Excellent Art 2022 - Exzellente Kunst 2022
This art and gift book introduces 47 selected artists from 23 countries around the globe. It also includes a feature with music suggestions and matching poems „Voices of the Sea" by Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Johannes Brahms, Edward Elgar and Claude Debussy. Ai-Wen Wu Kratz: Worldly States of Bliss; Alessandra Diefe: Likeness and Dreamy Reality; Angela P. Schapiro: Light in a Tunnel of Relicts; Aomi Kikuchi: Archetypes of the Subconscious; Benny De Grove: Distance and Dedication; Bert Hermans: Constructs Between Painting and Architecture; Betty Collier: Inspiration from the Animal World; Bingjib Huang: Visualizing Lyrical Communication; Bo Song: Rigorous Use of Color in Aesthetic Compositions; Charlotte A. Shroyer: Figurative Associations Verging on Abstraction; Cor Fafiani: Parodies of Fancy; Despina Kyriacou: Fragments of Extraterrestrial Landscapes; Donelli J DiMaria: Poses of Perfection; Eleanora Hofer: Matters of Raw Material and Creative Drive; Friedrun Schuster: Alluring Linguistic Imagination; Gerhard Rasser: Marked by a Meditative Mood; Gerhardt Gallagher: Landscapes in Cool Colors; Hege Ullensvang: Realism and Abstraction; Helena Laine: In Dynamic Brush Strokes to the Verge of Abstraction; Hélène DeSerres: Visions of Nature and Perspective; Hyun-Jin KIM: Trip to Lyrical Dimensions; Ivana Gagić Kičinbači: Permanent Movement; Jan Lowe: Landscapes – Lush and Lonely; Jani Jan J: Conversations of Contrast and Color; Janni Nyby: Shining a Fascinating Light on the North; Jean Jacques Porret: Rhythmical Shapes in Motion; Joseph Virgone: Visualizing Emotions; Josip Rubes: Lively Colors, Aesthetic Effects; Judith Stone: Balance of Colors; Julia Still: Paintings with Sculptural Overtones; Kathryn Kleinman: Blooming in Harmony; Luana Stebule: A Pointillist Aura; Marcel Jomphe: Structural Appeal; Martin De Saint Muerell: Smooth, Bizarre Bronze Sculptures; Masha Orlovich: Exquisite Etchings; Mel Delija: Masterful Movement; Patricia Pascazzi: Impressions between Form and Emptiness; Paul Delpani: Statements without Explanations; Ramón Rivas: Mystical Moments of Infinity; Robert Ram: A Romantic Refusal to Imitate Appearances; Torhild Frøydis Eid: Color Rising like a Veil; Tove Andresen: Intoxicating Color Variations; Ursula Müri-Venner: Fragmented Spaces Merging; Veryal Zimmerman: Artistic Vision Replacing Reality; William Zuk: Combining Movement with Stillness; Yvan LaFontaine: Reflections on the Beauty of Water
This art and gift book introduces 47 selected artists from 23 countries around the globe. It also includes a feature with music suggestions and matching poems „Voices of the Sea" by Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Johannes Brahms, Edward Elgar and Claude Debussy.
Ai-Wen Wu Kratz: Worldly States of Bliss; Alessandra Diefe: Likeness and Dreamy Reality; Angela P. Schapiro: Light in a Tunnel of Relicts; Aomi Kikuchi: Archetypes of the Subconscious; Benny De Grove: Distance and Dedication; Bert Hermans: Constructs Between Painting and Architecture; Betty Collier: Inspiration from the Animal World; Bingjib Huang: Visualizing Lyrical Communication; Bo Song: Rigorous Use of Color in Aesthetic Compositions; Charlotte A. Shroyer: Figurative Associations Verging on Abstraction; Cor Fafiani: Parodies of Fancy; Despina Kyriacou: Fragments of Extraterrestrial Landscapes; Donelli J DiMaria: Poses of Perfection; Eleanora Hofer: Matters of Raw Material and Creative Drive; Friedrun Schuster: Alluring Linguistic Imagination; Gerhard Rasser: Marked by a Meditative Mood; Gerhardt Gallagher: Landscapes in Cool Colors; Hege Ullensvang: Realism and Abstraction; Helena Laine: In Dynamic Brush Strokes to the Verge of Abstraction; Hélène DeSerres: Visions of Nature and Perspective; Hyun-Jin KIM: Trip to Lyrical Dimensions; Ivana Gagić Kičinbači: Permanent Movement; Jan Lowe: Landscapes – Lush and Lonely; Jani Jan J: Conversations of Contrast and Color; Janni Nyby: Shining a Fascinating Light on the North; Jean Jacques Porret: Rhythmical Shapes in Motion; Joseph Virgone: Visualizing Emotions; Josip Rubes: Lively Colors, Aesthetic Effects; Judith Stone: Balance of Colors; Julia Still: Paintings with Sculptural Overtones; Kathryn Kleinman: Blooming in Harmony; Luana Stebule: A Pointillist Aura; Marcel Jomphe: Structural Appeal; Martin De Saint Muerell: Smooth, Bizarre Bronze Sculptures; Masha Orlovich: Exquisite Etchings; Mel Delija: Masterful Movement; Patricia Pascazzi: Impressions between Form and Emptiness; Paul Delpani: Statements without Explanations; Ramón Rivas: Mystical Moments of Infinity; Robert Ram: A Romantic Refusal to Imitate Appearances; Torhild Frøydis Eid: Color Rising like a Veil; Tove Andresen: Intoxicating Color Variations; Ursula Müri-Venner: Fragmented Spaces Merging; Veryal Zimmerman: Artistic Vision Replacing Reality; William Zuk: Combining Movement with Stillness; Yvan LaFontaine: Reflections on the Beauty of Water
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International <strong>Art</strong>works and Poems —<br />
Enter into <strong>Art</strong> — LOUNGE 3 — <strong>2022</strong><br />
Internationale <strong>Kunst</strong>bilder und Gedichte<br />
Music Suggestions / Musikalische Empfehlungen:<br />
„Voices of the Sea - Stimmen des Meeres"<br />
1<br />
Felix Mendelssohn, Robert Schumann,<br />
Johannes Brahms, Edward Elgar, Claude Debussy
Gabriele Walter (editor / Hrsg.)<br />
<strong>Excellent</strong> <strong>Art</strong> - <strong>Exzellente</strong> <strong>Kunst</strong><br />
Relax and Rejoice with <strong>Art</strong> and Poetry from Twenty-Four Countries<br />
Entspannung und Genuss mit <strong>Kunst</strong> und Poesie aus vierundzwanzig Ländern<br />
221 artworks<br />
40 poems<br />
221 <strong>Kunst</strong>bilder<br />
40 Gedichte<br />
Cover: Alessandra Dieffe; Title page / Titelseite: Jean Jacques Porret<br />
Back of the book / Cover-Rückseite: Hege Ullensvang, Bert Hermans, Julia Still, William Zuk, Ivana Gagić Kičinbači, Marcel Jomphe<br />
Music pages / Musik-Seiten: Masha Orlovich, Helena Laine<br />
2 3
Contents / Inhalt<br />
<strong>Art</strong> and Poetry / <strong>Kunst</strong> und Poesie<br />
William Zuk, Canada<br />
page / Seite 10 - 11<br />
Ivana Gagić Kičinbači , Croatia / Kroatien<br />
page / Seite 14 - 15<br />
Donelli DiMaria, USA<br />
page / Seite 16 - 17<br />
Hélène DeSerres, Canada / Kanada<br />
page / Seite 18 - 19<br />
Aomi Kikuchi, Japan<br />
page / Seite 20 - 21<br />
Ai-Wen Wu Kratz, USA<br />
page / Seite 22 - 23<br />
Helena Laine, Finland / Finnland<br />
page / Seite 24 - 25<br />
Marcel Jomphe, Canada / Kanada<br />
page / Seite 28 - 29<br />
Hege Ullensvang, Norway / Norwegen<br />
page / Seite 30 - 31<br />
Gerhardt Gallagher, Ireland / Irland<br />
page / Seite 32 - 33<br />
Foreword<br />
This art and gift book introduces 47 selected artists from 23 countries around the<br />
globe. The interpretations focus mainly on the visible, specific side of paintings,<br />
sculptures and art objects, mostly leaving out aspects related to the artists’ résumés.<br />
To learn more about the artists, please refer to their respective websites. The book<br />
invites art lovers to connect with the artworks themselves. Based on the concept<br />
behind Enter-into-<strong>Art</strong>, feel free to pick a painting, mindfully dwell on it following<br />
our instructions for meditative art observation, and relax.<br />
As an editor and PR specialist, I put my heart into designing art books based<br />
on brilliant ideas. The order of the artworks presented was determined based on<br />
rhythm, not quality. It is meant to make the tone and style related interaction between<br />
art and poetry palpable in a harmonious manner and produce a page-turner<br />
effect. In addition, special art and poetry pages offer artists the opportunity to present<br />
their works in combination with their own poetry. Poems are usually published<br />
in their original language. Reading foreign texts resembles the musical sound of<br />
color tones and increases the intercultural effect.<br />
In the same vein, each book of the “<strong>Excellent</strong> <strong>Art</strong>” (LOUNGE 3) series introduces<br />
one or several famous musical works to contribute to the harmonious overall sound,<br />
alongside a topic related selection of my haiku poetry. By introducing musical works,<br />
I hope to inspire readers to expand their perception to the tonal aspects of art and<br />
poetry. This time I have dedicated my selection to the ocean because the ocean connects<br />
the peoples of the world. I have chosen gems of classical music related in topic<br />
to the poems presented and marked by a striking affinity to the world of painting<br />
and poetry in general.<br />
I would like to thank all artists for their cooperation in this global community<br />
project and wish them every success!<br />
Vorwort<br />
In dem vorliegenden <strong>Kunst</strong>- und Geschenkbuch werden 47 ausgewählte Künstlerinnen<br />
und Künstler aus 23 Ländern rund um den Globus vorgestellt. Mit dem Ziel der<br />
Anschaulichkeit steht erneut das Spezifische der Bilder, Skulpturen und <strong>Kunst</strong>objekte<br />
im Mittelpunkt der Interpretationen, während darin weitgehend auf Aspekte verzichtet<br />
wird, welche dem Lebenslauf der Künstlerinnen und Künstler entnommen werden<br />
können. Diese können auf deren Websites nachgelesen werden. Es handelt sich um<br />
Anregungen für <strong>Kunst</strong>freunde, sich mit den Werken selbst auseinanderzusetzen. Man<br />
suche sich ein Bild aus, vertiefe sich - gemäß dem „Enter-into-<strong>Art</strong>“-Konzept - mithilfe<br />
der Anleitung für eine meditative <strong>Kunst</strong>betrachtung achtsam in das <strong>Kunst</strong>werk und<br />
entspanne.<br />
Als Herausgeberin und PR-Fachfrau liegt es mir am Herzen, <strong>Kunst</strong>bücher basierend<br />
auf brillanten Ideen zu gestalten. Die rhythmische Anordnung der Künstlerseiten im<br />
Buch ist keine Bewertung. Harmonisch soll sie die tonale und stilistische Wechselwirkung<br />
von <strong>Kunst</strong> und Poesie spürbar machen und beim Durchblättern Spannung erzeugen.<br />
Zudem bieten spezielle <strong>Kunst</strong>- und Poesie-Seiten <strong>Kunst</strong>schaffenden die Möglichkeit,<br />
ihre Werke im Zusammenspiel mit eigener Poesie zu präsentieren. Deren Gedichte<br />
werden in der Regel allein in ihrer Muttersprache veröffentlicht, denn auch das Lesen<br />
fremdsprachiger Texte kann durch seinen spezifischen musikalischen Farbklang bereichernd<br />
wirken und erhöht die interkulturelle Wirkung.<br />
In diesem Sinne wird in jedem Buch der Reihe „<strong>Exzellente</strong> <strong>Kunst</strong>“ (LOUNGE 3) auch<br />
ein berühmtes Musikstück oder ein Themenkreis musikalischer Werke vorgestellt, die<br />
in Harmonie mit den <strong>Kunst</strong>bildern und einer themenbezogenen Auswahl meiner Haiku-Lyrik<br />
erklingen mögen. Die Musik soll dazu anregen, <strong>Kunst</strong> und Poesie auch in ihrer<br />
tonalen Aussage zu erfassen. Die musikalischen Empfehlungen habe ich dieses Mal<br />
dem Thema „Meer“ gewidmet, denn das Meer verbindet alle Völker der Erde miteinander.<br />
Passend zu den Gedichten habe ich Kleinode aus dem Repertoire der klassischen<br />
Musik ausgewählt, die sich durch einen prägnanten Bezug zur Malerei und Dichtkunst<br />
auszeichnen.<br />
Bo Song, South Korea / Südkorea<br />
page / Seite 72 - 73<br />
Ramón Rivas, Spain / Spanien<br />
page / Seite 74 - 75<br />
Alessandra Dieffe, Italy / Italien<br />
page / Seite 76 - 77<br />
Masha Orlovich, Israel<br />
page / Seite 78 - 79<br />
Jean Jacques Porret, USA<br />
page / Seite 82 - 83<br />
Luana Stebule, United Kingdom / Großbritannien<br />
page / Seite 84 - 85<br />
Angela P Schapiro, USA<br />
page / Seite 86 - 87<br />
Josip Rubes, Croatia / Kroatien<br />
page / Seite 88 - 89<br />
Benny De Grove, Belgium / Belgien<br />
page / Seite 90 - 91<br />
Ursula Müri, Switzerland / Schweiz<br />
page / Seite 92 - 93<br />
Bert Hermans, The Netherlands / Niederlande<br />
page / Seite 94 - 95<br />
Hyun-Jin KIM, Taiwan<br />
page / Seite 96 - 97<br />
Cor Fafiani, The Netherlands / Niederlande<br />
page / Seite 34 - 35<br />
Gabriele Walter<br />
(Editor)<br />
Ich danke allen Teilnehmerinnen und Teilnehmern für die gute Zusammenarbeit in<br />
dem weltweiten Gemeinschaftsprojekt und wünsche ihnen viel Erfolg!<br />
Charlotte Shroyer, USA<br />
page / Seite 98 - 99<br />
Yvan LaFontaine, Canada / Kanada<br />
page / Seite 36 - 37<br />
Gabriele Walter<br />
(Herausgeberin)<br />
Robert Ram, The Netherlands / Niederlande<br />
page / Seite 102 - 103<br />
Torhild Frøydis Eid, Norway / Norwegen<br />
page / Seite 38 - 39<br />
Paul Delpani, Austria / Österreich<br />
page / Seite 40 - 41<br />
Veryal Zimmerman, USA<br />
page / Seite 42 - 43<br />
Julia Still, France / Frankreich<br />
page / Seite 46 - 47<br />
<strong>Art</strong>works selected for the book design:<br />
See p.1 / title page<br />
Music Suggestions:<br />
"Voices of the Sea", p. 6 - 7<br />
<strong>Art</strong> Meditation: p. 12<br />
Imprint / Index: p. 116<br />
Haiku-Poems:<br />
Rocky Coast , p. 26<br />
Sparkle of the Sea, p. 44<br />
Mythical Sea, p. 62<br />
Sea Breeze, p. 80<br />
Sunset, p. 100<br />
<strong>Kunst</strong>werk-Auswahl für das Buchdesign:<br />
Siehe S. 1 / Titelseite<br />
Musikalische Empfehlung:<br />
"Stimmen des Meeres", S. 8 - 9<br />
<strong>Kunst</strong>meditation: S. 13<br />
Impressum / Index: S. 116<br />
Haiku-Gedichte:<br />
Felsenküste, S. 27<br />
Glanz des Meeres, S. 45<br />
Mythische See, S. 63<br />
Meereswind, S. 81<br />
Sonnenuntergang, S. 101<br />
Martin de Saint Muerell, Austria / Österreich<br />
page / Seite 104 - 105<br />
Janni Nyby, Denmark / Dänemark<br />
page / Seite 106 - 107<br />
Eleanora Hofer, South Africa / Südafrika<br />
page / Seite 108 - 109<br />
Kat Kleinman, USA<br />
page / Seite 110 - 111<br />
Jani Jan J., Austria / Österreich<br />
page / Seite 48 - 49<br />
Jan Lowe, Australia / Australien<br />
page / Seite 112 - 113<br />
Betty Collier, Australia / Australien<br />
page / Seite 50 - 51<br />
Joseph Virgone, France / Frankreich<br />
page / Seite 54 - 55<br />
William Zuk, Canada / Kanada<br />
page / Seite 58 - 59<br />
Fridrun Schuster, Austria / Österreich<br />
page / Seite 64 - 65<br />
Mel Delija, Canada / Kanada<br />
page / Seite 68 - 69<br />
Tove Andresen, Denmark / Dänemark<br />
page / Seite 114 - 115<br />
Bingjib Huang, USA<br />
page / Seite 52 - 53<br />
Patricia Pascazzi, Argentina / Argentinien<br />
page / Seite 56 - 57<br />
Judith Stone, USA<br />
page / Seite 60 - 61<br />
Despina Kyriacou, United Kingdom / England<br />
page / Seite 66 - 67<br />
Gerhard Rasser, Austria / Österreich<br />
page / Seite 70 - 71<br />
4 5
There is nothing more musical than a sunset.<br />
From Felix Mendelssohn<br />
to Claude Debussy<br />
Claude Debussy<br />
Most pieces of classical music featuring the sea are inspired by composers being shipwrecked, and exhibit a pompous,<br />
dynamic style of orchestration. Richard Wagner's Flying Dutchman and Hector Berlioz's Le Corsaire are two such examples.<br />
In my selection for this book, however, I have chosen to focus on works expressing the beauty and the lyrical element of<br />
the sea with its poetic range of sounds. Born and raised in Leipzig, I feel especially drawn to the following overtures by<br />
Felix Mendelssohn, the most famous conductor in the history of the Leipzig Gewandhaus Orchestra:<br />
After visiting the Scottish island of Staffa in August 1829, he wrote his Hebrides Overture, op. 26, making revolutionary<br />
use of instrumentation as an artistic tool of atmospheric expression. His literary inspiration came from Celtic poetry. The<br />
tone poem's atmosphere ranges from intense movement to brilliant radiance. The picturesque island on Scotland's West<br />
Coast also inspired one of William Turner's most popular paintings. Staffa, Fingal's Cave, painted in 1832, is known as one<br />
of the earliest works of Impressionism.<br />
Mendelssohn's Overture Nr. 3 Calm Sea and Prosperous Voyage, op. 27 on the other hand, was based on two short poems<br />
by Johann Wolfgang von Goethe that had already been set to music and turned into songs by Franz Schubert and Ludwig<br />
van Beethoven. The almost graphic depiction of a motionless ship featured in this overture, and the realization of a light<br />
breeze picking up, are impressive examples of musical nature writing. The atmosphere of calm water palpably changes to<br />
that of a rising wind. Mendelssohn introduced his work to the public in 1835 at his first concert as conductor of the Leipzig<br />
Gewandhaus Orchestra.<br />
Another musician I admire, being from Leipzig, is Robert Schumann who, in 1840, wrote a piece based on a poem by<br />
my favorite poet - Heinrich Heine. The romantic song Evening on the Shore, op. 45,3, written by the German North Sea<br />
evokes images of Caspar David Friedrichs atmospheric sea paintings. Johannes Brahms wrote his Three Duets The Seas, op.<br />
20, No. 3 for soprano, alto, and piano in 1860 based on an Italian poem.<br />
In 1899, Edward Elgar united sea poems by five different authors in the romantic song cycle Sea Pictures, Five Songs for<br />
Contralto and Orchestra, op. 37. Starting with soft songs and the gentle rocking motion of the sea, we witness the sudden<br />
appearance of a dark threat before, finally, a triumphant hymn of love rises from the black sea of souls. Singer Clara Butt,<br />
the first singer to perform the work in public, is said to have taken the stage as a mermaid.<br />
Claude Debussy loved the sea so passionately that for a while, he wanted to become a sailor. The third scene in Les<br />
Nocturnes for solo violin and orchestra is a meditation on the sound scope of gray and paints the Atlantic Ocean in vivid<br />
nuances. Rising from waves glowing in silver moonlight, we can hear the mysterious song of the „Sirènes“ as a women's<br />
choir longingly intones the syllable “ah”. Using the human voice like an instrument rather than assigning lyrics, the composer<br />
achieved stunning atmospheric effects.<br />
Debussy started writing La Mer, his most famous sea-inspired piece, in Burgundy, later adding instrumentational details<br />
to the musical tríptych in Jersey and Dieppe. Its mysteriously weightless sound clouds reflect the eternal up and<br />
down of the sea and the light of daybreak. Debussy uses the colors of the orchestra to conjure up visual soundscapes. The<br />
third part of La Mer is dominated by contrast and duality. The wind's floating, murmuring, and howling are expressed in<br />
an abstract manner.<br />
The Preludes for piano, finally, are doubtlessly Debussy's most famous works. Who can withstand the pianist magic<br />
and fantastic poetry of The Sunken Cathedral? His avantgarde sense of aesthetics makes Debussy the first “modern” musician.<br />
Inspired by symbolist poets like Charles Baudelaire and Mallarmé, his works are tone poems that, like impressionist<br />
paintings, capture fleeting moments and find subtle notes for the brilliant nuances of light.<br />
6 Music Suggestions<br />
7
Es gibt nichts Musikalischeres als einen Sonnenuntergang.<br />
Von Felix Mendelssohn Bartholdy<br />
bis Claude Debussy<br />
Claude Debussy<br />
Klassische Musikstücke über das Meer, zu denen die Komponisten durch eigene Schiffsbrucherlebnisse inspiriert wurden,<br />
weisen meist mächtige, bewegte Orchestrierungen auf. Beispiele dafür sind Richard Wagners Ouvertüre zu „Der fliegende<br />
Holländer“ oder Hector Berliozs „Le Corsaire“. In den hier vorgestellten Werken hingegen sollen die Schönheit und das lyrische<br />
Element des Meeres mit seiner poetischen Klangweite im Vordergrund stehen. Als gebürtige Leipzigerin haben mich<br />
besonders zwei Ouvertüren von Felix Mendelssohn Bartholdy, dem berühmtesten Dirigenten des Leipziger Gewandhausorchesters,<br />
angesprochen:<br />
Nach einem Besuch auf der schottischen Felseninsel Staffa im August 1829 erhob er in seiner Konzert-Ouvertüre „Die<br />
Hebriden“ op. 26 die <strong>Kunst</strong> der Instrumentierung zum atmosphärischen Ausdruckswerkzeug. Literarischer Hintergrund war<br />
eine keltische Dichtung. Die Stimmung in dem Tonkunstwerk reicht von heftiger Bewegtheit bis hin zu strahlendem Glanz.<br />
Das malerische Eiland vor der Westküste Schottlands hat auch William Turner zu einem seiner populärsten Gemälde inspiriert.<br />
„Staffa, Fingal's Cave“ aus dem Jahre 1832 gilt als romantisches Frühwerk des Impressionismus.<br />
Ausgangspunkt für Mendelssohns Konzert-Ouvertüre Nr. 3 „Meeresstille und glückliche Fahrt“ op. 27 waren hingegen<br />
zwei Kurzgedichte von Johann Wolfgang von Goethe, die bereits von Franz Schubert und Ludwig van Beethoven zu Liedern<br />
vertont worden waren. Die beinahe bildhafte Darstellung eines unbewegten Schiffes und die Umsetzung eines leise<br />
aufkommenden Windes sind eindrucksvolle Beispiele musikalischer Naturbeschreibung. Die Grundstimmung des reglosen<br />
Wassers wird dabei vom Aufkommen des Windes abgelöst. Im Jahre 1835 stellte Mendelssohn die Ouvertüre in seinem ersten<br />
Konzert als Gewandhaus-Kapellmeister in Leipzig vor.<br />
Auch das Werk Robert Schumanns, der im Jahre 1840 ein Gedicht meines Lieblingspoeten Heinrich Heine vertonte, möchte<br />
ich als Leipzigerin nicht missen. Heines Romanze „Abends am Strand“ (op. 45,3) ist an der deutschen Nordsee entstanden<br />
und erinnert an die stimmungsvollen Seebilder Caspar David Friedrichs. Johannes Brahms hingegen komponierte seine Drei<br />
Duette „Die Meere“ op. 20 Nr. 3 für Sopran und Alt mit Klavier 1860 nach einem italienischen Gedicht.<br />
Auch Edward Elgar vereinte 1899 Meeresgedichte fünf verschiedener Autoren in dem romantischen Liederzyklus „Sea<br />
Pictures“ (Fünf Lieder für Alt und Orchester op. 37). Sanftmütige Gesänge und die beruhigende Wiegebewegung des Meeres<br />
schlagen dabei in Bedrohung um, bis schließlich aus dem Dunkel des Seelenmeeres ein triumphaler Hymnus der Liebe emporsteigt.<br />
Bei der Uraufführung soll die Sängerin Clara Butt im Kostüm einer Meerjungfrau aufgetreten sein.<br />
Claude Debussy liebte das Meer so leidenschaftlich, dass er eigentlich Seemann hatte werden wollen. Die dritte Szene in<br />
seinem Werk „Les Nocturnes“ für Solovioline und Orchester ist eine Meditation zu den Klangmöglichkeiten der Farbe Grau<br />
und nimmt malerisch Bezug zum atlantischen Ozean. Aus mondversilberten Meereswellen erklingt darin der geheimnisvolle<br />
Gesang der „Sirènes“, ein Frauenchor intoniert die Sehnsuchtssilbe „a“. Indem der Komponist die Singstimme textlos<br />
belässt wie ein Instrument, erreicht er besonders originelle Stimmungseffekte.<br />
Sein berühmtestes Meeresstück „La Mer“ schrieb Debussy im Burgund, später arbeitete er in Jersey und Dieppe an der<br />
Instrumentierung des musikalischen Tryptychons. Geheimnisvoll schwerelose Klangmixturen geben darin das ewige Auf<br />
und Ab des Meeres und das Dämmerlicht des Tagesanbruchs wieder. Debussy verwendet die Farben des Orchesters, um ein<br />
Bild aus Tönen heraufzubeschwören. Der dritte Teil dagegen wird von Kontrasten und Dualität dominiert. Das Schweben,<br />
Murmeln und Heulen des Windes werden auf abstrakte Weise ausgedrückt.<br />
Zweifellos sind die „Preludes“ für Klavier Debussys populärstes Werk. Dem pianistischen Zauber und der fantastischen<br />
Poesie des Stückes „Die versunkene Kathedrale“ vermag man sich kaum zu entziehen. Aufgrund seiner avantgardistischen<br />
Ästhetik wird Debussy als erster „moderner“ Musiker bezeichnet. Seine von Vertretern der symbolistischen Dichtkunst wie<br />
Charles Baudelaire und Mallarmé beeinflussten Werke sind Klanggemälde, die gleich der impressionistischen Malerei die<br />
Flüchtigkeit des Augenblicks einfangen und feinste Töne für das Glitzern des Lichtes finden.<br />
8 Musikalische Empfehlungen<br />
9
Canada / Kanada<br />
<strong>Art</strong> and poetry<br />
Fade and Flash<br />
Maybe it’s<br />
A sharp-edged crescent<br />
With stars<br />
That fade and flash<br />
Is the Moon Made of Diamonds?<br />
Is it A room<br />
Of sparkling diamonds<br />
Where gems<br />
Turn into light<br />
Flying Free<br />
1<br />
Sleepless, Pull the Blinds<br />
Or is it<br />
A place of nodding<br />
And the sleepless<br />
Please pull the blinds tonight<br />
Wild Grass Harvest Moon<br />
3<br />
Or is it<br />
The dream<br />
Of my adventures<br />
Flying freely<br />
Through the air<br />
Star Gazer<br />
Or is it Gazing into the cosmos<br />
For a breath<br />
Of scenic air?<br />
Or the goodwill<br />
Moon of harvests<br />
Found In every blade<br />
Of grass<br />
Moonlight Maiden<br />
The mellow<br />
Moonlight maiden<br />
Whose head is filled<br />
With evening glow<br />
4<br />
Where is the Light?<br />
Or is it<br />
A promise<br />
Of protection<br />
That surrounds us<br />
With its glow?<br />
2<br />
Chase the Moon<br />
Or the flight<br />
Of a black coat raven<br />
With a moon<br />
Caught in its beak<br />
5<br />
1. Star Gazer, <strong>2022</strong>, digital print, 36 x 58,8 cm, 2181 x 2706 pixels<br />
2. Where Is The Light, <strong>2022</strong>, digital print, 36 x 58,8 cm, 4770 x 5630 pixels<br />
3. Chase The Moon, <strong>2022</strong>, digital print, 36 x 58,6 cm, 3840 x 2880 pixels<br />
4. Love By The Light Of The Moon, <strong>2022</strong>, dig. print, 36 x 58,6 cm, 5000 x 3333 pixels<br />
5. Flash And Fade, <strong>2022</strong>, digital print, 36 x 58,6 cm, 5000 x 2639 pixels<br />
(See also pages 58 - 59!)<br />
10 http://www.zukart.ca/<br />
http://www.zukart.ca/<br />
11
Ai-Wen Wu Kratz: Leitbilder irdischer Glückszustände; Alessandra Diefe: Abbild und verträumte Realität;<br />
Angela P Schapiro: Licht im Tunnel spärlicher Überbleibsel; Aomi Kikuchi: Archetypen des Unterbewusstseins;<br />
Benny De Grove: Distanziert und hingebungsvoll zugleich; Bert Hermans: Gebilde zwischen Architektur<br />
und Malerei; Betty Collier: Inspirationsquelle Tierwelt; Bingjib Huang: Verbildlichung lyrischer<br />
Kommunikation; Bo Song: Rigorose Farbkraft und kompositorische Ästhetik; Charlotte A. Shroyer: Figürliche<br />
Assoziationen nahe der Abstraktion; Cor Fafiani: Persiflagen auf Alltagsfantasien; Despina Kyriacou:<br />
Außerirdische Landschaftsfragmente; Donelli DiMaria: Posen bezaubernder Vollkommenheit; Eleanora<br />
Hofer: Materie als Rohstoff des Gestaltungswillens; Friedrun Schuster: Reizvolle Sprache der Fantasie;<br />
Gerhard Rasser: Meditative Stimmung als wiedererkennbarer Stil; Gerhardt Gallagher: Landschaften in<br />
kühlen Werten; Hege Ullensvang: Realismus und Abstraktion; Helena Laine: Mit bewegter Pinselführung<br />
an die Grenzen der Abstraktion; Hélène DeSerres: Visionen aus Natur und Perspektive;<br />
<strong>Art</strong> Meditation<br />
Imagine you are at an exhibition featuring these works, mindfully<br />
observing them. Close your eyes and observe your breath, or listen<br />
to it, until you feel pleasantly calm. Pick an artwork:<br />
• What is this artwork about? What is special about it?<br />
• Take your time and analyze the colors and shapes in this work.<br />
Feel their sound!<br />
• What spontaneous associations does this artwork trigger in<br />
you?<br />
• What would you say is “that certain something” about it - that<br />
mysterious aspect that is difficult put into words, and that has<br />
sprung directly from the artist’s soul?<br />
<strong>Kunst</strong>meditation<br />
Stell dir vor, du würdest eine Ausstellung mit den <strong>Kunst</strong>werken besuchen<br />
und sie in achtsamer Weise betrachten. Schließe deine Augen<br />
und beobachte bzw. höre deinen Atem so lange, bis du angenehme<br />
Ruhe in dir spürst und suche dir danach ein <strong>Kunst</strong>werk aus:<br />
• Worum geht es in dem <strong>Kunst</strong>werk? Welche Besonderheiten<br />
weist es auf?<br />
• Nimm dir Zeit und analysiere die Farben und die Formen! Spüre<br />
ihren Klang!<br />
• Welche Assoziationen weckt das Werk bei dir spontan?<br />
• Worin liegt das Geheimnisvolle, Unaussprechliche, das wohl<br />
rein aus der Seele quellende der Künstlerin oder des Künstlers?<br />
Ai-Wen Wu Kratz: Worldly States of Bliss; Alessandra Diefe: Likeness and Dreamy Reality; Angela P<br />
Schapiro: Light in a Tunnel of Relicts; Aomi Kikuchi: Archetypes of the Subconscious; Benny De Grove:<br />
Distance and Dedication; Bert Hermans: Constructs Between Painting and Architecture; Betty Collier: Inspiration<br />
from the Animal World; Bingjib Huang: Visualizing Lyrical Communication; Bo Song: Rigorous Use<br />
of Color in Aesthetic Compositions; Charlotte A. Shroyer: Figurative Associations Verging on Abstraction;<br />
Cor Fafiani: Parodies of Fancy; Despina Kyriacou: Fragments of Extraterrestrial Landscapes; Donelli<br />
DiMaria: Poses of Perfection; Eleanora Hofer: Matters of Raw Material and Creative Drive; Friedrun<br />
Schuster: Alluring Linguistic Imagination; Gerhard Rasser: Marked by a Meditative Mood; Gerhardt<br />
Gallagher: Landscapes in Cool Colors; Hege Ullensvang: Realism and Abstraction; Helena Laine: In<br />
Dynamic Brush Strokes to the Verge of Abstraction; Hélène DeSerres: Visions of Nature and Perspective;<br />
Hyun-Jin KIM: Trip to Lyrical Dimensions; Ivana Gagić Kičinbači: Permanent Movement; Jan Lowe: Landscapes<br />
– Lush and Lonely; Jani Jan J: Conversations of Contrast and Color; Janni Nyby: Shining a Fascinating<br />
Light on the North; Jean Jacques Porret: Rhythmical Shapes in Motion; Joseph Virgone: Visualizing<br />
Emotions; Josip Rubes: Lively Colors, Aesthetic Effects; Judith Stone: Balance of Colors; Julia Still: Paintings<br />
with Sculptural Overtones; Kat Kleinman: Blooming in Harmony; Luana Stebule: A Pointillist Aura;<br />
Marcel Jomphe: Structural Appeal; Martin De Saint Muerell: Smooth, Bizarre Bronze Sculptures; Masha<br />
Orlovich: Exquisite Etchings; Mel Delija: Masterful Movement; Patricia Pascazzi: Impressions between<br />
Form and Emptiness; Paul Delpani: Statements without Explanations; Ramón Rivas: Mystical Moments<br />
of Infinity; Robert Ram: A Romantic Refusal to Imitate Appearances; Torhild Frøydis Eid: Color Rising like<br />
a Veil; Tove Andresen: Intoxicating Color Variations; Ursula Müri: Fragmented Spaces Merging; Veryal<br />
Zimmerman: <strong>Art</strong>istic Vision Replacing Reality; William Zuk: Combining Movement with Stillness; Yvan<br />
LaFontaine: Reflections on the Beauty of Water<br />
Hyun-Jin KIM: Entführung in lyrische Dimensionen; Ivana Gagić Kičinbači: Dauernd in Bewegung;<br />
Jan Lowe: Wundersam einsame Landschaften; Jani Jan J: Zusammenspiel von Kontrast und Farbe; Janni<br />
Nyby: Der Norden erstrahlt in einem faszinierenden Licht; Jean Jacques Porret: Rhythmisch bewegte<br />
Formen; Joseph Virgone: Darstellung von Emotionen; Josip Rubes: Lebhafte Farbigkeit mit ästhetischer<br />
Wirkung; Judith Stone: Ausgewogene Farbakzente; Julia Still: Malerei mit skulpturaler Farbgestaltung;<br />
Kat Kleinman: Zu einer harmonischen Einheit verschmolzen; Luana Stebule: Pointilistische Ausstrahlung;<br />
Marcel Jomphe: Strukturen beschwören mit visuellen Reizen; Martin De Saint Muerell: Bizarr<br />
geformte Bronzen von eleganter Glätte; Masha Orlovich: Erlesene Radierkunstwerke; Mel Delija: Virtuose<br />
Bewegungskräfte in Aktion; Patricia Pascazzi: Impressionen zwischen Form und Leere; Paul Delpani:<br />
Feststellungen ohne Stellungnahme; Ramón Rivas: Mystische Stimmung der Unendlichkeit; Robert Ram:<br />
Romantik ohne Nachahmung des Sichtbaren; Torhild Frøydis Eid: Farbe steigt empor wie ein Schleier; Tove<br />
Andresen: Berauschende Farbvibrationen; Ursula Müri: Fragmentierte Flächen fließen ineinander; Veryal<br />
Zimmerman: Durch künstlerische Sehweise ersetzte Realität; William Zuk: Verbindung von Bewegung und<br />
Ruhe; Yvan LaFontaine: Die Schönheit des Wassers als subjektive Wahrnehmung<br />
12 13
Croatia / Kroatien<br />
Permanent Movement<br />
<strong>Art</strong> professor Ivana Gagić Kičinbači´s signature style is rooted in an intellectdriven<br />
expressionism of the fantastic. Airy figurations are interlinked with<br />
their surroundings; a vague intricate materiality acquires shape and substance<br />
only as the artist casts them into cosmic molds. In a creative ritual,<br />
figurative elements emerge, seemingly at random, from the convoluted<br />
tangle of ephemeral banners. Unruly lines appear like aimless wanderings.<br />
As if by magic, Kičinbači wrests demonic marks from the underground, zooming<br />
in on her vision until she has a clear picture, then translating it into<br />
meaningful symbols.<br />
1. Series Of Prints From Exhibition Dialogues<br />
(Diocletian Palace, Split, Croatia), 2014, linocut, woodcut, transfer print, 150 x 50 cm<br />
2. State 2, <strong>2022</strong>, digital print, 30 x 30 cm<br />
3. Memory, <strong>2022</strong>, digital print, 50 x 50 cm<br />
4. Flight, <strong>2022</strong>, digital print, 50 x 50 cm<br />
5. Drawing, <strong>2022</strong>, digital print, 50 x 50 cm<br />
6. Drawing, <strong>2022</strong>, digital print, 50 x 50 cm<br />
Dauernd in Bewegung<br />
Die unverwechselbare Handschrift der <strong>Kunst</strong>dozentin Ivana Gagić Kičinbači<br />
liegt in einem intellektgesteuerten Expressionismus des Fantastischen begründet.<br />
Luftige Figurationen werden mit ihrer Umgebung verknüpft; eine<br />
vage, in sich verschlungene Stofflichkeit gewinnt erst dadurch an Gestalt<br />
und Bestand, dass die Künstlerin sie in kosmische Formen fasst. Das Figürliche<br />
tritt in einem rituellen Entstehungsprozess wie zufällig aus den Verschlingungen<br />
von Formenbändern hervor. Die ungebärdige Linienführung<br />
scheint kein bestimmtes Ziel zu haben. Wie durch Magie entreißt die Künstlerin<br />
die dämonischen Bewegungszeichen dem Untergrund, aus dem jede<br />
Vision zunächst transmutiert, dann inhaltsträchtig versinnbildlicht wird.<br />
1<br />
4<br />
2 3<br />
5<br />
6<br />
www.ivanagagickicinbaci.com.hr<br />
14 15
USA<br />
Poses of Perfection<br />
1<br />
With their skillful execution, Donelli J DiMaria´s realistic portraits invite<br />
us to delight in their reception with all our senses. His models take the<br />
elegant poses preferred by the Old Masters, appealing to us with their<br />
unequivocal stance. At the same time, the people depicted also reveal<br />
the emotional world of the artist, who, focusing on harmonious proportions,<br />
has them pose in a tranquil atmosphere. Flirtatious and typified,<br />
people and objects are effectively set against mostly monochrome<br />
backgrounds. Their postures radiate with artistic depth. At times, the<br />
effect is enhanced by mirror-like reflections. Elements of folklore also<br />
play a vital role. The still life featuring a fish could be interpreted as a<br />
symbolic quasi-self-portrait.<br />
Posen bezaubernder Vollkommenheit<br />
Durch ihre gekonnte Ausführung laden die realistischen Portraits Donelli<br />
J DiMarias zum sinnenfreudigen Betrachten ein. Dabei verharren<br />
seine Modelle in den eleganten Posen der alten Meister und sprechen<br />
den Betrachter mit ihren klaren Aussagen unmittelbar an. Gleichzeitig<br />
offenbart sich durch die dargestellten Menschen auch die Gefühlswelt<br />
des Malers, der sie, bedacht auf harmonische Proportionen, in beschaulicher<br />
Stimmung posieren lässt. Kokett und typisiert werden Personen<br />
und Gegenstände vor einem meist eintönigen Hintergrund herausgearbeitet.<br />
Ihre Körperhaltungen strahlen künstlerische Beseeltheit aus.<br />
Zuweilen werden sie durch Spiegelungen plastisch in Szene gesetzt.<br />
Auch das folkloristische Element spielt eine tragende Rolle. Das Stillleben<br />
mit Fisch mag als Stellvertreter-Portrait gesehen werden.<br />
2<br />
3<br />
1. Fisherman, 2001, oil on canvas, 76,2 x 63,5 cm<br />
2. Flamenco 1, 2005, oil on canvas, 76,2 x 76,2 cm<br />
3. Two Fish, 1997, oil on canvas, 88,9 x 58,42 cm<br />
4. African Strings #6, 2021, oil on canvas, 76,2 x 101,6 cm<br />
16 17<br />
4<br />
donelli-dimaria.artistwebsites.com
Canada / Kanada<br />
1<br />
2<br />
1. Jardin Bleu, 2017, mix media on canvas, 76 x 101 cm<br />
2. Eklectika, 2019, acrylic on canvas, 76 x 101 cm<br />
3. Water Plants, 2016, mix media, 76 x 101 cm<br />
4. Faces, 2016, acrylic on canvas, 121 x 150 cm<br />
3<br />
Visions of Nature and Perspective<br />
Visionen aus Natur und Perspektive<br />
The impetuous blur of shapes on the canvas makes it clear: to Hélène DeSerres,<br />
painting is an intuitive, dynamic process. Detached from the world of objects,<br />
her abstract meditations seem entirely self-sufficient. Basic elements<br />
of landscape and flora are translated into multiple color specks and splashes.<br />
Clearly discernible, creative figurations of nature show that, in the end, careful<br />
compositional considerations, rather than chance, govern the shapes and<br />
colors of DeSerres´work. With accurate baton movements, she conducts the<br />
way colors merge and intertwine. The distance between things is skillfully<br />
expressed in color, making the linear tool of perspective obsolete.<br />
Die ungestüm aufs Bild gesetzten, ineinander verlaufenden Formen zeigen<br />
es deutlich: Malen ist für Hélène DeSerres ein intuitiver und dynamischer<br />
Prozess. Ihre vom Gegenstand gelöste Malmeditation vertieft sich abstrahierend<br />
in sich selbst. Dabei werden elementare landschaftliche und pflanzliche<br />
Strukturen in mehrere Farbspritzer- und Flecken übertragen. Dass dabei<br />
nicht der Zufall regiert, sondern farb- und formalästhetische Überlegungen<br />
den Ton angeben, beweist die schöpferische Darstellung der Figurationen<br />
aus der Natur. Mit präzisem Taktstock dirigiert die Künstlerin das Verfließen<br />
der Farben. Der räumliche Abstand zwischen den Dingen wird gekonnt farblich<br />
ausgedrückt, ohne auf das lineare Mittel der Perspektive zurückgreifen<br />
zu müssen.<br />
18 19<br />
4<br />
www.hdeserres.com
Japan<br />
1<br />
2<br />
1. Navel Cord, wire/fiber, 8 x 8 x 50 cm<br />
2. Woman <strong>2022</strong>, <strong>2022</strong>, wire/fiber, 70 x 12 x 10 cm<br />
3. Suffering bein Born, wool fiber, 38 x 20 x 20 cm<br />
4. Leftover, 2021, silk gauze/fiber/goose down, 55 x 32 x 10 cm<br />
Archetypes of the Subconscious<br />
In her series of works on birth and death, Aomi Kikuchi challenges art<br />
lovers with curious objects. Her veil-like, fragile-looking ritual objects<br />
seem to have emerged from a cocoon and emanate purity and virginity.<br />
Painting takes a subordinate role in Kikuchi´s work. Instead, she skillfully<br />
uses the entire tool set of artistic techniques. For this work, she has<br />
discovered soft fabrics with a sculptural effect. Dramatically displaying<br />
the secrets of life and death inspires observers to think and to marvel.<br />
Her inventive creations made of delicate tissue bear witness to an exceptionally<br />
rich imagination and win over observers with their eccentric<br />
sensual poetry.<br />
Archetypen des Unterbewusstseins<br />
3<br />
In einer Serie zum Thema Geburt und Tod fordert Aomi Kikuchi <strong>Kunst</strong>liebhaber<br />
mit eigentümlichen Objekten heraus. Schleierhaft wie aus<br />
einem Insektenkokon strahlen ihre flauschig-zarten Ritualobjekte<br />
farbliche Reinheit und Unberührtheit aus. Die Malerei ist im Ouevre<br />
der japanischen Künstlerin zweitrangig. Vielmehr besticht sie durch<br />
kompetente Nutzung des gesamten <strong>Kunst</strong>instrumentariums. So hat sie<br />
für diese Arbeit weiche plastische Stoffe als Materialien entdeckt. Ihre<br />
wirkungsvolle theatralische Präsentation der Geheimnisse von Leben<br />
und Tod regt zum Staunen und Nachdenken an. Die einfallsreichen<br />
Schöpfungen aus feinstem Gewebe sind Zeugnisse einer ungewöhnlich<br />
reichen Fantasie und überzeugen durch eine eigene sinnliche Poesie.<br />
20 21<br />
4<br />
aomikikuchi.com
USA<br />
Worldly States of Bliss<br />
In Ai-Wen Wu Kratz´s paintings, color becomes form. The tension between<br />
tones adds a dynamic spin to her formally balanced compositions.<br />
Kratz´s main focus is the aesthetic element of painting. Rather<br />
than representing objects, the colorful shapes themselves are the<br />
object of the pictures. The way the artist strings together color tones<br />
results in a colorful rhythm sensitizing viewers´ visual perception and<br />
transporting them into heavenly spheres. This is a marked contrast<br />
to the decidedly minimalist shapes whose dynamic expanses are demarcated<br />
by fine lines. The effect of the artist´s emotional palette is<br />
intensified through the pictures´ fresh colors. The object and its representation<br />
are identical.<br />
1<br />
1. New Find, No. 2, 2019, acrylic on canvas, 20 x 20 cm<br />
2. New Find, No. 3, 2019, acrylic on canvas, 20 x 20 cm<br />
3. New Find, No. 4, 2019, acrylic on canvas, 20 x 20 cm<br />
4. New Find, No. 1, 2019, acrylic on canvas, 20 x 20 cm<br />
5. New Find, No. 1, 2, 3, 4<br />
Leitbilder irdischer Glückszustände<br />
In Ai-Wen Wu Kratzs Gemälden tritt Farbe als Form in Erscheinung.<br />
Man spürt eine deutliche Spannung zwischen den Farbtönen, welche<br />
die formale Ausgewogenheit der Komposition dynamisiert. Die Betonung<br />
liegt auf der ästhetischen Seite der Malerei. Die farbigen Formen<br />
stellen kein Bild dar - sie selbst sind das Bild. Die Aneinanderreihung<br />
von Tönen ergibt einen rhythmischen Buntwert, der auf die Empfänglichkeit<br />
der Sinne einwirkt und in ferne paradiesische Gefilde entführt.<br />
Im Gegensatz dazu steht die bis zur Kargheit minimalisierte Reduzierung<br />
der Formen, deren bewegte Flächen von feinen Linien begrenzt<br />
werden. Die Emotionalität der Farbzusammenstellung wird durch das<br />
frische Bunt der Bilder zusätzlich gesteigert. Darstellung und Dargestelltes<br />
sind identisch.<br />
4<br />
2 3<br />
5<br />
https://www.aiwenwukratzartstudio.com/<br />
22 23
Finland / Finnland<br />
In Dynamic Brush Strokes<br />
Helena Laine´s paintings are visual variations on the piano. The instrument<br />
plays such a vital role in her work, it has become her trademark feature. Often<br />
placed inside an installation, it seems to represent the artist in a quasiself-portrait.<br />
More or less transparent, the grand piano seems to float in the<br />
air like music. Laine loves to leave her paintings „non finito“ - „in limbo“. In<br />
spite of their sketch-like nature however, the painted input eventually outweighs<br />
the sense of incompletion. Combining avantgarde painting with a<br />
traditional interior setting she brings a nostalgic, musical touch to her work.<br />
Occasional specks of red seem to add a rose-scented flair.<br />
1. Anatomy And Mind, Who plays the piano? Anatomy as guided but where is<br />
the mind? <strong>2022</strong>, installation on the wall and on floor, 260 x 280 cm,<br />
2. Rosegarden, 2021, installation on the wall (260 x 290) & floor,<br />
painting acryl on canvas 136 x 136 (with edges), flowers artificial<br />
3. Just Love, 2021, acr, custom work, 110 x 130 cm<br />
4. After The Storm, 2018, acrylic, 73 x 73 cm<br />
5. I draw Your Picture On The Sand, 2019, acrylic, 120 x 120 cm<br />
6. It´s A Beautiful World, 2013, acrylic, 120 x 120 cm<br />
Mit bewegter Pinselführung<br />
Helena Laines Gemälde sind Variationen des Bildmotivs Klavier. Das Musikinstrument<br />
spielt eine so tragende Rolle in ihrem Oeuvre, dass es zu einer<br />
<strong>Art</strong> Logo ihrer <strong>Kunst</strong> geworden ist. Häufig im Rahmen einer Installation<br />
angesiedelt, scheint es als stellvertretende Vorlage für ein Selbstbildnis zu<br />
stehen. Mehr oder weniger transparent aufgetragen wirkt der klassische<br />
Flügel schwebend wie Musik. Dabei findet die Künstlerin Gefallen an dem<br />
„non finito“ - der „Unvollendung“ - ihrer Gemälde. Trotz aller Skizzenhaftigkeit<br />
überwiegen im Endeffekt die malerischen Werte. Durch die Verbindung<br />
avantgardistischer Malerei mit dem traditionellen Sujet des Interieurs manifestiert<br />
sich ein musisch-nostalgischer Effekt. Das gelegentlich verwendete<br />
Rot fügt einen Hauch von Rosenduft hinzu.<br />
1<br />
4<br />
2 3<br />
5<br />
6<br />
https://www.helenalaine.net/<br />
24 25
Rocky Coast<br />
Felsenküste<br />
Rock face by the sea.<br />
Crooked shadows magically<br />
Cast there by demons.<br />
Bucklige Schatten<br />
Von Dämonen gezaubert<br />
An Meeres Felswand.<br />
Blue sky sitting on<br />
Top of the cliff smiling<br />
Sunlight across the sea.<br />
In der Sonne auf<br />
Der steilen Küste lächelnd<br />
Das Himmelblau sitzt.<br />
Silver-golden sun<br />
Frolicking by the rocks of<br />
The peninsula.<br />
Jetzt das Silbergold<br />
Der Sonne die Felsen der<br />
Halbinsel umspielt.<br />
Stones sparkling like gems<br />
Washed ashore by the magic<br />
Hum of the ocean.<br />
Steine wie Juwelen<br />
Vom Rauschen des Meeres<br />
Herbei gezaubert.<br />
The cormorant on<br />
The lone rock far from the shore.<br />
A monk by the sea.<br />
Der Kormoran auf<br />
Dem einsamen Felsen da<br />
Draußen: Mönch am Meer.<br />
A rocky island,<br />
Barren and desolate, lost<br />
In the ocean’s blues.<br />
Im wilden Meerblau<br />
Das Felseninselchen karg<br />
Und kahl verloren.<br />
26 27
Canada / Kanada<br />
1<br />
3<br />
2<br />
1. Here Below As Above, <strong>2022</strong>, digital photographic diptych, 61 x 83 cm<br />
2. Here Below As Above, <strong>2022</strong>, digital photographic diptych, 61 x 83 cm<br />
3. Here Below As Above, <strong>2022</strong>, digital photographic diptych, 61 x 83 cm<br />
4. Here Below As Above, <strong>2022</strong>, digital photographic diptych, 44 x 118 cm<br />
Structural Appeal<br />
Turning away from representational art, Marcel Jomphe has dedicated<br />
himself to a new reality. The monotonous blues of his patterns give his digital<br />
photographs a melancholy look. Their crystal-like beauty triggers associations<br />
of wintery ice and-snow-scapes taken straight from a fairy tale. Delicate<br />
structures speak a poetic language of shapes and vibrant spirituality.<br />
Contours seem to consist of precious stones. Subdued colors are a recurring<br />
element in Jomphe´s work, which turns images into color and matter as a<br />
metaphor for meditation. Shapes and structures are defined by marble-like<br />
color tones.<br />
Strukturen beschwören mit visuellen Reizen<br />
In Abkehr von den Darstellungen gegenständlicher <strong>Kunst</strong> fühlt sich Marcel<br />
Jomphe einer neuen Wirklichkeit verpflichtet. Durch den gleichbleibenden<br />
Blauton der Muster wirken seine digitalen Fotografien leicht melancholisch.<br />
Ihre kristalline Schönheit weckt Assoziationen mit winterlichem Eis<br />
und Schnee und strahlt etwas Märchenhaftes aus. Die feingearbeiteten<br />
Strukturen leben von einer poetischen Formensprache und einer deutlich<br />
wahrnehmbaren spirituellen Ebene. Konturen erscheinen wie aus Edelstein.<br />
Verhaltene Farben sind ein häufig wiederkehrendes Merkmal in Jomphes<br />
künstlerischem Schaffen. Das Bild wird zu Farbe und Materie und steht als<br />
Metapher für die Meditation. Formen und Strukturen werden durch marmorne<br />
Farben definiert.<br />
4<br />
www.marceljomphe.art<br />
28 29
Norway / Norwegen<br />
Realism and Abstraction<br />
Hege Ullensvang has a highly diverse way of composing images. In her two<br />
portraits, the meaningful background alone is enough to cast a spell over the<br />
observer. In a symbolic way, it helps reveal the personality of the men pictured.<br />
People, landscape, and architecture tell us more about their life and<br />
work, while their faces grant us deep insights into their soul. Contemplating<br />
social and philosophical questions, the artist puts together her portraits in a<br />
highly sensitive manner. Wrinkles and hollow cheeks receive special attention.<br />
In her abstract paintings, she uses lines and shapes that, dynamically<br />
striving upward, exert an irresistible pull on whoever catches sight of them.<br />
Realismus und Abstraktion<br />
1<br />
1. Ecclesiastes 7:26, 2021, paper collage / acrylic on canvas, 80 x 80 cm<br />
2. The Clearing, 2021, acrylic on canvas, 80 x 80 cm<br />
3. Black Carbon Blue, 2021, acrylic on canvas, 80 x 80 cm<br />
4. We‘re All Cartoons In The Same City (So Cheers! There‘s Nothing Serious going<br />
On Here), 2021, paper collage / acrylic on canvas, 80 x 80 cm<br />
Hege Ullensvang gestaltet ihre Bilder auf ganz unterschiedliche Weise. In<br />
ihren beiden Portraits ziehen bereits die aussagekräftigen Hintergründe den<br />
Betrachter in ihren Bann. In symbolistischer Weise tragen sie dazu bei, den<br />
Charakter der dargestellten Männer zu verdeutlichen. Personen, Landschaft<br />
und Architektur erzählen mehr über deren Leben und Wirken. Ebenso gewähren<br />
ihre Gesichter tiefe Einblicke in ihre Seele. Mit viel Feingefühl setzt<br />
die Künstlerin ihre Portraits in Szene und thematisiert dabei auch zwischenmenschliche<br />
und philosophische Fragen. Merkmale wie Falten und eingefallene<br />
Wangen verdienen besondere Aufmerksamkeit. In ihren abstrakten<br />
Gemälden dagegen erzeugt sie durch Formen und Linien einen aufwärtsstrebenden<br />
Druck, dem man sich kaum entziehen kann.<br />
4<br />
2 3<br />
www.hegeullensvang.no<br />
30 31
Ireland / Irland<br />
1<br />
3<br />
2<br />
Landscapes in Cool Colors<br />
Gerhardt Gallagher loves to paint the landscapes near his home. Without losing<br />
himself in it, he takes us out into nature. His choice of motifs shows his preferences<br />
as a hiker. With a robust brush stroke, he brings the colors of the North to<br />
the canvas. The light of his native country inspires him to digress from realism,<br />
while light reflexes play no part in his work. His monochrome palette harmoniously<br />
connects the foreground with the background. In his pictures, the art of<br />
painting sustains itself, producing a dynamic structure within the monochrome<br />
color spectrum. In spite of the sparse color scheme, shapes emerge with sufficient<br />
contrast. Gallagher`s careful compositions follow the traditional values of<br />
painting.<br />
Landschaften in kühlen Werten<br />
1. MountIan Oak, 2018, oil on canvas, 50 x 63 cm<br />
2. Towards Solitude, <strong>2022</strong>, aquatint etching, 18 x 18 cm<br />
3. Forest Fire, 2020 oil on board, 49 x 60 cm<br />
4. Ireland, Larches 2021, acquatint etching, 14 x 29 cm<br />
Gerhardt Gallagher malt am liebsten die Landschaften seiner näheren Umgebung.<br />
Ohne sich sentimental darin zu verlieren, führt er uns hinaus in die Natur.<br />
Seine Motivwahl ist abwechslungsreich und verdeutlicht seine Vorlieben als<br />
Wandersmann. Mit robustem Pinselstrich überträgt er die Farben des Nordens<br />
auf die Leinwand. Das Licht seiner Heimat inspiriert ihn in der Tongebung zur<br />
Abkehr vom Realismus, während Lichtreflexe keine Rolle spielen. Eine monotone<br />
Palette verbindet den Vordergrund harmonisch mit dem Hintergrund. Als<br />
dynamische Struktur innerhalb der Einfarbigkeit genügt sich die Malerei hier<br />
selbst. Bei aller Monochromie treten die Formen dennoch kontrastreich hervor.<br />
Mit seinen durchdachten Kompositionen fühlt sich der Künstler ganz den traditionellen<br />
Werten der Malerei verpflichtet.<br />
4<br />
www.gerhardtgallagher.com<br />
32 33
The Netherlands / Niederlande<br />
1 2<br />
1. Clusterspace, 2021, sculpture polystyreen acryl, 60 x 33 x 12 cm<br />
2. Greenspace, 2021, sculpture polystyreen acryl, 49 x 36 x 12 cm<br />
3. Dripping Room, 2018, sculpture polystyreen acryl, 56 x 35 x 28 cm<br />
4. Espace Of Energie, 2016, acryl on canvas, 80 cm<br />
5. Amazing Reality, 2017, acryl on canvas, 50 x 70 cm<br />
6. Exploration Source, 2017, acryl on canvas, 50 x 70 cm<br />
Parodies of Fancy<br />
Apart from the figurative abstractions of his acrylic paintings, Cor Fafiani´s work<br />
also includes unique sculptural works. While this may initially appear like an<br />
impossible contradiction, it reveals the artist´s challenging stance. Fafiani´s<br />
polystyrene works intentionally break with the conventions of sculptural art<br />
enabling the artist to produce subtle, humorous parodies of the trivial onslaught<br />
of the mass media, which renders obsolete the thought processes needed for<br />
artistic expression and reception. In his paintings, on the other hand, curved<br />
arabesques remind us of textile designs, while shapes and colors seem to speak<br />
to us so clearly that they conjure up a higher truth.<br />
4<br />
Persiflagen auf Alltagsfantasien<br />
3<br />
Das künstlerische Schaffen Cor Fafianis umfasst neben den figurativen Abstraktionen<br />
seiner Acrylgemälde ein unverwechselbares skulpturales Werk. Die Verbindung<br />
dieses fast unvereinbaren Gegensatzes mag zunächst irritieren - aber<br />
gerade darin verbirgt sich eine herausfordernde Absicht. So brechen Fafianis<br />
Styroporverpackungsskulpturen bewusst und radikal mit den Konventionen<br />
der plastischen <strong>Kunst</strong>. Dem Künstler gelingt damit eine subtile humorvolle Parodie<br />
auf die triviale Wirklichkeit der Massenkommunikation, welche auf die<br />
Mitwirkung des für die Malerei benötigten Denkapparates verzichtet. In seinen<br />
gemalten Werken erinnern geschwungene Arabesken an textile Muster, während<br />
Farben und Formen mit ihrem Sprachvermögen eine höhere Wirklichkeit<br />
heraufbeschwören<br />
5 6<br />
www.corfafiani.nl<br />
34 35
Canada / Kanada<br />
Reflections on the Beauty of Water<br />
1<br />
Yvan LaFontaine´s preferred subject is water - its reflections dominate<br />
his work. With their mother-of-pearl-like atmosphere of light, water<br />
reflections take up most of the image space. Masterfully executed, the<br />
perspective runs from the bottom upwards, uniting Mother Earth with<br />
reflections of the sky, and creating an impression of depth increasing<br />
in opposite directions. Observers may feel reminded of walks they<br />
have taken in the past and invited to dwell on atmospheric moments.<br />
LaFontaine´s landscape photographs convey a sense of peace and have<br />
a relaxing effect. Through a slight change of perspective, the artist<br />
creates completely new impressions. Reflection becomes a metaphysical<br />
experience, a perfect form of contemplation.<br />
Die Schönheit des Wassers<br />
2<br />
Das bevorzugte Sujet Yvan LaFontaines ist das Wasser, der tragende<br />
Wert seiner Bilder die Spiegelung, die mit ihrer perlmutthaften Lichtstimmung<br />
fast die gesamte Fläche ausfüllt. Gekonnt ausgeführt verläuft<br />
die Perspektive von unten nach oben und vereint Mutter Erde mit<br />
gespiegeltem Himmel. So verläuft die Bildtiefe quasi in zwei entgegengesetzten<br />
Richtungen. Der Betrachter mag sich an eigene Spaziergänge<br />
erinnern und dazu angeregt fühlen, stimmungsvolle Momente<br />
zu vertiefen. In LaFontaines fotografischen Landschaftsetüden findet<br />
man Ruhe und Entspannung. Durch die Veränderung des Betrachtungswinkels<br />
lässt der Künstler gänzlich neue Erscheinungsbilder entstehen.<br />
Die Spiegelung wird zur metaphysischen Erfahrung, und zum<br />
vollendeten Ausdruck von Kontemplation.<br />
4<br />
3<br />
1. Doubles Chutes, 2020, infographie et acrylique, 70 x 100 cm<br />
2. Profondeur Trouble, 2021, infographie, 50,8 x 76,2 cm<br />
3. L’Abri, 2021, infographie et acrylique, 50,8 x 76,2 cm<br />
4. Dérive, 2021,infographie, 50,8 x 81,28 cm<br />
5. La Chute, <strong>2022</strong>, infographie, 70 x 100 cm<br />
6. L‘Eau Vive, 2021, infographie et bois gravé, 76,2 x 50,8 cm<br />
5<br />
6<br />
y-lafontaine.ca<br />
36 37
Norway / Norwegen<br />
Color Rising like a Veil<br />
Almost without objects and astronomically far from nature, Torhild<br />
Frøydis Eid plays with the beauty of light putting observers in a trancelike<br />
state. She makes light and color float in space like an aura or a soft<br />
scent. The transparent magic of her work exudes a dreamy, weightless<br />
air that casts a spell on the observer. At the same time, her contemplative<br />
accumulations of symbols are clearly arranged according to principles<br />
of spatial perspective. Contrasts of light and shade give them<br />
a dynamic structure. Although the artist does not commit to a fixed<br />
painting style, it is obvious that the creative process behind her compositions<br />
requires a high degree of effort and focus.<br />
Farbe steigt empor wie ein Schleier<br />
1<br />
1. Wild Water, <strong>2022</strong>, acrylic / mixed media on canvas, 80 x 60 cm<br />
2. Brighter Days, <strong>2022</strong>, acrylic / mixed media on canvas, 60 x 60 cm<br />
3. The Sun 2021, acrylic / mixed media on canvas, 60 x 60 cm<br />
4. Magnoliaflower, 2020, acrylic / mixed media on canvas, 50 x 50 cm<br />
Fast gegenstandsfrei, in astronomischer Entfernung von der Natur,<br />
spielt Torhild Frøydis Eid mit der Schönheit des Lichts und vermag Betrachter<br />
in einen tranceähnlichen Zustand zu versetzen. Farben und<br />
Licht schweben im kosmischen Raum wie eine Aura oder ein sanfter<br />
Duft. Dieser durchscheinende Zauber vermittelt eine verträumte<br />
Transparenz und eine schwerelose Luftigkeit, welche sich unweigerlich<br />
auf den Betrachter überträgt. Gleichzeitig lassen die Sinnbilder träumerischer<br />
Versunkenheit eine von räumlicher Perspektive geprägte<br />
Anordnung erkennen. Hell-Dunkel-Kontraste verleihen ihnen eine<br />
dynamische Struktur. Obwohl eine erkennbare malerische Handschrift<br />
vermieden wird, ist klar, dass der Entstehungsprozess dieser Bilder<br />
höchste Konzentration erfordert.<br />
4<br />
2 3<br />
https://www.froeydisart.no/<br />
38 39
Austria / Österreich<br />
1<br />
1. What Do You Read, „Meet The Tourists Vienna“, 2018, photography, chromaluxe print, 35 x 50 / 20 x 50 cm<br />
2. One More Photo, „Meet The Tourists Vienna“, 2018, photography, chromaluxe print, 35 x 50 / 20 x 50 cm<br />
3. Promenade, Series „Meet The Tourists Nice“, 2019, photography, chromaluxe print, 35 x 50 / 20 x 50 cm<br />
4. Distinguished Series „Meet The Tourists Nice“, 2019, photography, chromaluxe print, 35 x 50 / 20 x 50 cm<br />
5. Lungolago Cyclists, „Meet The Tourists Ascona“, 2019, photography, chromaluxe print, 35 x 50 / 20 x 50 cm<br />
6. Lakeside View, „Meet The Tourists Ascona“, 2019, photography, chromaluxe print, 35 x 50 / 20 x 50 cm<br />
2<br />
3<br />
4<br />
Statements without Explanations<br />
With optical irritants and experimental methods, Paul Delpani´s series<br />
of photographs points to the issue of mass tourism. Delpani does not take<br />
reality literally and is not content simply depicting things as they appear.<br />
Through his unorthodox perspective and philosophical depth, the artist<br />
overcomes the limitations of conventional photography techniques. Looking<br />
at his subject in a new, deliberately playful way allows him to create original<br />
compositions that generate an interactive dialogue. Boldly neglecting the<br />
conventional aesthetics of sharp definition, he destroys the coherence of the<br />
places photographed like in a snapshot, then multiplies and associatively<br />
rearranges them to form new units.<br />
Feststellungen ohne Stellungnahme<br />
Mit optischen Irritationen und experimenteller Methodik weist Paul Delpanis<br />
Fotoserie auf die Problematik des Massentourismus hin. Delpani nimmt<br />
die Wirklichkeit nicht beim Wort und begnügt sich nicht mit realitätstreuen<br />
Abbildern. Durch seine unorthodoxe Sichtweise und philosophische Tiefgründigkeit<br />
überwindet der Künstler die Einschränkungen herkömmlicher<br />
Fotogestaltung. Bewusst spielt er mit einem neuen Blickwinkel auf das Sujet<br />
und ermöglicht durch seinen originellen Bildaufbau eine interaktive Konversation.<br />
Flagrant verstößt er gegen die gewohnte Ästhetik der gestochen<br />
scharfen Wiedergabe, zerstört die zusammenhängende Form der abgebildeten<br />
Schauplätze wie in einem Schnappschuss, vervielfacht sie und montiert<br />
sie assoziativ zu neuen Einheiten zusammen.<br />
5<br />
6<br />
www.paul-delpani.com<br />
40 41
USA<br />
2<br />
1<br />
<strong>Art</strong>istic Vision Replacing Reality<br />
Veryal Zimmerman´s seemingly prehistoric compositions turn atmosphere into<br />
form. Her “cosmic vision” allows her to give sky, rocks, and fire a mythical touch.<br />
Colors and shapes merge, conveying an impression of homogeneity, while the<br />
eye is constantly compelled to move upwards. Color scheme and upward dynamics<br />
are the dominating forces in these compositions. Details are suppressed<br />
rather than emphasized. Combined with abstract shapes, colors seem to vibrate<br />
and spread like waves. The artist sticks to minimal color variation, brightening<br />
her basic colors with a touch of white. In Zimmerman´s pictures, colored matter<br />
takes on mystical shapes, resulting in a mesmerizing effect.<br />
Durch künstlerische Sehweise ersetzte Realität<br />
3<br />
1. Nature‘s Abstraction V, 2021, oil on canvas, 50,8 x 40,64 cm<br />
2. Autumn Glow, 2021, oil on canvas, 40,64 x 50,8 cm<br />
3. Super Activity, <strong>2022</strong>, oil on canvas, 60,96 x 45,72 cm<br />
4. Trapped, 2021, oil on canvas, 60,96 x 45,72 cm<br />
In Veryal Zimmermans fast prähistorisch wirkenden Kompositionen wird Stimmung<br />
zu Form. Durch ihre „kosmische Sehweise“ schafft sie es, Himmel, Felsen<br />
und Feuer in einem freien mythischen Stil zu malen. Farbe und Form verlaufen<br />
ineinander und vermitteln den Eindruck von Homogenität, während der Blick<br />
bewegt von unten nach oben steigt. Farbgebung und aufwärtsstrebende Dynamik<br />
bestimmen auch den Gesamtaufbau der Bilder. Dabei werden Details nicht<br />
betont, sondern eher unterdrückt. Im Zusammenklang mit abstrahierenden<br />
Formen scheinen die Farben zu vibrieren und sich wellenförmig auszubreiten.<br />
Die Künstlerin variiert wenige Farbtöne, indem sie sie durch Weiß aufhellt. Ihre<br />
farbige Materie erscheint in ihren mystischen Formen geradezu beschwörend.<br />
4<br />
https://www.veryalzimmerman.com/<br />
42 43
Sparkle of the Sea<br />
Glanz des Meeres<br />
In the morning, a<br />
Virginal sea as smooth as<br />
A marble surface.<br />
Jungfräulich klar das<br />
Meer am Morgen. Spiegelglattem<br />
Marmor gleichend.<br />
By the boats: Dazzling<br />
Moments of color fleeing<br />
The evening glow.<br />
Bei den Booten: Welch<br />
Entfliehendes Schillern im<br />
Bunten Abendlicht.<br />
Embroidered pillows<br />
Of gold brocade - the sand graced<br />
By the tide‘s artwork.<br />
Goldbrokat bestickt<br />
Wie Samtkissen im von Flut<br />
Befeuchteten Sand.<br />
As the pink hue in<br />
The clouds fades out, the morning<br />
Bursts into pure gold.<br />
Kaum das Rosa der<br />
Wolken verglimmt, der Morgen<br />
Entflammt sein Goldlicht.<br />
As I turn around<br />
A moored sailboat dances<br />
In the glow of the waves.<br />
Als ich mich umsah<br />
Im Glitzerlicht der Wellen<br />
Ein Segelboot täut.<br />
Seagulls jubilate.<br />
Red gold upon the ocean.<br />
Sunrise<br />
Jubelschreie der Möwen.<br />
Rotes Gold auf dem Meer.<br />
Sonnenaufgang.<br />
44 45
France / Frankreich<br />
Mixed Media with Sculptural Overtones<br />
JJulia Still´s emotional artworks explore the borderland between<br />
collage techniques and sculpture. Illuminated by lyrical moon or starlight,<br />
her figures have a silver-golden sheen. Little shapes and objects<br />
reveal the dreams of those depicted in the foreground. Women´s bodies<br />
emerging from the darkness reveal an artistic vision marked by<br />
longing and melancholy resembling the melodious sound of ancient<br />
poetry. Solemn and majestic, Still´s figures wear expressions of blissful<br />
rapture, pointing towards the world of sculpture, whose material<br />
temptingly beckons. The busts seem to be on the verge of materializing<br />
from the canvas, inviting observers to walk around them and wander<br />
through their dream-like world.<br />
Mischtechnik mit skulpturaler Farbgestaltung<br />
1. A Leap of Faith Contemplated, 2009, mixed media, 27,94 x 35,54 cm<br />
2. Breaking Into Light , <strong>2022</strong>, mixed media , 20,32 x 25,40 cm<br />
3. Always Give Them Hope, <strong>2022</strong>, mixed media, 27,94 x 35,54 cm<br />
4. Edgewalkers , 2008, mixed media , 27,94 x 35,54 cm<br />
1<br />
In ihren gefühlvollen Bildern lotet Julia Still die Grenzen zwischen<br />
Collage-Techniken und Skulptur aus. Von lyrischem Mondschein- oder<br />
Sternenzeltlicht beleuchtet, sind die Figuren silbergolden gefärbt.<br />
Kleine Gestalten oder Erscheinungen offenbaren die Träume derer,<br />
die im Vordergrund dargestellt sind. Aus dem Dunkel hervortretenden<br />
Frauenkörper zeigen eine künstlerische Vision voller Sehnsucht und<br />
Melancholie, seelenverwandt mit der gemütvollen Tonlage antiker<br />
Poesie. Pathetisch und feierlich erscheinen die Figuren in verklärter<br />
Entrücktheit, und man spürt den Übergang zur Bildhauerei, deren Material<br />
sich bereits verführerisch abzeichnet. Es scheint, als könnten sich<br />
die Portraitbüsten jeden Moment von der Leinwand lösen. Beinahe<br />
möchte man um sie herum gehen und durch ihre Traumwelt wandeln.<br />
2 3<br />
4<br />
www.journeyartbyjulia.wordpress.com<br />
46 47
Austria / Österreich<br />
2<br />
1<br />
Conversations of Contrast and Color<br />
Living in Greece, Jani Jan J. has developed an idiosyncratic language of shapes<br />
to create images with a universal symbolic appeal. Vividly colored shapes seem<br />
to jump out at the observer and exude a spiritual atmosphere. The contemplative<br />
fascination of his designs originates in broad structured lines whose clear<br />
edges set them apart from the background, resembling highlights born from<br />
the southern sun, remindful of the holy glow of golden iconostases and byzantine<br />
mosaics. The artist shuns conventional expectations. Mysterious and unusual<br />
at once, it seems impossible to assign his work to any existing genre. The main<br />
point of experiencing his art is a captivating sense of mystery.<br />
Zusammenspiel von Kontrast und Farbe<br />
3<br />
1. Fragmente, <strong>2022</strong>, mixed media on cardboard, 30 x 40 cm<br />
2. Time Cloud, <strong>2022</strong>, mixed media in canvas on canvas, 60 x 80 cm<br />
3. Fragmente, <strong>2022</strong>, mixed media on cardboard, 30 x 40 cm<br />
4. Fragmente, <strong>2022</strong>, mixed media on cardboard, 50 x 50 cm<br />
Die universellen Sinnbilder des in Griechenland lebenden Jani Jan J. sprechen<br />
eine individuelle Formensprache. In kräftige Farben getaucht heben sie die<br />
Form hervor und erzeugen eine spirituelle Stimmung. Die kontemplative Faszination<br />
der Gebilde erwächst aus breiten Strukturlinien, die sich mit scharfen<br />
Kanten vom Hintergrund abheben. Beinahe wirken sie wie Schlaglichter, geboren<br />
aus der Sonne des Südens, die an das heilige Leuchten goldener Ikonostasen<br />
und byzantinischer Mosaike erinnern. Der Künstler lässt sich nicht auf<br />
konventionelle Erwartungen ein. Geheimnisvoll und ungewöhnlich lassen sich<br />
seine Werke kaum in geläufige Stilkategorien einordnen. Die Seherfahrung<br />
liegt vor allem in den Rätseln, die er uns aufgibt.<br />
4<br />
http://www.janijanj.com/timeline/<br />
48 49
Australia / Australien<br />
Inspiration from the Animal World<br />
Based on accurate observations of nature, Betty Collier´s pictures are<br />
marked by a no-frills realism and a naturalist honesty that exert an<br />
immediate appeal on observers. Animals are a central motif, but the<br />
owls and the butterflies presented in this book look strikingly different.<br />
Ink drawings show two flying owls spreading their gorgeous wings. As<br />
a painter, graphic designer and sculptor, Collier manages to give her<br />
animal portraits intense three-dimensional expressions revealing distinct<br />
personalities. The accuracy and detail of the owls´ feathers are<br />
also found in her watercolors of butterflies. Fragrant shades depict two<br />
unique specimens drinking from exotic flowers that leave observers<br />
with a lasting impression of mesmerizing beauty.<br />
1<br />
Inspirationsquelle Tierwelt<br />
2<br />
Betty Colliers Bilder, gespeist aus präziser Naturbeobachtung, besitzen<br />
durch ihren ungeschminkten Realismus und ihre naturalistische<br />
Ehrlichkeit eine unmittelbare Wirkkraft. Tiere gehören zu Colliers Lieblingsmotiven,<br />
wobei sich die hier präsentierten Schmetterlinge und<br />
Eulen stark voneinander unterscheiden. Die Tuschezeichnungen zeigen<br />
zwei fliegende Eulen, die ihr wunderschönes Federkleid ausbreiten. Als<br />
Malerin, Grafikerin und Bildhauerin verleiht Collier den dargestellten<br />
Tieren einen plastisch-charakterstarken Gesichtsausdruck. Die minutiöse<br />
Darstellungsweise des Gefieders findet sich auch in den Schmetterlingsaquarellen<br />
wider. In duftigen Farben werden zwei außergewöhnliche<br />
Unikate gezeigt, welche sich an exotischen Blüten laben und<br />
einen prägnanten Eindruck betörender Schönheit hinterlassen.<br />
3<br />
1. Mosaic Butterfly, <strong>2022</strong>, watercolour on watercolour paper, 41 x 51 cm<br />
2. Blue Butterfly With Flowers, <strong>2022</strong>, watercolour on watercolour paper, 41 x 51 cm<br />
3. Northern Hawk Owl, 2021, ink pens on cotton rag, 54 x 65 cm<br />
4. Marsh Owl, 2021, ink pens on cotton rag, 65 x 54 cm<br />
4<br />
www.bettycollier.com<br />
50 51
USA<br />
Visualizing Lyrical Communication<br />
For best effects, Bingjib Huang´s poetic word art needs a meditative space to<br />
unfold its power. Drawing heavily on Chinese calligraphy, Huang´s signature<br />
style is visible in all his paintings. Poetic collages speak of zodiac signs, cultural<br />
history, health, and happiness. The characters appearing in them often<br />
evoke vague associations with plant or animal shapes. With his loose brush<br />
stroke and gestural style, he strives for free space and transparency rather<br />
than density. As Huang communicates not only through the written word<br />
itself, but also through the shape he gives to it, his art should also be appreciated<br />
for its aesthetic beauty.<br />
1. The Year Of The Rat, 2020, colors/ink on rice paper, 34,5 x 34,5 cm<br />
2. The Year Of The Ox, 2021, colors/ink on rice paper, 46 x 34,5 cm<br />
3. The Magic Flute, 2021, ink and colors on rice paper, 34,5 x 34,5 cm<br />
4. The Year Of The Tiger, <strong>2022</strong>, colors/ink on rice paper, 48 x 48 cm<br />
5. Mirror On Mirror, <strong>2022</strong>, ink on rice paper, 34,5 x 34,5 cm<br />
6. Dream Within Dream, <strong>2022</strong>, ink on rice paper, 34,5 x 34,5 cm<br />
Verbildlichung lyrischer Kommunikation<br />
Huang Bings poetische Wortkunst braucht meditative Ruhe, um ihre Wirkung<br />
zu entfalten. Mit seinen Schriftbildern hat der Künstler eine unverkennbare<br />
Handschrift entwickelt. Seine <strong>Kunst</strong> ist maßgeblich von der Kalligrafie<br />
Chinas beeinflusst. In den Gedichtcollagen ist von Tierkreiszeichen,<br />
Kulturhistorie, Gesundheit und Glück zu lesen. Die Schriftzeichen enthalten<br />
wage Erinnerungen an Pflanzen- und Tierformen. Mit lockerem Duktus<br />
und gestischem Strich strebt der Künstler nicht nach Dichte, sondern nach<br />
Freiraum und Durchsichtigkeit. Die Bilder wollen im schöngeistigen Sinne<br />
in Augenschein genommen werden und zeigen, dass Huang sich nicht nur<br />
durch das geschriebene Wort mitteilt, sondern auch durch die Form, in der<br />
er es darstellt.<br />
1<br />
4<br />
2 3<br />
5<br />
6<br />
http://www.bingjibhuang.com<br />
52 53
France / Frankreich<br />
1<br />
2<br />
3<br />
1. Consolation, N4374, 2020, acrylique sur toile, 80 x 60 cm<br />
2. Theatre, N4541, 2021, 100 x 100 cm<br />
3. Sortis Du Neant, N4309, 2020, 115 x 75 cm<br />
4. L‘impassible, N3186, 2013, sur panneau, 76 x 110 cm<br />
Visualizing Emotions<br />
Darstellung von Emotionen<br />
Joseph Virgone´s flirtatious female portraits are unquestionably influenced<br />
by his work as a sculptor. Clearly defined faces stand in contrast with merely<br />
hinted bodies. Embedded in the background´s disintegrated color chords,<br />
the women in the foreground literally seem afloat. Color hues softly merging<br />
with each other add a touch of gentleness to the pictures. Identifying<br />
the subjects is not the important part. Rather than traditional portraits,<br />
Virgone´s works should be understood as portrait-like paintings. The figures<br />
taking center stage in them emerge from nebulous or dynamically painted<br />
backgrounds, and could be goddesses or angels, their facial expressions ranging<br />
from dreamy to contemplative, from sad to smiling.<br />
In Joseph Virgones koketten Frauenportraits verrät sich der Einfluss seiner<br />
Bildhauerei. Klar erkennbare Gesichter stehen im Gegensatz zu lediglich<br />
angedeuteten Körpern. Durch ihre Einbettung in farblich aufgelöste Hintergründe<br />
scheinen die Figuren regelrecht zu schweben. Weich ineinanderfließende<br />
Farbtöne fügen ein Element von Zartheit hinzu. Die Identifizierung<br />
der dargestellten Personen spielt eine eher untergeordnete Rolle. Anstatt<br />
typischer Portraits sollte man die Bilder als portraitartige Darstellungen<br />
verstehen. Die Erscheinung der zentral gruppierten Gesichter vor nebulösen<br />
oder mit dynamischen Pinselschwüngen gestalteten Hintergründen strahlt<br />
etwas göttinnen- oder engelhaftes aus, ihr Ausdruck wirkt verträumt, versunken,<br />
zuweilen auch traurig oder lächelnd.<br />
4<br />
www.virgone.com<br />
54 55
Argentina / Argentinien<br />
Impressions between Form and Emptiness<br />
Patricia Pascazzi´s picturesque discourse on representing poetic beauty<br />
and subtle nuances of light focuses on the immaterial aura of her<br />
objects. Her sensitive exploration of subtle atmospheric landscape features<br />
leads to a poignant blend of poetry, romance, and melancholy<br />
that goes straight to the heart. The artistic process is dictated solely by<br />
the eye and the mind: the hand holding the brush is at the beck and<br />
call of the artist´s perception, allowing for perfect self-expression.<br />
The transparent color application gives these works a truly masterful<br />
touch. While bold brush strokes seem to beg for completion, they possess<br />
their own kind of perfection. Subdued colors immersed in diffuse<br />
light make the scenery appear hazy like an apparition.<br />
Impressionen zwischen Form und Leere<br />
1<br />
1. Un (In)cierto Paisaje!, <strong>2022</strong>, tela sobre bastidor, técnica mixta:<br />
óleo, enduido y carborundum, 100 x 100 cm<br />
2. Algo De Mí, 2016, técnica óleo y tintas, 100 x 100 cm<br />
3. Somewhere, <strong>2022</strong>, tela sobre bastidor, técnica: tintas , 90 x 100 cm<br />
4. La Luz, <strong>2022</strong>, tela sobre bastidor, técnica mixta: óleo y enduido, 100 x 100 cm<br />
In Patricia Pascazzis malerischen Diskursen über die Darstellbarkeit<br />
feinster Lichtstimmungen und poetischer Schönheit geht es vor allem<br />
um die immaterielle Ausstrahlung dieser Motive. Durch ihr feinfühliges<br />
Aufspüren subtiler atmosphärischer Landschaftsreize trifft<br />
sie den Betrachter mitten ins Herz. Die Aura ihrer Werke besticht mit<br />
einer überzeugenden Melange aus Poesie, Romantik und Melancholie.<br />
Allein Auge und Geist gebieten: Die malende Hand lässt als Sklavin<br />
der Wahrnehmung vollkommenen Selbstausdruck zu. Vor allem<br />
die Transparenz des Farbauftrags macht die Bilder zu Meisterwerken.<br />
Mit oft kühnem Pinselschwung rufen sie nach Vervollständigung, und<br />
doch strahlen sie eine brillante Vollkommenheit aus. In diffuses Licht<br />
getaucht bleibt die Szenerie mit ihrer reduzierten Farbpalette schemenhaft<br />
wie eine Ahnung.<br />
4<br />
2 3<br />
https://www.instagram.com/patricia.pascazzi. art/<br />
56 57
Canada / Kanada<br />
1<br />
Combining Movement with Stillness<br />
With sensitive color compositions and a figurative style, the Canadian artist<br />
William Zuk creates his own spiritual world. His simplified shapes often lead<br />
observers to the animal world. The way he assembles them is remindful of<br />
Matisse´s dancing circle. Zuk manages to combine static stillness with a<br />
type of movement that seems to waft across the surface of his pictures like a<br />
gentle breeze. His light box completes the meditative tranquility of his work<br />
by breaking light at a right angle, making vivid colors appear even more vivid.<br />
Zuk captures observers’ attention with his clever, playful way of using<br />
space in a suggestive manner, and employing highly effective color tones<br />
– the dolphins´ red, for example, makes all other colors appear more intense.<br />
References to surrealism and abstract art also in his poems show how<br />
skillfully the artist taps into different artistic vocabularies (see pages 10 - 11).<br />
3<br />
4<br />
Verbindung von Bewegung und Ruhe<br />
2<br />
1. Circling The Moon, <strong>2022</strong>, digital print, 36 x 58,8 cm, 5060 x 3750 pixels<br />
2. Dolphin Circle, <strong>2022</strong>, digital print, 36 x 58,8 cm, 5000 x 3750 pixels<br />
3. Flying To The Dolphins, <strong>2022</strong>, digital print, 36 x 58,8 cm, 3429 x 5002 pixels<br />
4. Flight, <strong>2022</strong>, digital print, 36 x 58,8 cm, 3627 x 5002 pixels<br />
5. Reaching, <strong>2022</strong>, lightbox, 30 x 47 x 18,2 cm, 4315 x 5265 pixels<br />
6. Dolphin Curl, 2020, sculpture, 67 x 47 x 90 cm, 3750 x 5000 pixels<br />
Mit seinen empfindsam abgestimmten Farbtonlagen und seinem figurativen<br />
Stil lässt der kanadische Künstler William Zuk eine spirituelle Welt<br />
entstehen. Schematisierte Formen führen den Betrachter zumeist in die<br />
Tierwelt. Ihre Anordnung erinnert an einen Rundtanz, wie auch von Matisse<br />
bekannt. Dabei gelingt es Zuk, statische Ruhe mit einer Bewegung zu verbinden,<br />
die wie ein Hauch über die Oberfläche der Bilder zu gehen scheint.<br />
Brillant und farbstark ist auch seine Lichtbox, die durch ihren rechten Winkel<br />
die meditative Beschaulichkeit des Werkes bändigt. Raffiniert spielt der<br />
Künstler mit Raumsuggestionen und feinsten Farbnuancen - das Rot der<br />
Delphine lässt auch andere Farben intensiver erscheinen. Die Anleihen des<br />
Surrealen und Abstrakten in seinem poetischen Werk zeigen, wie selbstverständlich<br />
der Kanadier zwischen den Ausdrucksformen wechselt. (Siehe<br />
auch S. 10 - 11!)<br />
58 59<br />
5<br />
http://www.zukart.ca/<br />
6
USA<br />
1. Stronghold / Gorge, 2016, graphite, conte, photograph, tinted,<br />
transparent , 132 x 69 cm<br />
2. Facts On The Ground I, 2019, graphite, pastel, photograph, tinted,<br />
transparent, enameled found object, 56 x 112 cm<br />
3. Latency I, 2018, graphite, conte, photograph, tinted,<br />
transparent, 119 x 84 cm<br />
4. Tokyo / Upsurge / Nightlife, 2021, graphite pastel, photograph, tinted,<br />
transparent, enameled found objects, 137 x 71 cm<br />
2<br />
1<br />
Balance of Colors<br />
The most remarkable feature of Judith Stone´s collages is her unusual choice of<br />
perspective. Significant details appear at eye level. The artists´s eccentric composition<br />
style points to surrealist associations. Her brilliant visual language goes<br />
beyond conventional values and ideas, making novel visions emerge from the<br />
depths of the unconscious mind. Her elegant drawing style and skillfully balanced<br />
color arrangements give her compositions a harmonious sense of completeness.<br />
Her sparse use of objects and figures follows the motto “less is more”. In<br />
spite of their austerity Stone´s works radiate a mysterious sense of calm.<br />
Ausgewogene Farbakzente<br />
3<br />
Die Collagen von Judith Stone beeindrucken vor allem durch ihre ungewohnte<br />
Perspektive. Markante Details erscheinen auf Augenhöhe des Betrachters. Die<br />
eigenwillige Kompositionsweise der Künstlerin weist einen Hauch surrealer<br />
Ausdeutung auf. Voller Brillanz spricht sie eine bildnerische Sprache jenseits<br />
etablierter Werte und Vorstellungen und lässt Visionen aus den Tiefen des<br />
Unbewussten sichtbar werden. Die Eleganz der Zeichnung und das ausgewogene<br />
Gleichgewicht der Farben sorgen für eine harmonische Geschlossenheit<br />
der Kompositionen. Nach dem Motto „Weniger ist mehr“ bestehen sie nur aus<br />
wenigen Gegenständen und Figuren. Trotz ihres nüchtern strengen Ausdrucks<br />
strahlen die Bilder eine geheimnisvolle Ruhe aus.<br />
60 61<br />
4<br />
www.judithstoneworksonpaper.com
Mythical Sea<br />
Mythische See<br />
At night the Nereids´<br />
Wild whooping melodies play<br />
Their games with the waves.<br />
Des Nachts das wilde<br />
Rauschen der Nereïden<br />
Mit den Wellen spielt.<br />
Illuminated<br />
By moonlit ocean ringlets<br />
A sailboat dancing.<br />
Aus Mond gewobenen<br />
Meereslocken die Nacht erhellt<br />
Ein Segelboot.<br />
Reflected in the<br />
Golden nacre of the shell<br />
Dusk’s purple flourish.<br />
Im Goldperlmutt der<br />
Muschel violett sich spiegelt<br />
Die Dämmerung.<br />
A roar, a murmur,<br />
Then a thunder in their voice,<br />
The waves sing blue notes.<br />
Mit Rauschen, Murmeln<br />
Und Tosen türmt sich auf<br />
Der Wellenchor im Blau.<br />
Holy mountain<br />
Rising from the salty<br />
Emerald of the sea.<br />
Aus dem salzigen<br />
Flutensmaragd heilig sich<br />
Der Berg hebt empor.<br />
In the clouds´ splendid<br />
Pavilion, the sky kisses<br />
The murmuring waves.<br />
Im Pavillon der<br />
Wolkenpracht der Himmel küsst<br />
Brausende Wogen.<br />
62 63
Austria / Österreich<br />
Alluring Linguistic Imagination<br />
In Friedrun Schuster´s reverse glass paintings and etchings, a robust painting<br />
style meets a magical way of gleaning images from the mysterious<br />
movement of colored matter. The monochrome and the melancholic are<br />
juxtaposed with strikingly varied and vivid colors. While her small prints<br />
convey clear messages, the two larger works speak in poetically pulsing<br />
riddles. A person appears behind bars, fenced in from all sides, squeezed<br />
into an image space marked by foreshortened perspective. The colorful<br />
accumulations of unformed material, on the other hand, unleash our imagination:<br />
color symphonies free from constraints invite us to dream away<br />
and let our senses take us wherever we choose.<br />
Reizvolle Sprache der Fantasie<br />
1<br />
1. Meteoriteneinschläge, 2006, Après-Acrylith-Hinterglastechnik, 60 x 60 cm<br />
2. Sehnsucht, 2017, Radierung, 10 x 10 cm<br />
3. Bischofsvogel, 2012, Radierung, 5 x 5 cm<br />
4. Landung am grünen Planeten, 2006, Après-Acrylith-Hinterglastechnik,<br />
60 x 60 cm<br />
In Friedrun Schusters Hinterglasmalereien und Radierungen treffen<br />
malerische Robustheit und eine aus der Bewegung farbiger Materie gespeiste,<br />
magische Bildfindungsweise aufeinander. Monochromie und<br />
Melancholie werden intensiven Buntwerten gegenübergestellt. Was in<br />
den kleinformatigen Druckwerken als klare Botschaft hervortritt, bleibt<br />
in den poetisch pulsierenden Farbwelten der beiden Großformate rätselhaft.<br />
Eine menschliche Figur erscheint eingegittert in einen Bildraum mit<br />
stark verkürzter Perspektive, der sie allseitig einengt. Die farbenfreudigen<br />
Schöpfungen aus ungeformter Materie dagegen entfesseln die Imagination:<br />
Ihre Farbsymphonien laden, von jedem Zwang befreit, zu einer verträumten<br />
Sinnesreise ein, die Raum für die eigene Wahrnehmung lässt.<br />
4<br />
2 3<br />
http://fridrunschuster.heimat.eu<br />
64 65
United Kingdom / England<br />
1 2<br />
1. Abstract Image Triangular Sand Pattern, 2021,<br />
colour photographic print, 60 x 40 cm<br />
2. Abstract Image Black Sand Pattern on White, 2021,<br />
colour photographic print, 60 x 40 cm<br />
3. Abstract Image Linear Burnt Orange On Reflected Blue Rock Surface,<br />
2020, colour photographic print, 60 x 40 cm<br />
4. Abstract Image Diagonal Wedge on Blue, 2020,<br />
colour photo graphic print, 60 x 40 cm<br />
Fragments of Extraterrestrial Landscapes<br />
Gallery photographer Despina Kyriacou takes her inspiration from nature and its<br />
elements. Through her lens, reality is reduced to the aesthetic element of structure,<br />
leading to an Arcadia of geological momentum. The image space is understood<br />
as form, artistic composition taken over by the structures captured in it,<br />
which seem to be taken from nocturnal expeditions. The mystical color scheme<br />
goes through sensitive variations on a single hue, once again focusing on form,<br />
and producing a visual field of vibration inside the image. The obscure light<br />
applied to the subject makes geological structures blur, adding a melancholic<br />
sense of transparency that eventually takes us across the boundaries of reality.<br />
3<br />
Außerirdische Landschaftsfragmente<br />
Despina Kyriacou findet Inspiration für ihre Galerien-Fotografie in der Natur<br />
und in den Elementen. Dabei erschafft sie ein Arkadien geologischer Dynamik:<br />
Durch ihre fotografische Linse wird die Realität auf ihre Strukturen reduziert<br />
und zutiefst vergeistigt. Der Bildraum wird als Form begriffen, die Bildkomposition<br />
von den abgebildeten Strukturen übernommen, welche nächtlichen Expeditionen<br />
entsprungen sein könnten. Die mystisch anmutende Farbigkeit tritt als<br />
sensible Ein-Ton-Modulation auf und erzeugt mit ihrer ebenfalls formbetonten<br />
Wirkung einen optischen Schwingungsraum im Bild. Diffuses Licht lässt die<br />
geologischen Konturen verschwimmen, verleiht den Bildern eine melancholische<br />
Transparenz und vermittelt eine Überschreitung der Wirklichkeit.<br />
66 67<br />
4<br />
www.desphotoland.com
Canada / Kanada<br />
2<br />
1<br />
Masterful Movement<br />
Specializing in the visual depiction of controlled dynamic movement, Mel Delija<br />
can look at a ballerina´s performance and effortlessly capture his most graceful<br />
moments. Often presenting his subjects isolated against a monochrome background,<br />
he expresses their supreme sense of focus and physical control through<br />
his skillful execution of extended limbs. Pink and turquoise blue dominate his<br />
color scheme. With anatomic perfection, his protagonists fly across the canvas,<br />
sometimes with a visible sense of speed, sometimes pausing in poses of<br />
poignant stillness, giving the gentle colors in their surroundings a special glow.<br />
Delija´s ballerinas resemble flying birds of passage, or dancing cranes. His acrobatic<br />
creations realistically depict moments of evanescence.<br />
Virtuose Bewegungskräfte in Aktion<br />
3<br />
1. Younger Dancer, <strong>2022</strong>, mixed media, 76 x 65 cm<br />
2. Dance Variation XVIII,<strong>2022</strong>, oil on canvas, 81 x 101 cm<br />
3. Invitation To Dance, <strong>2022</strong>, mixed media, 76 x 56 cm<br />
4. Dance Variation XVI, 2021, oil on canvas, 81 x 101 cm<br />
Mel Delija sieht sein Arbeitsfeld als Künstler in der kontrollierten dynamischen<br />
Bewegung. So hält er genau den Augenblick fest, in dem die Baletteusen, die<br />
ihm als Modelle dienen, die graziöseste Ausstrahlung besitzen. Oft isoliert<br />
vor einfarbigem Hintergrund bringen die gestreckten Posen der Tänzerinnen<br />
deren Körperspannung und Konzentration zum Ausdruck. Dabei dominieren<br />
die Farben Rosa und Türkisblau. Anatomisch perfektioniert fliegen die Protagonistinnen<br />
dahin. Mal wird selbst ihre Geschwindigkeit sichtbar, dann wieder<br />
verharren sie in der Bewegung und strahlen durch sanfte Farben in den Raum<br />
hinein. Delijas Ballerinas gleichen fliegenden Wandervögeln oder tanzenden<br />
Kranichen. Seine akrobatischen Schöpfungen stellen flüchtige Momente realistisch<br />
dar.<br />
4<br />
68 69
Austria / Österreich<br />
1. Alone, 2021, watercolor, crayon, gouache, 42 x 30 cm<br />
2. Forlon, <strong>2022</strong>, watercolor, crayon, 80 x 40 cm<br />
3. Petrified, 2021, watercolor, gouache, crayon, 55 x 40 cm<br />
4. Melancholy I, 2020, acrylic, gouache, 90 x 90 cm<br />
5. Melancholy II, 2021, acrylic, gouache, 80 x 80 cm<br />
6. On The Way, <strong>2022</strong>, watercolor, crayon, 45 x 45 cm<br />
1<br />
Marked by a Meditative Mood<br />
2<br />
Gerhard Rasser´s striking oevre explores the boundaries between<br />
fantasy and reality. His meticulously executed paintings are visualizations<br />
of emotional impressions and experiences. Peaceful and inspired,<br />
they emanate an aura of elegant simplicity making observers<br />
want to accompany the artist on his journey to the ideal land that<br />
seems to loom on the horizon without knowing whether they will<br />
ever reach theit destination. The background and the foreground absorb<br />
silence from each other. With barely a soul in sight, and human<br />
figures appearing tiny, Rasser uses the soft, pale colors of his delicate<br />
palette to visualize our speechlessness concerning existential<br />
questions, foregoing all physical existence for the spiritual drive to<br />
express himself.<br />
4<br />
Meditative Stimmung als Stilmittel<br />
3<br />
Gerhard Rassers markantes Werk steht an der Grenze zwischen<br />
Realität und Fantasie. Mit wunderbarer Sorgfalt gemalt, sind seine<br />
Motive Visualisierungen emotionaler Eindrücke und Erfahrungen.<br />
Durchdrungen von Ruhe und Beseeltheit strahlen sie Schlichtheit<br />
und Anmut aus. Man möchte den Künstler begleiten in das ideale<br />
Land, das sich am fernen Horizont abzeichnet, ohne zu wissen, ob<br />
das Ziel jemals erreichbar ist. Vorder- und Hintergrund nehmen Stille<br />
voneinander auf. In weichen blassen Farben und sanft getönter<br />
Palette gestaltet Rasser die Sprachlosigkeit gegenüber existentialistischen<br />
Fragen, obgleich kaum Menschen abgebildet sind und<br />
Figuren winzig erscheinen. Das körperliche Sein wird aufgegeben<br />
zugunsten eines spirituellen Ausdruckswillens.<br />
70 71<br />
5<br />
www.blickfang-gerhardrasser.com<br />
6
South Korea / Südkorea<br />
1<br />
2<br />
Use of Color in Aesthetic Compositions<br />
Farbkraft und kompositorische Ästhetik<br />
1. Formation 2, 2018, oil on canvas, 74 x 91 cm<br />
2. Disappeared My Memorable Space, 2017, oil on canvas,155 x 160 cm<br />
3. Korean Mountain, 2015, oil on canvas, 60 x 76 cm<br />
4. Vitality 1, 2018, oil on canvas, 74 x 91 cm<br />
With her Fauvist palette, Korean artist Bo Song unleashes the fire of<br />
pure color on us. Red and yellow spaces elbow their way into our gaze,<br />
dynamic colors seem to push the boundaries of the frame. With her expressive<br />
aesthetic sense, Song takes us into the lush flora of her native<br />
country. The dynamic flourish of her contours emphasize floral shapes<br />
revealing the essence of nature with striking accuracy. In European observers,<br />
Song´s work may trigger associations with the spiritual shades<br />
of the light flooded colored glass windows and rosettes found in gothic<br />
cathedrals. Masterfully brought onto the canvas, the artist´s inner reality<br />
transforms into the radiant colors of light refracted through crystal.<br />
To Song, color is a symbol of nature whose powerful expression brings<br />
forth the message of her work like the unforgettable remnants of a<br />
convoluted dream.<br />
Mit ihrer fauvistischen Palette entfacht die Koreanerin Bo Song das<br />
Feuer reiner Farben. Rote und gelbe Flächen drängen ins Auge, bewegte<br />
Farben sprengen geradezu den Rahmen. Mit expressiver Ästhetik<br />
entführt uns die Künstlerin in die üppige Vegetation ihrer Heimat.<br />
Geschwungene Konturen heben die floralen Formen hervor und bezeichnen<br />
treffender als jede reale Darstellung das innere Wesen der<br />
Natur. Bei europäischen Betrachtern mögen sich Assoziationen mit<br />
der spirituellen Farbigkeit lichtdurchfluteter Glasfenster und Rosetten<br />
in gotischen Kathedralen einstellen. Virtuos gemalt verwandelt sich<br />
die innere Realität der Künstlerin in glühende Farben mit kristallinen<br />
Brechungen. Farbe ist für Song eine <strong>Art</strong> Traumzeichen der Natur, aus<br />
dessen Kraft die Aussage ihres Werks entspringt.<br />
3 4<br />
www.bksong.com<br />
72 73
Spain / Spanien<br />
Mystical Moments of Infinity<br />
Ramón Rivas´ works are full of symbols inviting multiple interpretations.<br />
His messages from space are creative riddles. Using an experimental<br />
approach keeps him artistically agile. His work fascinates<br />
observers with its bizzare way of presenting an absurd world as an<br />
opposite pole of realty. His self-willed technique successfully visualizes<br />
dreams, blurring the boundaries between two- and three-dimensional<br />
objects. In Rivas´ case, art serves as an antithesis to a reality stripped of<br />
illusions. While objects seem dissociated and adrift in space, dark color<br />
tones give them a compact sense of coherence.<br />
Mystische Stimmung der Unendlichkeit<br />
1. <strong>Art</strong> Explosion At The Station, 2021, mixed media - Rivismo, 170 x 200 cm<br />
2. Drones-<strong>Art</strong> In Space, 2021, mixed media - Rivismo, 195 x 195 cm<br />
3. Beethoven & Gauss, Music And Science, 2020, mixed media - Rivismo, 195 x 195 cm<br />
4. Experiential Geometric Landscape II, <strong>2022</strong>, mixed media - Rivismo, 170 x 200 cm<br />
1<br />
Ramón Rivas Werke stecken voller Symbole mit vielschichtigen Deutungsmöglichkeiten.<br />
Seine Botschaften aus dem Kosmos sind Schöpfungen<br />
des Rätselhaften. Durch das Experimentieren bewahrt sich<br />
Rivas seine künstlerische Beweglichkeit. Die Faszination seiner Bilder<br />
liegt darin, dass er den Betrachter auf wunderliche Weise mit einer absurden<br />
Welt als Gegenpol zur Realität konfrontiert. Seine eigenwillige<br />
Technik lässt Erträumtes sichtbar werden; die Grenzen zwischen zweidimensionalem<br />
Bild und dreidimensionalen Objekten verschwimmen.<br />
<strong>Kunst</strong> dient hier als Gegenbild zur illusionslosen Wirklichkeit. Obwohl<br />
die verschiedenen Gegenstände aufgelockert im Raum zu fliegen<br />
scheinen, werden sie durch dunkle Farbtöne kompakt zusammengefügt.<br />
4<br />
2 3<br />
http://www.rivismo.com/ - https://ramonrivas-rivismo.blogspot.com/<br />
74 75
Italy / Italien<br />
1<br />
1. Florence, 2019, new media art, 67,73 x 38,1 cm<br />
2. Omaggio a Jean Vigo, 2020 , new media art, 78 x 58 cm<br />
3. Anna M, In Compagnia Di Un Gatto, 2020, new media art, 100 x 75 cm<br />
4. La Fanciulla e L‘ape, 2020, new media art, 72,26 x 96,39 cm<br />
5. Aspirante Poeta, 2020, new media art, 11 x 17 inches<br />
6. The Shleltering Sky, <strong>2022</strong>, new media art, 45,72 x 60,96 cm<br />
3<br />
4<br />
2<br />
Likeness and Dreamy Reality<br />
Abbild und verträumte Realität<br />
Alessandra Diefe makes people the central focus of her paintings. While her<br />
lively conversation with spaces in pure colors gives her pictures a decorative<br />
touch, there is no doubt to about their individuality. Her emphasis on the<br />
element of space makes characters appear like sculptures chiseled out of<br />
their background. The artist’s love of pop art is palpable. Her models may be<br />
protagonists from the world of art. Especially their bright red lips and their<br />
monumental grace are stylistic expressions of the artist’s admiration of her<br />
subjects. Her paintings appear almost like symbolic homages to the models.<br />
With clear visual language, Diefe makes them emerge from a monochrome<br />
void. The curtains framing them add a narrative touch to the picture.<br />
Alessandra Diefe nimmt sich in ihrer Malerei den Menschen an. Obwohl ihre<br />
Bilder durch den lebhaften Dialog mit reinen Farbflächen fast dekorativ wirken,<br />
ist ihre Individualität unbestreitbar. Die Betonung des Elements Fläche<br />
lässt die Figuren wie herausgemeißelte Skulpturen erscheinen. Man spürt<br />
die Begeisterung der Künstlerin für Pop-<strong>Art</strong>. Bei ihren Modellen mag es sich<br />
um Protagonisten der künstlerischen Welt handeln. Vor allem die knallroten<br />
Lippen, aber auch die monumentale Anmut zeugen von stilistischer Ehrerbietung<br />
den Portraitierten gegenüber. Die Gemälde wirken beinahe wie<br />
symbolhafte Hommagen an die Dargestellten. Mit klarer visueller Sprache<br />
lässt die Künstlerin sie aus dem einfarbigen Nichts heraustreten. Der rahmende<br />
Vorhang verleiht eine erzählerische Note.<br />
5<br />
6<br />
https://alessandradieffe.myportfolio.com/<br />
76 77
Israel<br />
1<br />
2<br />
3<br />
1. Jazz in Tel Aviv, 2015, dry point, monotype, mixed technique, 51 x 70 cm<br />
2. Maritime Secrets [1], 2019, etching, mezzotint, embossing, 80 x 63 cm<br />
3. Morning in Jaffa, 2015, dry point, monotype, mixed technique, 47 x 60 cm<br />
4. Olive Tree, 2020, etching, embossing, 80 x 56 cm<br />
Exquisite Etchings<br />
Erlesene Radierkunstwerke<br />
Masha Orlovich finds her symbolic motifs in the world of flora and fauna. Birds,<br />
palm trees, rocks, and geological structures appear accompanied by a small<br />
orchestra, with round and rectangular shapes. Motifs and contours blur and<br />
merge forming veils of color. A sparse palette of subdued color tones derives<br />
its sound from a combination of geometry and lyricism. Orlovich´s works may<br />
be understood as shape poems. An intentional blur gives them a melancholy<br />
touch. Cast into a mysterious darkness, the brilliant relief prints reflect the primal<br />
human experience of touch. Their most stirring feature is their unparalleled<br />
gentleness of execution.<br />
Masha Orlovich findet ihre symbolträchtigen Motive in der Flora und Fauna.<br />
Vögel, Palmen, Felsen und Gesteinsstrukturen treten im Zusammenspiel mit<br />
einem kleinen Orchester, mit runden und mit rechteckigen Formen auf. Motive<br />
und Konturen verwischen und verschwimmen zu Farbschleiern. Die dezent gewählten<br />
wenigen kühlen Töne erhalten ihren Klang durch die Verbindung von<br />
Geometrie und lyrischer Ausstrahlung. Man kann die Werke auch als Formgedichte<br />
auffassen. Durch das Stilmittel der Verschwommenheit schwingt dabei<br />
eine melancholische Note mit. In mystisch-geheimnisvolles Dunkel getaucht<br />
geben die brillanten Prägedrucke Urerlebnisse des Tastsinns wieder. Ihr Reiz<br />
liegt in der unvergleichlichen Zartheit ihrer Darstellung.<br />
4<br />
https://www.facebook.com/MashaStudioGallery<br />
78 79
Sea Breeze<br />
Meereswind<br />
The delicious breeze<br />
Of ocean air enchanting<br />
In the drunken wind.<br />
Der köstliche Hauch<br />
Der Seeluft betörend im<br />
Trunkenen Windrausch.<br />
Whitewashed sea desert<br />
Underneath the silky blue<br />
Of the firmament.<br />
Unter seidenblauem<br />
Himmelszelt flutenweiß<br />
Die Wasserwüste.<br />
Wind whooshing across<br />
The clouds´ dramatic reflection<br />
In the low tide.<br />
Zum Windsausen sich<br />
Das Wolkenschauspiel im Glanz<br />
Der Ebbe spiegelt.<br />
Murmuring, splashing,<br />
Swishing. At night, the sea<br />
Sings its stormy canon.<br />
Raunen, Toben und<br />
Sausen, des Meeressturms Nacht<br />
Ihren Kanon singt.<br />
In front of purple<br />
Clouds, a buzzard sits. Sea breeze<br />
Ruffling its feathers.<br />
Vor purpur Wolken<br />
Ein Bussard sitzt. Der Seewind<br />
Sträubt ihm die Federn.<br />
The scent of the sea -<br />
Storm has swept it ashore<br />
In its entirety.<br />
Den ganzen Duft der<br />
Meereswelt der Sturm hat zur<br />
Küste getragen.<br />
80 81
USA<br />
1<br />
2<br />
4<br />
5<br />
1. Promiscuous, 2021, cast bronze, 50 cm height<br />
2. Rencontre Nocturne, 2020, 47 cm height<br />
3. Belle Du Soir, 2021, cast bronze, 55 cm height<br />
4. Lady Of The Night, 2018, cast bronze, 53,5 cm height<br />
5. Fille De Joie, 2020, 40 cm height<br />
6. Harmonious II, 2018, cast bronze, 100 x 46 x 155 cm<br />
Rhythmical Shapes in Motion<br />
Rhythmisch bewegte Formen<br />
With his polished bronze sculptures, Jean Jacques Porret manages to extract<br />
the light at the heart of things. The compact solid sculptures´ dynamic physical<br />
expression is full of energy. While their dense physicality remains unbroken,<br />
Porret’s figures appear almost weightless and, as he skillfully creates<br />
an illusion of movement, seem to be dancing. The artist´s modern, abstract<br />
style and the traditional shapes to which he alludes make an unexpectedly<br />
perfect match. His works´ lyrical effect is intensified by his calculated, sensitive<br />
use of surface gloss. Rhythmical turning motions depicting the physical<br />
sensuality of the human body rouse musical associations. Resembling reliefs,<br />
the sculptures revolve around their own axis, effectively visualizing the essence<br />
of sound, rhythm, and movement.<br />
Jean Jacques Porret zaubert in seinen fein polierten Bronzen das Licht der<br />
Dinge hervor. Der Bewegungsausdruck seiner kompakten Vollplastiken steckt<br />
voller Energie. Ohne die Totalität der Masse aufzubrechen, erscheinen die Figuren<br />
fast schwerelos und erzeugen eine tänzerische Illusion. Dabei wird die<br />
modern-abstrakte Darstellungsweise von traditionellen Formen geküsst. Ihr<br />
Lyrismus wird durch die ebenso präzise berechnete wie sensibel eingesetzte<br />
Lichtwirkung des Oberflächenglanzes gesteigert. Mit rhythmischen Drehbewegungen<br />
stellt der Künstler die leibliche Sinnlichkeit des menschlichen Körpers<br />
dar und weckt musikalische Assoziationen. Reliefartig drehen sich seine<br />
Skulpturen um ihre eigene Achse und machen die Essenz von Klang, Takt und<br />
Bewegung spürbar.<br />
3 6<br />
https://www.jjporret.com/<br />
82 83
United Kingdom / Großbritannien<br />
2<br />
1<br />
1. The Moon Sonata, 2020, oil on canvas, 51 x 76 cm<br />
2. Holly Family, 2021, oil on canvas, 51 x 61 cm<br />
3. Carmen, 2020, oil on canvas, 51 x 76 cm<br />
4. Transformation, 2021, oil on canvas, 51 x 61 cm<br />
A Pointillist Aura<br />
The distinctly emphatic sense of expressiveness in Luana Stebule´s idiosyncratic<br />
paintings is rooted in the intense stylization of its elements. Radically<br />
simplified, animal and human shapes are filled in with transparent color speck<br />
designs. Figures are reduced to Mannerist sketches. While stripping her shapes<br />
of everything but the bare essentials of their characteristics, the artist successfully<br />
combines decorative and sculptural elements. Anatomically simplified, the<br />
ironic portrayal of her subjects adds an undercurrent of parody. The challenge<br />
posed by Stebule´s pictures is their refusal to yield to any rational explanation.<br />
Their colors and shapes literally irritate observers, screaming for a subjective<br />
reaction.<br />
Pointilistische Ausstrahlung<br />
3<br />
Der unverwechselbar betonte Ausdruck in Luana Stebules individueller Malerei<br />
verbirgt sich in ihren stilisierten Elementen. Radikal vereinfacht werden<br />
menschliche und tierische Formen mit transparenten Mustern aus farbigen<br />
Tupfern gefüllt. Die Figuren erscheinen schematisch verknappt und manieristisch<br />
verformt. Bei aller Reduzierung gelingt es der Künstlerin, zwischen Dekorativem<br />
und Skulpturalem zu vermitteln. Anatomisch vereinfacht erhalten sie<br />
durch den Beiklang karikierender Geistigkeit einen ironisierenden Charakter.<br />
Die Herausforderung für den Betrachter ist, dass sie sich einer rationalen Erklärung<br />
entziehen. Zumal Farbe und Form auch eine optische Irritation hervorrufen,<br />
verlangen sie eher nach einer subjektiven Reaktion.<br />
84 85<br />
4<br />
https://www.luanastebulefineart.co.uk/
USA<br />
1 2<br />
1. Passages, 2008, digital photograph, 20 x 15 cm<br />
2. Passages, 2008, digital photograph, 20 x 15 cm<br />
3. Passages, 2008, digital photograph, 20 x 15 cm<br />
4. Passages, 2008, digital photograph, 20 x 15 cm<br />
Light in a Tunnel of Relicts<br />
In her photographs, Angela Schapiro uses architectural elements as objects of<br />
aesthetic observation, showing us that the art of construction has its own force<br />
field. Nothing is straight, every line follows a parabolic arch and challenges<br />
observers to reflect on contemporary urban architecture. These photographs<br />
represent something that lies dormant in our memory – like a long- lost experience<br />
or instinct. Color plays a central atmospheric role. An earthy colored<br />
aura conjures up the bucolic atmosphere of an ancient world. The interaction<br />
between shapes, light, and shade results in a poetic dimension. Although each<br />
image represents a single moment, Schapiro’s motifs seem timeless.<br />
Licht im Tunnel spärlicher Überbleibsel<br />
3<br />
Angela Schapiro benutzt in ihren Fotografien architektonische Elemente als<br />
Objekte ästhetischer Betrachtung. Dabei macht sie sichtbar, wie Baukunst ihr<br />
eigenes Kraftfeld entwickelt. Nichts ist gerade, alles verläuft in parabolischen<br />
Bögen und fordert dazu auf, über zeitgenössische Städtebauarchitektur nachzudenken.<br />
Die Fotografien geben etwas wieder, was in uns schlummert –alte<br />
Erfahrungen etwa, oder verloren geglaubte Instinkte. Farbe spielt als tragender<br />
Wert der Stimmung eine entscheidende Rolle. So beschwört eine erdfarbene<br />
Aura die bukolische Stimmung einer antiken Welt herauf, und im Zusammenspiel<br />
mit Form, Licht- und Schattenspiel entsteht eine poetische Dimension.<br />
Obgleich jeweils nur ein flüchtiger Augenblick dargestellt wird, erscheinen die<br />
Motive zeitlos.<br />
4<br />
angela.schapiro@gmail.com<br />
86 87
Croatia / Kroatien<br />
1. Abstract Composition, <strong>2022</strong>, oil on canvas, 80 x 100 cm<br />
2. Multicolored Abstraction, <strong>2022</strong>, oil on canvas, 80 x 100 cm<br />
3. Geometric Composition, 2020, oil on canvas, 80 x 100 cm<br />
4. Geometric Composition In Blue, 2020, oil on canvas, 80 x 100 cm<br />
1<br />
Lively Colors, Aesthetic Effects<br />
With his newly invented technique based on 3D-graphic design, Josip<br />
Rubes´ gives his works a unique three-dimensional look. Using<br />
geometrical shapes and structures in multiple colors, the artist overcomes<br />
the limitations of perspective, and relinquishes painting for<br />
action. The works presented here combine a spontaneous gestural<br />
style with a geometric execution. Elements of abstract art give them<br />
a poetic touch that seems to be the essence of their beauty. In a visual<br />
sense, heir central feature is the vivid appeal of colors rhythmically<br />
arranged across the image space. The distinctive color choice<br />
is clearly based on careful artistic considerations. When focusing on<br />
colors and shapes, the pictures take on psychedelic qualities.<br />
2<br />
Lebhafte Farbigkeit, ästhetische Wirkung<br />
Die oft mehrdimensional erscheinenden Werke von Josip Rubes erhalten<br />
ihren besonderen Charakter durch ein eigens von ihm entwickeltes<br />
Verfahren der 3D-Grafik. Mit einer in geometrische Formen<br />
und Strukturen gesetzten, vielfältigen Farbgebung überwindet der<br />
Künstler den perspektivischen Raum und verneint die Malerei zugunsten<br />
der Aktion. In den hier gezeigten Arbeiten steht spontane<br />
Gestik einer geometrischen Ausführung gegenüber. Elemente der<br />
abstrakten Malerei verleihen ihnen jene untergründige Poesie, die<br />
ihre Schönheit ausmacht. Dabei stellt ihr flächenrhythmischer Farbreiz<br />
den tragenden Wert dar. Die verschiedenen Tonlagen bezeugen<br />
eine bewusste schöpferische Auswahl. Wenn man den Blick auf<br />
Farben und Formen konzentriert, gewinnen sie eine psychodelische<br />
Qualität.<br />
4<br />
3<br />
https://apstraktno-slikarstvo-josiprubes.com<br />
88 89
Belgium / Belgien<br />
2<br />
1. The Color Of Your Lips, 2021, mixed media on metal, 100 x 50 cm<br />
2. I Love The Blue On Your Eye, 2021, mixed media on metal, 100 x 50 cm<br />
3. Strongly She looked At Me, 2021, mixed media on metal, 100 x 50 cm<br />
4. Longing, 2018, print on wood, 120 x 80 cm<br />
Distance and Dedication<br />
1<br />
Benny de Grove has chosen the female body as the central focus of his photographic<br />
work. His unique stylistic expression touches the unconscious parts of<br />
our intimate sensitivities. Women´s faces partially covered with russet combine<br />
technical perfection with creative originality. The veil-like cover tactfully blocks<br />
out our gaze, while a gentle breeze seems to infuse the images with movement.<br />
Through their graceful humility, they radiate a poetic emotional power.<br />
Inscrutable facial expressions emanate sensual elegance and delicate eroticism.<br />
With studied compositions conveying the magic of sensuality, a new view is<br />
conveyed, with red lips adding to the mysterious chemistry.<br />
Distanziert und hingebungsvoll zugleich<br />
3<br />
Als Schwerpunkt seiner fotografischen <strong>Kunst</strong> hat Benny de Grove den weiblichen<br />
Körper auserwählt und berührt dabei die unbewussten Seiten unseres intimen<br />
Empfindungsvermögens. In seinen teilweise rostfarben überzeichneten<br />
Frauengesichtern verbindet er technische Perfektion mit kreativer Originalität.<br />
Als striche ein leises Wehen durch das Motiv, das einen Eindruck von Bewegung<br />
erzeugt, dient die Verschleierung auch als sanfte Blicksperre. Durch diese anmutige<br />
Zurückhaltung strahlen die Bilder eine poetische emotionale Kraft aus.<br />
Die unergründlichen Gesichtsausdrücke verströmen eine sinnliche Eleganz und<br />
ein feines erotisches Fluidum. Mit überlegten Kompositionen wird im Zauber<br />
der Sinnlichkeit eine neue Sichtweise vermittelt, rote Lippen vertiefen die geheimnisvolle<br />
Spannung.<br />
4<br />
https://www.bennydegrove.com/<br />
90 91
Switzerland / Schweiz<br />
1 2<br />
1. Frühlingsgruß, <strong>2022</strong>, Acryl auf Canvas, 40 x 50 cm<br />
2. Nordische Sonne, <strong>2022</strong>, Acryl auf Canvas, 40 x 50 cm<br />
3. Zarte Viola, <strong>2022</strong>, Acryl auf Canvas, 40 x 50 cm<br />
4. Venedig, <strong>2022</strong>, Acryl auf Canvas, 40 x 50 cm<br />
5. Sonnen-Netz, <strong>2022</strong>, Fotografie, A3 (29,7 x 42 cm)<br />
6. Eis-<strong>Kunst</strong>, 2021, Fotografie, A3 (29,7 x 42 cm)<br />
Fragmented Spaces Merging<br />
Ursula Müri´s artistic language brims with her love of traveling. The interaction<br />
of light and color matters more to her than realistic representation, which, barely<br />
on its way out, seems to lose itself in spatial perspective, creating a powerful pull.<br />
Fascinated by the pulse of her colors, observers cannot help but catch the travel<br />
bug, and dream themselves away to a fertile Arcadia. Müri´s images are like visions<br />
of a lost paradise that now exist only in our memory. Rather than focusing<br />
on formal effects, the artist strives towards an overall visual impression. Her hazy<br />
colors spread a strangely polychrome light across the image space. With virtually<br />
no foreground, her two photographs employ the same method of leaving out<br />
specifics like location and point of view.<br />
4<br />
Fragmentierte Flächen fließen ineinander<br />
3<br />
In der von Reiselust beseelten Bildsprache Ursula Müris ist das Zusammenspiel<br />
von Licht und Farbe wichtiger als die realistische Darstellung. Jede Gegenständlichkeit<br />
scheint sich perspektivisch im Raum zu verlieren, wodurch ein wundervoller<br />
Sog entsteht. Fasziniert von der pulsierenden Farbigkeit möchte man<br />
selbst auf Reisen gehen und sich in ein fruchtbares Arkadien hineinträumen. Die<br />
Bilder scheinen wie Visionen verlorener Paradiese, die nur noch in der Erinnerung<br />
existieren. Ihre Komposition ist mehr auf optische Wirkung als auf formale<br />
Effekte angelegt. Schemenhaft verbreiten die Farben ein seltsam polychromes<br />
Licht. Auch in den beiden Fotografien sind Standort und Anwesenheit des Betrachters<br />
nicht spürbar, denn es gibt praktisch keinen Vordergrund.<br />
92 93<br />
5<br />
http://www.muerikunst.ch/<br />
6
The Netherlands/ Niederlande<br />
1 2<br />
1. View Through Window Église Saint-Étienne Clémont, oil on panel, 50 x 70 cm<br />
2. View Through Window Castle Sully, oil on panel, 50 x 70 cm<br />
3. Garden View Château Lauroy (France), oil on canvas, 60 x 80 cm<br />
4. The RC Orphanage With Closed Doors, oil on wood, 70 x 100 x 5 cm<br />
5. Labyrint, oil on canvas, 80 x 120 cm<br />
6. Pass By, oil on canvas, 80 x 120 cm<br />
5<br />
6<br />
Constructs Between Painting and Architecture<br />
Gebilde zwischen Architektur und Malerei<br />
3<br />
4<br />
The central motif in Bert Hermans´ work is architecture, which he depicts<br />
with loving attention to detail. Using the pull of constructive statics,<br />
he imbues his pictures with a graceful rigor both contemplative<br />
and fascinating. Shape and color are not separated but understood as<br />
a plastic unit. Their interaction makes the canvas appear multidimensional.<br />
In spite of their marked rational precision, his buildings have a<br />
dynamic look. The over-abundance of detail is tamed by concise compositions<br />
using vertical lines as coordinates. Hermans´ most convincing<br />
skills are accurate depiction and polished technique. With these works,<br />
he subjects us to an intense gravitational pull that often leads to socially<br />
critical observations.<br />
Das zentrale Motiv in Bert Hermans Werk ist die Architektur, welche er<br />
realistisch und mit viel Liebe zum Detail darstellt. Mit der Sogwirkung<br />
konstruktiver Statik erzeugt er in seinen Bildern eine anmutige Strenge,<br />
die kontemplativ und faszinierend wirkt. Dabei werden Form und Farbe<br />
nicht getrennt, sondern als plastische Einheit verstanden. Ihr Zusammenspiel<br />
lässt die Leinwandbilder mehrdimensional erscheinen. Bei<br />
aller rationalen Präzision strahlen die Gebäude auch Dynamik aus. Ihre<br />
Detailfülle wird durch eine straffe Komposition gebändigt, senkrechte<br />
Linien fungieren als Koordinaten. Hermans besticht vor allem durch<br />
seine exakte Darstellungsweise und seine ausgefeilte Technik. Unser<br />
Blick wird einem starken Tiefensog ausgesetzt, der nicht selten in sozialkritischen<br />
Erkenntnissen mündet.<br />
http://berthermans.kunstinzicht.nl/<br />
94 95
Taiwan<br />
1 2<br />
1. Old Memories #2, <strong>2022</strong>, mixed media on paper, 60 x 40 cm<br />
2. Old Memories #3, <strong>2022</strong>, mixed media on paper, 60 x 40 cm<br />
3. Old Memories #4, <strong>2022</strong>, mixed media on paper, 60 x 40 cm<br />
4. Old Memories #1, <strong>2022</strong>, mixed media on paper, 60 x 40 cm<br />
Trip to Lyrical Dimensions<br />
In spite of their monotonous appearance, Hyun-Jin KIM´s paintings are mysteriously<br />
abuzz with life. The artist´s complex idiosyncratic iconography requires a highly psychological<br />
approach to their reception. Upon closer inspection, animals, faces, and<br />
figures seem to emerge from a sea of shapes. KIM´s intelligent compositions display<br />
recurring colors and subjects as a kind of leitmotif, assembling them to form a meaningful<br />
provocation of observers´ individual experience. Coaxed into confronting<br />
denial and curiosity at first, those who persevere will eventually make out familiar<br />
representational elements so subtly embedded in the background that they remain<br />
invisible to the untrained eye at first.<br />
Entführung in lyrische Dimensionen<br />
3<br />
Trotz ihrer monotonen Ausstrahlung sind die Bilder von Hyun-Jin KIM von geheimnisvollem<br />
Leben erfüllt. Die komplexe Bildikonographie erfordert eine psychologische<br />
Durchdringung des Sujets. Hin und wieder lassen sich bei näherem Hinsehen<br />
Elemente wie Tiere, Gesichter und Figuren im Formenmeer erkennen. Intelligent<br />
ausgeführt tauchen leitmotivisch immer wieder dieselben Farben und thematischen<br />
Bezüge auf. Alles wird mit sinnprovozierender Geste zusammengefügt und der<br />
Selbsterfahrung des Betrachters überlassen. Nachdem er sich zunächst mit Verweigerung<br />
und Neugier auseinandersetzen muss, erkennt er zunehmend Assoziationen<br />
an Gegenständliches, die so subtil in den Hintergrund eingebettet sind, dass sie seinem<br />
ungeschulten Auge auf den ersten Blick verborgen bleiben.<br />
4<br />
https://www.instagram.com/khjart8899/<br />
96 97
USA<br />
Figurative Associations Verging on Abstraction<br />
Set far from reality, Charlotte Shroyer´s portraits seem to have their<br />
roots in “primitive” art. Borrowing from cubism, her rough, stylized<br />
expression is remindful of mask-like woodcuts. The dynamic of her<br />
sharp, drawing-like contours creates tension between space and color.<br />
Individual colors serve as poignant highlights in a pale, cool aura representing<br />
the soulscape depicted. Exaggerated shapes brought about<br />
by distortion, asymmetry, and bold shades intensify emotions like suspicion<br />
and pain. The first picture, on the other hand, reveals the artist´s<br />
longing for dynamic intellectual expression.<br />
Figürliche Assoziationen nahe der Abstraktion<br />
1<br />
1. Time, <strong>2022</strong>, oil on canvas, 48 x 48 inches<br />
2. Is That So?, <strong>2022</strong>, oil on canvas, 12 x 12 inches<br />
3. A Motley Crew, 2020, oil on canvas, 36 x 36 inches<br />
4. Un ou Deux?, <strong>2022</strong>, mixed media, 12 x 9 inches<br />
Die vom Realen entfernte Figuration in Charlotte Shroyers Portraits<br />
mag Vorbildern aus der Primitiven <strong>Kunst</strong> entspringen. Dem Kubismus<br />
verpflichtet erinnert die grobe Stilisierung an maskenhafte Holzschnitzerei.<br />
Durch scharfe Konturen manifestiert sich in der zeichnerisch bewegten<br />
Linienführung eine Spannung zwischen Fläche und Farbigkeit.<br />
Einzelne Farben setzen scharfe Akzente in eine blass-kühle Aura hinein,<br />
die den dargestellten Seelenzuständen entspricht. Durch Verzerrung<br />
hervorgerufene formale Übertreibung, Asymmetrie, sowie krasse<br />
Schatten vertiefen Empfindungen wie Skepsis und Schmerz. Das vierte<br />
Bild hingegen verrät den Wunsch nach bewegtem intellektuellen Ausdruck.<br />
2 3<br />
4<br />
charlotteshroyer.com<br />
98 99
Sunset<br />
Sonnenuntergang<br />
Gorgeous clouds aflame<br />
With red as the blazing sun<br />
Sinks into the Sea.<br />
Mit einer tollen<br />
Wolkenpracht lodernd rot die<br />
Sonne sinkt ins Meer.<br />
As night approaches<br />
Dusk’s reflection cries soft tears<br />
Of cool rosewater.<br />
Der Widerschein der<br />
Dämmerung nun sein zartes<br />
Rosenwasser weint.<br />
Walking out at dusk,<br />
Shells mirroring golden clouds<br />
Crunch beneath our feet.<br />
Abendspaziergang,<br />
Muschelknirschen im Goldglanz<br />
Der Wolken spiegelnd.<br />
Slowly, the fire<br />
Of the sun dies down in the<br />
Glow of the low tide.<br />
Langsam das Feuer<br />
Der Sonne im Glutlicht des<br />
Ebbesands erlischt.<br />
As the sun peers out<br />
From its hideout in the clouds<br />
The sea goes ruby.<br />
Lugt die Sonne aus<br />
Ihrem Wolkenversteck, das<br />
Meer rubin sich färbt.<br />
In the glowing red<br />
Of the evening sun, the terns<br />
Perform their music.<br />
Zur glutroten<br />
Abendsonne sanft die Seeschwalben<br />
Musizieren.<br />
100 101
The Netherlands / Niederlande<br />
A Romantic Refusal to Imitate Appearances<br />
1<br />
In his bizarre sceneries, Robert Ram applies highly idiosyncratic principles<br />
of composition, spiced up with a touch of satire. His work is a<br />
fantastic, surrealist symbiosis of natural motifs and mystery with an<br />
element of mysticism. His sense of fairy-tale magic and poetry has an<br />
immediate emotional appeal. At the same time, looking at his work<br />
creates the illusion of entering a nondescript ahistorical past that, as<br />
it is experienced, turns into the present once again. Paradoxically, the<br />
artist´s realistic painting style presents a fantastic world of images<br />
that refuses to imitate reality, resorting to the language of association<br />
and provocative dimensions instead.<br />
Romantik ohne Nachahmung des Sichtbaren<br />
2<br />
In seinen skurrilen Szenerien wendet Robert Ram eigenwillige Kompositionsgesetze<br />
an und versieht sie mit einem satirischen Beiklang. Es<br />
handelt sich um fantastisch-surrealistische Symbiosen aus Naturmotiven<br />
und rätselhaften Erzählungen, in denen auch eine mystische Komponente<br />
zum Ausdruck kommt. Mit einem Sinn für märchenhaften<br />
Zauber und Poesie appelliert Ram ans Gemüt. Zugleich entsteht ein<br />
eigenartiges Zeitgefühl, als erschlösse sich dem Betrachter langsam<br />
eine undefinierbare ahistorische Vergangenheit, die im Erleben wiederum<br />
zur Gegenwart wird. Der realistische Malstil bringt eine fantastische<br />
Bilderwelt zur Geltung, ohne dass der Künstler als Nachahmer<br />
des Sichtbaren agiert. Stattdessen verlässt er sich auf die Sprache der<br />
Assoziationen und provozierenden Dimensionen.<br />
3<br />
1. Walking Flowers, (2-hatch), 2021, oil on panel, 60 x 92 cm (2x)<br />
2. The Imprisoned Clothespin Rrees, <strong>2022</strong>, oil on panel, 30 x 40 cm<br />
3. The Hanging Tree Branches, 2018, oil on panel, 49 x 59 cm<br />
4. Balloon Ride, 2019, oil on panel, 59 x 49 cm<br />
4<br />
www.robertram-art.nl<br />
102 103
Austria / Österreich<br />
1<br />
2<br />
1. She, <strong>2022</strong>, Öl auf Leinwand auf Holz, 42 x 48 cm<br />
2. Marthas-Weingarten, 2005, Bronzeguss patiniert und blattvergoldet,<br />
12 x 20 x 32 cm<br />
3. Manipen, 2003, Bronzeguss patiniert, 44 x 46 x 72 cm<br />
4. Two Wings, 2000, Bronzeguss blattvergoldet, Carrara Marmor,<br />
16 x 17,5 x 48 cm<br />
5. Dada, 2003, Bronzeguss blattvergoldet, 32 x 40 x 61 cm<br />
6. Säbeldorn, 1994, Bronzeguss blattvergoldet, 25 x 26 x 32 cm<br />
Smooth, Bizarre Bronze Sculptures<br />
Martin De Saint Muerell´s sculptural work is all about the dynamics and transformations<br />
of shape and expression. His shiny bronze sculptures seem made up of<br />
light and space. A face in his portrait appears equally light-filled with its golden<br />
luster, as if it was illuminated by the sun. Depending on the angle of looking<br />
at them, his anthropomorphous figurations appear different, shifting back and<br />
forth between hollow and solid. Their metal substance seems to have lost its<br />
physical weight. While convex and concave shapes dissolve all physicality, the<br />
final sculpture appears in compact, solid gold. Radically simplified, the boldly<br />
colored cool deformation of the human body depicts essence rather than appearances.<br />
4<br />
Bizarr geformte Bronzen von eleganter Glätte<br />
3<br />
Martin De Saint Muerell beschäftigt sich in seinem skulpturalen Werk mit der<br />
Dynamik und Veränderung von Form und Ausdruck. Seine schillernden Bronzen<br />
bestehen aus Licht und Raum. Auch das von der Sonne wie vergoldet strahlende<br />
Gesicht in seinem Portrait schimmert lichtvoll wie seine Skulpturen. Die anthropomorphen<br />
Figurationen verändern im Wechselspiel von Hohl- und Vollform je<br />
nach Blickwinkel ihr Aussehen. Das Metall scheint seine physische Schwere verloren<br />
zu haben. Während konvexe und konkave Formen Körperlichkeit auflösen,<br />
erstrahlt die letzte Skulptur in goldgedrängter Kompaktheit. Stark schematisiert<br />
zeigt die kühne Deformation der menschlichen Gestalt mit ebenso kühner Bemalung<br />
eher das Wesen als die äußere Erscheinung.<br />
104 105<br />
5<br />
www.martin-mueller.cc<br />
6
Denmark / Dänemark<br />
Shining a Fascinating Light on the North<br />
With her dynamic brush stroke and her pastose application of opaque<br />
colors, Janni Nyby brings atmospheric impressions of landscapes onto<br />
the canvas, casting a new light on them, which in turn, allows her to<br />
look at them with fresh eyes. Employing colors in the expressive manner<br />
of the Fauvists, her paintings radiate with expressive exaggeration.<br />
Behind Nyby´s somewhat surreal color scheme looms the artist´s own<br />
synthesis of her imagination, reality, and sensuality, which appeals to<br />
the observer´s aesthetic sense and stirs up emotions. In spite of their<br />
intensity, the colorful landscapes exude a Nordic atmosphere revealing<br />
the artist´s passion for the natural world of Scandinavia.<br />
In einem faszinierenden Licht erstrahlend<br />
1<br />
1. Untitled, <strong>2022</strong>, acrylic on canvas, 80 x 60 cm<br />
2. Untitled, <strong>2022</strong>, acrylic on canvas, 60 x 60 cm<br />
3. Untitled, <strong>2022</strong>, acrylic on canvas, 60 x 60 cm<br />
4. Untitled, <strong>2022</strong>, acrylic on canvas, 60 x 60 cm<br />
Mit bewegtem Pinselstrich und pastos deckenden Farben lässt Janni<br />
Nyby stimmungsvolle Impressionen auf ihrer Leinwand entstehen. Die<br />
Künstlerin taucht Landschaften in ein frisches Licht, um sie mit neuen<br />
Augen betrachten zu können. In fauvistischer Manier setzt sie Farbe so<br />
exzessiv ein, dass die daraus resultierenden Bilder mit ausdrucksvoller<br />
Übertreibung brillieren. Hinter der surreal anmutenden Tongebung<br />
verbirgt sich eine Synthese aus Wirklichkeit, Sinneslust und Imagination,<br />
die ästhetische Regungen und Empfindungen beim Betrachter<br />
hervorruft. Trotz ihrer Intensität versinnbildlichen die farbenfrohen<br />
Landschaften eine nordische Atmosphäre, was die Lebensfreude und<br />
Begeisterung der Künstlerin für die Natur Skandinaviens verdeutlicht.<br />
4<br />
2 3<br />
www.gallerijanninyby.dk<br />
106 107
South Africa / Südafrika<br />
1<br />
2<br />
1. Language of Love, 2014, collage on canvas + text on perspex, 20 x 20 cm<br />
2. Language divides, Language unites, 2014, collage on canvas + text on<br />
perspex, 20 x 20 cm<br />
3. A String Of Beads - A String Of Words, 2014, collage on canvas + text on<br />
perspex, 20 x 20 cm<br />
4. Words can heal, 2014, collage on canvas + text on perspex, 20 x 20 cm<br />
Matters of Raw Material and Creative Drive<br />
Eleanora Hofer´s creative treatment of raw materials in earthy color tones<br />
expresses both temporal distance and a down-to-earth spirituality. The<br />
rough, mythical appeal of her mixed-media approach using fragments<br />
of an archaic world stands in striking contrast to her cultivated painting<br />
style. Instead of lines and spaces, random objects give the background a<br />
plastic structure. Colorful pearls flaunt wealth. Human shapes are reduced<br />
to vague contours, resembling signs rather than bodies, presented as<br />
genderless silhouettes communicating with each other. Scraps of writing<br />
embody the beginnings of human language.<br />
Materie als Rohstoff des Gestaltungswillens<br />
Durch einen Schöpfungsakt aus urtümlicher Materie in bräunlichen Farbwerten<br />
drückt Eleanora Hofer sowohl zeitliche Distanz als auch spirituelle<br />
Erdverbundenheit aus. Der raue mythische Charme ihrer Mischtechnik<br />
aus Fragmenten einer archaischen Welt wirkt wie ein Gegenpol zu ihrer<br />
malerischen Kultiviertheit. Anstelle von Linien und Flächen erscheinen<br />
Fundstücke, die den Bildgrund mit einer plastischen Struktur überziehen.<br />
Bunte Perlen offenbaren ihren Reichtum. Die auf schablonenhafte Umrisse<br />
reduzierten Menschen gleichen eher Zeichen als Körpern und werden<br />
scherenschnittartig als geschlechtslose Figuren eingebunden, welche<br />
miteinander zu kommunizieren scheinen. Schriftfetzen zeugen von den<br />
Anfängen der Sprachentwicklung.<br />
4<br />
3<br />
108 109
USA<br />
1 2<br />
1. Leaves For Carol, <strong>2022</strong>, photo collage on paper, 40,64 x 50,8 cm<br />
2. Working Together, 2019, photo collage on paper, 40,64 x 50,8 cm<br />
3. Inspiration, <strong>2022</strong>, photo collage on paper, 40,64 x 50,8 cm<br />
4. Good News, <strong>2022</strong>, photo collage on paper, 50,8 x 76,2 cm<br />
Blooming in Harmony<br />
Kat Kleinmann´s work shows her love of flower motifs. The structural principle she<br />
employs in her photo collages allows her to creatively reimagine the reality at their<br />
root. Her original style may be rococo-inspired. Densely layered blossoms remindful<br />
of lush gardens crowd her pictures, seemingly forming the surface of the image space.<br />
The resulting potpourri´s warm, tasteful color scheme stays clear of gaudy vulgarity.<br />
Kleinman´s oceans of flowers appear gorgeously haptic and alive, leaving it to the<br />
observer to find meaning in them. Offering much room for interpretation, her works<br />
give observers a fragrant experience of aesthetic pleasure.<br />
Zu einer harmonischen Einheit verschmolzen<br />
3<br />
Kat Kleinmanns Werke zeugen von einer Vorliebe für Blütenmotive. Durch das Formensystem,<br />
das die Künstlerin ihren Fotocollagen zugrunde legt, versteht sie es, die<br />
beobachtete Wirklichkeit fantasievoll umzugestalten. Ihr origineller Stil mag seine<br />
Wurzeln im Rokoko haben. Dicht geschichtet überfluten Blüten ihre Bilder und lassen<br />
an üppige Gärten denken. Man hat den Eindruck, dass sie die Oberfläche des Bildgrundes<br />
bilden. So entsteht ein Potpourri, das mit warmer, verhaltender Farbigkeit<br />
geschmackvoll jede schrille Buntheit vermeidet. Die Blumenmeere wirken prachtvoll<br />
vital und haptisch zugleich. Die Deutungshoheit wird an den Betrachter abgegeben.<br />
Jenseits des großen Spielraums für Interpretationen bereiten die Werke ein duftendes<br />
ästhetisches Vergnügen.<br />
4<br />
https://www.katkleinmanart.com/<br />
110 111
Australia / Australien<br />
1<br />
2<br />
3<br />
1. Our Beach, 2021, watercolour on 360gsm arches paper; 30 x 42 cm<br />
2. Tranquility, Cowes Vic AU; WC on HP, 30 x 40 cm<br />
3. Lesotho Mountains, South Africa, 2021, watercolour on ampersand<br />
claybord, 28 x 36 cm<br />
4. Waiting At The National Gallery of Victoria, SB by JL, 30 x 36 cm<br />
Landscapes – Lush and Lonely<br />
Wundersam einsame Landschaften<br />
Jan Lowe´s light-filled landscape studies take observers to a peaceful Arcadia<br />
of meditative silence. Their most striking feature is their atmosphere, which<br />
unites an expansive sense of freedom with a cleansing, harmonizing force.<br />
The artist wanders through gorgeous landscapes void of human beings and<br />
makes them come to life in subdued colors, revealing her genuine love of<br />
nature. Rather than taking center stage herself, she places her subject in the<br />
limelight presenting it in full splendor. She uses a broad spectrum of artistic<br />
techniques to create her image world. The large picture composed of neatly<br />
assembled human contours stands as proof of her versatility as an artist.<br />
In den lichtvollen Landschaftsetüden Jan Lowes empfängt den Betrachter<br />
ein friedliches Arkadien meditativer Ruhe. Im Fokus steht dabei immer die<br />
Atmosphäre des Motivs, die ein befreiendes Gefühl von Weite, gleichzeitig<br />
aber eine sammelnd-harmonisierende Kraft vermittelt. Dabei durchstreift<br />
die Künstlerin herrliche Landschaften und inszeniert die menschenleeren<br />
Peysagen in einem verhaltenen Farbspektrum, das ihre naturverbundene<br />
Begeisterung spürbar macht. Selbststilisierung liegt ihr fern – vielmehr lässt<br />
sie das Dargestellte in klarem Licht erstrahlen. Für ihre Bildwelten bedient<br />
sie sich vielfältiger künstlerischer Techniken. Das große Bild, das auf den<br />
Konturen menschlicher Körper aufbaut, bezeugt die Verschiedenartigkeit<br />
ihrer künstlerischen Facetten.<br />
https://www.janlowefineart.com/<br />
112 113
Denmark / Dänemark<br />
Intoxicating Color Variations<br />
1. Red Blossom, <strong>2022</strong>, acrylic on canvas, 96 x 96 cm<br />
2. Blue Blossom, <strong>2022</strong>, acrylic on canvas, 96 x 96 cm<br />
3. Green Blossom, <strong>2022</strong>, acrylic on canvas, 96 x 96 cm<br />
4. Alchemy, 2021, acrylic on canvas, 135 x 135 cm<br />
5. Amor, <strong>2022</strong>, acrylic on canvas, 135 x135 cm<br />
6. Before Sunset, 2021, acrylic on canvas, 135 x 135 cm<br />
In Tove Andresen´s vibrant color-flooded paintings, instinct triumphs over<br />
reason. Tiny specks and dots create an impression of scent and weightlessness.<br />
Applied in a pastose, nuanced manner, Andresen´s colors orchestrate a<br />
fluffy floating and shimmering in harmony with the background. His unique<br />
mode of color application is a vital tool to give his paintings their irresistible<br />
sense of rhythm. Another key element of their expressiveness is the fresh<br />
color choice. Some works seem based on associations with motifs taken<br />
from still lifes. The artist´s passionate intonation of color tones resembles<br />
fireworks, exerting a universal appeal. Every painting seems to be the product<br />
of a single, powerful motion, embodying a moment of blissful inspiration.<br />
Berauschende Farbvibrationen<br />
1<br />
Von leuchtender Farbigkeit durchflutet triumphiert in Tove Andresens Gemälden<br />
der Instinkt über den Geist. Durch kleine Tupfer und Punkte wird<br />
der Eindruck von Duft und schwereloser Leichtigkeit erzeugt. Pastos und<br />
nuanciert aufgetragen lassen die Farben in Harmonie mit dem Hintergrund<br />
ein flauschiges Flimmern und Schweben entstehen. Mit ihrem reizvollen<br />
Rhythmus ist die <strong>Art</strong> des Farbauftrags ein wichtiges Ausdrucksmittel. Die<br />
Ausdruckskraft der Bilder liegt aber auch in der Frische der Farbauswahl.<br />
Zuweilen bilden Assoziationen an ein stilllebenhaftes Motiv den Ausgangspunkt.<br />
Die feuerwerkartige Intonation der Farbmaterie wirkt universell anziehend.<br />
Jedes Bild scheint in einem einzigen Schwung entstanden zu sein<br />
und verkörpert einen Augenblick glückseliger Inspiration.<br />
4<br />
2 3<br />
5<br />
6<br />
www.tove-a.dk<br />
114 115
EXCELLENT ART<br />
Relax and Rejoice with <strong>Art</strong> and Poetry from<br />
Twenty-Four Countries<br />
Book Series: Enter-into-<strong>Art</strong> – LOUNGE 3<br />
Volume 3, <strong>2022</strong><br />
Editor: Gabriele Walter<br />
Imprint:<br />
Written by: Gabriele Walter<br />
Cover / artistic design by: Kurt Ries<br />
Translated into English by: Anna Sanner<br />
Copyright:<br />
Gabriele Walter<br />
Pützstücker Straße 45<br />
D-53639 Königswinter<br />
Tel. 0049 2244 3823<br />
www.enterintoart-books.com<br />
www.enter-into-art.com, www.meditaterra.de<br />
EXZELLENTE KUNST<br />
Entspannung und Genuss mit <strong>Kunst</strong> und Poesie aus<br />
vierundzwanzig Ländern<br />
Buchreihe: Enter into <strong>Art</strong> – LOUNGE 3<br />
Band 3, <strong>2022</strong><br />
Herausgeberin: Gabriele Walter<br />
Impressum:<br />
Text: Gabriele Walter<br />
Cover / künstlerische Gestaltung: Kurt Ries<br />
Übersetzung ins Englische: Anna Sanner<br />
Copyright:<br />
Gabriele Walter<br />
Pützstücker Straße 45<br />
D-53639 Königswinter<br />
Tel. 0049-2244-3823<br />
www.enterintoart-books.com<br />
www.enter-into-art.com, www.meditaterra.de<br />
Index A - Z (artists / Künstler):<br />
Ai-Wen Wu Kratz 22-23<br />
Alessandra Di Francesco 76-77<br />
Angela P Schapiro 86-87<br />
Aomi Kikuchi 20-21<br />
Benny De Grove 90-91<br />
Bert Hermans 94-95<br />
Betty Collier 50-51<br />
Bingjib Huang 52-53<br />
Bo Song 72-73<br />
Charlotte Shroyer 98-99<br />
Cor Fafiani 34-35<br />
Despina Kyriacou 66-67<br />
Donelli DiMaria 16-17<br />
Eleanora Hofer 108-109<br />
Friedrun Schuster 64-65<br />
Gerhard Rasser 70-71<br />
Gerhardt Gallagher 32-33<br />
Hege Ullensvang 30-31<br />
Helena Laine 24-25<br />
Hélène DeSerres 18-19<br />
Hyun-Jin KIM 96-97<br />
Ivana Gagić Kičinbači 14-15<br />
Jan Lowe 112-113<br />
Jani Jan J. 48-49<br />
Janni Nyby 106-107<br />
Jean Jacques Porret 82-83<br />
Joseph Virgone 54-55<br />
Josip Rubes 88-89<br />
Judith Stone 60-61<br />
Julia Still 46-47<br />
Kat Kleinman 110-111<br />
Luana Stebule 84-85<br />
Marcel Jomphe 28-29<br />
Martin De Saint Muerell<br />
104-105<br />
Masha Orlovich 78-79<br />
Mel Delija 68-69<br />
Patricia Pascazzi 56-57<br />
Paul Delpani 40-41<br />
Ramón Rivas 74-75<br />
Robert Ram 102-103<br />
Torhild Frøydis Eid 38-39<br />
Tove Andresen 114-115<br />
Ursula Müri 92-93<br />
Veryal Zimmerman 42-43<br />
William Zuk 10-11, 58-59<br />
Yvan Lafontaine 36-37<br />
Bibliography - Literaturnachweis:<br />
Große Komponisten und ihre Musik, Heft 42, Debussy, Marshall Cavendish Ltd., Hamburg, 1992<br />
Klassische Momente, Stimmen des Meeres, Meister Verlag, München<br />
Jean Barraquè, Debussy, Rowohlt Taschenbuch Verlag, Reinbeck bei Hamburg, 1964<br />
Hans A.Neunzig, Brahms, Rowohlt Taschenbuch Verlag, Reinbeck bei Hamburg, 1973<br />
https://www.tonkuenstler.at/de/tickets/opus/die-hebriden-ouverture-op-26<br />
(English translation / quote: https://www.brainyquote.com/quotes/claude_debussy_204275 ,<br />
accessed 9 Novembert <strong>2022</strong>, 10.46 CET)<br />
Bibliographic information of the German National Library:<br />
Übersetzung der künstlerischen Techniken:<br />
acrylic - Acrylmalerei<br />
fiber - Faser<br />
canvas - Leinwand<br />
goose down - Gänsedaunen<br />
cardboard - Karton<br />
ink pens - Tintenstifte<br />
cast bronze - Bronzeguss panel - Tafel<br />
clayboard - Tonbrett<br />
paper - Papier<br />
crayon - Zeichenkreide<br />
silk gauze - Seidengaze<br />
dry oint - Kaltnadel<br />
wire - Draht<br />
embossing - Prägung<br />
wool - Wollfaser<br />
etching - Radierung<br />
The German National Library lists this publication in the German National Bibliography;<br />
detailed bibliographic data are available on the Internet – http://dnb.ddb.de<br />
All rights reserved. Any reprinting in full or in part, any distribution by film, broadcasting, or television, any publication on the<br />
internet, or through photomechanical reproduction, sound recording, or data processing systems of any kind requires the written<br />
consent of the publisher.<br />
© Königswinter, <strong>2022</strong><br />
Bibliographische Information der Deutschen Bibliothek:<br />
Die Deutsche Bibliothek verzeichnet diese Publikation in der Deutschen Nationalbibliographie, detaillierte bibliographische<br />
Daten sind im Internet über http://dnb.ddb.de abrufbar.<br />
Alle Rechte vorbehalten. Nachdruck, auch auszugsweise, sowie die Verbreitung durch Film, Funk, Fernsehen und Internet, durch<br />
fotomechanische Wiedergabe, Tonträger und Datenverarbeitungssysteme jeglicher <strong>Art</strong> nur mit schriftlicher Genehmigung der<br />
Herausgeber.<br />
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Relax and Rejoice with <strong>Art</strong> and Poetry<br />
from Twenty-Four Countries<br />
Argentina, Australia, Austria, Belgium, Canada,<br />
Croatia, Denmark, Finland, France, Germany,<br />
Ireland, Israel, Italy, Japan, South Korea,<br />
The Netherlands, Norway, South Africa, Spain,<br />
Switzerland, Taiwan, United Kingdom, USA<br />
Entspannung und Genuss mit <strong>Kunst</strong> und<br />
Poesie aus vierundzwanzig Ländern<br />
Argentinien, Australien, Belgien, Dänemark,<br />
Deutschland, Finnland, Frankreich, Irland, Israel,<br />
Italien, Japan, Kanada, Südkorea, Kroatien,<br />
Niederlande, Norwegen, Österreich, Südafrika,<br />
Spanien, Schweiz, Taiwan, Vereinigtes Königreich,<br />
USA<br />
Ai-Wen Wu Kratz, Alessandra Di Francesco, Angela P Schapiro, Aomi<br />
Kikuchi, Benny De Grove, Bert Hermans, Betty Collier, Bingjib Huang,<br />
Bo Song, Charlotte Shroyer, Cor Fafiani, Despina Kyriacou, Donelli<br />
DiMaria, Eleanora Hofer, Friedrun Schuster, Gerhard Rasser, Gerhardt<br />
Gallagher, Hege Ullensvang, Helena Laine, Hélène DeSerres, Hyun-<br />
Jin KIM, Ivana Gagić Kičinbači, Jan Lowe, Jani Jan J., Janni Nyby, Jean<br />
Jacques Porret, Joseph Virgone, Josip Rubes, Judith Stone, Julia<br />
Still, Kat Kleinman, Luana Stebule, Marcel Jomphe, Martin De Saint<br />
Muerell, Masha Orlovich, Mel Delija, Patricia Pascazzi, Paul Delpani,<br />
Ramón Rivas, Robert Ram, Torhild Frøydis Eid, Tove Andresen, Ursula<br />
Müri, Veryal Zimmerman, William Zuk, Yvan Lafontaine<br />
Poems / Gedichte: William Zuk, Gabriele Walter<br />
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