Kunstbulletin April 2023

April 2023 Fr. 10.– / € 8.– 

4/2023

FOKUS 

22 Augustin Rebetez — Ein panisch lauter Nachmittag. Daniel Morgenthaler 

32 Ishita Chakraborty — Ein Vokabular des Anderen und Gemeinsamen. Damian Christinger 

40 Simone Holliger — Die Realität plastisch erproben. Rani Magnani 

50 Oscar Tuazon — Skulpturen, die Raum geben. Meret Arnold 

60 Chrysalide — Réinvention de soi et d’autrui. Nicolas Garait-Leavenworth 

64 Caterina De Nicola — Riflusso riflesso. Regaida Comensoli 

HINWEISE 

66 Animation — Daria Kashcheeva / Arbon — Laura Mietrup 

67 Basel / Riehen — Pablo Picasso / Bern — Joan Miró 

68 Brugg — Davina Andrea Deplazes / Petra Njezic 

69 Davos — Werke aus der Sammlung Horn 

70 Genf — General Idea 

71 Genf — Olaf Holzapfel / Glarus — Karen Kilimnik / Sophie Gogl 

72 Lausanne — Léon Spilliaert / Paris — Katinka Bock 

74 Paris — Thomas Demand 

75 Rapperswil-Jona — Linientanz 

76 St. Moritz — Martin Creed / Vaduz — Martina Morger 

77 Vevey — Ferdinand Hodler 

78 Winterthur — Sarah Hablützel & Marko Mijatovic 

79 Yverdon-les-Bains — Maëlle Gross / Zürich — Janet Mueller 

80 Zürich — Johann Heinrich Füssli / Zürich — Athene Galiciadis 

82 Zürich — Jan Czerwinski / Zürich — Romeo Vendrame / Hanna Roeckle 

83 Zürich — Pippa Garner 

BESPRECHUNGEN 

84 Baden — Silvia Bächli / Eric Hattan — Farbfelder und Muldenkunst 

86 Basel — À bruit secret — Das Hören als multisensorisches Spektrum 

88 Chur — Linda Semadeni — Ins Blickfeld gefasst 

90 Frankfurt/M — Rosemarie Trockel — Das Eigene stetig neu betrachten 

92 Genf — Ugo Rondinone — Kunst, Geschichte und Wahrheit 

94 Langenthal — disnovation.org / Mia Sanchez — Prototypen und Settings 

96 Luzern — Betye Saar — Rituale der Zusammenkunft 

98 St. Gallen — Sheila Hicks — Geballte Farbe 

100 Warth — Hannes Brunner — Momentaufnahmen aus Karton 

102 Winterthur / Bregenz — Valie Export — Die Künstlerin bestimmt das Bild 

104 Zürich — Julien Creuzet — Der tanzende Nkisi 

NOTIERT 

106 IN EIGENER SACHE / KUNSTRÄUME / GROSSANLÄSSE / AUSSENPROJEKTE 

111 NAMEN / PREISE / AUSSCHREIBUNGEN / DIES UND DAS 

124 AGENDA 

167 IMPRESSUM, MEDIADATEN 

168 EN PASSANT 

1

11.3.– 30.7.2023 

Odilon Redon, L’œil, comme un ballon bizarre se dirige vers l’infini (A Edgar Poë Nr. I), 1882, Kunst Museum Winterthur, Geschenk von Maria Stiefel-Bühler, 1975

Editorial — Die Kunst und die Risse der Welt 

Man könnte das Schaffen von Augustin Rebetez als Reaktion auf 

eine disparate Welt lesen, in der alles auseinanderzubrechen droht: 

Es ist punkig, teils trashig und auch etwas «dadaistisch». Rebetez’ 

Koketterie mit Formen des Morbiden und des okkult Rituellen lässt 

uns gruseln – doch nur so lange, bis wir in seiner Soloschau im Aargauer 

Kunsthaus die ‹Black Church› betreten haben. Die Götter, denen 

hier gehuldigt wird, sind zwei sich freundlich zugewandte Vogelgestalten. 

Auf dem weiteren Rundgang werden Vögel und andere 

nichtmenschliche Wesen zu liebenswerten Hauptakteur:innen, im 

schwarzen Grundton der Szenerie wird eine sorgfältige Hingabe 

zum Detail erkennbar, feine Poesie und (Selbst-)Ironie stimmen 

ein in das Laute und Rotzige von Rebetez’ künstlerischer Sprache. 

In seinen eigenwilligen Kosmos hat er die Gegensätzlichkeiten der 

Welt unverfroren einverleibt. 

Die wahrnehmbaren weltlichen Widersprüche bleiben in unserer 

noch immer sehr behaglichen, westlichen Sphäre meist verhältnismässig 

folgenarm. Wie es ist, tatsächlich in die Risse der Geschichte 

zu fallen, rufen Julien Creuzet, Betye Saar und Ishita Chakraborty 

in Erinnerung. Ihre Kunst verweist auf Rituale und Ausdrucksformen 

von Sklav:innen früher beziehungsweise Geflüchteten heute, mit 

denen sie die Kluft zwischen Herkunft und erzwungener Ankunft zu 

bewältigen suchen. Oscar Tuazons skulpturale Orte der Begegnung 

wiederum sind mitgeprägt von seiner Erfahrung mit indigenen Völkern 

Nordamerikas und ihren Erzählungen, die verhindern, dass ihr 

kulturelles Erbe verstummt. Die kreative Kraft, die diesen Anstrengungen 

innewohnt, ist auch das Fundament künstlerischen Schaffens. 

Darin gründet das Potenzial der Kunst, in unterschiedlichsten 

Welten sinn- und gemeinschaftsstiftend zu sein. Deborah Keller 

TITELBILD · Augustin Rebetez ·Le cœur entre les dents, 2023, Rauminstallation mit Fotografien, 

Ausstellungsansicht Aargauer Kunsthaus, Aarau. Foto: Ullmann Photography 

3

Shirley Jaffe, X, encore, 2007, Private collection, Courtesy Tibor de Nagy Gallery, New York © 2023, Pro Litteris, Zurich

Pippa Garner 

Act Like You Know Me 

04.02.–14.05.2023 

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Edward Weston, Ansel Adams, Imogen 

Cunningham, Wynn Bullock, Brett 

Weston, Willard Van Dyke, Morley Baer, 

Don Worth, Ryuijie und weiteren amerikanischen 

West-Coast-Fotografen 

www.wbb.gallery

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Gastausstellung JKON (Junge Kunst Olten) 

Kunstmuseum Olten 

bis 16.4.2023 

Manuela Cossalter 

(JKON-Preisträgerin 2022) 

HAUNTED. A trip between desire and neglect 

Dienstraum am Bahnhof Olten 

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Abb.: Manuela Cossalter 

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Hören 

in 

der 

Kunst 

22. 

02. 

– 

14. 

05. 

20 

23

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2023 

Dienstag – Freitag 

10.00 – 12.00 / 14.00 – 17.00 

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mit Ausnahme von Feiertage 

Samstag – Sonntag 

und Feiertagen 

10.00 – 18.00 

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Weitere Informationen und Anmeldung: www.sik-isea.ch

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Römerstrasse 30 

CH-5401 Baden 

www.langmatt.ch 

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Hattan 

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Ausstellungsansicht: Silvia Bächli, 

Eric Hattan – Five O’Clock Shadow 

Museum Langmatt 2023

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Ali-Eddine Abdelkhalek, nach Poem of Change von Pauline Oliveros. Digitalbild generiert mit DreamStudio (Stability AI). Courtesy des Künstlers 

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FOKUS 

Augustin Rebetez — Ein panisch lauter 

The Good Life, 2023 (Wände); Mr. Crocodile, 2023 (links); Hope is not a future, 2023 (rechts); 

Ausstellungsansicht Aargauer Kunsthaus, Aarau. Foto: Ullmann Photography 

22 Kunstbulletin 4/2023

Nachmittag 

FOKUS // AUGUSTIN REBETEZ 

23

The Black Church, 2023, Koop. mit Léo Regazzoni; handgewobene Teppiche (Wand), 2023 Koop. mit 

marokkanischen Frauenkooperativen, Ansicht Aargauer Kunsthaus, Aarau. Foto: Ullmann Photography 



25

Der Mann kennt nichts. Und er kann alles: Augustin Rebetez 

macht Tyrannen mit Photoshop lächerlich, gestaltet Schmuck, 

verbessert Fischli / Weiss, lässt kiloschwere Bronzevögel fliegen, 

begründet eine Kirche (ohne Gott) – und malt (mit seiner Mutter). 

Was kann er also nicht? Seine Schau im Aargauer Kunsthaus ist 

gross genug, dass sich auch das offenbart. Daniel Morgenthaler 

Gott infrage stellen, das würde ja noch angehen. Aber Peter Fischli und David Weiss? 

Augustin Rebetez geht sowohl mit dem Einzigen und Allmächtigen als auch mit den 

beiden Göttern der Schweizer Gegenwartskunst nicht gerade respektvoll um: Zu 

seiner ‹Black Church›, einem teils schwarz angemalten Kirchlein, das in einem der 

grössten Ausstellungssäle der wirklich grossen Ausstellung von Augustin Rebetez 

im Aargauer Kunsthaus steht, meint der Jurassier am Presserundgang: «Eine Kirche 

ohne Gott, dafür mit ‹cuter› Musik.» In seinem Film ‹Domino Dynamite› von 2016 – in 

Aarau zusammen mit anderen verrucht geschnittenen Filmen in einem ‹Cinema Panico› 

zu sehen – läuft zudem, als deklarierte Hommage an Fischli / Weiss, der ‹Lauf der 

Dinge› weiter, einfach ungleich punkiger. 

Der Film schrenzt dermassen mit, dass die Originalversion von Fischli / Weiss dagegen 

streberhaft aufgeräumt wirkt. Augustin Rebetez selbst nennt seine Schnitttechnik 

«panic editing». Und während eine Arbeit von Fischli / Weiss ‹Stiller Nachmittag› 

heisst und Alltagsgegenstände kunstvoll ausbalanciert, scheppert bei Rebetez 

in diversen Werken alles an einem brutal lauten Après-midi in sich zusammen. Ist Rebetez 

der neue, besser hörbare und weniger kalkulierende Fischli / Weiss der Schweizer 

Gegenwartskunst? Die gleichen Grafiker nutzt er schon mal: Das Büro Norm aus 

Zürich, das einige Publikationen des berühmten Duos gestaltet hat, hat auch die beiden 

neuesten, zur Ausstellung erscheinenden Bücher von Augustin Rebetez designt. 

Und die Grösse der Ausstellung im Aargauer Kunsthaus würde selbst Fischli / Weiss 

gut anstehen. 

Cenovis-Kunst 

Aber Stop! («Panic editing» geht auch beim Texten …): Gleich aufhören, einen doch 

immer noch jungen Künstler, der hier von der Kunsthaus-Direktorin Katharina Ammann 

und der kuratorischen Assistenz Bassma El Adisey seine grosse Gelegenheit 

in der Schweiz erhält, wieder klein zu machen im Schatten der «Götter» der Schweizer 

Gegenwartskunst. Zumal sich Augustin Rebetez manchmal gleich selbst aus dem 

Rennen nimmt – und es uns erfrischend leicht macht, seine Arbeit schlecht zu finden: 

Zu seiner Werkserie ‹Despots with Photoshop› von 2016 sagt Rebetez, dass er 

sich an Diktatoren wie Wladimir Putin mit «really bad art» rächen will. Die Serie lässt 

optisch kein gutes Haar an den zeitgenössischen Tyrannen (Tyraninnen kommen darin 

nicht vor, gibt es ja auch weniger). Auf die Frage, weshalb er gewisse schwarze 

Plastiken in einem Raum zusammen mit anderen Werken platziert habe, antwortet 


er offen: «Ohne irgendeinen Grund.» Er erklärt dann aber weiter, dass hier «sogar die 

Kaktusse verkohlt» seien – ein unzimperlicher Verweis auf die Klimakrise also. Und 

er ergänzt, dass er selbst für seine Kunst manchmal den Begriff «Cenovis-Kunst» 

verwende, in Anlehnung an die Schweizer Gewürzpaste, die ziemlich übel, aber doch 

sehr beliebt ist. 

Der Begriff passt auch geo- und biografisch: Cenovis ist eher in der Romandie 

bekannt, und trotz seiner vielen Reisen (siehe Ausstellungsauswahl) lebt Rebetez 

nach wie vor im Jura, wo er auch geboren ist. Ebenfalls in der französischen Schweiz, 

in Vevey, hat er die Fotoschule besucht. «Ich bin aber ein Fotograf, der unbewegte 

Bilder überhaupt nicht mag.» Dafür umso mehr das Zeichnerisch-Malerische: Neben 

dem «panic editing» in den Videos ist mittlerweile vor allem die gezeichnete und 

gemalte Figurenwelt das unverwechselbare – nicht schlecht! – Markenzeichen von 

Augustin Rebetez: Tierchen, Vögel, Geistli, Totems. Sie haben sich bereits in der inszenierten 

Fotografie des Künstlers angebahnt, die in Aarau ebenfalls zu sehen ist 

und die geschminkte und verkleidete Menschen in den verschiedensten möglichen – 

und unmöglichen – Haltungen und Konstellationen zeigt. «In meinen fotografischen 

Arbeiten wird schon sichtbar, wie ähnlich wir Menschen zum Beispiel den Insekten 

sind», erläutert Rebetez. Ein schönes Bild: Wenn wir uns zusammenraufen, werden 

wir selbst zum Tierchen. Hinter der lauten Fassade scheint hier immer wieder leise 

eine sehr verbindende und respektvolle Philosophie auf. 

Bestell Dir einfach eine neue Haut 

«Panic editing» – love it: zurück zu Fischli / Weiss. Kann Rebetez mit Geistli oder 

Cenovis-Kunst Fischli / Weiss II werden? Die beiden haben es ja auch mit Figürli und 

Cervelats geschafft. Und mit Existenzialismus: Während sie in der Arbeit ‹Findet 

mich das Glück?› existenzielle Fragen wie eben die titelgebende Glücksfrage stellten, 

sammelt Augustin Rebetez seit 2016 unter seinen Freund:innen und Bekannten 

Ratschläge für ‹The Good Life›, für ein gutes Leben, und illustriert diese mit Kohlestift. 

Prints davon sind in Aarau um die verkohlten Kaktusse herum an die Wände 

gekleistert und auch im neu erschienenen, gleich betitelten Buch nachzulesen. Während 

aber bei Fischli / Weiss durchaus immer noch zeitgemässe Fragen stehen wie 

«Missbrauche ich meine Macht?», heisst es hier etwa «Order a new skin». Ist das eine 

Antwort auf die aktuelle Rassismus-Debatte? Oder «Lose your passport». Was, wenn 

ich gar keinen Pass haben kann? 

Hier geht der Rebetez-Style nach hinten los: Bei der Filmarbeit ‹Domino Dynamite› 

werden ein paar Menschen in einem Haus im Jura aktiv, ohne Rücksicht auf 

Verluste und die Umgebung, haben viel Spass, und lassen uns alle an diesem Spass 

teilhaben. Bei den Ratschlägen für ‹The Good Life› wollen sich ein paar Menschen mit 

lustigen und ironischen Ratschlägen gegenseitig überbieten – und es scheint ihnen 

dabei egal zu sein, dass einige Tipps nur aus einer privilegierten Position heraus Sinn 

ergeben. Sie lassen uns eben nicht alle an diesem Spass teilhaben. Punk kommt in 

diesem Fall auch von Privileg. 


27

Vitamin, 2023, Ausstellungsansicht Aargauer Kunsthaus, Aarau. Foto: Ullmann Photography 



29

Augustin Rebetez (*1986, Delémont) lebt in Mervelier 

2005–2009 École de photographie, Vevey 

Einzelausstellungen (Auswahl) 

2022 ‹Nature morte›, Théâtre de l’Orangerie, Genf 

2021 ‹Winter Birds›, Galerie Nicola von Senger, Zürich 

2019 ‹Estremecer Auroras›, Sesc Consolaçao, São Paulo 

2018 ‹Dream powder›, Station, Beirut; ‹Les catacombes de Mr. Skeleton›, Festival Images, Vevey 

(mit Martin Zimmermann) 

2016 ‹Musée Carton›, Rencontres d’Arles 

2011 Caravan, Aargauer Kunsthaus, Aarau 

Gruppenausstellungen (Auswahl) 

2022 ‹Le Parti pris des choses›, Centre photographique Rouen Normandie; ‹Mystères et frissons›, 

Musée jurassien des arts Moutier 

2021 ‹Metamorphosen – Heavy Metal in Art and Culture›, oxyd – Kunsträume, Winterthur 

2019 ‹End of Future›, SAPS Museum of Contemporary Art, Cuernavaca, Mexiko 

2018 ‹The Scrap›, Culture Station, Seoul 

2016 ‹Prière de Toucher›, Museum Tinguely, Basel 

2015 ‹Inhabitations›, Aargauer Kunsthaus, Aarau 

2014 ‹You Imagine What You Desire›, 19 th Biennale of Sydney; Lagos Photo Festival 

2010 ‹Lust und Laster›, Kunstmuseum Bern und Zentrum Paul Klee, Bern 

Foto: Ullmann Photography 


Selbstverständlich lässt sich das als Zynismus lesen, der im besten Fall aufrüttelt 

– und die Kohlezeichnungen stützen in vielen Blättern diese Lesart. Es ist aber 

eine Errungenschaft der diversen antidiskriminierenden Protestbewegungen unserer 

Zeit, dass uns allen bewusster wird: Wir müssen nicht mehr jeden Witz machen, 

nur damit eine In-Group das auch lustig finden kann. 

Das Internet malen 

Rebetez hat selbst mehr zu bieten als das: Im nächsten Raum der Ausstellung 

hängen und stehen Malereien, die der Künstler zusammen mit seiner Mutter, der 

Kunstmalerin Michèle Martin, realisiert. Was zunächst wie ein liebliches Figürlikabinett 

daherkommt, das immer wieder durch netzartige Verbindungen ineinander 

verwirkt ist, gewinnt durch die Bemerkung des Künstlers, dass die Malereien ihm 

helfen, das soziale Gefüge – und Social Networks – zu verstehen. Sogar das Internet, 

dieses grösste aller Monster, sei hier anhand der ungleich kleineren, untereinander 

verbundenen Mönsterli irgendwie vermalt. Das ist am Ende überraschender, feinfühliger 

– und wieder verbindender –, als spaltende Web-Hasstiraden teilweise zu 

reproduzieren. 

Panikschnitt in den übernächsten Raum: Während in den Arbeiten selbst vieles 

nicht funktioniert und laut zusammenkrachen darf, muss in dieser gigantischen Ausstellung 

grausam viel funktionieren. Etwa in der Arbeit ‹Throw Your Shadows› von 

2019, einer an sich ungemein «cuten», dreikanaligen Stop-Motion-Arbeit, die fast zertrümmert 

wird – und zwar nicht produktiv – von einem programmierten Strobo. Offenbar 

war Rebetez da das «panic editing» des Films nicht panisch genug. Oder im 

letzten, dunklen Raum der Ausstellung, wo Lichtkästen mit den charakteristischen 

Rebetez-Figürchen in einer braven, beschallten Choreografie nacheinander aufscheinen. 

Kommt Punk auch von Programmierwahn? 

Und ist Augustin Rebetez also der neue Fischli / Weiss? Er selbst sagt, er mache 

«fucking Swiss Tribal art». Punkt für den Punk. 

Daniel Morgenthaler, Kurator am Helmhaus in Zürich und freier Autor. dani_moergi@hotmail.com 

→ ‹Augustin Rebetez – Vitamin›, Aargauer Kunsthaus, Aarau, bis 29.5. 

↗ www.aargauerkunsthaus.ch 

→ ‹Augustin Rebetez – La vie moderne›, La Ferme des Tilleuls, Renens, bis 18.6. 

↗ www.fermedestilleuls.ch 


31

Ishita Chakraborty — Ein Vokabular 

des Anderen und Gemeinsamen 

Foto: Nathanael Gautschi 

Die junge indisch-schweizerische Künstlerin und Poetin Ishita 

Chakraborty hat zuletzt in der Jahresausstellung des Aargauer 

Kunsthaus mit einem kollaborativen Projekt auf sich aufmerksam 

gemacht. Jetzt bespielt sie den schaufensterartigen Ausstellungsraum 

Vitrine Gallery in Basel. In drei formal lyrischen 

Ar beitszyklen untersucht sie das Phänomen der Migration aus 

ver schiedenen Perspektiven. Damian Christinger 


Europa, seit 2019, Detail, Keramik, unglasiert gebrannt, Dimensionen variabel, Ausstellungsansicht 

Vitrine, Basel, 2023. Foto: Moritz Schermbach 

FOKUS // ISHITA CHAKRABORTY 

33

In Other Words, Ausstellungsansicht Vitrine, Basel, 2023. Foto: Moritz Schermbach 


Aus dem Boden des Galerieraums spriessen Pilze. Überhohe Glasscheiben schliessen 

sich als Vitrine um sie und grenzen sie vom umliegenden Raum, dem Bahnhof, der 

Tramstation, der Stadt ab. 

Nachdem Ishita Chakraborty 2018 aus Indien in die Schweiz gezogen war, verbrachte 

sie viel Zeit damit, Deutschkurse zu besuchen, wo sie andere Immigrant:innen 

und Flüchtende traf, ihre Geschichten hörte, ihre Ängste und Sorgen, Hoffnungen und 

Erwartungen. Ausgehend von dieser Erfahrung initiierte Chakraborty Workshops, bei 

denen sich Flüchtende, Migrant:innen und Einheimische treffen, um miteinander zu 

sprechen, Geschichten zu teilen und gemeinsam Pilzmodelle aus Keramik herzustellen. 

Aus diesem Prozess entstand die Arbeit ‹Europa›, eine Installation von über 2700 

Pilzen, hergestellt aus Tonarten in den verschiedensten Farben wie Schwarz, Braun, 

Weiss, Beige, Pink und Orange. Sie bevölkern nun dieses abgesteckte Stück Boden 

des Vogesenplatzes in Basel. 

Ein Vokabular des Verbundenseins 

Chakraborty, Künstlerin und Poetin, stellt sich den Menschen wie einen Pilz vor, 

unterirdisch verbunden mit seinesgleichen, einen gemeinsamen Organismus bildend. 

Sie verweist auf Konzepte, die sich in den 1990er-Jahren in der Soziologie etablierten. 

In der ersten Ausgabe von ‹Identities – Global Studies in Culture and Power›, 

1994, wies die Soziologin Nina Glick-Schiller darauf hin, dass sich Fragen der Identität 

und Kultur als zentral für «den gegenwärtigen historischen Moment» herauskristallisiert 

hätten. Sie meinte damit die Beziehung zwischen Rassen, Ethnien und 

Machthierarchien innerhalb nationaler und globaler Arenen und die gesellschaftlich 

prägenden Prozesse von kultureller Repräsentation, Beherrschung und Widerstand. 

29 Jahre später sind diese Fragen noch zentraler. Der parallele Trend zur Globalisierung, 

die Verlagerung der demografischen Möglichkeiten von den alten imperialen 

Peripherien zu den post-imperialen Metropolen bestimmt die Weltordnung seit 

dem Kalten Krieg. Neue technische Möglichkeiten haben unsere Vorstellung von Zeit 

und die Grenzen unseres Selbst verändert. In diesem Kontext hat Nina Glick-Schiller 

den soziologisch zentralen Begriff der «Transmigrant:innen» – im Unterschied zu 

Migrant:innen und Immigrant:innen – geprägt: Er beschreibt mobile Subjekte, die 

in der Verbindung ihrer Herkunfts- und Aufenthaltsgesellschaften vielfältige soziale 

Beziehungen schaffen. Das rhizomatische Geflecht der Pilze, das wir uns unter 

dem Vogesenplatz vorstellen, ist für Chakraborty das konstante Gespräch, das die 

Migrant:innen untereinander führen und gerne auch mit uns führen würden, wenn wir 

uns denn selbst als Teil dieser Konversation verstehen könnten. 

Wenn Europa demografisch eine Zukunft haben will, dann wird sie durch ein Netzwerk 

von Transmigrant:innen erschaffen werden. Die Geschichte verändert sich und 

folgt dennoch Mustern, so wie Pilze es auch jedes Jahr tun. So ähneln beispielsweise 

Briefzeugnisse von Schweizerinnen und Schweizern, die um 1900 ihr Glück in einer 

«Neuen Welt» suchten, in berührender Weise den Berichten von Geflüchteten, die 

Ishita Chakraborty heute in der Schweiz sammelt. Daraus entsteht seit 2017 eine 


35

Reihe von Texten auf weissem Papier – eingeritzt, nicht aufgeschrieben. Die zerkratzten 

Oberflächen erinnern an Wunden auf einer Haut oder an die Brailleschrift. Ausgangspunkt 

der Serie ‹Zwischen / Between› sind Tonaufnahmen der Stimmen derer, 

die Exil, Verlust und Gewalt erlebt haben. Chakraborty versteht Zuhören als Übung 

des Widerstands und als Werkzeug der Sichtbarmachung. Auf den ersten Blick kaum 

wahrnehmbar, müssen wir unsere Perspektive konstant ändern, um die Perforierungen 

auf dem Papier zu erfassen. Die Serie verbindet die Poetik und das mögliche Vokabular 

der Sprache mit der harschen Lebensrealität von Menschen auf der Flucht. 

Die Form dessen, was uns trennt 

Denn natürlich ist die postmigrantische Gesellschaft in Europa einerseits eine 

Realität, andererseits igelt sich der Kontinent systematisch ein, errichtet an seinen 

Grenzen Stacheldraht-bewehrte Zäune und zwingt die Flüchtenden auf die gefährlichen 

Routen übers Wasser. Das Mittelmeer ist zum Friedhof derer geworden, die wir 

auf dem Altar der vermeintlichen Stabilität opfern. Die Verletzungen des Papiers in 

‹Zwischen / Between›, die Spuren der Gewalt, die die Geschichten jener prägen, die es 

in die Schweiz schaffen, werden im übertragenen Sinn vom Stacheldraht der europäischen 

Aussengrenze verursacht. 

Aufgereiht an den Wänden der Vitrine Gallery findet sich eine weitere unglasierte 

Keramikserie mit dem Titel ‹Resistance›. Seit 2021 formt Chakraborty diese kleinen 

Nachbildungen von Stacheldraht aus Ton – ein Kommentar zur Brutalität des Menschen 

sich selbst gegenüber. Sie referiert auf die Grenzen, das Fernhalten von Unerwünschtem, 

vom Anderen, kulturell Fremden. Natürlich ist das hier verwendete Material 

gänzlich ungeeignet, um als Schutz vor dem «Eindringenden» zu funktionieren. 

Mit der Bewegung einer Hand können die Fragmente zerstört werden, das, was uns 

trennt, ist brüchig und fragil. 

Ishita Chakraborty (*1989, Westbengalen, IN) lebt in der Schweiz und in Indien 

2021 MFA, Kunst und Medien, Zürcher Hochschule der Künste 

2013 MFA, Kunst, Rabindra Bharati University, Kolkata 


2021 ‹The Songs of Resistance›, Keinraum, Luzern 

2020 ‹Lyrics of Loss and Longing›, Prameya Foundation, Neu-Delhi 

2019 ‹I Speak Your Language›, Kunstraum ZHdK, Toni-Areal, Zürich 

2017 ‹Zwischen›, Werkschau AIR Gästeatelier Krone, Forum Schlossplatz, Aarau 


2022 5 th International Biennale de Casablanca; ‹The Mouth is for Speaking›, We Are AIA, 

Löwenbräu, Zürich; ‹Gast Auswahl 22›, Aargauer Kunsthaus, Aarau 

2021 ‹Life Lines›, Johann Jacobs Museum, Zürich; ‹Auswahl 21›, Aargauer Kunsthaus, Aarau 

2017 50 th Annual Exhibition, Birla Academy of Art & Culture, Kolkata; ‹Art for Peace›, 

Kunsthaus Zofingen 

2014 ‹Gen Next›, Akriti Art Gallery, Neu-Dehli 


Zwischen / Between, seit 2017, fortlaufende Serie, geritztes Papier, je 21 x 29,7 cm. Foto: Moritz Schermbach 

Resistance, 2022, Serie, Keramik, unglasiert, Dimensionen variabel. Foto: Moritz Schermbach 


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Exotische Pflanzen im Garten – Was tun?, 2022, Detail, Wandmalerei, Sound, Holzskulpturen, 

Dimensionen variabel, Ausstellungsansicht Aargauer Kunsthaus, Aarau, 2022. Foto: Nathanael Gautschi 


Dies verdeutlichen zwei Aspekte, die in der öffentlichen Debatte zu Migration und 

Globalisierung in Europa kaum auftauchen: Demografie und Digitalisierung. Der Globale 

Norden wird immer älter, der Globale Süden ist von einer Jugend geprägt, die 

aufbrechen will, ähnlich der Situation im Europa des 19. Jahrhunderts. Der Glaube 

aber, dass die verschwindenden Jobs der Migration geschuldet seien und dass diese 

eine Bewegung des Südens gegen den Norden sei, verkürzt unsere Diskussionen zum 

Thema ins rein Nationalistische, Protektionistische: Wir igeln uns ein, anstatt uns zu 

öffnen. Die Globalisierung im Anthropozän wird mit hoher Wahrscheinlichkeit zu einem 

Bedeutungsverlust des Westens und des westlichen Denkens führen. Die demografische 

Entwicklung wird diesen Prozess beschleunigen, die Klimaveränderungen 

werden ganz neue Formen der Migration erzeugen, die Rolle des Individuums und der 

Wert der Arbeit werden sich im Fortgang der digitalen Revolution radikal verändern. 

Der Stacheldraht, der uns vor diesen Veränderungen schützen soll, so Chakraborty, 

ist das falsche Material. Transformation ist ein möglicher Schlüssel, Verletzlichkeit 

und Verletzbarkeit sind in ihrer Arbeit fragmentierte Gebilde, die sich mit den Pilzen 

am Boden materiell verbinden. 

Von Pflanzen und Menschen 

In ihrer Solopräsentation im Aargauer Kunsthaus für die ‹Auswahl 2022› schuf die 

Künstlerin eine kollaborativ erstellte, raumfüllende Wandarbeit mit dem Titel ‹Exotische 

Pflanzen im Garten – Was tun?›. Die Wandmalereien zeigten Pflanzen aus dem 

Globalen Süden, die längst in unseren Gärten heimisch sind. Das Vokabular, mit dem 

die sogenannten invasiven Arten beschrieben werden, ist zutiefst rassistisch, die Realität, 

aus der sie kommen, ist der globale Handel des Kolonialismus. Und dennoch 

käme es uns nicht in den Sinn, den Basilikum aus unseren Kräutergärten zu verbannen. 

Die Klimaerwärmung wird unsere Gärten und Wälder unwiderruflich verändern, 

Steineichen werden Buchen ersetzen, Basilikum wird besser gedeihen als Petersilie. 

Die Pflanzenvielfalt wird von diesen Prozessen nicht bedroht, sie verändert sich einfach. 

Eine Arbeit, die Chakraborty an der 8. Biennale Kulturort Weiertal in Winterthur 

später dieses Jahr zeigen wird, basiert auf einer Recherche, die sie in den Sundrbans, 

dem grössten Mangrovenwald der Erde, in Westbengalen, ihrem Herkunftsort, unternimmt. 

Sie spricht mit Bäuerinnen und Fischerinnen, die dort mit einfachen, aber 

wirkungsmächtigen Mitteln versuchen, das fragile Ökosystem zu schützen, um ein 

Auskommen zu generieren. Ihre ökofeministischen Projekte werden in Form von Tonaufnahmen, 

Gesprächen und Gesängen zu uns zu Besuch kommen. Ihr Wald-Garten 

ist auch der unsere, Chakraborty führt sie zusammen. 

Damian Christinger, freier Kurator und Publizist, lebt in Zürich. damian.christinger@gmail.com 

→ ‹Ishita Chakraborty – In Other Words›, Vitrine Gallery, Basel, bis 28.5. 

↗ www.vitrinegallery.com 

→ ‹Common Ground›, 8. Biennale Kulturort Weiertal, Winterthur, 21.5.–10.9. ↗ www.galerieweiertal.ch 

→ ‹Ishita Chakraborty›, Kulturfolger, Zürich, 3.–24.6. ↗ www.kulturfolger.ch 


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Simone Holliger — Die Realität 

plastisch erproben 

Venir en main, 2023, Papier, Kleber, Acrylfarbe, Holz, ortsspezifische Installation, Ausstellungs ansicht 

Kunsthaus Baselland. Foto: Gina Folly 


FOKUS // SIMONE HOLLIGER 

41

Sie spricht nicht, 2021, Papier, Kleber, Farbe, Gips, Bauschaum, 300 x 1400 x 220 cm, Ausstellungsansicht 

La Ferme de la Chapelle, Lancy. Foto: Nicolas Delaroche Studio 



43

Die Künstlerin in ihrem Atelier in Basel, 2022. Foto: Anne Gabriel-Jüngens 


Raumgreifend und präsent sind Simone Holligers Werke, mal 

von wuchtiger Geschlossenheit, mal von entwaffnender Fragilität. 

Skulptural erforscht die Künstlerin die Wandelbarkeit von 

Papier und das Verhältnis von Raum, Körper und Plastik. Diesem 

Ansatz treu und doch in bisher unbekannter Form präsentiert 

sich ihr neuestes Werk im Kunsthaus Baselland. Rani Magnani 

Ein letztes Mal vor dem grossen Umzug des Kunsthaus Baselland lud Direktorin Ines 

Goldbach eine junge, künstlerische Position dazu ein, den rund 40 Meter langen Seitentrakt 

des Gebäudes zu bespielen. Dass ihre Wahl auf Simone Holliger fiel, kommt 

nicht von ungefähr. Bereits 2019 überzeugte die mehrfache Preisträgerin hier im Rahmen 

der Regionale mit einer für ihr Schaffen typischen grossformatigen Raumplastik. 

Mit ihrer aktuellen Arbeit ‹venir en main› beschreitet Holliger nun eine neue Dimension. 

Mit grossen, rot eingefärbten und mit Heissleim zusammengefügten Papierbahnen 

greift sie direkt in das Raumgefüge ein, bricht es dynamisch auf und 

schafft anhand einer ausladenden Deckenplastik eine Atmosphäre von in sich gekehrter 

Intimität. Körperassoziationen, die der Farbton und das warme, unregelmässig 

durchschimmernde Licht evozieren, sind durchaus gewollt. Die Vorstellung, 

so Holliger, «sich in einer Struktur, vielleicht in einem Seitenarm einer Skulptur zu 

befinden, stülpt das Skulpturale gewissermassen um». Ein Wechselbezug von innen 

und aussen, der sich in der Architektur des Ortes widerspiegelt. Denn die in das Werk 

teilweise integrierte Fensterfront des schlauchartigen Raums bietet nicht nur Ausblick, 

sondern auch die Arbeit selbst erfährt durch sich ändernde Tageszeiten und 

Lichteinflüsse unterschiedliche Stadien. «Momente der Transparenz», so die Künstlerin 

weiter, «sowohl im Innen- als auch im Aussenraum.» 

Dieser Bezug über die Raumgrenzen hinweg setzt sich auch an der Stirnfassade 

des Gebäudetrakts fort, wo Simone Holliger mit der von ihr gestalteten Plane als ‹Jahresaussenprojekt› 

2023 dem Kunsthaus Baselland sein diesjähriges Antlitz verleiht. 

Räumliche Übersetzungen 

Haben in letzter Zeit auch vereinzelt Materialien wie Styropor oder Metall Eingang 

in Simone Holligers Repertoire gefunden, so ist es vor allem ihr nuancierter Umgang 

mit Papier, der ihr künstlerisches Schaffen bis heute auszeichnet. Seit Jahren erforscht 

sie die Möglichkeiten und Grenzen des Werkstoffes und verleiht ihm anhand 

unterschiedlicher Farbschichten Ausdruck von granitgleicher Massivität, metallener 

Kälte, keramischer Zerbrechlichkeit oder gummiartiger Geschmeidigkeit. Die Farbpalette 

und Eigenschaften, die die Werke ausstrahlen sollen, lotet die Künstlerin im 

Arbeitsprozess aus. Ihre freistehenden Skulpturen etwa überträgt Holliger entweder 

direkt im Ausstellungskontext oder als Fragmente in ihrem Basler Atelier von zuvor 

angefertigten Skizzen ins Dreidimensionale. Erst in dieser Übersetzung, wenn die auf 

dem Boden gefalteten und geklebten Papierelemente in den Raum ragen, offenbart 


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User ma salive, 2022, Styropor, Kleber, Acrylfarbe, Pigmente, 410 x 200 x 180 cm, Ausstellungsansicht 

Musée des beaux-arts, La Chaux-de-Fonds. Foto: Guadalupe Ruiz 



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sich, ob die Skulptur «funktioniert». Hier beginnt der intuitive Schöpfungsakt. «Ab 

hier weiche ich vom Ursprung ab, schneide Teile weg oder montiere andere wiederum 

verkehrt herum drauf», erklärt die Künstlerin. 

Sich in Bezug setzen 

«Die Magie», fährt Holliger fort, «geschieht jedoch im Ausstellungsraum selbst.» 

Ihn unmittelbar in den Schaffensakt einzubeziehen ist ein Erproben der Realität. Fragen 

nach Volumen, Fülle und Leere, aber auch die Relation zu bereits Vorhandenem, zu 

anderen Werken und Körpern im Raum, bleiben zentral. Sich auf das Material und die 

Form einzulassen, permanent darauf zu reagieren und zu spüren, was benötigt wird, 

um Stabilität zu erzeugen, ebenso. Nicht selten entfacht sich ein Dialog auf der Gratwanderung 

zwischen Lenken, Sich-Bemächtigen sowie Hingabe und Kontrollverlust. 

Ein Austesten von Grenzen zeigt sich ebenfalls in der Grösse von Holligers Plastiken. 

Wie weit kann die Künstlerin bauen, ohne dass die Skulptur an Stabilität verliert? 

Wie können die durch Atelier und Ausstellungsraum vorhandenen Begrenzungen 

gesprengt werden? «Mich zieht das Überdimensionale an», gibt Holliger zu und 

erläutert: «Es geht nicht nur um das Objekt im Raum, sondern um das Objekt im Leerraum, 

sprich darum, einen Freiraum zu schaffen. Ich fühle mich davon angezogen, etwas 

gegenüberstehen zu haben, was mit meiner Grösse interagiert, zu dem ich mich 

selbst in Bezug setzen kann.» 

Ferner werden in ihren jüngeren Plastiken eindeutige Körperbezüge erkennbar. 

Beispielsweise bei dem Werk ‹user ma salive› von 2022. Bereits der etwas nonchalante 

Titel, der sich in etwa als «meine Spucke benutzen» übersetzen lässt, deutet 

auf eine Dimension von Körperlichkeit und Beziehung hin. Die zwei über vier Meter 

Simone Holliger (*1986, Aarau) lebt in Basel 

2008–2011 Bachelor in Visual Art, HEAD Genève und HSLU Luzern 

2011–2014 Master in Visual Art, HEAD Genève 


2022 ‹User ma salive›, Musée des beaux-arts, La Chaux-de-Fonds 

2021 ‹Sie spricht nicht›, La Ferme de la Chapelle, Lancy 

2020 ‹Struggling Structures›, Kunstraum Riehen 

2019 ‹Unglaubliche Ritournelle›, oxyd – Kunsträume, Winterthur 

2018 ‹Echo›, Body and Soul, Genf 

2017 ‹Travelling Light›, Salle Crosnier, Palais de l’Athénée, Genf 


2022 ‹Carta›, La BF15 – Espace d’art contemporain, Lyon 

2021 ‹Schwarzes Licht›, Kunstmuseum Solothurn 

2020 ‹La ligne fine›, Kunst Halle Sankt Gallen, St. Gallen 

2019 ‹Morpho Promenade›, Espace Libre, Biel 

2018 ‹Gast Auswahl 18›, Aargauer Kunsthaus, Aarau 

2017 ‹Tangenten›, Alpineum, Luzern 


hohen Formen symbolisieren ein Konzept von Paarbeziehung, von Teilen. Ähnlich 

verhält es sich mit der Kunst am Bau, die Holliger 2022 im Auftrag des Schweizer 

Bundesamts für Kultur BAK als Geschenk für die Weltgesundheitsorganisation WHO 

in Genf geschaffen hat: «‹Früchte tragen›» ist «ein Manifest», liest man auf der Webseite 

des BAK, «für die Verwandtschaft und die Verbundenheit zwischen Individuen 

und die enge Verknüpfung der Menschen mit den Elementen der Natur.» 

Formale Bezüge und Inspirationsquellen findet Simone Holliger in der Kunstgeschichte. 

Insbesondere Formen der Avantgarde des 20. Jahrhunderts zeigen sich in 

ihrer eigenen künstlerischen Sprache. In einem gedanklichen Collage-Akt sammelt 

sie Fragmente aus Malerei und Bildhauerei, die sie berühren und anziehen, und lässt 

sie modifiziert in ihre Skizzen als Ausgangslage der Skulpturen einfliessen. Zugleich 

spielt die Materialität ihrer Plastiken mit dem Erbe eben dieses modernistischen, 

stark männlich geprägten Formenvokabulars. «Ich als weibliche, zeitgenössische 

Künstlerin», führt sie in unserem Gespräch aus, «versuche es neu zu inszenieren und 

auf spielerische Art neu zu interpretieren.» Dass sie auf Papier als Gegenpart zu Gips 

oder gar Bronze als formendes Mittel zurückgreift, ist dabei massgebend. 

Metamorphosen und Transformation 

Letztendlich unterliegen Simone Holligers Werke dem universalen Kreislauf von 

Schöpfung und Vergänglichkeit. Das Ephemere nimmt im Œuvre der Künstlerin eine 

signifikante Rolle ein. «Für mich liegt darin eine entscheidende Kraft», reflektiert 

Holliger und ergänzt: «Es ist ein Moment, und das Werk besteht genau in diesem 

Raum zu genau diesem Zeitpunkt für diese Periode, danach verschwindet es wieder 

beziehungsweise bleibt dokumentiert in Form von Ausstellungsbildern.» 

Neben ihren frühen kleineren Arbeiten und gänzlich ephemeren Rauminterventionen 

kategorisiert Holliger ihre Plastiken als «halb-ephemer». Ihrer Dimension geschuldet, 

werden viele der Objekte in Einzelteilen gelagert. Die Fragmente alter Werke 

dienen wiederum als Rohmaterial neuer Arbeiten. Da selbst ein Fragment stark in sich 

trage, was es einmal war, sei es nicht einfach, diesem eine komplett neue Rolle zu verleihen, 

betont die Künstlerin. «Doch ich mag den Gedanken des Zerlegens und dass 

daraus wieder etwas Neues entstehen kann. Es ist ein Prozess der Metamorphose.» 

Zuletzt zeichnet sich ein solcher Prozess auch in ihrem Schaffen selbst ab, wenn 

sie verrät: «Nun habe ich das Gefühl, es kommt ein Moment, an dem die Transformation 

sehr wichtig wird.» Trotz der Bedeutung «ihres» Materials sieht Holliger sich 

nicht ihr Leben lang als «Papierkünstlerin» und spürt das Bedürfnis, neue Türen zu 

öffnen. In der Ausstellung in Muttenz erhält man bereits eine Kostprobe davon, wie 

Simone Holliger gekonnt und mit Leichtigkeit die ihren Arbeiten innewohnende Qualität 

weiterzuentwickeln vermag. 

Rani Magnani, freischaffende Kunstpublizistin, lebt in der Region Basel. rani-magnani@outlook.com 

→ ‹Simone Holliger – venir en main›, Kunsthaus Baselland, Basel / Muttenz, bis 9.7.; ‹Jahresaussenprojekt› 

der Künstlerin bis 31.12. ↗ www.kunsthausbaselland.ch 


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Oscar Tuazon — Skulpturen, die 

Raum geben 

Foto: Gertraud Presenhuber, Wien 

Der Ausstellungstitel ‹Building› hat programmatischen Charakter: 

Oscar Tuazon schaut im Kunst Museum Winterthur zurück 

auf seine architektonischen Skulpturen der letzten zwanzig 

Jahre und zeigt, wohin er sich bewegt: zu seinen Anfängen, dem 

Wasser und der Sprache. Im Haus als lebendige Skulptur führen 

alle Wege zusammen. Meret Arnold 


Dad, 2010, Holz, Schrauben, 430 x 930 x 550 cm, Ausstellungsansicht Kunst Museum Winterthur, 2023. 

Foto: Reto Kaufmann 

FOKUS // OSCAR TUAZON 

51

Building, 2023, Holz; Dark Matter, 2021 (innen), Beton, Stahl; diverse Glasmalereien, Ausstellungsansicht 

Kunst Museum Winterthur, 2023. Foto: Reto Kaufmann 



53

Los Angeles Water School, 2023 (oben); Liquid Words, 2023 (unten); Courtesy Standard (Oslo) und 

Galerie Chantal Crousel, Paris, Ausstellungsansichten Bergen Kunsthall, 2023. Fotos: Thor Brødreskift 


Die Lesekabine hat Platz für eine Person – für dich. Rebellisch und magisch silbrigblau 

sitzt die ‹Reading Booth›, 2016, oben am Treppenaufgang zu den Galerien. Ein 

kleines, benutzbares Denkmal fürs Lesen, die Gedanken, die Sprache. Auf dem Teppich 

vor Monets Seerosen im Sammlungstrakt dann das zweite Pièce de Résistance: 

Ein verwitterter Holzmast auf einem Betonsockel ragt bis ins weisse Oblicht des 

Raums. Die Skulptur als widerständiges Element, das Fragen aufwirft. 

Nach diesem Vorspann treten wir ein in Oscar Tuazons Ausstellung im Erweiterungsbau 

des Kunst Museum Winterthur. Das Licht fällt weich durch die Sheddächer 

und umgarnt die teils grossen architektonischen Skulpturen aus Holz, Stahl, Aluminium 

und Glas. Der Kontext der industriell angehauchten Architektur und der Museumssammlung 

lässt an die Minimal Art denken. Der Künstler verwehrt sich dem nicht, 

doch sieht er die Minimal Art äusserst kritisch: Sie nehme dem Raum die Luft zum 

Atmen und lasse nichts Weiteres zu. Er hingegen will den Raum öffnen: «Ich schaffe 

Räume für Menschen. Ich mache Platz, damit etwas anderes passieren kann.» 

Skulptur als Plattform 

Der 1975 bei Seattle geborene Künstler, der heute in Los Angeles lebt, ist ein zurückhaltender 

Mensch, reflektiert und differenziert. Manifeste oder apodiktische 

Statements liegen ihm fern. Viele seiner Skulpturen sind sehr gastfreundlich, bewegen 

sich im Grenzbereich zur Architektur und laden uns ein, sie zu betreten, uns 

darin aufzuhalten. So zum Beispiel ‹Dad›, 2010: Holzbalken fügen sich zu grossen 

Rahmen, die sich ineinander verschachteln und verdrehen. Daran befestigt leuchtet 

eine Lampe als Referenz an den Innenraum. Wie entstand diese Skulptur? Es scheint 

weder Anfang noch Ende zu geben in diesem so verspielten wie prekären Gebilde. Wir 

steigen irgendwo ein, fahren mit unseren Augen über die Balken, als wären es Zeilen, 

setzen uns auf die Schwelle und lauschen – einer Geschichte? 

Die intime und zugleich offene Struktur erinnert an Orte des Treffens und des Austauschs, 

die im Grunde aus der Sprache entstehen. In dieser Hinsicht knüpft ‹Dad› an 

Werke an, die Oscar Tuazon im urbanen, öffentlichen Raum geschaffen hat. Bekannt 

ist ‹Burn the Formwork›, eine Feuerstelle, die er 2017 für die Skulptur Projekte Münster 

am Rand der Stadt realisierte. Die beheizbare Skulptur aus Beton erinnert an eine 

Art urbanen «Kachelofen» mit verschiedenen Sitznischen. Sie wurde nach der Fertigstellung 

sogleich in Beschlag genommen: Das Werk gab seinen Status als Kunstobjekt 

und seine Urheberschaft ab. 2011 entstanden in den Giardini der Biennale von 

Venedig Pavillons, die zugleich als Bühne funktionierten. Ihre rissige Betonstruktur 

schien fragil und stark zugleich. Darin widerspiegelte sich die Vergänglichkeit dieser 

sozialen und sprachlichen Dimension, aber auch ihre Unabhängigkeit: Die Werke 

können an jedem Ort neu entstehen. 

Die von Lynn Kost kuratierte Ausstellung in Winterthur ist in Zusammenarbeit mit 

der Bergen Kunsthall und der Kunsthalle Bielefeld entstanden. Für Winterthur hat 

Oscar Tuazon erstmals ein «Haus» geschaffen. Das ‹Building› ist ein 1:2-Modell des 

Hauses, das seine Familie vor ungefähr zehn Jahren am Hoh River an der Pazifik- 


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küste des Staates Washington kaufte und seither renoviert und bewohnbar macht. 

Es besteht aus einem hölzernen Skelett, einem Cheminée (‹Dark Matter›, 2021) und 

verschiedenen Fensterbildern aus farbigen Glasmalereien. Es ist das Herz der Ausstellung. 

Hier finden Veranstaltungen statt. Unter anderem nutzen Architekturstudierende 

die Skulptur als Diskussions- und Studienraum. Am Künstlergespräch sassen 

die Besucher:innen auf Stühlen in und über die Grenzen der Struktur hinaus, als 

existierten diese nicht, und demonstrierten damit zugleich die Durchlässigkeit dieser 

Architektur. Sie ist nicht etwas, das uns umgibt, sondern etwas, das wir nutzen. «Für 

mich ist das Format der Skulptur eine Art Plattform, auf der andere Dinge passieren 

können», sagt Oscar Tuazon, «eine Struktur, die weitere Aktivitäten ermöglicht.» 

Ein Haus in Bewegung 

Das ‹Building›, erzählt der Künstler, sei eigentlich ein Readymade, verwurzelt in 

der indigenen Architektur der Küsten-Salish des pazifischen Nordwestens. Tuazon, 

der auf Land der Suquamish aufwuchs, erlebte in seiner Kindheit mit, wie die Stämme 

versuchten, durch mündliche Überlieferungen an ihre durch den Kolonialismus 

zerstörte Kultur anzuknüpfen. Dabei entdeckte er das sogenannte Langhaus, das 

seine Vorstellung von skulpturaler Architektur entscheidend prägte. Es vereint die 

Idee von einem Haus in Bewegung, von Gemeinschaft und Sprache. Seine Pfeiler und 

Balken sind fix, während die Wände mobil sind. Sie gehören verschiedenen Familien, 

die sie abmontieren und mitnehmen, wenn sie vom Sommer- ins Winterhaus 

wechseln. Eine wichtige Funktion haben die geschnitzten Hauspfosten: ein architektonisches 

Element, wie der Künstler betont, das sowohl tektonische wie skulpturale 

und literarische Bedeutung hat. Aktuell realisiert Tuazon gemeinsam mit indigenen 

Kunstschaffenden eine Skulptur in Anlehnung an das Langhaus an der Uferzone von 

Seattle. 

Water School 

Das Werk, mit dem Oscar Tuazons Reise zu seinen eigenen Ursprüngen begann, war 

indes die ‹Water School›, die sich seit 2016/17 zu einem Projekt mit offenem Ende entwickelt. 

Die Initialzündung erlebte der Künstler, als er sich den Wasserschützer:innen 

im Camp von Standing Rock in North Dakota anschloss, die unter dem Slogan «Mni 

Wiconi / Water is Life Movement» gegen den geplanten Bau der Dakota Access Pipeline 

protestierten. Es war eine der grössten Umwelt- und Emanzipationsbewegungen 

der Native Americans. Zeitweise waren bis zu 10’000 Menschen vor Ort. Es bildete 

sich eine bunte Stadt aus allen möglichen selbst errichteten Bauten. «Ich hatte das 

Gefühl, nach Hause zu kommen», sagt Tuazon. Hier manifestierten sich zentrale Bestrebungen 

seiner Kunst: das Do-it-yourself, die Skulptur als funktionales Objekt, als 

widerständige und fragile Konstruktion, als gemeinschaftsbildende Struktur und vor 

allem als nie vollendeter Prozess. 

Oscar Tuazon beschreibt das Camp als «pädagogische Erfahrung» in Bezug auf 

die Kunst, aber auch auf das Wasser als verbindendes Element. Der Künstler ent- 


Oscar Tuazon (*1975, Seattle, US) lebt in Los Angeles 

1995–1999 Cooper Union for Advancement of Science and Art, New York 

2001–2003 Whitney Museum of American Art Independent Study Program, Studio Program, New York 


2023 ‹Water School›, Kunsthalle Bergen; ‹What We Need›, Kunsthalle Bielefeld 

2020 ‹Fire Worship›, Aspen Art Museum 

2019 ‹Collaborator›, Bellevue Arts Museum 

2017 ‹Une colonne d’eau›, FIAC Hors les Murs, Place Vendôme, Paris 

2016 ‹Un Pont›, Nouveaux Commanditaires – Fondation de France, Belfort 

2014 ‹Alone in an empty room›, Ludwig Museum Köln 

2010 ‹Oscar Tuazon›, Kunsthalle Bern 


2021 ‹Though it’s dark, still I sing›, 34. Biennale von São Paulo 

2019 ‹… and other such stories›, Architekturbiennale Chicago 

2018 ‹Sculpture Garden Biennale›, Parc des Eaux-Vives, Genf; ‹The Artist is Present›, Yuz Museum, 

Shanghai 

2017 Skulptur Projekte Münster 

2011 54. Biennale Venedig 

Ohne Titel, 2011, 2 Pavillons, Beton, Metallarmierung, Beleuchtung, 400 x 630 x 537 cm, Ausstellungsansicht 

54. Biennale Venedig, 2011, Courtesy Galerie Eva Presenhuber 


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It’s Beyond Me, 2014, Stahl, Rigipsplatte, Holz, Glas, Lampe, Farbe, 264 x 428 x 481 cm; 

Building, 2023 (hinten), Ausstellungsansicht Kunst Museum Winterthur, 2023. Foto: Reto Kaufmann 


wickelte daraufhin eine nomadische architektonische Struktur, die seither von Ort 

zu Ort reist, um über das Wasser zu lehren und Menschen mit ihren Umgebungen zu 

verbinden: Los Angeles, Great Lakes District, Minnesota, Nevada. Gegenwärtig ist die 

‹Water School› in der Bergen Kunsthall zu Gast, wo sich kleine Pavillons durch alle 

Ausstellungsräume ziehen. Sie enthalten Bücher, eine Brunnenskulptur mit Baumstamm, 

der durchs Dach wächst, oder sie sind bis auf Fensterbilder wie diejenigen in 

Winterthur leer beziehungsweise offen fürs Gespräch. 

Das Haus als ultimative Skulptur 

Die architektonische Struktur der ‹Water School› übernahm Oscar Tuazon von 

‹Zome Alloy›, einem Werk, das er 2016 auf dem Messeplatz der Art Basel errichtete. 

Es basiert auf dem ‹Zome Home›, einem passiv solarbetriebenen Haus von Steve 

und Holly Baer aus den 1960er-Jahren. Das Architektenpaar erfand unter anderem 

eine gläserne «Wassertankwand», die sich tagsüber erhitzte und nachts die Wärme 

ins Innere abgab. In der Ausstellung in Winterthur erinnert die Arbeit ‹Substitute› 

von 2013 an dieses System. Hier hat der Künstler aus einem Fass Styrofoam in den 

Zwischenraum einer Fensterscheibe gepumpt und so eine malerische Komponente 

eingeführt. Diese unsichtbaren und unbewohnbaren Hohlräume der Scheiben oder 

Wände wurden für Oscar Tuazon zu Räumen der Reflexion. Indem er sie zeigt, «ausmalt» 

oder markiert, wirkt er dem Illusionismus der Architektur entgegen und macht 

sie zur Skulptur. Das wird insbesondere auch in der Arbeit ‹It’s beyond me› von 2014 

deutlich, die in Winterthur zu sehen ist: ein Fragment eines Hauses, das der Künstler 

gekippt hat und damit seine Zwischenräume und Rückseiten nach aussen dreht. 

Oscar Tuazon selbst wurde in einem Stück utopischer Architektur geboren, einem 

hölzernen Dome-Gebäude, das seine Eltern mitten im Wald gebaut hatten – und wieder 

aufgaben, da es nicht funktionierte. Im Kabinett der Ausstellung ist eine Fotografie 

davon zu sehen. Nun fragt er im wirklichen ‹Building› nach der Bedeutung von öffentlich 

und privat und danach, wie wir leben wollen. Architekt wollte er nie werden. 

Er wolle Probleme erschaffen, Objekte, die lebendig, instabil, unbeherrschbar sind. 

Aber ein Haus zu bauen, das wäre die ultimative Skulptur. 

Die Zitate stammen von den Künstlergesprächen im Kunst Museum Winterthur am 5.2. und der Bergen 

Kunsthall am 28.1. sowie der Unterhaltung ‹Lernen, Bauen, Denken› aus dem Ausstellungskatalog. 

Meret Arnold, freie Autorin und Redaktorin beim Kunstbulletin. arnold@kunstbulletin.ch 

→ ‹Oscar Tuazon – Building›, Kunst Museum Winterthur | Beim Stadthaus, bis 30.4. ↗ www.kmw.ch 

→ ‹Oscar Tuazon – Water School›, Bergen Kunsthall, bis 9.4. ↗ www.kunsthall.no 

→ ‹Oscar Tuazon – All We Need›, Kunsthalle Bielefeld, 19.8.– 9.4. ↗ www.kunsthalle-bielefeld.de 


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Chrysalide — Réinvention de soi 

et d’autrui 

Monster Chetwynd · Peanut, 2018, papier, carton, peinture, plastique, colle, tissu, latex, mousse, bois, 

280 x 206 cm, courtoisie de Sadie Coles HQ, London. Photo : Julia Bauer 


Avec ‹Chrysalide – le rêve du papillon› au Centre d’art contemporain 

Genève, Andrea Bellini rassemble deux cents œuvres 

parmi lesquelles certaines sont issues de la Collection de l’Art 

Brut à Lausanne. Elles racontent, chacune à leur manière, la 

force positive de la transformation et la plénitude qu’apporte la 

liberté d’être soi. Nicolas Garait-Leavenworth 

Prenons par la fin : dans le Cinéma Dynamo situé au dernier étage du Centre d’art 

Genève, un programme vidéo de près de quatre heures raconte en substance toute 

l’exposition ‹Chrysalide – le rêve du papillon› à partir des vies insensées qui font sa 

force et l’accompagnent, la récapitulent et l’enrichissent tout du long. Avec son film 

fondateur ‹The King›, 1972, Eleanor Antin se grime en différentes figures qui confrontent 

le genre, l’ethnicité ou l’époque. Jouant de l’identité comme d’un champ 

des possibles, l’artiste semble ainsi faire écho aux œuvres récentes de Juliet Jacques, 

notamment ‹Approch / Withdraw›, 2016, qui superpose une voix off racontant sa 

transition de genre à des plans fixes qui montrent, comme filmés à la pellicule, une 

succession d’éléments médicaux – plaquettes de médicaments et boîtes de Petri. 

Même urgence d’un témoignage filmé au plus près des corps, celui de Marie Losier 

qui, dans ‹The Ballad of Genesis and Lady Jane›, 2011, a suivi pendant huit ans le processus 

de fusion absolue entre Lady Jay et Genesis P-Orridge, deux figures phares de 

l’exposition qu’on retrouve tout au long du parcours. Enfin, dans son documentaire 

‹Sick – The Life and Death of Bob Flanagan›, 1997, Kirby Dick raconte les dernières 

années de l’artiste et performer Bob Flanagan. Atteint de la mucoviscidose, celui-ci 

parviendra à remplacer le supplice permanent de la maladie par celui de la douleur 

physique, repoussant ainsi les limites de l’amour et de la sexualité (sa femme Sheree 

Rose était aussi sa dominatrice) comme celles de l’art et d’une maladie qui ne lui 

laisse aucun répit. Si le côté BDSM assumé du film est parfois insoutenable, il est 

aussi d’une grande drôlerie et alterne performances ironiques et confidences plus 

intimes pour s’achever dans l’émotion tremblante d’un Flanagan qui, dans un dernier 

râle, finit par lâcher prise, confiant d’avoir su lutter jusqu’à l’excès contre les faiblesses 

intrinsèques de son propre corps. 

Mutation permanente 

Si ce souffle de vie et de mort vient achever l’exposition avec Lynn Hershman Leeson, 

pionnière américaine des liens entre technologie et identité qui montre ici sa 

‹Breathing Machine IV›, 1968, modeste console renfermant ce qui se révèle être un 

moulage en cire quasi-mortuaire du visage de l’artiste parsemé de quelques papillons 

et duquel sort son souffle à peine audible, enregistré alors qu’elle se trouvait 

sous une tente à oxygène à la suite de complications obstétriques, ‹Chrysalide› aura 

d’abord été l’occasion d’égrener quelques-unes des problématiques liées aux métamorphoses 

du corps et de l’esprit. Une série de photographies signées Fergus Greer 

FOKUS // CHRYSALIDE 

61

et consacrées à l’égérie des soirées londoniennes Leigh Bowery (1961–1994) raconte 

ainsi ces tenues bricolées et extravagantes pour une semaine ou pour une nuit, qui 

contraignaient parfois le corps du performer jusqu’à l’extrême et y ajoutaient de majestueuses 

prothèses comme autant d’attitudes bravaches face au conservatisme 

ambiant des années 1990 en Grande-Bretagne. Même chose avec le regard de défi 

que semble lancer, dans son film ‹The Power of Those Who Pray›, 2021, Ventura Profana, 

accroupie telle un sphynx tandis qu’on lui tatoue sur les fesses le mot « family », 

cette famille que l’artiste d’origine brésilienne a dû se reconstruire et s’inventer dans 

un Brésil en proie au bolsonarisme – ou comment, de nouveau, la douleur d’être soi 

se transforme en capacité d’action. 

Lorsque Sin Wai Kin dépose sur des carrés de mouchoir en papier, façon Saint 

Suaire de Turin, le maquillage de ses performances scéniques, c’est dans l’écartèlement 

des traits fragiles de son visage que l’on peut lire le cheminement sans fin qui 

mène à soi. Et tandis qu’Anika Yi reconstruit à partir d’algues marines les célèbres 

lampes boules de Noguchi ici équipées de petits insectes robots préprogrammés qui 

volent en rond autour des sources lumineuses, Jenna Sutela fait frémir dans une colonne 

transparente une sorte de lait humain synthétique grâce à des tire-laits qui 

semblent diffuser un chant surnaturel et grinçant. Altière et mystérieuse, l’œuvre 

est flanquée de deux impressionnantes peintures de Sergio Sarri des années 1970, 

sortes de « tables d’analyse et de corrélations » qui racontent la relation entre l’humain 

et les instruments orthopédiques et biomécaniques susceptibles de l’arranger, 

de le détruire ou de le reconstruire. Quand, enfin, l’artiste norvégienne d’origine ni- 

Ventura Profana · The Power of Those Who Pray, 2021, still de HD video, 2’55’’, vue de l’exposition, 

Centre d’Art Contemporain Genève, 2023. Photo : Mathilda Olmi 


gériane Frida Orupabo coupe encore et encore une imagerie familiale, artistique, médicale, 

scientifique ou ethnographique, c’est pour mieux souligner la représentation 

brutale des corps noirs à travers l’histoire avec des collages à la fois immenses et 

fragiles qui révèlent l’objectivation du regard tout en proposant de nouveaux modes 

de vie, de vision et d’action. 

Penser la liberté 

Retour au début de l’exposition, où, entre deux autoportraits de Kaari Upson, on 

retrouve Genesis P-Orridge, cette fois avec une fragile sculpture de papier représentant 

deux canards qui semblent s’être amalgamés l’un dans l’autre et sont tamponnés 

du mot « Pandroginy », cette fusion de deux êtres en un(e) seul(e) inventée par 

et pour l’artiste. De l’hybridation au glissement des genres et des couleurs de peau, 

des appartenances assignées à celles qu’on revendique, de la naissance à la mort, le 

motif du recouvrement revient constamment : spectaculaire chez Monster Chedwyn, 

qui affuble d’un immense insecte ayant préalablement servi dans une performance 

théâtrale la reproduction photocopiée de ‹L’offrande à la villageoise› du très rococo 

François Boucher, ou ambiguë chez Rachel Rose, dont la série des ‹Colore›, 2022, 

montre des vues champêtres peu à peu rongées par une matière picturale acide et 

irisée qui fait écho à l’hybridation de la roche et du verre présentés sur socle dans sa 

série ‹Born›, 2019. Et si Pierre Molinier se met en scène en jouant de la gémellité érotique 

de son propre reflet apprêté dans des images léchées au noir et blanc fabuleux, 

Marcel Bascoulard, lui, s’affirme dans une identité choisie avec une pratique photographique 

autodidacte et excentrique qui le montre portant les vêtements féminins 

qu’il a dessinés lui-même et fait confectionner dans une province française corsetée 

de préjugés de l’après-guerre jusqu’en 1978, année de son assassinat. 

Dans son essai ‹De la liberté›, 2022, l’autrice et poétesse Maggie Nelson rappelle 

en quatre chants consacrés à l’art, au sexe, à la drogue et au climat les fondamentaux 

de ce que signifie être libre : une liberté qui n’a de comptes à rendre à personne. 

En proposant de créer des liens et des images rémanentes entre les espaces et les 

œuvres, ‹Chrysalide› parle de cette liberté d’être soi et de cette autorisation – nécessaire 

ou volontaire, mais toujours évidente et assumée – qu’on se donne de passer 

par la transformation pour pouvoir vivre pleinement sa vie, et rend ainsi hommage 

à toutes celles et ceux qui doivent chaque jour paver le chemin de l’émancipation. 

Car comme l’écrit Paul B. Preciado dans ‹Un appartement sur Uranus›, 2019, « Nous 

sommes tous en mutation mais nous ne sommes que quelques-uns (ceux qui ont été 

marqués en tant que monstres, ceux dont la subjectivité propre et les corps ont été 

publiquement signalés comme camps d’expérimentation et preuves matérielles de 

la mutation) à nous en rendre compte ». 

Nicolas Garait-Leavenworth, artiste, traducteur, critique d’art, vit non loin de Genève, ncls@nclsgrt.net 

→ ‹Chrysalide – le rêve du papillon›, Centre d’Art Contemporain Genève, jusqu’au 4.6. ; catalogue en 

français et anglais, à paraître au printemps 2023 chez Lenz 

↗ www.centre.ch 

FOKUS // CHRYSALIDE 

63

Caterina De Nicola — Riflusso 

riflesso 

To Become a Butterfly of the Capitalist Extracting Surplus-value (E), 2023, logo rivisitato di 

Ernst & Young in legno, metallo, MDF, vernice. Photo: Giulio Boem 


L’Istituto Svizzero di Milano presenta ‹Reek of past pitfalls› mostra 

personale dell’artista Caterina De Nicola. Un’esposizione 

che evoca i fantasmi di un passato che puzza di trappola, come i 

detriti che il mare deposita sulla spiaggia che sembrano comporre 

alcune delle sculture esposte. Regaida Comensoli 

Diversi anni fa facevo questo gioco per cui per ogni controcultura dovevo trovare almeno 

una componente pesante e una leggera. Ad esempio, per il punk c’era la pesantezza 

della musica e delle borchie e la volatilità del «No future» e dei buchi nei 

vestiti. Il lavoro di Caterina De Nicola (*1991, Ortona) mi riporta proprio a questa dicotomia. 

Attiva anche come produttrice musicale e DJ, De Nicola lavora con le tecniche 

e i materiali più diversi, spesso riciclati. Si dichiara attratta dalla filosofia del «Do 

It Yourself», ma spogliata da ogni riferimento a un passato estetizzato e romantico. 

Niente a che vedere con l’estetica un po’ naïf delle cassette autoprodotte di Daniel 

Jonston, che non a caso cantava «True love will find you in the end», ma piuttosto con 

la necessità di non riempire ulteriormente una terra satura e devastata, dove anche 

un solo oggetto in più sembra troppo. 

Per la mostra all’Istituto Svizzero di Milano, l’artista, che attualmente vive a Zurigo, 

ha costruito un’installazione di grandi dimensioni ‹To Become a Butterfly of the 

Capitalist Extracting Surplus-value›, sei lettere scultoree alte più di due metri composte 

da materiali e oggetti riciclati tra cui i mobili di una camera da letto. «Reflux» è 

la parola che si può leggere e che incombe minacciosa e fragile allo stesso tempo, il 

riflusso. Il termine, utilizzato in Italia soprattutto negli anni ’80, dopo la caduta delle 

grandi tensioni politiche e sociali e la fine degli anni di piombo, fa riferimento ad 

un clima di aspettative deluse e a un atteggiamento di ripiegamento nella sfere del 

privato caratterizzato da un crescente disimpegno politico e sociale. Una situazione 

al risveglio dopo il sogno del futuro, ‹After the future› come il libro di Franco Berardi 

più volte citato dalla curatrice Gioia Dal Molin nella presentazione che accompagna 

l’esposizione. Non è un caso quindi il senso di disagio che deriva da un sistema di 

citazioni che interrompe bruscamente e inverte il meccanismo di familiarità gratificante 

che il rimando al conosciuto dovrebbe innescare. All’interno della lettera F, 

costruita ponendo all’interno di una credenza in vetro anni 50, fiori secchi e materiali 

di recupero, vediamo uno degli oggetti ricorrenti nelle installazioni dell’artista: una 

sfera composta da viti e resina epossidica. Le viti, simbolo per eccellenza della riparazione 

fai da te, sono inaccessibili e congelate in una sfera di cristallo che al posto di 

predire il futuro, o svelarci il passato, sembra satura. Ricordandoci di nuovo che per il 

momento gli strumenti che avevamo non sembrano servire e anzi, sono proprio quelli 

che ci tengono ancorati in questo presente continuo. 

Regaida Comensoli, storica dell’arte. regaida.comensoli@usi.ch 

→ ‹Caterina De Nicola – Reek of past pitfalls›, Istituto Svizzero, Milano, fino al 16.4. 

↗ www.istitutosvizzero.it 

FOKUS // CATERINA DE NICOLA 

65

HINWEISE 

Daria Kashcheeva 

Animation — ‹Daughter› beginnt in einem Krankenhauszimmer. 

Im Bett liegt der Vater, davor 

steht seine Tochter. Zu hören ist nur das Piepen 

des Herzmonitors. Die emotionale Distanz 

zwischen den Figuren ist durch den Bildschirm 

förmlich greifbar. Da bricht ein kleiner Vogel, 

der durch die Fensterscheibe fliegt, die Spannung 

und ruft eine prägende Erinnerung der 

Tochter wach: Zurückversetzt in ihre Kindheit, 

gelangt sie mit einem verletzten Vogel ausser 

Atem zu Hause an. Für sie ein Moment, in dem 

sie Trost und Verständnis wollte. Für den Vater 

einer, in dem er mit dem Haushalt und anderen 

Dingen beschäftigt war, die dringender erschienen. 

Die Tochter deutet diese Überforderung 

als Indifferenz und zieht sich physisch und 

auch psychisch zurück. Ein kurzer Augenblick – 

und ein kleiner Riss wird über Jahre zu einer 

scheinbar unüberwindbaren Schlucht. 

Daria Kashcheevas ‹Daughter› erkundet die 

komplexe Welt von alltäglichen Problemen 

zwischen (alleinerziehenden) Eltern und ihren 

Kindern. Die Gesichter der animierten Holzpuppen 

sind aus Papiermaché gefertigt, was 

ihnen eine ungewohnte Struktur verleiht und 

es der Animatorin ermöglicht, die intensiven 

Emotionen ihrer Charaktere zum Ausdruck zu 

bringen. Untermalt werden die Bilder von einem 

simplen, aber eindrücklichen Sounddesign, 

das gekonnt mit der Stille spielt. Dominique 

Marconi 

Laura Mietrup 

Arbon — Aus Gips und weissem Kreidegrund 

modellierte Laura Mietrup (*1987) Figuren und 

Objekte, die sich in der Kunsthalle Arbon zu 

einer wohnzimmerartigen Szene formieren. 

In der Mitte des Raums ruht eine liegende 

Figur. Mit einer klaren und modalen Formensprache 

stellen die Skulpturen einen Kontrapunkt 

zum von Arbeit und Zeit gezeichneten 

Industriegebäude dar. Unterstützt durch 

elektro-akustische Sounds des Duos Moser/ 

Michel, welche über Lautsprecher den Raum 

beschallen, entsteht eine ebenso geheimnisvolle 

wie scheinbar zeitlose Atmosphäre. 

‹Blurred› lässt ganz bewusst den Assoziationen 

der Besuchenden genug Spielraum, sodass 

verschiedene Narrative und Wahrnehmungen 

ineinander verschwimmen. Handelt es sich um 

die theatrale Inszenierung einer vergangenen 

Zivilisation? Oder um eine futuristische Vision? 

Ein Design-Studio für smarte Gadgets? 

Aufgewachsen in einer Schreinerei und 

aufbauend auf einer Berufslehre als Rahmenvergolderin 

sowie einem Kunststudium in 

Basel und Bern, entwickelt Laura Mietrup eine 

Formensprache, die vom Material ausgeht und 

ortsspezifisch ausgearbeitet wird. Passend 

zum Ausstellungstitel gelingt es ihr, Unschärfe 

in eine Form zu übersetzen, welche an etwas 

erinnert, aber nichts zu bestätigen braucht. 

So entsteht der subtile Zustand einer leicht 

verschwommenen Erinnerung. AU 

Daria Kashcheeva · Daughter, 2019, 14’44’’ 

↗ www.arte.tv/en/videos/092928-000-A/ 

daughter 

Laura Mietrup · Blurred, 2023, Detail aus 

Installation, Gips, Kreidegrund, Masse variabel 

→ Kunsthalle Arbon, bis 7.5. 

↗ www.kunsthallearbon.ch 


Pablo Picasso 

Basel / Riehen — Ein Raum, der vor Energie 

zu vibrieren scheint. Ein Raum, in dem die 

Kraft des Schauens spürbar wird und sich der 

vielseitige Dialog zwischen Maler und Modell 

und uns selbst entfaltet, die wir vor den Bildern 

stehen und bald mit beiden, bald nur mit 

dem Maler oder nur dem Modell konfrontiert 

werden. Ganz gegenwärtig ist alles und die Aneignung 

der menschlichen Gestalt voller Eros, 

Hingabe, Spannung, voller Ironie und Pathos; 

schön, stark, nicht frei von Fragen. Als kleinerer 

Beitrag zur Feier von Picassos 50. Todesjahr 

angekündigt – der Künstler starb am 8. April 

1973 –, erweist sich die Ausstellung in der 

Fondation Beyeler in ihrer konzentrierten Form 

als sehr anregend. Zehn repräsentative Ölgemälde 

hat Raphaël Bouvier aus dem Universum 

Picasso ausgewählt, von denen die ältesten 

1963 entstanden sind, das jüngste im Januar 

1972. Wer sich da auf vergleichendes Betrachten 

einlässt, erfährt viel über Bildwerdung, 

Schöpfungsprozess, nimmt teil am Augenspiel, 

das Picasso wie kein Zweiter beherrscht. Sogar 

die Brust kann da zum Auge werden, wie in dem 

hinreissenden monochromen Akt der Frau, die 

ein Kätzchen mit der Feder neckt. Und dann 

wie immer bei Picasso diese grosse sinnliche 

Direktheit: Im liegenden Akt von 1967 erscheint 

die Scham der Frau wie eine Perlenkette, und 

ihre blauen Fusssohlen möchte man am liebsten 

gleich berühren. AM 

Pablo Picasso · Le peintre et son modèle, 

28.3.1963, Öl, Leinwand, 130 x 162 cm, Nahmad 

Collection © Nachlass Picasso / ProLitteris 

→ Fondation Beyeler, bis 1.5. 

↗ www.fondationbeyeler.ch 

Joan Miró 

Bern — Bekannt wurde der Spanier Joan 

Miró (1893–1983) für seine surrealistischen, 

traumartigen Bildwelten. Als er mit 63 Jahren 

in Palma, Mallorca, erstmals ein grossräumiges 

Atelier bezog, brach er jedoch mit dem früheren 

Schaffen. Aus dieser Phase wählte die Kuratorin 

Fabienne Eggelhöfer für die aktuelle Schau 

‹Joan Miró – Neue Horizonte› im Zentrum Paul 

Klee 73 Werke, vorwiegend von den Miró-Stiftungen 

in Barcelona und Mallorca. Die grosse 

Ausstellungshalle des Museums vermögen sie 

spielend zu füllen, dank ihrer ebenso reduzierten 

wie rohen Ästhetik und wuchtigen Präsenz. 

In Palma entstanden zunächst eine Reihe 

expressiver Lithografien sowie figurative Keramiken, 

die, teils Vogel, teils Mensch, typisch 

für Miró sind und heute wieder Aktualität 

haben: durch ihre zeichenhafte, deutungsoffene 

Gestalt, ihren Ausdruck von Haltungen und 

mithin Gefühlsregungen. In der Ausstellung 

gut ersichtlich etwa beim ‹Kopf›, 1978, einem 

Gipsabguss, worauf der Künstler nonchalant, 

doch subtil mit Filzstift Augen, Mund und Haaransatz 

lediglich andeutete. 

Nach drei Jahren im neuen Atelier machte 

sich Miró an die Revision seiner Malerei. Die 

Ausstellung wird dominiert von den abstrakteren 

und grossformatigeren Bildern jener Zeit: 

von viel Schwarz, Rot, Blau und wenig Gelb, 

von Linien und Zeichen, gestischen Flächen 

und ahnungsvollen Figuren. Miró brach mit den 

Konventionen, erweiterte das Spektrum und 

tendierte zu einer «Anti-Malerei», wie er sie 

selbst nannte. Zwar malte er weiterhin mit dem 

Pinsel, goss und spritzte die Farbe aber auch 

auf die Leinwand und traktierte diese bisweilen 

mit Händen und Füssen, mit Feuer und Wasser 

oder mit der Schere. Er fertigte Collagen aus 

Materialien seiner Werkstatt und kreierte aus 

einfachen Textilien sogenannte ‹Sobreteixims›, 

in Anlehnung an eine katalanische Tradition 

übereinander gewobener Stoffe. Beim Werk 

‹Verbrannte Leinwand›, 1973, kommen Zerstörung 

und Neuschöpfung, Rohheit und Verletzlichkeit 

trefflich zum Ausdruck. Mit den Entgrenzungen 

in seiner Kunst ging Miró mit seiner 

HINWEISE // ANIMATION / ARBON / BASEL / RIEHEN / BERN 

67

Zeit: So wie er in jungen Jahren von Paul Klee 

inspiriert wurde, traf er später in den USA auf 

den Abstrakten Expressionismus und in Japan 

auf die Philosophie der Leere oder die Kalligrafie. 

Ausserdem ist es gut möglich, dass er dort, 

was erstaunlicherweise nirgends erwähnt wird, 

auch auf die expressiv-experimentelle Kunst 

der japanischen Gutai-Gruppe stiess. MM 

Joan Miró · Verbrannte Leinwand 2, 1973, Acryl 

auf geschnittener und verbrannter Leinwand, 

130 x 195 cm, Fundació Joan Miró, Barcelona 

© ProLitteris. Foto: Joan Ramon Bonet, Successió 

Miró Archive 

Joan Miró · Kopf, 1978, Gips, Filzstift, 

111 x 67 x 25 cm © ProLitteris. Foto: Gabriel 

Ramon, Successió Miró Archive 

→ Zentrum Paul Klee, bis 7.5. 

↗ www.zpk.org 

Davina Andrea Deplazes / 

Petra Njezic 

Brugg — Seit Anfang Januar wuselt es tüchtig 

im Zimmermannhaus Brugg: Die beiden jungen 

Künstlerinnen Davina Andrea Deplazes 

(*1999) und Petra Njezic (*1989) haben die leer 

geräumte Stadtbibliothek sowie die bereits 

bestehende Galerie in Beschlag genommen. 

Gipskessel, Spritzpistolen, Lackplatten und ein 

Berg von Pinseln verweisen zum Zeitpunkt unseres 

Besuchs auf die Ausstellung ‹Mansarde & 

Souterrain›. Vier Stockwerke, vier Galerieräume. 

«Ein Glücksfall, dass wir vorerst einmal für drei 

Jahre das ganze Gebäude nutzen können», sagt 

Kuratorin Andrea Gsell. Davina Andrea Deplazes 

und Petra Njezic sind die ersten Nutzniesserinnen 

des Open-Residency-Programms. 

Schön daran: Man durfte die beiden besuchen, 

den Entstehungsprozess ihrer Objekte und 

Installationen mitverfolgen und sie mit Fragen 

löchern. Fast wurden sie überrannt an den 

Abenden, an denen Kunst, Suppe und Musik 

geboten wurden. 

Blau-lila irisierende Bodenplatten legen das 

Fundament im Erdgeschoss. Davina Andrea 

Deplazes stellte dünnschichtige Platten 

aus Glasfaserstoff, Feinsplitt und Sand her, 

übergoss sie mit Epoxidharz und bespritzte sie 

mit Autolack. Ein aus Gips gefertigter, in Teile 

zerbrochener Kokon – Vorbild sind menschengrosse 

Kuschelkissen aus dem Warenhaus – 

wurde augenscheinlich über den Plattenboden 

geschleift. «Kratzer und Abnützungsspuren 

interessieren mich mehr als polierte Oberflächen», 

meint die in Berlin ausgebildete 

Bündnerin. Zwei Stockwerke höher, in einem 

abgedunkelten Raum, dient der Kokon handgegossenen 

Objekten aus Glas, Kupfer, Stahl, 

Bronze und weiteren luziden Materialien als 

Vorlage. Die wie Stehleuchten inszenierten Gefässe 

sind Klangkörper, aus denen sphärische 

Laute ertönen. Raum bedeutet Stimmung. 

Petra Njezic wiederum malte abstrakte Setzungen 

an die Wände des Dachstocks: hier ein abstrahierter 

Fels vor hellblauem Horizont, dort 

eine rote gewinkelte Linie. Am Boden verteilen 


sich Gipssteine, die das achtlose Abschreiten 

des Raums verhindern. «Man stolpert immer 

mal wieder im Leben», meint die Aarauerin. Das 

Original, ein Ziegelstein aus dem vom Erdbeben 

zerstörten Grosselternhaus in Kroatien, 

hat sie einst mit nach Hause getragen. Raum 

heisst auch Erinnerung. Mit weiten Gesten lotet 

die Kunstmalerin, die zunächst Grafikdesign 

studiert hat, ihren Kosmos aus. Bollensteine 

auf Textilbanden beflaggen innen und aussen 

das Haus. Festlich irgendwie. Sie markieren 

unübersehbar Kunst. FS 

Petra Njezic · Sturz und Invasion, 2023, Acryl, 

Leinwand, Gips, versch. Masse, Ansicht Zimmermannhaus 

Brugg. Foto: Rachel Bühlmann 

Werke aus der Sammlung Horn 

Davos — Mit ‹Expressionismus! Werke aus 

der Sammlung Horn› zeigt das Kirchner 

Museum erstmals 120 Werke der bekannten 

Privatsammlung aus Schleswig-Holstein. 

Den Schwerpunkt der sechzigjährigen 

Sammlungstätigkeit bilden Holzdrucke der 

Brücke-Gruppe sowie deren Umfelds. Neben 

Schmidt-Rottluff oder Heckel werden in zwei 

benachbarten Sälen abstrakte Köpfe von 

Jawlensky sowie die ausdrucksstarken Werke 

von Kollwitz und Barlach als Kontrast präsentiert. 

Zugleich hinterfragt die neue Direktorin 

Katharina Beisiegel den «Expressionismus» an 

sich beziehungsweise den europäisch-männlichen 

Blick. Mit einem kundigen Begleitkomitee 

fokussiert die Ausstellung speziell auf den 

«Exotismus», wobei neben Vitrinen mit Quellen 

überraschende Wandtexte Denkanstösse 

geben. Eine Spoken-Word-Poetin reflektiert 

Kirchners Wahrnehmung des marokkanischen 

Modells Nelly. Die problematischen Serien von 

Köpfen, auf kolonialen Reisen von Nolde und 

Pechstein gefertigt, werden mit einem Text 

zu «Racial Profiling» gebrochen – polarisierend, 

aber auch wirkungsvoll! Insgesamt eine 

reiche Ausstellung, wobei die Bestände des 

Hauses diese gezielt ergänzen und geschickte 

Wandeinbauten den Platz schaffen – nur eine 

Petersburger Hängung kleiner Papierarbeiten 

zu Beginn überzeugt nicht ganz. AD 

Davina Andrea Deplazes · Produktionsbild aus 

der Open Residency, Zimmermannhaus Brugg, 

2023. Foto: Mario Widmer 

→ Zimmermannhaus, bis 16.4.; Publikation: 

_957 Independent Art Magazine (März) 

↗ www.zimmermannhaus.ch 

Ausstellungsansicht ‹Expressionismus!›, 

Kirchner Museum Davos. Foto: Stephan Bösch 

→ Kirchner Museum, bis 24.9. 

↗ www.kirchnermuseum.ch 

HINWEISE // BERN / BRUGG / DAVOS 

69

General Idea 

Genf — Drei kanadische Künstler stehen ab 

den 1970er-Jahren hinter dem rätselhaften 

Namen «General Idea». Heute ist nur noch einer 

von ihnen am Leben, AA Bronson, der 1946 

als Michael Tims geboren wurde. Er hat die 

aktuelle Ausstellung im MAMCO in Genf, die in 

Zusammenarbeit mit dem Drawing Center in 

New York organisiert wurde, begleitet. Die beiden 

anderen Mitglieder, Jorge Zontal und Felix 

Partz, starben 1994 an Aids. 

Derzeit werden umfassende Retrospektiven 

von General Idea in Ottawa (National Gallery of 

Canada), Amsterdam (Stedelijk Museum) und 

Berlin (Gropius Bau) gezeigt. In Genf hingegen 

konzentrierte sich Direktor Lionel Bovier, der 

die Schau kuratierte, auf einen eher unbekannten 

Aspekt der künstlerischen Aktivitäten der 

Gruppe: die Zeichnungen. 

250 Exemplare, die alle von Jorge Zontal 

zwischen 1985 und 1991 angefertigt, aber als 

Gemeinschaftswerk der Gruppe akzeptiert 

wurden, werden im MAMCO gezeigt. 

Auch wenn sie nicht chronologisch ausgestellt 

sind, lassen sich die Zeichnungen grob in zwei 

Perioden unterteilen. Zunächst ist da die Zeit 

Mitte der 1980er-Jahre nach dem Umzug der 

Gruppe von Toronto nach New York – eine 

kreative Phase, die sich in farbenfrohen Zeichnungen 

mit wiederkehrenden Motiven aus dem 

Formenlexikon von General Idea manifestiert: 

Paradiesvogel, Pudel, Delfin, Absatzschuhe, 

Berge, Sternbilder am Himmel oder Lippen. 

Unterstützt durch eine buddhistische Inspiration, 

ist die körperliche Metamorphose ebenfalls 

ein Schlüsselthema. In den Ausstellungsräumen 

des MAMCO sind die Werke nach Formen 

und Motiven gegliedert, wodurch die Rolle 

der Wiederholung in der Kunst von General 

Idea deutlich wird. Dann kam Ende der 1980er 

eine dunkle und beängstigende Zeit – die 

Aids-Krise, mit der sowohl der Freundeskreis 

der Künstler als auch sie selbst konfrontiert 

wurden. Hier spielte das Motiv der Vermehrung 

in der Zeichnung eine zunehmend wichtigere 

Rolle: Immer mehr schwarze Insekten (Kakerlaken) 

tauchen auf den Blättern auf und spielen 

damit auf Zontals fortschreitende Erblindung 

an. Der letzte Teil der Ausstellung mit dem Titel 

‹Imagevirus› zeigt, wie die kanadische Künstlergruppe 

ihre Werke mithilfe technologischer 

und mechanischer Mittel – ähnlich wie ein 

Virus – ungehemmt vervielfachte. So hat die 

Gruppe, die in der Aids-Debatte auch politisch 

aktiv wurde, der Stimme der Gay-Gemeinschaft 

künstlerisch Gehör verschafft. IDL 

General Idea · Ohne Titel, 1991–1993, Detail, 

Aquarell, Gouache auf Papier, je 35,5 x 26,5 cm, 

Ausstellungsansicht MAMCO, Genf. 

Foto: Annick Wetter 

General Idea · Ohne Titel, 1983, Aquarell auf 

Papier, je 35,3 x 26,7 cm, Ausstellungsansicht 

MAMCO, Genf. Foto: Annick Wetter 

→ MAMCO, bis 18.6. 

↗ www.mamco.ch 


Olaf Holzapfel 

Genf — Dem jungen, vom Architekten zum Maler 

bekehrten Olaf Holzapfel (*1967, Dresden) 

schwante bereits auf seiner Flucht von der DDR 

in die BRD kurz vor dem Mauerfall 1989, dass 

nicht Nationalsprachen zivilisationsprägend 

seien. Diese Erkenntnis wurde in der Folge 

vom schnellen Wandel in Brandenburg und von 

jahrtausendealten Lebensformen in Asien, die 

er auf den Spuren der exotischen Wurzeln des 

Bauhauses erfuhr, weiter genährt. In fröhlichem 

Hin und Her zwischen Kontinenten, traditionellen 

und modernen Techniken, 2D und 3D veranschaulicht 

er seither berückend die vielleicht 

noch entscheidendere Grenze zwischen der 

Natur und den Basisaktivitäten des Menschen 

wie Säen, Ernten oder Bauen – ein Feld, in dem 

sich Kulturen generieren, eingebettet in die 

Entwicklungen ihrer Umwelt. In der Deutschschweiz 

haben das Kloster Schönthal und das 

Bündner Kunstmuseum Holzapfels Aktualität 

bewiesen. Im Welschen leistet das nun die 

Galerie Xippas mit dem Projekt ‹Das Gewachsene› 

in beiden ihrer Genfer Lokale. Zu sehen sind 

vom Künstler digital kartografierte Besiedlungsmuster, 

die er in gebogenem Stroh nach 

Techniken der sorbischen Minderheit Deutschlands 

auslegte, in Heu flocht und wob oder aus 

Chaguar (Fasern eines Kaktus) von indigenen 

Frauen in Argentinien fertigen liess. KHO 

Olaf Holzapfel · Landschaften in 1 Raum, 2022, 

Stroh auf Holz, 145 x 100 cm 

→ Galerie Xippas, bis 29.4. 

↗ www.xippas.com 

Karen Kilimnik / Sophie Gogl 

Glarus — «Wir choreografieren unser Publikum.» 

Diese Losung der Performance-Kunst, 

vom Küstler:innen-Duo Boudry / Lorenz zur 

Biennale Venedig 2019 in die Welt gesetzt, 

ist mittlerweile in aller Munde. Doch was 

so süffig daherkommt, ist näher besehen 

eine Zumutung – für das Theater und seine 

Zuschauer:innen, erst recht für die Bildende 

Kunst und ihre Betrachter:innen. Denn darin 

schwingt eine Grössenfantasie der Kunstdidaktik 

mit, die vorschreibt, wie sich die Rezipierenden 

zu bewegen und zu verhalten haben. Doch 

Kunst lebt nicht von Vorschrift, mag sie noch 

so versteckt und subtil daherkommen, sondern 

von Freiheit – für die Künstler:innen wie für 

deren Anhänger:innen. 

Das stellt die US-Amerikanerin Karen Kilimnik 

(*1955) in ihrer Ausstellung ‹Swan Lake› 

im Kunsthaus Glarus auf berückende Weise 

schlagartig und augenzwinkernd klar. Der Titel 

ruft das wohl berühmteste Tanzstück des klassischen 

russischen Balletts auf und damit die 

Assoziationsfelder eskapistischer Märchenromantik, 

tänzerischer Körperbeherrschung, 

Musik, Libretti und das Choreografieren. 

Die Besuchenden umfängt beim Betreten des 

Ausstellungssaals verheissungsvolles «clair 

obscur». Der Blick fokussiert auf eine Installation 

im Hintergrund, die sich bei näherem 

Besehen als Bühnenset entpuppt, dem das Podium, 

das heisst die Bühne, fehlt. Gerahmt von 

Bühnenprospekten lockt ein barocker Kinderschlitten 

auf einem Mini-Teich, doch der Kunstschneeteppich 

hält auf Distanz. Tschaikowskis 

süsse Ballettmusik tönt mit garstigen Breaks 

aus Lautsprechern. Theaterrauch nebelt die 

Szenerie in duftige Wölkchen. Eine Einladung 

zur aktiven Partizipation, sich statt der Tänzer 

der Requisiten zu bedienen, ist das nicht. Man 

muss sich in diese Bühnenwelt hineinträumen, 

in die sich die Künstlerin durch die gegenüber 

ausgestellten Collagen ‹Kiri and Friends at the 

Garden Folly›, 2006, und Malereien wie ‹the theatre 

forest›, 2022, hinter Tüll und Schleifen-Deko 

hineinfantasiert. Kilimnik spannt mit ihrem 

«Theater» Projektionsflächen auf. Sie ist jedoch 

HINWEISE // GENF / GLARUS 

71

weit davon entfernt, Wunscherfüllungsmaschinen 

zu bedienen oder gar zu bevormunden. 

Diese Souveränität fehlt der jungen Österreicherin 

Sophie Gogl (*1992) noch, die in zwei 

Sälen des Kunsthauses unter dem Titel ‹Die 

knusprige Nichte› ausstellt. Auch sie arbeitet 

mit Malerei, grossen Acrylgemälden, Humor 

und installativen, bühnenhaften Elementen – 

hier sind es bunte Wände im Harlekin-Schachbrettmuster 

und Industrie-Stahltreppen. Doch 

es bleiben «one-liner», die allerdings Potenzial 

besitzen, zu einem spannenden Werk heranzuwachsen. 

Glarus zeigt einmal mehr, dass 

es im Konzert der Schweizer Kunsthäuser für 

Gegenwartskunst vorne mitrangiert. MG 

Karen Kilimnik · Swan Lake, 1992, Mischtechnik, 

Sammlung Ringier, Ausstellungs ansicht 

Kunsthaus Glarus, 2023. Foto: Cédric Mussano 

Léon Spilliaert 

Lausanne — Die Retrospektive zum belgischen 

Maler Léon Spilliaert (1881–1946) beginnt 

eindrücklich mit dessen frühen ‹Encres›: Sie 

sind geprägt von schattigen Flächen, in die 

stellenweise Licht dringt. Das Motiv ist bis 

auf ein paar einsame Figuren der leere Strand 

Ostendes, der Heimatstadt des Künstlers: 

Über seinen Dünen erblickt man einen letzten 

Sonnenstrahl, am Ende eines von Gaslampen 

bestückten Quais den Mond. Das grosse Thema 

von Spilliaert bleibt bis zum Schluss die existenzielle 

Isolation des modernen Menschen, 

der kaum mehr religiös gestütztes Vertrauen 

in Erhebung und Erlösung hat. Seine Hoffnung 

sieht er nur noch in Momenten der Verzauberung 

durch optische Phänomene aufblitzen, 

wie sie im späteren Werk unter anderem durch 

farbtriefende Sonnenuntergänge repräsentiert 

werden. Dieser schwierige Zustand scheint 

sogar der gelangweilten Femme fatale in der 

Sommerfrische eigen zu sein oder der strammstehenden 

Fischersfrau, die ihren Mann auf 

seinen gefährlichen Seefahrten verfolgt. Aber 

auch direkte und indirekte Selbstporträts, die 

in Form von menschenleeren Interieurs auf 

das Verschwinden ihres Arrangeurs hinweisen, 

stellen immer wieder die Frage, was vom Geist 

selbst eines kreativen Menschen übrigbleiben 

wird. Eine spannende Entdeckung! KHO 

Sophie Gogl · Die knusprige Nichte, Ausstellungsansicht 

Kunsthaus Glarus, 2023. 

Foto: Cédric Mussano 

→ Kunsthaus Glarus, bis 26.6. 

↗ www.kunsthausglarus.ch 

→ Sophie Gogl im Dock 20, Lustenau: 27.5.–9.9. 

↗ dock20.lustenau.at 

Léon Spilliaert · Clair de lune et lumières, um 

1909, Chinatinte, Farbstift und Pastell auf 

Papier, 65 x 48,6 cm, Musée d’Orsay, Paris. 

Foto: RMN-Grand Palais / Hervé Lewandowski 

→ Fondation de L’Hermitage, bis 29.5. 

↗ www.fondationlhermitage.com 


Katinka Bock 

Paris — Ihre Bilder legen den Blick frei, ohne zu 

bestimmen, wofür. Katinka Bock, die seit 2005 

in Frankreich lebt, zeigt in der Fondation Pernod 

Ricard erstmals (fast) ausschliesslich Fotografien. 

«Lange habe ich diese Fotos einfach 

gemacht», sagt die Bildhauerin im Gespräch, 

«dann wurde mir klar, dass sie etwas damit zu 

tun haben, was ich als Objekt gestalte.» Dieses 

«Etwas» könnte man als «Räumung durch das 

Bild» bezeichnen. Ein Kindermund, der eine 

halbe Orange ums Kinn geklemmt hat. Daneben 

ein bartstoppeliger Männermund, der die Zähne 

fletscht. Jenseits des Bildinhaltes passiert 

etwas zwischen den beiden Bild-Objekten. 

Elf der Fotografien sind in der Sammlung des 

Basler Archäologen und Kunsthändlers Jean 

David Cahn entstanden. Mit ihren Kindern durfte 

Katinka Bock teils prähistorische Objekte 

manipulieren. Keramikhufe eines Hirschen, auf 

die Finger einer Kinderhand gestreift. Ein Hase, 

Eselsohren – Joseph Beuys drängt sich auf. 

Katinka Bock studierte in Berlin bei Inge Mahn, 

die ihr wie Karin Sander den «unhierarchischen 

Umgang mit Dingen» beibrachte. Auch wenn die 

etwas zu gefällige Hängung Spannung entfernt, 

die sonst mit den Skulpturen entsteht, gewähren 

die Bilder Zeit, Energie, Empfindung: Diese 

Fotos sind Aufnahmen einer Latenz, die nicht 

bloss den physischen, im fotografischen Bild 

geplätteten Raum meint. Eines zeigt Rillen, die 

Grashalme in die Haut gedrückt haben. «Das 

Bild ist Vermittler zwischen Selbst und Welt», 

sagt die Künstlerin, «es gehört zu dem allgegenwärtigen 

Ringen um den richtigen Abstand, 

zwischen Nähe und Distanz.» Hellgrüne Paneele 

hängen wie schwebende Ausstellungswände 

im Raum. «Sie geben eine Leserichtung vor, 

den Energiefluss zwischen den Bildern, durch 

flache Keramiken akzentuiert.» Grün emailliert, 

formen sie hier und da eine Kante nach. Der 

titelgebende ‹Sonnenstich› ist eine Allusion auf 

Roland Barthes’ «punctum», mit dem dieser 

den treffenden Stich bezeichnete, den ein Bild 

auslöst, wenn es zurückblickt. «Punctum» sei 

ein «Früherwort», erläutert Bock lächelnd, «ich 

habe es von meinem Grossvater übernommen, 

der damit eine Liebeserklärung an meine 

Grossmutter überschrieb.» Viele der Fotografien 

erzählen von glücklicher Fügung, mit der 

Gesten, Objekte, Körper frei in ästhetischen 

Sinnzusammenhang geraten. Wie jetzt, da Katinka 

Bock im Gespräch gestisch den Spielraum 

für Formwerdung erklärt, dabei mit den Händen 

die Tischkante nachbildet, die Arme diagonal 

nach oben und plötzlich auseinanderbewegt: 

«Pffff.» JES 

Katinka Bock · Géographie AA, 2022, Silbergelatine-Abzug 

auf Papier Bergger Prestige 

Variable CB, 32 x 45 cm, Courtesy Galerie 

Jocelyn Wolff, Romainville, Meyer Riegger, 

Berlin / Karlsruhe, Galerie Greta Meert, 

Bruxelles, 303 Gallery, New York 

Katinka Bock · Some and any fleeting, 7, 2022, 

Silbergelatine-Abzug auf Papier Bergger 

Prestige Variable CB, 24,5 x 37 cm, Courtesy 

Galerie Jocelyn Wolff, Romainville, Meyer 

Riegger, Berlin / Karlsruhe, Galerie Greta Meert, 

Bruxelles, 303 Gallery, New York 

→ Fondation Pernod Ricard, bis 29.4. 

↗ www.fondation-pernod-ricard.com 

HINWEISE // GLARUS / LAUSANNE / PARIS 

73

Thomas Demand 

Paris — Wie würde Thomas Demands erste 

Retrospektive in Frankreich idealerweise 

erscheinen? Fotografiert? Nachgestellt als 

Animationsfilm, wie seine 2012 entstandene 

Projektion, die das rutschende Mobiliar der sinkenden 

«Pacific Sun» nachvollzieht? Oder wie 

der Französische Pavillon der letzten Venedig- 

Biennale, in dem die 1963 geborene Zineb 

Sedira in einer Modell-Umgebung als Pappkameradin 

gefilmt auftrat? So weit geht der ein 

Jahr jüngere Münchner nicht. Lieber taucht 

er die Besucher:innen der an der Place de la 

Concorde gelegenen Halle für Fotografie tief 

in lichtbildnerische Welten: ‹Hanami› ist eine 

Fototapete, die 2014 durch Vergrösserung eines 

Details entstand. Es zeigt einen Kirschbaum 

im 1:1 aus Papier nachgebauten, dann fotografierten 

«Backyard» des Boston-Attentäters 

Tamerlan Zarnajew. 

Unter dem bezaubernden Rosa fragiler Kirschblüten 

eröffnet sich Demands Spezialität: der 

Abgrund durch Nachbau allegorisch gewordener 

historischer Bilder. ‹Zimmer›, 1996, präsentiert 

das Hotelzimmer, in dem Ron L. Hubbard, 

Begründer der Scientology-Sekte, sein 

Schlüsselwerk verfasste. Beklemmend. Genau 

wie die 1997 nachgebaute Badewanne aus dem 

Genfer Hotel Beau Rivage, in der 1987 Uwe 

Barschel tot aufgefunden wurde. Ein ikonisches 

Pressefoto, selbst Echo auf einen Badewannen- 

Tod, dem des Marat. Dessen Freund Jacques- 

Louis David malte diesen 1793, verbreitete 

das als Stich reproduzierte Bild hundertfach. 

Kunst-Propaganda, die damals dem «Terreur» 

Vorschub leistete. Das Directoire wird später 

die Place de la Concorde so nennen, um zur 

Eintracht aufzurufen. 

Zweihundert Jahre später ist das Jeu de Paume 

idealer historischer Ort für ‹Le bégaiement de 

l’histoire›, diese siebzig Werke starke Rückschau 

auf Thomas Demand. Den heute an der 

Hamburger Kunsthochschule unterrichtenden 

Künstler bewegt nicht die Wahrheit, sondern 

die Räumung der Bilder, ihr «architektonischer 

Trieb». Ein Saal zeigt Fotografien von Architekturmodellen. 

«Würden wir keine Modelle bauen», 

sagt er, «wären wir blind.» Simulation als 

Bedingung der Möglichkeit von Welt wandelt 

Fotografie zum Vollzugsraum ihrer Realität. 

Indem Demand konsequent die Menschen aus 

seinen Kompositionen löscht, lädt er virtuos 

mit Nachbildern der Geschichte zu Wiedererkennungserlebnissen 

ein. Statt unter dem 

Schein zu erstarren, entsteht ein wertvoller 

Abstand. Ihn betretend, muss Geschichte nicht 

mehr erlitten, sondern kann gestaltend verändert 

werden. JES 

Thomas Demand · Hanami, 2014, Fototapete, 

Ausstellungsansicht Jeu de Paume, Paris 

© ProLitteris. Foto: François Lauginie 

Thomas Demand · Ausstellungsansicht 

Jeu de Paume, Paris © ProLitteris. 

Foto: François Lauginie 

→ Jeu de Paume, bis 28.5. 

↗ www.jeudepaume.org 


Linientanz 

Rapperswil-Jona — Das Kunst(Zeug)Haus 

Rapperswil untersucht eine der Grundlagen der 

visuellen Kunst: die Linie – konzeptuelle Basis 

seit der Renaissance, aber auch suchende 

Bewegung in der Zeichen- oder Schriftgeste. 

Die Co-Direktorinnen Simone Kobler und 

Céline Gaillard denken die Linie in Bezug zum 

Raum und zur Bewegung. Der Linie wohnt die 

spontane Geste der Hand und somit performativ 

Räumliches inne; die Bewegung definiert 

die Zeit. Der Raumbezug artikuliert sich in der 

präzisen Installation der Arbeiten unter den 

hell gestrichenen Balken, die selbst ein Linienmuster 

bilden. 

‹Linientanz› untersucht die aktiv tanzende 

Linie und ihre Dreidimensionalität anhand sehr 

unterschiedlicher Schweizer Kunstpositionen. 

Zwei ortsspezifische Werke empfangen die 

Besuchenden beim Aufstieg in den ehemaligen 

Zeughausraum: Christoph Rütimanns ‹Installation 

mit Wagenketten› und Evelina Cajacobs 

‹Ohne Worte›, beide 2023. Rütimann spannt 

aneinanderhängende Zeigerschnell- und 

Federzugwaagen zwischen Decke und Boden 

und entgegnet den horizontalen Balken mit 

der vertikal wirkenden Schwerkraft. Cajacob 

hingegen nimmt die Balkenrichtung auf und 

artikuliert sie in feinen parallel geschwungenen 

Linien mit Rötel auf der Wand, welche 

von Weitem wie im Wind flatternde Stoffe 

wirken. Andrea Wolfensberger zeichnet mit 

ihrer ‹Bienenwachslinie› den Lichtstrahl nach 

und in ‹Micelia› die fadenförmigen Zellen von 

Pilzen. Ihre ‹stehenden Wellen› transkribieren 

Schallwellen in dreidimensionale Wellkartonobjekte, 

die sich imposant im Raum behaupten. 

Silvia Bächlis ‹Zeichnungen› mit freihändigen 

parallelen Linien und Gittern unterstreichen 

den körperlichen Gestus der Hand als Raumbesetzung 

und -definition. Auch Piero Del Bondios 

Werke sind Zeichenspuren von konzentrierten 

Bewegungsabläufen. Bei Nicolle Bussien wird 

die weisse Markierung auf dem Fussballrasen 

zur Grenze mit politischem Nachklang; 

daneben entfaltet sich Dominique Lämmlis 

Holzschlange scheinbar grenzenlos und frei 

auf dem Boden. Während Lisa Biedlingmaier 

Erlebnisse ihrer Biografie mit Seilen verknotet, 

setzt David Herrens ‹Interference› mit erstaunlichem 

Effekt den Wellen-Teilchen-Dualismus 

in Szene. Bei wiedemann / mettler wird die Linie 

zum rosa Neonschriftzug ‹Gerechtikeit›, der 

die grammatikalische und somit die gesellschaftliche 

Regel und «Linie» schreiend infrage 

stellt. BF 

Andrea Wolfensberger · Stehende Welle, 2011, 

Wellkarton, Tungöllack, 80 x 100 x 1200 cm, 

Ausstellungsansicht Kunst(Zeug)Haus 

Rapperswil-Jona. Foto: Andri Stadler 

Evelina Cajacob · Ohne Worte, 2023, Rötel 

auf Wand, 255 x 840 cm, Ausstellungsansicht 

Kunst(Zeug)Haus Rapperswil-Jona. 

Foto: Andri Stadler 

→ Kunst(Zeug)Haus, bis 30.4. 

↗ www.kunstzeughaus.ch 

HINWEISE // PARIS / RAPPERSWIL-JONA 

75

Martin Creed 

St. Moritz — Berge oder doch Hochzeitstorten, 

wie im Saaltext steht? Diese Frage stellt sich 

vor Martin Creeds Serie der ‹Step Paintings› 

bei Hauser & Wirth in St. Moritz. Eigentlich 

sind es einfache Schichtungen horizontaler 

Pinselstriche, die abgetreppt nach oben kürzer 

werden. Die Werke stammen aus der Gruppe, 

die der umtriebige Künstler, Komponist und 

Performer seit zwölf Jahren schafft. Die Praxis 

des Turner-Preisträgers ist von geistreichen 

Konzepten geprägt und will auch unterhalten. 

«Gemälde sind Arrangements von Farben, die 

Freude bereiten», sagt Creed. Wobei Treppen 

öfters auftauchen: In ‹Work No. 916› von 2008 

stapeln sich Kartons, in ‹Work No. 998› von 

2009 Stühle. 2011 hat Martin Creed in Edinburgh 

die 104 Stufen einer Treppe, die zuvor 

lange als inoffizielles, öffentliches Pissoir 

diente, mit unterschiedlichen Marmorarten 

veredelt: ‹The Scotsman Steps› wurde zum 

beliebten Fotomotiv. In der Galerie interessieren 

diese «Steps» ebenfalls, weil sie mit dem 

engen Korsett spielen. Wechselnde Farben, mal 

deckend, mal lasierend, variierende Pinselbreiten, 

drei bis sieben Ebenen und Bildträger von 

Holz bis zu ungrundierter Leinwand ergeben 

überraschende Variationen und so eine kurzweilige 

Schau. AD 

Martin Creed · Work No. 3771, 2023, Acryl, 

Gouache, Bleistift auf Leinwand, 40 x 42 x 3 cm, 

Courtesy Hauser & Wirth © ProLitteris. 

Foto: Damian Griffiths 

→ Hauser & Wirth, bis 10.4. 

↗ www.hauserwirth.com 

Martina Morger 

Vaduz — Soll der Ausstellungsbetrieb nachhaltiger 

werden? Kann er dies überhaupt? Für 

Ausstellungen werden Kunstwerke produziert, 

reisen um die Welt, wieder und wieder. Denn die 

Kunst muss und will gesehen werden. «Artist’s 

Choice» kann beides: die Transporte reduzieren 

und trotzdem Kunst ans Licht bringen. 

Obendrein bietet dieses kuratorische Konzept 

den Künstlerinnen und Künstlern die Chance, 

ihre Arbeit selbst in Beziehung zu anderen 

Kunstwerken zu setzen und sie so weiterzuentwickeln. 

Erfunden hat «Artist’s Choice» das 

Museum of Modern Art in New York; jetzt gibt 

es im Kunstmuseum Liechtenstein in einer 

neuen Ausstellungsreihe eine Neuauflage. Martina 

Morger – 1989 in Vaduz geboren und damit 

genauso alt wie die New Yorker Idee – macht 

den Auftakt. Sie wurde eingeladen, Werke aus 

der Sammlung auszuwählen und zu präsentieren. 

Die Nachhaltigkeit ist dabei nicht das deklarierte 

Ziel des Museums, sondern ergibt sich 

bei der Arbeit mit den Beständen von selbst. 

Sammlungen wachsen über einen langen Zeitraum, 

werden durch unterschiedliche Ankaufsentscheidungen 

geprägt und sind oft nur zu 

kleinen Teilen ausgestellt. Umso interessanter 

ist es, sie für einen künstlerischen Blick und 

eine Aussensicht zu öffnen. 

Martina Morger hat für den Reihenauftakt kein 

geringeres Thema als den Tod gewählt. Angetrieben 

ist sie dabei nicht von der Faszination 

am Morbiden, sondern sie untersucht mit ‹Are 

We Dead Yet?› das Phänomen der Erschöpfung 

und die Ohnmacht des Individuums angesichts 

des Weltgeschehens. Manche der Werke bringen 

die Sprachlosigkeit zum Ausdruck, andere 

das Aufbegehren, wieder andere senden kleine 

Hoffnungszeichen. Die Auswahl ist ebenso 

vielfältig wie die Liste der Künstlerinnen und 

Künstler. Oft gezeigte Klassiker wie Giovanni 

Anselmo oder Jochen Gerz sind in der Unterzahl, 

zeitgenössische Künstlerinnen wie Pamela 

Rosenkranz, Latifa Echakhch oder Nora Turato 

sind wichtige Stimmen in der Ausstellung, 

Arbeiten von Aleksandra Signer, Gina Pane oder 

Edith Dekyndt sorgen für intensive Momente. 


Darauf, eigene Werke zu zeigen, hat Martina 

Morger verzichtet, obwohl auch dies möglich 

gewesen wäre. Stattdessen konzentrierte sie 

sich auf die schlüssige Auswahl und auf die 

Präsentation: Nachtblaue Samtvorhänge teilen 

den Raum und unterstützen die inhaltlichen 

Achsen in der Ausstellung. Zusammen mit dem 

gedimmten Licht und der reduzierten Lautstärke 

sorgen sie für die passende getragene 

Stimmung. KS 

Bruce Nauman · Eat Death, 1972, Neonröhren, 

Kabel, Trafo, 18,7 x 64,1 x 5,3 cm, Privatsammlung 

/ Kunstmuseum Liechtenstein 

© ProLitteris. Foto: Sandra Maier 

Martina Morger · Are We Dead Yet?, 

Ausstellungsansicht. Foto: Sandra Maier 

→ Kunstmuseum Liechtenstein, bis 6.8. 

↗ www.kunstmuseum.li 

Ferdinand Hodler 

Vevey — Für Ferdinand Hodler war «Parallelismus» 

ein Schlüsselbegriff in seiner Kunst. 

Er suchte in seinen Werken systematisch nach 

der in der Natur erkannten Ordnung. Er setzte 

Kompositionsprinzipien wie Symmetrien, 

Spiegelungen und Wiederholungen ein und 

wandte seine Theorie auf alle Genres an – seine 

Landschaften ebenso wie seine Figurenbilder, 

historischen Szenen oder Porträts. Besonders 

beeindruckend ist seine Kunsttheorie in 

Verbindung mit einem metaphysischen Thema: 

dem Tod. Die drei grossformatigen Bilder, die 

Hodler am 26. Januar 1915 und an den folgenden 

Tagen am Sterbebett seiner Geliebten 

Valentine malte, sind in horizontalen Schichten 

organisiert: das Bett, die Leiche, die Decke oder 

der Himmel. 

Diese drei Gemälde, die an Hans Holbeins 

‹Christus im Grab›, 1521/22, erinnern, bilden den 

Abschluss eines aussergewöhnlichen Werkzyklus. 

Ab 1913, als die ersten Anzeichen der 

Krankheit (vermutlich Magendarmkrebs) auftraten, 

bis zu ihrem Tod in Vevey 1915, beobachtete 

Hodler minutiös die letzten Lebensmonate seiner 

jungen französischen Geliebten, Valentine 

Godé-Darel, die auch sein Modell und Mutter 

der gemeinsamen Tochter Paulette (geboren 

1913) war. Zweihundert Zeichnungen, Skizzen 

und Gemälde dokumentieren den Verlauf der 

Krankheit, den Todeskampf und den Tod der 

zwanzig Jahre jüngeren Pariserin, die er 1908 in 

Genf kennengelernt hatte. Dieses Experiment 

ist einzigartig, man kennt nichts Vergleichbares 

in der Kunstgeschichte. Davon war selbst 

Hodler überzeugt. Er soll seiner Freundin und 

Sammlerin Gertrud Dübi-Müller anvertraut 

haben: «Das hat noch nie jemand gemacht.» 

1976 wurden Werke aus dem Zyklus zum ersten 

Mal gemeinsam ausgestellt. Fünfzig Jahre 

später präsentiert das Musée Jenisch 47 Werke 

in einer Ausstellung, die in Zusammenarbeit 

mit dem Institut Ferdinand Hodler in Genf 

konzipiert wurde. Damit wird ein neues Licht 

auf die bislang idealisierte Beziehung zwischen 

Hodler und Valentine geworfen: Briefe aus der 

Korrespondenz (die leider nach dem Tod des 

HINWEISE // ST. MORITZ / VADUZ / VEVEY 

77

Künstlers von Hodlers Witwe Berthe grösstenteils 

vernichtet wurden) sprechen von einer 

bewegten und misstrauischen Liebesgeschichte. 

Denn hinter diesem Unterfangen stehen, 

seitens des Malers, nicht nur Gefühle wie Leid 

und Verwirrung, sondern auch eine gewisse 

Faszination für den Tod selbst. So gestand 

Hodler 1917: «Der Tod hat die Schönheit der 

Wahrheit. [...] Deshalb zieht er mich an.» IDL 

Ferdinand Hodler · Valentine Godé-Darel mourante, 

7 janvier 1915, Grafit, Tinte und Gouache 

auf Papier, 27,2 x 37 cm, Privatsammlung. 

Foto: Koller Auktionen AG 

Ferdinand Hodler · Valentine Godé-Darel 

sur son lit de mort, 1915 (26 janvier), Öl 

auf Leinwand, 60 x 24 cm, Kunstmuseum 

Solothurn. Foto: Kunstmuseum Solothurn 

Sarah Hablützel & Marko 

Mijatovic 

Winterthur — Spätestens wenn der Abspann 

des Videos über die Leinwand läuft, tauchen 

bei der Zuschauerin Fragen um die innere 

Verschränkung der Begriffe «Heilung», «Selbstoptimierung» 

und «therapeutische Grenzüberschreitung» 

auf. Was wollten uns Sarah 

Hablützel (*1986) und ihr Arbeitspartner Marko 

Mijatovic (*1987) in ihrem Erzählfilm gerade 

zeigen? In einer verlassenen Karaokebar, 

zwischen leeren Tischen und Stühlen, geben 

sich vier Jugendliche die Hände und versinken 

unter dem Sprechgesang einer Therapeutin in 

einen tiefen Schlaf. Montiert wird diese Szene 

des Abtauchens ins Unterbewusste mit Bildern 

einer Gruppe Pottwale, welche sich im dunklen 

Eismeer in totaler Übereinstimmung und 

Harmonie bewegen. Aus dem Off spricht die 

Stimme des von Ängsten gepeinigten Protagonisten 

Chad: «Meine Brust ist gepanzert, mein 

Rücken ist durchbohrt – ich warte und zähle.» 

Die Pottwale bewegen sich im Film instinktiv 

aufeinander zu und voneinander weg, sie sprechen 

nicht über ihre Ängste – haben sie denn 

welche? –, und so scheint es, dass nur wir Menschen 

uns selbst Probleme machen, indem wir 

sie benennen, darüber reflektieren und ihnen 

so einen Raum in unseren Gedanken geben. 

Die Jugendlichen erwachen am Ende aus ihrem 

«Safe Space», und es fragt sich, wie «safe» 

dieser Raum tatsächlich gewesen ist. JEN 

→ Musée Jenisch, bis 21.5. 

↗ www.museejenisch.ch 

Sarah Hablützel & Marko Mijatovic · Playing 

Circles, Hidden Trains, 2023, HD-Video mit 

Sound, 18’26’’ 

→ Kunsthalle Winterthur, bis 16.4. 

↗ www.kunsthallewinterthur.ch 


Maëlle Gross 

Yverdon-les-Bains — Die Künstlerin, Poetin 

und Komponistin Maëlle Gross (*1988, Eden 

Roch) streift in ihrer von Direktor Rolando 

Bassetti kuratierten Schau ‹Malefica› im CACY 

durch das wohl schwierigste Thema, wenn es 

um Weiblichkeit geht: der Hexenglaube. Allein 

im Waadtland führte er zwischen 1483 und 

1651 zu 3000 Anklagen und 2000 Hinrichtungen, 

die vor allem der Enteignung alleinstehender 

Frauen dienten. Erst als Erwachsene durfte 

Gross eine Pionierstudie hierüber im Besitz 

ihrer Eltern lesen. Diese und weitere Referenzliteratur 

ist auf einem plazentaförmigen, 

getufteten Wollteppich zum Lesen aufgelegt. 

Den Schwerpunkt bildet hingegen mitten im 

Hauptraum ein Metallkubus, der in einem 

Zeitraffer an jeden dieser Femizide mit einer 

Vibration erinnert. Oft hört man länger nichts. 

Plötzlich schwellt der Lärm wieder entsetzlich 

an. Darum herum verhandelt Gross die mentale 

Ebene dieses Wahnsinns aus der Perspektive 

des Differenzfeminismus. Sie zeigt die Repression 

der sexuellen, kreativen Kraft und des 

Heilwissens der Frauen und wie ihre Wiederaneignung 

auf Personen ermächtigend wirkt, die 

sich mit den Pronomen «sie/ihr» bezeichnen. 

Die dafür nötige Wertumkehrung gelingt ihr 

über eine lichte Poesie, in der sie Schrift, Wort, 

Bild und teils – so im feinen, separat gezeigten 

Video-Diptychon ‹La Chasse›, 2023 – auch 

Musik kombiniert. KHO 

Janet Mueller 

Zürich — Die Galerie König Büro präsentiert 

zurzeit unter dem sinnreichen Titel ‹Was vom 

Tage übrig bleibt› eine Auswahl an Werken der 

Zürcher Malerin Janet Mueller (*1975, ehemals 

DDR). Die sensible Künstlerin legt in ihrer 

Schau mutig frei, was sie beschäftigt – und 

dies mit dem wunderbaren Selbstverständnis 

eines Menschen, der sich mit Haut und Haar 

der Kunst verschrieben hat. Ohne Furcht trägt 

sie ihr Inneres nach aussen und visualisiert 

so ihre Gedankengänge eines ganzen Arbeitstags. 

Eigene Gefühle ungefiltert nach aussen 

zu transportieren kann eine sehr wacklige und 

verletzliche Positionierung im Kunstbetrieb 

bedeuten, wo Offenheit oft als Konzeptlosigkeit 

gedeutet wird. Mit Schaben, Kratzen und 

Pinselgesten überträgt sie ihre innere Befindlichkeit 

etwa in eine Gebirgskette als buntes 

Gitterkonstrukt oder in die Zwiesprache mit 

einem Gesicht, das die Züge eines bleichen 

Clowns oder gar eines Totenschädels trägt. «Ich 

möchte nicht perfekt und kontrolliert sein – 

und dies verlange ich ebenso von niemandem. 

Ich möchte, dass die Menschen sie selbst sein 

können», sagt Mueller. Niemand sollte einer 

äusserlichen Bewertung durch ein konformistisches 

System ausgesetzt sein, so wie sie auch 

ihre eigene Kunst nicht durch innere Zensur 

schöner zu machen versucht. Diese Haltung 

nennt sich Authentizität. JEN 

Maëlle Gross · La Chasse, 2023, 

HD-Video-Diptychon, Loop, 11’42’’ und 

13’30’’. Foto: Claude Cortinovis 

→ Yverdon-les-Bains, bis 23.4. 

↗ www.centre-art.yverdon.com 

Janet Mueller · Harlekin, 2022, Acryl auf Papier, 

gerahmt, 42 x 30 cm 

→ Galerie König Büro, bis 15.4. 

↗ www.koenigbuero.ch 

HINWEISE // VEVEY / WINTERTHUR / YVERDON-LES-BAINS / ZÜRICH 

79

Johann Heinrich Füssli 

Zürich — Es ist unheimlich spannend, was 

man im blauen Boudoir zu sehen bekommt, 

das ihm das Kunsthaus Zürich eingerichtet 

hat. Unheimlich, weil man es nie so ganz 

genau weiss und sich fast überall rätselhafte 

Abgründe auftun. Unheimlich, weil uns der 

Künstler mit einem ungewohnten, verstörenden 

und eigenartig modernen Frauenbild voller 

Selbstermächtigung konfrontiert. In England, 

der Wahlheimat von Johann Heinrich Füssli 

(1741–1825), wurde die mit der Courtauld 

Gallery (London) erarbeitete Schau denn auch 

unter dem Titel ‹Fuseli and the Modern Woman 

– Fashion, Fantasy, Fetishism› gezeigt. 

Füssli war nicht nur ein eigenwilliger, genialisch-origineller, 

schauerromantischer Maler, 

sondern ein ebensolcher Zeichner, so subtil 

wie innovativ. Von den 1300 Zeichnungen, 

die sich erhalten haben, sind rund 200 der 

Darstellung von Frauen vorbehalten – und 

‹Füssli. Mode – Fetisch – Fantasie› ist die erste 

Ausstellung überhaupt, die ausschliesslich 

Zeichnungen Füsslis von Frauen präsentiert. 

Bis auf wenige Ausnahmen sind es Werke, 

die zwischen 1790, nach Füsslis Heirat mit 

dem jungen Künstlermodell Sophia Rawlings, 

und den frühen 1820er-Jahren entstanden. 

Nicht für die grosse Öffentlichkeit, sondern 

für den engsten Kreis und wohl vor allem für 

ihn selbst: Für den Zeichner Füssli wurde «die 

erotisierte Figur der modernen Frau» geradezu 

obsessiv «zu einem seiner Hauptinteressen» 

(David H. Solkin, Hauptautor des ausgezeichneten 

Katalogs). Fast sechzig solcher mehr 

oder weniger intimen Blätter – nicht selten von 

einer aggressiven Erotik und besonders in den 

aquarellierten Zeichnungen von meisterhafter 

Hell-Dunkel-Dramatik – bietet die Ausstellung, 

aufgeteilt in die Kapitel ‹Die andere Seite der 

Venus› (nämlich Frauengestalten von hinten), 

‹Gefährliche Liebschaften› und ‹Medusa am 

Kamin›. Bei den meisten zeigt sich Füsslis 

beinahe pathologisches Interesse für Frauenhaar, 

gebändigt in modisch-fantastischen, 

hochartifiziellen Frisuren. Die Frauen, seien es 

nun Kurtisanen oder Damen der Gesellschaft, 

die dergestalt überhöht erscheinen, selbstbewusst, 

herausfordernd, sind beides, Lustobjekte 

und Angstobjekte in einem von Füssli 

und vielen seiner kreativen Zeitgenossen als 

unmännlich empfundenen Zeitalter. Das macht 

die Schau zusammen mit den fesselnden 

Ausführungen im Katalog so attraktiv: dass hier 

nicht nur Kunst verhandelt wird, sondern auch 

Kulturgeschichte, insbesondere Geschlechterrollen. 

AM 

Johann Heinrich Füssli · Sophia Füssli mit grossen 

Haarwickeln und rosa Handschuhen vor 

braunem Vorhang, 1790, Grafitstift und Pinsel, 

aquarelliert, in Weiss gehöht, 31,6 x 19,7 cm 

Johann Heinrich Füssli · Dame vor Laokoon, um 

1800–1805, Feder in Braun und Pinsel, braun 

laviert, über Grafitstift, 31,8 x 40,3 cm. Beide 

Kunsthaus Zürich, Grafische Sammlung 

→ Kunsthaus Zürich, bis 21.5. 

↗ www.kunsthaus.ch 


Athene Galiciadis 

Zürich — Ein Schritt in die Einzelausstellung 

‹Orientation› von Athene Galiciadis (*1978, 

Altstätten) im Haus Konstruktiv, und die Orientierung 

geht kurzerhand verloren: Türkisblaue, 

schräg freihängende Planen teilen den 

Ausstellungsraum, darunter tummeln sich 

kniehohe Keramikvasen wie Bewohner:innen 

einer Wüstenstadt. Grossflächige Gemälde 

gliedern den Raum in weitere Abschnitte. 

Dazwischen immer wieder ein Katzengesicht. 

Wohin also im Ausstellungsraum, liebe Katze? 

«… it doesn’t much matter which way you go», 

antwortet sie in ‹Alice im Wunderland›, als Alice 

nach dem Weg fragt. Ganz getreu ihrem fiktiven 

Vorbild, taucht die Grinsekatze immer wieder 

unerwartet in den 14 Gemälden der ausgestellten 

‹Stillleben›-Serie auf. In ‹Stillleben (related 

revelations)›, 2022, beispielweise schläft sie 

selig am oberen Bildrand, halb in Auflösung 

begriffen. Richtig sichtbar wird sie im ‹Stillleben 

(Atomizer)›, 2022: Hier blickt die Katze mit 

neongelben Augen in den Ausstellungsraum, 

der Rest ihres Körpers verschwimmt im Acryl. 

Die Künstlerin malt ihre Gemälde in Schichten 

– zuerst Acryl, dann Ölfarbe –, sodass 

sie sich zu mehrdimensionalen Bildwelten 

zusammensetzen, wobei die einzelnen Ebenen 

ungreifbar durchsichtig anmuten. So wie die 

Katze. Wer ihr folgt, hat eine Orientierung im 

Raum, aber ganz auf die Schliche kommt man 

ihr nicht. Bevor sich ihre Symbolik erschliesst, 

ist sie verdampft – «atomized». 

Wiederholende Elemente wie die Grinsekatze 

bilden das Verbindungsglied von Galiciadis’ 

ausgestelltem Werk: Spiralen, die zu Schlangen 

werden, oder Keramikvasen. Letztere sind 

physisch anwesend im Raum, agieren aber 

auch als zentrale Objekte in den Gemälden. 

Deren geometrische Muster und Formen sowie 

kontrastierende Farben spiegeln sich selbstreferenziell 

in den unterschiedlichen Werken. In 

ihrer Ganzheit gelesen, werden die Arbeiten so 

zu Fragen nach Kreisläufen, Wiederholungen 

und deren innewohnenden Geheimnissen. Wo 

endet beispielsweise das Labyrinth im ‹Stillleben 

(Orientation)›, 2022? Wo endet es in der fast 

gleichnamigen Ausstellung? Am Ende sind alle 

Fragen unbeantwortet, und mit ihnen bleibt 

die Lust, wiederzukommen und nochmals die 

Orientierung in der rätselhaft beeindruckenden 

Arbeit von Athene Galiciadis zu verlieren. NR 

Athene Galiciadis · Orientation, Ausstellungsansicht, 

Museum Haus Konstruktiv. 

Foto: Stefan Altenburger 

Athene Galiciadis · Stillleben (Vier Gefässe, 

Eine Banane und die Mutter der Inspiration), 

2021, Öl und Acryl auf Leinwand, 210 x 170 cm. 

Foto: Andreas Zimmermann 

→ Museum Haus Konstruktiv, bis 7.5. 

↗ www.hauskonstruktiv.ch 

HINWEISE // ZÜRICH 

81

Jan Czerwinski 

Zürich — Vor eine aus dem Wolkenmeer ragende 

Bergkulisse schieben sich ein naturalistisch 

gemalter, gigantischer Rabenschädel und ein 

Taschenkrebs. Die in hyperrealistischer Malweise 

gehaltenen Schädel kontrastieren mit 

dem Hintergrund, den in Blautönen gehaltenen, 

diffus wirkenden Berggipfeln. Jan Czerwinski 

(*1966) arrangiert seine Motive gekonnt und 

ausgeklügelt, wie besonders das Bild ‹Die 

Holbeins›, 2013, vorführt. Die hell beleuchteten 

Tier- und Menschenschädel heben sich vor tiefschwarzem 

Hintergrund ab. Die Vergänglichkeit 

ist in Czerwinskis Werk allgegenwärtig, was 

vielleicht seinen Hang zur Gothic-Kultur erklärt. 

Der Ausstellungstitel bezieht sich auf den 

verzerrten Schädel als Memento mori im berühmten 

Doppelporträt ‹Die Gesandten›, 1553, 

von Hans Holbein dem Jüngeren (1497–1543). 

Es stellt ein undefinierbares, anamorphotisches 

Objekt in Perspektive dar, das zwischen 

zwei männlichen Figuren über dem Mosaikfussboden 

schwebt. Bei näherer Betrachtung 

entpuppt sich das Vexierbild als Totenschädel. 

Abgesehen von diesen effektvollen Szenen treiben 

Jan Czerwinski Fragen der Malerei um, wie 

die Gliederung des Bildraums, die Lichtführung, 

die Farb- und Bedeutungsperspektive sowie 

die altmeisterhafte Manier. Sie manifestieren 

sich etwa in einer aus schwarzem Hintergrund 

auftauchenden Magnolie, die mit ihrer 

blühenden Pracht eine wahre Ode an das Leben 

bekundet. DvB 

R. Vendrame / H. Roeckle 

Zürich — Eine Strasse in der Londoner City 

lässt an den Schlaghosen eines Passanten 

auf die 1970er schliessen. Die in flirrendes 

Pink getauchte Szene erinnert an die damalige 

aufgekratzte Aufbruchstimmung, als Romeo 

Vendrame (*1949) mit seiner Fotokamera die 

Metropole durchstreifte und begeistert alles 

ablichtete, was ihn grad reizte. Es entstanden 

Hunderte von Dias, aus denen der Fotokünstler 

jetzt nach eigenen Kriterien eine Auswahl getroffen 

hat. Die Dia-Rahmen hat er mit diversen 

opaken und halb transparenten Materialien bearbeitet 

und das nach mehreren Abstraktionsschritten 

veränderte Bild erneut fotografiert. In 

der Ausstellung ‹A Loner’s Choreography› zeigt 

er Arbeiten aus den Werkzyklen ‹Loner› und 

‹Choreography› in einer ganz eigenen Sprache, 

die von Unschärfen und Verfremdungen lebt. 

Diese Erinnerungsbilder kontrastieren mit den 

durch Reduktion und Klarheit bestechenden 

‹Crystalline Needles› und den Polyedern von 

Hanna Roeckle (*1950). Mit den lackierten, 

spiegelähnlichen Glasfaser-Kunststoffoberflächen 

entfalten die Skulpturen je nach Lichteinfall 

ein effektvolles Spiel von changierenden 

Farben in Blau- über Kupfer- zu Goldtönen und 

interagieren mit dem Raum und dem Publikum. 

So entsteht ein spannender Dialog zwischen 

Werken aus modularen Ordnungskategorien 

und dem ephemeren Licht. DvB 

Jan Czerwinski · Alter Disput, 2012, Öl auf 

Leinwand, 90 x 150 cm 

→ Stiftung Kunstsammlung Albert und Melanie 

Rüegg, bis 29.4. 

↗ www.kunstsammlung-ruegg.ch 

Romeo Vendrame · Dedicated Followers II, 

2019, aus der Serie ‹Choreography Part III›, 

Pigmentdruck zwischen Acrylglas, 150 x 100 cm 

→ Fabian und Claude Walter Galerie, bis 22.4. 

↗ www.fabian-claude-walter.com 


Pippa Garner 

Zürich — Es war einmal, als Verlagshäuser 

und Printmedien noch über reichlich Kapital 

verfügten, da entwickelte Pippa Garner unter 

anderem im Auftrag von (Werbe-)Magazinen 

und Zeitschriften ein eigenwilliges, künstlerisches 

Œuvre. Die Kunsthalle Zürich präsentiert 

es anhand von Archivmaterialien aus den 

letzten fünf Jahrzehnten, das einem den Kopf 

verdreht. Pippa Garner (*1942), auftretend 

als Philip, Phil oder Philippa, wurde 1966 für 

den Vietnamkrieg zwangsrekrutiert und im 

Combat Art Team eingesetzt, um die «Annalen 

des Krieges» illustrativ zu dokumentieren. 

Währenddessen kaufte Pippa in Saigon ihre 

ersten Kameras und entdeckte die Fotografie. 

Zurück in den Staaten, studierte sie Automobile 

Design am Art Center in Kalifornien, wurde 

aber kurzerhand rausgeschmissen, als sie 1969 

das Projekt ‹Kar-Mann (Half Human Half Car)› 

zeigte. Diese und andere Kuriositäten können in 

der Kunsthalle auf Fotos begutachtet werden, 

darunter der ‹hatfor-2›, eine herkömmliche 

Baseballkappe, die für zwei Personen umgeformt 

wurde. Sobald man sich gemeinsam 

unter der Mütze befindet, scheint sie ein guter 

Ausgangspunkt zum Schmieden einer neuen 

Beziehung zu werden. 

Garner hat ein transitorisch-performatives 

Gesamtwerk von skurrilen Illustrationen 

und Kaufkatalogen, futuristisch-visionären 

Alltagsgegenständen und perplex-sinnlichen 

Selbstporträts geschaffen, gekoppelt an einen 

reichen Fundus von Notizbüchern. Wenige ihrer 

Objekte sind noch erhalten, da Garner, ähnlich 

wie Daniel Düsentrieb, stets alles zerlegt, 

ummodelliert und neukonzipiert. Mit schrägen 

Kreationen betreibt sie Konsumkritik und 

«hackt» binäre Kategorisierungen. Dies reicht 

so weit, dass sie Mitte der 1980er-Jahre, als 

sie in TV-Shows ihre schrulligen Prototypen 

präsentierte – deren Nützlichkeit keineswegs 

zu unterschätzen sind –, anfing, mit ihrem 

Geschlecht zu experimentieren. 

Als Anfang der 2000er-Jahre alles Werbegeld 

ins Internet versickerte, verschwand auch Garner 

von der Bildfläche. Doch seit 2015 erlebt 

sie ein Revival. Möglicherweise, weil wir heute 

über ein differenzierteres Vokabular verfügen, 

um uns ihrer Genialität zu nähern. (Ihre Katze 

hiess übrigens Genius.) Was einst vor allem 

lustig wirkte, erscheint heute progressiv. Die 

Künstlerin war ihrer Zeit schlichtweg voraus. 

Möge Garner, die nie kommerziellen Erfolg 

anstrebte und lieber an Orten residiert, wo sie 

sich nicht ganz wohlfühlt, die Anerkennung bekommen, 

die ihr zusteht. Diese läutet nach dem 

Kunstverein München nun auch die Kunsthalle 

Zürich ein. SGR 

Pippa Garner · TIE-SAV-R, aus Garners ‹Better 

Living Catalog›, 1982. Foto: Tim Street-Porter 

Pippa Garner · Un(tit)led (Neopop Businesswear) 

(Half-Suit), ca. 1980/81, Beitrag für 

‹The Voice›, Juli 1981 

→ Kunsthalle Zürich, bis 14.5. 

↗ www.kunsthallezurich.ch/de 

HINWEISE // ZÜRICH 

83

BESPRECHUNGEN 

Silvia Bächli / Eric Hattan — Farbfelder und Muldenkunst 

Wenn die Biennale-Künstlerin Silvia Bächli und ihr Lebenspartner 

Eric Hattan in der Langmatt ausstellen, dann kommen die 

Leute in Scharen. Es ist ein Heimspiel der in Baden aufgewachsenen 

Kunstschaffenden. Und was für eines: Farbintensive 

Gouachen und witzige Eingriffe beleben das Wohnmuseum. 

Baden — Das Esszimmer der Browns präsentiert sich seit hundert Jahren unverändert 

dem Publikum aus aller Welt. Tatsächlich? Lag diese Schale schon immer auf 

dem Tisch? Etwas rau wirkt sie, die Früchte darin arg verschrumpelt. Beim genauen 

Hinsehen entpuppen sie sich als rote Socken, aus denen Sprossen von Kartoffeln 

wachsen. Das Mitbringsel des Basler Künstlers Eric Hattan (*1955) hat eine Geschichte, 

wie all seine Objekte. Ein Kartoffelschäler des elterlichen Haushalts hatte 

es ihm als Kind besonders angetan. «Es waren eigentlich meine Anfänge als Bildhauer 

– das Schälen als performativer Akt und das Schaffen eines Objekts», bilanziert er. 

Die Liebesbeziehung zur Kartoffel findet im Obergeschoss eine Fortsetzung. Auf dem 

Fliesenboden des Badezimmers liegen geschälte und grau verfärbte Dinger. Man 

fragt sich leicht irritiert: Was schimmelt denn da am stillen Örtchen so unansehnlich 

vor sich hin? Ein gegabeltes Armierungseisen, eine grüne Tafel aus einer New Yorker 

Mulde oder ein toller Stangenwald mit betongefüllten Töpfen belegen Hattans Blick 

fürs scheinbar Wertlose und seine unbändige Lust, die Welt anders zu denken. 

Dass Frauen den Kunstmalern nicht nur Modell sitzen, sondern selbst zum Pinsel 

greifen, beweist Silvia Bächli (*1956) schon lange. Diesmal mit abstrakten und – 

im Vergleich zu ihren Frühwerken – ungewohnt bunten Gouachen: blau, petrolgrün, 

orange, nude. Hat sich die Zeichnerin von der Langmatt-Sammlung inspirieren lassen? 

«Überhaupt nicht. Ich hatte Lust auf Farbe – und auf Abstraktion. Und die lässt 

sich mit Farbe einfach besser realisieren», sagt die emeritierte Kunstprofessorin. So 

entstanden letztes Jahr über sechzig Blätter, von denen 14 an der Zahl die grosse Galerie 

säumen. Die Auswahl macht es aus: Die Künstlerin hat die Papiere im Hoch- und 

Querformat, nach formalen und ästhetischen Kriterien wie eine Partitur angeordnet. 

«Referenzen ergeben sich für mich im Nachhinein», sagt sie, «etwa zu einer realen 

Landschaft mit Horizont oder zu Monets Eisschollen auf der Seine.» Silvia Bächli 

führt die Pinselstriche am Ateliertisch aus, von oben nach unten oder horizontal in 

beide Richtungen und stets gemessen an der Länge ihres ausgestreckten Arms. Die 

weissen Leerstellen an den Rändern markieren den Beginn oder das Ende des Malprozesses. 

Sie verstärken die Tiefenwirkung und vermitteln etwas wunderbar Körperhaftes. 

Es zieht einen hinein und – meilenweit fort. Feli Schindler 

→ ‹Silvia Bächli› und ‹Eric Hattan – Five O’Clock Shadow›, Museum Langmatt, bis 29.5.; zwei lesenswerte 

Publikationen mit Texten von Markus Stegmann, Hatje Cantz 2023. ↗ www.langmatt.ch 


Eric Hattan · Five O’Clock Shadow, Ausstellungsansicht Museum Langmatt, Baden. 

Foto: Severin Bigler 

BESPRECHUNGEN // BADEN 

85

À bruit secret — Das Hören als multisensorisches Spektrum 

In der Reihe von fünf Themenausstellungen zu den menschlichen 

Sinnen zeigt das Museum Tinguely in Basel als vierte 

Schau 25 internationale künstlerische Positionen, die sich mit 

dem Phänomen des Hörens auseinandersetzen. Dabei werden 

weit mehr Bereiche des Körpers als nur das Ohr angesprochen. 

Basel — Der Hörsinn beschränkt sich nicht nur auf akustische Wahrnehmungen. 

Das wird in der aktuellen Ausstellung im Museum Tinguely deutlich, die Sound als 

Ausgangspunkt für eine multisensorische Herangehensweise ergründet. Skulpturen, 

Installationen, Fotografien, Papierarbeiten und Gemälde von sowohl bekannten, 

teilweise historisch bedeutenden Positionen als auch von zeitgenössischen 

Künstler:innen werden in insgesamt zwölf verschiedenen Räumen gezeigt. 

Die Besuchenden werden auf eine klangliche Reise geschickt, die am Rhein beginnt 

– dort, wo die Architektur des Hauses mit dem Aussen verschmilzt und dessen 

Geräusche nach innen holt. Über Kopfhörer folgen wir der neuen Soundinstallation 

von Christina Kubisch (*1948), schreiten die Glasfassade entlang des Flusses ab, 

während durch elektromagnetische Ströme die von der Künstlerin zuvor aufgenommenen 

Klänge des Rheins übertragen werden. Dabei spielt die Verschmutzung durch 

Tanklaster ebenso eine Rolle wie die Poesie des Plätscherns. 

Gehen wir weiter, zeigt uns eine Fotografie aus einer bekannten Serie von Isa 

Genzken aus den 1980er-Jahren ein Ohr – das Organ für unseren Hörsinn. Ausgehend 

von dieser physiologischen Grundlage tauchen wir ein in Synästhesien und in 

eine Gleichzeitigkeit von sonst in der Kunst oft getrennt voneinander auftretenden 

Sinneswahrnehmungen. Eine Aufnahme und visualisierte Komposition von Kurt 

Schwitters’ ‹Ursonate›, 1922–1932, führt die menschliche Stimme als Klanginstrument, 

hier als lautpoetisches Element ein. Später erleben und hören wir in einer mit 

einem Vier-Kanal-Soundsystem ausgestatteten Installation von Alexander Tillegren 

(*1991) Phantomworte, die als neuropsychologische Hörtäuschungen dem Gehirn 

vorgaukeln, dass es aus dem abstrakten Sound Wörter heraushören könne. Dabei ist 

der Klang auch physikalisch, körperlich als Vibration durch die Schallwellen spürbar. 

Die physische Bewegung von Sound wird auch in den aktuellen Arbeiten der in Berlin 

lebenden Künstlerin Jorinde Voigt (*1977) spür- beziehungsweise sichtbar: Aus farbigem 

Papier geschnittene Formen geben die Geste der Künstlerin wieder, die sie mit 

einem Skalpell zu Musik ausführte. Die Einzelteile bilden eine Art Meta-Rhythmus 

und fügen sich an der Wand zu voluminösen Skulpturen zusammen. So dringt das 

Phänomen des Hörens auf weitere Ebenen der menschlichen Wahrnehmung vor und 

lässt uns staunend immer weiter lauschen. Valeska Stach 

→ ‹À bruit secret – Das Hören in der Kunst›, Museum Tinguely, bis 14.5. ↗ www.tinguely.ch 


Christina Kubisch · Il reno, 2023, Ausstellungsansicht Museum Tinguely, Basel. Foto: Daniel Spehr 

Marcel Duchamp · À bruit secret (With Hidden Noise), 1916/64 (vorne), Centre Pompidou, Mnam-Cci, 

Paris © Association Marcel Duchamp / ProLitteris; Isa Genzken, Ohr, 1980, © ProLitteris, Ausstellungsansicht 

Museum Tinguely, Basel. Foto: Daniel Spehr 

BESPRECHUNGEN // BASEL 

87

Linda Semadeni — Ins Blickfeld gefasst 

Raster rufen geradezu danach, sie zu durchbrechen. Linda 

Semadeni erkundet, wie sich ein selbst auferlegtes Regelwerk 

verwandeln lässt, und thematisiert dabei zugleich gesellschaftliche 

Typisierungen. Zwei einander widersprechende Sätze sind 

Ausgangspunkt für ein dynamisches Spiel. 

Chur — Rosa und Hellblau stehen vielfach für das Unschuldige, das Kindliche, das 

Niedliche. Beide Farben werden ausserdem noch immer mit Geschlechterzuschreibungen 

assoziiert. Linda Semadeni (*1985) wirft all das über den Haufen, nur die 

Dualität bleibt bestehen: Ein hellblaues Auge und ein rosafarbenes Auge blicken einander 

aus zwei querformatigen Bildern heraus an. Wie Banner hängen sie auf jeweils 

einer Stirnwand im ‹Labor› des Bündner Kunstmuseums. Wie in einem Chemielabor 

aus verschiedenen Zutaten in aufwendigen Prozessen Neues entsteht, so hat 

auch die aktuelle Manor-Kunstpreisträgerin ihre Bilder aus einem grossen Fundus 

komponiert: Seit mehr als einem Jahr arbeitet Semadeni an einer Zeichnungsserie. 

Bereits 300 Blätter kreisen um die zwei Aussagen «I’m not a nice girl» und «I’m a 

hot nice girl». Sie spielt mit diesen entgegengesetzten, stereotypen Männerfantasien, 

wiederholt, fragmentiert, dekonstruiert die Sätze oder setzt sie neu zusammen. 

Mal sind die Wörter wie eine Fleissaufgabe in Schönschrift festgehalten, mal lässig 

hingeworfen, mal aufs Papier gerammt. Semadeni arbeitet mit Stiften und Farben, 

mit bedrucktem und unbedrucktem Papier, mit Schere, Klebeband, Leim, auch mit 

Haaren und anderen Materialien. Es entstehen Sprach- und Buchstabenbilder, die 

ebenso an Konkrete Poesie erinnern wie an die Wandkritzeleien auf der Schultoilette 

– jene Markierungen im Feld von Begehren und Scham, von Körperklischees und 

Erfolgsdruck, von Behauptung und Widerstand. 

Die Künstlerin zeigt die A4-Blätter ausschliesslich im Katalog, in der Ausstellung 

reagiert sie auf den grossen Raum mit zwei Digitalprints auf Blachen. Deren Mitte dominiert 

einmal das überdimensionale hellblaue, beim zweiten Bild das ebenso grosse 

rosafarbene Auge. Rechts und links davon sind ausgewählte Sujets der Zeichnungsserie 

zu sehen. Sie sind vergrössert oder bis zur Winzigkeit verkleinert, übereinander 

gelagert oder Kante an Kante platziert. Durch die Transformation ins digitale Bild 

und das Spiel mit den Dimensionen durchbricht die Künstlerin die Zeichnungslogik. 

Verloren geht dabei die Unmittelbarkeit und Kraft der analog erarbeiteten Serie, gewonnen 

ist eine grosse Präsenz und Konzentration. Alles passiert gleichzeitig, alles 

kann «hot» sein und «nice» oder ist es «not». Die beiden einander gegenüber positionierten 

Augen überblicken alles und sind selbst Ziel der Blicke: Schau mich an. Wie 

willst du gesehen werden? Wie siehst du mich? Wie sehe ich dich? Kristin Schmidt 

→ ‹Linda Semadeni – Manor Kunstpreis Graubünden›, Bündner Kunstmuseum Chur, bis 2.7. 

↗ www.buendner-kunstmuseum.ch 


Linda Semadeni · Endless Love (Blue), 2023, Digitalprint auf PVC, 198 x 620 cm, Ausstellungsansicht 

Bündner Kunstmuseum Chur. Foto: Björn Allemann 

BESPRECHUNGEN // CHUR 

89

Rosemarie Trockel — Das Eigene stetig neu betrachten 

Nachdem Rosemarie Trockel zuletzt in Bregenz und Malmö mit 

grösseren Ausstellungen präsent war, zeigt das Museum für 

Moderne Kunst in Frankfurt nun eine umfassende Werkschau. 

Darin werden Trockels souveränes Gespür für Härten und Schönheiten 

sichtbar und ihre Lust, eine Haltung weiterzuentwickeln. 

Frankfurt/M — Vom lichtdurchfluteten Foyer über die tortenförmig zulaufenden Säle 

bis zu den Kabinetten: Alle Räume des Museum für Moderne Kunst werden genutzt, 

um rund dreihundert Werke von Rosemarie Trockel (*1952) ab den 1970er-Jahren bis 

heute zu zeigen. Die Mehrheit der Säle wurde dafür angepasst: senffarbene Wände 

für Zeichnungen, Buchentwürfe und Collagen, liturgisches Violett für eine Auswahl 

von ‹Affenzeichnungen›, mattes Schwarz für herbarienähnliche Wandvitrinen und abgehängte 

Leinwände für Videoprojektionen. Auch darin manifestiert sich Trockels mit 

jeder Ausstellung wiederkehrender Anspruch, das eigene Œuvre aus der Gegenwart 

heraus neu zu betrachten. 

Ausgehend von Werken aus der eigenen Sammlung und mit selten gezeigten Leihgaben 

wird in Frankfurt das Spektrum ihres Schaffens aufgefächert: Die berühmten 

Wollbilder, von den frühen, maschinengestrickten Versionen bis zu den jüngsten Fadenübungen, 

oder emaillierte Herdplattenarbeiten thematisieren stereotype weibliche 

Rollenbilder. Grossformatige ‹Cluster›, in denen Trockel Digitaldrucke eigener 

Werke neu kombiniert, oder konzeptuelle Arbeiten aus der Unisex-Kollektion sind 

ebenso eingeflochten wie das ikonische Werk ‹Spiral Betty›, 2010, das Robert Smithsons 

fast gleichnamige Landart-Skulptur kess kommentiert. Allem voran aber stellt 

Trockel den Siebdruck einer löchrigen Maschenware auf Wand mit dem Titel ‹Prisoner 

of Yourself› – ein Gedanke, den sie subtil und in Varianten auch in anderen Werken 

aufgreift: Im Video ‹Continental Divide› etwa, bei der sie ihr Alter Ego gefangen nimmt 

und mit ihm die Frage nach «the most important artist» zu klären sucht, aber auch 

in einem frühen Selbstbildnis oder der von ihr erfundenen Revolverheldin ‹Ei-Ronny›. 

Trockel bearbeitet die systemischen Dimensionen von Sprache und Bildern als 

Zugänge zu Welt und bringt deren unterschiedliche Akteur:innen auf Augenhöhe ins 

Spiel. Das ist in Zeiten von Political Correctness und diskriminierungsfreier Sprache 

demütig und wegweisend, um die Debatte weg von den Personen und hin zum Relationalen 

zu rücken, zu Bildtypen, Kischees und der künstlerischen Freiheit, diese 

umzuarbeiten. Die jüngsten Werke sind im Obergeschoss zu sehen. Dazu gehört 

ein Tableau aus Fotos von Frauen, die schwarze Schleier tragen, einem der ältesten 

Zeichen von Trauer über den Verlust eines Menschen. Ein Porträt Putins ist Teil des 

Arrangements. Trockel hat es um die Merkmale von Fahndungsfotos ergänzt. International 

ist er noch nicht als Verbrecher ausgeschrieben. Stefanie Manthey 

→ ‹Rosemarie Trockel›, Museum für Moderne Kunst, bis 28.6. ↗ www.mmk.art 


Rosemarie Trockel · Cluster VI – Door Ajar, 2021, 14 Digitalprints auf Papier, montiert auf Forex, 

243,6 x 597,2 x 5 cm, Courtesy Sprüth Magers © ProLitteris. Foto: Axel Schneider 

Rosemarie Trockel · Ausstellungsansicht Museum MMK, Frankfurt © ProLitteris. Foto: Frank Sperling 

BESPRECHUNGEN // FRANKFURT/M 

91

Ugo Rondinone — Kunst, Geschichte und Wahrheit 

Marc-Olivier Wahler, der seit 2019 das MAH in Genf leitet, vergibt 

die dritte seiner ‹Cartes blanches XL› zur «künstlerischen, 

kreativen» Interpretation der Sammlung im Hauptgebäude an 

Ugo Rondinone. Das Resultat mag euphorisieren. Museologisch 

wirft es Fragen auf. 

Genf — Die neue «Ausstellungsveranstaltung» im Musée d’art et d’histoire heisst 

‹When the Sun Goes Down and the Moon Comes Up› und sorgt beim ersten Rundgang 

für Ahs und Ohs. Bewusst vormodern-zeremoniell und romantisch-grenzenlos 

vereinnahmt Ugo Rondinone (*1962, Schwyz) auf der Bel Etage Hodler und Vallotton 

für sein eigenes Werk. Dazu tauchte der Wahl-New-Yorker die Säle nacheinander 

ins Licht der Regenbogenfarben – ein Leitmotiv seines Œuvres. Dennoch stellt sich 

die «Unio mystica» der Darbietung nicht ein. Zu irritierend, wie Rondinone mit den 

Helden der Schweizer Kunst um 1900 eine Generationenfolge feiert, die nur Männer 

kennt – wie es leider bei den superteuren Projekten mit Megakommunikation im 

MAH stets üblich ist. 

Es hilft nicht, dass Rondinone links und rechts des Eingangs Hodlers Kriegerbilder 

für öffentliche Orte und Vallottons Frauenakte für Stube oder Kammer zur «Deshierarchisierung» 

wenigstens der Kunstgattungen mitten in den Räumen auf dem 

Boden platziert. Die Gemälde spielen so perspektivisch nicht mehr, bagatellisieren 

eine gewaltgeprägte Vergangenheit durch die nunmehr schmächtig wirkenden Männer, 

brutalisieren hingegen die sich auf Betten räkelnden Frauen. Die hinten auf den 

aufwendigen Stellhalterungen der Gemälde gezeigten Skizzen entpuppen sich sogar 

als teils auch noch beschnittene Kopien dieser Blätter. Das Hodler und Vallotton starr 

vergleichende und polarisierende Storytelling gerät spätestens in den je folgenden 

Sälen zum Storykilling. Darin fingiert Rondinone Hodler beziehungsweise Vallotton 

als queere Dandys in überladenen Sammlerwohnungen. Sogar die Presse nahm es 

teils für bare Münze. Fast zum Glück stellt Rondinone im hinteren Gebäudeteil neben 

Hodler-Seenlandschaften, Vallotton-Sonnenuntergängen, weiterer Fake Art und 

Uhren zunehmend nur noch sich selbst aus. Mit blauen, mit Wasser aller Weltmeere 

gefüllten Glaspferden und schlaffen, aus Erde aller Kontinente geformten Tänzerfiguren 

– beides neuere Serien – erweist er sich einmal mehr als grandioser Plastiker! 

Ist es jedoch das Dringlichste, die Codes moderner Museen (Instanzentrennung, 

Originale, wissenschaftliche Aufarbeitung, Ökonomie) zu verlassen zugunsten einer 

von Marc-Olivier Wahler auf Bildkünstlerisches reduzierten Kreativität? Zeigen 2023 

nicht wieder genug Autokraten, Imperialisten und Religionsfanatiker, wie giftig Historie 

schnell wird, wenn nicht behutsam verhandelt? Katharina Holderegger 

→ ‹Ugo Rondinone – When the Sun Goes Down and the Moon Goes Up›, Musée d’art et d’histoire de 

Genève, bis 21.6. (Sonnenwende) ↗ institutions.ville-geneve.ch/fr/mah 


Ugo Rondinone · When the Sun Goes Down and the Moon Goes Up, Ausstellungsansicht mit weiblichen 

Akten Vallottons, Musée d’art et d’histoire, Genf. Foto: Stefan Altenburger 

Ugo Rondinone · When the Sun Goes Down and the Moon Goes Up, Ausstellungsansicht der fingierten 

Wohnung Vallottons, Musée d’art et d’histoire, Genf. Foto: Stefan Altenburger 

BESPRECHUNGEN // GENF 

93

disnovation.org / Mia Sanchez — Prototypen und Settings 

Die aktuellen Ausstellungen im Kunsthaus Langenthal loten 

komplexe Zusammenhänge aus. Während das Kollektiv 

disnovation.org Perspektiven einer Zukunft nach dem «Wachstumspfeil» 

durchspielt, setzt sich Mia Sanchez mit verschiedenen 

Dimensionen des (öffentlichen) Raums auseinander. 

Langenthal — Im Flur des 1. Obergeschosses prangen zur Linken gross und schwarz 

die Lettern «post growth» und zur Rechten «the bestiary of the anthropocene». Perspektiven 

und Problematiken – genau das zeigt die Schau von disnovation.org auf. 

Etwa im Bestiarium, das Monstrositäten des «Zeitalters des Menschen» versammelt, 

sprich, irreversible menschliche Eingriffe in die Umwelt. Grafiken, Texte und 

Objekte stellen beispielsweise den Drohnen fangenden Adler, den Militärroboter Big- 

Dog oder das auf den Menschen übergegangene SARS-COV-2-Virus vor. Weiter veranschaulicht 

ein ‹Life Support System› aus Pflanzen, Kunstlicht und Bewässerung den 

(Geld-)Wert der kostenlosen Ressource Sonne. Prägnant auch der ‹Solar Share› – ein 

Pack Kekse, das just unseren täglichen Kalorienbedarf deckt und mit der jährlichen 

Sonneneinstrahlung auf einen Quadratmeter Weizen produziert wurde. 

Auf diese eindringlichen Anschauungsräume folgt ein Leseraum zur langjährigen 

Recherche des internationalen Kollektivs, das an der Schnittstelle zu Kunst, 

Forschung und Aktivismus operiert. In Videos und Aufsätzen werden Erklär- und 

Lösungsansätze aufgezeigt, etwa der stete, vorsorgliche Gedanke an eine «Siebte 

Generation» aus der Philosophie der Irokesen. Spielerisch werden im ‹Post Growth 

Toolkit (The Game)› kritische Materialien wie Kohle in Verbindung mit neuen Ansätzen, 

etwa dem «Energiesklaven», in «spekulativen Zukünften» diskutiert. So rechnet 

dieser «Sklave» den Energieverbrauch der Maschine auf den Körper um. 

‹Der lange Schatten des Aufwärtspfeils – Prototypen für das Postwachstum› 

nennt das Kollektiv seine erste Überblicksschau im deutschsprachigen Raum. Sie 

fordert vom Publikum Vertiefung in die komplexe Materie, um die spannenden Ansätze 

zu entdecken, die über die tagesaktuellen Diskussionen hinausweisen. 

Im 2. Stock des Kunsthauses setzt sich die Baslerin Mia Sanchez (*1998, Sevilla) 

in ‹Settings› ebenfalls mit unserer Umwelt, speziell dem öffentlichen Raum, auseinander. 

Bühnenartige Holzkonstruktionen zeigen Modelle der allgegenwärtigen Sitzbank 

La Strada oder die Spielplastik Lozziwurm. Ergänzt werden sie von Siebdrucken 

auf roher Leinwand, die «Garnituren» von Kleidungsstücken zeigen. Fragen nach dem 

Verhältnis zwischen ihren Träger:innen und den ausgestellten Objekten oder nach 

möglichen sozialen Organisationsformen werden hier assoziativ gestellt und können 

als passende Ergänzung zum 1. Stock verstanden werden. Adrian Dürrwang 

→ ‹disnovation.org – Der lange Schatten des Aufwärtspfeils›, bis 25.6.; ‹Mia Sanchez – Settings›, 

bis 16.4., beide im Kunsthaus Langenthal ↗ www.kunsthauslangenthal.ch 


disnovation.org · Life Support System, 2020–23, Weizen, LED-Wachstumslampen, Ventilatoren, Kamera, 

Wassertank, Live-Video-Streaming, Ausstellungsansicht Kunsthaus Langenthal. Foto: C. Mussano 

disnovation.org · Bestiary of the Anthropocene, 2021–23, Publikation, digitale Zeichnungen, Lautsprecher, 

Staubsaugerroboter, div. Objekte, Ausstellungsansicht Kunsthaus Langenthal. Foto: C. Mussano 

BESPRECHUNGEN // LANGENTHAL 

95

Betye Saar — Rituale der Zusammenkunft 

Die amerikanische Künstlerin Betye Saar gehört mit ihren Assemblagen 

und Installationen zu den Pionierinnen des Black 

Arts Movement und Black Feminism. Bezeichnenderweise ist 

sie hierzulande kaum bekannt. Das Kunstmuseum Luzern füllt 

nun diese Lücke mit einer stimmungsvollen Retrospektive. 

Luzern — Kunst ist für Betye Saar (*1926) ein Ritual der Zusammenkunft. Von gefundenen 

Objekten, Materialien und Mächten, aber auch von Menschen, Generationen 

und Zeiten. Und sie ist ein Ritual des Übergangs zum Unbekannten, Grenzenlosen. 

Dies veranschaulichen besonders ihre wenig gezeigten Installationen, die im Zentrum 

der Ausstellung ‹Serious Moonlight› stehen. Von Fanni Fetzer, Direktorin des 

Kunstmuseum Luzern, und Stephanie Seidel, Kuratorin des Institute of Contemporary 

Art Miami, erhalten sie angemessene Räume, sodass sich die entsprechenden Atmosphären 

und Stimmungen entfalten können. 

Gespenstisch etwa schwebt in ‹Gliding into Midnight›, 2019, ein Boot über dem 

Plan des britischen Sklavenschiffs «Brooks», das 487 versklavte Schwarze Menschen 

auf engstem Raum zeigt. Schwarze Hände strecken sich gen Himmel, im Hintergrund 

‹Celestial Universe›, 1988. Übergang ins Jenseits, Wiederauferstehung der 

Toten, unendliches Sehnen nach Gerechtigkeit. Der atlantische Sklavenhandel war 

die grösste Zwangsmigration in der Geschichte der Menschheit. Mehr als zwölf Millionen 

Afrikaner:innen wurden auf den kolonialisierten amerikanischen Kontinent 

deportiert. Ein transgenerationales Trauma, das bis heute – Stichwort «Black Lives 

Matter» – nachwirkt. Die unheilvolle Fahrt über die «Middle Passage» gemahnt auch 

an die überfüllten Flüchtlingsboote im Mittelmeer. 

Die Zerstörung von Familien, Traditionen, ja Zeitkontinuen machte es für die afrikanische 

Diaspora in der «Neuen Welt» notwendig, neue Rituale, Symbole und Religionen 

zu schaffen, indem sie Altes und Neues verbanden. So etwa Voodoo in der Karibik, 

Hoodoo in den Südstaaten oder Santería in Kuba. Saar bezieht sich in ‹Mojotech›, 

1987, ‹House of Fortune›, 1988, oder ‹The Trickster›, 1994, nicht nur explizit darauf, 

sondern ihre eigene rituelle Praxis und spirituelle Symbolwelt gleicht auch dieser 

«Poétique de la Relation» (Édouard Glissant). Ihr Recycling gefundener Objekte ist 

ein «Reanimating» und ein «Reclaiming» der Vergangenheit, aber auch vergangener 

Zukünfte, ungelebter Leben und unrealisierter Utopien. 

Doch am Ende ihres künstlerischen Rituals steht der «Release» des Werks und 

damit der Anfang des kollektiven Rituals des Übergangs: in eine kommende Gemeinschaft 

der ungeteilten Erde, in der alle eins sind. Saars Ritual der Zusammenkunft ist 

damit auch ein Ritual einer kommenden Zukunft. Michel Rebosura 

→ ‹Betye Saar – Serious Moonlight›, Kunstmuseum Luzern, bis 18.6. ↗ www.kunstmuseumluzern.ch 


Betye Saar · House of Fortune, 1988, Courtesy Roberts Projects, LA, Ausstellungsansicht Kunstmuseum 

Luzern. Foto: Marc Latzel 

Betye Saar · Gliding into Midnight, 2019, Detail, Courtesy Tia Collection, Santa Fe; Celestial Universe, 

1988 (hinten), Detail, Ausstellungsansicht Kunstmuseum Luzern. Foto: Marc Latzel 

BESPRECHUNGEN // LUZERN 

97

Sheila Hicks — Geballte Farbe 

Das Kunstmuseum St. Gallen zeigt die erste institutionelle Einzelausstellung 

von Sheila Hicks in der Schweiz. Es ist zugleich 

die erste von Gianni Jetzer kuratierte Schau seit seinem Amtsantritt 

als neuer Direktor des Museums. In der Lokremise sind 

Hicks’ Werke aus textilen Materialien am richtigen Ort. 

St. Gallen — In manchen Kinderbüchern gibt es Übergänge in Parallelwelten, sie führen 

beispielsweise hinaus aus der farbigen Welt hinein in eine, wo es nur Schwarz, 

Weiss und alle Grautöne dazwischen gibt. Kämen wir aus jener Welt wieder zurück in 

unsere, wie intensiv würden wir alle Farben wahrnehmen, die uns jetzt zur Gewohnheit 

geworden sind? Die Parallelwelt wäre ein Wirkungsverstärker, und so funktioniert 

auch die aktuelle Ausstellung in der Lokremise St. Gallen mit den farbenprächtigen 

Werken von Sheila Hicks (*1934). 

Das ausgediente Lokomotivdepot bietet mit seinen grosszügigen Dimensionen 

und seiner produktiven Atmosphäre einen idealen Raum für die riesigen Installationen 

der Künstlerin. Nicht zuletzt auch, weil sich die Ausstellung in St. Gallen gut 

mit der Textilgeschichte der Stadt verknüpfen lässt: Textilien sowie deren Rohstoffe 

sind auch Sheila Hicks’ Arbeitsmaterial. Sie bezieht sich auf präkolumbianische Färbe- 

und Knüpftechniken, auf umwickelte Textilien aus Lateinamerika und reagierte 

mit gewebten Stücken auf dortige Kulturen und Landschaften. Auf handlich dimensionierten, 

improvisierten Webrahmen verarbeitete sie Fasern und Objekte vor Ort. 

Diese kleinen Webereien sowie die bereits 1960 entstandenen Schärpen bilden den 

musealen Teil der Ausstellung und zeigen zugleich wichtige Grundlagen der künstlerischen 

Recherche von Sheila Hicks: Sie studierte Malerei und ist bis heute interessiert 

am Farbraum, der sich aus dem Zusammenspiel von Licht und Schatten, von 

verschiedenen Farbebenen und Zwischenräumen ergibt. Im Gegensatz zur Malerei 

sind ihre Fadenbilder durchlässig. Die unterschiedlich gefärbten Schnüre oszillieren 

und bilden zarte Reliefs. Als Kontrast zu diesen, an klassische Bildformate angelehnten 

Arbeiten greifen die Lianen, die Knäuel, die aufgetürmten und ausgebreiteten 

Materialien in den Raum aus. Gross, weich, farbsatt dominieren sie die Ausstellung. 

Allen voran die fast sieben Meter hohe Installation ‹Somewhere to Go›, 2022 – eine 

der grössten, die Hicks bisher realisiert hat. Ihre Blau- und Türkistöne sind reich an 

Assoziationsangeboten und leuchten bis hinaus durch die Fenster der Lokremise. 

Mit solchen opulenten Farben und üppig präsentierten Materialien wirft Sheila Hicks 

sprichwörtlich die Netze aus. Aber auch mit realen Fischernetzen bannt sie die Blicke: 

Die auf dem Boden ausgebreiteten Gebrauchsobjekte sind zart wie Spitze und 

lassen sich mit der grossen St. Galler Stickereitradition verknüpfen. Kristin Schmidt 

→ ‹Sheila Hicks – a little bit of a lot of things›, Kunstmuseum St. Gallen, Kunstzone in der Lokremise, 

bis 14.5. ↗ www.kunstmuseumsg.ch 


Sheila Hicks · a little bit of a lot of things, Ausstellungsansicht LOK, Kunstmuseum St. Gallen 

© ProLitteris. Foto: Stefan Altenburger 

BESPRECHUNGEN // ST. GALLEN 

99

Hannes Brunner — Momentaufnahmen aus Karton 

Das Kunstmuseum Thurgau zeigt in einer Retrospektive im 

Klosterkeller Arbeiten von Hannes Brunner aus drei Jahrzehnten. 

Damit spannt der Museumsdirektor Markus Landert kurz 

vor der Pension einen Bogen, denn 1992 begann er sein Amt mit 

einer Ausstellung des damals in New York lebenden Künstlers. 

Warth — Die Fahrt über Land zur beschaulichen Kartause Ittingen, einem ehemaligen 

Kloster, welches nun als Kultur- und Seminarzentrum dient und unter anderem 

das Kunstmuseum Thurgau beheimatet, kann zur Einstimmung dienen. Als Ort einer 

zurückgezogenen «vita contemplativa» bietet die Kartause einen Rahmen, der zum 

hypothetischen Gestus der Entwurfsanlagen von Hannes Brunner (*1956) passt. 

Seine zumeist aus Wellkarton, Draht und anderen ebenso billigen wie ubiquitären 

Materialien gebauten Skulpturen sind «ein Abbild der Realität, das deren Komplexität 

soweit reduziert, dass sie verstanden und überprüft werden kann», so Direktor 

Markus Landert im Pressetext. Dabei fallen die mit einer Mischung aus Präzision 

und Zufall geformten Objekte ins Auge, welche als Modell einen Gedanken visualisieren, 

der sich den Betrachtenden gar nicht erschliessen muss. Da sind etwa die 

Kartonschnitzereien ‹Giardini pubblici›, die 1994 in Rom entstanden sind und weniger 

Vorlagen für tatsächliche Parkanlagen als für gesellschaftspsychologische Überlegungen 

darstellen. Sowohl visuell wie auch theoretisch sind die Arbeiten zum Zeit- 

Raum-Kontinuum, welches besagt, dass Raum und Zeit nicht voneinander getrennt 

werden können, besonders interessant. Die Zeitmaschine ‹Phönix, die Sprechblase› 

etwa fächert hinter einem Türrahmen verschiedene Spiegel so auf, dass sich je nach 

Blickwinkel der Raum vervielfältigt und sich das Hier und Jetzt scheinbar ausdehnt. 

Im gewölbten Klosterkeller begegnet man einer Fülle von weiteren Werken, so 

etwa der ‹Suburban Entity›, 2002–2006: In kleinen, zeltähnlich geformten Kabinen 

sind Videos von Menschen aus Vorstadtsiedlungen zu sehen, die selbst gewählte 

Rollen aus TV-Serien nachspielen. Die Diskrepanz zwischen medial vermittelten 

Lebensentwürfen und alltäglichen Lebensrealitäten wird sichtbar. Daneben sind interaktive 

Arbeiten und Dokumentationen von Performances ausgestellt. Hier zeigt 

sich denn auch die Schwierigkeit einer räumlich komprimierten Retrospektive, die 

Arbeiten, welche jeweils für sich mehr Raum und Zeit benötigen würden, vereint. Die 

eigensinnigen, geschichtsträchtigen Gemäuer der Kartause verkomplizieren diese 

Hermeneutik in unguter Weise. So entstehen teils kuriose Situationen: Auf der Suche 

nach dem zur permanenten Sammlung des Kunstmuseums gehörenden Modell 

‹Sternennebel›, 1991, welches die antike Idee einer für den Menschen unhörbaren 

Sphärenmusik abbildet, spaziert man etwa durch den Klostergang und trifft dabei 

wie in einem Gruselkabinett auf Wachsfiguren von Kartäuser Mönchen. Andrin Uetz 

→ ‹Hannes Brunner – Entwurfsanlagen›, Kunstmuseum Thurgau, bis 18.6. ↗ www.kunstmuseum.tg.ch 


Hannes Brunner, Ausstellungsansicht Kunstmuseum Thurgau. Foto: Stefan Rohner 

Hannes Brunner · Stadtwände, 1995/96 (vorne), 3 von 4 Modellbögen, Karton, Plexiglas, Blech, 

je 25 x 100 x 60 cm; Skizzen (hinten), je A4, Ansicht Kunstmuseum Thurgau. Foto: Stefan Rohner 

BESPRECHUNGEN // WARTH 101

Valie Export — Die Künstlerin bestimmt das Bild 

Valie Export hat ihre wegweisenden Aktionen fotografisch und 

filmisch festhalten lassen. Diese Zeugnisse sind mehr als blosse 

Dokumentationen, wie die aktuelle Ausstellung im Fotomuseum 

Winterthur zeigt. Sie entstand in Kooperation mit der Albertina, 

Wien, und in enger Zusammenarbeit mit der Künstlerin. 

Winterthur / Bregenz — Den Künstlerkollegen Peter Weibel angeleint auf allen Vieren 

durch Wien führen, mit unverhüllter Vulva ‹Genitalpanik› verbreiten, zum ‹Tapp- und 

Tastkino› einladen – diese drei Aktionen von Valie Export (*1940) sind besonders bekannt. 

Das liegt einerseits an der Radikalität und Provokationskraft der Ideen. Andererseits 

verdanken diese Aktionen ihre starke Präsenz über die Kunstgeschichtsschreibung 

hinaus ihrer fotografischen und teilweise filmischen Dokumentation. 

Valie Export weiss um die Macht der Bilder. Sie wiederholte Aktionen teils eigens 

für die Kamera. Sie stellte sich in den Mittelpunkt der Bilder, bestimmte mit klaren 

Vorstellungen die Aufnahme. Die Videos und Fotografien sind mehr als blosse Aufzeichnungen: 

Export agierte als Regisseurin, liess gezielt Schlüsselmomente ihrer 

Interaktion mit Teilnehmenden festhalten, wählte unterschiedliche Formate und 

serielle Abzüge oder stempelte ihren Namen in Versalien auf das Motiv. Sowohl die 

Performances wie auch ihre Repräsentation sind ein Akt der Selbstermächtigung gegenüber 

dem männlich dominierten Kunstbetrieb und den patriarchalen Strukturen: 

Mit dem selbst gewählten Namen Valie Export emanzipiert sie sich vom Namen des 

Vaters und des Ehemannes. Mit den Aktionen kehrt sie den männlichen Voyeurismus 

und die Machtverhältnisse um. Mit der fotografischen Inszenierung behält sie die Hoheit 

über das eigene Bild. Immer wieder fällt in der Ausstellung im Fotomuseum auf, 

wie früh Valie Export künstlerische Themen aufgriff und zu einem gültigen Ausdruck 

brachte. So setzte sie in den ‹Körperkonfigurationen›, 1972, den Körper ins Verhältnis 

zum Stadtraum und nahm die performativen Skulpturen Erwin Wurms vorweg. Oder 

sie hält in ‹Glasplatte mit Schuss›, ebenfalls 1972, eine durchschossene Scheibe vor 

ihren Körper, lenkt durch die Spiegelung metaphorisch das Projektil zurück auf den 

Fotografen und leistet damit einen wichtigen Beitrag zur konzeptuellen Fotografie. 

Während die Winterthurer Ausstellung retrospektiv und chronologisch angelegt 

ist, hat Valie Export parallel für das Kunsthaus Bregenz eine einmalige Installation 

entwickelt: Orgelpfeifen aus der Wallfahrtsbasilika Sieben Schmerzen Mariae 

bei Linz, dem Geburtsort der Künstlerin, hängen im Erdgeschoss und dazu tönt 

Charles Mingus’ ‹Oh Lord, Don’t Let Them Drop That Atomic Bomb on Me›, 1961. Die 

Klangskulptur sucht den aktuellen, weltpolitischen Bezug. Kristin Schmidt 

→ ‹Valie Export – Die Fotografien›, Fotomuseum Winterthur, bis 29.5. ↗ www.fotomuseum.ch 

→ ‹Valie Export – Oh Lord, Don’t Let Them Drop That Atomic Bomb on Me›, Kunsthaus Bregenz, bis 10.4. 

↗ www.kunsthaus-bregenz.at 


Valie Export · Body Sign B, 1970, Silbergelatineabzug, 105 x 70 cm, Albertina, Wien – The ESSL 

Collection © ProLitteris. Foto: Gertraud Wolfschwenger 

BESPRECHUNGEN // WINTERTHUR / BREGENZ 103

Julien Creuzet — Der tanzende Nkisi 

Bei Luma Westbau ist eine dicht gewobene Assemblage aus Text, 

Tanz, Skulptur, Musik und Bewegtbild zu sehen. Der französischkaribische 

Künstler Julien Creuzet stellt damit die Kreolisierung 

ins Zentrum einer sich verändernden Welt, die den alten Dichotomien 

des westlichen Denkens nicht mehr folgt. 

Zürich — Tanzt der Nkisi? Wird er in diesem Glaskasten gefoltert, sodass er sich verbiegt 

und windet? Sind wir, die Betrachtenden, es, die ihn verzerren? Ein Nkisi ist eine 

Kraftfigur aus dem kulturellen Einzugsgebiet, das wir heute als Kongo bezeichnen. 

Geschnitzt, oft mit Nägeln gespickt, mit eingelassenem Spiegel im Bauch. Die Figur 

des Nkisi reiste mit den verschleppten Sklaven in die Karibik und die Amerikas, adaptierte 

sich an die neuen Umstände, wurde umgedeutet und behielt dennoch gewisse 

ursprünglich Elemente bei. Er ist ein Beispiel für jenen Prozess, den die Autoren Aimé 

Césaire und Edouard Glissant als Kreolisierung beschreiben: die kulturelle Erzeugung 

eines Amalgams aus verschiedenen Kulturen. Im Fall der Karibik, dem Herkunftsort 

von Césaire, Glissant und Julien Creuzet, ist es die Mischung von afrikanischen, europäischen 

und indigenen Praktiken in Tanz, Skulptur, Narration und Ritualen. 

Creuzet nutzt das Potenzial der Kreolisierung in seiner Ausstellung ‹Orpheus was 

musing upon braised words (...)› in Zürich, um dominante westliche Erzählungen von 

Zeit und Raum, von Linearität, Entwicklung und Zivilisation auf den Kopf zu stellen. 

Nicht nur zu hinterfragen, sondern mit den Mitteln der Poetik aufzumischen und zu 

zertrümmern. Er folgt in diesem Vorgehen den französischen Surrealisten, insbesondere 

André Breton, der auf seiner Flucht nach Amerika in Martinique haltmachte und 

Aimé Césaire traf. Bretons Ideen wurden wesentlich von dieser Begegnung mitgeprägt, 

wobei der Rückgriff der Surrealisten auf die afrikanische Kunst von genuiner 

Bewunderung genauso wie von kulturellen Missverständnissen zeugt. 

Creuzet verwandelt das Erbe und Ideen von Breton und Césaire nun wieder in etwas 

Eigenes, Angeeignetes und Neugemischtes. Seine hängenden Skulpturen, filigrane 

Gebilde in Stoffe gewickelt, die wie Tierhäute aufgespannten Malereien und 

bewegte Bildebenen in gläsernen Boxen und auf Monitoren verweben sich mit Klängen 

und gesprochenen Gedichten zu einer flirrenden Welt des Möglichen. Ein Neubeginn 

der Zivilisationsgeschichte wird heraufbeschworen, die Möglichkeit, die Natur- 

Kultur-Dichotomie des Westens zu überwinden und neu in multiperspektivischen 

Ansätzen zu denken. Luma zeigte Creuzet zunächst in Arles. Für Zürich adaptiert, 

ist die Schau so konzipiert, dass sie auch in anderen Umgebungen weiterwuchern 

könnte. Creuzet wird Frankreich an der Biennale in Venedig 2024 vertreten und die 

Weiterkreoliserung seiner Welten dort vorantreiben. Damian Christinger 

→ ‹Julien Creuzet – Orpheus was musing upon braised words (...)›, Luma Westbau, bis 21.5. 

↗ www.westbau.com 


Julien Creuzet · Orpheus was musing upon braised words (...), Ausstellungsansicht Luma Westbau, 

Zürich. Foto: Nelly Rodriguez 

BESPRECHUNGEN // ZÜRICH 105

NOTIERT // IN EIGENER SACHE 

Claudia Jolles — Goldene Ehrenmedaille 

Zürich — Claudia Jolles erhält die Goldene 

Ehrenmedaille des Kantons Zürich! Mit der 

Auszeichnung ehrt der Kanton Persönlichkeiten 

oder kulturelle Institutionen, die sich in 

besonderem Masse für das kulturelle Leben im 

Kanton und darüber hinaus verdient gemacht 

haben. Wie Claudia Jolles: Nachdem sie als 

freie Kuratorin und Kunstkritikerin tätig gewesen 

war, machte sie von 1994 bis zum Herbst 

2022 als Chefredakteurin das Kunstbulletin 

zu dem, was es heute ist: «die meistgelesene 

Kunstzeitschrift der Schweiz» und «eine 

Kunstzeitschrift, die den hohen Ansprüchen 

der Fachwelt entspricht und gleichzeitig für 

das interessierte Publikum verständlich ist», so 

die Medienmitteilung. Auch die Erweiterung in 

den digitalen Raum hat Claudia Jolles initiiert 

und begleitet. Wir dürfen auf dieser wertvollen 

Arbeit aufbauen und das Kunstbulletin in diesem 

wachen Geiste weiterführen. «In Zeiten, in 

denen das Feuilleton und die fundierte Kunstkritik 

zunehmend verschwinden, ist das Kunstbulletin 

wichtiger denn je, sei es als Echoraum 

für Kunstschaffende oder als Informationsplattform 

für das Publikum.» Anfang Jahr hat 

Claudia Jolles ihre Pensionierung angetreten, 

doch wird sie als Autorin fürs Kunstbulletin und 

im Vorstand der Association international des 

critiques d’art AICA aktiv bleiben. Nun wird sie 

«für ihre langjährige herausragende publizistische 

Tätigkeit und für ihr begeistertes Engagement 

für das zeitgenössische Kunstschaffen 

geehrt». Wir gratulieren herzlich! 

Leser:innenumfrage 

Zürich — Das Kunstbulletin ist in Bewegung. 

Nachdem wir 2020 erfolgreich die neue Applikation 

artlist.net lancieren konnten, werden wir 

auch 2023 die digitalen Räume weiter ausloten. 

Die Online-Plattform artlog.net wird derzeit 

gestalterisch überarbeitet und bis Mitte des 

Jahres unter kunstbulletin.ch neu lanciert. 

Parallel arbeiten wir mit Kunstbulletin Weekly 

an einem eJournal, das in Zukunft einmal wöchentlich 

über die wichtigsten Ereignisse in der 

Schweizer Kunstlandschaft informieren wird. 

Diese Plattformen, Kanäle und Tools ergänzen 

unsere monatliche Printausgabe, die weiterhin 

das Herz unserer Berichterstattung bildet. 

Damit wir das Kunstbulletin sinnvoll weiterentwickeln, 

führen wir eine Umfrage unter unseren 

Leser:innen durch. Wir würden uns freuen, 

wenn Sie sich die Zeit nehmen, den Fragebogen 

auszufüllen, und mit Ihrer Meinung dazu beitragen, 

dass wir das Kunstbulletin noch besser 

auf Ihre Bedürfnisse ausrichten können. Es gibt 

drei Geschenkabos für ein Jahr zu gewinnen. 

Kunstbulletin-Ausgaben, Auswahl 2022/23 

→ Umfrage online bis 30.4. 

↗ www.kunstbulletin.ch/leserinnenumfrage 

KUNSTRÄUME 

Art Nachlassstiftung 

Claudia Jolles. Foto: Yves Roth 

↗ www.zh.ch 

Bern — ‹Arrival›, die Ausstellung im neuen 

Kunstraum Bern Bümpliz ist doppelt lesbar. Sie 

fragt, wie Dislokation ein Werk beeinflusst, und 


kombiniert Positionen aus der Art-Nachlassstiftung, 

Betreiberin des Ortes, mit aktuellen 

Kunstschaffenden: Auf rund 200 m² trifft zum 

Beispiel der Maler Mario Volpe (1936–2013), 

aus den USA in die Schweiz migriert, auf Nadja 

Karpinskaya (*1979), die in Moskau Malerei studiert 

hat und nun in Bern arbeitet, oder auf Sibel 

Kocakaya (*1986), die aus Istanbul stammt. 

Die Stiftung beherbergt aktuell 17 Nachlässe 

vom Surrealisten Otto Tschumi (1904–1985) 

bis zu Heidi Künzler (1943–2019) und möchte 

das kulturelle Erbe wichtiger Kunstschaffender 

des «Espace Mittelland» bewahren. Während 

Galerien mit ausgesuchten Nachlässen 

arbeiten, bleiben viele im Depot. Die Stiftung 

soll eine Anlaufstelle und ein Ausstellungsort 

sein, wo ältere Werke durch aktuelle Positionen 

«herausgefordert» und so neu verortet werden. 

Vorgesehen sind vier Ausstellungen pro Jahr 

und Gastspiele. In der Fussgängerzone von Bern 

Bümpliz gelegen, ist der Kontakt zur Nachbarschaft 

wie der Hochschule der Künste HKB ein 

Thema, wobei das Ladenlokal mit restauriertem 

1970er-Jahre-Charakter das Potenzial hat, über 

Bern hinaus auszustrahlen. AD 

den Bereichen Kunst, Fotografie, Grafikdesign 

und Architektur. Der Raum für Kunst und 

Sozialanthropologie soll zeitgenössische Kunst 

und Wissenschaft vereinen. Ausserdem will er 

Debatten und Kunstaktionen für mehr soziale 

Gerechtigkeit stattfinden lassen. Benannt ist 

er nach der ehemaligen Besitzerin des Hauses, 

Irma Luise. Die erste Residenz bewohnen die 

Food-Künstler:innen Lauren La Rose und Rudy 

Kanhye. Pro Jahr werden vier Ausstellungen 

realisiert. Die erste von Laurent Schmid und 

Marks Blond kuratierte Schau ‹The Secret Life 

Of Us All – Poetiken eines Ineinandergehens› 

dreht sich basierend auf der Ökologie um unsere 

Beziehung zu uns selbst sowie anderen Lebewesen 

und Dingen. Vertretene Künstler:innen 

sind unter vielen Nino Baumgartner, Sarah 

Burger oder Lulu & Whiskey, aber auch die 

Zeitung ‹The Annotations of the IIRRM› des 

‹Institut de Recherche sur la Radio et la Magie›. 

Im Rahmen der Ausstellung finden Diskussionen 

und Vorträge mit Fachleuten statt, in denen 

Biodiversität, die Bedeutung der Symbiose 

und Künstliche Intelligenz verhandelt werden. 

Das Programm findet mit der benachbarten 

Gosteli-Stiftung, dem Archiv zur Geschichte der 

schweizerischen Frauenbewegung, sowie der 

Hochschule für Agrar-, Forst- und Lebensmittelwissenschaften 

HAFL statt. 

Kunstraum Bern Bümpliz 

↗ www.art-nachlassstiftung.ch 

Irma Republic 

Worblaufen — Am Berner Stadtrand, zwischen 

Geleisen, Autobahnzubringern, Schrebergärten 

und einem Gartencenter, eröffnet ein neuer, 

im wahrsten Sinne peripherer Kunstraum mit 

Künstler:innen-Residenz. Irma Republic ist 

ein Marks Blond Project mit einem Team aus 

Irma Republic, Aussenansicht. Foto: Simone 

Gilles Nyffeler 

→ ‹The Secret Life Of Us All›, Teil I, bis 2.4.; 

Teil II, 22.–28.5. ↗ www.irmarepublic.ch 

NOTIERT // IN EIGENER SACHE / KUNSTRÄUME 107

Espace Diaphanes 

Zürich — 2020, im Jahr der Corona-Pandemie, 

eröffnete der Diaphanes-Verlag im Zürcher 

Löwenbräu einen kleinen Ausstellungsraum. 

Es ist neben dem Espace Diaphanes Berlin 

der zweite Raum, mit dem der Verlag seine 

Tätigkeit ins kuratorische Feld ausdehnt. 

Diaphanes, der seinen Sitz in Zürich hat, führt 

seit 2001 ein diskursives Programm im Bereich 

von Literatur, Kunst und Geisteswissenschaften. 

2017 lancierte er zudem ein in der Regel 

vierteljährlich erscheinendes, mehrsprachiges 

Print- und Onlinemagazin. Aktuell kuratiert 

Damian Christinger im Espace Diaphanes 

Zürich mit ‹Fine› von Marianne Halter & Mario 

Marchisella den sechsten Teil seiner Ausstellungsreihe, 

die sich mit den Verbindungen zwischen 

visueller Kunst und Text auseinandersetzt. 

In der Videoarbeit blicken wir von oben 

auf die Piazza San Marco in Venedig. Eine 

Figur schreitet einer erst nicht erkennbaren 

Choreografie folgend über den Platz und zieht 

dabei eine Spur Wasser nach sich, die als das 

Wort «fine», italienisch für Ende, lesbar wird. 

Die Arbeit sei ein Akt des poetischen Widerstands, 

so Damian Christinger: «Die Kunst hat 

noch etwas zu sagen. Das Wort und der Körper 

schreiben sich in die Piazza ein, in die Stadt, in 

unser Leben.» 

GROSSANLÄSSE 

Gallery Weekend Berlin 

Berlin — Ende April findet das 19. Gallery 

Weekend Berlin statt mit zahlreichen von Konzerten 

begleiteten Ausstellungseröffnungen 

und weiteren Veranstaltungen, an denen sich 

Künstler:innen, Galerist:innen, Kurator:innen, 

Journalist:innen und Kunstinteressierte 

austauschen und vernetzen können. 55 Galerien 

aus ganz Berlin, darunter etablierte und 

jüngere, zeigen die Werke von ungefähr achtzig 

internationalen Künstler:innen. Neben bekannten 

Namen wie Sheila Hicks (→ S. 98/99), Jorge 

Pardo, Charlotte Posenenske oder Hito Steyerl 

sind aufstrebenden Positionen zu entdecken, 

darunter Monia Ben Hamouda, Aziz Hazara, 

Samuel Hindolo, Frieda Toranzo Jaeger, Kaloki 

Nyamai oder Diamond Stingily. Die jüngeren 

Galerien zeigen Künstler:innen ihrer Generation, 

so Rhea Dillon (Sweetwater), Josefine 

Reisch (Noah Klink), Jordan Strafer (Heidi) und 

Leyla Yenice bei Schiefe Zähne. Zum ersten Mal 

dabei ist die Galerie Bastian mit Werken von Cy 

Twombly in Dahlem, Levy in Moabit, Georg Nothelfer 

in Tiergarten sowie HUA International an 

der Potsdamer Strasse mit Werken der jungen 

chinesischen Künstlerin Chen Dandizi. Parallel 

zum Gallery Weekend findet die 7. Ausgabe der 

paper positions berlin statt, eine Kunstmesse 

beim Gendarmenmarkt in Berlin Mitte rund um 

das Thema Papier. 

Marianne Halter & Mario Marchisella · Fine, 

Video, 4’33’’, 2017, Ausstellungsansicht Espace 

Diaphanes, Zürich 

→ Halter & Marchisella, bis 9.4. 

↗ www.diaphanes.net 

↗ www.löwenbräukunst.ch 

Eva Kotátková bei Meyer Riegger am Gallery 

Weekend Berlin, 2022. Foto: Stefan Korte 

→ 28.–30.4. ↗ www.gallery-weekend-berlin.de 

↗ www.paperpositions.com 


Art Karlsruhe 

Karlsruhe — Nachdem im letzten Jahr die Art 

Karlsruhe in den Juli verschoben wurde, findet 

die Messe für Klassische Moderne und Gegenwartskunst 

nun wieder Anfang Mai statt. Es ist 

die zwanzigste und zugleich letzte Ausgabe von 

Ewald Karl Schrade, der die Messe gegründet 

und als Kurator geleitet hat. Ihm zu Ehren wird 

in der traditionellen Sonderausstellung, die 

immer eine private Kunstsammlung zeigt, seine 

Kunstsammlung präsentiert. Die Leitung der 

Messe geht auf die Kunsthistorikerin Olga Blaß 

über, die seit 2011 im Team ist, sowie an den 

Galeristen Kristian Jarmuschek, der als Vorsitzender 

den externen Beirat vertritt. Knapp über 

zweihundert Galerien, insbesondere aus dem 

europäischen Raum, nehmen an der diesjährigen 

Messe teil. Aus der Schweiz sind die Galerien 

Reitz aus Zürich, Wilmsen aus Rheineck 

und WOS aus Pfäffikon sowie The View – Contemporary 

Art Space aus Berlingen dabei. 

Emmanuelle Antille feiert ‹The Wonder Way› 

Premiere, eine Reflexion über das Bedürfnis 

nach kreativem Ausdruck und eine innere 

Erkundung von unentdeckten Territorien, 

realen und imaginären Paradiesen. Weiter 

steht der Film ‹The Avalanche› (Original: Aşît) 

der türkischen Künstlerin Pinar Öğrenci auf 

dem Programm, der im Auftrag der documenta 

fifteen entstanden ist. Er zeigt die Reise von 

Öğrenci in die Heimatstadt ihres Vaters im 

Zeichen von gegenwärtigen und historischen 

Katastrophen. Im Hauptfokus des Festivals 

stehen die Filmemacherin Lucrecia Martel, eine 

Vertreterin des Neuen Argentinischen Kinos, 

sowie der Schweizer Jean-Stéphane Bron, der 

mit dem Kassenerfolg ‹Mais im Bundeshuus›, 

2003, zu grosser Bekanntheit gelangte. Letztes 

Jahr drehte er in seiner Strasse in Lausanne für 

SRF die Serie ‹Ma rue de l’Ale›. 

Laura Poitras · All the Beauty and the 

Blood shed, 2022, 123’, mit Nan Goldin, 

Photo Courtesy of Nan Goldin 

Art Karlsruhe 2022. Foto: Jürgen Rösner 

→ 4.–7.5. ↗ www.art-karlsruhe.de 

Visions du Réel 

Nyon — Das Visions du Réel bereitet in seiner 

54. Ausgabe einmal mehr dem Dokumentarfilm 

eine grosse Bühne. 160 Filme werden gezeigt, 

die meisten als Weltpremiere. Auch Beiträge 

aus dem Kunstbereich sind dabei. So ‹All the 

Beauty and the Bloodshed› von Laura Poitras 

über die US-Fotografin Nan Goldin und ihren 

Kampf gegen Opioide. Der Film gewann an der 

Film-Biennale in Venedig 2022 den Goldenen 

Löwen. Von der Westschweizer Künstlerin 

→ 21.–30.4. ↗ www.visionsdureel.ch 

Internationale Kurzfilmtage 

Oberhausen — Die Internationalen Kurzfilmtage 

Oberhausen widmen sich in ihrer 69. Ausgabe 

der Kunst von Machinima. Damit wird ein Genre 

beschrieben, das Videospiele oder Spiele- 

Engines für die Programmierung von Spielverläufen 

und die visuelle Darstellung nutzt, um 

animierte Filme zu produzieren. Machinima ist 

ein in der Gaming Community weit verbreitetes 

Phänomen, wird aber zusehends auch von 

Film- und Kunstschaffenden genutzt. Die beiden 

Kuratoren Vladimir Nadein (*1993, Moskau, lebt 

in Taipei) und Dmitry Frolov (*1988, Kaliningrad, 

NOTIERT // KUNSTRÄUME / GROSSANLÄSSE 109

lebt in Izmir) zeigen unter dem Titel ‹Against 

Gravity – The Art of Machinima› acht Filmprogramme. 

Den Auftakt macht die österreichische 

Medienguerilla-Gruppe Total Refusal mit einer 

Performance, in der sie auf einer virtuellen Tour 

durch Los Santos, eine Nachbildung von Los 

Angeles in dem Videospiel ‹Grand Theft Auto›, 

führen und dabei ihre Filme, Performances und 

Kunstprojekte vorstellen. Geht es hier um den 

Hyperrealismus von Videospielen, drehen sich 

andere Programme zum Beispiel um digitale 

Doppelgänger und Avatare, die es uns ermöglichen, 

wir selbst und gleichzeitig jemand anders 

zu sein, oder Remakes und Re-Enactments von 

berühmten Kultwerken. Ausserdem werden in 

der Rubrik ‹Profile› Kunstschaffende vorgestellt, 

die sich mit der kurzen Form des Films auseinandergesetzt 

haben, darunter in diesem Jahr die 

Filme des Künstlers Marcel Broodthaers und der 

Experimentalfilmerin und Dichterin Lynne Sachs 

sowie von Chikako Yamashiro, Teboho Edkins 

und Alexandra Gulea. 

mit starken Bezügen zur visuellen Kunst. Dazu 

gehören unter anderem ‹Letter to a Pig›, 2022, 

von Tal Kantor, in dem die israelische Künstlerin 

Zeichnung, Fotografie, Video, Malerei und 

Animation verbindet, um die Geschichte eines 

Holocaust-Überlebenden zu erzählen. In ‹I’m 

only sleeping› hat Em Cooper eine Animation 

aus 1300 Ölgemälden zu einem Song geschaffen, 

die den Raum zwischen Bewusstsein und 

Schlaf erforscht. Oder ‹The Debutant›, 2022, 

von Elizabeth Hobbs: Der Film basiert auf einer 

surrealistischen Geschichte von Leonora Carrington. 

Eine junge Frau überredet eine Hyäne 

aus dem Londoner Zoo, ihren Platz auf einem 

ihr zu Ehren veranstalteten Tanzabend einzunehmen. 

Begleitet wird das Festival-Programm 

von Vorträgen. So gibt Alex Hefrecht Einblick 

in die Entstehung ihres Animationslangfilms 

‹Winterreise›, der von den Künstler:innen des 

erfolgreichen Biopics ‹Loving Vincent› gemalt 

wird. Die Adaption von Franz Schuberts Liederzyklus 

ist der erste Film, der mit der PlayStation 

Dreams erschaffen wird – ein technisches 

und künstlerisches Spielfeld, das immer mehr 

Kunstschaffende ausloten. 

Alice Bucknell · The Martian Word for World is 

Mother, 2022, Filmstill 

→ 26.4.–1.5. 

↗ www.kurzfilmtage.de 

Internationales Trickfilm Festival 

Stuttgart — Das Internationale Trickfilm Festival 

Stuttgart ITFS feiert sein 30. Jubiläum. Im 

Zentrum steht der internationale Wettbewerb 

mit den neusten künstlerisch animierten Kurzfilmen. 

Der Länderfokus liegt auf Südafrika; ein 

thematischer Schwerpunkt bildet die künstliche 

Intelligenz. Weiter werden Best-of-Programme 

der letzten dreissig Jahre und Werkschauen 

gezeigt. Immer wieder gibt es Werke 

Tal Kantor · Letter to a Pig, 2022, Filmstill 

→ 25.–30.4. 

↗ www.itfs.de 

AUSSENPROJEKTE 

Tamara Janes — Sungaze 

Mörschwil — Sonnenuntergänge sind nicht 

nur eines der beliebtesten Fotosujets, sondern 

auch Grundlage für das «Sungazing», eine 

jahrtausendealte indische Meditationspraxis. 


Die Künstlerin Tamara Janes (*1980, St. Gallen, 

lebt in Bern), die sich in ihrer Kunst mit dem 

digitalen Bild auseinandersetzt, hat diese 

beiden Stränge in einem Kunst-und-Bau- 

Werk zusammengeführt. Für ‹Sungaze› im neu 

gebauten Wohn- und Pflegezentrum Maurini, 

das in Mörschwil mit Blick auf den Bodensee 

gelegen ist, hat sie im Internet Fotografien von 

Sonnenuntergängen bei Mörschwil zusammengesucht 

und daraus ein neues verpixeltes Bild 

geschaffen. Dieses hat sie aus 4387 Keramikkacheln 

entlang der Wände des Verbindungstraktes 

zwischen dem privaten und öffentlichen 

Bereich und einer Nische im Restaurant 

nachgebaut. Jede Kachel entspricht einem 

Pixel. Tamara Janes knüpft damit an ihre Serie 

der ‹Poor Images› an, mit der sie in Referenz auf 

Hito Steyerls provokanten Essay ‹In Defense of 

the Poor Image›, 2009, die Vormachtstellung der 

perfekten, hoch aufgelösten digitalen Bildwelten 

herausfordert. Die verpixelte, «schlechte» 

Fotografie wird in ‹Sungaze› zu einem farbenfrohen 

Kunstwerk von insgesamt fast zwanzig 

Meter Länge, das abgeschritten und physisch 

erlebt werden kann und damit gleich noch ein 

weiteres Statement zur virtuellen Welt des 

digitalen Raums macht. Entstanden ist es aus 

einem Wettbewerb, der aufgrund eines Legats 

von August Knecht veranstaltet wurde. Der Mörschwiler 

hatte dem Wohn- und Pflegezentrum 

Maurini CHF 100’000 vermacht mit der Auflage, 

damit ein Kunst-und-Bau-Werk zu realisieren. 

NAMEN 

Beatrix Ruf 

Amsterdam — Bereits vergangenen Herbst 

wurde bekannt, dass Beatrix Ruf ein neues von 

der Hartwig Art Foundation finanziertes Museum 

für zeitgenössische Kunst führen würde. 

Sie kehrt damit nach Amsterdam zurück, wo 

sie von 2014 bis 2017 Direktorin des Stedelijk 

Museum war und aufgrund vermuteter Interessenskonflikte 

abtreten musste. Die Vorwürfe 

wurden durch einen Untersuchungsbericht der 

Stadt Amsterdam widerlegt. Beatrix Ruf ging 

nach Moskau ans Garage Museum of Contemporary 

Art. Nachdem Russland den Angriffskrieg 

auf die Ukraine startete, stellte das Museum 

seinen Ausstellungsbetrieb aus Protest 

ein. Ruf beendete ihre Tätigkeit und verlängerte 

ihren Vertrag nicht. Die von ihr für Moskau 

entwickelte Ausstellung von Anne Imhof wurde 

schliesslich im Stedelijk Museum realisiert. 

«Hätte es den Krieg nicht gegeben, hätte ich 

weiter für das Garage Museum gearbeitet», 

sagt die Kuratorin. Nun realisiert sie mit dem 

Börsenhandelsunternehmer und Milliardär Rob 

Defares in einem ehemaligen Gerichtsgebäude 

ein Museum, das, so Ruf, das institutionelle 

Format für die zeitgenössische Kunst nicht nur 

für die Stadt, sondern auch für die Niederlande 

verändern werde. Die Hartwig Art Foundation 

wird Künstler:innen in der Realisierung ambitiöser 

Projekte unterstützen. Dazu werden in 

dem Gebäude, das erst noch renoviert werden 

muss, neben Ausstellungsflächen, Studios und 

Wohnungen für Kunstschaffende eigens Räume 

für Kollaborationen und Produktionen eingeplant. 

Das Museum baut eine Sammlung auf 

und spendet diese der Nationalen Kunstsammlung 

der Niederlande, um sie für die Öffentlichkeit 

verfügbar zu halten. 

Tamara Janes · Sungaze, 2023, Keramik, Wohnund 

Pflegezentrum Maurini, Mörschwil. 

→ Einweihung: 1.4. 

↗ www.artlist.net 

↗ www.moerschwil.ch 

Beatrix Ruf. Foto: LNDWstudio 

NOTIERT // GROSSANLÄSSE / AUSSENPROJEKTE / NAMEN 111

Misia Bernasconi 

Bondo — 2024 findet die nächste Biennale 

Bregaglia statt, die Ausstellung im Bergell, die 

jeweils einen Sommer lang verschiedene Orte 

im Tal bespielt. Die dritte Ausgabe wird von 

Misia Bernasconi aus Lugano kuratiert. Sie wird 

sich dem Thema der Gärten und der Architektur 

im Bergell widmen. Die Hauptausstellung wird 

in Bondo ausgetragen, dem Dorf, das 2017 den 

furchterregenden Bergsturz erlitten hatte. In 

Anknüpfung an die erste Ausgabe der Sommerausstellung 

plant Misia Bernasconi über 

ein Rahmenprogramm den Schweizer und den 

italienischen Teil des Tals miteinander zu verbinden. 

Die Kuratorin war bereits 2017 an der 

‹Arte Castasegna› im Kuratorium von Luciano 

Fascati involviert, der die Progetti d’arte in Val 

Bregaglia initiiert hat. Die zwei arbeiteten auch 

in Chur zusammen, wo sie 2019 Kunstschaffende 

einluden, einen verlassenen Park oberhalb 

der Stadt zu beleben. Bernasconi, die nach 

zwei Jahren Architekturstudium an der ETH Zürich 

Kunstgeschichte an den Universitäten 

Zürich und Bern studierte, ist neben ihren kuratorischen 

Engagements auch in der Forschung 

tätig. Seit zwei Jahren erstellt sie ihm Rahmen 

ihrer Doktorarbeit an der Universität Zürich 

das Werkverzeichnis des Tessiner Bildhauers 

Giovanni Genucchi (1904–1979). Für die dritte 

Biennale Bregaglia wird es im Mai eine Ausschreibung 

geben, über die sich Kunstschaffende 

für eine Teilnahme bewerben können. Am 

‹Artipasto›, der Saisoneröffnung, informieren 

die Veranstalter:innen über das Projekt. 

Misia Bernasconi. Foto: Sara Testoni 

Michael Sutter 

Ennetbürgen — Michael Sutter (*1988, Luzern) 

wird neuer künstlerischer Leiter des Skulpturenpark 

Ennetbürgen. Er folgt auf Roland 

Heine, der über zehn Jahre als Geschäftsführer 

und Kurator für den Skulpturenpark tätig war. 

Michael Sutter, der seit acht Jahren die Kunsthalle 

Luzern leitet, studierte Kunstgeschichte 

und Sozialanthropologie und schloss einen 

Master mit Schwerpunkt Curatorial Studies 

und Museology ab. In Luzern profilierte er sich 

durch die künstlerische Leitung der Offspaces 

Kunstraum Teiggi und des Pavillon Tribschenhorn. 

Er arbeitete mehrere Jahre als Redaktor 

und Autor für 041 – Das Kulturmagazin. 

Aktuell ist er Präsident des Vereins Schweizer 

Institutionen zeitgenössischer Kunst VSIZK/ 

AISAC und Generalsekretär von ‹Off Off›, der 

Vereinigung der unabhängigen Kunsträume 

der Schweiz. Der Skulpturenpark Ennetbürgen 

besteht seit 2006 auf dem offenen Feld neben 

dem Flugplatz Buochs. Die ganzjährlich öffentlich 

zugängliche Dauerausstellung beherbergt 

Kunstwerke von Schweizer, deutschen und 

niederländischen Künstler:innen. Eine Skulpturenschau 

mit neuen Werken ist für das nächste 

Jahr geplant. 

Michael Sutter. Foto: Shannon Zwicker, 2020 

Peter Stohler 

Warth — Peter Stohler (*1967) wird neuer 

Direktor des Kunstmuseum Thurgau und des 

Ittinger Museum, den beiden in der Kartause 

Ittingen beheimateten kantonalen Museen. Er 

tritt im Oktober 2023 die Nachfolge von Markus 

Landert an, der nach über dreissig Jahren als 

Direktor der beiden Museen in Pension geht. 

Der ausgebildete Filmemacher und studierte 

Kunst- und Filmwissenschaftler kann bereits 

auf eine lange Karriere zurückblicken. Nach 

seinen Anfängen in der Galeriewelt war er als 

wissenschaftlicher Mitarbeiter, Kurator und 

Interimsleiter im ehemaligen Museum Bellerive 

in Zürich tätig. Nach Intermezzi als leitender 


Kurator am Haus für Kunst Uri in Altdorf, 2005, 

und 2006 in Genf als Direktor am damaligen 

Centre pour l’Image contemporaine war er in 

der Kulturabteilung der Stadt Basel bis 2013 

zuständig für die Förderung von Kulturprojekten 

sowie für die kantonale Kunstsammlung 

‹Kunstkredit›. Von 2013 bis 2018 führte er die 

Stiftung Kunst(Zeug)Haus in Rapperswil-Jona. 

2019 ging er nach Kassel, wo er während drei 

Jahren als Geschäftsführer und Programmleiter 

der Grimmwelt wirkte, bevor er sich – 

wieder zurück in der Schweiz – als Berater, 

Moderator und Autor selbstständig machte. 

Architektur geehrt. Er ist Verfasser von Standardwerken 

über Le Corbusier, Gründer der archithese 

und langjähriger Professor an der Universität 

Zürich. Im Frühjahr erscheint von ihm 

eine Publikation über Herzog & de Meuron. Mit 

der Parity Group wird ein Kollektiv gewürdigt, 

das 2014 auf Initiative von Student:innen und 

dem Mittelbau des Architekturdepartements 

der ETH Zürich entstanden ist und das seither 

in Diskussionen und Aktionen wirkungsvoll Fragen 

von Parität, Diversität und Institutionskritik 

behandelt. Ihr Engagement hat bereits dazu 

geführt, dass mehr Architekturprofessorinnen 

berufen wurden. Die Preisträger:innen werden 

kommenden Juni an den Swiss Art Awards 

in Basel mit filmischen Porträts vorgestellt. 

Die Publikation liegt der Sommerausgabe des 

Kunstbulletins bei. 

Peter Stohler. Foto: Judith Schönenberger 

PREISE 

Schweizer Grand Prix Kunst / Prix Meret 

Oppenheim 

Bern — Der Künstler Uriel Orlow, der Kunstund 

Architekturhistoriker Stanislaus von Moos 

und das Kollektiv Parity Group erhalten den 

diesjährigen Schweizer Grand Prix Kunst / Prix 

Meret Oppenheim. Der Preis, der seit 2001 vom 

Bundesamt für Kultur BAK in Zusammenarbeit 

mit der Eidgenössischen Kunstkommission 

vergeben wird, ehrt herausragende Schweizer 

Kulturschaffende aus Kunst, Architektur, 

Kunstvermittlung, Forschung und Kritik. Die Jury 

zeichnet Uriel Orlow für seine kritische Auseinandersetzung 

mit der europäischen Kolonialgeschichte 

aus, die er insbesondere anhand 

von Pflanzen als deren Zeuginnen vornimmt. 

Zuletzt war Orlow 2022 in der Fundaziun Nairs 

zu sehen, wo er sich ausgehend vom Schweizerischen 

Nationalpark mit globalen Fragen 

des Klimawandels beschäftigte. Stanislaus von 

Moos wird für seine lebenslangen Verdienste in 

der Erforschung und Vermittlung von Kunst und 

Uriel Orlow © ProLitteris. Foto: Florian Spring 

Prix Mobilière 

Bern — Jan Vorisek (*1987, Basel) gewinnt den 

mit CHF 30’000 dotierten Prix Mobilière 2023. 

«Es kommt nicht häufig vor, dass sich jemand, 

der in der Musik- und Clubbingszene zu Hause 

ist, gleichzeitig einen Platz in der Kunstwelt 

erobert», sagt Hans Ulrich Obrist, Kurator 

und künstlerischer Direktor der Serpentine 

Galleries London, der den Künstler nominiert 

hat. Im Verfahren des bereits seit 1996 

vergebenen Preises nominieren jeweils sieben 

Kurator:innen eine künstlerische Position, 

eine Fachjury wählt unter den Nominierten 

die Preisträgerin oder den Preisträger aus. Am 

Werk von Vorisek, der auch diesjähriger Manor- 

Kunstpreisträger Zürichs ist (→ KB 11/2022, 

S. 107), habe die Jury die Intensität seiner 

Videoarbeit in den Bann gezogen, die geradezu 

magische künstlerische Sprache und 

der Wechsel zwischen urbanen und intimen 

NOTIERT // NAMEN / PREISE 113

Räumen, sagt die Juryvorsitzende Dorothea 

Strauss, die seit zehn Jahren bei der Mobiliar 

Versicherung die Corporate Social Responsibility 

leitet. Vorisek arbeitet in den Bereichen 

Skulptur, Installation, Performance und 

experimentelle Musik. Gemeinsam mit Mathis 

Altmann und Lhaga Koondhor gründete er das 

Musiklabel ‹House of Mixed Emotions› kurz 

‹H.O.M.E.›. Seine meist ortsspezifischen Installationen 

waren im In- und Ausland zu sehen, so 

2020 im Kunsthaus Glarus oder 2021 im Swiss 

Institute in New York sowie 2022 in Institutionen 

in Arles, London oder Bozen. 

Brüssel und arbeitete gleichzeitig als Choreografin 

am Schauspielhaus Zürich. 2005 gründete 

sie die Compagnie Verein für Allgemeines 

Wohl. 2008 erhielt sie den Anerkennungsbeitrag 

der Stadt Zürich und 2015 den vom 

Bundesamt verliehenen Schweizer Tanzpreis 

als «herausragende Performerin». 2021 gründete 

sie gemeinsam mit Marc Streit den Verein 

Imbricated Real, eine künstlerische Plattform, 

die den Austausch von Ideen, Praktiken und 

Ausdrucksformen zwischen Künstler:innen und 

Theoretiker:innen fördert. 

Jan Vorisek 

Simone Aughterlony. Foto: Peggy Jarrell Kaplan 

Kulturpreis Kanton Zürich 

Zürich — Der mit CHF 50’000 dotierte Kulturpreis 

des Kantons Zürich geht an die Tänzerin 

und Choreografin Simone Aughterlony (*1977). 

Sie wird für ihr eigenständiges künstlerisches 

Werk und ihre Tätigkeit als Vermittlerin und 

Netzwerkerin ausgezeichnet. Simone Aughterlony 

bewegt sich im weiten Feld der Performance 

und arbeitet immer wieder auch mit 

Künstler:innen aus anderen Kultursparten zusammen. 

Ihre Arbeiten ‹Biofiction›, ‹Uni*Form› 

(in Zusammenarbeit mit dem Filmemacher 

Jorge León) sowie ‹Everything Fits In The Room› 

mit dem Künstler Jen Rosenblit waren auf 

internationalen Tourneen zu sehen. Zu ihren 

jüngsten Werken gehört ‹Remaining Strangers›, 

der letzte Teil einer Serie, die sich mit 

dem Fremden beschäftigt. Die Bedeutung von 

Verwandtschaft und alternative Konzepte von 

Familie und des Zusammenlebens sind weitere 

wichtige Themen in ihrem Werk. Simone Aughterlony 

wuchs in Neuseeland auf und absolvierte 

die Tanzausbildung an der New Zealand 

School of Dance. Ab 2000 war sie Mitglied der 

Compagnie Damaged Goods von Meg Stuart in 

AUSSCHREIBUNGEN 

Fantoche 

Baden — Filmschaffende aller Länder sind 

eingeladen, ihre neuen, animierten Kurzfilme 

für Fantoche, das 21. Internationale Festival 

für Animationsfilm, einzureichen. Die Eingaben 

können für den Internationalen und den 

Schweizer Wettbewerb sowie den Kinderfilm- 

Wettbewerb erfolgen. Zugelassen sind Filme, 

die nach dem 31. Dezember 2021 fertiggestellt 

worden sind und nicht länger als 40 Minuten 

dauern. Erwünscht sind alle Techniken und 

Formen des Animationsfilms. Die Einreichung 

erfolgt auf FilmFreeway und ist gebührenfrei. 

→ Fantoche, 5.–10.9. 

→ Eingabeschluss: 14.5. 

↗ www.fantoche.ch 

Performancepreis Schweiz 

Basel — Schweizer Kunstschaffende mit 

einer performativen Praxis aus allen Sparten 

können sich für den jährlich verliehenen 

Schweizer Performancepreis bewerben. Die 


partnerschaftliche Förderinitiative verschiedener 

Kantone will damit die Sichtbarkeit der 

Schweizer Performancekunst erhöhen und ihre 

Anerkennung stärken. Gastgeber ist dieses 

Jahr der Kanton Basel-Landschaft. Im zweistufigen 

Wettbewerb zeigen die von einer Jury 

nominierten Künstler:innen Ende September 

im Kunsthaus Baselland eine bestehende oder 

neu geschaffene Performance. Anhand der Aufführungen 

verleiht die Jury den mit CHF 30’000 

dotierten Preis. Ausserdem wird ein Publikumspreis 

in der Höhe von CHF 6500 vergeben. Die 

Durchführung des Preises ist eingebunden in 

ein vielseitiges Fokusprogramm zur Performancekunst. 


↗ www.performanceartaward.ch 

FATart Fair 

Schaffhausen — Die Kunstmesse für Frauen 

und FLINT-Personen FATart Fair findet 

zum sechsten Mal in der Kammgarn West in 

Schaffhausen statt. Die Zwischennutzung im 

ehemaligen Industriegebäude ist noch einmal 

um ein Jahr verlängert worden. Bewerben 

können sich Frauen, Lesben, inter Menschen, 

nicht binäre Menschen und trans Menschen 

(FLINT). Insgesamt werden die Werke von hundert 

Kunstschaffenden gezeigt. Neu können 

sich auch Galerien und Offspaces bewerben, 

vorausgesetzt, sie zeigen an der Messe 

ausschliesslich weibliche Positionen. Für sie 

ist ein Drittel der Räumlichkeiten reserviert. 

Die FATart Fair ist auch an der Museumsnacht 

Hegau-Schaffhausen beteiligt, die am 16. September 

durchgeführt wird. 

→ Kammgarn West, Schaffhausen, 15.–17.9. 


↗ www.fatart.ch 

Kurzfilmtage Winterthur 

Winterthur — Für die Wettbewerbe der 27. Internationalen 

Kurzfilmtage Winterthur können 

Kurzfilme aller Genres, die im Jahr 2022 oder 

2023 entstanden sind, eingereicht werden. Im 

Internationalen Wettbewerb sollte die Länge 

nicht mehr als 30 Minuten, im Schweizer Wettbewerb 

nicht mehr als 40 Minuten betragen. 

Insgesamt gibt es Geld- und Sachpreise im 

Wert von CHF 69’000 zu gewinnen. 

→ Kurzfilmtage, 7.–23.11. 


↗ www.kurzfilmtage.ch 

Förderpreis Kunstwissenschaft 

Zürich — Die Vereinigung der Kunsthistorikerinnen 

und Kunsthistoriker in der Schweiz 

VKKS vergibt mit der Alfred Richterich Stiftung 

jährlich zwei Förderpreise an den kunsthistorischen 

Nachwuchs. Die Jury verleiht 

je einen Preis in der Kategorie «Junior» zu 

CHF 4000 und in der Kategorie «Senior» zu 

CHF 6000. Ausgezeichnet werden herausragende 

Forschungsberichte und Essays zu einem 

kunstwissenschaftlichen Thema der mittelalterlichen 

bis zeitgenössischen Kunst. Teilnahmeberechtigt 

sind Studierende und Doktorierende, 

die aktuell in der Schweiz beruflich tätig 

oder wohnhaft sind und ihr Master-Studium 

respektive ihr Doktorat noch nicht abgeschlossen 

haben. 


↗ www.vkks.ch 

Gastatelier Gleis70 

Zürich — Die Genossenschaft Gleis70 öffnet 

ihr Gastatelier neu auch für Kurator:innen 

aus der französischen und italienischen 

Schweiz. Bisher richtete sich die von Gleis70, 

der Kulturdirektion des Kanton Zürich und Pro 

Helvetia getragene Residenz an internationale 

Künstler:innen und Designer:innen. Mit der 

neuen Initiative soll die Vernetzung innerhalb 

der Schweiz über die Sprachgrenzen hinaus gefördert 

werden. Der fünfwöchige Aufenthalt soll 

die Gelegenheit bieten, Kontakte zu knüpfen 

und ein Ausstellungsprojekt gemeinsam mit 

Kunstschaffenden aus der Deutschschweiz zu 

NOTIERT // PREISE / AUSSCHREIBUNGEN 115

entwickeln. Kurator:innen aus den genannten 

Regionen, deren Ausbildung seit mindestens 

zwei Jahren abgeschlossen ist, können sich 

mit einem Ausstellungsprojekt bewerben. Zur 

Verfügung stehen zwei Slots im Zeitraum von 

Oktober bis Dezember 2023. 


↗ www.gastatelier.gleis70.ch 

Haus für Kunst Uri, 2023. Foto: F.X. Brun 

DIES UND DAS 

Livio Beyeler — welcome home 

Altdorf — Im Jahr 2023 begeht das Haus für 

Kunst Uri gleich zwei Jubiläen. Einerseits feiert 

es sein 25-jähriges Bestehen, andererseits 

jährt sich der Todestag von Heinrich Danioth 

(1896–1953) zum 70. Mal. Der Urner Maler und 

Dichter, den das Haus seit 2009 im angebauten 

Danioth Pavillon dauerhaft würdigt, war vor 

allem für seine bildende Kunst bekannt. Nun 

hat der Konzeptkünstler und Theaterregisseur 

Livio Beyeler ein Theaterstück von Danioth im 

Staatsarchiv Uri aufgespürt und daraus ein 

eigenes Theaterstück spezifisch für die Räume 

des Haus für Kunst Uri kreiert. ‹welcome home› 

knüpft an das Thema Heimat an, das auch in 

Danioths ‹Urner Revue› von 1928 das zentrale 

Thema ist. Das Festspiel dreht sich um einen 

Auslandsschweizer, der nach langer Abwesenheit 

zurück nach Uri kommt und seine Heimat 

nicht wiedererkennt. Livio Beyeler nimmt mit 

seinem Stück das ganze Haus für Kunst in 

Beschlag. Er realisiert eine Ausstellung, die 

abends auch als Bühne für seine Inszenierung 

funktioniert. Während der Aufführung teilt 

sich das Publikum in Gruppen und folgt den 

Darsteller:innen in unterschiedliche Räume 

der Ausstellung. Es ist ein interdisziplinäres 

Grossprojekt, das «mit Humor, Konfrontation, 

Dialog und Musik neue Perspektiven auf das 

Werk Heinrich Danioths und den Begriff Heimat 

eröffnet». An dem Gesamtkunstwerk wirken 

zahlreiche Kunstschaffende aus dem Kanton 

Uri mit, darunter Rolf Sommer, Stefan Arnold 

und Elia Aregger. 

→ Aufführungsdaten auf Website; 

Dernière 29.4. ↗ www.hausfuerkunsturi.ch 

ooo — eine Plattform für Kunst und Kultur 

Basel — Im Januar feierte der Verein ooo im 

temporär genutzten Domus-Haus den Launch 

einer neuen digitalen, zweisprachigen Webplattform 

für das aktuelle Kulturgeschehen. 

Entstanden aus einer Initiative von Kulturschaffenden 

und Künstler:innen und gefördert 

von der Christoph Merian Stiftung möchte sie 

Zugänge zur Kunst eröffnen und vielfältigen 

Stimmen und Sichtweisen Platz verschaffen. 

Die Inhalte in verschiedenen medialen Ausdrucksformen 

entstehen aus einem wechselnden 

Pool an Künstler:innen, Autor:innen 

und Journalist:innen. Das Projekt ist in Basel 

beheimatet, doch in der Berichterstattung 

nicht darauf beschränkt und offen für vieles. 

Die bereits aufgeschalteten Beiträge machen 

deutlich, dass mit den Formaten experimentiert 

werden soll. So ist vom umtriebigen 

Künstler Johannes Willi, der unter anderem 

die I Never Read Art Book Fair gegründet hat, 

ein geflüsterter «ASMR-Rundgang» durch die 

Ausstellung von Daniel Turner in der Kunsthalle 

Basel zu hören. ASMR, zu deutsch «Autonome 

sensorische Meridianreaktion», bezeichnet 

ein angenehm kribbelndes Gefühl, das sich oft 

von der Kopfhaut aus auf den ganzen Körper 

ausbreitet. Philipp Loser wiederum, der für 

den Tages-Anzeiger zu Politik berichtet, hat 

versucht, sich über seine Ohren der Künstlerin 

Hannah Weinberger zu nähern und das Akustische 

in einen Text zu übersetzen. 


7 Winds 

Launch der Plattform ooo. Foto: Lukas Zitzer 

↗ www.ooo.place 

letsplay 

Basel — Die interdisziplinäre Performancegruppe 

letsplay entwickelt für den Projektraum 

M54 ‹das.wenige› zwei Aufführungen zum 

Thema der Reduktion. Darin setzt sich letsplay 

mit Punkt, Linie und Körper im Raum auseinander. 

Performer:innen aus der Malerei, der Musik, 

der Literatur, dem Tanz und der Performance 

treffen in wechselnden Konstellationen aufeinander. 

Die Gruppe um Nadine Seeger, Susanne 

Escher und Simon Grossenbacher arbeitet seit 

2018 zusammen und baut eine gemeinsame 

Sprache der Improvisation auf. Sie ist in einem 

Verein organisiert, der sich der Erforschung der 

interdisziplinären Zusammenarbeit unter den 

Künsten, im Speziellen der Schnittstelle Performanceart, 

widmet. 

letsplay · ‹Schwarm› 2022, letsplay Depot, 

Winterthur. Foto: Sophie Mauch 

→ Projektraum M54, 15.4., 19 Uhr; 16.4., 12 Uhr 

↗ www.letsplay.biz 

Bern — Das parallel zu den Ausstellungen in 

der Kunsthalle Bern ausgerichtete Programm 

‹7 Winds› lässt mal aufhorchen, mal erregt es 

Aufsehen, mal bietet es Film- oder Lesestoff. 

Seit Projektstart im März letzten Jahres fanden 

in der Reihe eine Vielzahl von Ausstellungen 

und Performances statt. Filmprogramme und 

ein ‹reading room› luden zum Vertiefen vor Ort 

ein. So mag ‹7 Winds› beim üblichen Kunsthallebesuch 

bisweilen irritieren. Doch nicht 

bloss mit Blick auf die Kunst, die schliesslich 

irritieren darf, sondern auch auf das zentrale 

Anliegen des Projekts machen das Aufspüren, 

das genaue Hinschauen und Hinhören 

Sinn: Titel und Thema drehen sich um den 

schwindenden Dialekt des Senslerdeutschen 

im Kanton Freiburg, das allein für den Wind 

sieben verschiedene Ausdrücke kennt. Was, 

wenn im Laufe der Zeit einzelne Begriffe oder 

eine Sprache gänzlich verschwinden? Was wird 

aus Benennungen und Bedeutungen, was aus 

unseren Wahrnehmungen und Empfindungen? 

Fragen dieser Art, ausgelöst von der Geschichte 

der sieben Winde, gaben der Kunsthalledirektorin 

Kabelo Malatsie vor Längerem den 

Anstoss für ein kuratorisches Forschungsprojekt, 

wofür sie schliesslich Camilla Paolino von 

der Universität Genf und Julia Künzi von der 

Kunsthalle Bern hinzugewinnen konnte. Die 

seit Juni letzten Jahres veranstalteten Projekte 

von ‹7 Winds› haben denn auch indirekt direkt 

mit dem Thema zu tun. Bei den Performances 

von Lara Dâmaso oder NoBuntu Mhlambi etwa 

ging es um das Erklingen und Verhallen von 

Tönen beziehungsweise Gesang. Die visuellen 

Aufzeichnungen musikalischer Konzepte in 

der Ausstellung ‹Idee Klang Notation Zeichen› 

des Berner Komponisten Peter Streiff wurden 

bei einer ‹Hörwanderung› sowie einer Konzertperformance 

akustisch erfahrbar. Weiter 

auf dem Programm steht die Präsentation des 

Magazins ‹Swiss Weird and Magic› der Genfer 

Edition Clinamen, mit Zeichnungen von Paul 

Lannes, Mina Mond, Camille Bühler und Michel 

Ziegler. Performances von Allison Grimaldi 

Donahue und von Martina Buzzi sowie weiteren 

NOTIERT // AUSSCHREIBUNGEN / DIES UND DAS 117

Akteur:innen gegen Ende des Projekts lassen 

‹7 Winds› gleichsam ausklingen. MM 

Initiativen einsetzt. Der Workshop mündet in 

eine Ausstellung, welche die Inhalte des Workshops 

zum Ausdruck bringt. 

NoBuntu Mhlambi · Ayiyiyo, 2022, Performance, 

Kunstalle Bern. Foto: Nicolas Duc 

→ Kunsthalle Bern, bis 28.5. 

↗ www.kunsthalle-bern.ch 

Matza Edgelands Genève 

Genf — Matza Edgelands ist eine künstlerische 

Initiative, die Kunst als Generator für soziale 

Reflexion und Transformation versteht. Initiiert 

vom Genfer Künstler Séverin Guelpa, entwickelt 

Matza in Kooperation mit dem Institut Edgelands 

Projekte an den Rändern von Städten 

in verschiedenen Weltregionen. Auf dem Hintergrund 

unserer urbanisierten, globalisierten 

und digitalisierten Gesellschaften sucht Matza 

Edgelands nach neuen Räumen und Regeln 

des Zusammenlebens. Gemeinsam mit lokalen 

Bewohner:innen, Akteur:innen und insbesondere 

auch Randgruppen führen sie Workshops 

durch und veranstalten Ausstellungen. Nach 

Medellín und Cucuta in Kolumbien sowie Nairobi 

in Kenia ist Genf die vierte Stadt, in der sich 

Matza Edgelands engagiert. Im ehemaligen 

Postamt von Charmilles, das kürzlich für kulturelle 

Projekte zur Verfügung gestellt wurde, 

findet ein Workshop mit einer Gruppe von internationalen 

und Schweizer Künstler:innen sowie 

der Genossenschaft Ressources-Urbaines 

statt, die sich in Genf für bezahlbare Räume für 

Kunstschaffende, Kreative und sozio-kulturelle 

Matza Edgelands im Comfama Bodega art 

center, Medellín, 2022. Foto: Juan Escobar 

→ Genf, ehem. Postamt von Charmilles, Workshop: 

27.4.–11.5.; Ausstellung: 12.–28.5. 

↗ www.matza.net ↗ www.edgelands.institute 

Regional Luzern 

Region Luzern — ‹Regional Luzern› ist ein 

Ausstellungsprojekt verschiedener Kulturinstitutionen, 

das alle zwei Jahre das Luzerner 

Kunstschaffen präsentiert. Jenseits der städtischen 

Zentren vernetzt Regional Luzern lokal 

verankerte Institutionen und Orte und erweitert 

die Perspektive und das Netzwerk für Kunstschaffende 

und Publikum. Der Entlebucher 

Kunstverein zeigt eine Ausstellung im Entlebucherhaus 

und der Kantonsschule Schüpfheim 

(bis 2.4.), der Verein ArtWillisau bespielt 

das Rathaus Willisau (bis 16.4.). Weitere Ausstellungen 

sind im Kunstraum Hochdorf (bis 

23.4.) und im Museum Sankturbanhof in Sursee 

zu sehen. In diesem Jahr vergibt das kuratierte 

Ausstellungsformat erstmalig einen Jurypreis. 

→ u. a. Museum Sankturbanhof, bis 11.6. 

↗ www.sankturbanhof.ch 

Ferme des Tilleuls 

Renens — Nach fünf Jahren Vorbereitung und 

zwei Jahren Bauzeit wurde vergangenen November 

in der Ferme des Tilleuls in Renens das 


gigantische Art-Brut-Werk von Danielle Jacqui 

(*1934, Nizza) eingeweiht. ‹Organugamme II› 

besteht aus 36 Tonnen Keramik, aus denen die 

Künstlerin basierend auf einer architektonischen 

Struktur, ein 14 Meter hohes farben- und 

formenreiches Gebilde geschaffen hat. Ursprünglich 

entstand die Arbeit 2006 im Rahmen 

einer Residenz im südfranzösischen Aubagne. 

Die Idee war es, die lebendigen Traditionen der 

Regionen im Umfeld von Marseille und Aix-en- 

Provence, Keramik und Outsider Art zusammenzubringen 

und die Fassade des Bahnhofs von 

Aubagne zu verkleiden. Während ungefähr zehn 

Jahren produzierte die Künstlerin in täglicher 

Arbeit Keramiken, doch nach einem Wechsel 

in der Verwaltung stand das Werk plötzlich 

ohne Bestimmung da. La Ferme des Tilleuls 

und die Stadt Renens boten an, es aufzunehmen. 

In der Folge schenkte ihnen Danielle 

Jacqui das Werk und baute es Modul um Modul 

auf. Nun kann es rund um die Uhr besichtigt 

werden. Danielle Jacqui ist eine wichtige Figur 

in der Outsider Art. Die Autodidaktin war einst 

Antiquitätenhändlerin und Stickerin, bevor sie 

sich als Künstlerin einen Namen machte. Auch 

die Collection de l’Art Brut in Lausanne enthält 

zahlreiche Arbeiten und wird Teile von ‹Organugamme 

II› im Garten beherbergen. 

Musterdemokratie Schweiz? 

Stans — «Getriiwi liäbi Landsliit» – So wurde 

das anwesende Volk an der Landsgemeinde 

von Nidwalden jeweils begrüsst, wenn es sich 

versammelt hatte, um über die anstehenden 

Sachgeschäfte abzustimmen. Die Landsgemeinde 

als frühe Form der direkten Demokratie 

in der Schweiz entstand im späten Mittelalter. 

Heute findet sie nur noch in Glarus und in Appenzell 

Innerhoden statt. Im Kanton Nidwalden 

wurde sie 1996 per Urnenabstimmung abgeschafft. 

Nun heisst das Nidwaldner Museum 

Salzmagazin mit Ausstellung ‹Ja, nein, weiss 

nicht – Muster demokratie Schweiz?› seine 

Besucher:innen noch einmal mit dem «Getriiwi 

liäbi Landsliit» willkommen und fragt: «Wie 

halten Sie es mit unserer Demokratie?» 

Landsgemeinde. Foto: Emil Weber 

→ Nidwaldner Museum Salzmagazin, bis 29.10. 

↗ www.nidwaldner-museum.ch 

open art museum 

Danielle Jacqui · Organugamme, November 

2022. Foto: Mario DelCurto 

↗ www.fermedestilleuls.ch 

St. Gallen — Aus dem Museum im Lagerhaus 

wird das open art museum. Die Institution, die 

sich der Outsider Art, Art Brut und der Naiven 

Kunst widmet, hat sich in der Zeit der Corona- 

Pandemie einer Selbstreflexion unterzogen. Mit 

dem Namenswechsel will sie sich noch stärker 

für ein offenes Kunstverständnis jenseits etablierter 

Kunstkategorien und für mehr Diversität 

NOTIERT // DIES UND DAS 119

einsetzen. Ausserdem soll sich die Öffnung 

auch im Museum selbst zeigen: Neue Formate 

sollen mehr kulturelle Teilhabe ermöglichen 

und mehr Diversität innerhalb des Publikums 

fördern. Die aktuelle Ausstellung ‹Outsider Art 

unter dem Halbmond›, mit Werken mehrheitlich 

aus dem Iran und Marokko sowie Syrien 

und der Türkei, geht der Frage nach, ob die 

eurozentrisch geprägten Termini wie Art Brut 

und Outsider Art auch auf andere Kulturkreise 

übertragen werden können. Im Mai ist das open 

art museum Gastgeber der internationalen 

Tagung der European Outsider Art Association. 

Unter dem Titel ‹Outsider Art and Tradition› wird 

diskutiert, wo sich eine Tradition der Outsider 

Art findet und wie kulturelle Traditionen eine 

Kunst beeinflussen, die abseits des Kunstbetriebs 

entsteht. 

vom Publikum vor und nach den Aufführungen 

sowie in den Pausen betrachtet werden. ‹Eiserner 

Vorhang› ist eine vom museum in progress 

konzipierte Ausstellungsreihe. Seit 1998 

können in diesem Rahmen zeitgenössische 

Kunstschaffende – beispielsweise Dominique 

Gonzalez-Foerster, Carrie Mae Weems oder 

Oswald Oberhuber – den eisernen Vorhang der 

Wiener Staatsoper in ein Grossbild verwandeln. 

Die nun eingeladene Cao Fei (*1978, 

Guangzhou) präsentierte ihre Werke bereits 

in zahllosen Ausstellungen weltweit und 

wurde unter anderem mit dem Deutsche Börse 

Photography Foundation Prize ausgezeichnet. 

In ihren Videos, digitalen Arbeiten, Fotografien 

und Installationen setzt sie sich mit den Folgen 

des Wirtschaftswachstums, der Stadtentwicklung 

und der Globalisierung auseinander. 

Viele Werke der in Peking lebenden Künstlerin 

untersuchen die Auswirkungen von Automatisierung, 

virtuellen Realitäten und der Hyperurbanisierung 

auf die menschliche Existenz 

und werfen Fragen zu Erinnerung, Geschichte, 

Konsumverhalten und gesellschaftlichen 

Strukturen auf. Zu ihrem Grossbild schreibt 

sie: «Mein digitaler Avatar China Tracy lebt in 

der virtuellen Welt. Im Opernhaus gleicht das 

riesige Porträt einer ruhigen Skulptur. China 

Tracy ist still und mitfühlend, wie eine Buddha- 

Statue. Sie beobachtet die reale Welt schweigend 

und blickt vom schweren Bühnenvorhang, 

ohne Antworten zu geben.» 

Mehrdad Rashidi · Ohne Titel, undatiert, 

Courtesy Galerie Polysémie, Marseille 

→ Tagung ‹Outsider Art and Tradition›, 11.–14.5. 

↗ www.openartmuseum.ch 

Wiener Staatsoper 

Wien — Für den 25. ‹Eisernen Vorhang› in der 

Wiener Staatsoper wählte die Jury, bestehend 

aus Daniel Birnbaum, Bice Curiger und 

Hans-Ulrich Obrist, die chinesische Künstlerin 

Cao Fei aus. Ihr Werk ‹The New Angel› kann 

Cao Fei · The New Angel, 2022, Eiserner Vorhang, 

museum in progress, Wiener Staatsoper 

→ Wiener Staatsoper, bis 30.6. 

↗ www.mip.at/home 


Pro Helvetia — Fördermassnahmen für 

Fotografie 

Zürich — Die Schweizer Kulturstiftung 

Pro Helvetia stellt neue Massnahmen für ihre 

Unterstützung der Fotografie vor. Um die Kreativität 

und Visibilität der Schweizer Fotoszene 

zu stärken, setzt Pro Helvetia ab 2023 auf drei 

Schwerpunkte: die Optimierung der Förderinstrumente, 

die Stärkung der nationalen und 

internationalen Vernetzung und die Stimulierung 

der Professionalisierung der Akteur:innen. 

Die Fotografie ist in alle Förderinstrumente 

integriert, welche die Schweizer Kulturstiftung 

für die visuellen Künste anbietet. Doch die 

Optimierung der Unterstützungsleistungen gilt 

namentlich den Fotobüchern und alternativen 

Formen der digitalen Veröffentlichung, wofür 

das ganze Jahr über Gesuche gestellt werden 

können. In der zweiten Jahreshälfte 2023 wird 

eine neue Ausschreibung für fotografische 

Projekte mit einem spezifischen thematischen 

Fokus lanciert. Katharina Brandl, die neue 

Leiterin des Bereichs visuelle Künste, betont: 

«Fotos zeichnen unsere gegenwärtige visuelle 

Kultur massgeblich aus. Die neue Strategie 

würdigt ihre hohe gesellschaftliche und künstlerische 

Relevanz.» 

Werke von Patricia Bucher, Andrea Ehrat, Marc 

Elsener, Karoline Schreiber sowie dem Kollektiv 

Monica Germann und Daniel Lorenzi. Speziell 

an diesem Salon ist, dass die Künstler:innen 

gemeinsam ein Wandbild gestalten werden. 

Wie das wächst, spriesst und blüht, wird sich 

zeigen. Auf in den Frühling! 

GermannLorenzi · aus der Serie ‹Saturation / 

Hue›, 2022, Grafit, Tusche, Hadernpapier 

→ Sam Scherrer Contemporary, bis 15.4. 

↗ www.samscherrer.ch 

Kraftakt Frauenstimm- und Wahlrecht 

Anne Morgenstern · Indocile et tendre, Ansicht 

Centre de la photographie Genève, 2022 

↗ www.prohelvetia.ch 

Salon de Printemps 

Zürich — Zum zweiten Mal lädt Sam Scherrer 

zum ‹Salon de Printemps›. Gezeigt werden 

Zürich — Die Aufarbeitung der Frauengeschichte 

in der Schweiz geht weiter. Die Projektion, 

die zum 50-jährigen Jubiläum der Einführung 

des Frauenstimm- und -wahlrechts entstand 

und auf das Bundeshaus projiziert wurde, ist 

als überarbeitete Multimediashow im Landesmuseum 

in Zürich zu sehen. Sie wurde vom 

Verein Hommage 2021 unter der künstlerischen 

Leitung von Liliane Heimberg geschaffen. Anhand 

von mehr als 350 historischen Bildern erzählt 

die Projektion in den vier Landessprachen 

in grossen Zügen die Geschichte der Schweizerinnen 

und ihrer politischen Rechte. Dazu 

wurden mehr als 200 biografische Frauenporträts 

recherchiert und erstellt und damit einige 

Geschichtslücken aufgearbeitet. Mit Mitteln 


der Animation, einigen Reenactments, Texten 

und Musik wird das Engagement dieser vielen 

verschiedenen Persönlichkeiten gezeigt, angefangen 

im 18. Jahrhundert bei der geistreichen 

Berner Salonnière Juli Bondeli (1732–1778) bis 

zu Emilie Lieberherr (1924–2011), die 1969 den 

«Marsch auf Bern» anführte, dort unter dem 

Slogan «Mänscherächt für beidi Gschlächt» die 

Einführung des Frauenstimmrechts vorantrieb 

und 1970 als erste Frau in den Zürcher Stadtrat 

gewählt wurde. Das Projekt ‹Hommage 2021› 

hat weitere Initiativen nach sich gezogen. 

So haben nun Frauen von den Universitäten 

Luzern und Lausanne die Datenbank ‹Frauen in 

der Schweiz› geschaffen, die Porträts, Artikel 

und Quellen zur Geschichte der Frauen in der 

Schweiz zusammenbringt. Diese wird ab September 

2023 öffentlich zugänglich sein. Parallel 

zur Projektion wird im Landesmuseum die Ausstellung 

‹Zum Geburtstag viel Recht – 175 Jahre 

Bundesverfassung› gezeigt. 

Zürich — Die vierte Ausgabe des ZHdK International 

Day widmet sich dem Thema ‹Kunst und 

Friedensförderung›. Die Frage steht im Zentrum, 

wie Kunst und Design zur Friedensförderung 

beitragen können. Künstlerische Initiativen 

zur Konfliktlösung finden laut ZHdK in der 

internationalen Zusammenarbeit immer mehr 

Beachtung. Die Schule selbst hat 2020 das Zentrum 

für Kunst und Friedensförderung ZKF mit 

aufgebaut, an dem zahlreiche Partnerinstitutionen 

im In- und Ausland beteiligt sind. Eröffnet 

wird der International Day mit Keynotes von 

Milica Tomić, Professorin am Institut für Zeitgenössische 

Kunst der Technischen Universität 

Graz, und Heba Hage-Felder, der ehemaligen Direktorin 

der Arab Image Foundation. Präsentiert 

und diskutiert wird ausserdem ‹Learning from 

Inequalities»: Das Projekt ermöglicht Studierenden, 

die aus Weltregionen kommen, in denen 

im Vergleich zur Schweiz eine grosse Ungleichheit 

herrscht, ein Stipendium an der ZHdK. In 

Panels werden anschliessend verschiedene 

Projekte, kulturelle und geografische Kontexte 

oder künstlerische Initiativen besprochen. 

Hommage 2021, Projektion, Ausstellungsansicht 

Landesmuseum Zürich. 

Foto: Schweizerisches Nationalmuseum 

→ Landesmuseum, bis 16.4. 

↗ www.landesmuseum.ch 

↗ www.hommage2021.ch 

ZHdK International Day 

Talia Nizarane · Cleaning Service, 2020, 

Performance, im Rahmen von Learning from 

Inequalities, Zürcher Hochschule der Künste 

→ ZHdK, 5.K12 Kunstraum, 20.4., 

13.45–17.45 Uhr 

↗ www.zhdk.ch (International Day) 

Zürich und der Kolonialismus 

Zürich — Die Schweiz besass zwar keine 

Kolonien, doch verfügt sie über ein koloniales 

Erbe, das zusehends erforscht, debattiert und 

vermittelt wird. Auch die Stadt Zürich will sich 

dieser Vergangenheit stellen und hat dazu im 

Stadthaus die Ausstellung ‹Blinde Flecken – 

Zürich und der Kolonialismus› eingerichtet. Sie 

zeigt auf, wie Zürich finanziell an der Sklaverei 

beteiligt war, wie Baumwolle aus Sklavenplantagen 

die Industrialisierung des Textilgewerbes 


egünstigte oder wie die Universität Zürich in 

die globale «Rassenforschung» involviert war. 

Die Ausstellung wird von einem reichhaltigen 

Veranstaltungsprogramm begleitet, an dem 

verschiedene Zürcher Institutionen mitmachen. 

Es finden zum Beispiel Stadtrundgänge durch 

Zürichs koloniale Vergangenheit statt. Das 

Kunsthaus Zürich, das Völkerkundemuseum, 

das Nordamerika Native Museum, das Landesmuseum 

und das Rietberg Museum reflektieren 

in Ausstellungen, Vorträgen und Führungen 

koloniale Kontexte ihrer Sammlungen. Auch in 

der Kirche finden Veranstaltungen statt. In der 

Roten Fabrik wird ausserdem unter dem Titel 

‹Linker Kulturkonsum und Neokolonialismus› 

mit Filmscreenings und Diskussionsrunden der 

Versuch unternommen, selbstreflexiv hegemoniale 

Denkmuster aufzubrechen und neue 

Denkansätze zu entwickeln. Die Ausstellung 

kuratieren die Historikerin Manda Beck und der 

Historiker Andreas Zangger in Zusammenarbeit 

mit der Antirassismus-Expertin Anja Glover. 

Das Begleitprogramm haben Manda Beck und 

die Kunst- und Kulturforscherin Marilyn Umurungi 

entwickelt. 

Museum San Keller 

Zürich — Der Künstler San Keller (*1971) ist 

bekannt für seine partizipatorischen Performances 

und ephemeren Aktionen, die häufig 

an soziale Experimente erinnern und den 

kritischen, konzeptionellen und spielerischen 

Grundton seines Schaffens charakterisieren. 

Zwischen 2008 und 2022 bestand in Köniz bei 

Bern in den privaten Wohnräumen seiner Eltern 

das Museum San Keller mit Zeichnungen und 

Gemälden des Künstlers. Im April 2022 schloss 

das Museum seine Tore. Nun erscheint bei 

Scheidegger & Spiess das Buch ‹Museum San 

Keller›, welches das Projekt dokumentiert. In 

der Galerie Lullin + Ferrari wird das Museum in 

verpacktem Zustand gezeigt. Zeitgleich startet 

San Keller ein Mail-Art-Projekt, in dem er sein 

künstlerisches Netzwerk auffordert, Postkarten 

aus dem Urlaub an die Galerie zu schicken. Die 

Postkartensammlung wird fortlaufend auf der 

Website der Galerie veröffentlicht. 

San Keller mit Museum San Keller, Aargauer 

Kunsthaus, Aarau, 2022 

→ Buchvernissage Lullin + Ferrari, 20.4., 

ab 18 Uhr 

↗ www.lullinferrari.com/mail-art-san-keller 

Die Helvetia im ehemaligen Gebäude des 

Schweizerischen Bankvereins am Paradeplatz 

symbolisiert den globalen Anspruch des Zürcher 

Kapitals. Die Helvetia hält die Weltkugel, 

Merkur tanzt darauf. Foto: Baugeschichtliches 

Archiv Zürich 

→ Stadthaus u. a. Institutionen, 20.1.–15.7. 

↗ www.stadt-zuerich.ch/ausstellung 


AGENDA 

Schweiz *0041 

Aarau Aargauer Kunsthaus, Aarau, Aargauerplatz, *62 835 2330 Augustin Rebetez –ı 29.5. 

Camille Kaiser 1.4.–29.5. 

Sammlung 23 –ı 12.11. 

Forum Schlossplatz, Schlossplatz 4 We would prefer not to –ı 14.5. 

Eck – der Raum für Kunst im Speck, Ecke 

Metzgergasse / Zollrain, *78 830 33 44 

Pilz potz Blitz – ein Projekt von 

Jonas Studer 

15.4.–26.5. 

Galerie 6 Aarau, Milchgasse 35, *79 541 6416 Heinz Goetschy 29.4.–27.5. 

Mischwald –ı 1.4. 

Kunst im Kantonsspital, Tellstrasse 25, *62 824 4067 Poesie in Bild und Text –ı 23.4. 

Adligenswil z s u z s a’ s galerie, Luzernerstr. 15, *370 19 19 In Relation – Miranda Fierz –ı 1.4. 

Altdorf Haus für Kunst Uri, Herrengasse 4, *870 29 29 Livio Beyeler – welcome home –ı 21.5. 

Amsteg 

Welti Modern Art, c/o Hotel Stern und Post, 

Gotthardstrasse 88, *44 202 4041 

Martha Cunz – Ein Leben für den 

Holzschnitt 

Appenzell Kunsthalle Appenzell, Ziegeleistr. 14, *71 788 18 60 Francisco Sierra –ı 11.6. 

Kunstmuseum Appenzell, Unterrainstrasse 5 

Vordemberge-Gildewart 

–ı 11.6. 

Stipendium 2023 

Arbon Kunsthalle Arbon, Grabenstrasse 6 Laura Mietrup –ı 7.5. 

Arlesheim Forum Würth Arlesheim, Dornwydenweg 11, *61 705 95 95 Zwischen Pathos und Pastos – 

–ı 29.10. 

Christopher Lehmpfuhl 

Ascona Museo Comunale d’Arte Moderna, Via Borgo 34, 

Nanda Vigo 1.4.–25.6. 

*91 759 81 40 

Stiftung Ignaz und Mischa Epper, Via Carrà dei Nasi 1, Venezia – Gabriella Corti, 

1.4.–25.6. 

*91 791 1942 

Adriano Crivelli 

Galleria Sacchetti, Via Beato P. Berno 14, *91 791 20 79 Nina Mambourg – There’s no time 

–ı 6.5. 

like the present 

Annelies Strba – Koi –ı 6.5. 

Auvernier Galerie Lange + Pult – Auvernier, Port-de-la-côte 1, 

Hugo Capron 28.4.–3.6. 

*32 724 6160 

Baar foryouandyourcustomers Baar, Bahnhofstrasse 4 Georges Wenger –ı 20.4. 

Bad Zurzach Galerie Mauritiushof, Hauptstrasse 41, *56 249 2412 Solitaire & Solidaire –ı 16.4. 

Baden Museum Langmatt, Römerstrasse 30, *56 200 86 70 Eric Hattan – Five O’Clock Shadow –ı 25.5. 

Silvia Bächli –ı 29.5. 

Schaufenster Archiv – 

–ı 6.8. 

Architekturdenkmal Langmatt 

Galerie 94, Bruggerstrasse 37, Merker-Areal, *79 416 92 43 Stefano Righetti – Ausblicke und 

–ı 6.5. 

Einblicke 

Kunst im Trudelhaus, Obere Halde 36 Next Generation –ı 2.4. 

Balsthal Galerie Rössli Balsthal, Herrengasse 8, *76 575 28 68 Verena Thürkauf – Über das 

28.4.-2.7. 

Erhaschen von kleinen Atomen und 

grossen Geschichten 

Basel 

Antikenmuseum Basel und Sammlung Ludwig, 

Ave Caesar! –ı 30.4. 

St. Alban-Graben 5, *61 201 12 12 

Basler Papiermühle, St. Alban-Tal 37, *61 225 90 90 

Letters Around the World / Postal 

–ı 2.4. 

Artist Books 

Cartoonmuseum, St. Alban-Vorstadt 28 

Will Eisner – Graphic Novel 

–ı 18.6. 

Godfather 

Hécatombe Collectives –ı 18.6. 

Helvetia Art Foyer, Steinengraben 25 Dimitra Charamandas 4.5.–31.7. 

Kunstforum Baloise, Aeschengraben 21 Riverhood –ı 25.5. 

Kunsthalle Basel, Steinenberg 7, *61 206 9900 Iris Touliatou –ı 7.5. 

LuYang –ı 21.5. 

Ketuta Alexi-Meskhishvili –ı 6.8. 

–ı 1.4. 


Basel — Lisa Amble, Galerie 

Eulenspiegel 

Basel — Matthew Antezzo, Galerie 

Nicolas Krupp 

Kunstmuseum Basel | Gegenwart, St. Alban-Rheinweg 60 Vivian Suter –ı 1.10. 

Andrea Büttner 22.4.–1.10. 

Kunstmuseum Basel | Hauptbau & Neubau, 

St. Alban-Graben 16/20, *61 206 62 62 

Museum der Kulturen Basel, Münsterplatz 20, 

*61 266 56 00 

Born in Ukraine 

–ı 30.4. 

Alex Silber –ı 28.5. 

Shirley Jaffe –ı 30.7. 

Charmion von Wiegand –ı 13.8. 

tierisch! Keine Kultur ohne Tiere 

–ı 14.5. 

Nacht – träumen oder wachen 28.4.–21.1. 

Erleuchtet! –ı 28.4. 

Memory –ı 5.7. 

Basler Fasnacht –ı 31.12. 

Museum Tinguely, Paul Sacher-Anlage 1 Le Définitiv – c’est le Provisoire –ı 30.4. 

À bruit secret –ı 14.5. 

Roger Ballen 19.4.–19.10. 

La roue = c’est tout –ı 8.2. 

RappazMuseum, Klingental 11, *61 681 7121 Elena Lux-Marx – neue Werke –ı 2.4. 

Arté Wallhoff, Klosterberg 17, *79 308 53 43 

Kunst als Naturerforschung oder 

–ı 9.4. 

abstrakte Untersuchung der Natur 

Atelier Editions Fanal, St. Alban-Tal 39, *61 272 13 54 Künstler der Edition –ı 27.4. 

–ı 2.4. 

Ausstellungsraum Klingental, Kasernenstrasse 23, 

*61 681 6698 

Dock Kunstraum, Archiv und Ausleihe, Klybeckstr. 29, 

*61 556 4066 

Galerie Eulenspiegel, Gerbergässlein 6, Postfach 1946, 

*61 263 70 80 

I fight you till I win – 

Golnaz Hosseini 

Losing Parts of Oneself – 

15.4.–21.5. 

Cinthia De Levie 

Body of Work – Simone Thiele 

–ı 4.4. 

Plots and Pieces – Milena Naef 21.4.–19.6. 

Lisa Amble –ı 22.4. 

Galerie Gisèle Linder, Elisabethenstr. 54 John Beech – Vantage Overview –ı 22.4. 

Galerie Marianne Grob, Amerbachstrasse 10, *78 953 72 58 Andreas Frick – Spassegiada 

Gallery Ann Mazzotti, Horburgstrasse 80, *76 433 17 82 Leah Nehmert –ı 29.4. 

Guillaume Daeppen | Gallery & Space for zines, 

Müllheimerstrasse 144, *79 467 90 62 

Hilde Kentane – The Way 

Things Seem 

Luca Schenardi – An Vogelhäusern 

mangelt es jedoch nicht 

–ı 27.5. 

5.4.–27.5. 

Hebel_121, Hebelstrasse 121, *61 321 1503 The Score –ı 6.5. 

Markthalle Basel, Steinentorberg 20 

Videocity zu Gast bei Copa & 

–ı 14.5. 

Sordes mit Huhn 

Nicolas Krupp, Rosentalstrasse 28 Matthew Antezzo –ı 29.4. 

#notfor$ale, Spitalstrasse 18, *79 550 66 07 Jana Kurashvili, Jan Kiefer –ı 22.4. 

Peripherie 8, das Kunstzimmer, Holeestrasse 8, 

Cristina Emmel, Marc Lohri – [...] 

–ı 6.5. 

*79 248 81 22 

rasch[…] 

Sarasin Art, Spalenvorstadt 14, *61 261 09 11 Eindrückliche Momente – 

Christoph R. Aerni, Heinz Rütti 

–ı 30.4. 

AGENDA // SCHWEIZ 125

Basel — Jürg Stäuble, Villa Renata Basel — Vidya Gastaldon, 

Wilde Gallery 

SGBK, Spalenvorstadt 18, *61 361 61 48 Kim Vergil –ı 15.4. 

Marianne Blaser 21.4.–6.5. 

Villa Renata, Socinstr. 16, *79 743 8923 Pink – Rida Ayed –ı 9.4. 

Früher und später sind 

–ı 9.4. 

(ungefähr) gleich lang 

Vitrine, Basel, Vogesenplatz 

In Other Words – Ishita 

–ı 28.5. 

Chakraborty 

von Bartha Basel, Kannenfeldplatz 6 Design for a Garden 21.4.–15.7. 

Wilde | Basel, Angensteinerstrasse 37, *61 311 70 51 May Be Closer (II) –ı 6.4. 

Vidya Gastaldon – Natural 

20.4.–20.5. 

Herstory 

Basel/Liestal Kunsthalle Palazzo, Poststrasse 2, Postfach 277 Alex Silber – In die Zeit gefallen –ı 2.4. 

Basel/ 

Münchenstein 

HEK (Haus der Elektronischen Künste), Freilager-Platz 9, 

*61 283 60 50 

Pe Lang, Johanna Bruckner, 

Jennifer Merlyn Scherler – Pax Art 

Awards 

Who is Online? Game Art in the Age 

of Post-NFTism 

1.4.–21.5. 

Basel/Muttenz Kunsthaus Baselland, St. Jakob-Str. 170, *61 312 8388 Pia Fries –ı 9.7. 

Simone Holliger – venir en main –ı 9.7. 

Nature – Sound – Memory –ı 9.7. 

Basel/Riehen Fondation Beyeler, Baselstr. 101 Picasso – Künstler und Modell, 

–ı 1.5. 

Letzte Bilder 

Wayne Thiebaud –ı 21.5. 

Doris Salcedo – Palimpsest –ı 17.9. 

Kunst Raum Riehen, Baselstrasse 71 

Riccardo Previdi – It’s Just a 

–ı 23.4. 

Matter of Time 

Anna Maria Balint – Vivid Objects –ı 23.4. 

Künstlerhaus Claire Ochsner, Baselstr. 88, *61 641 1020 Himmelwärts – Claire Ochsner –ı 11.6. 

Galerie Lilian Andrée, Gartengasse 12, *61 641 09 09 Constantin Jaxy –ı 28.5. 

Galerie Mollwo, Gartengasse 10, *61 641 1678 Emanuela Assenza, Pi Ledergerber –ı 22.4. 

Greet Helsen – Ausstellung und 27.4.–8.6. 

work in progress 

Bellinzona Museo Villa dei Cedri, Piazza San Biagio 9, *58 203 17 31 Disappear here –ı 20.8. 

Print as a Battlefield –ı 20.8. 

Bern Alpines Museum der Schweiz, Helvetiaplatz 4 Heimat – Auf Spurensuche 

–ı 30.6. 

in Mitholz 

Kunsthalle Bern, Helvetiaplatz 1 

Heavy Rotation Infra-habibitechnics 

–ı 30.4. 

7 Winds –ı 28.5. 

Kunstmuseum Bern, Hodlerstr. 8–12 

Katharina Grosse – Studio 

–ı 25.6. 

Paintings, 1988–2022 

Museum für Kommunikation Bern, Helvetiastr. 16, 

*31 357 5555 

Planetopia – Raum für Weltwandel –ı 23.7. 

–ı 27.5. 


Bern / Hettiswil 

b. Hindelbank 

Zentrum Paul Klee, Monument im Fruchtland 3 Joan Miró – Neue Horizonte –ı 7.5. 

Paul Klee – Vom Rausch der 

–ı 21.5. 

Technik 

artundweise kunstund denkraum, Lorrainestrasse 16, Urs Hänsenberger –ı 31.3. 

*31 312 5151 

Christine Brügger, Kramgasse 31 Künstler der Galerie 2.4.–2.5. 

DuflonRacz Bern, Gerechtigkeitsgasse 40, *79 423 7550 Julian Burkhard, Max Roth –ı 1.4. 

Dinge im Fall – Bettina Carl 22.4.–27.5. 

Galerie Bernhard Bischoff & Partner, PROGR_Zentrum für Peter Soriano, Dominik Stauch – 

–ı 1.4. 

Kulturproduktion, Waisenhausplatz 30, *31 312 0666 Color Impermanence 

Bodo Korsig – Regaining My 

6.4.–13.5. 

Balance 

Galerie da Mihi | KunstKeller, Gerechtigkeitsgasse 40, Martin Ziegelmüller – Vorahnungen –ı 15.4. 

*31 332 11 90 

Kunstreich AG Bern, Gerechtigkeitsgasse 76, *31 311 4849 Andreas Durrer und Greet Helsen –ı 15.4. 

Romaine Kuonen 4.5.–3.6. 

Videocity x REX Box, Schwanengasse 9 

Videocity zu Gast in der REX Box 

–ı 3.5. 

Bern im April 2023 «Augen/Blick – 

I watch you» 

videokunst.ch, Showroom: PROGR, Waisenhausplatz 30 Dominik Stauch – «Picture 

–ı 1.4. 

Yourself», 2014, 3:40 min. 

volume Kunstraum, Lorrainestrasse 14 Jacqueline Peeters, Beni Weber – 

unsold paintings 

1.4.–13.5. 

Museum/Galerie Illusoria-Land, Sandro Del-Prete, Rest. 

Kreuz, Hindelbankstr. 33, *79 354 55 90 

Biberist Schlösschen Vorder-Bleichenberg, Asylweg 15, 

*32 672 29 89 

Biel/Bienne Kunsthaus Centre d’art Pasquart, Seevorstadt 71, 

*32 322 5586 

Photoforum Pasquart, Seevorstadt 71–75, *32 322 4482 

Sandro Del-Prete – optische 

–ı 23.12. 

Täuschungen und Holographien 

re:natur 29.4.–21.5. 

Francis Baudevin 

–ı 2.4. 

Snow dancing –ı 2.4. 

Karla Hiraldo Voleau – Another 

–ı 16.4. 

Love Story 

Nicolas Polli – When Strawberries –ı 16.4. 

Will Grow on Trees, I Will Kiss U 

Gewölbe Galerie, Obergasse 4+10a, *32 323 49 58 Kurt Bratschi – Malerei 28.4.–28.5. 

Brugg Zimmermannhaus Brugg, Vorstadt 19, *56 441 96 01 Petra Njezic, Davina Andrea 

–ı 16.4. 

Deplazes 

Brunnen kunstkabinen.ch, Bahnhof Brunnen, Bahnhofstrasse Inés Mantel –ı 15.4. 

Luzia Imhof 29.4.–24.6. 

Buchillon Aarlo u Viggo, galerie d’art, 1 Rue Roger de Lessert, 

Let in the Light (Collective) –ı 27.5. 

*78 300 25 01 

Bülach Kulturzentrum Sigristenkeller, Hans-Haller-Gasse 4, La Chambre Rose — Line Marquis –ı 1.4. 

*79 316 3027 

Burgdorf Altes Schlachthaus Bernhard Luginbühl, Metzgergasse 15, Bernhard Luginbühl, 

16.4.–17.12. 

*79 665 08 47 

Werner Ignaz Jans 

Museum Franz Gertsch, Platanenstrasse 3 Franz Gertsch – Farbproben –ı 18.6. 

Transformationen –ı 3.9. 

Franz Gertsch – Der Zeit die 

–ı 3.9. 

Zeit geben. 

Castasegna Sala Viaggiatori, 1 Via Principale Fragile – Eine zerbrechliche 

–ı 23.4. 

Ausstellung 

Chiasso m.a.x. museo, Via Dante Alighieri 6 l’opera grafica di Burri, Vedova, 

–ı 16.4. 

Kounellis, Paolucci e Benedetti 

Pierre Casè –ı 1.5. 

Orio Galli – Grafica e grafismi 30.4.–8.10. 

Chur Bündner Kunstmuseum Chur, Bahnhofstrasse 35 Vom Wert der Kunst –ı 10.4. 

Linda Semadeni – Manor 

Kunstpreis Graubünden 

–ı 2.7. 


Ilse Weber – Helle Nacht –ı 30.7. 

Dieter Roth – Gepresst gedrückt 29.4.–27.8. 

gequetscht 

Forum Würth Chur, Aspermontstr. 1, *81 558 0558 Lotte – Erlebte Landschaften –ı 1.10. 

Luciano Fasciati, Süsswinkelgasse 25, *79 285 3457 huber.huber – Melancholia –ı 1.4. 

Corcelles/NE Galerie Artemis, Rue de la Cure 2, *32 731 12 63 Art Brut 1.4.–22.4. 

Davos 

Kirchner Museum Davos, Promenade 82, Ernst Ludwig Expressionismus! Werke aus der 

–ı 24.9. 

Kirchner Platz 

Sammlung Horn 

Iris Wazzau, Promenade 72, *81 413 3106 Past + Present – Neuerwerbungen –ı 15.4. 

Dornach Kloster Dornach, Amthausstr. 7, *61 705 10 80 Glocke mit kuratierten 

–ı 31.12. 

Performances 

Eglisau Galerie am Platz Eglisau, Obergass 23 Emanuel Halpern – Welt retten 2.4.–6.5. 

Emmenbrücke akku Kunstplattform, Gerliswilstr. 23, *41 260 34 34 Haus –ı 21.5. 

Erlach Galerie Mayhaus, Galsstr. 3 A. R. Penck – Andreas Junge –ı 9.4. 

Chrigu Barmettler 16.4.–28.5. 

Frauenfeld Stadtgalerie Baliere Frauenfeld, Am Kreuzplatz, 

Juice – Aaron Doukpo 7.4.–23.4. 

*52 724 5620 

Kunstverein/Bernerhaus, Bankplatz 5, *52 723 2363 Marcus Messmer — Skulpturen 9.4.–14.5. 

Fribourg Espace Jean Tinguely – Niki de Saint Phalle, Rue de Morat 2 CRrrrEAHM II – Outsider Art –ı 25.6. 

Musée d’Art et d’Histoire Fribourg, Rue de Morat 12 Museoscope – Sarine –ı 4.6. 

–ı 14.5. 

Genève 

Genève / 

Carouge 

Kunsthalle Friart Fribourg, 22, Petites-Rames, 

*26 323 23 51 

Centre d’Art Contemporain Genève, 10, rue des Vieux- 

Grenadiers 

Andreas Hochuli – The Year of the 

baby shit brown SUV 

Ei Arakawa – Don’t give up –ı 14.5. 

Chrysalide – Le rêve du papillon –ı 4.6. 

Centre de la Photographie Genève, 28, rue des Bains Anastasia Mityukova –ı 16.4. 

Prix AOYF de photographie des 28.4.–28.5. 

droits humains 

MAMCO Genève, 10, rue des Vieux-Grenadiers 

Mierle Laderman Ukeles 

François Ristori 

Ian Burn 

General Idea 

–ı 18.6. 

–ı 18.6. 

–ı 18.6. 

–ı 18.6. 

Musée d’Art et d’Histoire Genève, 2, rue Charles-Galland Gravure en clair-obscur –ı 28.5. 

Carte blanche XL – Ugo Rondinone –ı 18.6. 

Jean Dunand – L’Alchimiste –ı 20.8. 

Musée Rath, Place Neuve Du Crépuscule à l’Aube –ı 23.4. 

Galerie Mezzanin, 63 rue des Maraîchers, *22 328 3802 Isabella Ducrot – Love and Flowers –ı 6.5. 

Olivier Varenne, 37–39 rue des Bains, *22 810 27 27 Christo – Trees 1964–1998 –ı 15.8. 

Richard Mosse – Broken Spectre –ı 15.8. 

Wilde | Genève, 24, rue du Vieux-Billard, *22 310 0013 Dorian Sari – jardin et jalousie –ı 4.5. 

Ferme de la Chapelle, 39, rte de la Chapelle 

Nicolas Delaroche – Allures 

–ı 7.5. 

anonymes 

Société des Arts – Salle Crosnier, 2, rue de l’Athénée, Yvan Alvarez –ı 8.4. 

*22 310 4102 

Villa Bernasconi, 8 route du Grand-Lancy Kitty Crowther –ı 24.4. 

Centre d’édition contemporaine, 15, rue des Rois Videos – new and revisited –ı 28.4. 

Gowen Gallery, Grand-Rue 23, *22 310 57 83 Revival I – XVIII e siècle –ı 29.4. 

Skopia, Vieux-Grenadiers 9 Franz Gertsch –ı 29.4. 

Xippas, Rue des Sablons 6 Olaf Holzapfel –ı 24.4. 

Le Salon Vert, 15, rue Ancienne, *79 382 87 23 Francisco Sepulveda – El Machitun –ı 1.4. 

Giornico fabbrica culturale baviera, 7 Via Cribiago, *77 410 91 04 Spazio 1 — Glaser / Kunz 8.4.–9.7. 

Spazio 2 — François Viscontini 8.4.–9.7. 

Spazio 3 — Friedrich Kuhn 8.4.–9.7. 

Spazio 4 — Biblioteca 8.4.–9.7. 

Spazio 5 — Archivio 8.4.–9.7. 

Glarus Kunsthaus Glarus, Im Volksgarten, Postfach 1636 Sophie Gogl –ı 25.6. 


Karen Kilimnik –ı 25.6. 

Sammlung – Jakob Wäch –ı 25.6. 

Gontenschwil Galerie Schlössli, Dorfstr. 399, *44 381 04 42 Schaufenster Intermezzo 

–ı 31.3. 

Heiri Bachmann 

Schaufenster Intermezzo 

Ruth Sommer 

–ı 31.5. 

Grenchen 

Kunsthaus Grenchen, Bahnhofstrasse 53, vis-à-vis 

Bahnhof Grenchen Süd, *32 652 50 22 

Neben (A)rmleder, (B)euys und 

(C)hristo ... Highlights aus der 

Sammlung 

20 m 2 – Fenster ins Atelier von 

Jakob Ferdinand Rieder 

Machen Menschen 

Maschinen? – Hans-Ruedi Giger, 

Franz Anatol Wyss 

Grindelwald Hotel Alpenhof, Kreuzweg 36, *33 853 52 70 Hansueli Urwyler –ı 30.6. 

Gruyères Château de Gruyères, Rue du Château 8 Marcel Rickli –ı 11.6. 

Photo Esplanade – 

1.4.–18.6. 

Laurence Kubski 

Hochdorf Kunstraum Hochdorf, Lavendelweg 8 Regional_Luzern 23 –ı 23.4. 

Hombrechtikon art-noser, Feldbachstrasse 80, *79 415 91 62 Gabriel Mazenauer –ı 23.4. 

Sonja Maria Schobinger 30.4.–18.6. 

Horgen Villa Seerose, Seegartenstr. 12, *44 218 6000 Kunstfrühling am See 2023 –ı 2.4. 

Interlaken Galerie IHB Spectrum, Postgasse 16 Hansueli Urwyler –ı 30.6. 

JungfrauPark, Obere Bönigstr. 100, *33 827 5757 Hansueli Urwyler –ı 30.6. 

Kreuzlingen ryser & naef Art Room, Gaissbergweg 1 Kunst ist Leben 8.4.–29.5. 

Kriens Museum im Bellpark, Luzernerstr. 21 / PF Gabriele Garavaglia –ı 16.4. 

Galerie Kriens, Obernauerstrasse 1, *320 4842 Christian Herter –ı 2.4. 

Küsnacht Galerie im Höchhuus, Seestrasse 123 Arian Zeller 14.4.–14.5. 

La Chaux-de- 

Fonds 

Musée des beaux-arts La Chaux-de-Fonds, Rue des 

Musées 33, *32 967 6077 

–ı 6.7. 

–ı 9.7. 

–ı 9.7. 

Nina Childress – Cils Poils Cheveux –ı 23.4. 

Quartier Général, Rue du Commerce 122, *32 924 41 65 Game over Play forever –ı 30.4. 

Langenbruck Kloster Schönthal, Schönthalstrasse 158 Ulrich Rückriem –ı 29.10. 

Langenthal Kunsthaus Langenthal, Marktgasse 13 Mia Sanchez und Disnovation.org –ı 16.4. 

Rémy Bender – Perspective 

28.4.–25.6. 

du Creux 

Lausanne Mudac, Plateforme 10, Place de la Gare 17 Beirut – Zeiten des Designs –ı 25.6. 

Dialog zwischen einem Kraken und 

einer Zitronenpresse 

–ı 15.3. 

Musée Cantonal des Beaux-Arts Lausanne, Plateforme 10, 

Place de la Gare 16, *21 318 44 00 

Photo Elysée, Place de la gare 17, *21 316 99 11 

Balthus als Zeichner 

Sarah Margnetti – Supportive 

Structures 

Silvie Defraoui – Die Erschütterung 

der Gewissheiten 

Jardin d’Hiver #2 – Poems 

of Change 

Gabriel Lippmann 

Under Your Smell 

Unschärfe — Eine Fotografische 

Geschichte 

–ı 23.4. 

–ı 23.4. 

–ı 21.5. 

–ı 21.5. 

–ı 21.5. 

–ı 21.5. 

–ı 21.5. 

EPFL – Rolex Learning Center, Route Cantonale Vanessa Billy – La Matrice –ı 27.8. 

Fabienne Levy, Avenue Louis-Ruchonnet 6, *21 711 43 20 Vanessa Safavi – I feed my dreams –ı 13.5. 

slime at night 

Fondation de l’Hermitage, 2, route du Signal Léon Spilliaert –ı 29.5. 

Galerie Viceversa, Rue Mercerie 3, *21 323 96 34 Layers – Karin Johansson 4.5.–3.6. 

CHUV Centre Hospitalier Universitaire Vaudois, rue du 

Bugnon 46 

Pliure Cosmique 

S’ébaucher dans sa forme – 

Marie Boucheteil 

–ı 25.6. 

–ı 25.6. 


Lausanne — Karen Chekerdjan, 

Mudac. Foto: Nadim Asfar 

Luzern — Qiu Shihua, Galerie 

Urs Meile 

Circuit, 9, av. de Montchoisi (accès quai Jurigoz), 

Introposition – Jacques Bonnard 31.3.–3.6. 

*21 601 4170 

Le Locle Musée des Beaux-Arts Le Locle, Marie-Anne-Calame 6, Le plaisir du texte –ı 18.9. 

*32 933 8950 

Lens Fondation Opale, Route de Crans 1, *27 483 46 10 Rêver dans le rêve des autres –ı 16.4. 

Lenzburg Stapferhaus, Bahnhofstrasse 49 Natur – Und wir? –ı 29.10. 

Locarno Museo Casa Rusca, Piazza Sant’Antonio 1, *91 756 3185 Valentina Pini – Ungraspable 1.4.–18.6. 

Sabine Schlatter – Paintings & 1.4.–18.6. 

Drawings 

Xanti Schawinsky – Pittura 

1.4.–5.11. 

processuale 

la rada, Via alla Morettina 2 Paysages Intérieurs –ı 24.4. 

Lugano Bally Foundation, 24 Via Cortivo Un lac inconnu 20.4.–24.9. 

Collezione Giancarlo e Danna Olgiati, Riva Caccia 5, 

At the studio –ı 4.6. 

*91 921 4632 

Fondazione Gabriele e Anna Braglia, Riva Antonio 

Caccia 6/a, *91 980 08 88 

Marc Chagall –ı 15.7. 

Luzern 

MASI Lugano, Piazza Bernardino Luini 6, Via Canova 10, 

*58 866 4230 

Sonnenstube, Via Emilio Rava 13 

Hans Erni Museum, Lidostrasse 6, c/o Verkehrshaus der 

Schweiz, *41 370 44 44 

Werner Bischof. Unseen Colour 

–ı 2.7. 

Alexej von Jawlensky in Ascona 23.4.–1.8. 

Rita Ackermann – Hidden –ı 13.8. 

Hedi Mertens 2.4.–15.10. 

Stimmung und Beobachtung – 

–ı 31.12. 

Kunst im Tessin 1850–1950 

Sbandare – A. Chevalley, N. Pfister, –ı 1.4. 

M. Raso, M. Rigoni 

Der junge Hans Erni – 

–ı 30.7. 

Die Sammlung Walter & 

Maria Strebi-Erni 

Hans Ernis Tafeln für die UNESCO –ı 31.12. 

Kunsthalle Luzern, Bourbaki/Löwenplatz 11, *41 412 08 09 Quido Sen 21.4.–4.6. 

Kunstmuseum Luzern, Europaplatz 1, *41 226 78 00 Jakup Ferri –ı 28.5. 

Betye Saar –ı 18.6. 

ABC der Bilder –ı 19.11. 

Museum Gletschergarten, Denkmalstrasse 4, *410 4340 Abenteuer Arktis –ı 31.8. 

Verkehrshaus, Lidostrasse 5 Dominik Lipp – Porsche Art Car –ı 4.2. 

APROPOS, Sentimattstrasse 6, *41 240 15 78 Anna Margrit Annen, Juerg Luedi 22.4.–13.5. 

B74 Raum für Kunst, Baselstrasse 74, *78 601 80 89 achtmal-neu-plus-zweimal-paris –ı 1.4. 

Galerie Müller Luzern, Haldenstr. 7, *410 7574 Brian Burke – Frühling im Garten 8.4.–10.5. 

Galerie Urs Meile Luzern, Rosenberghöhe 4 Qiu Shihua –ı 29.4. 

Harlekin Art AG, Löwengraben 14, *41 248 46 56 Illustrative Malerei + Fumetto –ı 29.4. 

Impulse Gallery, Haldenstrasse 19 Die Stille der Zeit[losigkeit] — 

–ı 3.6. 

Peter Demetz 

Kali Gallery, Lädelistraße 4 Judith Grassl – Schöne Mutanten 8.4.–13.5. 


Martigny 

Meggen 

marytwo, 2A Mariahilfgasse, *79 959 47 07 Taurus –ı 15.4. 

Network of Arts, Töpferstrasse 10, *76 500 74 25 Fusion –ı 31.3. 

Redaktion Luzern, 4 Himmelrichstrasse 

Supe – Susanne Schär & Peter 

–ı 1.4. 

Spillmann [supe.ch] 

Damian Crisp 13.4.–30.4. 

Fondation Louis Moret, 33, chemin des Barrières, 

Maria Ceppi – Hybrid Shapes –ı 16.4. 

*27 722 2347 

Le Manoir de la Ville de Martigny, Rue du Manoir 3 AI S. Gutierrez et Charlotte Olivieri –ı 9.4. 

GPS Nouvelle Génération ArtPro 20.4.–21.5. 

Fragilités refuges –ı 21.5. 

Benzeholz Raum für zeitgen. Kunst, Seestrasse, 

*377 1365 

Diagonale, Blitze und Kreise – 

Livia Gnos, Maja Rieder 

–ı 30.4. 

Mendrisio Museo d’arte Mendrisio, Piazzetta dei Serviti 1 Cesare Lucchini –ı 25.6. 

Montreux Laurent Marthaler Contemporary, Avenue des Alpes 80b, Tamara Alves –ı 30.5. 

*79 212 15 07 

Montricher Fondation Michalski, En Bois Désert 10 Colette –ı 2.4. 

Moutier Musée jurassien des Arts, Rue Centrale 4, CP 729, 

Atelier Gravure Moutier –ı 21.5. 

*32 493 36 77 

Muri AG Museum Caspar Wolf, 1. OG des Singisenflügels im Kloster Rhonegletscher – quo vadis? –ı 28.5. 

Muri, Marktstrasse 4, *56 664 7011 

Singisen Forum, Marktstrasse 4, *56 664 70 11 

Landschaftsveränderung im 

–ı 12.11. 

Blickfeld der Kunst 

Neuchâtel Centre Dürrenmatt, Ch. du Pertuis-du-Sault 74, 

Friedrich Dürrenmatt – 

–ı 31.12. 

*32 720 2060 

Schriftsteller und Maler 

Galerie C, Esplanade Léopold-Robert 1a, *32 724 16 26 De la nature des choses – 

–ı 8.4. 

Nicolas Darrot 

Depuis que les portes s’ouvrent à 20.4.–27.5. 

ce tremblement de l’air 

CAN Centre d’art Neuchâtel, Rue des Moulins 37, 

*32 724 01 60 

Window Grey –ı 2.4. 

Musée d’art et d’histoire de Neuchâtel, Esplanade 

Léopold-Robert 1, *32 717 79 20 

Donation François Ditesheim 

Permanent – Les automates 

Jaquet-Droz 

–ı 6.8. 

–ı 31.12. 

Mouvements –ı 23.1. 

Nidau Étage 19, Schulgasse 19 B. Eggli, M. Hottarek, L. Maier, 

–ı 2.4. 

R. Dürig, R. Steiner 

Galerie mnart, Beundenring 43, *76 401 63 15 Marcel Neuenschwander 1.4.–2.4. 

Olten IPFO Haus der Fotografie, Kirchgasse 10 Beyond Fashion –ı 4.6. 

Kunstmuseum Olten, Kirchgasse 8, *62 212 86 76 Exploit me –ı 16.4. 

Schatzkammer Sammlung #5 –ı 16.4. 

Dienstraum Olten, Gleis 7, Bahnhofstrasse 22 Manuela Cossalter –ı 21.5. 

Orbe Galerie Zwahlen, Route de Montcherand 5, *24 441 7711 Punching ball – Guido Bernasconi –ı 2.4. 

Paradiso Artphilein, Via San Salvatore 2, *78 976 0577 Riviera romagnola – 

–ı 5.4. 

Stefan Giftthaler 

Porrentruy Espace d’art contemporain (les halles), 

Julien Berberat – Pertes et fracas –ı 16.4. 

rue Pierre-Péquignat 9, *32 420 8402 

Porza 

Fondazione d’Arte Erich Lindenberg, Museo Villa Pia, Andrea Gabutti – Opere 2012-‘22 –ı 23.4. 

Via Cantonale 24, *78 608 96 94 

Pully ArchéoLab, Avenue du Prieuré 4 La malédiction d’hécate –ı 17.12. 

Rapperswil- 

Jona 

*Kurator, *Altefabrik, Klaus-Gebert-Str. 5, *55 225 74 74 Aramis Navarro –ı 2.4. 

Kunst(Zeug)Haus, Schönbodenstrasse 1 Acht Räume –ı 2.4. 

Linientanz –ı 30.4. 

Wellenlängen – Anna 

–ı 6.8. 

von Siebenthal 

Intuitiv – Zwei Sammlungen 

begegnen sich 

23.4.–7.4. 


Meggen — Livia Gnos, Benzeholz Scuol — Heiko Blankenstein, 

Fundaziun Nairs 

Renens La Ferme des Tilleuls, Rue de Lausanne 52, *21 633 0350 La Vie moderne — Augustin 

Rebetez 

Richterswil Artpark- Richterswil, Schwyzerstr. 34, *44 784 80 72 Hanibal...j am back! 

Katja Schicht, Elisabeth Dutoit- 

Schicht 

Romanshorn Atelier Galerie Demarmels, Amriswilerstrasse 44, 

*71 463 1811 

Ludwig Demarmels – 

Retrospektive 

–ı 18.6. 

7.4.–9.4. 

22.4.–6.5. 

–ı 22.12. 

Romont Vitromusée Romont, Au Château Silvia Gertsch – Lumière et 

–ı 16.4. 

contre-jour 

Rorschach Forum Würth Rorschach, Churerstrasse 10, *71 225 10 70 Anne Hausner –ı 4.6. 

Wasser, Wolken, Wind –ı 16.2. 

Saanen Gagosian Gstaad, Promenade 79 Mark Grotjahn –ı 1.4. 

Sachseln Museum Bruder Klaus, Dorfstrasse 4, *41 660 55 83 Gestaltet! 2.4.–1.11. 

Sarnen Galerie Hofmatt, Rütistr. 23, *660 7340 Bingo –ı 2.4. 

Savièse 

–ı 30.7. 

Espace d’exposition de la collection communale, 

Route de Saint Germain 50, *273951018 

École de Savièse et artistes 

(re)connues 

Saisons –ı 28.7. 

Schaffhausen Museum zu Allerheiligen, Klosterstr. 16 Junge Malerei (aus 

–ı 16.4. 

Süddeutschland und der 

Deutschschweiz) 

Ziegler Keramik –ı 9.7. 

Kunstkästen Schaffhausen, Bahnhof Schaffhausen/ 

Bahnhofstrasse, *52 625 2418 

Das Flicklabor / The Manding 

Laboratory 

–ı 4.6. 

Vebikus Kunsthalle Schaffhausen, Baumgartenstrasse 19, 

*52 625 2418 

Tobias Mattern, Georges Wenger, 

Andrea Vogel 

Scuol-Nairs Fundaziun Nairs, PF 71, Nairs 509, *81 864 98 02 Disegns – Zeichnungen –ı 9.4. 

Sigriswil Paradiesli, Feldenstr. 87, *33 251 51 55 See-Stuecke –ı 21.5. 

Sion Musée d’art du Valais, Place de la Majorie 15, *27 606 4690 Alabaster –ı 2.4. 

Lemme, 45 Rue de Lausanne Florence Jung – Jung90 1.4.–17.6. 

Ferme-Asile, Promenade des Pêcheurs 10, *27 203 2111 Sylvain Croci-Torti – And I Hold 

–ı 30.4. 

My Breath And 

Stone to the sun 7.4.–4.6. 

Solothurn Kunstmuseum Solothurn, Werkhofstrasse 30, 

*32 626 93 80 

–ı 7.5. 

Rimini Protokoll 

–ı 30.4. 

Roman Candio –ı 30.4. 

Fokus Sammlung: Aloïse Corbaz – –ı 25.6. 

l’étoile nous éclaire 

Freitagsgalerie Imhof, Kreuzgasse 5, *32 622 6434 Yves Scherer –ı 8.4. 

Galerie Christoph Abbühl, Schaalgasse 9/1. Stock, 

Fundus – Künstlerinnen und 

–ı 1.4. 

*79 682 03 28 

Künstler der Galerie 

Haus der Kunst St. Josef, Baselstr. 27, *32 621 09 80 Max Hari –ı 9.4. 

Rémy Hysbergue 15.4.–28.5. 

Kunstforum Solothurn, Schaalgasse 9, *79 717 67 09 Fundus –ı 1.4. 

Künstlerhaus S11, Schmiedengasse 11 Oliver Frentzel –ı 2.4. 


Stans — Jörg Niederberger, 

Galerie Stans © ProLitteris 

Wädenswil — Roman Gysin, 

Kunsthalle 8000 

St. Gallen Kunst Halle Sankt Gallen, Davidstrasse 40 Alexandra Bachzetsis – Notebook 1.4.–18.6. 

Kunstmuseum St. Gallen, Museumstrasse 32 Alexander Hahn –ı 2.4. 

Sheila Hicks –ı 14.5. 

Tschabalala Self –ı 18.6. 

Sammlung –ı 30.7. 

Perfect Love –ı 30.7. 

Unerwartete Begegnungen –ı 5.11. 

Jiajia Zhang 22.4.–27.8. 

open art museum, Davidstrasse 44, *71 223 58 57 Peter Wirz – Kontinent Wirziana –ı 20.8. 

Outsider Art unter dem Halbmond –ı 20.8. 

Stiftung Sitterwerk und Kesselhaus Josephsohn, 

Hans Josephsohn –ı 31.12. 

Sittertalstrasse 34, *71 278 87 09 

Die Klause – Ein.Kunstraum, 3 Mühlensteg Thomas Stüssi 8.4.–7.5. 

Galerie vor der Klostermauer, Zeughausgasse 8, 

Tandem zur Dritt 28.4.–21.5. 

*76 458 11 52 

Hiltibold, Stützmauer an der Magnihalde / Goliathgasse 15 Susanne Hefti, Riccarda Naef –ı 4.4. 

Luigi Archetti, Marc Zeier 6.4.–2.5. 

San Keller, Juliette Uzor 4.5.–23.5. 

St. Moritz Central Art Gallery St. Moritz, Via dal Bagn 15A, 

*81 830 0070 

Arvenskulpturen – Not Bott 

–ı 31.12. 

Graubünden pur – Patrick Nyfeler –ı 31.12. 

Silser See – Thomas Seilnacht –ı 31.12. 

Das Feuer des Engadiner Winters – –ı 31.12. 

Renzo Papini 

Reliefs Structuras Alpinas da 

–ı 31.12. 

l’Engiadina – Ernestina Abbühl 

Galerie Andrea Caratsch, Via Serlas 12, *81 734 0000 Accrochage – Künstler der Galerie 3.4.–30.6. 

Hauser & Wirth St. Moritz, Via Serlas 22, *44 446 80 50 Martin Creed – Step Paintings –ı 10.4. 

Roth Bar –ı 9.9. 

Stans Nidwaldner Museum Salzmagazin, Stansstaderstr. 23, 

*618 73 60 

Nidwaldner Museum Winkelriedhaus, Engelbergstr. 54A, 

*618 73 60 

Ja, Nein, Weiss nicht – 

Musterdemokratie Schweiz? 

Ungleich 

Esther Leupi, Judith Leupi – 

Tracing an imaginary line 

1.4.–29.10. 

6.4.–30.4. 

29.4.–8.8. 

Galerie Stans, Dorfplatz 11 Ein Kopfdrehen – es ist windstill –ı 2.4. 

Thomas Heini, Jörg Niederberger 15.4.–14.5. 

Stansstad Kulturkommission Stansstad, Dorfplatz 1, *618 2424 Pascale Ettlin – In a floating World –ı 16.4. 

Steckborn Haus zur Glocke, Seestr. 91, *52 770 2450 Kultische Handlung – 

1.4.–29.4. 

Künstlerische Praxis 

Kirchgasse, Kirchgasse 11, *52 761 1608 Stefan Burger 15.4.–27.5. 

Stein am Rhein Kulturhaus Obere Stube, Oberstadt 7 Zimoun –ı 16.4. 

Im Spiegel der Zeit –ı 31.10. 

Stone in Three Phases 2022 – 

Jamie North 

–ı 31.12. 


Steinen Atelier R6, Räbengasse 6 Jubiläumsausstellung –ı 20.4. 

Sursee Museum Sankturbanhof, Theaterstr. 9, *41 922 24 00 Regional Luzern –ı 11.6. 

Sammlung im Dialog II –ı 17.9. 

Sursee – erleben –ı 31.12. 

Susch Muzeum Susch, Surpunt 78, *81 861 03 03 Hannah Villiger –ı 2.7. 

Tenero Matasci Arte, Via Verbano 6 L’arte è donna –ı 30.4. 

Thalwil ThalwilerHofKunst, Artbox Perron 3/4 + 5/6, 

Bahnhof Thalwil, *44 720 78 56 

ArtBox#111 – Fumetto-Satellit mit 

Niccola Frey 

Thun Kunstmuseum Thun, Hofstettenstrasse 14, *33 225 84 20 Marguerite Saegesser – American –ı 16.4. 

Monotypes 

Theo Gerber – Science Fiction –ı 16.4. 

Atelier & Kunstgalerie Hodler, Frutigenstrasse 46 A Michel Baumgartner –ı 22.4. 

Kunstraum Satellit Thun, Scheibenstrasse 2 Dagmar Keller, Martin Wittwer –ı 26.4. 

Julia Znoj 4.5.–14.6. 

Unterseen 

Kunstsammlung Unterseen, Dachstock Stadthaus, 

Untere Gasse 2, *33 826 64 64 

–ı 2.5. 

Urs Aebersold, Claudius Fehlmann –ı 16.4. 

Art23 22.4.–7.5. 

Uster Bechtler Stiftung, Weiherweg 1 Double Positive – Sylvie Fleury –ı 2.4. 

Ein ruheloses Universum – 

16.4.–17.9. 

Fischli & Weiss 

Walter de Maria – The 2000 

–ı 31.12. 

Sculpture 

Pipilotti Rist – I couldn’t agree with –ı 31.12. 

you more 

foryouandyourcustomers Uster, Bankstrasse 1 Ruth Maria Obrist –ı 14.12. 

akku künstleratelier, Zeughausareal Kunstkiste Nr. 51 – Luca Harlacher –ı 15.6. 

Vevey Images Vevey, Place de la Gare 3, *21 922 4854 Katalog – Barbara Iweins –ı 14.5. 

Musée Jenisch Vevey, 2, avenue de la Gare, *21 925 35 20 Ferdinand Hodler – Revoir 

–ı 21.5. 

Valentine 

Un collectionneur idéal –ı 28.5. 

Visp 

Galerie zur Schützenlaube, Ecke 

Aquarell –ı 2.4. 

Schützenhausgasse / Stapfengasse, *79 278 89 94 

Wädenswil Kunsthalle 8000, Zugerstrasse 180 Mitchell Anderson – 

–ı 20.5. 

Landschaftsgemälde 

Roman Gysin – Woody Shopper –ı 20.5. 

Warth 

Kunstmuseum Thurgau / Ittinger Museum, Kartause 

Hinter Mauern 

–ı 16.4. 

Ittingen, *58 345 1060 

Hannes Brunner –ı 18.6. 

Javier Téllez – Das Narrenschiff –ı 17.12. 

Claudio Hils –ı 18.4. 

Wettingen Galerie im Gluri Suter Huus, Bifangstrasse 1, *56 426 2969 Dominique Eliane Girod, 

–ı 2.4. 

Georgette Maag 

Relationship 27.4.–30.4. 

Winterthur Fotomuseum Winterthur, Grüzenstrasse 44 + 45 Adji Dieye – Aphasia –ı 29.5. 

Valie Export – Die Fotografien –ı 29.5. 

Fotostiftung Schweiz, Grüzenstrasse 45, *52 234 1030 Jean-Pierre Maurer, Robert Müller –ı 4.6. 

Annelies Štrba – Bunt entfaltet 

–ı 13.8. 

sich mein Anderssein 

Gewerbemuseum Winterthur, Kirchplatz 14, *52 267 51 36 The Bigger Picture: Design – 

–ı 14.5. 

Frauen – Gesellschaft 

Kunst Museum Winterthur | Beim Stadthaus, 

Oscar Tuazon –ı 30.4. 

Museumstrasse 52, *52 267 51 62 

Kunst Museum Winterthur | Reinhart am Stadtgarten, Redon –Rêve et réalité –ı 30.7. 

Stadthausstr. 6, *52 267 5172 

Kunsthalle Winterthur, Marktgasse 25, *52 267 5132 Sarah Hablützel & Marko Mijatovic –ı 16.4. 

Sammlung Oskar Reinhart «Am Römerholz», 

Sammlungsausstellung –ı 31.12. 

Haldenstr. 95, *58 466 77 40 

Coalmine – Raum für Fotografie, Turnerstr. 1, *52 268 6868 Reflection of Sands – Solène Gün –ı 2.4. 

Belinda Kazeem-Kamin´ski 21.4.–9.7. 


Zug — Maria Zgraggen, Galerie 

Carla Renggli 

Zürich — Jan Czerwinski, 

Kunstsammlung A. und M. Rüegg 

kunstkasten, Katharina-Sulzer-Platz, *79 379 29 78 

Lucas Herzig – I piedi nel cemento, –ı 16.4. 

2022 

Pauline Codier 27.4.–11.6. 

oxyd – Kunsträume, Untere Vogelsangstrasse 4 

Observatory on Deculturalisation, –ı 24.4. 

Chapter 1 

im ofen, offene halle 142 artONboard – 4. Zyklus 1.4.–1.4. 

Worblaufen Irma Republic, Altikofenstrasse 26 The Secret Life Of Us All — Part I –ı 2.4. 

Yverdon-les- 

Bains 

Centre d’art contemporain Yverdon-les-Bains, 

Place Pestalozzi, *24 423 63 80 

Galerie d’Art Kaminska & Stocker, Rue de la Plaine 22, 

*24 425 6011 

Malefica – Maëlle Gross –ı 23.4. 

Expo Abbas – F. Burkhard, G. Gara, 

R. Abbas 

13.4.–29.4. 

Zofingen Kunsthaus Zofingen, Gen. Guisan-Str. 12, *62 751 4829 Mindmapping Art – F. Caraco, 

1.4.–18.6. 

E. Ernst, G. Trifilò 

Zug Kunsthaus Zug, Dorfstrasse 27 Jan Jedlička – Retrospektive –ı 16.4. 

Max von Moos, Florin Granwehr, 

–ı 16.4. 

Brigitte Moser – 

Neue Schenkungen 

Galerie Carla Renggli, Ober-Altstadt 8 Maria Zgraggen 1.4.–27.5. 

Lakeside Gallery, Artherstrasse 3, *41 710 46 47 Vom Licht im Schatten – 

–ı 15.4. 

Helen Eggenschwiler, Werner Zemp 

Zollikon Villa Meier-Severini, Zollikerstrasse 86 Glas und Licht — Sue Naef Gadient 20.4.–7.5. 

Zumikon Galerie Milchhütte, Dorfstr. 31 Heimindustrie – Andreas 

Steinemann, Vicky Kim 

–ı 16.4. 

Zuoz Monica De Cardenas Zuoz, Chesa Albertini, Stradun 111, 

*81 868 80 81 

Uwe Wittwer, Michael van Ofen, 

Slawomir Elsner 

Zürich Cabaret Voltaire, Spiegelgasse 1, *43 268 08 44 Office Ich bin wü ü ü ü ü ü ü ü tend – 

–ı 30.4. 

Sophie Taeuber-Arp, 

Mai-Thu Perret 

Ilaria Vinci – Phoenix Philosophy 

–ı 9.7. 

Café 

Friedhof Forum, Friedhof Sihlfeld/Aemtlerstr. 149 Tod – unser täglich Brot – 

–ı 13.6. 

Gerda Steiner & Jörg Lenzlinger 

Graphische Sammlung ETH, Rämistrasse 101, 

Friedl Dicker-Brandeis –ı 18.6. 

*44 632 4046 

Kunsthalle Zürich, Limmatstr. 270 

Ibrahim El-Salahi – Pain Relief 

–ı 14.5. 

Drawings 

Pippa Garner – Act Like You 

–ı 14.5. 

Know Me 

Kunsthaus Zürich, Heimplatz Füssli –ı 21.5. 

Giacometti – Dalí 14.4.–2.7. 

Re-Orientations –ı 16.7. 

Landesmuseum Zürich, Museumstrasse 2, *44 218 65 11 Kraftakt Frauenstimm- und 

Wahlrecht 

–ı 16.4. 

–ı 8.4. 


Zürich — Hanna Roeckle, 

Fabian & Claude Walter Galerie 

Zürich — Sarah Dwyer, Galerie 

Fabian Lang 

Sagen aus den Alpen –ı 23.4. 

Zum Geburtstag viel Recht –ı 16.7. 

Einfach Zürich –ı 31.1. 

Geschichte Schweiz –ı 31.12. 

Die Sammlung –ı 31.12. 

Archäologie Schweiz –ı 1.1. 

Luma/Westbau, Limmatstrasse 270 Julien Creuzet –ı 21.5. 

Migros Museum für Gegenwartskunst, Limmatstrasse 270 Acts of Friendship – Akt 1 & 2 –ı 28.5. 

Ragnar Kjartansson – The Visitors –ı 28.5. 

Musée Visionnaire, Predigerplatz 10, *44 251 6657 

Kohli, Kuhn, Knecht – Willkommen 

im Tigerkäfig! 

–ı 14.5. 

Museum für Gestaltung – Schaudepot, 

Pfingstweidstrasse 96 

Game Design Today 

–ı 23.7. 

Repair Revolution! –ı 15.10. 

Museum Haus Konstruktiv, Selnaustrasse 25 Athene Galiciadis –ı 7.5. 

Leon Polk Smith –ı 7.5. 

Museum Mühlerama, Seefeldstr. 231, *44 422 7660 

Copain – Gerda Steiner & 

–ı 16.6. 

Jörg Lenzlinger 

Museum Rietberg, Gablerstrasse 15 Jain sein –ı 30.4. 

Look Closer –ı 17.9. 

Wege der Kunst –ı 24.3. 

Pavillon le Corbusier, Höschgasse Der Modulor – Mass und Proportion 21.4.–26.11. 

Stiftung Kunstsammlung Albert und Melanie Rüegg, 

Jan Czerwinski –ı 29.4. 

Rämistrasse 30 

Tichy Ocean Foundation – Prague & Zurich, 

Lessingstrasse 9, *44 250 43 63 

Valentin Carron, Jacques Chessex 31.3.–20.5. 

Völkerkundemuseum der Universität Zürich, 

Pelikanstr. 40, *44 634 90 11 

Geschäftsidee? 5 Fragen an... 

–ı 21.1. 

Hochzeitsreise? 5 Fragen an… –ı 21.1. 

Plünderware? 5 Fragen an… –ı 12.5. 

ZAZ Bellerive, Höschgasse 3, *44 545 80 01 Landschaftstadt Zürich 21.4.–3.9. 

Andres Thalmann Zürich, Talstrasse 66, *44 210 2002 Caetano de Almeida –ı 20.5. 

Annemarie Verna Galerie, Neptunstrasse 42, *44 262 3820 Friends –ı 28.4. 

annex14, Limmatstrasse 270, *44 202 44 22 Michel Sauer –ı 1.4. 

Vlatka Horvat, Simon Callery 14.4.–20.5. 

Beletage Art Space, Utoquai 41, c/o Dr. Rai Winata Pascal Sender, Fridolin Schoch 2.4.–12.5. 

Bildhalle, Stauffacherquai 56, *44 552 09 18 Willy Spiller – Hell on Wheels –ı 13.5. 

Blue Velvet Projects, Rämistrasse 3, *78 686 16 01 At Gate –ı 8.4. 

Care Package –ı 8.4. 

Christophe Guye Galerie, Dufourstrasse 31, *44 252 0111 Light of Spring – Risaku Suzuki –ı 3.6. 

Edition VFO, Limmatstrasse 268 From Object to Ornament – Part I –ı 27.5. 

Ehemalige SBB-Werkstätten, 420 Hohlstrasse 

Loslassen – loswerden. 

Sinnlichkeit im gekachelten 

Waschraum 

–ı 2.4. 


Espace Diaphanes Zürich, Löwenbräukunst, Ebene A, 

Limmatstrasse 270 

Fabian & Claude Walter Galerie, Rämistrasse 18, 

*44 440 40 18 

Marianne Halter, Mario Marchisella –ı 9.4. 

Romeo Vendrame – A Loner’s 

Choreography 

Hanna Roeckle – Dichroic 

Configurations 

–ı 22.4. 

–ı 22.4. 

Fabian Lang, Obere Zäune 12, *44 223 54 33 Sarah Dwyer – I Off Kilter –ı 8.4. 

Frédérique Hutter art concept, Hottingerstrasse 12, Riverhood –ı 25.5. 

*44 212 22 00 

Galerie & Edition Stephan Witschi, Zwinglistr. 12 (Hof) Lea Kunz – La peau des amis 15.4.–27.5. 

Galerie am Lindenhof, Pfalzgasse 3 Maud Lecornier – His Photography –ı 3.4. 

Die Schweiz im Fokus – L. Durisch, 5.4.–17.4. 

S. Lacher, D. Gauch 

Maria Gigon 18.4.–24.4. 

Nikol Zemanova 25.4.–1.5. 

Susanne Scherer 2.5.–8.5. 

Galerie Eva Presenhuber, Maag Areal, Zahnradstr. 21, Louisa Gagliardi –ı 20.5. 

*43 444 7050 

Galerie Eva Presenhuber, Waldmannstrasse, 

Verne Dawson –ı 6.4. 

Waldmannstrasse 6 

Galerie Francesca Pia, Limmatstrasse 268, *44 271 2444 Ericka Beckman — Lucky Charm –ı 6.4. 

Galerie La Ligne, Heinrichstr. 237, *43 205 28 29 

Winter Group Show – Art 

–ı 15.4. 

Transforms Us! 

Marie-Thérèse Vacossin 22.4.–10.6. 

Art Paris Art Fair – Paris 30.3.–2.4. 

Galerie Mark Müller, Hafnerstrasse 44 

D. Bopp, J. Marioni, J. Millar, 

1.4.–20.5. 

P. Rohner, C. Streuli, D. Zaloudek 

Martín Mele – The boy who 

1.4.–20.5. 

followed Mele 

Galerie Rosenberg, Dufourstrasse 169, *44 311 79 52 Rosina Kuhn –ı 1.4. 

Peter Emch 14.4.–3.6. 

Galerie Tschudi Zürich, Rämistrasse 5, *44 210 13 20 Kemang Wa Lehulere 1.4.–20.5. 

Galerie WOS, Kirchgasse 28, *434998585 

Jacqueline de Jong – Beyond 

–ı 8.4. 

Narrative 

Galerie Ziegler SA, Rämistrasse 34, Schauspielhaus, Lift, 120 Jahre Richard Paul Lohse –ı 31.3. 

3. Stock, *44 251 2322 

GK3-Space, Kochstrasse 3 / Hinterhof Jitter – Stefan Nafzger 14.4.–16.4. 

Racinage – Elzara Oiseau, 

28.4.–30.4. 

Nathalie Diserens 

Grisebach, Bahnhofstr. 14 Florian Bühler – Vanity –ı 2.4. 

gta Ausstellungen, Stefano-Franscini-Platz 5 Unschöne Museen –ı 19.5. 

Hauser & Wirth Zurich, Bahnhofstrasse 1, 

David Smith –ı 6.4. 

Bahnhofstrasse 1 

Hauser & Wirth Zurich, Limmatstrasse, Limmatstr. 270 Berlinde De Bruyckere – A simple 

–ı 13.5. 

prophecy 

Häusler Contemporary Zürich, Stampfenbachstrasse 59, David Reed – Krefeld, Miami, 

–ı 2.6. 

*43 810 0426 

New York 

Jedlitschka Gallery, Seefeldstr. 52, 8008 Zürich Patrizia Casagranda 13.4.–19.5. 

Kinderspital Zürich, Steinwiesstrasse 75 My Light – James Turrell –ı 2.4. 

König Büro, Birmensdorferstr. 299, *41 201 20 54 

Janet Müller – Was vom Tage 

–ı 15.4. 

übrig bleibt 

Kulturfolger, Idastrasse 46 Paulo Wirz –ı 16.4. 

Kunstsichtbar, 134 Zentralstrasse Stadtansichten –ı 2.4. 

Last Tango, Sihlquai 274 Robert Estermann, Oz Oderbolz –ı 13.5. 

Livie Gallery, Claridenstrasse 34 Michael Sailstorfer – Batterie 21.4.–2.6. 

Art Düsseldorf 31.3.–2.4. 

Lullin + Ferrari, Limmatstrasse 214, *43 205 2607 Sebastian Utzni –ı 13.5. 


Zürich — Patrizia Casagranda, 

Jedlitschka Gallery 

Zürich — Morley Baer, WBB Gallery 

Belgien *0032 

Mai 36 Galerie, Rämistrasse 37 d.o.pe – Thomas Ruff –ı 27.5. 

The Chimera Complex –ı 27.5. 

New Leonardo, 80 Thurgauerstrasse Vincenzo Baviera – Klöpperböden –ı 28.2. 

Peter Kilchmann, Zahnradstr. 21 Artur Zmijewski –ı 20.5. 

Peter Kilchmann (Rämistrasse), 33 Rämistrasse, 

Marc-Antoine Fehr –ı 1.4. 

*44 278 10 12 

sam scherrer contemporary, Kleinstr. 16, *44 260 4433 Salon de Printemps 2023 –ı 15.4. 

Schaufenstergalerie Stampfenbachstrasse, 

Eva Gallizzi –ı 1.6. 

Stampfenbachstrasse 31 

Visarte Zürich, Schoffelgasse 10, *44 252 4161 Dionisos Zaverdinos –ı 5.4. 

Albert Mauerhofer, 

11.4.–28.4. 

Heinz Glanzman 

WBB Gallery, Trittligasse, *79 388 73 09 Pure Photography –ı 26.8. 

We Are AIA I Awareness in art, Löwenbräukunst, 

Limmatstrasse 268 

A city beyond –ı 27.5. 

Antwerpen Musée d’Art Contemporain Anvers, Leuvenstraat 32 Dora García – Elle a plusieurs noms –ı 21.5. 

Brüssel Bozar-Expo, Rue Ravenstein 23, *2 507 8200 Swedish Ecstasy –ı 21.5. 

Fondation Cab, Rue Borrens 32–34 Niele Toroni –ı 29.10. 

La Verrière, boulevard de Waterloo 50, *2 511 2062 Marion Verboom – 

–ı 23.4. 

Chryselephantine 

Wiels, Av. Van Volxemlaan 354, *2 347 3050 Danai Anesiadou – D Possessions –ı 23.4. 

Marc Camille Chaimowicz – 

nuit américaine 

–ı 13.8. 

Deutschland *0049 

Aachen 

Ludwig Forum für internationale Kunst, 

Jülicher Strasse 97–109 

Palmípeda 

–ı 23.4. 

Illiberale Leben 22.4.–27.8. 

Alkersum Museum Kunst der Westküste, Hauptstr. 7 Dampfer, Deiche, Dramen –ı 18.6. 

Arnsberg Kunstverein Arnsberg, Königstrasse 24 Farkhondeh Shahroudi –ı 16.4. 

Augsburg Galerie Noah, Beim Glaspalast 1 Christian Awe – love language –ı 21.5. 

Backnang Galerie der Stadt, Petrus-Jacobi-Weg 1 Wolfgang Folmer – Gegebenheiten –ı 7.5. 

Baden-Baden Museum Frieder Burda, Lichtentaler Allee 8b, 

*7221 398 9831 

Transformers 

Dresscodes – Kleidungskonventionen 

im Bild 

–ı 30.4. 

–ı 2.7. 

Staatliche Kunsthalle Baden-Baden, Lichtentaler Allee 8a Candice Breitz – Whiteface –ı 2.4. 

Bautzen Museum Bautzen, Kornmarkt 1, *3591 534933 Tod & Ritual –ı 30.4. 

Berlin Akademie der Künste Berlin, Pariser Platz 4 Macht Raum Gewalt – Planen und 

Bauen im Nationalsozialismus 

19.4.–16.7. 

Alexander und Renata Camaro Stiftung, Potsdamer 

Straße 98A 

Schriftgestalten – 

Erik Spiekermann 

–ı 5.4. 


Schatten aus Licht – Lothar 

21.4.–6.10. 

Wolleh, Alexander Camaro 

Alfred Ehrhardt Stiftung, Auguststrasse 75, *30 2009 5333 Gregor Sailer – The Polar Silk Road –ı 2.4. 

Thomas Brummet – Seeking the 15.4.–9.7. 

Infinite 

Deutsche Guggenheim, Unter den Linden 13/15 Oskar Kokoschka –ı 3.9. 

Deutsches Historisches Museum Berlin, Unter den Linden 2 Fortschritt als Versprechen –ı 29.5. 

Roads not Taken –ı 24.11. 

Gemäldegalerie Berlin, Matthäikirchplatz Hugo van der Goes –ı 16.7. 

Georg-Kolbe-Museum, Sensburger Allee 25, *304 2144 Leiko Ikemura – Witty Witches –ı 1.5. 

Gropius-Bau, Niederkirchnerstr. 7 Daniel Boyd – Rainbow Serpent –ı 9.7. 

Indigo Waves and Other Stories 7.4.–13.8. 

Hamburger Bahnhof, Invalidenstr. 50–51, *30 397 8340 Sandra Mujinga – I Build My Skin 

–ı 1.5. 

With Rocks 

Broken Music Vol. 2_Live 20.4.–5.5. 

Broken Music Vol. 2 –ı 14.5. 

Zineb Sedira –ı 30.7. 

Fred Sandback – Simple Facts –ı 17.9. 

Christina Quarles –ı 17.9. 

Haus am Waldsee, Argentinische Allee 30 Margaret Raspé –ı 29.5. 

ifa-Galerie Berlin, Linienstraße 139/140, *30 284 491 10 Mapping the Air –ı 30.4. 

Elisabetta Di Maggio –ı 30.4. 

James-Simon-Galerie, Bodestraße 

Archäologische Schätze 

4.5.–5.9. 

aus Usbekistan 

Neues Museum Berlin, Bodestraße 

Archäologische Schätze 

4.5.–5.9. 

aus Usbekistan 

Der Porzellan Code – One Million by –ı 28.5. 

Uli Aigner 

Jüdisches Museum Berlin, Lindenstr. 9–14 Paris Magnétique 1905–1940 –ı 1.5. 

Julia Stoschek Collection Berlin, 60 Leipziger Straße Ulysses Jenkins – Without Your 

Interpretation 

–ı 30.7. 

KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst, Am Sudhaus 3, 

*30 8 3215 9120 

Mona Hatoum – all of a quiver 

As If No Misfortune Had Occured 

in the Night 

OMOS – R. Hollis, A. Baker, 

D. Tasinda, K. Walker 

–ı 29.5. 

–ı 2.7. 

–ı 30.7. 

Friedrich Kunath –ı 30.7. 

Kulturforum Berlin, Matthäikirchplatz 

Muse oder Macherin? Frauen 

–ı 4.6. 

in der italienischen Kunstwelt 

1400–1800 

Hugo van der Goes – Between Pain –ı 16.7. 

and Bliss 

Kunstgewerbemuseum, Tiergartenstraße 6 

Retrotopia – Design for 

–ı 16.7. 

Socialist Spaces 

Kunstraum Kreuzberg/Bethanien, Mariannenplatz 2 ([ome]; baschkirisch für 

–ı 29.5. 

«kollektive Selbsthilfepraktiken») 

KW Institute for Contemporary Art, Auguststrasse 69 Martin Wong – Malicious Mischief –ı 14.5. 

Win McCarthy – Innenportrait –ı 14.5. 

Karen Lamassonne – Ruido / Noise –ı 14.5. 

Museum für Fotografie Berlin, Jebensstr. 2 

Flashes of Memory – Fotografie 

–ı 20.8. 

im Holocaust 

Neue Nationalgalerie, Potsdamer Str. 50, *30 266 2655 Monica Bonvicini – I do You –ı 7.5. 

Tehching Hsieh 1.4.–30.7. 

Neuer Berliner Kunstverein, Chausseestr. 128–129 Realities Left Vacant –ı 7.5. 

Sung Tieu –ı 7.5. 

Carrie Mae Weems –ı 7.5. 

PalaisPopulaire, Unter den Linden 5 Isaac Julien – Playtime –ı 10.7. 

AGENDA // SCHWEIZ / BELGIEN / DEUTSCHLAND 139

The Struggle of Memory (Part 1) 18.4.–3.10. 

Sammlung Scharf-Gerstenberg, 70 Schloßstraße 

Phantome der Nacht – 100 Jahre 

–ı 23.4. 

Nosferatu 

Savvy Contemporary, Richardstr. 43/44 

Lakbayan. Voices of Resistance 

–ı 9.4. 

from the Philippines 

My Language Is A Bedouin Thief –ı 10.4. 

Schinkel Pavillon, Oberwallstr. 1, *30 2088 6444 Human Is –ı 23.7. 

Schloss Köpenick, Schlossinsel 1 

Elektrisierend! Galvanoplastische 28.4.–1.10. 

Nachbildungen von 

Goldschmiedekunst 

Buchmann Galerie Berlin, Charlottenstr. 13 Keramik –ı 22.4. 

Galerie Barbara Weiss, Kohlfurter Str. 41/43 Cay Bahnmiller –ı 15.4. 

Galerie Judin, Potsdamer Str. 83 (Hof), *30 3940 4840 Ellen Akimoto –ı 8.4. 

Lydia Pettit 29.4.–8.7. 

Galerie Kornfeld Berlin, Fasanenstraße 26, 

David Meskhi –ı 19.4. 

*30 889 225 890 

Galerie Mathias Güntner Berlin, 90 Knesebeckstraße You, too. Take Care –ı 8.4. 

Galerie Nordenhake Berlin, Lindenstrasse 34 

Marjetica Potrč – On Coexistence, –ı 22.4. 

Rivers and Stories 

Galerie Poll, Gipsstr. 3 / Parterre, *30 261 7091 

Aiming High – Fotografien von 

–ı 15.4. 

Frank Schinski 

Wow! Markus Draper 28.4.–10.6. 

König Galerie Berlin, Alexandrinenstraße 118–121, 

*30 261 030 8252 

Xiyao Wang 

–ı 16.4. 

Alicia Framis –ı 22.4. 

Lothar Wolleh Raum, Linienstraße 83A, *30 28873848 René Magritte –ı 22.12. 

Robert Morat Galerie, Linienstraße 107 Bill Jacobson –ı 31.3. 

Sprüth Magers Berlin, Oranienburger Str. 18 Cao Fei 28.4.–19.8. 

Bochum Kunstmuseum Bochum, Kortumstrasse 147 Karina Bisch und Nicolas Chardon 23.4.–10.9. 

–ı 10.4. 

Kunstsammlungen der Ruhr-Universität Bochum, 

29C Nevelstraße 

Adolf Luther – Licht. Werk und 

Sammlung. 

Diving Into Art 3.5.–8.10. 

Weltsichten. Landschaft in der 

–ı 1.10. 

Kunst seit dem 15. Jahrhundert 

Bonn Bundeskunsthalle, Helmut-Kohl-Allee 4 Ernsthaft?! Albernheit und 

–ı 10.4. 

Enthusiasmus in der Kunst 

Braunschweig Kunstverein Braunschweig, Lessingplatz 12 Ana Hoffner ex-Prvulovic – 

–ı 21.5. 

Active Intolerance 

Arijit Bhattacharyya –ı 21.5. 

Bremen Gesellschaft für Aktuelle Kunst, Teerhof 21 Doch alle eine Insel? 15.4.–18.6. 

Kunsthalle Bremen, Am Wall 207 

Sunset – Ein Hoch auf die 

–ı 2.4. 

sinkende Sonne 

Wer war Milli? Eine Intervention 

–ı 23.7. 

von Natasha A. Kelly 

Kunst Vereint! Die frühen Jahre 22.4.–20.8. 

der Sammlung 

Künstlerhaus Bremen, Am Deich 68/69 

Shirin Mohammad – rebellion of 1.4.–4.6. 

the slogans 

Weserburg Museum für moderne Kunst, Teerhof 20 

What is the Proper Way to Display –ı 23.4. 

a Flag? 

So wie wir sind 4.0 –ı 13.8. 

From De Stijl to Boekie Woekie –ı 10.9. 

Bremerhaven Kunsthalle Bremerhaven, Karlsburg 4, *471 468 38 Anne Bourse – Old People Smoking –ı 23.4. 

Brühl Max Ernst Museum, Comesstrasse 42/Max-Ernst-Allee 1 Image – Max Ernst im Foto –ı 23.4. 

Celle Kunstmuseum Celle/Slg. Robert Simon, Schlossplatz 7 Float –ı 24.9. 

Chemnitz Museum Gunzenhauser, Falkeplatz, *371 488 7024 Lebenswege. Künstler:innen 

zwischen den Systemen 

–ı 2.7. 


Darmstadt Hessisches Landesmuseum, Friedensplatz 1 Urknall der Kunst – Moderne 

–ı 25.6. 

trifft Vorzeit 

Institut Mathildenhöhe, Olbrichweg 13 A Raumkunst –ı 27.7. 

Donaueschingen 

Dortmund 

Museum Art.Plus, Museumsweg 1 

Hartware MedienKunstVerein (HMKV), 

Leonie-Reygers-Terrasse, *231 496 6420 

Gerhard Langenfeld 

–ı 11.6. 

Tierisch gut – Paradise reloaded –ı 12.11. 

Jana Kerima Stolzer und 

–ı 30.7. 

Lex Rütten 

Künstlerhaus Dortmund, Sunderweg 1 GO:40 1.4.–14.5. 

Museum am Ostwall im Dortmunder U, 

Nam June Paik – I Expose 

–ı 27.8. 

Leonie-Reygers-Terrasse 

the Music 

Duisburg Lehmbruck Museum, Düsseldorfer Str. 51 Norbert Kricke –ı 7.5. 

Surreale Welten –ı 7.5. 

Janet Cardiff & George Bures Miller –ı 7.5. 

MKM Museum Küppersmühle für Moderne Kunst, 

Philosophenweg 55 

E. W. Nay – Retrospektive 

Norbert Kricke – Bewegung 

im Raum 

–ı 6.8. 

–ı 27.8. 

Museum DKM, Güntherstrasse 13–15, *203 9355 5470 Norbert Kricke – Sammlung DKM –ı 7.5. 

Düren 

Leopold-Hoesch-Museum & Papiermuseum Düren, 

Irmel Kamp – Architectural Images –ı 23.4. 

Hoeschplatz 1 

Düsseldorf Julia Stoschek Collection Düsseldorf, Schanzenstrasse 54 15-jährige Jubiläumsausstellung –ı 10.12. 

der Julia Stoschek Collection 

K21 Kunstsammlung NRW, Ständehausstr. 1, *211 8381204 Jenny Holzer –ı 6.8. 

Kai 10/Arthena Foundation, Kaistrasse 10 Phantoms and Other Illusions –ı 3.9. 

Kunsthalle Düsseldorf, Grabbeplatz 4 Peter Piller –ı 21.5. 

Kunstpalast, Ehrenhof 4–5, *211 566 42 100 Landsberg-Preis 2022 – Alex Grein –ı 10.4. 

Refik Anadol –ı 23.4. 

Mehr Licht –ı 7.5. 

Galerie Ludorff, Königsallee 22 Lotte Laserstein –ı 29.4. 

Neuerwerbungen Frühjahr 2023 –ı 31.8. 

Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, 

Jessica Vaughn –ı 21.5. 

Grabbeplatz 4 

Sammlung Philara, Birkenstraße 47a, *211 24862721 Breathing Water, Drinking Air –ı 25.6. 

Erlangen Kunstpalais, Marktplatz 1 Rachel Maclean – Duck 1.4.–2.7. 

Simon Lehner 1.4.–2.7. 

Essen Museum Folkwang, Museumsplatz 1, *201 884 5444 Odonchimeg Davaadorj –ı 10.4. 

Daniela Comani –ı 11.6. 

Rafaël Rozendaal 21.4.–20.8. 

foryouandyourcustomers Essen, 50 Zweigertstraße Ilka Helmig, Armin Hartenstein –ı 27.7. 

Frankfurt/M Fotografie Forum, Braubachstrasse 30–32, *69 291 726 Nhu Xuan Hua – Hug of a Swan –ı 9.4. 

Museum für Angewandte Kunst Frankfurt, Schaumainkai 17 Die Sammlung Maximilian von 

–ı 4.6. 

Goldschmidt-Rothschilds 

Meet asian art – Pekingglas –ı 4.6. 

Museum MMK für Moderne Kunst, Domstrasse 10, 

*69 2123 0447 

Rosemarie Trockel 

–ı 18.6. 

Cameron Rowland –ı 15.10. 

Portikus, Alte Brücke 2/Maininsel Lap-See Lam –ı 28.5. 

Schirn Kunsthalle, Römerberg Niki de Saint Phalle –ı 21.5. 

Monster Chetwynd –ı 29.5. 

Elizabeth Price – Sound of 

–ı 29.5. 

the Break 

Städel Museum, Schaumainkai 63 Michael Anthony Müller – 

–ı 23.4. 

Der geschenkte Tag 

Italien vor Augen –ı 3.9. 

↗ www.artlog.net/kunstbulletin 

AGENDA // DEUTSCHLAND 141

Philipp Fürhofer –ı 8.10. 

basis, Gutleutstrasse 8–12 Ella Littwitz – Red Mercury –ı 30.4. 

Freiburg/B artforum3 e.V., Insel 3 Videocity zu Gast in Freiburg i.Br. 

–ı 31.3. 

mit «Einsamkeit Essen» 

Kunstverein Freiburg, Dreisamstr. 21 Jala Wahid 1.4.–14.5. 

Friedrichshafen Zeppelin Museum, Seestrasse 22, *7541 38 010 

Fetisch Zukunft. Utopien der 

–ı 16.4. 

dritten Dimension 

Halle 

–ı 21.5. 

Kunstmuseum Moritzburg Halle (Saale), 

Friedemann-Bach-Platz 5 

Der andere Picasso – Zurück zu 

den Ursprüngen 

Ich bin Du! Doris Ziegler – Malerei –ı 21.5. 

Kunstverein Talstrasse e.V., Talstr. 23 

Begegnung – Pablo Picasso trifft 

–ı 29.5. 

Jean Lurçat 

Hamburg Deichtorhallen, Deichtorstrasse 1–2 Ragnar Axelsson –ı 4.6. 

Ralph Gibson 21.4.–20.8. 

Hamburger Kunsthalle, Glockengießerwall 5, 

*40 428 131 200 

Femme Fatale 

–ı 10.4. 

Paris ist meine Bibliothek –ı 7.5. 

1923 – Gesichter einer Zeit 28.4.–24.9. 

Keine Illusionen 31.3.–31.10. 

Hans Makart –ı 31.12. 

Impressionismus –ı 31.12. 

something new, something old, 

–ı 18.2. 

something desired 

Kunsthaus Hamburg, Klosterwall 13–15, *40 335 803 Exzentrische 80er –ı 21.5. 

Kunstverein Hamburg, Klosterwall 23, *40 338 344 The Educationial Web 1.4.–6.8. 

Kunstverein Harburger Bahnhof, Hannoversche 

Anja Dietmann – Bar Collo –ı 6.8. 

Strasse 85, *40 7675 3896 

Museum der Natur Hamburg – Zoologi, Bundesstraße 52 Das Ganze der Natur – 

–ı 27.8. 

Wissenschaft trifft Kunst 

Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg, Steintorplatz The F*word – Guerrilla Girls und 

–ı 17.9. 

feministisches Grafikdesign 

Be With the Revolution –ı 31.3. 

Galerie Mathias Güntner Hamburg, Admiralitätstr. 71 Kirstin Arndt – I’ve got a bigger 

–ı 8.4. 

fish to fry 

Galerie Nanna Preußners, 13 Klosterwall Isabella Berr 21.4.–13.5. 

Karin Guenther, Admiralitätstr. 71 Ellen Gronemeyer – Switch –ı 1.4. 

Produzentengalerie, Admiralitätstr. 71 Bernhard Brungs 21.4.–10.6. 

Hannover Kestner Gesellschaft, Goseriede 11 Diango Hernández Bañistas –ı 25.5. 

Klára Hosnedlová – To Infinity –ı 4.6. 

Diedrick Brackens – everything 

–ı 4.6. 

I have ever touched 

Institute of Queer Ecology – 

–ı 4.6. 

Hysteria 

Sprengel Museum, Kurt-Schwitters-Platz Glenn Brown – The Real Thing –ı 18.6. 

Elementarteile –ı 31.12. 

Kunstverein Hannover, Sophienstrasse 2 Zhanna Kadyrova –ı 9.4. 

Holle Kunstmuseum Schloss Derneburg, 1 Schloßstraße Julian Schnabel – Versions of 

Chuck, Revisited 

–ı 16.4. 

Hörstel DA, Kunsthaus Kloster Gravenhorst, Klosterstrasse 10, 

*2551 69 4200 

Auftakt! 

–ı 16.4. 

Jugend gestaltet 4.5.–5.6. 

Historische Präsentationen – 

–ı 10.9. 

Geschichte hinterm Giebel 

Iphofen Knauf-Museum Iphofen, Marktplatz Glanz & Geheimnis – Pracht 

–ı 5.11. 

und Macht des orientalischen 

Schmucks 

Karlsruhe Naturkundemuseum Karlsruhe, 13 Erbprinzenstraße Von Sinnen –ı 10.9. 

Staatliche Kunsthalle Karlsruhe, Hermann-Veit-Straße 6, 

*721 20119–322 

KunsthalleKarlsruhe@ZKM 29.4.–29.4. 


Konstanz — Frank Lenk, 

Städtische Galerie Wessenberg 

Weil am Rhein — Céline Baumann, 

Vitra Design Museum 

ZKM | Zentrum für Kunst und Medien, Lorenzstr. 19 

Lutz Mommartz – Der 

–ı 10.4. 

durchsichtige Mensch 

Walter Giers – Electronic Art –ı 16.4. 

Analívia Cordeiro – From Body 

–ı 23.4. 

to Code 

Matter, Non-Matter, Anti-Matter. –ı 23.4. 

Ole Scheeren – spaces of life –ı 4.6. 

Spatial Affairs – Worlding –ı 30.8. 

Badischer Kunstverein, Waldstrasse 3 Ilse Garnier – a e i o u –ı 16.4. 

Concrete Experience –ı 16.4. 

Kassel Grimmwelt Kassel, Weinbergstraße 21, *561 5986190 unMÖGLICH? Die Magie der 

–ı 11.6. 

Wünsche 

Kunsthalle Fridericianum, Friedrichsplatz 18 Roberto Cuoghi –ı 29.5. 

Kerstin Brätsch – Mimikry –ı 31.12. 

Kiel Kunsthalle Kiel, Düsternbrooker Weg 1, *431 880 5756 Wildes, Wüstes, Wunderschönes. 

–ı 19.2. 

Natur im Fokus der Sammlung 

Lovis Corinth — Die Grafik –ı 28.5. 

Kochel am See Franz Marc Museum, Franz Marc Park 8–10, *8851 924 880 Hannsjörg Voth, Ingrid Amslinger –ı 30.5. 

Franz Marc – Bunte Grüße an 

–ı 31.5. 

Paul Klee 

Köln artothek – Raum für junge Kunst, Am Hof 50, *2212 2332 Bärbel Messmann –ı 29.4. 

–ı 16.7. 

Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, 

Im Mediapark 7 

Lucinda Devlin – Frames of 

Reference 

Kolumba, Kolumbastraße 4 making being here enough – 

–ı 14.8. 

Ort und Subjekt 

Museum Ludwig Köln, Heinrich-Böll-Platz Ursula – Das bin Ich. Na und? –ı 23.7. 

Wallraf-Richartz-Museum u. Fondation Corboud, 

Obenmarspforten/Kölner Rathaus 

ZADIK | Zentralarchiv für deutsche und internationale 

Kunstmarktforschung, Im Mediapark 7, *221 470 89230 

Die Sammlung Nekes: Vol. 1 Barock –ı 23.4. 

Shakespeares «First Folio» (1623) –ı 11.6. 

30 years of ZADIK – Highlights 

–ı 24.5. 

and Insights 

Galerie Boisserée, Drususgasse 7–11 Alex Katz – With the artist’s eyes –ı 20.5. 

Galerie Gisela Capitain, St. Apern Strasse 26 

... the whole grand pattern of 

–ı 20.5. 

human endeavor – Barbara Bloom 

Kölnischer Kunstverein, Hahnenstr. 6 Marie Angeletti – ram spin cram 1.4.–2.7. 

Temporary Gallery Cologne, Mauritiuswall 35 Unruly Kinships –ı 30.4. 

Van der Grinten Galerie, Gertrudenstr. 29, 

Karl Hugo Schmölz – Über den 

–ı 22.4. 

1. Stock / 1. Floor, *221 2985 9175 

Krieg / About the War 

Konstanz Städtische Wessenberg-Galerie, Wessenbergstrasse 43 Franz Lenk, 1898–1968 – Der 

entwirklichte Blick 

–ı 16.4. 

–ı 10.9. 

Krefeld Museum Haus Esters/Lange, Wilhelmshofallee 91–97, 

*2151 9755 8126 

Productive Spaces: Art and Design 

from Krefeld 

Leipzig G2 Kunsthalle, Dittrichring 13, *341 3557 3793 Andreas Schmitten – Vitrinen –ı 15.5. 


Galerie für Zeitgenössische Kunst, Karl-Tauchnitz-Str. 9–11 

MdbK – Museum der bildenden Künste Leipzig, 

Katharinenstr. 10 

Leon Kahane – Jerrycans to 

–ı 16.4. 

Can Jerry 

Looking for a New Foundation –ı 20.8. 

Meine Wunderkammern –ı 28.1. 

Malte Masemann – Suitable 

–ı 18.6. 

for Framing 

Lingen Kunsthalle Lingen, Kaiserstrasse 10 a Alle Farben fixieren chromosomale 

Glieder 

Luckenwalde E-WERK Luckenwalde, Rudolf-Breitscheid-Straße 73, 

*33714061780 

Magdeburg 

Kulturhistorisches Museum Magdeburg, 

Otto-v.-Guericke-Str. 68–73, *391 540 3508 

–ı 7.5. 

Kira Freije – The Throat is a 

29.4.–1.7. 

Threaded Melody 

Agnes Denes – Wheatfield, Tree 29.4.–1.7. 

Mountain and The Living Pyramid 

Welche Taten werden Bilder? 28.4.–8.10. 

Mainz Kunsthalle Mainz, Am Zollhafen 3–5 What is it Like to be a Bat? –ı 4.6. 

Mannheim Kunsthalle Mannheim, Moltkestrasse 9 1,5 Grad – Verflechtungen von 

7.4.–8.10. 

Leben, Kosmos, Technik 

Reiss-Engelhorn-Museen, Zeughaus C5 Die Welt am Oberrhein –ı 30.7. 

Reiss-Engelhorn-Museen/Museum Weltkulturen D5 Unsichtbare Welten –ı 30.7. 

Marl Skulpturenmuseum Marl, Georg-Herwegh-Straße 67 Barbara Hammer – Would you like –ı 18.6. 

to meet your neighbor? 

München Alexander Tutsek-Stiftung, Karl-Theodor-Straße 27, So Much Love and Compassion –ı 24.11. 

*89 5527 3060 

Die Neue Sammlung – The International Design Museum, Das Fahrrad –ı 22.9. 

Türkenstraße 15, *89 2380 5253 

ERES Stiftung, Römerstrasse 15 Böse Blüten –ı 28.4. 

It’s a World Machine –ı 10.9. 

Espace Louis Vuitton München, 2a Maximilianstraße Philippe Parreno –ı 6.8. 

Haus der Kunst München, Prinzregentenstrasse 1 Tune – Phew, Nina 21.4.–22.4. 

Tune – Ihor Okuniev –ı 30.4. 

Trace – Formations of Likeness 14.4.–23.7. 

Hamid Zénati – All-Over –ı 23.7. 

Karrabing Film Collective – 

–ı 30.7. 

Wonderland 

Katalin Ladik – Ooooooooo-pus –ı 10.9. 

Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung, Theatinerstrasse 8 Flowers Forever – Blumen in Kunst –ı 27.8. 

und Kultur 

Münchner Stadtmuseum, St.-Jakobs-Platz 1 Nachts – Clubkultur in München –ı 7.1. 

(K)ein Puppenheim 22.4.–7.1. 

Museum Brandhorst, Theresienstr. 35a, *89 23805 2286 Nicole Eisenman – What Happened –ı 10.9. 

Von Andy Warhol bis Kara Walker. –ı 14.7. 

Pinakothek der Moderne, Barer Strasse 40, *89 2866 9944 Mix & Match. Die Sammlung neu 

–ı 14.1. 

entdecken 

Sammlung Goetz, Oberföhringer Str. 103 Imi Knoebel –ı 29.4. 

Barbara Kasten –ı 29.4. 

Städt. Galerie Lenbachhaus/Kunstbau, Luisenstrasse 33/ 

Königsplatz 

Kunst und Leben 1918 bis 1955 

–ı 16.4. 

Gruppendynamik. Der Blaue Reiter –ı 30.4. 

Was von 100 Tagen übrig blieb ... –ı 11.6. 

Charlotte Salomon – Life? or 

–ı 10.9. 

Theater? 

Villa Stuck, Prinzregentenstrasse 60 Alice Rekab – Mehrfamilienhaus –ı 14.5. 

foryouandyourcustomers München, Liebigstraße 22 Julia Burek –ı 19.1. 

↗ www.artlog.net 


Murnau am 

Staffelsee 

Murrhardt 

Galerie Andreas Binder, Knöbelstrasse 27, *89 2193 9250 Daniel Man – In painting we trust –ı 15.4. 

Galerie der Künstler*Innen, Maximilianstrasse 42, 

Die ersten Jahre der 

–ı 7.5. 

*89 220 463 

Professionalität #42 

Galerie Thomas / Thomas Modern, Türkenstr. 16 

Knopp Ferro – Levitating 

–ı 22.4. 

Composition 

Sigmar Polke –ı 22.4. 

Gudrun Spielvogel, Maximilianstr. 45 

Bjarne Geiges – Schwarz ist vor 

–ı 29.4. 

dem Licht 

Heitsch Gallery, Reichenbachstr. 14 Future? Now! –ı 21.4. 

Heldenreizer Contemporary, 32 Türkenstraße Minjae Lee – Lampen-Fieber –ı 30.4. 

Kunstfoyer d. Versicherungskammer Bayern, 

Inge Morath – Hommage –ı 23.4. 

Maximilianstrasse 53, *89 2160 2662 

Kunstverein München, Galeriestrasse 4 Richard Frater – Off season –ı 23.4. 

max goelitz München, 35 Maximilianstraße Forking Paths –ı 6.4. 

Quittenbaum Gallery, 58 Theresienstraße Herman Hermsen – Traveling Path –ı 5.5. 

Rüdiger Schöttle, Amalienstr. 41 Jānis Avotiņš –ı 15.4. 

Smudajescheck Galerie, Schwindstr. 3, *173 311 0309 Minor Alexander curated by 

–ı 8.4. 

Dr. Till Richter 

Chris Tille – Konkretion 13.4.–20.5. 

Pulpo Gallery, Obermarkt 51, *171 1778796 

Nathan Ritterpusch – Meet me at 

–ı 22.4. 

Marcel’s 

Ein Fenster inmitten der Welt, Heinrich von Zügel Haus, Pascale Grau 14.4.–28.5. 

Wolkenhof 14, *79 545 87 62 

Neunkirchen Städtische Galerie Neunkirchen, Marienstrasse 2, 

*6821 202 480 

REorganized – John Franzen, 

Georg Küttinger, Hilde Trip 

–ı 14.5. 

Neuss Langen Foundation, Raketenstation Hombroich 1 Julian Charrière – Controlled Burn –ı 6.8. 

Skulpturenhalle, Lindenweg/Ecke Berger Weg Thomas Schütte –ı 30.7. 

Stiftung Insel Hombroich, Minkel 2, *2182 887 4000 

Heerich 100 – Die begehbare 

–ı 10.4. 

Skulptur 

Iwan Baan – Hombroich begegnen –ı 13.8. 

Nürnberg Germanisches Nationalmuseum, Kartäusergasse 1, 

Werkstatt Mittelalter –ı 1.10. 

*911 133 1103 

Kunsthalle Nürnberg, Lorenzer Strasse 32 Oliver van den Berg –ı 4.6. 

Kunsthaus Nürnberg, Königstr. 93 

Thomas Bergner und Katsuhito 

–ı 18.6. 

Nakazato – Spectres 

Neues Museum Nürnberg, Klarissenplatz Christoph Brech – Roundabout –ı 23.4. 

Galerie Von & Von, 31 Lorenzer Straße Above Your Head –ı 1.4. 

Oldenburg Edith-Russ-Haus, Katharinenstr. 23 James Newitt 20.4.–11.6. 

Oldenburger Kunstverein, Damm 2a Bernhard Fuchs – Ahorn –ı 30.4. 

Osnabrück Kunsthalle Osnabrück, Hasemauer 1, D-49074 Cemile Sahin –ı 22.5. 

Andrzej Steinbach –ı 22.5. 

Pforzheim Kunstverein im Reuchlinhaus, Jahnstr. 42 Körperkontakte –ı 23.4. 

Ravensburg Kunstmuseum Ravensburg, Burgstr. 9, *751 82 812 Von Angesicht zu Angesicht. 

–ı 25.6. 

Zwei Süddeutsche Sammlungen 

im Dialog 

Geta Brătescu – Drawing as 

–ı 25.6. 

a Dance 

Recklinghausen Kunsthalle Recklinghausen, Grosse-Perdekamp-Str. 25–27 Precarious Mountains – Eis 

und Kohle 

–ı 10.4. 

Reutlingen Kunstmuseum Reutlingen / konkret, Eberhardstraße 14, 

*7121 303 2322 

Kunstmuseum Reutlingen / Spendhaus, 

Spendhausstrasse 4 

Home@Museum – Eine 

Privatsammlung wohnlich 

ausgestellt 

Julia Weißflog – Scheinbar 

Unwichtiges 

James Ensor – Das druckgraphische 

Werk aus der 

Slg. Deckers 

22.4.–10.9. 

–ı 11.6. 

–ı 25.6. 


Kunstmuseum Reutlingen / Galerie, Eberhardstr. 14, 

*7121 303 2322 

Die Bewertung der Kunst – Werke 

aus der Sammlung Kienzle 

Riegel kunsthalle messmer, Grossherzog-Leopold-Platz 1 Heiner Meyer –ı 25.6. 

Siegen Museum für Gegenwartskunst Siegen, Unteres Schloss 1, 

*271 405 7710 

–ı 1.5. 

Blick ins Grüne – Studiolo 

–ı 11.6. 

Fotonotizen –ı 6.8. 

Laurenz Berges – Halten und 

–ı 6.8. 

Schwinden 

Neu-Entdeckungen –ı 11.2. 

Sindelfingen Galerie Stadt Sindelfingen, Marktplatz 1 What I like! –ı 10.4. 

Lisa Moll – mæme –ı 10.4. 

Ilse Beate Jäkel – Im Konzert –ı 10.4. 

Singen Kunstmuseum Singen, Ekkehardstrasse 10, *7731 85 271 Ohne Titel –ı 16.4. 

Stuttgart ifa-Galerie, Charlottenplatz 17, *711 22 250 In the Skeleton of the Stars –ı 23.4. 

Kunstmuseum Stuttgart, Kleiner Schlossplatz 1 Frischzelle_29 – Hannah J. Kohler –ı 17.9. 

Staatsgalerie, Konrad-Adenauer-Str. 30–32 Alison Knowles –ı 9.7. 

Cindy Sherman 21.4.–17.9. 

Angespannte Zustände –ı 31.12. 

foryouandyourcustomers Stuttgart, Rotebühlstraße 87A Mariano Fernàndez 25.4.–10.11. 

Galerie Klaus Braun, Charlottenstraße 14, 5. OG, 

*711 640 5989 

Galerie von Braunbehrens, Rotebühlstr. 87, *711 605 584 

recycled, modified and painted – 

–ı 1.4. 

B. Horn, F. Sosio, A. Weis 

Arthur Aeschbacher – Werkphasen –ı 15.4. 

Gedankenknödel und 

22.4.–20.5. 

Luftschlösser 

exiThibition 

Abenteuer Wirklichkeit 

21.4.–8.6. 

–ı 13.4. 

Württembergischer Kunstverein Stuttgart, Schlossplatz 2 Widerständige Musen. –ı 7.5. 

Ulm kunsthalle weishaupt, Hans-und-Sophie-Scholl-Platz 1 Reine Formsache –ı 18.6. 

Museum Ulm, Marktplatz 9 Protest! gestalten –ı 16.4. 

No Name Design – Franco Clivio –ı 21.5. 

Unna Zentrum für Internationale Lichtkunst Unna, 1 Lindenplatz Weithin leuchtend – Tief unter der 

Erde strahlend 

–ı 1.6. 

Völklingen Weltkulturerbe Völklinger Hütte, Rathausstraße 75–79, 

*6898 9100 100 

Julian Rosefeldt – When we 

are gone 

Weil am Rhein Charles-Eames-Straße 2, 79576 Weil am Rhein Garden Futures – Designing 

with Nature 

Waiblingen Galerie Stihl Waiblingen, Weingärtner Vorstadt 12, 

*7151 5001 1686 

Ilon Wikland – Von Bullerbü bis 

Karlsson vom Dach 

–ı 3.9. 

25.3.–3.10. 

Waldenbuch Museum Ritter, Alfred-Ritter-Strasse 27 Şakir Gökçebağ – Twists & Turns –ı 16.4. 

Weilburg fotobildlager7a + Archiv_Klaus Graubner*1938, 

Oberräder Gärten und Felder – 

–ı 30.4. 

Friedrich-Ebert-Straße 7a 

Yves Graubner 

Wolfsburg Kunstmuseum Wolfsburg, Hollerplatz 1 Re-Inventing Piet –ı 16.7. 

Wuppertal Von der Heydt-Museum, Turmhof 8 Fokus Von der Heydt – ZERO, Pop 

–ı 16.7. 

und Minimal 

Franziska Holstein – 

1.4.–24.9. 

Freundschaftsanfrage No. 2 

Würzburg Museum im Kulturspeicher, Oskar-Laredo-Platz 1 Valentin Schwab – eine 

Retrospektive 

–ı 21.5. 

Frankreich *0033 

Aix-en- 

Provence 

3 bis f, 109 Avenue du Petit Barthélémy Cynthia Lefebvre – Peine perdue, 

pieds retrouvés 

Musée Granet, Place St Jean de Malte David Hockney –ı 28.5. 

Amilly Les Tanneries, centre d’art contemporain, 234 rue des Ponts Les registres du jeu –ı 27.8. 

Angoulême Frac Poitou-Charentes, 63, Boulevard Besson Bey, 

*5 4592 8701 

Sous le velours noir des paupières –ı 27.5. 

Annecy 

L’Abbaye – Espace d’art contemporain, 

15 Chemin de l’Abbaye 

Jérémy Liron – Pendant que la nuit 

tombe 

–ı 11.6. 

–ı 6.5. 

–ı 16.4. 


Annemasse Villa du Parc, 12, rue de Genève, *4 5038 8461 3 p’tits tours et puis reviennent –ı 21.5. 

Trois p’tits tours et puis reviennent –ı 21.5. 

Apt 

Fondation Jean-Paul Blachère, 384 av. des Argiles, 

Ngaparou 3 –ı 29.4. 

*43 252 0615 

Arles 

Fondation Vincent Van Gogh, 35, rue du docteur Fanton, Nature humaine – Humaine nature –ı 10.4. 

*490 930 808 

Festival du Dessin, 3 Boulevard des Lices Festival du Dessin 2023 22.4.–14.5. 

Besançon FRAC Franche-Comté, Cité des arts / Passage des arts 2 Marina De Caro – Chromotopie de –ı 12.5. 

la Désobéissance 

La Beauté du diable –ı 14.5. 

Bordeaux Maison cantonale de Bordeaux, 20 Rue de Châteauneuf Systemic love 6.4.–7.4. 

Musée des Beaux-Arts Bordeaux, 20, cours d’Albret, 

*5610 2056 

All feathered! 6.4.–5.11. 

FRAC Auvergne, 6 rue du Terrail, *4 7331 8500 

–ı 14.5. 

Clermont- 

Ferrand 

Dirk Braeckmann – évidences 

possibles 

Dijon Le Consortium, 37, rue de Longvic L’Almanach 23 –ı 17.9. 

Dole 

Musée des Beaux-Arts Dole, 85, rue des arènes, 

Anthony Cudahy – Conversation 28.4.–10.9. 

*8479 2585 

Dunkerque FRAC Grand Large, 503 Av des Bancs de Flandres, 

De leur temps 

–ı 23.4. 

*3 28 65 84 20 

Horizon(s) –ı 23.4. 

LAAC – Lieu d’Art et d’Action contemporaine, 

40 ans du LAAC –ı 7.5. 

Jardin des sculptures, *3 2829 5600 

Ivry-sur-Seine Centre d’art contemporain d’Ivry – le Crédac, 

25–29 rue Raspail, *1 4960 2506 

Mathieu Kleyebe Abonnenc –ı 2.4. 

La Rochesur-Foron 

L’Angle – Espace d’Art Contemporain, 287 Avenue 

Jean Jaurès 

Camille LLobet –ı 26.5. 

Lens Musée du Louvre-Lens, 99, rue Paul Bert, *3 2118 6262 Paysage –ı 24.7. 

Lyon Fondation Bullukian, 26 Place Bellecour, Lyon 2e À pleins poumons –ı 15.7. 

Musée d’art contemporain Lyon, 81, quai Charles de Gaulle Incarnations, le corps dans la 

–ı 9.7. 

collection du macLYON, acte 1 

Nathalie Djurberg et Hans Berg, 

–ı 9.7. 

Jesper Just 

Marseille FRAC PACA, 20, Boulevard de Dunkerque Ghada Amer –ı 16.4. 

Hamish Fulton – A walking artist –ı 29.10. 

Metz 

Centre Pompidou Metz, 1, parvis des Droits de l’Homme La Répétition –ı 27.1. 

CS 90490, *3 8715 3939 

Montpellier La Panacée – Centre de Culture Contemporaine, 14, 

Immortelle –ı 7.5. 

rue de l’École de Pharmacie, *4 3488 7979 

MOCO, Montpellier Contemporain, Rue Yéhudi Ménuhin 130 Immortelle –ı 4.6. 

Montreuil Centre d’art Mira Phalaina, 9, rue Dombasle, *1 4287 0868 Zbyněk Baladrán – Des fissures 

–ı 22.4. 

dans l’archive 

Centre Tignous d’Art Contemporain, 116, rue de Paris Fiat Lux –ı 15.4. 

Mulhouse La Kunsthalle, 16, rue de la Fonderie, *369 776 647 Anne Marie Maes – Alchimia Nova –ı 30.4. 

Nice 

Musée d’Art moderne et d’Art contemporain Nice, 

Devenir Fleur –ı 30.4. 

Promenade des Arts 

Paris Fondation d’entreprise Pernod Ricard, 1 cours Paul Ricard Katinka Bock – Der Sonnenstich –ı 29.4. 

Fondation Louis Vuitton, 8, av. du Mahatma Gandhi, 

Basquiat X Warhol 5.4.–28.8. 

*1 4069 9600 

ICI Léon, 19, rue Léon 

Katia Kameli – Hier revient et je 

–ı 16.4. 

l’entends 

Institut Giacometti, 5, rue Victor Schoelcher, *1 4454 5244 Alberto Giacometti / Salvador Dali –ı 9.4. 

Jeu de Paume, 1, Place de la Concorde 

Thomas Demand – Le bégaiement –ı 28.5. 

de l’histoire 

Lafayette Anticipations, 9, rue du Plâtre Au-delà –ı 7.5. 

Le Plateau Paris, Angle r. des alouettes et r. carducci L’irrésolue –ı 23.4. 

Maison du Danemark, 142, av. des Champs-Elysées 

Jane Jin Kaisen – Of Specters or 

Returns 

–ı 23.4. 

AGENDA // DEUTSCHLAND / FRANKREICH 147

Maison Européenne de la Photographie, 

5/7 Rue de Fourcy, *1 4478 7522 

Musée d’Orsay, 62, rue de Lille, *1 4049 4996 

Zanele Muholi –ı 21.5. 

Claude Rutault – La porte de 

la peinture 

18.4.–16.7. 

Musée de Montmartre, 12, rue Cortot, *1 4925 8935 Surréalisme au féminin? –ı 10.9. 

Musée du quai Branly, 37, quai Branly 

Senghor et les arts. Réinventer 

–ı 12.11. 

l’universel 

Musée Marmottan Monet, 2 Rue Louis Boilly Néo-Romantiques –ı 18.6. 

Musée Picasso Paris, 5, rue de Thorigny, *1 4271 2521 Pierre Moignard – mentir vrai –ı 2.4. 

Faith Ringgold –ı 29.7. 

Palais de Tokyo, 13, av. du Président Wilson Miriam Cahn –ı 14.5. 

Petit Palais, Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris, 

Avenue Winston Churchill 

Sarah Bernhardt – Et la femme 

créa la star 

14.4.–27.8. 

Bétonsalon, 9, esplanade Pierre Vidal-Naquet, 

*1 4584 1756 

Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts, 13, 

quai Malaquais, *1 4703 5000 

Katia Kameli – Hier revient et 

–ı 16.4. 

je l’entends 

Gribouillage / Scarabocchio –ı 30.4. 

Musée de l’Orangerie, Jardin des Tuileries Philippe Cognée –ı 4.9. 

Strouk Gallery, 2 Avenue Matignon Awakening –ı 29.4. 

Strouk Gallery (rue du Mail), 5 Rue du Mail (Fond de cour) Awakening –ı 29.4. 

Perpignan Centre d’art contemporain Perpignan, 3, 

Roasted Hot with Heat –ı 27.5. 

av de Grande Bretagne 

Poitiers Le Confort Moderne, 185, fbg du pont-neuf, *5 4946 0808 Sands Murray-Wassink – 

Socio-economic Sands 

–ı 14.5. 

Pontault- 

Combault 

Centre Photographique d’île-de-France, 107, 

av. de la République, *170 054 982 

Rennes Frac Bretagne Rennes, 19, avenue André Mussat CS 81123, 

*2 9937 3793 

Rodez 

Musée Soulages Rodez, Jardin du Foirail, 

avenue Victor Hugo 

Roubaix Musée d’art et d’industrie – La Piscine, 26, rue des 

Champs – 23, rue de l’Espérance, *3 2069 2360 

Mauvaises herbes ! –ı 23.4. 

Liv Schulmann, Basim Magdy –ı 14.5. 

RCR Arquitectes – Ici et ailleurs, 

la matière et le temps 

–ı 7.5. 

Vincent Tavernier –ı 21.5. 

Saint-Nazaire Le Grand Café, Place des quatres z’Horloges, *2 4022 3766 Mattia Denisse – Hapax –ı 30.4. 

Saint-Paul-de- Fondation CAB Saint-Paul-de-Vence, Chemin des Trious Niele Toroni – 723 empreints de 

–ı 29.10. 

Vence 

pinceau n° 50 

Sérignan Musée Régional d’Art Contemporain, 146, av. de la Plage, Le Retour –ı 29.1. 

*67 323 305 

St-Etienne Musée d’Art Moderne St-Etienne, La Terrasse Marc Camille Chaimowicz –ı 10.4. 

Tourcoing Le Fresnoy, 22, rue du Fresnoy Saodat Ismaïlova – Double horizon –ı 30.4. 

Troyes 

Le Centre d’art contemporain / Passages, 

Marine Wallon –ı 1.4. 

9 Rue Jeanne d’Arc 

Villeneuve LaM, 1, Allée du Musée, *3 2019 6870 Isamu Noguchi –ı 2.7. 

d’Ascq 

Villeurbanne URDLA Centre International Estampes & Livres, 207, 

rue Francis-de-Pressensé 

Sur le fil –ı 2.4. 

Italien *0039 

Milano 

Monica De Cardenas Milano, Via Francesco Viganò 4, MI, Georgina Gratrix –ı 13.5. 

*2901 0068 

Armani/Silos, Via Bergognone 40, MI Guy Bourdin –ı 31.8. 

Casa degli Artisti, 89 Via Tommaso da Cazzaniga, MI Anne e Patrick Poirier –ı 16.4. 

Fabbrica del Vapore, Via Giulio Cesare Procaccini 45, MI Zerocalcare –ı 7.4. 

Fondazione Arnaldo Pomodoro, Via Andrea Solari 35, 

*28 907 5394 

The Negation of Form. 

Arnaldo Pomodori Prize for 

Sculpture 

–ı 28.5. 

14.4.–18.6. 

ICA Milano, Via Orobia 26, MI, *375 532 48 06 Nathlie Provosty –ı 22.4. 

Lito Kattou 6.4.–8.6. 


Istituto Svizzero Milano, Via Vecchio Politecnico 3, MI Caterina De Nicola –ı 16.4. 

MUDEC, Via Tortona 56, MI 

Rainbow. Colori e meraviglie fra 

–ı 2.7. 

miti, arti e scienza 

Museo del Novecento Milano, Palazzo dell’Arengario, MI, Fluxus, arte per tutti. –ı 16.4. 

*2 8844 4061 

Palazzo Reale Milano, Piazza del Duomo 12, *2 3646 1394 Bill Viola –ı 25.6. 

Pirelli HangarBicocca, Via Chiese 2, MI, *2 6611 1573 Gian Maria Tosatti – Hôtel de 

–ı 16.7. 

la Lune 

Ann Veronica Janssens 6.4.–30.7. 

Gian Maria Tosatti – NOw/here –ı 30.7. 

Triennale – Palazzo dell’Arte, 6 Viale Emilio Alemagna, MI Ettore Sottsass –ı 2.4. 

Angelo Mangiarotti –ı 23.4. 

Mirdidingkingathi Juwarnda 

–ı 14.5. 

Sally Gabori 

Helmut Newton –ı 25.6. 

Building, Via Monte di Pietà 23, MI 

Equorea (di mari, ghiacci, nuvole e 

–ı 9.1. 

altre acque ancora) 

Giò Marconi, Via Tadino 15 Simon Fujivara –ı 19.4. 

Meet Digital Culture Center, 2 Viale Vittorio Veneto, MI Albert-László Barabási – The Art 

–ı 16.4. 

of Connection 

Ordet, 17 Via Adige, MI Shahryar Nashat –ı 13.4. 

Reggio Emilia Collezione Maramotti, Via Fratelli Cervi 66, RE Andriu Deplazes – Burning Green –ı 30.7. 

Ivor Prickett – No Home from War 30.4.–30.7. 

Roma Istituto Svizzero, Via Ludovisi 48, RM, *06 420 421 Caterina De Nicola –ı 16.4. 

Casa di Goethe, Via del Corso 18, RM, *650 412 

Viaggio in Italia XXI – Lo sguardo 

–ı 9.4. 

sull’altro 

Chiostro del Bramante, Via della Pace, RM, *6880 9035 Michelangelo Pistoletto –ı 15.10. 

Fondazione Pastificio Cerere, 7 Via degli Ausoni, RM Amici o pittori –ı 15.4. 

Galleria Borghese, Piazzale Scipione Borghese 5, *32 810 Giuseppe Penone –ı 28.5. 

Dosso Dossi 4.4.–11.6. 

Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Viale delle Belle Arti 131 Un presente indicativo –ı 2.5. 

L’Accademia Nazionale di San Luca, 77 Piazza Accademia Germano Celant – Cronistoria di un –ı 13.4. 

di San Luca, RM 

critico militante 

Canova –ı 28.6. 

–ı 21.5. 

MACRO, Via Nizza 138/Via Reggio Emilia 54, RM, 

*6 7107 0400 

MAXXI Museo Nazionale delle Arti del XXI Secolo, 

Via Guido Reni 2, RM, *96 7350 

Robert Smithson – Rome is still 

falling 

Bob Dylan 

–ı 30.4. 

Pascale Marthine Tayou –ı 7.5. 

Territori della performance –ı 28.5. 

Leporello photobooks et al., 162 Via del Pigneto, e, RM office figures –ı 15.4. 

Matèria, 27 Via dei Latini, RM Bekhbaatar Enkhtur –ı 22.4. 

Quirinale-Scuderie Papali, Via XXIV Maggio 16, *96 7500 Arte Liberata 1937–1947 –ı 10.4. 

Gagosian Rome, Via Francesco Crispi 16, RM, *086 498 Adam McEwen –ı 1.4. 

Bard Forte di Bard, Cerntro, AO, *125 833 811 Il Déco in Italia, l’eleganza della 

–ı 10.4. 

modernità 

Regen’Art quando il recupero della –ı 27.4. 

materia si trasforma in arte 

Bergamo Accademia Carrara di Belle Arti, Piazza C. Carrara 82 a Cecco del Caravaggio –ı 4.6. 

GAMeC, Via San Tomaso, 53, *35 270 272 

Salto nel vuoto. Arte al di là 

–ı 28.5. 

della materia 

A Leap Into The Void – Art Beyond –ı 28.5. 

Matter 

Bologna CUBO Unipol, 3 Piazza Sergio Vieira de Mello, BO Alberto Burri –ı 31.5. 

Quayola. Ways of seeing –ı 31.5. 

–ı 31.5. 

Fondazione Massimo e Sonia Cirulli, Via Emilia 275, 

San Lazzaro di Savena, BO 

Cut&Paste. Fotocollage tra Dada 

e Futurismo 

Museo d’Arte Moderna, Via Don Minzoni 14, BO Yuri Ancarani –ı 7.5. 

AGENDA // FRANKREICH / ITALIEN 149

Pablo Echaurren e gli indiani 

–ı 14.5. 

metropolitani 

Palazzo Albergati, via Saragozza, 28, *51 030 1015 

Jago, Banksy, TvBoy e altre storie 

–ı 7.5. 

controcorrente 

Palazzo Fava, Via Manzoni, 2 Fattori –ı 1.5. 

–ı 3.6. 

Bolzano Fondazione Antonio Dalle Nogare, Rafensteiner Weg 19, 

BZ, *0471 971 626 

Ri-Materializzazione del 

linguaggio 

Museion Bolzano, Dantestr. 6, BZ Albert Mayr – Time Aspects –ı 4.6. 

Asad Raza – Plot –ı 3.9. 

Dan Graham – Sonic Youth Pavilion –ı 3.9. 

Brescia Palazzo Martinengo, Via Musei 30, *30 297 551 David LaChapelle per 

–ı 10.11. 

Giacomo Ceruti 

Capena Art Forum Würth, 2, Via della Buona Fortuna, *690 103 800 Arte di una giovane generazione 

–ı 14.10. 

nella Collezione Würth 

Catania Museo Civico Castello Ursino, Piazza Federico di Svevia Ettore Sottsass –ı 21.5. 

La Serpara, Loc. Serpara 2, VT, *0761 914 071 

–ı 11.6. 

Civitella 

d’Agliano 

Ferrara 

PAC – Padiglione d’Arte Contemporanea, Palazzo Massari, 

*532 244 949 

Tommaso Cascella @ Padiglione 

Serpara 

39 Künstler im Skulpturengarten –ı 31.12. 

Piero Guccione –ı 8.10. 

Palazzo dei Diamanti, Piazza del Municipio 2 Ercole de’ Roberti e Lorenzo Costa –ı 19.6. 

Florenz Palazzo Strozzi, Piazza Strozzi 1, FI, *55 282 635 Reaching for the Stars –ı 18.6. 

Palazzo Vecchio, Piazza della Signoria, FI, *55 27 681 Giacometti / Fontana – La ricerca 

–ı 4.6. 

dell’assoluto 

Forlì Fondazione Dino Zoli, 288 Viale Bologna, FC Elena Bellantoni –ı 4.6. 

Gallarate MAGA Museo Arte di Gallarate, Via De Magri 1, 

Andy Warhol – Serial Identity –ı 18.6. 

*33 170 6011 

Lecco Palazzo delle Paure, Piazza XX Settembre, LC Futuristi –ı 18.6. 

Lissone Museo d’Arte Contemporanea, Via Padania 6 Maurizio Galimberti –ı 30.4. 

Merano Merano Arte, Laubengasse 163 Heinz Waibl, Siegfried Höllrigl – 

–ı 4.6. 

Typoésien 

Mestre Centro Culturale Candiani, Piazzale Candiani 7, 

Kandinski e le avanguardie –ı 10.4. 

*41 958 100 

Monza Reggia di Monza – Orangerie, 1 Viale Brianza, MB Macchiaioli e l’invenzione del Plein –ı 21.5. 

air tra Francia e Italia 

Napoli Fondazione Morra Greco, Largo Avellino 17, *81 210 690 Jimmie Durham –ı 10.4. 

Petra Feriancová – Jaroslav Kyša –ı 14.4. 

Padova Centro Culturale Altinate San Gaetano, 71 Via Altinate, PD Frida Kahlo e Diego Rivera –ı 4.6. 

Palermo Oratorio San Lorenzo, 5 Via Immacolatella, PA Vanessa Beecroft – Next 2022 –ı 17.12. 

Villa Zito, 52 Via della Libertà, PA Cesare Viel – Corpi estranei –ı 31.3. 

Parma Palazzo Pigorini, Strada Repubblica 29, *521 218 967 Goya / Grosz – Il sonno 

–ı 13.6. 

della ragione 

Piacenza XNL Piacenza Contemporanea, Via Santa Franca, 36, PC Meris Angioletti e 

–ı 16.4. 

Ulla von Brandenbung 

Prato Centro Arte Luigi Pecci, Viale della Repubblica 277, PO Massimo Bartolini –ı 1.5. 

Ravenna Fondazione Sabe, 31 Via Giovanni Pascoli, RA Giuliana Balice –ı 1.4. 

Rivoli Castello di Rivoli, Piazza del Castello, TO La Collezione Cerruti –ı 30.4. 

Tivoli Villa d’Este, Piazza Trento, RM Davide Serpenti –ı 10.4. 

Torino COMBO Torino, 128 Corso Regina Margherita, TO Face To Face – Architetti 

–ı 9.11. 

in contatto 

Fondazione Merz, Via Limone 24, *11 1971 9437 Dia Beacon –ı 20.11. 

Galleria d’Arte Moderna e Contemp., Via Magenta 31, TO Ottocento –ı 11.4. 



Gallerie d’Italia Torino, 156 Piazza San Carlo, TO JR – Déplacé∙e∙s –ı 16.6. 

Palazzina della Promotrice, Viale Balsamo Crivelli 1, Utamaro | Hokusai | Hiroshige –ı 25.6. 

*11 6599 657 

Quartz Studio, via Giulia di Barolo 18/D, TO, *11 429 0085 Scott Myles –ı 22.4. 

Trieste Museo Revoltella, Via A. Diaz 27 I Macchiaioli. L’avventura dell’arte 

–ı 5.6. 

moderna 

Varese 

Fondazione Marcello Morandini, 41 Via Francesco 

Colours in a Square –ı 16.4. 

del Cairo 

Villa Panza, Piazzale Litta 

Ex Natura. Nuove opere dalla 

–ı 1.10. 

Collezione Panza di Biumo 

Venezia Arsenale, Campo Arsenale Arte Laguna Prize 17 –ı 16.4. 

Basilica di San Giorgio Maggiore, Isola Di San Giorgio Ai Weiwei, Vittore Carpaccio –ı 18.6. 

Fondazione Forte Marghera, 30 Via Forte Marghera, VE Inge Morath –ı 4.6. 

Le Stanze del Vetro, Isola di San Giorgio Maggiore 1, 

Venini: Luce 1921–1985 –ı 9.7. 

*41 523 0869 

Museo del vetro, Fondamenta Giustinian, 8 Simon Berger –ı 7.5. 

Peggy Guggenheim Collection, 701 Dorsoduro Edmondo Bacci 1.4.–18.9. 

Punta della Dogana, Dorsoduro 1, VE Icônes 2.4.–26.11. 

Museo di Palazzo Grimani, Ramo Grimani, 4858 Inge Morath –ı 4.6. 

Palazzo Cavalli Franchetti, Campo Santo Stefano 2847, Lee Miller – Man Ray. Fashion 

–ı 10.4. 

*41 1241 3189 

love war 

Palazzo Ducale Venezia, San Marco 1, VE Vittore Carpaccio –ı 18.6. 

Verona Palazzo Forti, Via A. Forti 1, *45 596 371 Piero Dorazio – La nuova pittura. 

–ı 30.4. 

Opere 1963–1968 

Contemporaneo non stop – Aqua –ı 28.10. 

Vicenza Museo Palladio, Contrà Porti 11, *444 323 014 Raffaello – Nato architetto 6.4.–9.7. 

Vimercate Museo MUST, 53 Via Vittorio Emanuele II, MB Munari, Arte al futuro –ı 30.4. 

Liechtenstein *0423 

Vaduz 

Luxemburg *0352 

Kunstmuseum Liechtenstein mit Hilti Art Foundation, 

Städtle 32 

Candida Höfer – Liechtenstein 

–ı 10.4. 

Are We Dead Yet? –ı 6.8. 

Kunstraum Engländerbau, Städtle 37, *236 6077 Unreported – Elisabeth Eberle –ı 14.5. 

Luxemburg Casino Luxembourg – Forum d’art contemporain, 41, 

rue Notre Dame, *50 45 

Monaco *0377 

MUDAM/Musée d’Art Moderne Luxembourg, 3, 

Park Dräi Eechelen, *4537 851 

Dominique Gonzalez-Foerster – 

–ı 16.4. 

Endodrome 

Judith Deschamps – another voice –ı 16.4. 

Michel Majerus – The Sense 

–ı 15.10. 

Machine 

Peter Halley – Conduits. Paintings –ı 15.10. 

from the 1980s 

Monaco Hauser & Wirth Monaco, Place du Casino Amy Sherald –ı 15.4. 

Niederlande *0031 

Amsterdam Rijksmuseum, Museumstraat 1 Vermeer –ı 4.6. 

Österreich *0043 

Bregenz Kunsthaus Bregenz, Karl-Tizian-Platz Valie Export –ı 10.4. 

Berufsvereinigung Bildender Künstlerinnen und Künstler Emöke Vargová, Dorota Sadovská, 

–ı 1.5. 

Vorarlbergs, Gallusstr. 10 

Ján Vasilko 

Zur Zeit Berlin – Ein anderer Alltag –ı 1.5. 

Karl Salzmann –ı 1.5. 

Lisi Hämmerle, Anton-Schneider-Strasse 4 A Soziale Bunker – Georg Dinstl –ı 5.5. 

Dornbirn Kunstraum Dornbirn, Jahngasse 9, *5572 55 044 Judith Fegerl – on/ –ı 12.6. 

AGENDA // ITALIEN / LIECHTENSTEIN / LUXEMBURG / MONACO / NIEDERLANDE / ÖSTERREICH 151

Lustenau — Total Refusal, Dock 20. 

Foto: Markus Tretter 

Wien — Alex Katz, Albertina 

Graz Kunsthaus Graz, Lendkai 1, *316 8017 9200 Isa Rosenberger – Schatten, 

–ı 1.5. 

Lücken, Leerstellen 

Ingrid Wiener, Martin Roth –ı 21.5. 

Halle für Kunst Steiermark, Burgring 2, *316 740 084 Heinrich Dunst – sink / on affairs –ı 30.4. 

Hard Galerie.Z, Landstraße 11, *650 648 2020 Christine Katscher – Tableau –ı 29.4. 

Innsbruck Kunstpavillon & Neue Galerie Innsbruck, Rennweg 8a, 

Rennweg 1 

Ecologies of care –ı 15.4. 

–ı 18.6. 

Taxispalais Kunsthalle Tirol, Maria-Theresien-Str. 45, 

*512 508 3178 

Gurbette Kalmak – Bleiben in 

der Fremde 

Krems Kunsthalle Krems, Franz-Zeller-Platz 3 The new African Portraiture –ı 10.4. 

Linz Lentos Kunstmuseum, Ernst-Koref-Promenade 1 Anita Witek –ı 16.4. 

Lustenau 

galerie wuensch aircube, Volksfeststrasse 36, 

*69988796723 

DOCK 20 – Kunstraum und Sammlung Hollenstein, 

Pontenstraße 20 

Collection Wünsch – Vera Molnar 

–ı 31.3. 

Giulia Napoleone –ı 31.3. 

Matheart – Julia Handl, 

1.4.–31.5. 

Jürgen Wolff, Hellmut Bruch 

Collection Wuensch – 

1.4.–30.9. 

Ivan Contreras-Brunet 

DOCK 20 – Total Refusal –ı 13.5. 

Salzburg Galerie Fotohof, Inge-Morath-Platz 1–3, *662 849 2964 Fototechnik 1.4.–20.5. 

Künstlerbücher zu Gast – 

25.4.–28.7. 

Nicole Six, Paul Petritsch 

Kunstverein Salzburg, Hellbrunnerstrasse 3 Beate Ronacher –ı 23.4. 

Hedda Roman –ı 23.4. 

Sankt Pölten foryouandyourcustomers St. Pölten, Kremser Gasse 41/6 Veronika Dirnhofer –ı 2.3. 

Wien Albertina Modern, Karlsplatz 5 Piktorialismus – Die 

–ı 26.4. 

Kunstfotografie um 1900 

Andy Warhol bis Damien Hirst – 

–ı 23.7. 

The Revolution in Printmaking 

Albertina Museum, Albertinaplatz 1 Piktorialismus – 

–ı 26.4. 

Die Kunstfotografie 

Dürer, Munch, Miró – 

–ı 14.5. 

The Great Masters of Printmaking 

Bruegel und seine Zeit –ı 24.5. 

Alex Katz – Cool Painting –ı 4.6. 

Picasso – Zum 50. Todestag –ı 18.6. 

Friedrich Kiesler Stiftung, Mariahilferstr. 1b, *1 513 0775 Florian Unterberger – Die endlose –ı 26.5. 

Zeichnung 

mumok – Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien, mixed up with others before we 

–ı 10.4. 

Museumsplatz 1 

even begin 

Wiener Secession, Friedrichstrasse 12 

Christine Sun Kim, Kresiah 

Mukwazhi, Jordan Strafer 

–ı 16.4. 


Spanien *0034 

Vivian Suter, Margaret Salmon, 28.4.–18.6. 

Karrabing Film Collective 

das weisse haus, Hegelgasse 14, *1 236 3775 The Real Weird Magic Picture Show –ı 22.4. 

Galerie Knoll, Gumpendorferstr. 18 Otis Laubert –ı 6.5. 

Galerie Wolfrum, Augustinerstr. 10 Leander Kaiser –ı 22.4. 

Heidi Horten Collection, Hanuschgasse 3 Look –ı 16.4. 

Kunstraum Niederoesterreich, 13 Herrengasse Matrix Bodies –ı 13.5. 

Almería Centro Andaluz de la Fotografía, 9 Calle Pintor Díaz 

Colección Siquier –ı 9.4. 

Molina, Almería 

Badajoz Meiac Mariajosé Gallardo –ı 30.4. 

Barcelona ACVIC, Sant Francesc, 1, *93 885 3704 Txema Salvans – Perfect Day –ı 29.4. 

Alicia Casadesús / Antoni Clapés –ı 29.4. 

Caixa Forum Barcelona, Avenida del Marqués de 

Domillas 6–8, Barcelona 

Dioses, magos y sabios 

–ı 2.4. 

Visiones expandidas 27.4.–27.8. 

Centre d’Art Santa Mónica, Rambla de Santa Mónica 7 Utopia Rambles –ı 21.5. 

Centro de Cultura Contemporánea, Montalegre 5, 

Constel-lació gràfica –ı 14.5. 

Barcelona 

Fundació Antoni Tàpies, Aragó 255, Barcelona Bruce Conner – Llum de la foscor –ı 23.4. 

Tàpies – L’adob que fecunda 

la terra 

–ı 23.4. 

Fundació Joan Miró, Parc de Montjuic, Barcelona, 

*93 443 9470 

Fundació Suñol, Passeig de Gràcia 98, Barcelona, 

*9349 6103 

KBr Fundación Mapfre, Avenida Litoral, 30, Barcelona, 

*932 723 180 

Claudia Pagés 

Joaquim Gomis – Il-lusions i 

il-lusionisme 

–ı 16.4. 

–ı 14.5. 

Amics imaginaris –ı 2.7. 

P. Staff 28.4.–9.7. 

Zush – Eivissa –ı 20.5. 

Anastasia Samoylova 

–ı 14.5. 

Ilse Bing –ı 14.5. 

La Pedrera, Paseo de Gracia 92, Barcelona, *93 214 25 76 Jaume Plensa – Poesía del silencio –ı 23.7. 

La Virreina Centre de la Imatge, La Rambla 99, Barcelona, 

*93 316 1000 

Museu d’Art Contemporani, Plaça dels Angels, 1, 

Barcelona 

La ciutat en disputa 

–ı 4.6. 

Inmaculada Salinas – Veus al bosc –ı 11.6. 

Línies dures –ı 2.7. 

Pedro Costa – Canciones –ı 23.4. 

Art Larson – L’ombra del Pixapins –ı 23.4. 

María Teresa Hincapié 

–ı 10.4. 

Bouchra Khalili –ı 21.5. 

Josep Grau-Garriga – Diàleg 

–ı 11.9. 

de llum 

Museu Nacional d’Art de Catalunya, Parc de Montjuïc Donació Ferran García Sevilla –ı 28.5. 

Mey Rahola –ı 22.6. 

Sala Parés, Petritxol 5, Barcelona Gonzalo Sicre – De Rerum Natura –ı 22.4. 

Michael Kenna – El paisatge del 

–ı 6.5. 

sentiment 

Carlos Morago –ı 13.5. 

Adn galería, Enric Granados, 49 

Kendell Geers – Blind Faith 

–ı 13.5. 

no More 

Coalescence –ı 20.5. 

Galería Marlborough Barcelona, 68 Carrer d’Enric 

Luis Gordillo –ı 8.4. 

Granados, Barcelona 

Galería Zielinsky, 10 Passatge de Mercader, Barcelona Julio Bittencourt –ı 21.4. 

Joan Prats, Rambla de Catalunya 54 Tadáskía – Rara ocellet –ı 20.5. 

La Capella, Hospital 56, *9 3442 7171 Julia Varela –ı 9.4. 

Carmen de Ayora – Revelando –ı 9.4. 

Mónica Rikic´ – Hipertèlia 18.4.–25.6. 

AGENDA // ÖSTERREICH / SPANIEN 153

Iván Gómez – inFirmitas 18.4.–25.6. 

Mirador Torre Glòries, Avinguda Diagonal 211, Barcelona Cloud Cities Barcelona – 

–ı 31.12. 

Tomás Saraceno 

Senda, 32 Carrer de Trafalgar, Barcelona Anthony Goicolea – Back to One –ı 10.5. 

Bilbao Bilbao Arte, Urazurrutia 32 Silvia Coppola –ı 21.4. 

Guggenheim Museum, Abandoibarra Etorbidea 2 Joan Miró – La realidad absoluta –ı 28.5. 

Lynette Yiadom-Boakye –ı 10.9. 

Sala Rekalde, Alameda Rekalde 30 Tunipanea –ı 28.5. 

Ismael Iglesias –ı 2.7. 

Burgos Centro de Arte Caja de Burgos, Saldaña s/n. Liliane Tomasko – Name me not –ı 28.5. 

Nicolás Ortigosa –ı 28.5. 

Diego Delas –ı 28.5. 

Cáceres Centro de Artes Visuales Fundación Helga de Alvear, Esto no es una película –ı 4.6. 

Pizarro 8, Cáceres 

Castellón Espai d’Art Contemporani, Carrer Prim s/n, Castellón La ciutat del transport –ı 16.4. 

Córdoba Casa Árabe Córdoba, C/Samuel de los Santos, Córdoba, Latif Al Ani –ı 14.7. 

*957 498 413 

Coruña Fundación Luis Seoane, San Francisco, s/n. Xulio García Rivas –ı 9.4. 

Cuenca Museo de Arte Abstracto, Casas Colgadas Bruno Munari –ı 11.6. 

Gijón 

LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, Los Prados, Juanjo Palacios – Catedral de 

–ı 22.4. 

121, *985 185 577 

la lluvia 

Híbridos –ı 3.6. 

El mundo es bosque –ı 2.9. 

Barricadas en los hielos –ı 9.9. 

Girona Bolit Centre d’Art Contemporani, Pujada de la Mercè, 12, El meu cos coneix cants inaudits –ı 30.4. 

*97 222 3305 

Granada Centro José Guerrero, Oficios, 8 Los Dalton –ı 9.4. 

Chelo Matesanz 20.4.–25.6. 

Huesca Centro de Arte y Naturaleza CDAN, C/ Doctor Artero, s/n, Maravilla –ı 17.9. 

Huesca 

Illa del Rei Hauser & Wirth Menorca, Diseminado Illa del Rei, Baleares After the Mediterranean 2.4.–23.10. 

L’Hospitalet 

de Llobregat 

Barcelona 

Nogueras Blanchard, 7 Carrer Isaac Peral, Barcelona Elena Asins – Canons –ı 31.3. 

León 

MUSAC Museo de Arte Contemporáneo León, Avenida de 

los Reyes Leoneses 24, León 

Menchu Lamas 

–ı 28.5. 

Concretos –ı 28.5. 

Teresa Burga – La equilibrista –ı 28.5. 

Metanarrativas – Colección Musac –ı 28.5. 

Lleida La Panera Centre d’Art, Pl. de la Panera 2, *973 262 185 Alba Feito –ı 28.5. 

Simon Contra –ı 28.5. 

Imaginaris Multièspecies Terres 

–ı 28.5. 

de Lleida 

Madrid 

Caixa Forum Madrid, Paseo del Prado, 36, 60, Madrid, Dioses, magos y sabios 25.4.–20.8. 

*91 330 7300 

Casa Arabe, Alcalà 62, Madrid, *91 563 30 66 

Los colores culturales de 

–ı 21.5. 

Marruecos 

Mano sobre mano –ı 21.5. 

Casa de América, Paseo de recoletos 2, *91 595 4800 Unbroken –ı 20.7. 

Centro Cultural Conde Duque, Conde Duque 9 y 11, 

*91 588 5834 

Pan y circo 

–ı 16.4. 

Océano Mar 26.4.–23.7. 

CentroCentro, Plaza de Cibeles 1 Los océanos. La gran pregunta 21.4.–27.8. 

Circulo de Bellas Artes, Calle Alcala 42, *91 3605 400 OPS, El Roto, Rábago –ı 7.5. 

↗ www.artlog.net 


Madrid/ 

Mostoles 

Málaga 

Palma de 

Mallorca 

Metamorfosis del ser –ı 14.5. 

Fundación Canal, Mateo Inurria 2, *91 541 506 Jacques Henri Lartigue –ı 23.4. 

Fundación Juan March, Castelló 77 Escala: Escultura (1945–2000) –ı 2.7. 

Fundación Mapfre Sala Recoletos, Paseo Recoletos 23, 

*91 581 6100 

Facundo de Zuviría 

–ı 7.5. 

Leonora Carrington –ı 7.5. 

Fundación Telefónica, Fuencarral 3, *91 9001 10707 Cerebros –ı 11.6. 

Matadero, Paseo de Chopera 12, Madrid 

Jumana Manna – Preservation 

–ı 30.7. 

Paradox 

Museo ICO, Zorrila, 3, Madrid, *91 420 1242 Pablo Palazuelo –ı 7.5. 

Museo Reina Sofía, Santa Isabel 52 Margarita Azurdia –ı 17.4. 

Un acto de ver que se despliega –ı 2.10. 

Museo Thyssen-Bornemisza, Paseo del Prado 8 Ana Esteve Reig –ı 23.4. 

En el ojo del huracán. –ı 30.4. 

Wu Tsang – De Ballenas –ı 11.6. 

Lucian Freud – Nuevas 

–ı 18.6. 

perspectivas 

Palacio de Cristal, Parque del Retiro, *91 574 6614 Pauline Boudry / Renate Lorenz –ı 9.4. 

Palacio Velázquez, Parque del Retiro, *91 573 6245 Manolo Quejido –ı 16.5. 

Sala Alcalà, Calle de Alcalà 31, Madrid Juan Muñoz –ı 11.6. 

1 Mira Madrid, 16 Calle de Argumosa, Madrid Ana Teresa Ortega / 

–ı 27.5. 

Clemente Bernard 

Canal Isabel II, Santa Engracia 125, *91 545 1000 Joana Biarnés –ı 23.7. 

Galería Elvira González, General Castaños, 3 Juan Asensio –ı 22.4. 

Galería Marlborough, Orfila 5 Luis Gordillo –ı 8.4. 

Guillermo de Osma, Claudio Coello 4 Eusebio Sempere –ı 21.4. 

Helga de Alvear Madrid, Doctor Fourquet, 12, Madrid Adrian Sauer –ı 29.4. 

Juana de Aizpuru, Calle del Barquillo, 44, Madrid Montserrat Soto –ı 15.4. 

La Casa Encendida, Ronda de Valencia 2, Madrid Generación 2023 –ı 16.4. 

Maxwell Alexandre –ı 16.4. 

Monica Ben Hamouda –ı 28.5. 

Parra & Romero, 14 Calle de Claudio Coello, Madrid Turi Simeti –ı 15.4. 

CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, Avda. de la 

Constitución 23, Madrid, *91 276 0221 

Centre Pompidou Málaga, Pasaje Doctor Carrillo Casaux 

s/n. 29016 Muelle Uno, Málaga, *95 192 62 00 

Centro de Arte Contemporáne Málaga, Calle de Alemania, 

Málaga 

Costa Badía 

–ı 21.5. 

June Crespo –ı 21.5. 

Xabier Salaberria –ı 21.5. 

Jon Mikel Euba –ı 23.4. 

Bernardí Roig 

–ı 30.5. 

Un tiempo propio 7.4.–15.10. 

Lucio Fontana 

–ı 23.4. 

Gonzalo Lebrija –ı 30.4. 

Friedrich Kunath –ı 21.5. 

Museo Picasso de Málaga, San Agustín, 8, *952 127 600 Picasso visto por Otero –ı 23.4. 

Diálogos con Picasso –ı 31.12. 

Caixa Forum Palma, Plaza Weyler 3, Baleares 

La imagen humana –ı 9.4. 

Esbaluard, Plaza Porta de Santa Catalina 10 Joege Eduardo Eielson –ı 2.4. 

Nauzet Mayor –ı 28.5. 

Susy Gómez –ı 4.6. 

Sin Rumbo. Confrontar la Imago 

–ı 21.1. 

Mundi 

Museu Fundación Juan March Palma, Sant Miquel 11, Las caras B del arte –ı 13.5. 

Baleares 

Salamanca Domus Artium, Avenida de la Aldehuela Gala Knörr –ı 28.5. 

Santa Cruz de Tea Tenerife Espacio de las Artes, Avenida de 

Museo Moderno, desandar 

–ı 9.4. 

Tenerifa San Sebastian 10, *92 284 9057 

el camino 

Lo que pesa una cabeza –ı 28.5. 

Santander Centro Botín, Muelle de Albareda s/n, Kantabrien Itinerarios XXVII –ı 16.4. 

Retratos – esencia y expresión –ı 16.4. 

Roni Horn 1.4.–10.9. 

AGENDA // SPANIEN 155

Santiago de 

Compostela 

Segovia 

Sevilla 

CGAC Centro Gallego de Arte Contemporáneo, Valle Inclán 

s/n 

Museo de Arte Contemp. Esteban Vicente, Plazueal de 

Bellas Artes s/n 

CAAC – Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, 

Monasterio de la Cartuja, Sevilla 

Camiños III 

–ı 21.5. 

Re-Visión(s) –ı 11.6. 

Guerrilla Girls –ı 18.6. 

Luis Moro –ı 28.5. 

Gala Porras-Kim 

–ı 3.9. 

Barbadillo 21.4.–8.10. 

Valencia IVAM Centre Julio González, Guillem de Castro 118 Teresa Lanceta – Tejer como 

–ı 16.4. 

código abierto 

Ana Penyas & Alba Herrero –ı 23.4. 

Alfredo Ruiz –ı 23.4. 

Asger Jorn –ı 18.6. 

La Nave –ı 10.9. 

Julio González –ı 21.1. 

Valladolid Museo Patio Herreriano, Jorge Guillén 6 Un origen. La forja de una colección –ı 9.4. 

Belén Rodríguez – Sal Metálica –ı 4.6. 

Universo Ferrant –ı 11.6. 

Vigo Museo Marco de Vigo, Príncipe, 54 Laxeiro a a Arte da súa Época –ı 21.7. 

Vitoria-Gasteiz Artium Contemporary Art, Calle Francia, 24 Jutta Koether – Black Place –ı 16.4. 

Rafael Lafuente –ı 14.5. 

Irati Gorostidi & Mirari Echávarri –ı 18.6. 

Alejandro Cesarco –ı 24.9. 

Vereinigtes Königreich *0044 

Birmingham Ikon Gallery, 1 Oozells Square, *121 248 0708 Horror in the Modernist Block –ı 1.5. 

Bristol Spike Island, 133 Cumberland Road, *117 929 2266 Howardena Pindell – A new 

–ı 21.5. 

language 

Ayo Akingbade – Show Me 

–ı 21.5. 

The World Mister 

Bruton Hauser & Wirth Somerset, Durslade Farm, Dropping Lane Rodney Graham – Getting it 

–ı 8.5. 

together in the country 

Gateshead Baltic, South Shore Road Jala Wahid – Conflagration –ı 30.4. 

Hinterlands –ı 30.4. 

Glasgow The Common Guild, 21 Woodlands Terrace, *141 428 3022 Anywhere in the universe –ı 16.7. 

Leeds Henry Moore Institute, 74 The Headrow, *113 234 3158 Michael E. Smith –ı 18.6. 

The Tetley, Hunslet Road Andrew Black – On Clogger Lane –ı 14.5. 

Liverpool Tate Gallery Liverpool, Albert Dock Candice Breitz – Love Story –ı 14.5. 

Ugo Rondinone – Liverpool 

–ı 31.10. 

Mountain 

Fact Liverpool, 88 Wood Street 

Danielle Brathwaite-Shirley and 

–ı 9.4. 

Josèfa Ntjam 

Walker Art Gallery, William Brown Street Kathryn Maple – Under A Hot Sun –ı 30.4. 

London Barbican Art Gallery, Silk St., *20 7588 9023 Alice Neel – Hot Off The Griddle –ı 21.5. 

Camden Arts Centre, Arkwright Road Mohammed Sami – The Point 0 –ı 28.5. 

Cell Project Space, 258 Cambridge Heath Road, 

Felix Melia – Money for Nothing –ı 4.6. 

*20 241 3600 

Design Museum London, 224–238 Kensington High St Ai Weiwei – Making Sense 7.4.–30.7. 

ICA Gallery, 12 Carlton House Terrace, *20 7930 3647 R.I.P. Germain – Jesus Died For Us, –ı 14.5. 

We Will Die For Dudus! 

Jerwood Space, 171 Union St/Southwark, *20 654 0171 Samra Mayanja – The Living and 

–ı 4.6. 

the Stale 

Serpentine Galleries (North), West Carriage Drive, 

Barbara Chase-Riboud – 

–ı 10.4. 

Greater London 

Infinite Folds 

South London Gallery, 65 Peckham Road, *20 7703 6120 Michelle Williams Gamaker –ı 18.6. 

Tate Britain, Millbank 

Rosie Hastings and Hannah 

Quinlan 

–ı 7.5. 


Isaac Julien – What Freedom 

26.4.–20.8. 

is to me 

The Rosettis 6.4.–24.9. 

Tate Modern, Bankside Maria Bartuszová –ı 16.4. 

Cecilia Vicuña –ı 16.4. 

Cezanne –ı 21.5. 

Magdalena Abakanowicz –ı 21.5. 

Victoria & Albert Museum, Cromwell Road, *20 942 2000 Africa Fashion –ı 16.4. 

Print and Prejudice – Women 

–ı 1.5. 

Printmakers 1700–1930 

Hallyu! The Korean Wave –ı 25.6. 

Whitechapel, 80–82 Whitechapel High St. Zadie Xa –ı 30.4. 

Arcadia Missa, Unit 6, Bellenden Road Business Centre Redd Ekks: X –ı 6.4. 

Austrian Cultural Forum, 28 Rutland Gate, *20 225 0470 Roshanarar bagan –ı 31.3. 

Chelsea space, 16 John Islip Street Kate Morrell –ı 4.2. 

Chisenhale Gallery, 64 Chisenhale Road Ravelle Pillay –ı 23.4. 

Danielle Arnaud, 123 Kennington Road, *20 7735 8292 Robert Cervera and Andreas 

–ı 29.4. 

Philippopoulos-Mihalopoulos 

Gasworks Gallery, 155 Vauxhall Street Ingela Ihrman – Nocturne –ı 30.4. 

Hauser & Wirth London, 23 Savile Row, *207 287 2300 Günther Förg – Tupfenbilder –ı 29.4. 

Hollybush Gardens, 3 Warner Yard, *20 79 6875 4967 Johanna Billing – Each Moment 

–ı 6.5. 

Presents What Happens 

Kate Macgarry, 27 Old Nichol St., *20 7613 0515 Dawn Ng 21.4.–20.5. 

Lisson Gallery London, 29 and 52–54 Bell Street Haroon Mirza – III –ı 8.4. 

Matt’s Gallery, 42–44 Copperfield Rd, *20 8983 1771 Mike Nelson – The Book of Spells, –ı 23.4. 

(a speculative fiction) 

Maureen Paley, 21 Herald Street, *20 7254 9607 

Michael Queenland – Rudy’s Ramp –ı 23.4. 

of Remainders Redux 

Royal Institute of British Architects, 66 Portland Place Long Life, Low Energy –ı 1.4. 

Manchester Home, 70 Oxford St. Tara Collette – Gentrification is 

–ı 2.4. 

class war 

Margate Turner Contemporary, The Rendezvous Sophie von Hellermann and Anne 

–ı 16.4. 

Ryan – Sirens 

Middlesbrough mima, Centre Square Deep Horizons –ı 18.6. 

Newcastle upon Shieldfield Centre 4 – 8, Clarence Street, off Stoddart 

Tyne 

St Newcastle, Tyne and Wear 

Videocity visits The NewBridge 

Project 

1.4.–30.4. 

Nottingham Nottingham Contemporary, Weekday Cross, *115 948 9750 Carolyn Lazard –Long Take –ı 7.5. 

Southend-on- Focal Point Gallery, Victoria Avenue, *253 4108 Liz Magor – The Rise and The Fall –ı 10.6. 

Sea Essex 

Wakefield Yorkshire Sculpture Park, West Bretton, *1924 832 631 Sculptures and installations in 

–ı 9.4. 

open air 

The Hepworth, Gallery Walk, *1924 247 360 Hannah Starkey –ı 30.4. 

Walsall The new art gallery Walsall, Gallery Square Here & Queer –ı 28.5. 

Australien *0061 

Melbourne foryouandyourcustomers Pty Ltd Melbourne, Lvl 18, 

31 Queen Street, VIC 

Kate Mitchell –ı 16.9. 

Hongkong *0852 

Hong Kong Hauser & Wirth Hong Kong, 15–16/F, H Queen’s, 80 

Queen’s Road Central, Hong Kong Island 

Rashid Johnson –ı 13.5. 


AGENDA // SPANIEN / VEREINIGTES KÖNIGREICH / AUSTRALIEN / HONGKONG 157

Norwegen *0047 

Oslo OsloBiennale, Myntgata 2 OsloBiennale –ı 31.12. 

Vereinigte Staaten *0001 

Aspen Aspen Art Museum, 590 North Mill Street Sanya Kantarovsky – A Solid House –ı 2.4. 

Shadow Tracer – Works on Paper –ı 2.4. 

Mungo Thomson – Sculptures –ı 2.4. 

Youth Art Expo – Puppets, Masks, 

and Storytelling 

29.4.–28.5. 

Berkeley Berkeley Art Museum, 2625 Durant Avenue #2250, 

*510 642 0808 

Art Wall – Luis Camnitzer 

Amalia Mesa-Bains – Archaeology 

of Memory 

Boston Institute of Contemporary Arts Boston, 955 Boylston St. María Berrío – The Children’s 

Crusade 

Chicago 

Museum of Fine Arts Boston, 465 Huntington Avenue, MA, 

*617 267 9300 

Museum of Contemporary Art Chicago, 220 East Chicago 

Av., MI 

Smart Museum of Art, 5550 S. Greenwood Avenue, 

*773 702 0200 

Frank Bowling’s Americas 

Hokusai – Inspiration and 

Influence 

Painted Tintypes – Photography 

for the People 

–ı 31.5. 

–ı 23.7. 

–ı 6.8. 

–ı 9.4. 

–ı 16.7. 

1.4.–15.10. 

Chicago Works – Gregory Bae 

–ı 12.5. 

Enter the Mirror –ı 23.7. 

Duane Linklater – mymothersside –ı 3.9. 

not all realisms 

–ı 4.6. 

The Metropol Drama –ı 9.7. 

Haegue Yang – Quasi-Legit –ı 20.8. 

Cleveland Cleveland Museum of Art, 11150 East Boulevard Photographs in Ink –ı 2.4. 

Riemenschneider and Late 

–ı 23.7. 

Medieval Alabaster 

Imagining Rama’s Journey –ı 17.9. 

Egyptomania – Fashion’s 

1.4.–28.1. 

Conflicted Obsession 

Denver Denver Art Museum, 100 W 14 th Avenue Pkwy Her Brush –ı 13.5. 

Speaking with Light –ı 21.5. 

From Chaos to Order 16.4.–30.7. 

Houston Contemporary Arts Museum Houston, 5216 Montrose Where Do We Go From Here? –ı 2.7. 

Blvd., TX 

The Menil Collection, 1515 Sul Ross 

Walter De Maria – Boxes for 

–ı 23.4. 

Meaningless Work 

The Curatorial Imagination of 

–ı 13.8. 

Walter Hopps 

Si Lewen – The Parade 21.4.–3.9. 

Hyperreal – Gray Foy 21.4.–3.9. 

Long Island 

City 

Los Angeles 

MoMA PS1, 22–25 Jackson Ave at 46 th Ave, NY, 

*718 784 2084 

MOCA Pacific Design Center, 8687 Melrose Avenue, 

*213 621 1741 

Jumana Manna 

–ı 17.4. 

Onyeka Igwe –ı 21.8. 

Daniel Lind-Ramos 20.4.–3.9. 

Elysia Crampton Chuquimia, 

–ı 2.10. 

Joshua Chuquimia Crampton 

Henry Taylor – B Side –ı 30.4. 

The Getty Center, 1200 Getty Center Drive Connections – Asia –ı 7.5. 

Barbara T. Smith – The Way to Be –ı 16.7. 

UCLA The Hammer Museum, 10899 Wilshire Blv., CA, 

*310 443 7000 

Karon Davis 

Cruel Youth Diary: Chinese 

Photography and Video 

Bridget Riley Drawings – From the 

Artist’s Studio 

–ı 9.4. 

–ı 14.5. 

–ı 28.5. 


Hauser & Wirth Downtown Los Angeles, 901 East 3 rd 

Street, CA 

Rita Ackermann – Vertical Vanish –ı 30.4. 

Zeng Fanzhi –ı 30.4. 

Minneapolis Walker Art Center, Vineland Place Kahlil Robert Irving – Archaeology 

of the Present 

New York 

Bronx Museum of Arts, 1040 Grand Concourse at 

165 th Street 

–ı 21.1. 

Swagger and Tenderness 

–ı 30.4. 

Abigail DeVille – Bronx Heavens –ı 18.6. 

Brooklyn Museum, 200 Eastern Parkway/Brooklyn Jimmy DeSana – Submission –ı 16.4. 

Duke Riley –ı 23.4. 

Thierry Mugler – Couturissime –ı 7.5. 

Metropolitan Museum, 5 th Av. 82 nd Street The Facade Commission – 

Hew Locke, Gilt 

–ı 22.5. 

MoMA – The Museum of Modern Art New York, 11 West 53 th 

Street, NY 

Neue Galerie, 1048 Fifth Avenue 

Refik Anadol – Unsupervised 

–ı 15.4. 

Guillermo del Toro –ı 15.4. 

Projects – Ming Smith –ı 29.5. 

Ellsworth Kelly – A Centennial 

–ı 11.6. 

Celebration 

Austrian Masterworks from the 

–ı 29.5. 

Neue Galerie 

New Museum of Contemporary Art, 235 Bowery Wangechi Mutu – Intertwined –ı 4.6. 

Queens Museum of Art, Flushing Meadows Corona Park Tracey Rose – Shooting Down 23.4.–10.9. 

Babylon 

Aliza Nisenbaum – Queens, 

23.4.–10.9. 

Lindo y Querido 

S. R. Guggenheim Museum, 1071 Fifth Avenue Nick Cave – Forothermore –ı 10.4. 

Sarah Sze – Timelapse –ı 10.9. 

Gego – Measuring Infinity –ı 10.9. 

Whitney Museum, 99 Gansevoort Street, *212 570 3600 no existe un mundo poshuracán –ı 23.4. 

Refigured –ı 3.7. 

Frosch & Co, 34 E Broadway, NY, *646 820 9068 Escaping The Land –ı 16.4. 

Hauser & Wirth New York, 22 nd Street, 548 West 22 nd 

Street, NY 

Charles Gaines – Southern Trees 

–ı 1.4. 

Roberto Cuoghi – Pepsis –ı 1.4. 

San Francisco Museum of Modern Art San Francisco, 151 Third Street, CA Julian Charrière – Erratic –ı 15.5. 

West Hollywood Hauser & Wirth, West Hollywood, 8980 Santa Monica 

Boulevard, CA 

George Condo – People Are Strange –ı 22.4. 

Messen und Aktionen 

Berlin Gemäldegalerie Berlin, Matthäikirchplatz Vision Seemacht –ı 16.4. 

Düsseldorf Areal Böhler, Hansaallee 321 Art Düsseldorf 31.3.–2.4. 

Karlsruhe/ Messe Karlsruhe, Messeallee 1, *721 3720 5197 Art Karlsruhe 2023 4.5.–7.5. 

Rheinstetten 

Stuttgart Messe Stuttgart, 1 Messepiazza ARTe FUSION Stuttgart 2023 14.4.–16.4. 

Paris Grand Palais Éphémère, Place Joffre Art Paris 2023 30.3.–2.4. 

Ihre Daten in der Agenda 

Im Heft und auf www.artlog.net 

Jahresabo für Institutionen: CHF 152.– / € 117.90 (+ Porto) 

AGENDA // NORWEGEN / VEREINIGTE STAATEN / MESSEN UND AUKTIONEN 159

Mindmapping Art 

Françoise Caraco, Esther Ernst 

und Gianluca Trifilò 

1. April bis 18. Juni 2023 

Kunst 

Raum 

Riehen 

28.4. – 2.7.2023 

von kleinen Atomen und 

grossen Geschichten 

Barbara Ellmerer, Paul Takàcs 

Helena Wyss-Scheffler 

Vernissage, Do 27.4.2023, 18.30 h 

Finissage, So 2.7.2023, 15 –17 h 

Fr 14–17 h, Sa/So 11–17 h 

www.trudelhaus-baden.ch 

Ulrich 

Rückriem. 

Kloster 

Schönthal. 

26.03.-29.10.23 

Freitag 14-17, Sa/So 11-18 Uhr 

Langenbruck/BL 

www.schoenthal.ch 

Anna Maria Balint 

Vivid Objects 

Riccardo Previdi 

It’s Just a Matter of Time 

bis 23. April 2023 

Kuratiert von Simone Neuenschwander 

Mittwoch, 5. April, 18.30 Uhr: 

Rundgang durch die Ausstellung 

«It’s Just a Matter of Time» mit 

Riccardo Previdi und Judith Welter, 

Studienleiterin, Master Fine Arts, 

Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK) 

Mi–Fr 13 bis 18 Uhr, Sa–So 11 bis 18 Uhr 

Kunst Raum Riehen 

Baselstrasse 71, 4125 Riehen, Tel. 061 641 20 29 

kunstraum@riehen.ch, www.kunstraumriehen.ch 

160 Kunstbulletin 4/2023 

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mehr Freiheiten 

als die Kunst. 

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Unsere Läden 

Aarberg | BE 

Münchwilen | TG 

Unterentfelden | AG 

Zürich | ZH 

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Auswahl an Materialien aus allen 

künstlerischen Bereichen zu dauerhaft 

günstigen Preisen. 

bis 30.4.23 

bis 30.4.23 

Rimini Protokoll 

Spezialprojekt 

Roman Candio 

Begegnung im 

Raum 

a ku Kunstplattform 

Haus 

31. März – 

21. Mai 2023 

Quings: 

Haus 

Expo 

Pool 

Ur–Werk 

Raum: Otto Heigold 

Freitag/Samstag 14:00 – 17:00 

Sonntag 10:00 – 16:00 

Gerliswilstrasse 23, 6020 Emmenbrücke 

www.akku-emmen.ch 

bis 25.6.23 

Fokus Sammlung 

Aloïse 

l‘étoile nous éclaire 

Kunstmuseum Solothurn 

Werkhofstrasse 30 

4500 Solothurn 

DI – FR 11–17 Uhr, 

SA & SO 10–17 Uhr 

+41 32 626 93 80 

kunstmuseum@solothurn.ch 

Dorfpl. 11, 6370 Stans 

Do / Fr 15 bis 18 Uhr 

Sa / So 13 bis 16 Uhr 

www.galeriestans.ch 

Thomas Heini, 

Jörg Niederberger 

Zeichnung, Skulptur, Malerei 

15. April bis 

14. Mai 2023 

AARGAU / BASEL / BERN / SOLOTHURN / INNERSCHWEIZ 161

DER JUNGE 

HANS ERNI 

Die Sammlung 

Maria und Walter Strebi-Erni 


30.7.2023

Outsider Art 

unter dem 

Halbmond 

– 

Peter Wirz – 

Kontinent 

Wirziana 

– 

30.3.–20.8.23 

Outsider Art 

and Tradition 

International 

Conference 

European 

Outsider Art 

Association 

11.–14.5.23 

18. März bis 7. Mai 

Tobias Mattern 

grün im grün 

Georges Wenger 

Wald 

Andrea Vogel 

Vebi küsst Arachne 

Kulturzentrum Kammgarn 

Baumgartenstrasse www.vebikus.ch 

CH – 8201 Schaffhausen 

Do 18 – 20 Uhr 

Fr 16 – 18 Uhr 

Sa / So 12 – 16 Uhr 

INNERSCHWEIZ / OSTSCHWEIZ 163

∑ 

√ 

EINE FOTO- 

GRAFISCHE 

GESCHICHTE 

BIS 21.05.23 

ELYSEE.CH 

© Bill Armstrong, Collections Photo Elysée 

EINE KÜNSTLERIN 

DER MODERNE 

FRIEDL DICKER-BRANDEIS 

29. MÄRZ –18. JUNI 2023 

Graphische Sammlung ETH Zürich 

Mo − So 10 − 16.45 Uhr, www.gs.ethz.ch 

Die Graphische Sammlung befindet 

sich im Hauptgebäude der ETH Zürich. 


Belinda 

Kazeem-Kamiński – 

You are awaited but 

never as equals 

21.4. – 9.7.2023 

Vernissage: 20. April 2023, 18.30 Uhr 

Coalmine, Winterthur 

fotografie.coalmine.ch 

Donnerstag bis Sonntag 

11–17 Uhr 

Weiherweg 1, 8610 Uster 

+ 41 44 521 25 20 

bechtlerstiftung.ch 

PETER FISCHLI & DAVID WEISS 

Ein ruheloses Universum 

kuratiert von Peter Fischli 

16. April 2023 – 17. September 2023 

Vernissage 

Samstag, 15. April 2023, 11 – 15 Uhr 

WALTER DE MARIA 

The 2000 Sculpture 

PIPILOTTI RIST 

I Couldn’t Agree With You More 

Mise au concours du Prix Anne et Robert Bloch 

“La Sarrazine” pour 2024 

La Fondation Anne et Robert Bloch pour la promotion de la création culturelle dans le Jura (FARB) met au 

concours, pour l’année 2024, son Prix destiné à favoriser la création artistique et culturelle en offrant aux artistes 

et chercheurs un lieu privilégié pour travailler, ainsi que les moyens financiers appropriés. 

« La Sarrazine » est une propriété, récemment rénovée, sise à 84360 Lauris (Lubéron – France). 

La durée du séjour est de trois à quatre mois (1 er mars au 30 juin ou 1 er juillet au 31 octobre 2024 ou selon dates 

à convenir). 

Le Prix est ouvert aux personnes d’origine suisse qui s’expriment dans les domaines suivants : la création 

artistique et la mise en valeur du patrimoine suisse. 

Les candidat-e-s devront adresser un dossier complet, comprenant notamment : description du projet, cv et 

références jusqu’au 15 août 2023 au Conseil de fondation de la FARB, rue de Fer 8, 2800 Delémont. 

Mise au concours et règlement sur www.fondationfarb.ch 

Courriel : info@fondationfarb.ch 

Heimvorteil... 

art-tv.ch 

das kulturfernsehen imnetz 

WESTSCHWEIZ / ZÜRICH 165

Ausschreibung 

Zuger Werkjahr und 

Förderbeiträge 2023 

Der Regierungsrat des Kantons Zug schreibt erneut Zuger Förderbeiträge und 

ein Werkjahr für Zuger Kunstschaffende der Sparten bildende und angewandte Kunst, 

Musik, Literatur, Tanz und Theater aus. 

Anmeldung und Teilnahmebedingungen: www.zg.ch/kultur 

Bewerbungen können nur digital eingereicht werden. 

Rückfragen und Bewerbung an: 

Hannah Schneidt, 041 728 31 46, hannah.schneidt@zg.ch 

Anmeldeschluss: Montag, 8. Mai 2023 (Eintreffen der Bewerbung) 

JAN CZERWINSKI 

Holbein im Gebirge | 24.2. - 29.4.23 

Ausschreibung 

SCHWYZERWERKBEITRÄGE 

Die Kulturkommission des Kantons Schwyz 

schreibt 2023 erneut Werkbeiträge aus – 

gleichzeitig für die vier Sparten bildende 

Kunst, Musik, Tanz und Theater sowie 

Kurz- und Animationsfilm. 

Teilnahmeberechtigt sind Kulturschaffende 

und Gruppen, die im Kanton 

Schwyz seit mindestens zwei Jahren 

wohnhaft sind oder in einem engen 

Bezug zum Kanton stehen. 

Detaillierte Bewerbungsunterlagen 

können auf www.sz.ch/kultur (Rubrik 

Kultur förderung) bezogen werden oder 

bei: Kulturkommission des Kantons 

Schwyz, Geschäftsstelle, Postfach 2202, 

6431 Schwyz. 

E-Mail: kulturfoerderung.afk@sz.ch 

Telefon 041 819 19 48 

EINSENDESCHLUSS: FREITAG, 30. JUNI 2023 

(Datum Poststempel) 

Rämistrasse 30, 8001 Zürich 

www.kunstsammlung-ruegg.ch 

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Neufrankengasse 4, CH-8004 Zürich 

Telefon 0041 (0)44 298 30 30 

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Onlineportal: www.artlog.net/kunstbulletin 

Web App: www.artlist.net 

Redaktion 

Deborah Keller (Chefredaktion) 

Meret Arnold (Redaktion) 

Claudia Steffens (Redaktion artlog.net, Agenda) 

Ariane Roth (Administration, Vertrieb) 

Françoise Ninghetto (Rédaction romande) 

Elisa Rusca (Redazione ticinese) 

Layout/Satz 

Nicole Widmer Meyer 

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Druck/Papier 

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Papier: Profibulk 1.1, Abokarte Maxi Offset 

(FSC zertifiziert) 

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Herausgeber 

Schweizer Kunstverein 

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Für Studierende: CHF 49/€ 40.90* 

Mit Kulturlegi: CHF 43 

ERSCHEINUNGSTERMINE 

Ausgabe Erscheinungsdatum Anzeigenschluss 

5 Mai 05.05.2023 05.04.2023 

6 Juni 02.06.2023 03.05.2023 

7-8 Juli/August 14.07.2023 14.06.2023 

9 September 25.08.2023 26.07.2023 

Mediadaten (Inserate im Heft und online) 

↗ www.artlog.net/media 

Auflage 

Druckauflage: ca. 7500 Exemplare 

Abonnemente: ca. 6500 Exemplare 

Direktvertrieb: ca. 1000 Exemplare (Buchhandel und Kiosk) 

ANZEIGENVERWALTUNG 

Claudio Moffa, Anzeigenleitung 

Telefon 0041 (0)44 928 56 31 

Sandra Verardo, Administration 

Telefon 0041 (0)44 928 56 35 

kunstbulletin@fachmedien.ch 

FACHMEDIEN 

Zürichsee Werbe AG 

Laubisrütistrasse 44, CH-8712 Stäfa 

ISSN 1013 – 69 40 

Autor:innenkürzel dieser Ausgabe 

(AD) Adrian Dürrwang, (AM) Angelika Maas, (AU) Andrin Uetz, 

(BF) Barbara Fässler, (DvB) Dominique von Burg, (FS) Feli 

Schindler, (IDL) Ingrid Dubach Lemainque, (JEN) Johanna Encrantz, 

(JES) J. Emil Sennewald, (KHO) Katharina Holderegger, 

(KS) Kristin Schmidt, (MG) Max Glauner, (MM) Marc Munter, 

(NR) Noëmi Roos, (SGR) Samantha Grob 

167

EN PASSANT 

Dimension Durcheinander 

Haus am Gern · SOSOS’, 2020, Wohnsiedlung Hornbach, Zürich. Foto: Samuel Herzog 

An Zürichs Hornbachstrasse 30 ist die Welt dank Kunst, Kind und Küche durcheinander 

geraten. Die Speisereste im Mosaik von Haus am Gern, die eigentlich unter 

einen römischen Banketttisch gehörten, sind die Wände hochgekrochen und schweben 

nun auf Augenhöhe vor uns her. Der Schneemann umgekehrt träte als Wandbild 

deutlich stattlicher vor uns auf, muss sich jedoch mit der Horizontalen begnügen: mit 

dem geteerten Flecken vor der Eingangstüre, wo Kinderhände ihn mit Kreide erschaffen 

haben. Und in der Luft müsste, bei all den Lachsgräten, Napfmuscheln und Meerestieren 

im Mosaik, eigentlich ein Duft von Fischsuppe liegen – stattdessen riecht 

es nach Kohl und einem Stück Speck, das man dringend aus der Pfanne heben sollte. 

Jetzt tritt eine junge Frau aus dem Haus, stützt sich kurz mit der Linken auf der 

Napfschnecke ab, um sich ein Steinchen aus dem Schuh zu nesteln. Sie sieht den 

Schneemann, murmelt «Jöö!» und macht mit ihrem Smartphone ein Foto. Dann geht 

sie los, hebt nach zwei Schritten den Kopf, schnuppert, lächelt mir zu, sagt «Hmmm, 

da kriege ich gleich Hunger!», und schlendert in Richtung See davon. Die Welt an 

der Hornbachstrasse 30 mag durcheinander sein, offenkundig aber ist sie doch verständlich 

so. Bewegen wir uns also bereits in einer vierten Dimension? Und ist es am 

Ende gerade das, was Kunst, Kind und Küche vermögen? Schade, kann man mit dem 

angelehnten Fahrrad nicht fliegen. Oder vielleicht doch? Samuel Herzog 

Samuel Herzog, Textbauer, Inselbauer, Schüttsteinschaffer. info@samuelherzog.net 

Eine Textreihe in Kooperation mit der Fachstelle Kunst und Bau, Amt für Hochbauten, 

Stadt Zürich. Weitere Informationen zum Werk via QR-Code und artlist.net 


Freunde des 

Kunsthauses 

Grenchen 

Design: Studio Amanda Haas, Basel 

H.R. Giger, Frau mit Kind, 1967 

Siebdruck, Geplante Auflage 200, 

nicht realisiert 

Bildmass 80 × 88 cm 

Privatbesitz 

© HR Giger Museum 

19. März bis 9. Juli 2023 

Kunsthaus Grenchen 

Neubau 

F.A. Wyss, Der erblindete Ezechemahuja, 1968 

Radierung auf Bütten 

Bildmass 24,5 × 24,5 cm 

Blattmass 53 × 38 cm 

Sammlung Kunsthaus Grenchen 

© Kunsthaus Grenchen. Foto: David Aebi 

kunsthausgrenchen.ch 

info@kunsthausgrenchen.ch 

+41 (0)32 652 50 22

Kunstbulletin April 2023

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