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La Revista del Real
Noviembre - diciembre 2012
13
CoN eL patRoCINIo de
[Entrevista con Violeta Urmana]
«Hay que ser
buena actriz»
Macbeth
es una de las sopranos más queridas en el teatro Real,
donde recala con regularidad. en esta ocasión, para representar
a una de las “malas” más malas de la historia,
Lady Macbeth, el cruel personaje femenino creado por
Shakespeare y que Verdi inmortalizó en su ópera, que
llega de la mano del siempre sorprendente tcherniakov
a principios de diciembre.
[Revista del Real] Regresa al Teatro Real interpretando
a Lady Macbeth, personaje verdiano ideado para una soprano
dramática, de gran dificultad, muy exigente en sus
arias. ¿Cómo afronta vocalmente este personaje?
[Violeta Urmana] En mi opinión, Macbeth es la más
bella de las óperas de Giuseppe Verdi. Sus arias, los
coros, las introducciones, las danzas… todo es extraordinariamente
bello. ¡Adoro la música de las brujas! La
caracterización escénica y vocal de los personajes es
perfecta. Mi papel requiere una voz flexible para exhibir
todas las coloraturas, un instrumento capaz de adaptarse
a las exigencias dramáticas del personaje. Aunque
la línea vocal posea tintes belcantistas, no basta con
cantar bien; es necesaria una cantante que además sea
buena actriz para hacer creíble este personaje tan profundamente
veraz.
[RR] De su interpretación de este personaje desde 2004,
la crítica solo le ha reprochado tener una voz excesivamente
bella, no lo suficientemente áspera y oscura como
Verdi requería para su personaje. ¿Qué opina al respecto?
[...>página 6]
Macbeth Il prigioniero/Suor Angelica Lo Real/Le Réel/The Real La casa flotante Matthias Goerne
Macbeth © CHRIstIaN LeIBeR
(opéRa NatIoNaL de paRIs)
[Entrevista con Lluís Pasqual] [Entrevista con Israel Galván]
«Una máquina
de tortura»
Il prigioniero/suor angelica
Fiel al objetivo que le guía desde hace décadas –a saber,
explicar el mundo actual a través de las artes escénicas–
Lluís Pasqual regresa al teatro Real con un programa
doble en el que se pone de relieve hasta dónde
puede llegar la crueldad humana. Il prigioniero, de Luigi
Dallapiccola y Suor angelica, de Giacomo Puccini,
ponen ante nuestros ojos el sufrimiento de aquellos
que padecen rigores con la esperanza de un futuro
mejor y que acaban aplastados por la realidad.
[Revista del Real] ¿Cómo se complementan Il prigioniero
y Suor Angelica al ser programados en una misma
sesión?
[Lluís Pasqual] Son dos maneras de explicar un mecanismo
represivo perverso que alimenta la esperanza de
quien está recluido. Es más explícito en Il prigioniero y
menos en Suor Angelica, [...>página 4]
El 94% de las personas que vienen a la Mutua,
se quedan en la Mutua.
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«Bailar lo
imposible»
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síguenos en
Lo Real/Le Réel/the Real
Israel Galván conversa con Pedro G. Romero, colaborador
en la dramaturgia musical y su director artístico habitual,
a propósito de Lo Real-Le Réel-the Real, su nueva coreografía,
ensayo musical y propuesta escénica.
[Pedro G. Romero] En fin, Israel, en esta nueva experiencia,
eso que los flamencos llaman el no va más, has descubierto
sin embargo un estadio nuevo. Ya no se trata de las
listas de éxito ni de los premios ni de la competencia. No
hay agonía en el sentido propio de la palabra.
[Israel Galván] Así es. Eso parece, sí. Tengo conciencia
de que bailar no puede ser solo una competición o un entrenamiento.
No se trata de ser el mejor. Se trata de que
bailar ha supuesto para mí una experiencia para conocer
cosas, para conocerme a mí mismo. Una experiencia de
conocimiento. Siempre dicen eso [...>página 8]
página
[XI•XII-2012] L a RevIsta deL ReaL

[XI•XII-2012] L a RevIsta deL ReaL
Un teatro sin teatro
para que el flamenco se hiciera, lo que entendemos hoy como
flamenco, primero tuvo que ser arrojado de los escenarios. La
decisión borbónica e ilustrada de privilegiar los usos italianos
y franceses en las artes del canto y la danza arrojó a un modo
de hacer hispano fuera de los grandes teatros. Con muchos de
aquellos usos abandonados el flamenco acabó construyendo
sus propias marcas. andaba todavía el siglo XvIII y en las
gitanerías del sur peninsular se empezaban a buscar esas
formas perdidas de cantar, de tocar y de bailar que acabarían
llamándose flamenco. dice teresa Martínez de la peña que el
fandango pasó, en apenas 20 años, de ser urbano, cortesano
y erótico a figurar silvestre, campesino y tosco. Cuando la Guy
stephan venía a sevilla en busca de los pasos de baile indígenas
los encontraba cambiados, diferentes ya de las alegres danzas
que había aprendido en Londres o parís. antes, una guerra y
una revolución habían puesto en jaque a la tropa napoleónica.
don Juan, Carmen, el propio Barbero de sevilla, después de
pasearse por todas las ramas de la cultura europea tampoco
sabían hasta dónde habían llegado sus pobres –en el sentido
económico de la palabra– antecedentes patrios. La amalgama
musical y dancística que los gitanos, actores principales, habían
protagonizado bajo las sombras del lumpemproletariado –hasta
Marx agitanaba a la indolente clase trabajadora meridional–
produjo una brecha en el gusto, una irremediable partición de lo
sensible que solo la modernidad, la más fiera vanguardia, vino a
remediar. ¡Y no es que los flamencos no lo intentaran! si en los
años de 1920 una operación comercial llevaba a los mejores
artistas del género bajo el apelativo de ¡Ópera flamenca!
a finales del siglo XIX, el teatro del Liceu de Barcelona vivió
verdaderos altercados cuando la burguesía wagneriana
exigía frente a la platea la supresión de los números de baile
dominados por el exceso de color local. el pueblo protestaba.
afortunadamente, tárrega ponía a la familia Borrull en la
línea melódica de la rondeña y la guitarra flamenca empezó a
encontrar su escena. poco antes, Nietzsche había proclamado
la Carmen de Bizet música africana y a La Gran Vía como
el mayor antídoto musical contra la religiosidad nacional
wagneriana. ¡abandonar los teatros! debussy, Ravel… hasta
satie llegó a cansarse de la moda de españa. Lo cierto es que
Falla tomó al pie de la letra el dictado de stravinsky sobre el
Plaza Isabel II s/n. 28013 Madrid
Teléfono oficinas: 91 516 06 00
Teléfono información: 91 516 06 60
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página
patronato
presidencia de honor SS.MM. los Reyes de españa
presidente Gregorio Marañón y bertrán de Lis
José Ignacio Wert ortega
Ministro de educación, Cultura y deporte
Ignacio González González
presidente de la Comunidad de Madrid
ana María botella Serrano
alcaldesa de Madrid
vocales natos José María Lassalle Ruiz
secretario de estado de Cultura
ana Isabel Mariño
Consejera de empleo, turismo y Cultura
de la Comunidad de Madrid
Miguel Ángel Recio crespo
director General del INaeM
vocales Luis abril Pérez
Gonzalo alonso Rivas
Ignacio astarloa huarte-Mendicoa
Fernando benzo Sáinz
Santiago Fisas ayxelá
Regino García-badell arias
Laura García-Lorca de los Ríos
Javier Gomá Lanzón
Javier Gómez navarro
arnoldo Liberman Stilman
Pilar Platero Sanz
Rodrigo de Rato Figaredo
alfredo Sáenz abad
Mario Vargas Llosa
Fernando Villalonga campos
Mariano Zabía Lasala
secretario antonio Garde herce
vicesecretaria carmen acedo Grande
patronos de honor alberto Ruiz Gallardón
carmen alborch bataller
Comisión ejecutiva
presidente Gregorio Marañón y bertrán de Lis
vocales Miguel Ángel Recio crespo
ana Isabel Mariño
secretario antonio Garde herce
vicesecretaria carmen acedo Grande
director General Ignacio García-belenguer Laita
director artístico Gerard Mortier
Director General
Ignacio García-Belenguer Laita
Director artístico
Gerard Mortier
Director del coro
andrés Máspero
Director técnico
Massimo teoldi
flamenco “como música de composición”. Con el jazz y el tango,
una nueva sensibilidad estaba naciendo y los ritmos del café
cantante empezaron a ser llevados a los grandes escenarios.
Los más radicales, como Lorca, impulsaron una presencia del
flamenco más crudo, un flamenco brutista que iba incluso contra
la propia tradición preciosista del género. el flamenco como una
forma de vida. Georges Bataille, presente en el famoso concurso
de Granada de 1922, era el único que podía creerse que el
tenazas era más “auténtico” que don antonio Chacón. No ni ná,
una afirmación que son tres negaciones.
La II República legitimó la ascensión cultural de lo popular y
el flamenco era su punta de lanza. en el exilio francés y en
los éxodos americanos, fraguó el flamenco moderno. al erial
franquista volvían las compañías de vicente escudero y de
Carmen amaya y se bailaban por primera vez la seguiriya
y el taranto, respectivamente. en el lado nacional, pilar
López dignifica el flamenco para que se suba a las tablas. antonio
Ruiz, desde Usa, y antonio Gades, desde Cuba, dignifican la
coreografía. Hay un empeño raro y pesado por dignificar, por
“sacar al flamenco de las tabernas”. Y antonio Mairena es capaz
de convertir en rito el más mínimo gesto –abrir la mano, beber
un vaso de agua, un pañuelo en la cabeza. en 1968, el teatro
estudio Lebrijano presenta Oratorio en el Festival de Nancy.
No se trata ya de dignidades sino de indignados. el flamenco
es ya un operador sensible. el primer teatro de La Cuadra y
los experimentos de Mario Maya, hasta el baile de antonio
Montoya Farruco, que ya crece silvestre fuera de Los Bolecos,
todo es recibido por una nueva sensibilidad que no han podido
ahogar ni el mestizaje, ni la fusión de los ochenta ni los años
de “balletismo” posmoderno. todo es escenario. Camarón en
Montreaux o Morente en Omega también son teatro.
dirán, y es verdad, que para la emoción no es necesario saber
de ninguno de estos acontecimientos, pero, como ensalzara
eugenio Noel en el gesto de pastora Imperio, así, cada vez
que Israel Galván arrastra una pierna, gira el puño, levanta un
brazo, se nos aparece toda esta historia, se nos presenta, se
desencadena, se proclama. Un teatro sin teatro.
[Pedro García Romero]
calendarionoviembrecalendariodiciembrecalendariooio
noviembre 2012
02 vi 20.00 Il prigioniero/Suor angelica estreno
03 sá 20.00 Il prigioniero/suor angelica
04 do 12.00 Los domingos de cámara II
04 do 18.00 Il prigioniero/suor angelica
06 Ma 20.00 Il prigioniero/suor angelica
07 Mi 20.00 Il prigioniero/suor angelica
08 Ju 20.00 Il prigioniero/suor angelica
09 vi 12.00 La casa flotante
09 vi 20.00 Il prigioniero/suor angelica
10 sá 12.00 La casa flotante
10 sá 19.00 La casa flotante
11 do 18.00 Il prigioniero/suor angelica
12 Lu 20.00 Il prigioniero/suor angelica
13 Ma 20.00 Il prigioniero/suor angelica
14 Mi 20.00 Las noches del Real. Goerne/currentzis
15 Ju 20.00 Il prigioniero/suor angelica
25 do 12.00 ¡Los domingos, a la Gayarre! 2 sala Gayarre
Ópera danza Las noches del Real programa pedagógico
Los domingos de cámara Ópera en cine
La Revista del Real
Directora
Ruth Zauner
Redacción
Raúl amor
Miguel Ángel de las Heras
víctor pagán
Curro Ramos-Zaldívar
info@teatro-real.com www.teatro-real.com
colaboradores
ana García
pedro G. Romero
pep Gorgori
Mercedes segovia
Inés tostón
polo vallejo
Diseño y maquetación
argonauta
se han realizado todos los esfuerzos posibles para localizar a los propietarios de copyrights.
Cualquier omisión será subsanada en ediciones futuras.
baLLet nacIonaL De eSPaÑa: eL Loco © JavIeR deL ReaL
Diciembre 2012
02 do 12.00 Los domingos de cámara III
02 do 18.00 Macbeth estreno
05 Mi 20.00 Macbeth
08 sá 20.00 Macbeth
09 do 12.00 ¡Los domingos, a la Gayarre! 3 sala Gayarre
09 do 20.00 Las noches del Real. cañizares
11 Ma 20.00 Macbeth
12 Mi 20.00 Israel Galván estreno
13 Ju 20.00 Israel Galván
14 vi 20.00 Macbeth
15 sá 12.00 Petrushka
15 sa 20.00 Israel Galván
16 do 12.00 petrushka
16 do 18.00 Israel Galván
17 Lu 20.00 Macbeth
18 Ma 20.00 Israel Galván
19 Mi 20.00 Israel Galván
20 Ju 20.00 Macbeth
21 vi 20.00 Israel Galván
22 sá 12.00 petrushka
22 sá 20.00 Israel Galván
23 do 18.00 Macbeth
30 do 18.00 Mark Morris Dance Group estreno
31 Lu 19.00 Mark Morris dance Group
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IL PRIGIonIeRo © CHRIstIaN LeIBeR (opéRa NatIoNaL de paRIs)
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Comunicación
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depósito legal:
M-34767-2010
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2172-0304
el teatro Real es miembro
de las siguientes organizaciones:

© GeNe sCHIavoNe
Mark Morris
director artístico
Mozart dances
Eleven
Double
Twenty-Seven
Wolfgang amadé Mozart (1756-1791)
Concierto para piano nº 11 en Fa mayor, K 413
Sonata en Re mayor para dos pianos, K 488
Concierto para piano nº 27 en Si bemol mayor, K 595
Coreógrafo Mark Morris
escenógrafo howard hodgkin
Figurinista Martin Pakledinaz
Iluminador James F. Ingalls
directora musical Jane Glover
solistas de piano emanuel ax, Yoko nozaki
orquesta titular del teatro Real
(orquesta sinfónica de Madrid)
Mozart
Dances
Mark
Morris
Dance
Group
el Balanchine
de nuestra época
© stepHaNIe BeRGeR
Siempre sorprendente, siempre creativo, siempre riguroso. Algunos lo consideran
el Balanchine de nuestra época. Más de veinticinco años iluminando la escena en
Nueva York hacen de Mark Morris y su compañía uno de los fenómenos que imprimen
carácter a la historia de la danza. Si a ello se suma la posibilidad de escuchar la
música en directo del pianista Emanuel Ax, otro reconocido intérprete que trabaja
habitualmente con esta agrupación, las expectativas aumentan. Porque otra de las
características de la compañía es su compromiso con la música en vivo, de ahí que
hayan actuado con las orquestas y solistas más reconocidos, tanto en Estados Unidos
–donde participan anualmente en el Festival Mostly Mozart en el Lincoln Center de
Nueva York y el festival de Tanglewood– como en el resto del mundo. También han
actuado en teatros de ópera: por ejemplo con la English National Opera en Four Saints
in Three Acts, de Virgil Thompson con libreto de Gertrude Stein, y King Arthur de
Henry Purcell. Han hecho incursiones en el cine (con el chelista Yo-Yo Ma intervinieron
en la película Falling Down Stairs, ganadora de un Emmy) y documentales para la
televisión como Dido and Aeneas y The Hard Nut); otras destacadas colaboraciones se
establecieron con el percusionista y compositor Zakir Hussain, Yo-Yo Ma y el pianista
de jazz Ethan Iverson en Kolam; o los pianistas Emanuel Ax, Garrick Ohlsson y Yoko
Nozaki en Mozart Dances, la propuesta con la que llegan a Madrid.
La guinda la pone Mozart, cuyos conciertos para piano números 11 y 27 permiten disfrutar
de la exquisita interpretación de Ax y de la fuerza del movimiento a caballo entre
la tradición y la modernidad que ofrece el Mark Morris Dance Group. Mozart Dances se
estrenó precisamente en el Festival Mostly Mozart en 2006 y en diciembre del mismo
año llegó a Viena para culminar el Año Mozart, iniciando allí una gira mundial que les
llevó a Londres, Chicago, Los Ángeles y Berkeley, entre otras ciudades.[RZ]
página
[XI•XII-2012] L a RevIsta deL ReaL

[XI•XII-2012] L a RevIsta deL ReaL
Il prigioniero/
Luigi Dallapiccola
Suor Angelica
[viene de página ...]
pero está presente en ambos. Quien no tiene esperanzas puede
tomar decisiones: por ejemplo, puede suicidarse. Pero en el
momento en que te alimentan la esperanza y te hacen pensar
que todo lo que sufres te será compensado algún día, que este
mal momento te servirá para algo, entonces es una crueldad
absoluta. En Il prigioniero incluso dejan escapar al preso y el
carcelero le llama “hermano”. Es como cuando con la ley de
fugas permitían escapar a los reclusos para después dispararles
por la espalda. En Suor Angelica no es tan explícito, pero cuando
aquella mujer que está en un convento de clausura purgando
el pecado de tener un hijo fuera del matrimonio recibe la
noticia de que su hijo ha muerto, queda claro que esos siete
años de sacrificio no le han servido de nada.
[RR] Como creador, ¿siente el deber moral de traer a la actualidad
esos temas que ya han sido tratados, quizás desde
perspectivas diferentes, décadas o siglos atrás?
[LP] Siempre lo he visto así, en efecto. A veces con más acierto,
a veces con menos, pero he intentado siempre explicar a
mis contemporáneos el mundo en el que vivimos. Dicho de
esta manera queda muy retórico, habría que añadir aquella
frase de Valle-Inclán, “Max, no te pongas estupendo”, e intentar
al mismo tiempo que la obra de arte sea lo más ligera
posible, lo más inteligente posible, irónica, se pueda reír de
los otros y de uno mismo. Esto es poner un poco de luz a un
presente que es gris y, si quieres, negro.
[RR] P¿Cómo vamos a poder ver traducidas sobre el escenario
esa represión, esas falsas esperanzas y esa crueldad de las
que habla?
[LP] El escenario es una torre que es como una máquina
de tortura, una estructura que crea un mundo cerrado en sí
mismo, que no tiene salida. Podría recordar a los dibujos de
Escher, aquellas escaleras infinitas. Es un mundo en el que
por muchas vueltas que des jamás lograrás salir. El decorado
es el mismo para ambas. Sólo cambia un elemento, el suelo.
En Suor Angelica es un suelo de flores secas, esas flores que ya
no darán fruto porque están muertas.
[RR] Musicalmente hablando, Puccini y Dallapiccola son dos
universos bastante distantes. ¿Qué los une?
[LP] En realidad no son músicas tan diferentes. Dallapiccola
es un dodecafónico italiano, que no puede evitar que le
salga algo de Nápoles cuando escribe, y se reencuentra con
la melodía. Escuchar primero Il prigioniero, que es cronológicamente
posterior a Suor Angelica, permite reconocer en
Puccini rasgos que se desarrollan en la música posterior. Il
prigioniero es Puccini pasado por Ferran Adrià.
página
Lluís pasqual
[RR] La puesta en escena de Suor Angelica es un estreno
absoluto, mientras que Il prigioniero se pudo ver en París,
precedido de la Oda a Napoleón de Arnold Schönberg. ¿Qué
implica este cambio en el programa?
[LP] Escuchar Il prigioniero antes de Suor Angelica es entrar
en un juego de espejos, la música y la temática se interrelacionan.
Con la Oda a Napoleón precediendo a Dallapiccola,
todo cambia, es pura escuela de Viena. Al lado de la obra de
Schönberg, Il prigioniero suena más dulce, porque la Oda es
de una dureza enorme. Son dos programas completamente
diferentes, explican cosas muy distintas.
[RR] ¿Cree que el público acepta bien estas relecturas, que
pongan ante sus ojos temas del presente mediante obras antiguas,
que se hagan propuestas innovadoras que quizás van
más allá de la intención inicial del autor?
[LP] Desde el escenario se pueden explicar muchas cosas.
La traviata, por ejemplo, fue prohibida al día siguiente de
su estreno. Hay muchas óperas que nacen violentamente,
retratando muy bien lo que pasaba en la sociedad de
aquellos momentos. Hay quien acepta que esa valentía, ese
punto de provocación original, se traduzca en términos más
identificables en la actualidad, y hay quien no lo acepta.
Una parte del público ha perdido la curiosidad y no va a
escuchar sino a re-escuchar, a ver lo que ya ha visto, a escu-
Giacomo Puccini
[Convocatoria]
Enfoques
Il prigioniero/
suor angelica
26 de octubre (19.30)
sala Gayarre
IL PRIGIonIeRo © CHRIstIaN LeIBeR (opéRa NatIoNaL de paRIs)
char lo que ya ha escuchado… Es absolutamente legítimo,
pero se le debería pedir una actitud abierta a lo que sucede
en el escenario.
«Il prigioniero es puccini
pasado por Ferran adrià.»
[RR] ¿El momento actual reclama ser más incisivos en este
sentido?
[LP] Quizás ahora hace más falta que nunca.
[RR] ¿Sí?
[LP] Sí, porque cualquier medio que tengamos para explicar
a la gente el mundo en el que vive desde cualquier otro punto
de vista que no sea el de la televisión es bueno. Sea la ópera,
el teatro, el cine o el cómic. No creo que el reflejo de la sociedad
sea ya el teatro, como decía Shakespeare. Creo que es
la televisión. Pero el problema es que nos quieran convencer
de que somos solo como aparece en la televisión. No. Somos
un poco como la televisión, pero somos muchas cosas más.
Y si nos faltan esas cosas que hay más allá de la televisión es
como si nos faltara un brazo o una pierna.[PG]
En esta ocasión, el director
musical Ingo Metzmacher y el
director de escena Lluís Pasqual
comentarán las óperas de
Dallapiccola y Puccini de esta
producción. Les acompañará el
director artístico del Real, Gerard
Mortier. A la charla le seguirá un
concierto de cámara a cargo de
miembros de la OSM. El acceso
es libre hasta completar el aforo.
(Más información en www.teatro-real.com)

InGo MetZMacheR © HaRaLd HoFFMaNN
Para Ingo Metzmacher, el director alemán habituado al
repertorio moderno que obtuvo un gran éxito este verano con
Die Soldaten en el Festival de Salzburgo, unir musicalmente
dos obras en apariencia tan distintas y pertenecientes a
diferentes estilos musicales y épocas históricas no resulta tan
complicado, “porque se trata de dos italianos que proceden
ambos de una misma tradición de canto”. Le hacía mucha
ilusión abordar estas dos obras juntas, porque nunca ha
dirigido ninguna ópera de Puccini, al que sin embargo adora
desde su juventud. “La música de ambos es clara y precisa.
Y aunque tienen una historia que narrar, tienen una forma
musical que se sostiene por sí misma. Por raro que pueda
resultarle a algunos, a Puccini no le sobra ni una nota.”
Por otra parte, se trata de dos obras “lentas y silenciosas”, a
pesar de que ambas hablan de la libertad. Según el maestro
de Hanóver, Dallapiccola era un hombre más político que
Puccini, pero ambos abordan la cuestión de la libertad en sus
respectivas óperas. “Los dos protagonistas son víctimas de
un sistema que reprime la libertad y que ignora el perdón,
pese a que ese es el mensaje de Cristo. Así pues, la Iglesia
entra en contradicción con los principios que defiende y de
ahí que ambas óperas sean una denuncia de esta institución.”
La libertad es una pregunta en Il prigioniero sobre la cual
Dallapiccola deja un interrogante abierto, mientras Puccini
compone una apoteosis que lleva a Suor Angelica –es posible
que tras la ingesta del bebedizo que ella, como buena
herborista, se prepara– a tener una visión que manifiesta una
libertad en la cautividad. “Ambas óperas hablan, a su modo,
de una libertad interior.”
Según Metzmacher aunque cronológicamente Suor Angelica
antecede a Il prigioniero, las obras se pueden escuchar
en orden inverso porque el sonido de cada una está muy
próximo al de la otra. “El sonido se vuelve cada vez más
transparente porque parece elevarse del infierno al cielo.”
Buen conocedor del repertorio más actual, que ha cultivado
desde sus inicios en el Ensemble Modern en Fráncfort, se ha
sumergido tanto en la ópera como en la música sinfónica,
IL PRIGIonIeRo © CHRIstIaN LeIBeR (opéRa NatIoNaL de paRIs)
Ingo Metzmacher
La apuesta es de altos vuelos. Después de debutar en el teatro Real con la Sinfonía turangalíla de olivier Messiaen
el pasado 15 de octubre en la primera de Las noches del Real, Ingo Metzmacher tomará de nuevo la batuta el 2 de
noviembre para estrenar Il prigioniero de Luigi Dallapiccola y dirigir Suor angelica, una de las obras de Il trittico de
Giacomo Puccini, un reto singular que él afronta con gran entusiasmo e interés, porque además dice sentirse como
en casa tanto en el teatro como en nuestro país.
pronto se incorporó a la Ópera de Fráncfort para trabajar
con Michael Gielen, y pasó después a La Monnaie para
recalar algo más tarde en la de Hamburgo –donde consiguió
dejar un recuerdo muy grato en el público habitual durante
ocho temporadas– al tiempo que mantenía una intensa
actividad como director invitado y ha estado al frente de la
dirección artística de la Nederlandse Opera y de la Deutsche
Symphonie Orchester Berlin. Orquestas como la Filarmónica
de Berlín y la de Viena, la de París o la Santa Cecilia de
Roma son algunas de las más brillantes que han estado bajo
su batuta. Esta dilatada experiencia le permite afirmar que
“Dallapiccola” es un Puccini del dodecafonismo”.
El lugar que Luigi Dallapiccola ocupa en la historia de la
música no es cómodo, ya que “pertenece a una generación
que era demasiado joven antes de la guerra y demasiado
vieja después”. Y, sin embargo, “forma parte de un grupo
que salva una tradición a través de una época terrible. Por
eso creo que le debemos mucho. En una época muy difícil,
tuvo el valor de ser fiel a sí mismo y no claudicar frente a las
modas”.[RZ]
s
«dallapiccola
es un puccini
del dodecafonismo»
Ficha artística
director musical Ingo Metzmacher
director de escena Lluís Pasqual
escenógrafo Paco azorín
Figurinista Isidre Prunés
Iluminador Pascal Mérat
director del coro andrés Máspero
directora del coro de niños ana González
Reparto
Il prigioniero
Víctimas de la opresión
La madre Deborah Polaski
el prisionero Vito Priante (2, 4, 7, 9, 12, 15)
Georg nigl (3, 6, 8, 11, 13)
el carcelero/ Donald Kaasch
el gran Inquisidor
primer sacerdote Gerardo López
segundo sacerdote David Rubiera
suor angelica
suor angelica Veronika Dzhioeva (2, 4, 7, 9, 12, 15)
Julianna Di Giacomo (3, 6, 8, 11, 13)
La tía princesa Deborah Polaski
La abadesa María Luisa corbacho
La hermana celadora Marina Rodríguez-cusí
La maestra de las novicias Itxaro Mentxaka
suor Genovieffa auxiliadora toledano
suor osmina Maira Rodríguez
suor dolcina Rossella cerioni
La hermana enfermera anna tobella
primera mendicante Sandra Ferrández
segunda mendicante Maite Maruri
La novicia Legipsy Álvarez
primera conversa Debora abramowicz
segunda conversa carolina Muñoz
soprano sola esther González
Pequeños cantores de la JoRcaM
coro y orquesta
titulares del teatro Real
(Coro Intermezzo /
orquesta sinfónica de Madrid)
La función del 15 de noviembre
será transmitida en directo por Radio Clásica,
de Radio Nacional de españa.
página
[XI•XII-2012] L a RevIsta deL ReaL

[XI•XII-2012] L a RevIsta deL ReaL
[viene de página ...]
[VU] Acepto plenamente la crítica pero me atrevo a no estar
del todo de acuerdo… con Giuseppe Verdi. No es posible
cantar este papel tan exigente con una voz tan dura porque
Verdi escribió arias técnicamente muy difíciles, con muchos
agudos y coloraturas muy dramáticas… Una voz rota no permite
descubrir la riqueza musical que el autor creó para el
personaje. Oír una interpretación así me daría mucha pena,
me torturaría.
«Cuando el director de escena
me inspira, siento una gran
alegría al ponerme a prueba.»
[RR] En cierta ocasión, se refería a Dmitri Tcherniakov como
una suerte de factótum en Macbeth, al combinar las labores
de director de escena, escenógrafo y figurinista. ¿Qué destacaría
del trabajo del director ruso en esta producción?
[VU] Cuando un director de escena tiene una visión precisa
de su interpretación de una obra, es maravilloso que sea
capaz de supervisarlo todo. Hoy en día reina cierta vulgaridad
en la dirección de escena y hay pocas propuestas
interesantes con ideas claras y profundas. En cambio, la
interpretación de Tcherniakov se basa en un concepto muy
claro, nada vulgar. La producción es muy moderna, plagada
de finas alusiones y cuidada al detalle para lograr un fiel
reflejo de cada situación. El trabajo con él me ha enriquecido
y me ha divertido muchísimo. ¡Algunos se sorprendían
de que yo fuera una buena actriz! Siempre trabajo mucho la
credibilidad de los personajes y cuando el director de escena
me inspira, siento una gran alegría al ponerme a prueba.
Resulta muy satisfactorio.
[RR] Esta temporada podremos verla también en la novena
Noche del Real interpretando la Messa da Requiem de Verdi,
y, al igual que en Macbeth, bajo la batuta de Teodor Currentzis.
¿Cómo ha sido su trabajo con el director griego?
[VU] Es un director muy joven pero que ha demostrado ya un
extraordinario talento en su carrera. Coincidiremos a menudo
en el futuro.
Sentir escalofríos
[RR] Aida, Amelia, Elisabetta, Lady Macbeth… ¿Qué es lo
que más le atrae de la música de Verdi y de sus personajes?
[VU] De su repertorio para soprano me impresionan la
perfección y la belleza del fraseo. Solo con pensar en la frase
de Amelia “Deh! Mi reggi, m’aita, o Signor” siento escalofríos.
No hay mayor alegría para un músico que poder interpretar
piezas tan sublimes. En cambio, en los personajes para
mezzosoprano prevalece la fuerza de su carácter. Por ello,
adoro la enérgica dulzura de las sopranos de Verdi y la fuerza
herida de sus mezzosopranos, personajes lacerados por la
envidia, el rechazo amoroso y el deseo de venganza.
[RR] Sorprende la amplitud de su repertorio, que le permite
pasar sin dificultad de Verdi a Mascagni, de su adorado Wagner
a Gluck y Strauss… ¿Cómo lo logra siendo compositores
tan diferentes?
[VU] Yo soy, ante todo, un músico y mi instrumento es la voz.
En mi país, recibí educación musical desde los seis años. Solo
en el Conservatorio estudié cinco años de canto y otros cinco
de piano. En mi carrera como intérprete me apoyo en esta
experiencia. Los directores de orquesta aprecian mucho que
el cantante sea también músico. Tengo preferencia por ciertos
autores, pero puedo interpretar cualquier tipo de música
sin un excesivo esfuerzo gracias a mi formación.
[RR] Se cumple ahora una década de su transición de mezzo
a soprano. ¿Cuáles fueron las causas de esta evolución?
[VU] Yo tengo que seguir el desarrollo de mi voz. En el año
2000, mientras interpretaba Azucena en Milán, decidí “subir”.
Siempre cantaba personajes a caballo entre soprano y
mezzo (Kundry, Judith, y más tarde Sieglinde) o de mezzo
agudo (Éboli). La decisión era peligrosa porque dar marcha
atrás después sería difícil, pero los directores de varios teatros
creyeron en seguida en mi capacidad para este cambio.
Los cantantes debemos saber qué nos exigirá la voz en el
futuro próximo. En el caso de las voces bien definidas esto
no supone un problema, pero yo tengo que decidir de forma
muy cuidadosa; a cambio, también tengo más opciones para
moverme.
[RR] Desde su debut en 2007 con Cavalleria rusticana, hemos
podido verla con regularidad en el Real. ¿Cómo se siente
en el coliseo madrileño?
[VU] Me gusta Madrid y me gusta mucho el Real, pero el teatro
es, ante todo, su gente, no solo sus muros. Lo importante
es que hay un ambiente de trabajo muy agradable, fabuloso,
y un público muy competente que sabe apreciar las voces. He
tenido que esperar mucho para debutar en el Real, pero estoy
muy contenta de poder regresar casi cada temporada. Aquí
he podido cantar algunos de mis papeles preferidos y para el
futuro hay también proyectos maravillosos. [AG]
página
VIoLeta URMana © CHRIstINe sCHNeIdeR
Urmana
DMItRI tcheRnIaKoV © pIeRRe-pHILIppe HoFMaNN
Tcherniakov
[Convocatoria]
Enfoques
Macbeth
28 de noviembre (19.30)
sala Gayarre
Ficha artística
director musical teodor currentzis
director de escena, Dmitri tcherniakov
escenógrafo y figurinista
Cofigurinista elena Zaytseva
Iluminador Gleb Filshtinsky
director del coro andrés Máspero
directora del coro de niños ana González
Reparto
Macbeth Dimitris tiliakos
Lady Macbeth Violeta Urmana
Banco Dmitry Ulianov
dama de Lady Macbeth Marifé nogales
Macduff Stefano Secco
Malcolm alfredo nigro
Un médico/Un sirviente Yuri Kissin
Un sicario Raffaele Pisani
coro y orquesta titulares
del teatro Real
(Coro Intermezzo /
orquesta sinfónica de Madrid)
La función del día 11 de noviembre será
transmitida en directo por Radio Clásica,
de Radio Nacional de españa, y por la Unión
europea de Radiodifusión (UeR)
Macbeth © CHRIstIaN LeIBeR (opéRa NatIoNaL de paRIs)
A propósito de la nueva producción de
la ópera de Verdi, Teodor Currentzis,
director musical, y Dmitri Tcherniakov,
director de escena –acompañados por
Gerard Mortier– comentarán algunos
aspectos de la producción. La charla se
cerrará con un concierto de cámara a
cargo de miembros de la OSM. El acceso
es libre hasta completar el aforo.
(Más información en www.teatro-real.com)

Macbeth
© RICKY dÁvILa
Giuseppe Verdi
El enigma
de las brujas
Tcherniakov,
la psicología de la transgresión
Deslumbró su exquisito y dramático eugen oneguin con el que
se presentó en el teatro Real en 2010. Regresa ahora, este
joven y transgresor director ruso con un montón de premios
en la maleta, al que le gusta desplegar su imaginación como
escenógrafo y figurinista de sus producciones. Su visión de
Macbeth, aclamada por público y crítica en la opéra bastille, se
sitúa en la plaza de una pequeña ciudad donde, a la manera de
Lars von trier en Dogville, la aparentemente tranquila vida de
un lugar de provincias destila veneno en cada esquina, porque
el mal es una balsa de aceite que se extiende a todos. así, las
brujas habitan en cada personaje y están por todas partes. Las
luces y sombras de los personajes los humanizan, pues si bien
la semilla del diablo habita en Macbeth y en Lady Macbeth, hay
destellos que les otorgan una dimensión humana.
Como comentaba la crítica del New York Times en el estreno
parisino de 2009, “en esta fascinante producción, el joven
director ruso Dmitri Tcherniakov ni siquiera intenta retratar
a las brujas o los asesinos, su coro es tan solo un grupo de
personas, hombres y mujeres que deambula con vestidos
ordinarios”.
Para enfatizar la dualidad, la acción transcurre en dos
localizaciones marcadas en un mapa de Google en el que se
acerca el zoom: una es un exterior de casas uniformes donde
se concentra la gente, y la otra es una acogedora habitación
con una chimenea encendida. Este es el paisaje en el que
Tcherniakov sitúa a los personajes de Verdi para desmenuzar
y profundizar en la dimensión psicológica de cada uno de
ellos. Una lectura sin duda singular de la inmortal obra de
Shakespeare.[RZ]
teoDoR cURRentZIS © CRIstÓBaL MaNUeL
Currentzis,
director (actor) con una
“misión”...
Vuelve al Real el director griego de treinta y nueve
años, al que algunos consideran un talento fuera de
serie y otros un artista con una “misión” en el marco
internacional de la música clásica. este audaz director
estudió en el conservatorio de San Petersburgo con
Ilya Musin –el gran precursor de la dirección musical
en Rusia–, quien fue amigo de Dmitri Shostakóvich
y maestro de Yuri temirkanov, Semyon bychkov
y Valeri Gergiev.
Hay que tener presente que entre 2004 y 2010 la carrera
profesional de Currentzis ha estado estrechamente
asociada a la Ópera de Novosibirsk en Siberia, uno
de los teatros de ópera más grande del mundo. Allí
trabajó de forma intensa en su programación realizando
pruebas para seleccionar a sus músicos, actividades
culturales para complementar sus conciertos y, claro
está, dirigiendo óperas y conciertos sinfónicos. Pero
Currentzis es, además, desde 2004, director artístico del
grupo instrumental Musica Aeterna y del coro de cámara
Nuevos Cantantes Siberianos. Por eso, se ha trasladado
con todos ellos –como nuevo director artístico– al Teatro
de Ópera y Ballet de Perm (Rusia).
«su personalidad está presente
en cada cosa que dice o hace...»
Su pasión por la música antigua y la música actual le ha
llevado a crear, en 2006 en Moscú, el Territorio Festival
de Arte Moderno. Está claro pues que Currentzis tiene
una forma muy particular de entender la música, y
esto se aprecia en su forma de dirigir, en su técnica,
en su acabado, en todo. Su personalidad está presente
en cada cosa que dice o hace, quizás por eso la carrera
profesional de este innovador artista se ha enlazado con
la del director de escena moscovita Dmitri Tcherniakov
(en el Real trabajarán juntos en la nueva producción de
Macbeth). Y por eso sus trabajos juntos reciben críticas
de todo tipo pero, al final, siempre prima la calidad de la
dirección de escena y de la dirección musical.
Él, como su generación, está abierto a todo tipo de
músicas y sonidos, así que sus gustos sorprenderán
a más de uno. En sus entrevistas deja claro sus
preferencias por bandas como la británica Nurse with
Wound o la estadounidense Pearls before Swine. Pero
también muestra un gran interés por el cine, por eso
ha participado como actor en la película Dau, de Ilya
Khrzhanovski, donde interpreta al legendario científico
soviético Lev Landáu; otro buen ejemplo de su particular
personalidad.
Currentzis quiere que la música clásica no se limite, para
él eso no es vida. Hacer de la música algo académico es
desnaturalizarla. Opina que su “misión” en el ámbito
cultural ruso actual consiste en actualizar esas antiguas
tradiciones musicales: es lo que sabe que esperan de él y
lo que quiere hacer ahí donde está.[VP]
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[XI•XII-2012] L a RevIsta deL ReaL

[XI•XII-2012] L a RevIsta deL ReaL
[viene de página ...]
de que se trata de una forma de hablar, en mi caso, además,
una forma de hablar que me sacaba de una locución torpe,
atropellada. Ahora bailo con más claridad y hablo con más
claridad. Estoy más perdido, seguramente. Metido en un lugar
imposible, en la imposibilidad misma de bailar, pero alrededor
de mi cuerpo, en mi propio cuerpo hay cierta claridad.
Esto es una contradicción, verdad. Cuántas contradicciones.
[PGR] Esa experiencia de la que hablas pertenece a este
trabajo pero es fruto de un largo camino. Recuerdo que al
plantear este nuevo escenario volvías una y otra vez sobre las
mismas obsesiones. Llegar a Lo Real, a este borde del precipicio,
tiene algo de lógica, de asumir ciertos gestos propios, de
ser consecuente.
[IG] Tú lo sabes bien. La búsqueda, todo esto que llega conmigo
a Lo Real, tiene que ser una cosa lógica, algo que tenía
que hacer inexorablemente. Una especie de obligación. Cuando
digo tantas veces que yo bailo por obligación, “obligao”,
no sólo me refiero anecdóticamente a la disciplina férrea que
me impuso mi padre. Es que yo siento que cuando bailo tengo
obligaciones. Cosas que hacer. Lugares en los que meterme.
Lugares de los que no sé nada pero que me atraen. Mi trabajo
pasa por bailar lo imposible, bailar y hacer flamenco con
aquellos gestos, experiencias, historias, emociones y experimentos
que me son ajenos. Cuando exploramos la locura de
Félix Fernández, el bailaor, apodado el Loco, que colaboró
con Massine en su farruca. Cuando en La Metamorfosis me
identifiqué con Gregorio Samsa e intenté que bailara lo inmóvil.
¿Te acuerdas de aquel trabajo, esa pasión entomóloga
que me entró? Me llevó a identificar a mis bailaores, mis
maestros, con insectos y otros artrópodos: Mario Maya como
el saltamontes, Enrique el Cojo como el escarabajo pelotero,
Vicente Escudero como el insecto palo… ¡ah! y Farruco, el
alacrán. Para esto me ha servido mucho lo que soy, un bailaor
de flamenco. Cuando se trata de eso, de bailar lo que no se
puede bailar, pues en el flamenco encuentro los huecos, las
formas, los ritmos de mi cuerpo. Es por eso que me arriesgo.
Es por eso que quizás tenga sentido que siga bailando.
«el baile este mío
es como un veneno
que te marca para siempre.»
[PGR] Cuando nuestro querido Georges Didi-Huberman
te dijo, desafiante, “Israel, bailar lo real es bailar lo imposible”,
tú ya llevabas un camino andando hacia ese trecho. En
Galvánicas estaba la farruca del 11 de septiembre. En Arena,
aunque en principio fuese un espectáculo sobre los toros, la
seguiriya remitía directamente a los campos de Chabra y Satila,
a los campos de concentración nazis. El final de este estado
de cosas, en torno a tu lectura del Apocalipsis de Juan en
Patmos, ya entraba en materia. Había ya muchas referencias
a la encarnación histórica del final, a la guerra, al totalitarismo.
Creo que Didi-Huberman señalaba también, en ese bailar
tuyo, la posibilidad de superar esa prohibición implícita que
hay sobre las representaciones de la shoah. Tú te enfrentas
a una persecución algo más secularizada, la de los gitanos.
Pero, a lo que voy, en ese intento de bailar lo prohibido por la
ley, hay mucho de tu poesía, de tu punto de partida a la hora
de bailar flamenco.
[IG] Yo me crié con mi abuela gitana. Por la parte de mi madre,
yo soy gitano. También su credo religioso, la toma de
conciencia de mi madre y mi padre ante Jehová llevó a los
suyos a la persecución nazi, por la objeción de conciencia.
Me llamo Israel, hay nombres que te marcan como una piedra.
Pueden ser un lastre y una honda a la vez. Por muchas
razones, hablar del genocidio, de la persecución nazi, ha
formado parte de mi educación. No había vergüenza. Había
que hablar del genocidio, de nuestra persecución. No había
nada que esconder. De alguna forma, ese hablar censurado
se convirtió para mí en un estigma. Lo que se hablaba en mi
casa parecía molestar fuera. Este es mi caso. Bailar lo in-bailable,
lo imposible de bailar, es quizás mi caso. Mi respuesta
a todo eso. El proceso ha sido lento. No me he dado cuenta
de pronto, ha sido gradualmente. Poco a poco mi cuerpo iba
transformándose con el propio bailar. Cuando bailaba solo,
cuando bailaba con objetos. Bailar, ahora, tan cerca de los
otros. Apenas he bailado con gente como ahora. No solo tengo
parejas de baile, ahora me acerco más a ellas, en una idea
humana de todo lo que me rodea. Bailar con objetos me ha
servido, aunque parezca contradictorio, para darme cuenta
de que vivía rodeado de otras y de otros. Todo esto ha sido
como una enfermedad. El baile este mío, es como un veneno
que te marca para siempre y me va llevando y me ha traído
hasta aquí. Tengo más ganas de bailar ahora, más ganas que
nunca. Y sí, me enfrento a cada paso con la sensación segura
del fracaso. Bailar lo real es como bailar lo imposible. Es terrible
bailar tan contento algo tan doloroso, pero así es. Yo noto
la muerte más cerca de mi cuerpo, las fuerzas que sé me van
a faltar, las voy gastando. Bailar siempre ha significado para
mí muerte y resurrección. Bailar como el último día, siempre.
Bailar ya sin fuerzas, sacando la energía de aquí mismo, de
la falta de fuerzas. Todo esto me lo está dando Lo Real. Bailar
cada vez me es más necesario. Me doy cuenta de que bailar,
en estos días, es muy importante para todos. [PGR]
página
© RICKY dÁvILa
Lo Real/Le
La odisea del
pueblo gitano
Ficha artística
estreno mundial,
encargo del teatro Real
de Madrid
Baile Israel Galván, Isabel bayón,
belén Maya
Cante tomás de Perrate, David Lagos
Guitarra Juan Gómez “chicuelo”
saxofón Juan Jiménez
piano alejandro Rojas Marcos
percusión antonio Moreno
violín, danza eloísa cantón
Baile, cante, jaleos caracafé, bobote y Uchi
Banda de judíos Sistema tango
y gitanos
actores Pablo Pujol, Pepe barea
Coreografías, Israel Galván
guión musical
dirección artística Pedro G. Romero
dirección de escena txiki berraondo
RRR
[Convocatoria]
Enfoques
Lo Real/Le Réel/
the Real
11 de diciembre (19.00)
sala Gayarre
Lo ReaL © JavIeR aNdRada
En esta ocasión, Enfoques presenta al
coreógrafo y bailarín Israel Galván y
a la dramaturga y directora de escena
Txiki Berraondo para hablar de este
estreno mundial en el Teatro Real. Les
acompañará el director artístico del
Real, Gerard Mortier. Al coloquio le
seguirá un concierto con algunos de los
participantes del espectáculo. El acceso
es libre hasta completar el aforo.
(Más información en www.teatro-real.com)

Réel/The Real
Las claves
de Lo Real
Lo Real-Le Réel-the Real no es propiamente una obra con argumento. claro que suceden cosas, y muchas a la vez,
apelando a distintos niveles de significación. como las capas de una cebolla, los argumentos se van superponiendo más
que sucediendo uno tras otro. Lo que sigue es entonces un programa, más que como una lista de sucedidos, como una
serie de preguntas que podemos hacernos mientras vemos lo que va apareciendo sobre el escenario.
Prefacio
El punto de vista flamenco. Presentación del testigo y sus
herramientas. El flamenco es lo que habla, canta, baila:
granaínas, malagueñas, verdiales. Suerte de exorcismo, el mal
que crece dentro de mí. ¿Se preguntó alguien por qué Hitler in
my Heart, la composición de Antony and the Johnsons, es un
fandango? Fandango, fado, predestinación, destino.
Imaginaciones populares
Las mismas ciencias positivas que ayudaron a conocer el
flamenco construyeron la maquinaria racista de exterminio.
Antes de la modernidad, nuestra Edad Media. Anacronismo:
a los gitanos se les persiguió siempre. Un arte degenerado.
Tomás de Perrate mete por tonás el Karawane de Hugo
Ball. ¿Qué significa ser orientales? Extraños compañeros de
cama: judíos, homosexuales, testigos de Jehová, comunistas
y gitanos. ¿Qué significado, entonces, podemos dar al
orientalismo? Metástasis: donde Xenakis, antifascista, herido
por sus mismos aliados, define con precisión la forma de
la anomalía. Una música que sale de ahí, lo que en Europa
llaman las clases delincuentes. Nos decían “robagallinas”,
siempre al asalto del corral. Es posible imaginar a la vez el
flamenco y a los nazis. La primera película de Tony Gatlif,
Canta gitano: el maestro Mario Maya baila en el campo de
concentración, Manuel de Paula por cabales, “ábrase la tierra
que me quiero morir…”.
Símbolos nacionales
¿Y esa extraña fascinación? Un emblema nacionalista,
Tiefland, en la que Leni Rienfestahl hace de bailaora mientras
los gitanos representan a los habitantes impuros de las
tierras bajas. Y la pasión de Goebbels por nuestras estrellas
cinematográficas agitanadas, por el folclore patrio. Más allá
de la propaganda, se anuncia un mundo que hace iguales
a los hombres y a sus mercaderías. Carmen la de Triana o
Mariquilla Terremoto. Nietzsche contra Wagner: no solo
Carmen, la música africana de Bizet, “¡jamás escuche una
música tan verdadera, esa “Jota de los Ratas” que Chueca
arroja a la cara del mundo desde La Gran Vía! En el reino
de la mercancía los chamarileros estorban, solo venden
baratijas. Historias raras: una judía holandesa salva su vida
gracias a su retrato como bailaora gitana; los dibujos de
flamencas de Hannah en los barracones de Terezín; en el
campo, Madame Fifí, la bailarina, desnuda ante el oficial de
la Gestapo, le arrebata su pistola, lo mata y, a continuación,
se suicida. ¿Hay juicio al final de la historia?
Realismo sucio
Pero, ¿qué cosa es un campo de concentración? “A nosotros,
la primera vez que nos detuvieron, nos llevaron detenidos
al campo, como a mi padre, como a nuestros abuelos, como
siempre a nuestra gente.” Los gitanos no han contado su
historia, no han contado en la historia. Meter voces gitanas
en los Differents trains de Steve Reich. ¿Cómo empezar
a contar nuestra historia sin ser absorbidos por la gran
Historia? ¿Cómo seguir diciendo que somos pueblo sin
aspirar a ser nación? ¿Es eso lo que la voz flamenca puede
ofrecerle a los gitanos? Plegaria: la banda de judíos y gitanos
interpreta La muerte es un maestro venido de Alemania, el
tango de Paul Celan. Pies contra geografía. La tierra no es
un país. El suelo no conoce los mapas. Para los fantasmas
la representación no es un problema. Los que somos nadie,
los que no tenemos nombre. El clap de una mano contra el
cuerpo, la rodilla rota contra la tarima, una palma sorda,
la respiración tartamuda, el sonido del aire al abandonar
la garganta. En los márgenes de una carretera, al borde
del camino, perdido, un vagón de cuerpos vivos y muertos.
Intentar demoler el tiempo histórico alterando su ritmo, otra
manera de contar. Nada se ve. Un, dos, tres. Un, dos, tres.
Cuatro, cinco, seis. Cuatro, cinco, seis. Siete.[PGR]
ISRaeL GaLVÁn © FéLIX vÁZQUeZ
ISRaeL GaLVÁn © aMILCaR paCKeR
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[XI•XII-2012] L a RevIsta deL ReaL

[XI•XII-2012] L a RevIsta deL ReaL
descubra el teatro por dentro
en dos nuevas visitas guiadas
Desde el 1 de octubre, el Real ha puesto en marcha dos nuevas visitas guiadas que recorrerán
diariamente los espacios artísticos y técnicos que el público no podía ver hasta ahora.
Seguramente, usted ya conocerá el Teatro por dentro, un
edificio singular y único que comenzó a construirse en 1830,
bajo el reinado de Fernando VII, y cuyas obras terminaron
veinte años más tarde, en 1850 cuando ya regía Isabel II.
El resultado fue una colosal construcción, referente desde
entonces de la arquitectura de Madrid, y que en sus 162
años de actividad ha sufrido diferentes reformas y cambios.
Ahora, quince años después de su más importante y profunda
remodelación, y con motivo de su reapertura en 1997, el
público tiene la oportunidad de verlo como nunca antes se
había visto: desde sus entresijos. Para ello se han creado dos
nuevos tipos de visitas guiadas, una técnica y otra artística,
que se suman a la general que ya existía, y que pondrán de
manifiesto por qué la versatilidad y dimensiones de su caja
escénica y la buena disposición de sus espacios artísticos lo
convierten en un referente en su género.
tres visitas, tres recorridos
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Así, al recorrido historicista por el que ya han pasado más de
un millón de personas desde su inicio y en el que se puede
ver la zona pública, hay que añadir ahora los dos nuevos
paseos por las zonas de trabajo del Teatro que hasta ahora
no se mostraban. Las salas de ensayo de ballet, orquesta y
coro, los talleres de peluquería, sastrería, caracterización,
los camerinos, la zona de descarga de los decorados, el
escenario… son solo algunos de los lugares que el público
conocerá de primera mano y que podrá visitar de lunes
a domingo en un único pase a las 9.15 de la mañana. La
duración aproximada de cada visita es de 1 hora y 15
minutos, y su precio va de los 12 € para la artística a los 16
€ para la técnica. Los mayores de 65 años, menores de 26
y las familias numerosas se pueden acoger a la modalidad
de precio reducido (10 € en la primera y 14 € en la
segunda).[RA]
visita general visita técnica visita artística
Horario de 10.30 a 13.00 9.30 9.30
duración entre 50 min. y 1 h. 1 h. y 15 min. 1 h. y 15 min.
Grupos máximo 25 personas máximo 12 personas máximo 15 personas
precio 8 € (reducido, 6 €) 16 € (reducido, 14 €) 12 € (reducido, 10 €)
Recorrido Café de palacio, palco real, escenario, torre escénica, zaguán, salas de ensayo, camerinos,
sala principal, restaurante, salones… talleres de utilería y maquinaria… talleres de sastrería, peluquería…
Los Amigos del Teatro Real crecen
y se diversifican para ampliar
la participación social en su
proyecto cultural
Detrás de este esfuerzo creativo, el Teatro Real cuenta con el apoyo
financiero desinteresado de los Amigos del Real, un amplio grupo de
personas que, unido a las aportaciones de importantes empresas, han
ayudado al Real a conquistar el lugar que ocupa.
Formar parte de los Amigos del Real permite, además del
reconocimiento público, interesantes ventajas fiscales, descuentos en
productos y actividades del Teatro, acceso prioritario y privilegiado
de información y la satisfacción de ser mecenas en este crucial
momento social.
El programa está dividido en cuatro categorías, más accesibles a todas
las aportaciones, como la denominada Amigo, de nueva creación,
Amigo
Donación de 75 € a 600 €
Ventajas
•Descuento del 5% en la matrícula de los cursos
sobre ópera del Teatro Real y prioridad en la reserva
de plaza
• Descuento en la compra de artículos en la tienda
del Real
•Descuento del 5% en la adquisición de entradas
para los conciertos de Las noches del Real
•Descuento del 20% en los programas de ópera
comprados en los puntos de venta en el interior
del Teatro
•Atención prioritaria en la entrega de abonos
•Visita guiada general de cortesía para dos personas
en los horarios habituales
•Acceso preferente a las Jornadas de puertas abiertas
•Envío de boletín informativo por correo electrónico
•Inserción de nombre en la página web del Teatro Real
•Anuncio de agradecimiento en La Revista del Real y
en los programas del Teatro Real
•Tarifa especial en el aparcamiento de Santo Domingo
en horario de función
•Deducción fiscal del 25% del importe de la donación
•Los miembros de la Asociación de Amigos de la
Ópera de Madrid (AAOM) pueden acceder al
programa desde 50 €
•Tarjeta acreditativa de Amigo
el teatro Real se ha convertido, en los
últimos años, en uno de los centros más
vivos de la sociedad española. Su proyecto
cultural, que abarca tanto la programación
artística como las actividades paralelas
en torno a la misma, ha obtenido el
respaldo de público, instituciones, artistas,
intelectuales, y es un auténtico generador
de ideas y de debate.
que permite asociarse al proyecto desde 75 € al año. Una tarjeta
acreditativa de adhesión proporciona acceso inmediato a todos los
beneficios destinados a sus miembros.
Otras formas de participación son: Amigo Benefactor (a partir de 600 €),
Amigo Colaborador (a partir de 3.000 €) y Amigo Preferente (a partir
de 6.000 €).
Los detalles del programa están disponibles en los nuevos puntos de
información, taquillas, la página web (www.teatro-real.com), en la
dirección de correo electrónico amigosdelreal@teatro-real.com y en
el teléfono de información 91 516 06 30.[IT]
© JavIeR deL ReaL
© JavIeR deL ReaL

MatthIaS GoeRne © MaRCo BoRGGReve/HaRMoNIa MUNdI
pRoGRaMa
Gustav Mahler (1860-1911)
Des Knaben Wunderhorn
- der schildwache Nachtlied
- Rheinlegendchen
- Wo die schönen trompeten blasen
- das irdische Leben
- Urlicht
- Lied des verfolgten im turm
- verlorene Müh
- des antonius von padua Fischpredigt
- Lob des hohen verstandes
- Revelge
- der tambourg’sell
Sinfonía n.º 1 en Re mayor, “Titán”
orquesta titular del teatro Real
(orquesta sinfónica de Madrid)
Goerne,
la esencia del Lied
el barítono de Weimar, considerado uno de los mejores cantantes de su
generación, nos visita por tercera vez para protagonizar junto a teodor
currentzis el segundo concierto de Las noches del Real.
Matthias Goerne, que estudió con dos de las mayores leyendas del canto del
pasado siglo –sus compatriotas Elisabeth Schwarzkopf y Dietrich Fischer-
Dieskau–, es tan admirado por la belleza y la calidez de su voz como por la
profundidad y el calado psicológico de sus interpretaciones, y se cuenta desde
hace años entre los cantantes más solicitados de la escena internacional. Su
rara capacidad para alternar con éxito los recitales de Lied y los escenarios de
ópera le convierten en un invitado habitual de los más prestigiosos escenarios.
A Goerne, que debutó como solista de ópera en el Festival de Salzburgo en
1997, su experiencia con la canción le permitió enriquecer el retrato de sus
escasos personajes operísticos con la introspección psicológica, la capacidad
comunicativa y la perfección técnica propia de los grandes liederistas. Su
repertorio se reduce a un puñado de óperas de Mozart, Wagner, Berg, Reimann
o Henze, que escoge con gran cuidado y en las que ha dejado inolvidables
testimonios como intérprete de Papageno, Wolfram, Wozzeck o el Rey Lear.
También como Al Kasim, personaje que Henze creó especialmente para él
en L’Upupa und der Triumph der Sohnesliebe y que el público madrileño tuvo
la suerte de admirar en el Real poco tiempo después de su estreno mundial
en Salzburgo. Pero donde Goerne brilla con la máxima intensidad es como
intérprete de Lieder, de las intimistas canciones de Schubert y de las más
teatrales de Mahler, precisamente su programa para Las noches del Real:
“Amo el Lied por encima de todo, pero más allá de los géneros, lo que busco
es mantener pura la esencia del canto, que no es otra cosa que emocionar al
público con la música y con lo que se dice a través de ella”.
Como muestra de la variedad de los conciertos del ciclo de Las noches del Real,
que alterna las dimensiones sinfónicas de las grandes orquestas postrománticas
con la intimidad de los recitales de piano, la próxima cita nos brinda el 9
de diciembre un monográfico dedicado y protagonizado por el guitarrista
flamenco Cañizares: 40 años con la guitarra.
Y a partir de enero podremos disfrutar de las siguientes noches, que nos
traerán a las hermanas Labèque y Semyon Bychkov interpretando a Mozart
y Richard Strauss (26 de enero), a la mezzosoprano Joyce DiDonato y
Dmitry Sinkovsky en un original recital dedicado a las reinas y princesas del
repertorio operístico barroco (8 de marzo), y a Titus Engel, que acompañará
a María Bayo en un programa marcadamente francés (12 de mayo). A las
puertas del verano nos visitarán de nuevo el pianista Maurizio Pollini (2 de
junio) y la soprano Measha Brueggergosman dirigida por Sylvain Cambreling
(14 de junio), y un doble concierto (1 y 3 de julio) con el Requiem de Verdi
interpretado por Veronika Dzhioeva, Violeta Urmana, Jorge de León e
Ildebrando D’Arcangelo bajo la dirección de Teodor Currentzis, que cerrará el
ciclo. Finalmente, el 22 de julio y fuera de abono, el inefable y muy premiado
cantautor y compositor Rufus Wainwright reinterpretará obras de Berlioz,
Rodgers & Hammerstein y Mozart.[MAH]
*El recital se ha trasladado al viernes 16 de noviembre.
Para más información: 902 24 48 48.
nueva fecha*
16 de noviembre (20.00)
caÑIZaReS © aMaNCIo GUILLéN
pRoGRaMa
concierto especial
“40 años con la guitarra”
- añorando presente (Fantasía)
- el abismo (Bulerías)
- puente arpegiado (tangos)
- Lluvia de comentas (Rumba)
- Mar Caribe (Guajira)
- Lejana
- Collar de perlas (alegrías)
- del horizonte vienen (tangos)
- toca madera (tango-rumba)
- Cuerdas del alma (Rumba)
- paloma (vals)
9 de diciembre (20.00)
Cañizares, un maestro
de seis cuerdas
José Manuel cañizares regresa al teatro Real con un programa intimista y muy
personal en el que pondrá de nuevo de manifiesto su maestría con la guitarra
española. Y lo hace acompañado por su grupo de bailaores, percusionistas y
segunda guitarra.
El público lo conoce, sobre todo, por su trabajo con la guitarra flamenca. ¿Hay
una técnica diferente para tocar una bulería y una obra del maestro Rodrigo, por
ejemplo? Por supuesto, son dos estéticas distintas y tienen un carácter diferente.
Ello no impide que un guitarrista flamenco pueda abordar el Concierto de Aranjuez,
por ejemplo, y darle un aire en ciertos momentos más flamenco. Al igual que un
guitarrista clásico puede interpretar una obra flamenca con su propia estética. Esto
es así afortunadamente porque la guitarra es un instrumento que abarca un gran
abanico de posibilidades.
¿Qué le aporta el flamenco y qué la música clásica? El flamenco es un vehículo para
componer y expresar mi propia música, y la música clásica me procura la disciplina
y las posibilidades de abrazar otros mundos musicales. La música clásica también
me permite nutrirme musicalmente para poder inspirarme al componer mis propias
obras. Para mí son como dos vasos comunicantes. Ambos se realimentan.
El verano pasado, el Real cerró su temporada con la ópera Ainadamar de Golijov,
donde la guitarra tiene un peso muy especial. ¿Qué obra clásica crees que pide a
gritos un buen rasgueo? ¿A cuál le metería mano con sus seis cuerdas? Creo que la
música clásica española en general es una música que al estar influenciada en gran
medida por la música flamenca, permite en muchos momentos utilizar la técnica
del rasgueado flamenco. Por ejemplo, en la obra de Falla hay muchas secciones
que están compuestas con acordes que llevan una subdivisión de seisillos o fusas,
es decir, se interpretan a una velocidad rápida. Creo que en esos momentos el
rasgueado flamenco podría imprimirles un carácter diferente.
Ha asegurado que el flamenco es un arte en continua evolución, que cada vez que
toca pone su granito de arena en ese avance. ¿Piensa lo mismo cuando interpreta
una pieza clásica? En el flamenco, el guitarrista suele componer e interpretar su
propia música. En ese sentido, cuando interpreto mi propia música siempre estoy
aportando nuevos valores a mi interpretación. Creo que eso son pequeños granitos
de arena que se van sumando y aportan evolución al flamenco. Cuando interpreto
una obra clásica, intento internalizar la esencia de la obra aportándole mis propios
matices sin desvirtuar la idea que el compositor tuvo originalmente. Musicalmente
no estoy aportando ninguna melodía nueva, pero estoy añadiendo mis matices y mi
manera de sentir la obra.
Para ponerse ante una partitura –como ha hecho usted y Paco de Lucía con los
grandes compositores–, ¿se necesita experiencia y técnica? ¿O es más un asunto
de valentía y reto? Para abordar una obra clásica siempre se necesita experiencia,
técnica, valentía y reto. Sin experiencia te falta base. Sin técnica no puedes
expresar la obra. Sin valentía, no puedes salir a un escenario y si la obra no supone
un reto para ti, puede llegar a aburrirte.
El programa que va a presentar en el Real en diciembre es más intimista, más
personal que el que interpretó con la Filarmónica de Berlín en el mismo escenario
hace un año. ¿Son dos Cañizares diferentes?
Es el mismo intérprete en diferentes vertientes. En diciembre, voy a interpretar mis
propias obras y eso me permite improvisar y dirigir la música a mi manera. Disfruté
mucho con la Filarmónica de Berlín y con Sir Simon Rattle en el escenario del
Teatro Real, y ahora tengo el privilegio de estar en este maravilloso teatro de nuevo
mostrando mis orígenes flamencos.[RA]
Las noches del Real
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[XI•XII-2012] L a RevIsta deL ReaL

[XI•XII-2012] L a RevIsta deL ReaL
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Los
otros
artistas
del Real
Del 28 de septiembre de 2012 al 6 de enero de 2013
teatro Real
(acceso por la plaza de Isabel II)
entRaDa LIbRe
Horarios de visitas:
• de lunes a viernes: de 10 a 15 horas y de 17 a 20 horas
• sábados y domingos con representación: de 11 a 14 horas
y de 17 a 20 horas
• sábados y domingos sin representación: de 11 a 14 horas
exposición organizada por el teatro Real con motivo del 15 aniversario de su
reapertura. Un recorrido por las creaciones de sus talleres y un homenaje a
todos los que hacen posible la puesta en escena de los espectáculos. parte de
los objetos se exponen también en los espacios del propio teatro y se pueden
visitar aprovechando las visitas guiadas al mismo o si se dispone de entradas,
el día del espectáculo.
Colaboran:
para más información: www.teatro-real.com

La casa
flotante
en el mes de noviembre, los más pequeños podrán disfrutar
en el teatro Real de La casa flotante, un arca de noé en la
que se embarcarán para contemplar el primer arco iris que
surgió en la tierra y un homenaje al centenario del nacimiento
de Xavier Montsalvatge.
Joaquín Casanova y Elisa Ramos, creadores y dramaturgos de
La casa flotante, se inspiraron en relatos sobre el Diluvio universal
y, en particular, en L’arca de Noè para hacer una adaptación
totalmente libre y contemporánea de historias que
han pasado de generación en generación y que pertenecen a
nuestro imaginario colectivo. El espectáculo es una mezcla
de poesía oriental, rica en imágenes, al que han añadido
elementos fantásticos. Esta coproducción del Gran Teatre
del Liceu de Barcelona, el Festival Internacional de Música y
Danza de Granada y la compañía La Maquiné desembarca en
el Teatro Real el 9 y 10 de noviembre.
Xavier Montsalvatge, piedra angular del repertorio español
del siglo XX, fue su musa. A los autores les parecía importante
dar a conocer su obra a través de la escena para que espectadores
de todas las edades pudiesen disfrutar de su música.
Del sugerente repertorio de Montsalvatge, les interesó especialmente
una pequeña suite llamada L’arca de Noè.
La casa flotante cuenta la historia de Noé, una niña que nunca
había visto llover. Su mayor deseo era ver el arco iris, pero
vivía en un país desértico. Un día Noé salva a un pequeño pez.
Este, en agradecimiento, le cuenta una importante noticia: la
llegada de un gran diluvio que lo inundará todo. Noé hace de
su casa un barco para salvar a todos los animales, pero, como
en el recuento faltan algunos, decide ir a buscarlos.
Según sus creadores: “La historia es una inundación de
imaginación donde nos embarcaremos para contemplar el
primer arco iris que surgió en la tierra. Con ella, queremos
despertar al joven espectador su curiosidad por la música
y por la escena. Pretendemos estimular la fantasía como
recurso indispensable para el aprendizaje, goce estético y
desarrollo de su intelecto”.
Imágenes simbólicas
Si para el niño el contenido musical es tan importante como
la ilustración, La casa flotante sugiere al espectador imágenes
en forma simbólica como los animales y la naturaleza, territorios
que ellos sienten cercanos. La obra también contiene
valores de trabajo en equipo, perseverancia y conductas de
conservación del medioambiente. Los diferentes relatos que
suceden en La casa flotante son contados con simplicidad,
humor y protagonizados por animales a modo de fábulas. Los
personajes, la trama y las situaciones confluyen para establecer
cierta enseñanza moral.
La música de la obra transita por una parte significativa del
catálogo pianístico de Montsalvatge. Según los autores: “La
colección de piezas de L’arca de Noè actúa como elemento estructural
de toda la selección. Una música accesible, directa y
expresamente dedicada al público infantil en la que se describen
personajes como el gallo, la pulga, el gato y el canguro,
entre otros”.
A Montsalvatge le acompaña Debussy para crear la atmósfera
de los fragmentos más corales asociados a lo acuático: la
lluvia, el río, el diluvio. Sus partituras nos conducen por diferentes
ambientes a través de algunas de las piezas pianísticas
más representativas de este autor tomadas de los Preludes
(1909-1913), sobre todo del primer cuaderno, y del primer
libro de Images (1905).
Elisa y Joaquín describen el proceso de creación como un
lenguaje multidisciplinar. “La plástica, la música, el teatro
gestual de títeres y objetos y elementos audiovisuales son los
recursos estéticos que utilizamos. La voluntad es describir la
riqueza y pluralidad de lenguajes para conseguir una obra
sencilla y sugerente mediante un imaginario cargado de simbolismo
cercano a la ilustración infantil. La música proporciona
nuevas claves de interpretación para los oídos jóvenes
y tiene una presencia casi constante (solo interrumpida por
las breves intervenciones de la actriz narradora) que hacen
de este espectáculo un continuo visual y musical. Además, la
puesta en escena junto con el diseño de iluminación nos permite
desarrollar la técnica de teatro negro”.
En La casa flotante los diferentes animales que se suceden en
el espectáculo a modo de bestiario, son representados con
títeres y objetos animados construidos con diferentes técnicas
y escalas e inspirados en estilos artísticos primitivos.
actividades pedagógicas
Joaquín Casanova, responsable de la puesta en escena, quiso
enfrentarse a ella como un artista plástico, concibiéndola
como un lienzo en blanco: “Cuando trabajo con los actores,
realizo muchos dibujos, bocetos, creando un storyboard. Al
mismo tiempo se desarrolla la dramaturgia del espectáculo
en paralelo a la música. La idea no es ilustrar la partitura,
sino conseguir una fusión, una obra total. Actores que trabajan
con el gesto, partitura del movimiento, los títeres, los
objetos. Posteriormente tinto el escenario con el diseño de
la iluminación y las proyecciones de vídeo. Todo se concibe
a la vez por un equipo de trabajo muy reducido que da como
resultado una obra con personalidad”.
«La idea no es ilustrar
la partitura, sino conseguir
una obra total.»
En el trabajo de adaptación y arreglos de las partituras de
Xavier Montsalvatge para La casa flotante, han contado con el
compositor y músico José López-Montes, consiguiendo una
unión perfecta entre música e imagen que además, en el Teatro
Real, interpreta al piano.[MS]
desde 4 años
sala principal
Funciones escolares:
7, 8 de noviembre (10.30 y 12.00 horas)
Funciones familiares:
9 (12.00), 10 de noviembre (12.00 y 19.00 horas)
autores: Joaquín casanova, elisa Ramos
dirección, espacio escénico, iIuminación y proyecciones:
Joaquín casanova
adaptación musical: José López-Montes
Realización de escenografía: cristian Malo,
Joaquín casanova
títeres y objetos: elisa Ramos, Joaquín casanova
vestuario: capi Vallecillos, elisa Ramos
pianista: José López-Montes
Intérpretes: elisa Ramos, Lola Martín,
ana Puerta, José Rodríguez
petrushka
Igor stravinsky
(1882-1971)
En medio del colorido y bullicioso mercado de San
Petersburgo en el siglo XIX, un misterioso mago charlatán
atrapa la atención del público con sus tres marionetas:
una bella bailarina, un exótico sultán y Petrushka, un
romántico arlequín. Basta un leve toque de varita mágica
para que todos ellos recobren la vida, sus corazones se
despierten y afloren los sentimientos: alegría, amor,
celos, disputas, misterio…, ingredientes que Stravinsky
combina magistralmente para contarnos con su música
esta fantasiosa historia. Desde la vitalidad de las danzas
rusas hasta el exótico perfume sonoro de Oriente, el ballet
Petrushka nos embriaga con su rico y contrastante mundo
de sonidos, rememorándonos hacia el final del cuento un
sabio proverbio: “Quien ríe el último, ríe mejor”.
Un proyecto musical y artístico compartido con alumnos de
Primaria que nos mostrarán todo lo que han imaginado y
sentido con este cuento musical.[PV]
desde 7 años
sala principal
Funciones escolares:
19, 21 de diciembre
(11.00 horas)
Funciones familiares:
15, 16, 22 de diciembre
(12.00 horas)
dirección musical: titus engel
presentación: Polo Vallejo
orquesta Sinfónica de Madrid
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[XI•XII-2012] L a RevIsta deL ReaL

[XI•XII-2012] L a RevIsta deL ReaL
Junta de protectores
Presidente
Alfredo Sáenz Abad
Vicepresidente Segundo y Consejero
Delegado de Grupo Santander
Vicepresidentes
Francisco González
Presidente de la Fundación y de BBVA
Luis Abril
Secretario General Técnico de la
Presidencia de Telefónica
Vocales
Salvador Alemany
Presidente de Abertis Infraestructuras
David Angulo
Presidente Ejecutivo de AVIVA
Ignacio Ayerdi
Presidente del Comité de Dirección
General de Philips Ibérica
Enrique Barrientos
CEO de Cassidian Spain
Antonio Basagoiti
Presidente de Banesto
Fabrice Benoit
Presidente de Universal Music para la
península Ibérica (España y Portugal)
Santiago Bergareche Busquet
Co-Presidente de Cepsa
Pierre Bergé
Presidente de Fondation Pierre Bergé -
Yves Saint Laurent
Dominic Brisby
Presidente y Director General de Altadis
Antonio Brufau
Presidente de Fundación Repsol
Demetrio Carceller Arce
Presidente de Fundación Damm
Mauricio Casals
Presidente de La Razón
Antonio Crespo Ybáñez
Presidente de
Hewlett-Packard Española, S.L.
Juan Fábregas
Director General en España y Portugal
de Crédit Agricole CIB
Isidro Fainé
Presidente de ”la Caixa”
Arturo Fernández
Presidente de
Grupo Arturo Cantoblanco
Salvador Gabarró
Presidente de Gas Natural Fenosa
Antonio García Ferrer
Vicepresidente Ejecutivo
de Fundación ACS
amigos del Real
Ignacio Garralda Ruiz de Velasco
Presidente de Mutua Madrileña
Julio Gómez-Pomar Rodríguez
Presidente de Renfe
Leopoldo González-Echenique
Presidente de Corporación RTVE
Carlos González Bosch
Presidente de Cofares
Bosco González del Valle Chávarri
Presidente de EDT Eventos
Enrique V. Iglesias
Secretario General Iberoamericano
José Joly
Presidente de Grupo Joly
Alejandro de la Joya
Consejero Delegado de
Ferrovial Agromán
Antonio Llardén
Presidente de Enagás
Enrique Loewe
Presidente de Fundación Loewe
Manuel López Cachero
Presidente de la Asociación de
Amigos de la Ópera de Madrid
Julián López Nieto
Presidente del Grupo Redislogar
Soledad Luca de Tena
Vicepresidenta de ABC
Fermín Lucas
Director General de Ifema
Francisco Luzón
Carlos Mas Ivars
Presidente de
PricewaterhouseCoopers España
Antonio Miguel Méndez Pozo
Presidente de
Grupo de Comunicación Promecal
Javier Monzón
Presidente de Indra
Vicente Moreno
Presidente y Consejero Delegado de
Accenture
Ignacio Ojanguren
Socio Director de Clifford Chance
María Teresa Ortiz-Bau
Directora de Fundación AXA
Javier Pascual del Olmo
Presidente de Ediciones Condé Nast
Pedro Pérez-Llorca Zamora
Socio Director de Pérez Llorca
Ignacio Polanco
Presidente de PRISA
Rosalía Portela
Consejera Delegada de ONO
Borja Prado Eulate
Presidente de Endesa
Rafael Prieto
Consejero Delegado de Peugeot España
Marcos de Quinto
Presidente de Coca-Cola
Fernando Ruiz
Presidente de Deloitte España
José Antonio Sánchez Domínguez
Director General de
Radio Televisión Madrid
Manuel Saucedo Carretero
Director General de Comunicación y
Actividades Corporativas de
Unidad Editorial
John M. Scott
Presidente de KPMG en España
Martín Sellés Fort
Presidente y Consejero Delegado de
Janssen-Cilag
Alfonso Serrano-Súñer y de Hoyos
Presidente de Management Solutions
Ángel Simón Grimaldos
Presidente ejecutivo de Agbar
José Manuel Vargas Gómez
Director General-Presidente de Aena
Paolo Vasile
Consejero Delegado de Mediaset España
Antonio Vázquez
Presidente de IBERIA
Miguel Ángel Villanueva
Presidente de la Empresa Municipal
Promoción de Madrid
Juan-Miguel Villar Mir
Presidente de OHL
Antonio J. Zoido
Presidente de
Bolsas y Mercados Españoles
Juan Antonio Zufiria
Presidente de IBM España, Portugal,
Grecia e Israel
Felipe de Acevedo•ADA Ayuda del Automovilista•Carmen Alcántara•Joaquín Almunia Amann•Plácido Arango Arias•Ana María Arroyo Herrero•Auditorium Madrid Hotel•Fernando Baldellou Solano•José María Benito Sanz•María del Carmen Bermúdez
Muñoz•Brizzolis Arte en Gráficas•Daniel de Busturia Jimeno•CVC Capital Partners•Cruz Entrecanales Azcárate•Teresa Entrecanales Azcárate•Isabel Estapé Tous•Alfonso Ferrari Herrero•José Manuel Gabeiras•Montoisy Godelieve•Javier Gómez
Navarro•Grupo Sagital•Grupo Urológico San Rafael•Rafael Iruzubieta Fernández•Juventudes Musicales de Madrid•James Land•Librería Jurídica Lex Nova•Enrique de Leyva Pérez•Juan José López-Ibor Aliño•Soledad Luca de Tena García-Conde•Gregorio
Marañón y Bertrán de Lis•David March•Teófilo Marcos•Luis Martín Cabiedes•Benito Martín Ortega•Ernesto Mata•Teresa Mazuelas Pérez-Cecilia•Metroscopia•José María Mohedano Fuertes• Juan Manuel Moreno Olmedilla•Gerard Mortier•María Cruz
Muñoz Olmedo•Carmela Navas Vela•Gerd P. Paukner•T. Paype•Adrián Piera Jiménez•José María Portilla González•Rafael Prados García•Isabel Ramírez Núñez Prado•Carlos Ramírez Reguera•Daniel Romero-Abreu Kaup•Teresa Sappey•Editorial Jurídica
Sepin•José Manuel Serrano Alberca•Antonio Trueba Bustamante•Soledad Varela Ortega•José Luis Várez Fisa•Francisco Vighi Arroyo•A.T.G.•A.V.S.A.•C.R.M.•J.A.S.A.•J.E.A.M.•J.L.V.•J.M.C.•M.C.P. •M.F.B.•M.V.Ll.•N.O.A.
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Secretaria
Marisa Vázquez-Shelly
Directora de Comunicación, RR.II. y
Patrocinio del Teatro Real
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De lunes a sábado (excepto festivos) de 10.00
a 20.00 horas
Domingos y festivos 2 horas antes de la representación
Se admite el pago en efectivo y con tarjeta de crédito o
débito
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902 24 48 48. De lunes a sábados (excepto festivos),
de 10.00 a 13.30 horas y de 17.30 a 20.00 horas
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Internet
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Noticias del Real Noticias del Real Noticias del Real Noticias del Real Noticias
Nueva tarjeta regalo del teatro Real
Regalar ópera va a ser más fácil a partir de este otoño con la tarjeta regalo del Teatro Real,
una nueva forma de acercar la lírica a los aficionados. La tarjeta regalo está diseñada para
acumular el importe que se desee regalar, de modo que la persona obsequiada puede realizar
las compras por la cantidad fijada. Las características distintivas de la tarjeta son que permite
elegir el importe que se quiere regalar, siempre a partir de un mínimo de 30 €, su emisión es
gratuita, se activa en el momento de la compra, es un medio de pago y no tiene caducidad.
Cada vez que se utilice, la tarjeta se irá descontando el importe consumido hasta agotarlo del
todo, sin límite de tiempo. La tarjeta se puede solicitar en las taquillas del Teatro y permite el
pago en efectivo mediante tarjeta de crédito o débito. Sin duda un regalo siempre original y de
los más innovadores de cara a las próximas fiestas que se avecinan.
Más información en la página web www.teatro-real.com o 91 516 06 30.
Llega la ópera de Brokeback Mountain
Tras la versión cinematográfica, ahora le toca a la versión
operística. La autora del relato original, Annie Proulx, que
se encarga ahora del libreto de su obra se encontró con el
compositor Charles Peter Wuorinen para ultimar los detalles
de la producción con Gerard Mortier. Fue el pasado 16 de
octubre en el Teatro Real. El relato breve más famoso de la
escritora, Brokeback Mountain, con el que obtuvo el Premio
Pulitzer, dio lugar a una versión cinematográfica del director
Ang Lee que cosechó asimismo un éxito espectacular, con
innumerables premios y galardones desde varios Óscar al León de Oro del Festival de Cine
de Venecia, después de un difícil arranque, ya que ninguna productora consideraba que una
historia sobre “dos vaqueros que se besan” podía interesar al público. El estreno mundial de la
ópera homónima tendrá lugar en el Teatro Real el 28 de enero de 2014.
el Così fan tutte de Haneke
El director de cine austriaco Michael Haneke,
que está ultimando los detalles de su puesta en
escena de Così fan tutte, cuyo estreno tendrá
lugar en febrero de 2013 en el Teatro Real,
recibió el pasado 14 de octubre la Orden de
Caballero de la Legión de Honor de manos del
presidente de la república francesa, François
Hollande, por “su compromiso con el cine
independiente”. El realizador de la película
Amour, Palma de Oro en el último Festival
de Cannes, conocido por la minuciosidad de
su trabajo y su profundo conocimiento de los
tortuosos caminos por los que discurre la mente humana, plasmados en obras como La pianista
o La cinta blanca, nos presentará pues en breve su personal visión de la ópera de Mozart.
Ya han pasado más de 4000 visitantes
por la exposición del Real
Los otros artistas del Real, exposición que muestra las creaciones realizadas en los talleres del Teatro
Real, ha alcanzado ya la cifra de 4000 visitantes desde su apertura el pasado 28 de septiembre.
La muestra reúne maquetas, figurines, piezas de utilería, sastrería y caracterización, así como
documentación audiovisual, de modo que el público pueda profundizar en los procesos de
construcción de las piezas y la producción de las óperas que han desfilado por el Teatro en estos
últimos quince años. De entre las numerosas piezas, el público aprecia en particular la reproducción
del cadáver de Séneca de Poppea e Nerone, mientras que el más fotografiado es el coche de Don
Giovanni situado en el foyer. La exposición permanecerá abierta hasta el 6 de enero de 2013. Para
más información: www.teatro-real.com. Información sobre visitas guiadas: 91 516 06 95.
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