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Tercer aniverersario Noctambulante es un publicación gratuita.
Prohibida su venta.
Tercer aniversario Noctambulante
México, Distrito Federal, 2011.
Ilustraciones: Alejandro García Lagarda
Cuidado editorial: Moisés Martínez Ayala

presentación 4
5 eL otro espÍritU De san LUis
Po r Fr a n c i s c o Jav i e r d e Le ó n
De Las historias De mieDo 9
po r aL b e r t o ch i m aL
Un recorriDo por eL cerebro en 24
cUaDros De horror: neUrocinema
Po r so F í a ca n o
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16 entropÍa vs. DistropÍa,
o La importancia De LLamarse john
Po r en r i q u e ba r r ó n
no te comerás eL cerebro
De tU espectaDor
po r ra q u e L ca s t r o ma L d o n a d o
23 Un camino manchaDo De sangre.
breves apUntes DeL primer sigLo De
historia DeL cine gore
po r jo s é Lu i s or t e g a to r r e s
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programa 29

No c ta m b u l a N t e es un proyecto llevado a cabo con la finalidad de
formar públicos a partir de la intervención de espacios, donde se
realizan ciclos de cine de horror y fantástico.
A lo largo de estos tres años nos hemos dado a la tarea de
fomentar la cultura del cineclub, ya que es de gran importancia
como punto de encuentro, análisis, reflexión y convivencia de una
comunidad.
Para este aniversario contamos con invitados y colaboraciones
especiales, entre las que destacan la participación de Barcelona
Creative Commons Film Festival con una muestra de corto, medio
y largometraje; también hemos preparado un pequeño homenaje
cinematográfico al maestro Vincent Price, uno de los íconos del cine de
terror clásico y referente obligado. Además, tendremos en exclusiva el
estreno de la serie de horror para televisión Herida Abierta, dirigida
por Carlos Meléndez, ganador en el concurso de cortometraje en
48 horas y seleccionado en el Festival Macabro 2011.
Tendremos la primera muestra de cortometrajes
Noctambulante en Corto, espacio que se abrió pensando en los
realizadores que cuentan con propuestas audiovisuales interesantes
y atractivas para nuestra audiencia.
Cabe mencionar nuestra ya acostumbrada programación
cargada de suspenso, horror, gore y ciencia ficción, la cual se
presentará en cuatro áreas de proyección para no dejarlos pegar el
ojo durante las dos noches.
Por todas estas razones celebraremos a los realizadores
cinematográficos, promotores, cineclubistas y, muy especialmente,
al público entusiasta que acude a cada maratón desde diferentes
puntos de la ciudad para poder vivir la experienca colectiva del
cine, pues a través del cine reímos, gritamos y nos estremecemos,
haciendo que las obras cinematográficas formen parte de nuestras
vidas.
De igual forma, queremos agradecer a la gente que abrió
sus espacios para brindarnos asilo durante esas acaloradas y frías
noches, a los medios de comunicación que se acercaron a nosotros
y a la Red de Cineclubes del Distrito Federal.
Parafraseando a Todd Browning en su fabulosa cinta Freaks, a todos
ustedes les decimos:
We accepted, we accepted!
One of us! One of us!
Todos somos noctámbulos por naturaleza...
Veisha M Ruiz
Coordinador

eL otro espÍritU De san LUis
Po r Fr a n c i s c o Jav i e r d e Le ó n
La necesidad del arte aumenta cada día, al igual que la necesidad de artistas.
No es fácil; nunca lo ha sido... Lo mejor demanda gran esfuerzo. Dondequiera
que voy –estoy seguro de que esto es válido en todo el mundo- encuentro
talento No está sólo ahí esperando a ser encontrado —está ahí— y puede
ser visto por todo aquel que lo desea.
Vincent Price.
El 25 de octubre de 1993 quedaría fuertemente impreso en la historia sentimental de todos
y cada uno de los que siguieron, y seguimos, el paso por este mundo de Vincent Price.
Después de una larga batalla contra el enfisema pulmonar y contra el fantasma del mal de
Parkinson, que inclemente recorría su sistema nervioso, el cuerpo del otrora astro del cine de horror
se rendía ante este mundo, dejando a su paso el rostro inmortal que hoy conocemos y celebramos. Con
un valor que excedía sus fuerzas, según lo recuerdan sus amigos, Price se mantenía trabajando en sus
mayores pasiones: la actuación y el arte. Apenas unos meses antes había hecho su última aparición en
la película de televisión por cable, Heart of Justice, e incluso había prestado voz para un segmento de la
serie animada Tiny Toons. Más importante aún, un año antes, en 1992, había celebrado la inauguración
de la galería, que orgullosa lleva su nombre, y la publicación de un libro de historia del arte, que
compartía autoría con su hija Victoria.
De este periodo se recuerda que, allende los dolores causados por sus males y la reciente muerte,
en 1991, de su tercera esposa Coral Brown, mantenía el sentido del humor que por el tono irónico,
tanto odiaban y amaban los que le rodeaban. Recibía gustoso las visitas de Roddy McDowall, Hazel
Court y Sir Alec Guiness, o de los jóvenes y talentosos Johnny Depp y el director Tim Burton. Es justo
con Burton que Price va a hacer su última aparición cinematográfica en la cinta Edward ScissorHands
(1990). En ella interpretó al inventor del joven con corazón de galleta, regalando así una de las más
dulces visiones de la herencia de Victor Frankenstein. No era su primer trabajo con el joven director;
ya en 1982 Burton había pedido a Price prestara voz en un cortometraje que servía de homenaje al
actor: Vincent.
En esa época Price daría voz a personajes como el Profesor Rattigan en la cinta Basil, The great
detective de Disney o a Vincent Van Gouhl de la serie de televisión Los trece fantasmas de Scooby Doo, que
para desgracia de los que éramos niños en el momento de su aparición en México, tuvimos que ver la
serie siendo víctimas de un pésimo doblaje (y ni que decir de tener que soportar al siempre patético
gran danés).
Estas apariciones demostraban que el actor no tenía ningún miedo a la hora de autoparodiarse y
tomar una actitud relajada frente a los papeles que se le ofrecían. Así, en la década que parecía ofrecer
cosas tan horrendas como la música disco y los pantalones acampanados, era posible ver a Vincent Price
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en los sets de El Crucero del amor, La famila Brady y The Muppets show. Además
de haber prestado su voz para el video Thriller, de Michael Jackson, y haber
bailado a go gó en la trilogía del Siniestro Dr. Phibbes.
Fuera de los escenarios, la vida del actor cobraba también giros inesperados:
su conversión al catolicismo en 1974 que tenía por único motivo casarse
con Coral Brown llevó a una anulación por parte de la iglesia romana de
su matrimonio con Mary Grant (en el documento se decía que la boda era
ilegal por haber tenido lugar en Tijuana… ¡Ay, bendita falluca!), y se obligó
al actor a reconocer a su hija Victoria como ilegítima, lo cual desgastó su
relación por varios años.
Es necesario hablar también del amor de Vincent Price por el arte,
especialmente por la pintura. Dicho amor es uno de los motivos que movieron
a Price a aceptar papeles de poca envergadura (pero buen sueldo). Y es que
no sólo invertía grandes sumas de dinero comprando obra de artistas como
Cezzanne, Picasso, Degas, entre otros, sino que además viajaba por todo el
mundo buscando ampliar su colección para la galería Vincent y Mary Price,
en la Universidad de UCLA, y para la Vincent Price Collection, que era
auspiciada y manejada por las tiendas Sears (de aquellos años en que era una
tienda respetable).
Sus cacerías de arte lo llevaron a realizar, en las décadas de 1950 y 1960, varios
viajes a México, cuyo arte precolombino le cautivaba. Es durante estos viajes que
Price va a entablar amistad con Diego Rivera y va a aprender las más mexicanas
costumbres, como meterse ilegalmente a un área cerrada de la zona arqueológica
de Chichen Itzá. Según lo recuerda su hija Victoria, Vincent Price decidió
hacerlo para darle emoción al viaje familiar. Fueron perseguidos y una vez
capturados por los guardias, Price aprovechó que uno de ellos le reconoció
como “aquel famoso actor...” para continuar su recorrido.
Fueron estas dos décadas las de mayor éxito en la carrera de Price, fueron
para decirlo en sus palabras, años “eggstraordinarios”, como diría el célebre
Egghead a quien dio vida como parte de la galería de hilarantes villanos del
Batman “gordito”. Fueron también los años del Edgar Allan Poe adaptado por
Richard Matheson y visto a través de la mirada de Roger Corman, esto en
cintas como: La casa de Usher (1960), El pozo y el péndulo (1961), La máscara de
la muerte roja (1964), El cuervo (1963) y La tumba de Ligeia (1965); versiones
que si bien poco tenían que ver con los textos originales del bostoniano,
son ya indispensables en toda colección de cine de horror. Sumado a estas
se encuentran las inolvidables Last Man on Earth (1964), cinta basada en la
popular novela Soy Leyenda de Richard Matheson, The Tower of London (1962) y
The Comedy of Horrors (1963), las cuales significaron los primeros de muchos
reencuentros con sus buenos amigos y también glorias del género: Basil
Rathbone, Boris Karloff y Peter Lorre.
Pero estos son también los años de trabajo junto al director William Castle
en cintas como The house of the Haunted hill (1958) y The Tingler (1959),
que si bien hoy en día es posible disfrutarlas gracias a la tecnología digital,
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muchos hubiéramos querido disfrutarlas bajo el ambiente único creado por
el señor Castle, quien entregaba a cada espectador una póliza de seguro de
vida en caso de muerte por miedo y quien gustaba de lanzar efectos como:
“Emergo” o “Percepto”. El primero consistía en soltar por la sala de cine
un esqueleto que era manejado con cables. Por su lado, “Percepto” estaba
formado por una serie de aparatos eléctricos colocados estratégicamente
bajo ciertos asientos de la sala, que eran activados en momentos climáticos
de la cinta, provocando una descarga eléctrica mínima y los gritos y el
sobresalto de los miembros del auditorio.
Price va a participar en la primer película en 3D: The house of Wax (1953),
en ella interpretaba al Prof. Henry Jarrod, un hombre dedicado a hacer
estatuas de cera con cadáveres. La cinta contaba también con un joven (si
es que algún día lo fue) llamado Charles Buchinsky, conocido hoy día como
Charles Bronson. La cinta era una de las favoritas de Price. Según él mismo
relataba, solía verla varias veces a la semana sólo para ver al público asustado.
He aquí una de sus anécdotas favoritas al respecto:
Me senté una vez, detrás de dos chicas que comían palomitas y daban saltos de
terror sin parar. Al final, al encenderse las luces, puse mi cabeza en medio de
ambas y dije con voz suave y aterradora: ´¿disfrutaron la película?´ , gritaron
más que nunca.
Curiosamente, el director André de Toth era tuerto. Es decir, la primer
cinta en 3D fue dirigida por alguien que no posee profundidad de campo (y
aún así es mejor que cualquiera de los bodrios que en el cada vez más fallido
formato nos hemos reventado en los últimos años).
En las décadas previas están los años en que ciertos productores pretendían
que Price fuera galán tipo Bogart, sus juveniles viajes a Inglaterra para
estudiar teatro, los escenarios infantiles, la primera luz del nacimiento.
Alguna vez escuché que narrar la vida de un hombre comenzando por
su muerte nos dice mucho acerca de su vida, es por eso que aquí cierro con
el Vincent Leonard Price naciente, el oriundo de San Luis, el que mucho
tiempo después de que Charles Lindberg levantará su famoso vuelo, se
convertiría en el otro espíritu de San Luis y en el espíritu que hoy habita
nuestras más dulces pesadillas. m

De Las historias De mieDo
Po r aL b e r t o ch i m aL
El miedo es una de las constantes de la vida humana. De hecho, es más antiguo
que la propia humanidad. Es un mecanismo de defensa que compartimos con los
animales: la sensación desagradable que nos provoca la posibilidad del peligro. Sin
el miedo no podríamos haber sobrevivido como especie.
Cuando apareció el lenguaje, inventamos las historias, que nos permiten recordar
lo que pasó e imaginar lo que desconocemos. Entre ellas, desde el principio, estaban las
historias de miedo. Las hay en todas las culturas, por antiguas o remotas que sean, y al igual
que el resto de nuestra literatura y de todas las artes, han ido cambiando con nosotros: en
cada época y lugar han expresado no solamente los peligros reales y concretos a los que nos
enfrentamos, sino también (y sobre todo) los otros: lo desconocido que nos asusta, lo que
está más allá de nuestra comprensión, nuestras pesadillas. En los miles de años de nuestro
paso por el mundo hemos descubierto, incluso, que estas historias no sólo cumplen una
función útil como advertencia o como desahogo. Como escribió Edgar Allan Poe, el gran
escritor estadounidense, en ellas encontramos un placer intenso: nos gusta horrorizarnos,
experimentar la sensación del peligro sin que el peligro esté realmente cerca.
Actualmente hay ejemplos en todas las artes: el teatro, la televisión, los videojuegos,
la música, las artes visuales y, desde luego, la literatura y el cine. Acercarse a cualquiera
de ellos es aceptar la experiencia de lo terrible –el espanto y la maravilla de lo terrible–
que nos invita a imaginarnos en la piel de sus personajes, a percibirlo todo como ellos
lo perciben, a internarnos en los mismos lugares inquietantes e ir a los mismos destinos
inciertos. Si las historias son competentes, nos sobresaltan; si son extraordinarias, nos
asustan de veras, y el miedo puede quedarse con nosotros tras el final de la narración y,
quizá, no dejarnos nunca.
Las formas actuales de las historias de miedo tienen su origen a mediados del siglo xviii.
En esa época, que ahora llamamos de la Ilustración o del Racionalismo, la cultura occidental
adoptó justamente el pensamiento racional como centro: como única herramienta válida
para la comprensión del mundo, haciendo a un lado el mito, los sueños y la superstición.
La promesa de la Ilustración era que nada de eso sería ya necesario: que la razón y la
ciencia bastarían para comprender al mundo por entero, y por lo tanto lo desconocido
acabaría por desaparecer. El ser humano ya no tendría que tener miedo. Sin embargo, no
sólo lo desconocido sigue entre nosotros, siempre en los límites del conocimiento que la
humanidad ha ido adquiriendo desde entonces y también en nuestra propia realidad, en los
misterios y horrores de nuestra conducta y nuestra mente: además, el aumento de lo que
conocemos como especie no ha causado un aumento de lo que podemos entender como
individuos. El mundo a nuestro alrededor se ha vuelto mucho más claro, pero también
mucho más vasto y complejo. Y en esta complejidad, que nos rebasa, acecha también el
horror.
Desde entonces, y en especial en las obra del movimiento artístico que ahora llamamos
Romanticismo, las historias de miedo buscan evocar esa sensación desoladora. Y lo hacen
con frecuencia mediante el efecto que Sigmund Freud llamó lo siniestro: lo que sucede no
cuando nos asomamos a un entorno remoto e incomprensible, sino cuando descubrimos
que eso, lo incomprensible, puede invadir nuestro mundo cotidiano y volverlo otro:
transformarlo en ajeno y terrible. He aquí dos ejemplos:
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1. En “El hombre de arena” (1817), el cuento
clásico del alemán E. T. A. Hoffmann, el
protagonista, Nathanael, se enamora de una
muchacha que resulta ser un autómata: una
criatura artificial, hecha de metal y madera,
por un personaje mitad científico loco y mitad
hechicero. El descubrimiento ocasiona que
Nathanael enloquezca y se mate: su idea de
lo que es posible y de lo que no –su idea del
mundo– se quiebra en el descubrimiento y esa
ruptura lo destruye.
2. En El resplandor (1980), la película de Stanley
Kubrick, ocurre algo semejante de modo más
sutil y en repetidas ocasiones. Una de ellas:
cuando los cuidadores que se preparan a pasar
el invierno encerrados en el hotel Overlook
entran en un cuarto frigorífico, lo examinan y,
al salir de él, ya no están en el corredor por el
que habían entrado, sino en otro, claramente
distinto. Los personajes no dan señales de notar
que algo anda mal, pero el espectador sí que lo
nota, y no tener la compañía de los personajes
al entender que el mundo se quiebra es una
experiencia aún más perturbadora.
¿Para qué sirve todo esto? Al terminar estas historias nos
queda la duda sobre un secreto no revelado, la sorpresa o
la desolación ante el destino de un personaje (que puede
ser doloroso, conmovedor o simplemente intolerable), o
bien el recuerdo de un sentimiento sutil pero profundo,
fuerte y casi siempre terrible. Se dice que el mejor arte
es el que nos cambia: las historias de miedo logran este
efecto mostrándonos hechos, lugares y personajes que,
al descubrirse perdidos en mundos que los sobrepasan,
modifican nuestra propia relación con el mundo. Algo de
la forma en la que miran afecta nuestra propia forma de
mirar y nos vuelve más sensibles al terror, a la melancolía,
a la incertidumbre de nuestras propias vidas.
Este efecto se complementa con otros. Una historia
de miedo puede golpearnos, simplemente, con el horror
visible, como hacen los slasher-films (las típicas películas de
multihomicidas, con sus gritos a todo volumen y sus grandes
cantidades de vísceras y sangre) o el cuento “Sobreviviente”
(1982) de Stephen King: la historia de un náufrago que,
para no morir de hambre, se devora lentamente a sí mismo.
O bien, sin contarnos nada explícitamente espantoso, todo
puede estar en una atmósfera: un ánimo que rodea a los
personajes y los hechos. La atmósfera se crea mediante
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descripciones (o representaciones) del mundo exterior y también del otro, de la vida
interior: de cómo reacciona o reflexiona tal o cual personaje ante los sucesos de su vida.
El cuento “La caída de la Casa de Usher” (1839), de Poe, describe paredes en ruinas, cielos
oscurecidos y agua estancada que se unen a la tristeza del narrador y nos preparan para
conocer a los hermanos Usher, habitantes de un hogar ruinoso (la palabra “casa” también
puede significar “familia”) que ocultan un secreto inconfesable. En Ringu (1998) de Hideo
Nakata –la película japonesa en la que se basó un filme posterior, mucho más conocido
y no tan bueno: El aro (2002) de Gore Verbinski– los edificios de los barrios de clase
media de la ciudad de Tokio, de apariencia regular y aburrida, se vuelven todavía más
opresivos cuando la cámara nos los muestra bajo cielos nublados y lluviosos, y los sonidos
distantes que hacen sus inquilinos nos revelan que ninguno tiene idea del drama que viven
los protagonistas, amenazados por una criatura imprecisa que mata sistemáticamente a sus
víctimas. La soledad de los personajes es mayor incluso aunque se encuentren rodeados de
todas esas otras personas, porque sabemos que todas son indiferentes.
Las historias de miedo nos hablan también de nuestra relación con el miedo mismo.
Ciertas épocas son más sensibles a la idea del horror que invade una comunidad que
comienza libre de él, como sucede en la novela Drácula (1897) de Bram Stoker, base
de todas las historias modernas sobre el vampiro, el intruso de una tierra y un tiempo
lejanos; otras, en cambio se identifican más con las historias en las que el miedo se revela
de pronto en la misma comunidad, como en la película La noche de los muertos vivientes
(1968) de George A. Romero, origen de la figura contemporánea del zombi: el vecino o el
hermano que se convierte en monstruo. Nuestro propio tiempo, quizá, es más sensible a
la violencia cercana y al mal cotidiano; en cualquier caso, las historias de miedo nos hacen
falta ahora, como siempre, para lidiar con esos peligros cuando anidan en nuestra mente:
para continuar sobreviviendo. m

Un recorriDo por eL cerebro en 24 cUaDros
De horror: NeurociNema
po r so F í a ca n o
La creación se basa en una
ciencia exacta de las reacciones
del público.
Alfred Hitchcock
Debido a la gran capacidad de crear escenas y personajes impactantes en el ámbito
cinematográfico se le ha otorgado a Sir Alfred Hitchcock el sobrenombre de
“Maestro del suspenso”. Con la incursión de las neurociencias en el cine, este
apodo ahora tiene validez científica pues se han comprobado experimentalmente los efectos
en los espectadores para exaltarse al ver una película del mencionado director.
Pero, ¿qué es el neurocine? El término neurocinema se refiere al estudio del cerebro
en respuesta al estímulo de un filme. Fue acuñado por el doctor Uri Hasson en su artículo
Neurocinematics: The neuroscience of film, en 2008. Posteriormente surgieron innovadoras
investigaciones realizadas por la empresa Mind Sign (San Diego, California), que se basan
en técnicas de neuromarketing donde se busca conectar el componente emocional con los
receptores neuronales; en concreto, buscan conocer cómo el cerebro reacciona ante ciertas
escenas o personajes de una película. Ellos comentan: “Ofrecemos un nuevo modelo –no
es una fórmula, sino un fractal– para que no existan altibajos en las películas, sino que cada
escena sea un pico y cada secuencia tenga la misma intensidad de un tráiler”.
Los estudios que esta compañía realiza se obtienen con electroencefalogramas,
mediciones fisiológicas (ritmo cardiaco, frecuencia respiratoria) y técnicas de neuroimagen
con las cuales se observa cómo ciertas regiones cerebrales –que tienen relación con la
atención, la memoria y las emociones– reaccionan ante las películas seleccionadas al instante
que son observadas. El objetivo principal es que las productoras sepan si el cerebro ha sido
alterado al observar estas películas y si se está cumpliendo el propósito de provocar miedo,
hacer reír, o si el discurso de cierta persona es persuasivo.
El cine de horror es fundamental para estos experimentos por el elemento que en
el género se encuentra: miedo; emoción básica y ancestral en los humanos, instinto de
supervivencia ante el peligro. El descubridor del mecanismo del miedo en el cerebro es
el neurocientífico Joseph Ledoux, director del Centro de Neurociencias para el miedo
y la ansiedad de la Universidad de Nueva York, quien apoyado en la teoría evolutiva de
supervivencia ante el peligro de las tres efes (luchar, huir y no moverse, por sus siglas
en inglés), observó cómo la amígdala (centro de emociones como el disgusto, el enojo y,
sobre todo, el miedo) libera la hormona vasopresina, y cómo es la estructura cerebral que
se activa cuando tenemos terror. Esta es la principal razón por la cual Ledoux comenzó los
estudios y posiblemente también sea la respuesta de las diferencias neurológicas que hay
entre el género cinematográfico de horror frente a los otros géneros.
El primer experimento de cine comercial se llevó acabo con la película de terror Pop
Skull de Peter Katz, y se observó que en la mayoría de las escenas la amígdala es la parte
del cerebro con más actividad. Al conocer los resultados el director mencionó que: “El cine
de terror será más eficaz con estas técnicas, y así se podrán conocer las emociones de los
espectadores al instante, justo como los hacen los directores de teatro”.
En una investigación de la Universidad de Nueva York se compararon varias películas y
programas de televisión, dentro de ellos los capítulos de la serie Alfred Hitchcock presenta,
y se comprobó que éstos activaron la mayoría de las áreas cerebrales, un 65 por ciento del
cerebro se iluminó al ver los episodios.
Otra de las zonas que se “ilumina” al ver estas películas es la corteza prefrontal, sección
donde se realiza la toma de decisiones, emisión de juicios, organización y planificación,
percepción de los sentimientos de las otras personas (teoría de la mente), y la evaluación
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del peligro. También en esta zona entendemos y hacemos
la disociación de que estamos ante una película y no en la
realidad. Es decir, gracias a esta comprensión realizada en
el cerebro no salimos corriendo del cine dejando nuestras
palomitas a medio bote y una butaca vacía; al contrario,
permanecemos allí disfrutando del miedo que la película
genera en nosotros.
La memoria es fundamental cuando estamos observando
una película; la manera en la que ordenamos las escenas y
estímulos audiovisuales para darle un contexto y narración
al filme se logra mediante el proceso de la memoria de
trabajo, que también forma parte de la corteza prefrontal.
Si la película nos dejó “marcados”, formará parte de nuestra
memoria a largo plazo; de lo contrario, desecharemos esa
información. Es decir, la memoria será una herramienta
de defensa ante situaciones de peligro que se activará, por
ejemplo, cuando ves a un hombre con un cuchillo en tu
casa, y te dirá que no subas corriendo por las escaleras sino
que intentes escapar por la puerta principal; o sabrás que
siempre es bueno rematar al cuerpo inerte en la cabeza y
en el corazón, así te asegurarás de que no despierte y te
persiga incansablemente; o bien, si van a revisar algo,
tendrás presente que siempre será mejor hacerlo en equipo,
nada de separarse o de ir solo. Por lo tanto, el cine también
es una experiencia de aprendizaje donde nuestras neuronas
espejo trabajan en cada escena, secuencia y fragmento,
para poder usar esa información adquirida en una situación
amenazante.
La objetividad de estos estudios hace que muchas
productoras empiecen a interesarse en el ámbito de la
neurociencia, uno de los últimos proyectos que se evaluaron
en Mind Sign es la película de M. Night Shyamalan, Devil,
que tiene los clásicos clichés del cine de terror, lo que la
hace un tanto tediosa y pone en duda la efectividad de
querer hacer un filme épico con estas técnicas.
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Aventurémonos a tener hipótesis. Si se pusieran a
prueba películas de terror psicológico como Saw, Mártires, o
El Resplandor, seguramente se activaría todo el componente
ejecutivo de la corteza prefrontal paralelamente a la
amígdala, debido a que es la zona cerebral que evolucionó
al último en los humanos y la que nos diferencia como
especie.
Otra de las preguntas en las que se ha estado trabajando
es sobre la comparación de los diferentes géneros
cinematográficos; una película de comedia seguramente
libera endorfinas, dopamina y serotonina, sustancias que
propician el placer, mientras que una película de drama
seguramente inhibe la liberación de estas sustancias y nos
hace caer en estados parecidos a la depresión.
Para concluir y no divagar más es importante recordar
que el género, la edad y el contexto sociocultural son
variables importantes en estás investigaciones, ya que en la
resignificación y la carga emocional que cada uno de estos
estratos experimenta tienen que ver desde componentes
genéticos hasta el ambiente y educación donde la persona
se haya desarrollado.
Finalmente, saber qué imágenes y efectos visuales
son más impactantes, qué personajes son convincentes,
qué música produce emociones más fuertes, etcétera, es
muy importante para tener éxito en taquilla, sobre todo
para impactar a un público acostumbrado y sediento por
el cine de horror. Cualquier director que tenga talento y
creatividad va a lograr una pieza maestra, una obra de arte,
y el neurocine será una herramienta para lograr atrapar más
a los espectadores o mejorar ciertas escenas. m

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entropÍa vs DistopÍa, o La importancia
De LLamarse john
po r en r i q u e ba r r ó n
El término distopía fue acuñado por John Stuart Mill en el siglo x i x como antónimo
de la definición de utopía de Tomas Moro, y se ha utilizado tanto para referir
situaciones postapocalípticas; lugares donde han desaparecido las macroestructuras
de gobierno y reina un caos aparente, donde las estructuras sociales se ven reducidas a
comunas generalmente en conflicto unas con otras. Ejemplo de estas sociedades son las
tramas relatadas en El señor de las moscas, de William Golding, o en La Carretera, de Cormac
McCarthy. La otra acepción es la de sociedades manipuladas y adoctrinadas, donde lo
cotidiano transcurre bajo fuertes dispositivos dictatoriales y el orden se mantiene a toda
costa considerándolo el bien más preciado. La literatura también ha explotado esta veta
para crear historias que advierten al ser humano de los peligros que entraña un orden de
esta naturaleza, situando generalmente sus elucubraciones en el futuro, tiempo en que la
tecnología, lejos de estar al servicio del hombre, es utilizada para someter a las masas y
permitir a pequeños grupos mantener las jerarquías y mecanismos sociales para validar su
poder. Por ejemplo, Un mundo Feliz de Aldous Huxley, 1984 de George Orwell, Fahrenheit
451 de Ray Bradbury, o ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? de Philip K. Dick.
En estas obras, donde la distopía es una pesadilla tendiente al control férreo, es posible
observar como el mismo control permite las condiciones necesarias para el surgimiento
de su antítesis, encarnada en sujetos que buscan la fractura del sistema. Ellos pondrán de
relieve la entropía, entendida como un elemento que enfrenta y desestabiliza el orden, ya
que al potenciar cambios en la estructura de la distopía permearán sus cimientos revelando
aristas negativas en su organización, tales como la abolición de lo individual o la brutal
represión a los disidentes. En sociedades fundamentalistas como las representadas por una
distopía no hay nada peor que enfrentarse a la posibilidad del cambio, su concepto de orden
implica permanecer indefinidamente estáticas.
El cine también ha aprovechado el tema para recrear sus propias distopías. Si bien en
gran parte los filmes son adaptaciones de novelas o cuentos, hay algunas películas en las
cuales los guiones son originales, aunque en buena mediada pueden contener elementos
de libros que abordan el género. Me referiré a cuatro de ellas en particular, en las que
además de sus guiones originales, sus argumentos compaginan con la segunda acepción de
distopía: Metrópolis (1927) de Fritz Lang, Alphaville (1965) de Jean-Luc Godard, Dark City
(1998) de Alex Proyas, Equilibrium (2002) de Kurt Wimmer. Estas películas guardan entre
sí varias coincidencias, la más importante es poseer cuatro líneas argumentales que definen
una distopía en su segunda exégesis, es decir como contraria a la entropía.
1. La trama tiene lugar en un tiempo y espacio mítico, generalmente el futuro.
2. Las sociedades representadas son estructuras opresoras de corte fascista, en
extremo ordenadas y con jerarquías perfectamente delimitadas.
3. Un héroe prometéico que se rebela ante el statu quo.
4. El motor de la rebeldía en el héroe es primero un factor emocional antes que
racional.

Tres de los cuatro filmes se desarrollan explícitamente en el futuro, así se cumple la primera
premisa argumental. Esto tiene una razón de percepción más que de carácter político o
social. Se debe tener lo que Stephen Hawkins llama flecha del tiempo para poder matizar
el desarrollo y deterioro de una sociedad. En el caso de Dark City, si bien no hay una clara
referencia al tiempo en el cual se lleva a cabo la historia, la flecha del tiempo es de carácter
psicológico y esta implícita en las historias que van sembrando Los Ocultos en la memoria
de los habitantes de la ciudad, la misma ciudad cambia cada 24 horas. El porqué, el futuro
es la dirección de la flecha del tiempo que obedece a una condición lógica, y es que una
tecnología altamente desarrollada generalmente va a acompañar la trama.
En las cuatro películas es patente la segunda línea argumental: un orden exacerbado,
incluso llevado al límite de sacrificar la individualidad en aras del bienestar colectivo. La
instauración de jerarquías piramidales no tienen otro objeto que mantener por cualquier
medio el estado de cosas sin modificación alguna. El orden está fundamentado en paradigmas
racionales en los que el libre albedrío es una amenaza que se debe erradicar no importando
si esta amenaza viene de un objeto o un sujeto. Sin embargo, de manera paradójica,
como una revelación de lo que dejara escrito Goya en sus Caprichos: “El sueño de la razón
produce monstruos”, la misma estructura que pregona un orden inquebrantable genera las
condiciones necesarias para su propia destrucción.
Sobre la tercera línea argumental podemos observar que la trama de las películas aquí
citadas gira en torno al individuo que ha de desafiar el orden social. Los cuatro personajes
portadores del caos en estas cintas curiosamente están ligados con el nombre de John, o
sus derivaciones. Freder, protagonista de Metrópolis, es hijo de Johan ‘Joh’ Fredersen;
Lemmy Caution, de Alphaville, se hace pasar por el periodista Iván Johnson; y los personajes
que utilizan este nombre de pila: John Murdoch, de Dark City, así como John Preston,
de Equilibrium. Los cuatro comparten, además de esta curiosa relación nominal, ciertas
características que los convierten en sujetos antidistópicos. Su razón de ser en las historias
es convertirse en el Némesis del objetivo de las sociedades donde están inmersos, son los
portadores del caos para esos regímenes. Sin embargo, cara al espectador su tarea no se da
como algo negativo, es entendida como lo que menciona George Balandier en su libro El
desorden:
El orden y el desorden son como el anverso y el reverso de una moneda: inseparables. Dos
aspectos ligados con lo real, en el cual uno, según el sentido común, aparece como la figura
inversa del otro… No se ignora, sin embargo, que la inversión del orden no es su derrumbe;
puede servirle de refuerzo o ser constitutivo de él bajo una figura nueva.
Es decir, su labor para potenciar la entropía es primordial para mantener vivas sus
sociedades.
En relación a la cuarta línea argumental, podemos decir que todos ellos tienen en común
una característica que les impulsa a transgredir el orden y convertirse en portadores del
17

caos: son Homo Sentimentalis, en la más puro sentido del término
utilizado por Milan Kundera: “El homo sentimentalis no puede ser
definido como un hombre que siente (por que todos sentimos),
sino como un hombre que ha hecho un valor del sentimiento”.
Ante la monstruosidad que entraña la uniformidad de esas
sociedades totalitarias y su violencia intrusiva, la única defensa
está en el interior del sujeto. Lo que le distingue del resto de los
seres humanos y le dota de individualidad son los sentimientos,
esto aterra a los guardianes de la distopía porque saben que
ello desencadenará una serie de cuestionamientos de carácter
racional. En Alphaville y Equilibrium el tener sentimientos está
proscrito, y a la postre expresarlos se convertirá en el fin del
orden circundante. En Metrópolis y Dark City el amor por una
mujer, como en una reinterpretación de la caída de Troya, es el
detonante para que caigan sus ciudades también.
Las cuatro películas y las cuatro líneas argumentales que
contienen, son una muestra de cómo la distopía es enfrentada y
vencida por la entropía, acabando así con el intento épico del
ser humano por lograr su permanencia ante el paso del tiempo.
Al final se impone la imperfección, sin embargo, ésta es vista
de una manera romántica, haciendo un símil es algo parecido a
la definición de Belleza de David Lynch:
Cuando ves un edificio avejentado o un puente oxidado, estás
presenciando el trabajo conjunto del hombre y la naturaleza.
Si pintas el edificio, pierde toda la magia. Pero si le permitimos
envejecer, la naturaleza se suma al trabajo de construcción del
hombre: el resultado es orgánico.
En pocas palabras ese sentido de ser perennes e imperfectos,
es lo que nos define y obliga a estar en constante evolución. El
futuro siempre será el espacio en el cual proyectar ambiciones
y esperanzas, quizá algunas tan vanas y paradójicas como la de
esa línea aérea hoy desaparecida que en 2001 Odisea del espacio
de Stanley Kubrick, anunciaba viajes a la luna. Pero el futuro
también alberga miedos, algunos no tan banales, mismos que la
literatura y el cine aprovechan para advertirnos de las distopías
que con sus mecanismos de control y represión nos acechan a la
vuelta de la esquina. Para nuestra tranquilidad habrá que decir
que todo orden tiende al caos, a la entropía, y si esto no fuera
suficiente, la estadística nos indica que el nombre de John o sus
equivalentes siguen siendo de los más recurrentes para bautizar
a personajes tanto literarios como cinematográficos. m
19

¿ Qué sería del séptimo arte sin el horror? Este género
acompaña al cinematógrafo casi desde su invención (o
desde su invención misma, si recordamos las anécdotas de
cómo se ponía la gente al ver La llegada del tren, primera
película de los hermanos Lumière).
Si bien al principio se esperaba que el cine cumpliera
con una función meramente documental, pronto, muy
pronto, se convirtió en campo fértil para la imaginación,
y, en particular, para sus engendros más retorcidos: varios
de los monstruos más emblemáticos de la cultura popular
encontraron su lugar en el cine en fechas tan tempranas
como 1910, año en que se estrenó la primera versión de
Frankenstein (dirigida por J. Searle Dawley).
A este pionero pronto lo siguieron el gólem, criatura
legendaria de la tradición judía; el jorobado de Notre Dame,
engendro creado por el novelista francés Víctor Hugo; y,
por supuesto, Nosferatu, el vampiro salido de las páginas de
Drácula, de Bram Stoker.
Sin embargo, pocas de estas criaturas han logrado
permanecer en el imaginario colectivo, causando el mismo
terror que al principio: basta ver las iteraciones más
recientes del vampiro (¿vírgenes hasta el matrimonio que
irradian chispitas?) o del Jorobado de Notre Dame (¿bailar
con las gárgolas, en serio?) para darnos cuenta de que varios
de ellos difícilmente podrían hacernos temblar.
Por otra parte, también es interesante que la gran
mayoría de estos seres surgieron previamente al cine y
que son sólo una adaptación de criaturas surgidas en otros
medios, sobre todo en la literatura.
Hay una excepción notable a esta tendencia: el zombi, sin
duda el primer monstruo netamente cinematográfico.
Vayamos por partes: el ingreso del zombi al cine sí se
debió a un libro, pero no fue una novela o un cuento; sino al
tratado antropológico La isla mágica, de William Seabrook,
publicado originalmente en 1929.
Estas historias acerca de los falsos muertos, raptados
de sus propias tumbas y convertidos en esclavos sin
voluntad, llamaron fuertemente la atención del público
(primordialmente del anglosajón). Sin embargo, lo mejor
ocurrió tres años después, cuando el director de cine Victor
Halperin y el guionista Garnett Weston se basaron en La isla
mágica para crear la película White zombie, con Bela Lugosi.
Aunque no le dieron el crédito correspondiente a
Seabrook, el éxito de la película se sumó al interés que había
despertado el libro y el término “zombie” se convirtió en
sinónimo de “muerto viviente obligado a cumplir con los
caprichos de gente malvada”, o algo por el estilo.
20

De haberse quedado en esa acepción, el zombi habría
permanecido como un personaje intrascendente, apenas
arriba de la utilería en una que otra película exótica sobre
magia negra y vudú.
Y es que, al principio –como bien lo ha expresado el
escritor y guionista John Skipp en su ensayo “The long and
shambling trail to the top of the undead monster heap”
(Zombies, encounters with the hungry dead, Black dog and Leventhal
Publishers, 2009), los zombis eran “los esclavos definitivos”:
carentes de voluntad, ignorantes de su pasado, ajenos a
cualquier sentido de identidad individual, estos rebaños
de exhombres (y una que otra exmujer) aterrorizaban
al público por la perspectiva de la aniquilación total de la
voluntad humana.
Pero por suerte (para el zombi y para sus fans) el
imaginario colectivo decidió usar esa misma palabra para
denominar a otro tipo de muertos vivientes: los ex-seres
humanos reanimados cuyo único objetivo es destruir a
sus antiguos colegas de especie en la película de un joven
director hasta entonces desconocido.
Era, obviamente, George Romero. A sus 28 años, había
dirigido sólo comerciales de televisión, pero tenía el firme
propósito de hacer una película divertida, interesante.
Curiosamente, para el guión se basó en la novela Soy Leyenda,
de Richard Matheson. Cambió las hordas de vampiros
anárquicos por enjambres de muertos vivientes y conservó
la atmósfera de desolación de los personajes encerrados,
sitiados por los monstruos, aparentemente sin escapatoria.
Más importante: introdujo por primera vez el canibalismo
en todo su esplendor, rompiendo así uno de los tabúes más
estrictos del cine hasta el momento.
Así, a partir del filme de George Romero, la aterradora
sumisión del zombi haitiano dio paso a un nuevo horror:
el colectivo irracional, con el que no se puede negociar ni
pactar, que despoja al individuo no sólo de su voluntad,
sino también de su conciencia y hasta del último rastro de
humanidad. Estamos ante el monstruo perfecto.
Casualmente, en la primera película de Romero (La
noche de los muertos vivientes, 1968) nunca se usa la palabra
“zombie”; pero pronto se popularizó el término para
designar a sus monstruos. Fue cosa de tiempo (y ni siquiera
de mucho tiempo) para que otros guionistas y directores
adoptaran y recrearan esta versión del zombi.
En general, estas películas tienen en común varias
cosas:
•
Se centran en un grupo limitado de sobrevivientes
que deben enfrentarse a la amenaza zombi
21

•
•
Nos presentan a los monstruos como hordas
invencibles, más por su número que por sus
“poderes especiales”
Si bien nos regalan escenas deliciosas de
canibalismo o de orgías de sangre, la tensión
dramática reside en las diferencias al interior
del grupo de sobrevivientes
Lo más sorprendente es que, pese a los años
transcurridos desde entonces, a lo limitado de la fórmula
y a la gran cantidad de filmes sobre el tema, el interés por
los zombis parece no agotarse y, aunque hay muchas películas
donde se aborda el asunto en un tono cómico, este monstruo
no se ha suavizado al modo del vampiro. Por el contrario,
aún en las historias menos sangrientas (me viene a la mente
la genial Pontypool, de Bruce McDonald, de 2008) o en las
más delirantes (como El desesperar de los muertos, de Edgar
Wright, 2004), la presencia zombi resulta aterradora,
cuando menos.
Esto se debe, muy probablemente, a que las películas de
zombis han sabido combinar el miedo básico a ser devorados
o convertidos en parte del ejército de caníbales sin voluntad
con otros temores: a la Otredad (como en las películas
de Romero), a una guerra nuclear (como El regreso de los
muertos vivientes 2, de 1988, dirigida por Ken Wiederhorn;
por cierto, es la primera película donde los zombis dicen
“Brains!”), a una mutación genética (por ejemplo, Exterminio,
de Danny Boyle, 2004), a una madre castrante (se puede ver
en Tu mamá se comió a mi perro, de Peter Jackson, 1992), a la
discriminación social (Fido, de Andrew Currie, 2006) o al
lenguaje mismo (y aquí vuelvo a citar Pontypool).
Lo mejor de todo es que nos encanta horrorizarnos.
Mientras esto no cambie, el zombi seguirá siendo una de
las grandes amenazas en el cine. Porque, a fin de cuentas,
se trata, como los demás monstruos, de la exacerbación
22
de El Otro, el que es distinto a mí como espectador.
Pero, dentro de la Otredad, el zombi es el peor escenario
posible.
Como dijo en alguna ocasión el escritor de terror Clive
Barker:
Los zombies son el monstruo ideal de fines del siglo
x x. Un zombie es algo con el que uno no puede lidiar.
Sobrevive a todo. Frankenstein y Drácula pueden
ser vencidos de muchas formas. Los zombies no.
No se puede negociar con ellos. Ellos simplemente
continúan persiguiéndote. Los zombies consisten en
la necesidad del ser humano de lidiar con la muerte.
Representan una cara muy específica de ésta. Y el
hecho de que podamos hablar de esto, echa por
tierra la teoría de que el género no puede tomarse
en serio. m

hasta hace algunos años hablar de
cine gore en una charla de eruditos
cinéfilos equivalía a colgarse el
sambenito de irrespetuoso del sacro arte
fílmico, de inculto audiovisual, o cuando
menos de simple chacotero del cine. Y es
que, calificado con dolorosos adjetivos, el
gore es el hijo feo de la madre cinematografía.
Su nombre significa ; efectivamente, eso es lo que se
aprecia mayormente. Pero los goremaníacos
–que lo somos, y bastantes–, sabemos que
disfrutar una película de sangre y tripas no
es solamente ver el líquido, sino observar el
proceso como se obtiene, y entre más brutal
y explícito mejor.
El componente voyerista y morboso del ser
humano ha encontrado un excelente medio
de expresión desde que el cine existe. Con
él, muerte y sexo –ambos tabúes sociales–
se han hecho presentes con la ventaja de
hacer del público un espectador pasivo, sin
exponerlo frontalmente a ninguna de las dos
situaciones. La muerte siempre ha estado
presente en el cine. Ya nuestros abuelos
disfrutaban las escenas mortuorias de el
caso Dreyfus, reconstrucción del suicidio
del coronel Henry filmada por Méliès en
1899, el asesinato del Duque de Guisa de
los franceses Le bargy y calmettes (1908),
o las matanzas de el nacimiento de una
nación de Griffith (1915). Sin embargo,
las formas de representar el momento de
morir no eran rebuscadas y mucho menos
cinematográficamente sangrientas.
En 1999 Marie-Hélène Méliès, bisnieta
de George Méliès, presentó en la Cineteca
Nacional varios cortometrajes debidamente
restaurados de su antepasado, algunos
de ellos nunca exhibidos en méxico. De
repente, a medio programa, anuncia lo que
según ella podría considerarse el primer
filme gore de la historia, se trataba de
Cirugía de fin de siglo o una indigestión,
un cortito de 4 minutos con 15 segundos,
filmado en 1902, que presenta a un paciente
con severos dolores de estómago llegando
Un camino manchaDo De sangre.
br e v e s a P u n t e s d e L P r i m e r m e d i o s i g L o d e
h i s t o r i a d e L c i n e g o r e.
Po r Jo s é Lu i s or t e g a to r r e s
a un consultorio. el médico le diagnostica
un grave cuadro de indigestión, por lo que
inmediatamente procede a operar. ante la
desesperación del paciente, lo acuesta en la
mesa y con un serrucho le corta brazos,
piernas y cabeza, para proseguir con una
incisión a todo lo largo del tronco y extraer
del estómago botellas, cuchillos y demás.
Finalmente le reinstala los miembros y el
paciente se marcha feliz y sin dolor. Méliès,
sin ser el inventor del gore dio muestra
evidente del morbo que la vulnerabilidad
del cuerpo provoca, y de su carácter como
fetiche necrófilo o sexual.
El crítico estadounidense John McCarty
afirma que en este género la mutilación es
el mensaje, y en muchos casos el único.
ahora bien, los elementos del género se
articulan en un lenguaje muy preciso para
la elaboración del discurso de la película:
aquí no existen signos de puntuación
cinematográfica. Baste mencionar que la
elipsis se elimina, la acción sugerida fuera
del encuadre no tienen razón de ser, los
jump cuts son imperdonables y el zoom back
resulta un sacrilegio.
el gore es el cine de lo evidente. Juega con lo
grotesco del primerísimo plano, con el grosero
inserto que muestra carne ensangrentada, con
la cuidada secuencia de la muerte convertida
en el clímax del filme. La estructura formal
de una película gore es rudimentaria:
escenas de mutilación enlazadas por alguna
excusa argumental, la mayoría de las veces
pobremente desarrollada, aunque como
en todo género cinematográfico se conocen
honrosas excepciones.
Pero si ya dejamos establecido que el gore
no nació de Méliès, ¿dónde tiene su origen?
Al igual que la mayoría de los géneros
fílmicos, encuentra su raíz en el teatro, el
francés para ser más precisos. en 1899 el
empresario max maurey funda el théâtre
du grand guignol, montando libretos de
oscar metenier, algunos basados en poe. en
dichas obras lo verdaderamente importante
eran los golpes de efecto. La naturaleza
23

terrorífica o de suspenso de las escenas daba lugar a
estallidos de violencia que desembocaban en momentos
sangrientos, dejando al público estupefacto.
no obstante lo rudimentario de los efectos, el shock de
lo inesperado siempre cumplía con buenos resultados.
El teatro del gran guiñol tuvo una época de fuerte auge
durante la primera mitad del siglo x x y su influencia es
definitiva para el género. De Francia se extendió a Gran
bretaña en 1908, pero con un matiz fascinante, pues la
flema británica prefirió acentuar los aspectos góticos y
sensuales sobre la violencia.
para 1957 el prestigio del guiñol a la inglesa brincó
de las tablas al cine, cuando una productora llamada
hammer Films genera curse of Frankenstein, dirigida por
Terence Fisher. El común denominador de las películas
hammer fue la propugnación por un terror más osado y
directo, haciendo hincapié en los aspectos visuales más
tremendistas y eróticos; contando, además, con la ventaja
de la fotografía technicolor. sin embargo aún pesaba más
lo puramente estético sobre lo estrictamente gráfico.
Cuatro años después, en Italia, surgía el cine mondo
vía mondo cane (1961) de gualterio giacopetti y Franco
prosperi, pseudo documentales morbosos y sangrientos
cuya coartada era mostrar las miserias de países
tercermundistas, principalmente las costumbres salvajes
y primitivas ante los ojos occidentales.
el reclamo por la sangre en la pantalla y las formas
más violentas por conseguirla se evidenciaba, pero a
pesar de la elegancia de la hammer Films y el descaro
de los italianos, el gore como tal aún no nacía. La nueva
veta del cine de terror no se gestaría en Europa, sino en
los Estados Unidos por un par de realizadores de filmes
ultrabaratos decididos a escapar del invernal frío de
chicago. sus nombres: herschell gordon Lewis, director
y David F. Friedman, productor.
habituales realizadores de nudie films cuentan que en
el invierno de 1963 Eli Jackson los contrata para realizar
una cinta para el lucimiento de su esposa, la desnudista
Virginia Bell, con la ventaja de rodarse en las playas de
Florida. Filmado en tres días Bell, Bare and Beautiful
estuvo listo, pero Herschell y David decidieron quedarse
en Florida y aprovechar el clima y su salario para rodar
una cinta barata.
Debido a la saturación del mercado, los filmes de
desnudos dejaban de representar ganancias seguras,
25

situación que llevó al director a imaginar una historia de terror.
Sin embargo, la idea vino a su mente de la forma menos ortodoxa:
presentando una cantidad de sangre y violencia nunca antes vista:
violencia gráfica, muerte y descomposición del cuerpo humano
habrían de sustituir al desfile de piel desnuda.
La excusa para este coctel de sangre era presentar a un loco
adorador de una deidad egipcia a la que pretende volver a la vida por
medio de un ritual sangriento, donde los ingredientes principales son
los miembros amputados a distintas mujeres. El resultado de este
experimento fílmico fechado en 1963 fue bautizado como Blood Feast
y con él, un nuevo adjetivo fue anexado a la lista de géneros fílmicos.
el gore tenía a partir de entonces su propia carta de nacimiento y
bautismo. tras de herschell gordon Lewis –considerado el padre
del gore– vendrían directores como Andy Milligan, Ted V. Mikels, Al
Adamson y Ray Dennis Steckler, quienes conformarían la primer
generación de gore makers. Si bien sus filmes no tenían demasiada
calidad, lo importante es que dieron al género la codificación necesaria
para que no pasara desapercibido y se olvidara.
años después, la formula original del gore se desgastaba
y era necesaria una transfusión de sangre. Nuevos directores
encontraron en el género un campo de cultivo para plasmar sus
ideologías. La carnavalesca violencia sin sentido sería sustituida por
cuestionamientos que encontraron en su lenguaje el camino ideal para
escupir sus verdades al mundo. No es gratuito que en el emblemático
año de 1968 un joven publicista llamado George Andrew Romero
escogiera el terror más gráfico para presentar la devastadora The Night
of the Living Dead, tantas veces leída como una crítica a la guerra sin
sentido de Vietnam y la deshumanización de la nueva era. Tampoco
es casual que el miedo a la impunidad de la violencia se mostrara en
The Last House on the Left (1972) de Wes Craven, donde una familia
debe hacer justicia por su propia mano ante las vejaciones a que es
sometida. Claro, sin olvidar la monstruosidad latente en los sitios
más recónditos de estados Unidos, como lo muestra tobe hopper en
su The Texas chainsaw massacre (1974), parcialmente basada en el
caso real del asesino ed gein. en el gore cabe hasta la denuncia a los
campos de concentración, tanto los nazis en ilsa, She Wolf of the S.S.
de Don Edmonds (1974), como los japoneses en la impactante men
Behind The Sun de t.F. mous (1990).
también paranoias y obsesiones personales han tenido cabida
en este género. Desde los planteamientos casi filosóficos de David
croneneberg respecto a la mutación del cuerpo, hasta el esteticismo
de Dario argento por la belleza del asesinato. el romanticismo
necrófilo de Jörg Buttergerit o las descomposiciones fantásticas de
brian Yuzna. De la cruda brutalidad de Lucio Fulci a las aberraciones
zombi-pornográficas de Joe D’Amato. Igualmente existen filmes
meramente comerciales bastante divertidos y otros que pecando de
pretenciosos resultan infames.
La saturación del género, como de cualquier otro, llevó a que el
gore se codificara a la perfección y dejara, paulatinamente, de ser
lo sorprendente o contestatario que fue; perdiéndose en términos
generales durante toda la década de 1990, en el marasmo de filmes
26

sin sentido que a la sombra del moderno
slasher propuesto por Wes Craven en la
original Scream (1996), al final ni siquiera se
preocuparon por tener una mínima hilación
argumental, algo que sin importar el tamaño
de la producción a levantar, debería ser la
piedra angular en la que se apoye cualquier
filme.
Debería cambiar la centuria para que una
nueva generación apoyada en los avances
tecnológicos para la filmación de películas
con presupuestos mucho más bajos, pero sin
detrimento de la factura final, decidieran ser
más inventivos en el cine de terror y también
que, culturalmente hablando, después del
boom de los fantasmas venidos del oriente,
se hiciera necesario un resurgimiento de las
vertientes más duras del género, volviéndose
a mirar nuevamente al cine gore, pero ahora
desde un punto de vista muy por encima
de la simple explotación, es decir, como la
forma ideal para el fondo propuesto por
historias bien escritas y perturbadoras.
El efectista pero vacuo torture-porn
surgido prácticamente en los estados
Unidos a partir de filmes como la original
Saw: Juego macabro, de james Wan y hostel
de Eli Roth; el depuradísimo y propositivo
extreme francés cuyas À l’intérieur realizado
al alimón por alexandre bustillo y julien
maury, y martyrs de pascal Laugier, son
las puntas de lanza de un estilo de hacer
terror donde lo sangriento es superado por
la violencia intrínseca que supone elevar
a lo bizarre conceptos dolientes como la
maternidad frustrada y el martirio del
cuerpo. punto y aparte merece el hipergore
oriental, que estando siempre presente en el
mercado directo a video japonés (y de ahí al
resto de asia), rompió internacionalmente
los moldes del género echando mano del
salpicón de sangre por computadora con la
mundialmente celebrada pieza de Yoshihiro
nishimura, Tokyo Gore Police… y de ahí
decenas de productos derivativos que poco
a poco han adicionado el desnudo femenino
–tabú hasta hace un par de lustros–, y
que ahora se funde con fluidos corporales
vastos en títulos como The Big Tits Dragon
(más conocido por su título británico de
Big Tits Zombies) de Takao Nakano o robo-
geisha, de Noboru Iguchi, que buscando
lo paródico rozan el ridículo; y pocas son
las verdaderamente brutales en fondo y
forma, como cold Fish del demencial sion
sono; o expandiéndonos por el continente,
la hongkonesa Dream Home de pang hocheung.
En fin, el listado podría extenderse también
a filmografías menos constantes, pero no por
ello poco importantes, como la nórdica, que
si bien se ha decantado por un terror más
sugerente, no le hace el feo al gore de corte
clásico, como la estupenda opstandelsen,
mediometraje zombi del joven danés Casper
Haugegaard. Así pues, defender o condenar
al cine gore es francamente inútil, estando a
sólo dos años de cumplir medio siglo formal de
su nacimiento. creció como el último eslabón
en la cadena de lo cinematográficamente
permisible, pero su evolución a alcanzado
cotas verdaderamente extraordinarias,
acercándonos cada vez más a la sensación
de que lo que estamos presenciando es real.
sus códigos de género se han expandido,
de nacer en el marco del cine de terror se
pueden ver sus constantes en géneros como
la comedia, el cine de aventuras, el bélico e
incluso el de arte y ensayo. para bien o para
mal, el cine gore goza de perfecto estado de
salud, por lo que su existencia y continuidad
está más que garantizada, cuando menos,
medio siglo más. m
27

Pánico de Masas
Invita
NOCTAMBULANTE CELEBRA SU TERCER ANIVERSARIO
Viernes 28 y sábado 29 de octubre a partir de las 20:00 horas y hasta resucitar.
Cuatro áreas de proyección y una programación aterradora.
Centro Cultural Carranza Av. Lazaro Pavia s/n atrás de la Delegación Venustiano Carranza, Metro
más cercano Fray Servando, línea 4.
Trae sleeping, cobijas y tu disfraz
Donativo general por noche $65; estudiantes con credencial actualizada $50
Siguenos en twitter/noctambulante
Viernes 28
18:30 horas
Presentación de la Publicación
con motivo del 3er Aniversario de
Noctambulante.
Participan:
Enrique Barrón
Alberto Chimal
Raquel Castro
Octavio M Ruiz
José Luis Ortega
Sofía Cano Galindo
Modera: Moisés Martinez Ayala
Entrada libre
Auditorio
21:00 horas
Homenaje a Vincent Price con
motivo del Centenario de su
Nacimiento.
The wax museum
André De Toth
Estados Unidos, 1953, 100 min
En Nueva York, dos socios regentan
un museo de figuras de cera el
cual no marcha bien. Debido a la
acumulación de deudas, uno de
ellos propone al otro, el escultor
Henry Jarrod, y creador de todas
las figuras del museo, incendiarlo
para cobrar el seguro. Pero Jarrod
no acepta: tiene una gran cariño a
sus figuras, que lo son todo para él.
Pese a su oposición, el museo acaba
en llamas. El profesor desaparece
y es dado por muerto. Pero de
pronto surge una nueva atraccion:
un museo de cera con imagenes
increiblemente realistas.
23:00 horas
Evento Especial
Herida Abierta
Carlos Meléndez
México, 2011, 35 min
A lo largo de la historia los cuentos
de horror han enfrentado al hombre
con sus miedos más profundos. El
miedo es el sentimiento máás antiguo
de los seres humanos y el mas real.
En él existe un aire liberador que
nos recuerda la fragilidad de nuestra
existencia ante las amenazas de lo
desconocido.
Presentación del primer capítulo de
la serie para television con presencia
del director y actores.
24:00 horas
Dreamhome
(Wai dor lei ah yut ho)
Ho-Cheung Pang
Hong Kong, 2010, 96 min
Una mujer que desde niña vivía en
un viejo edificio frente a Victoria
Bay, el puerto de Hong Kong, del
cual tenía una vista no solo al
mar, sino a toda la ciudad. Según
fueron pasando los años, las
constructoras iban demoliendo
los edificios, haciendo sitio para
un mega-complejo residencial.
02:00 horas
The Return of the Living Dead
Dan O’Bannon
Estados unidos, 1985, 86 min
Frank y su aprendiz Freddy
terminan su turno en un almacén
de productos sanitarios. Charlando,
Frank cuenta al joven que los
hechos narrados en la película La
noche de los muertos vivientes fueron
reales, pero han sido ocultados por
las autoridades. Para convencer al
chico de que no miente, le lleva al
sótano, donde le enseña un barril
que contiene a uno de los zombis,
y el gas que en su momento le
devolvió la vida. Accidentalmente
abren el barril, liberando tanto al
muerto viviente como el gas, que
alcanza un cementerio cercano.
Sin saberlo, un grupo de jóvenes
que han ido a pasar la noche al
cementerio serán testigos del
despertar de los muertos.
03:40 horas
Strange Circus
Sion Sono
Japón, 2005, 108 min
Una historia truculenta de
relaciones incestuosas en una
narración enigmática que va,
desvelando, poco a poco, el
misterio que se esconde detrás
del trauma y la mente perturbada.
La historia de la niña Mitsuko se
contrapone con la de la escritora
de novelas eróticas Taeko, cuyo
joven ayudante, Yuji, se impone
la misión de averiguar lo que se
esconde detrás de los desvaríos
literarios de la autora.
*Programación sujeta a cambios.
05:40 horas
Hobo with a shotgun
Jason Eisener
Canadá, 2011, 86 min
Adaptación a largometraje del falso
tráiler aparecido en Grindhouse.
Hobo es un vigilante, un justiciero
sin hogar que vaga por las calles
eliminando del mapa a todo ser
indeseable con el que se cruza a
tiro de escopeta.
Centro Cultural
20:30 horas
Llamenme Mike (se dice Maik)
Alfredo Gurrola
México, 1979, 105 min
Cinta de culto es sin duda este
largometraje clave de un cineasta
especializado en el cine de acción,
Alfredo Gurrola. Película mexicana
que logra tanta eficacia en su
realización como en sus diálogos.
Llámenme Mike es una divertida
parodia de cintas norteamericanas
de serie negra como Kiss Me Deadly
(1955), que a su vez se basaba en
las novelas de Mickey Spillane
sobre el personaje Mike Hammer,
detective violento e inflexible de
la época de Joseph McCarthy, cuya
obsesión se centraba en su lucha
contra la amenaza comunista.
22:30 horas
Evento Especial
El Escondite
Sandra Becerril
México, 2011, 96 min
Cuatro amigos deciden pasar un fin
de semana en el Pueblo de Santa
Teresa, al llegar lo encuentran
abandonado, no se sabe nada de
sus habitantes y los protagonistas,
tampoco tienen idea del horror
que aguarda ansioso su llegada.
Esta es la cinta que se encontró
despuès de su desaparición.
Presentación del primer corte
de la pélicula con presencia del
director y el elénco.
00:20 horas
Hiss
Jennifer Chambers Lynch
Estados Unidos/ India, 2010, 98
min
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Un norteamericano despiadado
fascinado con el folclore indio,
viaja hasta el país asiático siguiendo
la pista de dicha leyenda. Allí
encuentra y captura al compañero
del nagin por los poderes mágicos
de su nagmani, una mítica gema
integrada en su capucha. Furiosa,
el nagin se transforma en una
seductora femme fatale que los
sigue hasta la jungla urbana
estadounidense para rescatar a su
amado y eliminar a sus captores y
a todo aquel que se interponga en
su camino.
02:10 horas
De la morte del amore
Michele Soavi
Italia, 105 min
Dellamorte es el guardián del
cementerio de Buffalora, una
pequeña ciudad en el norte
de Italia, tiene que resolver un
pequeño problema que puede
dejarlo sin trabajo: los muertos no
parecen querer quedarse dentro
de sus tumbas. Así que Dellamorte
entra rápidamente a la acción
para aniquilar a los irrespetuosos
muertos, sin preguntarse siquiera
porqué está ocurriendo aquello.
04:10 horas
Guinea Pig 3: He Never Dies
Za ginipiggu 3: Senritsu! Shinanai
otoko
Masayuki Kuzumi
Japón, 1986, 40 min
Un joven depresivo quiere quitarse
la vida cortándose las venas. Pero
parece ser que la “señora de la
guadaña” no tiene intención de
visitarlo.
04:50 horas
El Asesino del Taladro
Abel Ferrara
Estados Unidos, 1979, 78 min
Un artista pierde lentamente los
estribos a partir de las siguientes
circunstancias:
1) Sus dos amigas eluden pagar los
recibos.
2) Los de la banda punk que
reside debajo lo provocan
constantemente.
3) Su distribuidor de arte le
demanda que finalice su gran obra
en lienzo como prometió.
4) Se pelea con sus amigas.
Cuando el distribuidor se ríe de
su lienzo, él le dispara y comienza
a hacérselo pagar a las personas
a las que considera responsables
por su dolor, de forma transitoria
en el modo que sugiere el título.
Área 3
21:00 horas
Blinky
Ruairi Robinson
Estados Unidos/ Irlanda, 2010, 13 min
Cuenta la relación entre un niño y
su robot, y sobre cómo éste último
va a dejar de lado paulatinamente
sus buenos modales.
30
22:15 horas
Psicosis
Alfred Hitchcock
Estados Unidos, 1960, 112 min
Marion Crane, que trabaja como
empleada en una inmobiliaria,
recibe el encargo de su jefe de
ingresar en el banco cuarenta mil
dólares. Marion está pasando por
apuros económicos, y traicionando
la confianza que en ella ha
depositado su jefe, se escapa con el
dinero. En su huida le sorprende
una tormenta, y se detiene a
pasar la noche en el motel que
regenta Norman Bates, un joven
aficionado a la taxidermina y con
doble personalidad.
23:20 horas
The Crazies
George A. Romero
Estados Unidos, 1973, 103 min
Una plaga biológica ataca un
pueblo de Pennsylvania. El ejército
es llamado a contenerla, pero la
gente, afectada por la enfermedad,
se rebela y atenta contra los
soldados.
02:20 horas
Henry: Portrait of a Serial Killer
John McNaughton
Estados Unidos, 1986, 90 min
Henry es un hombre aparentemente
normal que, no obstante, es el
autor de una encarnizada espiral
de asesinatos de mujeres. Él y su
compañero Otis reciben la visita
de Becky, la hermana del último,
que se hospeda en la casa durante
un tiempo para huir de su fallido
matrimonio y su oscuro pasado.
Pronto, la desesperada Becky se
encariña del protagonista, pero
éste es incapaz de corresponder
su amor. Paralelamente, Otis se
une a las masacres de Henry
llegando a filmar los asesinatos en
video para su propia excitación.
El destino del trío de personajes,
como es natural, estará abocado a
la fatalidad.
04:00 horas
964 Pinochio
Shozin Fukui
Japón, 1991, 93 min
Un cyborg esclavo sexual,
denominado Pinocchio 964, es
desechado por sus dueños por
su incapacidad de mantener una
erección. Vagando en las calles,
amnésico, se encuentra con Himiko,
con quien trata de iniciar una vida
en común.
Área 4
21:30 horas
The Amazing Screw on head
Chris Prynoski
Estados Unios, 2006, 22 min
Un agente secreto trabajando para
el gobierno de los Estados Unidos,
Asombroso Cabeza de Tornillo, es
un robot que atornilla su cabeza
en una variedad de cuerpos y
tiene batallas contra las amenazas
a nuestra civilización.
22:00 horas
Drácula Principe de las tinieblas
Terence Fisher
Estados Unidos, 1966, 90 min
Han pasado 10 años desde que
el conde Drácula fue destruido.
Dos hermanos británicos, Alan y
Charles, y sus respectivas esposas,
Helen y Diana, hacen un viaje
por la zona de los Cárpatos. A
pesar de las advertencias que les
hace el misterioso padre Sandor,
los turistas llegan al castillo de
Drácula donde son recibidos por
el que parece ser el único morador
de la casa: el mayordomo Klove.
Esa misma noche, revivirá a su
señor gracias a la sangre que le
proporciona uno de ellos.
00:00 horas
Horny house of Horror
Fasshon Heru
Jun Tsugita
Japón, 2010, 73 min
Tres compañeros deciden entrar
a una casa de citas para realizar
una despedida de soltero donde
tres bellas y mortales chicas, les
brindarán un tipo de placer muy
especial.
01:30 horas
Bloodsucking freaks
Joel M. Reed
Estados Unidos, 1976, 91 min
Sardu (O’Brien) es el maestro de
ceremonias del Teatro Macabro,
en el cual él se dedica a asesinar
personas en público, haciéndolo
aparecer como parte de su acto.
03:20 horas
Laid to rest
Robert Hall
Estados Unidos, 2009, 90 min
Una joven se despierta dentro de un
ataúd con una herida en la cabeza,
no recuerda quién es. Pronto se da
cuenta de que ha sido secuestrada
por un desquiciado asesino en
serie y que se encuentra en un
pequeño pueblo aislado donde
deberá sobrevivir durante la noche
y ser más lista que el asesino, que
está dispuesta a acabar lo que ha
empezado.
Sábado 29
16:00 horas
Enchilada Ficción
Un recorrido cómico- retrospectivo
por el otro cine mexicano.
Marco Gonzáles
Jose Luis Ortega
Rodrigo Vidal Tamayo
17:20 horas
México Horroroso
El panorama actual y futuras
visiones acerca del cine mexicano
de terror.
Jorge Grajales

Oscar Blancarte
Sandra Becerril
18:20 horas
Champurrado Horror Cómic
Fantástico/ Terror Mexicano
Especialistas en Cómic nos dan
cátedra acerca de estos géneros.
Everardo Ferrer
José Miguel Alva Marquina
Martín Hernandez
Auditorio
20:00 horas
In the mouth of madness
John Carpenter
Estados Unidos, 1995, 95 min
Sutter Cane es un escritor de
novelas de terror, cuyo éxito no
tiene comparación con el de
ningún otro esritor. Pero poco antes
de entregar a su editor su última
novela, ha desaparecido sin dejar
rastro. Al mismo tiempo, algunos
de sus fans están volviéndose muy
violentos de manera inexplicable.
El editor de Cane contrata a John
para que encuentre al novelista.
Él piensa que todo es un montaje
publicitario, para promocionar el
próximo libro de Cane, pero no
tardará en descubrir la horrible
verdad
21:50 horas
Evento especial
Alucardos
Ulises Guzmán
México, 2011, 90 min
Función con presencia del
director.
¿Qué hay en la mente de un
artista del terror y sus fans?
Manolo y Lalo no sólo están
obsesionados con la película
mexicana de horror Alucarda, sino
que el mismo Manolo sabe en su
corazón que él es este personaje
sadiano. Tras encontrar en un
hospital psiquiátrico a su director,
ambos deciden raptarlo para que
recuerde su pasado gloriosamente
retorcido.
-Arturo Castelán. Director del
Festival Mix
23:50 horas
Superstition
James W. Roberson
Canadá, 1982, 86 min
En 1692, la bruja Elondra Sharack
es sentenciada a morir crucificada
por tendencias satanicas, pero su
espiritu demoniaco nunca llego a
ser destruido.
200 años más tarde unos
terribles crimenes se suceden
en los alrededores de una casa
supuestamente abandonada.
El investigador David Tompson
sera el encargado de averiguar la
terrorifica verdad.
01:30 horas
Evento especial
Barcelona Creative Commons
Film Festival en Noctambulante
Die Beauty
Stina Bergman
Suecia, 83 min
03:00 horas
Survival of the Dead
George A. Romero
Estados Unidos, 2009, 90 min
En una isla del norte de la costa
americana, los muertos se levantan
de sus tumbas y amenazan a los
vivos. Además, los habitantes del
lugar son incapaces de acabar
con sus seres queridos a pesar del
peligro que ello les supone.
Aquellos que deciden rebelarse y
atacar a los zombis son expulsados
y deciden emprender una nueva
vida lejos de allí, sin embargo,
cuando son atacados deciden
volver a la isla para descubrir
aterrorizados como los habitantes
han encadenado a los muertos
dentro de sus hogares.
04:40 horas
Elukka
Tatu Pohjavirta
Finlandia, 2005, 28 min
Elukka combina humor retorcido
y cuento popular para narrar la
historia de un padre viudo que se
está convirtiendo en un hombre
lobo, por un extraño accidente
suscitado por su hijo. Es una
película sobre la complicada
relación entre el ser humano
moderno y la naturaleza y la
extrañeza del propio cuerpo hacia
ella. Al mismo tiempo, habla de la
relación entre el padre y el niño,
así como acerca de la aparente
diferencia entre el humano y el
animal.
05:20 horas
Freaks
Todd Browning
Estados Unidos, 1932, 64 min
El filme más prohibido de la
historia del cine muestra el
cerrado mundo de los fenómenos
de circo, en el que el sufrimiento
de uno es el sufrimiento de
todos y la alegría de uno es la
alegría de todos. Excelente filme
de terror que muestra sobre un
marco granguiñolesco la terrible
venganza que acaece sobre una
altiva mujer que se atreve a
engañar a un enano.
Centro Cultural
20:30 horas
Fright Night
Tom Holland
Estados Unidos, 1985, 105 min
Charlie es un enamorado de
los viejos filmes de terror que
programan en Noche de Miedo,
un programa televisivo presentado
por la estrella del género, Peter
Vincent. Pero sus fantasías se
mezclan con la realidad cuando
comienza a sospechar que su
nuevo vecino es un vampiro, y
es el causante de los últimos
asesinatos que han ocurrido en la
ciudad, cuyas víctimas aparecen
desangradas. Ante la incredulidad
de los que tiene más cerca, Charlie
intentará pedir ayuda al mismísimo
Peter Vincent para desenmascarar
al vampiro.
22:30 horas
Suspiria
Dario Argento
Italia, 1977, 98 min
Una joven ingresa en una
exclusiva academia de baile la
misma noche que asesinan a una
de las alumnas. La subdirectora
del establecimiento es la que
brinda a la nueva alumna todas las
comodidades y facilidades para
que pueda estudiar y aprender.
Pero poco a poco va inundando
el lugar y su estancia se va
conviertiendo en una verdadera
pesadilla.
00:30 horas
Barcelona Creative Commons
Film Festival en Noctambulante
Presentan tres cortometrajes:
La Mirada circular
Ivain Sainz-Pardo/ Dirk Soldner/
Jim-Box
España, 12 min
Prebloc
Guilles Guerraz
Francia, 8 min
Sintel
Colin Levy
Estados Unidos, 15 min
01:10 horas
Evento especial
Noctambulante en Corto
Muestra de cortometrajes
nacionales e internacionales.
02:20 horas
Cannibal
Marian Dora
Alemania/ Estados Unidos, 2005,
90 min
Basada en la historia veridical
de un caníbal en Alemania que
mediante un anuncio en internet
buscó a una persona dispuesta a
ser comida por él. Esta película
está llena de escenas gráficas,
desnudos masculinos y sexo
homosexual.
03:50 horas
La comunidad
Alex de la Iglesia
España, 2000 112 min
Ésta es una película de terror
vecinal. Combina el suspenso
claustrofóbico con la acción
doméstica. Contiene altas dosis de
tragedia humana y mucho humor
retorcido.
Su protagonista es Julia, una
mujer de unos cuarenta años que
trabaja como vendedora de pisos
para una agencia inmobiliaria. Tras
31

encontrar 300 millones de pesetas
escondidos en el apartamento
de un muerto, no le queda más
remedio que enfrentarse a la ira de
los miembros de una comunidad
de vecinos muy particular,
encabezada por un administrador
sin escrúpulos. El humor negro
deja paso al suspenso, luego al
terror y, finalmente, a la acción sin
complejos.
Área 3
21:00 horas
Cria cuervos
Carlos Saura
España, 1976, 107 min
Ana recuerda todo lo que ha
acontecido desde el momento
de la muerte de su padre, veinte
años antes. Ana, a sus nueve años,
cree tener poder sobre la vida y
la muerte de quienes viven con
ella. Hay otro poder que Ana cree
poseer: el de invocar la presencia
de su madre. Con ella, muerta hace
años, revive una relación llena de
ternura y, a veces, de dominio.
23:00 horas
The Comedy of Terrors
Jacques Tourneur
Italia, 1964, 84 min
Otra comedia negra con dos socios
(Price y Lorre) de una funeraria en
tiempos de vacas flacas, que deben
salir a buscar futuros clientes en
gente que aún no ha dejado este
mundo, por más que ello signifique
uno que otro crimen.
00:40 horas
Barcelona Creative Commons
Film Festival en Noctambulante
The Wintress
Bill Elverman
Estados Unidos, 24 min
01:20 horas
La Noche del Terror Ciego
Amando De Ossorio
España/ Portugal, 1971, 81 min
En el siglo xiii hubo en Berzano
una legión de templarios, unos
caballeros muy malos que
buscaban la vida eterna a través
de la ingesta de sangre humana.
Habiendo sido encarcelados y
ejecutados, sus cuerpos fueron
dejados a la intemperie y los
cuervos se comieron sus ojos.
En los días modernos en Portugal,
un grupo de gente llega al
monasterio abandonado de los
Templarios y los espectros cobran
vida para aterrorizar nuevamente
la comarca.
02:55 horas
Black Sabbath
Mario Bava
Italia/ Francia, 1963, 95 min
Tres historias de horror narradas
por Boris Karloff: en la primera
(“El Teléfono”), una mujer
comienza a ser acosada por
misteriosas llamadas telefónicas.
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En la segunda (“Los Wurdalak”),
un viajero por las estepas rusas
llega a una casa aislada en la nieve,
donde sus moradores temen el
ataque de los wurdalaks. En la
tercera (“La Gota del Agua”), una
enfermera roba un anillo a una
enferma que está cuidando cuanto
ésta fallece, pero la muerta volverá
de ultratumba para vengarse.
05:00 horas
Room 205
Martin Barnewitz
Dinamarca, 2007, 90 min
Con el deseo de tener una nueva
vida, Katrine se muda desde el
pueblo a la ciudad de Copenhague,
y se incscribe en la Universidad.
Un día por accidente, ella libera
a un fantasma de su dormitorio,
que comienza a vengarse de los
residentes del lugar. Junto con
su nuevo amigo, Rolf, Katrine
intentará parar al fantasma, antes
de que les mate. Sin embargo,
mientras ella busca una solución,
la gente que les rodea empieza a
morir de forma espantosa.
Área 4
21:30 horas
Aftermath
Nacho Cerdà
España, 1993, 30 min
Cuenta la historia de un médico
forense que se entretiene
llevándose organos de los
cadáveres a su casa para dar
de comer a su perro y cuando
la situación se lo permite,
entregándose a brutales actos de
necrofilia con los restos abiertos
en canal de las muertas que están
siendo sometidas a autopsias.
22:10 horas
Mark of the Devil
(Hexen Bis Aufs Blut Gequält)
Michael Armstrong
Alemania, 1970, 96 min
Austria, 1700, terribles tiempos
de superstición y persecuciones
religiosas. Los “cazadores de
brujas” crueles y despiadados.
A una ciudad austriaca llega el
gran maestro inquisidor, para
preparar los increibles juicios que
terminaran en terribles torturas
para los infelices, que a ojos de los
inquisidores, han conjurado los
poderes de las tinieblas o para las
mujeres que han fornicado con el
diablo
00:00 horas
My Bloody Valentine
George Mihalka
Canadá, 1981, 90 min
Los habitantes de una pequeña
localidad minera deciden celebrar
el día de San Valentín por primera
vez en 20 años. Se dejaron de
organizar festejos porque en
esa fecha, dos décadas atrás, se
produjo un accidente en la mina,
debido a que los responsables
de la seguridad de la misma se
encontraban en la fiesta. El único
minero superviviente mató a los
culpables y advirtió a la ciudad de
que nunca se volviera a celebrar
San Valentín.
01:45 horas
El condon Asesino
(Kondom des Grauens)
Martin Walz
Alemania, 107 min, 1999
Un anticonceptivo asesino se
ha extraviado en Nueva York y el
detective Luigi Mackeroni está tras
su pista. Pero luego de perder un
testículo, su búsqueda se convierte
en algo personal, llegando a
descubrir una organización
criminal que busca destruir a los
desviados sexuales de la ciudad.
Comedia negra del nuevo cine gay
alemán.
03:45 horas
Bodybags
Tobe Hooper/ John Carpenter
Estados Unidos, 1993, 95 min
Tres historias de terror sobre un
asesino que acecha a una joven
en una estación de servicio; un
hombre obsesionado con su pelo;
un deportista que pierde un ojo y
recibe uno de un asesino.

Agradecemos el apoyo de: