apunte1 - Diseño UNNOBA
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curso introductorio 08<br />
fundamentos del diseño<br />
Título> Biografías<br />
COCO CHANEL<br />
Ingreso 09 <strong>Diseño</strong> <strong>UNNOBA</strong><br />
Coordinadora General<br />
Prof. Florencia Antonini<br />
Docentes:<br />
Fundamentos del diseño<br />
TM. Arq. Miguel Vecino<br />
TT. Arq. Eugenia Pascot<br />
Taller Proyectual<br />
TM. DG. María Pía Sánchez Bazán<br />
TT. DG. Joaquina Turdó<br />
Alumnas<br />
Laura Luases (DG)<br />
Sofía Terrile (DIT)<br />
<strong>apunte1</strong><br />
1<br />
Un 10 de enero de 1971 Mademoiselle Coco Chanel, revolucionaria, indómita y de<br />
proverbial mal carácter, abandonó el mundo de los mortales para instalarse defi-<br />
nitivamente en el Olimpo. Murió en sus estancias del Hotel Ritz de París dejando<br />
atrás una vida intensa y una leyenda (en parte falsa, en parte cierta) que aún hoy,<br />
tras su muerte, sigue viva.<br />
Gabrielle “Coco” Chanel (n. 19 de agosto de 1883 - 10 de enero de 1971) fue una re-<br />
volucionaria diseñadora de modas y creadora de perfumes francesa. Su verdadero<br />
nombre era Gabrielle Bonheur. Como toda gran leyenda su historia está marcada<br />
por la pobreza, el abandono, el amor, la genialidad y la fama.<br />
Hija de un vendedor ambulante y de un ama de casa de escasos recursos, Gabrielle<br />
Chanel nació en un hospicio de Saumur, el 19 de agosto de 1883. En permanente<br />
situación de escasez, sobrellevó a duras penas sus primeros años de infancia junto<br />
a sus cuatro hermanos.<br />
A los seis, su madre murió víctima de tuberculosis y el padre se desentendió de<br />
ellos, enviándolos al condado de Auvergene, al cuidado de dos tías que tenían un<br />
orfelinato. Por eso, su partida de nacimiento está registrada ahí con fecha de 1893.<br />
El abandono de su padre, la muerte de su madre y la soledad espiritual de Gabrielle<br />
marcaría para siempre su actitud hacia la vida:<br />
”Durante mi infancia sólo ansié ser amada. Todos los días pensaba en cómo qui-<br />
tarme la vida, aunque, en el fondo, ya estaba muerta. Sólo el orgullo me salvó”.<br />
Con las tías del orfelinato, aprendió a coser y manejar el hilo y la aguja con especial<br />
habilidad, lo que hizo que, a los 17 años, las monjas del orfanato de Aubazine le<br />
consiguieran un empleo como costurera.<br />
De una gran personalidad, con belleza sensualmente discreta, femenina y menuda<br />
figura, pelo corto casi varonil, nada la detuvo cuando en 1905 resolvió convertirse<br />
en cantante de un cabaret, oficio que desplegó por tres años y que la introdujo en<br />
el mundo de divertimento y las relaciones amorosas pasajeras. De estas relaciones<br />
Coco Chanel esperaba obtener los fondos para su gran sueño, ser una renombrada<br />
modista.<br />
Su sobrenombre de “Coco”, diminutivo de mascota, se lo debe precisamente a las<br />
tías que la cuidaron, pero otros aseguran que surgió como una suerte de nombre<br />
artístico, a partir de las melodías que entonaba.<br />
De la mano de uno de sus primeros adinerados amantes partió a París, y así en 1909<br />
se instaló en un pequeño departamento en el Boulevard de Malesherbes donde<br />
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rápidamente abrió su primera tienda de sombreros, Modas Chanel.<br />
Siempre apoyada económicamente por sus compañeros de cama, unos años más<br />
tarde se instaló en las localidades que frecuentaban los ricos de Deauville, Norman-<br />
día, (1913) y Biarritz (1916). En 1920, trasladó a París, en la Rue Cambon, su primera<br />
Casa Chanel.<br />
Guiada por su espíritu libertario no tuvo complicaciones para vincularse con adi-<br />
nerados hombres de la sociedad europea ni con estrellas del cine. Ocultó además<br />
celosamente su humilde pasado mintiendo sobre sus orígenes.<br />
Fue el playboy Etienne Balsan quien la colocó con su tienda de sombreros, pero su<br />
vínculo con el amigo de éste, el socialité y jugador de polo inglés Arthur “Boy” Capel,<br />
fue el que posibilitó su despegue. Chanel, se enamoró perdidamente de Capel y se<br />
escapó con el.<br />
Chanel nunca se caso con Capel y este se casó por conveniencia y debido a su origen<br />
judío con otra mujer de alta alcurnia, pero mantuvo a Chanel como amante.<br />
Este murió tempranamente en un accidente automovilístico; Coco llegó al lugar y<br />
lloró amargamente la pérdida de su gran amor, quizás el más importante. Ningún<br />
otro ocupó su lugar por un tiempo prolongado. Estuvo mucho tiempo recluida en<br />
su departamento antes de superar un tanto su pena.<br />
El legado de Balsan y Capel la convirtieron en la gran dama de la moda, y además<br />
pretendida por muchos aristócratas, uno de ellos fue el Duque de Westminster del<br />
que rechazó una propuesta de matrimonio, pero no las sábanas. “Ha habido mu-<br />
chas duquesas de Westminster, Chanel hay una sola”, fue su explicación.<br />
Ícono de la moda<br />
Se codeó con grandes artistas, escritores y artistas contemporáneos como: Ígor<br />
Stravinski, el ruso Diaghilev, Goerge Bernard Shaw y Jean Cocteau. Todos vieron en<br />
ella a una de las pioneras del feminismo, dispuesta a romper fórmulas y esquemas.<br />
Stravinski se enamoró perdidamente de ella, pero solo tuvo que conformarse con<br />
ser su amigo, fue este quien le presento al conde Dimitri de Rusia, con quien tuvo<br />
un apasionado romance.<br />
Observadora innata, la estricta moda aplicada sobre las mujeres -que usaban gran-<br />
des sombreros cargados de pieles de animales y flores, corsé y recargados dise-<br />
ños- la hizo desplegar toda su imaginería hasta convertirse en una de las grandes<br />
diseñadoras del S XX, tan trascendental como Christian Dior y otros grandes que<br />
la siguieron. Coco eliminó la moda Rococó que imperaba, diseñando prendas muy<br />
sencillas, muy cómodas, de líneas rectas, pero con un toque de alta distinción, la<br />
moda fue rápidamente adoptada por el encumbrado público parisino. Su frase más<br />
célebre fue: “Todo lo que es moda pasa de moda”.<br />
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Pese a los años de recesión, en 1931, el magnate hollywoodense Samuel Goldwin la<br />
contrató por un millón de dólares para que vistiera a sus grandes musas del celuloide<br />
como Katherine Hepburn, Grace Kelly, Elizabeth Taylor y Gloria Swanson.<br />
En 1932, a sus 52 años, conoció a Pablo Iribarnegaray, un artista vasco, con quien es-<br />
tuvo a punto de casarse, pero la muerte repentina de este por infarto, la volvió a la<br />
soledad y a la soltería.<br />
Coco marcó la pauta de la moda durante los locos años 20, pero ni siquiera su pasado<br />
como enfermera durante la Primera Guerra Mundial, pudieron impedir que su re-<br />
putación cayera por los suelos durante la Segunda, conflicto que la golpeó en todos<br />
sus frentes.<br />
Segunda Guerra Mundial. La caída de París en manos alemanas, la obligaron a cerrar<br />
sus tiendas en 1939, pero se relacionó obligadamente o voluntariamente a pesar de<br />
su supuesto antisemitismo con la dirigencia nazi, en especial, miembros SS.<br />
Sus amoríos con miembros de la Gestapo tales como Walter Schellenberg y (Hans<br />
Gunther von Dincklage), este último es quien la llevó a vivir al hotel Ritz y de ahí, un<br />
exilio, en Suiza, durante 15 años.<br />
Fue tachada de colaboracionista y se libró de ser rapada y humillada. Pasada la se-<br />
gunda guerra, Coco tuvo que cargar con las consecuencia de su relaciones con los<br />
nazis.<br />
Renacimiento<br />
En 1954 y con 71 años, reabrió su casa de moda, pero ya otros diseñadores de renom-<br />
bre se habían instalado en su sitial. Se mantuvo al frente de ella con un extraordina-<br />
rio dinamismo y adaptándose a las diversas tendencias que recorrían el mundo. Aun<br />
así, logro imponer el clásico toque de sencillez y elegancia que la caracterizaba. Incur-<br />
sionó además exitosamente en el campo de los perfumes, haciendo especialmente<br />
famoso el perfume Chanel número 5.<br />
Vida final<br />
Pero su vida solitaria dominada por la artrosis y la morfina, terminó en forma tan<br />
impredecible como la vivió. El 10 de enero de 1971, sola en su departamento ubicado<br />
en el hotel Ritz, con vista a la Place Vendome, y a los 87 años.<br />
Chanel había salido a pasear y cuando volvió al hotel se sentó a ver la tele mientras<br />
le preparaban la cena. Con ella estaba su sirvienta personal. Chanel la hizo apagar<br />
la tele, se echó en la cama un rato y de repente llamó a su sirvienta a socorrerla. La<br />
sirvienta cogió una aguja y mientras la retiraba Chanel dijo “así es como se muere”.<br />
Chanel fue enterrada en Suiza.<br />
Aún así siguió siendo una mujer influyente y creativa, dispuesta a mantener con todo<br />
su máxima: la libertad de movimiento. Su cuerpo yace en Lausanne, Suiza, resguar-<br />
dado por cinco leones de piedra.<br />
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Actualmente la casa de moda Chanel sigue funcionando a todo ritmo siguiendo la<br />
moda más actual a mano de Karl Lagerfeld.<br />
La senda que señaló Coco Chanel permanece como un referente en muchos dise-<br />
ñadores actuales.<br />
Su obra<br />
Coco Chanel fue una visionaria. Logró interpretar a tiempo la opresión que sentían<br />
las mujeres y estuvo ahí cuando estallaron los locos años ´20.<br />
Cansadas de corsés y bustos entallados, de sombreros con plumas, pájaros y tules,<br />
las mujeres gritaban al mundo la necesidad de un cambio que les permitiera “liber-<br />
tad de movimiento” y Coco era la indicada.<br />
De una vida personal nada de conservadora ni reservada, creía firmemente que la<br />
mujer podía mostrase elegante sin tener que cargar con todo el peso de una moda<br />
que las retenía en la casa.<br />
Es así como los primeros pasos de esa liberación femenina la dio en el campo de<br />
los sombreros, quitándoles todos los adornos inútiles, disminuyendo su tamaño e<br />
incluso avanzando así una estilizada pero –horror- masculina gorra o boina.<br />
No faltaron quienes la acusaron de profanadora y libertina, pero Chanel no dio paso<br />
atrás e impuso sus diseños sencillos de línea recta, pero que nunca impedían el<br />
movimiento natural de las mujeres.<br />
Ella fue la primera modelo de pasarela de sus diseños. Su estilo lo tomó de la ropa<br />
de sus amantes que acostumbraba vestir y, por eso, causó gran sensación cuando<br />
se apareció -por primera vez en público- en un hipódromo, vestida con un elegante<br />
traje sastre y un discreto sombrero.<br />
Su clásico Chanel, esa chaqueta y falda de corte sencillo, en “tweed” fue la respues-<br />
ta que le dio a las mujeres que reclamaban más libertad. Al tiempo sumó las blusas<br />
blancas, los corbatines y los diseños con corte militar y también naviero que paten-<br />
tó luego de sus paseos en yate con el Duque de Westminster.<br />
También dejó su sello en esas cadenas que utilizaba en el dobladillo de las chaque-<br />
tas o los chalecos adaptados y que la llevaron al traje de tres piezas para damas;<br />
en los pullover de cuello tortuga y en los zapatos de punta negra que diseñó para<br />
estilizar aún más las figuras delgadas.<br />
No sólo transformó el tweed, tela destinada a los trajes de varones, en una pieza de<br />
vestir femenina, si no que el “jersey”, esa lanilla que se usaba para la ropa interior<br />
de los hombres, se convirtió en su mejor aliada. Su furró negro o “littel black dress”,<br />
que estrenó en 1926, era un dos piezas de corte recto, sin cintura, que no impedía la<br />
movilidad debido a la elasticidad de su material.<br />
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También avanzó en el campo de la joyería, dando paso a la bisutería. Sus propias<br />
joyas, que recibió de sus amantes, las copió y luego vendió, y comenzó a popularizar<br />
largas cadenas, collares de grandes perlas de fantasía y gruesos pendientes.<br />
Además, invadió el campo de las carteras con un diseño acolchado –quilted- al cual<br />
le agregó una cadena para terminar así con esos incómodos bolsos que no liberaban<br />
nunca las manos de las señoras.<br />
Pese a la simpleza de sus modelos, no abandonó algunas faldas ampliadas que no<br />
tenían tal carácter gracias a las telas utilizadas y en los años ´30 retomó algunos di-<br />
seños con plisados. Pero siempre, se mantuvo alejada del “new look” instaurado por<br />
su competidor Christian Dior, quien con sus figurines entallados y ampliadas faldas<br />
quiso devolver a la mujer el glamour que, según él, Coco les había quitado.<br />
Aunque una de sus máximas era que “para lograr ser irremplazable, uno siempre<br />
debe ser diferente”, su estilo consagró los colores negro, blanco y beige y durante<br />
sus años al frente de Casa Chanel no los abandonó e incluso pudo sobrellevar con<br />
éxito el Art Decó y convertirse en una de sus iconos.<br />
Aunque nunca estuvo dispuesta a diseñar para las grandes masas y elevaba el pre-<br />
cio de sus creaciones –a las que ponía monedas con las dos CC en vez de botones-<br />
porque sabía que con eso las haría exclusivas, estuvo dispuesta a democratizar el<br />
lujo al crear en 1923 su perfume Chanel No. 5, que popularizó Marilyn Monroe con su<br />
indiscreto comentario sobre como dormía.<br />
En los años ´30 creó su primera línea de cosméticos -que a Chile trae Moure- com-<br />
puesto por un lápiz labial, polvos traslúcidos y colorete con los que consiguió ubicar-<br />
se en el mercado del maquillaje.<br />
“El carisma es mejor que la belleza. Dura más” dijo en una oportunidad, clara de que<br />
el lujo era una necesidad espiritual, pero que en su caso tenía un trasfondo en un<br />
pasado de escasez.<br />
El 2005, el Museo de Arte Metropolitano de Nueva York montó una retrospectiva<br />
con 63 trajes originales de la diseñadora y quienes asistieron, vistieron los últimos<br />
modelos de su sucesor, Karl Lagerfeld.<br />
Su impresionante vida fue llevada a las tablas de Broadway, en 1969, en un musical<br />
que interpretó Katherine Hepburn, oportunidad en la que pasó a llamarse simple-<br />
mente “Coco”.<br />
La vida de Coco Chanel ha sido llevada al cine en dos grandes series de televisión.<br />
Una de ellas, francesa, se titula “Une femme, une epoque” y fue filmada en varios<br />
capítulos en 1978. Ahí dos actrices la interpretaron en diferentes momentos de su<br />
vida: Nada Strancar y Clarie Dupray.<br />
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La otra serie, mucho más conocida porque es una gran biografía de su vida, fue filmada<br />
en 1981 bajo el título de “Chanel solitaire” y en ella la actriz Leila Frechet la personifica<br />
en su juventud y Marie-France Pisier la interpreta ya mayor.<br />
Ahí, el famoso actor Timothy Dalton, quien fue también James Bond 007, personifica<br />
a Arthur Boy Capel, el jugador de polo inglés con el que vivió uno de sus más largos<br />
romances y Rutger Hauer hace de su primer amante, Balsan. Hablada en inglés las lo-<br />
caciones fueron hechas en Inglaterra y Francia, los dos países que fueron escenario de<br />
las aventuras de esta famosa diseñadora.<br />
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MARY QUANT<br />
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Nace en Londres Inglaterra en 1934 y su nombre personificó la revolución juve-<br />
nil de los años ‘50 y ‘60. Hoy en día Mary Quant, no tiene el reconocimiento que<br />
merece dentro del mundo de la moda, a pesar de que su contribución fué muy<br />
importante.<br />
En los años ‘60, ella entendía perfectamente la necesidad de<br />
los cambios que estaba ocurriendo a nivel social, por lo que<br />
eso la hizo el nombre más famoso que alguna vez saliera de<br />
Londres. Estudió en el “Goldsmith’s College of Art” en Londres. Allí conoció a Alexander<br />
Plunket. Se casaron en 1957 dos años después de abrir la primera tienda Bazaar en la<br />
“King’s Road” en Londres.<br />
En sociedad con Archie McNair. Este talentoso trio impusieron un nuevo estilo en la<br />
venta de ropa para gente joven e hicieron del King’s Road una mundialmente famosa<br />
atracción turística del que todavía se recuerda. Al inicio vendieron ropa diseñada por<br />
otros, pero debido a la falta de conocimiento que tenían estos acerca de las necesidades<br />
de los clientes jóvenes, fracasó. Empezó a diseñar su propia ropa. Estaba tan en línea<br />
con movimiento del momento que enseguida empezó a vender todos sus diseños.<br />
Si ella originó la mini-falda es ahora una pregunta menos importante. Es ella quién<br />
ciertamente popularizó su uso en la Gran Bretaña y en los Estados Unidos de Norte<br />
América.<br />
Fue incluso quien hizo que las jóvenes ya no se quisieran vestir como sus madres. Dise-<br />
ñó trajes que las madres no pudieran vestir sin verse desastrosas. Con su comienzo la<br />
tradición de diseñar especialmente para adolescentes o aquellos que ya tenían veinte<br />
años es actualmente una industria enorme que sigue creciendo.<br />
Su negocio empezó en una pequeña escala.<br />
Los diseños que ella creó no tenían (class-<br />
less and iconoclastic). Nunca tuvo miedo<br />
de violar las cánones del buen gusto. Su<br />
ropa era comprada por una generación con<br />
bastante poder de adquisición cuyas vesti-<br />
mentas eran el centro de la existencia. Ella<br />
decía: “por suerte...por oportunidad...talvez<br />
por error...estuvimos en algo enorme...un<br />
tremendo renacimiento en el mundo de la<br />
moda”. En 1961 abrió su segundo Bazzar en<br />
“Knightsbridge”, y para 1963 estaba expor-<br />
tando para los Estados Unidos. En ese año<br />
estuvo en una producción masiva con su<br />
línea “Ginger Group” y recibió un premio de<br />
la moda de “The Sunday Times”.<br />
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En 1966, cuando fue honrada con el premio O.B.E. (Order of The British Empire), fundó<br />
su imperio de cosméticos, que fué una máquina mundial de producción de dinero. En<br />
la década de los ‘70 su licencia creció e incluyó lencería, joyería, alfombras, corbatas<br />
para caballeros y lentes de sol. En 1973<br />
el Museo de Londres le dio una re-<br />
trospectiva que implica que sus días<br />
como líder creativa estaban descen-<br />
diendo.<br />
Si fue o no una gran contribuidora<br />
en el mundo de la moda, nadie pue-<br />
de dejar de aclamar que es una pie-<br />
za central en la revolución cultural<br />
que continúa hoy en día. Talvez su<br />
importancia social podría no ubicar<br />
su reputación como diseñadora. Su autobiografía Quant by Quant, fue publicada en<br />
Londres en 1966.<br />
Mary Quant<br />
La dama de la minifalda<br />
19<br />
Revolucionó la moda de los 60 al reducir vertiginosamente el largo de las polleras. Des-<br />
de que ella la popularizó, la minifalda no abandonaría más el guardarropas femenino.<br />
Mary Quant tenía apenas seis años cuando, disconforme con la ropa que usaban las<br />
chicas de su edad, empezó a diseñar<br />
su propio vestuario. La joven diseña-<br />
dora había nacido en Kent, en 1934.<br />
Con sólo 21 años, abrió su primera<br />
boutique, Bazaar, junto con su enton-<br />
ces novio –y más adelante marido–<br />
Alexander Plunkett-Greene. El éxito<br />
de sus diseños, divertidos, seductores<br />
y provocativos, fue inmediato.<br />
Sus clientas formaban largas filas en<br />
la puerta del local, ansiosas por vestir<br />
los impermeables de plástico, suéters<br />
apretados y medias panty de todos co-<br />
lores que ella diseñaba.<br />
Sus creaciones se convirtieron en las<br />
preferidas de famosas como Brigitte<br />
Bardot, Twiggy, Nancy Sinatra y las<br />
novias de los Beatles.<br />
8<br />
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Mientras su negocio crecía, sus polleras comenzaron a acortarse cada vez más, hasta<br />
llegar a unos escandalosos 34 centímetros, en 1964. El Vaticano protestó y algunos co-<br />
legios ingleses amenazaron con expulsar a las alumnas que usaran minifalda. Quant<br />
ignoró las críticas y dijo que, además de liberar a las mujeres, la diminuta prenda resul-<br />
taba práctica para, por ejemplo, correr el colectivo.<br />
Aunque se ha dicho que fue ella quien creó la minifalda, muchos aclaran que en realidad<br />
fue el diseñador francés André Courrèges quien la inventó y Quant quien la popularizó.<br />
La polémica diseñadora ha dicho que ella logró democratizar la moda: hizo que las du-<br />
quesas británicas se mezclaran en sus locales con jóvenes secretarias.<br />
Siempre desafiante, en 1966 fue a recibir en minifalda la Orden del Imperio Británico<br />
por su aporte a la moda, entregada por la reina.<br />
Los hot pants fueron su última gran creación, ya a fines de los 60. Buenos Aires los vio<br />
por doquier a principios de los años 70.<br />
9<br />
00<br />
Aunque siguió en el mundo de la moda, Quant no volvió a disfrutar de la enorme po-<br />
pularidad que obtuvo en los 60. Sin embargo, los locales de su empresa, Mary Quant<br />
Ltd., se expandieron por las principales capitales del mundo: Londres, Nueva York, París<br />
y Tokio. Sólo en la capital japonesa, la compañía tiene 235 boutiques.<br />
Si bien fue la minifalda la que la hizo mundialmente famosa, fue su línea de cosméticos<br />
la que le reportó más dinero. El esmalte de uñas azul y el delineador de ojos platea-<br />
do pasaron a ser los productos más buscados de la diseñadora que había declarado la<br />
muerte del buen gusto y había dicho que la vida estaba “en lo vulgar”.<br />
Quant también se dedicó a diseñar lencería, sombreros y paraguas para diferentes<br />
marcas. En 2000, su empresa fue absorbida por una firma japonesa.<br />
Hace cuatro años se convirtió en abuela, cuando su único hijo, Orlando, tuvo a Lucas<br />
Alexander. Hoy, con 70 años, vive en las afueras de Londres y todavía trabaja como con-<br />
sultora de la empresa que lleva su nombre. Aún mantiene el peinado del estilista Vidal<br />
Sassoon que fue su marca registrada y dicen que conserva el mismo aire ingenuo con<br />
el que revolucionó la moda, cuatro décadas atrás.<br />
Su gran frustración, ha dicho, es no haber visto a la ex primera ministra Margaret Tha-<br />
tcher luciendo una de sus creaciones.<br />
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Título> Biografías<br />
JOHN GALLIANO<br />
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10<br />
John Galliano CBE (28 de Noviembre, 1960)<br />
Nacido bajo el nombre de Juan Carlos Antonio Galliano, en Gibraltar, su padre era gi-<br />
braltareño y su madre española. Se mudó a Londres cuando era un niño, y recibió educa-<br />
ción en Wilson’s School en Wallington. En 1984, se graduó en diseño de modas de la St.<br />
Martin’s School of Arts, con una colección inspirada en La Revolución Francesa llamada<br />
Les Incroyables que recibió buenas reseñas y fue vendida en su totalidad por la boutique<br />
londinense Browns. Después de eso, comenzó su propia marca, con su nombre, e inicio<br />
su carrera como diseñador de modas. Le fue otorgado el premio Diseñador Británico<br />
del Año en 1987, 1994 y 1995. En 1997 compartió el premio con Alexander McQueen, su<br />
sucesor en la firma Givenchy. Ha trabajado con Susannah Constantine también.<br />
Carrera<br />
En los años 1990, Galliano se mudó a París buscando ayu-<br />
da financiera y una amplia cartera de clientes. En 1995,<br />
Bernard Arnault, dueño del conglomerado LVMH le asig-<br />
nó el puesto de diseñador de Givenchy, esto lo convirtió<br />
en el primer diseñador británico que dirigía una casa<br />
francesa de alta costura. Menos de dos años después, el<br />
14 de octubre de 1996, LVMH trasladó a Galliano a la fir-<br />
ma Christian Dior. Su primer desfile para Dior coincidió<br />
con el 50 aniversario de la firma, el 20 de enero de 1997.<br />
Su amor por el teatro y la feminedidad juegan un papel central en sus creaciones - “mi<br />
papel es seducir”, ha dicho. Galliano ha afirmado varias veces que la actriz Charlize<br />
Theron es su musa y ha creado vestidos exprofesamente para ella, los cuales ha usado<br />
en eventos como la alfombra roja de los Premios Oscar del 2006 y los Globos de Oro<br />
del 2005. Theron forma parte de la campaña de anuncios para la fragancia de Dior<br />
“J’Adore”, mientras que la nieta de Elvis Presley, Riley Keough, es la cara de su perfume;<br />
“Miss Dior Cherie” y Kate Moss en fotografías de Nick Knight, hace lo propio con su<br />
campaña de ropa casual. Cate Blanchett y Nicole Kidman han usado sus creaciones en<br />
el pasado para los Premios de la Academia. Actualmente, entre su propia firma y Dior,<br />
Galliano produce anualmente 6 colecciones de alta costura y de ropa casual.<br />
Vida Personal<br />
Galliano afirma que sigue un riguroso régi-<br />
men de ejercicios, el cual lo obliga a desper-<br />
tarse a las 6 de la mañana diariamente para<br />
completar una desgastante sesión de cuaren-<br />
ta minutos de aeróbicos con su entrenador<br />
personal, para después realizar 10 minutos de<br />
estiramientos, 150 lagartijas y trotar por 9.5<br />
kilómetros al lado de la orilla del Río Sena.<br />
Cultura Popular<br />
Un juego llamado “Klingon o Galliano” algu-<br />
na vez fue jugado en el programa de variedad<br />
de la cadena norteamericana Comedy Cen-<br />
tral; “Viva Variety”. Un miembro del público<br />
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<strong>apunte1</strong><br />
era seleccionado y observaba modelos desfilando distintas prendas, y tenía que decidir<br />
si era ropa hecha para Klingons de la serie de ciencia ficción Star Trek o atuendos dise-<br />
ñados por John Galliano.<br />
De la entrevista con John Galliano:<br />
JOHN GALLIANO: Lo siento. Estaba tan cansado. Estoy trabajando duro. Pero aquí estoy.<br />
Yo no le permiten. No a usted. No te anillo con el pulgar. Me gusta eso. Scary.<br />
HAL RUBENSTEIN: Estás seguro que no es porque ha sido salir todo el tiempo? La última<br />
vez que estuvo aquí, usted y [Vogue director creativo] Andre Leon Talley cerrado Sally’s<br />
II [un importante arrastre la barra situada en la calle frente a The New York Times].<br />
JG: Pero usted nos llevó allí. Se impíos. HR: ¿salir ayer por la noche? JG: Fuimos con Nao-<br />
mi y Kate [Moss]. ¿Dónde? No sé. Oh, tuvimos que cenar con Anna [Wintour] en primer<br />
lugar. Se. . . Oh, no puedo decirles. Usted imprimirlo y obtener de mí en problemas. Voy<br />
a decir algo que no debía. Creo que voy a ir a la cama ahora. Me encanta Nueva York.<br />
Pero la energía es tan intensa.<br />
HR: ¿Se va a permanecer a través de los Juegos Gay? JG: No tengo que trabajar. Esta chi-<br />
ca tiene patrones para cortar. ¿Va a ser fab? HR: Once mil atletas y entre medio millón<br />
y un millón de personas en el Día del Orgullo Gay.<br />
JG: Un millón! Mi Dios. No sé. Eso es mucho. Yo vi la del Día de Puerto Rico cosa. Eso fue<br />
malvado. Todos los vestidos de comunión con poco coronas. Todos los colores. Vaya,<br />
niña. Mira tus zapatos. Son grandes. ¿Qué son?<br />
HR: Old Sperry Topsider zapatillas. Deck zapatos.<br />
JG: Son grandes. Su pie conversaciones, usted sabe. [Quita sus zapatos y calcetines para<br />
revelar brillante bermellón dedos de los pies] ¿Te gusta mi uñas de los pies, no?<br />
HR: Incluso mejor que el color de los modelos que había en durante el show.<br />
JG: Gracias. Revlon. Selva Roja. Pero ¿Chanel, también. Algunos dama tirado hacia fuera<br />
de su bolsa y se lo dio a mí.<br />
HR: ¿Le complace con el espectáculo de ayer?<br />
JG: No sé. No la vemos. Yo estaba tan ocupado backstage. Pero las niñas son malvados.<br />
Oribe y el cabello era realmente fab. Sexy. Oh, yo nunca recibió la oportunidad de decir-<br />
le que gracias a usted. ¿Qué pasa con David Bowie? Él es un sexy criatura. Usted debe<br />
venir de arriba y satisfacer Jeremey [Healey]. Realizó la música para el show. Él es mi<br />
mejor amigo, realmente fab. He conocido lo más largo que he estado diseñando.<br />
HR: ¿Cuánto tiempo es eso?<br />
JG: Tan pronto como me gradué, en 1984.<br />
HR: ¿siempre quiere diseño?<br />
JG: Usted quiere decir que, al igual que, cuando yo era pequeña, me hizo, después de<br />
todo, dollys vestirse? Yo no soy un faggot. Yo no te muñecas. Me gusta la mujer. Me<br />
encanta su cuerpo. Vea usted. Trabajo de la camiseta, la niña.<br />
HR: “¿Qué quiere de mí? Se trata de 99 grados.<br />
JG: ¿Y que estás trabajando.<br />
HR: ¿Se siente mucha presión debido a la amplia cobertura editorial que ha recibido<br />
en los Estados?<br />
11<br />
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JG: Sí. Pero voy a ser un buen chico y lo toman día a día y tratar de concentrarse en lo<br />
que es más importante para mí, y eso es un servicio que ofrecen a las mujeres. AR: ¿Qué<br />
tipo de servicio?<br />
JG: Couture.<br />
HR: Pero lo que todos estos rumores acerca de costura que está muerto?<br />
JG: Porque es llegado tan caros. No tiene por qué ser. Deben ponerse a disposición de<br />
cualquier mujer.<br />
HR: A continuación, puede justificar un vestido que cuesta $ 30.000?<br />
JG: Es que no va a costar mucho de mí, pero sí “. Las personas que dan mucho dinero a<br />
la caridad de distancia. ¿Por qué no puede usted que se dedican mucho sobre ti? Lo que<br />
está pagando es la técnica. Y la oportunidad de mirar realmente malvado. ¿No es ya<br />
valido la pena, siempre y cuando usted busca impíos y sentirse bien? Echar un vistazo a<br />
esas señoras que vinieron a la feria de ayer. Ellos dan a la caridad y, a continuación, que<br />
compran vestidos. Se veían Fab.<br />
HR: ¿Qué pasa con la mujer que ama la ropa, pero no dispone de 30000 dólares para<br />
un vestido?<br />
JG: ¿Por qué habría de pagar esa cantidad? Mis vestidos son un precio razonable, para<br />
vestidos que se cortan en el cuerpo. Entender - I cortarlos en el cuerpo. Eso hace que<br />
sea especial.<br />
HR: ¿Prefieres estar haciendo esto que cualquier otra cosa?<br />
JG: Me encanta la mujer. Me gusta el trabajo. Ocultar que barriga, que alargar el cuello,<br />
la sombra la culata. Me gusta. Soy cómplice de ayudar a las mujeres a obtener lo que<br />
quieren. [Screeches] Me encanta!<br />
HR: ¿Y qué es lo que quieren?<br />
JG: Ah, usted sabe. Vamos. Sexo. Es tan subversivo. Todo el mundo quiere ser sexual-<br />
mente atractivo y han decirles que las personas que han aprovechado su potencia<br />
sexual. Desgraciadamente, cuando fue la última vez que escuchó a un hombre decirle<br />
a una mujer, “Usted lucir bella”? Estoy en el mismo. Pero se trata de un comercio morir,<br />
el hombre.<br />
HR: ¿Por qué es morir?<br />
JG: El problema es con los hombres. Sé que no debería decir esto, pero lo ha envuelto y<br />
escondido a las mujeres a ocultar su incompetencia. Los hombres no quieren que otro<br />
hombre a buscar a su mujer porque no saben cómo manejarlo. Pero finalmente las<br />
mujeres son conscientes de que la única razón por la cual los hombres quieren llevar a<br />
estas shapeless, baggy ropa es porque no quieren que los demás hombres para saber<br />
cómo buena cogida es la siguiente. Bueno, vaya, niña!<br />
HR: ¿todas las mujeres ver esto, o es sólo la mujer europea o americana?<br />
JG: No interesa. París, Nueva York. Las mujeres son las mujeres, y para que hurray.<br />
HR: ¿Hay otros grandes problemas en la moda ahora?<br />
JG: Vestirse. Las personas no lo hacen nunca más. Tenemos que cambiar eso. Traer<br />
de vuelta ocasión vestirse, glamour. No hay espacio para la brecha, pero la alegría de<br />
vestirse es un arte.<br />
HR: los hombres no tienen ni idea.<br />
JG: Se utiliza para, en el siglo XVIII. Ellos fueron los pavos reales. Ahora se sienten ame-<br />
nazados.<br />
HR: ¿Las mujeres temen, también?<br />
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JG: No se les debe. ¿Cuál es el problema con la vanidad? Tenemos que dejar de moda,<br />
el hombre.<br />
HR: ¿Qué pasa con el negocio de la moda? Usted no tiene una gran máquina de dine-<br />
ro detrás de usted. ¿Le han de comprometer a los que tienen, o no es algo que usted<br />
desea?<br />
JG: No me importa el dinero. Realmente no les importa. Sólo quiero hacer lo que hago.<br />
HR: Oh, todo el mundo dice que ellos no tienen que preocuparse. Pero es igual de fácil<br />
que trabajar duro y ganar dinero, ya que es la de trabajar duro y hacer ninguno. Ade-<br />
más, con el fin de seguir haciendo lo que haces, necesitas dinero.<br />
JG: Bueno, si alguien cree en mí, me tomaré. Claro, que me gustaría ser como la Casa de<br />
Chanel. “La Cámara de Galliano”. Sí, eso es lo que estoy trabajando. La casa de costura<br />
del futuro.<br />
HR: ¿No tienes mucho dinero detrás de ti y sigue siendo un artista?<br />
JG: Pero yo no soy un artista. Tal vez un artista con un pequeño a. Te lo dije, estoy en el<br />
servicio. Vea su anillo. Es lindo.<br />
HR: Yo he usado desde que mis padres se lo dio a mí cuando tenía trece años.<br />
JG: No sé si he tenido nada que largo.<br />
HR: ¿Está cerca de sus padres?<br />
JG: Ellos viven en Inglaterra. Tengo una madre española. Ella es un gitano, y mi papá es<br />
de Gibraltar. Me encanta mi madre.<br />
HR: ¿que le enseñan a coser?<br />
JG: Ella me enseñó a bailar flamenco-en el cuadro-tops. Yo que en algunas noches. Pero<br />
ella no puede coser un botón. Mi padre me mostró.<br />
HR: ¿Se sabe mucho sobre la moda?<br />
JG: Él sabe que me ama. El es cool. [Susurrando en un tono de profunda confesión] Él<br />
sólo tenía una operación de hernia.<br />
HR: ¿Por qué susurra? Usted no debe avergonzarse de ello.<br />
JG: Él es dolor. Él no puede caminar. [Riendo histéricamente de repente] Mala cosa. Me<br />
gusta lo tanto. Él es mi mejor amigo. Él y Jeremey.<br />
HR: ¿Tiene usted hermanos o hermanas?<br />
JG: Dos hermanas.<br />
HR: ¿Te ha utilizado para vestir?<br />
JG: No<br />
HR: ¿vestirlas?<br />
JG: No que mendigar para él. Me traje a mi mamá, sin embargo. Es difícil, porque no<br />
vivo en París. Mi hermana mayor es Rosemary. Mi joven uno es Inmaculada. Impíos<br />
nombre.<br />
HR: Nombre de sus cinco películas favoritas.<br />
JG: Un tranvía llamado deseo. El diablo es una mujer. Cinco, que es mucho! Oh Dios.<br />
Napoleón de Abel Gance, que es probablemente la mejor. Esto es muy difícil. El sonido<br />
de la música. No.<br />
HR: Eso es sólo cuatro.<br />
JG: Y Sliver.<br />
HR: ¿Qué? Desde Napoleón a Sliver?<br />
JG: Me encanta la virginidad de todo. Sharon Stone Love. Encanta.<br />
HR: Es horrible!<br />
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1<br />
JG: Las pantallas de televisión. Me encanta. Me gusta videos. Quiero trabajar en ellos.<br />
¿Película traje. Yo hice algo por el Ballet Rambert de una vez, pero me encanta la idea<br />
de la película traje.<br />
HR: Nombre cinco elementos importantes que han influido en nuestra percepción de<br />
la moda.<br />
JG: Napoleón. Emperatriz Josefina. Durante la década de 1940. Nuestro intrínseco amor<br />
de glamour. La necesidad que tenemos de la modernidad. Esto supone cinco? Bien, una<br />
más. De mí. [Riéndose histéricamente] de mí. Oh, eso es una terrible cosa que decir. Voy<br />
a volver ahora a la cama.<br />
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Título> Biografías<br />
ISSEY MIYAKE<br />
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1<br />
Nacido en Hiroshima el 22 de abril de 1938, es un diseñador de<br />
modas japonés, especialista en combinar magistralmente diseño<br />
y tecnología en la exploración conceptual indicativa de lo natural,<br />
tanto en sus colecciones como en sus diseños.<br />
Con tan solo siete años de edad, en agosto de<br />
1945, estalló la bomba atómica sobre su ciudad<br />
natal. La experiencia le dejó profundamente<br />
marcado, pues vio como su madre sufría graves<br />
quemaduras producto de la bomba, y falleció 4<br />
años mas tarde.<br />
La ocupación americana de Japón le ofreció la oportunidad de ver lo que había al otro<br />
lado, al Oeste, desde Marilyn Monroe, pasando por Mickey Mouse, hasta cenas conge-<br />
ladas, todo lo cual ha condicionado su estética posterior.<br />
En 1959 toma un curso de artes gráficas en la famosa Universidad de arte Tama en To-<br />
kio, mudándose 5 años después a París para continuar labrando sus objetivos.<br />
Al año siguiente se marchó a París para ampliar sus estudios en la École de la Chambre<br />
Syndicale de la Couture Parisienne; a continuación pasó algún tiempo trabajando para<br />
la casa Laroche en 1966 y, finalmente, entró en Givenchy en 1968.<br />
Más tarde, en 1969, se traslada a Nueva York para trabajar con Geoffrey Beene, y dos<br />
años después, con los ahorros que obteniene, establece su primer estudio: The Miyake<br />
Design Studio, en Tokio. Este lugar no era realmente para producción y diseño, si no un<br />
laboratorio donde Miyake comenzó a experimentar con diferentes telas y tejidos y téc-<br />
nicas de confección; de su atelier salieron innovaciones como los bustiers de plástico y<br />
los vestidos hechos de hule.<br />
Investigó también en las antiguas técnicas de hilado japonesas para crear nuevos te-<br />
jidos, muy livianos, que daban la sensación de fluir, ajustándose a los contornos del<br />
cuerpo femenino con total naturalidad.<br />
Fue también pionero en hacer jerséis de poliéster, que cortó en formas geométricas<br />
y lineales para darles una nueva caída y hacerlos capaces de envolver el cuerpo como<br />
una segunda piel.<br />
En 1971 funda Miyake International Incorporated, y es así como sale a la luz su primera<br />
colección, exhibida en Nueva York, ciudad donde residía, y, simultáneamente, en Tokio.<br />
Hasta este momento había permanecido fiel a su radical filosofía de diseño pero, al<br />
llegar la década de los años ochenta, cambió de orientación para dar a su ropa un tinte<br />
más práctico y lanza a la calle sus característicos trajes plisados.<br />
Los diseños de Miyake son una influencia no solo en el mundo de la moda, sino tam-<br />
bién en el de los deportes. En 1992 diseña la chaqueta deportiva que lucirá el equipo de<br />
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Lituania en los Juegos Olímpicos de Barcelona. Hoy en día es uno de los diseñadores<br />
más respetados y conocidosde Japón, sus diseños son referidos no como ropa, o con-<br />
juntos prêt-à-porter, sino más bien arquitectura del arte, que raya en lo metafísico de<br />
los conceptos de estilo, muy diferente a una libertad atada por la ortodoxia. Debido a<br />
los prejucios que tradicionalmente jalonan el salto oriente-occidente, desde nuestra<br />
perspectiva se esperaría más que él creara bocados de arte con un sabor oriental, sin<br />
embargo su determinación e impronta artística van mucho más allá de lo efímero.<br />
Su estilo, diseño, arte, tecnología...<br />
El arte textil no pocas veces se toma como arte menor, tanto en la tradición como en<br />
la actualidad. Ante la obra de Issey Miyake tenemos la certeza de que éste, en principio<br />
diseñador, está realizando obras artísticas. Heredero de la tradición japonesa del gusto<br />
por la suntuosidad y a la vez sencillez de telas y diseños, el resultado de su trabajo se<br />
convierte en una de las investigaciones plásticas más originales y que representan, aun<br />
sin proponérselo, muchos de los aspectos que definen la postmodernidad: se inspira<br />
en diversas culturas mostrando un acentuado interés antropológico de la significación<br />
de la vestimenta, pero a su vez muestra tanto un lado popular como culto de sus obras,<br />
pudiéndose éstas entender como revisiones pictóricas, esculturas y verdaderas presen-<br />
taciones artísticas, con una carga significante solo comparable con el estatuto de obras<br />
plásticas y visuales de la actualidad.<br />
Así la factura de las telas, su apariencia en determinados espacios creados con una cui-<br />
dada luz presentan variadas imágenes donde tradición, arte, antropología, futurismo y<br />
sociología se dan la mano en narraciones visuales llenas de sorpresa, humor, emoción,<br />
confluyendo en una reinterpretación del mundo cultural.<br />
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La hibridación de estilos y la multi-<br />
culturalidad están fuertemente con-<br />
notadas en las tensiones color-forma<br />
que Issay Miyake expresa mostrando<br />
en su proceso de trabajo una gran in-<br />
tegración de estrategias y lenguajes.<br />
Formas y colores que van desde la<br />
reafirmación del lenguaje natural del<br />
cuerpo humano a modo de segunda<br />
piel, pasando por la transgresión de<br />
las formas naturales creando una<br />
metamorfosis corporal que reinven-<br />
ta el cuerpo en nuevas formas que se<br />
alejan de lo humano para ampliarse<br />
a un sentido biológico general, pero<br />
también, sin que por ello parezca con-<br />
tradictorio, a la imagen de cibers de<br />
aspectos exquisitamente intempora-<br />
les. El trato de las telas merece una<br />
atención especial. Es donde el sistema<br />
de apariencia cobra una dimensión de<br />
renovación de la tradición japonesa,<br />
muy rica en la observación de aspec-<br />
tos espirituales y sutiles de la materia<br />
en rituales de la privacidad cotidiana. La seda se sustituye por las fibras sintéticas, coin-<br />
cidiendo ambas en ofrecer gran cantidad de registros de las superficies que van desde<br />
el brillo a la suavidad textural de lo mate, la transparencia y la opacidad son utilizadas<br />
como contrastes significantes. El especial tratamiento de la manipulación con calor y<br />
otras técnicas de arrugado presenta una variada topografía en la que las telas por sí<br />
mismas ya tienen el valor artístico, extremo del que Issey es consciente. Realiza obras<br />
en las que presenta telas evidenciando la riqueza de las superficies en mil huellas que<br />
saturan los sentidos con gran fuerza, teniendo, por otro lado, la placidez de ser obras<br />
que, con tendencia a convertirse en una característica constante, forman unidades, fa-<br />
milias de telas y huellas de simplicidad poética con su entorno, recuerdo de similares<br />
apariencias del silencioso arte tradicional japonés.<br />
En el espectáculo y la puesta en escena de sus obras, aún las mas desenfadadas, alegres<br />
y de mayor corte occidental, persiste la presencia/ausencia del hombre que todavía<br />
habita el espacio que crea.<br />
Miyake es el creador de A-POC. Una pieza de tela. La A-POC sirve para todo el mundo y<br />
por todo el mundo, se atiene a cualquier talla y no importa el sexo, la raza o la edad. Es<br />
la ropa democrática. El vestido se fabrica desde una máquina qu produce un tubo sin<br />
fin de tejido de punto. Para adaptar el tubo elástico a cada individuo basta con cortar<br />
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aquí y allá, hacer un pliegue, dar dos puntos. Un fragmento para las mangas, otro para<br />
la falda o la chaqueta, otro más estrecho para los calcetines, las medias o los guantes.<br />
La gran idea de Miyake es que su idea no posee ideas. Trata de ‘hacer a la gente feliz’<br />
liberándolos la monomanía de ser ‘yo’, a la individualización. No hay clases sociales, no<br />
hay afiliación sindical. El capitalismo ha ofrecido lo que se pedía y se ha salido con la<br />
suya. Pero Issey Miyake nos ofrece la igualación.<br />
Diez años más tarde de su primer perfume para<br />
el hombre, llega su segunda versión masculina.<br />
Es ésta. Miyake se ha inspirado para su elabo-<br />
ración en dos elementos fundamentales, en los<br />
reflejos del color azul y en el agua. Dice su autor<br />
que se ha percatado, al igual que los pintores, los<br />
físicos o los fotógrafos, en la longitud de onda<br />
que produce el color, en este caso el azul y en el<br />
agua por ser un elemento precursor de la vida.<br />
Asegura Miyake, que en este perfume, aromático<br />
y amaderado, recoge, todos los olores de la tierra cuando reposa a pleno día. Lleva el<br />
aroma chispeante de la mandarina, la nota aromática de los bosquecillos de romero y<br />
cidronela, el olor de una lágrima de resina que se escapa de un gran árbol.<br />
Después vienen las flores, tan poco frecuentes en una fragancia masculina, como la<br />
rosa de mayo, la palmarosa, la rama de geranio, la capuchina. Contiene también jen-<br />
gibre y berro. En las notas de fondo sobresale el musgo, el pachulí, el sándalo y la raíz<br />
del abelmosco.<br />
El frasco es un paralelogramo con un cono central que irradia el color azul con intensi-<br />
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dad. Sus visos son de color plateado y el capuchón del mismo color. El conjunto es para<br />
este diseñador, como una luna que brilla sobre el agua, en una noche sin nubes. No<br />
lleva etiqueta porque dice Miyake que se reconoce el objeto por si mismo.<br />
Los célebres arquitecto y diseñador de moda japoneses,<br />
Tadao Ando e Issey Miyake, colaboran en el proyecto de<br />
un centro de diseño, cuyo objetivo es promover los cono-<br />
cimientos técnicos japoneses en el mundo, dijeron este<br />
jueves en una rueda de prensa en Tokio.<br />
“Desde la época de Edo, los japoneses tienen un gusto<br />
especial por el diseño y la estética, y por esta razón me<br />
pregunté por qué no había instalaciones que mostraran<br />
estos valores”, explicó Tadao Ando, Premio Pritzker en<br />
1995, uno de los más prestigiosos de la arquitectura. El futuro centro de diseño 21/21<br />
forma parte de un vasto proyecto urbanístico, bautizado como Tokio Midtown, actual-<br />
mente en construcción en un barrio de moda en la capital nipona, Roppongi, que estará<br />
listo para la primavera 2007. “Hasta ahora sólo éramos una superpotencia económica.<br />
Este proyecto nos permitirá quizá convertirnos en una superpotencia del diseño, y crear<br />
una identidad de Japón en el mundo, como nación del diseño”, prosiguió Ando.<br />
El proyecto Tokio Midtown incluirá también un edificio de 54 pisos que albergará ofici-<br />
nas y comercios. También se dará un amplio paso a los espacios verdes (40% de la su-<br />
perficie total de 10 hectáreas), reflejando una reciente tendencia urbanística en Tokio.<br />
De un presupuesto total de 2.810 millones de euros, más de la mitad está financiado<br />
por el promotor inmobiliario Mitsui Fudosan. La sociedad espera 25 millones de visitan-<br />
tes al año, lo que contribuirá así a la “influencia de la cultura japonesa en el mundo”.<br />
Visión más que perfecta: Fragmentos de entrevistas a Iseey Miyake<br />
Miyake asegura que siempre está intentando salirse de los esquemas del diseño.<br />
“Siempre he tratado de romperlos… Estoy pensando más globalmente y todo cambia<br />
tan rápido que tienes que considerar a todo el mundo… Tener en cuenta el medio am-<br />
biente… Debemos trabajar en conjunto tanto diseñadores como científicos y gente de<br />
otros campos para ver qué podemos hacer”. Y agrega: “Es difícil decidir qué diseñar;<br />
siempre trato de ir adelante; eso lo hace divertido, lo disfruto”.<br />
Actualmente, Issey Miyake está en-<br />
vuelto en otro gran proyecto llama-<br />
do 21_21 DESIGN SIGHT: “Lo denomi-<br />
namos así porque significa ver más<br />
allá de la visión perfecta, a la que se<br />
conoce como 20_20. Es tratar de ir<br />
más allá de lo existente y ver hacia<br />
el futuro”. El espacio que alberga<br />
este centro de diseño fue proyecta-<br />
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fundamentos del diseño<br />
Ingreso 09 <strong>Diseño</strong> <strong>UNNOBA</strong><br />
Coordinadora General<br />
Prof. Florencia Antonini<br />
Docentes:<br />
Fundamentos del diseño<br />
TM. Arq. Miguel Vecino<br />
TT. Arq. Eugenia Pascot<br />
Taller Proyectual<br />
TM. DG. María Pía Sánchez Bazán<br />
TT. DG. Joaquina Turdó<br />
Alumnas<br />
Laura Luases (DG)<br />
Sofía Terrile (DIT)<br />
<strong>apunte1</strong><br />
do por el reconocido arquitecto japonés Tadao Ando y abrió sus puertas a finales de<br />
marzo con el programa llamado Tadao Ando Construction Site 2006.<br />
Allí también intentaron hacer algo diferente: “Las inauguraciones de museos comien-<br />
zan casi siempre con exposiciones de escultura o pintura, pero nosotros comenzamos<br />
con el arquitecto y el espacio que creó”. Y fue así que se permitió que las personas visi-<br />
taran el espacio y observaran el proceso de diseño a través de maquetas, fotografías y<br />
dibujos, antes de montar la primera exhibición llamada Chocolate.<br />
La forma de trabajar de Miyake, su proceso creativo, consiste en hallar el tema rápida-<br />
mente: organiza su estudio, luego va del tema a la tela y de la tela al diseño. Aunque<br />
estudió bajo el sistema occidental y con excelentes maestros, decidió hacer las cosas<br />
de manera distinta. “Es difícil de entender, es mi destino. Finalmente siento que estoy<br />
haciendo algo. Esto me hace seguir adelante”, afirma.<br />
Aunque ha rebasado fronteras y encantado al público de todo el mundo, Miyake está<br />
lejos de considerarse a sí mismo la joya de Japón; asegura más bien que allí lo tienen<br />
por un enfant terrible, un verdadero “niño problema”.<br />
Además de cruzar conceptualmente las fronteras, a Issey Miyake también le gusta cru-<br />
zarlas geográficamente. Habla emocionado sobre su visita a Brasil, Guatemala y Méxi-<br />
co, específicamente Careyes: “Pasé un tiempo maravilloso en Careyes, dos semanas<br />
fantásticas; fue una experiencia fabulosa… en contacto con la naturaleza”. A Miyake le<br />
gusta también el ánimo que impera entre la gente de esta parte del mundo. “América<br />
Latina es alegre, llena de vida”, subraya. Así, opina que el nuevo vuelo de Aeroméxico<br />
México DF-Tijuana-Tokio “es bueno porque muchas empresas japonesas tienen con-<br />
tacto con México”. Y recuerda que alguna vez planeó llevar algo de su arte a México,<br />
“pero se quedó en proyecto… lástima. Ojalá se pueda organizar más adelante”.<br />
0<br />
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<strong>apunte1</strong><br />
PROYECTO INTERNACIONAL: 21/21 DESIGN SIGHTTADAO ANDO & ASOCIADOS<br />
Un edificio tras la idea de una vestimenta.<br />
El centro de diseño 21/21 de la Fundación Miyake, en Tokio, fue diseñado por Tadao Ando a<br />
partir del concepto de “prenda de una sola pieza” del afamado Issey Miyake.<br />
Sí, el 21-21 también es un sólido triángulo amoroso, además de un edificio hormigonero<br />
que exalta esa forma geométrica en la planta y en la espacialidad. Porque, este nuevo<br />
centro de diseño es, en gran medida, el resultado de la amistad atravesada por el amor<br />
a la disciplina de tres hombres: Tadao Ando, Yssey Miyake y Naoto Fukusawa, embaja-<br />
dores si los hay del diseño japonés.<br />
Esta sede de la Fundación Miyake nació entonces como un nuevo templo. Ya que, cu-<br />
riosamente, un país de diseño como es Japón, aún no tenía un espacio dedicado exclu-<br />
sivamente a la disciplina. Así, 21-21 Design Sight surgió como un lugar para que la gente<br />
pueda observar el mundo a través del diseño. No es tanto un museo como un centro de<br />
investigación del diseño, un lugar para pensarlo, discutirlo y mostrarlo. “El objetivo es<br />
1<br />
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compartir miradas e ideas con las muchas partes involucradas en el diseño, empezan-<br />
do por los diseñadores pero incluyendo a las empresas, los artesanos, los ingenieros, así<br />
como a los consumidores. Y, de ese modo lanzar un movimiento que fomente el interés<br />
y el entendimiento del diseño”, explica dulcemente Myrion Ko, vocera de la fundación.<br />
Clavado en un borde del Tokio Midtown (el nuevo desarrollo urbano que ostenta la capital<br />
japonesa, un conglomerado comercial¿cultural de edificios y áreas públicas), al 21-21 se lle-<br />
ga atravesando un arquetípico jardín japonés con senderos de piedra blanca y cascadas.<br />
Si uno arriba cuando ya se fue el sol, el edificio se percibe como un chambergo rígido<br />
que deja escapar luz por debajo de sus alas. De día, el sombrerete se lee exactamen-<br />
te como una cubierta metálica color cromo recortada sobre una pared de cipreses. O<br />
como un origami muy japonés sobre un fondo natural igualmente nipón. Pero, en rigor,<br />
lo que se ve es la cubierta y los frentes de vidrio, porque el edificio está prácticamen-<br />
te enterrado. Sobre una planta general triangular, divididos por un pasillo angosto de<br />
pavimento están los dos volúmenes que componen el 21-21: un resturante en el más<br />
pequeño, el centro cultural en el mayor. En cambio, la planta de ambos volúmenes es<br />
trapezoidal (no así sus cubiertas: ambas, dos triángulos a dos aguas) aunque en el caso<br />
del museo propone una circulación y (una espacialidad) como de triángulo en espi-<br />
ral. Ese, asegura Ando, fue el concepto inicial: “La arquitectura comienza en conceptos<br />
abstractos, ideas básicas que están en el stock del arquitecto. De cualquier modo, las<br />
condiciones que deben encontrarse si esas ideas encajan y son viables para un sitio y un<br />
programa reales, pueden destruir los sueños del arquitecto. La arquitectura no nace de<br />
armonías preestablecidas sino de contradicciones.”, concluye didáctico.<br />
A Tadao Ando le interesa sobre todo mostrar la cocina de este edificio que abrió sus<br />
puertas en marzo pasado. Por eso, la primera muestra fue sobre el backstage de la obra.<br />
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Con un extremo de la sala ocupado por las mallas para los encofrados (ese acabado<br />
perfecto es logrado con encofrados de ¡madera laqueada!), el espacio central está<br />
ocupado por una mesa de trabajo en la que se despliegan caóticamente muestras de<br />
los materiales utilizados (secciones de perfiles, bulones) dibujos, maquetas y grandes<br />
fotos de la construcción.<br />
Aparentemente, no lo hace como parte de esta nueva modecilla de rescatar el backstage<br />
de los edificios a partir de cierta épica de lo superlativo (millones de tornillos, tantas tone-<br />
ladas de hormigón y así). En cambio su intención, que se percibe sensata, toma caracter<br />
de manifiesto de época sobre el ejercicio de la profesión y el valor de la artesanía.<br />
Así, enfocar el proceso puede resultar tanto más revelador que el edificio mismo: “Otro<br />
mundo arquitectónico se esconde bajo el espacio arquitectónico que miramos”, sostie-<br />
ne Ando en una declaración al comienzo del libro con que inauguró este búnker para<br />
el diseño, un volumen de 300 páginas con textos suyos, documentación y, sobre todo,<br />
fotos de los obreros construyendo.<br />
Antes de explicar la idea del 21—21, no<br />
está mal aclarar el por qué de su nom-<br />
bre: 20—20 es el canon de la vista per-<br />
fecta. 21—21, sería mirar más allá, al fu-<br />
turo, como hace el diseño. Ahora bien,<br />
la idea del 21—21 Design Sight (literal-<br />
mente Vista de <strong>Diseño</strong>) tiene su raíz en<br />
la “pieza única de tela” de la vestimen-<br />
ta japonesa tradicional, que el diseña-<br />
dor Iseey Miyake actualizó en los años<br />
70. Este concepto (el de una prenda a<br />
partir de cortes tubulares de género sin<br />
costuras) se convirtió en hito de la his-<br />
toria de la moda. A fin de los 90, Miyake<br />
hizo del sistema A- POC (por ‘a piece of<br />
cloth’: una pieza de tela) uno de los ejes<br />
de sus colecciones. Y desde entonces,<br />
estos amigos daban vueltas alrededor<br />
de una inquietud: ¿será posible aplicar ese concepto al espacio arquitectónico?<br />
Esto, cuenta Ando, hizo emerger la imagen de una hoja metálica y la forma del esque-<br />
ma. “La ruta que tomamos para llegar hasta allí, no fue ni fácil ni directa, aunque eso<br />
no se perciba en el edificio final”, observa el proyectista. Comenzaron, según la bitáco-<br />
ra del arquitecto, con la imagen de un espacio subterráneo basado en una estructura<br />
triangular espiralada. “Muchos cambios y tiempo después, la decisión de que la cubier-<br />
ta fuera una hoja metálica de 54 metros de largo iba a ser, claro, tecnológicamente difí-<br />
cil. Pero la arquitectura —dice Ando—es la constante acumulación de esos momentos<br />
de tensión. El juego entusiasta en que uno siempre debe mirar hacia adelante. Y nunca<br />
debe jugar solo”. Entonces, señala “cuánto más importante es para un arquitecto sa-<br />
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ber comunicar que saber dibujar”. A esa altura, Ando saca a relucir cómo actualmente<br />
está creciendo entre la gente la incapacidad de comunicarse en diálogos normales, una<br />
realidad que en la profesión él atribuye, en gran medida, a la aparición del CAD y la<br />
digitalización de las herramientas.<br />
Por eso dice que descarta en su estudio a las personas centradas en sí mismas y prefiere<br />
exaltar cuatro décadas de “comunicación a los gritos, en un espacio único, sin necesi-<br />
dad de una red de computadoras: poco conveniente pero inevitable para mantener<br />
relaciones humanas normales”. Toda esta declaración de principios filosófico—opera-<br />
tivos no es caprichosa. Ando la realiza junto con su presentación en sociedad de esta<br />
última obra, el centro 21—21, porque lo considera una síntesis de su trayectoria. Un<br />
resumen de esta carrera que aprendió sin universidad.<br />
Y en la formación de ese corpus personal hay una materia muy importante y sólida, su<br />
propio sello de perfección japonesa, a la sazón uno de los métodos de construcción más<br />
usados hoy: el hormigón armado. Es en este punto en el que Ando se detiene. Habla<br />
de algo que es simple y misterioso a la vez, “porque uno no sabe cuál será el resultado<br />
final”. Dice que “lo importante es volcar la mezcla despacio, pero lo más difícil, siempre,<br />
es asegurarse de hacer pequeñas cosas simples, y de a una”<br />
¿Por qué esta oda al hormigón? Pues porque es su manifiesto pero también es un ho-<br />
menaje: a los obreros japoneses de la construcción, al valor de la artesanía en el mundo<br />
hipertecnologizado y de los vínculos en los grandes proyectos. Habla de arquitectura,<br />
pero priorizando las relaciones humanas y la comunicación.<br />
Desde los 70, Ando usa materiales permeables a la manualidad de quienes los trabajan<br />
y del paso del tiempo. Y en ese punto destaca la importancia del vínculo entre quienes<br />
lo hacen y quienes dan las indicaciones, para que todo sea la misma aspiración compar-<br />
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tida y no órdenes. “De otro modo, un edificio no podría tener su propia vida”, dice.<br />
En la bitácora destaca que la edad de oro de la arquitectura japonesa, en los 60, fue<br />
posible gracias a los artesanos de la construcción que se entregaron a ella. “Los últimos<br />
hombres que quedan de aquella generación hicieron este edificio”, dice, para seguir<br />
poniendo en palabras lo que luego, en tres dimensiones, uno percibe y recorre como<br />
su poética del hormigón. Se detiene en momentos que le resultan clave, como cuando<br />
un obrero mira atentamente cómo la mezcla viscosa del concreto alcanza cada rincón.<br />
Cómo esa batalla entre el material y el hombre sucede ante quienes la libran. Y dice:<br />
“Esto es lo que mejor ilustra cómo vivir y crear están directamente unidos. El edificio<br />
terminado algunas veces conservará rastros de esas batallas. Y no es necesario tapar-<br />
los: porque esas también son cosas que hacen a la arquitectura”.<br />
Entonces, uno mira distinto esas superficies monolíticas: empieza a buscar detrás de los<br />
dibujos del agua en el cemento, los ojos y las manos de sus hacedores. Brutalista y sutil,<br />
este espacio logra un marco que, lejos de la neutralidad, se siente muy comprometido<br />
con su misión: mostrar y pensar el diseño, sin limitaciones ni prejuicios, entre todos.<br />
Finalmente, la idea disparadora de la obra toma el lugar de clímax épico de la obra:<br />
la ardua tarea de soldar hojas de acero de 16 milímetros de espesor para formar una<br />
pieza de 54 metros que asemeje una pieza única de tela. La idea se vuelve anecdótica<br />
aplicada a los cubre matafuegos.<br />
Todo es tan japonés como el texto final del libro con que Ando capturó el ánima de este<br />
edificio. Dice así: “La gente perdió el poder de la violencia. Y no quiero decir acciones de<br />
enojo contra la sociedad, no. Quiero decir proponer algo que uno no está en condicio-<br />
nes de proponer pero que siente muy necesario. Es difícil ejercer ese tipo de violencia<br />
sin confundirla con autoritarismo”.<br />
Ando explica y cuenta este edificio (que, de paso, se llama ‘vista de diseño’) desde lo que<br />
no se ve. Tal vez, lo que esté proponiendo no sea otra cosa que cambiar la escala de la<br />
mirada. Y llevarla hasta lo invisible. O esencial.<br />
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