 28’
Dirección: Victor Rejón Cruz
Fotografía, producción: Rafael Heredia Abuxapqui
Edición: Danny Perera Sulub
Sonido: Rossana Ek Chable
Asistente general: Emmanuel Villanueva Hau
Esta es la historia de Sanjuana, una mujer mexicana
que ha intentado quitarse la vida cinco veces. Gracias
a su testimonio descubriremos poco a poco cómo salió
adelante después de numerosos cuadros depresivos.
¿Por qué ha intentado quitarse la vida en repetidas
ocasiones? ¿Cómo ha encontrado la motivación para
salir adelante? Sanjuana nos invita a volver a vivir con ella
momentos íntimos de su vida. Desenterrará recuerdos
que han estado archivados durante mucho tiempo en su
memoria y nos hará recordar que, al fin y al cabo, todos
somos seres humanos buscando un motivo para vivir.
This is the story of Sanjuana, a Mexican woman
who has tried to end her life five times. Thanks to
her testimony, we discover, little by little, how she
moved forward after numerous bouts of depression.
Why has she tried to end her life so many times?
How has she found the motivation to keep going?
Sanjuana invites us to live intimate moments of her
life. She unearths events that have been filed away
in her memory for many years, and she reminds us
that, in the end, we are all human beings looking
for a reason to live.
yucatán
traMas y trasceNdeNcias
resilience
Guatemala | 2012 | Español | Color | 12’
Dirección: Flor de María Álvarez Medrano
Fotografía: Loida Cúmez Sucuc
Edición: Loida Cúmez Sucuc y Flor de María
Álvarez Medrano
Sonido: Tomasa Atz Tomás
Documental que muestra el trauma del abuso sexual a
través del testimonio de tres mujeres que relatan sus
emociones y las creencias negativas que bloquean
la relación entre su cuerpo y espíritu. El cortometraje
muestra las tramas históricas o patrones traumáticos
que se han heredado de generación en generación y
que impiden vivir la vida en plenitud, así como los primeros
pasos para hacer algo en contra de esa realidad
y conseguir transformarla.
A documentary that shows the trauma of sexual
abuse through the testimonies of three women who
recount the emotions and negative thoughts that block
their relationships with their bodies and souls. This
short film shows the historical threads—or traumatic
patterns— that have been inherited generation after
generation and that interfere with leading a full life.
It also explores the first steps to fighting this reality
and finding a way to transform it.
guatemala

67
aMbulaNte Más allá

68
observatorio
Serie de documentales de vanguardia de todo el mundo que inspiran
nuevas formas de pensar y de interpretar la realidad.

A series of cutting-edge documentaries from around the world that inspire new forms
of thinking about and interpreting reality.

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arGeNtyNska lekcja | lecciÓn argentina |
ArGENTiNiAN lESSON
Dirección, fotografía, guion: Wojciech Staron
Edición: Zbyszek Osinski, Wojciech Staron
Música: Agata Steczkowska, Sergio Gurolla
Producción: Malgorzata Staron
Compañías de producción: Staron Film, TVP SA
obserVatorio Polonia | 2011 | Polaco, español | Color | 59’
Contacto | Contact
Katarzyna Wilk
Krakow Film Foundation
ul. Basztowa 15/8a
| 31-143 Cracovia, Polonia
T: +48 12 294 69 45
katarzyna@kff.com.pl
Festivales | Festivals
RIDM, Silverdocs, Plus Camerimage, Dokufest Kosovo, Festival Internacional de Cine Noruego, Festival Internacional de Cine
Documental Encuentros del Otro Cine.
Wojciech Staron (Polonia, 1973) es director y fotógrafo de cine. Graduado del departamento
de cinematografía de la Escuela de Cine de Lodz, Staron ha filmado más de veinte
documentales y largometrajes de ficción. Es miembro de la Academia Europea de Cine y de
la Sociedad Polaca de Cinefotógrafos. Su debut como documentalista fue con la película The
Siberian Lesson (1998), galardonada en Amsterdam (IDFA) y el Festival de Cine de Cracovia,
entre otros. Recibió el premio Oso de Plata en la Berlinale 2011 por su trabajo como director
de fotografía en la película El premio, dirigida por Paula Markovitch.
Wojciech Staron (Poland, 1973) is a cinematographer and film director. A graduate of the
Cinematographic Department at the Film School in Lodz, he has shot over twenty documentaries
and feature-length fiction films. Staron is a member of the European Film Academy and Polish
Society of Cinematographers. He made his documentary debut with The Siberian Lesson (1998),
which won awards in Amsterdam (IDFA) and the Krakow Film Festival, among others. He received
the Silver Bear Award at Berlinale 2011 for his cinematography in El premio, directed by Paula
Markovitch.

Una joven polaca llega a la taiga rusa, en la Siberia de los exiliados y deportados, para dar clases de
polaco. Enviada por el gobierno de su país para resarcir un vínculo atravesado por guerras y crisis económicas,
con ella también viaja su novio, Wojciech Staron, director y cinefotógrafo. Él captura y recrea
las experiencias de la maestra en este territorio de vidas estoicas y frugales, en el documental titulado
The Siberian Lesson (1998). Varios años más tarde, ya casados y con hijos, viajan a Argentina. El motivo
es el mismo, enseñar la lengua a grupos de exiliados polacos y sus descendientes; el resultado, el
conmovedor documental Lección argentina.
Si bien ambos documentales están relacionados, el punto de vista cambia. En el primero, la maestra
es el centro, mientras que en el segundo es el hijo de ocho años, Janek, a quien seguimos de cerca.
Con estas dos obras Staron ha creado una amorosa genealogía cinematográfica de su familia, en la que
imagen y sensación componen un engranaje perfecto —gracias a su destreza como cinefotógrafo— que
muestra cómo cada traslado por el mundo se torna un aprendizaje complejo.
El pueblo de Azara irrumpe en la cámara de Staron como un espacio en donde la pobreza y la naturaleza
han creado una decadencia casi lírica. A su llegada, Janek conoce a Marcia, una niña argentina
de ascendencia polaca. Con la cámara siempre a la altura de los ojos de los niños, vemos dos entendimientos
y experiencias del mundo entremezclarse. Observamos a Marcia trabajar para ganar más dinero;
a Janek explorar el nuevo territorio. A Marcia la niñez le confiere una dulzura apabullante y los problemas
de los adultos, una sabiduría precoz; su energía y decisión contrastan con el humor más silencioso de
Janek. Más allá de la cercana relación entre los niños, este encuentro con la pobreza de Marcia y con
el mundo que la rodea es todavía un rumor en Janek, una pregunta en ciernes.
Finalmente, Lección argentina también es un retrato excepcional de dos familias en circunstancias
distintas pero que buscan lo mismo: una mejor configuración del mundo que habitan.
A young Polish woman arrives in the Russian taiga, the Siberia of exiles and deportees, to teach Polish.
Sent by her country’s government to mend a bond fractured by wars and economic crises, she travels
with her boyfriend, the director and cinematographer Wojciech Staron. In the documentary The Siberian
Lesson (1998) he, in turn, captures and recreates the teacher’s experiences in this land of stoicism and
frugality. Several years later, now married and with children, the couple travels to Argentina. The purpose is
the same: to teach the language to groups of Polish exiles and their descendants. The result is the moving
documentary Argentinian Lesson.
Although the two documentaries are related, the point of view is different. In the first film the teacher is
the focus, while in the second, the protagonist is their eight-year-old son Janek, whom we follow closely.
With these two pieces, Staron has created a loving cinematic genealogy of his family, where image and
feeling meld perfectly, thanks to his cinematographic prowess, and reveal how each journey across the
world becomes a complex learning process.
The town of Azara emerges through Staron’s lens as a space where poverty and nature have created an
almost lyrical decadence. Upon arriving, Janek meets Marcia, an Argentinan girl of Polish origin. The camera
remains at the children’s eyelevel, revealing how two different experiences of the world intermingle. We see
Mostajo
Marcia working to earn more money and Janek exploring the new territory. Childhood endows Marcia with
an overpowering sweetness, but the adults’ troubles bring her precocious wisdom. Her energy and determination
contrast with Janek’s silent mood. Janek is just beginning to understand Marcia’s poverty and the Gómez
world in which she lives. Argentinian Lesson is an extraordinary portrait of two families enduring different
situations but sharing a purpose: to find a better configuration of the world they inhabit. Lorena
71
obs
obserVatorio

obserVatorio
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future My loVe | Futuro mi amor
Suecia–Escocia | 2012 | Inglés, sueco, noruego | Color, blanco y negro | 93’
Dirección, guion: Maja Borg
Dirección de fotografía: Minttu Mäntynen, Maja Borg
Edición: Colin Monie, Patricia Gomes
Sonido: Siri Rodnes, Mario Adamson, Jen Longhurst
Música: Per Störby
Producción: Sonja Henrici, Lisbet Gabrielsson, Maja Borg
Compañías de producción: SDI Productions Ltd., Lisbet Gabrielsson Film AB,
Maja Borg Filmproduktion, SVT
Festivales | Festivals
CPH:DOX, Festival Internacional de Cine de Edimburgo.
Contacto | Contact
Finlay Pretsell
SDI Productions Ltd.
finlay@scotdoc.com
T: +44 131 6515873
Maja Borg (Suecia, 1982) es una artista visual y directora de cine cuya obra desdibuja los
límites del documental, la ficción y el cine experimental. Borg estudió Cine y Televisión en la
Escuela de Arte de Edimburgo. Ha dirigido películas para la televisión y ha recibido comisiones
de varias instituciones tanto en el Reino Unido como en Suecia. En 2007 realizó Ottica Zero
(2007), trabajo aclamado y exhibido internacionalmente y que dio origen al desarrollo de su
primer largometraje, Future My Love. Ha colaborado con otros cineastas, principalmente
con Anna Linder y Carl-Henrik Svenstedt, como directora de fotografía y editora. Vive en
Glasgow, Escocia.
Maja Borg (Sweden, 1982) is a visual artist and film director working across documentary, fiction
and experimental film. Borg studied film and television at Edinburgh College of Art. She has made
films for TV and has been commissioned by various funding bodies in the United Kingdom and
Sweden. In 2007 she made the widely acclaimed and exhibited short Ottica Zero, which gave
rise to her first feature, Future My Love. She has also collaborated as director of photography
and editor with several filmmakers, notably Anna Linder and Carl-Henrik Svenstedt. She lives in
Glasgow, Scotland.

Después de cinco años de diligente labor, la artista y cineasta sueca Maja Borg presenta un sorprendente
primer largometraje: un oportuno, fascinante y poético “documental” que, como en la mayoría de sus
cortometrajes, desafía los géneros al unir elementos de ficción y no ficción. Futuro mi amor ofrece una
sofisticada contemplación del mundo en que vivimos —un mundo que canibaliza sus recursos y cuya
economía monetaria ha puesto en bancarrota nuestras esperanzas y valores.
Borg comenzó a trabajar el proyecto en 2007, poco antes de que la crisis económica provocara una
conmoción alrededor del mundo. Su indagación resultó acertada: hizo preguntas puntuales y reunió las
opiniones de los diseñadores e ingenieros que han dedicado su vida a imaginar un planeta sustentable. La
capacidad de Borg para abstraer su experiencia íntima del amor hacia la problemática socio-económica
constituye un original punto de entrada a su complejo argumento.
El filme sobrepone la amenaza de un mundo en pleno modo autodestructivo en la historia de un
rompimiento, mezclando estilos autobiográficos y ensayísticos dentro de una obra no dogmática, reflexiva,
reveladora y profundamente conmovedora, que cuestiona nuestro apego a políticas y sistemas
que agotan nuestros recursos económicos y emocionales. Sus secuencias, elegantemente construidas,
presentan una evocadora cinematografía en Súper 8, material de archivo, así como entrevistas con
notables pensadores. El análisis de Borg rehúye el idealismo ingenuo; constata la necesidad de llevar
a cabo un gran esfuerzo colectivo para rehabilitar el pensamiento utópico, provocar un cambio positivo
y alcanzar una economía basada en los recursos. Futuro mi amor rescata los hilos de un mundo en
jirones y los entrelaza en una plataforma única que cuestiona de manera diferente y ve hacia adelante,
recordándonos que el cine es una tecnología visual pero también visionaria. Más que diseñar un nuevo
mundo feliz, la tarea se convierte en desafiar a este nuevo mundo.
After five years of diligent work, Scotland-based Swedish artist and filmmaker Maja Borg presents a stunning
first feature: a timely, riveting and poetic “documentary” (though like most of her short films, it defies
genres and enlists fiction and nonfiction elements to suit her chosen subject matter). Future My Love offers
a sophisticated contemplation of the world we live in, a world that is cannibalizing its resources and whose
monetary-based economy is bankrupting our hopes and values.
Borg began working on this project in 2007, shortly before the economic crisis sent shockwaves around
the globe. Her inquiry turned prophetic: she asked urgent questions and collected the insights of designers
and engineers who have devoted their work to imagining a sustainable planet. The director’s capacity for
abstracting her intimate experience of love from the current socio-economic problematic constitutes an
original point of entry into its complex intellectual argument.
The film transposes the threat of a world in self-destructive mode onto the story of a break-up, mixing
autobiographical and essayistic modes into a non-dogmatic, reflexive, insightful and profoundly moving
piece that questions our attachment to the policies and systems that deplete our economic and emotional
resources. Its elegantly constructed sequences feature haunting Super 8 cinematography, archival material
and interviews with notable thinkers. Borg’s analysis eschews naïve idealism. She is aware that rehabilitating
utopian thinking, catalyzing positive change and creating a sustainable economy requires widespread
collective effort. Future My Love picks up the strands of a fraying world and weaves them into a unique Fortes
platform for raising different questions and looking ahead, reminding us that cinema is both a visual and a
visionary technology. Rather than designing a brave new world, the task becomes braving up to the new world. Mara
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obs
obserVatorio

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Reino Unido–Francia–Estados Unidos | 2012 | Inglés | Color | 87’
Dirección, fotografía, edición: Lucien Castaing-Taylor, Véréna Paravel
Sonido: Lucien Castaing-Taylor, Véréna Paravel, Jacob Ribicoff
Música: Ernst Karel
Producción: Lucien Castaing-Taylor, Véréna Paravel
Compañía de producción: Arrête Ton Cinéma
obserVatorio leViatHaN | leviatÁn
Contacto | Contact
arretetantecinema@gmail.com
www.arretetoncinema.org
Festivales | Festivals
TIFF, IDFA, RIDM, CPH:DOX, Festival de Cine de Locarno, Festival de Cine de Nueva York, FIC Valdivia, AFI Fest, Viennale,
Festival Internacional de Cine de Vancouver, Festival Internacional de Cine de Chicago, Festival de Cine de Sevilla.
Lucien Castaing-Taylor y Véréna Paravel son cineastas, artistas y antropólogos que trabajan
en el Laboratorio Etnográfico Sensorial de la Universidad de Harvard. Su trabajo es parte de
las colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York y del Museo Británico, y ha sido
exhibido en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres, el Centro Pompidou, el Museo
de Arte de Berlín, entre otros espacios. Entre las películas previas de Paravel se encuentran
Foreign Parts (con J.P. Sniadecki), Interface Series; y de Castaing-Taylor, Hell Roaring Creek,
The High Trail (2010), Sweetgrass (con Ilisa Barbash) e In and Out of Africa (con Barbash).
Lucien Castaing-Taylor and Véréna Paravel are filmmakers, artists, and anthropologists, who
are part of the Sensory Ethnography Lab at Harvard University. Their work is in the permanent
collection of the Museum of Modern Art, New York, and the British Museum and has been exhibited
at London’s Institute of Contemporary Arts, the Centre Pompidou and the Berlin Kunsthalle,
among other venues. Paravel’s previous films include Foreign Parts (with J.P. Sniadecki), Interface
Series, and Castaing-Taylor’s Hell Roaring Creek, The High Trail, Sweetgrass (with Ilisa Barbash)
and In and Out of Africa (with Ilisa Barbash).

Leviatán, un nuevo y premiado documental dirigido por Lucien Castaing-Taylor (Sweetgrass) y Véréna
Paravel (Foreign Parts), es a la vez una mirada al mundo violento de la pesca comercial y una impresionante
fusión de belleza y horror. La película retoma el antiguo relato de los pescadores y el mar; sin
embargo, el avasallador lenguaje cinematográfico de los directores inyecta a la historia una experiencia
emocional y sensorial que desafía nuestra percepción de lo familiar y cuestiona las estrategias del cine
documental y etnográfico.
Filmado por completo a bordo de un barco pesquero en la costa de New Bedford, Connecticut (el
pueblo portuario en Moby Dick de Melville), la cámara se mueve continuamente entre los cineastas, los
pescadores, los peces, el barco y el mar, lo que cambia constantemente el punto de vista de la película.
Los efectos visuales de esta colaboración crean una desorientación gloriosa que nos deja, a nosotros
los espectadores, sin aire y preguntándonos dónde estamos y quiénes somos. De pronto nos encontramos
volando de cabeza al lado de las gaviotas; moviéndonos violentamente en la cubierta junto a los
peces moribundos en espera de ser eviscerados; descuartizando la pesca del día hábilmente pero sin
cuidado; y siempre, en el fondo, sentimos la presencia ominosa del mar, su peso sobre nosotros, y al
bíblico Leviatán acechando en las profundidades.
Leviatán es la última película del Laboratorio Etnográfico Sensorial de la Universidad de Harvard (SEL,
por sus siglas en inglés), en donde Castaing-Taylor se desempeña como director y Paravel, como profesora.
SEL apoya obras innovadoras de no ficción que combinan el arte, el documental y la antropología,
y que a la vez rechazan las convenciones de estas disciplinas. Leviatán es un ejemplo impresionante de
este híbrido de ideas. Por su planteamiento y forma se trata de un documental liberador. Pero también es
liberador para el espectador, puesto que cuando estamos en el cine, nos olvidamos de nuestra realidad
actual: dejamos de estar en el aquí y el ahora, y estamos allá, a bordo del barco, inmersos en la lucha
del hombre contra la naturaleza.
Leviathan, a new award-winning documentary directed by Lucien Castaing-Taylor (Sweetgrass) and Véréna
Paravel (Foreign Parts), is both a glimpse into the violent world of commercial fishing and a breathtaking
fusion of beauty and horror. The film speaks of the age-old tale of the fisherman and the sea, yet the directors’
forceful cinematographic language injects it with an emotional and sensory experience that challenges
our perception of the familiar and questions the strategies of documentary and ethnographic filmmaking.
Filmed entirely aboard a fishing boat off the coast of New Bedford, Connecticut, the port town in Melville’s
Moby Dick, the camera continuously shifts between the filmmakers, fishermen, fish, ship, and sea, constantly
changing the film’s point of view. The visual effects of this collaboration are gloriously disorienting, leaving
us the viewers gasping for air and wondering where and who we are. We are at once flying upside-down
with seagulls, thrashing around the deck with dying fish waiting to be gutted, and butchering the day’s catch,
skillfully yet without care. And always in the background, we feel the ominous sea weighing down upon us,
the biblical Leviathan lurking in its depth.
Leviathan is the latest film to come out of Harvard’s Sensory Ethnographic Laboratory, where Castaing-
Taylor is the director and Paravel is a faculty member. The SEL supports innovative nonfiction works that
combine art, documentary and anthropology, while at the same time rejecting the conventions of those
disciplines. Leviathan is a stunning example of this hybrid of ideas. In its approach and form, it is a liberat-
Monsour
ing documentary, yet it is also liberating for the viewer. As spectators, at least for the time that we are in
the cinema, we forget our present reality; we are no longer in the here and now, but we are there, onboard,
sensorially immersed in the struggle of man versus nature. Meghan
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Corea del Sur–Japón–Finlandia | 2011 | Coreano | Color | 87’
Dirección, fotografía: Seung-Jun Yi
Edición: Simon El Habre, Seung-Jun Yi
Sonido: Sami Kiiski
Música: Min Seongki
Producción: Min-Chul Kim, Gary Kam, Janne Niskala, Imamura Ken-Ichi
Compañías de producción: CreativEast, Vaski Filmi
obserVatorio PlaNet of sNail | Planeta del caracol
Contacto | Contact
Min-Chul Kim
himinchul@gmail.com
Catherine Le Clef
cat@catndocs.com
Festivales | Festivals
IDFA, RIDM, Hot Docs, Silverdocs, Tribeca, Sheffield Doc/Fest, Plus Camerimage, Festival Internacional de Cine de Nueva
Zelanda, Festival de Cine One World.
Seung-Jun Yi (Corea del Sur) es uno de los directores más reconocidos en la escena del
cine documental en su país. Ha dirigido más de una docena de documentales, entre los que
destaca Children of God (2008), película sobre la difícil vida de un grupo de niños que viven
en un crematorio de Catmandú, Nepal. El documental ganó el premio Netpac en el Festival
Internacional de Cine de Chonju y el premio Telly por la mejor cinematografía. Se presentó en
Hotdocs y en varios festivales internacionales. Seung-Jun siempre se ha enfocado en la vida
de las minorías invisibles; éste se ha vuelto su estilo cinematográfico distintivo.
Seung-Jun Yi (South Korea) is one of the most renowned Korean directors in the world documentary
scene. He has directed over a dozen documentaries, notably Children of God (2008),
which captures the moments of harsh lives of children living at the crematorium in Kathmandu,
Nepal. The film won the Netpac award at the Chonju International Film Festival and the Telly Award
for best cinematography, and it has been presented at various international festivals including
Hotdocs 2009. Seung-Jun’s interest has always focused on the life of so-called unseen minorities.
This has become his signature style of filmmaking.

Para Young-Chan el mundo comienza en la punta de los dedos, se revela en pulsaciones y temperaturas,
en pliegues y texturas, en oquedades y relieves. Para él, este es un nuevo planeta —de una temporalidad
indescifrable—, cuya exploración solamente puede ocurrir en un ritmo pausado, con una cadencia distinta
a la nuestra. Young-Chan se define como un astronauta, figura que usa como metáfora de su ceguera
y sordera que lo hacen vagar por el mundo en constante descubrimiento. Hay algo poderoso en sus
manos y todavía más en su imaginación; escribe poesía, una novela está en el horizonte de sus deseos
y se encuentra montando una obra de teatro, que él mismo escribió, sobre un hombre ciego. Esta vida
interior y su alegría de vivir se originaron gracias a la presencia y al amor de su pequeña esposa, Soon-
Ho, quien también sufre una discapacidad.
La complicidad entre Young-Chan y Soon-Ho es retratada con detalle. Parece que el director nos
empuja a mirar de cerca para aprender a tocar, a recordar superficies. Soon-Ho se comunica con Young-
Chan poniendo sus dedos sobre los de él y presionando a intervalos. Esta forma de hablar resulta tan
poderosa como el sonido de las palabras. Ciego y sordo debido a una fiebre en la niñez, él aprendió a
hablar antes de que el mundo se silenciara. Así, no duda en aprender un nuevo idioma, hebreo, con la
ayuda de Soon-Ho. La presencia de ella ha desencadenado un mundo de hallazgos: la suave firmeza de
los árboles y, por primera vez, el mar. El poder de estas escenas nos obliga a imaginar la sensaciones
que Young-Chan está experimentando.
Con elegancia y recogimiento, el director coreano Seung-Jun Yi registra el caso de un hombre que
sobreviene difíciles obstáculos de manera ejemplar, y nos muestra la singular experiencia del mundo de
un grupo de personas invisibles para las pantallas cinematográficas y sociedades enteras. Gracias a
la generosidad y ayuda de Young-Chan y Soon-Ho, este documental nos abre las puertas a un mundo
distinto, al planeta del caracol.
For Young-Chan, the world begins at one’s fingertips: it is revealed in pulsations and temperatures, folds
and textures and raised or hallowed surfaces. For him, this is a new planet of indecipherable temporality,
whose discovery can only occur at a paused rhythm and a cadence different from our own. Young-Chan
describes himself as an astronaut—a metaphor he uses to note how his blindness and deafness make him
wander through the world in a constant state of discovery. There is something powerful in his hands and
something even greater in his imagination. He writes poetry, hopes to someday write a novel and is currently
staging a play he wrote about a blind man. He owes his rich life and vitality to the company and love of his
wife, Soon-Ho, who is a little person.
Young-Chan and Soon-Ho’s relationship is portrayed in quiet rhythms. The director seems to encourage
us to take a closer look at the details, to learn to touch and remember surfaces. Soon-Ho communicates
with Young-Chan by placing her fingers over his and pressing them at intervals, a form of speaking that is
as powerful as the sound of words. Left deaf and blind due to a childhood fever, Young-Chan learned to
speak before his world went silent. And so, with the help of Soon-Ho, he does not hesitate to learn a new
language, Hebrew. Her presence has uncovered a world of revelations: the gentle firmness of the trees and,
for the first time, the sea. These scenes are poignant and prompt one to imagine the different sensations
Young-Chan is experiencing.
Mostajo
With elegance and a tasteful restraint, Korean filmmaker Seung-Jun Yi recounts the history of a man
who has courageously overcome difficult obstacles and gives us a glimpse of a unique world that usually
remains unnoticed. He introduces a group of individuals who are often invisible on the big screen and in
Gómez
society at large. Thanks to the generosity of Young-Chan and Soon-Ho, this documentary opens the doors
to a different world: to the Planet of Snail. Lorena
77
obs
obserVatorio

78
Estados Unidos | 2012 | Inglés | Color | 81’
Dirección, fotografía, edición, producción: Bill Ross, Turner Ross
Sonido: Lawrence Everson
Compañías de producción: Epic Match Media, Court 13
Festivales | Festivals
SilverDocs, Hot Docs, SXSW, Festival de Cine Independiente de Ashland.
obserVatorio tcHouPitoulas
Contacto | Contact
Jim Dobson
Indie PR
Estados Unidos
T: +1 323 896 6006
jim@indie-pr.com
Bill y Turner Ross (EUA) se graduaron del Savannah College of Art and Design. Los documentales,
largometrajes de ficción y cortometrajes multimedia de Bill Ross han sido seleccionados
para distintos festivales como el Festival de Cannes y el Festival Internacional de Cine
de Seattle. Bill Ross también ha trabajado como profesor de cine en primaria y secundaria.
Turner Ross ha trabajado en los departamentos de arte de largometrajes producidos por
grandes estudios como Déjà Vu, Skeleton Key, My Own Love Song e Idiocracy, así como
para varias películas independientes. El primer largometraje documental de los hermanos,
45365, fue galardonado en distintos festivales.
Bill and Turner Ross (USA) both graduates from the Savannah College of Art and Design. Bill
Ross’ documentary, fiction and multi-media short films have been featured at festivals including
Cannes Film Festival and the Seattle International Film Festival. Bill Ross has taught filmmaking
to students at the elementary and secondary level. Turner Ross has worked in the art departments
of studio features such as Déjà Vu, Skeleton Key, My Own Love Song, and Idiocracy, as well
as a handful of independent features. Their first feature length-film, 45365, received awards in
many film festivals.

Tchoupitoulas, el segundo largometraje documental dirigido por Bill y Turner Ross, toma su nombre de
una calle en Nueva Orleans que corre paralela al río Misisipi y de un famoso grupo de indios del Mardi
Gras de los años setenta, los Tchoupitoulas Salvajes. El título expresa gran parte de la trayectoria narrativa
de la película: al otro lado del río, en la ciudad, en medio de la fiesta, inmersos en la música. Los
destellos iridiscentes se tornan un tema recurrente a medida que nos desplazamos entre los músicos
de la calle Decatur, entre la cacofonía visual y auditiva de las tiendas en Canal Street y por los cabarets
y el desenfreno de Bourbon Street.
Sin embargo, este clásico viaje nocturno por la “ciudad del pecado” se relata desde una perspectiva
inesperada. Captura el resplandor de las luces de neón, de las farolas y del fuego que baila en los ojos
vidriosos de tres chicos que pasean solos por la noche. Los hermanos Ross, al querer hacer una película
que reflejara sus propios recuerdos de la ciudad, encontraron sus álter ego en los hermanos Zanders. Al
caer la tarde, William, un chico precoz de once años, Bryan de quince y Kentrell de dieciséis, abordan,
con su perro Buttercup, el ferry rumbo al barrio francés. Conforme el cielo se oscurece y la ciudad se
ilumina, comienza la hazaña artística de mezclar la realidad documental y la ficción, equiparando el asombro
que provocan los deseos juveniles de los chicos (poder volar, hacer la mejor fiesta en una alberca que
jamás haya habido) con su equivalente en la decadencia “adulta” (ostras crudas, heroína, Mardi Gras).
El extraordinario trabajo de cámara y edición trazan y desdibujan las fronteras que separan los espacios
para todo público de aquellos para las fantasías adultas. En esta película de contrastes —sombra
y luz, ruidosas bandas de metales y harmónicas solitarias, casinos y bolsillos sin un céntimo, pecado
e inocencia— observamos a los tres chicos precoces navegar con agilidad por el umbral que separa
ambos mundos.
Tchoupitoulas, the second feature documentary directed by Bill and Turner Ross, takes its name from both
a street in New Orleans that runs parallel to the Mississippi River and a famous group of Mardi Gras Indians
(The Wild Tchoupitoulas) from the 1970s. The title conveys much of the film’s narrative trajectory: across
the river, into the city, through the revelry and immersed in music. Colorful flares of reflected light become
a recurring theme as we move through the visual and aural cacophony of the shops on Canal Street, the
burlesque shows and debauchery of Bourbon Street and the musicians on Decatur.
But this classic nocturnal journey through the so-called City of Sin is told from an unexpected perspective.
It catches the sparkle of neon signs, street lamps and fire dancing in the glassy eyes of three young
boys out on their own for the night. The Ross brothers, wanting to make a film that reflected their own
childhood memories of this city, found alter egos in the Zanders brothers. As the sun goes down, a precocious
eleven-year-old William, fifteen-year-old Bryan and sixteen-year-old Kentrell, with their dog Buttercup,
board a ferry headed toward the French Quarter. As the sky darkens and the city lights up, the film sets out
on its artistic feat of mixing documentary reality with the constructs of fiction, placing the wonderment of
the boys’ youthful desires (pizza, being able to fly and throwing the biggest pool party ever) alongside the
equivalent in “grown-up” decadence (raw oysters, heroin, Mardi Gras).
The camera work and editing skillfully establish and then break the boundaries that divide the city’s
all-ages public space from the private rooms of adult fantasy. In this film of contrasts—between shadow
and light, thumping brass bands and melancholy harmonicas, casinos and penniless pockets, sin and innocence—we
watch and listen as the three boys, already wise beyond their years, deftly navigate the threshold
between those worlds.
Misha Maclaird
79
obs
obserVatorio

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a ÚltiMa Vez Que Vi Macau | la Última veZ Que vi macao |
ThE lAST TiME i SAw MACAO
Dirección, guion: João Pedro Rodrigues, João Rui Guerra da Mata
Dirección de fotografía: João Pedro Rodrigues, João Rui Guerra da Mata, Rui Poças
Edición: João Pedro Rodrigues, João Rui Guerra da Mata, Raphaël Lefèvre
Sonido: Nuno Carvalho, Carlos Conceição, Leonor Noivo
Producción: João Figueiras, Daniel Chabannes, Corentin Sénéchal
Compañías de producción: Blackmaria, Epicentre Films
obserVatorio Portugal–Francia | 2012 | Portugués | Color | 85’
Contacto | Contact
Films Boutique
Köpenicker Strasse 184
10997 Berlín, Alemania
T: +49 30 695 378 50
www.filmsboutique.com
info@filmsboutique.com
Festivales | Festivals
TIFF, Doclisboa, Festival de cine de Locarno, Festival de cine de NY, Festival de cine de Vancouver, Festival de cine de Valdivia.
João Rui Guerra da Mata (Mozambique) y João Pedro Rodrigues (Portugal) se conocieron
diecinueve años atrás, y en 1995 trabajaron juntos por primera vez en un proyecto
cinematográfico. En 1997, Guerra protagonizó el primer cortometraje de Rodrigues. Desde
entonces Guerra ha sido el director de arte en todas la películas de este último, colaborando
también en el guion. João Rui Guerra dirigió el cortometraje China, China (2007), antes de
coescribir To Die Like a Man (2009) dirigida por Rodrigues. Graduado de la Escuela de Cine
de Lisboa, João Pedro Rodrigues trabajó de 1989 a 1996 como asistente de dirección y
editor. Su cortometraje Parabéns (1997) recibió una mención especial en el Festival de Cine
de Venecia, y su película Odete ganó numerosos premios, incluyendo la mención especial
Cinémas de Recherche en la Quincena de Realizadores de Cannes.
João Rui Guerra da Mata (Mozambique) and João Pedro Rodrigues (Portugal) met nineteen
years ago and worked together in cinema for the first time in 1995. In 1997, Guerra starred in
Rodrigues’ first short. From then on, Guerra was the art director in all of Rodrigues’ films, working
also on the scripts. João Rui Guerra directed China, China (2007), a short, before co-scripting
Rodrigues’s To Die Like a Man (2009). João Pedro Rodrigues graduated from the Lisbon Film
School and from 1989 to 1996 worked as an assistant director and editor. His short Parabéns
(1997) received a special distinction of the Jury at the Venice Film Festival, and his film Odete
won several awards, including a Cinémas de Recherche Special Mention at the Directors’ Fortnight
in Cannes.

¿Cómo retratar una ciudad enigmática? En La última vez que vi Macao los codirectores João
Pedro Rodrigues y João Rui Guerra da Mata mezclan documental y ficción para llevar a sus
espectadores en un viaje por el pasado colonial de Macao y su actual transición.
Una carta en la que Candy —vieja amiga, travesti y cantante de un club nocturno— pide auxilio
a João Rui Guerra da Mata, es la causa del regreso de éste último a Macao, una ciudad en la
que no ha estado desde hace treinta años. Este viaje imaginado, reminiscente de Sans Soleil, la
película ensayo de Chris Marker de 1983, pronto sufre un giro inesperado. A su llegada a Macao,
Guerra da Mata se da cuenta rápidamente de que “cosas raras y escabrosas” están ocurriendo y
de que la vida de su amiga corre un verdadero peligro. Una serie de crípticos correos electrónicos
y mensajes de voz no contestados nos guían en un juego de pistas por la ciudad. Descubrimos
que allí el tigre es rey, y rara la persona que habla portugués. Este no es el mismo Macao que
João Rui Guerra da Mata dejó cuando era niño.
Esta película, parte film noir parte cine ensayo, hace referencia al filme Macao de Josef von
Sternberg y Nicholas Ray de 1952, y nunca designa o nos obliga a creer que hay un protagonista
único. Debido a que la mayor parte del drama ocurre fuera de la pantalla, el espectador puede
contemplar el paisaje en ruinas de la excolonia portuguesa. Tan críptica como la ciudad y tan
simbólica como Candy, quien vive bajo amenaza y en un estado de transición, La última vez que
vi Macao se convierte en algo más que un diario de viajes; es un poético retrato de la ciudad y
su riqueza histórica.
How do you capture the portrait of an enigmatic city? In The Last Time I Saw Macao co-directors
João Pedro Rodrigues and João Rui Guerra da Mata combine documentary and fiction to take their
viewers on a journey of Macao’s colonial past and transitioning present.
Prompted by a letter of distress from his old friend, a transvestite nightclub singer named Candy,
we follow the story of João Rui Guerra da Mata’s return to Macao, a city he has not been to in thirty
years. This imagined journey, reminiscent of Chris Marker’s 1983 essay film, Sans Soleil, soon takes
an unexpected twist. Upon his arrival to Macao, Guerra da Mata quickly realizes that “strange and scary
things” are occurring and his friend’s life is in real danger. A string of cryptic emails and unanswered
phone messages guide us on a scavenger hunt through the city. Here we discover that the tiger is
king and rare is the person who speaks Portuguese. This is not the same Macao he left as a child.
Part film noir, part essay film, with references to Josef von Sternberg’s and Nicholas Ray’s
1952 film Macao, this film never settles on a protagonist. The majority of the drama is played out
off-screen so that the viewer can take in the deteriorating landscape of the former Portuguese
colony. As cryptic as the city is and as symbolic as the transitioned and endangered Candy is, The
Last Time I Saw Macao becomes more than just a travelogue. It sets itself as a poetic portrait of
a city and its rich history.
Brenda Contreras
81
obs
obserVatorio

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Sección dedicada a los derechos humanos y la libertad de expresión, así como
a distintas problemáticas vinculadas a la censura.

This section is devoted to films on human rights and freedom of speech as well as
censored films and filmmakers

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ai WeiWei: NeVer sorry
ai weiwei: nunca se arrePiente
Estados Unidos–China | 2012 | Inglés, mandarín | Color | 91’
Dirección, fotografía: Alison Klayman
Edición: Jennifer Fineran
Música: Ilan Isakov
Producción: Alison Klayman, Adam Schlesinger
Compañías de producción: United Expression Media,
MUSE Film and Television
Festivales | Festivals
Sundance, Festival Internacional de Cine de Berlín, Hot Docs, Festival Internacional de Cine de Helsinki,
Festival Internacional de Cine de San Francisco.
Contacto | Contact
Independent
32 Tavistock Street
Londres, WC2E 7PB
Reino Unido
T: +44 (0) 20 7257 8734
mail@independentfilmcompany.com
Alison Klayman (EUA) documentalista y periodista freelance, creció en Filadelfia y se graduó
de la Universidad de Brown en 2006. Durante sus estudios en esa institución recibió la beca
C.V. Starr National Service y el premio Associated Press College Radio en la categoría de
reportaje general. Mientras vivía en China, de 2006 a 2010, produjo reportajes de televisión
y radio para PBS Frontline, la Televisión Pública Nacional y AP Televisión.
Alison Klayman (USA) is a freelance journalist and documentary filmmaker. She grew up in the
Philadelphia area and graduated from Brown University in 2006. During her studies at Brown she
was awarded the C.V. Starr National Service Fellowship and the Associated Press College Radio
Award for General Reporting. While living in China from 2006 to 2010, she produced radio and
television feature stories for PBS Frontline, National Public Radio and AP Television.

Tras años de registro que arrojaron más de cien horas de material, la periodista y documentalista Alison
Klayman reúne hábilmente elementos de la vida, obra y activismo de Ai Weiwei, el artista contemporáneo
chino con mayor reconocimiento a nivel internacional y con una extraordinaria presencia en las redes
sociales. A partir de 2008, la directora sigue al artista en momentos clave como las Olimpiadas de Beijing
y el desastroso terremoto de Sichuan. Después del trágico evento, que el gobierno chino pretendió encubrir
para no afectar el desarrollo de los Juegos Olímpicos, Ai Weiwei quiso hacer justicia a las víctimas.
El artista publicó en su blog los nombres de cinco mil estudiantes que murieron debido a las malas condiciones
de la escuela construida por el gobierno; acción que llevó a las autoridades chinas a cerrar su blog.
Ai Weiwei: nunca se arrepiente nos acerca al trabajo del artista mientras prepara importantes exhibiciones,
entre ellas la Tate Modern en 2010, año en que la represión de las autoridades chinas se incrementó.
Ai Weiwei fue golpeado y su estudio destruido. A través de secuencias de su activismo intercaladas con
escenas de sus procesos creativos, descubrimos también aspectos de su vida personal y ciertos secretos
de familia: conocemos a su madre, a su esposa y al hijo que tuvo con otra mujer. El documental termina
en 2011, después de su repentina desaparición y confinamiento forzado durante más de dos meses.
Ai Weiwei, símbolo de la lucha contra la opresión, no puede salir de China. Sin embargo, su activismo a
través de Twitter continúa intensamente, reclutando miles de seguidores por todo el mundo.
Ai Weiwei utiliza su carisma e ingenio para movilizar a la gente y denunciar los excesos del control
y la censura en China, siempre dispuesto a enfrentar dignamente las consecuencias, sin arrepentirse.
Ganadora en varios festivales, esta ópera prima de Alison Klayman nos ofrece un acercamiento privilegiado
a una figura ineludible del arte político y liberador de nuestros tiempos.
After years of filming that yielded more than one hundred hours of footage, the journalist and documentary
filmmaker Alison Klayman has skillfully brought together elements of the life, work and activism of Ai Weiwei,
a contemporary Chinese artist who is widely recognized on an international level and has an extraordinary
presence in social networks.
Beginning in 2008, the director followed the artist during key moments, such as the Beijing Olympics
and the disastrous earthquake in Sichuan. After the tragic event, which the Chinese government tried to
cover up so as to not affect the development of the Olympic Games, Ai Weiwei wanted justice for the victims.
The artist published the names of the five thousand students who died due to the poor conditions of
the government-constructed school on his blog, an act that brought Chinese authorities to close his site.
Ai Weiwei: Never Sorry brings us closer to the artist’s work during his preparation for important exhibits,
including one at the Tate Modern in 2010, a year in which repression from Chinese authorities increased:
Ai Weiwei was beaten and his studio destroyed. Alternating between sequences of his activism and his
creative processes, we also discover aspects of his personal life and certain family secrets: we meet
his mother, his wife and the son he had with another woman. The documentary ends in 2011, after his sudden
disappearance and forced confinement that lasted over two months. Ai Weiwei, a symbol of struggle
against the oppression that exists in his country, does not currently have a passport. He is a prisoner in his
own country; however, his activism through Twitter continues.
Ai Weiwei uses his charisma and inventiveness to mobilize the people and denounce the excess of
control and censorship in China, always willing to face the consequences with dignity and without regret.
Awarded at numerous festivals, this debut film from Alison Klayman offers us a privileged approach to a
figure of undeniable importance within contemporary art and politics.
Marie-Ève Parenteau
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dc

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caMP 14 – total coNtrol zoNe | camPo 14 – Zona de control total
Alemania | 2012 | Coreano, inglés | Color | 104’
Dirección, guion: Marc Wiese
Dirección de fotografía: Jörg Adams
Edición: Jean-Marc Lesguillons
Sonido: Florian Kaltenegger, Karl Atteln
Producción: Axel Engstfeld
Compañía de producción: Engstfeld Film GmbH
Contacto | Contact
Engstfeld Film GmbH
Gocherstraße 15a
50733 Colonia, Alemania
T: +49 0221 120510
info@engstfeldfilm.de
Festivales | Festivals
TIFF, IDFA, DOK Leipzig, Festival de Cine de Locarno, Festival Internacional de Cine de Varsovia, Festival Internacional de Cine
de São Paulo, Festival Internacional de Cine de Estocolmo, Festival de Cine de Cambridge.
Marc Wiese (Alemania) ha filmado documentales para la televisión y el cine, a nivel mundial,
durante más de quince años. Ha trabajado en varias zonas de guerra como Bosnia, Palestina
e Irlanda del Norte. Wiese ha recibido numerosos premios internacionales por sus películas.
Su filmografía incluye Death By Delivery (2001), Radovan Karadzic: Most Wanted? (2004),
Warkids–Youth In Palestine (2005), Kanun–Blood For Honour (2007) y The Picture of the
Napalm Girl (2010).
Marc Wiese (Germany) has been shooting documentaries for television and cinema around the
world for more than fifteen years. He has worked in war zones such as Bosnia, Palestine, and
Notrthern Ireland among others. He has received numerous international awards for his films.
His filmography includes Death By Delivery (2001), Radovan Karadzic: Most Wanted? (2004),
Warkids–Youth In Palestine (2005), Kanun–Blood For Honour (2007) and The Picture of the
Napalm Girl (2010).

Shin Dong-Huyk nació y creció en Campo 14, un campo de concentración de máxima seguridad en
Corea del Norte que alberga más de 200 mil reclusos, principalmente disidentes y presos políticos.
Además del trabajo forzado, los prisioneros deben acatar reglas muy estrictas: tienen prohibido comunicarse
con los otros, emitir opiniones o escoger una pareja; el incumplimiento de esto implica tortura o
ejecución pública inmediata. También están obligados a denunciar a otros presos —así sean sus propios
familiares— cuando pretenden escapar o sublevarse; de lo contrario, son ejecutados junto con ellos.
Sometido durante las primeras décadas de su vida a esta explotación física y psicológica, Shin Dong-
Huyk milagrosamente logra escapar y experimentar por primera vez la libertad. Es entonces cuando el
documentalista alemán Marc Wiese realiza con él una serie de entrevistas en las que narra detalladamente
su historia, que ilustra con sugerentes animaciones y una fotografía sumamente evocativa. Wiese contrasta
su historia con testimonios de autoridades del campo que confiesan los crímenes de lesa humanidad
que se cometen allí. El documental registra la transformacion del protagonista en un activista que viaja
por el mundo denunciando los abusos del gobierno de Corea del Norte.
No obstante, lejos de vivir este proceso como una liberación, para Shin Dong-Huyk la adaptación a una
realidad completamente distinta resulta tan complicada que, al poco tiempo, sorprendentemente, anhela
su vida anterior. Sin duda, este documental nos obliga a replantear el concepto de libertad. ¿Realmente
nos hace más libres actuar según nuestra propia voluntad? Este caso nos obliga a reconsiderar nuestras
necesidades básicas y los límites a los que un humano puede llegar sin perder la vida.
Campo 14 es un trabajo histórico e ineludible, proveniente de un país hermético; uno de los escasos
testimonios que existen de las atrocidades y violaciones a los derechos humanos que se cometen en
estos campos de terror y muerte.
Shin Dong-Huyk was born and raised in Camp 14, a maximum-security concentration camp in North Korea
that houses over 200 thousand inmates, mainly political dissidents and detainees. In addition to forced labor,
the prisoners must deal with very strict rules: they are prohibited from communicating with others, voicing
opinions or choosing a partner. Defiance of these rules results in torture or immediate public execution.
They are also obliged to report on other prisoners—even their own relatives—when they try to escape or
revolt; if they do not, they risk being executed alongside them.
Sentenced to this physical and psychological exploitation during the first decades of his life, Shin
Dong-Huyk was miraculously able to escape and experience freedom for the first time. It is at this point
that the German documentary filmmaker Marc Wiese carries out a series of interviews with him, carefully
reconstructing his story with provocative animations and evocative photography. These elements are balanced
by testimonies from authorities confessing the atrocious crimes they committed in the camp. The
documentary bears witness to how the protagonist becomes an activist and travels the world reporting on
the abuses of the North Korean government.
Nevertheless, far from experiencing this process as liberation, adapting to a completely different reality
ends up being difficult for Shin Dong-Huyk. All of a sudden, he shockingly begins to yearn for his previous
life. This documentary addresses complex notions of liberty. Does the option to act on our own free
will really makes us freer? This case forces us to reconsider our basic needs and the limits we are able to Parenteau
reach without losing our life.
Camp 14 is a historic and unforgettable work from a hermetic country. It is one of the few testimonies that
exist of the unimaginable horrors and violations of human rights that are committed in these death camps. Marie-Ève
87
dc

88
caMPesiNos | Peasants cHircales | brickmakers
Colombia | 1976 | Español | Blanco y negro | 49’
Colombia | 1966-1971 | Español | Blanco y negro | 43’
Dirección, edición, producción:
Dirección, guion y producción:
Marta Rodríguez, Jorge Silva
Marta Rodríguez, Jorge Silva
Dirección de fotografía: Jorge Silva
Dirección de fotografía: Jorge Silva
Guion: Marta Rodríguez, Jorge Silva, Arturo Alape Sonido: Marta Rodríguez, Pierre Jacopin
Sonido: Marta Rodríguez, Elmer Carrera
Compañías de producción: Embajada de Francia,
Compañía de producción: Fundación Cine
Documental/Investigación Social
Fundación Cine Documental
Festivales | Festivals
Festivales | Festivals
Festival Internacional de Cine de Oberhausen,
Festival de Cine de Tampere, Festival de Cine de Grenoble.
DOK Leipzig.
Contacto | Contact
Marta Rodríguez
Crr 8 #65–99 Apto. 101 | Bogotá, Colombia | T: +57 1249 4316 | cinesmestizo@gmail.com | www.martarodriguez.org
Marta Rodríguez (Colombia, 1938), antropóloga y cineasta, es considerada una de las
pioneras del cine documental latinoamericano, y sus documentales han sido premiados en
numerosas ocasiones en distintos festivales del mundo. Inició su carrera en 1960 y desde
1965 ha sido la directora de la Fundación Cine Documental/Investigación Social. Ha trabajado
con movimientos agrarios, sindicales y estudiantiles, comunidades indígenas y culturas
afrocolombianas. Alumna de Jean Rouch, Rodríguez ha creado una obra documental de suma
importancia junto a Jorge Silva.
Marta Rodríguez (Colombia, 1938), anthropologist and filmmaker, is considered one of the
pioneers of Latin American documentary film. Her documentaries have won numerous awards
at different festivals around the world. She began her career in 1960, and since 1965 she has
been the director of the Documentary Film/Social Research Foundation. She has worked with
agrarian, union and student movements, and with indigenous communities and Afro-Colombian
cultures. A student of Jean Rouch, Rodríguez has, along with Jorge Silva, created an extremely
important body of work.

Los documentalistas colombianos Marta Rodríguez y Jorge Silva son destacados exponentes del Tercer
Cine Latinoamericano, un cine político y de denuncia que tuvo su auge en los años sesenta y setenta.
Comenzaron su trabajo conjunto con estas dos películas, que combinan una paciente mirada antropológica
y una aguda conciencia social sobre las problemáticas de desigualdad y explotación en Colombia.
Chircales aborda la historia de la familia Castañeda, dedicada a la elaboración artesanal de tabiques
a las afueras de Bogotá. Viven en pobreza extrema, en los llamados latifundios urbanos, oprimidos por
un sistema económico que oscila entre un régimen de servilismo feudal y un capitalismo aún incipiente
pero ya salvaje. Desde una perspectiva marxista, Rodríguez y Silva develan la explotación infantil, la dominación
política y la desigualdad social. La fotografía de Silva, en momentos surrealista, nos transporta
a la cruda realidad del chircal y a la vida cotidiana de los obreros.
Campesinos analiza el principal problema social colombiano: los usos y la distribución de la tierra.
En colaboración con el historiador Arturo Alape, la película recupera la memoria de los campesinos sobre
el trabajo extenuante y la esclavitud en las haciendas cafeteras en los años treinta. A diferencia de
Chircales, este filme hace hincapié en el paso de la sumisión a la organización, mostrando a campesinos
sometidos, pero dignos y rebeldes.
Según Rodríguez, el documental debe ser una plataforma de liberación y de concientización tanto
para el espectador como para los sujetos participantes, así como una forma de recuperar y reconstruir
la memoria colectiva. Muestra de ello es la creación del Sindicato Ladrillero después del rodaje de Chircales,
o la recuperación de una historia acallada a partir de los testimonios recogidos en Campesinos.
Además del análisis de las condiciones materiales de la vida de sus protagonistas, hay en ambos filmes
una singular búsqueda estética, que los convierte en obras clásicas de un cine documental revolucionario
en todos los sentidos.
The Colombian documentary filmmakers Marta Rodríguez and Jorge Silva are renowned exponents of Latin
American Third Cinema, a politically engaged filmmaking movement that peaked in the 1960s and 1970s.
They began their work together with these two films, which combine meticulous anthropological analysis
and a sharp social consciousness regarding inequality and exploitation in Colombia.
Chircales addresses the history of the Castañeda family, whose members are dedicated to artisanal
brickmaking in the poor suburbs of Bogotá. They live in extreme poverty in the so-called urban estates,
exploited by an economic system that oscillates between feudal servitude and an incipient yet savage
capitalism. Rodríguez and Silva, using a Marxist framework, reveal exploitative child labor practices, political
domination and social inequality on the outskirts of Bogotá. Silva’s photography, at times surrealist, immerses
us in the crude reality of the chircal (small brick factory) and the daily life of its workers.
Campesinos analyzes the major social problem of Colombia: land use and distribution. In collaboration
with historian Arturo Alape, Rodríguez and Silva recover rural workers’ memory of slave-like conditions and
Carrillo
exhausting work in the coffee plantations during the 1930s. In contrast to Chircales, this film emphasizes
the transition workers made from submission to political mobilization, showing their exploitation but also
their rebellion and dignity.
Fernanda
According to Rodríguez, a documentary should be a platform for liberation and raising awareness–as
María
much for the viewers as for the subject participants—as well as a way to recuperate and reconstruct collective y
memory. Evidence of this engagement is found in the creation of the brickmakers union after the making
of Chircales and the recovery of a suppressed history through testimonies collected in Campesinos. In Wood
addition to an analysis of their protagonists’ material conditions, both films search for a singular aesthetic
that makes them classic works of the revolutionary genre in documentary film. David
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tHe surViViNG GatekeePers ProGress | los | guardianes
sobreviviendo al Progreso
Israel–Francia–Alemania–Bélgica Canadá | 2011 | Inglés | Color | | 2012 86’ | Hebreo | Color | 95’
Dirección: Dror Moreh
Dirección de fotografía: Avner Shahaf
Edición: Oron Adar
Sonido: Amos Zipori, Alex Claude
Producción: Dror Moreh, Estelle Fialon, Phillipa Kowarsky
Compañías de producción: Dror Moreh Productions, Le Films du Poisson, Cinephil,
Wild Heart Productions, Mac Guff
Festivales | Festivals
TIFF, IDFA, Festival de Cine de Nueva York, Festival de Cine de Telluride.
Contacto | Contact
Dror Moreh Productions
1 Kikar Kedumim
Jaffa, Israel
oneshot@netvision.net.il
Dror Moreh (Israel) comenzó su carrera como director de fotografía y se convirtió en uno de
los cinefotógrafos más destacados de Israel. Realizó la fotografía para varios documentales
galardonados en Israel. Desde hace unos años se desempeña como director de documentales
de tiempo completo. Entre sus películas destaca Sharon (2008), documental que trata sobre
las razones por las que el ex primer ministro de Israel, Ariel Sharon, aceptó implementar el
plan de retirada unilateral israelí.
Dror Moreh (Israel) began his career as a director of photography and became one of Israel’s
leading cinematographers. He has worked as a cinematographer for many award-winning documentaries
in Israel. Many years ago, Moreh began working full time as a director. His feature
documentary, Sharon (2008), explores the reasons behind Prime Minister Ariel Sharon’s agreement
to implement the Gaza Disengagement Plan.

Los guardianes ofrece un singular y crudo recuento de la historia reciente de Israel, contada por seis
exdirigentes de la Agencia Israelí de Inteligencia, el Shin Bet. Que el director, Dror Moreh, reuniera a
personajes de alto rango involucrados en una de las operaciones políticas más complejas del mundo,
representa solo la mitad del logro de este filme. La honestidad brutal con la que estos hombres dan
su opinión sobre décadas de agitación política, constituye un potente mensaje. ¿Qué es lo que lleva a
seis expertos en seguridad y patriotas ejemplares a revelar las acciones confidenciales de la más alta
inteligencia israelí? ¿Por qué discuten las atroces tácticas antiterroristas —desde la evaluación de daños
colaterales hasta los asesinatos, métodos de tortura y técnicas cuestionables de interrogación? ¿Qué
los motiva a admitir sus errores, algunos muy publicitados, y afirmar al mismo tiempo que “en la guerra
contra el terror” no hay parámetros morales?
El aspecto más perturbador del filme es que sus protagonistas coinciden en que el futuro no será
brillante sino todo lo contrario; el extremismo de ambos bandos, la violencia extrema, las estrategias
políticas fallidas y la corrupción generalizada van a aumentar todavía más. El agobiante pesimismo de
los participantes resulta sorprendente si se considera la eficacia del Shin Bet (responsable de frenar
el 90% de los intentos de ataques terroristas). Estos hombres son las únicas figuras públicas de la
agencia que responden directamente al primer ministro, lo que los ha convertido en chivos expiatorios
de “errores tácticos”.
El filme combina entrevistas con un elaborado manejo de material de archivo y complejas simulaciones
y reconstrucciones. El fascinante testimonio de los líderes del Shin Bet ofrece una dimensión crítica y
nos obliga a reflexionar sobre un conflicto que ha tenido un fuerte impacto en la política global del último
siglo. El filme, que ha sido seleccionado para competir por el Óscar, sigue provocando que los espectadores
se retuerzan en sus butacas, ante la alarmante revelación de los secretos de estado de Israel.
Riveting and raw in its delivery, The Gatekeepers offers a singular account of Israel’s recent history, as told
by six former heads of the Israel Intelligence Agency, the Shin Bet. Director Dror Moreh managed to bring
together the highest-ranking insiders to discuss one of the world’s most complex and polemical political
operations. This is half the film’s achievement; the urgency and brute honesty with which the men volunteer
their opinion on decades of political turmoil is half the message. What drives six security experts and
exemplary patriots to reveal the confidential actions of Israel’s elite intelligence operation? To discuss the
unspeakables of counter-terrorist tactics—from assessing collateral damage and executing target assassinations
to using torture and other interrogation techniques? To admit mistakes, some highly publicized,
while conceding that “in the war against terror, there are no morals”?
The film’s most disturbing message is that its subjects coincide on a tragic augury of the future: projecting
escalating extremism on both fronts, more senseless violence, aimless political strategy and widespread
corruption. The interlocutors’ overwhelming pessimism is all the more shocking considering the efficacy
of the Shin Bet (responsible for deterring 90% of attempted terrorist attacks). These men are the only
public figures of the Shin Bet. They answer directly to the Prime Minister, which has also made them the
scapegoats for “tactical errors.”
The film balances interviews wth an elaborate use of archival material, simulations and reenactments.
The gripping testimonies of Shin Bet leaders adds a layer of critical analysis and reflection to a conflict that
has shaped global politics in the last century. It is timely and powerful in its impact, the ripples of which are
Fortes
just beginning to be felt. The film has made the Oscar shortlist and continues to cause spectators to shift
in their seats, gasp and tense up at the alarming disclosure of Israel’s state secrets. Mara
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Qu’ils rePoseNt eN réVolte (des fiGures de Guerres i) | Que descansen en
rebeliÓn surViViNG (Figuras ProGress de guerras | sobreviviendo i) | MAY ThEY rEST al iN Progreso rEvOlT (FiGUrES OF wArS i)
Francia Canadá | 2007–2010 | 2011 | Inglés | Francés, | Color inglés, | 86’ árabe, tigriña | Blanco y negro | 154’
Dirección, fotografía, edición, sonido: Sylvain George
Música: Archie Shepp
Producción: Noir Production
Compañías de producción: CNC, Fondation Abbé Pierre,
Coopérative Pionnière (Libre)
Festivales | Festivals
FID Marsella, BAFICI, RIDM, Fidocs Chile, DocLisboa, FICUNAM.
Contacto | Contact
Independencia Distribution
29 rue Etienne Dolet
75020 París, Francia
distribution@independencia.fr
Sylvain George (Francia, 1968). Aunque cuando tenía dieciocho años decidió hacer cine,
no fue sino hasta los treinta y ocho que Sylvain George tomó una cámara. George se volcó al
cine para abordar temas que consideraba cruciales para la época. Para él, el cine fue la mejor
herramienta para posicionarse políticamente y para relacionarse con el mundo. Combinando
hábilmente la estética y la política, el director francés se ha convertido en un equipo de cine
de un solo integrante. Su llegada al mundo cinematográfico ha sido significativa: estrenó su
primer filme en 2009 y desde entonces ha recibido numerosos reconocimientos y se han
organizado retrospectivas de su trabajo en distintos países.
Sylvain George (France, 1968). Although he decided to make films when he was eighteen
years old, Sylvain George didn’t pick up a camera until he was thirty-eight. George turned to film
to address subjects that he felt were crucial. For him, cinema was a better tool for positioning
himself politically and for relating to the world. Artfully combining aesthetics and politics, George has
become a one-man filmmaking team whose arrival to the film world has been extremely powerful.
His first film premiered in 2009, yet he has already been the subject of numerous retrospectives
and has received a number of prestigious awards.

En Que descansen en rebelión, el director francés Sylvain George nos transporta al corazón de la
lucha migratoria en Calais, Francia, puerto por donde cada año miles de personas intentan ingresar a
Inglaterra. Con su cámara situada en la trinchera, George filmó durante tres años la batalla cotidiana de
estos hombres en contra del Estado.
A través de poéticas imágenes en blanco y negro, integradas a un cine militante, experimental y realista,
atestiguamos la forma en la que los migrantes son forzados a sobrellevar sus vidas en público. Las rígidas
políticas de migración los privan de su dignidad y derechos. El compromiso de George por revelar su
individualidad, en lugar de tratarlos como una categoría, los libera de la opresión de los estereotipos y
subvierte el prejuicio social. Aunque su inclinación política es evidente, el filme no cae en lo didáctico o
lo sentimental. Los protagonistas nunca son retratados como víctimas para provocar un sentimiento de
compasión; el director otorga el mismo peso a la poesía de las imágenes y a la rebelión de los hombres
en contra de las crudas leyes discriminatorias.
En una de las escenas más poderosas del documental, varios hombres se queman las palmas y las
puntas de los dedos para dejarlas irreconocibles. Las imágenes aluden a los rituales de algunas tribus
africanas en los que se provocan cicatrices para marcar la identidad. Sin embargo, los protagonistas
de Que descansen en rebelión laceran sus manos por la razón contraria, para borrar su identidad, el
precio a pagar por la libertad y un mejor futuro. A pesar de que este conflicto sucede en Francia, es
emblemático de la lucha de millones de migrantes alrededor del mundo y un retrato de la realidad de
ser una no persona en un no lugar.
In May They Rest in Revolt, French director Sylvain George takes us to the heart of the immigration struggle
in Calais, France, the port town through which thousands of immigrants attempt to enter England each year.
Over the course of three years, George filmed the men living there, positioning himself and his camera on
the frontline of their everyday battle with the state.
Through poetic black and white visuals and with a skillful blend of militant, experimental and vérite cinema,
we bear witness to how the immigrants are forced to live their lives in public. Strict immigration policies deny
them their dignity and deprive them of the most basic human rights. George’s commitment to revealing the
individuality of his subjects, rather than treating them as a category of immigrants, liberates them from the
oppression of stereotypes while subverting societal prejudice. Although his political stance is evident, the
film is neither didactic nor sentimental. Subjects are never portrayed as victims to provoke our pity; instead,
the film gives equal weight to the poetry of the images and the men’s rebellion against the discriminatory
laws that have caused this terrible reality.
In one of the film’s most powerful scenes, we see several men burning their fingers and palms with
scorching hot nails in order to make their fingerprints unrecognizable. The images bring to mind some African
tribal rituals in which scarring is used to convey one’s identity. Yet the men in May They Rest in Revolt scar
themselves for the opposite reason: to erase who they are. This is the cost of freedom and a better future.
Even though this particular conflict takes place in France, the film is emblematic of the struggles of millions
of immigrants throughout the world and a reflection of the reality of being non-people in a non-place.
Meghan Monsour
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WiNter, surViViNG Go aWay! ProGress | invierno, | sobreviviendo ¡lÁrgate!
al Progreso
Rusia Canadá | 2012 | | 2011 Ruso | Inglés Color | | 79’ Color | 86’
Dirección, fotografía: Elena Khoreva, Denis Klebleev, Dmitry Kubasov,
Askold Kurov, Nadezhda Leonteva, Anna Moiseenko, Madina Mustafina,
Sofia Rodkevich, Anton Seregin, Alexey Zhiryakov
Dirección de arte, producción: Marina Razbezhkina
Edición: Yuri Geddert, Elena Khoreva, Dmitry Kubasov,
Askold Kurov, Madina Mustafina
Sonido: Yuri Geddert
Compañía de producción: Marina Razbezhkina Studio
Contacto | Contact
Rise and Shine
Schlesische Str. 29/30
10997 Berlín, Alemania
T: +49 30 47372980
info@kloosundco.de
Festivales | Festivals
IDFA, DOK Leipzig, Festival de Cine de Locarno, Festival de Cine de Cottbus, Festival de Cine de Lisboa y Estoril, Festival de
Cine de Torino, Festival Internacional de Cine Watch Docs.
Los directores son graduados de la Escuela de Cine Documental y Teatro de Marina Razbezhkina y Mikhail Ugarovn:
Elena Khoreva, Denis Klebleev, Dmitry Kubasov, Askold Kurov, Nadezhda Leonteva, Anna Moiseenko, Madina
Mustafina, Sofia Rodkevich, Anton Seregin y Alexey Zhiryakov. Los diez filmaron, durante dos meses, las protestas
contra el gobierno ruso en tiempos de las elecciones presidenciales.
The directors are ten graduates of Marina Razbezhkina and Mikhail Ugarov’s Documentary Filmmaking and Theater School:
Elena Khoreva, Denis Klebleev, Dmitry Kubasov, Askold Kurov, Nadezhda Leonteva, Anna Moiseenko, Madina
Mustafina, Sofia Rodkevich, Anton Seregin and Alexey Zhiryakov. Over two months they filmed the anti-government
protests during the Russian presidential elections.

En una Rusia que históricamente arrastra tendencias antidemocráticas, acostumbrada a vivir en la inmovilidad
y aparentemente resignada a que la voluntad popular sea ignorada, las elecciones parlamentarias
de 2011 motivaron que, por primera vez en veinte años, el descontento ciudadano generara una convulsión
social de gran escala. Hubo numerosas denuncias de fraude ante unos comicios evidentemente
viciados, y el cinismo de algunos políticos provocó el enojo de la población, que comenzó a manifestarse
enérgicamente en las calles. Las protestas, que se prolongarían hasta las elecciones presidenciales de
marzo de 2012, estaban dirigidas principalmente al candidato Vladimir Putin, que en trece años ha sido
ya dos veces presidente de Rusia y otras dos, primer ministro.
En medio de un crudo invierno, con temperaturas de hasta veinte grados bajo cero, vemos cómo
las calles de Moscú se llenan de jóvenes activistas, de periodistas que intentan salvar las cortapisas
impuestas por las autoridades recelosas, y de artistas improvisados que recitan poesía caminando en
sentido contrario en medio de una calle atestada de tráfico. También somos partícipes del famoso acto
de las Pussy Riot, por el que sufrieron una desmedida represión por parte del sistema judicial. Mientras
tanto, dos hombres discuten sobre política mientras beben vodka en horas de trabajo, y concluyen que
los gobernantes se olvidan casi siempre del pueblo al que representan y que los verdaderos héroes son
otros; la única figura rusa que ha merecido su respeto es el cosmonauta Yuri Gagarin.
Invierno, ¡lárgate! es una vívida crónica de este período de liberación, de las movilizaciones más
intensas que se han suscitado en Rusia en la era postsoviética. Se trata de un excepcional documental
comisionado por el periódico independiente Novaya Gazeta, filmado por diez graduados de la Escuela de
Cine Documental y Teatro de Marina Razbezhkina y Mikhail Ugarov, que decidieron retratar el despertar
de una sociedad esperanzada ante la posibilidad de un futuro diferente.
In Russia, a country with anti-democratic tendencies, a lack of social mobility and with a population whose
will is regularly ignored, the 2011 parliamentary elections generated, for the first time in twenty years,
large-scale social unrest. There were numerous reports of fraud against the obviously corrupted elections,
and the cynicism of several politicians provoked public outcry. People protested energetically in the streets
through the March 2012 elections, directing their anger, above all, toward candidate Vladimir Putin who
over a span of thirteen years has served twice as president and prime minister.
In the middle of a harsh winter that registered temperatures as low as -20 °C, we see the streets of
Moscow filled with young activists, journalists who try to overcome restrictions imposed by suspicious
authorities, and impromptu artists who recite poetry while walking against the flow of traffic. We become
participants of the famous Pussy Riot concert, which suffered violent repression from the judicial system.
Meanwhile, two men argue about politics while drinking vodka during their working hours. They conclude
that the politicians almost always forget their constituents and that other people are the true heroes. The
only Russian figure that has deserved their respect is the cosmonaut Yuri Gagarin.
Winter, Go Away! is a vivid chronicle of these months of liberation, a period marked by the most intense
mobilizations in Russia since the collapse of communism. It is an exceptional documentary commissioned
by the independent newspaper Novaya Gazeta and filmed by ten graduates of the Marina Razbezhkina Cuetos
and Mikhail Ugarov School of Documentary Film and Theatre who decided to portray the awakening of a
generation searching for a different future. Noemi
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Videos y películas experimentales realizados por artistas y cineastas que se alejan
de las convenciones del género.

Experimental films and videos made by artists and filmmakers who depart from
the conventions of the genre.

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ciNeMa 16: subVersióN y Posibilidad radical
aMbulaNte 2013
La enormidad del caos requiere enormidad de medios artísticos para retratarlo y disolverlo.
Amos Vogel, El cine como arte subversivo
El cine nos abre la cabeza por mil y un sitios. Nos educa,
nos inspira, nos hace más humanos, nos lleva a otras
realidades desconocidas, nos hace sentirnos parte
de un mundo en colectividad; nos incita a emprender
caminos de autodescubrimiento, orientando nuestros
sentidos a las posibilidades radicales de la imagen
y el sonido; nos ofrece vías imposibles tornándolas
posibles. CINEMA 16 fue una organización que trabajó
de forma pionera en esta dirección, dando a su
audiencia la oportunidad de crecer y de agudizar su
sentido crítico, para apreciar las múltiples expresiones
del cine, su trascendencia y el alcance de nuestra
experiencia y conocimiento del mundo.
En el año 1947 Amos y Marcia Vogel, inmigrantes
austriacos con base en Nueva York, emprenden esta
aventura personal llamada CINEMA 16 con el generoso
objetivo de mostrar las películas que les gustaría ver
en la pantalla grande. En los años cincuenta eran más
de siete mil socios, y la escena cultural neoyorkina al
completo formaba parte de este club: Maya Deren, John
Dos Passos, Leonard Bernstein, Jonas Mekas, John
Lennon… Esta iniciativa atrajo a miles de personas
a las salas, las educó en valores progresistas y dio a
conocer a artistas que hoy pertenecen a la historia del
cine. La comunidad fílmica se convirtió en el lugar de
exhibición más influyente de Estados Unidos, cambiando
el rumbo del cine independiente y alternativo, y de la
programación cinematográfica.
curaduría de Garbiñe orteGa y Mara fortes
El ciclo dedicado a CINEMA 16 tiene dos ejes,
uno retrospectivo y otro contemporáneo, y consta
de 5 programas temáticos. Por una parte, se explora
la historia de la vanguardia cinematográfica clásica
a través de las películas favoritas de este cineclub,
como son La ópera Mouffe, de Agnès Varda, La vida
privada de un gato, de Maya Deren y Alexander Hammid,
y La sangre de las bestias de Georges Franju.
Por otra parte, nos planteamos la pregunta de qué
programaría CINEMA 16 hoy. Inspirados por su filosofía
de subversión y experimentación, y su necesidad de
eclecticismo, seleccionamos películas que exigen
estados de contemplación e inquietud, cintas que
subvierten la relación del cine con la narrativa, el
realismo y el ilusionismo; películas que nos seducen
y nos emocionan; trabajos que trazan la arquitectura
de mundos posibles. Al acercarnos a la obra de grandes
artistas como Naomi Uman, Helen Hill, Barbara
Hammer, Jennifer Reeves y Marjorie Keller, entre otros,
esperamos destacar el legado de CINEMA 16 en el
cine de vanguardia contemporáneo.
Este ciclo es un merecido tributo y una celebración
del importante papel que desempeña la programación
cinematográfica y de las aportaciones fundamentales
de CINEMA 16, en especial de su pensador, Amos
Vogel. El cine genera una nueva conciencia del mundo.
CINEMA 16 lo sabía, así como AMBULANTE lo sabe
y lo difunde hoy.

ciNeMa 16: subVersioN aNd radical Possibility
aMbulaNte 2013
curated by Garbiñe orteGa aNd Mara fortes
The enormity of chaos has necessitated enormity of artistic means to portray and dissolve it.
—Amos Vogel, Film as Subversive Art
Cinema probes our minds in a thousand and one ways. It
educates us, inspires us, makes us more human, transports
us to unknown realities, and makes us feel that we
are part of a great community; it presents improbable
avenues to self-discovery by tuning our sensorium to the
radical potential of image and sound. CINEMA 16 was
a society which pioneered the liberating possibilities of
cinema by offering viewers the opportunity to fine-tune
their critical skills, to appreciate the range of cinema
poetics, the scope of the medium, and conversely, the
scope of their understanding and experience of the world.
In 1947, Amos and Marcia Vogel, Austrian immigrants
based in New York, embarked on this personal adventure
they called CINEMA 16 with the generous mission to
show the films they wanted to see on the big screen.
In the 1950s, the film society had more than 7000
members, including many noted figures of New York’s
vibrant cultural scene: Maya Deren, John Dos Passos,
Leonard Bernstein, Jonas Mekas, John Lennon…This
personal initiative attracted thousands of people to
the theaters, educated them in progressive values and
discovered artists who now have a consecrated place
in film history. It became the most influential exhibition
space in the United States, changing the course
of independent and alternative cinema as well as the
philosophy behind film programming.
This series dedicated to CINEMA 16 has two axes:
a retrospective one and a contemporary one. It is orga-
nized into five programs: On the one hand, we explore
the history of avant-garde cinema through some of
the cine-club’s favorite films, including L’Opéra-Mouffe
(Agnès Varda), The Private Life of a Cat (Maya Deren &
Alexander Hammid) and Blood of the Beasts (Georges
Franju). On the other, we respond to the question of what
CINEMA 16 would program today. Prompted by the film
society’s philosophy of subversion and experimentation,
we selected films that shock, that demand restless
contemplation, and that reinvent cinema’s relation to
narrative, realism and illusionism. We chose films that
seduce and excite and films that sketch the architecture
of a different world. Featuring work by Naomi Uman,
Helen Hill, Barbara Hammer, Jennifer Reeves and
Marjorie Keller, among others, we hope to highlight the
legacy of CINEMA 16 in the contemporary cinematic
avant-garde.
This series is a long-awaited tribute and celebration of
the crucial role of film programming and the contributions
of CINEMA 16, particularly those of its founder, Amos
Vogel. CINEMA 16 understood that film could yield a
new consciousness of the world—a belief it cultivated
then, as AMBULANTE does today.
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Program 1: cinema 16 audience Favorites
iNjerto ProGraMa 1: Películas faVoritas del PÚblico de ciNeMa 16

tHe PriVate life of a cat | la vida Privada de un gato
Maya Deren, Alexander Hammid | Estados Unidos | 1944 | Sin diálogos | Blanco y negro | 16 mm | 22’
tHe rooM | la HabitaciÓn
Carmen D’Avino | Estados Unidos | 1959 | Sin diálogos | Color | Animación | 16 mm | 5’
tHe bed | la cama
James Broughton | Estados Unidos | 1968 | Sin diálogos | Color | 16 mm | 19’
l’oPéra-Mouffe | la ÓPera mouFFe
Agnès Varda | Francia | 1958 | Intertítulos en fránces, sin diálogos | Blanco y negro | 16 mm | 16’
free radicals | radicales libres
Len Lye | Reino Unido | 1979 | Sin diálogos | Blanco y negro | Animación | 16 mm | 4’
duracióN total: 66’
Este programa reúne las películas favoritas del
público y de los curadores de CINEMA 16. Agnès
Varda estrenó La ópera Mouffe (“diario de una mujer
embarazada”), en el teatro de Amos y Marcia Vogel
con tal éxito que formó parte de la programación
en numerosas ocasiones. La vida privada de un
gato, de la gran cineasta Maya Deren en colaboración
con Alexander Hammid, se convirtió en una
referencia de la época ya que fue censurada por
“contenido inapropiado”. La cama, del californiano
James Broughton, es una celebración de cuerpos
desnudos en torno a una cama, un divertido canto
a la libertad muy propio de la época. Radicales
libres de Len Lye y La habitación de Carmen
D’Avino son dos clásicos de la programación de
CINEMA 16, y ejemplos del interés este grupo por
exhibir obras de animación experimental.
This program is a compilation of Cinema 16 audiences’
and curators’ favorite films. Agnès Varda
premiered L’Opéra Mouffe (“diary of a pregnant
woman”) in Amos and Marcia Vogel’s theater, and
the film became a staple of their programming.
The innocent The Private Life of a Cat, by the
great Maya Deren in collaboration with Alexander
Hammid, became a frequently cited film at the time,
after being censored for “inappropriate content.”
The Bed, by California filmmaker James Broughton,
is a celebration of naked bodies around a bed—a
delightful ode to freedom and very much a product
of the era of sexual liberation. Free Radicals, by
Len Lye, and The Room, by Carmen D’Avino, are
two classics of Cinema 16 and examples of the
society’s support for experimental animation.
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Program 2: tHe city wHere cinema 16 was born
iNjerto ProGraMa 2: la ciudad Que Vio Nacer ciNeMa 16

tWeNty-four dollar islaNd | la isla de los veinticuatro dÓlares
Robert Flaherty | Estados Unidos | 1926 | Intertítulos en inglés, sin diálogos | Blanco y negro | 35 mm | 13’
suNday | domingo
Dan Drasin | Estados Unidos | 1961 | Inglés | Blanco y negro | 16 mm | 17’
bridGes-Go-rouNd | los Puentes giran
Shirley Clarke | Estados Unidos | 1958 | Inglés | Color | 16 mm | 11’
lost, lost, lost | Perdido, Perdido, Perdido
Jonas Mekas | Estados Unidos | 1976 | Inglés | Color, Blanco y negro | 16 mm | 11’
*Extracto de un total de 180 minutos.
tHe WoNder riNG | el anillo del asombro
Stan Brakhage | Estados Unidos | 1955 | Sin diálogos | Color | 16 mm | 6’
duracióN total: 58’
Probablemente CINEMA 16 no podría haber nacido
en ninguna otra ciudad más que en Nueva York,
esa urbe cuyas avenidas, puentes, metro, peatones
y turistas de todas las épocas han sido retratados
innumerables veces en el cine. Los cineastas de
este programa ofrecen su visión personal de esta
metrópoli. Robert Flaherty, considerado el padre
del cine documental, crea su propia sinfonía de la
ciudad en La isla de los veinticuatro dólares. Stan
Brakhage, el cineasta de vanguardia más relevante
de Estados Unidos, realiza El anillo del asombro
por encargo de Joseph Cornell, quien hizo Gnir
Rednow —“Wonder Ring” escrito al revés— con
escenas rescatadas del mismo material. La cineasta
Shirley Clarke retrata los puentes que unen la isla
de Manhattan en su obra Los puentes giran. Un
fragmento de la obra Perdido, perdido, perdido
del artista Jonas Mekas, muestra su estilo de diario
personal en los años de protesta contra la guerra.
Domingo de Dan Drasin es una reflexión sobre la
protesta ciudadana, enfocada en una plaza durante
una mañana de domingo.
Cinema 16 probably could not have emerged in any
other city but New York—that city whose avenues,
bridges, subway, residents and tourists of every
era have been captured countless times in cinema.
The filmmakers in this program offer their unique
vision of this metropolis: the renowned “father of
documentary” Robert Flaherty creates his own city
symphony with Twenty-Four Dollar Island—one of
the lesser-known films of his career. Stan Brahkage,
perhaps the most important avant-garde filmmaker
in the U.S., made The Wonder Ring on commission
from artist Joseph Cornell, who in turn made Gnir
Rednow (“Wonder Ring” spelled backwards) using
outtakes from the same material. Filmmaker Shirley
Clarke portrays the bridges that join the island of
Manhattan in her piece Bridges-Go-Round. An
excerpt of Jonas Mekas’ work Lost, Lost, Lost, set
during the years of protest against the war conveys
his characteristic diary style. Sunday by Dan Drasin
is also a meditation on civil protest, focusing on a
gathering in a plaza over a long Sunday morning.
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Program 3: Film as a subversive art
iNjerto ProGraMa 3: el ciNe coMo arte subVersiVo

le saNG des bêtes | la sangre de las bestias | blOOd OF ThE bEASTS
Georges Franju | Francia | 1949 | Francés | Blanco y negro | 35 mm | 16’
fear of blusHiNG | miedo a sonrojarse
Jennifer Reeves | Estados Unidos | 2001 | Inglés | Color | 16 mm | 6’
cosMic ray | rayo cÓsmico
Bruce Conner | Estados Unidos | 1961 | Inglés | Blanco y negro | 16 mm | 5’
fireWorks | Fuegos artiFiciales
Kenneth Anger | Estados Unidos | 1947 | Inglés | Blanco y negro | 16 mm | 15’
eNsayo de uN criMeN | reHearsal For a crime
Ximena Cuevas | México | 2005 | Sin diálogos | Color | MiniDV | 2’
NeiGHbours | vecinos
Norman McLaren | Canadá | 1952 | Sin diálogos | Color | Animación | 16 mm | 9’
all My life | toda mi vida
Bruce Baillie | Estados Unidos | 1966 | Sin diálogos | Color | 16 mm | 3’
duracióN total: 56’
Repulsión, asombro, éxtasis, erotismo, destrucción:
esta serie muestra las expresiones más radicales
del cine a través de la obra de nuevos directores y
de figuras consagradas del cine de vanguardia. Las
cintas adoptan dinámicas de contraste con el fin de
animar y exponer la condición humana. Exploramos
el horror cotidiano de los mataderos de París en el
poético cine ensayo de Georges Franju, La sangre
de las bestias; atravesamos atmósferas ominosas
en Miedo a sonrojarse, un majestuoso ejemplo de
cine “hecho a mano” a cargo de Jennifer Reeves, y
nos enfrentamos al explosivo collage Rayo cósmico
de Bruce Conner, pionero del cine de found footage.
En Fuegos artificiales, película que sacudió al
sector conservador cuando se estrenó en 1948 y
desató un juicio épico en torno a la “obscenidad“,
nos adentramos en un imaginario homoerótico y
sadomasoquista. Vecinos, del reconocido animador
Norman McLaren, es una breve parábola que
retrata un encuentro pasivo-agresivo entre vecinos,
transformando el idilio del suburbio en un campo de
batalla. En menos de dos minutos, Ximena Cuevas
rinde homenaje a Luis Buñuel y capta el ambiente
de paranoia tras los ataques del 11 de septiembre
(Ensayo de un crimen). Bruce Baillie nos invita a un
recorrido meditativo, que evoca nostalgia y regocijo,
y hace eco de McLaren con una sola toma de una
barda dilapidada a la mitad del campo en Toda mi vida.
Revolt, wonder, ecstasy, eroticism, destruction: this
series features cinema’s most radical expressions
through the work of renowned avant-garde filmmakers
and new directors. The films adopt dynamics of
contrast to animate and expose the human condition.
We explore the everyday horror of Parisian slaughterhouses
in Georges Franju’s poetic essay Blood
of the Beasts; we enter ominous atmospheres in
Fear of Blushing, a stunning example of hand-made
cinema by Jennifer Reeves; and enjoy Bruce Conner’s
explosive collage Cosmic Ray, a classic example
of found footage filmmaking. In Fireworks, a film
that shook the conservative establishment when
it premiered in 1948 and became the subject of a
long obscenity trial, we delve into a homoerotic and
sadomasochistic imaginary. In Neighbours, a short
parable made by renowned Canadian animator Norman
McLaren, the passive-aggressive encounter
between two men transforms the idyll of suburbia
into a battlefield. Ximena Cuevas pays tribute to
Luis Buñuel while registering post-September 11th
paranoia in her short piece Rehearsal for a Crime.
Bruce Baillie invites us on a meditative journey that
evokes nostalgia and delight, echoing McLaren in a
single tracking shot of a dilapidated fence in rural
America (All My Life).
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iNjerto

iNjerto
ProGraMa 4: seduccioNes
Program 4: seductions
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Imagen cortesía de Electronic Arts Intermix (EAI), Nueva York. Carolee Schneeman, Fuses, 1967.

eMoVed | borrado
Naomi Uman | Estados Unidos | 1999 | Inglés | Color | 16 mm | 7’
dyketactics
Barbara Hammer | Estados Unidos | 1974 | Sin diálogos | Color | 16 mm | 4’
fuses | Fusibles
Carolee Schneemann | Estados Unidos | 1967 | Sin diálogos | Color | 16 mm | 30’
le VaMPire | el vamPiro | ThE vAMpirE
Jean Painlevé | Francia | 1945 | Francés | Blanco y negro | 35 mm | 9’
rose Hobart
Joseph Cornell | Estados Unidos | 1936 | Sin diálogos | Color | 16 mm | 17’
*Cortesía del Museo de Arte Moderno de Nueva York.
duracióN total: 67’
CINEMA 16 proponía expandir las fronteras del
cine y la mente del espectador. Este programa está
inspirado en la búsqueda de nuevas expresiones
eróticas que rompen las convenciones sociales y
estándares de normalidad, y sugieren nuevas modalidades
de amar y de reconceptualizar el cuerpo y
el deseo. Dos grandes figuras del cine experimental
feminista, Carolee Schneemann y Barbara Hammer,
mezclan la fisicalidad del cuerpo con la materialidad
del celuloide en caleidoscópicas, coloridas y subversivas
manifestaciones de la sexualidad.
Joseph Cornell y Naomi Uman rehabilitan película
reciclada —la película de serie B East of Borneo
(George Melford, 1931) en el caso de Cornell, y
cine porno vintage en el de Uman— destacando la
imagen femenina en el cine como núcleo excéntrico
de fantasía y deseo. Jean Painlevé moviliza un
surrealismo accidental, invitándonos a presenciar
encuentros inesperados en el extraño mundo animal
y en especial, con el murciélago desmodus
rotundus. . .
CINEMA 16 sought to expand cinematic frontiers
and the spectator’s consciousness. This program is
inspired by the search for new erotic modalities that
defy social conventions and normative standards and
that suggest new forms of loving while reconceptualizing
bodies and desire. Two pioneers of feminist
cinema, Carolee Schneemann and Barbara Hammer,
meld the physicality of bodies with the materiality of
the medium in kaleidoscopic, colorful and subversive
expressions of sexuality. Joseph Cornell and Naomi
Uman rehabilitate recycled films—B-movie East of
Borneo (George Melford, 1931) in Cornell’s case
and vintage porn in Uman’s—highlighting the female
image in cinema as an ex-centric nucleus of fantasy
and desire. Jean Painlevé’s work employs accidental
surrealism, inviting us to witness unexpected encounters
in the strange animal world, and especially, with
the desmodus rotundus bat. . .
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iNjerto

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Program 5: First-Person cinema
iNjerto ProGraMa 5: ciNe eN PriMera PersoNa

dauGHters of cHaos | Hijas del caos
Marjorie Keller | Estados Unidos | 1980 | Inglés | Color | 16 mm | 20’
11 tHru 12 | de 11 a 12
Andrea Callard | Estados Unidos | 1977 | Inglés | Color | Súper 8 | 11’
*Cortesía de Fales Library, Universidad de Nueva York.
forGetfulNess | desPiste
Julian Grey | Canadá - Estados Unidos | 2006 | Inglés | Color | Animación | Video | 2’
líMites: 1a PersoNa | limits: 1st Person
León Siminiani | España | 2009 | Español | Color | MiniDV | 8’
tHe florestiNe collectioN | la colecciÓn de Florestine
Helen Hill, Paul Gailiunas | Estados Unidos | 2011 | Inglés | Color | Animación | 16 mm | 33’
caNcióN del aNtes de Morir | song beFore dying
Laboratorium (Laura Ginès y Pere Girard) | España | 2011 | Español | Color | Súper 8 | 4’
duracióN total: 78’
Cine poético, especulativo, meditativo, intimista,
satírico, autoreflexivo, anclado en la primera persona;
cine que adopta la subjetividad como base de la
experiencia y del discurso. Las películas que conforman
este programa ejercen un diálogo a través
del tiempo y la memoria, extraen lo inquietante y
misterioso de lo cotidiano y familiar, y se valen de
un rico lenguaje visual para orientar nuestra atención
hacia los diversos ritmos de la realidad. En hijas del
caos, un boda se convierte en el prisma que refleja
una doble mirada: niñas que anhelan convertirse en
mujeres, y mujeres que recuerdan su infancia, en
el contexto de una cultura patriarcal. Efectuando
también una arqueología de la memoria, a través
de imágenes de películas caseras, secuencias
animadas y películas rescatadas tras el devastador
huracán Katrina, La colección de Florestine retrata
a una costurera de Nueva Orleans que dejó una
colección impresionante de vestidos. Andrea Callard
imprime su característico humor en una breve
meditación sobre la inspiración, la “sección amarilla”
y los taxis (De 11 a 12). Julian Grey colabora con
Billy Collins para ofrecernos un poema animado en
Despiste. León Siminiani analiza los elementos del
realismo y el ilusionismo a partir de una singular
historia de amor—como nos recuerda la voz en off,
“donde hay amor, hay cine”, en Límites: 1ª persona.
La lírica calma de Canción del antes de morir nos
brinda reposo en un paseo frío por la naturaleza
en Súper 8 para que todas las emociones y viajes
interiores vividos en el programa encuentren su lugar.
This is poetic, speculative, meditative, intimistic,
satiric, self-reflexive cinema anchored in the first
person, cinema that adopts subjectivity as the basis
of experience and discourse. The films that make up
this program animate a dialogue through time and
memory, and they extract the disturbing and mysterious
embedded in the everyday and the familiar. They
employ a rich visual language to direct our attention to
the diverse rhythms of reality. In Daughters of Chaos
a wedding becomes the prism that activates a double
gaze: girls who long to become women, and women
who look back on their childhood, in the context of a
patriarchal culture. Effecting a similar archaeology of
memory through home movies, animated sequences,
and films rescued after the devastating Hurricane
Katrina, The Florestine Collection focuses on an
elderly seamstress who left an extraordinary collection
of dresses. Andrea Callard infuses her characteristic
sense of humor in a brief meditation on inspiration,
the Yellow Pages, and taxi cabs (11 Thru 12). Julian
Grey collaborates with Billy Collins in the animated
poem Forgetfulness. In Limits: 1st Person, León
Siminiani analyzes the elements of realism and illusionism
parting from a unique love story—as the
voice-off reminds us, “where there is love, there is
cinema.” The calm lyricism of Song Before Dying
takes us on a cool walk through nature and in Super
8, allowing the journeys and emotions stirred by the
films in the program to find their place.
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iNjerto

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sonidero
Producciones sobre diversas corrientes musicales, desde propuestas con contenido
social y político, hasta conciertos delirantes para miles de ávidos seguidores.

Film productions about different music trends, from documentaries with social and
political content to exhilarating concerts for thousands of avid fans.
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Dirección de fotografía: Eric Robbins
Edición: Abhay Sofsky
Sonido: Jacob Ribicoff, Reilly Steele
Producción: Andrew S. Karsch, Fisher Stevens, Erik H. Gordon
Compañías de producción: Insurgent Media, Pugilist At Rest Productions
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beWare of Mr. baker | cuidado con el sr. baker
Estados Unidos | 2012 | Inglés | Color | 94’
Festivales | Festivals
SXSW, Silverdocs, Festival Internacional de Cine de Londres, Festival Internacional de Seattle.
soNidero Dirección, guion: Jay Bulger
Contacto | Contact
Zara Duffy
Insurgent Media
info@bewareofmrbaker.com
T: +1 347 844 9868
Jay Bulger (EUA, 1982), exboxeador y exmodelo, realizó sus estudios en la Universidad de
Fordham. Después de librar una batalla de dos años contra el cáncer, se dedicó a dirigir y a
escribir. Desde entonces sus artículos han aparecido en Rolling Stone y la revista New York,
entre otras publicaciones. Ha dirigido comerciales para distintas bandas, sellos discográficos
y marcas. Para su artículo “En busca de Ginger Baker”, pasó tres meses en Sudáfrica
viviendo con Baker. El artículo y las numerosas horas de entrevistas que Jay grabó, fueron
la premisa para Cuidado con el sr. Baker. En el verano de 2010 regresó a Sudáfrica para
completar la película.
Jay Bulger (USA, 1982), former boxer and fashion model, attended Fordham University. After a
two-year bout with cancer, he dedicated himself to writing and directing and has since published
feature articles for Rolling Stone, New York magazine and many other publications. He has directed
music videos and commercials for different bands, labels and brands. Bulger spent three
months living with Ginger Baker in South Africa for his article “In Search of Ginger Baker,” and
the numerous hours of interviews Jay captured on film became the premise for Beware of Mr.
Baker. In the spring of 2010, he returned to South Africa to finish the film.

Al momento de reflexionar sobre su vida, un hombre voltea a ver el camino recorrido, cuenta
sus logros y disfruta lo que ha cosechado. ¿Pero qué pasa cuando a un hombre el mundo le
ha dado la espalda, ha vivido huyendo, autoexiliado, sin rastro de lamento? A sus setenta y tres
años, Ginger Baker, legendario baterista de la banda Cream, considerado por muchos el mejor
del mundo, resume su momento actual con esta frase: “Dios me está castigando por mi maldad,
dejándome vivo y con tanto dolor como le es posible”.
Jay Bulger, intrépido y tenaz documentalista, nos presenta la vida de este egocéntrico genio
de la batería en un relato audiovisual construido mediante numerosas imágenes de archivo
inéditas de la vida de Baker a lo largo de más de cuarenta años de trayectoria. Figuras épicas,
como Eric Clapton, Jack Bruce, Art Blakey y Fela Kuti acompañan la historia de Ginger Baker.
A través de sus testimonios se consolida como una figura fundamental en la transformación
musical de finales del siglo XX.
En este relato bifurcado entre Baker y aquellos que lo han conocido, viajamos por el mundo
siguiendo los pasos del polémico baterista, desde California hasta Sudáfrica, desde sus inicios
en el jazz hasta su autodestrucción social. Observamos su búsqueda por innovar su sonido, no
parte de parámetros previos, sino que impone los propios como un reto a sus sucesores. Este
trabajo provocará en el espectador complejas sensaciones, empatía, admiración, desagrado y
repulsión, que le harán comprender la vida enloquecida del virtuoso Ginger Baker.
In a typical moment of retrospection, a man turns back to see the path taken, remembers his achievements
and enjoys what he has accomplished. But what happens to a man when the world has
turned its back on him? A man who lives in self-imposed exile, with no regrets, secluded from life?
At the age of seventy-three, Ginger Baker, the legendary drummer of the band Cream, summarizes
his current moment with this phrase: “God is punishing me for my past wickedness by keeping me
alive and in as much pain as He can.”
The intrepid and determined documentary filmmaker Jay Bulger presents us with the life of this
egocentric percussion genius in an audiovisual story created through numerous images of unpublished
archival material that represents more than forty years of Baker’s career. Epic figures such
as Eric Clapton, Jack Bruce, Art Blakey and Fela Kuti accompany the story of Ginger Baker, and
through their testimonies he is portrayed as a fundamental figure in the musical transformation of
the end of the twentieth century.
This is a twofold story about Baker and those who knew him from his beginnings in jazz to his
social self-destruction. We follow the steps of this controversial drummer traveling the world, from
California to South Africa, on his search to innovate his sound. Rather than abiding by the rules of
his predecessors, he challenges them by imposing his own. This documentary will elicit a complex
set of emotions –empathy, admiration, displeasure and repulsion–inviting us into the wild life of the
virtuoso Ginger Baker.
Judith Guzmán
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soNidero

tHe cHeMical brotHers: doN’t tHiNk
Dirección de fotografía: Iain Finlay, Marc Swadel
Edición: Jono Griffith, Mark Whelan
Sonido: Mark Paterson, The Chemical Brothers
Música: The Chemical Brothers
Producción: Lee Groombridge, Marcus Lyall
Compañías de producción: RSA, Black Dog Films
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Japón–Reino Unido | 2012 | Inglés | Color | 88’
Festivales | Festivals
Sónar Festival Internacional de Música Avanzada y New Media Art de Barcelona.
soNidero Dirección: Adam Smith
Contacto | Contact
James Dobbin
Omniverse Vision
10 South Molton Street
Londres W1K 5QJ
Reino Unido
T: +44 207 499 0088
jd@omniversevision.com
www.omniversevision.com
Adam Smith dirigió el drama de época Little Dorrit, ganador de un Emmy, los primeros
episodios de Doctor Who con Matt Smith y varios capítulos de la innovadora serie Skins. Su
trabajo visual para los Chemical Brothers ha sido descrito previamente en la prensa como
“una suerte de Alicia a través del espejo intergaláctica” (Times) y “como si Henri Matisse y
Pablo Picasso hubieran hecho animación para MTV” (Dallas Morning News). Actualmente se
encuentra desarrollando proyectos cinematográficos con Scott Free, Film Four y el Instituto
de Cine Británico.
Adam Smith has previously directed the Emmy Award winner period drama Little Dorrit, the
first Doctor Who episodes with Matt Smith and several episodes of the ground-breaking series
Skins. His visual work for The Chemical Brothers has been described alternately as looking
like “a sort of intergalactic Alice Through the Looking Glass” (Times) and as if “Henri Matisse
and Pablo Picasso did animation for MTV” (Dallas Morning News). He currently has film projects
in progress with Scott Free, Film Four and the BFI.

Cuando estamos en un espectáculo musical en vivo, una parte de lo que somos desaparece.
La mágica combinación de sonido, noche y desenfreno nos seduce; abandonamos nuestros
cuerpos y nos dejamos llevar por los ritmos que los músicos en el escenario nos ofrecen. Así es
como este documental presenta su narrativa ecléctica: más allá de contar una historia, nos hace
vivir una experiencia colectiva.
Rodeados de espectadores desconocidos, dejamos de ser nosotros mismos y nos volvemos
presas de una serie de momentos únicos que configuran la noche. Enfocamos ojos
y oídos en el mundo imaginario que los Chemical Brothers nos proponen. El título del filme,
Don’t Think, refleja la emoción provocada por el concierto de este dúo británico en el festival
Fuji Rock 2012, en Japón. Lejos de transmitir información, este documental genera miles
de sensaciones en el espectador, incitándolo a mover la cabeza, marcar el ritmo con el pie
o incluso bailar en su asiento, animado por los sonidos que emanan de la pantalla. Filmadas
en un vívido formato HD, destellantes imágenes psicodélicas y sofisticados efectos visuales
nos hacen surfear entre la masa humana congregada en plena veneración de esta gran fiesta.
Por momentos, seguimos de cerca al público asistente, incluso afuera del concierto.
El director Adam Smith —quien ha trabajado como artista visual con los Chemical Brothers
desde hace dieciocho años— apuesta por recrear cinematográficamente este momento catártico
de la música electrónica. Con veinte cámaras que documentan tanto el concierto como la multitud
entregada devotamente a los músicos, Smith consigue un filme sumamente estimulante que nos
ofrece una experiencia transformativa y multisensorial en medio de payasos, robots y tigres que
deambulan por el lugar.
When we step into the atmosphere of a live music show, a part of ourselves vanishes. The magic
combination of sound, nightlife and self-abandon entices us; we shed our bodies and dissolve into
the rhythms set by the musicians onstage. This is how this documentary presents its eclectic narrative:
beyond telling a story, the film invites us to live a collective experience.
Surrounded by unknown spectators, we cease to be ourselves and become prey to a series of
unique moments that make up the night. We focus our eyes and ears on the imaginary world The
Chemical Brothers create. The film’s provocative title, Don’t Think, captures the thrill of a concert
by this iconic British duo during the Fuji Rock Festival in Japan. Far from being a mere factual account,
the documentary induces a myriad of sensations, prompting viewers to nod their heads, tap
their feet, and dance in their seat, animated by the sounds bursting from the screen. Shot in lush
high-definition format, its dazzling psychedelic images and sophisticated visuals send us surfing
through the masses congregated in veneration of this great party. At times, we follow the concertgoers
closely, even outside the show.
Director Adam Smith—a visual artist who has worked with The Chemical Brothers for eighteen
years—delivers a masterful cinematographic recreation of this epic moment in electronic music
history. Using twenty cameras that register both the action onstage and the audience’s devotion Guzmán
to the music, Smith achieves a captivating film that offers us a multi-sensory and transformative
experience amongst the clowns, robots and tigers that roam the venue. Judith
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soNidero

doN’t stoP belieViN’: eVeryMaN’s jourNey
Dirección de fotografía: Julia Dengel, Vicente Franco, Gabriel Goodenough
Edición: Leah Marino
Sonido: Jim Jung Choi, Adriano Bravo, Ray Sinithinithet, JT Mueller
Producción: Capella Fahoome Brogden
Compañías de producción: CineDiaz, Defining Entertainment
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Estados Unidos | 2012 | Inglés | Color | 104’
Festivales | Festivals
Silverdocs, Festival de Cine de Tribeca, Festival Internacional de Cine de San Francisco, Festival Internacional de Cine de Dubai,
Festival de Cine de Filadelfia, Festival de Cine de Traverse City.
soNidero Dirección, guion: Ramona S. Diaz
Contacto | Contact
Visit Films
173 Richardson Street
Brooklyn, NY, 11222
Estados Unidos
T: +1 718 312 8210
info@visitfilms.com
www.visitfilms.com
Ramona S. Diaz (Filipinas) estudió una maestría en Comunicación en la Universidad de
Stanford. Ha dirigido Spirits Rising, una película sobre el papel de las mujeres filipinas en
la Revolución del Poder Popular de 1986; Imelda, su primera película de ficción sobre la ex
primera dama filipina; y The Learning, una crónica sobre los sacrificios que realiza un grupo
de maestros filipinos en Baltimore. Además de numerosos premios, sus películas han recibido
el apoyo del Festival de Cine de Sundance y del Servicio de Televisión Independiente.
Ramona S. Diaz (Philippines) has filmed Spirits Rising, a documentary about the role of women
in the 1986 People Power Revolution in the Philippines; Imelda, her first feature-length film about
the former First Lady of the Philippines; and The Learning, a documentary film that chronicles the
sacrifices several Filipino teachers make in Baltimore. Her movies have received many awards
and have been funded by Sundance and ITVS.

Siendo todavía un niño, Arnel Pineda perdió a su madre, se quedó sin casa, se vio obligado a dormir en
las bancas de un parque y a cantar en sitios impensables para poder comer. Sin embargo, para Arnel,
la música no solo ha sido su modo de subsistencia, ha sido su motor en la vida. Tras más de veinticinco
años de carrera, después de probar suerte con múltiples bandas en su país natal, Arnel es finalmente
descubierto por la industria musical estadounidense.
En 2007, la legendaria agrupación Journey buscaba un vocalista para la grabación de su nuevo álbum
y la consecuente gira. Una casualidad hizo que Neal Schon, guitarrista principal, encontrara en YouTube
un video de Arnel interpretando temas de la banda. Arnel no solo proyectaba un gran talento sino que
lograba emular la peculiar voz de Steve Perry, protagonista de las canciones más exitosas del grupo.
Decidieron invitarlo a hacer una audición a pesar de que vivía en Manila, Filipinas. Arnel logró cautivar a la
banda y rápidamente se integró al conjunto como vocalista. Este documental lo sigue de cerca mientras
intenta adaptarse no solo a la banda, a sus compañeros y a la gira, sino a un estilo de vida completamente
diferente como estrella de rock en Estados Unidos.
Don’t Stop Believin’ relata el cuento de hadas que ha vivido Arnel desde entonces, y a la vez retrata
el choque entre dos mundos diametralmente opuestos. Nos muestra la fragilidad del éxito y lo fácil que
es caer una vez que se llega a la cima. En palabras del propio Arnel, “pierdes, ganas, ganas, pierdes;
así es la vida”.
Al igual que en Imelda (2003), la documentalista Ramona S. Diaz vuelve a poner la mirada en el
auge de una figura filipina y lleva al espectador de la mano de Arnel en su trato cotidiano con la fama.
Al mismo tiempo, nos invita a disfrutar de la música de Journey, la banda creadora de uno de los temas
más descargados en la historia de iTunes, mismo que le da título a este filme.
When Arnel Pineda was a child, he lost his mother and was left homeless. He was forced to sleep on a park
bench and sing in unimaginable places in order to eat. Yet music, for Arnel, has been not only his means
of subsistence but also his life motivation. After more than twenty-five years trying his luck in numerous
bands in his native country, Arnel was discovered by the U.S. music industry.
In 2007 the legendary group Journey was looking for a lead singer for the recording of their new album
and their subsequent tour. By chance, the lead guitarist Neal Schon found a YouTube video of Arnel singing
some of the band’s songs. Arnel not only seemed to have great talent but also managed to emulate
the peculiar voice of Steve Perry, the lead singer of the band’s most successful songs. They decided to
invite him for an audition despite the fact that he lived in Manila, Philippines. The band loved Arnel, and he
soon became their lead singer. This documentary follows him closely as he attempts to get along with his
bandmates and adapt to both life on tour and lifestyle of a rockstar in the United States.
Don’t Stop Believin’ tells the fairy tale Arnel has lived and depicts at the same time the clash of two
completely different worlds. It shows us the precaciousness of fame and how easy it is to fall once one gets
to the top. In Arnel’s own words, “You lose, you gain, you gain, you lose; that’s how life is.”
As in Imelda (2003), documentary filmmaker Ramona S. Diaz focuses on the success of a Philippine
figure and immerses the viewer in Arnel’s daily struggle with celebrity. She simultaneously invites us to Cuevas
enjoy the music of Journey, the band that wrote one of the most-downloaded iTunes songs of all time—the
same song that provides the title of this film. Julieta
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je suis VeNu Vous dire… GaiNsbourG Par GiNzburG | He venido a decirle…
gainsbourg Por ginZburg | GAiNSbOUrG bY GAiNSbOUrG: AN iNTiMATE SElF-pOrTrAiT
Dirección de fotografía: Andrey Lebedyanski, Lionel Perrin
Edición: Bénédicte Brunet, Pascale Hannoyer
Guion: Pierre-Henry Salfati, Marianne Anska
Sonido: Arnaud Rolland, Francis Wargnier
Música: Mathieu Dugelay
Producción: Miriana Bojic Walter
Compañías de producción: Zeta Productions, ARTE France Cinéma, INA
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Francia | 2011 | Francés | Color, blanco y negro | 99’
Festivales | Festivals
CPH: DOX, In-Edit Festival Internacional de Cine Documental Musical de Barcelona, Festival Internacional de Cine de Melbourne,
Festival de Cine de Milán, Festival Internacional de Cine de Vancouver, Distrital, Festival de Cine de Taipei Golden Horse.
soNidero Dirección: Pierre-Henry Salfati
Contacto | Contact
Elodie Dupont
The Festival Agency
14 rue des Jeuneurs
75002 París, Francia
T: +33 95 490 4863
Pierre-Henry Salfati comienza su carrera cinematográfica en la década de 1980.
En 1989 termina Tolerancia, protagonizada por Rupert Everett, película con la que obtuvo
una nominación al César por la mejor ópera prima. En 1995 filma su doceavo largometraje de
ficción Zadoc et le bonheur. Al paso de unos años, Salfati cambia la ficción por el documental.
En 1998 dirige su primer documental, un filme sobre grandes pianistas del siglo XX. Entre sus
películas se encuentran The Jazzman from the Gulag (1999), Golem, Golems (2002), The
Ninth (2004) y Talmud (2007), estos tres últimos documentales para la televisión.
Pierre-Henry Salfati started his film career in the 1980s. In 1989 he finished Tolérance, starring
Rupert Everett, a film for which he obtained a Cesar nomination for best first feature. In 1995 he
filmed his twelfth feature narrative Zadoc et le bonheur. A few years after, Salfati switched from
fiction to documentary. In 1998 he directed his first documentary, a film about great twentiethcentury
pianists. His filmography includes The Jazzman from the Gulag (1999), Golem, Golems
(2002), The Ninth (2004) and Talmud (2007), the last three made for television.

Al cabo de una investigación de más de tres años, Pierre-Henry Salfati revive en este documental
a uno de los cantautores franceses más emblemáticos de la década de los setenta.
En esta íntima y biográfica película, Serge Gainsbourg, rodeado siempre de bellas mujeres
—su fuente de inspiración—, nos habla en primera persona, sin reconstrucciones de su pasado
ni voice over. Se trata de un artista inclasificable que incursionó en casi todas las vertientes del
campo musical, desde su debut con la chanson française, influido por su mentor, el escritor
Boris Vian, pasando por el rock (Rock Around the Bunker), el reggae (La Marseillaise) y el jazz.
El documental, retrato profundo y conmovedor de este versátil artista, compuesto por diversos
materiales de archivo, entrevistas, conciertos, imágenes y videos de sus amigos y vida familiar,
nos acerca a Gainsbourg; o él mismo se nos acerca, gracias a un hábil trabajo de recopilación
y edición. Con una profundidad nunca antes lograda, revisamos y compartimos sus orígenes, su
juventud, la relación con las mujeres y su padre, sus deseos, así como sus propias reflexiones
en torno al éxito en su carrera.
Gracias a este talentoso trabajo de Salfati, Serge Gainsbourg vuelve para guiarnos a lo largo
de su vida y su prolífica obra. Un apasionado y logrado montaje, así como el valioso legado de un
personaje trascendente, permite sumergirnos en las facetas más íntimas de este artista francés
que sin duda permanecerá siempre vivo.
Pierre-Henry Salfati brings one of the most emblematic French singer-songwriters of the 1970s in
his documentary, Gainsbourg by Gainsbourg: An Intimate Self-Portrait.
In this intimate biographical film, Gainsbourg speaks to us in first person; there are no voice-overs
or reconstructions of his past. Gainsbourg was an unclassifiable artist who dabbled in diverse musical
genres—from his debut work in chanson française, influenced by his mentor Boris Vian to rock
(Rock Around the Bunker), reggae (La Marseillaise) and even jazz. He was constantly surrounded
by beautiful women, who served as a source of inspiration.
The film, composed of different archival materials such as interviews, concerts as well as images
and videos of his friends and family life, is a profound and moving portrait of a versatile artist.
Through skillful compilation and editing, the documentary provides an up-close and personal portrait
of Gainsbourg. With unprecedented access, we learn about his origins, his youth, his relationship
with women and his father, his desires and his reflections on his professional success.
Thanks to Salfati’s brilliant work, Gainsbourg returns with his own voice to guide us through his
life and prolific career. A passionate and well-assembled montage, as well as a valuable legacy of a
transcendent figure, the film allows us to immerse ourselves in the most intimate facets of an artist
who will undoubtedly live on.
Marie-Ève Parenteau
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orNette: Made iN aMerica
Dirección de fotografía: Ed Lachman
Edición: Iris Cahn, Shirley Clarke
Sonido: Sanford Rackow
Música: Ornette Coleman
Producción: Kathelin Hoffman Gray
Compañía de producción: Caravan of Dreams
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Estados Unidos | 1985 | Inglés | Color, blanco y negro | 77’
Festivales | Festivals
Festival Internacional de Cine de Berlín, Festival Internacional de Cine de Edimburgo, Festival Internacional de Cine de San
Francisco, Festival Internacional de Cine Lone Star.
soNidero Dirección: Shirley Clarke
Contacto | Contact
MILESTONE FILMS
PO Box 128
Harrington Park, NJ 07640
Estados Unidos
T: +1 201 767 3117
milefilms@gmail.com
www.milestonefilms.com
Shirley Clarke (EUA, 1919-1997) fue una de las cineastas más importantes del movimiento
cinematográfico de posguerra en Nueva York y la única mujer en firmar el manifiesto del New
American Cinema en 1961. Clarke estudió danza con Martha Graham y cine con Hans Richter.
Inspirada por las ideas de Maya Deren sobre el movimiento natural del hombre como una
forma de danza, Clarke filmó Paris Parks (1954). Entre sus películas destacan Skyscraper
(1958), The Connection (1962) y Portrait of Jason (1967), considerada su obra maestra.
Resulta sorprendente que a pesar de su influencia en varias generaciones de cineastas, hasta
ahora su obra no ha sido reconocida en el canon de la historia del cine.
Shirley Clarke (USA, 1919-1997) was one of the most important filmmakers of the post-war
American film movement; she was the only female to sign the New American Cinema manifesto
in 1961. Clarke studied dance with Martha Graham and film with Hans Richter. Influenced by
Maya Deren’s ideas about seeing natural human movement as a form of dance, Clarke filmed
Paris Parks (1954). Among her most notable films are Skyscraper (1958), The Connection
(1962) and Portrait of Jason (1967), this last one considered her masterpiece. Acknowledged
by dozens of filmmakers as a major influence, the most shocking aspect of her career is her lack
of recognition in the canon of fim history.

¿Hasta dónde una equivocación puede trascender sus propios límites y con el paso del tiempo volverse
una revolución? Ornette: Made in America, la última película que la célebre cineasta independiente
neoyorquina Shirley Clarke realizara antes de morir, nos acerca, a través de una propuesta visual inusitada
para su época, al mundo de Ornette Coleman, controvertido saxofonista y pionero de la música free jazz.
La lectura equivocada que Ornette hizo de la clave del compás por un tercio y la consecuente confusión
de la nota do por la, fue un elemento importante de la potente semilla que durante la década de 1960
sentaría las bases de una propuesta sonora agresiva y elocuente. Además de contribuir al desarrollo
posterior del jazz, la música de Ornette influyó en la escena del punk rock y en el surgimiento de figuras
clave como Steve McCay y Lou Reed, por mencionar solo algunas.
Más allá de una apología de este músico revolucionario, el filme es una suerte de ensamblaje y
recreación de su vida y su pensamiento. La mayor parte del documental se concentra en la segunda
etapa de su amplia carrera musical al lado de su hijo, el baterista Denardo Coleman, y de Prime Time,
la agrupación que lideró por años. Las escenas nos transportan a Fort Worth, Texas, ciudad natal de
Ornette, y al Caravan of Dreams, un bar de jazz hoy desaparecido en cuyo escenario William Burroughs
recitaba sus poemas. En 1973, el legendario poeta beatnik y Coleman hicieron un viaje a las montañas
del norte de Marruecos para convivir con los aclamados Master Musicians of Jajouka; fue tal el impacto
que los Jajouka causaron en Ornette que con los años colaborarían en varios proyectos musicales.
Es importante pensar en el free jazz de Ornette como algo más que música. Además de su fuerza
expresiva, es un reflejo de la búsqueda intrínseca de aquello que Ornette llamaba “el ciclo humano”, un
espacio sonoro en el que la imaginación de cada ser encuentra su propia sintonía.
At what point does a mistake transcend its own limits and, as time goes by, become revolutionary? Ornette:
Made in America, the last film the famous New York filmmaker Shirley Clarke would make before her death,
presents a unique visual discourse to familiarize us with the world of Ornette Coleman, the controversial
saxophonist and pioneer of free jazz. Coleman “misread” the key by a third, which resulted in confusing the
C key for the A key. This one mistake planted the potent seed that during the 1960s became the basis of an
aggressive and eloquent musical style that, in addition to contributing to the development of jazz, influenced
punk rock and key musicians such a Steve McCay and Lou Reed, to name a few.
Rather than being a straightforward biopic, the film is an assemblage and recreation of his life and
thought. Most of the documentary focuses on the second period of his lengthy musical career, a period in
which he played alongside his son, the drummer Denardo Coleman, and was the leader of the band Prime
Time. The film takes us to the musician’s hometown of Fort Worth, Texas, and its since-closed jazz bar
Caravan of Dreams, where the beatnik William Burroughs used to read his poems. In 1973 the legendary
poet and Coleman took a trip to the mountains of northern Morocco to live with the acclaimed Master
Musicians of Jajouka. Their influence on Coleman was so strong that he collaborated with them on various
musical projects over the years.
It is important to think of Coleman’s free jazz as something that transcends music. In addition to being Luna
an expressive force, free jazz is valuable as an intrinsic reflection of what Coleman called “the human cycle,”
a soundscape in which the imagination of each person finds its own harmony. Anahí
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soNidero

soNidero
Paul siMoN: uNder africaN skies
Maja borG
Dirección: Joe Berlinger
Dirección de fotografía: Bob Richman
Edición: Joshua L. Pearson
Sonido: Eddie O’Connor
Producción: Jon Kamen, Justin Wilkes
Compañías de producción: A&E IndieFilms, @Radical.Media, Sony Music
Entertainment’s Legacy Recordings
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Estados Unidos | 2012 | Inglés, afrikáans, zulú | Color, blanco y negro | 101’
Contacto | Contact
@Radical.Media
435 Hudson Street
New York, NY 10014
Estados Unidos
T: +1 212 462 1500
Festivales | Festivals
Sundance, SXSW, Festival de Cine Documental Full Frame, Festival de Cine de Sidney, Festival Internacional de Cine Documental
Sudafricano Encounters, Sundance Londres, World Cinema Showcase, Festival Internacional de Cine de Santa Barbara.
Joe Berlinger. Aclamado director cuya obra incluye los documentales Brother’s Keeper,
Paradise Lost y Metallica: Some Kind of Monster. Ganadora de varios premios Emmy, la
serie Paradise Lost de HBO ayudó a generar un movimiento mundial para liberar a los “Tres
de West Memphis” de injustas condenas por homicidio. Crude, filme sobre la contaminación
de la selva amazónica por petróleo, ganó numerosos reconocimientos. Berlinger ha recibido
premios del Directors Guild of America, así como de los Independent Spirit Awards, entre
otros. Asimismo, ha dirigido y producido cinco temporadas de la aclamada serie Iconoclastas.
Joe Berlinger. Acclaimed director of the documentaries Brother’s Keeper, Paradise Lost, and
Metallica: Some Kind of Monster. His multiple Emmy-winning Paradise Lost series for HBO
helped spawn a worldwide movement to free “The West Memphis Three” from wrongful murder
convictions. Crude, a film about oil pollution in the Amazon Rainforest, won numerous awards.
Berlinger has also received multiple awards from the Directors Guild of America and the Independent
Spirit Awards, among others. In addition to his feature documentary work, Berlinger directed
and produced five seasons of the acclaimed series Iconoclasts.

Paul Simon regresa a Sudáfrica para conmemorar los veinticinco años de la grabación y la gira mundial
de Graceland, disco que obtuvo el Grammy al mejor álbum del año en 1987 y vendió millones de copias
por todo el mundo. Simon se reencuentra con los músicos que participaron en esta aventura, recuerdan el
pasado, reaniman su amistad y ensayan para presentarse en vivo nuevamente, un cuarto de siglo después.
Graceland es un disco clásico que impactó a varias generaciones e influyó en diversas corrientes
musicales, trazando el destino de la producción musical en la era global. Es resultado de un experimento
artístico intercultural novedoso para su época: se fusionaron genuinamente tradiciones musicales
distintas —pop norteamericano con ritmos africanos— creando un sonido nuevo y una revolución en el
gusto popular. Es una obra significativa también por el contexto histórico y político en que se gestó,
marcado por la lucha contra el apartheid en Sudáfrica y el boicot cultural impuesto por la ONU contra el
gobierno racista, mismo que Simon desafió, generando una enorme controversia en torno a su proyecto.
Eventualmente, Graceland sería reconocido por el propio Mandela como un factor clave para la apertura
cultural y la liberación de los sudafricanos.
En Paul Simon: Under African Skies, el aclamado documentalista estadounidense Joe Berlinger
nos permite conocer de cerca la historia detrás de este emblemático álbum; revela los pormenores de
su grabación y el proceso creativo de cada una de las canciones, permitiéndonos revivirlas y constatar
su vigencia. Escuchamos a figuras como Paul McCartney, Philip Glass, David Byrne y Peter Gabriel,
cuyos testimonios rinden homenaje al disco, a los artistas involucrados y a quienes lucharon por la
transformación de Sudáfrica. Este documental nos muestra cómo algunas obras se arraigan firmemente
en la memoria colectiva y se adentran en la dimensión política del arte —sobre todo la música— como
un potente instrumento de liberación.
Paul Simon returns to South Africa to commemorate the twenty-fifth anniversary of the recording and
world tour of Graceland, an album that has sold millions of copies worldwide and won album of the year
at the Grammys in 1987. A quarter-century later Simon reunites with the musicians that participated in
the adventure. They remember the past, rekindle their friendship and rehearse for their reunion concert.
Graceland is a classic album that has influenced several generations and diverse musical currents, prefiguring
the path for musical production in the global era. It is the result of an intercultural artistic experiment
innovative for its time. It fused distinct musical traditions—American pop and African rhythms—creating a new
sound and revolutionizing popular taste. It is also a significant work because it emerged within the historical
and political context of the struggle against apartheid in South Africa and the UN’s cultural boycott against
the racist government. In making Graceland Simon challenged the boycott, generating controversy over
his project. Eventually, Graceland would be recognized by Mandela himself as a key factor in the cultural
opening of South Africa and the liberation of its people.
In Paul Simon: Under African Skies, the acclaimed American documentary filmmaker Joe Berlinger
shares with us the story behind this emblematic album. He reveals the details of its recording and the creative
process of each song, allowing us to relive them and recognize their significance. We hear from musicians
such as Paul McCartney, Philip Glass, David Byrne and Peter Gabriel, whose testimonies pay tribute to the
Zirión
album, the artists involved and to those who struggled for social change in South Africa. This documentary
shows us how some works are firmly rooted in collective memory and penetrate the politics of art—above
all, music—as a potent instrument of liberation. Antonio
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searcHiNG for suGar MaN | buscando a sugar man
Dirección de fotografía: Camilla Skagerström
Sonido: Per Nyström
Música: Sixto Rodriguez
Producción: Simon Chinn, Malik Bendjelloul
Compañías de producción: Red Box Films/Passion Pictures
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Suecia–Reino Unido | 2012 | Inglés | Color | 82’
Festivales | Festivals
Sundance, Festival de Cine de Tribeca, Sheffield Doc/Fest, Festival Internacional de Cine de Moscú, Festival Internacional
de Cine de Karlovy Vary, Festival de Cine de Sarajevo, Festival Internacional de Cine de Durban, Festival Internacional de Cine
de Guanajuato, Festival Internacional de Cine de Melbourne, Nordisk Panorama, IDFA, Panorama de Cine Europeo.
soNidero Dirección, edición, guion: Malik Bendjelloul
Contacto | Contact
Samantha Soto
Sony Pictures Classics
550 Madison Avenue, 8th Floor
New York, NY 10022
Estados Unidos
T: +1 212 833 8842
samantha_soto@spe.sony.com
Malik Bendjelloul (Suecia, 1977) ha dirigido documentales durante doce años, principalmente
sobre músicos. En 2001 filmó el primer documental sobre Kraftwerk, el grupo alemán
pionero de la música electrónica. Ha realizado series de documentales sobre la historia del
heavy metal, así como documentales sobre Björk y Sting, entre otros. Bendjelloul también
ha trabajado como director y productor creativo para “Kobra”, programa de cultura de la
televisión sueca. Asimismo, ha dirigido videos musicales y comerciales, además de diseñar
y dirigir secuencias de títulos para varios programas de televisión suecos.
Malik Bendjelloul (Sweden, 1977) has been directing documentaries, primarily about musicians,
for twelve years. In 2001 he directed the first ever documentary about the German electronic
music pioneers Kraftwerk. He made a documentary series about the history of heavy metal as
well as several documentaries about Björk and Sting, among others. Bendjelloul has worked as
the director and creative producer for Swedish Television’s cultural show Kobra. He has also
designed and directed title sequences for several Swedish TV shows and has directed music
videos and commercials.

¿De qué depende que un artista sea famoso y popular o pase completamente desapercibido? Sin duda
entran en juego múltiples factores, así como una buena dosis de azar. Buscando a Sugar Man, el primer
largometraje documental del sueco Malik Bendjelloul, narra la singular historia de Sixto Rodriguez, quien
curiosamente corrió con ambas suertes. Poeta y compositor de origen mexicano-americano, personaje
oscuro y enigmático, profeta urbano de bajo perfil, cantaba canciones simples pero profundas, con
letras complejas, llenas de ironía y una sutil pero aguda crítica social. Según los productores que lo
descubrieron cantando de espaldas al público en un bar de mala muerte en Detroit, tenía tanto talento
y potencial como Bob Dylan.
No obstante, sus canciones fueron completamente ignoradas en Estados Unidos, donde se estima
que no vendió ni diez copias de los dos álbumes que grabó a principios de los años setenta. Tras su
aparente fracaso, Rodriguez desapareció sin dejar huella, sin imaginar que un disco suyo llegaría a
Sudáfrica, donde varias de sus canciones se volverían grandes éxitos con un impacto rotundo en toda
una generación, convirtiéndose incluso en himnos de las protestas contra el apartheid. En la historia de
la música en Sudáfrica, según especialistas, Sixto Rodriguez ocupa un sitio más importante que Elvis
Presley. Todo esto sin que el propio Rodriguez se enterara hasta pasados treinta y cinco años.
Este aclamado y multipremiado filme, al mejor estilo de un thriller documental, relata los pormenores
de la investigación detectivesca que condujo al resurgimiento de un artista desconocido. Buscando
a Sugar Man es una clara muestra de cómo el arte, en este caso la música, puede cobrar vida propia,
liberarse de su autor, trascender su contexto y su época; puede olvidarse y luego reaparecer con diferentes
significados, ya sea al otro lado del mundo o varias décadas más tarde.
Why do some artists become famous and popular while others go completely unnoticed? There are undoubtedly
many factors involved, including a good dose of chance. Searching for Sugar Man, the first documentary by
Swedish filmmaker Malik Bendjelloul, narrates the unique story of the dark and enigmatic Sixto Rodriguez,
who, strangely enough, suffered both fates. A Mexican–American poet, composer and low-profile urban
prophet, Sixto Rodriguez sang simple yet profound songs with complex lyrics full of irony and a subtle but
incisive social critique. According to the producers, who discovered him in a Detroit dive bar singing with
his back turned to the public, he had as much talent and potential as Bob Dylan.
Nonetheless, his songs were completely ignored in the United States, where it is estimated that he sold
fewer than ten copies of each of the albums he recorded in the early 1970s. After his apparent failure,
Rodriguez vanished without a trace. For close to thirty-five years he was unaware that one of his records
soon arrived to South Africa where many of his songs became huge hits, had an enormous impact on an
entire generation and served as inspiration for protests against apartheid. In South Africa’s music history,
according to experts, Sixto Rodriguez is more important than Elvis Presley.
In the best style of a documentary thriller, this acclaimed and award-winning film tells the story of the
Zirión
detective work that led to the revival of an unknown artist. Searching for Sugar Man is a clear example of
how art, in this case music, can take on a life of its own, be liberated from its author, transcend its context
and time, and be forgotten, only to reappear with different meanings on other side of the world decades later. Antonio
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Ambulante agradece el apoyo de SIGE Producciones
en el doblaje de las películas de esta sección.
Ambulante would like to thank SIGE Producciones for
dubbing the films in this section.
AMBULANTITO
Programa de cortometrajes (documentales y animaciones) destinado principalmente
a niños, adolescentes y jóvenes.

Program of short documentaries and animations for the young and not so young.

aMb
aMbulaNtito
Este año, Ambulantito se enfoca en la magia y la ilusión
del cine. Una fábrica de sueños, fantasías, historias y
mundos inmateriales, el cine nos ha deleitado con su
capacidad para reconfigurar el tiempo y el espacio.
Este programa explora un siglo de las transformaciones
alquímicas y la fuerza subliminal de la imagen en
movimiento. Desde los imaginativos cortos de Segundo
de Chomón y de Buster Keaton hasta animaciones
contemporáneas visualmente fascinantes, esto es cine
en su modalidad más visionaria.
This year Ambulantito focuses on magic and illusion in
cinema. A factory of dreams, fantasies, stories and immaterial
worlds, film has delighted us with its capacity
to reconfigure time and space. This program explores a
century of the moving image’s alchemical permutations
and subliminal force. From Segundo de Chomón’s and
Buster Keaton’s whimsical shorts to visually enthralling
contemporary experimental animations, this is cinema
at its most visionary.
tHe coW WHo WaNted to be a
HaMburGer | la vaca Que Quería
ser Hamburguesa
Bill Plympton | Estados Unidos | 2010 | Sin diálogos |
Animación | 6’
La vaca que quería ser hamburguesa es una fábula infantil
sobre el poder de la publicidad, el sentido de la vida y el
amor de una madre.
The Cow Who Wanted to Be a Hamburger is a children’s
tale about the power of advertising, the meaning of life
and a mother’s love.
128
alouette
Norman McLaren, René Jodoin | Canadá | 1944 | Sin diálogos
| Animación | 2’
Norman McLaren y René Jodoin crearon esta versión animada
de la popular canción francesa usando recortes de
papel. La letra de la canción baila en la pantalla alentando
a la audiencia a cantar a coro.
Norman McLaren and René Jodoin created this animated
version of the popular French song, using single-frame
animation and paper cutouts. The lyrics dance on the
screen, encouraging the audience to sing along.
fiesta braVa
Steven Woloshen | Canadá | 2011 | Sin diálogos |
Animación | 4’
Un día al año los toros corren libres en las calles de
Pamplona, España. Usando técnicas artesanales de filmación,
el artista con sede en Montreal, Steven Woloshen,
crea una colorida animación musical de la estampida.
For one day each year, bulls run wild on the streets of
Pamplona, Spain. Using artisan filmmaking techniques,
Montreal-based artist Steven Woloshen creates a colorful
animated musical of what the stampede would look like.

iNterlude | interludio
Joost van Veen | Holanda | 2005 | Sin diálogos | Blanco y
negro | 2’
La inspiración para este corto fue el tema “Interlude” de la
banda británica Manyfingers. Esta obra meditativa muestra
a un grupo de peces jorobados, mientras nadan a través
de capas químicas de película en blanco y negro de alto
contraste y procesada a mano.
The inspiration for this short film was the music track “Interlude”
by the British band Manyfingers. This meditative
short shows a group of “Look-Downs” (fish) that swim
through chemical layers of hand-processed, high-contrast
black and white film stock.
oNe Week | una semana
Buster Keaton, Edward F. Cline | Estados Unidos | Intertítulos
en inglés | Blanco y negro | 1920 | 20’
Dos recién casados reciben una casa del tipo “hágalo
usted mismo” como regalo. La casa puede ser construida
en una semana pero el proceso conduce a problemas y
risas cuando un expretendiente de la novia intercambia
las partes de la casa para vengarse de la feliz pareja.
Two newlyweds receive a build-it-yourself house as a
gift. The house can be built in one week, but trouble and
laughter ensue when the bride’s former suitor switches
around the parts to get his revenge on the happy couple.
les kiriki acrobates jaPoNais
los kiriki, acrÓbatas jaPoneses
ThE kiri-ki, jApANESE ACrObATS
Segundo de Chomón | Francia | 1907 | Sin diálogos | Blanco y
negro, pintada a mano | 3’
De uno de los primeros maestros de los efectos visuales
del cine, Segundo de Chomón, este es un corto clásico
de 1907 sobre unos acróbatas japoneses que realizan
trucos extraordinarios.
This 1907 vintage short of Japanese acrobats performing
extraordinary tricks comes from one of the first
masters of visual effects in cinema, Segundo de Chomón.
teN MiNutes older
dieZ minutos mayor
Herz Frank | Letonia | 1978 | Sin diálogos | Blanco y negro | 10’
En solo una toma que dura diez minutos, la cámara observa
a un niño mirando un espectáculo de marionetas. Mientras
los títeres pelean en el escenario, la cara del niño refleja
la eterna batalla entre el bien y el mal.
In just a single ten-minute take, the camera observes a
child watching a puppet show. While on stage puppets
fight, the child’s face reflects the eternal battle between
good and evil.
129
aMb
aMbulaNtito

ENFOQUE: CINE SOBRE CINE
Sección dedicada al cine que se mira y se piensa a sí mismo, que cuestiona sus límites
y alcances, que experimenta con el medio y el mensaje.
130

This section is dedicated to self-reflexive films that question their own boundaries and
scope, and experiment with both medium and message.
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Sonido: Abel Hernández
Música: Leinua dontza taldea, Emak Bakia, El Hijo, Abel Hernández,
Richard Griffith, Ruper Ordorika, Mursego
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eMak bakia baita | la casa emaK baKia | ThE SEArCh FOr EMAk bAkiA
España | 2012 | Español, euskera, francés, italiano | Color, blanco y negro | 84’
Festivales | Festivals
Festival de Cine de San Sebastián, RIDM, Doclisboa, BAFICI, Festival Internacional de Cine de Edimburgo, Festival
de Cine de Telluride, FIC Valdivia, Festival Internacional de Cine de Morelia, Distrital.
Oskar Alegria (España, 1973). Periodista de formación, comenzó trabajando de reportero en
Madrid en los informativos de Canal Plus y CNN+. Ha sido redactor en programas culturales
y coordinador de espacios dedicados a la literatura en los canales de televisión Telemadrid
y Euskal Telebista. Profesor de guion de documentales en el Master de Guion Audiovisual
de la Universidad de Navarra, escribe desde hace diez años reportajes de viajes en el suplemento
“El Viajero” de El País y es autor de un proyecto artístico de fotografía llamado “Las
ciudades visibles”.
Oskar Alegria (Spain, 1973) started working as a professional journalist in Madrid for Canal Plus
and CNN+ news. He has worked as a scriptwriter for cultural programs and as a coordinator of
TV segments dedicated to literature for Telemadrid and Euskal Telebista channels. He teaches
documentary screenwriting at the University of Navarra for the master’s degree in Audiovisual
Screenwriting. He writes travel chronicles for “El Viajero,” a suplement of El País. He is the author
of a photo art project named “Visible Cities.”
eNfoQue Dirección, fotografía, guion, edición, producción: Oskar Alegria
Contacto | Contact
Oskar Alegria
info@oskaralegria.com
T: + 34 687 525 928
La casa Emak Bakia se proyectará junto con:
eMak bakia
Francia | 1926 | Sin diálogos | Blanco y negro | 16’
Dirección: Man Ray

Dejándose llevar por la obsesión de ponerle una zancadilla lingüística al tiempo, Oskar Alegria quiso crear
una película a partir de una expresión vasca fuerte y casi violenta: emak bakia (déjame en paz). Así inicia
un viaje en busca del azar que descubre grupos de música alternativos, tiendas vintage francesas y colectivos
artísticos ochenteros a los que el término bautizó en euskera. Pero sobre todo busca la casa, causa
y consecuencia de este documental, que fue escenario en 1926 de la película Emak Bakia de Man Ray.
Inspirado por el mismo espíritu libre que guiaba la obra del ícono del cine surrealista de los años
veinte, la ópera prima del director navarro recorre la costa de Lapurdi (País Vasco francés) sin marcarse
un rumbo fijo. La intención es clara y declaradamente anárquica: contar su historia en curvas, de forma
desordenada y sin atajos. Es precisamente esa imperfección deliberada la culpable de que la búsqueda
se sienta real y emocionante. No hay artificios ni pretensiones. Se trata de un cine accidental y mágico en
el que los personajes encuentran la cámara de manera natural. Fotografías que se miran por el reverso,
manos de plástico cómplices del viento cortejando servilletas, y princesas rumanas nonagenarias que
coleccionan sellos y figuras de elefantes y son primas de Nabokov.
La casa Emak Bakia revela un profundo amor por la lengua y por el cine, y celebra el accidente como
aliado imprescindible del realizador a la hora de documentar. El cineasta se pregunta a dónde van las
palabras viejas cuando mueren y –como decía el escritor gallego Álvaro Cunqueiro– por qué muchas
de las cosas enterradas no están muertas, en una película tan introspectiva como extravagante que él
mismo define como un cúmulo de resurrecciones.
En este singular filme, el documental contemporáneo se reencuentra con el cine experimental y las
vanguardias artísticas de hace un siglo. Al igual que Man Ray, y como un homenaje a él, Oskar Alegria
también quiso que le dejaran en paz y creó un cine-poema arrítmico, hecho a trompicones y maravillosamente
impecable en su imperfección.
Driven by the obsession of tripping time through language, Oskar Alegria decided to create a film inspired by
the forceful Basque expression: “emak bakia” (leave me alone). Thus begins a journey in search of chance
that leads us to alternative music bands, French vintage stores and 1980s artists’ collectives baptized by
the Euskera expression. But the Spanish director’s main search is for the house that is the cause and
consequence of his documentary—a house that served as the setting for Man Ray’s 1926 film Emak Bakia.
Drawn to the same free spirit that characterized the icon of 1920s surrealist cinema, Alegria’s first feature
traverses the Lapurdi coast (Basque Country in France) without settling on a fixed route. The intention
is clear and avowedly anarchic: to tell its story in detours, in no particular order, and without short cuts. It
is precisely this deliberate “imperfection” that turns the search into something that feels real and exciting.
There is no artifice or pretention. It is cinema at its most accidental and magical; the characters find
the camera naturally. Photographs that are looked at backwards, a plastic hand flirting with a wind-blown
napkin, and a nonagenarian Romanian princess who collects seals and elephant figures and happens to
be Nabokov’s cousin.
The Search for Emak Bakia reveals a profound love for language and cinema and celebrates the
accident as a filmmaker’s essential ally in the effort to document. The filmmaker asks himself where do old
words go when they die and why many buried things are not dead, as the Galician writer Alvaro Cunqueiro
said. It is a film so introspective and extravagant that he himself defines it as a gathering of resurrections.
In this singular film, contemporary documentary meets experimental cinema and century-old artistic Cuetos
vanguards. Like Man Ray and as tribute to him, Oskar Alegria wanted to be left alone, and he created an
arrhythmic film poem, made in fits and starts, that is marvelously impeccable in its imperfection. Noemi
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eNf
eNfoQue: ciNe sobre ciNe

Estados Unidos | 2003 | Inglés | Color, blanco y negro | 20’
eNfoQue
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loVe | amor
Dirección: Tracey Moffatt
Edición: Gary Hillberg
Festivales | Festivals
Festival de Cine de Adelaide, Festival Internacional de Cine de Mujeres de Dortmund.
Contacto | Contact
Kristen Fitzpatrick
kfitzpatrick@wmm.com
Tracey Moffatt (Australia, 1960) es muy reconocida en el campo de la experimentación formal
y estilística tanto en cine, como en fotografía y video. Su trabajo se nutre de la historia del
cine, el arte y la fotografía, así como de la cultura popular y de sus recuerdos y fantasías de la
infancia. Moffatt estudió Comunicación Visual y dirigió documentales y videos musicales para
la televisión en los años ochenta. Su obra es una mezcla sorprendente de lo indeterminado
y lo preciso, lo intemporal y lo contemporáneo. Como resultado, sus películas siempre son
contundentes y provocadoras.
Tracey Moffatt (Australia, 1960) is highly regarded for her formal and stylistic experimentation
in film, photography and video. Her work draws on the history of cinema, art and photography
as well as popular culture and her own childhood memories and fantasies. She studied visual
communications and worked as a director on documentaries and music videos for television in
the 80’s. Her work appears as a surprising mix of the indeterminate and the brutally precise, the
timeless and the contemporary. The result is a taut, sometimes disturbing body of work.

Amor es un estimulante cortometraje de la artista visual australiana Tracey Moffatt, realizado en
colaboración con el editor y productor Gary Hillberg. La obra de Moffatt explora las intersecciones
entre la historia del cine, el feminismo, el pensamiento postcolonial, el arte y la cultura popular.
Amor es resultado de una extraordinaria labor de selección, desmontaje y reedición de cientos de
escenas de películas, para hacer evidentes los clichés y estereotipos del amor romántico según
Hollywood. Así, revisitamos clímaxes cinematográficos representativos de las distintas facetas del
amor: imágenes de seducción, diálogos apasionados, besos, llanto y cachetadas; vamos de los
rituales de cortejo y enamoramiento al desencanto, el engaño, los celos y la violencia. Los autores
extraen estos momentos fílmicos con una mirada crítica y gran sentido del humor, los liberan de
sus contextos originales y les dan un nuevo significado, los convierten en la materia prima de
una parodia y un homenaje al cine mismo, y los encauzan hacia un agudo cuestionamiento de
los mitos e ideologías de nuestra sociedad contemporánea.
Love is a short, visually stimulating film by Australian artist Tracey Moffatt, made in collaboration with
editor and producer Gary Hillberg. Moffatt’s work is widely recognized for exploring the intersections
of cinema history, feminism, postcolonial thought, art and popular culture. Love is the result of an
extensive labor process, one of selecting, editing and re-releasing hundreds of movie scenes in an
attempt to reveal Hollywood’s clichés and stereotypes of romantic love. We are thus able to revisit
cinematic climaxes representative of the different facets of love. We are shown images of seduction,
passionate dialogue, kisses, tears, and slaps, and we are taken from the rituals of courtship
and romance to disenchantment, adultery, jealousy and violence. Moffatt and Hillberg appropriate
these scenes both critically and humorously, liberating these cinematic moments from their original
meaning and reinventing them as raw materials that both parody and pay homage to film. The filmmakers
also use them to question myths and ideologies of contemporary society.
Antonio Zirión
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eNfoQue: ciNe sobre ciNe

tHe PerVert’s Guide to ideoloGy | la guía de ideología del pervertido
Contacto | Contact
P GUIDE LTD
Dirección de fotografía: Remko Schnorr
Mount Pleasant Studios
Edición: Ethel Shepherd
51-53 Mount Pleasant
Guion: Slavoj Žižek
Londres WC1X 0AE
Reino Unido
Sonido: Steve Fanagan
T: +44 020 3119 1008
Música: Magnus Fiennes
thepervertsguide@gmail.com
Producción: Martin Rosenbaum, James Wilson, Katie Holly
Compañías de producción: P Guide LTD, Blinder Films, Bord Scannán Na Héireann/The
Irish Film Board, Film4, British Film Institute Film Fund, Rooks Nest Entertainment
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Reino Unido–Irlanda | 2012 | Inglés | Color | 133’
Festivales | Festivals
TIFF, CPH: DOX, Festival de Cine de Londres, Muestra Internacional de Cine de São Paulo, Festival Internacional
de Cine de Estocolmo, Doc NYC, Festival de Cine de Torino.
eNfoQue Dirección: Sophie Fiennes
Sophie Fiennes empezó a filmar películas en 1998. Ha sido reconocida por su particular ojo
analítico y su gran sentido de la forma cinematográfica. Fiennes suele emprender proyectos de
colaboración cinematográfica; sus películas, por lo tanto, son poderosos retratos de algunos
de los más icónicos individuos de hoy. Sus filmes se han exhibido en cine, televisión y festivales
alrededor del mundo. Su filmografía incluye Because I Sing (2001), The Pervert’s Guide To
Cinema (2006) y Over Your Cities, Grass Will Grow (2010). Recientemente, completó su
primer corto de ficción titulado First Row Orchestra.
Sophie Fiennes began making films in 1998. She is widely acclaimed for her unique analytical
eye and strong sense of cinematic form. Fiennes often employs a collaborative approach to
filmmaking. Her films therefore also act as powerful portraits of some of today’s most iconic
individuals. Fiennes’ films have screened in theaters, on television and in festivals around the
world. Her filmography includes Because I Sing (2001), The Pervert’s Guide to Cinema (2006),
Over Your Cities and Grass Will Grow (2010). She has recently completed her first short film
entitled First Row Orchestra.

Seis años después de The Pervert’s Guide to Cinema (2006), una fascinante interpretación psicoanalítica
de algunos clásicos del cine, el filósofo Slavoj Žižek y la documentalista Sophie Fiennes vuelven a
emprender una travesía cinematográfica, pero esta vez con el ojo puesto en la ideología.
Según Žižek, la sociedad solo demanda pequeños cambios al sistema pero no cuestiona la gran
estructura. No nos detenemos a pensar en cómo la ideología influye en nuestras acciones, creencias e
incluso en nuestros sueños. Esta crítica a la sociedad contemporánea es un rasgo esencial y constante en
la obra de Žižek, uno de los intelectuales más famosos y polémicos de la época, que rescata y replantea
radicalmente el pensamiento de autores clásicos.
A lo largo del documental, Žižek explica su concepto de ideología, las tecnologías que la ejercen y los
efectos, conscientes o no, que tiene sobre cada persona. Las películas por las que Žižek discurre son los
escenarios de la disertación. Fiennes recrea las locaciones de varias escenas emblemáticas —desde un
bote salvavidas en Titanic hasta la cama del personaje de Robert De Niro en Taxi Driver— y ubica allí a
nuestro protagonista, quien reflexiona sobre y a partir de las películas, con gran lucidez y extraordinaria
soltura. En algunos casos, Žižek enaltece la genialidad de los cineastas; en otros, se burla de los directores
que en sus filmes sucumbieron a las recetas de Hollywood y perpetuaron la ideología dominante.
Pero no solo se vale del cine para ilustrar el funcionamiento de la ideología en nuestros días; también
analiza acontecimientos históricos, obras musicales e incluso campañas publicitarias.
Al ver La guia de ideología del pervertido, el espectador no solo recordará varios momentos clave
en la historia del cine y conocerá de primera mano las ideas de Žižek sobre la ideología; también disfrutará
del personaje en la pantalla, de su peculiar acento, sus constantes ademanes y su característico
sentido del humor.
Six years after The Pervert’s Guide to Cinema (2006)—a fascinating psychoanalytic interpretation of a
number of classic movies—philosopher Slavoj Žižek and documentary filmmaker Sophie Fiennes team up
again to embark on a cinematographic journey, this time with their lens set on ideology.
According to Žižek, society demands small changes in the system but rarely questions its overarching
structure. We never pause to think of how ideology influences our actions, beliefs or even our dreams. This
profound critique of contemporary society is an enduring and essential motif in Žižek’s work, which, along
with the philosopher’s efforts to rescue and re-invigorate the thought of classic authors, has made him one
of the most celebrated and polemical intellectuals of our time.
In this documentary, Žižek explains his concept of ideology, the technologies that sustain it and the effects
—conscious and unconscious— it has on individuals. The stage for his argument is comprised of the films
he analyses. Fiennes recreates the locations of various iconic films—ranging from a lifeboat from Titanic to
Robert De Niro’s bed in Taxi Driver—and situates our interlocutor in the midst of familiar scenes, where he
reflects freely and insightfully on the nature of ideology. His discourse, however, is not restricted to cinema:
he uses the films as a springboard to examine historical events, musical pieces and even publicity campaigns.
In watching The Pervert’s Guide to Ideology, viewers will not only recognize key moments in film history Cuevas
and have first-hand access to Žižek’s theorizing but will also enjoy Žižek’s character onscreen: his peculiar
accent, quirky gestures and idiosyncratic sense of humor. Julieta
137
eNf
eNfoQue: ciNe sobre ciNe

WHat is tHis filM called loVe? | ¿Qué es esta película llamada amor?
Edición: Timo Langer
Sonido: Ali Murray
Producción: Catherine Aitken and Mark Cousins
Compañía de producción: 4Way Pictures (Scotland) Ltd
138
México–Estados Unidos–Reino Unido–Canadá–Alemania | 2012 | Inglés | Color | 81’
Festivales | Festivals
CPH:DOX, Festival de Cine de Edimburgo, Festival de cine de Telluride, Festival de Cine de Torino, Festival
Internacional de Cine de Bratislava, Festival Internacional de Cine de Morelia.
eNfoQue Dirección, fotografía, guion: Mark Cousins
Contacto | Contact
HanWay Films
24 Hanway Street
Londres, W1T 1UH
Reino Unido
T: +44 0 207 290 0750
Mark Cousins (Irlanda) es guionista, director y curador. Recibió una licenciatura en Estudios
de Cine y Medios y otra en Bellas Artes por la Universidad de Stirling, donde ahora es académico
honorario. En 1991 inició una colaboración de cinco años con el Festival Internacional
de Cine de Edimburgo, primero como programador y después como director. Ha impartido
clases sobre historia del cine y sus escritos han sido publicados en varios idiomas. Cousins
ha realizado una docena de documentales sobre arte y política, y trabaja como consultor de
estrategias para cine.
Mark Cousins (Ireland) is a film writer, director and curator. He received a degree in Film and
Media Studies and Fine Art from the University of Stirling, where he is now Honorary Lecturer.
In 1991 he began a five-year collaboration with the Edinburgh International Film Festival, first as
a programmer then as director. He has lectured on film history, published internationally, made a
dozen documentaries on arts and political themes, and consulted on film strategy.

Cuando Mark Cousins presentó su película en el Festival de Cine de Telluride en 2012, contó
que un amigo le sugirió de broma que debería nombrar el proyecto ¿Qué es este amor llamado
cine? Efectivamente, lo que anima su última película es una pasión contagiosa por el cine que
también está presente en su trabajo como escritor, crítico y cineasta. Este diario de viaje cinematográfico,
ensayo, poema, cuaderno de apuntes (que Cousins describe como una improvisación
después de su épica película de quince horas, The Story of Film) fue filmado en tres días con
una videocámara flip. En un viaje por las calles de la Ciudad de México (con paradas en Escocia,
Morelia y el suroeste de Estados Unidos), Cousins rememora la felicidad, la soledad, la gente, los
lugares, el baile, el sueño y los gozos que la urbe provoca. Su compañero de viaje e interlocutor
elegido, Sergei Eisenstein (a quien entrevemos gracias a una fotografía que el director sostiene
en frente de la cámara), provee el punto central de reflexión durante la caminata por la Ciudad
de México. El diálogo de Cousins con Eisenstein y la fascinación del director soviético por México
transforman el anónimo paisaje citadino en una escena de intercambios íntimos, donde la
gente y las cosas que normalmente se esfuman en las texturas de cada día, hacen una emotiva
meditación sobre el cine y la naturaleza de la felicidad.
Realizada con un presupuesto de veinte dólares, la estética low-tech de la película no es un
obstáculo para la destreza de Cousins: sus secuencias, de cuidadosa elaboración y ritmo preciso,
crean una sensación de espontaneidad al tiempo que revelan una intuitiva mirada para la composición,
la gente y los lugares. La música de PJ Harvey, Johnny Cash y Bernard Hermann establecen
el tono de un viaje que nos invita a permanecer abiertos a la posibilidad de nuevos encuentros.
When introducing his film at the 2012 Telluride Film Festival, Mark Cousins mentioned that a friend
had jokingly suggested he ought to call the project What is this love called film? And indeed,
what animates his latest film is the contagious passion for cinema that runs through his work as a
writer, critic and filmmaker. This cinematic travelogue, essay, poem and diary of sorts (what Cousins
describes as an ad-lib to his previous and epic fifteen hour film The Story of Film) was shot over
three days with a Flip camera. Taking us on a journey through Mexico City streets (with stops in
Scotland, Morelia and the U.S. Pacific Southwest), Cousins reminisces about happiness, solitude,
people, places, dancing, sleeping and the ecstasies they evoke. His chosen travel companion and
interlocutor, the Soviet director Sergei Eisenstein, whom we glimpse throughout in a laminated
photograph held by the filmmaker, provides a central node of reflection in the walking tour of Mexico
City. Cousins’ dialogue with Eisenstein and his famed fascination with Mexico de-familiarizes and
transforms the anonymous cityscape into a scene of intimate exchanges, where the people and
things that normally recede into unremarkable textures of the everyday index a moving meditation
on cinema and the nature of happiness.
Made with a budget of twenty USD, the film’s low-tech aesthetics do not detract from Cousins’
directorial prowess. Its carefully crafted and expertly paced sequences retain a sense of spontaneity
while revealing an intuitive eye for composition, people and places. A soundtrack featuring PJ
Fortes
Harvey, Johnny Cash and Bernard Hermann sets the tone of a journey that invites us to be open
to the chance of new encounters. Mara
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eNfoQue: ciNe sobre ciNe

WHere tHe coNdors fly | donde vuelan los cóndores
Edición: Carlos Klein, Beatrice Babin, Vadim Jendreyko
Música: Daniel Almada, Martin Klingeberg, Carlos Klein
Sonido: Mario Díaz, Patrick Becker, Rafael Huerta, Huang Xun
Producción: Vadim Jendreyko
Compañías de producción: Mira Film, TM Film, CK Films
140
Suiza–Alemania–Chile | 2012 | Inglés, ruso, español, alemán | Color | 90’
Festivales | Festivals
IDFA, RIDM, Visions du Réel, Dokufest Prizren, Festival Internacional de Documentales de Santiago, FIC Valdivia,
DMZDocs Festival Internacional de Cine Documental de Korea, Festival Internacional de Cine de Taiwan.
eNfoQue Dirección, fotografía: Carlos Klein
Contacto | Contact
Marija Knezevic
Taskovski Acquisitions
acquisitions@taskovskifilms.com
Carlos Klein (Chile, 1972) estudió cine en Chile, Cuba y el Reino Unido. En 1994 participó
en el taller “Cámara” en San Diego de los Baños, y de 1995 a 1996 estudió en el London
College of Printing and Distributive Trades. Ha recibido sendos premios en el Festival Internacional
de Documentales de Santiago: por su cortometraje documental Ibycus: un poema de
John Heath-Stubbs (1997) y por su primer largometraje documental, Tierra de Agua (2004).
Klein vive en Santiago de Chile donde también se dedica a la música.
Carlos Klein (Chile, 1972) studied filmmaking in Chile, Cuba and London. In 1994 he took part
in the workshop “Camera” in San Diego de los Baños, and from 1995 to 1996 he studied at
the London College of Printing and Distributive Trades. His documentaries Ibycus: a poem by
John Heath-Stubbs (1997) and Tierra de Agua (2004) have received awards at the Santiago
International Documentary Film Festival. He lives in Santiago, Chile and also works as a musician.

El documentalista chileno Carlos Klein nos muestra el proceso creativo del cineasta ruso Victor Kossakovsky
—famoso por sus experimentos documentales—, durante la filmación de su más reciente película
¡Vivan las antípodas!
Kossakovsky expone a cuadro su premisa esencial sobre el cine documental: “la vida es mucho
más que la verdad”, desafiando de inicio el registro minucioso que realiza Klein sobre él y su trabajo. El
encuentro entre ambos cineastas logra ser en sí una metáfora de las antípodas que tanto inquietan a
Kossakovsky, no solo por sus orígenes diametralmente opuestos —ruso y chileno—, sino sobre todo por
sus distintas formas de concebir el cine. Este diálogo, no siempre armónico, nos invita a reflexionar acerca
de las fronteras difusas entre la ficción y el documental, y sobre cómo se abren múltiples posibilidades
en la expansión de los límites de estos géneros.
El espectador se involucra en la catarsis fílmica y personal de ambos directores. Por un lado, el documental
captura la sensibilidad de Kossakovsky y su insistencia en hacer del cine algo extraordinario,
restaurando nuestra capacidad de asombrarnos con una araña o seduciéndonos con un camino cubierto
de nieve, elevando el poder de la imagen más allá de las palabras. Por otro lado, revela el espíritu reflexivo
y autoreflexivo de Klein, quien nos hace partícipes de los pormenores y el proceso de una singular
película; nos muestra los cambios de lente y la limpieza del mismo, recordándonos que siempre existe
una cámara de por medio en nuestra experiencia con las imágenes.
Donde vuelan los cóndores es más que el retrato de un importante cineasta contemporáneo y que el
making-of de uno de los documentales más premiados y aclamados de los últimos años; es un excepcional
ensayo audiovisual sobre el cine mismo, una road movie de escala global cuyo hilo conductor es
la pasión del documentalista por el mundo.
Chilean documentary filmmaker Carlos Klein shows us the creative process of Russian filmmaker Victor
Kossakovsky—famous for his documentary experiments—during the production of his latest film Long Live
the Antipodes!
Speaking directly to the camera, Kossakovsky reveals his take on the essence of documentary cinema:
“life is much more than truth,” thus challenging from the start the thorough register Klein makes of his life
and work. The encounter between the two filmmakers becomes a metaphor for the antipodes that fascinate
Kossakovsky—not merely because of their diametrically opposed origins (Russian and Chilean) but because
of their radically different ways of understanding cinema. This dialogue —not always harmonious— invites us
to reflect on the blurred boundaries between fiction and documentary and on the ways in which expanding
the scope of these genres opens up numerous possibilities.
The film draws the spectator into the personal and filmic catharsis experienced by the directors. On
the one hand, it captures Kossakovsky’s sensibility and his insistence on making cinema extraordinary: he
restores our capacity to be astonished by a spider, seduces us with a snow-blanketed road and elevates the
power of images beyond words. On the other hand, it reveals the reflexive and self-reflexive spirit of Klein,
who makes us privy to the details and process behind a singular film, showing us the ins and outs of lens
changes and cleaning and reminding us that there is always a camera mediating our experience of images.
Where the Condors Fly is more than a portrait of one of contemporary cinema’s great masters and
more than the making-of of one of the most acclaimed and award-winning documentaries in recent years.
Castro
It is an exceptional film essay about cinema itself, a road movie of universal reach whose driving thread is
a documentary filmmaker’s passion for discovering the world. Karla
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eNfoQue: ciNe sobre ciNe

RETROSPECTIVA CHRIS MARKER
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etrosPectiVa
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al descubriMieNto de cHris Marker
Chris Marker es uno de los más grandes innovadores
en la historia del cine mundial; sin embargo, aún resulta
desconocido para muchos. Tras años de crear
películas de excepcional factura e imaginación, Marker
permaneció invisible detrás de su obra proteica hasta
que el gran público supo de su existencia gracias a
otro cineasta, Terry Gilliam, quien se inspiró en la obra
emblemática de Marker, La jetée, para su película 12
monos (1995).
Marker, autor marginal y pensador influyente de la
nueva ola francesa, dedicó su carrera a encontrar la
mejor forma de plasmar un testimonio fiel y preciso de
las preocupaciones políticas, culturales y sociales de
sus contemporáneos. Viajero incansable, filmó varios
documentales de temas políticos y sociales alrededor
del mundo. Además de poeta y visionario de la forma
—todas sus películas son verdaderos “cine ensayos”—,
jeaN-cHristoPHe berjoN
AGrEGAdO AUdiOviSUAl dE lA EMbAjAdA dE FrANCiA EN MéxiCO
se adhirió a causas sociales y participó en todos los
debates y luchas de su época. Asimismo, colaboró
con los más grandes pensadores y cineastas de su
tiempo: André Bazin, Alain Resnais, Jean-Luc Godard,
Jean Rouch, Edgar Morin, Joris Ivens, Agnès Varda,
Jorge Semprún, William Klein, Andreï Tarkovsky, Yves
Montand, Akira Kurosawa y Fidel Castro.
Marker es autor de un apasionante y vasto material
documental, en su mayoría desconocido en México,
que constantemente buscó nuevas representaciones
de la realidad. AMBULANTE quiso reconocer a este
artista esencial y singular. Su muerte, acaecida durante
los preparativos de este homenaje, lo hacen aún más
pertinente. Este tributo incluye la publicación de una
obra colectiva que reúne reflexiones y testimonios que
celebran el legado de Marker.
Chris Marker (Francia, 1921-2012) comenzó su carrera como parte del grupo de la rive
gauche francesa, paralelo pero independiente a la nouvelle vague. A lo largo de su vida,
colaboró con cineastas de la talla de Joris Ivens, Alain Resnais, Agnès Varda, Jean-Luc
Godard y Costa-Gavras.
Su trabajo se caracterizó por mantener una libertad total en cuanto a forma, contenido
y cometido, y por su firme compromiso político, que ha sido descrito como un canto a la
insumisión y a la rebelión en contra del cinismo de la sociedad. El suyo es un cine de ideas
que a menudo recurre al formato de video diario, por lo que se le atribuye la invención del
“documental subjetivo”. A través de sus ensayos fílmicos salvó del olvido las imágenes
de varias generaciones, preservando la memoria colectiva y mezclándola con la propia.
El espíritu de una obra que pretende sacudir y cuestionar la mirada del espectador,
refleja a la perfección el concepto de liberación, eje central de la programación de la Gira
de Documentales 2013. Marker promueve una liberación del lenguaje cinematográfico y
concibe el cine como el arte de liberar las imágenes de un ámbito particular, reinventando
su significado y cuestionando profundamente la verdad que contienen. El cine de Chris
Marker es un ejemplo brillante del documental libre y liberador.

discoVeriNG cHris Marker
AUdiOviSUAl ATTAChé • EMbASSY OF FrANCE, MExiCO
Chris Marker was undoubtedly one of the greatest
innovators in the history of world cinema, but he is still
very much unknown. Despite years of creating innumerable
and imaginative masterpieces, Marker remained
an obscure figure until filmmaker Terry Gilliam, who
drew inspiration for his 1995 film 12 Monkeys from
Marker’s emblematic work La jetée, introduced him to
a broader audience.
Marker, a marginal auteur and influential thinker of
the French Nouvelle Vague, dedicated his career to
searching for adequate ways to offer the most precise
and faithful testimony of the political, cultural and social
concerns of his contemporaries. An untiring traveler (he
filmed several transnational political documentaries),
poet, and researcher—all of his films are true “essay
films”—Marker engaged in every debate and struggle
of his time and collaborated with many of the greatest
contemporary thinkers and filmmakers of his era such
as André Bazin, Alain Resnais, Jean-Luc Godard, Jean
Rouch, Edgar Morin, Joris Ivens, Agnès Varda, Jorge
Semprún, William Klein, Andreï Tarkovsky, Yves Montand,
Akira Kurosawa, and Fidel Castro.
As the author of several fascinating hours of documentary
material (mostly unreleased in Mexico), Chris
Marker constantly sought a new representation of reality.
Thus, AMBULANTE has turned its attention to such a
uniquely essential artist. Marker’s death, which occurred
during the preparation of this tribute, makes it all the
more relevant. The tribute will include the publication of
a collective work containing reflections and testimonies
celebrating Marker’s legacy.
Chris Marker (France, 1921-2012) began his career as a member of the French cinema group Left Bank, parallel
to but independent of the New Wave. During his career, he collaborated with important filmmakers such as Joris Ivens,
Alain Resnais, Agnès Varda, Jean-Luc Godard and Costa-Gavras.
Chris Marker’s work was characterized by a total freedom of form, content and vision, as well as a strong political
commitment, and has been described as a song of disobedience and rebellion against society’s cynicism. His cinema is
reflexive and speculative and often uses the video diary format of the video diary. A pioneer of “subjective documentary,”
Marker rescued from oblivion the images of many generations, preserving collective memory and mixing it with his own
in ellaborate film essays.
The spirit of an oeuvre that seeks to disrupt and question the spectator’s gaze perfectly reflects the concept of
liberation, a cornerstone of the program for Ambulante 2013. Marker promotes liberation through film language and
conceives cinema as the art of liberating images from a particular domain, thereby re-signifying them and posing profound
questions about the truth they contain. Marker’s work is a brilliant example of free and liberating documentary making.
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retrosPectiVa: cHris Marker

etrosPectiVa
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... À ValParaiso
a valParaíso
vAlpArAiSO
Dir. Joris Ivens | Guion: Chris Marker | Chile-Francia | 1965 |
Francés, español | 34’
Realizada en colaboración con Joris Ivens, ...A Valparaíso
(1963) refleja la pasión de ambos cineastas por
su viaje a Chile. Los directores de la película, quizás
atraídos por la peculiar historia colonial de Valparaíso,
rinden homenaje a esta pequeña ciudad chilena con
humor, poesía y cierta melancolía. El ambiente, la gente,
el clima y hasta la economía quedan plasmados en el
filme; Ivens y Marker logran transmitirnos su entusiasmo
por este lugar.
Filmed in collaboration with Joris Ivens, ...Valparaiso
(1963) reflects Ivens’ and Marker’s passion for their trip
to Chile. The directors, attracted to Valparaiso’s peculiar
colonial history, make a humorous, melancholic and poetic
homage to this small Chilean city located on the central
coast of the country. The film captures the environment,
the people and the economy. Ivens and Marker transmit
to us their enthusiasm for this place.
a.k.
Francia-Japón | 1985 | Francés, japonés | 75’
Tributo de Marker al legendario cineasta japonés Akira
Kurosawa. El escenario es la filmación de la épica cinta
Ran. Marker capta la personalidad y visión de Kurosawa
—frente y tras la cámara–que definen su proceso de trabajo,
así como las imágenes y los temas que trazan los ejes
de su obra. Más allá de ser un retrato, este filme es un
comentario sobre el cine mismo, la memoria, el diálogo
entre la imagen y la realidad, y la fascinación de Marker
por la cultura japonesa.
This film is Marker’s tribute to Japanese filmmaker Akira
Kurosawa. The setting is the filming, on location, of the epic
movie Ran. Marker captures the personality and vision that
frames Kurosawas’ work process —in front of and behind
the camera— as well as the images and themes that define
his work. More than a portrait, it is a commentary on cinema
itself, memory, the dialogue between image and reality, and
Marker’s own fascination with Japanese culture.

le foNd de l’air est rouGe
el Fondo del aire es rojo
A GriN wiThOUT A CAT
Francia | 1977 | Francés, español, inglés, alemán | 177’
Película restaurada por los Archivos Fílmicos Franceses, en el marco
del plan de rescate de películas antiguas del Ministerio de Cultura.
¿Por qué a veces las imágenes comienzan a temblar?
Chris Marker formula esta pregunta en su épica crónica de
la Nueva Izquierda y de las protestas que conmocionaron
al mundo en los años sesenta y setenta. La pregunta hace
referencia a las manos temblorosas del camarógrafo en
el momento de registrar “eventos históricos” en medio
del caos social. La pregunta también alude a la inestabilidad
de cualquier movimiento social y a la ideología que
subyace en las luchas revolucionarias. Marker intercala
ficción y material de archivo, y hace uso de múltiples
narradores para crear un montaje explosivo. Este filme
es una poderosa meditación sobre la memoria cultural,
la atrofia de imaginarios utópicos y la emergencia de una
nueva consciencia política.
Why is it that sometimes images begin to tremble? Chris
Marker raises the question in his epic chronicle of the New
Left and the protests that shook the world in the 1960s
and 70s. Referencing the cameraman’s shaky hands when
recording “historical events” in the midst of social upheaval
and chaos, the question also points to the instability of any
militant movement and of the ideological basis underlying
revolutionary struggles. Marker intercuts archival footage
with fiction film and recruits multiple narrators to create an
explosive montage. This film is a powerful meditation on
cultural memory, the atrophy of utopian imaginaries and
the emergence of a new political consciousness.
la jetée
el muelle
ThE piEr
Francia | 1962 | Francés, alemán | 28’
La Jetée es un clásico indiscutible del cine experimental,
muy cercano al cine y a la literatura de ciencia ficción. Esta
cinta, que podría definirse como un cine ensayo o una
fotonovela, relata un viaje en el tiempo a un mundo futurista,
postapocalíptico, narrado a partir de incontables fotos fijas
en blanco y negro. Es una de las películas más radicales
e influyentes de Marker: inspiró filmes como 12 Monkeys
de Terry Gilliam y ha sido evocada en populares videoclips
como Jump They Say de David Bowie. Es sin duda una
obra icónica y un referente fundamental en el imaginario
underground y en la cultura audiovisual contemporánea.
La Jetée is an irrefutable classic of experimental cinema,
closely tied to science fiction literature and film.
This work, which could be considered an essay film or
a photonovel, narrates a trip through time to a futuristic,
post-apocalyptic world by way of innumerable black and
white still photographs. It is one of Marker’s more radical
and influential films; it inspired films such as Terry Gilliam’s
12 Monkeys and has been invoked in popular music videos
such as David Bowie’s Jump They Say. It is without a
doubt an iconic work and a fundamental point of reference
in both the underground imaginary and contemporary
audiovisual culture.
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retrosPectiVa: cHris Marker

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le joli Mai
el Hermoso mayo
bEAUTiFUl MAY
Dir. Chris Marker, Pierre Lhomme | Francia | 1963 | Francés
| 165’
Película restaurada por los Archivos Fílmicos Franceses, en el marco
del plan de rescate de películas antiguas del Ministerio de Cultura.
En mayo de 1962, durante los primeros días de los
Acuerdos de Evian que pusieron fin a la terrible Guerra
de Argelia, Marker pasea por las calles de París. Toma
el pulso de sus ciudadanos y su cámara se convierte en
un lugar de diálogo con las personas que se encuentra.
Le joli mai plasma con excepcional habilidad, alternando
entrevistas y una narración poética, la cotidianidad de
la ciudad a finales de la Segunda Guerra Mundial. Este
largometraje de Chris Marker, realizado en colaboración
con Pierre Lhomme, es una de sus obras más importantes.
In May 1962, during the first days of the Evian Agreements
that ended the terrible Algerian War, Marker strolls through
the streets of Paris to take the pulse of its citizens. His
camera becomes a point of encounter and exchange for
the people he runs into. Le joli mai skillfully captures the
everyday life of the city after the Second World War by
alternating interviews with a poetic narrative. Marker’s
feature film, made in collaboration with Pierre Lhomme,
is certainly one of his most important works.
uNe jourNée d’aNdrei arseNeVitcH
un día en la vida de andrei arsenevitcH
A dAY iN ThE liFE OF ANdrEi ArSENEviCh
Francia | 1999 | Francés | 56’
Originalmente un episodio de la serie francesa de documentales
“Cineastas de nuestros tiempos”, Une journée
d’Andrei Arsenevitch es un homenaje al cineasta ruso
Andrei Tarkovsky, y una reflexión de su vida y obra. Marker
trata de vislumbrar a Tarkovsky en sus películas, en un
intento por entender al misterioso director, entretejiendo
personajes y escenas de las películas del realizador ruso,
además de tomas en video registradas durante los últimos
días de su vida.
Originally an episode of the French documentary film
series Cinéastes de notre temps, Une journée d’Andrei
Arsenevitch is a homage to the Russian filmmaker Andrei
Tarkovsky and a reflection on his life and work. Marker tries
to find Tarkovsky in his films in an attempt to understand
this mysterious director, interweaving characters and scenes
from Tarkovsky’s films, video shot in the final days of his
life and Marker’s own observations.

leVel 5 | nivel 5
Francia | 1997 | Francés, japonés, inglés | 106’
Filmada hace más de 16 años, Level 5 es una ingeniosa
exploración del mundo de las computadoras y video juegos,
y su relación con la historia y la cultura. Marker equipara
el desarrollo de un video juego con la invasión de la isla
japonesa de Okinawa durante la segunda guerra mundial.
En esta extraña pero sugerente asociación de ideas, el
director también incluye las opiniones de Nagisa Oshima
sobre las batallas en Hiroshima y Okinawa. Aunque se
trate de uno de los pocos trabajos de ficción de Marker,
Level 5 comparte una forma similar con otros de sus cine
ensayos, sobre todo por el uso de un collage de imágenes
y un narrador cuyas observaciones sirven como un
metadiscurso sobre la realidad.
Filmed more than sixteen years ago, Level 5 is a clever
exploration of the world of videogame and computers,
and its relation to history and culture. Marker equates the
development of a video game with the invasion of the
Japanese island of Okinawa during the Second World
War. In this strange but evocative association of ideas,
the director also includes Nagisa Oshima’s opinions on
the battles of Hiroshima and Okinawa. Although it is one
of Marker’s few works of fiction, Level 5 is similar in form
to his other essay films, primarily because of its use of
fragmented images and a narrator whose observations
serve as a meta-discourse on reality.
loiN du VietNaM
lejos de vietnam
FAr FrOM viETNAM
Dir. Chris Marker, Joris Ivens, William Klein, Claude Lelouch,
Agnès Varda, Jean-Luc Godard y Alain Resnais | Francia |
1967 | Francés | 115’
Película restaurada por los Archivos Fílmicos Franceses, en el marco
del plan de rescate de películas antiguas del Ministerio de Cultura.
Clásico del cine documental y agitprop, Loin du Vietnam es
resultado de la colaboración entre Chris Marker, Agnès
Varda, Alain Resnais, Jean-Luc Godard, Joris Ivens, William
Klein y Claude Lelouch, y una postura de protesta hacia
la guerra en Vietnam, el imperialismo estadounidense y
la devastación de los enfrentamientos bélicos. Impera la
convicción de Chris Marker de generar “contra-información”
para contrarrestar la propaganda y la falsa información que
contribuyen a justificar un genocidio. Este manifiesto fílmico
ofrece un análisis complejo sobre la memoria histórica, la
crueldad humana, las perversiones del imaginario político,
pero, sobre todo, demuestra el poder del cine como
instrumento de concientización.
A classic work of documentary and agitprop cinema, Loin
du Vietnam is a collaboration between Chris Marker, Agnès
Varda, Alain Resnais, Jean-Luc Godard, Joris Ivens, William
Klein and Claude Lelouch. It constitutes a protest against
the Vietnam War, US imperialism and the devastation of
war. Marker generates “counter-information” to counteract
propaganda and the false information that contributed to
the justification of genocide. This film manifesto offers a
complex analysis of historical memory, human cruelty, the
perversions of political discourse, while upholding cinema’s
capacity to create alternative consciousness.
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retrosPectiVa: cHris Marker

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saNs soleil | sin sol | SUNlESS
le souVeNir d’uN aVeNir
recuerdos del Porvenir
rEMEMbrANCE OF ThiNGS TO COME
Dir. Chris Marker, Yannick Bellon | Francia | 2003 | Francés | 42’
Yannick Bellon y Chris Marker colaboran en este retrato de
Francia | 1983 | Francés, japonés, inglés | 104’
la célebre fotógrafa Denise Bellon. Con el característico
Sans Soleil es una de las películas más conocidas de sello poético y reflexivo de Marker, el cine ensayo plantea
Chris Marker, y una de las más revolucionarias en la his- diversos itinerarios a través de la vida de la fotógrafa.
toria del cine; rompe esquemas, abarca distintos géneros La protagonista se transforma en la crónica de una época:
y se libera totalmente de las formas convencionales del los inicios del cine, las vanguardias artísticas que dibu-
lenguaje audiovisual. Puede verse como el diario de un jaron la historia del siglo XX, la ocupación de Francia y
viaje imaginario por África y Japón, construido a partir de la los momentos que truncaron ilusiones. Fiel a la labor de
correspondencia entre personajes ficticios que recuerdan una fotógrafa que se dedicó a coleccionar vidas y aven-
aspectos significativos de sus experiencias interculturales. turas, Le souvenir d’un avenir rescata las historias que
El resultado es un extraordinario ensayo fílmico sobre el hacen el pasado inteligible y nos recuerda aquellas que
tiempo, la memoria y la cultura, que cuestiona los para- crean futuros posibles.
digmas de la representación y los estereotipos sobre la
alteridad. Es un cine sumamente personal y subjetivo, que
no por ello deja de tener un fuerte carácter documental.
Yannick Bellon and Chris Marker collaborate in this portrait
of the famous photographer Denise Bellon. With Marker’s
characteristic poetic and reflexive style, this essay film
Sans Soleil is arguably Chris Marker’s most well-known film presents diverse points in Bellon’s life. The protagonist
and a revolutionary contribution to the history of cinema. A becomes the chronicle of an entire period: the beginnings
travelogue of an imaginary trip through Africa and Japan, of cinema, the artistic vanguards that portrayed the history
constructed from the correspondence between fictitious of the twentieth century, the French Occupation and the
characters who recall important aspects of their intercultural events that truncated collective hopes. Faithful to the work
experiences, the film questions representational paradigms of a photographer who dedicated herself to compiling lives
and stereotypical notions of the exoticized Other. The result and adventures, Le souvenir d’un avenir rescues the stories
is an extraordinary essay about time, memory, and culture that made the past comprehensible and reminds us about
that crosses genres and breaks with aesthetic conventions.
those stories that create possible futures.

le traiN eN MarcHe
el tren en marcHa
ThE TrAiN rOllS ON
Francia | 1973 | Francés | 31’
En Le train en marche, Marker retrata a Alexander Ivanovich
Medvedkin y su cine-tren de los años treinta. En la película,
Marker intercala material de archivo, fotografías y una
entrevista con el director ruso. Medvekin diseñó un tren
que sirvió de laboratorio fílmico, cuarto de edición y sala de
proyección, que viajaba a diferentes pueblos de la Unión
Soviética. Interesados en crear un cine propagandístico,
él y su equipo filmaban e inmediatamente procesaban el
material para proyectarlo en las comunidades. Su idea era
ayudar a las personas a construir un nuevo mundo a partir
de las películas que habían creado juntos. El cortometraje
se realizó originalmente como un prefacio de la película
Bonheur (Felicidad) de Medvedkin, pero desde entonces
se ha vuelto uno de los trabajos más notables de Marker,
presentando a su mentor a una audiencia más amplia.
In The Train Rolls On, Marker turns his camera to Alexander
Ivanovich Medvedkin and his Cine-Train of the 1930s,
interweaving archival footage, photographs, and an interview
with the Russian director. Medvedkin traveled all over the
Soviet Union on a train of his own design, which served as
a film laboratory, as well as an editing and projection room.
Interested in making propaganda films, he and his crew
would shoot film and immediately process it in order to
screen it in different villages. His idea was to film people,
and then show them the films they created together, in order
to help them envision a new world. The short was originally
made as a preface to Medvedkin’s film Happiness but has
since become one of Marker’s most noted films and one
that introduced his lesser-known mentor to a larger public.
oN Vous Parle du cHili: ce Que disait
alleNde
rePorte desde cHile: lo Que dijo allende
rEpOrT ON ChilE: whAT AllENdE SAid
Francia | 1973 | Francés, español | Blanco y negro | 16’
oN Vous Parle du brésil: tortures
rePorte desde brasil: torturas
rEpOrT ON brAzil: TOrTUrES
Francia | 1969 | Francés, portugués | Blanco y negro | 20’
Chris Marker, fiel aliado del tiempo y con la intuición de
anticipar y presenciar la historia, dirigió entre 1969 y 1973
On vous parle de..., una serie de cortos realizados con el
fin de captar de manera inmediata los eventos importantes
que sucedían en el mundo, y plasmarlos en la pantalla
grande, ofreciendo una visión distinta a la oficial y reportando
los hechos con la inmediatez de su tiempo. En esta
ocasión, presentaremos On vous parle du Chili: Ce que
disait Allende una larga entrevista con Salvador Allende
a unos días de su muerte, sobre su proyecto socialista y
On vous parle du Brésil: Tortures, testimonios de jóvenes
revolucionarios durante la dictadura militar brasileña.
Chris Marker—time’s faithful ally with an unerring instinct
to anticipate and witness history— directed On vous parle
de...(1969-1973), a series of short films that sought to
capture important world events in rapid succession, and
provide “news coverage” from a perspective that differed
from the official one. We will present two of these shorts:
On vous parle du Chili: Ce que disait Allende (1973),
a long interview with Salvador Allende about his socialist
project days before his assassination, and On vous parle
du Brésil: Tortures (1970), testimonies of young revolutionaries
during the Brazilian military dictatorship.
151
rtr
retrosPectiVa: cHris Marker

El cine de Chris Marker ha resultado sumamente influyente
e inspirador. Además de mostrar sus películas
más representativas, presentamos trabajos realizados
por otros autores, que con estilos diferentes rinden
homenaje y elaboran un retrato íntimo de este cineasta, y
nos permiten conocer mejor su enigmática personalidad
y la complejidad de su obra.
Chris Marker’s cinema has influenced several generations
of filmmakers. Besides featuring his most representative
work, this retrospective includes films by various directors
who create intimate portraits of, and pay tribute to, the
renowned auteur. Their individual visions and different
styles offer a glimpse into Marker’s enigmatic personality
and the complexity of his work.
en el estudio de cHris marker
AGNÈS vArdA iN ChriS MArkEr’S ATEliEr
152
Dir. Agnès Varda | Francia | 2011 | Francés | 10’
Retrato elaborado por Agnès Varda, colega y amiga de
Marker, precursora de la nueva ola francesa, quien evoca
a Marker y lo rastrea en cada rincón de su estudio, una
suerte de laboratorio espacial atiborrado de imágenes.
Portrait of Marker by Agnès Varda, Marker’s colleague
and friend, and important precursor of the French New
Wave. Varda evokes Marker and searches for him in every
corner of his studio—an idiosyncratic laboratory space
saturated with images.
retrosPectiVa daNs l’atelier de cHris Marker
las VariacioNes Marker
tHe marker variations
Dir. Isaki Lacuesta | España | 2008 | Español | 34’
Las variaciones Marker son una serie de cortometrajes
del cineasta español Isaki Lacuesta, en los que retoma
y resignifica imágenes de varias películas de Marker,
rindiéndole un homenaje experimental. La serie inicia con
el permiso explícito de Marker: “como podrán suponer,
jamás me opongo a los experimentos. Si Isaki Lacuesta
desea usar fragmentos de mis películas, que así sea. Yo
mismo practico tanto la piratería, que sin duda disfruto
de ser pirateado”. Además de las imágenes de Marker,
escuchamos reflexiones subjetivas y crónicas de viajes
imaginarios en voz de Lacuesta —muy a la Marker— entreveradas
con mitos, leyendas y otras ficciones que hacen
referencia tanto la realidad que traslucen las películas de
Marker, como a la propia figura de este enigmático cineasta.
The Marker Variations is a series of short films by the
Spanish filmmaker Isaki Lacuesta who appropriates and
re-signifies images from a number of Marker’s films, as
an experimental homage. The series begins with Marker’s
explicit approval: “As you can imagine, I am never opposed
to experiments. If Isaki Lacuesta wishes to use footage
from my films, so be it. As I myself indulge in piracy, I undoubtedly
will enjoy being pirated.” Layered over Marker’s
images are personal reflections and chronicles of imaginary
journeys interspersed with myths, legends and other fictional
accounts that reference both the reality that Marker’s films
reveal and his enigmatic cinematic presence.

153
rtr
retrosPectiVa: cHris Marker

154
imperdibles
Amplia variedad de actividades y presentaciones: obras de teatro, conciertos, instalaciones,
presentaciones de documentales en vivo, auto-cinemas, talleres y proyecciones exclusivas.

A wide range of activities and presentations: live documentary presentations, plays,
concerts, installations, drive-in cinemas, workshops and special screenings.
155

156
actiVidades y PreseNtacioNes esPeciales
Con el fin de explorar la maleabilidad del género
documental, así como de ampliar la concepción y entendimiento
del mismo, desde el 2011 AMBULANTE
se propuso complementar su programación con una
serie de actividades Imperdibles que destacan por su
variedad y originalidad.
Por tercera ocasión y tras el éxito obtenido en las
previas ediciones, AMBULANTE renueva su colaboración
con el Vive Latino, el Festival Iberoamericano
de Cultural Musical, que tendrá lugar del 15 al 17 de
marzo en el Foro Sol de la Ciudad de México. Como
novedad para el 2013, durante esos tres días la Carpa
AMBULANTE, oasis bajo el sol, contará con la
presencia de reconocidos artistas que harán a la vez
de curadores y presentadores de los documentales.
Además, en los once estados que conforman nuestro
recorrido en esta edición, habrá auto-cinemas,
proyecciones especiales, cine a mano —arte efímero
que reta la concepción del cine como registro haciendo
uso de la tinta china o del bicarbonato de sodio para
dibujar historias en pantalla grande—, paneles con
profesionales de la industria cinematográfica, talleres
de producción documental para niños, proyecciones
con musicalización en vivo, entre otros eventos.
Para no perderse ninguno de estos eventos, AM-
BULANTE contará con una amplia cobertura de las
actividades en distintos estados a través de su plataforma
en línea (www.ambulante.com.mx), que podrán
ser vistos casi de manera simultánea.

sPecial screeNiNGs aNd Parallel actiVities
With the hope of exploring the possibilities of the documentary
genre and of expanding our conception and
understanding of documentary culture, Ambulante
decided to add, beginning with its 2011 edition, a series
of activities called IMPERDIBLES. These activities
complement the festival’s program and stand out for
their original and varied approach to documentary film.
Given the success of previous editions, AMBULANTE,
for the third time in a row, renews its collaboration with
Vive Latino, the renowned Ibero-American Culture and
Music Festival, which will take place this year from
March 15th-17th at the Foro Sol in Mexico City. As
an added feature to this edition, the Ambulante Stage
will bring celebrated artists who will both curate and
present the films.
Moreover, in the eleven states that comprise our
documentary tour, we will host drive-in cinemas, special
screenings, handmade cinema (an ephemeral art practice
that employs ink and baking soda to reveal a different
kind of live cinema and trace stories on the big screen),
panels with industry professionals, documentary film
workshops for children and screenings with live musical
accompaniment, among other events.
AMBULANTE will provide extensive coverage of
these activities and their different venues on its online
platform www.ambulante.com.mx where viewers all
over the world will be able to access them.
157
iMP
iMPerdibles

internacional
158
Desde 2007, AMBULANTE ha presentado selecciones de documentales en más de 33
ciudades en 15 países en colaboración con distintos festivales, organizaciones, exhibidoras
e instituciones. AMBULANTE ha viajado a Argentina, Australia, Canadá, Colombia,
Cuba, El Salvador, España, Estados Unidos, Guatemala, Nicaragua, Noruega, Sudáfrica,
Suecia, Tanzania y Kosovo.

Since 2007, AMBULANTE has presented selections of documentaries in more
than 33 cities in 15 counties in collaboration with different festivals, organizations,
exhibitors and institutions. AMBULANTE has traveled to Argentina, Australia,
Canada, Colombia, Cuba, El Salvador, Spain, the United States, Guatemala,
Nicaragua, Norway, South Africa, Sweden, Tanzania and Kosovo.
159

AmbulAnte Ante lA críticA
ambulante: a critical review
161

162
AMBULANTE ANTE LA CRíTICA
Articulada alrededor de la idea de liberación
y su relevancia en distintos niveles, desde el
sociopolítico hasta el estético, la octava edición
de Ambulante coincide con el quinto año
del vínculo estrecho y fecundo que la revista
Letras Libres ha creado con esta magnífica gira
de documentales. Desde 2009, Letras Libres se
ha propuesto integrar anualmente un coro
de voces críticas y literarias de reconocido
prestigio que puedan dialogar y reflexionar
sobre el género cinematográfico para el que
Ambulante erige, con indudable eficacia, un
hogar cada vez más sólido que le garantiza
una presencia negada en buena medida por
las grandes cadenas de exhibición en México.
Liberado de las ataduras que impone el cine de
ficción hecho con los moldes de Hollywood,
el documental ha sabido incorporar, todo un
arsenal de mecanismos y recursos fílmicos que
le permiten cumplir con su objetivo principal:
consolidar un registro fiel de la realidad que,
por más ilusoria o descabellada que nos parez-
ca, debemos enfrentar y descifrar día tras día.
Para sumarse al viaje liberador que Ambulante
ha preparado en 2013, Letras Libres invitó a
cuatro autores que exploraron las películas
incluidas en varias secciones del programa. Así,
Rafael Aviña aborda Pulsos, que muestra la producción
documental mexicana más reciente;
Bernardo Esquinca se ocupa de Sonidero, que
da cabida a múltiples e innovadoras corrientes
musicales; Verónica Gerber Bicecci se adentra
en Injerto, que reúne trabajos experimentales
alejados de las convenciones del propio género
documental, y Mauricio Montiel Figueiras
examina la obra inquieta y multifacética del
cineasta francés Chris Marker (1921-2012),
a quien se dedica una amplia retrospectiva a
manera de homenaje. Cinco años después de
iniciar su fructífera relación con Ambulante,
Letras Libres continúa aportando lecturas que
confirman la libertad con que el documental
crece y madura en nuestra época.

AMBULANTE: A CRITICAL REVIEW
Organized around the concept of liberation
and its relevance on levels ranging from the sociopolitical
to the aesthetic, the eighth edition
of the Ambulante Documentary Film Festival
also celebrates the fifth year of its strong and
fruitful association with the magazine Letras
Libres. Since 2009, Letras Libres has invited an
array of prestigious critical and literary voices
to discuss and reflect on the documentary
genre for Ambulante’s festival, a magnificent
event that provides an increasingly healthy
home for works often denied a presence in
Mexico’s commercial cinemas. Freed from the
constraints of the conventional Hollywood
mold, documentaries have incorporated an
arsenal of tools and resources that enable the
genre to fulfill its main objective: to establish
a faithful record of the reality that we must
face and decipher day after day, no matter
how fantastic and absurd it may seem. Joining
this liberating journey that Ambulante has
planned for 2013, Letras Libres has invited four
authors to explore the films included in each
section. Rafael Aviña addresses Pulsos, which
features the latest Mexican documentaries;
Bernardo Esquinca writes about Sonidero,
which includes a number of innovative musical
trends; Verónica Gerber Bicecci explores
Injerto, which brings together experimental
works unconstrained by the conventions of
the documentary genre; and Mauricio Montiel
Figueiras examines the lively and multifaceted
work of French filmmaker Chris Marker (1921-
2012), to whom the festival pays tribute with a
lengthy retrospective. Five years after starting
its fertile relationship with Ambulante, Letras
Libres continues to contribute readings that
reaffirm the freedom through which documentaries
grow and mature in our times.
163

164
Materiales de archivo, Materiales peligrosos
pulsos
El otro cine mexicano es aquel que rechazan
los medios. Es el cine sin glamour, sin estrellas,
sin la burocracia ni las posiciones triunfalistas
de las instituciones. Es un cine que sobrevive
por lo general sin apoyos oficiales y que surge
gracias al tesón, el entusiasmo y la inventiva
de jóvenes directores que han encontrado en
el documental y en las nuevas tecnologías
digitales —sin descartar el formato en 35
mm— una manera de levantar proyectos en
la capital o el interior del país. En el México
del nuevo milenio, el cine documental se erige
como una alternativa inteligente ante las fórmulas
trilladas y los argumentos repetitivos
que ofrece la cartelera comercial.
En ese sentido Ambulante Gira de documentales
aparece como una extensión de tal
libertad creativa, una suerte de cómplice que
ha crecido a la par de las propuestas cada vez
más crípticas de un cine que ha alcanzado una
madurez y una especialización en su propia
etapa de experimentación. En esta ocasión,
la sección Pulsos propone en la mayoría de
sus relatos el inquietante uso de materiales
de archivo: el stock shot no sólo como un ele-
Rafael aviña
mento de apoyo sino como un instrumento
dramático, incluso moral.
Tanto La piedra ausente (2012), de Jesse Lerner
y Sandra Rozental, como Palabras mágicas
(2012), de Mercedes Moncada, y en menor
medida, aunque no por ello con menor importancia,
Partes de una familia (2012), de Diego
Gutiérrez, utilizan imágenes de archivo de
diversas fuentes: noticieros cinematográficos,
reportajes televisivos, escenas promocionales o
películas caseras; descriptores que sirven para
enfatizar y crear atmósferas emocionales o
puentes imaginarios con el espectador. Son, en
todo caso, imágenes de indudable sostén que
al mismo tiempo pueden resultar peligrosas
e incontrolables.
Aunque Partes de una familia prescinde de
los típicos materiales de archivo, los breves
fragmentos de escenas caseras filmadas en 8
mm en los años sesenta que el director inserta
de manera fugaz consiguen transmitir no sólo
una terrible sensación de nostalgia y tristeza,
sino que se convierten en apuntes dramáticos
de enorme fuerza para narrar la historia de
un matrimonio que luego de cincuenta años

Archive MAteriAls, DAngerous MAteriAls
pulsos
The other Mexican cinema is the one the
media rejects. It is the unglamorous cinema,
without stars, with neither the bureaucracy
nor the triumphalist attitudes of institutions.
It is a cinema that generally survives without
official sponsors. It survives thanks to the
determination, enthusiasm and inventiveness
of young directors who have discovered in the
documentary genre and new digital technologies—without
discarding the 35mm format—a
way to produce films in Mexico City or other
states across Mexico. In this new millennium,
documentaries are an intelligent alternative
to the old formulas and ideas of commercial
films in Mexico.
In this sense, Ambulante is an extension of
this creative freedom. It has grown in tandem
with the increasingly sophisticated proposals
of a cinema that has matured and specialized
in experimentalism. This year, the majority
of the stories in the Pulsos section bring the
unsettling use of archival footage and the
stock shot, not only as support material but
also as a dramatic instrument, or even a moral
one. Jesse Lerner and Sandra Rozental’s The
Absent Stone (2012), Mercedes Moncada’s
Magic Words (2012), and to a lesser degree but
equally important Diego Gutiérrez’s Parts of a
Family (2012) use archival footage from various
sources: newsreels that were shown before
films in Mexico, TV programming, scenes
from commercials and home movies. These
elements create and emphasize emotional
atmospheres or imaginary bridges connecting
the films with the audience. The images,
in any event, support the narrative, but they
can also be dangerous and uncontrollable.
Although Parts of a Family does not use
typical archival materials, the brief fragments
from 1960s 8mm home movies that the director
fleetingly interpolates not only convey
a deep feeling of nostalgia and sadness but
also become strong dramatic lines. They help
tell the story of a married couple that, after
fifty years, has almost completely lost the
motivation they once had to forge a life and
a family together. More intriguing is that the
son, Diego Gutiérrez, is the one narrating the
relationship’s collapse: the decline of his own
parents’ marriage. The filmmaker becomes at
165

166
ha perdido casi por completo el ímpetu que lo
llevó a formar una vida en común y construir
una familia. Intriga aún más el hecho de que
sea el hijo, Diego Gutiérrez, quien se encargue
de narrar el desmoronamiento de esa relación:
la de sus propios padres. Aquí el realizador se
vuelve testigo y cómplice; cuestiona y observa;
traduce en imágenes su propio desasosiego y
el de sus padres y lo hace de forma imparcial
y sensible a la vez. El enorme y lujoso caserón
donde Gina y Gonzalo viven por separado,
en compañía de la vieja nana y sirvienta, es
testigo mudo de esa indiferencia y falta de
interés mutuos. Especie de fortaleza rodeada
de bardas electrificadas, con múltiples habitaciones
y un jardín impactante, la casona
que guarda a esa pareja madura testifica el
proceso de incomunicación y el hastío como
en una home movie imaginada por el primer
Atom Egoyan, bajo la metáfora del Popocatépetl
y el Iztaccíhuatl que el joven cineasta
se empeña en intercalar como recuerdo de lo
que alguna vez fue: una historia de amor ideal
en un enigmático documental.
Jesse Lerner y Sandra Rozental emplean
las imágenes triunfalistas que Cinemundial y
Cinescopio registraron durante la fase de salida
del lopezmateismo, para tramar la historia de
“la piedra ausente” de San Miguel Coatlinchan,
pueblo del Estado de México; una historia
inquietante que tiende al caos al ser observada
desde diversas posturas sin concentrarse propiamente
en alguna. La piedra en cuestión es el
colosal monolito prehispánico que representa
a Tláloc, dios de la lluvia, y que en abril de
1964 fue trasladado de manera espectacular al
Museo Nacional de Antropología e Historia en
la ciudad de México. La piedra ausente retrata
los intentos de los habitantes de San Miguel
Coatlinchan por recuperar el monolito y su obsesión
por él traducida en decenas de réplicas;
el impresionante desplazamiento del ídolo y
la brutal globalización contra la que el pueblo
lucha para mantener la tradición; los conflictos
en torno del patrimonio de los objetos del
pasado y la propiedad cultural. Lerner y Rozental
proponen un documental-performance
en el que caben diversos recursos —el saqueo
de imágenes e historietas, los testimonios
de especialistas e involucrados, los dibujos
animados en tono de farsa posmoderna— y
que se sumerge en un relato con el que abre y
cierra Vaho (2009), filme de ficción del joven
realizador Alejandro Gerber.
En 2003 la cineasta de origen nicaragüense
Mercedes Moncada, estudiante del Centro de
Capacitación Cinematográfica (CCC), debutaba
en México con La pasión de María Elena:
el rescate de una mujer rarámuri de la Sierra
Tarahumara que es rechazada y tratada con
desconfianza por los suyos por vivir separada
del padre de sus hijos y cuyo hijo menor, fallecido
en un accidente vial, se vuelve otro motivo
de suspicacia. A esta película le seguirían tres
relatos más filmados en Nicaragua: El inmortal
(2005), La sirena y el buzo (2008) y Palabras
mágicas (2012), un recuento de los horrores y
las corruptelas de las dictaduras de Anastasio
Somoza y del propio Frente Sandinista de
Liberación Nacional. Libertadores trocados
en dictadores son captados por una narración
en primera persona que fluye entre el sueño y
la memoria, entre la fantasía mágico-telúrica
y un realismo despiadado.

once a witness and an accomplice. He questions
and observes, translates his own and his
parents’ despair into images, and he does it in
a way that is both impartial and tactful. The
luxurious, enormous house in which Gina
and Gonzalo live estranged, along with the
old babysitter and maid, are silent witnesses
to their indifference and mutual lack of interest
for each other. It resembles a fortress,
surrounded by electrified gates with multiple
bedrooms and an impressive garden. This
fortress attests to the couple’s weariness and
their lack of communication, as in a home
movie imagined by Atom Egoyan. The young
filmmaker interweaves the metaphor of two
volcanoes in love, the Popocatépetl and Iztaccíhuatl,
with his memory of what once existed:
a great love story.
Without crediting the myriad magazines
such as Cine Mundial or Cinescopio that they
integrate into their film, Jesse Lerner and
Sandra Rozental use the triumphalist images
that they recorded during the last phase of
president Adolfo López Mateos’s government
to tell the story of “the absent stone” from
San Miguel Coatlinchan, a town in the State
of Mexico. It is a disturbing and chaotic story
told from different angles but without focusing
on any specific one. The stone is actually the
colossal pre-Hispanic monolith representing
Tláloc, the god of rain, which was moved,
with much drama, to the National Museum
of History and Anthropology in Mexico City
in 1964. The Absent Stone documents the efforts
of the residents of the village to recover
the monolith as well as their obsession with
the scores of replicas they have, the impres-
sive removal of the idol, the town’s struggle
to maintain their traditions, and the conflicts
surrounding historical patrimony. Lerner and
Rozental present a documentary-performance
that uses different resources—appropriated
images and comic strips, cartoons in the vein
of a postmodern farce, as well as testimonials
from specialists and people involved in the
conflict—to tell a tale that opens and closes
Becloud (2009), a fictional film by the young
director Alejandro Gerber.
In 2003, the Nicaraguan filmmaker Mercedes
Moncada, a student at the Centro de
Capacitación Cinematográfica (CCC), debuted
in Mexico with The Passion of María Elena. The
film tells the story of the rescue of a Rarámuri
woman, from the Tarahumara mountains, who
is rejected and treated with suspicion by her
own community because she lives separately
from the father of her children. Her youngest
son’s death is another reason for mistrust. The
director went on to shoot three more films in
Nicaragua: The Immortal (2005), The Mermaid
and the Diver (2008), and Magic Words (2012),
an account of the horrors and corruption of
Anastasio Somoza’s dictatorship and even of
the Sandinista National Liberation Front. In
Magic Words Moncada captures how liberators
turned into dictators with a first-person narrative
that flows between dreams and memories,
magic-terrestrial fantasy and ruthless realism.
Brutal images such as a soldier cowardly
shooting a man contrast with the images depicting
Nicaragua as a kind of fairy tale, an
idyllic country as imagined by the United
States. Such violent images also clash with
allegorical images depicting the true spirit of
167

168
Imágenes brutales como la del soldado que
dispara cobardemente contra un hombre contrastan
con las que presentan una Nicaragua
de cuento de hadas, un país idílico imaginado
por los Estados Unidos, y con las que ofrecen
alegorías sobre el verdadero espíritu del pueblo:
hombres ingenuos y valerosos, mujeres y
adolescentes que dejaron la vida o los ideales
en la tierra de Augusto César Sandino, cuyas
cenizas flotan misteriosamente en el lago de
Nicaragua, observado por una figura mística
que acompaña a esa gente en su dolor y sus
traiciones. Palabras mágicas es un documental
que mantiene varios puntos de contacto con
cintas como El lugar más pequeño (2011), de
Tatiana Huezo, cineasta salvadoreña también
egresada del CCC, sobre un poblado de San
Salvador que ha dejado atrás el horror de la
guerra civil para sanar sus heridas, dialogando
con la vida y no con la muerte; El cielo abierto
(2011), de Everardo González, y Lecciones para
una guerra (2012), de Juan Manuel Sepúlveda,
sobre la realidad histórica salvadoreña y
guatemalteca, respectivamente.
Por último está Inori (2012), que al igual
que Partes de una familia toca el tema de la
vejez y la muerte y que resulta una extraña
incursión para un cineasta como Pedro
González-Rubio, cuya obra se caracteriza por
explorar realidades cotidianas: sea el retrato
de la vida brutal de Fernando Pacheco, joven
torero de la región maya con antecedentes de
alcoholismo y violencia intrafamiliar que busca
cumplir sus sueños (Toro negro, 2005, documental
codirigido con Carlos Armella), o bien
el calculado estudio didáctico-antropológico
alrededor de Jorge Machado, un pescador
igualmente joven de Playa del Carmen (Alamar,
2009, cinta que mezcla ficción y documental).
Inori, por su parte, se ubica en Kannogawa,
pequeño poblado de la prefectura de Nara que
parece un modelo de perfección, una especie
de set de película japonesa que contrasta con
el caos y la destrucción de los pueblos de
Nicaragua. Allí, en esa localidad de ensueño
rodeada de montañas y vegetación, la cámara
de González-Rubio inspecciona los rostros
de varios ancianos que se antojan surgidos
de un filme de Akira Kurosawa (Vivir, 1952)
o Shôhei Imamura (La balada del Narayama,
1983). Hombres y mujeres octogenarios en
su mayoría que llevan a cabo los rituales de
su vida cotidiana: rezar, preparar alimentos,
visitar al médico y trabajar en el campo, en una
comunidad de la que las nuevas generaciones
han emigrado hacia los asentamientos urbanos.
Los sueños y las ilusiones de estos ancianos
son cada día más efímeros. Están anclados
al pequeño universo que habitan gracias a
sus recuerdos y sus muertos; la línea que los
separa de este mundo es tan endeble como la
neblina que cubre ese lugar que evoca belleza y
tristeza al mismo tiempo. Filme ganador en el
Festival de Locarno, Inori intenta abordar con
decoro el cosmos de la vejez y algunos grandes
temas de la humanidad: el amor, la confianza,
la supervivencia, la dignidad, la compasión y
el olvido que se niega a desaparecer.

the people: brave and naïve men, women and
teenagers who gave their lives or ideals to the
land of Augusto César Sandino, whose ashes
mysteriously float in Lake Nicaragua. All of
this is observed by a mystical figure who accompanies
these people through their pain
and betrayals. Magic Words is a documentary
that shares many attributes with films like The
Tiniest Place (2011), The Open Sky (2011), and
Lessons for a War (2012). The Tiniest Place, a film
by Tatiana Huezo—a Salvadorian filmmaker
who also graduated from the CCC—is about
a town in El Salvador whose inhabitants have
recovered from the horrors of the civil war
and healed their wounds by conversing with
life rather than death. The Open Sky (2011)
by Everardo González and Lessons for a War
(2012) by Juan Manuel Sepúlveda deal with
historical reality in El Salvador and Nicaragua,
respectively.
At last there is Inori (2012), which like
Parts of a Family, deals with aging and death,
and which represents an odd departure for a
filmmaker like Pedro González-Rubio. This
director is best known for exploring everyday
realities. In Black Bull, a 2005 documentary
co-directed with Carlos Armella, he portrayed
in brutal fashion the young Mayan bullfighter
Fernando Pacheco, who, with a history of
alcoholism and domestic violence, wants to
make his dreams come true. And, in Alamar,
a 2009 film that mixes fictional and real-life
events, he offered a calculated, didactic-anthropological
depiction of Jorge Machado,
a young fisherman from Playa del Carmen.
Inori takes place in Kannogawa, a small town
in the Nara prefecture that is ostensibly a
model of perfection, a sort of Japanese movie
set that contrasts sharply with the chaos and
destruction of Nicaragua. In this dream world
surrounded by mountains and vegetation,
González-Rubio’s camera inspects the faces
of old people, faces that seem to come from
a film by Akira Kurosawa (Ikiru, 1952) or by
Shôhei Imamura (The Ballad of Narayama,
1983). They are octogenarian men and women,
most of whom carry on with the rituals of
everyday life: praying, cooking, visiting the
doctor, and working the land in a community
in which new generations have emigrated
toward urban areas.
The dreams and hopes of these octogenarians
become more ephemeral with each day.
They are anchored to the small universe they
inhabit thanks to their memories and their
deceased. The line that separates them from this
world is as precarious as the fog that envelops
the community, evoking beauty and sadness
at the same time. Winner at the Locarno Film
Festival, Inori approaches decorously old age
as well as many other universal human themes
such as love, trust, survival, dignity, compassion,
and forgetting.
169

170
La imagen rebeLde
injerto
Amos Vogel (1921-2012) tuvo que emigrar
a Nueva York poco después de que su natal
Austria se convirtiera en provincia del Tercer
Reich en 1938. Tenía diecisiete años cuando,
en compañía de su madre, atravesó el océano
Atlántico en un barco alemán sin ser descubierto
para luego quedar varado seis meses en
Cuba. Solamente a través de las influencias de
un familiar lejano fue posible su entrada en
Estados Unidos y el esperado reencuentro con
su padre, quien había escapado antes.
Nueve años después, en noviembre de 1947,
junto con su esposa Marcia, otros familiares
y algunos amigos, Vogel fundaría el cineclub
Cinema 16 “para promover, fomentar, distribuir
y patrocinar la exhibición pública de
películas documentales, sociológicas, educativas,
científicas y experimentales, y también
para reforzar la apreciación del cine como un
arte y una fuerza social”, tal como se lee en el
estatuto legal de propósitos de su asociación.
Cinema 16 se mantuvo en actividad durante
dieciséis años, hasta 1963, y se convirtió en un
referente neoyorquino para ver cine independiente,
distinto al que producía Hollywood.
Verónica Gerber bicecci
“Películas que no puedes ver en otro lugar”,
“Películas de experimentación artística”: un
espacio abierto a las manifestaciones más
avant garde de la imagen en movimiento de
la época. En otras palabras, un sitio donde el
cine de la posguerra encontró su espacio ideal
de proyección.
El interés de Vogel por el cine data de su
infancia temprana, en gran medida porque —
así lo afirmaba— sus padres eran progresistas
y él creció en un ambiente muy politizado,
abierto a todo tipo de manifestaciones culturales.
En un documental dirigido por Paul
Cronin nueve años antes de su muerte, Vogel
recuerda una película que lo marcó profundamente
y que debió ver cuando acababa de
llegar a Estados Unidos: Alexander’s Ragtime
Band (Henry King, 1938). No hay mucho de
experimental en ella, pero la cinta cuenta la
historia de un niño que, para desgracia de sus
padres, se rebela y decide dedicarse al ragtime
—un género musical estadounidense lúdico e
innovador que se popularizó a fines del siglo
XIX, y que influyó en el desarrollo del jazz en
el XX— en lugar de abocarse a la música “en

The Rebellious image
Injerto
Amos Vogel (1921-2012) had to immigrate
to New York shortly after his native Austria
became a province of the Third Reich in 1938.
He was seventeen years old when, while in
hiding with his mother, he safely crossed the
Atlantic Ocean on a German ship, only to
get stuck in Cuba for six months. With the
help of a distant relative he was able to enter
the United States and finally reunite with his
father, who had escaped earlier.
Nine years later, in November 1947, Vogel
founded, with his wife, relatives and
friends, Cinema 16 “to promote, encourage,
distribute and sponsor public exhibitions
of documentary, sociological, educational,
scientific and experimental motion pictures,
and to further the appreciation of the motion
picture as an art and as a social force.” Cinema
16 maintained operations for sixteen years,
until 1963, and it served as a model in New
York for watching independent films. The
organization screened “films you can’t see
anywhere else,” “artistic and experimental
films,” opening a space to the most avantgarde
manifestations of the moving image.
In other words, an ideal space for postwar
films to be projected.
For the most part, Vogel’s interest in cinema
derived from his early childhood because, as
he used to say, his parents were progressives,
and he grew up in an environment that was
highly politicized yet open to all kinds of
cultural manifestations. In a documentary
directed by Paul Cronin nine years before his
death, Vogel remembers a film he saw when
he had just arrived to the United States, a
film that deeply influenced him: Alexander’s
Ragtime Band (Henry King, 1938). The film
is not very experimental, but it tells the story
of a child who rebels against his parents and
decides to devote himself to ragtime—the
playful nineteenth century musical genre that
greatly influenced jazz—instead of focusing on
“serious music.” Alexander’s spirit of rebellion
that pushed him to different music is without
a doubt the same rebelliousness that drove
Vogel to show that broke with conventions
and traditions.
In different interviews and statements,
Vogel insisted that the most traumatic experi-
171

172
serio”. El espíritu de rebeldía de Alexander
hacia la música distinta es, sin lugar a dudas,
el mismo que impulsó a Vogel hacia un cine
que rompía con tradiciones y ataduras.
En distintas entrevistas y declaraciones,
Vogel insistió en que la experiencia más traumática
que vivió a causa de la guerra y el
exilio fue recomenzar su vida en un idioma
completamente nuevo. “Los nazis me quitaron
el alemán”, decía, no sólo porque había perdido
su lengua materna sino sobre todo porque eso
lo convirtió en extranjero de forma permanente.
Las películas que a Vogel le interesaba
ver eran difíciles de encontrar en Nueva York
a principios de los cuarenta; por eso no resulta
extraño que Cinema 16 haya reunido a más de
seis mil miembros interesados en otras formas
de ver y hacer cine. Cinema 16 es producto
de dos trincheras: la búsqueda de la imagen
rebelde, latente en la peculiar forma en que
Vogel entendía el mundo o en sus primeros
recuerdos cinematográficos, y la posibilidad
de hablar en otra lengua, también como una
forma de subversión: ese lenguaje que pertenece
únicamente a las imágenes y en el que
el alemán, el inglés o cualquier otro idioma
resultan inoperantes.
Esa estética rebelde y experimental, ese
idioma particular de las imágenes que buscan
su liberación, su espíritu, es lo que une a los
filmes seleccionados para la sección Injerto
de Ambulante Gira de Documentales 2013.
De algún modo esta sección es un homenaje
al libro de Amos Vogel, Film as a Subversive
Art (1974), y a sus pequeños ensayos de más
de seiscientas películas seleccionadas para
configurar la historia de un cine distinto.
Muchos de los cortometrajes de Injerto fueron
exhibidos en Cinema 16 y otros tantos,
más contemporáneos, continúan la línea de
esa estética.
El primer programa de Injerto es más bien
histórico. Reúne diversos cortometrajes realizados
entre 1943 y 1963, proyectados tiempo
atrás en la pantalla de Cinema 16, que parten
de una mirada subjetiva para registrar en
imágenes un entorno cotidiano poco común
en el cine comercial: la forma en que una
pareja de gatos enamorados conforma su
hogar en un departamento (Private Life of
a Cat, Maya Deren, 1944) y el diario de una
mujer embarazada centrado en los personajes
mayores que visitan el mercado de su barrio
y las enormes calabazas de los puestos de
fruta para completar un ciclo que configura
el origen y el fin, el fruto y la vejez (L’Opera
Mouffe, Agnès Varda, 1958).
El segundo programa de Injerto corresponde
a la ciudad que vio nacer Cinema 16.
Se trata de un homenaje a Nueva York que
exhibe diversas aristas de su complejidad
visual, social y cotidiana: un viaje en metro en
el que los espíritus del río se hacen presentes
(The Wonder Ring, Stan Brakhage, 1955); un
juego visual de superposición de los puentes
que atraviesan toda la isla (Bridges-Go-Round,
Shirley Clarke, 1958); un retrato de la majestuosidad
de sus rascacielos, puertos y fábricas
(24 Dollar Island, Robert Flaherty, 1926), o bien
el diario en cine de Jonas Mekas que comienza
con su llegada a Nueva York en 1949 y retrata
la forma en que la colonia lituana en la que
creció intentaba echar raíces en una tierra
ajena (Lost, Lost, Lost, 1976).

ence he had during war and exile was starting
his life again in a completely new language.
“Nazis robbed me of my German,” he used
to say, not only because he lost his maternal
language but also because he became a permanent
foreigner. The films Vogel wanted to
see were hard to find in New York during the
1940s. This is why it is not surprising that
Cinema 16 attracted more than six thousand
members interested in other ways of making
and seeing films. Cinema 16 is the product
of two motives: the search for rebellious images,
a search latent in the peculiar way Vogel
understood the world—tied perhaps to his
early cinematographic memories—and the
possibility of communicating in a different
language, one of images for the purpose of
subversion—a task at which German, English
or any other language were completely
ineffective.
This experimental and rebellious aesthetic,
this particular language that seeks liberation is
what links the films selected for the Injerto section
of Ambulante 2013. In a way, this section
pays homage to Amos Vogel’s book Film as a
Subversive Art (1974), with its short essays on
more than six hundred films selected to compose
the history of a different cinema. Many
of Injerto’s shorts were exhibited in Cinema
16, and many other more contemporary films
continue to further this aesthetic.
The first Injerto program gathers diverse
shorts made between 1943 and 1963 that
were once shown on the Cinema 16 screen.
The point of departure for these shorts is a
subjective gaze upon everyday images rarely
seen in commercial cinema. Two cats in love
turn an apartment into their home (Private
Life of a Cat, Maya Deren, 1944); “a pregnant
woman’s diary” registers elderly people who
visit her neighborhood market and the enormous
pumpkins in the fruit stands. Budding
fruit and old age thus complete a cycle of
beginning and end, life and death (L’Opera
Mouffe, Agnès Varda, 1958).
Injerto’s second program is dedicated to
New York, the city that gave birth to Cinema 16.
It features the multifarious visual, social and
everyday complexities of the city. It includes a
subway trip in which the river spirits manifest
themselves (The Wonder Ring, Stan Brakhage,
1955); a playful visual juxtaposition of all the
bridges that cross the city (Bridges-Go-Round,
Shirley Clarke, 1958); a portrait of majestic
skyscrapers, piers and factories (24 Dollar
Island, Robert Flaherty, 1926); and the story
of Jonas Mekas who in 1949 immigrated to
a Lithuanian colony in New York (Lost, Lost,
Lost, 1976). This film traces the history of the
colony in which he grew up, as its residents
tried to take root in a foreign land.
Next comes the space for subversion. The
films in this program deal with social, political
and sexual themes, but their discourse is not
theoretical or propagandistic. The raw depiction
of slaughterhouses on the outskirts of Paris
in Blood of the Beasts (Georges Franju, 1949)
shows the paradox between the cold blood of
those who work there and the rivers of boiling
blood that ooze out of our daily meals.
A central theme of the liberated image is,
of course, sexuality, and a program of Injerto
is dedicated to it. The short Removed (Naomi
Uman, 1999) stands out. The film is a new
173

174
Aparece después el espacio de la subversión.
La selección de estas películas encuentra
su coherencia en temas sociales, políticos
y de género, pero su discurso no es teórico
ni panfletario: la transgresión sucede en y a
partir de las imágenes. El crudo retrato de los
diversos rastros de caballos, vacas y becerros
en las afueras de París en Le sang des bêtes, de
Georges Franju (1949), consigue evidenciar
la paradoja entre la sangre fría de quienes
trabajan en esos lugares y los ríos de sangre
hirviendo que manan de nuestros alimentos
diarios.
Un tema central en la reflexión de la imagen
liberada es, desde luego, la sexualidad, y a ella
está dedicado un bloque de Injerto. Destaca
el cortometraje Removed (1999), de Naomi
Uman, renovado acercamiento al material
pornográfico de los años setenta que la artista
intervino con un tratamiento de cloro para
“remover” las imágenes femeninas de las cintas.
Las manchas blancas movedizas censuran los
desnudos femeninos al mismo tiempo que
ridiculizan a los personajes masculinos que
dialogan y se excitan con algo que ya no está
allí, que ya no existe. Fuses (1965), de Carolee
Schneemann, utiliza imágenes superpuestas
de una recámara y una ventana difuminadas
con colores ambientales y diversas texturas;
durante breves intervalos esos espacios revelan,
a su vez, las imágenes de una pareja
heterosexual haciendo el amor. La mezcla
entre lo visible y lo invisible da a la película
una energía erótica que no necesita palabras
para transmitir su mensaje.
Tal vez el programa más peculiar de Injerto,
y también el que cuenta con las películas más
recientes, es el que corresponde a la primera
persona. Límites: 1ª persona (2009), de León
Siminiani, por ejemplo, lleva la confesión
a sus últimas consecuencias: nos narra, en
voz de un experto, la situación amorosa de
una pareja durante un viaje por el desierto,
explicando teóricamente cómo las imágenes
son una muestra fehaciente de su amor; pero
después el director se desmiente y cuenta la
verdadera historia de ese viaje a Marruecos,
el modo en que ha logrado manipular todas
las imágenes.
“Los muchos misterios del cine empiezan
en este momento —escribió Amos Vogel—.
Aceptamos la superficie plana de la pantalla
como un espacio tridimensional, los bruscos
cambios de acción o escala o escenario como
algo común; el borde que delimita ese universo
fraudulento nos parece normal, admitimos el
blanco y negro como la realidad.” Unidos por
esa naturaleza misteriosa y por el espíritu de
rebeldía y experimentación que el Cinema 16
de Vogel persiguió —y al que hoy la sección
Injerto rinde homenaje, al mismo tiempo que
propone un camino para continuar con esa
tradición—, los cortometrajes aquí reunidos
exploran la manera de hacer y pensar las imágenes
en movimiento desde otro lugar, uno
más cotidiano y personal, en el que la imagen
logra transformarse para encontrar su camino
hacia la liberación.

approach to pornographic material from the
1970s in which the artist “removes” the female
images from the films. Moving white spots
censor the female nudes and at the same time
mock the male characters who talk to and get
excited about something that no longer exists.
Fuses (Carolee Schneemann, 1965) presents
superimposed images of a bedroom and a
window, blurred with ambient colors and textures.
During brief periods, these spaces show
a heterosexual couple making love. The mix
between the visible and the invisible gives the
film an erotic energy that needs no words to
transmit its message.
The section focusing on films that use firstperson
narrative is perhaps the most peculiar
part of the Injerto program. For instance,
Limits: 1st person (Leon Siminiani, 2009) takes
a confession to its ultimate consequences.
The short narrates, with an expert’s voice, the
amorous relationship of a couple during a trip
across the desert, explaining how the images
shown are an irrefutable proof of their love.
But then the director comes clean to tell the
true story of that trip to Morocco and the way
he was able to manipulate the images.
“The many mysteries of film begin at this
moment,” wrote Amos Vogel, the moment
at which one accepts “a flat surface as threedimensional,
of sudden action-, scale- or
set-changes as ordinary, of a border delimiting
this fraudulent universe as normal, of
black-and-white as reality.” United by this
mysterious nature and the spirit of rebellion
and experimentation that Vogel’s Cinema 16
pursued—the spirit that today Injerto honors—these
shorts explore the various ways of
making film and the ways we can think about
the moving picture from a different place, a
more ordinary and personal place where images
are transformed and liberated.
175

176
Los caminos de La redención
Sonidero
La música salva. Se escuche en solitario o
como parte de una multitud, tiene la suficiente
energía para elevar el espíritu por encima de
la miseria humana. Una expresión que no
sólo dignifica a quienes se dejan llevar por
ella como seguidores, sino también a los que
la ejecutan. Aunque tarde, su recompensa
siempre llega. La música es tan poderosa que
incluso puede tener un papel importante en
las revueltas sociales y contribuir, a su manera,
en la abolición de la tiranía. En pocas palabras,
la música como religión sanadora. Esto es lo
que nos transmiten, en distintos niveles, las
películas que Ambulante Gira de Documentales
ha incluido en su sección Sonidero.
Under African Skies (2012), de Joe Berlinger,
nos lleva por un viaje de veinticinco años.
Cualquier melómano nacido en las décadas
de los cincuenta y sesenta sabe quién es Paul
Simon y que Graceland representa uno de sus
trabajos clave. Pero quizá lo que no todos sus
fanáticos saben o recuerdan con claridad es
cómo se hizo este disco, las implicaciones que
tuvo para su creador, y sus ecos en la debacle
del apartheid. Utilizando como pretexto la
Bernardo esquinca
reunión de Simon con los músicos originales
que participaron en la grabación del disco,
además de un concierto de aniversario en
Sudáfrica, Berlinger nos cuenta la historia
detrás de un álbum superventas y ganador de
dos premios Grammy, cuya trascendencia fue
más allá del medio musical.
El director se apoya en los testimonios de
los involucrados, pero también en los de una
serie de voces autorizadas entre quienes se
encuentran Harry Belafonte, David Byrne,
Quincey Jones, Peter Gabriel, Paul McCartney
y Philip Glass. Todos coinciden en que Graceland
tendió un puente entre dos mundos —los
ritmos africanos y la música pop—, logrando
una afortunada fusión que fue innovadora
para su época. Gabriel, impulsor del concepto
world music, afirma que Paul Simon también
le mostró al mundo que no todo era negativo
en Sudáfrica, y que la gente se podía contagiar
con su música.
Cuando Simon llegó a esa turbulenta parte
del mundo en 1985, Nelson Mandela aún estaba
en la cárcel y el boicot contra el apartheid
estaba en su apogeo. Sin embargo, su gran

The PaThs To RedemPTion
Sonidero
Music saves lives. Whether you listen to it by
yourself or amid a crowd, music has enough
energy to raise your spirit above human misery.
It is an expression that dignifies not only
those who listen to it but also those who play
it. Even if it arrives late, music always brings a
reward. Music is so powerful that it can even
take on an important role in social revolutions
and contribute in its own way to the
abolition of tyranny. In other words, music is
a healing religion. This is what we can gather,
on different levels, from the documentaries
that Ambulante is featuring this year in its
Sonidero section.
Joe Berlinger’s Under African Skies (2012)
takes us through a twenty-five year journey.
Any music lover born in the 1950s or 1960s
knows who Paul Simon is, and that Graceland
is one of his seminal works. But what many of
his fans do not know or remember is how that
record was made, the implications it had for the
artist, and its reverberations during the apartheid
debacle. Berlinger uses Simon’s reunion
with the original musicians who participated
in the recording, as well as an anniversary
concert in South Africa, as pretexts to tell us
the history behind a best-selling record that
won two Grammys and had repercussions
beyond the music world.
The director bases the film on testimonials
of those involved but also features a variety of
authoritative voices such as Harry Belafonte,
David Byrne, Quincy Jones, Peter Gabriel, Paul
McCartney, and Philip Glass. They all agree
that Graceland built a bridge between two
worlds—African rhythms and pop music—
and that it created a fortuitous fusion ahead
of its time. Gabriel, champion of the concept
of world music, says that Simon also showed
everybody that not everything was negative
in South Africa and that people could connect
to its music.
When Simon traveled to that turbulent part
of the continent in 1985, Nelson Mandela was
still in jail, and the boycott against apartheid
was at its peak. However, Simon’s greatest talent
was to understand that he should not make
a political album. As he himself accepts, “It
wasn’t my thing.” He wisely chose to produce
what he knew best: a pop album. The musicians
177

178
acierto fue entender que no debía hacer un
disco político. Como él mismo confiesa, “no
era lo mío”. Optó entonces por la congruencia
e hizo lo mejor que sabía: un producto pop.
Los músicos que lo acompañaron ni siquiera
sabían quién era él. Unos trabajaban de mecánicos,
otros de mineros. Pero todos poseían
cualidades extraordinarias. El entendimiento
fue inmediato, mágico. Y entre ellos había
un conjunto vocal que le daría al disco y a la
gira que vino después un toque espectacular:
Ladysmith Black Mambazo, hoy conocidos a
nivel internacional.
Pero no todo fue miel sobre hojuelas. Una
vez que el disco salió a la venta en 1986, Paul
Simon recibió duras críticas por romper el
bloqueo cultural contra Sudáfrica aprobado
por las Naciones Unidas. Los artistas que
estaban contra el apartheid consideraron que
su decisión de grabar en Sudáfrica dañaba la
solidaridad contra las sanciones impuestas y
que hacía más daño que bien. Simon, por su
parte, nunca dudó de sus motivos: la música
africana debía ser conocida más allá de sus
fronteras.
La controversia pronto tuvo un desenlace
afortunado: en 1990 terminó el apartheid y
Nelson Mandela fue liberado. Los hechos le
daban la razón a Paul Simon. Lejos de afectar a
la presión internacional contra la segregación
racial, su atrevimiento fue parte de la imparable
ola de cambio que finalmente trajo la
democracia multirracial a Sudáfrica.
La música también puede hacer justicia
a un solo hombre. Searching for Sugar Man
(2012), de Malik Bendjelloul, es un emotivo
documental narrado en clave de thriller. La
película cuenta la increíble historia de Sixto
Rodriguez, un prometedor cantautor folk de
Detroit con raíces mexicanas que, tras editar
dos discos a inicios de los setenta, se evaporó
dejando la leyenda de que se había suicidado
en pleno escenario. Y como la realidad siempre
supera a la ficción, la música de Rodriguez,
absolutamente desconocida en Estados Unidos,
encontró con el paso de los años una legión
de seguidores en Sudáfrica, donde hasta la
fecha se le idolatra.
El documental muestra las pesquisas de
dos admiradores —un periodista y un dueño
de una tienda de discos— que se dieron a la
tarea de averiguar la verdad detrás del mito.
Su investigación los lleva a la más imprevista
de las revelaciones: Rodriguez sigue vivo y se
dedica a demoler casas en la desolada Detroit.
Vive modestamente, alejado de los escenarios,
e ignora que en Sudáfrica es más popular que
Elvis Presley. De inmediato se pone en marcha
un plan para llevarlo ante sus seguidores, lo que
desemboca en una serie de apoteósicos conciertos.
Por fin, aquel hombre frágil y olvidado
recibe altas dosis de lo que durante muchos
años le fue negado: el apapacho del público.
Searching for Sugar Man, sin embargo, plantea
más dudas que respuestas. Más allá de su
aparente happy ending, pone sobre la mesa
cuestiones inquietantes sobre el funcionamiento
de la industria musical, la relatividad de la
fama y los extraños caminos de la creación.
¿Por qué un artista de enorme talento como
Rodriguez no tuvo el mismo impacto global que
otros de sus contemporáneos, por ejemplo Bob
Dylan? Misterio desconcertante. Ni siquiera los
productores de sus discos, quienes son citados

playing with him did not even know who he
was. Some were mechanics, others were miners.
But they all had extraordinary abilities. They
understood each other instantly, like magic.
And among them was a group of vocalists who
would give the album and the subsequent tour
a spectacular touch: the now internationally
acclaimed Ladysmith Black Mambazo.
Not everything was peaches and cream.
Once the album debuted in 1986, Paul Simon
was harshly criticized for breaking the UN
cultural blockade against South Africa. Artists
who opposed apartheid thought his decision to
record there clashed with the solidarity movement
that supported sanctions and caused
more harm than good. Simon, on the other
hand, never questioned his motives: South
African music needed to be heard beyond
its borders.
The controversy had a fortunate resolution;
apartheid ended in 1990, and Nelson Mandela
was freed. The facts were on Paul Simon’s side.
Far from having a negative impact on the international
pressure against racial segregation,
his audacity became part of the unstoppable
wave of change that eventually brought a
multiracial democracy to the country.
Music can also represent justice for a single
man. Malik Bendjelloul’s Searching for Sugar
Man (2012) is a moving documentary structured
as a thriller. The film tells the incredible
story of the Mexican-American Sixto Rodriguez,
a promising folk music singer-songwriter
from Detroit, who after releasing two albums
in the early 1970s disappeared into thin air,
leaving behind the legend that he had committed
suicide on stage. As is always the case,
truth is stranger than fiction. Over the years,
Rodriguez’s music, totally unknown in the
United States, was adopted by throngs of fans
in South Africa, where it is revered to this day.
The documentary features the investigation
of two fans, a journalist and the owner
of a record store who devoted themselves to
uncovering the story behind the legend. Their
research led them to the most improbable
revelation: Rodriguez was alive working a
home demolition job in desolate Detroit. He
was living a modest life, away from the stage,
ignorant that in South Africa he was more
popular than Elvis Presley. Instantly a plan
was hatched to take him to his fans, resulting
in a series of amazing concerts. Finally,
this fragile and forgotten man enjoyed what
he was denied for so long: the adoration of
an audience.
However, Searching for Sugar Man provides
more questions than answers. Beyond its happy
ending, it reveals disturbing issues about the
music industry, the relativity of fame, and
the strange ways of artistic creation. Why
did an artist as talented as Rodriguez not
have the same global impact as some of his
contemporaries, such as Bob Dylan? It is a
perplexing mystery. Not even his producers,
who speak on camera about those times, have
a reasonable explanation.
The history of Sixto Rodriguez is unique,
but at the same time it represents the defeat
and revenge of the common folk, which is why
Searching for Sugar Man is such a poignant
film. The artist says it in one of his songs: “I
wonder how many dreams have gone bad.”
Rodriguez decided to put his guitar away.
179

180
ante la cámara para recordar aquellas épocas,
tienen una explicación razonable.
La historia de Sixto Rodriguez es única,
pero a la vez representa la derrota y revancha
del ciudadano corriente: por eso Searching for
Sugar Man es una cinta que cala hondo. El
mismo artista lo dice en una de sus canciones:
“I wonder how many dreams have gone
bad.” Rodriguez decidió guardar su guitarra.
Le dio la espalda a los estudios de grabación
para quedarse en su barrio y seguir viviendo
la épica del hombre común. A pesar de eso
es una leyenda.
La redención de un músico, como queda
claro, puede llegar por los caminos más inesperados.
También le sucedió a Arnel Pineda,
un filipino que gracias a un video subido a
YouTube se convirtió en el nuevo cantante
principal de la legendaria banda ochentera
Journey y pudo dejar atrás una vida de drama
y penurias. Don’t Stop Believin’: Everyman’s
Journey (2012), de Ramona S. Diaz, es un cuento
de hadas moderno, algo que ya habíamos visto
ocurrir en los reality shows tan en boga en la
década pasada o en YouTube mismo, pero no a
esta escala. Sustituir a Steve Perry y hacer una
gira mundial con Journey es algo en verdad
grande. Pineda vivía en las calles, pero un día
se despertó en una limusina. Y todo gracias a
un cover que demostraba que su voz podía ser
tan potente como la del antiguo frontman de
una banda inmensamente popular.
Otra cara de la misma moneda es The Chemical
Brothers: Don’t Think (2012), que da
testimonio del concierto que este dúo dio en
el Fuji Rock Festival de Japón en 2011. Tom
Rowlands y Ed Simons han dominado la es-
cena electrónica durante dos décadas, pero
no existía un registro oficial de sus poderosas
presentaciones en vivo. Lo primero que queda
claro al observar esta película es que el papel
del disc jockey como sumo sacerdote sigue en
total vigencia. El director Adam Smith quiso
plasmar eso, pero también el hecho de que los
gurús de la mezcladora no serían nada sin sus
acólitos. Ya se sabe que los elementos visuales
con los que se hacen acompañar los Chemical
Brothers son impactantes, así que las veintiún
cámaras en las que se apoyó el documental se
utilizan sobre todo para introducirnos en la
“intimidad” de la multitud. Vemos claramente
las reacciones del público, acercamientos a
sus rostros extáticos que hacen sus propias
coreografías al compás de los beats. Pocas
veces la filmación de un concierto había sido
tan efectiva para dejarnos ver el papel de los
asistentes de manera individual, más allá del
aullido colectivo. El mensaje de los Chemical
Brothers es claro: no pienses, déjate llevar
por la religión de la música. Primero viene la
catarsis, después tú sabrás qué hacer con tu
cuerpo exhausto.
Una presentación memorable ante un público
memorable. La expresión nunca fue
más cierta, pues hay rostros que llegan a ser
reconocibles al final del concierto. Aquí el
público fiel encontró también su retribución.

He turned his back on his recording studios
to stay in his neighborhood and live the life
of the common man. And despite all that, he
is still a legend.
The redemption of a musician clearly can
happen through the most unexpected channels.
That is also the case of Arnel Pineda, a Philippine
man who uploaded a video to YouTube
and became the new lead singer of the legendary
1980s band Journey, leaving behind a life
full of hardship and drama. Ramona S. Diaz’s
Don’t Stop Believin’: Everyman’s Journey (2012)
is a modern fairy tale, a portrait of something
that we have seen in popular reality shows or
on YouTube itself—yet never on this scale. To
step in for lead singer Steve Perry and go on a
world tour with Journey is truly remarkable.
One day Pineda was living in the street, and
the next day he found himself in a limousine.
And all this because of a cover song that showed
his voice could be as powerful as the voice of
the front man of an immensely popular band.
The other side of the same coin is The
Chemical Brothers: Don’t Think (2012), a taping
of the concert that the duo performed
at the 2011 Fuji Rock Festival in Japan. Tom
Rowlands and Ed Simons have dominated the
electronic music scene for two decades, but
there was no official record of their powerful
live concerts. The first thing the film makes
clear is that the role of the disc jockey as high
priest is still in full force. Director Adam Smith
wanted to stress this fact and reveal that the
sound-mixing geniuses would be nothing
without their helpers. It is well known that
the visual elements that the Chemical Brothers
feature in their shows are impressive, so the
film’s twenty one cameras serve primarily to
invite us to experience the “intimacy” of the
crowd. We enjoy an up-close and clear picture
of the reactions of the audience, ecstatic faces,
and bodies creating their own choreographies
to the rhythm of the beats. Rarely has a filmed
concert been as effective in showing us the
role of individuals in the audience, beyond
the collective scream. The Chemical Brothers’
message is clear: Don’t think, let the religion
of music carry you away. First you experience
catharsis; much later you figure out how to
overcome your exhaustion.
A memorable concert for a memorable
audience. The expression, never before so true,
is evinced by some recognizable faces after the
concert. The loyal audience has been rewarded.
181

182
El cosmonauta dE la mEmoria
RetRospectiva chRis MaRkeR
Al final de su valioso estudio Chris Marker:
Memories of the Future, Catherine Lupton
lo capta concentrado en la recolección, la
conservación y el análisis de imágenes de un
presente que se derrumba de forma veloz e
irremediable: un arqueólogo por anticipado.
Recluido en un departamento de París con las
ventanas oscurecidas para impedir la entrada
de la luz, el hombre que se hace llamar Chris
Marker —su antifaz o seudónimo más conocido—
remite también a un anacoreta llegado
de otra dimensión o más bien del porvenir; en
las pantallas de televisión que lo circundan se
alternan transmisiones vía satélite de China y
Corea y programas franceses, mientras que las
cintas y los libros desparramados alrededor de
la butaca donde él trabaja y duerme “como un
mono anciano que no necesita cama” —dice
Lupton— evidencian una irrefrenable pasión
por el viaje que ha durado una o quizá varias
vidas. Fiel a la naturaleza esquiva de su protagonista,
este retrato de encierro e incluso de
recogimiento tecnológico lleva a pensar en la
Mauricio Montiel Figueiras
manera en que Marker (1921-2012) redefinió
los ámbitos de la ciencia ficción, reduciéndolos
a claustros protofuturistas en dos espléndidas
incursiones dentro de este género. Tanto en
2084 (1984), cortometraje hecho para celebrar
un siglo de sindicalismo en Francia, como en
Level Five (1996), largometraje consagrado
a la “tercera tragedia” de la isla de Okinawa
con el que Marker dijo adiós a los formatos
fílmicos convencionales para volcarse por
entero al orbe cibernético —un adiós que
encubrió de modo parcial un acto de fuga
del cine—, los personajes habitan estancias
cuyo nexo con el mundo exterior se traduce
en estímulos recibidos a través de pantallas
donde las imágenes son manipuladas y recontextualizadas
(2084) o bien examinadas y
cuestionadas no sin nostalgia (Level Five). En
estos austeros laboratorios visuales instalados
en un futuro posible, hombres y mujeres se
empeñan en dar nuevo sentido y sobre todo
permanencia a las estampas del pasado al
otorgarles el estatus de memorias o heridas,

The CosmonauT of memory
Chris Marker retrospeCtive
At the end of her valuable book, Chris Marker:
Memories of the Future, Catherine Lupton captures
her subject, an archaeologist ahead of his
time, collecting, conserving and analyzing images
of an irremediably fast-crumbling present.
Secluded in a Paris apartment with the curtains
drawn to prevent light from entering, the man
who calls himself Chris Marker—his bestknown
mask or pseudonym—also reminds
us of a hermit from another dimension, even
from the future. The TV screens surrounding
him alternate between satellite transmissions
from China and Korea and French programming,
while the tapes and books around the
armchair where he works and sleeps—“Like
an elderly monkey who has no use for a bed,”
as Lupton says—demonstrate an unstoppable
passion for traveling that has lasted one or
more life times.
Loyal to its protagonist, this portrait of
confinement, even of technological withdrawal,
reminds us of the way Marker (1921-2012)
redefined the field of science fiction, reducing
it to proto-futuristic cloisters in two splendid
explorations within the genre.
One of these explorations was 2084 (1984),
a short celebrating a century of syndicalism
in France. The other was Level Five (1996),
a feature-length film devoted to Okinawa’s
“Third Tragedy” in which Marker waved
good-bye to conventional film formats to fully
embrace the cybernetic world—a farewell
that partially concealed a flight from film.
In both films the characters occupy rooms
that are connected to the real world only
through monitors where images are either
manipulated and re-contextualized (2084)
or nostalgically examined and questioned
(Level Five).
In these austere visual laboratories set in
a potential future, men and women strive to
give images of the past a new meaning, and
especially, permanence. They confer on them
the status of memories or wounds, to use the
beautiful saying from La Jetée (1962): “Nothing
distinguishes memories from ordinary mo-
183

184
para usar la bella distinción efectuada en La
Jetée (1962): “Nada diferencia los recuerdos
de los momentos habituales. Sólo se dan a
conocer más tarde, cuando muestran sus cicatrices.”
Dos décadas después de La Jetée,
la fotonovela con que Marker se apartó del
documental para internarse con fortuna en
el terreno de la ficción y específicamente de
la ciencia ficción, Sans soleil (1982) vino a
insistir en ese proceso de cicatrización de la
imagen mediante la metamorfosis a la que el
camarógrafo y viajero húngaro Sandor Krasna
somete su fabuloso equipaje visual al enviarlo a
la Zona, el espacio que funda su amigo japonés
Hayao Yamaneko con ayuda de una máquina
generadora de alteraciones digitales. (La Zona
de Sans soleil rinde homenaje a la Zona de
Stalker [1979], de Andréi Tarkovski, donde se
pueden cumplir los deseos más íntimos.) La
máquina imaginaria de Yamaneko prefiguraría
el programa real que Marker, según evoca Isaki
Lacuesta en un tributo lúdico y notable titulado
Las variaciones Marker (2007), inventó en los
años noventa para ordenar sus planos al azar
y por ende crear “nuevas e infinitas películas”
suyas. Cicatrices inéditas e ilimitadas para la
piel del mañana.
Nacido en el suburbio parisino de Neuillysur-Seine,
Christian-François Bouche-Villeneuve
creyó siempre que la identidad era una
especie de cicatriz que había que ocultar o al
menos maquillar. Por eso, mago del disfraz,
decidió diseñar una cauda de álter egos que
recorrería su filmografía desde el inicio (Jacopo
Berenzi, Sandor Krasna, Fritz Markassin, Chris
Marker, Chris Villeneuve, Hayao Yamaneko) y
a la que se sumarían dos animales totémicos
elegidos más como representantes que como
leitmotivs: el gato y el búho. Tal anhelo por
desaparecer, por encontrar máscaras y borrarse
tras otras personalidades o personas, alcanzó
su cima a finales de los años sesenta y durante
los setenta, cuando el hombre que optó por el
nombre de batalla de Chris Marker se entregó
en cuerpo y alma a engendrar proyectos colectivos
que revelaron una enorme firmeza en sus
compromisos políticos y sociales y de los que
en varias ocasiones llegó aun a retirar su firma
en aras del grupo; ello ocurrió especialmente
con las películas impulsadas por la Sociedad
para el Lanzamiento de Obras Nuevas (SLON),
establecida en 1967 para producir Loin du
Vietnam, poderoso documental de protesta en
el que participaron Jean-Luc Godard, Claude
Lelouch, Alain Resnais y Agnès Varda, entre
otros cineastas. Antes de la fusión con la colectividad,
sin embargo, estuvo la labor individual
en tres registros: como autor de Le cœur net
(1949), la única novela de Marker, donde se
anuncian algunos motivos —el interés por la
memoria y la subjetividad, la yuxtaposición de
perspectivas— que caracterizarían su filmografía;
como colaborador de la revista Esprit,
donde con un sagaz vuelo ensayístico Marker
mostró la elegancia y el ingenio que desplegaría
después en sus inconfundibles narraciones en
off, y como editor de Editions du Seuil, donde
entre 1954 y 1958 el director —su debut como
tal sucedió en 1952 con Olympia 52— coordinó
una serie heterodoxa de guías de viaje llamada
Petite Planète. Compuesta por un total de
diecinueve volúmenes, la serie evidenció no
sólo el irreductible talante errabundo de Marker
sino su destreza para tramar asombrosos

ments. Only later do they claim remembrance,
when they reveal their scars.”
Two decades after La Jetée, the photonovel
that pushed Marker away from documentaries
to successfully embrace fiction and specifically
science fiction, Sunless (1982) continued
this process of “scarring” the images via the
metamorphosis carried out by Sandor Krasna.
A Hungarian cinematographer and traveler,
Krasna sends his fantastic visual baggage into
the Zone, the space that his Japanese friend
Hayao Yamaneko founded with the help of a
machine that generates digital alterations. (The
Zone in Sunless is an homage to the Zone in
Andrei Tarkovsky’s Stalker [1979], where the
most intimate desires can be fulfilled.)
Yamaneko’s imaginary machine foreshadows
the real program that Marker invented in
the 1990s, according to Isaki Lacuesta in his
playful tribute entitled The Marker Variations
(2007), to randomly organize his scenes so
that he could create “new and infinite films.”
Fresh, unlimited scars for the skin of tomorrow.
Born in the Paris suburb of Neuilly-sur-
Seine, Christian-François Bouche-Villeneuve
always believed that identity was a kind of
scar, something to hide or embellish. That’s
why, being a wizard of disguise, he designed
a trail of alter-egos who populated his films
from the beginning (Jacopo Berenzi, Sandor
Krasna, Fritz Markassin, Chris Marker, Chris
Villeneuve, Hayao Yamaneko). These characters
were joined by two totemic animals he chose
not so much as leitmotifs but as representatives:
the cat and the owl.
Marker’s yearning to disappear, to find
masks and erase himself behind characters
or personae reached its peak in the late 1960s.
During the 1970s, the man who chose the nom
de guerre Chris Marker devoted his heart and
soul to collaborating in projects that displayed
the strength of his social and political commitments,
although on many occasions he withdrew
his name from them. This commitment
showed particularly in the films promoted by
the Society for Launching New Works (Société
pour la Lancement des Œuvres Nouvelles, or
SLON), established in 1967 to produce Far
from Vietnam, a powerful protest documentary
in which Jean-Luc Godard, Claude Lelouch,
Alain Resnais, and Agnès Varda, among other
filmmakers, participated.
But before he embraced collaboration,
Marker worked individually in three realms:
as a fiction writer, a contributor to Esprit magazine,
and as editor of Editions du Seuil. In The
Forthright Spirit (1949), his only novel, Marker
explored the themes of memory, subjectivity,
and the juxtaposition of perspectives that
would later characterize his filmography. In
his essays for Esprit magazine he displayed the
same shrewd sense of elegance and wit that he
would later show in his off-screen narrations.
As editor at Editions du Seuil between 1952 and
1958, Marker, who had by this point debuted as
a filmmaker with the 1952 release of Olympia
52, prepared a heterodox travel series called
Petite Planète (Small Planet). Consisting of
nineteen volumes, the series proved not only
Marker’s undeniable nomadic disposition but
also his gift for creating astounding visual narratives
with seemingly disparate elements. This
characteristic would eventually relate him to
Joseph Cornell, the great New York artist who
185

186
relatos visuales con elementos en apariencia
dispares: un rasgo que se afinaría con el tiempo
para emparentarlo con Joseph Cornell, el
gran artista neoyorquino que dio asilo a los
objetos huérfanos del mundo en cajas donde
se operan pequeños pero indiscutibles milagros.
A diferencia de Cornell, que prefirió el
viaje mental a regiones como Europa para
no dejar su casa-estudio en Queens, Marker
se desplazó a lo largo y ancho del globo para
luego regresar a la penumbra de su caverna
platónica en París. Al igual que Cornell, Marker
se ocupó de recoger las cosas e imágenes
desechadas por la historia para concederles
un nuevo contexto, una residencia fija. Como
las cajas feéricas de Cornell, las películas de
Marker están habitadas por una distinguida
estirpe de mementos visuales.
En latín, la palabra memento es una forma
imperativa: “Acuérdate.” Mediante un arsenal
de dispositivos literarios que dieron un
cariz novedoso al documental —del ensayo
al diario de viaje, de la estructura epistolar
a la narración de bordes lírico-filosóficos—,
Marker se convirtió en uno de los mayores
exponentes del género que el crítico André
Bazin bautizó como film ensayo pero también,
y esto es más importante, cumplió a cabalidad
con la consigna latina parapetada tras los
mementos que recolectó en su errancia por
nuestro “pequeño planeta”. Explorador de una
subjetividad que nunca ignoró el orbe donde
se inscribía, Marker se erigió poco a poco en
una mezcla de aventurero y depositario de
recuerdos propios y ajenos: el cosmonauta
de la memoria humana, para acudir a la efigie
futurista de Catherine Lupton. Aficionado a
escrutar el presente desde un porvenir probable
para prever su articulación como pasado,
el hombre que se hizo llamar Chris Marker
se acordó lo mismo de la guerra de Argelia
y su impacto en la ciudadanía francesa (Le
joli mai, 1962) que de los movimientos que
modificaron la faz social en los años sesenta
y setenta (el ambicioso fresco titulado Le fond
de l’air est rouge, 1977). Se acordó de Vértigo
(1958), de Alfred Hitchcock, al grado de alojar
la escena rodada en el bosque de las secoyas
milenarias a las afueras de San Francisco en
un segmento de La Jetée y de visitar las locaciones
californianas de la cinta en Sans soleil.
Se acordó del golpe de estado chileno de 1973
y le dio una vuelta de tuerca para reubicarlo
en una ciudad “muerta e indescifrable” que
remite al París posapocalíptico de La Jetée
(L’ambassade, 1973). Se acordó de tres maestros
del cine y los homenajeó con inteligencia
y profundidad en sendos retratos: Aleksandr
Medvedkin (Le train en marche, 1971, y Le
tombeau d’Alexandre, 1993), Akira Kurosawa
(AK, 1985) y Andréi Tarkovski (Une journée
d’Andrei Arsenevitch, 1999). Se acordó, lo que
es más, de los objetos que el hombre crea sólo
para obsequiarlos después al abandono y los
rescató en Junkopia (1981), cortometraje que
se realizó mientras se filmaba la sección de
Sans soleil dedicada a Vértigo y que exhibe un
grupo de esculturas ajadas por la intemperie
en Emeryville Mudflats: cristalizaciones del
paso voraz del tiempo y de los recuerdos que
se lleva el olvido. Una imagen desoladora que
deviene metáfora de la memoria humana y de
los cosmonautas que luchan por preservarla
contra viento y marea.

sheltered orphaned objects in boxes, turning
them into small but indisputable miracles.
Unlike Cornell, who preferred to imagine
Europe from his home/studio in Queens,
Marker travelled around the world before
going back to the shadows of his Platonic cave
in Paris. Like Cornell, Marker collected things
and images discarded by history and gave them
a new context and a permanent home. Like
Cornell’s magic boxes, Marker’s films contain
a distinguished lineage of visual mementos.
In Latin, the word “memento” is an imperative
form: “Remember.” Through an arsenal
of literary devices that gave a novel touch to
the documentary genre—from essays to travel
diaries and the epistolary form to lyrical and
philosophical narratives—Marker became
one of the major exponents of the essay film,
as defined by French critic André Bazin. But
more importantly, he followed, through his
wanderings around our “small planet,” the
Latin meaning of the mementos he collected.
Explorer of a subjectivity that never ignored
the world to which it belonged, Marker gradually
became half adventurer and half recipient
of his and other people’s memories: the cosmonaut
of human memory, to echo Catherine
Lupton’s futuristic portrait. Fond of examining
the present from a probable future to foresee
its construction as past, the man who called
himself Chris Marker remembered the war in
Algeria and its impact on the French people
(Le joli mai, 1962) as well as the movements
that changed the social fabric during the 1960s
and 1970s (the ambitious A Grin Without a
Cat, 1977). He remembered Alfred Hitchcock’s
Vertigo (1958) to the point of translating the
scene shot in the redwoods outside San Francisco
into a scene of La Jetée and visiting the
California locations in Sunless. He remembered
the 1973 Chilean coup d’état by reassembling
and setting it in a “dead, indecipherable” city
that evoked the post-apocalyptic Paris of La
Jetée (The Embassy, 1973). He remembered
three film masters and paid homage to them
with deep and intelligent portraits: Aleksandr
Medvedkin (The Train Rolls On, 1971, and The
Last Bolshevik, 1993), Akira Kurosawa (AK,
1985) and Andrei Tarkovsky (One Day in the
Life of Andrei Arsenevich, 1999).
Furthermore, in Junkopia (1981), a short
he filmed while he was working on the Vertigo
section of Sunless, he remembered and rescued
the objects we acquire just to discard them,
in this case a series of sculptures corroded
by the elements in the Emeryville Mudflats:
crystallizations of the voracious passage of
time and the memories that oblivion takes
away. The sculptures provide a devastating
image, an image that becomes a metaphor of
human memory and the cosmonauts who try
to preserve it against all odds.
translations by
mariana carreño king
187

188

directorio dirECTOrY
direcciÓn | dirECTiON
consejo directivo ambulante a.c.
board of directors Ambulante Org.
Gael García Bernal
Diego Luna
Pablo Cruz
consejo Honorario ambulante a.c.
honorary board Ambulante Org.
Alejandro Ramírez Magaña
Cuauhtémoc Cárdenas Batel
Daniela Michel
directora general ambulante a.c.
director Ambulante Org.
Elena Fortes
directora operativa | Managing director
Marie-Ève Parenteau
directora ambulante más allá
director Ambulante beyond
Carolina Coppel
administraciÓn | AdMiNiSTrATiON
administradora | Administration
Roxana Alejo
asistente administrativa
Administration Assistant
Yvette Vergara
ProgramaciÓn | prOGrAMMiNG
coordinadora de Programación
programming Coordinator
Meghan Monsour
asistente de Programación
programming Assistant
Julieta Cuevas
comité de Programación
programming Team
Elena Fortes
Mara Fortes
Meghan Monsour
Marie-Ève Parenteau
Antonio Zirión
comité de Pre-selección
pre-Screening Team
Karla Castro
Brenda Contreras
Lorena Gómez Mostajo
Misha Maclaird
corresponsales de Programación
programming Correspondents
María Campaña
Josetxo Cerdán
Hussain Currimbhoy
Christine Davila
Denis de la Roca
Niklas Engström
Sean Farnel
Mads Mikkelsen
Veton Nurkollari
Garbiñe Ortega
curadoras de la sección injerto
programming Curators of injerto
Mara Fortes
Garbiñe Ortega
coordinador de sedes y eventos Paralelos
venues and Special Events Coordinator
Jonathan Martell
coordinador de invitados
Guest Coordinator
Álvaro Ramírez
asistente de invitados
Guest Assistant
Raúl Alejandro Chávez
comunicaciÓn | dEpArTMENT OF
COMMUNiCATiON
coordinadora de comunicación
Communications Coordinator
Noemi Cuetos
coordinadora editorial
Editorial Coordinator
Lorena Gómez Mostajo
coordinadora de difusión y redes
sociales | Outreach and Social Media
Coordinator
Mariana Velasco
coordinadora de Prensa
press Coordinator
Icunacury Acosta
asistente de Prensa | press Assistant
Rodrigo García
diseño gráfico | Graphic design
Juanjo Güitrón
Alejandro Magallanes
Ana Laura Alba
desarrollo web | web development
TEORUS
ProducciÓn | prOdUCTiON
coordinadora de Producción
production Coordinator
Carolina Gómez
coordinadora de logística
logistics Coordinator
Marcela Hinojosa
coordinadora de Producción ambulante
más allá | Ambulante beyond production
Coordinator
Cristina Valle
189

190
coordinadora de voluntarios y vinculación
liaison and volunteer Coordinator
Karla Castro
asistentes de Producción
production Assistants
Adolfo Gurrola
Chloë Roddick
coordinadora beca cuauhtémoc
moctezuma–ambulante | Cuauhtémoc
Moctezuma–AMbUlANTE Grant Coordinator
Luciana Kaplan
coordinadora académica ambulante
más allá | Ambulante beyond Academic
Coordinator
María Inés Roqué
tutores ambulante más allá | Ambulante
beyond Tutors
Christiane Burkhard
Israel Cardenas
Armando de la Cruz
Diego Delgado
Pablo Fulgueira
Pedro Gómez
Lucrecia Gutiérrez
Laura Guzmán
Gabriel Hernández
Luciana Kaplan
Sergio Morkin
Ernesto Pardo
Joel Prieto
María Inés Roqué
Carlos Rossini
Martha Uc
Berenice Vásquez
José Villalobos
coordinadores Por estado
STATE COOrdiNATOrS
distrito Federal
Patricia Ireta
Abril Serrano
guerrero
Natalia Velazco
Puebla
Mariana Peláez
veracruz
Yamilet García
baja california
Margarita González
nuevo león
Fabián García
coahuila
Alejandra Peart
chiapas
Irene Rojas
jalisco
Judith Guzmán
michoacán
Ariana Castellanos
Mayra Nuñez
oaxaca
Juan Robles
estrategia y operación cinépolis
Cinépolis Strategy and Operations
Miguel Rivera
Jimena Rodríguez Sánchez-
Medal
Ana Luisa Cerqueda
Paulina Villaseñor
Bertín Mendoza
audiovisual | AUdiOviSUAl dEpArTMENT
coordinador audiovisual
Audiovisual Coordinator
Armando de la Cruz
coordinador técnico
Technical Coordinator
José Ángel Villegas
coordinador audiovisual ambulante más allá
Audiovisual Coordinator Ambulante Más Allá
Xicoténcatl Santana
traducción & subtitulaje
Translation & Subtitling
Azucena Benavides
Miriam Jiménez
Marianna Ruvalcaba
diseño de sonido | Sound design
Leo Heiblum
registro fotográfico | photographic record
Karloz Byrnison
Delia Martínez
mÚsica
Los Vega y Leo Heiblum
requinto
Claudio Naranjos Vega
leona
Enrique Palacios Vega
jarana 2a
Raquel Palacios Vega
jarana 3a y Quijada
Freddy Naranjos Vega
Zapateado
Rosario Cornejo Duckles
mosco, Palmas y tabla
Leo Heiblum
locutor | voice
Gael García Bernal
animaciÓn | ANiMATiON
Memoma (Juan Arriagada)
data to Film y mezcla de sonido
data to Film and Sound Mix
LaboDigital
multicopiado 35 mm | 35mm Copies
New Art Lab
servicio social | iNTErNS
Miriam G. L. Victoria Anaya
Elsa Alejandra Ávalos
Hernández
Nidia Castañeda de la Vega
Joshua Hernández
Mariana Hernández Camarillo
Emily Kramer
Margarita Kostova
Yul Jacobo López Rivera
Rodrigo Márquez
Karla Andrea Monroy Liquidano
Carlos Santiago
Luis Parra Vargas
Jeannie Sui Wonders

íNdice de realizadores iNdEx OF dirECTOrS
130
40
Alegria, Oskar
Altuna, Emiliano
64 Álvarez Medrano
Flor de María
103 Anger, Kenneth
103 Baillie, Bruce
148 Bellon, Yannick
122 Bendjelloul, Malik
120 Berlinger, Joe
70 Borg, Maja
101 Brakhage, Stan
99 Broughton, James
110 Bulger, Jay
107 Callard, Andrea
72 Castaing-Taylor,
Lucien
61 Chávez Carreño,
Eloi Antonio
127 Chomón,
Segundo de
101,118 Clarke, Shirley
127 Cline, Edward F.
103 Conner, Bruce
105 Cornell, Joseph
136 Cousins, Mark
103 Cuevas, Ximena
99 D’Avino, Carmen
24 Dencik, Daniel
32 Depardon,
Raymond
99 Deren, Maya
114 Diaz, Ramona S.
101 Drasin, Dan
134 Fiennes, Sophie
54 Fiesco, Roberto
101 Flaherty, Robert
28 France, David
103 Franju, Georges
127 Frank, Herz
107 Gailiunas, Paul
90 George, Sylvain
147 Godard, Jean-Luc
46 González-Rubio,
Pedro
34 Greenfield, Lauren
107 Grey, Julian
78 Guerra da Mata,
João Rui
50 Gutiérrez, Diego
104 Hammer, Barbara
99 Hammid,
Alexander
107 Hill, Helen
144,147 Ivens, Joris
26 Jarecki, Eugene
63 Jiménez Díaz,
Néstor A.
126 Jodoin, René
127 Keaton, Buster
106 Keller, Marjorie
92 Khoreva, Elena
82 Klayman, Alison
92 Klebleev, Denis
138 Klein, Carlos
147 Klein, William
92 Kubasov, Dmitry
92 Kurov, Askold
106 Laboratorium
150 Lacuesta, Isaki
147 Lelouch, Claude
92 Leonteva,
Nadezhda
52 Lerner, Jesse
146 Lhomme, Pierre
30 Lifshitz, Sébastien
99 Lye, Len
62 Magaña, Jaime
144-149 Marker, Chris
103,126 McLaren, Norman
101 Mekas, Jonas
132 Moffatt, Tracey
92 Moiseenko, Anna
48 Moncada,
Mercedes
88 Moreh, Dror
92 Mustafina, Madina
32 Nougaret,
Claudine
61 Oliveros, Sara
44 Ortiz Maciel,
Adrián
40 Osorno, Diego E.
105 Painlevé, Jean
72 Paravel, Veréna
56 Paso, Joaquín del
126 Plympton, Bill
36 Polley, Sarah
42 Portillo Padua,
Otilia
63 Ramírez Guadarrama,
Ana Isabel
130 Ray, Man
103 Reeves, Jennifer
64 Rejón Cruz, Victor
147 Resnais, Alain
60
92
78
86
76
76
40
52
116
105
92
74
86
107
112
68
62
60
56
105
99,147,150
127
84
126
92
Rivero Uicab,
Carlos R.
Rodkevich, Sofia
Rodrigues,
João Pedro
Rodríguez, Marta
Ross, Bill
Ross, Turner
Rossini, Carlos F.
Rozental, Sandra
Salfati,
Pierre-Henry
Schneemann,
Carolee
Seregin, Anton
Seung-Jun, Yi
Silva, Jorge
Siminiani, León
Smith, Adam
Staron, Wojciech
Suárez Aguilar,
Concepción
Torres Canul,
Glenny G.
Trzaska, Jan
Pawel
Uman, Naomi
Varda, Agnès
Veen, Joost van
Wiese, Marc
Woloshen, Steven
Zhiryakov, Alexey
191

192
íNdice de títulos iNdEx OF TiTlES
107
146
145
144
144
144
52
150
82
82
40
103
126
132
101
68
68
146
99
110
102
105
86
101
122
99
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11 Thru 12
A Day In the Life of Andrei Arsenevich
A Grin Without a Cat
A Valparaíso
...à Valparaiso
A.K.
Absent Stone, The
Agnès Varda in Chris Marker’s Atelier
Ai Weiwei: Never Sorry
Ai Weiwei: nunca se arrepiente
Alcalde, El
All My Life
Alouette
Amor
Anillo del asombro, El
Argentinian Lesson
Argentynska Lekcja
Beautiful May
Bed, The
Beware of Mr. Baker
Blood of the Beasts
Borrado
Brickmakers
Bridges-Go-Round
Buscando a Sugar Man
Cama, La
Camp 14 - Total Control Zone
Campesinos
Campo 14 – Zona de control total
Campo 9
Canción del antes de morir
Casa donde vivo, La
Casa Emak Bakia, La
Chemical Brothers: Don’t Think, The
Chibal’Kan
Chircales
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99
Ciudado con el Sr. Baker
Cómo sobrevivir una plaga
Colección de Florestine, La
Cosmic Ray
Cow Who Wanted to Be a Hamburger, The
Dans l’atelier de Chris Marker
Daughters of Chaos
De 11 a 12
De tres…uno
Despiste
Diario a tres voces
Diario de Francia
Diez minutos mayor
Domingo
Don’t Stop Believin’: Everyman’s Journey
Donde vuelan los cóndores
Dream of San Juan
Dyketactics
Elevador
Elevator
Emak Bakia
Emak Bakia baita
En el estudio de Chris Marker
Ensayo de un crimen
Expedición al fin del mundo
Expedition to the End of the World
Far from Vietnam
Fear of Blushing
Field 9
Fiesta Brava
Fireworks
Florestine Collection, The
Fond de l’air est rouge, Le
Fondo del aire es rojo, El
Forgetfulness
Free Radicals

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From Three... One
Fuegos artificiales
Fuses
Fusibles
Future in Our Hands, The
Future My Love
Futuro en nuestras manos, El
Futuro mi amor
Gainsbourg by Gainsbourg: An Intimate
Self-Portrait
Gatekeepers, The
Guardianes del Mayab
Guardianes, Los
Guardians of the Mayab
Guía de ideología del pervertido, La
Habitación, La
He venido a decirle…
Gainsbourg por Ginzburg
Hermoso mayo, El
Hijas del caos
Historias que contamos, Las
House I Live In, The
How to Survive A Plague
I Don’t Want to Say Goodbye
Inori
Interlude
Interludio
Invierno, ¡lárgate!
Invisibles, Les
Invisibles, Los
Invisible Ones, The
Isla de los veinticuatro dólares, La
Je suis venu vous dire...
Gainsbourg par Ginzburg
Jetée, La
Joli mai, Le
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48
Journal de France
Journée d’Andrei Arsenevitch, Une
Kiriki acrobates japonais, Les
Kiriki acróbatas japoneses, Los
Kiri-ki Japanese Acrobats, The
Koltavanej
Last Time I Saw Macao, The
Lección Argentina
Lejos de Vietnam
Level 5
Leviatán
Leviathan
Límites: 1ª persona
Limits: 1st Person
Loin du Vietnam
Lost, Lost, Lost
Love
Magic Words (To Break a Spell)
Marker Variations, The
May They Rest in Revolt (Figures of Wars I)
Mayor, The
Miedo a sonrojarse
Muelle, El
Nail, El
Neighbours
Nivel 5
No quiero decir adiós
On vous parle du Brésil: Tortures
On vous parle du Chili: Ce que disait Allende
One Week
Opéra-Mouffe, L’
Ópera Mouffe, La
Opera Mouffe, The
Ornette: Made in America
Palabras Mágicas (para romper un
encantamiento)
193

194
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64
Partes de una familia
Parts of a Family
Paul Simon: Under African Skies
Peasants
Perdido, perdido, perdido
Pervert’s Guide To Ideology, The
Piedra ausente, La
Pier, The
Planet of Snail
Planeta del caracol
Private Life of a Cat, The
Puentes giran, Los
Qu’ils reposent en révolte (Des figures
de guerres I)
Que descansen en rebelión (Figuras de
guerras I)
¿Qué es esta película llamada amor?
Quebranto
Queen of Versailles, The
Radicales libres
Rayo cósmico
Recuerdos del porvenir
Rehearsal for a Crime
Reina de Versalles, La
Remembrance of Things to Come
Removed
Report on Brazil: Tortures
Report on Chile: What Allende Said
Reportes desde Brasil: Torturas
Reportes desde Chile: Lo que dijo Allende
Resilience
Room, The
Rose Hobart
Ruin
Sang des bêtes, Le
Sangre de las bestias, La
Sanjuana
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Sans Soleil
Search for Emak Bakia, The
Searching for Sugar Man
Sin sol
Song before Dying
Souvenir d’un avenir, Le
Stories We Tell
Sueño de San Juan, El
Sunday
Sunless
Tchoupitoulas
Ten Minutes Older
Three Voices
Toda mi vida
Train en marche, Le
Train Rolls On, The
Tramas y trascendencias
Tren en marcha, El
Twenty-Four-Dollar Island
Última vez que vi Macao, La
Última vez que vi Macau, A
Un día en la vida de Andrei Arsenevitch
Una semana
Une journée d’Andrei Arsenevitch
Vaca que quería ser hamburguesa, La
Valparaiso
Vampire, Le
Vampire, The
Vampiro, El
Variaciones Marker, Las
Vecinos
Vida privada de un gato, La
What Is This Film Called Love?
Where The Condors Fly
Winter, Go Away!
Wonder Ring, The

PatrociNadores SpONSOrS

Mártires de Tacubaya 62, Col. Tacubaya, Del. Miguel
el catáloGo aMbulaNte
se terminó de imprimir en
en Grupo Fogra S.A. de C.V.,
enero de 2013
Gira de docuMeNtales 2013
Hidalgo en la Ciudad de México. El tiraje constó de 2500 ejemplares.

aGradeceMos ProfuNdaMeNte a todas las PersoNas Que año coN año
suMaN fuerzas coN Nosotros Para MaNteNer a aMbulaNte rodaNdo.
we would like to exPress our HeartFelt gratitude to everyone wHo Has HelPed
to keeP ambulante rolling year aFter year
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