Excellent Art 2022 - Exzellente Kunst 2022

International Artworks and Poems — 

Enter into Art — LOUNGE 3 — 2022 

Internationale Kunstbilder und Gedichte 

Music Suggestions / Musikalische Empfehlungen: 

„Voices of the Sea - Stimmen des Meeres" 

1 

Felix Mendelssohn, Robert Schumann, 

Johannes Brahms, Edward Elgar, Claude Debussy

Gabriele Walter (editor / Hrsg.) 

Excellent Art - Exzellente Kunst 

Relax and Rejoice with Art and Poetry from Twenty-Four Countries 

Entspannung und Genuss mit Kunst und Poesie aus vierundzwanzig Ländern 

221 artworks 

40 poems 

221 Kunstbilder 

40 Gedichte 

Cover: Alessandra Dieffe; Title page / Titelseite: Jean Jacques Porret 

Back of the book / Cover-Rückseite: Hege Ullensvang, Bert Hermans, Julia Still, William Zuk, Ivana Gagić Kičinbači, Marcel Jomphe 

Music pages / Musik-Seiten: Masha Orlovich, Helena Laine 

2 3

Contents / Inhalt 

Art and Poetry / Kunst und Poesie 

William Zuk, Canada 

page / Seite 10 - 11 

Ivana Gagić Kičinbači , Croatia / Kroatien 


Donelli DiMaria, USA 


Hélène DeSerres, Canada / Kanada 


Aomi Kikuchi, Japan 


Ai-Wen Wu Kratz, USA 


Helena Laine, Finland / Finnland 


Marcel Jomphe, Canada / Kanada 


Hege Ullensvang, Norway / Norwegen 


Gerhardt Gallagher, Ireland / Irland 


Foreword 

This art and gift book introduces 47 selected artists from 23 countries around the 

globe. The interpretations focus mainly on the visible, specific side of paintings, 

sculptures and art objects, mostly leaving out aspects related to the artists’ résumés. 

To learn more about the artists, please refer to their respective websites. The book 

invites art lovers to connect with the artworks themselves. Based on the concept 

behind Enter-into-Art, feel free to pick a painting, mindfully dwell on it following 

our instructions for meditative art observation, and relax. 

As an editor and PR specialist, I put my heart into designing art books based 

on brilliant ideas. The order of the artworks presented was determined based on 

rhythm, not quality. It is meant to make the tone and style related interaction between 

art and poetry palpable in a harmonious manner and produce a page-turner 

effect. In addition, special art and poetry pages offer artists the opportunity to present 

their works in combination with their own poetry. Poems are usually published 

in their original language. Reading foreign texts resembles the musical sound of 

color tones and increases the intercultural effect. 

In the same vein, each book of the “Excellent Art” (LOUNGE 3) series introduces 

one or several famous musical works to contribute to the harmonious overall sound, 

alongside a topic related selection of my haiku poetry. By introducing musical works, 

I hope to inspire readers to expand their perception to the tonal aspects of art and 

poetry. This time I have dedicated my selection to the ocean because the ocean connects 

the peoples of the world. I have chosen gems of classical music related in topic 

to the poems presented and marked by a striking affinity to the world of painting 

and poetry in general. 

I would like to thank all artists for their cooperation in this global community 

project and wish them every success! 

Vorwort 

In dem vorliegenden Kunst- und Geschenkbuch werden 47 ausgewählte Künstlerinnen 

und Künstler aus 23 Ländern rund um den Globus vorgestellt. Mit dem Ziel der 

Anschaulichkeit steht erneut das Spezifische der Bilder, Skulpturen und Kunstobjekte 

im Mittelpunkt der Interpretationen, während darin weitgehend auf Aspekte verzichtet 

wird, welche dem Lebenslauf der Künstlerinnen und Künstler entnommen werden 

können. Diese können auf deren Websites nachgelesen werden. Es handelt sich um 

Anregungen für Kunstfreunde, sich mit den Werken selbst auseinanderzusetzen. Man 

suche sich ein Bild aus, vertiefe sich - gemäß dem „Enter-into-Art“-Konzept - mithilfe 

der Anleitung für eine meditative Kunstbetrachtung achtsam in das Kunstwerk und 

entspanne. 

Als Herausgeberin und PR-Fachfrau liegt es mir am Herzen, Kunstbücher basierend 

auf brillanten Ideen zu gestalten. Die rhythmische Anordnung der Künstlerseiten im 

Buch ist keine Bewertung. Harmonisch soll sie die tonale und stilistische Wechselwirkung 

von Kunst und Poesie spürbar machen und beim Durchblättern Spannung erzeugen. 

Zudem bieten spezielle Kunst- und Poesie-Seiten Kunstschaffenden die Möglichkeit, 

ihre Werke im Zusammenspiel mit eigener Poesie zu präsentieren. Deren Gedichte 

werden in der Regel allein in ihrer Muttersprache veröffentlicht, denn auch das Lesen 

fremdsprachiger Texte kann durch seinen spezifischen musikalischen Farbklang bereichernd 

wirken und erhöht die interkulturelle Wirkung. 

In diesem Sinne wird in jedem Buch der Reihe „Exzellente Kunst“ (LOUNGE 3) auch 

ein berühmtes Musikstück oder ein Themenkreis musikalischer Werke vorgestellt, die 

in Harmonie mit den Kunstbildern und einer themenbezogenen Auswahl meiner Haiku-Lyrik 

erklingen mögen. Die Musik soll dazu anregen, Kunst und Poesie auch in ihrer 

tonalen Aussage zu erfassen. Die musikalischen Empfehlungen habe ich dieses Mal 

dem Thema „Meer“ gewidmet, denn das Meer verbindet alle Völker der Erde miteinander. 

Passend zu den Gedichten habe ich Kleinode aus dem Repertoire der klassischen 

Musik ausgewählt, die sich durch einen prägnanten Bezug zur Malerei und Dichtkunst 

auszeichnen. 

Bo Song, South Korea / Südkorea 


Ramón Rivas, Spain / Spanien 


Alessandra Dieffe, Italy / Italien 


Masha Orlovich, Israel 


Jean Jacques Porret, USA 


Luana Stebule, United Kingdom / Großbritannien 


Angela P Schapiro, USA 


Josip Rubes, Croatia / Kroatien 


Benny De Grove, Belgium / Belgien 


Ursula Müri, Switzerland / Schweiz 


Bert Hermans, The Netherlands / Niederlande 


Hyun-Jin KIM, Taiwan 


Cor Fafiani, The Netherlands / Niederlande 


Gabriele Walter 

(Editor) 

Ich danke allen Teilnehmerinnen und Teilnehmern für die gute Zusammenarbeit in 

dem weltweiten Gemeinschaftsprojekt und wünsche ihnen viel Erfolg! 

Charlotte Shroyer, USA 


Yvan LaFontaine, Canada / Kanada 



(Herausgeberin) 

Robert Ram, The Netherlands / Niederlande 

page / Seite 102 - 103 

Torhild Frøydis Eid, Norway / Norwegen 


Paul Delpani, Austria / Österreich 


Veryal Zimmerman, USA 


Julia Still, France / Frankreich 


Artworks selected for the book design: 

See p.1 / title page 

Music Suggestions: 

"Voices of the Sea", p. 6 - 7 

Art Meditation: p. 12 

Imprint / Index: p. 116 

Haiku-Poems: 

Rocky Coast , p. 26 

Sparkle of the Sea, p. 44 

Mythical Sea, p. 62 

Sea Breeze, p. 80 

Sunset, p. 100 

Kunstwerk-Auswahl für das Buchdesign: 

Siehe S. 1 / Titelseite 

Musikalische Empfehlung: 

"Stimmen des Meeres", S. 8 - 9 

Kunstmeditation: S. 13 

Impressum / Index: S. 116 

Haiku-Gedichte: 

Felsenküste, S. 27 

Glanz des Meeres, S. 45 

Mythische See, S. 63 

Meereswind, S. 81 

Sonnenuntergang, S. 101 

Martin de Saint Muerell, Austria / Österreich 

page / Seite 104 - 105 

Janni Nyby, Denmark / Dänemark 

page / Seite 106 - 107 

Eleanora Hofer, South Africa / Südafrika 

page / Seite 108 - 109 

Kat Kleinman, USA 

page / Seite 110 - 111 

Jani Jan J., Austria / Österreich 


Jan Lowe, Australia / Australien 

page / Seite 112 - 113 

Betty Collier, Australia / Australien 


Joseph Virgone, France / Frankreich 


William Zuk, Canada / Kanada 


Fridrun Schuster, Austria / Österreich 


Mel Delija, Canada / Kanada 


Tove Andresen, Denmark / Dänemark 

page / Seite 114 - 115 

Bingjib Huang, USA 


Patricia Pascazzi, Argentina / Argentinien 


Judith Stone, USA 


Despina Kyriacou, United Kingdom / England 


Gerhard Rasser, Austria / Österreich 


4 5

There is nothing more musical than a sunset. 

From Felix Mendelssohn 

to Claude Debussy 

Claude Debussy 

Most pieces of classical music featuring the sea are inspired by composers being shipwrecked, and exhibit a pompous, 

dynamic style of orchestration. Richard Wagner's Flying Dutchman and Hector Berlioz's Le Corsaire are two such examples. 

In my selection for this book, however, I have chosen to focus on works expressing the beauty and the lyrical element of 

the sea with its poetic range of sounds. Born and raised in Leipzig, I feel especially drawn to the following overtures by 

Felix Mendelssohn, the most famous conductor in the history of the Leipzig Gewandhaus Orchestra: 

After visiting the Scottish island of Staffa in August 1829, he wrote his Hebrides Overture, op. 26, making revolutionary 

use of instrumentation as an artistic tool of atmospheric expression. His literary inspiration came from Celtic poetry. The 

tone poem's atmosphere ranges from intense movement to brilliant radiance. The picturesque island on Scotland's West 

Coast also inspired one of William Turner's most popular paintings. Staffa, Fingal's Cave, painted in 1832, is known as one 

of the earliest works of Impressionism. 

Mendelssohn's Overture Nr. 3 Calm Sea and Prosperous Voyage, op. 27 on the other hand, was based on two short poems 

by Johann Wolfgang von Goethe that had already been set to music and turned into songs by Franz Schubert and Ludwig 

van Beethoven. The almost graphic depiction of a motionless ship featured in this overture, and the realization of a light 

breeze picking up, are impressive examples of musical nature writing. The atmosphere of calm water palpably changes to 

that of a rising wind. Mendelssohn introduced his work to the public in 1835 at his first concert as conductor of the Leipzig 

Gewandhaus Orchestra. 

Another musician I admire, being from Leipzig, is Robert Schumann who, in 1840, wrote a piece based on a poem by 

my favorite poet - Heinrich Heine. The romantic song Evening on the Shore, op. 45,3, written by the German North Sea 

evokes images of Caspar David Friedrichs atmospheric sea paintings. Johannes Brahms wrote his Three Duets The Seas, op. 

20, No. 3 for soprano, alto, and piano in 1860 based on an Italian poem. 

In 1899, Edward Elgar united sea poems by five different authors in the romantic song cycle Sea Pictures, Five Songs for 

Contralto and Orchestra, op. 37. Starting with soft songs and the gentle rocking motion of the sea, we witness the sudden 

appearance of a dark threat before, finally, a triumphant hymn of love rises from the black sea of souls. Singer Clara Butt, 

the first singer to perform the work in public, is said to have taken the stage as a mermaid. 

Claude Debussy loved the sea so passionately that for a while, he wanted to become a sailor. The third scene in Les 

Nocturnes for solo violin and orchestra is a meditation on the sound scope of gray and paints the Atlantic Ocean in vivid 

nuances. Rising from waves glowing in silver moonlight, we can hear the mysterious song of the „Sirènes“ as a women's 

choir longingly intones the syllable “ah”. Using the human voice like an instrument rather than assigning lyrics, the composer 

achieved stunning atmospheric effects. 

Debussy started writing La Mer, his most famous sea-inspired piece, in Burgundy, later adding instrumentational details 

to the musical tríptych in Jersey and Dieppe. Its mysteriously weightless sound clouds reflect the eternal up and 

down of the sea and the light of daybreak. Debussy uses the colors of the orchestra to conjure up visual soundscapes. The 

third part of La Mer is dominated by contrast and duality. The wind's floating, murmuring, and howling are expressed in 

an abstract manner. 

The Preludes for piano, finally, are doubtlessly Debussy's most famous works. Who can withstand the pianist magic 

and fantastic poetry of The Sunken Cathedral? His avantgarde sense of aesthetics makes Debussy the first “modern” musician. 

Inspired by symbolist poets like Charles Baudelaire and Mallarmé, his works are tone poems that, like impressionist 

paintings, capture fleeting moments and find subtle notes for the brilliant nuances of light. 

6 Music Suggestions 

7

Es gibt nichts Musikalischeres als einen Sonnenuntergang. 

Von Felix Mendelssohn Bartholdy 

bis Claude Debussy 

Claude Debussy 

Klassische Musikstücke über das Meer, zu denen die Komponisten durch eigene Schiffsbrucherlebnisse inspiriert wurden, 

weisen meist mächtige, bewegte Orchestrierungen auf. Beispiele dafür sind Richard Wagners Ouvertüre zu „Der fliegende 

Holländer“ oder Hector Berliozs „Le Corsaire“. In den hier vorgestellten Werken hingegen sollen die Schönheit und das lyrische 

Element des Meeres mit seiner poetischen Klangweite im Vordergrund stehen. Als gebürtige Leipzigerin haben mich 

besonders zwei Ouvertüren von Felix Mendelssohn Bartholdy, dem berühmtesten Dirigenten des Leipziger Gewandhausorchesters, 

angesprochen: 

Nach einem Besuch auf der schottischen Felseninsel Staffa im August 1829 erhob er in seiner Konzert-Ouvertüre „Die 

Hebriden“ op. 26 die Kunst der Instrumentierung zum atmosphärischen Ausdruckswerkzeug. Literarischer Hintergrund war 

eine keltische Dichtung. Die Stimmung in dem Tonkunstwerk reicht von heftiger Bewegtheit bis hin zu strahlendem Glanz. 

Das malerische Eiland vor der Westküste Schottlands hat auch William Turner zu einem seiner populärsten Gemälde inspiriert. 

„Staffa, Fingal's Cave“ aus dem Jahre 1832 gilt als romantisches Frühwerk des Impressionismus. 

Ausgangspunkt für Mendelssohns Konzert-Ouvertüre Nr. 3 „Meeresstille und glückliche Fahrt“ op. 27 waren hingegen 

zwei Kurzgedichte von Johann Wolfgang von Goethe, die bereits von Franz Schubert und Ludwig van Beethoven zu Liedern 

vertont worden waren. Die beinahe bildhafte Darstellung eines unbewegten Schiffes und die Umsetzung eines leise 

aufkommenden Windes sind eindrucksvolle Beispiele musikalischer Naturbeschreibung. Die Grundstimmung des reglosen 

Wassers wird dabei vom Aufkommen des Windes abgelöst. Im Jahre 1835 stellte Mendelssohn die Ouvertüre in seinem ersten 

Konzert als Gewandhaus-Kapellmeister in Leipzig vor. 

Auch das Werk Robert Schumanns, der im Jahre 1840 ein Gedicht meines Lieblingspoeten Heinrich Heine vertonte, möchte 

ich als Leipzigerin nicht missen. Heines Romanze „Abends am Strand“ (op. 45,3) ist an der deutschen Nordsee entstanden 

und erinnert an die stimmungsvollen Seebilder Caspar David Friedrichs. Johannes Brahms hingegen komponierte seine Drei 

Duette „Die Meere“ op. 20 Nr. 3 für Sopran und Alt mit Klavier 1860 nach einem italienischen Gedicht. 

Auch Edward Elgar vereinte 1899 Meeresgedichte fünf verschiedener Autoren in dem romantischen Liederzyklus „Sea 

Pictures“ (Fünf Lieder für Alt und Orchester op. 37). Sanftmütige Gesänge und die beruhigende Wiegebewegung des Meeres 

schlagen dabei in Bedrohung um, bis schließlich aus dem Dunkel des Seelenmeeres ein triumphaler Hymnus der Liebe emporsteigt. 

Bei der Uraufführung soll die Sängerin Clara Butt im Kostüm einer Meerjungfrau aufgetreten sein. 

Claude Debussy liebte das Meer so leidenschaftlich, dass er eigentlich Seemann hatte werden wollen. Die dritte Szene in 

seinem Werk „Les Nocturnes“ für Solovioline und Orchester ist eine Meditation zu den Klangmöglichkeiten der Farbe Grau 

und nimmt malerisch Bezug zum atlantischen Ozean. Aus mondversilberten Meereswellen erklingt darin der geheimnisvolle 

Gesang der „Sirènes“, ein Frauenchor intoniert die Sehnsuchtssilbe „a“. Indem der Komponist die Singstimme textlos 

belässt wie ein Instrument, erreicht er besonders originelle Stimmungseffekte. 

Sein berühmtestes Meeresstück „La Mer“ schrieb Debussy im Burgund, später arbeitete er in Jersey und Dieppe an der 

Instrumentierung des musikalischen Tryptychons. Geheimnisvoll schwerelose Klangmixturen geben darin das ewige Auf 

und Ab des Meeres und das Dämmerlicht des Tagesanbruchs wieder. Debussy verwendet die Farben des Orchesters, um ein 

Bild aus Tönen heraufzubeschwören. Der dritte Teil dagegen wird von Kontrasten und Dualität dominiert. Das Schweben, 

Murmeln und Heulen des Windes werden auf abstrakte Weise ausgedrückt. 

Zweifellos sind die „Preludes“ für Klavier Debussys populärstes Werk. Dem pianistischen Zauber und der fantastischen 

Poesie des Stückes „Die versunkene Kathedrale“ vermag man sich kaum zu entziehen. Aufgrund seiner avantgardistischen 

Ästhetik wird Debussy als erster „moderner“ Musiker bezeichnet. Seine von Vertretern der symbolistischen Dichtkunst wie 

Charles Baudelaire und Mallarmé beeinflussten Werke sind Klanggemälde, die gleich der impressionistischen Malerei die 

Flüchtigkeit des Augenblicks einfangen und feinste Töne für das Glitzern des Lichtes finden. 

8 Musikalische Empfehlungen 

9

Canada / Kanada 

Art and poetry 

Fade and Flash 

Maybe it’s 

A sharp-edged crescent 

With stars 

That fade and flash 

Is the Moon Made of Diamonds? 

Is it A room 

Of sparkling diamonds 

Where gems 

Turn into light 

Flying Free 

1 

Sleepless, Pull the Blinds 

Or is it 

A place of nodding 

And the sleepless 

Please pull the blinds tonight 

Wild Grass Harvest Moon 

3 

Or is it 

The dream 

Of my adventures 

Flying freely 

Through the air 

Star Gazer 

Or is it Gazing into the cosmos 

For a breath 

Of scenic air? 

Or the goodwill 

Moon of harvests 

Found In every blade 

Of grass 

Moonlight Maiden 

The mellow 

Moonlight maiden 

Whose head is filled 

With evening glow 

4 

Where is the Light? 

Or is it 

A promise 

Of protection 

That surrounds us 

With its glow? 

2 

Chase the Moon 

Or the flight 

Of a black coat raven 

With a moon 

Caught in its beak 

5 

1. Star Gazer, 2022, digital print, 36 x 58,8 cm, 2181 x 2706 pixels 

2. Where Is The Light, 2022, digital print, 36 x 58,8 cm, 4770 x 5630 pixels 

3. Chase The Moon, 2022, digital print, 36 x 58,6 cm, 3840 x 2880 pixels 

4. Love By The Light Of The Moon, 2022, dig. print, 36 x 58,6 cm, 5000 x 3333 pixels 

5. Flash And Fade, 2022, digital print, 36 x 58,6 cm, 5000 x 2639 pixels 

(See also pages 58 - 59!) 

10 http://www.zukart.ca/ 

http://www.zukart.ca/ 

11

Ai-Wen Wu Kratz: Leitbilder irdischer Glückszustände; Alessandra Diefe: Abbild und verträumte Realität; 

Angela P Schapiro: Licht im Tunnel spärlicher Überbleibsel; Aomi Kikuchi: Archetypen des Unterbewusstseins; 

Benny De Grove: Distanziert und hingebungsvoll zugleich; Bert Hermans: Gebilde zwischen Architektur 

und Malerei; Betty Collier: Inspirationsquelle Tierwelt; Bingjib Huang: Verbildlichung lyrischer 

Kommunikation; Bo Song: Rigorose Farbkraft und kompositorische Ästhetik; Charlotte A. Shroyer: Figürliche 

Assoziationen nahe der Abstraktion; Cor Fafiani: Persiflagen auf Alltagsfantasien; Despina Kyriacou: 

Außerirdische Landschaftsfragmente; Donelli DiMaria: Posen bezaubernder Vollkommenheit; Eleanora 

Hofer: Materie als Rohstoff des Gestaltungswillens; Friedrun Schuster: Reizvolle Sprache der Fantasie; 

Gerhard Rasser: Meditative Stimmung als wiedererkennbarer Stil; Gerhardt Gallagher: Landschaften in 

kühlen Werten; Hege Ullensvang: Realismus und Abstraktion; Helena Laine: Mit bewegter Pinselführung 

an die Grenzen der Abstraktion; Hélène DeSerres: Visionen aus Natur und Perspektive; 

Art Meditation 

Imagine you are at an exhibition featuring these works, mindfully 

observing them. Close your eyes and observe your breath, or listen 

to it, until you feel pleasantly calm. Pick an artwork: 

• What is this artwork about? What is special about it? 

• Take your time and analyze the colors and shapes in this work. 

Feel their sound! 

• What spontaneous associations does this artwork trigger in 

you? 

• What would you say is “that certain something” about it - that 

mysterious aspect that is difficult put into words, and that has 

sprung directly from the artist’s soul? 

Kunstmeditation 

Stell dir vor, du würdest eine Ausstellung mit den Kunstwerken besuchen 

und sie in achtsamer Weise betrachten. Schließe deine Augen 

und beobachte bzw. höre deinen Atem so lange, bis du angenehme 

Ruhe in dir spürst und suche dir danach ein Kunstwerk aus: 

• Worum geht es in dem Kunstwerk? Welche Besonderheiten 

weist es auf? 

• Nimm dir Zeit und analysiere die Farben und die Formen! Spüre 

ihren Klang! 

• Welche Assoziationen weckt das Werk bei dir spontan? 

• Worin liegt das Geheimnisvolle, Unaussprechliche, das wohl 

rein aus der Seele quellende der Künstlerin oder des Künstlers? 

Ai-Wen Wu Kratz: Worldly States of Bliss; Alessandra Diefe: Likeness and Dreamy Reality; Angela P 

Schapiro: Light in a Tunnel of Relicts; Aomi Kikuchi: Archetypes of the Subconscious; Benny De Grove: 

Distance and Dedication; Bert Hermans: Constructs Between Painting and Architecture; Betty Collier: Inspiration 

from the Animal World; Bingjib Huang: Visualizing Lyrical Communication; Bo Song: Rigorous Use 

of Color in Aesthetic Compositions; Charlotte A. Shroyer: Figurative Associations Verging on Abstraction; 

Cor Fafiani: Parodies of Fancy; Despina Kyriacou: Fragments of Extraterrestrial Landscapes; Donelli 

DiMaria: Poses of Perfection; Eleanora Hofer: Matters of Raw Material and Creative Drive; Friedrun 

Schuster: Alluring Linguistic Imagination; Gerhard Rasser: Marked by a Meditative Mood; Gerhardt 

Gallagher: Landscapes in Cool Colors; Hege Ullensvang: Realism and Abstraction; Helena Laine: In 

Dynamic Brush Strokes to the Verge of Abstraction; Hélène DeSerres: Visions of Nature and Perspective; 

Hyun-Jin KIM: Trip to Lyrical Dimensions; Ivana Gagić Kičinbači: Permanent Movement; Jan Lowe: Landscapes 

– Lush and Lonely; Jani Jan J: Conversations of Contrast and Color; Janni Nyby: Shining a Fascinating 

Light on the North; Jean Jacques Porret: Rhythmical Shapes in Motion; Joseph Virgone: Visualizing 

Emotions; Josip Rubes: Lively Colors, Aesthetic Effects; Judith Stone: Balance of Colors; Julia Still: Paintings 

with Sculptural Overtones; Kat Kleinman: Blooming in Harmony; Luana Stebule: A Pointillist Aura; 

Marcel Jomphe: Structural Appeal; Martin De Saint Muerell: Smooth, Bizarre Bronze Sculptures; Masha 

Orlovich: Exquisite Etchings; Mel Delija: Masterful Movement; Patricia Pascazzi: Impressions between 

Form and Emptiness; Paul Delpani: Statements without Explanations; Ramón Rivas: Mystical Moments 

of Infinity; Robert Ram: A Romantic Refusal to Imitate Appearances; Torhild Frøydis Eid: Color Rising like 

a Veil; Tove Andresen: Intoxicating Color Variations; Ursula Müri: Fragmented Spaces Merging; Veryal 

Zimmerman: Artistic Vision Replacing Reality; William Zuk: Combining Movement with Stillness; Yvan 

LaFontaine: Reflections on the Beauty of Water 

Hyun-Jin KIM: Entführung in lyrische Dimensionen; Ivana Gagić Kičinbači: Dauernd in Bewegung; 

Jan Lowe: Wundersam einsame Landschaften; Jani Jan J: Zusammenspiel von Kontrast und Farbe; Janni 

Nyby: Der Norden erstrahlt in einem faszinierenden Licht; Jean Jacques Porret: Rhythmisch bewegte 

Formen; Joseph Virgone: Darstellung von Emotionen; Josip Rubes: Lebhafte Farbigkeit mit ästhetischer 

Wirkung; Judith Stone: Ausgewogene Farbakzente; Julia Still: Malerei mit skulpturaler Farbgestaltung; 

Kat Kleinman: Zu einer harmonischen Einheit verschmolzen; Luana Stebule: Pointilistische Ausstrahlung; 

Marcel Jomphe: Strukturen beschwören mit visuellen Reizen; Martin De Saint Muerell: Bizarr 

geformte Bronzen von eleganter Glätte; Masha Orlovich: Erlesene Radierkunstwerke; Mel Delija: Virtuose 

Bewegungskräfte in Aktion; Patricia Pascazzi: Impressionen zwischen Form und Leere; Paul Delpani: 

Feststellungen ohne Stellungnahme; Ramón Rivas: Mystische Stimmung der Unendlichkeit; Robert Ram: 

Romantik ohne Nachahmung des Sichtbaren; Torhild Frøydis Eid: Farbe steigt empor wie ein Schleier; Tove 

Andresen: Berauschende Farbvibrationen; Ursula Müri: Fragmentierte Flächen fließen ineinander; Veryal 

Zimmerman: Durch künstlerische Sehweise ersetzte Realität; William Zuk: Verbindung von Bewegung und 

Ruhe; Yvan LaFontaine: Die Schönheit des Wassers als subjektive Wahrnehmung 

12 13

Croatia / Kroatien 

Permanent Movement 

Art professor Ivana Gagić Kičinbači´s signature style is rooted in an intellectdriven 

expressionism of the fantastic. Airy figurations are interlinked with 

their surroundings; a vague intricate materiality acquires shape and substance 

only as the artist casts them into cosmic molds. In a creative ritual, 

figurative elements emerge, seemingly at random, from the convoluted 

tangle of ephemeral banners. Unruly lines appear like aimless wanderings. 

As if by magic, Kičinbači wrests demonic marks from the underground, zooming 

in on her vision until she has a clear picture, then translating it into 

meaningful symbols. 

1. Series Of Prints From Exhibition Dialogues 

(Diocletian Palace, Split, Croatia), 2014, linocut, woodcut, transfer print, 150 x 50 cm 

2. State 2, 2022, digital print, 30 x 30 cm 

3. Memory, 2022, digital print, 50 x 50 cm 

4. Flight, 2022, digital print, 50 x 50 cm 

5. Drawing, 2022, digital print, 50 x 50 cm 

6. Drawing, 2022, digital print, 50 x 50 cm 

Dauernd in Bewegung 

Die unverwechselbare Handschrift der Kunstdozentin Ivana Gagić Kičinbači 

liegt in einem intellektgesteuerten Expressionismus des Fantastischen begründet. 

Luftige Figurationen werden mit ihrer Umgebung verknüpft; eine 

vage, in sich verschlungene Stofflichkeit gewinnt erst dadurch an Gestalt 

und Bestand, dass die Künstlerin sie in kosmische Formen fasst. Das Figürliche 

tritt in einem rituellen Entstehungsprozess wie zufällig aus den Verschlingungen 

von Formenbändern hervor. Die ungebärdige Linienführung 

scheint kein bestimmtes Ziel zu haben. Wie durch Magie entreißt die Künstlerin 

die dämonischen Bewegungszeichen dem Untergrund, aus dem jede 

Vision zunächst transmutiert, dann inhaltsträchtig versinnbildlicht wird. 

1 

4 

2 3 

5 

6 

www.ivanagagickicinbaci.com.hr 

14 15

USA 

Poses of Perfection 

1 

With their skillful execution, Donelli J DiMaria´s realistic portraits invite 

us to delight in their reception with all our senses. His models take the 

elegant poses preferred by the Old Masters, appealing to us with their 

unequivocal stance. At the same time, the people depicted also reveal 

the emotional world of the artist, who, focusing on harmonious proportions, 

has them pose in a tranquil atmosphere. Flirtatious and typified, 

people and objects are effectively set against mostly monochrome 

backgrounds. Their postures radiate with artistic depth. At times, the 

effect is enhanced by mirror-like reflections. Elements of folklore also 

play a vital role. The still life featuring a fish could be interpreted as a 

symbolic quasi-self-portrait. 

Posen bezaubernder Vollkommenheit 

Durch ihre gekonnte Ausführung laden die realistischen Portraits Donelli 

J DiMarias zum sinnenfreudigen Betrachten ein. Dabei verharren 

seine Modelle in den eleganten Posen der alten Meister und sprechen 

den Betrachter mit ihren klaren Aussagen unmittelbar an. Gleichzeitig 

offenbart sich durch die dargestellten Menschen auch die Gefühlswelt 

des Malers, der sie, bedacht auf harmonische Proportionen, in beschaulicher 

Stimmung posieren lässt. Kokett und typisiert werden Personen 

und Gegenstände vor einem meist eintönigen Hintergrund herausgearbeitet. 

Ihre Körperhaltungen strahlen künstlerische Beseeltheit aus. 

Zuweilen werden sie durch Spiegelungen plastisch in Szene gesetzt. 

Auch das folkloristische Element spielt eine tragende Rolle. Das Stillleben 

mit Fisch mag als Stellvertreter-Portrait gesehen werden. 

2 

3 

1. Fisherman, 2001, oil on canvas, 76,2 x 63,5 cm 

2. Flamenco 1, 2005, oil on canvas, 76,2 x 76,2 cm 

3. Two Fish, 1997, oil on canvas, 88,9 x 58,42 cm 

4. African Strings #6, 2021, oil on canvas, 76,2 x 101,6 cm 

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4 

donelli-dimaria.artistwebsites.com


1 

2 

1. Jardin Bleu, 2017, mix media on canvas, 76 x 101 cm 

2. Eklectika, 2019, acrylic on canvas, 76 x 101 cm 

3. Water Plants, 2016, mix media, 76 x 101 cm 

4. Faces, 2016, acrylic on canvas, 121 x 150 cm 

3 

Visions of Nature and Perspective 

Visionen aus Natur und Perspektive 

The impetuous blur of shapes on the canvas makes it clear: to Hélène DeSerres, 

painting is an intuitive, dynamic process. Detached from the world of objects, 

her abstract meditations seem entirely self-sufficient. Basic elements 

of landscape and flora are translated into multiple color specks and splashes. 

Clearly discernible, creative figurations of nature show that, in the end, careful 

compositional considerations, rather than chance, govern the shapes and 

colors of DeSerres´work. With accurate baton movements, she conducts the 

way colors merge and intertwine. The distance between things is skillfully 

expressed in color, making the linear tool of perspective obsolete. 

Die ungestüm aufs Bild gesetzten, ineinander verlaufenden Formen zeigen 

es deutlich: Malen ist für Hélène DeSerres ein intuitiver und dynamischer 

Prozess. Ihre vom Gegenstand gelöste Malmeditation vertieft sich abstrahierend 

in sich selbst. Dabei werden elementare landschaftliche und pflanzliche 

Strukturen in mehrere Farbspritzer- und Flecken übertragen. Dass dabei 

nicht der Zufall regiert, sondern farb- und formalästhetische Überlegungen 

den Ton angeben, beweist die schöpferische Darstellung der Figurationen 

aus der Natur. Mit präzisem Taktstock dirigiert die Künstlerin das Verfließen 

der Farben. Der räumliche Abstand zwischen den Dingen wird gekonnt farblich 

ausgedrückt, ohne auf das lineare Mittel der Perspektive zurückgreifen 

zu müssen. 

18 19 

4 

www.hdeserres.com

Japan 

1 

2 

1. Navel Cord, wire/fiber, 8 x 8 x 50 cm 

2. Woman 2022, 2022, wire/fiber, 70 x 12 x 10 cm 

3. Suffering bein Born, wool fiber, 38 x 20 x 20 cm 

4. Leftover, 2021, silk gauze/fiber/goose down, 55 x 32 x 10 cm 

Archetypes of the Subconscious 

In her series of works on birth and death, Aomi Kikuchi challenges art 

lovers with curious objects. Her veil-like, fragile-looking ritual objects 

seem to have emerged from a cocoon and emanate purity and virginity. 

Painting takes a subordinate role in Kikuchi´s work. Instead, she skillfully 

uses the entire tool set of artistic techniques. For this work, she has 

discovered soft fabrics with a sculptural effect. Dramatically displaying 

the secrets of life and death inspires observers to think and to marvel. 

Her inventive creations made of delicate tissue bear witness to an exceptionally 

rich imagination and win over observers with their eccentric 

sensual poetry. 

Archetypen des Unterbewusstseins 

3 

In einer Serie zum Thema Geburt und Tod fordert Aomi Kikuchi Kunstliebhaber 

mit eigentümlichen Objekten heraus. Schleierhaft wie aus 

einem Insektenkokon strahlen ihre flauschig-zarten Ritualobjekte 

farbliche Reinheit und Unberührtheit aus. Die Malerei ist im Ouevre 

der japanischen Künstlerin zweitrangig. Vielmehr besticht sie durch 

kompetente Nutzung des gesamten Kunstinstrumentariums. So hat sie 

für diese Arbeit weiche plastische Stoffe als Materialien entdeckt. Ihre 

wirkungsvolle theatralische Präsentation der Geheimnisse von Leben 

und Tod regt zum Staunen und Nachdenken an. Die einfallsreichen 

Schöpfungen aus feinstem Gewebe sind Zeugnisse einer ungewöhnlich 

reichen Fantasie und überzeugen durch eine eigene sinnliche Poesie. 

20 21 

4 

aomikikuchi.com

USA 

Worldly States of Bliss 

In Ai-Wen Wu Kratz´s paintings, color becomes form. The tension between 

tones adds a dynamic spin to her formally balanced compositions. 

Kratz´s main focus is the aesthetic element of painting. Rather 

than representing objects, the colorful shapes themselves are the 

object of the pictures. The way the artist strings together color tones 

results in a colorful rhythm sensitizing viewers´ visual perception and 

transporting them into heavenly spheres. This is a marked contrast 

to the decidedly minimalist shapes whose dynamic expanses are demarcated 

by fine lines. The effect of the artist´s emotional palette is 

intensified through the pictures´ fresh colors. The object and its representation 

are identical. 

1 

1. New Find, No. 2, 2019, acrylic on canvas, 20 x 20 cm 




5. New Find, No. 1, 2, 3, 4 

Leitbilder irdischer Glückszustände 

In Ai-Wen Wu Kratzs Gemälden tritt Farbe als Form in Erscheinung. 

Man spürt eine deutliche Spannung zwischen den Farbtönen, welche 

die formale Ausgewogenheit der Komposition dynamisiert. Die Betonung 

liegt auf der ästhetischen Seite der Malerei. Die farbigen Formen 

stellen kein Bild dar - sie selbst sind das Bild. Die Aneinanderreihung 

von Tönen ergibt einen rhythmischen Buntwert, der auf die Empfänglichkeit 

der Sinne einwirkt und in ferne paradiesische Gefilde entführt. 

Im Gegensatz dazu steht die bis zur Kargheit minimalisierte Reduzierung 

der Formen, deren bewegte Flächen von feinen Linien begrenzt 

werden. Die Emotionalität der Farbzusammenstellung wird durch das 

frische Bunt der Bilder zusätzlich gesteigert. Darstellung und Dargestelltes 

sind identisch. 

4 

2 3 

5 

https://www.aiwenwukratzartstudio.com/ 

22 23

Finland / Finnland 

In Dynamic Brush Strokes 

Helena Laine´s paintings are visual variations on the piano. The instrument 

plays such a vital role in her work, it has become her trademark feature. Often 

placed inside an installation, it seems to represent the artist in a quasiself-portrait. 

More or less transparent, the grand piano seems to float in the 

air like music. Laine loves to leave her paintings „non finito“ - „in limbo“. In 

spite of their sketch-like nature however, the painted input eventually outweighs 

the sense of incompletion. Combining avantgarde painting with a 

traditional interior setting she brings a nostalgic, musical touch to her work. 

Occasional specks of red seem to add a rose-scented flair. 

1. Anatomy And Mind, Who plays the piano? Anatomy as guided but where is 

the mind? 2022, installation on the wall and on floor, 260 x 280 cm, 

2. Rosegarden, 2021, installation on the wall (260 x 290) & floor, 

painting acryl on canvas 136 x 136 (with edges), flowers artificial 

3. Just Love, 2021, acr, custom work, 110 x 130 cm 

4. After The Storm, 2018, acrylic, 73 x 73 cm 

5. I draw Your Picture On The Sand, 2019, acrylic, 120 x 120 cm 

6. It´s A Beautiful World, 2013, acrylic, 120 x 120 cm 

Mit bewegter Pinselführung 

Helena Laines Gemälde sind Variationen des Bildmotivs Klavier. Das Musikinstrument 

spielt eine so tragende Rolle in ihrem Oeuvre, dass es zu einer 

Art Logo ihrer Kunst geworden ist. Häufig im Rahmen einer Installation 

angesiedelt, scheint es als stellvertretende Vorlage für ein Selbstbildnis zu 

stehen. Mehr oder weniger transparent aufgetragen wirkt der klassische 

Flügel schwebend wie Musik. Dabei findet die Künstlerin Gefallen an dem 

„non finito“ - der „Unvollendung“ - ihrer Gemälde. Trotz aller Skizzenhaftigkeit 

überwiegen im Endeffekt die malerischen Werte. Durch die Verbindung 

avantgardistischer Malerei mit dem traditionellen Sujet des Interieurs manifestiert 

sich ein musisch-nostalgischer Effekt. Das gelegentlich verwendete 

Rot fügt einen Hauch von Rosenduft hinzu. 

1 

4 

2 3 

5 

6 

https://www.helenalaine.net/ 

24 25

Rocky Coast 

Felsenküste 

Rock face by the sea. 

Crooked shadows magically 

Cast there by demons. 

Bucklige Schatten 

Von Dämonen gezaubert 

An Meeres Felswand. 

Blue sky sitting on 

Top of the cliff smiling 

Sunlight across the sea. 

In der Sonne auf 

Der steilen Küste lächelnd 

Das Himmelblau sitzt. 

Silver-golden sun 

Frolicking by the rocks of 

The peninsula. 

Jetzt das Silbergold 

Der Sonne die Felsen der 

Halbinsel umspielt. 

Stones sparkling like gems 

Washed ashore by the magic 

Hum of the ocean. 

Steine wie Juwelen 

Vom Rauschen des Meeres 

Herbei gezaubert. 

The cormorant on 

The lone rock far from the shore. 

A monk by the sea. 

Der Kormoran auf 

Dem einsamen Felsen da 

Draußen: Mönch am Meer. 

A rocky island, 

Barren and desolate, lost 

In the ocean’s blues. 

Im wilden Meerblau 

Das Felseninselchen karg 

Und kahl verloren. 

26 27


1 

3 

2 

1. Here Below As Above, 2022, digital photographic diptych, 61 x 83 cm 




Structural Appeal 

Turning away from representational art, Marcel Jomphe has dedicated 

himself to a new reality. The monotonous blues of his patterns give his digital 

photographs a melancholy look. Their crystal-like beauty triggers associations 

of wintery ice and-snow-scapes taken straight from a fairy tale. Delicate 

structures speak a poetic language of shapes and vibrant spirituality. 

Contours seem to consist of precious stones. Subdued colors are a recurring 

element in Jomphe´s work, which turns images into color and matter as a 

metaphor for meditation. Shapes and structures are defined by marble-like 

color tones. 

Strukturen beschwören mit visuellen Reizen 

In Abkehr von den Darstellungen gegenständlicher Kunst fühlt sich Marcel 

Jomphe einer neuen Wirklichkeit verpflichtet. Durch den gleichbleibenden 

Blauton der Muster wirken seine digitalen Fotografien leicht melancholisch. 

Ihre kristalline Schönheit weckt Assoziationen mit winterlichem Eis 

und Schnee und strahlt etwas Märchenhaftes aus. Die feingearbeiteten 

Strukturen leben von einer poetischen Formensprache und einer deutlich 

wahrnehmbaren spirituellen Ebene. Konturen erscheinen wie aus Edelstein. 

Verhaltene Farben sind ein häufig wiederkehrendes Merkmal in Jomphes 

künstlerischem Schaffen. Das Bild wird zu Farbe und Materie und steht als 

Metapher für die Meditation. Formen und Strukturen werden durch marmorne 

Farben definiert. 

4 

www.marceljomphe.art 

28 29

Norway / Norwegen 

Realism and Abstraction 

Hege Ullensvang has a highly diverse way of composing images. In her two 

portraits, the meaningful background alone is enough to cast a spell over the 

observer. In a symbolic way, it helps reveal the personality of the men pictured. 

People, landscape, and architecture tell us more about their life and 

work, while their faces grant us deep insights into their soul. Contemplating 

social and philosophical questions, the artist puts together her portraits in a 

highly sensitive manner. Wrinkles and hollow cheeks receive special attention. 

In her abstract paintings, she uses lines and shapes that, dynamically 

striving upward, exert an irresistible pull on whoever catches sight of them. 

Realismus und Abstraktion 

1 

1. Ecclesiastes 7:26, 2021, paper collage / acrylic on canvas, 80 x 80 cm 

2. The Clearing, 2021, acrylic on canvas, 80 x 80 cm 

3. Black Carbon Blue, 2021, acrylic on canvas, 80 x 80 cm 

4. We‘re All Cartoons In The Same City (So Cheers! There‘s Nothing Serious going 

On Here), 2021, paper collage / acrylic on canvas, 80 x 80 cm 

Hege Ullensvang gestaltet ihre Bilder auf ganz unterschiedliche Weise. In 

ihren beiden Portraits ziehen bereits die aussagekräftigen Hintergründe den 

Betrachter in ihren Bann. In symbolistischer Weise tragen sie dazu bei, den 

Charakter der dargestellten Männer zu verdeutlichen. Personen, Landschaft 

und Architektur erzählen mehr über deren Leben und Wirken. Ebenso gewähren 

ihre Gesichter tiefe Einblicke in ihre Seele. Mit viel Feingefühl setzt 

die Künstlerin ihre Portraits in Szene und thematisiert dabei auch zwischenmenschliche 

und philosophische Fragen. Merkmale wie Falten und eingefallene 

Wangen verdienen besondere Aufmerksamkeit. In ihren abstrakten 

Gemälden dagegen erzeugt sie durch Formen und Linien einen aufwärtsstrebenden 

Druck, dem man sich kaum entziehen kann. 

4 

2 3 

www.hegeullensvang.no 

30 31

Ireland / Irland 

1 

3 

2 

Landscapes in Cool Colors 

Gerhardt Gallagher loves to paint the landscapes near his home. Without losing 

himself in it, he takes us out into nature. His choice of motifs shows his preferences 

as a hiker. With a robust brush stroke, he brings the colors of the North to 

the canvas. The light of his native country inspires him to digress from realism, 

while light reflexes play no part in his work. His monochrome palette harmoniously 

connects the foreground with the background. In his pictures, the art of 

painting sustains itself, producing a dynamic structure within the monochrome 

color spectrum. In spite of the sparse color scheme, shapes emerge with sufficient 

contrast. Gallagher`s careful compositions follow the traditional values of 

painting. 

Landschaften in kühlen Werten 

1. MountIan Oak, 2018, oil on canvas, 50 x 63 cm 

2. Towards Solitude, 2022, aquatint etching, 18 x 18 cm 

3. Forest Fire, 2020 oil on board, 49 x 60 cm 

4. Ireland, Larches 2021, acquatint etching, 14 x 29 cm 

Gerhardt Gallagher malt am liebsten die Landschaften seiner näheren Umgebung. 

Ohne sich sentimental darin zu verlieren, führt er uns hinaus in die Natur. 

Seine Motivwahl ist abwechslungsreich und verdeutlicht seine Vorlieben als 

Wandersmann. Mit robustem Pinselstrich überträgt er die Farben des Nordens 

auf die Leinwand. Das Licht seiner Heimat inspiriert ihn in der Tongebung zur 

Abkehr vom Realismus, während Lichtreflexe keine Rolle spielen. Eine monotone 

Palette verbindet den Vordergrund harmonisch mit dem Hintergrund. Als 

dynamische Struktur innerhalb der Einfarbigkeit genügt sich die Malerei hier 

selbst. Bei aller Monochromie treten die Formen dennoch kontrastreich hervor. 

Mit seinen durchdachten Kompositionen fühlt sich der Künstler ganz den traditionellen 

Werten der Malerei verpflichtet. 

4 

www.gerhardtgallagher.com 

32 33

The Netherlands / Niederlande 

1 2 

1. Clusterspace, 2021, sculpture polystyreen acryl, 60 x 33 x 12 cm 

2. Greenspace, 2021, sculpture polystyreen acryl, 49 x 36 x 12 cm 

3. Dripping Room, 2018, sculpture polystyreen acryl, 56 x 35 x 28 cm 

4. Espace Of Energie, 2016, acryl on canvas, 80 cm 

5. Amazing Reality, 2017, acryl on canvas, 50 x 70 cm 

6. Exploration Source, 2017, acryl on canvas, 50 x 70 cm 

Parodies of Fancy 

Apart from the figurative abstractions of his acrylic paintings, Cor Fafiani´s work 

also includes unique sculptural works. While this may initially appear like an 

impossible contradiction, it reveals the artist´s challenging stance. Fafiani´s 

polystyrene works intentionally break with the conventions of sculptural art 

enabling the artist to produce subtle, humorous parodies of the trivial onslaught 

of the mass media, which renders obsolete the thought processes needed for 

artistic expression and reception. In his paintings, on the other hand, curved 

arabesques remind us of textile designs, while shapes and colors seem to speak 

to us so clearly that they conjure up a higher truth. 

4 

Persiflagen auf Alltagsfantasien 

3 

Das künstlerische Schaffen Cor Fafianis umfasst neben den figurativen Abstraktionen 

seiner Acrylgemälde ein unverwechselbares skulpturales Werk. Die Verbindung 

dieses fast unvereinbaren Gegensatzes mag zunächst irritieren - aber 

gerade darin verbirgt sich eine herausfordernde Absicht. So brechen Fafianis 

Styroporverpackungsskulpturen bewusst und radikal mit den Konventionen 

der plastischen Kunst. Dem Künstler gelingt damit eine subtile humorvolle Parodie 

auf die triviale Wirklichkeit der Massenkommunikation, welche auf die 

Mitwirkung des für die Malerei benötigten Denkapparates verzichtet. In seinen 

gemalten Werken erinnern geschwungene Arabesken an textile Muster, während 

Farben und Formen mit ihrem Sprachvermögen eine höhere Wirklichkeit 

heraufbeschwören 

5 6 

www.corfafiani.nl 

34 35


Reflections on the Beauty of Water 

1 

Yvan LaFontaine´s preferred subject is water - its reflections dominate 

his work. With their mother-of-pearl-like atmosphere of light, water 

reflections take up most of the image space. Masterfully executed, the 

perspective runs from the bottom upwards, uniting Mother Earth with 

reflections of the sky, and creating an impression of depth increasing 

in opposite directions. Observers may feel reminded of walks they 

have taken in the past and invited to dwell on atmospheric moments. 

LaFontaine´s landscape photographs convey a sense of peace and have 

a relaxing effect. Through a slight change of perspective, the artist 

creates completely new impressions. Reflection becomes a metaphysical 

experience, a perfect form of contemplation. 

Die Schönheit des Wassers 

2 

Das bevorzugte Sujet Yvan LaFontaines ist das Wasser, der tragende 

Wert seiner Bilder die Spiegelung, die mit ihrer perlmutthaften Lichtstimmung 

fast die gesamte Fläche ausfüllt. Gekonnt ausgeführt verläuft 

die Perspektive von unten nach oben und vereint Mutter Erde mit 

gespiegeltem Himmel. So verläuft die Bildtiefe quasi in zwei entgegengesetzten 

Richtungen. Der Betrachter mag sich an eigene Spaziergänge 

erinnern und dazu angeregt fühlen, stimmungsvolle Momente 

zu vertiefen. In LaFontaines fotografischen Landschaftsetüden findet 

man Ruhe und Entspannung. Durch die Veränderung des Betrachtungswinkels 

lässt der Künstler gänzlich neue Erscheinungsbilder entstehen. 

Die Spiegelung wird zur metaphysischen Erfahrung, und zum 

vollendeten Ausdruck von Kontemplation. 

4 

3 

1. Doubles Chutes, 2020, infographie et acrylique, 70 x 100 cm 

2. Profondeur Trouble, 2021, infographie, 50,8 x 76,2 cm 

3. L’Abri, 2021, infographie et acrylique, 50,8 x 76,2 cm 

4. Dérive, 2021,infographie, 50,8 x 81,28 cm 

5. La Chute, 2022, infographie, 70 x 100 cm 

6. L‘Eau Vive, 2021, infographie et bois gravé, 76,2 x 50,8 cm 

5 

6 

y-lafontaine.ca 

36 37

Norway / Norwegen 

Color Rising like a Veil 

Almost without objects and astronomically far from nature, Torhild 

Frøydis Eid plays with the beauty of light putting observers in a trancelike 

state. She makes light and color float in space like an aura or a soft 

scent. The transparent magic of her work exudes a dreamy, weightless 

air that casts a spell on the observer. At the same time, her contemplative 

accumulations of symbols are clearly arranged according to principles 

of spatial perspective. Contrasts of light and shade give them 

a dynamic structure. Although the artist does not commit to a fixed 

painting style, it is obvious that the creative process behind her compositions 

requires a high degree of effort and focus. 

Farbe steigt empor wie ein Schleier 

1 

1. Wild Water, 2022, acrylic / mixed media on canvas, 80 x 60 cm 

2. Brighter Days, 2022, acrylic / mixed media on canvas, 60 x 60 cm 

3. The Sun 2021, acrylic / mixed media on canvas, 60 x 60 cm 

4. Magnoliaflower, 2020, acrylic / mixed media on canvas, 50 x 50 cm 

Fast gegenstandsfrei, in astronomischer Entfernung von der Natur, 

spielt Torhild Frøydis Eid mit der Schönheit des Lichts und vermag Betrachter 

in einen tranceähnlichen Zustand zu versetzen. Farben und 

Licht schweben im kosmischen Raum wie eine Aura oder ein sanfter 

Duft. Dieser durchscheinende Zauber vermittelt eine verträumte 

Transparenz und eine schwerelose Luftigkeit, welche sich unweigerlich 

auf den Betrachter überträgt. Gleichzeitig lassen die Sinnbilder träumerischer 

Versunkenheit eine von räumlicher Perspektive geprägte 

Anordnung erkennen. Hell-Dunkel-Kontraste verleihen ihnen eine 

dynamische Struktur. Obwohl eine erkennbare malerische Handschrift 

vermieden wird, ist klar, dass der Entstehungsprozess dieser Bilder 

höchste Konzentration erfordert. 

4 

2 3 

https://www.froeydisart.no/ 

38 39

Austria / Österreich 

1 

1. What Do You Read, „Meet The Tourists Vienna“, 2018, photography, chromaluxe print, 35 x 50 / 20 x 50 cm 

2. One More Photo, „Meet The Tourists Vienna“, 2018, photography, chromaluxe print, 35 x 50 / 20 x 50 cm 

3. Promenade, Series „Meet The Tourists Nice“, 2019, photography, chromaluxe print, 35 x 50 / 20 x 50 cm 

4. Distinguished Series „Meet The Tourists Nice“, 2019, photography, chromaluxe print, 35 x 50 / 20 x 50 cm 

5. Lungolago Cyclists, „Meet The Tourists Ascona“, 2019, photography, chromaluxe print, 35 x 50 / 20 x 50 cm 

6. Lakeside View, „Meet The Tourists Ascona“, 2019, photography, chromaluxe print, 35 x 50 / 20 x 50 cm 

2 

3 

4 

Statements without Explanations 

With optical irritants and experimental methods, Paul Delpani´s series 

of photographs points to the issue of mass tourism. Delpani does not take 

reality literally and is not content simply depicting things as they appear. 

Through his unorthodox perspective and philosophical depth, the artist 

overcomes the limitations of conventional photography techniques. Looking 

at his subject in a new, deliberately playful way allows him to create original 

compositions that generate an interactive dialogue. Boldly neglecting the 

conventional aesthetics of sharp definition, he destroys the coherence of the 

places photographed like in a snapshot, then multiplies and associatively 

rearranges them to form new units. 

Feststellungen ohne Stellungnahme 

Mit optischen Irritationen und experimenteller Methodik weist Paul Delpanis 

Fotoserie auf die Problematik des Massentourismus hin. Delpani nimmt 

die Wirklichkeit nicht beim Wort und begnügt sich nicht mit realitätstreuen 

Abbildern. Durch seine unorthodoxe Sichtweise und philosophische Tiefgründigkeit 

überwindet der Künstler die Einschränkungen herkömmlicher 

Fotogestaltung. Bewusst spielt er mit einem neuen Blickwinkel auf das Sujet 

und ermöglicht durch seinen originellen Bildaufbau eine interaktive Konversation. 

Flagrant verstößt er gegen die gewohnte Ästhetik der gestochen 

scharfen Wiedergabe, zerstört die zusammenhängende Form der abgebildeten 

Schauplätze wie in einem Schnappschuss, vervielfacht sie und montiert 

sie assoziativ zu neuen Einheiten zusammen. 

5 

6 

www.paul-delpani.com 

40 41

USA 

2 

1 

Artistic Vision Replacing Reality 

Veryal Zimmerman´s seemingly prehistoric compositions turn atmosphere into 

form. Her “cosmic vision” allows her to give sky, rocks, and fire a mythical touch. 

Colors and shapes merge, conveying an impression of homogeneity, while the 

eye is constantly compelled to move upwards. Color scheme and upward dynamics 

are the dominating forces in these compositions. Details are suppressed 

rather than emphasized. Combined with abstract shapes, colors seem to vibrate 

and spread like waves. The artist sticks to minimal color variation, brightening 

her basic colors with a touch of white. In Zimmerman´s pictures, colored matter 

takes on mystical shapes, resulting in a mesmerizing effect. 

Durch künstlerische Sehweise ersetzte Realität 

3 

1. Nature‘s Abstraction V, 2021, oil on canvas, 50,8 x 40,64 cm 

2. Autumn Glow, 2021, oil on canvas, 40,64 x 50,8 cm 

3. Super Activity, 2022, oil on canvas, 60,96 x 45,72 cm 

4. Trapped, 2021, oil on canvas, 60,96 x 45,72 cm 

In Veryal Zimmermans fast prähistorisch wirkenden Kompositionen wird Stimmung 

zu Form. Durch ihre „kosmische Sehweise“ schafft sie es, Himmel, Felsen 

und Feuer in einem freien mythischen Stil zu malen. Farbe und Form verlaufen 

ineinander und vermitteln den Eindruck von Homogenität, während der Blick 

bewegt von unten nach oben steigt. Farbgebung und aufwärtsstrebende Dynamik 

bestimmen auch den Gesamtaufbau der Bilder. Dabei werden Details nicht 

betont, sondern eher unterdrückt. Im Zusammenklang mit abstrahierenden 

Formen scheinen die Farben zu vibrieren und sich wellenförmig auszubreiten. 

Die Künstlerin variiert wenige Farbtöne, indem sie sie durch Weiß aufhellt. Ihre 

farbige Materie erscheint in ihren mystischen Formen geradezu beschwörend. 

4 

https://www.veryalzimmerman.com/ 

42 43

Sparkle of the Sea 

Glanz des Meeres 

In the morning, a 

Virginal sea as smooth as 

A marble surface. 

Jungfräulich klar das 

Meer am Morgen. Spiegelglattem 

Marmor gleichend. 

By the boats: Dazzling 

Moments of color fleeing 

The evening glow. 

Bei den Booten: Welch 

Entfliehendes Schillern im 

Bunten Abendlicht. 

Embroidered pillows 

Of gold brocade - the sand graced 

By the tide‘s artwork. 

Goldbrokat bestickt 

Wie Samtkissen im von Flut 

Befeuchteten Sand. 

As the pink hue in 

The clouds fades out, the morning 

Bursts into pure gold. 

Kaum das Rosa der 

Wolken verglimmt, der Morgen 

Entflammt sein Goldlicht. 

As I turn around 

A moored sailboat dances 

In the glow of the waves. 

Als ich mich umsah 

Im Glitzerlicht der Wellen 

Ein Segelboot täut. 

Seagulls jubilate. 

Red gold upon the ocean. 

Sunrise 

Jubelschreie der Möwen. 

Rotes Gold auf dem Meer. 

Sonnenaufgang. 

44 45

France / Frankreich 

Mixed Media with Sculptural Overtones 

JJulia Still´s emotional artworks explore the borderland between 

collage techniques and sculpture. Illuminated by lyrical moon or starlight, 

her figures have a silver-golden sheen. Little shapes and objects 

reveal the dreams of those depicted in the foreground. Women´s bodies 

emerging from the darkness reveal an artistic vision marked by 

longing and melancholy resembling the melodious sound of ancient 

poetry. Solemn and majestic, Still´s figures wear expressions of blissful 

rapture, pointing towards the world of sculpture, whose material 

temptingly beckons. The busts seem to be on the verge of materializing 

from the canvas, inviting observers to walk around them and wander 

through their dream-like world. 

Mischtechnik mit skulpturaler Farbgestaltung 

1. A Leap of Faith Contemplated, 2009, mixed media, 27,94 x 35,54 cm 

2. Breaking Into Light , 2022, mixed media , 20,32 x 25,40 cm 

3. Always Give Them Hope, 2022, mixed media, 27,94 x 35,54 cm 

4. Edgewalkers , 2008, mixed media , 27,94 x 35,54 cm 

1 

In ihren gefühlvollen Bildern lotet Julia Still die Grenzen zwischen 

Collage-Techniken und Skulptur aus. Von lyrischem Mondschein- oder 

Sternenzeltlicht beleuchtet, sind die Figuren silbergolden gefärbt. 

Kleine Gestalten oder Erscheinungen offenbaren die Träume derer, 

die im Vordergrund dargestellt sind. Aus dem Dunkel hervortretenden 

Frauenkörper zeigen eine künstlerische Vision voller Sehnsucht und 

Melancholie, seelenverwandt mit der gemütvollen Tonlage antiker 

Poesie. Pathetisch und feierlich erscheinen die Figuren in verklärter 

Entrücktheit, und man spürt den Übergang zur Bildhauerei, deren Material 

sich bereits verführerisch abzeichnet. Es scheint, als könnten sich 

die Portraitbüsten jeden Moment von der Leinwand lösen. Beinahe 

möchte man um sie herum gehen und durch ihre Traumwelt wandeln. 

2 3 

4 

www.journeyartbyjulia.wordpress.com 

46 47


2 

1 

Conversations of Contrast and Color 

Living in Greece, Jani Jan J. has developed an idiosyncratic language of shapes 

to create images with a universal symbolic appeal. Vividly colored shapes seem 

to jump out at the observer and exude a spiritual atmosphere. The contemplative 

fascination of his designs originates in broad structured lines whose clear 

edges set them apart from the background, resembling highlights born from 

the southern sun, remindful of the holy glow of golden iconostases and byzantine 

mosaics. The artist shuns conventional expectations. Mysterious and unusual 

at once, it seems impossible to assign his work to any existing genre. The main 

point of experiencing his art is a captivating sense of mystery. 

Zusammenspiel von Kontrast und Farbe 

3 

1. Fragmente, 2022, mixed media on cardboard, 30 x 40 cm 

2. Time Cloud, 2022, mixed media in canvas on canvas, 60 x 80 cm 



Die universellen Sinnbilder des in Griechenland lebenden Jani Jan J. sprechen 

eine individuelle Formensprache. In kräftige Farben getaucht heben sie die 

Form hervor und erzeugen eine spirituelle Stimmung. Die kontemplative Faszination 

der Gebilde erwächst aus breiten Strukturlinien, die sich mit scharfen 

Kanten vom Hintergrund abheben. Beinahe wirken sie wie Schlaglichter, geboren 

aus der Sonne des Südens, die an das heilige Leuchten goldener Ikonostasen 

und byzantinischer Mosaike erinnern. Der Künstler lässt sich nicht auf 

konventionelle Erwartungen ein. Geheimnisvoll und ungewöhnlich lassen sich 

seine Werke kaum in geläufige Stilkategorien einordnen. Die Seherfahrung 

liegt vor allem in den Rätseln, die er uns aufgibt. 

4 

http://www.janijanj.com/timeline/ 

48 49

Australia / Australien 

Inspiration from the Animal World 

Based on accurate observations of nature, Betty Collier´s pictures are 

marked by a no-frills realism and a naturalist honesty that exert an 

immediate appeal on observers. Animals are a central motif, but the 

owls and the butterflies presented in this book look strikingly different. 

Ink drawings show two flying owls spreading their gorgeous wings. As 

a painter, graphic designer and sculptor, Collier manages to give her 

animal portraits intense three-dimensional expressions revealing distinct 

personalities. The accuracy and detail of the owls´ feathers are 

also found in her watercolors of butterflies. Fragrant shades depict two 

unique specimens drinking from exotic flowers that leave observers 

with a lasting impression of mesmerizing beauty. 

1 

Inspirationsquelle Tierwelt 

2 

Betty Colliers Bilder, gespeist aus präziser Naturbeobachtung, besitzen 

durch ihren ungeschminkten Realismus und ihre naturalistische 

Ehrlichkeit eine unmittelbare Wirkkraft. Tiere gehören zu Colliers Lieblingsmotiven, 

wobei sich die hier präsentierten Schmetterlinge und 

Eulen stark voneinander unterscheiden. Die Tuschezeichnungen zeigen 

zwei fliegende Eulen, die ihr wunderschönes Federkleid ausbreiten. Als 

Malerin, Grafikerin und Bildhauerin verleiht Collier den dargestellten 

Tieren einen plastisch-charakterstarken Gesichtsausdruck. Die minutiöse 

Darstellungsweise des Gefieders findet sich auch in den Schmetterlingsaquarellen 

wider. In duftigen Farben werden zwei außergewöhnliche 

Unikate gezeigt, welche sich an exotischen Blüten laben und 

einen prägnanten Eindruck betörender Schönheit hinterlassen. 

3 

1. Mosaic Butterfly, 2022, watercolour on watercolour paper, 41 x 51 cm 

2. Blue Butterfly With Flowers, 2022, watercolour on watercolour paper, 41 x 51 cm 

3. Northern Hawk Owl, 2021, ink pens on cotton rag, 54 x 65 cm 

4. Marsh Owl, 2021, ink pens on cotton rag, 65 x 54 cm 

4 

www.bettycollier.com 

50 51

USA 

Visualizing Lyrical Communication 

For best effects, Bingjib Huang´s poetic word art needs a meditative space to 

unfold its power. Drawing heavily on Chinese calligraphy, Huang´s signature 

style is visible in all his paintings. Poetic collages speak of zodiac signs, cultural 

history, health, and happiness. The characters appearing in them often 

evoke vague associations with plant or animal shapes. With his loose brush 

stroke and gestural style, he strives for free space and transparency rather 

than density. As Huang communicates not only through the written word 

itself, but also through the shape he gives to it, his art should also be appreciated 

for its aesthetic beauty. 

1. The Year Of The Rat, 2020, colors/ink on rice paper, 34,5 x 34,5 cm 

2. The Year Of The Ox, 2021, colors/ink on rice paper, 46 x 34,5 cm 

3. The Magic Flute, 2021, ink and colors on rice paper, 34,5 x 34,5 cm 

4. The Year Of The Tiger, 2022, colors/ink on rice paper, 48 x 48 cm 

5. Mirror On Mirror, 2022, ink on rice paper, 34,5 x 34,5 cm 

6. Dream Within Dream, 2022, ink on rice paper, 34,5 x 34,5 cm 

Verbildlichung lyrischer Kommunikation 

Huang Bings poetische Wortkunst braucht meditative Ruhe, um ihre Wirkung 

zu entfalten. Mit seinen Schriftbildern hat der Künstler eine unverkennbare 

Handschrift entwickelt. Seine Kunst ist maßgeblich von der Kalligrafie 

Chinas beeinflusst. In den Gedichtcollagen ist von Tierkreiszeichen, 

Kulturhistorie, Gesundheit und Glück zu lesen. Die Schriftzeichen enthalten 

wage Erinnerungen an Pflanzen- und Tierformen. Mit lockerem Duktus 

und gestischem Strich strebt der Künstler nicht nach Dichte, sondern nach 

Freiraum und Durchsichtigkeit. Die Bilder wollen im schöngeistigen Sinne 

in Augenschein genommen werden und zeigen, dass Huang sich nicht nur 

durch das geschriebene Wort mitteilt, sondern auch durch die Form, in der 

er es darstellt. 

1 

4 

2 3 

5 

6 

http://www.bingjibhuang.com 

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France / Frankreich 

1 

2 

3 

1. Consolation, N4374, 2020, acrylique sur toile, 80 x 60 cm 

2. Theatre, N4541, 2021, 100 x 100 cm 

3. Sortis Du Neant, N4309, 2020, 115 x 75 cm 

4. L‘impassible, N3186, 2013, sur panneau, 76 x 110 cm 

Visualizing Emotions 

Darstellung von Emotionen 

Joseph Virgone´s flirtatious female portraits are unquestionably influenced 

by his work as a sculptor. Clearly defined faces stand in contrast with merely 

hinted bodies. Embedded in the background´s disintegrated color chords, 

the women in the foreground literally seem afloat. Color hues softly merging 

with each other add a touch of gentleness to the pictures. Identifying 

the subjects is not the important part. Rather than traditional portraits, 

Virgone´s works should be understood as portrait-like paintings. The figures 

taking center stage in them emerge from nebulous or dynamically painted 

backgrounds, and could be goddesses or angels, their facial expressions ranging 

from dreamy to contemplative, from sad to smiling. 

In Joseph Virgones koketten Frauenportraits verrät sich der Einfluss seiner 

Bildhauerei. Klar erkennbare Gesichter stehen im Gegensatz zu lediglich 

angedeuteten Körpern. Durch ihre Einbettung in farblich aufgelöste Hintergründe 

scheinen die Figuren regelrecht zu schweben. Weich ineinanderfließende 

Farbtöne fügen ein Element von Zartheit hinzu. Die Identifizierung 

der dargestellten Personen spielt eine eher untergeordnete Rolle. Anstatt 

typischer Portraits sollte man die Bilder als portraitartige Darstellungen 

verstehen. Die Erscheinung der zentral gruppierten Gesichter vor nebulösen 

oder mit dynamischen Pinselschwüngen gestalteten Hintergründen strahlt 

etwas göttinnen- oder engelhaftes aus, ihr Ausdruck wirkt verträumt, versunken, 

zuweilen auch traurig oder lächelnd. 

4 

www.virgone.com 

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Argentina / Argentinien 

Impressions between Form and Emptiness 

Patricia Pascazzi´s picturesque discourse on representing poetic beauty 

and subtle nuances of light focuses on the immaterial aura of her 

objects. Her sensitive exploration of subtle atmospheric landscape features 

leads to a poignant blend of poetry, romance, and melancholy 

that goes straight to the heart. The artistic process is dictated solely by 

the eye and the mind: the hand holding the brush is at the beck and 

call of the artist´s perception, allowing for perfect self-expression. 

The transparent color application gives these works a truly masterful 

touch. While bold brush strokes seem to beg for completion, they possess 

their own kind of perfection. Subdued colors immersed in diffuse 

light make the scenery appear hazy like an apparition. 

Impressionen zwischen Form und Leere 

1 

1. Un (In)cierto Paisaje!, 2022, tela sobre bastidor, técnica mixta: 

óleo, enduido y carborundum, 100 x 100 cm 

2. Algo De Mí, 2016, técnica óleo y tintas, 100 x 100 cm 

3. Somewhere, 2022, tela sobre bastidor, técnica: tintas , 90 x 100 cm 

4. La Luz, 2022, tela sobre bastidor, técnica mixta: óleo y enduido, 100 x 100 cm 

In Patricia Pascazzis malerischen Diskursen über die Darstellbarkeit 

feinster Lichtstimmungen und poetischer Schönheit geht es vor allem 

um die immaterielle Ausstrahlung dieser Motive. Durch ihr feinfühliges 

Aufspüren subtiler atmosphärischer Landschaftsreize trifft 

sie den Betrachter mitten ins Herz. Die Aura ihrer Werke besticht mit 

einer überzeugenden Melange aus Poesie, Romantik und Melancholie. 

Allein Auge und Geist gebieten: Die malende Hand lässt als Sklavin 

der Wahrnehmung vollkommenen Selbstausdruck zu. Vor allem 

die Transparenz des Farbauftrags macht die Bilder zu Meisterwerken. 

Mit oft kühnem Pinselschwung rufen sie nach Vervollständigung, und 

doch strahlen sie eine brillante Vollkommenheit aus. In diffuses Licht 

getaucht bleibt die Szenerie mit ihrer reduzierten Farbpalette schemenhaft 

wie eine Ahnung. 

4 

2 3 

https://www.instagram.com/patricia.pascazzi. art/ 

56 57


1 

Combining Movement with Stillness 

With sensitive color compositions and a figurative style, the Canadian artist 

William Zuk creates his own spiritual world. His simplified shapes often lead 

observers to the animal world. The way he assembles them is remindful of 

Matisse´s dancing circle. Zuk manages to combine static stillness with a 

type of movement that seems to waft across the surface of his pictures like a 

gentle breeze. His light box completes the meditative tranquility of his work 

by breaking light at a right angle, making vivid colors appear even more vivid. 

Zuk captures observers’ attention with his clever, playful way of using 

space in a suggestive manner, and employing highly effective color tones 

– the dolphins´ red, for example, makes all other colors appear more intense. 

References to surrealism and abstract art also in his poems show how 

skillfully the artist taps into different artistic vocabularies (see pages 10 - 11). 

3 

4 

Verbindung von Bewegung und Ruhe 

2 

1. Circling The Moon, 2022, digital print, 36 x 58,8 cm, 5060 x 3750 pixels 

2. Dolphin Circle, 2022, digital print, 36 x 58,8 cm, 5000 x 3750 pixels 

3. Flying To The Dolphins, 2022, digital print, 36 x 58,8 cm, 3429 x 5002 pixels 

4. Flight, 2022, digital print, 36 x 58,8 cm, 3627 x 5002 pixels 

5. Reaching, 2022, lightbox, 30 x 47 x 18,2 cm, 4315 x 5265 pixels 

6. Dolphin Curl, 2020, sculpture, 67 x 47 x 90 cm, 3750 x 5000 pixels 

Mit seinen empfindsam abgestimmten Farbtonlagen und seinem figurativen 

Stil lässt der kanadische Künstler William Zuk eine spirituelle Welt 

entstehen. Schematisierte Formen führen den Betrachter zumeist in die 

Tierwelt. Ihre Anordnung erinnert an einen Rundtanz, wie auch von Matisse 

bekannt. Dabei gelingt es Zuk, statische Ruhe mit einer Bewegung zu verbinden, 

die wie ein Hauch über die Oberfläche der Bilder zu gehen scheint. 

Brillant und farbstark ist auch seine Lichtbox, die durch ihren rechten Winkel 

die meditative Beschaulichkeit des Werkes bändigt. Raffiniert spielt der 

Künstler mit Raumsuggestionen und feinsten Farbnuancen - das Rot der 

Delphine lässt auch andere Farben intensiver erscheinen. Die Anleihen des 

Surrealen und Abstrakten in seinem poetischen Werk zeigen, wie selbstverständlich 

der Kanadier zwischen den Ausdrucksformen wechselt. (Siehe 

auch S. 10 - 11!) 

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5 

http://www.zukart.ca/ 

6

USA 

1. Stronghold / Gorge, 2016, graphite, conte, photograph, tinted, 

transparent , 132 x 69 cm 

2. Facts On The Ground I, 2019, graphite, pastel, photograph, tinted, 

transparent, enameled found object, 56 x 112 cm 

3. Latency I, 2018, graphite, conte, photograph, tinted, 

transparent, 119 x 84 cm 

4. Tokyo / Upsurge / Nightlife, 2021, graphite pastel, photograph, tinted, 

transparent, enameled found objects, 137 x 71 cm 

2 

1 

Balance of Colors 

The most remarkable feature of Judith Stone´s collages is her unusual choice of 

perspective. Significant details appear at eye level. The artists´s eccentric composition 

style points to surrealist associations. Her brilliant visual language goes 

beyond conventional values and ideas, making novel visions emerge from the 

depths of the unconscious mind. Her elegant drawing style and skillfully balanced 

color arrangements give her compositions a harmonious sense of completeness. 

Her sparse use of objects and figures follows the motto “less is more”. In 

spite of their austerity Stone´s works radiate a mysterious sense of calm. 

Ausgewogene Farbakzente 

3 

Die Collagen von Judith Stone beeindrucken vor allem durch ihre ungewohnte 

Perspektive. Markante Details erscheinen auf Augenhöhe des Betrachters. Die 

eigenwillige Kompositionsweise der Künstlerin weist einen Hauch surrealer 

Ausdeutung auf. Voller Brillanz spricht sie eine bildnerische Sprache jenseits 

etablierter Werte und Vorstellungen und lässt Visionen aus den Tiefen des 

Unbewussten sichtbar werden. Die Eleganz der Zeichnung und das ausgewogene 

Gleichgewicht der Farben sorgen für eine harmonische Geschlossenheit 

der Kompositionen. Nach dem Motto „Weniger ist mehr“ bestehen sie nur aus 

wenigen Gegenständen und Figuren. Trotz ihres nüchtern strengen Ausdrucks 

strahlen die Bilder eine geheimnisvolle Ruhe aus. 

60 61 

4 

www.judithstoneworksonpaper.com

Mythical Sea 

Mythische See 

At night the Nereids´ 

Wild whooping melodies play 

Their games with the waves. 

Des Nachts das wilde 

Rauschen der Nereïden 

Mit den Wellen spielt. 

Illuminated 

By moonlit ocean ringlets 

A sailboat dancing. 

Aus Mond gewobenen 

Meereslocken die Nacht erhellt 

Ein Segelboot. 

Reflected in the 

Golden nacre of the shell 

Dusk’s purple flourish. 

Im Goldperlmutt der 

Muschel violett sich spiegelt 

Die Dämmerung. 

A roar, a murmur, 

Then a thunder in their voice, 

The waves sing blue notes. 

Mit Rauschen, Murmeln 

Und Tosen türmt sich auf 

Der Wellenchor im Blau. 

Holy mountain 

Rising from the salty 

Emerald of the sea. 

Aus dem salzigen 

Flutensmaragd heilig sich 

Der Berg hebt empor. 

In the clouds´ splendid 

Pavilion, the sky kisses 

The murmuring waves. 

Im Pavillon der 

Wolkenpracht der Himmel küsst 

Brausende Wogen. 

62 63


Alluring Linguistic Imagination 

In Friedrun Schuster´s reverse glass paintings and etchings, a robust painting 

style meets a magical way of gleaning images from the mysterious 

movement of colored matter. The monochrome and the melancholic are 

juxtaposed with strikingly varied and vivid colors. While her small prints 

convey clear messages, the two larger works speak in poetically pulsing 

riddles. A person appears behind bars, fenced in from all sides, squeezed 

into an image space marked by foreshortened perspective. The colorful 

accumulations of unformed material, on the other hand, unleash our imagination: 

color symphonies free from constraints invite us to dream away 

and let our senses take us wherever we choose. 

Reizvolle Sprache der Fantasie 

1 

1. Meteoriteneinschläge, 2006, Après-Acrylith-Hinterglastechnik, 60 x 60 cm 

2. Sehnsucht, 2017, Radierung, 10 x 10 cm 

3. Bischofsvogel, 2012, Radierung, 5 x 5 cm 

4. Landung am grünen Planeten, 2006, Après-Acrylith-Hinterglastechnik, 

60 x 60 cm 

In Friedrun Schusters Hinterglasmalereien und Radierungen treffen 

malerische Robustheit und eine aus der Bewegung farbiger Materie gespeiste, 

magische Bildfindungsweise aufeinander. Monochromie und 

Melancholie werden intensiven Buntwerten gegenübergestellt. Was in 

den kleinformatigen Druckwerken als klare Botschaft hervortritt, bleibt 

in den poetisch pulsierenden Farbwelten der beiden Großformate rätselhaft. 

Eine menschliche Figur erscheint eingegittert in einen Bildraum mit 

stark verkürzter Perspektive, der sie allseitig einengt. Die farbenfreudigen 

Schöpfungen aus ungeformter Materie dagegen entfesseln die Imagination: 

Ihre Farbsymphonien laden, von jedem Zwang befreit, zu einer verträumten 

Sinnesreise ein, die Raum für die eigene Wahrnehmung lässt. 

4 

2 3 

http://fridrunschuster.heimat.eu 

64 65

United Kingdom / England 

1 2 

1. Abstract Image Triangular Sand Pattern, 2021, 

colour photographic print, 60 x 40 cm 

2. Abstract Image Black Sand Pattern on White, 2021, 

colour photographic print, 60 x 40 cm 

3. Abstract Image Linear Burnt Orange On Reflected Blue Rock Surface, 

2020, colour photographic print, 60 x 40 cm 

4. Abstract Image Diagonal Wedge on Blue, 2020, 

colour photo graphic print, 60 x 40 cm 

Fragments of Extraterrestrial Landscapes 

Gallery photographer Despina Kyriacou takes her inspiration from nature and its 

elements. Through her lens, reality is reduced to the aesthetic element of structure, 

leading to an Arcadia of geological momentum. The image space is understood 

as form, artistic composition taken over by the structures captured in it, 

which seem to be taken from nocturnal expeditions. The mystical color scheme 

goes through sensitive variations on a single hue, once again focusing on form, 

and producing a visual field of vibration inside the image. The obscure light 

applied to the subject makes geological structures blur, adding a melancholic 

sense of transparency that eventually takes us across the boundaries of reality. 

3 

Außerirdische Landschaftsfragmente 

Despina Kyriacou findet Inspiration für ihre Galerien-Fotografie in der Natur 

und in den Elementen. Dabei erschafft sie ein Arkadien geologischer Dynamik: 

Durch ihre fotografische Linse wird die Realität auf ihre Strukturen reduziert 

und zutiefst vergeistigt. Der Bildraum wird als Form begriffen, die Bildkomposition 

von den abgebildeten Strukturen übernommen, welche nächtlichen Expeditionen 

entsprungen sein könnten. Die mystisch anmutende Farbigkeit tritt als 

sensible Ein-Ton-Modulation auf und erzeugt mit ihrer ebenfalls formbetonten 

Wirkung einen optischen Schwingungsraum im Bild. Diffuses Licht lässt die 

geologischen Konturen verschwimmen, verleiht den Bildern eine melancholische 

Transparenz und vermittelt eine Überschreitung der Wirklichkeit. 

66 67 

4 

www.desphotoland.com


2 

1 

Masterful Movement 

Specializing in the visual depiction of controlled dynamic movement, Mel Delija 

can look at a ballerina´s performance and effortlessly capture his most graceful 

moments. Often presenting his subjects isolated against a monochrome background, 

he expresses their supreme sense of focus and physical control through 

his skillful execution of extended limbs. Pink and turquoise blue dominate his 

color scheme. With anatomic perfection, his protagonists fly across the canvas, 

sometimes with a visible sense of speed, sometimes pausing in poses of 

poignant stillness, giving the gentle colors in their surroundings a special glow. 

Delija´s ballerinas resemble flying birds of passage, or dancing cranes. His acrobatic 

creations realistically depict moments of evanescence. 

Virtuose Bewegungskräfte in Aktion 

3 

1. Younger Dancer, 2022, mixed media, 76 x 65 cm 

2. Dance Variation XVIII,2022, oil on canvas, 81 x 101 cm 

3. Invitation To Dance, 2022, mixed media, 76 x 56 cm 

4. Dance Variation XVI, 2021, oil on canvas, 81 x 101 cm 

Mel Delija sieht sein Arbeitsfeld als Künstler in der kontrollierten dynamischen 

Bewegung. So hält er genau den Augenblick fest, in dem die Baletteusen, die 

ihm als Modelle dienen, die graziöseste Ausstrahlung besitzen. Oft isoliert 

vor einfarbigem Hintergrund bringen die gestreckten Posen der Tänzerinnen 

deren Körperspannung und Konzentration zum Ausdruck. Dabei dominieren 

die Farben Rosa und Türkisblau. Anatomisch perfektioniert fliegen die Protagonistinnen 

dahin. Mal wird selbst ihre Geschwindigkeit sichtbar, dann wieder 

verharren sie in der Bewegung und strahlen durch sanfte Farben in den Raum 

hinein. Delijas Ballerinas gleichen fliegenden Wandervögeln oder tanzenden 

Kranichen. Seine akrobatischen Schöpfungen stellen flüchtige Momente realistisch 

dar. 

4 

68 69


1. Alone, 2021, watercolor, crayon, gouache, 42 x 30 cm 

2. Forlon, 2022, watercolor, crayon, 80 x 40 cm 

3. Petrified, 2021, watercolor, gouache, crayon, 55 x 40 cm 

4. Melancholy I, 2020, acrylic, gouache, 90 x 90 cm 

5. Melancholy II, 2021, acrylic, gouache, 80 x 80 cm 

6. On The Way, 2022, watercolor, crayon, 45 x 45 cm 

1 

Marked by a Meditative Mood 

2 

Gerhard Rasser´s striking oevre explores the boundaries between 

fantasy and reality. His meticulously executed paintings are visualizations 

of emotional impressions and experiences. Peaceful and inspired, 

they emanate an aura of elegant simplicity making observers 

want to accompany the artist on his journey to the ideal land that 

seems to loom on the horizon without knowing whether they will 

ever reach theit destination. The background and the foreground absorb 

silence from each other. With barely a soul in sight, and human 

figures appearing tiny, Rasser uses the soft, pale colors of his delicate 

palette to visualize our speechlessness concerning existential 

questions, foregoing all physical existence for the spiritual drive to 

express himself. 

4 

Meditative Stimmung als Stilmittel 

3 

Gerhard Rassers markantes Werk steht an der Grenze zwischen 

Realität und Fantasie. Mit wunderbarer Sorgfalt gemalt, sind seine 

Motive Visualisierungen emotionaler Eindrücke und Erfahrungen. 

Durchdrungen von Ruhe und Beseeltheit strahlen sie Schlichtheit 

und Anmut aus. Man möchte den Künstler begleiten in das ideale 

Land, das sich am fernen Horizont abzeichnet, ohne zu wissen, ob 

das Ziel jemals erreichbar ist. Vorder- und Hintergrund nehmen Stille 

voneinander auf. In weichen blassen Farben und sanft getönter 

Palette gestaltet Rasser die Sprachlosigkeit gegenüber existentialistischen 

Fragen, obgleich kaum Menschen abgebildet sind und 

Figuren winzig erscheinen. Das körperliche Sein wird aufgegeben 

zugunsten eines spirituellen Ausdruckswillens. 

70 71 

5 

www.blickfang-gerhardrasser.com 

6

South Korea / Südkorea 

1 

2 

Use of Color in Aesthetic Compositions 

Farbkraft und kompositorische Ästhetik 

1. Formation 2, 2018, oil on canvas, 74 x 91 cm 

2. Disappeared My Memorable Space, 2017, oil on canvas,155 x 160 cm 

3. Korean Mountain, 2015, oil on canvas, 60 x 76 cm 

4. Vitality 1, 2018, oil on canvas, 74 x 91 cm 

With her Fauvist palette, Korean artist Bo Song unleashes the fire of 

pure color on us. Red and yellow spaces elbow their way into our gaze, 

dynamic colors seem to push the boundaries of the frame. With her expressive 

aesthetic sense, Song takes us into the lush flora of her native 

country. The dynamic flourish of her contours emphasize floral shapes 

revealing the essence of nature with striking accuracy. In European observers, 

Song´s work may trigger associations with the spiritual shades 

of the light flooded colored glass windows and rosettes found in gothic 

cathedrals. Masterfully brought onto the canvas, the artist´s inner reality 

transforms into the radiant colors of light refracted through crystal. 

To Song, color is a symbol of nature whose powerful expression brings 

forth the message of her work like the unforgettable remnants of a 

convoluted dream. 

Mit ihrer fauvistischen Palette entfacht die Koreanerin Bo Song das 

Feuer reiner Farben. Rote und gelbe Flächen drängen ins Auge, bewegte 

Farben sprengen geradezu den Rahmen. Mit expressiver Ästhetik 

entführt uns die Künstlerin in die üppige Vegetation ihrer Heimat. 

Geschwungene Konturen heben die floralen Formen hervor und bezeichnen 

treffender als jede reale Darstellung das innere Wesen der 

Natur. Bei europäischen Betrachtern mögen sich Assoziationen mit 

der spirituellen Farbigkeit lichtdurchfluteter Glasfenster und Rosetten 

in gotischen Kathedralen einstellen. Virtuos gemalt verwandelt sich 

die innere Realität der Künstlerin in glühende Farben mit kristallinen 

Brechungen. Farbe ist für Song eine Art Traumzeichen der Natur, aus 

dessen Kraft die Aussage ihres Werks entspringt. 

3 4 

www.bksong.com 

72 73

Spain / Spanien 

Mystical Moments of Infinity 

Ramón Rivas´ works are full of symbols inviting multiple interpretations. 

His messages from space are creative riddles. Using an experimental 

approach keeps him artistically agile. His work fascinates 

observers with its bizzare way of presenting an absurd world as an 

opposite pole of realty. His self-willed technique successfully visualizes 

dreams, blurring the boundaries between two- and three-dimensional 

objects. In Rivas´ case, art serves as an antithesis to a reality stripped of 

illusions. While objects seem dissociated and adrift in space, dark color 

tones give them a compact sense of coherence. 

Mystische Stimmung der Unendlichkeit 

1. Art Explosion At The Station, 2021, mixed media - Rivismo, 170 x 200 cm 

2. Drones-Art In Space, 2021, mixed media - Rivismo, 195 x 195 cm 

3. Beethoven & Gauss, Music And Science, 2020, mixed media - Rivismo, 195 x 195 cm 

4. Experiential Geometric Landscape II, 2022, mixed media - Rivismo, 170 x 200 cm 

1 

Ramón Rivas Werke stecken voller Symbole mit vielschichtigen Deutungsmöglichkeiten. 

Seine Botschaften aus dem Kosmos sind Schöpfungen 

des Rätselhaften. Durch das Experimentieren bewahrt sich 

Rivas seine künstlerische Beweglichkeit. Die Faszination seiner Bilder 

liegt darin, dass er den Betrachter auf wunderliche Weise mit einer absurden 

Welt als Gegenpol zur Realität konfrontiert. Seine eigenwillige 

Technik lässt Erträumtes sichtbar werden; die Grenzen zwischen zweidimensionalem 

Bild und dreidimensionalen Objekten verschwimmen. 

Kunst dient hier als Gegenbild zur illusionslosen Wirklichkeit. Obwohl 

die verschiedenen Gegenstände aufgelockert im Raum zu fliegen 

scheinen, werden sie durch dunkle Farbtöne kompakt zusammengefügt. 

4 

2 3 

http://www.rivismo.com/ - https://ramonrivas-rivismo.blogspot.com/ 

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Italy / Italien 

1 

1. Florence, 2019, new media art, 67,73 x 38,1 cm 

2. Omaggio a Jean Vigo, 2020 , new media art, 78 x 58 cm 

3. Anna M, In Compagnia Di Un Gatto, 2020, new media art, 100 x 75 cm 

4. La Fanciulla e L‘ape, 2020, new media art, 72,26 x 96,39 cm 

5. Aspirante Poeta, 2020, new media art, 11 x 17 inches 

6. The Shleltering Sky, 2022, new media art, 45,72 x 60,96 cm 

3 

4 

2 

Likeness and Dreamy Reality 

Abbild und verträumte Realität 

Alessandra Diefe makes people the central focus of her paintings. While her 

lively conversation with spaces in pure colors gives her pictures a decorative 

touch, there is no doubt to about their individuality. Her emphasis on the 

element of space makes characters appear like sculptures chiseled out of 

their background. The artist’s love of pop art is palpable. Her models may be 

protagonists from the world of art. Especially their bright red lips and their 

monumental grace are stylistic expressions of the artist’s admiration of her 

subjects. Her paintings appear almost like symbolic homages to the models. 

With clear visual language, Diefe makes them emerge from a monochrome 

void. The curtains framing them add a narrative touch to the picture. 

Alessandra Diefe nimmt sich in ihrer Malerei den Menschen an. Obwohl ihre 

Bilder durch den lebhaften Dialog mit reinen Farbflächen fast dekorativ wirken, 

ist ihre Individualität unbestreitbar. Die Betonung des Elements Fläche 

lässt die Figuren wie herausgemeißelte Skulpturen erscheinen. Man spürt 

die Begeisterung der Künstlerin für Pop-Art. Bei ihren Modellen mag es sich 

um Protagonisten der künstlerischen Welt handeln. Vor allem die knallroten 

Lippen, aber auch die monumentale Anmut zeugen von stilistischer Ehrerbietung 

den Portraitierten gegenüber. Die Gemälde wirken beinahe wie 

symbolhafte Hommagen an die Dargestellten. Mit klarer visueller Sprache 

lässt die Künstlerin sie aus dem einfarbigen Nichts heraustreten. Der rahmende 

Vorhang verleiht eine erzählerische Note. 

5 

6 

https://alessandradieffe.myportfolio.com/ 

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Israel 

1 

2 

3 

1. Jazz in Tel Aviv, 2015, dry point, monotype, mixed technique, 51 x 70 cm 

2. Maritime Secrets [1], 2019, etching, mezzotint, embossing, 80 x 63 cm 

3. Morning in Jaffa, 2015, dry point, monotype, mixed technique, 47 x 60 cm 

4. Olive Tree, 2020, etching, embossing, 80 x 56 cm 

Exquisite Etchings 

Erlesene Radierkunstwerke 

Masha Orlovich finds her symbolic motifs in the world of flora and fauna. Birds, 

palm trees, rocks, and geological structures appear accompanied by a small 

orchestra, with round and rectangular shapes. Motifs and contours blur and 

merge forming veils of color. A sparse palette of subdued color tones derives 

its sound from a combination of geometry and lyricism. Orlovich´s works may 

be understood as shape poems. An intentional blur gives them a melancholy 

touch. Cast into a mysterious darkness, the brilliant relief prints reflect the primal 

human experience of touch. Their most stirring feature is their unparalleled 

gentleness of execution. 

Masha Orlovich findet ihre symbolträchtigen Motive in der Flora und Fauna. 

Vögel, Palmen, Felsen und Gesteinsstrukturen treten im Zusammenspiel mit 

einem kleinen Orchester, mit runden und mit rechteckigen Formen auf. Motive 

und Konturen verwischen und verschwimmen zu Farbschleiern. Die dezent gewählten 

wenigen kühlen Töne erhalten ihren Klang durch die Verbindung von 

Geometrie und lyrischer Ausstrahlung. Man kann die Werke auch als Formgedichte 

auffassen. Durch das Stilmittel der Verschwommenheit schwingt dabei 

eine melancholische Note mit. In mystisch-geheimnisvolles Dunkel getaucht 

geben die brillanten Prägedrucke Urerlebnisse des Tastsinns wieder. Ihr Reiz 

liegt in der unvergleichlichen Zartheit ihrer Darstellung. 

4 

https://www.facebook.com/MashaStudioGallery 

78 79

Sea Breeze 

Meereswind 

The delicious breeze 

Of ocean air enchanting 

In the drunken wind. 

Der köstliche Hauch 

Der Seeluft betörend im 

Trunkenen Windrausch. 

Whitewashed sea desert 

Underneath the silky blue 

Of the firmament. 

Unter seidenblauem 

Himmelszelt flutenweiß 

Die Wasserwüste. 

Wind whooshing across 

The clouds´ dramatic reflection 

In the low tide. 

Zum Windsausen sich 

Das Wolkenschauspiel im Glanz 

Der Ebbe spiegelt. 

Murmuring, splashing, 

Swishing. At night, the sea 

Sings its stormy canon. 

Raunen, Toben und 

Sausen, des Meeressturms Nacht 

Ihren Kanon singt. 

In front of purple 

Clouds, a buzzard sits. Sea breeze 

Ruffling its feathers. 

Vor purpur Wolken 

Ein Bussard sitzt. Der Seewind 

Sträubt ihm die Federn. 

The scent of the sea - 

Storm has swept it ashore 

In its entirety. 

Den ganzen Duft der 

Meereswelt der Sturm hat zur 

Küste getragen. 

80 81

USA 

1 

2 

4 

5 

1. Promiscuous, 2021, cast bronze, 50 cm height 

2. Rencontre Nocturne, 2020, 47 cm height 

3. Belle Du Soir, 2021, cast bronze, 55 cm height 

4. Lady Of The Night, 2018, cast bronze, 53,5 cm height 

5. Fille De Joie, 2020, 40 cm height 

6. Harmonious II, 2018, cast bronze, 100 x 46 x 155 cm 

Rhythmical Shapes in Motion 

Rhythmisch bewegte Formen 

With his polished bronze sculptures, Jean Jacques Porret manages to extract 

the light at the heart of things. The compact solid sculptures´ dynamic physical 

expression is full of energy. While their dense physicality remains unbroken, 

Porret’s figures appear almost weightless and, as he skillfully creates 

an illusion of movement, seem to be dancing. The artist´s modern, abstract 

style and the traditional shapes to which he alludes make an unexpectedly 

perfect match. His works´ lyrical effect is intensified by his calculated, sensitive 

use of surface gloss. Rhythmical turning motions depicting the physical 

sensuality of the human body rouse musical associations. Resembling reliefs, 

the sculptures revolve around their own axis, effectively visualizing the essence 

of sound, rhythm, and movement. 

Jean Jacques Porret zaubert in seinen fein polierten Bronzen das Licht der 

Dinge hervor. Der Bewegungsausdruck seiner kompakten Vollplastiken steckt 

voller Energie. Ohne die Totalität der Masse aufzubrechen, erscheinen die Figuren 

fast schwerelos und erzeugen eine tänzerische Illusion. Dabei wird die 

modern-abstrakte Darstellungsweise von traditionellen Formen geküsst. Ihr 

Lyrismus wird durch die ebenso präzise berechnete wie sensibel eingesetzte 

Lichtwirkung des Oberflächenglanzes gesteigert. Mit rhythmischen Drehbewegungen 

stellt der Künstler die leibliche Sinnlichkeit des menschlichen Körpers 

dar und weckt musikalische Assoziationen. Reliefartig drehen sich seine 

Skulpturen um ihre eigene Achse und machen die Essenz von Klang, Takt und 

Bewegung spürbar. 

3 6 

https://www.jjporret.com/ 

82 83

United Kingdom / Großbritannien 

2 

1 

1. The Moon Sonata, 2020, oil on canvas, 51 x 76 cm 

2. Holly Family, 2021, oil on canvas, 51 x 61 cm 

3. Carmen, 2020, oil on canvas, 51 x 76 cm 

4. Transformation, 2021, oil on canvas, 51 x 61 cm 

A Pointillist Aura 

The distinctly emphatic sense of expressiveness in Luana Stebule´s idiosyncratic 

paintings is rooted in the intense stylization of its elements. Radically 

simplified, animal and human shapes are filled in with transparent color speck 

designs. Figures are reduced to Mannerist sketches. While stripping her shapes 

of everything but the bare essentials of their characteristics, the artist successfully 

combines decorative and sculptural elements. Anatomically simplified, the 

ironic portrayal of her subjects adds an undercurrent of parody. The challenge 

posed by Stebule´s pictures is their refusal to yield to any rational explanation. 

Their colors and shapes literally irritate observers, screaming for a subjective 

reaction. 

Pointilistische Ausstrahlung 

3 

Der unverwechselbar betonte Ausdruck in Luana Stebules individueller Malerei 

verbirgt sich in ihren stilisierten Elementen. Radikal vereinfacht werden 

menschliche und tierische Formen mit transparenten Mustern aus farbigen 

Tupfern gefüllt. Die Figuren erscheinen schematisch verknappt und manieristisch 

verformt. Bei aller Reduzierung gelingt es der Künstlerin, zwischen Dekorativem 

und Skulpturalem zu vermitteln. Anatomisch vereinfacht erhalten sie 

durch den Beiklang karikierender Geistigkeit einen ironisierenden Charakter. 

Die Herausforderung für den Betrachter ist, dass sie sich einer rationalen Erklärung 

entziehen. Zumal Farbe und Form auch eine optische Irritation hervorrufen, 

verlangen sie eher nach einer subjektiven Reaktion. 

84 85 

4 

https://www.luanastebulefineart.co.uk/

USA 

1 2 

1. Passages, 2008, digital photograph, 20 x 15 cm 




Light in a Tunnel of Relicts 

In her photographs, Angela Schapiro uses architectural elements as objects of 

aesthetic observation, showing us that the art of construction has its own force 

field. Nothing is straight, every line follows a parabolic arch and challenges 

observers to reflect on contemporary urban architecture. These photographs 

represent something that lies dormant in our memory – like a long- lost experience 

or instinct. Color plays a central atmospheric role. An earthy colored 

aura conjures up the bucolic atmosphere of an ancient world. The interaction 

between shapes, light, and shade results in a poetic dimension. Although each 

image represents a single moment, Schapiro’s motifs seem timeless. 

Licht im Tunnel spärlicher Überbleibsel 

3 

Angela Schapiro benutzt in ihren Fotografien architektonische Elemente als 

Objekte ästhetischer Betrachtung. Dabei macht sie sichtbar, wie Baukunst ihr 

eigenes Kraftfeld entwickelt. Nichts ist gerade, alles verläuft in parabolischen 

Bögen und fordert dazu auf, über zeitgenössische Städtebauarchitektur nachzudenken. 

Die Fotografien geben etwas wieder, was in uns schlummert –alte 

Erfahrungen etwa, oder verloren geglaubte Instinkte. Farbe spielt als tragender 

Wert der Stimmung eine entscheidende Rolle. So beschwört eine erdfarbene 

Aura die bukolische Stimmung einer antiken Welt herauf, und im Zusammenspiel 

mit Form, Licht- und Schattenspiel entsteht eine poetische Dimension. 

Obgleich jeweils nur ein flüchtiger Augenblick dargestellt wird, erscheinen die 

Motive zeitlos. 

4 

angela.schapiro@gmail.com 

86 87

Croatia / Kroatien 

1. Abstract Composition, 2022, oil on canvas, 80 x 100 cm 

2. Multicolored Abstraction, 2022, oil on canvas, 80 x 100 cm 

3. Geometric Composition, 2020, oil on canvas, 80 x 100 cm 

4. Geometric Composition In Blue, 2020, oil on canvas, 80 x 100 cm 

1 

Lively Colors, Aesthetic Effects 

With his newly invented technique based on 3D-graphic design, Josip 

Rubes´ gives his works a unique three-dimensional look. Using 

geometrical shapes and structures in multiple colors, the artist overcomes 

the limitations of perspective, and relinquishes painting for 

action. The works presented here combine a spontaneous gestural 

style with a geometric execution. Elements of abstract art give them 

a poetic touch that seems to be the essence of their beauty. In a visual 

sense, heir central feature is the vivid appeal of colors rhythmically 

arranged across the image space. The distinctive color choice 

is clearly based on careful artistic considerations. When focusing on 

colors and shapes, the pictures take on psychedelic qualities. 

2 

Lebhafte Farbigkeit, ästhetische Wirkung 

Die oft mehrdimensional erscheinenden Werke von Josip Rubes erhalten 

ihren besonderen Charakter durch ein eigens von ihm entwickeltes 

Verfahren der 3D-Grafik. Mit einer in geometrische Formen 

und Strukturen gesetzten, vielfältigen Farbgebung überwindet der 

Künstler den perspektivischen Raum und verneint die Malerei zugunsten 

der Aktion. In den hier gezeigten Arbeiten steht spontane 

Gestik einer geometrischen Ausführung gegenüber. Elemente der 

abstrakten Malerei verleihen ihnen jene untergründige Poesie, die 

ihre Schönheit ausmacht. Dabei stellt ihr flächenrhythmischer Farbreiz 

den tragenden Wert dar. Die verschiedenen Tonlagen bezeugen 

eine bewusste schöpferische Auswahl. Wenn man den Blick auf 

Farben und Formen konzentriert, gewinnen sie eine psychodelische 

Qualität. 

4 

3 

https://apstraktno-slikarstvo-josiprubes.com 

88 89

Belgium / Belgien 

2 

1. The Color Of Your Lips, 2021, mixed media on metal, 100 x 50 cm 

2. I Love The Blue On Your Eye, 2021, mixed media on metal, 100 x 50 cm 

3. Strongly She looked At Me, 2021, mixed media on metal, 100 x 50 cm 

4. Longing, 2018, print on wood, 120 x 80 cm 

Distance and Dedication 

1 

Benny de Grove has chosen the female body as the central focus of his photographic 

work. His unique stylistic expression touches the unconscious parts of 

our intimate sensitivities. Women´s faces partially covered with russet combine 

technical perfection with creative originality. The veil-like cover tactfully blocks 

out our gaze, while a gentle breeze seems to infuse the images with movement. 

Through their graceful humility, they radiate a poetic emotional power. 

Inscrutable facial expressions emanate sensual elegance and delicate eroticism. 

With studied compositions conveying the magic of sensuality, a new view is 

conveyed, with red lips adding to the mysterious chemistry. 

Distanziert und hingebungsvoll zugleich 

3 

Als Schwerpunkt seiner fotografischen Kunst hat Benny de Grove den weiblichen 

Körper auserwählt und berührt dabei die unbewussten Seiten unseres intimen 

Empfindungsvermögens. In seinen teilweise rostfarben überzeichneten 

Frauengesichtern verbindet er technische Perfektion mit kreativer Originalität. 

Als striche ein leises Wehen durch das Motiv, das einen Eindruck von Bewegung 

erzeugt, dient die Verschleierung auch als sanfte Blicksperre. Durch diese anmutige 

Zurückhaltung strahlen die Bilder eine poetische emotionale Kraft aus. 

Die unergründlichen Gesichtsausdrücke verströmen eine sinnliche Eleganz und 

ein feines erotisches Fluidum. Mit überlegten Kompositionen wird im Zauber 

der Sinnlichkeit eine neue Sichtweise vermittelt, rote Lippen vertiefen die geheimnisvolle 

Spannung. 

4 

https://www.bennydegrove.com/ 

90 91

Switzerland / Schweiz 

1 2 

1. Frühlingsgruß, 2022, Acryl auf Canvas, 40 x 50 cm 

2. Nordische Sonne, 2022, Acryl auf Canvas, 40 x 50 cm 

3. Zarte Viola, 2022, Acryl auf Canvas, 40 x 50 cm 

4. Venedig, 2022, Acryl auf Canvas, 40 x 50 cm 

5. Sonnen-Netz, 2022, Fotografie, A3 (29,7 x 42 cm) 

6. Eis-Kunst, 2021, Fotografie, A3 (29,7 x 42 cm) 

Fragmented Spaces Merging 

Ursula Müri´s artistic language brims with her love of traveling. The interaction 

of light and color matters more to her than realistic representation, which, barely 

on its way out, seems to lose itself in spatial perspective, creating a powerful pull. 

Fascinated by the pulse of her colors, observers cannot help but catch the travel 

bug, and dream themselves away to a fertile Arcadia. Müri´s images are like visions 

of a lost paradise that now exist only in our memory. Rather than focusing 

on formal effects, the artist strives towards an overall visual impression. Her hazy 

colors spread a strangely polychrome light across the image space. With virtually 

no foreground, her two photographs employ the same method of leaving out 

specifics like location and point of view. 

4 

Fragmentierte Flächen fließen ineinander 

3 

In der von Reiselust beseelten Bildsprache Ursula Müris ist das Zusammenspiel 

von Licht und Farbe wichtiger als die realistische Darstellung. Jede Gegenständlichkeit 

scheint sich perspektivisch im Raum zu verlieren, wodurch ein wundervoller 

Sog entsteht. Fasziniert von der pulsierenden Farbigkeit möchte man 

selbst auf Reisen gehen und sich in ein fruchtbares Arkadien hineinträumen. Die 

Bilder scheinen wie Visionen verlorener Paradiese, die nur noch in der Erinnerung 

existieren. Ihre Komposition ist mehr auf optische Wirkung als auf formale 

Effekte angelegt. Schemenhaft verbreiten die Farben ein seltsam polychromes 

Licht. Auch in den beiden Fotografien sind Standort und Anwesenheit des Betrachters 

nicht spürbar, denn es gibt praktisch keinen Vordergrund. 

92 93 

5 

http://www.muerikunst.ch/ 

6

The Netherlands/ Niederlande 

1 2 

1. View Through Window Église Saint-Étienne Clémont, oil on panel, 50 x 70 cm 

2. View Through Window Castle Sully, oil on panel, 50 x 70 cm 

3. Garden View Château Lauroy (France), oil on canvas, 60 x 80 cm 

4. The RC Orphanage With Closed Doors, oil on wood, 70 x 100 x 5 cm 

5. Labyrint, oil on canvas, 80 x 120 cm 

6. Pass By, oil on canvas, 80 x 120 cm 

5 

6 

Constructs Between Painting and Architecture 

Gebilde zwischen Architektur und Malerei 

3 

4 

The central motif in Bert Hermans´ work is architecture, which he depicts 

with loving attention to detail. Using the pull of constructive statics, 

he imbues his pictures with a graceful rigor both contemplative 

and fascinating. Shape and color are not separated but understood as 

a plastic unit. Their interaction makes the canvas appear multidimensional. 

In spite of their marked rational precision, his buildings have a 

dynamic look. The over-abundance of detail is tamed by concise compositions 

using vertical lines as coordinates. Hermans´ most convincing 

skills are accurate depiction and polished technique. With these works, 

he subjects us to an intense gravitational pull that often leads to socially 

critical observations. 

Das zentrale Motiv in Bert Hermans Werk ist die Architektur, welche er 

realistisch und mit viel Liebe zum Detail darstellt. Mit der Sogwirkung 

konstruktiver Statik erzeugt er in seinen Bildern eine anmutige Strenge, 

die kontemplativ und faszinierend wirkt. Dabei werden Form und Farbe 

nicht getrennt, sondern als plastische Einheit verstanden. Ihr Zusammenspiel 

lässt die Leinwandbilder mehrdimensional erscheinen. Bei 

aller rationalen Präzision strahlen die Gebäude auch Dynamik aus. Ihre 

Detailfülle wird durch eine straffe Komposition gebändigt, senkrechte 

Linien fungieren als Koordinaten. Hermans besticht vor allem durch 

seine exakte Darstellungsweise und seine ausgefeilte Technik. Unser 

Blick wird einem starken Tiefensog ausgesetzt, der nicht selten in sozialkritischen 

Erkenntnissen mündet. 

http://berthermans.kunstinzicht.nl/ 

94 95

Taiwan 

1 2 

1. Old Memories #2, 2022, mixed media on paper, 60 x 40 cm 




Trip to Lyrical Dimensions 

In spite of their monotonous appearance, Hyun-Jin KIM´s paintings are mysteriously 

abuzz with life. The artist´s complex idiosyncratic iconography requires a highly psychological 

approach to their reception. Upon closer inspection, animals, faces, and 

figures seem to emerge from a sea of shapes. KIM´s intelligent compositions display 

recurring colors and subjects as a kind of leitmotif, assembling them to form a meaningful 

provocation of observers´ individual experience. Coaxed into confronting 

denial and curiosity at first, those who persevere will eventually make out familiar 

representational elements so subtly embedded in the background that they remain 

invisible to the untrained eye at first. 

Entführung in lyrische Dimensionen 

3 

Trotz ihrer monotonen Ausstrahlung sind die Bilder von Hyun-Jin KIM von geheimnisvollem 

Leben erfüllt. Die komplexe Bildikonographie erfordert eine psychologische 

Durchdringung des Sujets. Hin und wieder lassen sich bei näherem Hinsehen 

Elemente wie Tiere, Gesichter und Figuren im Formenmeer erkennen. Intelligent 

ausgeführt tauchen leitmotivisch immer wieder dieselben Farben und thematischen 

Bezüge auf. Alles wird mit sinnprovozierender Geste zusammengefügt und der 

Selbsterfahrung des Betrachters überlassen. Nachdem er sich zunächst mit Verweigerung 

und Neugier auseinandersetzen muss, erkennt er zunehmend Assoziationen 

an Gegenständliches, die so subtil in den Hintergrund eingebettet sind, dass sie seinem 

ungeschulten Auge auf den ersten Blick verborgen bleiben. 

4 

https://www.instagram.com/khjart8899/ 

96 97

USA 

Figurative Associations Verging on Abstraction 

Set far from reality, Charlotte Shroyer´s portraits seem to have their 

roots in “primitive” art. Borrowing from cubism, her rough, stylized 

expression is remindful of mask-like woodcuts. The dynamic of her 

sharp, drawing-like contours creates tension between space and color. 

Individual colors serve as poignant highlights in a pale, cool aura representing 

the soulscape depicted. Exaggerated shapes brought about 

by distortion, asymmetry, and bold shades intensify emotions like suspicion 

and pain. The first picture, on the other hand, reveals the artist´s 

longing for dynamic intellectual expression. 

Figürliche Assoziationen nahe der Abstraktion 

1 

1. Time, 2022, oil on canvas, 48 x 48 inches 

2. Is That So?, 2022, oil on canvas, 12 x 12 inches 

3. A Motley Crew, 2020, oil on canvas, 36 x 36 inches 

4. Un ou Deux?, 2022, mixed media, 12 x 9 inches 

Die vom Realen entfernte Figuration in Charlotte Shroyers Portraits 

mag Vorbildern aus der Primitiven Kunst entspringen. Dem Kubismus 

verpflichtet erinnert die grobe Stilisierung an maskenhafte Holzschnitzerei. 

Durch scharfe Konturen manifestiert sich in der zeichnerisch bewegten 

Linienführung eine Spannung zwischen Fläche und Farbigkeit. 

Einzelne Farben setzen scharfe Akzente in eine blass-kühle Aura hinein, 

die den dargestellten Seelenzuständen entspricht. Durch Verzerrung 

hervorgerufene formale Übertreibung, Asymmetrie, sowie krasse 

Schatten vertiefen Empfindungen wie Skepsis und Schmerz. Das vierte 

Bild hingegen verrät den Wunsch nach bewegtem intellektuellen Ausdruck. 

2 3 

4 

charlotteshroyer.com 

98 99

Sunset 

Sonnenuntergang 

Gorgeous clouds aflame 

With red as the blazing sun 

Sinks into the Sea. 

Mit einer tollen 

Wolkenpracht lodernd rot die 

Sonne sinkt ins Meer. 

As night approaches 

Dusk’s reflection cries soft tears 

Of cool rosewater. 

Der Widerschein der 

Dämmerung nun sein zartes 

Rosenwasser weint. 

Walking out at dusk, 

Shells mirroring golden clouds 

Crunch beneath our feet. 

Abendspaziergang, 

Muschelknirschen im Goldglanz 

Der Wolken spiegelnd. 

Slowly, the fire 

Of the sun dies down in the 

Glow of the low tide. 

Langsam das Feuer 

Der Sonne im Glutlicht des 

Ebbesands erlischt. 

As the sun peers out 

From its hideout in the clouds 

The sea goes ruby. 

Lugt die Sonne aus 

Ihrem Wolkenversteck, das 

Meer rubin sich färbt. 

In the glowing red 

Of the evening sun, the terns 

Perform their music. 

Zur glutroten 

Abendsonne sanft die Seeschwalben 

Musizieren. 

100 101

The Netherlands / Niederlande 

A Romantic Refusal to Imitate Appearances 

1 

In his bizarre sceneries, Robert Ram applies highly idiosyncratic principles 

of composition, spiced up with a touch of satire. His work is a 

fantastic, surrealist symbiosis of natural motifs and mystery with an 

element of mysticism. His sense of fairy-tale magic and poetry has an 

immediate emotional appeal. At the same time, looking at his work 

creates the illusion of entering a nondescript ahistorical past that, as 

it is experienced, turns into the present once again. Paradoxically, the 

artist´s realistic painting style presents a fantastic world of images 

that refuses to imitate reality, resorting to the language of association 

and provocative dimensions instead. 

Romantik ohne Nachahmung des Sichtbaren 

2 

In seinen skurrilen Szenerien wendet Robert Ram eigenwillige Kompositionsgesetze 

an und versieht sie mit einem satirischen Beiklang. Es 

handelt sich um fantastisch-surrealistische Symbiosen aus Naturmotiven 

und rätselhaften Erzählungen, in denen auch eine mystische Komponente 

zum Ausdruck kommt. Mit einem Sinn für märchenhaften 

Zauber und Poesie appelliert Ram ans Gemüt. Zugleich entsteht ein 

eigenartiges Zeitgefühl, als erschlösse sich dem Betrachter langsam 

eine undefinierbare ahistorische Vergangenheit, die im Erleben wiederum 

zur Gegenwart wird. Der realistische Malstil bringt eine fantastische 

Bilderwelt zur Geltung, ohne dass der Künstler als Nachahmer 

des Sichtbaren agiert. Stattdessen verlässt er sich auf die Sprache der 

Assoziationen und provozierenden Dimensionen. 

3 

1. Walking Flowers, (2-hatch), 2021, oil on panel, 60 x 92 cm (2x) 

2. The Imprisoned Clothespin Rrees, 2022, oil on panel, 30 x 40 cm 

3. The Hanging Tree Branches, 2018, oil on panel, 49 x 59 cm 

4. Balloon Ride, 2019, oil on panel, 59 x 49 cm 

4 

www.robertram-art.nl 

102 103


1 

2 

1. She, 2022, Öl auf Leinwand auf Holz, 42 x 48 cm 

2. Marthas-Weingarten, 2005, Bronzeguss patiniert und blattvergoldet, 

12 x 20 x 32 cm 

3. Manipen, 2003, Bronzeguss patiniert, 44 x 46 x 72 cm 

4. Two Wings, 2000, Bronzeguss blattvergoldet, Carrara Marmor, 

16 x 17,5 x 48 cm 

5. Dada, 2003, Bronzeguss blattvergoldet, 32 x 40 x 61 cm 

6. Säbeldorn, 1994, Bronzeguss blattvergoldet, 25 x 26 x 32 cm 

Smooth, Bizarre Bronze Sculptures 

Martin De Saint Muerell´s sculptural work is all about the dynamics and transformations 

of shape and expression. His shiny bronze sculptures seem made up of 

light and space. A face in his portrait appears equally light-filled with its golden 

luster, as if it was illuminated by the sun. Depending on the angle of looking 

at them, his anthropomorphous figurations appear different, shifting back and 

forth between hollow and solid. Their metal substance seems to have lost its 

physical weight. While convex and concave shapes dissolve all physicality, the 

final sculpture appears in compact, solid gold. Radically simplified, the boldly 

colored cool deformation of the human body depicts essence rather than appearances. 

4 

Bizarr geformte Bronzen von eleganter Glätte 

3 

Martin De Saint Muerell beschäftigt sich in seinem skulpturalen Werk mit der 

Dynamik und Veränderung von Form und Ausdruck. Seine schillernden Bronzen 

bestehen aus Licht und Raum. Auch das von der Sonne wie vergoldet strahlende 

Gesicht in seinem Portrait schimmert lichtvoll wie seine Skulpturen. Die anthropomorphen 

Figurationen verändern im Wechselspiel von Hohl- und Vollform je 

nach Blickwinkel ihr Aussehen. Das Metall scheint seine physische Schwere verloren 

zu haben. Während konvexe und konkave Formen Körperlichkeit auflösen, 

erstrahlt die letzte Skulptur in goldgedrängter Kompaktheit. Stark schematisiert 

zeigt die kühne Deformation der menschlichen Gestalt mit ebenso kühner Bemalung 

eher das Wesen als die äußere Erscheinung. 

104 105 

5 

www.martin-mueller.cc 

6

Denmark / Dänemark 

Shining a Fascinating Light on the North 

With her dynamic brush stroke and her pastose application of opaque 

colors, Janni Nyby brings atmospheric impressions of landscapes onto 

the canvas, casting a new light on them, which in turn, allows her to 

look at them with fresh eyes. Employing colors in the expressive manner 

of the Fauvists, her paintings radiate with expressive exaggeration. 

Behind Nyby´s somewhat surreal color scheme looms the artist´s own 

synthesis of her imagination, reality, and sensuality, which appeals to 

the observer´s aesthetic sense and stirs up emotions. In spite of their 

intensity, the colorful landscapes exude a Nordic atmosphere revealing 

the artist´s passion for the natural world of Scandinavia. 

In einem faszinierenden Licht erstrahlend 

1 

1. Untitled, 2022, acrylic on canvas, 80 x 60 cm 




Mit bewegtem Pinselstrich und pastos deckenden Farben lässt Janni 

Nyby stimmungsvolle Impressionen auf ihrer Leinwand entstehen. Die 

Künstlerin taucht Landschaften in ein frisches Licht, um sie mit neuen 

Augen betrachten zu können. In fauvistischer Manier setzt sie Farbe so 

exzessiv ein, dass die daraus resultierenden Bilder mit ausdrucksvoller 

Übertreibung brillieren. Hinter der surreal anmutenden Tongebung 

verbirgt sich eine Synthese aus Wirklichkeit, Sinneslust und Imagination, 

die ästhetische Regungen und Empfindungen beim Betrachter 

hervorruft. Trotz ihrer Intensität versinnbildlichen die farbenfrohen 

Landschaften eine nordische Atmosphäre, was die Lebensfreude und 

Begeisterung der Künstlerin für die Natur Skandinaviens verdeutlicht. 

4 

2 3 

www.gallerijanninyby.dk 

106 107

South Africa / Südafrika 

1 

2 

1. Language of Love, 2014, collage on canvas + text on perspex, 20 x 20 cm 

2. Language divides, Language unites, 2014, collage on canvas + text on 

perspex, 20 x 20 cm 

3. A String Of Beads - A String Of Words, 2014, collage on canvas + text on 

perspex, 20 x 20 cm 

4. Words can heal, 2014, collage on canvas + text on perspex, 20 x 20 cm 

Matters of Raw Material and Creative Drive 

Eleanora Hofer´s creative treatment of raw materials in earthy color tones 

expresses both temporal distance and a down-to-earth spirituality. The 

rough, mythical appeal of her mixed-media approach using fragments 

of an archaic world stands in striking contrast to her cultivated painting 

style. Instead of lines and spaces, random objects give the background a 

plastic structure. Colorful pearls flaunt wealth. Human shapes are reduced 

to vague contours, resembling signs rather than bodies, presented as 

genderless silhouettes communicating with each other. Scraps of writing 

embody the beginnings of human language. 

Materie als Rohstoff des Gestaltungswillens 

Durch einen Schöpfungsakt aus urtümlicher Materie in bräunlichen Farbwerten 

drückt Eleanora Hofer sowohl zeitliche Distanz als auch spirituelle 

Erdverbundenheit aus. Der raue mythische Charme ihrer Mischtechnik 

aus Fragmenten einer archaischen Welt wirkt wie ein Gegenpol zu ihrer 

malerischen Kultiviertheit. Anstelle von Linien und Flächen erscheinen 

Fundstücke, die den Bildgrund mit einer plastischen Struktur überziehen. 

Bunte Perlen offenbaren ihren Reichtum. Die auf schablonenhafte Umrisse 

reduzierten Menschen gleichen eher Zeichen als Körpern und werden 

scherenschnittartig als geschlechtslose Figuren eingebunden, welche 

miteinander zu kommunizieren scheinen. Schriftfetzen zeugen von den 

Anfängen der Sprachentwicklung. 

4 

3 

108 109

USA 

1 2 

1. Leaves For Carol, 2022, photo collage on paper, 40,64 x 50,8 cm 

2. Working Together, 2019, photo collage on paper, 40,64 x 50,8 cm 

3. Inspiration, 2022, photo collage on paper, 40,64 x 50,8 cm 

4. Good News, 2022, photo collage on paper, 50,8 x 76,2 cm 

Blooming in Harmony 

Kat Kleinmann´s work shows her love of flower motifs. The structural principle she 

employs in her photo collages allows her to creatively reimagine the reality at their 

root. Her original style may be rococo-inspired. Densely layered blossoms remindful 

of lush gardens crowd her pictures, seemingly forming the surface of the image space. 

The resulting potpourri´s warm, tasteful color scheme stays clear of gaudy vulgarity. 

Kleinman´s oceans of flowers appear gorgeously haptic and alive, leaving it to the 

observer to find meaning in them. Offering much room for interpretation, her works 

give observers a fragrant experience of aesthetic pleasure. 

Zu einer harmonischen Einheit verschmolzen 

3 

Kat Kleinmanns Werke zeugen von einer Vorliebe für Blütenmotive. Durch das Formensystem, 

das die Künstlerin ihren Fotocollagen zugrunde legt, versteht sie es, die 

beobachtete Wirklichkeit fantasievoll umzugestalten. Ihr origineller Stil mag seine 

Wurzeln im Rokoko haben. Dicht geschichtet überfluten Blüten ihre Bilder und lassen 

an üppige Gärten denken. Man hat den Eindruck, dass sie die Oberfläche des Bildgrundes 

bilden. So entsteht ein Potpourri, das mit warmer, verhaltender Farbigkeit 

geschmackvoll jede schrille Buntheit vermeidet. Die Blumenmeere wirken prachtvoll 

vital und haptisch zugleich. Die Deutungshoheit wird an den Betrachter abgegeben. 

Jenseits des großen Spielraums für Interpretationen bereiten die Werke ein duftendes 

ästhetisches Vergnügen. 

4 

https://www.katkleinmanart.com/ 

110 111

Australia / Australien 

1 

2 

3 

1. Our Beach, 2021, watercolour on 360gsm arches paper; 30 x 42 cm 

2. Tranquility, Cowes Vic AU; WC on HP, 30 x 40 cm 

3. Lesotho Mountains, South Africa, 2021, watercolour on ampersand 

claybord, 28 x 36 cm 

4. Waiting At The National Gallery of Victoria, SB by JL, 30 x 36 cm 

Landscapes – Lush and Lonely 

Wundersam einsame Landschaften 

Jan Lowe´s light-filled landscape studies take observers to a peaceful Arcadia 

of meditative silence. Their most striking feature is their atmosphere, which 

unites an expansive sense of freedom with a cleansing, harmonizing force. 

The artist wanders through gorgeous landscapes void of human beings and 

makes them come to life in subdued colors, revealing her genuine love of 

nature. Rather than taking center stage herself, she places her subject in the 

limelight presenting it in full splendor. She uses a broad spectrum of artistic 

techniques to create her image world. The large picture composed of neatly 

assembled human contours stands as proof of her versatility as an artist. 

In den lichtvollen Landschaftsetüden Jan Lowes empfängt den Betrachter 

ein friedliches Arkadien meditativer Ruhe. Im Fokus steht dabei immer die 

Atmosphäre des Motivs, die ein befreiendes Gefühl von Weite, gleichzeitig 

aber eine sammelnd-harmonisierende Kraft vermittelt. Dabei durchstreift 

die Künstlerin herrliche Landschaften und inszeniert die menschenleeren 

Peysagen in einem verhaltenen Farbspektrum, das ihre naturverbundene 

Begeisterung spürbar macht. Selbststilisierung liegt ihr fern – vielmehr lässt 

sie das Dargestellte in klarem Licht erstrahlen. Für ihre Bildwelten bedient 

sie sich vielfältiger künstlerischer Techniken. Das große Bild, das auf den 

Konturen menschlicher Körper aufbaut, bezeugt die Verschiedenartigkeit 

ihrer künstlerischen Facetten. 

https://www.janlowefineart.com/ 

112 113

Denmark / Dänemark 

Intoxicating Color Variations 

1. Red Blossom, 2022, acrylic on canvas, 96 x 96 cm 

2. Blue Blossom, 2022, acrylic on canvas, 96 x 96 cm 

3. Green Blossom, 2022, acrylic on canvas, 96 x 96 cm 

4. Alchemy, 2021, acrylic on canvas, 135 x 135 cm 

5. Amor, 2022, acrylic on canvas, 135 x135 cm 

6. Before Sunset, 2021, acrylic on canvas, 135 x 135 cm 

In Tove Andresen´s vibrant color-flooded paintings, instinct triumphs over 

reason. Tiny specks and dots create an impression of scent and weightlessness. 

Applied in a pastose, nuanced manner, Andresen´s colors orchestrate a 

fluffy floating and shimmering in harmony with the background. His unique 

mode of color application is a vital tool to give his paintings their irresistible 

sense of rhythm. Another key element of their expressiveness is the fresh 

color choice. Some works seem based on associations with motifs taken 

from still lifes. The artist´s passionate intonation of color tones resembles 

fireworks, exerting a universal appeal. Every painting seems to be the product 

of a single, powerful motion, embodying a moment of blissful inspiration. 

Berauschende Farbvibrationen 

1 

Von leuchtender Farbigkeit durchflutet triumphiert in Tove Andresens Gemälden 

der Instinkt über den Geist. Durch kleine Tupfer und Punkte wird 

der Eindruck von Duft und schwereloser Leichtigkeit erzeugt. Pastos und 

nuanciert aufgetragen lassen die Farben in Harmonie mit dem Hintergrund 

ein flauschiges Flimmern und Schweben entstehen. Mit ihrem reizvollen 

Rhythmus ist die Art des Farbauftrags ein wichtiges Ausdrucksmittel. Die 

Ausdruckskraft der Bilder liegt aber auch in der Frische der Farbauswahl. 

Zuweilen bilden Assoziationen an ein stilllebenhaftes Motiv den Ausgangspunkt. 

Die feuerwerkartige Intonation der Farbmaterie wirkt universell anziehend. 

Jedes Bild scheint in einem einzigen Schwung entstanden zu sein 

und verkörpert einen Augenblick glückseliger Inspiration. 

4 

2 3 

5 

6 

www.tove-a.dk 

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EXCELLENT ART 

Relax and Rejoice with Art and Poetry from 

Twenty-Four Countries 

Book Series: Enter-into-Art – LOUNGE 3 

Volume 3, 2022 

Editor: Gabriele Walter 

Imprint: 

Written by: Gabriele Walter 

Cover / artistic design by: Kurt Ries 

Translated into English by: Anna Sanner 

Copyright: 


Pützstücker Straße 45 

D-53639 Königswinter 

Tel. 0049 2244 3823 

www.enterintoart-books.com 

www.enter-into-art.com, www.meditaterra.de 

EXZELLENTE KUNST 

Entspannung und Genuss mit Kunst und Poesie aus 

vierundzwanzig Ländern 

Buchreihe: Enter into Art – LOUNGE 3 

Band 3, 2022 

Herausgeberin: Gabriele Walter 

Impressum: 

Text: Gabriele Walter 

Cover / künstlerische Gestaltung: Kurt Ries 

Übersetzung ins Englische: Anna Sanner 

Copyright: 


Pützstücker Straße 45 

D-53639 Königswinter 

Tel. 0049-2244-3823 

www.enterintoart-books.com 

www.enter-into-art.com, www.meditaterra.de 

Index A - Z (artists / Künstler): 

Ai-Wen Wu Kratz 22-23 

Alessandra Di Francesco 76-77 

Angela P Schapiro 86-87 

Aomi Kikuchi 20-21 

Benny De Grove 90-91 

Bert Hermans 94-95 

Betty Collier 50-51 

Bingjib Huang 52-53 

Bo Song 72-73 

Charlotte Shroyer 98-99 

Cor Fafiani 34-35 

Despina Kyriacou 66-67 

Donelli DiMaria 16-17 

Eleanora Hofer 108-109 

Friedrun Schuster 64-65 

Gerhard Rasser 70-71 

Gerhardt Gallagher 32-33 

Hege Ullensvang 30-31 

Helena Laine 24-25 

Hélène DeSerres 18-19 

Hyun-Jin KIM 96-97 

Ivana Gagić Kičinbači 14-15 

Jan Lowe 112-113 

Jani Jan J. 48-49 

Janni Nyby 106-107 

Jean Jacques Porret 82-83 

Joseph Virgone 54-55 

Josip Rubes 88-89 

Judith Stone 60-61 

Julia Still 46-47 

Kat Kleinman 110-111 

Luana Stebule 84-85 

Marcel Jomphe 28-29 

Martin De Saint Muerell 

104-105 

Masha Orlovich 78-79 

Mel Delija 68-69 

Patricia Pascazzi 56-57 

Paul Delpani 40-41 

Ramón Rivas 74-75 

Robert Ram 102-103 

Torhild Frøydis Eid 38-39 

Tove Andresen 114-115 

Ursula Müri 92-93 

Veryal Zimmerman 42-43 

William Zuk 10-11, 58-59 

Yvan Lafontaine 36-37 

Bibliography - Literaturnachweis: 

Große Komponisten und ihre Musik, Heft 42, Debussy, Marshall Cavendish Ltd., Hamburg, 1992 

Klassische Momente, Stimmen des Meeres, Meister Verlag, München 

Jean Barraquè, Debussy, Rowohlt Taschenbuch Verlag, Reinbeck bei Hamburg, 1964 

Hans A.Neunzig, Brahms, Rowohlt Taschenbuch Verlag, Reinbeck bei Hamburg, 1973 

https://www.tonkuenstler.at/de/tickets/opus/die-hebriden-ouverture-op-26 

(English translation / quote: https://www.brainyquote.com/quotes/claude_debussy_204275 , 

accessed 9 Novembert 2022, 10.46 CET) 

Bibliographic information of the German National Library: 

Übersetzung der künstlerischen Techniken: 

acrylic - Acrylmalerei 

fiber - Faser 

canvas - Leinwand 

goose down - Gänsedaunen 

cardboard - Karton 

ink pens - Tintenstifte 

cast bronze - Bronzeguss panel - Tafel 

clayboard - Tonbrett 

paper - Papier 

crayon - Zeichenkreide 

silk gauze - Seidengaze 

dry oint - Kaltnadel 

wire - Draht 

embossing - Prägung 

wool - Wollfaser 

etching - Radierung 

The German National Library lists this publication in the German National Bibliography; 

detailed bibliographic data are available on the Internet – http://dnb.ddb.de 

All rights reserved. Any reprinting in full or in part, any distribution by film, broadcasting, or television, any publication on the 

internet, or through photomechanical reproduction, sound recording, or data processing systems of any kind requires the written 

consent of the publisher. 

© Königswinter, 2022 

Bibliographische Information der Deutschen Bibliothek: 

Die Deutsche Bibliothek verzeichnet diese Publikation in der Deutschen Nationalbibliographie, detaillierte bibliographische 

Daten sind im Internet über http://dnb.ddb.de abrufbar. 

Alle Rechte vorbehalten. Nachdruck, auch auszugsweise, sowie die Verbreitung durch Film, Funk, Fernsehen und Internet, durch 

fotomechanische Wiedergabe, Tonträger und Datenverarbeitungssysteme jeglicher Art nur mit schriftlicher Genehmigung der 

Herausgeber. 

116 117

Relax and Rejoice with Art and Poetry 

from Twenty-Four Countries 

Argentina, Australia, Austria, Belgium, Canada, 

Croatia, Denmark, Finland, France, Germany, 

Ireland, Israel, Italy, Japan, South Korea, 

The Netherlands, Norway, South Africa, Spain, 

Switzerland, Taiwan, United Kingdom, USA 

Entspannung und Genuss mit Kunst und 

Poesie aus vierundzwanzig Ländern 

Argentinien, Australien, Belgien, Dänemark, 

Deutschland, Finnland, Frankreich, Irland, Israel, 

Italien, Japan, Kanada, Südkorea, Kroatien, 

Niederlande, Norwegen, Österreich, Südafrika, 

Spanien, Schweiz, Taiwan, Vereinigtes Königreich, 

USA 

Ai-Wen Wu Kratz, Alessandra Di Francesco, Angela P Schapiro, Aomi 

Kikuchi, Benny De Grove, Bert Hermans, Betty Collier, Bingjib Huang, 

Bo Song, Charlotte Shroyer, Cor Fafiani, Despina Kyriacou, Donelli 

DiMaria, Eleanora Hofer, Friedrun Schuster, Gerhard Rasser, Gerhardt 

Gallagher, Hege Ullensvang, Helena Laine, Hélène DeSerres, Hyun- 

Jin KIM, Ivana Gagić Kičinbači, Jan Lowe, Jani Jan J., Janni Nyby, Jean 

Jacques Porret, Joseph Virgone, Josip Rubes, Judith Stone, Julia 

Still, Kat Kleinman, Luana Stebule, Marcel Jomphe, Martin De Saint 

Muerell, Masha Orlovich, Mel Delija, Patricia Pascazzi, Paul Delpani, 

Ramón Rivas, Robert Ram, Torhild Frøydis Eid, Tove Andresen, Ursula 

Müri, Veryal Zimmerman, William Zuk, Yvan Lafontaine 

Poems / Gedichte: William Zuk, Gabriele Walter 

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Excellent Art 2022 - Exzellente Kunst 2022

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