Martha Argerich, Klavier, Oxford Philharmonie Orchestra

KULTURRING
HEILBRONN E.V.
www.kulturring-heilbronn.de
ORCHESTERKONZERT
OXFORD PHILHARMONIC
ORCHESTRA
MONTAG, 03. APRIL 2023
19.30 UHR

Orchesterkonzert
OXFORD PHILHARMONIC
ORCHESTRA
Dirigent: MARIOS PAPADOPOULOS
Solistin: MARTHA ARGERICH, Klavier
5. Veranstaltung der Kulturring-Konzertreihe 2022 / 2023
Theodor-Heuss-Saal, 19.30 Uhr
FELIX MENDELSSOHN BARTHOLDY 1809–1847
»Die Hebriden«, Konzertouvertüre op. 26 10 Min.
LUDWIG VAN BEETHOVEN 1770 –1827
Klavierkonzert Nr. 1 C-Dur, op. 15
- Allegro con brio
- Largo
- Rondo (Allegro scherzando)
Pause
WOLFGANG AMADEUS MOZART 1756 –1791
Sinfonie Nr. 41 C-Dur KV 551 »Jupiter«
- Allegro vivace
- Andante cantabile
- Menuetto. Allegretto
- Molto allegro
40 Min.
35 Min.
Gefördert:

Guten Abend,
Martha Argerich gilt als eine der größten Pianistinnen
unserer Zeit und wird in einem Atemzug mit so legendären
Namen wie Benedetti Michelangeli, Horowitz
und Pollini genannt. Ihr Spiel begeistert Publikum und
Rezensenten in aller Welt durch ihre enorme lyrische
Empfindsamkeit, ihr Temperament und ihre fesselnde
Brillanz. Sie ist als Interpretin der virtuosen Klavierliteratur
des 19. und 20. Jahrhunderts bekannt geworden.
Ihr umfassendes Repertoire schließt Musik von
Bach und Bartók, Beethoven und Messiaen sowie von
Chopin, Schumann, Liszt, Debussy, Ravel, Franck,
Prokofjew, Strawinsky, Schostakowitsch und Tschaikowsky
ein.
Seit 1998 steht das Oxford Philharmonic, ein Tournee-Orchester
der Konzertdirektion Schmid, für aufregende
und inspirierende klassische Musik in Oxford
und anderswo; es wurde von dem Konzertpianisten
und Dirigenten Marios Papadopoulos gegründet.
Freuen Sie sich auf ein großartiges Konzert mit Martha
Argerich, Marios Papadopoulos und dem Oxford Philharmonic
Orchestra.
MARTHA ARGERICH
Martha Argerich wurde
in Buenos Aires
(Argentinien) geboren,
erhielt ihre ersten Klavierstunden
im Alter
von fünf Jahren bei Vincenzo
Scaramuzza und
trat schon früh öffentlich
auf. 1955 zog sie nach Europa und führte ihr Studium
in London, Wien und der Schweiz fort. 1957 gewann
sie die Klavierwettbewerbe in Bolzano und Genf
sowie 1965 den Internationalen Chopin-Wettbewerb
in Warschau. Seitdem ist sie eine der bekanntesten
Pianistinnen der Welt.

Seit Martha Argerich als Siebzehnjährige mit dem um
zwei Generationen älteren Geiger Joseph Szigeti musizierte,
widmet sie sich intensiv der Kammermusik. Sie
hat Tourneen durch Europa, Amerika und Japan mit
Gidon Kremer und Mischa Maisky unternommen und
große Teile der Literatur für Klavier zu vier Händen oder
für zwei Klaviere mit den Pianisten Nelson Freire, Stephen
Bishop-Kovacevich, Nicolas Economou und Alexandre
Rabinovitch-Barakovsky gespielt.
Martha Argerich realisierte Aufnahmen für EMI, Sony
Music Entertainment, Philips, Teldec und Deutsche
Grammophon. Außerdem werden ihre Auftritte weltweit
im Fernsehen übertragen. Zudem erhielt sie zahlreiche
Preise wie den »Grammy Award« für Bartók- und Prokofjew-Konzerte,
den »Gramophone Award« (Künstler
des Jahres), den »Best Piano Concerto Recording of
the Year« für Chopin-Konzerte, den »Choc du Monde de
la Musique« für ein Konzert in Amsterdam, den »Preis
der Deutschen Schallplattenkritik« (Künstler des Jahres),
den »Grammy Award« für Prokofjews Cinderella
mit Michail Pletnev, den »Grammy Award« für Beethovens
Klavierkonzerte Nr. 2 und 3 mit dem Mahler Chamber
Orchestra unter der Leitung von Claudio Abbado,
den Preis für die Aufnahme des Jahres der Zeitung The
Sunday Times sowie den »BBC Music Magazine Award«
für ihre Schostakowitsch-Aufnahme von 2007.
Ihre neuesten Aufnahmen umfassen Mozarts Klavierkonzerte
KV 466 und KV 503 mit dem Orchestra
Mozart Bologna unter Claudio Abbado, ein Duo-Recital
gemeinsam mit Daniel Barenboim und ein Duo-Recital
gemeinsam mit Renaud Capuçon, sowie Rachmaninows
Sinfonische Tänze mit Don-Hyek Lim, Alexander
Vedernikov und dem BBC Sinfonie-Orchester.
Seit 1998 ist Martha Argerich künstlerische Direktorin
des »Beppu Argerich Music Festival« in Japan, mit
Konzerten und Meisterklassen von und mit ihr, Mischa
Maisky, Nelson Freire und anderen.
Martha Argerich setzt sich besonders für junge Künstler
ein. Im September 1999 fand der erste internationale
Klavierwettbewerb »Martha Argerich« in Buenos

Aires statt, der nicht nur ihren Namen trägt, sondern
in dem sie auch den Vorsitz in der Jury übernahm. Im
Juni 2002 rief sie den »Progetto Martha Argerich« in
Lugano ins Leben, der 2016 endete.
Martha Argerich erhielt eine Vielzahl an Auszeichnungen,
so etwa den »Officier de l’Ordre des Arts et Lettres«
1996 und »Commandeur de l’Ordre des Arts et des
Lettres« im Jahr 2004 von der französischen Regierung,
den »Accademica Nationale di Santa Cecilia« in Rom
1997, die Auszeichnung »Musician of the Year« 2001
von Musical America, »The Order of the Rising Sun,
Gold Rays with Rosette«, der ihr vom japanischen Tennō
verliehen wurde, sowie den renommierten »Praemium
Imperiale« der Japan Art Association 2005.
OXFORD PHILHARMONIC
ORCHESTRA
Maßstab des Oxford Philharmonic Orchestra sind
höchste künstlerische Virtuosität und musikalische
Integrität, und das Ensemble versucht, mit jedem einzelnen
Konzert kühne musikalische Zeichen zu setzen.
Der kompromisslose Gründer und Music Director
Marios Papadopoulos und seine erstklassigen Musiker,
die er »zu einem atemberaubenden Ensemble geformt
hat« (ConcertoNet), streben gemeinsam nach musikalischen
Spitzenleistungen.
Das Oxford Philharmonic zieht Künstlerinnen und Künstler
von Weltrang als Gäste an, darunter Maxim Vengerov,
Angela Gheorghiu, Sir Antonio Pappano, Anne-Sophie
Mutter, Martha Argerich, Sir András Schiff, Lang Lang,
Vladimir Ashkenazy, Evgeny Kissin und Sir Bryn Terfel.
Neben der Konzertsaison in Oxford, Tourneen in Großbritannien,
dem jährlichen Oxford Piano Festival und
der Chamber Music Series blickt das Orchester stolz
auf eine wachsende Liste internationaler Engagements,
darunter sein Debüt beim Kopenhagener Tivoli Festival
im Juni 2019, sein US-Debüt in der Carnegie Hall im
Juni 2022, seinen ersten Auftritt in München mit der

Pianistin Martha Argerich im April 2023 und Haydns
Die Schöpfung im September 2023 in der St. Thomas
Church Fifth Avenue New York, wo es mit dem Chor
von Merton College auftreten wird.
Das Oxford Philharmonic wurde 2002 von der University
of Oxford zum Orchestra in Residence ernannt, die
erste derartige Verbindung zwischen einem Orchester
und einer Hochschule.
Im Februar 2023 feiert das Orchester sein 25-jähriges
Bestehen mit einem Sonderkonzert im Barbican, bei
dem Maxim Vengerov Mendelssohns Violinkonzert und
eine neue Auftragsarbeit von John Rutter spielen wird.
Das Oxford Philharmonic Orchestra hat sich von
Beginn an sozial engagiert, Projekte in sozial und ökonomisch
benachteiligten Gegenden und Einrichtungen
wie Krankenhäusern und Förderschulen durchgeführt
und Partnerschaften mit dem Oxford City Council
und dem Oxfordshire County Council geschlossen.
Im Dezember 2021 wurde die Zweite Violinistin Jamie
Hutchinson für die von ihr geleiteten und mit dem Bildungsteam
des Orchesters durchgeführten Bildungsinitiativen
während der Pandemie mit dem renommierten
Salomon Prize ausgezeichnet, der von der
Royal Philharmonic Society (RPS) und der Association
of British Orchestras (ABO) vergeben wird.
Als Orchestra in Residence der University of Oxford
arbeitet das Ensemble häufig mit der Musikwissenschaftlichen
Fakultät an Bildungsprogrammen zusammen,
die Nachwuchstalenten Unterricht und Auftrittsmöglichkeiten
bieten.
Die Partnerschaft mit J & A Beare ermöglicht es führenden
Orchestermitgliedern, auf Stradivari-Instrumenten
zu spielen, was dem Klang eine ganz neue
Dimension verleiht.
In Anerkennung ihrer Verdienste um Bildung und Kultur
erhielten das Orchester und sein Music Director 2013
das Certificate of Honour der Stadt Oxford.

MARIOS PAPADOPOULOS
Marios Papadopoulos
begann seine Karriere
als Konzertpianist
und gründete 1998
das Oxford Philharmonic
Orchestra, dessen
Music Director er seitdem
ist. Unter seiner
Leitung hat das Orchester zahlreiche Erfolge gefeiert, tritt
regelmäßig in Oxford und an anderen Orten auf und hat
eine enge Verbindung zur University of Oxford geknüpft.
Als Solist und Dirigent hat er mit bedeutenden Musikerinnen
und Musikern zusammengearbeitet, darunter
Vladimir Ashkenazy, Hélène Grimaud, Nicola Benedetti,
Anne-Sophie Mutter, Maria João Pires, Menahem
Pressler, Maxim Vengerov, Renée Fleming, Vadim
Repin, Martha Argerich und Lang Lang. Seine Einspielungen
der Beethoven-Sonaten werden in einem Atemzug
mit denen von Schnabel, Brendel, Barenboim und
Wilhelm Kempff genannt.
Marios Papadopoulos hat bisher dreimal sämtliche
Beethoven-Symphonien dirigiert und die fünf Klavierkonzerte
vom Klavier aus geleitet – beim Beethoven
Festival 2008 des Oxford Philharmonic, bei den Feierlichkeiten
zum 15-jährigen Bestehen des Orchesters in
der Konzertsaison 2013/2014 und beim Oxford Beethoven
Festival 2020, das den 250. Geburtstag des
Komponisten über zwei Spielzeiten hinweg beging.
Sein Einspielkatalog umfasst die hochgelobten Beethoven-Sonaten,
Strawinskys Konzert für Klavier und
Bläser mit dem Royal Philharmonic Orchestra, Werke
von Mozart, Mussorgsky, César Franck und die 24 Präludien
und Fugen von Schostakowitsch. Er dirigiert das
Oxford Philharmonic in neuen Einspielungen der Violinkonzerte
von Brahms und Sibelius mit dem Solisten
Maxim Vengerov. Als Pianist haben er und Maxim Vengerov
sämtliche Violinsonaten von Brahms eingespielt
und im September 2016 im Wiener Musikverein aufge-

führt. 2020 veröffentlichte Marios Papadopoulos zwei
neue Einspielungen auf dem eigenen Label des Oxford
Philharmonic Orchestra, »Classical Favourites« und
»Piano Favourites«, auf denen bekannte Werke von
Liszt, Chopin, Rachmaninoff und andern zu hören sind.
Marios Papadopoulos widmet sich der Nachwuchsförderung
und teilt sein umfangreiches Wissen mit jungen
Künstlerinnen und Künstlern vor allem beim jährlichen
Oxford Piano Festival, das er 1999 gründete. Überdies
war er Jury-Mitglied beim Leeds International Piano
Competition 2015 und beim Henryk Wieniawski Violin
Competition 2016.
Marios Papadopoulos hat einen Doktor der Musik der
City University und ist Mitglied der Musikwissenschaftlichen
Fakultät der University of Oxford und Fellow
by Special Election des Keble College. 2010 wurde er
Honorary Fellow der Worshipful Company of Musicians
und erhielt 2013 das Certificate of Honour der Stadt
Oxford. 2014 wurde Marios Papadopoulos für seine
Verdienste um die Musik in Oxford bei der Queen’s
New Year’s Honours List zum MBE ernannt.
MENDELSSOHN BARTHOLDY »DIE HEBRIDEN«
Felix Mendelssohn Bartholdy (1809-1847) feierte am
3. Februar 1829 seinen 20. Geburtstag. Zwei Monate
später brach er in Begleitung von Karl Klingemann,
einem guten Freund, zu seiner ersten großen Bildungsreise
nach England und Schottland auf. Mendelssohn
konnte sich dabei unter anderem als Schöpfer seiner
erfolgreichen »Sommernachtstraum«-Ouvertüre präsentieren,
etwa bei Konzerten in London.
Im August 1829 standen die 50 km nordwestlich von
Schottland liegende Inselgruppe Hebriden mit ihrer
berühmten Fingalshöhle auf dem Programm. Hohe
eckige Basaltsäulen, die noch heute den Eingang zur
windumtosten Meeresgrotte säumen, bieten einen
spektakulären Anblick. Vom Naturschauspiel ergriffen,
machte der junge Komponist eine Bleistiftzeichnung
der Landschaft und skizzierte 21 Anfangstakte eines
neuen Werkes.

Nach Hause zurückgekehrt, entwickelte Mendelssohn
aus diesen Takten seine Konzert-Ouvertüre »Die Hebriden«,
die nach mehrmaliger Überarbeitung am 30.
Januar 1833 in Berlin ihre Uraufführung erlebte. Mendelssohns
Musik konzentriert sich ganz auf die Schilderung
des Naturphänomens und entwirft ein atmosphärisches
Porträt von Wasser, Meer und Wind.
Mendelssohn erfand mit großer Fantasie drei Themen:
eine absteigende Wellenbewegung, eine erhebende
aufsteigende Melodie und ein fanfarenartiges Motiv.
Aus diesem thematischen Material formte Mendelssohn
mit kühner Harmonik eine vielfach schillernde
Tondichtung in h-Moll, deren Stimmungen von heftiger
Bewegung und strahlendem Glanz bis zu berührender
Idylle (Klarinettensoli über mildem Streicherklangfeld)
reichen. Das Hauptthema, das den Wellengang darstellt,
wird von Bratsche, Cello und Fagott vorgetragen
und im Laufe der Ouvertüre variiert. Unterstützt wird es
von der an Donnergrollen erinnernden Pauke.
Zunächst sah Mendelssohn als Werktitel »Ouvertüre
zur einsamen Insel« vor; 1830 wählte er den Titel »Die
Hebriden«, 1832 aber »Overture to the Isles of Fingal«.
Die Erstausgabe von 1835 führte hingegen den
Titel »Die Fingals-Höhle«. Die Erstausgabe der Stimmen
aus dem Vorjahr 1834 war hingegen zum Titel
»Die Hebriden« zurückgekehrt, an dem Mendelssohn
dann selbst festhielt.
Felix Mendelssohn Bartholdy hat mit »Die Hebriden«
einen neuen Musiktyp ausgebildet: den der programmatischen
Konzertouvertüre, die als selbstständiges
Konzertstück keine in eine Oper oder ein Schauspiel
einstimmende Funktion mehr besitzt. Das Werk gilt
denn auch als einer der bedeutendsten Vorläufer der
sinfonischen Dichtung, und Franz Liszt hat sich denn
auch darauf berufen.
BEETHOVEN KLAVIERKONZERT C-DUR OP. 15
Eigentlich ist es ja Ludwig van Beethovens (1770-
1827) mindestens drittes Klavierkonzert, denn nach
Jugendwerk(en?) entstand auch das mit der höheren

Opuszahl 19 versehene B-Dur-Konzert vor Ludwig van
Beethovens 1795/96 (vielleicht schon ab 1794) komponiertem,
1798 redigiertem Klavierkonzert C-Dur op. 15,
mit Pauken und Trompeten, und auch mit Klarinetten.
Das mag der geschulte Wiener Konzertbesucher vom
Anfang des 19. Jahrhunderts sofort wahrgenommen
haben: die Eigenständigkeit, die Direktheit, das selbstbewusste
»Ich« des so eminent klavieristisch komponierenden
Pianisten und Virtuosen, der seit 1792
in Wien lebte, als unverwechselbare neue Facette im
Vergleich zu Haydns oder Mozarts Beiträgen zum Klavierkonzert.
In einer der ersten Aufführungen soll das
Klavier einen Halbton zu tief gestimmt gewesen sein,
Beethoven soll das Werk einfach so in Cis-Dur gespielt
haben. Im Druck erschien es im März 1801.
Beethoven bekennt sich im eröffnenden Allegro con
brio-Satz zur Deutlichkeit des Sonatensatzaufbaus.
Das marschartige erste Thema, der lyrische Seitengedanke
in Es-Dur und ein drittes Motiv (von den Holzbläsern
vorgestellt) sowie die Rückkehr zum Marsch
markieren den Weg, und das Klavier (auch das gab es
schon bei Mozart) kadenziert sich ins Konzert hinein.
Auffallend ist der lyrische Duktus der Durchführung
(nach der kräftigen Orchesterüberleitung und bis zum
»Sturz« des Klaviers hin zur Reprise). Es gibt mehrere
Originalkadenzen von Beethoven zum ersten Satz,
eine viel gespielte sehr ausführliche bietet nahezu eine
»Klaviersoloreprise« für sich.
Das nun folgende weit ausschwingende, vielfach arabesk
perlende poetische Largo in As-Dur unterstreicht
ebenso den klavieristischeren Ansatz Beethovens
gegenüber dem universeller komponierenden Mozart.
Ein markant inspirierter Rondosatz ist das abschlie-

ßende Allegro (vielfach, aber nicht immer wird scherzando
zum Allegro ergänzt), mit Themen, die man sich
gut einprägen kann, und mit dem sehr deutlichen Rondoaufbau
A – B – A – C – A – B – A (bei den Wiederholungen
teilweise variiert).
MOZART JUPITER-SINFONIE
Das Jahr 1788 war für Wolfgang Amadeus Mozart
(1756-1791) von Existenzängsten und Depressionen
bestimmt. Seine Schaffenskraft jedoch war ungebrochen,
was die »Jupiter«-Sinfonie beweist. Im Sommer
begann er in Wien mit der Arbeit an drei großen Sinfonien
(g-Moll, Es-Dur, C-Dur), die er innerhalb von 6
Wochen fertigstellte; die »Jupiter«-Sinfonie Nr. 41 in
C-Dur, KV 551 sollte seine letzte bleiben.
Warum Mozart die umfangreiche Arbeit an drei großen
Sinfonien gleichzeitig aufnahm, ist nicht mehr rekonstruierbar.
Verschiedene Theorien besagen, dass die
Sinfonien etwa für geplante Konzerte im Spätsommer
1788 oder für eine Englandreise im selben Jahr, die
aus verschiedenen Gründen nicht zustande kam, vorgesehen
waren. Auch die Vermutung, dass Mozart eine
großangelegte Opus-Veröffentlichung nach dem Vorbild
Joseph Haydns plante, der im Vorjahr ebenfalls
drei große Sinfonien – sogar in identischen Tonarten –
komponiert und herausgegeben hatte, liegt nahe.
Den Namen »Jupiter«-Sinfonie verpasste der deutschbritische
Konzertimpresario Johann Peter Salomon
dem Werk, wegen seines festlichen Charakters, der
nach allen Seiten hin offenen Grundtonart C-Dur und
wohl auch wegen der atemberaubenden Konstruktion
des Finales.
Voller Energie beginnt der erste Satz (Allegro vivace)
in dem bei Mozart beliebten Unisono. Kontrastierend
folgt das ausdrucksvolle zweite Motiv, um dann wieder
dem ersten zu weichen, das diesmal auf der Dominante
erklingt. Wieder folgt der zweite Gedanke, wobei

die formalen Proportionen gleich bleiben. Im Nachsatz
des ersten Themas präsentiert sich das Orchester nun
in vollen Akkorden und zeigt sein Klangpotential. Das
zweite Thema erscheint dagegen bescheidener, doch
nicht weniger belebt. Kurz vor Ende der Exposition
führt Mozart ein drittes Thema ein. Damit beginnt auch
die Durchführung, die neben dem dritten vor allem das
erste Thema, nicht aber das zweite, originell verarbeitet.
Die Reprise ist in ihrem Einsatz gut zu erkennen,
doch zeigt sie im Vergleich zur Exposition in der Überleitung
zum zweiten Thema einige Variationen. Gemäß
der Sonatensatzform bringt die Reprise kein neues
thematisches Material, sondern beschränkt sich auf
das dagewesene und lässt auch das dritte Thema kurz
vorm Ende noch einmal zu Wort kommen.
Der zweite Satz (Andante cantabile) spricht zum Zuhörer
durch seine Innigkeit und Ausdruckskraft. Die Harmonik
ist hier wesentlich expressiver als in den anderen
Sätzen und die überaus präsenten Holzbläser
wechseln in der Melodieführung mit den Streichern.
Darüber hinaus verwendet Mozart einen beliebten
Effekt der Mannheimer Schule: das forte subito. Nur für
einen kurzen Moment erklingt der volle Orchesterklang
und weicht dann wieder ins piano zurück. Dieser Effekt
ist bei Mozart und seinen Zeitgenossen sehr beliebt
und findet sich in vielen weiteren Werken.
Das Menuett (Allegretto), der dritte Satz, ist einem
Tanzsatz entsprechend einfach gestaltet. Auffällig ist
die Chromatik im Themenkopf, der das ganze Menuett
beherrscht. Nur im Mittelteil, dem Trio, verwendet
Mozart neue Ideen. Dieses Trio wurde vor Mozarts Zeit
von nur drei Instrumenten gestaltet, daher der Name.
Mozart verwendet im Trio seiner Sinfonien dagegen
stets alle Instrumentengruppen des Orchesters. Nach
diesem Mittelteil folgt noch einmal die Wiederholung
des Menuetts, diesmal aber in verkürzter Form.
Mozart hatte den Kontrapunkt nicht nur in seiner
Jugend studiert, sondern befasste sich auch in seinem
weiteren Leben damit. In Wien war er regelmäßig
Gast bei Gottfried van Swieten, einem Diplomaten und

Bewunderer der Barockmusik. Jeden Sonntag fand in
dessen Hause eine Matinee statt, in der ausschließlich
Bach und Händel gespielt wurden. 1782 traf Mozart
erstmals mit van Swieten zusammen und begann,
längst ein reifer Meister, noch einmal die barocken
Fugen zu studieren. Im Finale der »Jupiter«-Sinfonie
zeigt sich der Komponist nun als ein raffinierter und
geistreicher Kontrapunktiker und gleichzeitig als klassischer
Komponist. Schon in den ersten Takten des
Satzes zeigt er seine Kombination von Alt und Neu: Er
beginnt mit einem kurzen, aus vier Tönen bestehenden,
Motiv, das bereits im Barock als historisierend
gegolten hätte. Begleitet wird diese Tonfolge mit einer
Figur, die ebenso klassisch ist wie das folgende zweite
Motiv. Mozart baut das Finale – und das ist ungewöhnlich
– nach der Sonatensatzform auf. Im Verlauf
der Exposition stellt er fünf Motive vor, in der Durchführung
werden aber nur die ersten beiden berücksichtigt
und nachdem es schon Kombinationen einzelner
Motive gegeben hatte, erklingen alle fünf in der Coda
des Satzes gleichzeitig. Trotz dieser komplizierten
Satztechnik hat diese Musik nichts Künstliches, sondern
wirkt natürlich, verspielt und ist eben von dieser
trügerischen Leichtigkeit Mozarts.
Nach Mozarts Tod wurde das Werk – insbesondere das
Finale – als eines der gelungensten Stücke der Sinfonik
angesehen und erhielt teilweise den Titel »Sinfonie mit
der Schlussfuge«. In der Allgemeinen musikalischen
Zeitung von 1808 heißt es, dass das Werk in Leipzig
inzwischen »ein so erklärtes Lieblingsstück der hiesigen
Kunstfreunde [ist], dass wir sie ihnen kein Jahr
vorenthalten.« Insbesondere in London erfuhr das Werk
besondere Wertschätzung, wurde 1810 als Partitur
gedruckt und als »höchster Triumph der Instrumentalkomposition«
gefeiert.

Konzerte der Abonnementreihe im Theodor-Heuss-
Saal der Festhalle Harmonie, Beginn 19.30 Uhr
Mittwoch,
26. April 2023
Dienstag,
09. Mai 2023
Klavierduo
LUCAS & ARTHUR JUSSEN
Orchesterkonzert II
ACADEMY OF ST MARTIN
IN THE FIELDS
Solist: SEONG-JIN CHO, Klavier
Konzert der Reihe »Perspektiven Heilbronn«
in den Städtischen Museen Heilbronn im Deutschhof,
Beginn 19.30 Uhr
Montag,
15. Mai 2023
KAI WANGLER
(Fürstenfeldbruck), Akkordeon
Herausgeber: Kulturring Heilbronn e.V.
Abonnementbüro: Heilbronner Reisebüro Böhm
Sülmerstraße 13 / Tel. 0 71 31/62 40 17
Texte: Ulrich Heffter
Gestaltung: www.wsk-werbung.de