Old Master Paintings – Part 1

ONE OF THE LEADING AUCTION HOUSES IN EUROPE
CATALOGUE II
OLD MASTER PAINTINGS PART 1
Auctions: Thursday, 30 March 2023
Exhibition: Saturday, 25 March – Tuesday, 28 March 2023

OLD MASTER
PAINTINGS
PART I

Platte leicht gewölbt, die Darstellung oben im flachen
Dreieck und seitlich durch dunkle Bänder geschlossen.
Die Goldnimben punziert, im Nimbus Christi ein
Kreuz eingebracht. Sehr guter Zustand.
Provenienz:
Christie‘s, 27.06.1975 (dort mit s/w Abb.)
Fototeca Zeri Inv. Nr. 19300.
A.R. (1350024) (3) (11)
85
MEISTER DER TOSKANISCHEN SCHULE
DES 13./ 14. JAHRHUNDERTS
Im stilistischen Kreis der Maler Pietro Lorenzetti (um
1280-um 1348) und Bernardo Daddi (1290-1348).
KREUZABNAHME CHRISTI
Tempera und Goldauflage auf Pappelholz, an drei
Rändern mit ca. 1,5 cm angesetzt.
31,5 x 21,5 cm.
Rahmen mit Samteinlage.
Das kleine Tafelbild stellt die Szene in höchst stilisierter
Weise dar. Vor nächtlich schwarzem Hintergrund
erscheinen die Figuren, die das Kreuz nahezu völlig
verdecken. Zwischen den Assistenzfiguren im unteren
Bildbereich ist der Leichnam Jesu erhöht gezeigt,
gehalten von Josef von Arimathäa, der langgewandet
auf einer Leitersprosse steht und mit beiden Armen
den Körper Christi umfängt. Deutlich ist das Podest
am Kreuz gezeigt, auf dem die Füße Jesu stehen. Der
Schaft des Kreuzes selbst erhebt sich aus einem gespaltenen
Felsen – auch dies bemerkenswerte ikonografische
Details, die auf die Entstehungszeit des
Werkes verweisen.
Die Assistenzgruppen links zeigen die Heiligen Marien,
wobei Mutter Maria und links daneben Maria
Magdalena im Vordergrund deutlich gegeben sind,
während die weiteren Frauen dahinter nur durch ihre
Goldnimben erscheinen. Maria, in dunklen Mantel
gehüllt, küsst die Hand Jesu, dessen schlanker Arm
überlang herabgeführt ist. Maria Magdalena hingegen
ist durch das Rot ihres Mantels betont. Die rechte
Gruppe zeigt Nikodemus in Kniehaltung, mit einer
Zange, um den Kreuznagel der Füße herauszuziehen.
Dabei wird deutlich, dass Christus hier im Dreinageltypus
verstanden wird. Dieser Typus ist ab etwa 1260
verbreitet, was auch die Datierung des Bildes erleichtert.
Die zwei weiteren Nägel der Hände sind im unteren
Teil des Bildes gezeigt. Der Lieblingsjünger Johannes
ist in rosafarbenen Mantel gehüllt, der Kopf mit
weinendem Gesicht in die Hand gestützt.
Der Stil des Gemäldes weist in die Toskana. Zu den
Ersten, die den Byzantinischen Formalismus in der
Malerei aufgegeben hatten, gehörte Cimabue. Als
Lehrmeister von Giotto di Bondone (1276-1337) wirkte
er bedeutend auf die Malerei des 14. Jahrhunderts
ein. Die auch hier im Bild erkennbare Absicht, den Gesichtern
lebensnahe Physiognomie zu verleihen, etwa
in der Wiedergabe der Trauer oder weinender Gesichter,
wurde von da an stets weiterentwickelt.
Zu den Malern, deren Werke Verwandtschaft mit dem
vorliegenden Gemälde aufweisen, zählen etwa Bernardo
Daddi (1290-1348) oder Pietro Lorenzetti (um
1280-um 1348). Eine bedeutende Sammlung von Werken
der frühen italienischen Malerei enthält das Lindenau-Museum
in Altenburg.
MASTER OF TUSCANY SCHOOL,
13TH/ 14TH CENTURY
In the stylistic circle of painters Pietro Lorenzetti (ca.
1280 - ca. 1348) and Bernardo Daddi (1290 - 1348).
THE DEPOSITION FROM THE CROSS
Tempera and gilding on poplar wood, ca. 1.5cm
extensions on three sides.
31.5 x 21.5 cm.
Frame with velvet lining.
The small panel painting depicts the scene in a highly
stylized manner. The figures, which almost completely
cover the cross are depicted against a nightly black
background. The body of Christ is depicted raised between
the assistant figures in the lower part of the
painting, held by Joseph of Arimathea, who shown in
long robes standing on a rung of a and holding the
body of Christ with both arms. The pedestal on the
cross on which Christ’s feet are resting is clearly depicted.
The shaft of the cross itself rises from a split
rock, which is a remarkable iconographic detail referring
to the period when the painting was created. The
groups of assistant figures on the left show the Three
Marys, with Mary, Mother of Jesus and Mary Magdalene
to her left clearly shown in the foreground, while
the other women behind them only appear by means
of their gilt haloes. The Virgin Mary, draped in a dark
cloak, kisses the hand of Christ, whose slender overlong
arm is stretched out. On the other hand, Mary
Magdalene is emphasized by the red of her cloak. The
right group depicts Nicodemus kneeling, using pliers
to pull out the cross nail of Christ’s feet. Clearly, Christ
is depicted in three-nail type. This type is widespread
from ca. 1260, which also facilitates the dating of the
painting. The other two nails of the hands are shown
in the lower part of the painting. Christ’s favourite disciple
John is shown weeping, his head resting on his
hand and draped in a pink cloak. The style of the painting
suggests Tuscany. Cimabue was among the first
artists to abandon Byzantine formalism in painting. As
a teacher of Giotto di Bondone (1276 - 1337) he had
significant influence on 14th century painting. As is
clear in the present painting rendering the faces in
lifelike physiognomy is intentional, for example in the
depiction of mourning or weeping faces and this was
continuously developed from then on. Among the
painters whose works are similar to the present painting
are Bernardo Daddi (1290 Florence - 1348) and
Pietro Lorenzetti (ca. 1280 Siena - ca. 1348). The Lindenau
Museum in Altenburg holds an important collection
of early Italian paintings. Panel slightly warped.
The depiction shown in a flat triangle at the top and
closed on the sides by dark bands. The gilt haloes are
hallmarked with a cross in Christ’s nimbus. Very good
condition.
Provenance:
Christie’s, 27 June 1975 (with black and white illustration)
Fototeca Zeri, inventory no. 19300.
€ 65.000 - € 85.000
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86
LAZZARO BASTIANI,
1429 PADUA – 1512 VENEDIG, ZUG.
THRONENDE MADONNA MIT DEM KIND
UND ZWEI ENGELN
Öl/ Tempera und Goldgrund auf Holz. Parkettiert.
72 x 46,5 cm, an den Seiten Malrändchen.
Ungerahmt.
Das in hoher Qualität geschaffene Gemälde ist als Andachtsbild
zu sehen. Wohl für einen Vesperaltar einer
Kirche in Auftrag gegeben, wobei das Wappen des
Stifters rechts im Bild eingebracht ist, mit steigendem
Löwen auf gestreiftem Grund in Rot und Silber,
darüber Drachenkugel mit Kreuz. Dies weist den Stifter
als Mitglied des Drachenordens aus, der um 1408
gegründet wurde. Dabei findet sich die Form des
Schildes fast nur in Italien.
Maria, betont jugendlich mit anmutigen Gesichts zügen
dargestellt, sitzt auf einer Marmorbank, das Kind auf
dem Schoß, und hält ein rotes Gebetbuch, während
das Kind das Händchen auf die Finger der Mutter gelegt
hat. Der Blick der Mutter gilt dem Betrachter, während
das Kind zur Mutter aufblickt. Über einem zartrosa
Kleid der Maria liegt ein dunkelfarbener Mantel mit
großer Agraffe, mit einem ovalen Stein besetzt, der
dunkel-lutrot leuchtet. Dabei weist diese Farbe ikonographisch
bereits auf das künftige Leiden hin. Das
mittelgescheitelte Haar ist mit einem durchscheinenden
Tuch belegt, das seitlich über die Schultern herabzieht.
Im Hintergrund flankieren zwei Engel mit hochgestellten
Flügeln die Marienfigur, während sie einen
Brokatmantel mit Pelz-Innenfutter ausbreiten. Dahinter
Goldgrund, wie auch in den Nimben.
LAZZARO BASTIANI,
1429 PADUA – 1512 VENICE, ATTRIBUTED
ENTHRONED MADONNA WITH CHILD
AND TWO ANGELS
Oil/tempera on gold ground, on panel. Parquetted.
72 x 46.5 cm, edges on the side.
Earlier investigations (Gianluca Poldi) revealed two
underdrawings in infrared photographs, executed with
a thin brush, as well as hatching below the shadows.
Provenance:
Private collection, Berlin
Dorotheum Vienna 24 April 2018, lot. 16 (there
described as Genoese School, 15th century).
€ 40.000 - € 50.000
Sistrix
INFO | BID
Die Zuweisung an den Maler fußt auf Stilvergleiche mit
weiteren Werken des Malers, von dem wir wissen,
dass er 1449 in einer Werkstatt in Venedig tätig war,
jedoch seine erste Ausbildung wohl in Padua erhielt,
was den Einfluss des Malers Andrea Mantegna erklären
könnte. Auch die Stilistik der Malerfamilie der Bellini
lässt sich in seinen Werken erkennen. So wird vermutet,
dass Bastiani in den 1460er Jahren mit Giovanni Bellini
für die Scuola Grande di San Marco zusammengearbeitet
hat. In den 1480er Jahren arbeitete er zusammen
mit Gentile Bellini; so schuf er eine „Marien krönung“
(Galleria dell‘Accademia), 1477 eine Geburt Christi,
sowie „San Antonio am Nussbaum“. 1508 wurde er
– zusammen mit seinem Schüler Vittore Carpaccio –
berufen, die Werke des Giorgione für die Fondaco dei
Tedeschi zu bewerten.
Frühere Untersuchungen (Gianluca Poldi) ergaben
bei Infrarotaufnahmen zwei Unterzeichnungen, mit
dünnem Pinsel ausgeführt, ferner Schraffierungen
unterhalb der Schatten. A.R.
Provenienz:
Privatsammlung Berlin
Dorotheum Wien 24. April 2018, Lot. 16 (dort Genueser
Schule des 15. Jahrhunderts).
(13300563) (2) (11)
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87
ITALIENISCHER MALER DES MANIERISMUS
DIE MADONNA MIT JESUS
UND DEM JOHANNESKNABEN
Öl auf Holz, einmal verstärkt, sowie rotes Wachssiegel.
Im Tondo, Durchmesser: 63 cm.
In vergoldetem Prunkrahmen.
Vor einem großen grünen, faltenreichen Ehrentuch
sitzend die Madonna in edlem dunkelrotem Gewand,
am Rand mit Goldstickerei versehen, darüber ein grüner
Mantel, in ihrer linken Hand den nackten Jesusknaben
haltend, der sich mit seinem linken Fuß auf
einem beigen Sockel abstützt. Am linken Bildrand Johannes
der Täufer mit Fellgewand über seiner linken
Schulter sowie das Stabkreuz mit Rotulus haltend,
während er gerade Jesus eine Taube übergibt. Maria
blickt ihn dabei nachdenklich an. Alle drei Figuren jeweils
mit goldenem Nimbus.
Feine Malerei in der typischen Manier der Zeit mit
harmonischer Farbgebung in der Farbtrias Rot, Grün
und Beige/ Gold. Das Motiv gehört zu einem der beliebtesten
Themen der Kunstgeschichte. Teils Retuschen,
verso alte Anobiumspuren.
(1350023) (3) (18)
ITALIAN MANNERIST PAINTER
MADONNA AND CHILD WITH
THE YOUNG SAINT JOHN THE BAPTIST
Oil on panel, reinforced once and red lacquer seal.
Tondo, diameter: 63 cm.
This is one of the most popular subjects in art history.
Partly retouched, verso old traces of anobium.
€ 30.000 - € 35.000
Sistrix
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88
MEISTER DES VERLORENEN SOHNES,
TÄTIG ZWISCHEN 1525 UND DEN 1550ER-JAHREN
IN ITALIEN UND ANTWERPEN
MADONNA MIT DEM KIND
Öl auf Holz.
62 x 50 cm.
Um 1535/40.
Gerahmt.
Bestätigt durch die Expertise von Prof. Dr. Dr. h.c. Jan
De Maere, Rambrouch, vom 18.11.2022 mit Bildvergleichen
und Literaturangaben.
Die Darstellung ist erkennbar inspiriert von einem bekannten
Werk des Jan Gossaert gen. Mabuse (1478-
1532 Antwerpen). Das Motiv, mehrmals von Gossaert
und anderen Malern aufgegriffen, zeigt, wie auch hier,
die Madonna mit dem Kind in einem Innenraum hinter
einer Tischplatte, der das Kind aufsitzt. Im Unterschied
zu den vergleichbaren Darstellungen, die im
Hintergrund oft Landschaftsausblicke zeigen, ist hier
eine dunkle Raumecke zu sehen, mit Fensterlaibung
links und einem weiß-schwarzen Brokattuch rechts.
Wie stets in diesen Bildvariationen hält die Mutter
das Kind mit beiden Händen, während das Knäblein
mit dem Kopftuch der Mutter spielt.
Der Maler ist mit seinem Notnamen bekannt, als
„Meister des Verlorenen Sohnes“, einem Gemälde,
das sich im Kunsthistorischen Museum zu Wien befindet
(Inv.Nr. 986). Diese Bezeichnung wählte zuerst
Georges Hulin de Loo 1909. Eines der Gemälde des
Meisters zeigt das Monogramm „LK“. Er arbeitete
nach dem Tod von Gossaert und vor Pieter Brueghel
d. Ä. Sein Bild „Heimkehr des Tobias“ trägt die Datierung
„1535“. Sein manieristischer Malstil lässt den
Einfluss der Schule von Fontainebleau erkennen. Zusammen
mit Pieter Aertsen, Pieter Coecke van Aelst
oder Jan Massys zählt der Meister zu den bedeutendsten
seiner Zeit, nicht zuletzt gewürdigt aufgrund
der Anmut seiner Frauengesichter, was den italienischen
Einfluss auf sein Wirken bestätigt.
Laut beiliegender Expertise ist das Gemälde in die
Jahre 1535/40 einzuordnen. Werke seiner Hand finden
sich in zahlreichen öffentlichen Sammlungen, wie
Wien, Antwerpen, Bonn, Cleveland-Museum Ohio,
Douai, Ghent, Köln, München, Moskau etc., um nur
einige zu nennen. A.R.
MASTER OF THE PRODIGAL SON,
ACTIVE IN ITALY AND ANTWERP 1525 - 1550S
THE VIRGIN AND CHRIST CHILD
Oil on panel.
62 x 50 cm.
ca. 1535/40.
The artist identification is based on an expert´s report
by Professor Dr Dr hc Jan De Maere, Rambrouch,
dated 18 November 2022 with image comparison and
bibliography.
Provenance:
From portuguese aristocracy.
€ 15.000 - € 20.000
Sistrix
INFO | BID
Provenienz:
Aus portugiesischem Adelsbesitz.
(1351435) (11)
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89
CORNELIS VAN CLEVE,
1527 – UM 1581 ANTWERPEN, ZUG.
ANBETUNG DER KÖNIGE
Öl auf Holz. Parkettiert.
101,5 x 77,5 cm.
In ebonisiertem Profilrahmen.
Das vorliegende Gemälde bezieht sich eindeutig auf
eine Komposition, die heute im Museum für schöne
Künste in Antwerpen verwahrt wird (Inv. Nr. 464) und
das Mittelteil eines Triptychons für das Grabmonument
des Lodewijk Clarys und seiner Frau Marie le Batteur
in der Antwerpener Kathedrale war. Der Künstler war
Sohn und Schüler des großen Joos van Cleve (um
1485 - um 1540), von dem er den Stil und einige besonders
gelungene kompositorische Details übernahm,
deren Sanftheit und stille Eleganz er weiterentwickelte.
1541 wurde er Meister der Antwerpener Gilde und
hielt sich 1555-1560 in England auf. In seinen Spätwerken
überarbeitete Cornelis den väterlichen Stil, in dem
er sich eher an der moderneren Darstellungsweise
von Pieter Aertsen (1507-1575) orientierte. Wie an
diesem schönen Holzbild erkennbar wird, ist Cornelis
in warmen, leuchtenden Farben gehaltene Malerei äußerst
präzise, ja fast schon von klassisch anmutender
formaler Reinheit. Seine Vorliebe für das Sfumato deutet
auf den Einfluss der italienischen Renaissance
hin, von Leonardo da Vinci (1452-1519) über Raffael
(1483-1520) bis hin zu Andrea del Sarto (1486-1530).
Anmerkung:
Eine weitere vergleichbare Version, womöglich auch
eine Werkstattarbeit, wird im Kunsthistorischen
Museum in Wien (Inv. Nr. 1703) verwahrt.
(1352171) (13)
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CORNELIS VAN CLEVE
1527 – CA. 1581 ANTWERP, ATTRIBUTED
THE ADORATION OF THE MAGI
Oil on panel. Parquetted.
101.5 x 77.5 cm.
The present painting is clearly linked to a composition
now held at the Antwerp Museum of Fine Arts (inv.
no. 464) which was the centre panel of a triptych for
the tomb of Lodewijk Clarys and his wife Marie le
Batteur in Antwerp Cathedral.
Notes:
Another comparable version, possibly also a workshop
work, is held at the Kunsthistorische Museum
in Vienna (inv. no. 1703).
€ 90.000 - € 120.000
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90
MEISTER VON FRANKFURT,
UM 1460 – UM 1533, WERKSTATT
MADONNA LACTANS
MASTER OF FRANKFURT,
CA. 1460 – CA. 1533, WORKSHOP
THE NURSING MADONNA
Öl auf Holz. Parkettiert.
68,5 x 47 cm.
Gerahmt.
Das Gemälde zeigt Maria mit dem Kind an der Brust,
in prächtiger Kleidung vor einer mit Blättern dekorierten
Baldachinrückwand. Mutter und Kind blicken einander
zu. Der seitlich weit gebauschte, in Falten gelegte
rote Mantel beherrscht farblich die Darstellung, wobei
die komplementäre Grünfarbe im Brokatkleid, im
Baldachintuch und in der Flora farblich korrespondiert.
Wie bei vielen weiteren der Bilder des Malers ist auch
hier ein narrativer Hintergrund zu sehen, mit einer
Vielzahl von Figuren, die, in Architekturlandschaften
eingebracht, synchronoptisch Szenen aus dem Marienleben
zeigen: links der Stall in Bethlehem mit Anbetung
der Engel, dahinter ein Turmgebäude, darüber
auf einer Bergkuppe Figuren mit erhobenen Armen
bei der Sichtung einer Lichterscheinung. Rechts im
Bild ist die Anbetung der Könige gezeigt. Fantasievoll
auch hier die Turmarchitekturen, mit Blick auf die Stadt
Jerusalem im Hintergrund. Die fantasiereiche Erzählfreude
des Malers, die Liebe zum Detail und für zahlreiche
Figuren lässt sich auch in weiteren Werken des
Malers und seiner Werkstatt erkennen.
Der Künstlername steht nicht im Zusammenhang mit
der Biografie des namentlich unbekannten flämischen
Malers. Vielmehr wurde hier ein Notname gewählt,
aufgrund dessen, dass seine bedeutendsten Werke
von der Frankfurter Familie Humbracht in Auftrag gegeben
wurden, heute im Städelschen Kunstinstitut
Frankfurt. Verschiedene Versuche, unterschiedliche
Maler für diesen Meister festzulegen, fanden bislang
keine befriedigende Einstimmigkeit.
Wahrscheinlich war der Meister bis 1518 in Antwerpen
tätig. Stilistische Verwandtschaft mit Hugo van der
Goes lassen diesen als Lehrer vermuten.
Provenienz:
P. de Boer, Amsterdam, 1964.
Willy Kaus, Frankfurt am Main.
Literatur:
Stephen H. Goddard, The Master of Frankfurt and his
shop, Diss. Univ. Iowa 1983, S. 354f. und S. 476, Kat.
Nr. 36 (als Werkstatt).
Stephen H. Goddard, The Master of Frankfurt and his
shop, Brüssel 1984, S. 139, Kat.Nr. 36 (Werkstatt um
1510-15).
Vgl. Max J. Friedländer, Der Meister von Frankfurt,
in: Jahrbuch der Ko¨niglich-Preußischen Kunstsammlungen,
Bd. 38, 1917, S. 135-150.
Vgl. Heinrich Weizsäcker, Der Meister von Frankfurt,
in: Zeitschrift für christliche Kunst, Bd. 10, 1897,
S. 1-16.
Vgl. Rainald Grosshans, Rezension von Stephen
H. Goddard, The Master of Frankfurt and his shop, in:
Kunstchronik, Bd. 41, 1988, S. 118-125.
Ausstellungen:
P. de Boer, Amsterdam, 1964, Nr. 21.
(1352172) (11)
Oil on panel. Parquetted.
68.5 x 47 cm.
€ 40.000 - € 60.000
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91
MARTIN BELLEGAMBE D. Ä.,
GEB. UM 1505 DOUAI
DIE BEWEINUNG CHRISTI
Öl auf Holz.
65 x 83 cm.
Gerahmt.
Wir danken Till Holger Borchert für freundliche Hinweise.
Das Gemälde hat nicht nur eine hervorragende Provenienz,
sondern ist auch kunsthistorisch schon seit
1931/31 eingehend behandelt worden. Die erhaltenen
alten fotografischen Aufnahmen zeigen zudem den
ehemaligen Zustand, und im Vergleich dazu die Unversehrtheit
bis heute.
Gezeigt ist die Beweinung Christi unmittelbar nach
der Kreuzabnahme. Dabei ist die Figurengruppe noch
auf dem Kalvarienberg zu sehen, wenig dahinter die
beiden Kreuze der Schächer. Der Maler hat den Leichnam
Christi in die linke Bildseite gesetzt, dagegen die
Mutter Maria ins Bildzentrum, was darauf schließen
lässt, dass das Tafelbild im Zusammenhang mit einem
Marienaltar gedacht war. Maria wird von Johannes –
hier in rotem Gewand – gestützt, umgeben von den
weiteren der „Drei Marien“. Maria Magdalena wird
gezeigt, wie sie die Seitenwunde Christi pflegt; eine
Waschschüssel ist am Boden abgelegt, das Salbgefäß
als ihr Attribut daneben. Josef von Arimathäa und
Nicodemus halten den Leichnam im weißen Tuch. Von
nicht unerheblichem Interesse sind etliche Details im
Bild. So etwa die reiche, auch beschriftete Kleidung
der beiden Männer, die laut Bibel vermögende Begleiter
Jesu aus dem Kreis der Pharisäer waren, wobei
Josef die Grablege gekauft hat. Im Hintergrund sind
die beiden Schächer in sehr unterschiedlicher Weise an
ihre Kreuze gebunden. Interessant ist der Pfahl links
daneben mit einem geräderten Delinquenten, wobei
diese Hinrichtungsart nur im Norden, nie aber im Land
der Bibel vorkam; hier aber bietet es uns ein Zeitdokument
des Bildes. Auch das Weichbild der Stadt Jerusalem
wird ganz in der architektonischen Erscheinung
der Gotik gezeigt.
Der bedeutende Kunsthistoriker Max Jacob Friedländer
hat das Bild 1930/31 bereits begutachtet. Seine
damalige Zuweisung an den Meister van Delft und
die später erfolgte Nennung des Jean Bellegambe,
dem Sohn des Martin, wurde inzwischen aufgrund
jüngerer Kenntnisse durch Till Holger Borchert zugunsten
des Martin Bellegambe korrigiert. A.R.
Provenienz:
Um 1930 Collection Derbyhire.
C. N. Buzzard, Paris.
Anmerkung 1:
Ein weiteres Gemälde von Martin Bellegambe „Saint
Bernard embrassant le crucifix“ aufgeführt in: La Revue
du Louvre (2006), Nr. 4, S. 22-23.
Anmerkung 2:
Das Gemälde ist im RKD - Verzeichnis unter Jean
Bellegambe dokumentiert (Abb.nr. 0000061272, Archiv
Friedländer, 24. 7 1931, 000061275). Friedländer
1967-76, dl. XII, nr. 129 als Jean Bellegambe (Sohn
des Martin).
Anmerkung 3:
Zur versuchten Klärung der Aufschriften auf dem roten
Kleid beiliegend Schriftwechsel mit De Maere.
(13514347) (11)
MARTIN BELLEGAMBE THE ELDER,
BORN CA. 1505 DOUAI
THE LAMENTATION OF CHRIST
Oil on panel.
65 x 83 cm.
We thank Till Holger Borchert for his kind advice.
The painting not only has an excellent provenance but
has also been discussed in at historical publications
since 1931/31. The preserved old photographs also
show the former condition and, in comparison, its intactness
to this day.
Provenance:
ca. 1930 Collection, Derbyshire.
C. N. Buzzard, Paris.
Notes 2:
The painting is listed with the RKD register and documented
under Jean Bellegambe (ill. no. 0000061272,
Archiv Friedländer, 24 July 1931, 000061275).
Friedländer 1967-76, dl. XII, no. 129 as Jean Bellegambe
(son of Martin).
€ 40.000 - € 60.000
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92
JOOS VAN CLEVE,
UM 1485 – UM 1540, KREIS DES
HIERONYMUS IN SEINEM STUDIERZIMMER
JOOS VAN CLEVE,
CA. 1485 – CA. 1540, CIRCLE OF
SAINT JEROME IN HIS STUDY
Öl auf Holz.
70 x 52 cm.
Der Kirchenvater in roter Kardinalskleidung mit blauem
Brett vor einem geöffneten Buch sitzend, seine Hand
mit dem Zeigefinger auf einen vor ihm liegenden
Schädel deutend. Hinter dem Pult eine Türöffnung mit
Landschaftsausblick und einem mehrstöckigen Gebäude
mit Turm nebst Bäumen. Das Studierzimmer
empfängt sein Licht durch eine Fensteröffnung auf der
linken Seite, in der die Butzenscheiben schimmern
und vor dem ein Kruzifix steht mit danebenstehender
Sanduhr. In der oberen Mitte ein scheinbar an die
Rückwand gehefteter ausgerollter Zettel mit der Aufschrift
„Cogita mori“ mit manieristischer Umrandung.
Rechts im Vordergrund eine erloschene Kerze in bronzenem
Kerzenständer.
Oil on panel.
70 x 52 cm.
€ 20.000 - € 25.000
Sistrix
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Anmerkung:
Vergleiche „Hieronymus in seinem Studierzimmer“
Joos van Cleve, Ausstellung „Leonardo des Nordens,
Joos van Cleve“, Suermondt-Ludwig-Museum, Aachen
2011. (1351892) (18)
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31

93
BERNARD VAN ORLEY,
AUCH GENANNT "BAREND VAN ORLEY",
1491/92 BRÜSSEL – 1541 EBENDA, WERKSTATT DES
ANBETUNG DER WEISEN
Öl auf Holz. Altparkettiert.
33,5 x 46 cm
Verso rotes kleines Lacksiegel. Um 1520/25.
Gerahmt.
Beigegeben eine Expertise von Prof. Dr. Dr. h.c. Jan
de Maere, Rambrouch, 24.05.2022.
Gelistet im RKD, 46984 unter: M. J. Friedländer (Abb.
Nr. 00074944 sowie 00074917) Standort: BD/RKD-
ONS/Fotoarchiv Friedländer).
Das Gemälde mittleren, aber betonten Querformates
zeigt die Anbetungsszene, unterschiedlich bezeichnet
als „der Weisen aus dem Morgenland“, „der Magier“
oder „der Könige“, die dem Kind Gold, Weihrauch und
Myrrhe überbringen. Der Bildaufbau symmetrisch,
mit Maria im Bildzentrum. In smaragdgrünem Mantel
und mit weißem Tuch über braunem Haar wendet sie
sich nach rechts, während gleichzeitig das Kind den
Knauf des goldenen Gefäßes ergreift, das ihm dargebracht
wird. Der bärtige königliche Adorant hat Krone
und Zepter am Boden vor dem Kind abgelegt. Diese
Stelle hat der Maler nicht zufällig gewählt, soll dies
doch Jesus als den künftigen Herrscher der Welt andeuten.
Der König rechts dahinter trägt ebenfalls eine
Krone und überreicht einen Goldpokal. Links steht der
dunkelhäutige Balthasar, betont weiß gekleidet, er
trägt ein Prunkgefäß und ein Zepter. Begleitfiguren an
den Bildrändern und im mittleren Hintergrund, in dem
eine Burganlage zu sehen ist, was ganz im Gegensatz
zur Bibellegende steht, aber vielleicht lokale Bedeutung
für den Entstehungsraum hat. Dagegen sind die
beiden Rundsäulen mit vergoldeten Kapitellen, die hinter
Maria stehen und ihre Position seitlich flankieren,
als deutlicher Hinweis auf ihre und des Kindes Stellung
in der Heilsgeschichte zu verstehen.
Der Maler van Orley entstammte einer luxemburgischen
Adelsfamilie derer d’Ourle, die nach Brabant
zog, wo der Vater des Malers als illegitimes Kind den
Adelstitel verlor. Bernard schloss sein Studium als Romanist
bei seinem Vater 1512 ab und wandte sich der
Malerei zu. Eine Reise nach Italien ist dabei nicht nachzuweisen.
Vielmehr orientierte er sich an der Malerei
der Zeit, aber auch an italienischen Stichwerken. Vor allem
haben die Zeichnungen Raffaels, die für die Kartons
der „Scuola Nova“ – speziell für die Gobelinmanufaktur
in Brüssel – angefertigt wurden auf seine Motive in
der Malerei Einfluss gehabt. Speziell die „Anbetungsszene“,
die zwischen 1520 und 1520 gewoben wurde,
fand in seinen Bildern einen Niederschlag. 1517 als
Meister in der Antwerpener Gilde geführt, wurde er
bereits ein Jahr später Hofmaler von Maria von Österreich
in den Niederlanden. Festzustellen ist eine enge
Beziehung des vorliegenden Gemäldes mit dem Bild
desselben Themas, das sich in der J. G. Johnson Collection
im Philadelphia Museum befindet (Inv.Nr. 400).
Dort sind Maria, das Kind und der davor kniende König
in nahezu identischer Weise gezeigt. Einen weiteren
Vergleich lässt das Gemälde im Kunsthistorischen
Museum Wien (Apostel-Altarblatt) von 1512 zu. Jan
van Dornicke aus der Werkstatt des van Orley hatte
sich ebenfalls diesem Thema mehrfach gewidmet
(Pinacoteca Brera, Mailand). A.R.
Provenienz:
Das Gemälde hat eine bedeutende Provenienz aufzuweisen
und ist bereits in der Kunstliteratur ausgiebig
dokumentiert:
Vor 1930 Privatbesitz Madrid (dokumentiert durch
Versobeschriftung eines Fotos vom Bild durch Max
Jacob Friedländer).
Leo Blumenreich, Berlin (dokumentiert wie vorig,
möglicherweise hat Blumenreich eine Abbildung
für Friedländer besorgt).
Vor 1930 Kunsthandel Thomas Harris, London
(wie vorig).
Privatsammlung Cubells, Madrid.
Literatur:
Aufgeführt und besprochen in:
Max Jacob Friedländer, dessen Fotoarchiv.
Max Jacob Friedländer, Early Netherlandish painting,
Bd. 8: Jan Gossart and Bernart van Orley, Leyden
1972, Nr. 106 c.
John David Farmer, van Orley of Brussels, Diss. Princeton
University 1981, S. 270ff. (dort Umkreis des).
Ferner:
Max Jacob Friedländer, Die Antwerpener Manieristen
von 1520, in: Jahrbuch der Preußischen Kunstsammlungen,
36, 1915.
Max Jacob Friedländer, Die altniederländische
Malerei, 14 Bde., Berlin 1924-1937.
(13514348) (11)
BERNARD VAN ORLEY,
ALSO KNOWN AS “BAREND VAN ORLEY”,
1491/92 BRUSSELS – 1541 IBID., WORKSHOP OF
THE ADORATION OF THE MAGI, CA. 1520/25
Oil on panel. Old parquetting.
33.5 x 46 cm.
Small red lacquer seal on the reverse.
Accompanied by an expert’s report by Professor Dr Dr
hc Jan de Maere, Rambrouch, 24 May 2022. Listed
at RKD, 46984 as: M. J. Friedländer (ill. no. 00074944
and 00074917) Location: BD/RKD-ONS/Fotoarchiv
Friedländer).
Provenance:
The painting has an important provenance and is
already extensively documented in art literature:
Before 1930 private collection, Madrid (documented
by inscription on the back of a photograph of the
painting by as Max Jacob Friedländer).
Leo Blumenreich, Berlin (documented as above,
possibly Blumenreich obtained a photograph for
Friedländer).
Before 1930 Kunsthandel Thomas Harris, London
(as above).
Cubells private collection, Madrid.
Literature:
Listed and discussed in:
Max Jacob Friedländer, his photo archive.
Max Jacob Friedländer, Early Netherlandish painting,
vol. 8: Jan Gossart and Bernart van Orley, Leyden
1972, no. 106 c.
John David Farmer, van Orley of Brussels, Diss.
Princeton University 1981, p. 270ff. (there described
as circle of).
Furthermore:
Max Jacob Friedländer, Die Antwerpener Manieristen
von 1520, in: Jahrbuch der Preußischen Kunst sammlungen,
36, 1915.
Max Jacob Friedländer, Die altniederländische Malerei,
14 Bde., Berlin 1924-1937.
€ 40.000 - € 60.000
Sistrix
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33

94
GIOVANNI BELLINI,
1430 VENEDIG – 1516 EBENDA, WERKSTATT DES
MADONNA MIT DEM KIND
GIOVANNI BELLINI,
1430 VENICE – 1516 IBID., WORKSHOP OF
MADONNA AND CHILD
Öl auf Leinwand. Doubliert.
55,5 x 44,5 cm.
Goldrahmen im Frührenaissancestil.
Einige wesentliche Bildmotive bringen das Gemälde
in die Nähe eines Werkes von Bellini, das sich seit 1908
im Metropolitan Museum of Art in New York befindet.
Hier wie dort ist die Madonna im Halbbildnis mit dem
Kind vor einem roten Tuch gezeigt, das links einen Blick
in die Landschaft freigibt. In Bellinis Epoche hat ein
solches Vorhangtuch bereits die bis dahin noch übliche
Thronrückwand ersetzt. Auch in vorliegendem Gemälde
ist die Darstellung am Unterrand durch eine kurze
Brüstung abgeschlossen, hierauf liegt die linke Hand
der Maria mit einem kleinen Buch, einem Gebetbuch
auf. Kopf und Brust mit einem weißen Tuch bedeckt,
darüber ein grünes Manteltuch, wobei das Rot des
Kleides freigelassen bleibt. Der gesenkte Blick Mariens
ist auf das Kind gerichtet, das jedoch Blickkontakt mit
dem Bildbetrachter aufnimmt. Im Gegensatz zum New
Yorker Bild, das im Hintergrund eine Häusergruppe
zeigt, wird hier ein Fensterausblick über eine Flusslandschaft
geboten, mit kompaktem Wolkengebilde
auf blauem Himmelsgrund. Die Nimben nur sehr zart
angedeutet, in Form feiner, kaum wahrnehmbarer
Linien, wobei im Nimbus des Kindes die Kreuzform
einbezeichnet ist. Diese feinen Linien der Nimben entsprechen
auch der Malweise im genannten Beispiel
des Metropolitan-Museums. Der Unterschied der beiden
Bilder ist auch darin zu sehen, dass der Maler
des uns vorliegenden Bildes auf die damals sehr kostspielige
Verwendung von aus Lapislazuli hergestellter
Blaufarbe verzichten musste, was stattdessen die
Verwendung von Grün im Mantel erklärt. A.R.
(1350957) (3) (11)
Oil on canvas. Relined.
55.5 x 44.5 cm.
€ 20.000 - € 25.000
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35

95
MEISTER MIT DEM PAPAGEI,
Die Meisterbezeichnung ist ein Notname für eine
Gruppe von hochrangigen Malern, die um 1520 oder
1530 wahrscheinlich in Antwerpen ein gemeinsames
Atelier betrieben. Namensgebend für diese Gruppe
waren Marienbilder, auf denen ein Papagei zu sehen
ist. Stilverwandtschaft ist mit dem „Meister der weiblichen
Halbfiguren“ zu erkennen, aber auch mit Ambrosius
Benson oder Jean Bellegambe. Max Jacob
Friedländer schrieb auch eine Reihe von Damenbildnissen
diesem Malerkreis zu.
HÖFISCHES BILDNIS EINER DAME
NAMENS MAGDALENA
Öl auf Holz.
45 x 29 cm.
Verso altes Lacksiegel.
Das Gemälde aufgeführt im RKD-Bildarchiv unter der
Abbildungsnr.: 0000135233.
Das anmutig gemalte Mädchen, das hier im Halbbildnis
gegeben ist, lässt sich lediglich durch das auf dem
Pult stehende Deckelgefäß in Bezug zur biblischen
Magdalena sehen. Im Gegensatz zu sonst üblichen
Darstellungen dieser „Heiligen Sünderin“, mit lockerem
offenem Haar, ist die junge Gestalt höchst sittsam
gekleidet. Dies lässt zwingend annehmen, dass
es sich hier um ein Auftragsbildnis einer höhergestellten
jungen Dame mit dem Namen Magdalena handelt.
Das Attribut liefert also nur den Verweis auf die
Namenspatronin. Ihr gesellschaftlicher Rang ist an
der goldenen Halskette wie an den Fingerringen zu
ersehen. Ihre Bekleidung und die Kopfbedeckung, die
das Haar sehen lässt, zeigt sie als noch unverheiratet.
Die im Fensterausblick gezeigte
Schlossanlage ist demgemäß als der Wohnsitz der
Dargestellten zu sehen. Ihrem Rang gemäß hinterfängt
ein Baldachin-Lambrequin die Lesende, wobei
es sich bei dem Buch um ein Gebetbuch handeln
dürfte, was ihre Frömmigkeit andeuten soll. Sowohl
ihre Jugendlichkeit, als auch ihr Rang wird durch das
auffallend leuchtende Rot in der Kleidung erkennbar.
A.R.
MASTER WITH THE PARROT,
The artist’s name is a name of convenience for a group
of high-ranking painters who probably ran a joint workshop
in Antwerp in ca. 1520 or 1530.
COURTLY PORTRAIT OF A LADY NAMED MARY
MAGDALENE
Oil on panel.
45 x 29 cm.
Old lacquer seal on the reverse.
Recorded in the RKD database (ill. no. 0000135233).
Provenance:
Sotheby’s London, 10 July 2003, lot 108.
Notes:The painting was formerly titled:
Mary Magdalene Reading.
€ 25.000 - € 35.000
Sistrix
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Anmerkung:
Das Gemälde bisher geführt unter dem Titel: Maria
Magdalena bei der Lektüre.
Provenienz:
Sotheby´s, London, 10.07.2003, Lot 108.
(13514317) (11)
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96
CLAEIS GILLIS CLAEISSENS,
UM 1536 BRÜSSEL – UM 1605
BILDNIS EINES ADELIGEN HERRN
Öl auf Holz.
62,5 x 51 cm.
Beigegeben ein ausführlich dokumentiertes Gutachten
von Prof. Dr. Dr. hc Jan De Maere, Rambrouch,
vom 26.01.2023 mit Bildvergleichen und Literaturangaben.
Der Dargestellte im Dreiviertelbildnis richtet seinen
Blick auf den Betrachter in der stolzen Weise einer
höhergestellten Persönlichkeit. Sein kurzer schwarzer
Kinnbart, der steife Stehkragen und die weißen Rüschen
sind Ausdruck der Zeitmode. Obschon erkennbar,
dass das enganliegende Gewand in seidenglänzendem
Stoff gefertigt ist, mit gereihten Sticknähten
und der Knopfleiste, so steht diese Bekleidung doch
deutlich und bewusst in Nähe zu Harnisch-Darstellungen.
Am eng geschnürten Ledergürtel hängt das Lederband
des Schwertes, dessen Knauf die linke Hand
umfängt, während die Rechte einen Lederhandschuh
hält. Die Datierung (1563) am Oberrand hat sich als
etwas spätere Zutat erwiesen, wohingegen die Expertise
eine Entstehung des Bildes im Zeitraum von
1570/80 sieht.
Als Sohn des Historienmalers Pieter Claeissens d. Ä.
und Bruder zweier Maler und eines Goldschmieds
wurde der Künstler 1566 als Meister in die Lukasgilde
aufgenommen, noch immer in der Werkstatt seines
Vaters. 1589 wird er als Hofmaler des Alexander
Farnese genannt, der die Niederlande regierte. So
arbeitete er auch als Hofmaler für Albert VII von Österreich,
Generalgouverneur von Flandern. Anders als
sein Kollege Pieter Pourbus, der eher die die hochgestellte
Gesellschaft portraitierte, verlegte sich Claeissens
überwiegend auf Bildnisse höfischer Persönlichkeiten.
Dies erklärt auch die aristokratische Steifheit in
der Haltung seiner Portraits, was auch mit der Auffassung
der spanisch-höfischen Vorstellungen zusammengeht,
da sich der flämische Adel auch in der Mode
an Spanien und Frankreich orientiert hat. Erstmals
2007 konnten Portraits seiner Hand zugewiesen werden,
und erst 2015 ist ein monogrammiertes Bildnis
aufgetaucht,das die Zuweisung an Claeissens, erlaubte.
Der bräunliche Hintergrund hier im Bild ist typisches
Merkmal für die Bildnisse Claeissens. Das
Gemälde wurde früher Antonis Mor van Dashorst
(Moro) zugeschrieben. A.R.
Provenienz:
Chez Popoff, Paris, Juli 1935. (13514337) (11)
CLAEIS GILLIS CLAEISSENS,
CA. 1536 BRUSSELS – CA. 1605
PORTRAIT OF A NOBLEMAN
Oil on panel.
62.5 x 51 cm.
Accompanied by an extensive expert’s report by
Professor Dr Dr hc Jan De Maere, Rambrouch, dated
26 January 2023 with image comparisons and bibliography.
Provenance:
Chez Popoff, Paris, July 1935.
€ 22.000 - € 25.000
Sistrix
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97
TIBERIO TITI,
1573 FLORENZ – 1638
Tiberio Titi war Sohn des aus Borgo Sansepolcro
stammenden und in Florenz wirkenden Santi di Tito.
Tiberio war Schüler, später Gehilfe seines Vaters. Tiberio
Titi galt als Hofmaler der Medici, ein Posten, der
ihm 1621 von Justus Sustermans streitig gemacht
werden sollte.
PORTRAIT EINES EDELMANNES MIT BUCH
UND STUNDENGLAS
Öl auf Holz.
122 x 91 cm.
In breitem vergoldetem Rahmen.
Kniestück eines elegant gekleideten Herren, dessen
Figur als drahtig erscheinen mag. Während seine eine
Hand auf einem Tisch ruht, der vor einer durch eine
Lisene hervorgehobenen Wand ruht, hält die andere
Hand ein Buch. Ein weiteres literarisches Werk ist hinter
einem auf dem Tisch stehenden Stundenglas auszumachen,
der Blick des durch die Halskrause starren
Kopfes gilt dem Betrachter.
TIBERIO TITI,
1573 FLORENCE – 1638
PORTRAIT OF A NOBLEMAN WITH BOOK
AND HOURGLASS
Oil on panel.
122 x 91 cm.
Exhibitions:
The painting on offer for sale here was exhibited at:
Antichi Maestri del XIV al XVIII secolo, curated by
Giancarlo Sestieri, cat. no 2.
Literature:
Giancarlo Sestieri, Antichi Maestri dal XIV al XVIII
secolo, p. 18, cat. no. 2.
€ 50.000 - € 70.000
Sistrix
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Literatur:
Giancarlo Sestieri, Antichi Maestri dal XIV al XVIII
secolo, S. 18, Katalognr. 2.
Ausstellung:
Das hier angebotene Gemälde wurde ausgestellt in:
Antichi Maestri del XIV al XVIII secolo, kuratiert von
Giancarlo Sestieri, Katalognr. 2. (13411421) (13)
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98
ADRIAEN THOMASZ KEY D. J.,
UM 1544 ANTWERPEN – UM 1590, ZUG.
PORTRAIT EINES VORNEHMEN HERRN
MIT HALSKRAUSE
Öl auf Holz.
46,5 x 34 cm.
Rechts oben beschriftet „Aetatis LVI.“ und datiert
„1588 STERF.XX3.SEPTEE.“.
In breitem ebonisiertem Rahmen mit Goldornamenten.
Brustbildnis des Mannes nach rechts, in schwarzer
Kleidung und großer weißer Halskrause. Er hat dunkles,
leicht grau meliertes Haar und einen Vollbart, eine
große Nase und mit seinen leuchtenden braunen
Augen schaut er direkt aus dem Bild hinaus. Oben
links ein gemaltes Familienwappen mit bekrönendem
Rüstungshelm. Typisches Gemälde des für seine Portraits
bekannten Malers, der durch den dunkelbraunen
Hintergrund und den weißen Kragen besonders
das prägnante Gesicht des Gezeigten in den Vordergrund
stellt.
(1350373) (13)
ADRIAEN THOMASZ KEY THE YOUNGER,
CA. 1544 ANTWERP – CA. 1590, ATTRIBUTED
PORTRAIT OF AN ELEGANT GENTLEMAN WITH
RUFF COLLAR
Oil on panel.
46.5 x 34 cm.
Inscribed “Aetatis LVI.” top right and dated “1588
STERF.XX3.SEPTEE.”
€ 18.000 - € 25.000
Sistrix
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99
QUENTIN METSYS,
1466 LEUVEN – 1530 ANTWERPEN,
WERKSTATT DES
PIETÀ
Öl auf Holz. Parkettiert.
102 x 72 cm.
Verso mit alten Etiketten und Inv.Nr. „4083“.
In bronziertem Rahmen.
Wir danken Max Martens, Ghent, für freundliche Hinweise
zur Katalogisierung des Gemäldes.
Inmitten einer hügeligen Landschaft, in der Christus
vom Kreuz abgenommen worden ist, hält Maria den
Leichnam ihres Sohnes, der eine aufsteigende Diagonale
beschreibt. Die Darstellung ist in mehreren Versionen
bekannt, wobei hier Metsys selbst die Aufsicht
über die Ausführung in der Werkstatt geführt
haben mag.
QUENTIN METSYS,
1466 LEUVEN - 1530 ANTWERP,
WORKSHOP OF
PIETÀ
Oil on panel. Parquetted.
102 x 72 cm.
We would like to thank Max Martens, Ghent, for his
kind advice.
Provenance:
National Museum, Sydney, Australia.
Auction, Lawson’s Auctioneers, Sydney 1958 (probably
for 90 gns). Robert Neumann collection, Sydney.
€ 35.000 - € 55.000
Sistrix
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Provenienz:
National Museum, Sydney, Australien.
Auktion, Lawson’s Auctioneers, Sydney 1958.
Sammlung Robert Neumann, Sydney.
Anmerkung:
Eine Pietà, die ebenfalls als Werkstattarbeit anerkannt
ist, wird unter der Inv.Nr. 4705 im Museum für Schöne
Künste in Brüssel verwahrt.
(13514325) (13)
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100
JAN VAN SCOREL,
1495 SCHOORL – 1562 UTRECHT, ZUG.
MADONNA MIT DEM KIND
Öl auf Holz.
67,5 x 51 cm.
Oben bogig geschlossen.
Maria ist hier nach links sitzend vor einer dunklen
Rückwand gezeigt. Der Raum ist durch einen kräftigen
Pilaster mit davor stehender gebrochener Säule
gegliedert, rechts dahinter Ausblick in Landschaft mit
Berggipfel, Häusern im Licht sowie kleinformatig der
Gestalt des Heiligen Josef mit einem Esel. Das Kind
greift an den Kleidersaum der Mutter, beide blicken
zueinander. Rechts im Bild, auf einer Marmorplatte
abgelegt, ein Glasbecher, daneben Kirschen, Blätter
und Maiglöckchenblüten, sämtlich mit Symbolik behaftet,
wie auch die gebrochenen Säulen auf das Alte
Testament verweisen. Überhalb des Hauptes des
Maria ein gerahmtes Ovalgemälde mit Landschaftsdarstellung.
Der Maler war Schüler des Jacob Cornelis Buys d. Ä.
In Amsterdam wirkte er zusammen mit Jacob Cornelisz
van Oostsanen (um 1470-1533). Auf Reisen Weiterbildung
in Nürnberg und Italien, 1522 bis 1523 in
Rom. Nach Utrecht kehrte er anschließend zurück,
ging später nach Haarlem. Sein Einfluss aus Italien
und von der Malerei Dürers ist in seinen Bildern erkennbar.
A.R.
JAN VAN SCOREL,
1495 SCHOORL – 1562 UTRECHT, ATTRIBUTED
MADONNA AND CHILD
Oil on panel.
67.5 x 51 cm.
Literature:
Discussed and illustrated in the documentary report:
R. van Elslande, 15. en 16.- eeuwse Vlaamse schilderijen
in Waas privé-bezit, in: Annalen van de Koninklijke
Oudheidkundige Kring van het Land van Waas,
Deel 113, with subtitle:
Jan van Scorel, Madonna met Kind, Sinaai,
Privé-Bezit. With illustration p. 24.
€ 26.000 - € 30.000
Sistrix
INFO | BID
Provenienz:
Belgische Privatsammlung, Sinaai.
Literatur:
Besprochen und abgebildet in der Dokumentation:
Rudy van Elslande, 15e en 16e-eeuwse Vlaamse
schilderijen in Waas privé-bezit, Nachdruck aus:
Annalen van de Koninklijke Oudheidkundige Kring
van het Land van Waas, Sint-Niklaas 2010, mit
Zwischentitel: Jan van Scorel: „Madonna met Kind“,
Sinaai, Privé-Bezit, mit Abb. S. 24.
(13514335) (11)
Detailabbildung
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101
MARCELLUS COFFERMANS,
1520/ 30 ANTWERPEN – UM 1578 EBENDA,
ZUG./ KREIS DES
Gemäldepaar
DIE GEBURT CHRISTI
sowie
SAMUEL ALS RICHTER
Öl auf Holz.
14 x 9 cm und 13,5 x 9,5 cm.
Auf dem zweiten Gemälde bezeichnet „.z.Samuelis..“
Je in teilvergoldetem Holzrahmen.
Das erste Gemälde zeigt in einem stallartigen Innenraum
die Geburt Christi: auf einem steinernen Block,
von dem zwei weitere Teile auf dem Boden liegen, ein
kleinerer Holzblock auf dem Stroh liegt und darauf auf
einem weissen Laken das nackte neugeborene Jesuskind.
Rechts von ihm die kniende Maria in langem
roten Gewand mit blauem Mantel, die Hände behutsam
zusammengelegt und liebevoll auf das Kind herabschauend.
Hinter ihr der stehende Josef mit leuchtend
rotem Mantel in seiner linken Hand einen Stock
haltend. Linksseitig und hinter dem Jesuskind Engel
mit großen Flügeln in farbenfrohen Gewändern. Im
Hintergrund des Stalles sind Ochs und Esel zu erkennen.
Durch die Fenster und die Tür fällt der Blick auf
eine Landschaft mit Hirten und ihren Schafen, denen
gerade in einem hellen, vom Himmel herabfallenden
Lichtstrahl ein schwebender Engel erscheint, der ihnen
die Geburt Christi verkündet. Das zweite Gemälde
zeigt in einem Saal den auf einem Thron sitzenden
Samuel in prachtvollem goldenen, besticktem Gewand,
um über einen vor ihm stehenden Mann und
einen Soldaten zu urteilen. Im Hintergrund vor landschaftlichem
Ausblick eine Vielzahl an Männern in
langen Gewändern, die der Urteilssprechung beiwohnen.
Im Vordergrund zudem ein stehender Mann mit
roter, geschlitzter Jacke, einen am Boden sitzenden
weißen Hund an der Leine haltend. Vielfigurige qualitätvolle
Malerei, die Figuren mit feinen Gesichtern
und teils prachtvollen farbigen Kostümen.
Provenienz:
P. de Boer, Amsterdam.
Privatsammlung Monaco.
Anmerkung:
Coffermans, der seit 1539 Meister in der Antwerpener
Malergilde war, interessierte sich nicht für den
italienischen Manierismus seiner Zeit, sondern ließ
sich vor allem von den Werken der Künstler inspirieren,
die zwei oder drei Generationen vor ihm tätig
waren. Seine Darstellung der Geburt Christi ist ausgesprochen
traditionell. (1302163) (18)
MARCELLUS COFFERMANS,
1520/ 30 ANTWERP – CA. 1578 IBID.,
ATTRIBUTED/ CIRCLE OF
Pair of paintings
THE BIRTH OF CHRIST
and
SAMUEL AS A JUDGE
Oil on panel.
14 x 9 cm and 13.5 x 9.5 cm.
On the second painting inscribed “.z.Samuelis..”
Provenance:
P. de Boer, Amsterdam.
Private collection Monaco.
€ 60.000 - € 100.000
Sistrix
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102
PIETRO DE LIGNIS,
AUCH GENANNT „PIETER VAN DEN HOUTE“,
UM 1577 MECHELEN – 1627 ROM
DIE HEILIGE MARGARETA ZU PFERD
ÜBER EINEM DRACHEN
Öl auf Kupfer.
70 x 55,5 cm.
Links unten signiert „...RO DE LIGNIS / FIAMENGO
/ 1616“.
In Original vergoldetem Barockrahmen.
Die Darstellung geht auf Legenden zurück, wonach die
Heilige Margareta von Antiochien im 4. Jahrhundert
teils visionär, teils symbolisch mit einem Drachen in
Zusammenhang gesehen wird, in verschiedenen Versionen
überliefert. Dabei ist in diesem Drachen jener
Herrscher gemeint, dem sie als Märtyrerin zum Opfer
fiel. Die Symbolik der Darstellung entspricht auch den
Auffassungen des Manierismus, den der Maler während
seines Aufenthaltes in Rom aufnahm. Die Heilige,
auf einem Schimmel im Damensitz reitend, beherrscht
das Zentrum der Komposition. Die Vorderhufe
treten auf den am Boden sich windenden Drachen,
rechts folgen zwei Frauengestalten der Reiterin,
während links von einer Festung oben herabziehende
Reiter und Soldaten zu sehen sind, die im Zusammenhang
mit der Legendenschilderung stehen. Die männliche
Gestalt mit Stab, die zur Heiligen aufblickt, ist
schwer zu deuten, was - wie auch die weiteren Bildinhalte
- darauf schließen lässt, dass hier eine vertiefte
und erweiterte Legendendarstellung vorliegt.
Die linke Bildseite wird vom Repoussoir in Form eines
hochziehenden Baumstammes beherrscht, dessen
Ast über die Oberseite der Bilddarstellung zieht.
Rechts im Hintergrund eine im Tal liegende Stadtanlage
mit Wehrtürmen und zentralem Kastell. A. R.
Anmerkung 1:
Der Maler wurde 1607 Mitglied der Accademia di
San Luca in Rom, wo er engen Kontakt mit Adam
Elsheimer unterhielt, was sich auch in beider Stil
feststellen lässt.
Wie auch die weiteren bekannt gewordenen Werke
des Malers, ist auch diese Darstellung auf Kupfer
gemalt. Eine inhaltsgleiche Version zeigt die Heilige
ohne Strahlennimbus, der, wie die Signatur links
unten, in Muschelgold aufgesetzt ist.
Anmerkung 2:
Ein weiteres signiertes Werk des Künstlers „Die
Anbetung der Heiligen Drei Könige“ findet sich im
Museo del Prado, Madrid.
Literatur:
Abgebildet in: Didier Bodart, Il Dipingere di Fiandra,
Rom 1999, S. 140-141. (1350341) (11)
PIETRO DE LIGNIS,
ALSO KNOWN AS “PIETER VAN DEN HOUTE”
CA. 1577 MECHELEN – 1627 ROME
SAINT MARGARET TRAMPLES THE DRAGON
Oil on copper.
70 x 55.5 cm.
Signed “...RO DE LIGNIS / FIAMENGO / 1616”
lower left.
The depiction is based on legends, according to which
the 4th century Saint Margaret of Antioch is seen in
connection with a dragon, partly visionary, partly symbolically,
recorded in different versions. This dragon
refers to the ruler to whom she fell victim as a martyr.
Notes 1:
The painter became a member of the Accademia di
San Luca in Rome in 1607, where he was in close
contact with Adam Elsheimer, which can also be
seen in both their painting styles.
Notes 2:
Another signed work by the artist The Adoration of
the Magi is held at Museo del Prado, Madrid.
Literature:
Ill. in: Didier Bodart, Il Dipingere di Fiandra, Rome
1999, pp. 140-141.
€ 50.000 - € 60.000
Sistrix
INFO | BID
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103
MEISTER DER OBERITALIENISCHEN/ VENEZIANI-
SCHEN SCHULE DES 17. JAHRHUNDERTS
DIE HEILIGE FAMILIE MIT DEM JOHANNESKNABEN
Öl auf Holz.
64 x 50 cm.
Verso runder Brandstempel in Form eines Kranzes mit
den Inizialen „GT“.
Im venezianischen Rahmen.
Die Figuren dicht gedrängt und nahe an den Bildbetrachter
herangeführt. Die Körperhaltungen bewegt,
paarweise jeweils einander zugewandt; so richtet
Maria das Gesicht nach rechts auf einen Zweig, der
ihr von Josef gereicht wird, während die beiden kindlichen
Figuren Jesus und Johannes ebenfalls wie
spielerisch an einander umarmen, während Johannes
gleichzeitig den Arm um das Lamm in der linken unteren
Ecke legt. Der Zweig, den Josef reicht, dürfte wohl
für das Lamm bestimmt sein.
Es fällt eine kompositionell dominierende diagonale
Ordnung im Bild auf, die von links unten nach rechts
oben verläuft und für die Darstellung von Bäumen
und Landschaft die linke Bildecke freigibt. Eine ähnliche
Komposition zeigt das Gemälde desselben
Themas von Antonio da Correggio „Madonna della
Scodella“ (Galleria nazionale di Parma). Das gelbliche
Spätlicht und die gesamte Farbgebung des Bildes
lassen den Malstil Oberitaliens erkennen. Dies gilt
auch für die Gesichter, wie für die Körperhaltungen.
Das Gemälde von hoher Meisterschaft. Der Maler
gab dem Gesicht der Maria nicht die übliche idealisierend-schönende
Anmutung, sondern den Ausdruck
eines aus dem Volk genommenen Modells. Venezianische
Maler wie Tizian und Veronese und die Malerei in
Parma dürften hier stilistisch einflussgebend gewesen
sein. A.R.
(1350831) (11)
SCHOOL OF UPPER ITALY/ VENICE,
17TH CENTURY
THE HOLY FAMILY WITH SAINT JOHN THE BAPTIST
Oil on panel.
64 x 50 cm.
Round brand stamp in the shape of a wreath with
initials “GT” on the reverse.
€ 18.000 - € 20.000
Sistrix
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104
SPANISCHE SCHULE DES 16. JAHRHUNDERTS
ECCE HOMO
SPANISH SCHOOL OF THE 16TH CENTURY
ECCE HOMO
Öl auf Holz.
50,5 x 38 cm.
In vergoldetem mit Blattwerk verziertem Rahmen.
Halbfiguriges Bildnis des gepeinigten Christus mit
nach rechts gewandten glasigen Augen und Dornenkranz,
der mit dem Kreuznimbus dahinter kontrastiert,
in seinen über Kreuz gelegten Händen ein Schilfrohr
als Zepter. Die Vorweisung Jesu durch Pilatus wird
ausschließlich im Johannes Evangelium (Jo 19,4-5)
überliefert.
(1351021) (2) (13)
Oil on panel.
50.5 x 38 cm.
€ 35.000 - € 45.000
Sistrix
INFO | BID
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105
JUSEPE DE RIBERA,
1588/91 JÁTIVA, VALENCIA – 1652 NEAPEL, ZUG.
CHRISTUS VOR DER KREUZIGUNG
Öl auf Leinwand.
234 x 180 cm.
Das großformatige Altarblatt gibt die Szenerie in hoher
Dramatik wieder, dies vor allem durch den betonten
Hell-Dunkel-Kontrast. Jesus, nur mit einem Lendentuch
bekleidet und hell erleuchtet, erhält besonderes
Augenmerk vor dem dunklen Hintergrund und den
verschattet wiedergegebenen Begleitfiguren. Jesus
ist hier nach links sitzend wiedergegeben, die Beine
parallel gestellt, in einer Z-förmigen Haltung, die
durch den linken Arm nach rechts oben weitergeführt
wird. Das rechte Handgelenk trägt noch das Fesselseil,
während der linke Oberarm von einem dahinterstehenden
Mann hochgehalten wird. Der Blick Jesu
ist mehr fragend als leidend nach oben gerichtet, augenscheinlich
um noch einen rettenden Hinweis von
Gottvater zu erhalten. Drei Figuren an der linken Bildseite,
darunter ein stehender Römer in Rüstung sowie
ein Knecht, der bereits eine Holzbohrung am
Kreuz vornimmt. Diese erfahren die Beleuchtung
ebenso von links oben. Entgegen dem Ernst der Darstellung
und entgegen der Gesichter der handelnden
Figuren erscheint der Jüngling rechts hier lachend,
was der Szenerie insgesamt besondere Brisanz gibt.
Der Maler hat ganz offensichtlich den Unverstand des
Jünglings hier zum Ausdruck bringen wollen. Höchst
durchdachte Komposition, qualitätvolle Ausführung.
(1340751) (11)
JUSEPE DE RIBERA,
1588/91 XÀTIVA/ VALENCIA – 1652 NAPLES,
ATTRIBUTED
CHRIST BEFORE CRUCIFIXION
Oil on canvas.
234 x 180 cm.
€ 28.000 - € 35.000
Sistrix
INFO | BID
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106
SALVATOR ROSA,
1615 NEAPEL – 1673 ROM
ALLEGORIE DER KÜNSTE
Öl auf Leinwand. Doubliert.
132 x 95 cm.
Mittig unten auf Büste monogrammiert „S.R.“.
In dekorativem vergoldetem Rahmen.
Beigegeben eine Expertise von Prof. Riccardo Lattuada.
Das Gemälde in starkem Hell-Dunkel ausgeführt zeigt
im Zentrum das Halbportrait eines alten Mannes mit
grauen Haaren, auf denen ein Lorbeerkranz ruht. Er
hat einen grauen Vollbart sowie Gesichtsfalten und
mit seinen wachen dunklen Augen, von denen das
linke verschattet liegt, blickt er aufmerksam aus dem
Gemälde heraus bei leicht geöffnetem Mund. Er
möchte wohl auf das in seiner linken Hand liegende
Buch hinweisen, auf das er zusätzlich mit seiner ausgestreckten
rechten Hand zeigt. Zudem trägt er ein
einfaches braunes Gewand mit weitem Ausschnitt.
Mittig vor ihm liegend der Kopf einer Büste, daneben
ein Notenheft und eine Malerpalette mit Pinseln, ein
Kerzenständer mit erloschener Kerze und ein Schädel
sowie schließlich drei große aufeinandergestapelte
Bücher, auf denen zuoberst ein braunes Tintenfass
mit Federkiel steht. Die dargestellten Objekte sowie
der Mann selbst für die Allegorie der Künste stehend,
für Malerei, Dichtkunst, Bildhauerei, Architektur und
Musik. Der Kerzenleuchter und der Schädel wohl
gleichzeitig Vanitasobjekte. Besonders markant ist
auch die effektvolle Beleuchtung, die von links oben
aus nicht sichtbarer Quelle auf die rechte Gesichtshälfte,
den oberen Brustbereich und die Hände des
Mannes fällt. Die Darstellung verweist stark auf den
Realismus, der auch im übrigen Werk von Salvator
Rosa zu erkennen ist. Deutlich ist hier der Malstil seines
Lehrers Jusepe de Ribera (1591-1652) erkennbar,
nicht allein in der vorgeführten Farbigkeit, sondern
auch an dem bewegten Gesichtsausdruck und der
deutlichen Gestik des alten Mannes.
SALVATOR ROSA,
1615 NAPLES – 1673 ROME
ALLEGORY OF THE ARTS
Oil on canvas. Relined.
132 x 95 cm.
Monogrammed “S.R.” at centre beneath her breasts.
Accompanied by an expert’s report by Prof Riccardo
Lattuada.
€ 180.000 - € 200.000 (†)
Sistrix
INFO | BID
Anmerkung:
Salvator Rosa war ein italienischer Zeichner, Maler
und Dichter. Zu seinen Darstellungen gehörten,
neben Landschaften auch philosophische Allegorie
und Historien. Er studierte klassische Literatur, Poesie
und Musik und gelangte 1631/32 in das Haus des
Malers Jusepe de Ribera. Nach Aufenthalten in Neapel
und Rom folgte er 1640 dem Ruf des Herzogs Giancarlo
de Medici (1611-1663) nach Florenz, an dessen
Hof er hohes Ansehen genoss.
(1351708) (18)
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107
GIOVANNI CARIANI,
UM 1485 SAN GIOVANNI/ BIANCO – 1547 VENEDIG,
ZUG.
Eigentlich Giovanni Busi, venezianischer Maler, erstmals
1509 erwähnt, dessen Werk eindeutig Einfluss
von Giovanni Bellini, Palma il Vecchio und Lorenzo
Lotto zeigt. Später Hinwendung zu Giorgione, Tizian
und Dosso Dossi.
DAS WUNDER DES EIFERSÜCHTIGEN EHEMANNS
Öl auf Leinwand. Doubliert.
69 x 58 cm.
In Prunkrahmen.
Das vorliegende Gemälde geht auf ein gleichnamiges
Fresko von Tizian zurück, datierbar auf 1511 und Teil
des Zyklus der „Wunder des Heiligen Antonius von
Padua“ in der Scuola del Santo in Padua.
Das Gemälde zeigt die Geschichte einer Frau, die zu
Unrecht des Ehebruchs beschuldigt und von ihrem eifersüchtigen
Ehemann erstochen wird. Im Zentrum
der Ehemann in wertvollem, glänzendem, rot-weiß
gestreiftem Gewand mit roten Schuhen hat seinen
rechten Arm mit dem Dolch erhoben, um auf die am
Boden zusammengesunkene und bereits verwundete
Frau erneut einzustechen. Die am Boden Liegende, in
einem gelbgold und weiß glänzendem Kleid mit langen
blonden Haaren hat voller Dramatik ihren rechten
Arm erhoben, um den Stich abzuwehren. Eine weitere
kleinere Darstellung zeigt sich im rechten Hintergrund
in der Nähe eines Hauses: Der durch
seine rot-weiße Kleidung gekennzeichnete Ehemann
kniend vor dem Heiligen Antonius und seinen zwei
Begleitern, als er die Wahrheit herausgefunden hat
und den Heiligen um Vergebung bittet, welcher die
Frau daraufhin auferweckt.
Die Darstellung ist höchst realistisch und glaubwürdig,
frei von Hinweisen auf das wundersame Ereignis
wie göttliche oder übernatürliche Erscheinungen. Erzählerische
Darstellung in harmonischer Landschaft,
sodass der Schwerpunkt auf dem drastischen Geschehen
liegt, nicht zuletzt besonders betont durch
die Kleidung der beiden Hauptfiguren.
Literatur:
Rodolfo Pallucchini, Francesco Rossi, Giovanni Cariani,
Bergamo 1983, Text und Abbildung A62.
Gian Alberto Dell'Acqua, I pittori bergamaschi dal XIII
al XIX secolo. Il Cinquecento, Bd. 1, Bergamo 1975,
S. 292, Nr. 54, S. 302, Abb. Nr. 3.
(1341142) (18)
GIOVANNI CARIANI,
1485/ 90 SAN GIOVANNI/ BIANCO – 1547 VENICE,
ATTRIBUTED
THE MIRACLE OF THE JEALOUS HUSBAND
Oil on canvas. Relined.
69 x 58 cm.
The present painting is based on a fresco of the same
name by Titian, datable to 1511 and part of the cycle
of The Miracles of Saint Anthony of Padua in the Scuola
del Santo in Padua.
Literature:
Rudolfo Aluccini, F. Rossi, Giovanni Cariani, Editione
Promossa dal Credito Bergamasco 1983, text and
ill. A62.
Gian Alberto Dell’Acqua, I pittori bergamaschi dal XIII
al XIX secolo. Il Cinquecento, vol. 1, Bergamo 1980,
p. 292, no. 54, p. 302, ill. no. 3.
€ 30.000 - € 50.000
Sistrix
INFO | BID
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108
GIAMPETRINO,
EIGENTLICH GIOVANNI PIETRO RIZZOLI,
AKTIV 1495 – 1540
MARIA MAGDALENA
Öl auf Holz. Doubliert.
71,1 x 53 cm.
Verso vier Wachssiegel und zwei Papieretiketten.
In teilvergoldetem Prunkrahmen.
Die Heilige Maria Magdalena ist im Dreiviertelbildnis
wiedergegeben, steht nach rechts vor einer aus mehreren
Steinplatten aufeinanderliegenden Wand an
einem Felsentisch und hält die Arme vor der Brust
überkreuzt, während ihr langes Lockenhaar den nackten
Oberkörper bedeckt. Der Blick ist demütig seitlich
in die obere Ecke gerichtet, jedoch in nicht eindeutiger
Weise. Auf dem Stein stehend das grausilberne Salbgefäß
mit Deckel.
Das Gemälde weist, wie viele Maler im Kreis um und
nach Leonardo da Vinci, auch dessen entsprechende
stilistischen Merkmale auf. Auch gibt es Gemälde mit
fast identischem Motiv, die die Zusammenarbeit beider
Maler belegen, so das Werk der „Santa Maria
Magdalena“, Öl auf Holz, ausgeführt 1515-1520 von
Leonardo da Vinci und Rizzoli, das sich in der Kathedrale
von Burgos, Spanien, befindet; bei diesem Werk
blickt die Heilige jedoch nach oben aus dem Bild heraus.
Provenienz:
Laut Cristina Geddo, die das Gemälde 2009 veröffentlicht
hat, wies ein früher auf der Rückseite der Tafel
befindliches Etikett auf die Herkunft aus einer Gallerie
eines Grafen in Mailand hin, das 1814-1820 zum
Verkauf angeboten wurde.
Das hier vorliegende Gemälde wurde bei Christie´s
New York am 30. Januar 2013 zur Versteigerung angeboten
mit der Lot-Nr. 116.
Anmerkung:
Der Künstler war ein Maler der lombardischen Schule
und des Leonardo-Kreises. Er hat zahlreiche Vorlagen
Leonardos adaptiert, aber auch eigene Kompositionen
hinterlassen. Viele Bilder sind in mehreren Fassungen
erhalten geblieben.
Literatur:
Cristina Geddo: Una nuova „Maddalena“ del Gianpietrino,
in: Il più dolce lavorare che sia; Cinisello Balsamo
2009, S. 291 - 297. (13200123) (18)
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GIAMPETRINO,
ACTUALLY GIOVANNI PIETRO RIZZOLI,
ACTIVE 1495 - 1540
SAINT MARY MAGDALENE
Oil on panel. Relined.
71.1 x 53 cm.
Four wax seals and two paper labels on the reverse.
Like many painters in the circle of Leonardi da Vinci
and later followers, the painting also shows his respective
stylistic features. There are also paintings
with almost identical subjects that show the collaboration
of the two painters, such as Saint Mary Magdalene,
oil on panel, painted 1515 - 1520 by Leonardo da
Vinci and Rizzoli in the Cathedral of Burgos, Spain; in
this work, however, the Saint is looking up and out
of the painting.
Provenance:
According to Cristina Geddo, who published the
painting in 2009, a label formerly on the back of the
panel indicated its provenance from a count’s gallery
in Milan, put up for sale in 1814 - 1820. The present
painting was offered for sale at Christie’s New York
on 30 January 2013 under lot 116.
Literature:
Cristina Geddo, Una nuova “Maddalena” del Gianpietrino,
in: Il più dolce lavorare che sia; Cinisello
Balsamo 2009, pp. 291-297.
€ 180.000 - € 250.000
Sistrix
INFO | BID
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Detailabbildungen des Gemäldes sowie rückseitige Wachssiegel.

109
AGOSTINO SCILLA,
1629 MESSINA – 1700 ROM
HOMER
Öl auf Leinwand. Doubliert.
120 x 99 cm.
In profiliertem teilvergoldetem Rahmen.
Vor weitgehend unbestimmter in mystisches Dunkel
gehüllter Hintergrundfolie das Hüftportrait eines sitzenden
alten Mannes mit weißem Bart und Lorbeerkranz.
Die rechte Hand liegt auf einem geschlossenen Buch
mit Inschrift. Scilla studierte zunächst bei Antonio
Barbalonga (1600-1649), dann in Rom in der Werkstatt
von Andrea Sacchi (1599-1661). Bekannt ist der Maler
u.a. auch für seine Deckenfresken von 1657 in der
Kapelle der Kathedrale von Syrakus, die als sein Hauptwerk
gelten. 1679 wurde er Mitglied der Accademia
di San Luca in Rom. Dass Scilla nicht nur als Maler,
sondern auch als Forscher, Paläontologe und Geologe
ein Pionier in der Erforschung von Fossilien war, erklärt
auch seine Vorliebe auf dem hier vorliegenden
Gemälde gewählten Motiv.
Zu den Werken seiner Hand gehört neben Fresken in
Kirchengebäuden, u.a. die Darstellung des Heiligen
Benedikt im Museo Regionale di Messina. Der Maler
war auch als wissenschaftlicher Literat tätig und veröffentlichte
einige Werke wie „La vana speculazione
disingannata dal senso“, herausgegeben von Andrea
Colicchia, Neapel 1670, sowie „De corporibus marinis
lapidescentibus quae defossa reperiuntur“, Rom 1747.
Nach dem Maler und Forscher wurde der Dorsum
Scilla auf dem Erdmond benannt.
AGOSTINO SCILLA,
1629 MESSINA – 1700 ROME
HOMER
Oil on canvas. Relined.
120 x 99 cm.
Literature:
The painting on offer for sale in this lot is illustrated
and discussed at length in: Viviana Farina (ed.), Artemisia
e i pittori del conte. La collezione di Giangirolamo
II Acquaviva d’Aragona, exhibition catalogue,
Castello e Chiesa di San Giuseppe, Conversano,
14 April - 30 September 2018, cat. no. 13, p. 208ff.
€ 50.000 - € 70.000
Sistrix
INFO | BID
Anmerkung:
Vergleichbare Darstellungen des Agostino Scilla werden
im Palazzo Graneri della Rocca in Turin „Epikur und
Heraklit“ verwahrt.
Literatur:
Das hier angebotene Gemälde ist abgebildet und ausführlich
besprochen in: Viviana Farina (Hrsg.), Artemisia
e i pittori del conte. La collezione di Giangirolamo II
Acquaviva d´Aragona, Ausstellungskatalog, Castello,
Conversano, 14. April-30. September 2018, Chiesa di
San Giuseppe, Conversano, 14. April-30. September
2018, Cava De´ Tirreni 2018, Katalognr. 13, S. 208 ff.
(1350131) (13)
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110
GIUSEPPE ANTONIO PETRINI,
1677 CARONA – 1758
Der Maler war Sohn eines Bildhauers und laut den
Quellen ein Schüler des genueser Malers Bartolomeo
Guidobono (1654-1709). Er ließ sich allerdings auch von
Werken des Andrea Pozzo (1642-1709) inspirieren.
Werke seiner Hand finden sich in mehreren Kirchen
im Piemont, so etwa in San Maurizio in Pinerolo. Ende
der 1730er-Jahre ist eine starke Entwicklung hin zum
Rokoko-Stil zu erkennen, wie seine „Allegorien der
Jahreszeiten“ (Kunstmuseum Lugano) beweisen.
BILDNIS DES HEILIGEN PETRUS
GIUSEPPE ANTONIO PETRINI,
1677 CARONA – 1758
PORTRAIT OF SAINT PETER
Oil on canvas.
75.5 x 63 cm.
Accompanied by an expert’s report by Professor
Giancarlo Sestieri, Rome, 19 October 2018, in copy.
€ 18.000 - € 20.000
Sistrix
INFO | BID
Öl auf Leinwand.
75,5 x 63 cm.
Gerahmt.
Beigegeben eine Expertise von Prof. Giancarlo
Sestieri, Rom, 19. Oktober 2018, in Kopie.
Der Apostel in Halbfigur, mit nach oben gerichtetem
Blick. Die Schulter vom blauen Hemd entblößt, über
dem Arm liegt ein braunes Manteltuch. In der Hand
hält er die „Schlüssel zum Paradies“, die ihn attributiv
kenntlich machen. Das bärtige Gesicht zeigt die bittende
Reue wegen seiner im Bibelbericht geschilderten
Verleumdung Christi. Die Malweise lässt augenblicklich
die Pinselhandschrift Petrinis erkennen.
Der aus dem Tessin gebürtige Maler zählt zu den norditalienisch-lombardischen
Künstlern des Spätbarocks,
der möglicherweise nach 1700 in Turin mit Bartolomeo
Guidobono (1654-1709) in Verbindung stand, und zwischen
1711 und 1753 mit Arbeiten in seiner Heimatstadt
nachgewiesen ist. Werke seiner Hand fanden
sich überwiegend in den Gegenden Como, Bergamo
und Lugano. Weitere Darstellungen mit dem Heiligen
Petrus befinden sich in der Kirche von Dubino sowie
in einer Privatsammlung in Montagnola. 1991 wurde
in der Villa Malpensata in Lugano eine Ausstellung mit
seinen Werken veranstaltet. A.R.
Provenienz
Sammlung Luigi Koeliker – Koetser.
Verso Sammlungsnummer 858.
Literatur:
Vgl. Ausstellungskatalog, kuratiert von R. Chappini,
Electa 1991. (13513013) (11)
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111
GIACINTO BRANDI,
1621 – 1691 ROM
SCHLAFENDER EROS
Öl auf Leinwand. Doubliert.
153 x 121 cm.
Um 1660.
In ebonisiertem Rahmen.
Beigegeben ein Gutachten von Alessandro Agresti,
Rom, 28.02.2023, in Kopie. Agresti ordnet das Gemälde
in die Zeit zwischen 1650 und 1660 ein. Er bezeichnet
das vorliegende Gemälde als ein Meisterwerk des
Künstlers in hervorragendem Zustand.
Inmitten eines angedeuteten, jedoch abgedunkelten
Innenraums die nach rechts gerichtete geflügelte,
hell beleuchtete Figur des schlafenden Eros. Ein Putto
wendet sich dem Betrachter zu und fordert zum
Schweigen auf. Hier im scharfen Chiaroscuro-Kontrast
des zu der Zeit vorherrschenden Caravaggismus.
GIACINTO BRANDI,
1621 – 1691 ROME
SLEEPING EROS
Oil on canvas. Relined.
153 x 121 cm.
Circa 1660.
In ebonized frame.
Accompanied by an expert report by Alessandro
Agresti, Rome, 28 February 2023, in copy. Agresti
places the painting in the period between 1650 and
1660. He describes the present painting as a masterpiece
of the artist in excellent condition.
€ 20.000 - € 30.000
Sistrix
INFO | BID
Literatur:
Vgl. G. Serafinelli, Giacinto Brandi, 2 Bände, Torino
2015.
Vgl. A. Pampalone, II „peccato filosofico „di Pietro
Gabrielli: l‘arte fra mito e realtà a Palazzo Taverna
nei dipinti di G. Brandi, D. Seiter, Ph. P. Roos, B.
Lam berti, Rom 2016.
Vgl. A. Bacchi, Il contributo di Federico Zeri alla
conoscenza della scuola di Lanfranco (Giacinto
Brandi, Giovanni Battista Beinaschi e François
Perrier), in: Federico Zeri, herausgegeben von
A. Bacchi, D. Benati, A. De Marchi, A. Galli, M.
Natale, Bologna 2019, S. 525-543.
Vgl. E. Ghetti, Giovanni Battista Berneschi in Romagna:
con una proposta per Cristoforo Saviolini e altri
inediti del fossanese e di Giacinto Brandi, in „Romagna
arte e storia“, 116, 2020, S. 19-32.
Vgl. F. Petrucci, I „tenebristi“ romani e il Cavalier
Beinaschi: considerazioni generali e qualche novità,
in Barocco in chiaroscuro, a cura di A. Cosma, Y.
Primarosa, Mailand 2020, S. 104-121.
Vgl. S. Papetti, Gli apparati barocchi della chiesa di
Sant‘Angelo Magno ad Ascoli Piceno: un‘opera inedita
di Giacinto Brandi, in Il patrimonio storico-artistico
e culturale dell‘area picena dopo il sisma del 2016,
herausgegeben von M. d‘Attanasio, S. Maddalo,
Rom 2016, S. 131-141. (1351891) (13)
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112
BARTOLOMEO GUIDOBONO,
AUCH GENANNT „IL PRETE DI SAVONA“,
1654 SAVONA – 1709 TURIN
BACCHANAL
Öl auf Leinwand. Doubliert.
120 x 110 cm.
In vergoldetem Profilrahmen.
Inmitten einer Lichtung sind Architekturfragmente der
klassischen Antike zu sehen, die von Figuren in herrlich
frischer Polychromität erstrahlen. Diagonal ausgerichtete
Gliedmaßen, die von links unten nach rechts oben
und rechts unten nach links oben ziehen, und bezeichnet
werden durch Satyren und Nymphen, deren
blumengeschmückte Häupter neben wertvoll glänzenden
Metallgefäßen ruhen. Ein Gemäldepaar mit Putti
in der Sammlung Berwick in Attingham Park ist mit
unserem Gemälde auch hinsichtlich der feingliedrigen
Blüten vergleichbar (Vergleichsabb.).
Literatur:
Das hier angebotene Gemälde ist publiziert in: Anna
Orlando (Hrsg.), Uomini e dei. Il '600 genovese dei
collezionisti, Ausstellungskatalog, Palazzo della
Meridiana, 19. Februar-5. Juni 2016, Genua 2016,
S. 112-113.
Vgl. Mary Newcome Schleier, Bartolomeo e
Domenico Guidobono, Turin 2002.
BARTOLOMEO GUIDOBONO,
ALSO KNOWN AS “IL PRETE DI SAVONA”
1654 SAVONA – 1709 TURIN
BACCHANAL
Oil on canvas. Relined.
120 x 110 cm.
Literature:
The painting on offer for sale in this lot was included
in the following publication: Anna Orlando (ed.),
Uomini e dei. Il ‘600 genovese dei collezonisti, exhibition
catalogue, Palazzo della Meridana, 19 February
- 5 June 2016, Genoa 2016, pp. 112-113.
cf. Mary Newcome Schleier, Bartolomeo e Domenico
Guidobono, Turin 2002.
Exhibition:
Barocco Spaziale, Galleria Biffi, Piacenza 2021, p. 101.
€ 40.000 - € 60.000
Sistrix
INFO | BID
Ausstellung:
Barocco Spaziale, Galleria Biffi, Piacenza 2021,
S. 101. (1351301) (13)
Vergleiche: Gemälde in der Sammlung Berwick in Attingham Park.
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113
ALESSANDRO MORETTO,
AUCH GENANNT „MORETTO DA BRESCIA“,
1490/98 – 1554, ZUG./ KREIS DES
BEWEINUNG UND GRABLEGUNG CHRISTI
Öl auf Leinwand. Doubliert.
135 x 150 cm.
Ungerahmt.
Im Zentrum der in Tüchern gehüllte vom Kreuz abgenommene
Jesus mit blutigen Wundmalen an seiner
linken Hand und an der Brust, der gerade in einen offenen
Sarkophag gelegt wird. Seine Beine werden im
rechten Vordergrund gehalten von Josef von Arimathäa,
der bibelgemäß das Recht der Grablegung von
Pilatus erhalten hatte und seiner Würde entsprechend
in glänzender lilafarbener Kleidung wiedergegeben ist,
zudem einen langen weißen Bart trägt und Jesus
aufmerksam betrachtet. Über den leblosen Körper gebeugt,
voller Trauer Maria in rotem Untergewand und
dunkelblauem Mantel. Hinter ihr stehend der junge
Johannes Evangelist, sich mit seinem roten Gewand
die Tränen trocknend. Rechts hinten eine Frau voller
Erregung beide Arme nach oben gerissen und auf
Jesus schauend. Der Oberkörper Jesu wird von einem
weiteren Mann gehalten, hinter dem ein Fackelträger
und zwei brennende Fackeln im dunklen Hintergrund
zu erkennen sind. Im Hintergrund rechts Blick in den
abendlichen Himmel. Einfühlsame Malerei mit besonderer
Betonung der bewegten Gesichter der Dargestellten.
Ein vergleichbarer Alter mit weißem Bart lässt
sich auch auf Darstellung des Heiligen Hieronymus
im Werk des Künstlers finden. Leinwand, insbesondere
am Rand, besch., teils Farbabrieb.
(1350891) (18)
ALESSANDRO MORETTO,
ALSO KNOWN AS “MORETTO DA BRESCIA”,
1490/98 – 1554, ATTRIBUTED/ CIRCLE OF
THE LAMENTATION AND THE ENTOMBMENT
OF CHRIST
Oil on canvas. Relined.
135 x 150 cm.
€ 30.000 - € 40.000
Sistrix
INFO | BID
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114
ANTONIO BELLUCCI,
1654 PIEVE DI SOLIGO – 1726 EBENDA
Antonio Bellucci, der von Succi genannt wird, war ein
italienischer Barockmaler, studierte in Venedig unter
Andrea Celesti (1637-1712), Pietro Liberi (1614-1687)
und Antonio Zanchi (1631-1722). Wie andere Vertreter
der venezianischen Malerei (Sebastiano Ricci (1659-
1734), Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770)) nahm er
Malaufträge in Norditalien an, wo er prächtige Fresken
für die Paläste der lokalen Gönner schuf. Zeitweise
lebt er auch am Hofe des Kurfürsten Johann Wilhelm
von der Pfalz (1658-1716), für dessen Gemäldegalerie
ereinige Bilder schuf.
ANTONIO BELLUCCI,
1654 PIEVE DI SOLIGO – 1726 IBID.
JOSEPH IN THE HOUSE OF POTIPHAR
Oil on canvas. Relined.
154 x 149.5 cm.
Accompanied by an expert’s report by Emilio Negro,
Bologna, in copy.
€ 35.000 - € 45.000
Sistrix
INFO | BID
JOSEF IM HAUS DES POTIFAR
Öl auf Leinwand. Doubliert.
154 x 149,5 cm.
In vergoldetem Profilrahmen.
Beigegeben ein Gutachten von Emilio Negro,
Bologna, in Kopie.
Kannelierte Säulen sind Teile eines geräumigen Architekturensembles,
das Bellucci als Bühne diente für die
Darstellung einer mehrpersonigen biblischen Geschichte.
Josef war nach Ägypten verkauft worden und gelangte
an den Hof des Potifar, dessen Soldaten den
noch jungen Josef im Begriff sind abzuführen. Was
war geschehen? Die Frau des Potifar und ihre Mägde
waren von Josefs Schönheit ergriffen und so suchte
Potifars Gemahlin Josef zum Ehebruch zu bringen,
was er ausschlug, sodass sie ihn der unsittlichen Annäherung
beschuldigt hatte. Die Geschichte ist im
Buch Genesis (Gen 39,1-20), aber auch im Islam und
im Judentum überliefert.
Literatur:
Vgl. Manfred Tiemann, Josef und die Frau Potifars im
populärkulturellen Kontext. Transkulturelle Verflechtungen
in Theologie, Bildender Kunst, Literatur, Musik
und Film, Wiesbaden 2020.
Fabrizio Magani, Antonio Bellucci, Catalogo ragionto
Rimini 1995. (1352071) (3) (13)
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77

115
CRISTOFANO ALLORI,
AUCH „BRONZINO D. J.“,
1577 FLORENZ – 1621 EBENDA, ZUG.
Cristofano Allori war ein italienischer Maler, der sich der
Bologneser Schule zuwandte. Er arbeitete an jedem
seiner Bilder mit großer Sorgfalt, wie seine zahlreichen
Skizzen belegen. Seine vom Hell-Dunkel bestimmte
Lichtführung und Farbgebung ließen häufig die Gesichter
wirkungsvoll entfalten.
PORTRAIT EINES JUNGEN MANNES
Öl auf Leinwand. Doubliert.
53 x 41 cm.
In vergoldetem Rahmen.
CRISTOFANO ALLORI,
ALSO KNOWN AS “BRONZINO THE YOUNGER”,
1577 FLORENCE – 1621 IBID., ATTRIBUTED
PORTRAIT OF A YOUNG MAN
Oil on canvas. Relined.
53 x 41 cm.
€ 15.000 - € 18.000
Sistrix
INFO | BID
Vor bräunlichem Hintergrund das Brustbildnis des
jungen Mannes nach rechts, in dunklem Gewand mit
Knopfreihe über der Brust und umgehängtem schwarzem
Mantel, daraus hervorragend ein großer weißer
Kragen. Er hat schwarzes Haar, ein weiches Inkarnat
mit leicht geröteten Wangen, rote Lippen und mit seinen
dunklen Augen schaut er seitlich etwas schüchtern
und unsicher aus dem Bild heraus. Feine Malerei
in der typischen Manier, mit starken Hell-Dunkel-
Abgrenzungen des Künstlers.
(13518715) (18)
78 HAMPEL ONLINE Visit www.hampel-auctions.com for around 6.500 additional images.

116
JÖRG BREU D. Ä.,
UM 1475/80 AUGSBURG – 1537 EBENDA, ZUG.
Paar Gemäldetondi mit astrologischen Szenen
KINDER DES JUPITER
und
KINDER DES SATURN
Öl auf Holz.
Durchmesser: 33 cm.
Im oktogonalen Rahmen.
Der Bildinhalt bezieht sich auf mittelalterliche Ikonografie,
beeinflusst durch altarabische Texte. Gezeigt
ist in einem Bild eine thronende Herrschergestalt mit
Hermelinkragen, darüber ein Baldachin in Form eines
mittelalterlichen Judenhutes. Davor sechs Gestalten
in langen Gewändern, darunter ein Mann mit Hellebarde.
Einer der Männer blickt auf den Bildbetrachter.
Es könnte sich um ein Selbstportait des Künstlers
handeln. Der thronende Herrscher mit dozierender
Handgeste. Der landschaftliche Hintergrund durch
eine niedrige Mauer abgetrennt, mit Jagdszene.
Das Gegenstück zeigt mehrere ländliche Gestalten,
zwei davon im Begriff ein Schwein zu schlagen, ein
weiterer beim Baumfällen, rechts zwei Verurteilte im
Block, ein Mann mit Krücke. Hier im Hintergrund ein
von zwei Rindern gezogener Pflug und ein Bauernhaus.
Eine weitergehende Deutung der Darstellungen lässt
noch auf sich warten, jedenfalls scheinen zahlreiche
symbolische oder sprichwörtlichee Anspielungen integriert
zu sein.
Das Rundformat der Bilder ist in Zusammenhang zu
sehen mit Breus und seiner Werkstatt gefertigten Entwürfe
für Bleiglasbilder inklusive der dazu gehörigen
Vorzeichnungen. So besitzt das Museum der Bildenden
Künste in Leipzig eine Vorzeichnung für ein den
beiden Bildern zugehöriges Thema „Kinder der Sonne“
(Inv.Nr. NI 4766) und das Großherzogliche Museum in
Weimar „Die Kinder des Mondes“ (Inv.Nr. KK 93). Für
unser Thema des Saturn ist ein Glasbild in der Burrell
Collection in Glasgow zu nennen (Inv.Nr. 45/494, s.
Lit. Morrall). A.R.
Provenienz:
1927 Kunsthandlung Gustav Nebehay, Wien.
1933 Auktion Hugo Helbing, München, November
24-25, Lot 359 (als Breu, Jörg); wahrscheinlich erworben
von Max Uhlfelder (1884-1958).
1938 Konfisziert von der Gestapo, November 24.
1942 Vom Oberfinanzpräsidium München nach
Beuerberg verbracht.
Juli 1946 Übertragung an die „Zentrale Sammelstelle
München“ (Nr. 36140 und Nr. 36141).
1949 Rückgabe an Max Uhlfelder.
21.-22. Juni 1996: Stuttgarter Kunstauktionshaus,
Lot 1361 (als „Breu, Jörg d. Ä.“).
29. Oktober 1998, Sotheby‘s, London, Lot 21 (als
„attributed to Jörg Breu the Elder“).
Privatsammlung, Frankreich.
Literatur:
Deutsche Handzeichnungen des XV. - XVIII. Jahrhunderts,
Kunsthandlung Gustav Nebehay, mit einem
Vorwort von Alfred Stix, Bd. 2 (aus der Reihe Die
Zeichnung), Wien ca. 1927, Nr. 49 und Nr. 50 (als
„Joerg Breu“), Abb. S/W.
Ernst Buchner, Der Ältere Breu als Maler, in: Beiträge
zur Geschichte der Deutschen Kunst. Augsburger
Kunst der Spätgotik und Renaissance, Augsburg
1928, Bd. 2, S. 372 (als „Jörg Breu“).
Andrew Morrall, Saturn‘s Children. A Glass Panel by
Jörg Breu the Elder in the Burrell Collection, in: The
Burlington Magazine, März 1993, Bd. 135, 1080, S.
213-214 (as „after Jörg Breu“), Abb. S/W, S. 214,
Abb. 56 und 58. (1351284) (11)
80 HAMPEL ONLINE Visit www.hampel-auctions.com for around 6.500 additional images.

JÖRG BREU THE ELDER,
CA. 1475/80 AUGSBURG – 1537 IBID., ATTRIBUTED
A pair of tondos with astrological scenes
THE CHILDREN OF JUPITER
and
THE CHILDREN OF SATURN
Oil on panel.
Diameter: 33 cm.
€ 35.000 - € 50.000
Sistrix
INFO | BID
117 ENTFÄLLT
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81

118
MARTEN VAN CLEVE D. Ä.,
1527 ANTWERPEN – 1581 EBENDA
ÜBERGABE DER GESCHENKE ZUM BAUERNFEST
Öl auf Leinwand. Doubliert.
104 x 170 cm.
In vergoldetem Profilrahmen.
Beigegeben eine Expertise von Dr. Klaus Ertz, Lingen.
In großzügigem Format vielfigurige Darstellung eines
Dorfplatzes mit zahlreichen Personen, deren Erzählkraft
noch stark an Pieter Brueghel d.Ä. erinnern. Es
nimmt das Thema der großen Bauernhochzeiten auf:
Im Mittelgrund vor der zusammenhängenden Häusergruppe
ist ein ornamental verziertes Ehrentuch gespannt.
Vor diesem sitzt an einem weiten Tisch die
Hochzeiterin mit rotem Stirnband als Krone als solche
gekennzeichnet. An diesem Tisch werden die Hochzeitsgeschenke
in Form von Stoffen oder Geld dargebracht.
An den Geschenken beteiligen sich die Gäste
nach ihrem Vermögen, wobei auch die weniger
Vermögenden in ihrer Geldkatze nach möglichen Entbehrlichkeiten
suchen. Sowohl in der Polychromität als
auch in der Formsprache ist die Darstellung sowohl an
Pieter Brueghel d.Ä. als auch an Pieter Brueghel d.J.
angelehnt, jedoch besonders in den Gesichtern sieht
man eine abgewandelte Handschrift, die laut Dr. Ertz
derjenigen des Marten van Cleve entspricht, wie etwa
bei einer Tafel zu sehen ist, die beim RKD, Den Haag
unter Nummer 190862 geführt wird.
(1351711) (13)
MARTEN VAN CLEVE THE ELDER,
1527 ANTWERP – 1581 IBID.
HANDING OVER THE GIFTS FOR THE FARMER’S
FESTIVAL
Oil on canvas. Relined.
104 x 170 cm.
Accompanied by an expert’s report by Dr Klaus Ertz,
Lingen.
€ 130.000 - € 150.000
Sistrix
INFO | BID
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119
JAN BRUEGHEL D. J.,
1601 ANTWERPEN – 1678 EBENDA
DORFGRACHT
Öl auf Holz.
30,6 x 44 cm.
Gerahmt.
Beigegeben ein Gutachten von Dr. Klaus Ertz, Lingen,
24. Februar 2023.
Malerischer Blick über einen schmalen, mit Schilf bewachsenen
Uferstreifen auf eine Gracht, auf deren
Wasser in der Bildmitte ein figurenbesetztes Ruderboot
zu erkennen ist. Der Blick gleitet dann zu einer
schmalen hölzernen Brücke, die links- und rechtsseitig
zu einer Reihe von alten Häusern in überwiegend
beige- brauner Farbigkeit führt. Dahinterliegend in hellem
Sonnenlicht die Silhouette einer am Wasser liegenden
Häuserfront sowie linksseitig im Hintergrund eine
große Kirchenanlage. Am rechten Bildrand ein großer
Baum in diversen Grüntönen und davor blühende
Gräser im flachen Wasser, ebenso linksseitig mehrere
in die Höhe ragende Bäume, von Sträuchern und
weiteren Wasserschilf umgeben. Im blauen Himmel
die von Baumwipfeln teils verdeckte gelb-weiß
leuchtende Sonne, deren Licht sowohl auf die Wasseroberfläche
als auch auf die Häuser und die genannte
Kirche im Hintergrund fällt. Auch das kleine Boot
wird durch den Lichtstrahl und die Spiegelung im
Wasser besonders hervorgehoben.
Laut Ertz sind für den Künstler charakteristisch unter
anderem das typische Farbenspiel mit dem Gelb-
Braun-Grün im Schilf und den Häusern im Mittelpunkt
sowie die punktuell eingesetzte Farbe Rot in den
Gewändern der Figuren am Ufer und auch die Weißhöhungen
auf den Blättern der Bäume. Das Gemälde
sehr detailreich ausgestattet unter anderem mit
schwimmenden Schwänen auf dem Wasser, Vögeln
im Bereich des Himmels, gelblich blühenden Wasserlilien
im Schilf, Tauben auf einem Dach und diversen
kleinen Staffagefiguren. Das eingesetzte Licht der
Sonne bewirkt in dieser schönen Wasserlandschaft
eine Bildtiefe und Dreidimensionalität, die sich aus
dem Gegensatz von Hell und Dunkel ergibt. Ertz ordnet
das Gemälde den frühen 1630er-Jahren in Antwerpen
zu, in Anlehnung an das Vorbild des Vaters.
Jedoch hat der Sohn eigene Ideen entwickelt und eigenständige
neue Kompositionen geschaffen.
JAN BRUEGHEL THE YOUNGER,
1601 ANTWERP – 1678 IBID.
VILLAGE GRACHT
Oil on panel.
30.6 x 44 cm.
Accompanied by an expert’s report by Dr Klaus Ertz,
Lingen, 24 February 2023.
€ 40.000 - € 60.000
Sistrix
INFO | BID
Literatur:
Vgl. Klaus Ertz, Jan Brueghel der Jüngere, Die
Gemälde mit kritischem Œuvrekatalog, Freren
1984. (13514341) (18)
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87

120
JACOB GRIMMER,
1525/26 ANTWERPEN – UM 1590
LANDSCHAFT DER UMGEBUNG VON
ANTWERPEN MIT FIGUREN
Öl auf Holz. Parkettiert.
23 x 26 cm.
Beigegeben eine Expertise mit weiteren Informationen
von Kunstbureau Drs. Luuk Pijl, Dokkum Niederlande,
in Kopie.
Das Gemälde besticht durch die sehr fein gemalten
Details, vor allem bei den zahlreichen Staffagefiguren,
dem Planwagen im Vordergrund, aber auch dem turmartigen
Gebäude mit hinzuführender Brücke. Ebenso
fein gemalt das zwischen den Bäumen zu sehende
Weichbild der Stadt Antwerpen, im diesigen Licht am
Horizont. Im Vordergrund weist ein nobel gekleideter
Reiter auf einem Schimmel auf das Gebäude, während
der von zwei Pferden gezogene Planwagen mit einer
offensichtlich heiteren Reisegruppe gefüllt ist. Die
Knaben davor vergnügen sich ebenfalls mit Purzelbaumschlagen.
Grimmers erstes uns bekanntes Werk datiert ins Jahr
1546, sein letztes 1589. Damit hat er fast zeitgleich
mit Pieter Brueghel gewirkt, ohne diesen jedoch
nachgeahmt zu haben. Dazwischen hat uns der Maler
neben Winterlandschaften auch eine Reihe von oft
kleinformatigen Ansichten von Dörfern, Kirmessen
und originelle Genreszenen in Landschaften hinterlassen.
Der frühe Malerbiograf Karel van Mander berichtet
1604, Grimmer hätte die Landschaftsmalerei bei Matthys
Cock und später bei dem unbekannten Christian
van den Queborn erlernt. 1547 jedenfalls wird er als
Meister der Antwerpener Gilde dokumentiert. Die
beiliegende Expertise nennt die Zeit der 1580er-Jahre
für die Entstehung des für Grimmer typischen Bildes.
Dabei ist eine signifikante Ähnlichkeit mit seinem
Gemälde von 1583 im Kunsthistorischen Museum
Wien erkennbar (Inv.Nr. Gemäldegalerie,5652). A.R.
JACOB GRIMMER,
CA. 1525 ANTWERP – CA. 1590
LANDSCAPE AND SURROUNDINGS OF ANTWERP
WITH FIGURAL STAFFAGE
Oil on panel. Parquetted.
23 x 26 cm.
Accompanied by an expert’s report with further information
by Kunstbureau Drs Luuk Pijl, Dokkum, the
Netherlands, in copy.
Provenance:
Brian Koetser collection, London 1971.
Literature:
Edith Greindl, Monographie Jacob Grimmer, 1972,
no. 55.
Reine de Bertier de Sauvigny, catalogue raisonné,
p. 71, ill. 16 and p. 116, ill. 59.
€ 75.000 - € 90.000
Sistrix
INFO | BID
Provenienz:
Sammlung Brian Koetser, London 1971.
Literatur:
Edith Greindl, Jacob Grimmer. Monographie, Wien
1972, Nr. 55.
Reine de Bertier de Sauvigny, Jacob et Abel Grimmer.
Catalogue raisonné, Brüssel 1991, S. 71, Abb. 16
und S. 116, Abb. 59. (1351282) (11)
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121
PIETER BRUEGHEL D. J.,
UM 1564 BRÜSSEL – 1637/38 ANTWERPEN
Er war der Sohn des Malers Pieter Brueghel d. Ä. und
dessen Ehefrau Mayken. Er wurde wohl bei dem
Landschaftsmaler Gillis van Coninxloo (1544-1607) in
die Lehre gegeben. Im Jahr 1585 ist er als selbstständiger
Meister in den Büchern der Lukasgilde in Antwerpen
verzeichnet. In der Stadt unterhielt er auch
ein größeres Atelier.
DÖRFLICHE LANDSCHAFT AM BACH MIT ANGLER
Öl auf Holz.
Tondo, Durchmesser: 25 cm.
In quadratischem Holzrahmen.
Beigegeben ein Gutachten von Dr. Klaus Ertz, Lingen,
22. Februar 2023.
Der Blick des Betrachters gleitet vom Vordergrund mit
dem breiteren Bach in die Tiefe des Bildes. Am Ufer des
meist mit Schilf gesäumten Baches steht rechtsseitig
ein Angler mit roter Jacke und hinter ihm eine weitere
Figur, ihm dabei zuschauend. Am Boden stehen neben
ihm eine glänzende Schüssel für die gefangenen Fische
und ein heller Beutel wohl gefüllt mit Speisen. Drei
kleine Enten und linksseitig am Uferrand schwimmend
zwei Schwäne im Wasser. Der Bach führt zu einer
kleinen hölzernen Brücke, die von dem linksseitigem
Gebäude mit einigen Figuren nach rechts zu einem
Dorf führt. Unter der Brücke führt der Bachlauf schmäler
werdend nach links in die Tiefe. Zu seiner Seite
eine Baumallee. Nach rechts im Hintergrund eine weite
flache Landschaft und eine Stadt unter hohem
weiß-blauem Himmel mit zwei fliegenden Vögeln.
Laut Ertz gehört das kleine Gemälde zum Endpunkt
einer Entwicklung, die typisch ist für Landschaften
des Künstlers nach 1616. Vorgänger dieser kleinen
Landschaft ist eine „Waldige Dorflandschaft“ von
1600, die perspektivisch jedoch noch völlig unausgegoren
ist im Gegensatz zu dem hier vorliegendem
Gemälde. Feine, qualitätvolle Malerei, bei der die
Farben in ihrem ursprünglichen Zustand dick und pastos
erhalten sind. Holzplatte an der linken und rechten
Seite leicht gewölbt.
Literatur:
Vgl. Klaus Ertz, Pieter Brueghel der Jüngere,
Œuvrekatalog der Gemälde, Lingen 2000.
(13514343) (18)
PIETER BRUEGHEL THE YOUNGER,
CA. 1564 BRUSSELS – 1637/38 ANTWERP
VILLAGE LANDSCAPE BY A STREAM WITH ANGLER
Oil on panel.
Tondo, diameter: 25 cm.
Accompanied by an expert’s report by Dr Klaus Ertz,
Lingen, 22 February 2023. According to Ertz the small
painting can be placed at the end of a development,
which is typical for landscapes of the artist after 1616.
€ 50.000 - € 70.000
Sistrix
INFO | BID
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122
ABEL GRIMMER,
UM 1570 ANTWERPEN – UM 1619
Der Maler war Sohn von Jacob Grimmer (1525/26-um
1590), der sich einen Namen gemacht hatte mit der
Wiederholung von Arbeiten des Pieter Brueghel d. Ä.
(um 1525-um 1569), meist auf kleinen Holztäfelchen.
Abel Grimmer wurde 1592 Meister der Antwerpener
Sankt Lukas Gilde und übernahm dann die Werkstatt
seines Vaters. Vor allem bekannt durch Arbeiten auf
kleinem Format, wobei der Einfluss von Pieter
Brueghel d. Ä. und Hans Bol (1534-1593) deutlich zu
erkennen ist. Für sein Werk typisch ist die Vereinfachung
und Systematisierung von Figuren und Landschaften,
bei äußerst feiner und detailgenauer Wiedergabe.
ALLEGORIE DES WINTERS
Öl auf Holz.
27 x 37,8 cm.
Beigegeben ein Gutachten von Dr. Klaus Ertz, Lingen.
Im Zentrum des Gemäldes ein Wasserschloss mit vielen
Türmchen, zu dem eine rechts liegende Brücke führt,
dazu im Hintergrund rechts eine schneebedeckte
Kirche und am linken Bildrand bäuerliche Häuser, zwischen
denen hohe kahle Bäume stehen. Ein kleiner
Vogel ist auf einem Baumast zu erkennen. Vor den
Häusern im Vordergrund ein Paar, das gerade ein Tier
schlachtet und ein auf einem Baumstamm sitzender
Hirte, der seine Schweine bewacht. In der Mitte und
rechten Seite des Vordergrunds zahlreiche Figuren
auf dem Eis, die unterschiedliche Stände vertreten,
vom bäuerlichen Typen bis zum besser gekleideten
Städter, wohl auch Angehörige der Aristokratie, eine
Vermutung, die das Schloss nahelegt. Laut Ertz ist ein
Teil der Figuren auf einen Stich von Hans Bol zurückzuführen:
Dazu gehört rechts vor der Brücke ein ins
Eis eingebrochener Mann, ein starkes Memento mori-
Motiv, weil seine Rettung keineswegs gesichert
scheint, oder die Frau im Vordergrund, die auf dem
Eis ausgerutscht ist und dabei den Korb mit Eiern und
das Milchgefäß hat fallen lassen; einige Figuren
schauen ihr tatenlos zu. Das Gemälde wird in die Zeit
um 1610 eingeordnet und gehört möglicherweise zu
einer Serie von Bildern mit „Allegorien der Jahreszeiten“.
Im oberen abendlichen grauen Bereich des
Himmels sind die drei Sternzeichen Steinbock, Wassermann
und Fische zu erkennen für die ersten drei
Monate des Jahres. Qualitätvolle malerische Darstellung
in der typische Manier des bekannten Künstlers.
(13514340) (18)
ABEL GRIMMER,
CA. 1570 ANTWERP – CA. 1619
ALLEGORY OF WINTER
Oil on panel.
27 x 37.8 cm.
Accompanied by an original expert’s report by
Dr Klaus Ertz, Lingen.
€ 25.000 - € 35.000
Sistrix
INFO | BID
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91

123
ABEL GRIMMER,
UM 1570 ANTWERPEN – UM 1619
Der Maler war Sohn von Jacob Grimmer (1525/26-um
1590), der sich einen Namen gemacht hatte mit der
Wiederholung von Arbeiten des Pieter Brueghel d. Ä.
(um 1525-um 1569), meist auf kleinen Holztäfelchen.
Abel Grimmer wurde 1592 Meister der Antwerpener
Sankt Lukas Gilde und übernahm dann die Werkstatt
seines Vaters. Vor allem bekannt durch Arbeiten auf
kleinem Format, wobei der Einfluss von Pieter
Brueghel d. Ä. und Hans Bol (1534-1593) deutlich zu
erkennen ist. Für sein Werk typisch ist die Vereinfachung
und Systematisierung von Figuren und Landschaften,
bei äußerst feiner und detailgenauer Wiedergabe.
WINTERLICHE STADTLANDSCHAFT
MIT SCHLACHTER
Öl auf Holz.
29,5 x 41,5 cm.
Im dekorativen Rahmen.
Beigegeben ein Gutachten von Dr. Klaus Ertz, Lingen.
Im Vordergrund des Gemäldes vor einem Haus ein
Metzger beim Schlachten eines Schweins, das am
Boden liegt. Er trägt eine weiße Schürze und hat im
Mund das Messer, mit dem er gerade zugestochen
hat. Eine Frau in schwarz-rotem Gewand hält eine lange
Pfanne, um darin das Blut aufzufangen. Hinter ihr
stehend ein kleines Kind, das entsetzt den rechten Arm
hochgerissen hat. Ein älterer Mann in langem dickem
Mantel und Kopfbedeckung schaut ihnen aufmerksam
zu. Linksseitig ein Kind in langem grünem Umhang,
einen Spaten in seiner Hand haltend. Davor ein heißer
Bottich und eine Tonschale. In der Mitte des Hintergrunds
sieht man einen Schweinehirten mit seinen
ihn umgebenden Tieren, der im Gespräch mit zwei
Männern ist. Am linken Bildrand ein Haus mit einer
Frau, die in der Tür steht und sich gerade mit einem
Mann in Rückenansicht unterhält, der wohl hinter sich
eine Schubkarre mit Reisigbündeln abgestellt hat. In
der Ferne führt eine kleine Brücke zu weiteren schneebedeckten
Wegen und Häusern der Stadt unter hohem
grau-weißem Himmel, die Stimmung eines kalten
Wintertages vermittelnd.
(13511110) (18)
ABEL GRIMMER,
CA. 1570 ANTWERP – CA. 1619
WINTER CITYSCAPE WITH BUTCHER
Oil on panel.
29.5 x 41.5 cm.
Accompanied by an expert’s report by Dr Klaus Ertz,
Lingen.
€ 20.000 - € 40.000
Sistrix
INFO | BID
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124
MARTEN VAN CLEVE D. Ä.,
1527 ANTWERPEN – 1581 EBENDA
Studierte unter Frans Floris (um 1516-1570) und entdeckte
zunächst seine Vorliebe für die Landschaftsmalerei.
Durch seinen Bruder Heinrich veranlasst,
widmete er sich aber alsbald fast ausschließlich der
figürlichen Malerei. Seine meist vielfigurigen Genrebilder
werden oft nur vordergründig als teilweise
humorige Szenen verstanden, hinter denen sich jedoch
nicht selten ein tieferer allegorischer oder
gesellschaftskritischer Sinn verbirgt. 1551 wurde er
Mitglied der Antwerpener Lukasgilde.
FLÄMISCHE HAUSHALTUNG
Öl auf Holz.
26 x 37 cm.
Beigegeben ein Gutachten von Dr. Klaus Ertz, Lingen,
16. Februar 2023.
Blick in einen großen figurenreichen Raum mit verschiedenen
Tieren und zahlreichen Gegenständen, sodass
er nicht eindeutig einer einzigen Funktion, nämlich
einer Küche, zugeordnet werden kann. Linksseitig ein
Kamin, über dessen Feuer ein großer, kupfern glänzender
Kessel hängt. Mit einem sitzenden Paar in Rückenansicht
und einer Frau auf einem Hocker, die dem vor
ihr stehenden Kind wohl Pfannenkuchen zubereitet.
In der Bildmitte ein weiß gedeckter Tisch, umgeben
von mehreren Männern, von denen einer Brot hält,
ein anderer Speisen auf einen silbernen Teller bringt
und schließlich ein dritter Mann, der einen Krug nach
oben hält und einem stehenden Dudelsackspieler anbietet.
Des Weiteren eine junge Magd mit einem Krug,
die von einem älteren Herren umarmt wird. Diese Darstellung
an eine Wirtshausszene erinnernd. Im Hintergrund
ein offenes Fenster und ein Mann, der wohl
einige Stufen gerade nach oben steigt, um den Raum
zu verlassen. Im Hintergrund rechts ein hoher Schrank,
ein Bord und ein Holzbrett, auf denen sich zahlreiche
Schüsseln, Teller und Krüge befinden. Im Vordergrund
rechts eine junge Frau an einem flachen Tisch, vor ihr
liegend mehrere Fische, die sie wohl gerade ausnimmt.
Vor ihr ein hockender Mann, der wohl die in
einem Bottich befindlichen Muscheln öffnet. Eine
freche Katze streckt sich nach oben, um etwas von
dem Fisch abzubekommen. In der Mitte des Vordergrunds
schließlich ein Schwein und zwei Hühner, die
sich an Gemüseresten laben. Am rechten Bildrand
dieser bäuerlichen Darstellung schließlich deutet der
Künstler eine christliche Szene an, indem Josef und
Maria vor einer geöffneten Tür stehen und um eine
Übernachtungsmöglichkeit bitten, die ihnen aber von
dem Mann mit roter Hose und weißer Schürze verweigert
wird. Mit der Wiedergabe von Maria und
Josef wird eine biblische Darstellung vorgetäuscht,
jedoch ist das Bild in Wirklichkeit nichts anderes als
eine Wiedergabe einer flämischen Haushaltung und
ist laut Ertz eine Szene, die eine zentrale Rolle in dem
Gesamtwerk des Künstlers bildet und damit eine
Vorstellung der bäuerlichen Lebens- und Haussituation
im 16. Jahrhundert in den Niederlanden wiedergibt.
Für den Künstler typisches Werk in leuchtenden
frischen Farben, bei der überwiegend beige-braune,
rote und weiße Farbtöne verwendet werden.
(13514342) (18)
MARTEN VAN CLEVE THE ELDER,
1527 ANTWERP – 1581 IBID.
FLEMISH HOUSEKEEPING
Oil on panel.
26 x 37 cm.
Accompanied by an expert’s report by
Dr Klaus Ertz, Lingen, 16 February 2023.
€ 25.000 - € 35.000
Sistrix
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93

125
ADRIAEN VAN STALBEMT,
AUCH VAN STALBERNT,
1580 ANTWERPEN – 1662 EBENDA
Adriaen van Stalbemt war ein flämischer Maler, Radierer
und Zeichner. Nach seiner Lehre wurde er 1610 in
die Sankt Lukas-Gilde Antwerpen aufgenommen und
zum Meister ernannt. Das künstlerische Werk ist ganz
der Tradition der älteren flämischen Schule verpflichtet.
Einige seiner Sujets, wie Landschaften, können
durchaus mit denen von Hendrik van Balen d. Ä.
(1575-1632) verglichen werden.
GÖTTERMAHL AM MEER
Öl auf Holz. Parkettiert.
42 x 63,4 cm.
In ebonisiertem profiliertem Holzrahmen.
ADRIAEN VAN STALBEMT,
ALSO KNOWN AS “VAN STALBERNT”
1580 ANTWERP – 1662 IBID.
THE FEAST OF THE GODS BY THE SEA
Oil on panel. Parquetted.
42 x 63.4 cm.
Accompanied by an expert’s report by Dr Klaus Ertz,
7 February 2022, Lingen, in copy.
Ertz dates the present painting to ca. 1620/30.
€ 22.000 - € 25.000
Sistrix
INFO | BID
Beigegeben ein Gutachten von Dr. Klaus Ertz, 07.
Februar 2022, Lingen, in Kopie.
In starker Polychromität stellt Stalbemt eine Ruinenarchitektur
dar mit starkem Vegetationsbesatz, unter
welcher sich ein Göttermahl mit gedeckter Tafel vollzieht.
Ertz datiert das vorliegende Gemälde auf ca.
1620/30, wobei Stalbemt, anders als sein großes
Vorbild Jan Pauwels d. Ä., ebenso als Landschafts- als
auch als Figurenmaler tätig war.
Literatur:
Vgl. Klaus Ertz, Christa Nitze-Ertz, Adriaen van Stalbemt
1580-1662. Kritischer Katalog der Gemälde,
Zeichnungen und Druckgraphik, Lingen 2018.
(13514338) (13)
Detailabbildung
94 HAMPEL ONLINE Visit www.hampel-auctions.com for around 6.500 additional images.

127
JAN BRUEGHEL D. J. (1601-1678)
UND
PIETER VAN AVONT (1600-1652)
RUHE AUF DER FLUCHT MIT
FRÜCHTE TRAGENDEM ENGEL
Öl auf Leinwand. Doubliert.
89 x 71,7 cm.
In ebonisiertem Rahmen mit Wellenleistenprofil.
Beigegeben eine Expertise von Dr. Klaus Ertz, Lingen,
1. Juli 2020, auf welche wir uns bei der Zuweisung an
die genannten Künstler beziehen, in Kopie.
Inmitten einer Waldlichtung, die von knorrigen dichtbelaubten
Bäumen umstanden ist, sitzt die Heilige
Familie. Maria mit dem Jesuskind auf dem Schoß,
beide von einem Lichtnimbus umfangen, rechts davon
Josef im Studium mit Ringnimbus, links ein heraneilender
Engel mit einer Wanli-Porzellanschale, die
Früchte beinhaltet.
Literatur:
Vgl. Klaus Ertz, Jan Brueghel der Jüngere, Die Gemälde
mit kritischem Œuvrekatalog, Freren 1984.
Vgl. Klaus Ertz, Christa Nitze-Ertz, Jan Brueghel der
Ältere(1568-1625), Kritischer Katalog der Gemälde,
Bde. I-IV, Lingen 2008-2010. (1351086) (13)
JAN BRUEGHEL THE YOUNGER (1601-1678)
AND
PIETER VAN AVONT (1600-1652)
THE REST ON THE FLIGHT INTO EGYPT
WITH ANGEL BEARING FRUIT
Oil on canvas. Relined.
89 x 71.7 cm.
Accompanied by an expert’s report by Dr Klaus Ertz,
Lingen, 1 July, in copy.
€ 25.000 - € 35.000
Sistrix
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126
JACOB JORDAENS,
1593 ANTWERPEN – 1678 EBENDA
Jacob Jordaens war ein flämischer Maler des Barock.
Neben Peter Paul Rubens und Athonis van Dyck war
er einer der drei wichtigsten flämischen Maler, welche
die Antwerpener Schule im 17. Jahrhundert prägten.
Der Künstler ist für seine großen und zahlreichen szenischen
Bilder der Genremalerei bekannt, die sich an
Sprichwörter seines Zeitgenossen Jan Brueghel d. Ä.
anlehnen, wie beispielsweise dessen bekannteste
Bilder „Der König trinkt“ und „Wie die Alten summen,
so pfeifen die Jungen“.
STEHENDER PUTTO IN LANDSCHAFT
netem Mund schaut er fröhlich nach oben. Er hat ein
helles Inkarnat, ein leicht gerötetes Gesäß und ebenso
gerötete Beine. Am unteren rechten Rand liegt ein
rotes Tuch und ist die goldene Sohle eines Schuhs
zu erkennen, während linksseitig eine große grüne
Pflanze wächst. Humorige liebevolle Darstellung des
leicht nach rechts schreitenden Putto mit gespitztem
Mund, der auf ein Pfeifen hindeuten könnte, in zurückhaltender
Farbgebung. Eine Datierung des Gemäldes
in die Zeit um 1653 ist anzunehmen.
(13514345) (18)
Öl auf Leinwand. Doubliert.
109 x 58 cm.
Rechts unten signiert.
Unter hohem blauem Himmel mit letztem rötlichem
Schimmer der untergehenden Sonne ein wohlproportionierter
nackter Putto nach rechts in Rückenansicht
mit kleinen Flügeln mit Stand- und Spielbein. Er hält
auf seiner linken Seite ein großes, goldglänzendes
köcherartiges Gefäß, aus dem einige grüne Blätter
herausragen, zudem ist das Gefäß am oberen Rand
mit einem altrosafarbenem Tuch umwickelt, das er vor
seinem Körper trägt und mit der rechten Hand hält. Er
hat dunkelblondes lockiges Haar, ein leicht rötliches
Gesicht und mit seinen Augen und einem leicht geöff-
JACOB JORDAENS,
1593 ANTWERP – 1678 IBID.
STANDING PUTTO IN LANDSCAPE
Oil on canvas. Relined.
109 x 58 cm.
Signed lower right.
€ 35.000 - € 50.000
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128
ABRAHAM GOVAERTS (1589 ANTWERPEN – 1620)
UND
HENDRICK VAN BALEN (1575 ANTWERPEN – 1632)
DER RAUB DER EUROPA
Öl auf Eichenholz.
50,6 x 66,8 cm.
Rechts unten signiert „A. GOVAERTS“ und datiert
„1610“. Verso eine Parkettier-Querleiste.
Die Zusammenarbeit der beiden Maler ist für mehrere
Werke verbürgt. Dabei übernahm Govaerts stets den
landschaftlichen Part, während van Balen als bereits
damals bedeutender Figurenmaler die Szenerien
schuf. Hier im Bild überwiegt die Wirkung der mythologischen
Darstellung. Gezeigt ist die Legende, berichtet
bei Homer, wonach der Göttervater Zeus sich
in Gestalt eines weißen Stieres begehrlich der Europa
nähert, die ihn arglos füttert und mit einem Blütenkranz
schmückt. Auf seinem Rücken entführt er sie
übers Meer, bringt sie nach Kreta, wo er sich rückverwandelt
offenbart.
Die Bilddarstellung übernimmt die wesentlichen Inhalte
der Legende. Allerdings wird ein Hauptaugenmerk
auf eine jüngere Interpretation gelegt, wonach
die Gefährtinnen der Europa hier aufgeregt wie im
Abschiedsschmerz der Entführung beiwohnen. Auch
die im dunklen Waldeshintergrund herbeieilenden
Mädchen erheben die Arme. Rechts am unteren Bildrand
ist der Verursacher des Übels, der geflügelte
Amor mit seiner Feuerfackel zu sehen.
Im Werk von Govaerts finden sich etliche Landschaftsdarstellungen
mit mythologischen Szenen, neben
van Balen auch von Frans Francken eingebracht.
Auffällig ist die Bereicherung der Darstellung durch
Blumen und Blumenkörbe. Nicht selten erfolgten
Bildaufträge mit solchen Motiven in Anspielung auf
Verhältnisse in höfischen Gesellschaften, wie hier
etwa die Entführung im Zusammenhang mit einer realen
Begebenheit gedacht sein konnte, etwa der Vermählung
eines Herrn mit einer von weiter her „eroberten“
Gemahlin. Der Abschiedsblick der Europa, die
den von ihr Zurückgelassenen gilt, würde dies jedenfalls
bestätigen. A.R.
(13506613) (1) (11)
ABRAHAM GOVAERTS (1589 ANTWERP – 1620)
AND
HENDRICK VAN BALEN (1573 ANTWERP – 1632)
THE RAPE OF EUROPA
Oil on oak panel.
50.6 x 66.8 cm.
Signed “A. GOVAERTS” lower right and dated “1610”.
Several works confirm that these two artists collaborated.
Govaerts executed the landscapes, while van
Balen, who was already a distinguished figure painter
at the time, created the figural scenes.
€ 10.000 - € 12.000
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129
JAN JOZEFSZ. VAN GOYEN,
1596 LEIDEN – 1656 DEN HAAG
VIERECKIGER WACHTURM
Öl auf Holz.
35 x 53,5 cm.
Halblinks am Kahn monogrammiert und datiert
„VG 1640“.
Unter dieser Betitelung ist das sehr eindrucksvolle
Gemälde im Werkverzeichnis bereits aufgeführt und
abgebildet. Es zeigt den Blick von der Wasserseite auf
eine links ins Bild hereinziehende felsige Landzunge,
die mit einem niedrigen, aber kräftig befestigten Turm
mit spitzem Dach und Dachtürmchen bebaut ist. Daneben
ein hoher Pfahl mit Ausleger, an dem ein
nachts leuchtender Feuertopf hängt. Weiter rechts
eine Kanone mit Soldaten und Staffagefiguren. Diese
Bildinhalte zeigen, dass es sich hier um eine als
Leucht- und Signalturm fungierende Anlage handelt.
An der Landzunge liegt ein Segelschiff an, das dem
Gemälde ein markantes zentrales Bildelement bietet.
Weitere Kähne und Staffagefiguren beleben die Bildwirkung,
bis hin zu den in der Ferne zum Horizont sich
verlierenden, immer kleiner dargestellten Schiffen,
wodurch die Weite der Poldersee und die Bildtiefe
gleichermaßen zur Wirkung kommen. Rechts hinten
das gegenüberliegende Ufer mit Bebauung und einem
Turm am Bildrand.
Die gelbliche Lichtstimmung schafft zusammen mit
den erdbräunlichen Elementen eine betonte Einheit.
Im gebauschten Wolkenhimmel scheint nur wenig
Blau durch, was eine vorgewittrige Stimmung erzeugt.
Dabei ist der Maler Jan van Goyen bekannt für die
auch hier besonders zur Geltung gekommene „tonale
Landschaftsmalerei“, wie wir sie auch bei Pieter de
Molyn oder Salomon van Ruydael finden. In Haarlem
erhielt er die für seine Malweise letzten Eindrücke
durch das Studium bei Esaias van de Velde, nachdem
er von einer Frankreichreise nach Holland zurückgekehrt
war. Seine unglücklichen Spekulationsgeschäfte
minderten seine Schaffenskraft nicht, auch nicht nachdem
er 1632 nach Den Haag übersiedelte, jedoch bei
seinem Tod hohe Schulden hinterließ.
Das vorliegende Gemälde kann zurecht als hochrangiges
Beispiel seines Werkes gewürdigt werden. A.R.
Provenienz:
Versteigerung in Amsterdam, 26.5.1914, Lot 314,
mit Abb. im Katalog.
Danach Sammlung Koeber, Hamburg.
Sammlung Vogel, Berlin.
1947 Berliner Kunsthandel.
1965 Privatbesitz, München.
Literatur:
Cornelis Hofstede de Groot, Beschreibendes und
kritisches Verzeichnis der Werke der hervorragendsten
holländischen Maler des XVII Jahrhunderts, Bd. 8:
Jan van Goyen, Jan van der Heyden, Johannes
Wijnants, Esslingen 1923, S. 323, Nr. 983.
Œuvreverzeichnis: Hans-Ulrich Beck (Hrsg.), Jan van
Goyen, 1596-1656, Bd. II: Katalog der Gemälde,
Amsterdam 1973, Nr. 735 mit Abb.
Dort weiterführende Literatur. (1351183) (11)
JAN JOSEFSZ VAN GOYEN,
1596 LEIDEN – 1656 THE HAGUE
SQUARE WATCHTOWER
Oil on panel.
35 x 53.5 cm.
Monogrammed and dated “VG 1640” left on barge.
Literature:
HdG 983
H.-U. Beck, Jan van Goyen 1596 - 1656, an illustrated
tAmsterdam 1973, no. 735 with ill; with additional
literature.
€ 80.000 - € 120.000
Sistrix
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100 HAMPEL ONLINE Visit www.hampel-auctions.com for around 6.500 additional images.

130
JAN JOZEFSZ. VAN GOYEN,
1596 LEIDEN – 1656 DEN HAAG
DÜNENLANDSCHAFT MIT ZAUN UND LATTENTOR
Öl auf Holz.
29 x 48 cm.
Links auf dem unteren Brett des Gatters monogrammiert
und datiert „VG 1633“.
In Wellenleistenrahmen.
Eine Dünenlandschaft, wie sie uns in vielen Gemälden
aus van Goyens Hand begegnet mit einem im großen
Schwung in die Bildmitte führenden Weg, der von
Wagenradspuren durchfurcht ist. An seinem linken
Rand eine Böschung mit Weidezaun, rechts zwei fein
ausgeführte Personen und Schafe, im Mittelgrund
ein Gehöft.
Provenienz:
Sammlung Zubow, Paris.
Dr. C. Benedict, Paris (1949).
JAN JOSEFSZ VAN GOYEN,
1596 LEIDEN – 1656 THE HAGUE
DUNE LANDSCAPE WITH FENCE AND GATE
Oil on panel.
29 x 48 cm.
Monogrammed and dated “VG 1633” on the left
on the lower slat of the gate.
Provenance:
Collection Zubow, Paris.
Dr C. Benedict, Paris (1949).
Literature:
Hans-Ulrich Beck, catalogue raisonné, no. 1114.
€ 25.000 - € 35.000
Sistrix
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Literatur:
Hans-Ulrich Beck, Werkverzeichnis, Nr. 1114.
(1351321) (13)
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131
MATTHIEU VAN PLATTENBERG,
UM 1608 – 1660, ZUG.
SCHIFFE IM SEESTURM VOR FELSIGER KÜSTE
MATTHIEU VAN PLATTENBERG,
CA. 1608 – 1660, ATTRIBUTED
SHIPS IN A SEA STORM OFF A ROCKY COAST
Öl auf Leinwand. Doubliert.
122 x 193 cm.
Unter hohem, stark bewölktem Himmel mit dicken
großen grauweißen Wolken ein Seesturm mit hohen
aufpeitschenden Wellen und einigen prachtvollen Fregatten
unter niederländischer Fahne sowie weitere
Segelschiffe und Boote gegen den Sturm und den
starken Wellengang ankämpfend. Im Zentrum eine
dreimastige Fregatte, die bereits ans Ufer der felsigen
Küste gespült wurde und von der einige Figuren versuchen,
sich an Land abzuseilen, während andere ihnen
am Ufer zu Hilfe eilen. Im Hintergrund mittig und
rechtsseitig die hohe felsige Küste, an der in der Höhe
und in dem entfernten rechten Hintergrund mehrere
kleine Städte und Orte zu erkennen sind. Die Darstellung
in überwiegend monochromer, hell- und dunkelgrauer
Farbgebung, sodass kaum zwischen dem stürmischen
Meer und dem felsigen Ufer zu unterscheiden
ist. Farbige Akzente setzen allein die Schiffsrümpfe, die
Flaggen sowie die rötliche und blaue Kleidung der Staffagefiguren.
Dramatisch bewegte Darstellung in der
typischen Manier des Künstlers.
(13510811) (18)
Oil on canvas. Relined.
122 x 193 cm.
€ 20.000 - € 40.000
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103

132
JAN PAUWEL GILLEMANS D. J.,
1651 ANTWERPEN – 1704
ALLEGORIE DER IRDISCHEN LIEBE
Öl auf Leinwand. Doubliert.
67 x 82 cm.
Das detailreich mit Kinderfiguren, Parkarchitektur und
Früchtedarstellungen komponierte Bild ist als Allegorie
zu verstehen, die auf die irdische Liebe Bezug
nimmt. Als zentrale Figur zeigt sich ein kleines Mädchen,
nur mit einem roten Lendentuch bekleidet, das
neben einem Vogelkäfig kauert, während es ein in der
rechten Hand hochgehaltenes Vöglein betrachtet, das
alsbald in den Käfig geführt werden soll. Das Vöglein
an einer Schnur geführt, die die linke Hand des Kindes
hält. Rechts daneben ein weiteres Mädchen sowie
zwei stehende Knaben, die wohl erstmals interessiert
auf das Vögelchen, Symboltier der irdischen Liebe blicken,
während sie sich kräftemessend aneinander
halten. Die allegorische Kindergruppe umgeben von
einer Fülle fein gemalter Früchte wie hellen und dunklen
Trauben, Melonen, Baumobst und Feigen. Ein ganzer
Obststrunk zieht von der Mitte des Vordergrunds
nach links einen schrägstehenden Baumstamm hoch,
an dem zwei weitere Knaben ins Geäst steigen, wohl
nach Vogelnestern suchend. Im Hintergrund Blick in
eine Parklandschaft mit nach hinten zum Horizont führender
Pappelallee, davor eine Parkvase. Am rechten
Bildrand ein im Abendlicht stehendes höfisches Parkgebäude.
Die Symbolik der irdischen Liebe wird noch
unterstrichen durch das in der linken unteren Bildecke
dargestellte Kaninchenpaar. Das Bild in meisterhafter
Malweise vorgeführt, die Früchte stilllebenhaft wiedergegeben,
die Lichtstimmung treffend und konsequent
gemeistert.
(1350099) (11)
JAN PAUWEL GILLEMANS THE YOUNGER,
1651 ANTWERP – 1704
AN ALLEGORY OF EARTHLY LOVE
Oil on canvas. Relined.
67 x 82 cm.
This detailed composition of children, park architecture
and fruit depictions symbolizes an allegory referring
to love on earth. The picture is masterfully executed:
the fruit is painted in the manner of a still life and
the atmosphere of the light has aptly and consequently
been mastered.
€ 15.000 - € 20.000
Sistrix
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133
DAVID VINCKBOONS,
1576 MECHELEN – 1629 AMSTERDAM
ÜBERFALL IM WALD
Öl auf Holz.
58 x 78 cm.
Beigegeben ein Gutachten von Dr. Klaus Ertz, Lingen,
vom 10. August 2020, in Kopie.
Blick in das Innere eines Waldes mit großen alten
Bäumen mit weitverzweigten blattreichen Ästen. Im
Vordergrund vier behelmte und bewaffnete Soldaten
die gerade zu einem stattgefundenen Überfall hinzukommen.
Ein Überfallener am Boden liegend während
rechts davon eine offene Truhe auf dem Waldboden
steht, um sie herum diverse verstreut liegende
Kleidungsstücke. Einer der Soldaten weist mit ausgestrecktem
Arm auf zwei in den Wald flüchtende Räuber
hin. Nach links oben Durchblick auf den hellblauen
teils wolkigen Himmel, in dem ein fliegender Vogel
sowie links davon ein sitzender auf einem Ast zu erkennen
sind. Laut Ertz weiten solche Himmelszonen
den engen Waldraum in einen imaginären Landschaftsraum,
in dem sich die Staffagefiguren bewegen
können. Das vorliegende Werk ist seiner Meinung
nach im ersten Jahrzehnt des 17. Jahrhunderts
entstanden.
Literatur:
Vgl. Klaus Ertz/ Christa Nitze-Ertz, David Vinckboons.
1576-1632. Monographie mit kritischem Katalog der
Zeichnungen und Gemälde, aus der Reihe: Flämische
Maler im Umkreis der großen Meister, Bd. 10, Lingen
2016. (13407124) (18)
DAVID VINCKBOONS,
1576 MECHELEN – 1629 AMSTERDAM
AMBUSH IN A FOREST
Oil on panel.
58 x 78 cm.
Accompanied by an expert’s report by Dr Klaus Ertz,
Lingen, dated 10 August 2020, in copy.
According to Ertz, the sky zones widen the narrow
forest space into an imaginary landscape space in
which the staffage figures can move. In his opinion,
the present work was created in the first decade of
the 17th century.
Literature:
cf. Klaus Ertz/ Christa Nitze-Ertz, David Vinckboons.
1576-1632. Monographie mit kritischem Katalog der
Zeichnungen und Gemälde, from the series: Flämischer
Maler im Umkreis der großen Meister, vol. 10,
Lingen 2016.
€ 15.000 - € 18.000
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105

134
ABRAHAM BLOEMAERT,
1564/66 GORNICHEM – 1651 UTRECHT
DAS GOLDENE ZEITALTER
Öl auf Kupfer.
47,5 x 62,5 cm.
In ornamental verziertem Rahmen mit Wellenleistenprofil.
Beigegeben ein Gutachten von Prof. Marcel Roethlisberger,
Genf, 30. März 2006, in Kopie.
Saturn, in dessen Zeichen das Goldene Zeitalter (Saturnia
Regna) stattfindet, blickt auf das Geschehen
auf der Erde von einer Wolkenbank herab und sieht
Menschen, in manieristischer Weise auf der Erde lagernd
oder Früchte sammelnd inmitten einer sonst
unkultivierten Natur nebst fein gemalten Tieren wie
einem Pfau, einem – damals in Europa noch ungewohntem
– Truthahn und Hasen. Nach der Weltgeschichte
des griechischen Dichters Hesiod, die von
anderen klassischen Autoren aufgegriffen wurde,
lebten die Menschen ursprünglich in einem Zustand
des Friedens und des Glücks, in dem sie sich vom
Reichtum der Früchte der großzügigen Natur ernährten
und ansonsten keine weiteren Bedürfnisse hatten.
Auf dieses „Goldene Zeitalter“ folgten weitere
Zeitalter, von denen jedes weniger glorreich war als
das vorhergehende, bis wir zum heutigen Zeitalter
gelangen, das als dunkel und unmoralisch beschrieben
wird. Seit der Renaissance wurde die Vision des
paradiesischen „Goldenen Zeitalters“ von Künstlern
und Beobachtern als Sehnsuchtsprojektion oder als
Prophezeiung seiner Wiederkehr, zum Beispiel zu
Beginn der Herrschaft eines neuen Herrschers, aufgegriffen.
Im Städel Museum in Frankfurt wird eine
Zeichnung verwahrt, in der die hier angebotene Szene
seitenverkehrt dargestellt wird. Es kann also angenommen
werden, dass eine solche Komposition
wie unsere als Vorlage gedient haben muss für die
Zeichnung, nach der eine Kupferstichplatte angefertigt
werden konnte, sodass der Abdruck wieder der
Originalkomposition entsprach.
Literatur:
Vgl. Marcel Roethlisberger, Abraham Bloemaert and
his Sons, Doornspijk 1993, Bd. I, S. 115, 422, Bd. II,
Tafel 119 und 120. (1350041) (13)
ABRAHAM BLOEMAERT,
1564/66 GORNICHEM – 1651 UTRECHT
THE GOLDEN AGE
Oil on copper.
47.5 x 62.5 cm.
Accompanied by an expert’s report by Professor
Marcel Roethlisberger, Geneva, 30 March 2006,
in copy.
Literature:
cf. Marcel Roethlisberger, Abraham Bloemaert and
his Sons, Doornspijk 1993, vol. I, p. 115, 422, vol. II,
plates 119 and 120.
€ 12.000 - € 15.000
Sistrix
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135
JOSEPH VAN BREDAEL,
1688 ANTWERPEN – 1739 PARIS
Josef Bredael entstammte einer Malerfamilie als
Sohn des Joris (1661-um 1706), und Enkel des Pieter
van Bredael (1629-1719). Seine Mutter war die Tochter
des Abraham van Diepenbeeck (1596-1675). Berichten
zufolge ging er 1725 nach Paris, wo er für Sammler
Kopien fertigte, Mitglied der Königlichen Akademie
wurde und lebenslang blieb. In sämtlichen seiner Bilder
besticht vor allem die miniaturhafte Wiedergabe
des Genres.
DORFGRACHT MIT BOOTEN
Öl auf Eichenholz.
24,5 x 34,9 cm.
Um 1720. Verso zwei rote alte Lacksiegel.
Ungerahmt.
Beigegeben eine Expertise von Dr. Klaus Ertz, Lingen,
22. Oktober 2012, mit entsprechenden Vergleichsbeispielen,
in Kopie.
Ein Grachtweiher im Vordergrund zieht mittig zwischen
Häusergruppen nach hinten, zwischen den vorderen
Gebäuden eine Verbindungsbrücke. Die Betrachtung
aus der Kavaliersperspektive bietet einen Blick auf
zahlreiche verschachtelte Gebäude, höhere Stadthäuser
im mittleren Hintergrund, eng gereiht, sowie
einer kleinen Kirche mit Dachreiter links, umgeben
von weiteren, zum Teil im Licht stehenden Häusern.
Beleuchtet wird die Szenerie durch die hinter Wolken
und der Baumkrone links nachmittaglich niedergehende
Sonne. Von besonderem Reiz ist der Erzählerfleiß
des Malers, der durch zahlreiche Staffagefiguren,
sowohl in den Booten als auch an und zwischen den
Gebäuden, die Landschaftsdarstellung bereichert hat.
Selbst im fernen Hintergrund sind Figuren zu entdecken,
die das Leben des niederländischen 18. Jahrhunderts
dokumentierten.
Literatur:
Vgl. Klaus Ertz, Josef van Bredael, Die Gemälde mit
kritischem Œuvrekatalog, Lingen 2006.
Vgl. Hanns Floerke, Studien zur niederländischen
Kunst- und Kulturgeschichte. Die Formen des Kunsthandels,
das Atelier und die Sammler vom 15.-18.
Jh., München/ Leipizig 1905. (1351451) (11)
JOSEF VAN BREDAEL,
1688 ANTWERP – 1739 PARIS
VILLAGE GRACHT WITH BOATS
Oil on oak panel.
24.5 x 34.9 cm.
Ca. 1720.
Accompanied by an expert’s report by Dr Klaus Ertz,
Lingen, 22 October 2012 with respective comparative
examples, in copy.
Literature:
cf. K. Ertz, Josef van Bredael, Die Gemälde mit kritischem
Œuvrekatalog, Lingen 2006.
cf. H. Floerke, Studien zur niederländischen Kunstund
Kulturgeschichte. Die Formen des Kunsthandels,
das Atelier und die Sammler vom 15.-18. Jh., Munich/
Leipzig 1905.
€ 25.000 - € 35.000
Sistrix
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107

136
LOUIS DE CAULLERY,
UM 1580 CAMBRAI – UM 1621 ANTWERPEN
Der hier angenommene Maler war Schüler von Joos
de Momper d. J. (1564-1635) und wurde 1602 Meister
der Sankt Lukasgilde als Nachfolger von Paul Vriedeman
de Vries (um 1567-um 1635).
INTERIEUR MIT GROSSER FEIERNDER
HOCHZEITSGESELLSCHAFT
Öl auf Kupfer.
48,5 x 66 cm.
Verso Zeichen des Tafelmachers Pieters Stas und
Datierung „1605“. Zudem auf Bildseite links unten
auf Hocker weiteres Monogramm.
In einem hohen großen Innenraum mit Kassettendecke,
hohen Butzenscheibenfenstern und Gemälden
eine große illustre, höfisch gekleidete Gesellschaft
bei einer Hochzeitsfeier. Das junge Brautpaar rechts
am Tisch sitzend, er in goldfarbener Kleidung, sie in
Weiß mit hochstehendem Kragen und türkisfarbenen
Ärmeln. Ein im Vordergrund stehender Mann mit
schwarzen Pluderhosen prostet ihnen zu und hält dabei
einen goldenen Pokal nach oben. Hinter ihm hereinkommend
eine Dame in langem, goldbesticktem
Kleid und Schleier, in ihren Händen ein Tablett mit py-
ramidablem Glasaufbau haltend. In der linken Ecke
des Raumes mehrere spielende Musiker. Die leicht
manieristisch überlängten Figuren in prachtvollen
Kostümen wiedergegeben. Da der Künstler häufig
das Bildthema der fünf Sinne darstellte, könnte auch
dies bei dem vorliegenden Gemälde der Fall sein: Die
hängenden Bilder für das Sehen, die Musik für das
Hören, die Speisen für das Riechen und Schmecken
sowie die Umarmungen und die Berührungen der
Gäste für das Tasten. Feine Malerei mit vielen Details
in zurückhaltender Farbgebung.
Provenienz:
Sammlung Erich Müller-Stinnes, Hamburg.
Durch Vererbung an Erika Harre, Hamburg.
Nachlass an die Städtische Kunsthalle,
Mannheim (Inv. Nr. M2292), 1984, aus Bestand an:
Belgische Privatsammlung seit 1990.
Dorotheum Wien, 08.06.2021, Lot 32.
(1351433) (18)
LOUIS DE CAULLERY,
CA. 1580 CAMBRAI - CA. 1621 ANTWERP
INTERIOR WITH LARGE WEDDING PARTY
CELEBRATING
Oil on copper.
48.5 x 66 cm.
Mark of the panel maker Pieters Stas and dating
“1605” on the reverse. To the left of the image another
monogram on a stool.
€ 30.000 - € 50.000
Sistrix
INFO | BID
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137
NIEDERLÄNDISCHER MALER
DES 17. JAHRHUNDERTS
PORTRAIT DER HYLCK ODER
EDWER VAN CAMMINGHA
Öl auf Holz. Parkettiert.
92 x 78 cm.
Rechts oben mit Altersangabe der Dargestellten
„ATETA.24.Ao.“ Links mit Doppelwappen.
In teilvergoldetem ebonisierten Rahmen.
An eine grün bezogene Tischplatte gelehnt steht in
Dreiviertelfigur eine jungen Frau in weißem Seidenkleid
mit eingewebten Ornamenten, schwarzem Umhang,
Goldknöpfen und einer dreireihigen Goldkette,
einem Mühlsteinkragen und einer Spitzenhaube. Links
oben ein von Helmzier bekröntes Doppelwappen.
DUTCH SCHOOL, 17TH CENTURY
PORTRAIT OF HYLCK OR EDWER VAN CAMMINGHA
Oil on panel. Parquetted.
92 x 78 cm.
Age of the depicted top left: ATETA.24.Ao.
With double crest on the left.
Notes:
According to the consigners the crest’s identity was
confirmed as Hylck or Edwer van Cammingha.
€ 16.000 - € 20.000
Sistrix
INFO | BID
Anmerkung:
Die Wappen lassen sich für die Familien van Cammingha
und van Ockinga identifizieren. Es handelt
sich sehr wahrscheinlich um das Portrait einer Tochter
des Ehepaars Cammingha: Hylck oder Edwer van
Cammingha, letztere heiratete 1603. Beigegeben ein
umfassender heraldischer Bericht von Olivier Mertens.
(13514328) (13)
110 HAMPEL ONLINE Visit www.hampel-auctions.com for around 6.500 additional images.

138
JACOB VAN HULSDONCK,
1582 ANTWERPEN – 1647 EBENDA, ZUG.
Jacob van Hulsdonck (1582-1647) war ein flämischer
Maler, der in Antwerpen geboren wurde. In Middleburg
lernte er bei Ambrosius Bosschaert (1573-1621) das
Malen von Stillleben, auf das er sich später spezialisieren
sollte. In dieser Hafenstadt, die mit Amsterdam
konkurrierte, gab es exotische Waren und Produkte im
Überfluss, insbesondere chinesisches Porzellan, das
ein wiederkehrendes Motiv in seinen Kompositionen
wurde. Nach seiner Rückkehr nach Antwerpen trat
Jacob van Hulsdonck 1608 der Malergilde bei und leitete
von 1613 bis 1623 ein florierendes Atelier, das für
seine raffinierten Stillleben mit Blumen und Früchten
bekannt war. Seine Kompositionen, die er von Balthasar
van der Alst (1593-1657) übernommen hatte,
fanden bei seinem Schüler Isaak Soreau (1604-1644)
und später bei Frans Snyders (1579-1657) einen großen
Nachruhm. Seine Meisterwerke werden im Paul Getty
Museum und in der National Gallery in Washington
aufbewahrt.
JACOB VAN HULSDONCK,
1582 ANTWERP – 1647 IBID., ATTRIBUTED
STILLL LIFE WITH FRUIT BASKET
Oil on panel.
68.6 x 89 cm.
Provenance:
Benedict collection.
Maurice Segoura, Paris, 1984.
Exhibition:
Galerie de L’Elysée, Paris, December 1950,
no. 14.
€ 250.000 - € 350.000 (†)
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STILLLEBEN MIT OBSTKORB
Öl auf Holz.
68,6 x 89 cm.
Auf einer angedeuteten Tischplatte steht ein Weidenkorb,
prall gefüllt mit Pfirsichen, Trauben und anderen
Früchten, die ob der Fülle teilweise auf der Tischplatte
Platz gefunden haben. Rechts daneben eine Wanlischale,
die ebenfalls als Füllgefäß und kompositorisches
Gegengewicht gilt. Die diskrete Präsenz der
Schale aus chinesischem Porzellan ist auch ein sozialer
Marker, der die Weltoffenheit einer wohlhabenden
holländischen Bourgeoisie offenbart, die dank der
Importe von Produkten aus dem Fernen Osten durch
die Indien-Kompanie wohlhabend war.
Provenienz:
Sammlung Benedict.
Maurice Segoura, Paris, 1984.
Ausstellung:
Galerie de L´Elysée, Paris, Dezember 1950, Nr. 14.
(13515322) (13)
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139
JORIS VAN SON,
1623 ANTWERPEN – 1667 EBENDA
STILLLEBEN MIT FRÜCHTETABLETT,
HUMMER UND AUSTERN
Öl auf Leinwand. Doubliert.
49 x 65 cm.
Links unten an Tischplatte signiert „J. VAN. SON.“
In dekorativem Rahmen.
Das vorliegende Werk ist besonders typisch für die
Auswahl und Anordnung bei van Son und zeigt alle
seine herausragenden Qualitäten und sollte somit in
seiner künstlerischen Blütezeit – also um 1670 – entstanden
sein. Vor braunem Hintergrund auf einer hölzernen
Tischplatte, die teils mit einem schweren dunkelgrünem
Stoff belegt ist, die sorgsam arrangierten
Objekte: eine flaches glänzendes Tablett mit Pfirsichen
und geöffneten Austern, rechts daneben eine
große Languste, die durch ihre leuchtend rote Farbgebung
besonders gegenüber den helleren Früchten
und dem dunklen Hintergrund hervorgehoben wird
und schließlich ein Korb mit mehreren hellen sowie
dunkelblauen Weintraubenrispen mit Glanzlichtern,
Haselnüssen und einem Zweig mit Pflaumen.
Es bestehen viele Ähnlichkeiten zu weiteren gesicherten
Werken van Sons, wie zum Beispiel zu einigen
Stillleben mit Früchten und Hummer, ausgehend von
jenem im Schwedischen Nationalmuseum in Stockholm
bis zu dem im Fitzwilliam Museum in Cambridge,
dem in der Galerie De Jonckheere – in Brüssel
und Paris – oder jenem, das am 4. Juli 2012 bei Christie‘s
in London versteigert wurde. Von unserem Gemälde
existiert noch eine weitere, etwas kleinere Version,
bei der es sich wahrscheinlich um eine sehr gute
Atelierarbeit handelt.
Joris van Son war einer der begabtesten Anhänger
von Jan Davidsz de Heem. Ebenso wie dieser Meister
spezialisierte sich van Son auf Stillleben mit Früchten,
Blumen, Krustentieren und vielen weiteren typischen
Motiven der flämischen und holländischen Bankettmalerei.
Seine Werke schildern detailgetreu, die Kompositionen
sind sehr aufwendig und überquellend, die
Darstellungsweise ist präzise und die Farbgebung
reich und einladend.
JORIS VAN SON,
1623 ANTWERP – 1667 IBID.
STILL LIFE WITH FRUIT TRAY,
LOBSTER AND OYSTERS
Oil on canvas. Relined.
49 x 65 cm.
Signed on tabletop “J. VAN. SON.” lower left.
There are many similarities to van Son’s other verified
works, such as some Still Lifes with Fruit and Lobster
held at the Swedish National Museum in Stockholm,
the Fitzwilliam Museum in Cambridge, and Galerie De
Jonckheere – in Brussels and Paris – or one that was
offered for sale at Christie’s in London on 4 July 2012.
There is another, slightly smaller version of the present
painting, which is probably a very good work by
the workshop. With minor restorations.
€ 35.000 - € 40.000
Sistrix
INFO | BID
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140
PIETER BOEL,
1622 ANTWERPEN – 1674 PARIS
STILLLEBEN MIT NAUTILUSPOKAL
UND PFIRSICHEN
Öl auf Leinwand. Doubliert.
54,5 x 72 cm.
Links unten an der Zarge des Tisches signiert.
In vergoldetem Prunkrahmen.
Das vorliegende Gemälde ist Beweis für Boels Begabung
als Stilllebenmaler; einige Meisterwerke der flämischen
Schule des 17. Jahrhunderts stammen von
ihm, so zum Beispiel die monumentale Allegorie des
weltlichen Lebens im Musée des Beaux Arts in Lille.
Bei dem Werk begeistern besonders die Qualität der
Pfirsichschale, die Lichtreflexe auf dem Nautilus und
die minuziösen Details auf dem Krug sowie die Feinabstimmung
der Farbtöne. Diese charakteristischen
Elemente sind auch bei dem Stillleben mit Globus,
Musikinstrument und kleinem Hund wiederzufinden,
das in der Akademie der Bildenden Künste in Wien zu
sehen ist.
Nach seinen Lehrjahren bei Jan, seinem Vater, wissen
wir, dass Pieter Boel Schüler von Frans Snyders (1579-
1657) und dann von Jan Fyt (1611-1661) war. Gegen
Ende der fünften Dekade verbrachte er einige Zeit in
Rom und Genua; 1650 findet sich sein Name allerdings
noch in den Listen der Sankt Lukas-Gilde in Antwerpen.
Seine letzten Lebensjahre verbrachte er in
Paris, wo er Entwürfe für Wandteppiche der Manufaktur
Gobelins zeichnete; 1674 wurde er zum Hofmaler
von Ludwig dem XIV. Er war ein Spezialist für Jagdszenen
und Vanitasdarstellungen, bewundert wurde
er jedoch vor allem für seine Tierdarstellungen, seine
Blumen und Früchte, wie man es bei Erasmus Quellinus
(1607-1678) bereits 1661 nachlesen konnte.
PIETER BOEL,
1622 ANTWERP – 1674 PARIS
STILL LIFE WITH NAUTILUS CUP AND PEACHES
Oil on canvas. Relined.
54.5 x 72 cm.
Signed below on the apron of the table.
The present painting is evidence of Boel’s talent as a
still life painter; he created several masterpieces of
the 17th-century Flemish school, such as the monumental
Allegory of the Vanities of the World held at
the Musée des Beaux Arts in Lille.
€ 20.000 - € 25.000
Sistrix
INFO | BID
Literatur:
Vgl. Edith Greindl, Les peintres flamands de nature
morte au XVIIe siècle, Sterrebeek 1983.
(1351551) (18)
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141
JAN FYT,
1611 ANTWERPEN – 1661 EBENDA
STILLLEBEN MIT HUMMER, HASE
UND FRÜCHTEN
Öl auf Leinwand.
90 x 72 cm.
Rechts oben auf der Säule signiert.
In ebonisiertem Profilrahmen.
Wir danken Dr. Fred G. Meijer für die freundlichen
Hinweise.
Stillleben mit zentraler Darstellung eines Hummers,
dessen Scheren über dem Körper eines in den Vordergrund
strebenden Hasen liegen. Früchte liegen auf
Schalen und Platten, ein rotes Repoussoirtuch überfängt
die Szene.
(13514327) (13)
JAN FYT,
1611 ANTWERP – 1661 IBID.
STILL LIFE WITH LOBSTER, RABBIT AND FRUITS
Oil on canvas.
90 x 72 cm.
A signature at the top right of the column.
We would like to thank Dr Fred G. Meijer for his kind
advice.
€ 40.000 - € 60.000
Sistrix
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142
ISAAK SOREAU,
1604 HANAU – NACH 1645 EBENDA
Isaak Soreau (1604-1644) war ein deutscher Maler, der
sich auf Stillleben spezialisierte. Seine Familie war flämischer
Abstammung und zog nach Frankfurt, um sich
den Anhängern der Reformation anzuschließen. Sein
Vater Daniel arbeitete zunächst für den Wollhandel
der Familie und später als Maler und Architekt. Isaak
wurde im väterlichen Atelier ausgebildet, das 1619
nach dem Tod seines Vaters von Sebastian Stoskopff
(1597-1657) übernommen wurde, der seine Ausbildung
vervollständigte. 1626 ging Isaak nach Antwerpen,
wo er wahrscheinlich ein Schüler von Jacob Van
Hulsdonck (1582-1647) war. Als aufmerksamer Beobachter
von Blumen und Früchten bewies er eine außergewöhnliche
Technik und einen seltenen Scharfsinn.
Von einem Werk zum anderen, in dem er die gleiche
Komposition wiederholt, nimmt er Details auf oder entfernt
bestimmte Früchte, um sie voneinander zu unterscheiden.
Soreau wurde in seinen Entscheidungen,
die die natürliche Schönheit von Gegenständen und
die Wohltaten der Natur hervorheben, von Stoskopff
beeinflusst, aber auch von der Opulenz flämischer
Stillleben, die er durch den Kontakt mit Van Hulsdonck
erhalten hatte. Jahrhunderts von Kunsthistorikern verkannt,
ist Isaak Soreau heute bei Liebhabern gefragt
und seine Bilder befinden sich in den größten öffentlichen
Sammlungen, vor allem in Deutschland, in
München und Hamburg.
ISAAK SOREAU,
1604 HANAU – AFTER 1645 IBID.
STILL LIFE WITH FRUIT BASKET AND CARNATION
Oil on panel.
47 x 63 cm.
We would like to thank Dr Fred G. Meijer for confirming
the attribution.
Provenance:
This painting has been held in the same family
collection for over forty years.
€ 190.000 - € 250.000 (†)
Sistrix
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STILLLEBEN MIT OBSTKORB UND NELKE
Öl auf Holz.
47 x 63 cm.
Wir danken Dr. Fred G. Meijer für die Bestätigung der
Zuschreibung.
Auf einer Tischplatte, die nach hinten hin verschattet
ist, steht ihm Zentrum ein à jour gearbeiteter Flechtkorb.
Darin und darum allerlei Obst wie rote und
weiße Trauben, Pfirsiche, Pflaumen und Kirschen.
Während das im Petit Palais aufbewahrte Gemälde
(Inv.Nr. PDUT01157) eine noch horizontalere Anordnung
bietet, bei der ein Korb mit Weintrauben links
von einem tiefen Teller aus weißblauem China-Porzellan
und rechts von einer Zinnschale mit Pflaumen
umgeben ist, findet sich hier links neben dem alles
bestimmenden Korb eine Nelke.
Provenienz:
Seit über 40 Jahren in der Sammlung der gleichen
Familie. (13515317) (13)
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143
PAUL DORIVAL,
1604 GRENOBLE – 1684
STILLLEBEN MIT KORB, TRAUBEN UND PFIRSICHEN
Öl auf Leinwand. Doubliert.
80 x 115 cm.
Beigegeben ein Zertifikat von René Millet, Paris,
19. Juli 2019, in Kopie.
Das vorliegende, für Dorival typische Gemälde zeigt
einen halb im Schatten liegenden, halb vom einfallenden
Licht erhellten Korb, welcher prall mit Trauben,
Pflaumen, Pfirsichen und Kirschen gefüllt ist. Ein Vogel
ist im Begriff, sich über die obersten Trauben herzumachen.
Auf der Tischplatte einige weitere locker
verteilte Früchte. Die Besonderheit des Gemäldes
liegt mitunter in der dokumentierten, nun durch Doublierung
verschlossenen – Signatur und Datierung –
fast ein Unikum, ist doch nur ein weiteres Gemäldes
Dorivals mit diesen Merkmalen bekannt. Stilistisch
orientiert sich Dorival offensichtlich an Isaak Soreau
(1604-um 1640) oder Louise Moillon (1610-1696).
Provenienz:
Sammlung Mestrallet, Paris, um 1962, als rückwärtig
signiert und „1660“ datiert.
Maurice Segoura, Paris, um 2000, als rückwärtig
signiert und „1660“ datiert.
Privatsammlung, Paris.
Literatur:
Michel Faré, La nature morte en France, Genf, 1962,
Bd. II, Abb. 130, (rückwärtig signiert).
Curt Benedict, Petits Maîtres de la Nature Morte en
France, in: L‘Œil, Ausgabe 91-92, Juli -August 1962,
S. 40 und 44.
Michel Faré, Le Grand Siècle de la nature morte en
France. Le XVIIe siècle, Freiburg/Paris 1974, S. 144-145,
abgebildet (rückseitig signiert und datiert „1660“).
Christopher Wright, The French Painters of the
Seventeenth Century, Boston, 1985, S. 177 (rückwärtig
signiert und „1660“ datiert).
Claudia Salvi, D‘après nature. La nature morte en
France au XVIIe siècle, Dornick, 2000, S. 76-77, abgebildet
(rückwärtig signiert und „1661“ datiert).
Eric Coatalem, La nature morte française au XVIIe
siècle, Paris, 2017, S. 150, abgebildet auf S. 151
(rückwärtig signiert und „1660“ datiert).
(1351536) (13)
PAUL DORIVAL
1604 GRENOBLE – 1684
STILL LIFE WITH BASKET, GRAPES AND PEACHES
Oil on canvas. Relined.
80 x 115 cm.
Accompanied by a certificate by René Millet, Paris,
19 July 2019, in copy.
The singularity of this painting is, among other things,
the documented signature and date, however now
sealed due to the relining. This is almost unique, as
there is only one other known painting by Dorival with
these features. Dorival’s style is obviously influenced
by Isaac Soreau or Louise Moillon.
Provenance:
Mestrallet collection, Paris, ca. 1962, as signed on
the reverse and dated “1660”.
Maurice Segoura, Paris, ca. 2000, as signed on the
reverse and dated “1660””
Private collection, Paris.
Literature:
Michel Faré, La nature morte en France, Geneva,
1962, vol. II, ill. 130, (signed on the reverse).
Curt Benedict, Petits Maîtres de la Nature Morte en
France, in: L’Œil, Edition 91-92, July-August 1962, pp.
40 and 44.
Michel Faré, Le Grand Siècle de la nature morte en
France. Le XVIIe siècle, Freiburg/Paris 1974, pp. 144-
145, ill. (signed and dated “660” on reverse).
Christopher Wright, The French Painters of the
Seventeenth Century, Boston 1985, p. 177 (signed
and dated “1660” on reverse).
Claudia Salvi, D’après nature. La nature morte en
France au XVIIe siècle, Dornick 2000, pp. 76-77, ill.
(signed and dated “1661” on reverse).
Eric Coatalem, La nature morte française au XVIIe
siècle, Paris 2017, p. 150, ill. on p. 151 (signed and
dated “1660” on reverse).
€ 100.000 - € 150.000 (†)
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144
FRANÇOIS HABERT,
TÄTIG IN FRANKREICH ZWISCHEN 1643 UND 1652,
ZUG.
VASE MIT BLUMEN UND KORB MIT OBST, UM 1650
Öl auf Leinwand.
40 x 59 cm.
Gerahmt.
Hier die Blumen und Früchte in einem Wettstreit der
leuchtenden Farben und einem Übermaß an attraktiven
Details. Sie konkurrieren um die Vorherrschaft der Fülle,
des Glanzes und der Schmackhaftigkeit. Gemalt mit
Sorgfalt, die sowohl die Zartheit der Töne als auch die
Qualität der Materialien zum Ausdruck bringt, sind diese
beiden Kompositionen jeweils in ihrer eigenen Pracht
präsentiert: eine kleine runde Vase aus chinesischem
Porzellan und ein großer Korb aus geflochtenen Binsen.
Die blumige Raffinesse wird durch die rustikale Fruchtigkeit
ergänzt, auf demselben Steintisch, der teilweise
mit einem dunkelgrünen Tischtuch bedeckt ist. Der
schlichte schwarze Hintergrund zwingt den Blick, sich
allein auf diese Gaben der Natur zu konzentrieren, die
in einer ausgewogenen, aber unwahrscheinlichen Kohabitation
auf einem Altar dargebracht werden. Weintrauben,
Pfirsiche und Pflaumen stammen aus einer
begleitenden Herbsternte, die Blumen hingegen aus
einer verstreuten Frühjahrs- und Sommerernte. Der
Realismus der Darstellung der Materialien wird der
Realität des Kalenders nicht gerecht. Jedes Element
umfasst einen symbolischen Aspekt, losgelöst von
jeglicher Zeitlichkeit. Die zeitl iche Konkordanz opfert
sich der geistigen Logik auf. Wie im 17. Jahrhundert
üblich, das von religiösen Konflikten geprägt war,
über nehmen Stillleben die Rolle der Eitelkeit. Der Heilige
investiert in diese verderb lichen Güter, die, nachdem
sie zu geistiger Nahrung geworden sind, das
Vergehen der Zeit ebenso evozieren wie die Segnungen
des Schöpfers.
Anmerkung:
François Habert war ein Stillleben-Maler, der zwischen
1643 und 1652 in Paris tätig war. Wahrscheinlich
stammte er aus Flandern, denn seine frühen Werke,
mit starkem holländischem und flämischem Einfluss,
sind wohl seinem früheren Schafen in Antwerpen in
der Werkstatt von Jan Davidsz de Heem (1606-1684)
geschuldet.
Von der Bedeutung seiner Tätigkeit zeugt die umfangreiche
Produktion von Gemälden, die zumeist signiert
und datiert sind, die uns überliefert wurden. Erstmals
erwähnt im Inventar von Philippe de Champaigne
(1602-1674), „Une Guirlande de Fleurs du sieur Habert“,
erworben für die beträchtliche Summe von 100
Livres, erscheint es ein zweites Mal im Inventar der
Gemälde von Charles Tardif, Sekretär des Maréchal
de Boufflers, mit einem Blumenbild (vgl. M. Faré,
Le grand siècle de la nature morte en France, Paris
1974). Bei Habert zeigt sich der Einfluss von Jan Fyt,
insbesondere bei der Darstellung von Früchten ist
auch der Einfluss von Jean-Michel Picart (1600-1682)
erkennbar, mit dem er manchmal verwechselt wurde.
Doch im Gegensatz zur barocken Üppigkeit seiner
niederländischen Zeitgenossen, Balthasar van der Alt
(1593-1657), Willem Kalf (1619-1693) oder Abraham
van Beyeren (1620-1690), bevorzugt Habert eine horizontale
Anordnung der Objekte, die der Schule der
französischen Stilllebenmalerei, von der er zusammen
mit Picart und Jacques Hupin (der Mitte des
17. Jahrhunderts tätig war) eines der bedeutendsten
Mitglieder war. (13515310) (10)
FRANÇOIS HABERT,
ACTIVE IN FRANCE FROM 1643 TO 1652,
ATTRIBUTED
VASE WITH FLOWERS AND BASKET WITH FRUIT,
CA. 1650
Oil on canvas.
40 x 59 cm.
€ 30.000 - € 50.000 (†)
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125

145
FRANKFURTER SCHULE DER ERSTEN HÄLFTE
DES 17. JAHRHUNDERTS
STILLLEBEN MIT GLAS, ZITRONE, BLUMENVASE
UND KREBS
Öl auf Leinwand.
61 x 76 cm.
In dekorativem vergoldetem Rahmen
In einem bräunlichen Innenraum ein Tisch mit ockerfarbener
Decke, darauf zu finden: ein mit Weißwein
gefülltes, schlankes, filigranes, venezianisches Glas,
eine aufgeschnittene Zitrone über der ein gelber Falter
fliegt, eine runde Silberplatte mit zwei roten Krebsen,
daneben ein Besteck und schließlich eine große
weiße, teils bemalte Keramikkanne mit zarten rötlichen,
rosafarbenen und weißen Blumen. Gegenstände
und Lebensmittel werden teils paarweise präsentiert:
zwei Zitronenhälften, zwei Flusskrebse, sowie
Messer und Gabel, die, wie in einem vorgetäuschten
Duell, die Schwerter kreuzen. Hier dominiert das Zusammentreffen
von zwei Behältern an der Spitze der
Komposition, die alles entgegengesetzt. Das fängt
schon beim Material an: fein geblasenes Kristall gegenüber
robuster Keramik, ihre Form, schlank oder
gedrungen, aber auch ihre Verwendung, ein Glas und
ein Krug. Zur Transparenz der ersten, die einen Weißwein
mit goldenen Reflexen offenbart, steht die glasige
Undurchsichtigkeit der zweiten gegenüber, einer
improvisierten Vase, in der ein Rosenstrauß verwelkt
und seine Blütenblätter einzeln auf das Tischtuch fallen.
Hier konkurriert das Kostbare mit dem Bescheidenen,
das Raffinierte mit dem Rustikalen, das Barocke
mit der Einfachheit. Die Symbolik soll den
Betrachter an die Vergänglichkeit der irdischen Güter
erinnern. Luxus und Nüchternheit sind hier gleichwertig.
Die Zeit vergeht, nimmt alles mit, was ihr im Weg
steht, korrodiert und verblasst. Das einzige Lebenszeichen
in diesem Stillleben ist der flatternde Schmetterling,
dessen existenzielle Vergänglichkeit noch kürzer
ist, als die des Blumenstraußes. Qualitätvolle Malerei
in zurückhaltender Farbgebung.
Provenienz:
Anonymer Verkauf, Sotheby‘s, New York, 7. April
1989, Lot 77 (als französische Schule des 17. Jahrhunderts).
David Koetser, Zürich, 1989-90, Katalog Nr. 22
(als J. van Winghen).
Anonymer Verkauf, Ader Picard Tajan, Paris, 5. Dezember
1990, Lot 30 (als J. van Winghen).
Bei diesem Verkauf vom jetzigen Besitzer erworben.
Privatsammlung aus Doubs.
Anmerkung:
Zu Beginn des 17. Jahrhunderts entwickelte sich in
Frankfurt am Main und Umgebung eine raffinierte
Schule der Stilllebenmalerei, an deren Spitze der
Maler Georg Flegel (1566-1638) stand. Der aus Mähren
stammende Schüler des flämischen Malers Lucas
Van Valckenborch (1535-1597), gehörte zu einer kleinen
Gruppe von Malern, die dieses aus Flandern und den
Niederlanden importierte Genre mit besonderer Raffinesse
entwickelten. Seine Mitstreiter und Kollegen
waren Daniel Soreau (um 1560-1619) und Pieter Binoit
(1590-1632); ersterer war der Sohn einer protestantischen
Familie aus Tournai, die in Köln Zuflucht suchte
vor der religiösen Verfolgung in Wallonien. Zusammen
mit anderen Künstlern lehrte er in der Stadt Hanau
und zog Schüler an, wie Binoît, ebenfalls wallonischer
Herkunft und dazu bestimmt, einer der Meister
in diesem Bereich zu werden sowie auch der Elsässer
Sébastien Stoskopff (1597-1657). In allen von ihnen
sind flämische und niederländische Einflüsse zu erkennen,
und diese spiegeln sich in der hier vorliegenden
Komposition wider. (1351538) (10)
SCHOOL OF FRANKFURT, FIRST HALF
OF THE 17TH CENTURY
STILL LIFE WITH GLASS, LEMON, FLOWER VASE
AND CRAB
Oil on canvas.
61 x 76 cm.
Provenance:
Anonymous sale, Sotheby’s, New York, 7 April 1989,
lot 77 (as French School, 17th century).
David Koetser, Zürich, 1989-90, cat. no. 22 (as J. van
Winghen).
Anonymous sale, Ader Picard Tajan, Paris, 5 December
1990, lot 30 (as J. van Winghen).
Acquired by current owners at the above sale.
Private collection from Doubs.
€ 20.000 - € 30.000 (†)
Sistrix
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146
NICOLAS BAUDESSON,
1611 TROYES – 1680 PARIS
Gemäldepaar
BLUMEN IN GOLDENEN PRUNKVASEN
Öl auf Leinwand.
66 x 91 cm.
Gerahmt.
Beigegeben eine Expertise von Didier Bodart, Rom,
10. Juni 1990, in Kopie.
Die beiden Gemälde, möglicherweise als höfische Supraporten
geschaffen, zeigen sich zusammengehörig.
So sind die Marmorplatten, auf denen die Vasen stehen,
nach rechts bzw. nach links angeschnitten, wodurch
die gedachte Hängung festgelegt ist. Der Hintergrund
jeweils dunkel gehalten, um so leuchtender
wirken die als Gesteck gebundenen Blumen, die auf
eine Frühsommervegetation verweisen, mit Tulpen,
Rosen, Jasminblüten und blauen Königswinden.
In den beiden Bildern sind es vor allem auch die goldenen
Prunkvasen, die hier höfische Anmutung verleihen.
Die ist ein besonderes Element, das sich nicht in
allen Stillleben des Meisters finden. Gezeigt sind jeweils
weite, ornamental und figürlich getriebene
Schalen auf eingezogenem Fuß. Besonders der Figurendekor
mit liegenden Gestalten beweist hier hohe
malerische Qualität.
Die meisterhaften Werke des Malers ließen ihn auch zu
dem bedeutendsten französischen Blumenmaler vor
Jean-Baptiste Monnoyer werden, zusammen mit Jean-
Marie Picart. Sein Malstil – auch der hier vorliegenden
Bilder – beweist den Aufenthalt des Künstlers in Italien,
wo er 30 Jahre verbrachte und als „Monsú Botteson“
bekannt wurde. Alsbald avancierte er zum bedeutendsten
Blumenmaler Roms, gleichrangig mit dem berühmten
Mario die Fiore. Um 1666 kehrte er nach Paris zurück,
wurde noch spät in die Königliche Akademie
aufgenommen und sogleich zum „conseiller“ ernannt
und stellte 1673 im Salon aus. Dies erklärt auch die
Verbreitung vieler seiner Werke in zahlreiche höfische
Sammlungen seiner Zeit. Schon während seiner Beisetzung
in Saint-Sulpice, Paris, nannte ihn ein Nachruf
als den besten Blumenmaler seiner Zeit.
Erst 1962 gelang es Michel Farè, die zahlreichen unsignierten
Werke seiner Hand zuzuordnen. Dies erklärt,
dass der Maler bis dahin so lange in Vergessenheit war.
(1350061) (11)
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NICOLAS BAUDESSON,
1611 TROYES – 1680 PARIS
A pair of paintings
FLOWERS IN MAGNIFICENT GILT VASES
Oil on canvas.
66 x 91 cm.
Accompanied by an expert’s report by Didier Bodart,
Rome, 10 June 1990, in copy.
€ 20.000 - € 30.000
Sistrix
INFO | BID
147 ENTFÄLLT
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129

148
MALER DES 17. JAHRHUNDERTS
AUS DEM RAUM FLANDERN
PRACHTVOLLER BLUMENSTRAUSS
Aquarell auf Velin.
Sichtmaß: 36,5 x 25,5 cm.
Hinter Glas gerahmt.
Prachtvoller farbiger Blumenstrauß vor weißem Hintergrund,
dessen Blumenstielenden am unteren Rand
zusammengebunden sind. Zu sehen sind unter anderem
Rosen, Chrysanthemen, Lilien, eine blau-weiße
Ackerwinde und diverse Kleinblütler, oft mit kleinen
Insekten, wie Käfern oder einer Libelle wiedergegeben.
Am oberen linken und rechten Bildrand zudem
jeweils ein größerer Schmetterling. Feine Malerei mit
vielen minutiös ausgearbeiteten Details. Leichte Knittersp.
am unteren Rand. Nicht geöffnet.
(13512326) (18)
FLEMISH SCHOOL, 17TH CENTURY
MAGNIFICENT FLOWER BOUQUET
Watercolour on vellum.
Sight size: 36.5 x 25.5 cm.
€ 20.000 - € 30.000
Sistrix
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149
PETER VAN KESSEL,
GEST. 1668 RATZEBURG, ZUG.
Laut RKD tätig 1658 in Bamberg und Würzburg. 1668
in Danzig dokumentiert, dann in Lübeck und Kopenhagen.
Arbeitete für den dänischen Hof.
BLUMENBOUQUET IN GLASVASE
Öl auf Leinwand, auf Karton aufgezogen.
80 x 66 cm.
Rechts unten mit hebräischer Inschrift über Schädel.
In vergoldetem Régence-Rahmen.
Wir danken Dr. Fred G. Meijer für die Zuschreibung
des Gemäldes an genannten Künstler. Er nimmt eine
Entstehungszeit in der ersten Hälfte der 1660er Jahre
an.
Auf einem Steinsockel mit profilierter Deckplatte
steht prominent eine balustrierte Glasvase, deren
Reflexe sich wirkungsvoll vom Steingrund abheben.
Darin befindlich ein locker gestecktes Bouquet aus
weißen Lilien, Nelken, Tulpen, Flieder, Wicken und
weiteren Blüten nebst einem Zweig Jasmin. Ein Gemälde,
das eine sehr ähnliche Komposition aufweist
und mit „P.V. Kessel.F“ signiert ist, wurde am 2. November
2004 bei Sotheby‘s, Amsterdam, unter Lot 52
versteigert. Rest.
(1350942) (13)
PETER VAN KESSEL,
BORN 1668 RATZEBURG, ATTRIBUTED
According to the RKD, active in Bamberg and Würzburg
in 1658. Documented in Danzig in 1668, then in
Lübeck and Copenhagen. He was commissioned by
the Danish court.
FLOWER BOUQUET IN GLASS VASE
Oil on canvas, laid on card.
80 x 66 cm.
Inscribed on skull in Hebrew lower right.
We thank Dr Fred G. Meijer for attributing the painting
to the named artist. He assumes that it was painted
in the first half of the 1660s.
€ 20.000 - € 25.000
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150
NIEDERLÄNDISCHER MALER
DES 17. JAHRHUNDERTS
STILLLEBEN MIT FRÜCHTEN UND GEFÄSSEN
Öl auf Leinwand. Doubliert.
60 x 84,5 cm.
In dekorativem Rahmen.
In einem Innenraum vor brauner Rückwand mit dunkelrotem
schwerem, herabhängendem und teils zur
Seite gezogenem Vorhang ein hölzerner Tisch, darauf
die sorgsam arrangierten Objekte. Zu diesen gehören
ein Weinglas mit herabhängender Zitronenschale,
eine geöffnete Auster, eine Schale mit Besteck und
Krevetten, eine weitere Schale mit einer orange
leuchtenden Apfelsine, einer rötlichen Pflaume und
einer angeschälten gelben Zitrone, darüber Rispen
von Weintrauben und schließlich ein Weinkrug mit
Zinn deckel neben einem leicht glänzenden Zinnbecher.
Rechtsseitig ein aufgeschlagenes Buch mit Beschriftung
und Grafik, darunter, über die teils mit einer
dunklen Samtdecke versehene Tischplatte, einige grafische
beschriftete Blätter sowie eine Flöte und einige
Notenblätter. Der Aufbau erstreckt sich über die linke
Ecke der Tischplatte wie ein dreieckiger Spalt nach
rechts oben zu dem rötlichen Vorhang. Das Licht fällt
von links oben auf die Gegenstände herab und setzt
diverse Glanzlichter. Malerei in überwiegend monochromer
beige-brauner Farbgebung, dabei gelbe,
orange und rote Früchte besonders gegenüber dem
sonst dunklem Hintergrund hervorgehoben. Das Gemälde
teils an Arbeiten von Cornelis de Heem und
Willem Claesz Heda erinnernd.
(1350662) (1) (18)
€ 8.000 - € 10.000
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151
JAN WEENIX,
1640/41 AMSTERDAM – 1719
PORTRAITBILDNIS DES PRINZEN VON ORANIEN
MIT VOGELKÄFIG IN PARKLANDSCHAFT
Öl auf Leinwand.
102 x 154 cm.
Wir danken Fred Meijer vom RKD für die Bestätigung
der Zuschreibung.
Der adelige Knabe ist hier in antiker Gewandung dargestellt
mit auberginefarbenem, togaartig umgehängtem
Mantel mit goldener Schließe über der rechten
Schulter und einer Straußenfeder als Kopfbedeckung.
Der Knabe sitzt heller erleuchtet an einem Steinpodest
vor einem abgedunkelten, dahinterliegenden
kleinen Blumengarten mit großen Sonnenblumen.
Am Boden, zu Füßen des Knaben, eine zerbrochene
Schale mit Nüssen, daneben ein schrägliegender Vogelbauer.
Der Vogel auf seiner Hand mit geöffnetem
Schnabel, während der Knabe ihm mit einem Stöckchen
Futter reicht. Der Blick ist mit leichtem Lächeln
dem Betrachter entgegengerichtet. Links daneben
auf dem Boden zwei Tauben sowie ein von links herantretender
Spaniel. Im Hintergrund großes Parkbassin
mit Figuren auf Steinpodesten und Balustraden.
Am linken Bildrand eine große, den Bildrand säumende
Parkfigur, dahinter die Ecke eines Palastgebäudes
mit Pilastern. Der Abendhimmel leicht wolkig, darin
eine schwebende Taube. Die Lichtregie im Bild hat die
Figur des jugendlichen Prinzen in der Leuchtkraft der
Kleidung und des Gesichtes vor dem schattigen Hintergrund
hervorgehoben. Die dunkleren Partien des
Bodens sowie der dahinter liegenden Steinmauer
durch einen fliegenden Schmetterling und eine vom
rechten Bildrand hereinragende Geranienblüte aufgehellt
und verlebendigt. Gegenstände und Begleittiere
sind der Zeit gemäß allegorisch zu deuten, insbesondere
hier im Zusammenhang mit dem Dargestellten.
So sollen die Tauben neben dem Hund das friedliche
Zusammensein und Zusammenleben der künftigen
Regierung des Prinzen verweisen. Die Sonnenblumen
im Hintergrund verweisen auf die Zeit des Absolutismus
und die übliche Beziehung zum Sonnenkönigtum,
in dessen politische Ära der Prinz hineinwuchs.
Jan Weenix war Sohn und Schüler des Jan Baptist
Weenix in Utrecht, widmete sich der Malerei von Portraits,
Landschaften, Tier- und Jagdstillleben. Hauptsächlich
war er in Utrecht und Amsterdam tätig. Von
1702 bis 1712 war er Hofmaler des Kurfürsten Johann
Wilhelm in Düsseldorf. In dieser Zeit dürfte auch das
vorliegende Portrait entstanden sein.
Literatur:
Vgl. Horst Vey und Anna-Maria Kesting, Katalog der
niederländischen Gemälde von 1550 bis 1800 im
Wallraf-Richartz Museum und im öffentlichen Besitz
der Stadt Köln 1976, S. 137. (1350092) (11)
JAN WEENIX,
1640/41 AMSTERDAM – 1719
PORTRAIT OF THE PRINCE OF ORANGE
WITH BIRD CAGE IN PARKLAND
Oil on canvas.
102 x 154 cm.
We would like to thank Fred Meijer at RKD for
confirming the artist.
Literature:
cf. Horst Vey and Anna-Maria Kesting, Katalog der
niederländischen Gemälde von 1550 bis 1800 im
Wallraf-Richartz Museum und im öffentlichen Besitz
der Stadt Köln 1976, p. 137.
€ 50.000 - € 60.000
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135

152
CRISTOFORO MUNARI,
1667 REGGIO EMILIA – 1720 PISA
SATZ VON VIER STILLLEBEN
MIT MUSIKINSTRUMENTEN
Jeweils Öl auf Leinwand.
Jeweils ca. 51 x 69 cm.
In vergoldeten Rahmen.
Beigegeben eine Expertise von Francesca Baldassari,
Florenz, 18. September 2022, in Kopie.
In einem dunklen Innenraum auf einer mit Decke
belegten Platte liegend die prachtvollen Musikinstrumente.
Auf dem ersten Gemälde eine große Laute
und ein hellbraunes Cello auf einer grünen Samtdecke,
daneben am Rand drei leuchtend rote Äpfel und
ein über die Tischplatte hängendes Notenblatt. Das
zweite Gemälde zeigt auf einer hellgrünen Samtdecke
liegend eine prachtvolle goldglänzende Harfe, dahinter
eine Laute, eine Flöte sowie eine glänzende Trompete.
Ferner zwei Notenblätter, von denen eins über
die Tischkante erneut herabhängt. Auf einem mit roter
Samtdecke belegten eckigen Tisch schließlich auf einem
Notenheft liegend eine große Laute sowie zwei
kleinere Geigen. Zudem zwei weiße Blütenstängel
und am Tischrand zwei leuchtend gelbe Zitronen, von
denen eine angeschnitten ist. Zuletzt auf einem ovalen
Tisch eine apricotfarbene Decke, darauf neben einer
Mandoline und einer Gitarre eine weiße Karaffe
mit bläulichem Muster, ein gerolltes Notenblatt und
am Tischrand zwei gelb-rote saftige Pfirsiche. Meisterliche
Wiedergabe der Musikinstrumente mit bravouröser
Hell-Dunkel-Inszenierung.
(13508622) (4) (18)
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CRISTOFORO MUNARI,
1667 REGGIO EMILIA – 1720 PISA
Today the artist is considered an important master of
Italian still lifes from the turn of the 18th century and
his works are held at the Palazzo Pitti and the Uffizi
Galleries
SET OF FOUR STILL LIFES WITH MUSICAL
INSTRUMENTS
Oil on canvas each.
Two paintings: 51 x 69 cm
and the other two: 52 x 69 cm.
Accompanied by an expert´s report by Francesca
Baldassari, Florence, 18 September 2022, in copy.
€ 60.000 - € 80.000
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139

Lot 152
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Lot 152
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141

153
JOHANN HEISS,
1640 MEMMINGEN – 1704 AUGSBURG
Der Künstler verbrachte seine Lehrjahre in Memmingen.
Es wird angenommen, dass er sich für seine malerische
Weiterentwicklung auch in Italien aufgehalten
hat. Er war Schüler des Malers Johann Heinrich
Schönfeld. 1663 und 1664 befand er sich in Stuttgart
in Diensten des württembergischen Herzogs Eberhard
III. Ab 1669/70 lebte er wieder in Memmingen
und schuf in dieser Zeit eine Reihe von Historienbildern,
die sein überregionales Renommee begründeten.
1677 siedelte er nach Augsburg über. Seine Bilderrätsel
in den allegorischen, mythologischen und
religiösen Werken, die zu ihrem Verständnis aufgelöst
werden mussten, trafen den Geschmack einer gebildeten
Kundschaft.
SCHWURSZENE EINES KNABEN
IM RÖMISCHEN JUPITERTEMPEL
Öl auf Leinwand.
128,5 x 193,5 cm.
Rechts unten signiert und datiert „1700“.
Wir danken Dr. Peter Königfeld für seine Bestätigung
vom 27. Februar 2023. Derzufolge handelt „es sich
um ein eigenhändiges Spätwerk von Johann Heiss“,
einer breiter angelegten Variante des in seiner Heiss-
Monografie unter Kat.Nr. C20 aufgeführten Schwur
des Hannibal in der Sammlung Hohenbuchau.
Der Maler, bekannt für seine antiken und alttestamentlichen
vielfigurlichen Themen, hat auch hier die
Szenerie durch zahlreiche Figuren wiedergegeben,
die sich in einem fantasievoll vorgetragenen Jupitertempel
befinden. Die genaue historische Einordnung
der Szene ist noch nicht eindeutig geklärt. Ebenfalls
zeigt das Bild einen an den Stufen eines Dreifußaltar
knienden Knaben, der seine rechte Hand zum Schwur
erhebt, die linke die rote Toga eines Feldherrn oder
Herrschers berührt. Sein Blick gilt der erhöht auf einem
Podest stehenden Zeus-Sitzstatue mit Adler und Feuerbündel.
Die Statue in einem Baldachin mit rotem
Velum, getragen von kannelierten ionischen Säulen.
Neben dem Opferaltar einige weiß gekleidete Priester,
davor an den Statuen zwei Opferlämmer. Nach links
hin zieht sich eine von links oben beleuchtete Gruppe
von Frauen und Männern, die Männer zumeist in orientalischer
Kleidung mit Turban, dazwischen aber auch
römische oder griechische Gestalten in Rüstung. Der
Hintergrund zeigt das Tempelinnere mit Blick auf
einen Querarm des Baus in Art einer Basilika mit über
dem Gesims befindlichem Lünettenfenster, die Wände
mit kannelierten korinthischen Pilastern besetzt. Im
Zentrum eine Figurennische mit der Statue der Göttin
Juno, seitlich kleinere Figurennischen mit Mars und
Venus. Darüber jeweils zwischen Pilastern Kriegstrophäen.
Im Vordergrund zwei männliche Figuren, wohl
aus einem Kampfgeschehen herbeigekommen, auf
einem Schild sitzend bzw. kniend, mit Kampfbeil und
Kampfkeule. Auffallend die dahinter in Erregung niederkniende
Frau mit ausgebreiteten Armen, bei der es
sich möglicherweise um die Mutter des schwörenden
Knaben handelt. Die Frage, ob es sich bei der Darstellung
um eine römische oder griechische Szenerie handelt,
ist noch nicht geklärt zumal auch dem Maler
Heiss griechische bzw. antike Schriftzeichen nicht hinreichend
genug bekannt waren, denn die Aufschrift
auf dem Zeus-Sockel mischt griechische mit asiatischen
Buchstabenzeichen.
Anmerkung:
Bilder seines umfangreichen Werkes befinden sich in
zahlreichen privaten Sammlungen. (1351307) (13)
JOHANN HEISS,
1640 MEMMINGEN – 1704 AUGSBURG
A BOY MAKING A VOW IN A ROMAN TEMPLE OF
JUPITER
Oil on canvas.
128.5 x 193.5 cm.
Signed and dated “1700” lower right.
We would like to thank Dr Peter Königfeld for his confirmation
dated 27 February 2023. According to this,
“this is a later work by Johann Heiss himself”, a wider
variation of the The Oath of Hannibal in the Hohenbuchau
Collection listed in his Heiss monograph under
cat. no. C20.
€ 65.000 - € 80.000
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154 ENTFÄLLT
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143

155
FLORENTINISCHER MEISTER
DES FRÜHEN 17. JAHRHUNDERTS
PORTRAIT EINES JUNGEN MIT NELKE
Öl auf Leinwand. Altdoubliert.
69 x 52 cm.
In vergoldetem ornamental verziertem Rahmen.
Halbfiguriges Gemälde eines jungen Mannes, der als
Zeichen seiner Liebe eine rote Nelke vor seiner Brust
hält. Das Gemälde, das einst Cristofano Allori zugeschrieben
wurde, wird zumindest in dessen Umkreis
entstanden sein, sind doch die stilistischen Gemeinsamkeiten
nicht von der Hand zu weisen. So existiert
von ihm ein sehr ähnliches Portrait Agnolo di Lorenzo
dei Favilla zeigend.
(13508612) (4) (13)
FLORENTINE MASTER OF THE
EARLY 17TH CENTURY
PORTRAIT OF A BOY WITH CARNATION
Oil on canvas. Old relining.
69 x 52 cm.
The painting, which had previously been attributed to
Cristofano Allori, must have been created at least by
his circle, as the stylistic similarities are obvious.
There is a very similar portrait of him depicting Agnolo
di Lorenzo dei Favilla.
€ 15.000 - € 20.000
Sistrix
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156
MICHELANGELO PACE DA CAMPIDOGLIO,
UM 1610 – UM 1670
GROSSES STILLLEBEN MIT FRÜCHTEN
UND KUPFERKANNE
Öl auf Leinwand. Doubliert.
118 x 166,5 cm.
In vergoldetem ornamental verziertem Rahmen.
Beigegeben ein Gutachten von Prof. Giancarlo
Sestieri, Rom, 18. November 2005, in Kopie.
Das vorliegende Gemälde, das von Sestieri in die
1660er-Jahre datiert wird, zeigt inmitten einer Parklandschaft
reichhaltiges Ensemble frischer Früchte
und Blumen. Diese sind auf mehrere Stufen verteilt.
Nahe einem Gewässer liegen Weintrauben, am Ufer
ein Korb mit Äpfeln, Birnen und Trauben, daneben Melonen
und eine Kupferkanne, unter der Steinpilze liegen,
links erhebt sich ein profilierter Sockel mit Parkvase,
von der Blütenfestons herabgleiten. Sestieri
schreibt Pace eine Hauptrolle in der Entwicklung des
römischen Stilllebens zu.
MICHELANGELO PACE DA CAMPIDOGLIO,
CA. 1610 – CA. 1670
LARGE STILL LIFE WITH FRUIT AND COPPER JUG
Oil on canvas. Relined.
118 x 166.5 cm.
Accompanied by an expert’s report by Professor
Giancarlo Sestieri, Rome, 18 November 2005, in copy.
The present painting, which Sestieri dates to the 1660s,
shows an elaborate arrangement of fresh fruit and
flowers in the middle of a park landscape.
Literature:
cf. Dipinti italiani ed europei del XVII e XVIII secolo.
Nuovi Studi sulla Natura Morta Italiana, Rome, 1989,
pp. 80-81.
€ 25.000 - € 30.000
Sistrix
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Literatur:
Vgl. Giancarlo Sestieri (Hrsg.), Dipinti italiani ed europei
del XVII e XVIII secolo, Ausstellungskatalog, Galleria
Cesare Lampronti, Rom, 26. Oktober 2000-15.
Dezember 2000, Rom 2000, S.80-81.
(1350862) (4) (13)
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157
DAVID DE CONINCK,
UM 1642/44 – UM 1700
Gemäldepaar
GROSSFORMATIGE DARSTELLUNGEN VON
PFAUEN, UMGEBEN VON WEITEREM FEDERVIEH
Öl auf Leinwand.
Jeweils 119 x 172 cm
Beigegeben eine Expertise von Prof. Giancarlo Sestieri,
Rom, 3. Dezember 2019, in Kopie.
Die beiden Gemälde als Pendants geschaffen. Die
Pfauenvögel in leicht abgedunkelter Landschaft stehend.
Zu Füßen der erhöht gestellten Pfauen Wildente
und Küken bzw. ein Huhn und dessen Küken auf
einer Tonschale sitzend. In beiden Bildern ist jeweils
das männliche Tier an der linken bzw. rechten Bildseite
gegenübergestellt, mit gegenseitigem Blickkontakt.
Weiter erhöht auf einem Steinsockel bzw. einem
Holzgestell weiteres Federvieh wie Tauben im linken
sowie ein Huhn im rechten Bild. Der landschaftliche
Hintergrund bereichert durch eine Steinbalustrade mit
Gartenvasen, eine große Steinmuschel links in einem
der Bilder sowie Teil einer Gartenmauer mit dahinter
sich zum Horizont weitender Landschaft. Auch die
beiden Hauptfiguren sind in ihrer Bewegung aufeinander
bezogen; einer der Pfauen mit geöffnetem Schnabel
wiedergegeben, während der andere horchend
erscheint. Das Gefieder fein gemalt mit treffender Unterschiedlichkeit
zwischen Kükenflaum und Glätte des
Federkleids. Thematisch ist das Bilderpaar als eine Allegorie
der Herrschaft und Macht gegenüber untergebenen
Gesellschaftsschichten zu sehen, da der Pfau
als Symbol des Königtums gilt.
(1350093) (11)
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DAVID DE CONINCK,
CA. 1642/44 – CA. 1700
A pair of paintings
LARGE FORMAT DEPICTIONS OF PEACOCKS
SURROUNDED BY FOWL
Oil on canvas.
119 x 172 cm each.
Accompanied by an expert’s report by Professor
Giancarlo Sestieri, Rome, 3 December 2019, in copy.
Both paintings created as counterparts. The peacocks
depicted standing in a slightly darkened landscape.
€ 80.000 - € 100.000
Sistrix
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151

158
ITALIENISCHER MEISTER
DES 17. JAHRHUNDERTS
PAAR LANDSCHAFTEN
Öl auf Leinwand. Doubliert.
150 x 190 cm
In vergoldeten Rahmen mit Eckzierrat.
Beigegeben in Kopie ein Gutachten von Patrizia Caretto,
Turin, 17. Juli 2007, das Werk Willem de Heusch zuschreibend.
Offensichtlich kompositorisch als Gegenstücke angelegt
bietet dieses Gemäldepaar eine beeindruckende
realitätsnahe Ansicht einer Landschaft, die von der
Staffelung mehrerer Motive lebt, die von leicht erhobenem
Standpunkt des Betrachters erlebbar wird. Die
Macht und Größe der Natur wird durch Größenvergleiche,
die sich durch die Staffierung mit italienisierten
Architekturen und Figuren – die mitunter in ein
Scharmützel verwickelt sind – ergeben, unterstrichen.
Die Figurendarstellungen an Michelangelo Cerquozzi
(1602-1660) und auch Jan Miel (1599 - 1663) erinnernd.
Auch de Heusch hielt sich zwischen 1640 und
1649 in Italien auf und saugte dort das italienische
Licht und die Landschaften rund um Rom auf, die er
– wie auch sein Lehrer Jan Both – gern in seinen noch
in Utrecht entstandenen Landschaftskompositionen
verwendete.
ITALIAN SCHOOL
OF THE 17TH CENTURY
PAIR OF LANDSCAPES
Oil on canvas. Relined.
150 x 190 cm
Accompanied by an expert’s report by Patrizia Caretto,
Turin, 17 July 2007, attributing the work to Willem de
Heusch, in copy.
€ 50.000 - € 60.000
Sistrix
INFO | BID
Literatur:
Vgl. Walther Bernt, Die niederländischen Maler und
Zeichner des 17. Jahrhunderts, München 1979, Bd. 2.
Vgl. Luigi Salerno, Pittori di Paesaggio del ´600 a
Roma, Rom 1977, Bd. 2.
Vgl. Luigi Caretto, Guida al mercato dei pittori
fiamminghi e olandesi 1600 - 1700, Turin 1995.
(1350863) (4) (13)
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153

Lot 158
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Lot 158
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155

159
GIROLAMO FORABOSCO,
UM 1630 – UM 1689
PORTRAIT EINER FRAU UND EINES MÄDCHENS
Öl auf Leinwand.
150 x 125 cm.
In mit Goldornamenten verziertem ebonisiertem
Rahmen.
Beigegeben ein Gutachten von Alessandro Nesi,
in Kopie.
Vor einem Säulenbündel, das durch die profilierte
Basis hervorgehoben wird, sitzt in grünem mit edler
Goldwirkerei ornamental verziertem Kleid eine junge
Frau mit aufwändiger Spitzenkrause und reichem Perlschmuck
auf einem venezianischen Sessel mit roter
Lederrückenlehne. Neben ihr steht ein Mädchen in
himbeerrotem Kleid mit Spitzenbesatz, den Perlschmuck
der Frau spiegelnd. Links ein Ausblick in eine
flache baumbestandene Landschaft. Es handelt sich
um ein wenig intimes, jedoch mehr offizielles Portrait
und die wenigen persönlichen Elemente lassen eine
Identifizierung der dargestellten Figuren bislang noch
nicht zu.
GIROLAMO FORABOSCO,
CA. 1630 – CA. 1689
PORTRAIT OF A WOMAN AND A GIRL
Oil on canvas.
150 x 125 cm.
Accompanied by an expert´s report by Alessandro
Nesi, in copy.
€ 35.000 - € 45.000
Sistrix
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Literatur:
Vgl. Giuseppe Fiocco, La pittura veneziana del
Seicento e Settecento, Florenz 1929, S. 24.
Eduard A. Safarik, Gabriello Milantoni, La pittura del
Seicento a Venezia, in: La pittura in Italia. Il Seicento,
Mailand 1989, S. 163. (1351905) (13)
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160
PIETRO ANTONIO MAGATTI,
1687 VARESE – 1786, ZUG.
DAVID MIT DEM HAUPT DES GOLIATH
Öl auf Leinwand. Doubliert.
132 x 92 cm.
In vergoldetem ornamental verziertem Rahmen.
In kühlen, fast camaieuhaften Farben wird David in den
Mittelgrund gestellt, der in der einen Hand die Waffe,
in der anderen Hand das abgeschlagene Haupt des
Goliath trägt, während um seine Hüfte die Schleuder
hängt. Zahlreiche musizierende himmlische Figuren
sind teils im Vordergrund teils im Hintergrund auf einem
Felsvorsprung zu Ehren des biblischen Helden
vorgeführt, dessen Dynamik im Vorwärtsschritt und
der Präsentation des Unterlegenen durch den Pinselduktus
unterstrichen wird. Pietro Antonio Magatti
erhielt seine künstlerische Ausbildung in Bologna, wo
er die Werke von Giacomo Cavedone und Giovanni
Gioseffo Dal Sole studierte. Im Jahr 1725 schuf er ein
Gemälde für die Rosenkranzkapelle in San Vittore in
Varese. Dieses erste eigenständige Altarbild verbindet
die Elemente der emilianischen Malerei mit den Lichteffekten
der lombardischen Malerei. Die folgenden
Aufträge, meist im kirchlichen Kontext, zeigen allmählich
eine größere Leichtigkeit in der Ausführung: Die
Gemälde werden mit breiten und transparenten Pinselstrichen
ausgeführt, mit einer zunehmend klaren und
zarten Farbgebung. Ab den 1740er Jahren spielte
Magatti eine führende Rolle im künstlerischen Milieu
von Varese, wo er als der bedeutendste Maler des 18.
Jahrhunderts gilt.
(1351879) (13)
PIETRO ANTONIO MAGATTI,
1687 VARESE – 1786, ATTRIBUTED
DAVID WITH THE HEAD OF GOLIATH
161
FRANCESCO SOLIMENA,
1657 CANALE DI SERINO – 1747 BARRA DI NAPOLI,
ZUG.
JAKOB UND RAHEL AM BRUNNEN
Öl auf Leinwand. Doubliert.
129 x 181 cm.
In ebonisiertem Rahmen.
Beigegeben ein Restaurierungsbericht von Anna
Lucchini, Mailand, in Kopie.
Darstellung eines gestuften Brunnenbereiches, an
welchem Jakob sich bemüht Wasser zu schöpfen,
während neben ihm Rahel sitzt, den Kopf auf ihren
Handrücken stützend. Die altbiblische Szene nach
dem ersten Buch Mose, Kapitel 29, schildert die erste
Begegnung Jakobs und seiner späteren Gemahlin Rahel.
Gezeigt ist, wie er, soeben aus Haran eingetroffen,
für die junge Schäferin Rahel einen schweren Stein
von der Brunnenöffnung hebt, damit sie ihre Tiere
tränken kann.
(1351591) (13)
FRANCESCO SOLIMENA,
1657 CANALE DI SERINO – 1747 BARRA DI NAPOLI,
ATTRIBUTED
JACOB AND RACHEL AT THE WELL
Oil on canvas. Relined.
129 x 181 cm.
Accompanied by a restoration report by Anna Lucchini,
Milan, in copy.
€ 30.000 - € 50.000
Sistrix
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Oil on canvas. Relined.
132 x 92 cm.
€ 18.000 - € 25.000
Sistrix
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159

162
MATTIA PRETI,
1613 TAVERNA/ CATANZARO –
1699 VALLETTA/ MALTA, ZUG.
Der in Kalabrien geborene und auf Malta verstorbene
Maler hatte nach Auskunft seiner Zeitgenossen ein
äußerst bewegtes Leben. Er war nicht allein Maler,
sondern auch Ordensritter der Malteser und wurde
aufgrund des Ruhmes seiner Familie „Il Cavalier
Calabrese“ genannt. In Rom erhielt er Aufträge von
Papst Urban VIII sowie von Kardinal Rospigliosi. Sein
Werk zeigt die Schule des Guercino (1591-1666), Giovanni
Lanfranco (1582-1647) und Domenico Zampieri
(1581-1641) sowie den starken Einfluss der tenebristischen
Malerei der Caravaggisten. Werke seiner Hand
finden sich in den bedeutendsten öffentlichen Sammlungen
und Museen wie etwa: Museum of Fine Arts,
Houston, Nationalmuseum, Warschau, Prado, Madrid,
Pinacoteca di Brera, Mailand, Galleria dell´Accademia,
Venedig; sein Selbstbildnis befindet sich in den Uffizien,
Florenz.
ALLEGORIE DER KÜNSTE
Öl auf Leinwand. Doubliert.
122 x 106 cm.
In stark profiliertem teilvergoldetem Rahmen.
Provenienz:
Privatsammlung, Neapel.
Mailand, Finarte, 26. November 1985.
Venedig, Semenzato, 10. Dezember 1998, Lot 100.
Privatsammlung, Venedig.
Literatur:
Das hier angebotene Werk von Mattia Preti ist publiziert
in: John T. Spike, Mattia Preti. Catalogo ragionato
dei dipinti, Florenz 1999, S. 403, Nr. 434, als hinsichtlich
der Zuschreibung nicht sicher („The attribution is
uncertain“).
Erminia Corace (Hrsg.), Mattia Preti. Dal segno al
colore, Rom 1995, S. 38, Abb. 1.
Sandro Debono, Giuseppe Valentino, Mattia Preti. Oltre
l´autoritratto, Ausstellungskatalog, Museo Civico, Taverna,
24. Februar-21. April 2013, National Museum,
Valletta, 03. Mai-07. Juli 2013, Valletta 2013, S. 89.
Giornale dell´Arte, Januar 1986, Abb. 25.
Vincenzo Pacelli, Inediti di Battistello Caracciolo e
Mattia Preti, in: Studi di storia dell'arte, 1.1990,
S. 269, Abb. 4. (1351478) (13)
Ein Innenraum mit unverputztem Mauerwerk empfängt
seine Beleuchtung von einer oben links zu lokalisierenden
Lichtquelle. Davor zwei weibliche allegorische
Figuren. Die eine präsentierte eine gemalte
Skizze, die andere einen Zirkel mit einem sie hinterfangenden
Architekturplan einer Wehranlage, die an der
Rückwand befestigt ist, und weist zeitgleich auf eine
rechts am Rand stehende Büste, sodass der Dreiklang
der Künste Malerei, Architektur und Bildhauerei erreicht
wird. Die Häupter der Allegorie der Malerei und
die Büste mit Lorbeerblattkranz. Das Portrait, das auf
dem Bild im Bild zu sehen ist, wird traditionell als
Selbstportrait Mattia Pretis selbst verstanden, da es
zum Beispiel ein Selbstbildnis in der St. Johns Co-Cathedral
in Valetta auf Malta gibt, welches dem hier dargestellten
Portrait stark ähnelt.
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MATTIA PRETI,
1613 TAVERNA/ CATANZARO - 1699 VALLETTA/
MALTA, ATTRIBUTED
ALLEGORY OF THE ARTS
Oil on canvas. Relined.
122 x 106 cm.
Provenance:
Private collection, Naples.
Mailand, Finarte, 26th November 1985.
Venedig, Semenzato, 10th December 1998, lot 100.
Private collection, Venice.
Literature:
The painting on offer for sale here is published in:
John T. Spike, Mattia Preti. Catalogo ragionato dei
dipinti, Florence 1999, p. 403, no. 434, (“The attribution
is uncertain”).
Erminia Corace (ed.), Mattia Preti. Dal segno al
colore, Rome 1995, p. 38, ill. 1.
Sandro Debono, Giuseppe Valentino, Mattia Preti.
Oltre l’autoritratto, exhibition catalogue, Museo Civico,
Taverna, 24th February-21st April 2013, National
Museum, Valletta, 3rd May-7th July 2013, Valletta
2013, p. 89.
Giornale dell’Arte, January 1986, ill. 25.
Vincenzo Pacelli, Inediti di Battistello Caracciolo e
Mattia Preti, in: Studi di storia dell’arte, 1.1990, p. 269,
ill. 4.
€ 200.000 - € 400.000
Sistrix
INFO | BID
Detailabbildung Lot 162
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163

163
RÖMISCHER MEISTER DES 17. JAHRHUNDERTS
DIE VERHERRLICHUNG DER DREIFALTIGKEIT
Öl auf Leinwand. Doubliert.
135 x 91 cm.
In gewungenem leicht hochovalem Rahmen.
Wir danken Francesco Pedrucci, der das Gemälde
gerne in einein Vorbereitung befindliche Ausstellung
zur Römischen Malerei inkludieren möchte.
Bozzetto für einen kirchlichen Innenraum. Der obere
Bereich des Bozzetto zeigt den Heiligen Geist in Gestalt
einer schwebenden Taube, von weißen Strahlen
und gelblichen Himmelslicht umgeben. Davor sitzend
auf einer großen Wolke, umgeben von zahlreichen
Putti, Gottvater mit grauem Bart, blauem Gewand und
rotem Mantel, die rechte Hand erhoben, neben ihm
Jesus in weißes Gewand gehüllt mit ausgebreiteten
Armen, beide aufmerksam nach unten schauend.
Jeweils am linken und rechten Rand von ihnen musizierende
und singende Engel sowie zahlreiche kindliche
Puttiköpfe.
Unterhalb von ihnen auf der linken Seite zunächst die
Gottesmutter Maria in altrosafarbenem Gewand und
blauem Mantel, hinter ihr sitzend Johannes der Täufer,
in seinen Händen ein Kreuzesstab haltend. Mittig und
in den unteren Teil des Gemäldes gehend folgt die
Darstellung von zahlreichen Bischöfen, Päpsten, Klostergründern
und Heiligen, auf Wolken schwebend und
jeweils von zahlreichen Putti umgeben, die teils die
Attribute der Dargestellten halten. Qualitätvolle vielfigurige
Malerei mit vielen Details in frischen, leuchtenden
Farben. Vereinzelt kleine Retuschen.
(1351751) (18)
ROMAN SCHOOL, 17TH CENTURY
THE GLORIFICATION OF THE HOLY TRINITY
Oil on canvas. Relined.
135 x 91 cm.
We thank Francesco Pedrucci, who would like to include
the painting in an exhibition on Roman painting
that is in preparation.
€ 18.000 - € 25.000
Sistrix
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164 HAMPEL ONLINE Visit www.hampel-auctions.com for around 6.500 additional images.

164
JOACHIM VON SANDRART,
1606 FRANKFURT AM MAIN – 1688 NÜRNBERG
BILDNIS EINER ADELIGEN DAME MIT
DEN ATTRIBUTEN DER HEILIGEN CÄCILIA
Öl auf Leinwand.
103 x 82 cm.
Beigegeben ein Gutachten von Peter van den Brink,
Aachen, das Gemälde dem genannten Künstler zuschreibend.
Dreiviertelbildnis einer an einer Hausorgel sitzenden
jungen Adeligen, nahezu in Lebensgröße wiedergegeben.
Der Blick dem Betrachter entgegengerichtet.
Die rechte Hand hält sie auf die Tastatur, die linke an
den Busen, gleichzeitig einen dünnen Schleier haltend,
der von ihrer Haube herabzieht. Ihre höfische
Kleidung ist insofern idealisiert, als sie hier ein rotes
Kleid mit goldfarbenem Brokatmantel trägt, innen
blau gefüttert, ein Kleidungsstück, das in dieser Erhöhung
auch bei Bildnissen der Heiligen Cäcilia – Patronin
der Kirchenmusik - zu finden ist. Dennoch trägt sie
eine Perlenkette mit Perlenohrring und am Kleidersaum
eine Goldbordüre mit Edelsteinagraffe. Ihr Haar
fällt in dunklen Locken zur Schulter herab. Die Orgel
ist kunstvoll gebaut, die Pfeifen zwischen vergoldeten
Atlanten, die die Abdeckung tragen. Im Hintergrund
erscheint eine jugendliche Engelsfigur. Insgesamt mit
Kleid und Flügel in deutlich zarteren Farben wiedergegeben,
was diese Gestalt als „Erscheinung“ wirken
lässt. Der Engel hält ein Notenblatt und deutet mit
dem rechten Zeigefinger auf die Noten, um der adeligen
Musikerin die musikalischen Hinweise zu geben.
Gedanklich ist dieses Motiv zu verstehen als himmlische
Eingebung der Musik und Komposition. Im Hintergrund
ein grünes Velum, leicht nach rechts zurückgezogen
mit Blick auf eine Bogenarchitektur mit
kurzem Landschaftsausblick auf eine Baumkrone.
JOACHIM VON SANDRART,
1606 FRANKFURT ON THE MAIN –
1688 NUREMBERG
PORTRAIT OF A FEMALE ARISTOCRAT WITH
THE ATTRIBUTES OF SAINT CECILIA
Oil on canvas.
103 x 82 cm.
Accompanied by an expert’s report by Peter van den
Brink, Aachen, identifying the painting as having been
created by the above-mentioned artist.
The painting was formerly attributed to Gerard Deleres,
but a far more convincing attribution to Joachim
von Sandrart was made by Peter van den Brink. The
attribution is based primarily on stylistic comparisons
with the well-known series of Monthly Pictures that
Sandrart created for the Bavarian Duke Maximilian I in
1642-44 now held at Schleissheim Palace.
Literature:
Christian Klemm, Joachim von Sandrart. Kunst-
Werke und Lebens-Lauf, Berlin 1986.
€ 45.000 - € 55.000
Sistrix
INFO | BID
Das Gemälde wurde früher Gerard Deleres zugeschrieben,
es erfolgte jedoch durch Peter van den
Brink eine weitaus überzeugendere Zuordnung an Joachim
von Sandrart. Die Zuschreibung stützt sich vor
allem auf stilistische Vergleiche mit den bekannten
Monatsbildern, die Sandrart für den bayerischen Herzog
Maximilian I in den Jahren 1642-44 schuf, die sich
heute im Schloss Schleißheim befinden. In Sitzhaltung,
Körperausführung und anderen Details lassen
sich Parallelen zu mehreren Gemälden dieses Monatszyklus
finden, allerdings ist nach Meinung des
Gutachters das Gemälde nicht in München, sondern
nach seiner Rückkehr in Amsterdam 1644 entstanden.
Sandrart, der zunächst in der Druckgrafik bei Isselburg
in Nürnberg arbeitete, danach bei Sadeler in
Prag, hielt sich zwischen 1624/25 in der Werkstatt von
Gerard Honthorst in Utrecht auf, lernte 1627 Rubens
kennen und begann nach einem Aufenthalt in London
1629 seine Reise nach Italien, wo er sich 1632 in Rom
niederließ und dort weitere acht Jahre blieb. Nach
Vermutung von Van dem Brink könnte es sich bei der
Darstellung um Alida Bicker handeln.
Literatur:
Christian Klemm, Joachim von Sandrart. Kunst-Werke
und Lebens-Lauf, Berlin 1986. (1350091) (18)
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165
BERNARDO BELLOTTO,
GENANNT CANALETTO,
1721 VENEDIG – 1780 WARSCHAU
VEDUTE MIT DER RIALTOBRÜCKE VON SÜDEN
Öl auf Leinwand.
60,5 x 77,5 cm.
Beigegeben ein ausführliches Gutachten von Dario
Succi, Gorizia, der das hier zum Verkauf stehende Gemälde
als „splendida opera“ von Bernardo Bellotto
rühmt und reich an Vergleichs- und Literaturangaben ist.
In herrlicher Stimmung wird der Canal Grande gezeigt
mit der ihn überziehenden Rialtobrücke und auf dem
Gewässer fahrenden Gondeln mit Figurenstaffage;
links ist sogar ein Burchiello zu sehen, ein eleganteres
Wassergefährt, das als Transportmittel von Edelleuten
von Venedig nach Padua entlang des Brenta galt. Während
das linke Ufer verschattet präsentiert wird, erstrahlt
das rechte Ufer im Sommerlicht und gibt hinter
der bekannten Brücke den Blick frei auf den Fondaco
dei Tedeschi. Bellotto, der einer der großen Maler der
venezianischen Vedutenkunst des 18. Jahrhunderts
zusammen mit Luca Carlevarijs, Antonio Canal genannt
„Canaletto“, Michele Marieschi und Francesco
Guardi war, entstammte einer Familie, aus der bereits
zwei weitere Maler bekannt sind. Sein Großvater und
dessen Bruder waren Theatermaler und sein Onkel
war der schon seinerzeit berühmte venezianische
Vedutist Giovanni Antonio Canal (1697-1768), genannt
„Canaletto“, in dessen Werkstatt Bernardo 1736 eintrat.
Da über die folgenden Jahre bis 1742 nur wenig
über Bellotto bekannt ist, außer hunderte erhaltener
Zeichnungen und nur wenige ihm zuordenbare
Veduten, ist es ein Glücksfall, dass wir das vorliegende
Gemälde anbieten können. Durch sein weiteres Werk,
das ihn als Schöpfer von Veduten so zahlreicher Städte
wie München, Wien, Turin, Pirna, Dresden oder Warschau
bekannt gemacht hat, gilt er bis heute als einer
der bedeutensten Vedutisten des 18. Jahrhunderts.
Das hier angebotene Gemälde ist in die letzten Jahre
der 1730er-Jahre zu datieren und variiert einen Prototyp
von Canaletto im Musée Jacquemart-André in
Pairs, das von Antonio Visentini 1742 als Reproduktion
veröffentlicht worden ist.
Provenienz:
Privatsammlung.
Literatur
Vgl.: Dario Succi (Hrsg.), Bernardo Bellotto detto il
Canelotto, Ausstellungskatalog, Villa Morosini, Mirano,
23. Oktober-19. Dezember 1999, Mailand 1999.
Dario Succi, Bernardo Bellotto. Il Canaletto delle corti
europee, Ausstellungskatalog, Galleria Comunale
d´Arte Moderna, Conegliano, 11. November 2011-15.
April 2012, Venedig 2011.
Dario Succi, Carlevarijs, van Wittel, Venezia (The young
Bellotto), in: Luca Carlevarijs e la veduta veneziana del
Settecento, Ausstellungskatalog, Palazzo della Ragione,
Padua, 25. September-26. Dezember 1994,
Mailand 1994, S. 51-58. (13517011) (13)
BERNARDO BELLOTTO,
ALSO KNOWN AS “CANALETTO”
1721 VENICE – 1780 WARSAW
VEDUTA WITH THE RIALTO BRIDGE
FROM THE SOUTH
Oil on canvas.
60.5 x 77.5 cm.
The painting on offer for sale in this lot can be dated
to the last years of the 1730s and is a variation of a
prototype by Canaletto held in the Musée Jacquemart-André
in Pairs, which was published as a reproduction
by Antonio Visentini in 1742.
Accompanied by an extensive expert’s report by Dario
Succi, Gorizia, who praises the present painting as a
“splendida opera” by Bernardo Bellotto and includes
detailed examples of comparison and bibliography.
Provenance:
Private collection.
€ 600.000 - € 800.000 (†)
Sistrix
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169

166
BERNARDO CANAL,
1674 VENEDIG – 1744
VEDUTE DES CANAL GRANDE MIT DEN
FABBRICHE NUOVE DI RIALTO UND
DEN CAMPANILE VON SAN GEREMIA
Öl auf Leinwand. Doubliert.
72 x 110 cm.
Keilrahmen verso mit alter Nummerierung.
In ornamental verziertem vergoldetem Rahmen.
Beigegeben ein Gutachten von Dario Succi, Gorizia,
ohne Datum. Succi datiert das hier angebotene Werk in
die zweite Hälfte der 1730er-Jahre, im Original.
Blick aus leicht erhöhtem Standort über den Kanal hinweg
auf die Gebäude der Fabricche Nuove und den
links davorliegenden verschatteten Platz. Das Spätlicht
fällt auf die rötliche Fassade und die in den Hintergrund
entlang des Canal Grandes gebaute Häusergruppe
auf der rechten Bildseite mit teils ausgestellten
Markisen vor den Fenstern. Auf dem Gewässer Gondeln
und Segelschiffe. Bernardo Canal ist nicht ganz
zurecht weniger bekannt geworden als sein berühmter
Sohn Giovanni Antonio, genannt Canaletto (1697-1768).
Er hat sich – wie etwa auch Luca Carlevarijs – der
Theater malerei zugewandt und sich zunächst von diesem
inspirieren lassen. 1717 zählte er bereits zu den
führenden Venedigvedutisten, in persönlichem Kontakt
mit Berühmtheiten wie Antonio Vivaldi, Carlo Pollarolo
oder Giuseppe Orlandini – überwiegend auch, weil
Bernardo für die Theater- und Opernaufführungen im
Teatro San Cassiano und Teatro San Angelo gearbeitet
hat. 1720 finden wir ihn zusamen mit seinem Sohn in
Rom, wo beide Bühnenbilder für Scarlattis Opern
schufen. Zurück in Venedig, widmete er sich fast ausschließlich
dem Vedutengenre. Manche seiner Werke
– da regelmäßig unsigniert - wurden mit denen von
Canaletto oder seines Neffen Bernardo Bellotto verwechselt.
1734 bis 1736 entstanden sechs Gemälde
seiner Hand, gesammelt von Giuseppe Salom im Palazzo
Corner-Spinelli, wovon eines entwendet wurde.
Provenienz:
Christie´s, London, 20. Juli 1973, Lot 149 als Michele
Marieschi.
Privatsammlung.
Literatur:
Vgl. Isabella Reale, Bernard Aikema, Luca Carlevarijs
e la veduta veneziana del Settecento, Ausstellungskatalog,
Palazzo della Ragione, Padua, 25. September-
26. Dezember 1994, Mailand 1994, S. 259.
Annalia Delneri, Dario Succi (Hrsg.), Da Canaletto a
Zuccarelli. Il paesaggio Veneto del Settecento, Ausstellungskatalog,
Villa Manin, Passariano, 08. August-
16. November 2003, Tavagnacco (Ud) 2003, S. 168-173.
Dario Succi, Annalia Delneri, Il fiore di Venezia. Dipinti
dal Seicento all`Ottocento in collezioni privati, Gorizia
2014, S. 180-186.
Dario Succi, La Serenissima nello specchio di rame,
Castelfranco Veneto (TV) 2013, S. 194, Nr. 10.
(1350871) (13)
BERNARDO CANAL,
1674 VENICE – 1744
VIEW OF THE GRAND CANAL WITH FABBRICHE
NUOVE DI RIALTO AND THE CAMPANILE OF SAN
GEREMIA
Oil on canvas. Relined.
72 x 110 cm.
Accompanied by an expert’s report by Dario Succi,
Gorizia, n.d. is enclosed. Succi dates the painting on
offer for sale in this lot to the second half of the
1730s.
Provenance:
Christie’s, London, 20 July 1973, lot 149 as Michele
Marieschi.
Private collection.
€ 120.000 - € 150.000
Sistrix
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173

167
FRANCESCO ALBOTTO,
1721/22 VENEDIG – 1757 EBENDA
DER CANAL GRANDE MIT DEM PALAZZO BOLDÙ
GEGENÜBER DEM PALAZZO CORNER DELLA
REGINA
Öl auf Leinwand. Doubliert.
104 x 139 cm.
In ornamental verziertem und vergoldetem Rahmen.
Beigegeben ein Gutachten von Fabrizio Magani sowie
eine Expertise von Dario Succi, Gorizia, in Kopie.
Links am Bildrand sieht man die drei übereinanderliegende
Fenster der Seitenfassade des Palazzo, der im
16. Jahrhundert von der Familie Boldù gebaut wurde.
Dem Gebäude liegt eine Gondel vor, da der Palazzo
über ein Zugang zum Wasser verfügt. Die sonnenbeschienene
diagonal in das Bild hineinführende Seite
des Kanals zeigt im Zentrum den schönen barocken
Großpalast Corner della Regina mit seinem dreifach
horizontal gegliedertem Aufbau, der von Domenico
Rossi 1724 bis 1727 geschaffen wurde. Francesco
Albotto (auch Albotti oder Francois Albotti) war Schüler
und Mitarbeiter des Vedutisten Michele Marieschi
(1710-1744) und übernahm nach dessen Tod die
Werkstatt, was dazu führte, dass er „der Zweite Marieschi“
genannt wurde und seine Werke oft als die
seines Vorgängers gesehen wurden. Erst 1972 gelang
durch Entdeckung einer Signaturbezeichnung
mit Adresse die Händescheidung. Erst in jüngerer
Zeit lassen sich ihm daher die wenigen bekannt gewordenen
Gemälde seiner Hand zuweisen. Sein Malstil
zeigt sich im Gegensatz zu den Vorgängern weit
glatter in der Peinture, was dem Anspruch einer exakteren
Wiedergabe gewidmet ist.
Werke seiner Hand befinden sich in privaten wie
öffen tlichen Sammlungen, darunter in Berlin, Gemälde
galerie, Neapel, Museo e Gallerie Nazionali di
Capodimonte, Vicenza, Gallerie di Palazzo Leoni Montanari
etc.
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FRANCESCO ALBOTTO,
1721/22 VENICE – 1757 IBID.
Literatur:
Vgl. Filippo Pedrocco, Il Settecento a Venezia –
i Vedutisti, Mailand 2001.
Bozena Anna Kowalczyk, Six vues de Venise provenant
d‘une saisie révolutionnaire. Nouvelles attributions
à Michele Marieschi et Francesco Albotto, in: La
revue des musées de France, 63, 2013, S. 56-69,
107, 109-110.
Dario Succi, Michele Marieschi. Opera completa,
Treviso 2016.
Federica Spadotto, Il tragico destino di un matrimonio
di convenienza, in: Il Giornale dell’Arte vom 10. Juli
2020.
Gianiacopo Fontana, Cento Palazzi fra i più celebri di
Venezia sul Canalgrande e nelle vie interne dei
Sestieri. Descritti quali monumenti d’arte e di storia,
Venedig 1865, S. 321. (1351712) (13)
THE GRAND CANAL WITH PALAZZO BOLDÙ
OPPOSITE PALAZZO CORNER DELLA REGINA
Oil on canvas. Relined.
104 x 139 cm.
Accompanied by an expert’s report by Fabrizio Magani
and an expert’s report by Dario Succi, Gorizia, in copy.
€ 110.000 - € 150.000
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Detail Lot 167
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179

168
GIOVANNI ANTONIO CANAL,
GENANNT „CANALETTO“,
1697 – 1768 VENEDIG
RUINENCAPRICCIO MIT RÖMISCH-ANTIKEN
FIGUREN UND DENKMÄLERN SOWIE DER
VEDUTE DER STADT PADUA
Öl auf Leinwand.
70 x 90,7 cm.
In bronziertem Rahmen.
Beigegeben in Kopie ein Gutachten von Dario Succi,
5. Juni 1995. Ebenfalls in Kopie ein Bestätigungsschreiben
von Prof. Ugo Ruggeri, Venedig, sowie von
Filippo Pedrocco, 13. März 2002.
Vor dem Betrachter breitet sich ein prächtiger Ausblick
über die Stadt Padua aus mit einem Ruinencapriccio
im Vordergrund und der Porta Ponte Corvo
im Zentrum des Gemäldes mit dem links im Vordergrund
sichtbaren Canale Piovego und darüber der
Palazzo della Ragione mit seinen wundervollen Arkadengängen
sowie die Kuppel und der Campanile der
Santa Giustina. Rechts im Vordergrund jedoch ein
architektonisches Versatzstück mit welchem Canaletto
sein in Lichtregie typisches Werk von rechts her einführt:
eine gotische Bogenhalle mit gotischem Aufbau.
Die ruinösen Arkaden sind typisch für Canaletto
und können als Hauptaugenmerk im Zentrum des Geschehens
stehen, wie in dem Gemälde von 1756,
welches sich im Museo Poldi Pezzoli in Mailand befindet,
oder bei uns eine einleitende Funktion haben,
wenn das Hauptaugenmerk auf dem Mittel- und Hintergrund
liegen soll. Der geschichtliche Aspekt, den
die Ruinen vermitteln sollen und welcher historischen
Skulpturen – wie hier der Löwe oder der rechts am
Bildrand befindliche Sarkophag – innewohnt, wird
nachdrücklich durch die Staffagefiguren vermittelt,
welche zwar einerseits ihren Alltagsgewohnheiten
nachgehen, andererseits aber (vielleicht Reisende)
den historischen Monumenten Aufmerksamkeit
schenken. Häufig sehen wir den müden Blick von
Staffagefiguren, wie bei der sitzenden Figur ganz
rechts am Rand. Dario Succi schlägt für unser Werk eine
Datierung von 1742-1745 vor, während alle anderen von
einer reiferen Schaffensperiode um 1756 ausgehen,
also nach seiner Rückkehr nach Venedig von seiner
ausgedehnten London Reise. Von diesem natürlich
sehr beliebten Thema mit der schönen Ansicht Paduas
gibt es mehrere Fassungen, wobei die ursprüngliche
Fassung bis heute noch nicht sicher bestimmt ist. Am
nächsten kommt unserem Gemälde die Version in der
Kunsthalle Hamburg (Constable-Links, Bd. I, Nr. 496,
Bd. II, Nr. 496). Dario Succi bescheinigt dem Gemälde
„una qualitá pittorica eccelente, come dimostrano le
bellissime „macchiette“ (figure) toccate con maestria
e connotate dalla tipica disinvolta e fluente grafia
canalettiana“.
Provenienz:
Privatsammlung.
Literatur:
Vittorio Moschini (Hrsg.), Canaletto, Athenäum, Bonn
1955.
W. G. Constable und J. G. Links, Canaletto. Giovanni
Antonio Canal 1697-1798, Oxford 1989, Bd. I, N. 496,
und Bd. II, Nr. 496.
Vergleiche:
Ein gleiches Bild aus Canalettos Hand und seiner
Werkstatt befindet sich in der Galleria dell'Accademia
in Venedig und zeigt nur wenige Unterschiede, etwa
in einer etwas kühleren Farbigkeit.
Eine ähnliche Darstellung Canalettos war ausgestellt
in: Canaletto e i vedutisti. L‘incanto dell‘acqua, Palazzo
Penotti Ubertini, 2011. (13517012) (13)
GIOVANNI ANTONIO CANAL,
ALSO KNOWN AS “CANALETTO”,
1697 – 1768 VENICE
RUIN CAPRICCIO WITH ANCIENT ROMAN
FIGURES AND MONUMENTS AS WELL
AS VEDUTA OF PADUA
Oil on canvas.
70 x 90.7 cm.
In burnished frame.
Accompanied by an expert’s report by Dario Succi, 5
June 1995 and a copy of the confirmation letter by
Professor Ugo Ruggeri, Venice, by Filippo Pedrocco, 13
March 2002, in copy.
Magnificent view of Padua city with a ruin capriccio
in the foreground and the Porta Pontecorvo at centre,
the Piovego Canal in the foreground to the left
surmounted by the Ragione Palace with its beautiful
arcades and cupola and the campanile of Basilica di
Santa Giustina. Several versions of this highly popular
subject with the beautiful vista of Padua are
known, however, to date it is not entirely clear, which
of them is the original version. A version held at
Kunst halle Hamburg (Constable-Links, vol. I, no. 496,
vol. II, no. 496) appears to be closest to the painting
on offer for sale in this lot. Dario Succi describes the
painting on offer for sale here as “una qualitá pittorica
eccelente, come dimostrano le bellissime” macchiette
(figure) toccate con maestria e connotate dalla
tipica disinvolta e fluente grafia canalettiana.”
Provenance:
Private collection.
Literature:
V. Moschini (ed.), Canaletto, Athenäum, Bonn 1955.
W. G. Constable and J. G. Links, Canaletto. Giovanni
Antonio Canal 1697 - 1798, Oxford 1989, vol. I, N.
496, and vol. II, no. 496.
Examples of comparison:
The same depiction by Canaletto and his workshop
is held at Galleria dell'Accademia in Venice with only
few differences, for example a slightly cooler colour
palette.
A similar depiction by him was exhibited at: Canaletto
e i vedutisti. L’incanto dell’acqua, Palazzo Penotti
Ubertini, 2011.
€ 300.000 - € 500.000 (†)
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169
GIOVANNI PAOLO PANINI,
1691 PIACENZA – 1765 ROM
RUINENCAPRICCIO MIT DER PREDIGT
EINER SIBYLLE
Öl auf Leinwand. Doubliert.
49,5 x 64,5 cm.
In vergoldetem Holzrahmen.
Das raffinierte Capriccio, das hier angeboten wird, ist
durch die Studien über Panini seit langem bekannt und
stellt ein Thema dar, das im Œuvre des Malers aus
Piacenza sehr häufig vorkommt, wenn auch mit subtilen
Variationen in der Anzahl der Figuren und in ihrer
Anordnung und vor allem in den architektonischen und
skulpturalen Elementen, die den Rahmen und gleichzeitig
das eigentliche Thema bilden.
In der Tat gibt es zahlreiche Vergleiche von Ferdinando
Arisi mit anderen katalogisierten Werken, die nach seiner
Ansicht über die gesamte Spanne der römischen
Produktion des Künstlers datiert werden können,
beginnend um 1730, dem Datum, das bereits für das
Gemälde in der Galerie Artems in Graz als Entstehungsdatum
vorgeschlagen wurde. Dieselben Motive
kehren auch in einem der Pendants in der Cassa di
Risparmio di Piacenza wieder, wo wir unter anderem
dieselbe Löwenfigur sehen, die auch auf unserem
Gemälde zu sehen ist, mit einem Portikus mit drei Säulen,
der die Szene auf der rechten Seite abschließt.
Wie bei dem oben erwähnten Paar schlägt Arisi vor,
unser Gemälde in das fünfte Jahrzehnt des 18. Jahrhunderts
zu datieren, und zwar aufgrund der klaren,
leuchtenden Farbpalette, die die Szene auszeichnet.
Nah an unser Gemälde kommt ein Gemälde Paninis im
Prado heran (Arisi 331-332).
Es wird vermutet, dass er Schüler des Francesco Galli
Bibiena (1659-1739) war, der bereits in seinem, auch
grafischen Werk, die Fantastik römischer Stadtlandschaften
in theatralischer Weise vortrug, was Panini
sicher auch ohne persönliche Begegnung hat übernehmen
können. Ab 1711 in Rom, wurde er auch mit Giovanni
Antonio Canal (1697-1768) bekannt. Zunächst mit
Dekorationsmalerei in Palästen wie der Villa Patrizi oder
des Palazzo De Carolis tätig, widmete er sich zunehmend
dem Thema des Antikenarchitektur-Capriccios.
Provenienz:
Sammlung Giuseppe Mainardi, Cremona.
Anmerkung:
Das gleiche Sujet hat Panini bereits ca. 10 Jahre zuvor
gemalt (Palais Attems, Graz).
Literatur:
Das hier angebotene Gemälde ist abgebildet und besprochen
in: Ferdinando Arisi, Gian Paolo Panini e i
fasti della Roma del '700, Rom 1986, Nr. 293.
(1351707) (13)
GIOVANNI PAOLO PANINI,
1691 PIACENZA– 1765 ROME
RUIN CAPRICCIO WITH THE PRAYER
OF A SYBIL
Oil on canvas. Relined.
49.5 x 64.5 cm.
In gilt wooden frame.
Provenance:
Giuseppe Mainardi Collection, Cremona.
Literature:
The painting on offer for sale here is illustrated and
reviewed in: F. Arisi, Gian Paolo Panini e i fasti della
Roma del '700, Rome 1986, no. 293.
€ 60.000 - € 80.000 (†)
Sistrix
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Detailabbildung Lot 168

170
MICHELE GIOVANNI MARIESCHI,
1696/1710 – 1743 VENEDIG
Michele Marieschi war nur eine kurze Lebens- und
Schaffenszeit gegönnt. Es wird angenommen, dass
er seine Lehre in der Werkstatt seines Vaters, eines
Architekturmalers und Holzstechers, erhielt. Vermutlich
war er in Deutschland Ende der 1720er-Jahre
oder nach 1731 als Theatermaler tätig, um 1735
nach Venedig zurückzukehren, wo er zwischen 1735
und 1741 Mitglied der Malergilde Fraglia de´Pittori
wurde. Unterstützt wurde er durch Gaspare Diziani
(1689-1767). Bekannt ist, dass der Kunstliebhaber
Freiherr von der Schulenburg, Generalfeldmarschall im
Dienste der Republik Venedig, vom Künstler 1738
zwei Veduten erwarb. 1741 entstand eine Serie von
21 Radierungen. Werke seiner Hand finden sich in
mehreren öffentlichen Sammlungen, wie in Prag,
Warschau, Stockholm, Mailand oder Hannover.
CAPRICCIO MIT KIRCHE UND OBELISK
Öl auf Leinwand.
82,8 x 117,7 cm.
Verso mit mehreren älteren Etiketten.
In à jour gearbeitetem Louis XV Stilrahmen.
Ein weiter Platz mit großzügigem quadratischem
Bodenbelag dient als Grund für einen gestuften Obelisken,
der auf einem hochrechteckigen Sockel und
Kugelfüßen ruht und in einer Zierspitze mit Kugel endet.
Rechts eine Freitreppe mit Kirchenpokal und Blick bis
zur Vierung über der eine mächtige Rundkuppel mit
hoher Laterne erhebt. Dahinter ein ummauerter Garten,
der in schlanken Zypressen in lichtem Blau endet
und von sanften Hügeln und einer leicht abgesenkten
Stadt endet. Die Figuren, die mit den Dimensionen
der Kirche in Wettstreit zu stehen scheinen, sind elegant
gekleidet und teilweise beritten. Die Figuren
sind, wie bereits verschiedentlich in der Literatur
angemerkt wurde, auch für Toledano entweder von
Antonio oder von Francesco Guardi.
Provenienz gemäß Toledano:
Galerie Haberstock, Berlin, 1944.
Arthur Tooth & Sons, London.
Privatsammlung, London.
Literatur:
Das hier angebotene Gemälde ist aufgeführt in:
Ralph Toledano, Michele Marieschi, L‘opera completa,
Mailand 1988, S. 137, Nr. C. 27.1.
Max Goering, Francesco Guardi, Wien 1944, S. 24
mit Zuschreibung der Figuren an Francesco Guardi.
Rodolfo Pallucchini, Die venezianische Malerei des
18. Jahrhunderts, Venedig 1960, S. 295, Abb. 498.
Rodolfo Pallucchini, A proposito della mostra bergamasca
del Marieschi, in: Arte veneta, Nr. 20, 1966,
S. 315.
Antonio Morassi, Appunti su Michele Marieschi, „alter
ego“ del Canaletto, in: Festschrift Ulrich Middeldorf,
hrsg. von Antje Kosegarten und Peter Tigler, Berlin
1968, S. 501.
Dario Succi (Hrsg.), Michiel Marieschi. Venezia in scena,
Ausstellungskatalog, Galleria Lorenzelli, Bergamo,
April-Mai 1987, Turin 1987, S. 25, Abb. 14 und 15.
(1351701) (13)
MICHELE GIOVANNI MARIESCHI,
1696/1710 – 1743 VENICE
CAPRICCIO WITH CHURCH AND OBELISK
Oil on canvas.
82.8 x 117.7 cm.
Provenance according to Toledano:
Galerie Haberstock, Berlin, 1944.
Arthur Tooth & Sons, London.
Private collection, London.
Literature:
The painting on offer for sale here is listed in:
R. Toledano, M. Marieschi, L'opera completa,
p. 137, no. C. 27.1.
M. Goering, Vienna, 1944, p. 24 with attribution
of the figures to Francesco Guardi.
Pallucchini, 1960, p. 295, ill. 498.
Pallucchini, 1966, p. 315.
Morassi, 1968, p. 501.
Succi, 1987, p. 25, ill. 14 and 15.
€ 130.000 - € 140.000 (†)
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171
GIANDOMENICO TIEPOLO,
1727 VENEDIG – 1804 EBENDA, ZUG.
IL MINUETTO –
SZENE AUS DEM VENEZIANISCHEN KARNEVAL
Öl auf Leinwand. Doubliert.
79,5 x 108,5 cm.
Verso auf dem Keilrahmen mit einem Etikett.
In mit plastischen Blüten verziertem vergoldetem
Rahmen.
Die Darstellung ist von den Stücken von Carlo Goldoni
inspiriert und zeigt die Hauptfiguren der Commedia
dell'arte, Pantalone und Columbina, zusammen mit
anderen elegant gekleideten, maskierten Figuren, die
sich im Garten einer Villa zusammengefunden haben
um zu tanzen. Es handelt sich um eine Genreszene in
der Atmosphäre des Karnevals, des Ereignisses, das
einen Besuch der Stadt Venedig für die europäischen
Reisenden des 18. Jahrhunderts erst komplett erscheinen
lässt. Tiepolo nutzt den Karneval als Vorwand, um
die Sitten und die Stimmung der Menschen in seinem
Umfeld zu beschreiben: eine Gesellschaft, die ihre
Dekadenz verbirgt und sich hinter flüchtigen Erscheinungen,
Vergnügungen und Zeitvertreib versteckt.
Als Tiepolo das Bild malte, war das Menuett, ein sehr
ausgeprägter Paartanz, bereits seit einiger Zeit in ganz
Europa verbreitet.
Die von Tiepolo dargestellte Szene ist venezianisch,
während zahlreiche Menuette etwa von Luigi Boccherini
auch im Ausland, etwa in Madrid, entstanden.
Die vorliegende hervorragende Arbeit bezieht sich
direkt auf dessen weitere Arbeit, die mit 81 x 105 cm
ähnliche Maße aufweist und unter der Invent. Nr.
RF1938-39 im Louvre in Paris verwahrt wird. Das dortige
Gemälde war in der Sammlung des Francesco
Algarotti 1765 zu finden und ab 1876 in der Sammlung
der Prinzessin Mathilde Bonaparte. Eine weitere Version
befindet sich im Metropolitan Museum in New
York (75,6 x 120 cm, Invent. Nr. 1980767) und eine
weitere im Museu Nactional d'Art de Catalunya in Barcelona
(78,5 x 110 cm, Invent. Nr. 064988). Eine weitere
Version befindet sich im New Orleans Museum
of Art (78,1 x 108,6 cm Invent. Nr. 61.88), welche allerdings
als Werkstattarbeit gilt. Die Zuschreibungsgeschichte
unseres Gemäldes hingegen kennt auch in
der Vergangenheit Giandomenico selbst als Autor (E.
Martini, 1991; G. Knox, 1999; G.M. Pilo, ohne Datum;
U. Ruggeri, ohne Datum).
Provenienz:
Sammlung Imelda Marcos, Wittwe des ehemaligen
Präsidenten der Philippinen.
Christie's, New York, 11. Januar 1991, Lot 69.
(1320018) (13)
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GIANDOMENICO TIEPOLO,
1727 VENICE – 1804 IBID., ATTRIBUTED
THE MINUET– VENETIAN CARNIVAL SCENE
Oil on canvas. Relined.
79.5 x 108.5 cm.
Verso on the stretcher with a label.
The depiction is inspired by plays of Carlo Goldoni and
shows the main characters of the Commedia dell´Arte,
Pantalone and Columbina, along with other elegantly
dressed, masked figures, gathered in the garden of a
villa to dance. It is a genre scene set in the atmosphere
of carnival; the event that made a visit to the city of
Venice complete for 18th century European travellers.
Tiepolo uses the carnival as a pretext to describe the
customs and mood of those around him: a society that
hides its decadence, hides behind fleeting appearances,
amusements, and pastimes. When Tiepolo
created this painting, the minuet, a very distinctive
couple dance, had been popular throughout Europe for
some time. The scene shown by Tiepolo is Venetian,
while numerous minuets, for example by Luigi
Boccherini, were also created abroad, for example in
Madrid. This excellent work refers directly to another
work with similar dimensions (81 x 105 cm) held at
the Louvre in Paris with inv. no. RF1938-39. The painting
there was held in the collection of Francesco Algarotti
in 1765 and from 1876 in the collection of Princess
Mathilde Bonaparte. Another version is held at the
Metropolitan Museum in New York (75.6 x 120 cm,
inv. no. 1980767) and another at the Museu Nacional
d´Art de Catalunya in Barcelona (78.5 x 110 cm, inv. no.
064988). A further version is held at the New Orleans
Museum of Art (78.1 x 108.6, inv. no. 61.88), which is
also considered a workshop work. The attribution
history of the present painting has often considered it
to be by Giandomenico himself. (E. Martini, 1991; G
Knox, 1999 G.M Pilo, undated; U. Ruggeri, undated).
Provenance:
Collection Imelda Marcos, widow of the former
president of the Phillipines.
Christie’s, New York, 11 January 1991, lot 69.
€ 100.000 - € 150.000
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172
LUCA GIORDANO,
GENANNT „FA PRESTO“,
1632/34 NEAPEL – 1705 EBENDA
Der vor allem für seine Fresken berühmte Maler war
Sohn eines Kunsthändlers aus Apulien, der sich ebenfalls
der Malerei widmete. So erhielt er seinen ersten
Unterricht bei seinem Vater, während jedoch allgemein
angenommen wird, dass er ein Schüler des Giuseppe
José de Ribera (1588/91-1652) war. Etliche seiner
Werke lassen auch dessen Einfluss erkennen, während
das enorm umfangreiche Werk Giordanos zeigt,
dass er sämtliche Stilvarianten seiner Zeit beherrschte.
Auch die Themenbreite in seinem Werk, in sämtlichen
Bereichen der Historienmalerei, religiöse Darstellungen
aber auch mythologische Szenen, zeigt Einflüsse
zunächst der Caravaggisten, später aber auch der Maler
Pietro da Cortona (1596-1669), Mattia Preti (1613-1699)
oder Peter Paul Rubens (1577-1640). Im Bild aufbau
mancher seiner Werke sind auch die veneziani schen
Meister wie Paolo Veronese (1528-1588), Tiziano Vecellio
(1485/89-1576) oder Domenico Robusti Tintroretto
(1560-1635) spürbar.
DIE SEGNUNG DES KÖNIGS VON ISRAEL
Lavierte Sepia-Federzeichnung auf Bütten.
22 x 30 cm.
Um 1660.
Im Passepartout, verglast und gerahmt.
Wir danken Herrn Nicola Spinosa für die Bestätigung
der Zuschreibung.
Die mehrfigurige Szenerie geht auf den Bibeltext von
Samuel (16. 1-13) zurück, in der die Segnung des jungen
David und damit seine nachfolgende Einsetzung
als König aus dem Hause Bethlehem geschildert wird.
Gezeigt werden die Hauptfiguren – aus der Bildmitte
leicht nach links gerückt – mit dem Propheten, der
beide Hände über den künftigen König segnend ausbreitet.
Vor und neben ihm zahlreiche Begleit figuren,
auf zwei gestuften Ebenen in gebückter Haltung. Eine
Gestalt dabei mit Rauchfass, eine andere mit geöffnetem
Buch – vor mächtigen Säulen im Hinter grund. Das
Bildzentrum bildet ein Steinaltar mit Widderköpfen;
links hinten Andeutung einer Pyramide.
Die Zeichnung ist in Zusammenhang zu sehen mit
Werken altbiblischen Inhalts, die Giordano für die inzwischen
zerstörte Eremitage von San Juan del Buon
Retiro bei Madrid schuf, aber auch mit Bildern, die
sich im Escorial in Madrid finden. Eine dort befindliche,
stilistisch und kompositionell sehr vergleichbare
Darstellung ist Giordanos Gemälde von 1697: Die
Eltern der Psyche opfern für Apollo.
Literatur:
Vgl. G. Scavizzi, „Drawings by artists in Giordano’s
circle: Simonelli, Malinconico and De Matteis“, in
Master Drawings, Nr. 37, 1999, S. 238-261.
A.R. (1351283) (11)
LUCA GIORDANO,
ALSO KNOWN AS “FA PRESTO”,
1632/34 NAPLES – 1705 IBID.
THE BLESSING OF THE KING OF ISRAEL
Washed sepia pen and ink drawing on laid paper.
22 x 30 cm.
ca. 1660.
We would like to thank Nicola Spinosa for confirming
the attribution.
€ 20.000 - € 25.000
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189

173
GIOVANNI ANTONIO GUARDI (1699-1760)
UND
FRANCESCO GUARDI (1712-1793)
ALL‘ ABBEVERATORIO - AN DER TRÄNKE
Öl auf Leinwand.
84,5 x 115 cm.
Verso auf dem Keilrahmen: zwei Aufkleber des Metropolitan-Museums
Manila, Roxas Boulevard, Philippinen,
mit Betitelung und Maßangaben. Ferner auf der
Doublier-Leinwand, von der Originalleinwand übertragen:
rechteckiger, mit blauem Zierrand gedruckter
Inventarzettel mit handschriftlicher Aufschrift: „Guardi
fontana / No M 2500“.
Das großformatige Gemälde ist ein eindrucksvolles
Beispiel dafür, dass sich die für die venezianische
Vedutenmalerei so bekannt gewordenen Künstler wie
die beiden Guardi, auch anderen, erstaunlichen Bildthemen
gewidmet haben.
Gezeigt ist eine Figurengruppe vor felsigem Hintergrund
in südlicher Landschaft: Ein Reiter auf einem
Schimmel dominiert in der Bildmitte, begleitet von
einem weiteren braunen gesattelten Pferd an einer
steinernen Tränke rechts. Der Reiter scheint soeben
abzusteigen und blickt auf eine junge Magd, die einen
Wäschekorb über dem Kopf trägt, weist gleichzeitig
auf den Brunnen, als wolle er andeuten, dass jetzt die
Pferde an der Tränke stehen. Davor sitzt ein Schäfer
mit Schalmei, vor dem Reiter ein liegendes Rind sowie
ein weißes Hündchen neben einem Holzzuber.
Links hinten ein tiefer liegendes Gewässer, darüber
Ausblick in hügelige Ferne in blauer Luftperspektive.
Stilistisch auffallend, und für die Guardi-Malweise
typisch, ist die lockere, beinahe expressive Wiedergabe
der Einzelheiten, vor allem in den Kostümen,
sowie die trocken und flechtig herabhängenden Wurzeln
über dem gemauerten Brunnen. Auffallend aber
auch die raffinierte Wiedergabe des sich zum Bildbetrachter
über die Schulter zurückwendenden Flötenspielers,
dem hier anscheinend selbst das weiße
Hündchen lauscht. Flotten Pinselauftrag zeigen auch
die herbstlich rot gefärbten Blätter des Strauches
oberhalb des Steinbrunnens. Ohne auf weitere Details
einzugehen, beweist die Darstellung hier den
hohen Rang der Bildschöpfung und der Malweise.
In der bisherigen Literatur wurde das Gemälde sowohl
als ein Werk des Francesco als auch als Zusammenarbeit
der beiden Maler Francesco und Giovanni Antonio
eingestuft. Erstmals 1973 von Antonio Morassi publiziert,
als in einer Mailänder Sammlung befindlich (Luigi
Calli a Carate Brianza), mit der zeitlichen Einordnung in
die Schaffensjahre 1730-1735; später hat Dario Succi
1988 das Gemälde in seiner Publika tion allein dem
Francesco Guardi zugewiesen.
In der Folge danach wurde das Gemälde als Zusammenarbeit
der beiden Guardi publiziert. Es entstammt
der Sammlung Imelda Marcos (geb. 1929), der Witwe
des 10. Präsidenten der Philippinen, Ferdinand Marcos.
Es ist vergleichbar mit einem Werk auf Leinwand,
auf Holz, einer Mailänder Sammlung, von A. Morassi
als „Il grande abbeveratorio“ betitelt (93 x 133 cm),
von dem eine weitere, letzte Version (80,6 x 114,9 cm)
bei Christie‘s New York am 14. Oktober 2021 verauktioniert
wurde, mit dem Katalogvermerk „an example
of the production of the Guardi brothers early studio
practice“.
Somit entstammt das hier vorliegende Werk der
Sammlung Imelda Marcos, wurde registriert unter der
Nummer 66, aufgeführt im Sammlungsverzeichnis
und 2014 in der Zeitschrift Philippine Daily Inquirer
veröffentlicht. Auch dort genannt als Zusammenarbeit
der beiden Maler. 1991 wurden weitere Werke der
Sammlung Marcos bei Christie‘s versteigert.
Der Aufkleber auf der Rückseite weist darauf hin, dass
das Gemälde im Metropolitan Museum von Manila
(Philippinen) ausgestellt war, wohl als Leihgabe der
Witwe des Präsidenten. A.R.
Provenienz:
Sammlung Imelda Marcos, Witwe des ehemaligen
Präsidenten der Philippinen.
Metropolitan Museum von Manila.
Literatur:
Mehrfach besprochen und abgebildet in:
Antonio Morassi, Guardi, Venedig 1973, Bd. I, S. 103
und S. 133, Nr. 139; Bd. II, Abb. 157, 158. Ebd. S.
334, Nr. 140.
Dario Succi, Capricci veneziani del Settecento, Turin
1988, S. 319, Abb. 17.
Philippine Daily Inquirer, Online-Artikel vom 12. Oktober
2014: https://newsinfo.inquirer.net/644229/imeldific-collection-of-artworks-partial-list,
abgerufen am
14. August 2022.
Filippo Pedrocco/ Federico Montecuccoli degli Erre,
Antonio Guardi, Mailand 1992, S. 125, Nr. 24, S. 167,
Abb. 24.
Dario Succi, Francesco Guardi. Itinerario dell‘avventura
artistica, Mailand 1993, S. 222, Abb. 248.
(1320017) (11)
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191

GIOVANNI ANTONIO GUARDI, (1699-1760)
AND
FRANCESCO GUARDI, (1712-1793)
ALL’ ABBEVERATORIO - AT THE DRINKING TROUGH
Oil on canvas.
84.5 x 115 cm.
Verso on the stretcher: two labels from the Metropolitan
Museum Manila, Roxas Boulevard, Philippines,
with title and dimensions. Furthermore, on the relining,
transferred from the original canvas: rectangular
inventory label printed with a blue decorative border
and with the handwritten inscription: “Guardi fontana
/ No M 2500”.
Without going into further details, the present depiction
displays a high-ranking composition and painting
style. In previous literature, the painting was classed
as a work by Francesco and as a collaboration between
the two painters Francesco and Giovanni-Antonio.
First published in 1973 by Antonio Morassi, as
part of a Milan collection (Luigi Calli a Carate Brianza),
dating it to the creative period of 1730-35; later, in
1988, Dario Succi attributed the painting solely to
Francesco Guardi in his publication. Subsequently, the
painting was published as a collaboration between
the two Guardi. It originates from the collection of Imelda
Marcos (b. 1929), widow of the 10th President of
the Philippines, Ferdinand Marcos. It is comparable to
a canvas painting laid on panel from a Milan collection,
with the title Il grande abbeveratorio by A. Morassi (93
x 133 cm.), of which another, final version (80.6 x
114.9 cm.) was auctioned at Christie’s, New York on 14
October 2021, with the catalogue note “an example
of the production of the Guardi brother’s early studio
practice”. Consequently, the work presented in this lot
originates from the Imelda Marcos collection and was
listed under number 66 in the collection register and
published in the Philippine Daily Inquirer magazine in
2014. There, it is also mentioned as a collaboration
between the two painters. In 1991, further works
from the Marcos collection were sold at auction at
Christie’s. The label on the back suggests that the
painting was exhibited in the Metropolitan Museum
of Manila (Philippines), probably on loan from the
President’s widow.
Provenance:
Imelda Marcos collection, widow of the former
president of the Philippines.
Metropolitan Museum of Manila.
Literature:
Discussed several times and illustrated in:
Antonio Morassi, Guardi, Venice 1973, vol. I, p. 103
and p. 133, no. 139; vol. II, ill. 157, 158, and p. 334,
no. 140.
Dario Succi, Capricci veneziani del Settecento, Torino
1988, p. 319, ill. 17.
Philippine Daily Inquirer, 2014: (https://newsinfo.
inquirer.net/644229/imeldific-collection-of-artworkspartial-list).
Filippo Pedrocco, F. Montecuccoli degli Erre, Antonio
Guardi, Milan 1992, p. 125, no. 24, p. 167 ill. 24.
Dario Succi, Francesco Guardi. Itinerario dell’avventura
artistica, Milan 1993, p. 222, ill. 248.
€ 240.000 - € 300.000
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193

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174
GIOVANNI PAOLO PANINI,
1691 PIACENZA – 1765 ROM
Gemäldepaar
ARCHITEKTURCAPRICCI
Öl auf Leinwand.
132 x 61,5 cm.
In teilvergoldeten Rahmen.
Beigegeben eine Expertise von Prof. Giancarlo Sestieri.
Die beiden als Gegenstücke gemalten, betont hochformatigen
Bilder präsentieren sich als typische Grand
Tour-Rom-Erinnerungen für das entsprechende Sammlerklientel
aus der adeligen oder großbürgerlichen
Gesellschaft. Auch Panini und seine Werkstatt hatten
für diese Anliegen und Interessen gearbeitet. Im
Nebeneinander der beiden Gemälde stehen die Tempelsäulen
jeweils links bzw. rechts im Bild. Der Freiraum
zeigt weiter hinten befindliche Bauten, über
denen der Wolkenhimmel Raum finden kann. In der
links zu positionierenden Ansicht eine Brunnenfigur
vor absidialem Abschluss und Rundbogen mit Balustrade.
Im Gegenstück ist rechts eine antike korinthische
Säule eines Tempels zu sehen mit rundbogig dahinter
abschließendem Ende. Die Versatzstücke beziehen
sich wie häufig bei Panini vermutlich auf real existierende
in Rom im Bereich des Forum Romanums befindliche
antike Bauten. Bereichert werden die Darstellungen
jeweils mit Staffagefiguren mit literarischem
Hintergrund. Von besonderem Reiz sind hier allerdings
zudem die Darstellungen durch zwei extrem hochformatige
Pendants, was im Œuvre Paninis nur selten
vorkommt.
(1351706) (13)
GIOVANNI PAOLO PANINI,
1691 PIACENZA – 1765 ROME
A pair of paintings.
ARCHITECTURAL CAPRICCIOS
Oil on canvas.
132 x 61.5 cm.
Accompanied by expert’s report by Prof Giancarlo
Sestieri.
€ 60.000 - € 80.000 (†)
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195

175
WILLIAM JAMES,
TÄTIG 1730 – 1780
Biografische Angeben über den Künstler sind weitgehend
unbekannt, er war jedoch zwischen etwa 1755
und 1775 in London tätig. Wie in Edward Edwards‘
„Anedoctes of Painters“, das 1808 posthum veröffentlicht
wurde, bestätigt wird, war William James ein
Assistent oder Schüler von Giovanni Antonio Canal
(1697-1768), genannt Canaletto, während des langen
Aufenthalts des venezianischen Malers in London,
der - abgesehen von einer kurzen Unterbrechung im
Jahr 1751 - zehn Jahre lang von 1746 bis 1755 dauerte.
William James war im London des 18. Jahrhunderts
ein hochgeschätzter Künstler: Einige seiner Londoner
Ansichten wurden zwischen 1767 und 1771 auf der
jährlichen Ausstellung der Society of Artists ausgestellt:
In der Ausstellung von 1767 wurden zwei Gemälde
präsentiert, die das westliche Ende der Westminster
Bridge darstellten.
VEDUTE MIT DEM CANAL GRANDE MIT SAN STAE
Öl auf Leinwand.
74 x 126 cm.
Auf dem Rahmen Plakette mit Nennung des William
James.
In vergoldetem kanneliertem Kehlrahmen.
Weitläufige Vedute mit Gondeln auf dem die umliegende
Architektur spiegelndem Wasser. Rechts die
Kirche Santa Stae, die um 1709 auf Wunsch des
Dogen Alvise Mocenigo erbaut. Sie wurde von dem
Barockkünstler Domenico Rossi entworfen und befindet
sich im Stadtteil Santa Croce, nördlich der Rialtobrücke
in Venedig. William James war zwischen 1746
und 1771 als Vedutist tätig; die einzigen Informationen
über seine künstlerische Persönlichkeit finden sich in
Edward Edwards‘ Anecdotes of Painters von 1808, in
dem James als „Schüler“ oder Mitarbeiter von Canaletto
während dessen Aufenthalt in England zwischen
1746 und 1755 erwähnt wird. Sein künstlerischer Werdegang
wurde teilweise durch eine Reihe von Londoner
Ansichten rekonstruiert, die sich im Besitz des Ashmolean
Museums in Oxford und der British Royal Collections
befinden. Im Text des oben genannten Edwards
findet sich jedoch die einzige Erwähnung seiner Malerei
venezianischer Sujets, die der Biograf selbst als
stark mit Canaletto verwandt ansieht. Die Zuschreibung
einiger Ansichten, die auf den internationalen
Markt gelangten, an William James und vor allem das
Vorhandensein einiger Gemälde, auf denen sein Name
vollständig auf einer an den Originalrahmen angebrachten
Plakette steht, lassen auf eine reiche Produktion
von Stadtpanoramen schließen, die im Allgemeinen
dem malerischen Repertoire von Antonio Canal
entnommen sind, Werke, die es dem englischen Maler
ermöglichten, zu den „vedutisti di Venezia“ (Vedutenmalern
von Venedig) gezählt zu werden, obwohl seine
biografische Abfolge keinen Hinweis auf einen möglichen
Aufenthalt in der Lagunenstadt gibt. Aus der von
Antonio Visentini zusammengestellten Sammlung Prospectus
Magni Canalis Venetiarum gibt es zahlreiche
Gemälde, die ihm zugeschrieben werden. James war
einer der bekanntesten Schüler Canalettos, der den
Geschmack der venezianischen Stätten indirekt aufnahm,
indem er die Werke betrachtete, die der Meister
mit nach England gebracht hatte, und indem er an seiner
Seite arbeitete, als er die große Nachfrage seiner
Auftraggeber nach Ansichten der von ihnen so geliebten
Lagunenstadt befriedigte.
Provenienz:
Sotheby‘s, London, 30. Juni 2005, Lot 46.
(1351261) (13)
WILLIAM JAMES,
ACTIVE 1730 – 1780
VEDUTA OF THE GRAND CANAL WITH SAN STAE
Oil on canvas.
74 x 126 cm.
James was one of Canaletto’s best-known students,
absorbing a sense of the Venetian sites indirectly by
viewing the works the master had brought to England
and by working alongside him meeting the great demand
from his patrons for views of the lagoon city
they so adored.
Provenance:
Sotheby’s, London, 30 June 2005, lot 46.
€ 55.000 - € 65.000
Sistrix
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176
MICHELE GIOVANNI MARIESCHI,
1696/1710 – 1743 VENEDIG, ZUG.
VENEDIG, PIAZZA SAN MARCO MIT DOM
UND BLICK AUF DEN CAMPANILE
Öl auf Leinwand. Doubliert.
49 x 73,5 cm.
Ungerahmt.
Als erhöhter Betrachterstandpunkt ist hier der Torre
dell' Orologio anzunehmen. Der Blick erfasst nahezu
den gesamten Platz, belebt durch reiche Figurenstaffage.
Die Gebäude stehen in hellem Licht, die Architekturdetails
grafisch fein durchgearbeitet. Im blauen
Himmel nur wenige ziehende Wolken. Als farbliche
Raffinesse ist hier das Rot eingebracht, wobei die roten
Gewänder in überlegter Verteilung mit den vier
schlanken Fahnenmasten korrespondieren. In einem
Fall wird dadurch auch das Hellbraun des Campanile
wirkungsvoll belebt. Das Bildmotiv ist wiederholt belegt,
jedoch jeweils mit unterschiedlichen Staffagedetails.
A.R.
(1351704) (11)
MICHELE GIOVANNI MARIESCHI,
1696/1710 – 1743 VENICE, ATTRIBUTED
VENICE, PIAZZA SAN MARCO AND DOME
AND VIEW OF THE CAMPANILE
Oil on canvas. Relined.
49 x 73.5 cm.
In this depiction the Torre dell’Orologio can be assumed
as the elevated perspective point of view. The view
covers almost the entire square, animated by rich figural
staffage.
€ 60.000 - € 80.000 (†)
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177
GIOVANNI ANTONIO CANAL,
GENANNT „CANALETTO“,
1697 – 1768, SCHULE DES
VENEDIG - BLICK VON DER PIAZZETTA SAN MARCO
ZUR KIRCHE SANTA MARIA DELLA SALUTE
GIOVANNI ANTONIO CANAL
ALSO KNOWN AS “CANALETTO”
1697 – 1768, SCHOOL OF
VENICE, A VIEW OF THE PIAZZETTA SAN MARCO
TOWARDS SANTA MARIA DELLA SALUTE
Öl auf Leinwand.
49,5 x 59,5 cm.
Links im Bild ist der Canal Grande zu sehen, im Vordergrund
zahlreiche Figurenstaffage mit Handwerkern
und Kaufleute. Die Kuppeln in strahlend hellem Licht,
bei starkem Kontrast zwischen dem kräftigen Blau des
Firmaments und den auftürmenden Wolkengebilden.
Oil on canvas.
49.5 x 59.5 cm.
€ 25.000 - € 30.000
Sistrix
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Literatur:
Vgl. William George Constable, Canaletto. Giovanni
Antonio Canal. Life and Work, Oxford 1989.
Hier ein vergleichbares Bild aufgeführt in Bd. 2, Nr.
148 und abgebildet in Bd. I, Tafel 35, Nr. 148 b links
oben: „A School Version“. Das hier vorliegende Gemälde
unterscheidet sich in einigen Details von dem
bei Constable aufgeführten genannten Werk, bei
dem die Provenienz angegeben wurde.
(1350981) (2) (11)
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178
NICOLAS BERTUZZI,
1710 ANCONA – 1777
SCHLACHTENSZENE
Öl auf Leinwand. Doubliert.
72 x 113 cm.
In vergoldetem Prunkrahmen.
Beigegeben eine Expertise von Prof. Giancarlo Sestieri,
13. Februar 2013, in Kopie.
Auf freiem Feld in weiter, teils bergiger Landschaft
die heftig tobende Schlacht mit zahlreichen Soldaten
zu Pferde. In der Mitte des Vordergrunds ein auf dem
Boden liegender Schimmel, dessen Reiter rechts neben
ihm zu Boden gestürzt ist. Dahinter erhebt sich
eine kleine, im Schatten liegende kuppelförmige
Gruppe aus weiteren miteinander kämpfenden Soldaten,
von denen einzelne herausragen, darunter ein
Mann ganz in glänzender Rüstung, ein weiterer mit
altrosafarbener Jacke und gezücktem Degen und
schließlich ein Soldat, der mit einer Pistole auf einen
reitenden Fahnenträger abfeuert. Im Zentrum dieser
angedeuteten Anhöhe eine große Kanone. Im linken
Hintergrund weitere kämpfende und zu Boden gegangene
Soldaten, überwiegend in sandfarbenen und
rosafarbenen sowie hellblauen Kleidungsstücken. Am
Rand der rechten Bildseite weitere Kämpfer zu erkennen,
vor hohem blauem, teils durch das Feuer der
Schlacht rötlich verfärbtem Himmel mit zahlreichen
aufsteigenden Rauchwolken. Malerei bei der durch
Kleidungsstücke farblich Akzente gesetzt werden und
durch die Lichtführung einzelne Szenen und Figuren
im Vordergrund stehen.
(1350095) (18)
NICOLAS BERTUZZI,
1710 ANCONA – 1777
BATTLE SCENE
Oil on canvas. Relined.
72 x 113 cm.
Accompanied by an expert’s report by Professor
Giancarlo Sestieri, 13 February 2013, in copy.
€ 20.000 - € 30.000
Sistrix
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179
JEAN FRANÇOIS HUE,
1751 SAINT-ARNOULT-EN-YUELINES –
1823 PARIS, ZUG.
KÜSTENSTÜCK MIT FISCHERN
VOR EINEM SEGELBOOT
Öl auf Holz.
50,5 x 72,4 cm.
Eine als Repoussoir dienende felsige Küstenlinie
dient einigen Fischern als Standfläche und einem
Boot als Anlandepunkt. Zwei Damen in französischer
Tracht sitzen neben einem Hund. Der Hintergrund
zeigt in Luftperspektive die zum Horizont führende
felsige Küste mit einem befestigten Felsen (der für
die Bretagne nicht untypisch ist) und einem Segelboot,
welches sich vor dem Licht der untergehenden
Sonne abzeichnet.
JEAN-FRANÇOIS HUE,
1751 SAINT-ARNOULT-EN-YVELINES –
1823 PARIS, ATTRIBUTED
COASTAL SCENERY WITH FISHERMEN
AND SAILING BOATS
Oil on panel.
50.5 x 72.4 cm.
Provenance:
Sotheby’s, New York, 23.05.2001. Purchased there
from the consignor.
€ 35.000 - € 50.000 (†)
Sistrix
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Provenienz:
Sotheby‘s, New York, 23.05.2001. Dort
erworben vom Einlieferer. (13515313) (13)
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203

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180
CHARLES FRANÇOIS LACROIX DE MARSEILLE,
UM 1700 MARSEILLE – 1782 BERLIN
MEDITERRANE KÜSTENSTÜCKE, UM 1750-1759
Öl auf Leinwand.
Jeweils 49 x 63,5 cm.
In vergoldetem Kehlrahmen.
Beigegeben eine Expertise von René Millet.
Lacroix de Marseille war ein französischer Landschaftsmaler,
der sich von 1750-63 in Rom aufhielt,
wo er sowohl die Antike als auch die Landschaftsmalerei
aus dem Erbe der früheren Jahrhunderte rezipierte.
Im Werk von Lacroix de Marseille gibt es jedoch
keine majestätischen Häfen mit rigorosen Perspektiven,
sondern eher eine Vorliebe für das Pittoreske und
für eine wildere Natur. Er entwickelte einen Stil unter
dem Einfluss von Claude-Joseph Vernet, den er während
seines Aufenthalts in Rom 1751 kennenlernte,
und von dem er lernte, Seestücke zu malen. Vernet,
der gerade vom König beauftragt worden war, seine
berühmte Serie der „Ports de France“ zu malen, bevorzugte
eine poetische Version, während Lacroix auf
Genauigkeit bedacht war. In seiner bezaubernden Vision
der Welt bewegen sich die Figuren mit Natürlichkeit.
Sein Werk, das von den Liebhabern des 18. Jahrhunderts
sehr geschätzt wurde, variierte und lebte von
seiner Wirkung von Nacht und Morgen, ob nächtlich
oder morgens, ruhig oder stürmisch. Seine Werke
befinden sich heute in den wichtigsten privaten und
öffentlichen Sammlungen. Ganz offensichtlich sind die
beiden hier angebotenen Werke als Pendants gedacht:
Einmal mit einer Festung am Hafen mit Rundgebäude
im Gegenlicht, die am Ufer befindlichen
Figuren wie auch das anlandende Segelschiff scharf
konturierend, einmal eine schroffe Felsküste mit daraufsitzender
Architektur mit im Vordergrund befindlichem
Küstenstreifen mit anlandendem Boot, Figurenstaffage
und in den dunstigen Hintergrund ziehendem
Küstenstreifen mit mediterraner Architektur.
(13515314) (13)
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205

CHARLES FRANÇOIS LACROIX DE MARSEILLE,
CA. 1700 MARSEILLE – 1782 BERLIN
A pair of paintings
MEDITERRANEAN COASTAL SCENES,
CA. 1750 - 1759
Oil on canvas.
49 x 63.5 cm each.
Accompanied by an expert’s report by René Millet.
€ 170.000 - € 200.000 (†)
Sistrix
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Detailabbildungen Lot 180
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207

181
NICOLAS DE LARGILLIÈRE,
1656 PARIS – 1746 EBENDA
PORTRAIT DES MONSIEUR JEAN AUBERT
Öl auf Leinwand, auf Holz aufgezogen.
134,5 x 103 cm.
Links auf einem Schriftstück die Inschrift: A Monsieur/M*nsi***
Aubert/Controlle* général des Ponts/
Chaussée de france.
In aufwändig gestaltetem teils à jour gearbeitetem
Louis XV Rahmen.
Dominique Brême, der das Werkverzeichnis für die
Arbeiten Largillières vorbereitet, bestätigte die Ausführung
des Gemäldes auf um 1725-1730.
Dreiviertelfigur eines Mannes im besten Alter inmitten
einer angedeuteten klassischen Architektur mit
Rundsäulen und einer steinernen Tischplatte. Auf dieser
ist eine Gruppe von Büchern zu sehen, Schreibzeug,
Siegellack und eine Dokumentenmappe. Aubert
mit seinem Spitzenjabot, der Allongeperücke, rotem
Umhang und weißen Handschuhen, von denen einer
ausgezogen in der noch bekleideten Hand liegt, steht
neben der Tischplatte, die von seinem Arbeitsgerät
geziert wird, worauf er mit einer Hand hinweist, und
blickt aus dem Bildfeld hinaus. Jean Aubert lebte im
Hôtel de Beringhen in der Rue Saint-Nicaise in Paris,
unweit des Palais des Tuileries in der Gemeinde
Saint-Germain-l‘Auxerrois. Ein weiteres Haus besaß er
in der 18 rue Grande in La Chapelle, heute ein eingemeindeter
Teil von Paris. Vermutlich wurde Aubert bereits
Ende des 17. Jahrhunderts geboren und heiratete
um 1725 Marie Catherine Marchand (1745), welche
ursprünglich aus Fontainebleau stammte und die
Tochter eines Hoflieferanten für Pflaster und Schwester
eines königlichen Straßenbauers war. Sie hatten
mehrere Kinder, die nach dem Tod des Vaters eine
königliche Pension erhielten als Anerkennung für die
Dienste des Vaters: Adrien Aubert, Henry Camille Aubert,
Nicolas Jean Claude Aubert, Marie Rosalie Aubert,
Jean Jacques Aubert, Jean Etienne Aubert. Er
erwarb das Amt des Schatzmeisters der Menus-Plaisirs
der Petite Écurie des Königs (wo heute die natioinale
Architekturschule von Versaille untergebracht
ist), und dann, um 1728 bis 1730, das des königlichen
Rats und Generalkontrolleurs der französischen Brücken
und Straßen. Etwa zu dieser Zeit kann angenommen
werden, dass das vorliegende Gemälde entstand.
Von Largillière sind weitere vergleichbare Portraits bekannt,
die zwischen 1724 und 1730 entstanden und in
vielerlei Hinsicht Vergleichspunkte anbieten. So sei
genannt das Portrait des Konrad Detlev Graf von Dehn
im Herzog Anton Ulrich-Museum in Braunschweig
von 1724, das Portrait des Barthélemy-Jean-Claude
Pupil von 1729 in der Putnam Foundation des Timken
Museum of Art, San Diego, Kalifornien oder auch das
Portrait in Coughton Court von 1729, das Sir Robert
Throckmorton darstellt.
Provenienz:
Arnold S. Kirkeby (1901-1962).
An das Los Angeles County Museum of Art 1955
und dort ausgestellt.
Sotheby‘s, New York, 10. Januar 1991, Lot 82.
Christie‘s, London, 7. Juli 2010, Lot 186.
Trustees of Exbury House.
Literatur:
Richard F. Brown, Recent Gifts of Paintings, in: Bulletin
of the Art Division, Los Angeles County Museum,
VIII, 1957, S. 8-9, Nr. 4.
Scott Schaefer, Peter Fusco, European Paintings and
Sculpture in the Los Angeles County Museum of Art,
Los Angeles 1987, S. 53, dort abgebildet und mit ca.
1735 datiert.
Vgl.: Exposition N. de Largillierre, Ausstellungskatalog,
Palais des beaux-arts de la ville de Paris, Petit Palais,
Mai-Juni 1928.
Agnès Cuchet (Hrsg.), Nicolas de Largillière (1656-
1746), Ausstellungskatalog, Musée Jacquemart-
André, Paris, 14. Oktober 2003-30. Januar 2004,
Paris 2003.
Joan Thornley (Hrsg.), Largillière and the eighteenthcentury
portrait, Ausstellungskatalog, Montreal Museum
of Fine Arts, 19. September-15. November 1981,
Montreal 1981. (1350371) (13)
NICOLAS DE LARGILLIÈRE,
CA. 1656 PARIS – 1746 IBID.
PORTRAIT OF MONSIEUR JEAN AUBERT
Oil on canvas, laid on panel.
134.5 x 103 cm.
Inscribed on a document: A Monsieur/M*nsi***
Aubert/Controlle* général des Ponts/ Chaussée de
France.
Dominique Brême, who is currently preparing the catalogue
raisonné for Largillière’s œuvre, confirmed that
the painting was executed around 1725-1730 at the
Christie’s auction in 2010.
Provenance:
Arnold S. Kirkeby (1901 - 1962). Received and exhibited
at the Los Angeles County Museum of Art in
1955. Sotheby’s, New York, 10 January 1991, lot 82.
Christie’s, London, 7 July 2010, lot 186. Trustees of
Exbury House.
Literature:
R. Brown, Bulletin of the Art Division, Los Angeles
County Museum, VIII, 1957, pp. 8-9, no. 4.
S. Schaefer and P. Husco, European Paintings and
Sculpture in the Los Angeles County Museum of
Art, Los Angeles, 1987, p. 53, illustrated there and
dated ca. 1735.
cf. Exposition N. de Largielliere, Palais des Beaux-
Arts de la Ville de Paris, exhibition catalogue, 1928.
Nicolas de Largillière (1656 - 1746), exhibition catalogue,
Musée Jacquemart-André, Paris.
Largillière, eigtheenth century portraitist, Montreal
Museum of Fine Arts, 1981.
€ 80.000 - € 120.000
Sistrix
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182
HENRI GASCARD,
1634/35 PARIS – 1701 ROM
BARBARA PALMER, GEB. VILLIER,
DUCHESS OF CLEVELAND (1640 - 1709)
Öl auf Leinwand. Doubliert.
99,5 x 123 cm im Oval.
In vergoldetem plastischen ovalen Blattwerkrahmen.
Sohn des Malers Pierre Gascar, kam 1674 nach England
auf Einladung der Louise de Keroualle, Duchess
of Portsmouth, der Favoritin König Charles II. Am englischen
Hof schuf er mehrere Portraits, von denen etliche
durch Peter Vanderbank in Kupfer gestochen
wurden.
Höchst attraktives Portrait, vor allem auch wegen der
ungewöhnlich querovalen Komposition, in der sich die
Dargestellte, leicht nach rechts versetzt, in sitzender
Haltung dem Betrachter mit kritisch freundlichem
Blick entgegenwendet. Das Haupt hoheitsvoll erhoben,
Ohrringe und im Dekolleté eine große Perlenkette,
das lockige Haar nur leicht gepudert. Über dem
spitzenbesetzten weißen Kleid ein blaues goldbesticktes
Manteltuch. Das Rot in herrschaftlichen Textilien
ist hier dem Rang der Dargestellten zwar nicht
gegeben, fand aber in geschickter Weise im roten
Kissen Eingang ins Bild. Kopf und Schultern heller
beleuchtet, treten umso wirkungsvoller vor dem dunklen
Velumhintergrund hervor. Links Ausblick in eine
Parklandschaft mit Balustrade und aufstehenden Marmorfiguren,
daneben flanierende und am Bassinrand
sitzende Figuren sowie ein herrschaftliches Parkgebäude
im Hintergrund links oben. Rest.
HENRI GASCARD,
1634/35 PARIS – 1701 ROME
BARBARA PALMER, BORN VILLIER,
DUCHESS OF CLEVELAND (1640 - 1709)
Oil on canvas. Relined.
99.5 x 123 cm in oval.
In gilt frame with three-dimensional oval foliage
frame.
Very attractive portrait, especially due to its unusual
horizontal oval composition, in which the seated depicted
figure is shown slightly off-centre to the right
and is turned towards the viewer with a critical but
friendly gaze. Restored.
Notes:
Barbara Palmer, born Villiers, was alongside Nell
Gwynn one of the most famous of the numerous
mistresses of King Charles II (1630 -1685) since
1660.
€ 14.000 - € 18.000
Sistrix
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Anmerkung:
Barbara Palmer, geb. Villiers, war neben Nell Gwynn
seit 1660 die berühmteste der zahlreichen Mätressen
von König Charles II (1630 - 1685), nachdem sie 1659
den Diplomaten und Mathematikgelehrten Roger
Palmer geheiratet hatte. 1670 wurde Palmer vom
englischen König zur Baroness Nonsuch, Countess
of Southampton und Duches of Cleveland ernannt.
Zahlreiche überlieferte Kupferstiche, welche etwa
nach Portraits von Sir Peter Lely gestochen wurden,
belegen unsere Identifizierung.
Anmerkung II.:
Möglicherweise ist vorliegendes Portrait als Teil einer
Folge königlicher Mätressen zu interpretieren, etwa im
Sinne einer privaten Schönheitengalerie des Königs.
(13503810) (13)
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183
JEAN-BAPTISTE MONNOYER,
1636 LILLE – 1699 LONDON
GROSSES BLUMENSTILLLEBEN
Öl auf Leinwand.
74 x 61 cm.
Gerahmt.
Beigegeben eine Expertise von Turquin, Experts en
Tableaux, Paris, Rapport Nr. 2022-03-03, Claudia Salvi,
Paris. 4. März 2022. Hier wird die Entstehung des Gemäldes
ins erste Viertel der 1670er-Jahre eingeordnet.
Der üppig gefüllte Strauß entwickelt seine Farbigkeit
vor dunklem, olivbraunem Hintergrund. Die Blüten
überwiegend weiß, hellrosa und rot. Lediglich die Rispe
eines hellblauen Rittersporns behauptet sich gegen die
Farben von rotem, fiedrig gefülltem Mohn, weißen und
rosafarbenen Rosenblüten, von denen zwei Rosenköpfe
auf die Steinplatte herunterhängen. Die bronzefarbene
Vase klassizistisch im Relief dekoriert, mit
eingezogenem Rundfuß korrespondiert zu den klassischen
Profilen der Steinplatte.
Das Gemälde ist ein eindrucksvolles Beispiel für die
hohe Bedeutung des Malers, der zu den einflussreichsten
Schöpfern von Stillleben seiner Zeit in Frankreich
gehört. Über die Ausbildung des Malers ist nur wenig
bekannt. Vermutet wird eine Lehre in Antwerpen und
der Kontakt mit Jan Davidsz de Heem oder Hieronymus
Galle. Mitte des Jahrhunderts war er in Paris
tätig, und beauftragt für die malerische Ausstattung
von Palästen des Hochadels, wie das Hotel de Lauzun
oder das Hotel Lambert. Für den Finanzminister Nicolas
Fouquet und dessen Chateau Vaux-le-Vicomte wirkte
er unter der Leitung des berühmten Charles Le Brun.
Damit zählte er zu den bedeutendsten Blumenmalern
im Frankreich des Sonnenkönigs, was zu Aufträgen
in Versailles, Vincannes, Marly oder in Saint Cloud führte.
1663 stieg er zum „agrée“ der Académie Royale
auf, zwei Jahre später zum ständigen Mitglied. Als
Monnoyer sich 1690 nach England begab, stand er bereits
auf dem Höhepunkt seines Wirkens. Trotz der der
kriegerischen Feindseligkeiten der beiden Länder
Frankreich und England erhielt er auch dort höchstrangige
Aufträge; sowohl von den Königinnen Mary II.
und Anne für den Kensington Palace, aber auch für
Hampton Court oder Widsor Castel. Es erübrigt sich
hier noch zu sagen, dass sich Werke seiner Hand in
zahlreichen bedeutenden öffentlichen wir privaten
Sammlungen befinden. A.R.
Literatur:
Claudia Salvi, Jean-Baptiste Monnoyer et Antoine
Monnoyer. Problèmes d´attributions, in: La Revue du
Louvre et des musées de France, Nr. 2, Réunion des
musées nationaux, Noisiel, 2002, S. 55-63.
Claudia Salvi, Jean-Baptiste Monnoyer (1636-1699):
peindre des fleurs et des fruits à l'âge classique, thèse
de doctorat d´histoire de l´art sous la direction d´Olivier
Bonfait, Université d Aix-Marseille, 2016.
Claudia Salvi, Jean-Baptiste Monnoyer (Lille, 1636-
Londres, 1699) et le motif de la guirlande, in: Bulletin du
Centre de recherche du château de Versailles, 2018.
(1351281) (11)
JEAN-BAPTISTE MONNOYER,
1636 LILLE – 1699 LONDON
LARGE FLORAL STILL LIFE
Oil on canvas.
74 x 61 cm.
Accompanied by an expert’s report by Turquin, Experts
en Tableaux, Paris, report no. 2022-03-03, Claudia
Salvi, Paris, dated 4 March 2022. The origin of the
painting is placed in the first quarter of the 1670s.
€ 50.000 - € 70.000
Sistrix
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184
JEAN-BAPTISTE MONNOYER,
1636 LILLE – 1699 LONDON
BLUMENBOUQUET IN EINER VASE
Öl auf Leinwand. Doubliert. Im Hochoval.
76 x 63 cm.
Wir danken Dr. Fred G. Meijer für die mündliche
Zuschreibung.
Vor dunklem Hintergrund, der nach rechts leicht aufhellt,
eine auf einer steinernen Platte stehende Vase,
darin ein prachtvolles Arrangement aus roten, rosafarbenen,
weißen und vereinzelt gelblichen Blumen. Zu
diesen gehören u.a. Mohnblumen, Päonien, gelbrötliche
Tulpen sowie diverse Kleinblütler. Der Bauch
der Vase ist mit einem Relief versehen, das an den
Brudermord von Kain und Abel erinnert. Malerei in
qualitätvoller Manier, die hellen prachtvollen Blüten
gegenüber dem dunkleren Hintergrund besonders
hervorgehoben. Kleine Retuschen.
(13514330) (18)
JEAN-BAPTISTE MONNOYER,
1636 LILLE – 1699 LONDON
FLOWER BOUQUET IN VASE
Oil on canvas. Relined. In vertical oval.
76 x 63 cm.
We would like to thank Dr Fred G. Meijer for his verbal
identification of the artist.
€ 15.000 - € 20.000
Sistrix
INFO | BID
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185
FRANZÖSISCHE SCHULE
DES 17. JAHRHUNDERTS
STILLLEBEN MIT SPARGEL UND ARTISCHOCKEN
Öl auf Leinwand.
47 x 54 cm.
In teilvergoldetem Rahmen.
Vor dunkelbraunem Hintergrund, auf einer flachen
Platte, die präsentierten Stilllebenobjekte: In der
Mitte eine helle Keramikschale mit leuchtend roten
Kirschen, auf denen sich Glanzlichter widerspiegeln,
rechts im Vordergrund eine kleinere Schale mit frischen
Erdbeeren, von denen einige wenige, wie bei den
Kirschen, vor den Schalen liegen. Rechtsseitig ein großer
Zinnkrug, dahinter eine grünliche Flasche und ein
hoher geflochtener Korb mit Griff, in dem frische gepflückte
Erbsenschoten liegen. Auf der linken Seite
liegend zwei große Artischocken und dahinter auf einem
Holzkasten ein Bündel mit frischem grünem Spargel.
Feine naturalistische Malerei mit gekonnter Lichtund
Schattensetzung, überwiegend in den Farben
Grün, Rot und Braun in diversen Abstufungen.
Provenienz:
Contessa de Trogoff, Née de Fleury, worauf eine
Leinwandbeschriftung auf der Rückseite hinweist.
Literatur:
Vgl. Michel Faré, La nature morte en France.
Son histoire et son évolution du XVIIe au XXe siècle,
Bd. II, Genf 1962. (1351881) (18)
FRENCH SCHOOL,
17TH CENTURY
STILL LIFE WITH ASPARAGUS AND ARTICHOKES
Oil on canvas.
47 x 54 cm.
Provenance:
Contessa de Trogoff, née de Fleury, according to
an inscription on the back of the canvas.
€ 15.000 - € 20.000
Sistrix
INFO | BID
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186
SAMUEL MASSÉ,
1672 TOURS – 1753 PARIS, ZUG.
GALANTE SZENE MIT JUNGEM PAAR
Öl auf Leinwand.
79 x 62 cm.
In freier Natur vor einem Baum sitzend eine junge,
elegant gekleidete Frau in einem gelben Rock und
einer gegürteten hellblauen Bluse mit rosa Schleifen
und weitem Dekolleté, das ein neben ihr stehender
Putto öffnen will. Vor ihr kniet ein Galan mit weit geöffneten
Armen, um ihr seine Aufwartung zu machen.
Im Baum hat sich ein älterer Mann versteckt, wohl
der Vater der jungen Frau, und hat seine Hände in
Abwehrgestus ausgestreckt, um auf die Gefahr der
Verführung hinzuweisen. Liebevolle Genremalerei in
frischen leuchtenden Farben, wobei besonderer Wert
auf die fein herausgearbeitete Stofflichkeit der Kleidung
gelegt wurde.
(13503812) (18)
SAMUEL MASSÉ,
1672 TOURS – 1753 PARIS, ATTRIBUTED
GALLANT SCENE WITH A YOUNG COUPLE
Oil on canvas.
79 x 62 cm.
A young, elegantly dressed lady is depicted sitting in
the open countryside in front of a tree. She is wearing
a yellow skirt and belted light blue blouse with revealing
neckline with pink ribbons, which a putto standing
next to her tries to open. A gallant gentleman is kneeling
in front of her with open arms. An older man,
probably the father of the young lady, is hiding in the
tree and holding his hands out in a gesture of repulsion
indicating the dangers of seduction. Tender genre
painting with fresh, luminous colours, especially emphasizing
the fine material quality of the clothing.
€ 12.000 - € 15.000
Sistrix
INFO | BID
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187
FRANÇOIS BOUCHER,
1703 PARIS – 1770 EBENDA, ZUG.
Der Maler gehört zu den bedeutendsten Künstlern
des französischen Rokoko, war Hofmaler Ludwigs XV,
gefördert durch Marquise de Pompadour. 1720 studierte
er bei François le Moyne (1688-1737), er erhielt
bereits 1723 einen ersten Preis der Académie Royale
sowie den Grand Prix de Rome, der ihm eine Studienreise
nach Italien ermöglichte. Ab 1755 wirkte er zudem
als künstlerischer Leiter der Manufacture Royale
des Tapisseries und war um 1765 bereits erster Hofmaler
des Königs sowie 1761 Rektor der Königlichen
Akademie.
DIE MUSIKSTUNDE
Öl auf Leinwand.
154 x 119 cm.
Das wandfüllende Gemälde zeigt in der Art von bekannten
Bildern Bouchers eine heitere galante Szenerie
in einem phantasievollen Landschaftsambiente
mit hochziehenden Bäumen, Felsen, Weidetieren und
einem im Zentrum stehenden Marmorbrunnen. Am
Brunnenbecken ein junger Kavalier mit Flöte, der sich
einem Mädchen zuwendet, das in Begleitung dreier
Kinder ihm einen Blütenkranz darreicht. Links ein weiteres
Mädchen mit blumengefülltem Strohhut, neben
Ziegen. Einige Hündchen, aber auch Schafe und Rinder
am rechten Bildrand beleben die Gesamtszenerie.
Links hinten schließt eine erhöht stehende Burgruine
und ein Baum als Repoussoir das Bildganze ab. Besonders
der mit Boucher befreun dete Jean-Baptiste
Huet (1745-1811) schuf ähnliche, großformatig wandfüllende
Werke, von denen sich etliche im „Salon
Huet“ im ehemaligen Palais Nissim de Camondo, Paris,
heute Museum, befinden. Er hielt sich hierbei an
Vorbilder seines Freundes Boucher. Die einzelnen Motive
und Details lassen sich in Werken von Boucher
finden, wie der Maler in seinen „Schäferstündchen“-
Darstellungen gerne auch antike Ruinen oder Versatzstücke
verwendet hat. So etwa in seinem Bild „Rinaldo
und Armida“, das sich im Louvre befindet. Auch
die Steinputten und das Marmorrelief im Brunnenaufbau
zählen zu solchen Bildbereicherungen. Die Szene
zeigt insgesamt die Leichtigkeit, mit der die höfische
Gesellschaft des Rokoko in ländlichen Kostümverkleidungen
die Nähe zur Natur, aber auch zu den Schönheiten
der ländlichen Bevölkerung gesucht hat. Dieses
Gesellschaftsphänomen zeigt sich auch in den
Werken von Fragonard (1732-1806), Lancret (1690-
1743) oder Watteau (1684-1721). Die genaue Entstehungszeit
des großen Leinwandbildes lässt sich vorderhand
nur schwer feststellen, allenfalls durch eine
Materialanalyse. Dennoch ist das Gemälde als äußerst
selten anzusehen, und ein Beispiel für die auch über
den Tod Bouchers hinaus anhaltende Begeisterung für
diese Sujets. Rest. A. R.
Anmerkung:
Der Maler gehört zu den bedeutendsten Künstlern
des französischen Rokoko, er war Hofmaler Ludwigs
XV, gefördert durch Marquise de Pompadour. 1720
studierte er bei François le Moyne (1688-1737), er
erhielt bereits 1723 einen ersten Preis der Académie
Royale sowie den Grand Prix de Rome, der ihm eine
Studienreise nach Italien ermöglichte. Ab 1755 wirkte
er zudem als künstlerischer Leiter der Manufacture
Royale des Tapisseries und war um 1765 bereits
erster Hofmaler des Königs sowie 1761 Rektor der
Königlichen Akademie. (1351532) (11)
FRANÇOIS BOUCHER,
1703 PARIS – 1770 IBID., ATTRIBUTED
THE MUSIC HIDE AWAY
Oil on canvas.
154 x 119 cm.
€ 90.000 - € 120.000 (†)
Sistrix
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188
JEAN-BAPTISTE LALLEMAND,
1716 – UM 1803, ZUG.
SÜDLICHE IDEALLANDSCHAFT
MIT ZIEHENDEN HIRTEN
JEAN-BAPTISTE LALLEMAND,
1716 – CA. 1803, ATTRIBUTED
SOUTHERN ARCADIAN LANDSCAPE
WITH TRAVELLING SHEPHERDS
Öl auf Leinwand.
73 x 98 cm.
Von einer felsigen Anhöhe in einen gewundenen Weg
ins Tal ziehende Hirten mit Maultierkarren und Eseln
sowie einer Ziegenherde. Die Szenerie seitlich gerahmt
durch einen hochragenden Baum links sowie
einen rechts hochsteigenden Felsen mit Wurzeln und
Sträuchern bewachsen. Weiter unten im Tal auf grünen
Matten zwischen einem Laubwäldchen antikische
Gebäude mit Zinnentürmen vor abfallender Bergkette.
Der Himmel mit nach links ziehenden Wolken, belichtet
durch die sinkende Sonne zwischen hellen Wolkenstreifen.
Lebendige Wiedergabe des bewegten Sujets.
Auffallend die aus dem französischen Rokoko
herzuleitende Farbigkeit und Bewegtheit der Vegetation
sowie der leuchtenden Textilien, was auf einen
Einfluss durch die Malerei im Umkreis von Boucher
hinweist.
(1350094) (10)
Oil on canvas.
73 x 98 cm.
€ 25.000 - € 35.000
Sistrix
INFO | BID
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189
GASPARD GRESLY,
1712 L‘ISLE-SUR-LE-DOUBS – 1756 BESANÇON
GALANTE SZENE
Öl auf Leinwand. Doubliert.
80 x 63,5 cm.
In einem vornehmen Interieur, mit einem Durchblick
in die freie Natur auf der linken Bildseite, eine junge
Frau auf einem hohen Stuhl unter einem nach rechts
gerafften Vorhang sitzend. Sie trägt ein glänzendes
hellblaues Kleid, unter dem ein gestreiftes Untergewand
hervorschaut. Mit ihren Händen scheint sie
gerade den oberen Teil ihres Mieders schließen zu
wollen. Hinter ihr ein junger Mann, der sie bei ihrer
Tätigkeit beobachtet und seine rechte Hand nach ihr
ausstreckt. Ihr linker Ellenbogen ruht auf einem großen
Kissen, das wiederum auf einem Gestell mit goldenem
Fußbein liegt, das wohl auf ein Bett hindeutet.
Galante Malerei in reduzierter Farbigkeit. Kleine Rahmenschäden.
Anmerkung:
Eine Variante dieses Gemäldes befindet sich in der
Eremitage, Sankt Petersburg, GE 7487.
Hier vorliegendes Gemälde wurde als eines der
wenigen Genrebilder, in denen die Galanterie
lebensweltlich dargestellt wird, als Leihgabe für
die Ausstellung „Der Scherz - die heitere Seite der
Aufklärung“ im Gleimhaus, Museum der deutschen
Aufklärung Halberstadt, angefragt.
GASPARD GRESLY,
1712 L’ISLE-SUR-LE-DOUBS – 1756 BESANÇON
GALLANT SCENE
Oil on canvas. Relined.
80 x 63.5 cm.
Depiction of a young woman sitting in an elegant interior
on a tall chair beneath a curtain drawn to the right
and with a vista of the open countryside on the left. A
young man is depicted behind her observing her and
reaching out to her with his right hand.Gallant painting
with reduced colouration. Minor damages to the
frame.
Notes:
A version of this painting is held at the State Hermitage
Museum, Saint Petersburg, GE 7487.
Literature:
Thieme/Becker: Allgem. Lexikon der bildenden
Künstler, vol. 13/14, Gaab bis Gress, p. 600;
Exposition de tableaux. Notices des tableaus composant
l’exposition faite au profit des Indigens dans
la grande salle de Palais de Justice à Besançon en
janvier 1831, Besançon, 1831, no. 175;
M-D. Joubert, Gaspard Gresley 1715-1756, un peintre
franc-comtois au XVIIIe, Besançon, 1994, p. 142.
€ 11.000 - € 13.000
Sistrix
INFO | BID
Literatur:
Thieme/Becker, Allgemeines Lexikon der bildenden
Künstler, Band 13/14, Gaab bis Gress, S.600.
Exposition de tableaux. Notices des tableaus composant
l‘exposition faite au profit des Indigens dans
la grande salle de Palais de Justice à Besançon en
janvier 1831, Besançon, 1831, No 175.
M-D.Joubert, Gaspard Gresley 1715-1756, un peintre
franc-comtois au XVIIIe, Besançon, 1994, S. 142.
(13503811) (18)
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190
FRANZ SIGRIST D. Ä.,
1727 ALT-BREISACH – 1803 WIEN, ZUG.
Gemäldepaar
DIE DORNENKRÖNUNG
sowie
MARIÄ HIMMELFAHRT
Öl auf Holz.
Sichtmaß: jeweils ca. 25 x 22 cm.
In geschwungenen prachtvollen vergoldeten Rocailleholzrahmen
mit durchbrochenen Ornamenten.
Das erste Gemälde zeigt Maria im Himmelsbereich
auf einer Wolke schwebend in rotem Gewand und langem
blauem Mantel, mit einem weißen Strahlenkranz,
um ihr Haupt und zu ihrer Seite je zwei kleine
Putti. Im unteren Vordergrund ist ihr Sarkophag erkennbar,
über dem zwei weiße Tücher hängen.
Das zweite Gemälde zeigt den in einem Innenraum
sitzenden Jesus, mit freiem Oberkörper und einem
hellroten leuchtenden Mantel über seinen Schultern
und den Beinbereich, der gerade von einem neben
ihm stehendem Soldaten mit blauem Überwurf auf
seinem Haupt die Dornenkrone aufgesetzt erhält. Vor
ihnen am Boden sitzend ein weiterer Mann in Rückenansicht.
Jesus leicht nach links sitzend hat sein Haupt
geneigt und scheint geduldig den Schmerz zu ertragen.
Feine Malereien in zurückhaltender weicher
Farbgebung. Die beiden Gemälde mit Rahmung wohl
als Seitenstücke zu einem größeren Hauptgemälde
geschaffen. Teils Retuschen.
(1351757) (18)
€ 5.000 - € 7.000
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229

CATALOGUE III
OLD MASTER PAINTINGS – PART 2 &
19TH / 20TH CENTURY PAINTINGS
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ONE OF THE LEADING AUCTION HOUSES IN EUROPE
CATALOGUE III
OLD MASTER PAINTINGS PART 2
19TH/20TH CENTURY PAINTINGS
Auctions: Thursday, 30 March 2023
Exhibition: Saturday, 25 March – Tuesday, 28 March 2023