22 Festiwal Szekspirowski

22. FESTIWAL

SZEKSPIROWSKI

THE GDAŃSK

SHAKESPEARE FESTIVAL

27.07 – 05.08.2018

WYDAWCA / PUBLISHER

Gdański Teatr Szekspirowski

REDAKCJA / EDITORS

Katarzyna Lemańska

Anna Szynkaruk-Zgirska

TŁUMACZENIE / TRANSLATION

Katarzyna Rukat

Tadeusz Z. Wolański

SKŁAD DTP & PROJEKT / DTP & DESIGN

Bartek Wutkowski

SZANOWNI PAŃSTWO /

LADIES AND GENTLEMEN

fot. Dawid Linkowski

Nie wiedzieć kiedy minął kolejny rok

i oto przed nami, 22. edycja Festiwalu.

Ubiegłoroczna nie była dla nas zbyt

szczęśliwa: musieliśmy dokonać cięć

programowych i zrezygnować m.in. ze

spektaklu z Iranu, który jednak uda się

pokazać w tym roku.

Miło nam, że zauważono naszą działalność

za granicą, o czym świadczy przyznanie

prestiżowej europejskiej nagrody

EFFE (Europe for Festivals, Festivals for

Europe). Wybrano nas do ścisłego grona

pięciu wydarzeń, które zdobyły statuetki

i równorzędne tytuły najlepszych

festiwali europejskich w latach 2017–

–2018. W poprzedniej edycji podobną

nagrodę otrzymał znakomity poznański

festiwal Malta. Międzynarodowe jury

doceniło nie tylko poziom programu

naszego Festiwalu, ale i fakt, że jest on

zawsze połączony z różnorodnymi działaniami

edukacyjnymi, z których jesteśmy

bardzo dumni. Podkreślono także

naszą rolę w utworzeniu Europejskiej

Sieci Festiwali Szekspirowskich.

Program tegorocznego Festiwalu jest

– powiem nieskromnie – po prostu

fantastyczny! Po raz pierwszy gościmy

przedstawienia z Czech, Sardynii

oraz Argentyny. Po raz pierwszy gościmy

aż dwie inscenizacje zagraniczne,

reżyserowane przez polskich reżyserów

(Ewelina Marciniak i Jan Klata),

a w Konkursie o Złotego Yoricka o nagrodę

powalczą znakomite zespoły:

Teatr Pieśń Kozła i Teatr Muzyczny

Capitol, obydwa z Wrocławia. Systematycznie

rozwija się też program offowy

– w tym roku konkurs SzekspirOFF

nabrał wyraźnie międzynarodowego

charakteru.

Pozostaje mi więc życzyć Państwu wielu

wrażeń, estetycznych doznań, szczypania

duszy i artystycznych wzruszeń.

~

Who knows where the last year has gone

but here before us is the 22nd edition of

the Shakespeare Festival. Last year’s

Festival was not our happiest: we had to

make cuts in the programme and, for example,

cancel the production from Iran,

which, luckily, will be shown this year.

We are pleased to announce that our

work has been noticed abroad, which

is reflected by the awarding of the

prestigious EFFE (Europe for Festivals,

Festivals for Europe) Award. We were

among the five events selected for the

equivalent prize: a statuette and the

title of the best European festival of

2017/2018. In the previous year, a similar

prize was awarded to the excellent

Malta Festival in Poznań. The international

jury praised not only the artistic

level of our Festival but also the fact

that it always involves diverse educational

activities, of which we are very

proud. Moreover, our role in creating

European Shakespeare Festivals Network

was acknowledged.

This year’s Festival Programme is, with

no semblance of modesty, quite simply

fantastic! For the first time, we are

hosting productions from the Czech Republic,

Sardinia and Argentina. For the

first time, we are hosting two foreign

productions directed by Polish directors

(Ewelina Marciniak and Jan Klata) and

the Golden Yorick Competition will feature

two excellent companies: Song of

the Goat Theatre and the Capitol Musical

Theatre, both from Wrocław. We are

also systematically developing the “off”

programme, with the SzekspirOFF competition

having a distinctly international

character this year.

Therefore, I wish you all a multitude

of experiences, aesthetic impressions,

sol-searching and lots of emotion.

~

JERZY LIMON

Dyrektor artystyczny Festiwalu /

Gdańsk Shakespeare Festival

Artistic Director

PROGRAM

NURT GŁÓWNY /

PROGRAMME / MAIN STAGE

17:30

20:30

20:00

17:00

21:00

18:00

21:00

19:00

19:00

18:00

20:30

18:00

20:00

16:00

20:00

ROMEO I JULIA / ROMEO AND JULIET

reż. Janusz Józefowicz, Studio Buffo, Polska

27.07.2018 / PIĄTEK / FRIDAY

SEN NOCY LETNIEJ / A MIDSUMMER NIGHT’S DREAM

reż. Ewelina Marciniak, Theater Freiburg, Niemcy

28.07.2018 / SOBOTA / SATURDAY

#GWAŁT NA LUKRECJI / #THE RAPE OF LUCRECE

reż. Marcin Liber, AST Kraków, Polska – Wkurzone na Szekspira

LA FIESTA DEL VIEJO

reż. Fernando Ferrer, Argentyna

29.07.2018 / NIEDZIELA / SUNDAY

HAMLET – KOMENTARZ / HAMLET: A COMMENTARY

reż. Grzegorz Bral, Teatr Pieśń Kozła, Polska – Konkurs o Złotego Yoricka

30.07.2018 / PONIEDZIAŁEK / MONDAY


reż. Mostafa Koushki, Mostaghel Theatre, Iran

31.07.2018 / WTOREK / TUESDAY


reż. Mostafa Koushki, Mostaghel Theatre, Iran

HMLT

reż. Magda Szpecht, Teatr im. H. Ch. Andersena, Lublin – Wkurzone na Szekspira

1.08.2018 / ŚRODA / WEDNESDAY

SZUKAJĄC ROMEA / LOOKING FOR ROMEO

reż. Klaudia Hartung-Wójciak, Teatr Bagatela, Polska – Wkurzone na Szekspira

2.08.2018 / CZWARTEK / THURSDAY

MIARKA ZA MIARKĘ / MEASURE FOR MEASURE

reż. Jan Klata, Divadlo pod Palmovkou, Czechy

110 MIN GTS

170 MIN TW

120 MIN Czarna Sala

90 MIN Kameralna

60 MIN TW

80 MIN GTS

80 MIN GTS

135 MIN TW

60 MIN Czarna Sala

110 MIN GTS

19:00 KRÓLOWE / QUEENS, Bea von Malchus, Niemcy 125 MIN Kameralna


19:00 KRÓLOWE / QUEENS, Bea von Malchus, Niemcy 125 MIN Kameralna


18:00

20:30

18:00

MAKBET / MACBETH

reż. Alessandro Serra, Sardegna Teatro & Compagnia Teatropersona, Włochy

MAKBET / MACBETH

reż. Agata Duda-Gracz, Teatr Muzyczny Capitol, Polska – Konkurs o Złotego Yoricka


MAKBET / MACBETH

reż. Alessandro Serra, Sardegna Teatro & Compagnia Teatropersona, Włochy

90 MIN GTS

210 MIN TW

90 MIN GTS

Spektakle Nurtu Głównego są tłumaczone na j. polski i angielski (z wyjątkiem cyklu „Wkurzone na Szekspira”) /

Main Stage performances are translated into Polish and English (apart from “Pissed off with Shakespeare” presentations)

fot. Julia Mikrut

STUDIO BUFFO, WARSZAWA, POLSKA / WARSAW, POLAND

ROMEO I JULIA / ROMEO AND JULIET

27.07 / 17:30, 20:30 / GDAŃSKI TEATR SZEKSPIROWSKI / 110 MIN

Tematem musicalu jest miłość dwojga młodych ludzi, nieumiejących

odnaleźć porozumienia ze światem dorosłych

w chwili rodzącej się wielkiej miłości. To dramat pokoleń rodziców

i dzieci, którzy nie potrafią ze sobą rozmawiać, słuchać

się i szanować swoich potrzeb. Młodzieńcza bezkompromisowa

miłość napotyka bezwzględność komercyjnego

świata rodziców, pochłoniętych swoimi sprawami.

„Na scenie teatru Studio Buffo możemy oglądać pierwszy

na świecie wodny musical w 3D Romeo i Julia. (...) W spektaklu

nie ma typowej dla teatru scenografii, a jej funkcję

pełnią przygotowane przez studio Platige Image animacje,

które są oglądane przez widownię w specjalnych okularach.

Widzowie mają wrażenie, jakby wyświetlane na ekranie futurystyczne

miasto czy podwodny świat były na wyciągnięcie

ręki. W połączeniu z żywym planem daje to niezwykłe

efekty”.

Maciej Łukomski, strefalifestyle.pl

„Spektakl to nie tylko przestroga dla młodych widzów. Julia,

nie mogąc dogadać się z realnymi rodzicami, ucieka. Dokąd?

Chowa się w sieci. Nawet gdy przychodzi moment, w którym

mogłaby podzielić się swoimi obawami z matką, ta odbiera

telefon i oddaje się przyjemności konwersacji. Romeo

i Julia w Buffo bawi, wzrusza, zastanawia. I chyba zbliża nas

do życia w realnym świecie”.

Maciej Gogolkiewicz, musicalove.info

~

The subject of the musical is the love between two young

people who cannot reach understanding with the world of

adults at the time when their great love is being born. This

is the drama of the generations of parents and children who

cannot talk or listen to each other or even respect each other’s

needs. Youthful uncompromising love meets the ruthlessness

of the commercial world of the parents, absorbed

in their own affairs.

“On the stage of the Buffo Theatre, we can watch “Romeo

and Juliet”, the world’s first water musical in 3D. (…) In the

production there is no typical theatre design – its function

is fulfilled by animations, prepared by the Platige Image

studio, which are watched by the audience through special

glasses. The viewers have the impression that the futuristic

city projected onto a screen, or the underwater world, are

within their grasp. In combination with the living location,

this gives uncommon effects.”

Maciej Łukomski, strefalifestyle.pl

“This production is not only a warning for young audiences.

Juliet, unable to communicate with her real parents,

escapes. Where? She hides on the internet. Even when the

moment comes when she could share her fears with her

mother, the latter takes a call and loses herself in the pleasures

of conversation. “Romeo and Juliet” at the Buffo Studio

entertains, moves and puzzles us. And probably brings us

closer to life in the real world.”

Maciej Gogolkiewicz, musicalove.info

~

TWÓRCY / CREATORS

Reżyseria i choreografia / Direction and choreography: Janusz Józefowicz, Muzyka / Music: Janusz Stokłosa, Libretto: Agata Miklaszewska, Autor dialogów / Dialogues: Bartosz Wierzbięta,

Scenografia / Set design: Marek Chowaniec, Asystentka choreografa / Choreography assistant: Barbara Deska, Kostiumy / Costumes: Malwina Wędzikowska, Wirtualna scenografia 3D /

Virtual 3D design: Platige Image, Efekty wodne / Water effects: Water Concept, Obsada / Cast: Nina Major / Magdalena Dąbkowska (Julia / Juliet), Mateusz Jakubiec (Romeo), Maria Tyszkiewicz

/ Mariola Napieralska (Pani Capuletti / Lady Capulet), Wojciech Paszkowski (Pan Capuletti / Capulet), Małgorzata Duda-Kozera / Mariola Napieralska (Niania / The Nurse), Mateusz

Mosiewicz (Parys / Paris), Marcin Tyma (Benvolio), Paweł Orłowski (Merkucjo / Mercutio), Dominik Ochociński (Tybalt), Jerzy Grzechnik (Ojciec Laurenty / Friar Lawrence), Pavel Voitenko

(Nauczyciel Wu-shu / Wu-shu the teacher), PONO (Rafał Poniedzielski) (Dealer), Natasza Urbańska (Rosalina / Rosaline), Tancerze / Dancers: Dominika Plichta, Aleksandra Popławska,

Elżbieta Wilczyńska, Iga Ryś, Agata Nowakowska, Katarzyna Granecka, Iga Marszałek, Sebastian Lubański, Błażej Ciszek, Łukasz Trautsolt, Patryk Darłak, Premiera / Premiere: 24.09.2017

fot. Birgit Hupfeld

THEATER FREIBURG, NIEMCY / GERMANY


27.07 / 20:00 / TEATR WYBRZEŻE W GDAŃSKU / 170 MIN / 18+

I tak oto podczas tej letniej nocy zacierają się granice między

ludźmi, zwierzętami a istotami z bajek. Królują namiętność

i pożądanie, a nieskończona miłość nagle przechodzi

w śmiertelną nienawiść po to, by ostatecznie znów stać się

najprawdziwszą miłością. Szekspirowski Sen nocy letniej

jest niczym potężne upojenie miłosne, emocjonalny koszmar,

a jednocześnie piękne marzenie senne, w którym nic nie

jest takie, jakie mogłoby się wydawać.

„Jest tu co prawda wiele nagości i ciemnych żądz, a czarodziejski

las Szekspira mieni się bogactwem kolorów i odcieni

jak niegdyś u Maxa Reinhardta, ale nie chodzi tu o dzikie,

zwierzęce czy wręcz pornograficzne wybryki. To renesansowy

obraz pełen gracji, piękna i poskromionej namiętności,

wzbogacony muzyką, pantomimą, teatrem tańca, uzupełniony

tekstem pełnym rymów. Kostiumy i scenografia Katarzyny

Borkowskiej są niczym sen: po wymalowanym, idealnym

krajobrazie pływają trzy wielkie muszle, które – raz

zamknięte niczym ostrygi, raz otwarte jak miłosne łoże –

służą za miejsce erotycznych pobłądzeń”.

Martin Halter, „Frankfurter Allgemeine Zeitung”

~

And in this way, during this midsummer night, the boundaries

between people, animals and fairy-tale characters are

blurred. Passion and desire rule, and never-ending love suddenly

turns into deadly hatred, only to become once again

the truest love of all. Shakespeare’s “A Midsummer Night’s

Dream” is nothing but a powerful amorous intoxication,

an emotional nightmare, and at the same time a beautiful

dream, in which nothing is as it might have seemed.

“Admittedly there is a lot of nudity here together with dark

desires but Shakespeare’s magic forest sparkles with a

wealth of colours and hues like it once did under Max Reinhardt,

but we are not talking here about wild, animalistic

or even pornographic excesses. This is a Renaissance

picture full of grace, beauty and tamed passions, enriched

with music, pantomime, dance theatre and complemented

by a text that is full of rhythms. The costumes and set

design by Katarzyna Borkowska are nothing but a dream:

three great shells swim across a painted, ideal landscape.

Sometimes they are as closed as oysters, sometimes open like

a love-bed – they serve as a place for erotic meanderings.”

Martin Halter, “Frankfurter Allgemeine Zeitung”

~

TWÓRCY / CREATORS

Reżyseria / Director: Ewelina Marciniak, Scenografia, kostiumy, światła / Set design, costumes, lighting: Katarzyna Borkowska, Muzyka / Music: Janek Duszyński, Światło / Lighting:

Michael Philipp, Ton Julien Guiffes, Choreografia / Choreography: Izabela Chlewińska, Dramaturgia / Dramaturgy: Magda Kupryjanowicz, Michael Billenkamp, Obsada / Cast: Henry

Meyer (Oberon, Tezeusz / Theseus), Janna Horstmann (Tytania, Hipolita / Titania, Hippolyta), Laura Angelina Palacios (Helena), Rosa Thormeyer (Hermia), Dominik Paul Weber (Lizander

/ Lysander), Thieß Brammer (Demetriusz / Demetrius), Lukas Hupfeld (Mikołaj Podszewka / Bottom), Anja Schweitzer (Puk / Puck), Angela Falkenhan (Framuga, Lew / Snug,

Lion), Moritz Peschke (Franciszek Piszczała, Tyzbe / Francis Flute, Thisbe), Michael Schmitter (Egeusz, Ignacy Chudzina, Światło Księżyca / Egeus, Robin Starveling, Moon), Timo

Stegmüller (muzyka na żywo / live music)

fot. Romina Giorno

GRUPA LA FIESTA DEL VIEJO, BUENOS AIRES, ARGENTYNA / ARGENTINA

LA FIESTA DEL VIEJO

28.07 / 18:00 / 21:00 / SCENA KAMERALNA TEATRU WYBRZEŻE W SOPOCIE / 90 MIN

Stary człowiek świętuje swoje urodziny i postanowia obchodzić

je uroczyście. Czy można je lepiej celebrować niż we

własnym, pobliskim klubie, z przyjaciółmi i całą kochającą

rodziną? Podczas toastu ogłosi decyzję o przekazaniu córkom

spadku. Nie może doczekać się tej niespodzianki, wyrazu

ich uczuć i reakcji na taki bezmiar miłości. Stary człowiek

świętuje swoje urodziny i wszyscy zostają zaproszeni, by

celebrować wraz z nim.

„La Fiesta del viejo rozgrywa się w klubie towarzyskim

w Buenos Aires, położonym w dzielnicy klasy średniej Almagro,

na przyjęciu urodzinowym właściciela. Klub nosi

sentymentalną nazwę Polonia (Polska) na cześć ojczyzny

głównego bohatera, a ozdabiająca scenę biało-czerwona

flaga nieustannie przypomina o jego pochodzeniu. Odczytujemy

sugestię, że główny bohater pochodzi z żydowskiej

rodziny, prześladowanej podczas II wojny światowej (…).

Do niedawna protagonista z powodzeniem prowadził swój

barowo-restauracyjny interes i, co równie ważne, na przestrzeni

lat zbudował silne osobiste więzi z lokalną społecznością.

W trakcie przedstawienia na głównego bohatera

mówi się „viejo”, co po hiszpańsku oznacza nie tylko starego

człowieka, lecz jest to także potoczny zwrot na określenie

ojca („mi viejo”).”

Susan Berardini, „The Theatre Times”

~

The Old Man is celebrating his birthday and has decided to

celebrate it with everything. What’s better than doing it in

your neighbourhood club, with friends and the love of the

whole family? In the toast, he will make great announcements

that have to do with the advancement of the inheritance

to his daughters. He is eager to surprise them, to

sense their affection and to see how they react to so much

love. The Old Man celebrates his birthday and they are all

invited to celebrate it with him.

“‘La Fiesta del viejo’ takes place in a social club in Buenos

Aires, in the middle-class neighborhood of Almagro, on the

occasion of the owner’s birthday party. The club is affectionately

named “Polonia” (Poland) in honor of the protagonist’s

native land, and the red and white flag gracing the stage

is a constant reminder of his heritage. It is suggested that

the main character hails from a Jewish family, persecuted

during World War II (…). Until recently, the protagonist has

enjoyed a fairly successful business with his bar / restaurant

and, equally important, over the years has developed strong

personal ties to the surrounding community. Throughout the

play, the protagonist is simply referred to as “Viejo”, which

in Spanish not only means an old man, but also serves as

a colloquial term for one’s father (“mi viejo”).”

Susan Berardini, “The Theatre Times”

~

TWÓRCY / CREATORS

Inspirowane „Królem Learem” Williama Szekspira / Inspired by Shakespeare’s „King Lear”. Tekst, dramaturgia, reżyseria / Text, dramaturgy, direction: Fernando Ferrer, Asystent

reżysera / Director’s assistant: Marisol Scagni, Kostiumy / Costumes: Marina Claypole, Peta Moreno, Scenografia i zdjęcia / Set design and photographs: Romina Giorno, Muzyka

i wykonanie / Music and performance: Stine Helkjær Engen, Światła / Lighting: Sebastián Francia, Efekty specjalne / Special effects: Guillermo Toledo, Produkcja / Production: Laura

Quevedo, Asystent produkcji / Production assistant: Male Devoto, Menedżment / Manager: Débora Staiff – Indigo Producciones SRL, Obsada / Cast: Moyra Agrelo, Agustina Benedettelli,

Julieta Cayetina, Helkjær Engen, Demián Gallitelli, Ezequiel Gelbaum, Clarisa Hernandez, Gonzalo Ruiz, Julian Smud, Ezequiel Tronconi, Abian Vainstein

fot. Mateusz Bral

KONKURS O ZŁOTEGO YORICKA / GOLDEN YORICK COMPETITION

TEATR PIEŚŃ KOZŁA, WROCŁAW, POLSKA / POLAND

HAMLET – KOMENTARZ / HAMLET: A COMMENTARY

29.07 / 19:00 / TEATR WYBRZEŻE W GDAŃSKU / 60 MIN

Hamlet – komentarz, oparty na dramacie Szekspira, stanowi

jego intensywną interpretację, żywą refleksję, dopowiedzenie

tego, co dramatopisarz w swoim dziele tylko zasygnalizował,

a czego nie powiedział wprost.

Spektakl rozgrywa się dwa miesiące przed właściwą akcją

dramatu, czyli w noc zabójstwa starego króla. Noc ta przeradza

się w czuwanie, rodzaj „szekspirowskich dziadów”.

Na scenie pojawiają się postaci obecne oraz nieobecne na

kartach dramatu Szekspira. Przyglądamy się temu, co dzieje

się w głowach bohaterów, i snujemy przypuszczenia, co

doprowadziło do tragedii. Na powierzchni relacji niby nic się

nie dzieje, w postaciach natomiast budzą się ich bolesne tajemnice.

To dramat o energii, która domaga się ujawnienia.

Hamlet jest jej medium.

Przedstawienie oparte jest na polifonicznej strukturze pieśni.

Czternastu aktorów interpretuje postaci, zdarzenia

i emocje przy pomocy dźwięków. Hamlet – komentarz to

eksperyment teatralny. Słowa tekstu zostają udźwiękowione,

nie pojawiają się w tradycyjnej narracji, wzrastają

jako muzyczne harmonie. Słowa i muzyka opowiadają wewnętrzną

strukturę postaci i rodziny.

„Teatrowi Pieśń Kozła udaje się stworzyć w tej elsynorskiej

sali nastrój cokolwiek dwuznaczny: intymność przecięta zostaje

okrucieństwem. (…) Grzegorz Bral i jego zespół znów

ujawniają oszałamiające, wycyzelowane, lodowate piękno

Szekspirowskich historii”.

Łukasz Drewniak

~

“Hamlet: A Commentary”, which is based on Shakespeare’s

drama, is its intense interpretation, a vibrant reflection,

a full expression of what was merely mentioned and not said

explicitly by the author.

The show takes place two months before the proper play’s plot –

on the night when the old king was murdered. The night turns

into a Shakespearean vigil, similar to pagan festivals in honour

of the spirits of the dead. On the stage, there are some characters

who were featured in Shakespeare’s play and some who

were not. We look at what goes on in the characters’ heads and

conjecture about what led to the tragedy. On the surface of the

relations, nothing seems to be going on while painful secrets

awaken in the characters. It is a drama about energy which demands

to be revealed and Hamlet is its medium.

The show is based on the polyphonic song structure. Fourteen

actors interpret the characters, events and emotions

through sounds. “Hamlet: A Commentary” is a theatrical

experiment. The text is given a melody. It is not presented

in a traditional narration but as musical harmonies. The

words and music reflect the characters’ and family’s inner

structures.

“Teatr Pieśń Kozła [Song of the Goat Theatre] has managed

to create in this Elsinore hall a mood which is somewhat ambiguous:

intimacy is cut through with cruelty. (…) Grzegorz

Bral and his company reveal the astounding, sculpted, icy

beauty of this Shakespearean history.”

Łukasz Drewniak

~

TWÓRCY / CREATORS

Reżyseria / Director: Grzegorz Bral, Muzyka / Music: Jean-Claude Acquaviva, Maciej Rychły, Dyrygent / Conductor: Lilianna Krych, Kostiumy / Costumes: Alicja Gruca, Scenografia /

Set design: Robert Florczak, Światła / Lighting: Wojciech Maniewski, Dramaturgia / Dramaturgy: Alicja Bral, Obsada / Cast: Dimitris Varkas, Rafał Habel-Bloodgood, Julien Touati,

Łukasz Wójcik, Volodymyr Andrushchak, Dominik Kujawa, Bogdan Koca, Julianna Habel-Bloodgood, Anu Almagro, Rhianna Compton, Olga Kunicka, Natalia Voskoboynikov, Magda

Wojnarowska, Maciej Rychły, Premiera / Premiere: 2.07.2017, W jednej ze scen pojawia się otwarty ogień. / An open fire appears in one scene.

archiwum teatru / Mostaghel Theatre archive

MOSTAGHEL THEATRE, TEHERAN / TEHRAN, IRAN


30.07 / 19:00 / 31.07 / 18:00 / GDAŃSKI TEATR SZEKSPIROWSKI / 80 MIN

Zgodnie z ateńską tradycją Książę Aten może wstąpić

w związek małżeński tylko podczas pełni księżyca. Ale jego

narzeczona, Królowa Hipolita, niecierpliwi się, dlatego prosi

o pomoc Króla Elfów. Jednak Oberon i jego żona właśnie kłócą

się o jego romans…

Ten żywiołowy, dynamiczny, oparty na konwencji cyrku

i pełen teatralnej magii spektakl zaskakuje pomysłami scenicznymi

i zabawą konwencjami. Światem baśniowym żądzą

inne prawa niż światem ludzkim. Akrobacje aktorów,

w szczególności Puka, zdają się zaprzeczać prawom grawitacji.

Każda scena zaskakuje, a widzowie patrzą na te istne

czary z zapartym tchem.

„Zależało nam na tym, aby język i zachowanie postaci,

nie były ani klasyczne, ani kolokwialne. (…) Skupiliśmy się

na stworzeniu bardzo prostego języka, który nie miał być

osobliwy, ale miał czerpać z języka sztuki – i ostatecznie to

nam się udało”.

Mostafa Koushki

~

According to the Athenian tradition, the Moon has to be full

for the marriage of the Duke and the Queen. But the Queen

is impatient and therefore asks for help from the King of the

Fairyland but the lord and his wife are arguing over his love

affair...

This vivid, dynamic production, based on the conventions

of circus, is full of theatrical magic and it surprises us with

its scenic ideas and its game with conventions. The world

of fairy-tales is governed by different rules from the world

of humans. The acrobatics of the actors, Puck in particular,

seem to defy the laws of gravity. Each scene astonishes us

and the audience looks upon these enchantments with bated

breath.

“Our concern was to create a language and behavior for

characters, which should neither be classic nor colloquial.

(…) We focused on creating a primitive language, which

should not be weird but take the form of the play and we

had finally been successful.”

Mostafa Koushki

~

TWÓRCY / CREATORS

Reżyseria i scenografia / Direction and set design: Mostafa Koushki, Adaptacja / Adaptation: Bagher Soroush, Obsada / Cast: Azin Nazari, Mohammad Sadegh Maleki, Sajjad Bagheri,

Ghazal Shojaei, Amir Mehdi Jule, Shahrouz Delafkar, Nazafarin Kazemi, Mostafa Koushki, Khatereh Hatami, Alireza Keymanesh, Kostiumy i rekwizyty / Costumes and props: Shima

Mirhamidi, Charakteryzacja / Make-up: Sarah Eskandari, Światło / Lighting: Ali Kouzehgar, Muzyka / Music: Ali Rezania, Producent / Executive and production director: Hossein

Judaki, Konsultacja reżyserska / Consulting Director: Hasti Hosseini, Asystent reżysera / Director’s assistant: Meysam Entezari

fot. Martin Spelda

DIVADLO POD PALMOVKOU, PRAGA / CZECHY, PRAGUE / CZECH REPUBLIC

MIARKA ZA MIARKĘ / MEASURE FOR MEASURE

2.08 / 16:00, 20:00 / GDAŃSKI TEATR SZEKSPIROWSKI / 110 MIN / 15+

Nie zawsze ci, którzy są u władzy, mają rację…

Trzynasta i zarazem ostatnia komedia Szekspira. Czterystuletnia

sztuka poruszająca kluczowe zagadnienia ludzkiego

życia: o zasadach moralnych wygłaszanych przez

każdego, ale nieprzestrzeganych przez nikogo oraz o łatwości,

z jaką nadużywa się władzy. Głównym bohaterem

sztuki jest książę Wincencjo, władający Wiedniem,

w którym – pomimo surowego ustawodawstwa – od

czternastu lat szerzą się cudzołóstwo, prostytucja i złe

obyczaje. Wincencjo mianuje arystokratę o imieniu Angelo

na swego tymczasowego zastępcę, a sam przebiera się

za mnicha, by ukradkiem obserwować, jak ten poważany,

purytański sędzia moralności usiłuje przywrócić porządek.

Angelo ponosi porażkę i zaczyna nadużywać swej władzy.

„Klata nie zrealizował w Pradze Szekspira, by skomentować

sytuację krajową – sięga głębiej niż do trzeciorzędnych

w końcu partyjnych rozgrywek i środowiskowych kompromisów.

I może właśnie dlatego jego inscenizacja jest tak

dotkliwa”.

Dariusz Kosiński, www.encyklopediateatru.pl. Skrócona

wersja recenzji ukazała się w „Tygodniku Powszechnym”

2018 nr 10.

~

The ones in power aren’t always in the right…

Shakespeare’s 13th and final comedy. A 400-year-old play

dealing with the essential themes of the human condition,

morals that are preached by everyone but heeded by none,

and how easily power can be abused. The main character of

the play is Duke Vincentio, ruler of Vienna, where adultery,

prostitution and other indecencies have been booming for

14 years, despite strict legislation. Vincentio names the nobleman

Angelo as his temporary deputy and disguises himself

as a monk to secretly watch as this respectable arbiter

of morality and purity attempts to reinstate order. Angelo

fails and starts abusing his power.

“Klata has not staged Shakespeare in Prague to comment

on the national situation – he has reached deeper than to

what are in the end third-rate party political games and environmental

compromises. And maybe it is precisely for this

reason his staging is so biting.”

Dariusz Kosiński, www.encyklopediateatru.pl. Shortened

version from “Tygodnik Powszechny” 2018 no. 10.

~

TWÓRCY / CREATORS

Reżyseria, adaptacja tekstu, reżyseria muzyki / Direction, adaptation, music direction: Jan Klata, Przekład / Translation: Martin Hilský, Scenografia / Set design: Justyna Łagowska

Choreografia / Choreography: Maćko Prusak, Dramaturgia / Dramaturgy: Iva Klestilová, Asystentka reżysera / Director’s assistant: Olga Słowik, Obsada / Cast: Jan Vlasák, Tereza

Dočkalová, Jan Teplý Jr, Ondřej Veselý, Jan Hušek, Vendula Fialová, Radek Valenta, Martin Němec, Kamila Trnková, Tomáš Dianiška, Martin Hruška, Václav Vostarek, Premiera /

Premiere: 27.01.2018, W spektaklu używane są światła stroboskopowe oraz palone są papierosy. Pełnią one istotną rolę w przedstawieniu. / The performance features strobe lights

and smoking. Cigarettes play an essential part in the performance.

fot. Britt Schilling

BEA VON MALCHUS, FREIBURG, NIEMCY / GERMANY

KRÓLOWE / QUEENS

2.08 / 3.08 / 19:00 / SCENA KAMERALNA TEATRU WYBRZEŻE W SOPOCIE / 125 MIN

Tego wieczoru to Elżbieta I pociąga za sznurki. Za to Maria Stuart ma dynamit, którym wysadzi swojego męża w powietrze.

Świetnie! Zasłużył sobie! Elżbieta wprawdzie nie ma męża, ale ma szafot – na który Maria będzie musiała się wspiąć.

Jeszcze nie teraz. W międzyczasie królowie uwięzieni są w garderobie, Szkoci w plisowanych spódniczkach galopują przez

wrzosowiska, malutcy katoliccy szpiedzy obrzygują sobie buty, a Fryderyk Schiller zastanawia się, czy kiedykolwiek czytał

Marię Stuart.

Nie zawsze możesz dostać to, czego chcesz… ale musisz zobaczyć Królowe. To jest i szkockie, i brytyjskie, i pełne muzyki!

~

Elizabeth I is the one who pulls the strings. But Mary Stuart has all the dynamite! Therewith she blows up her husband.

Excellent! He utterly deserves it! Elizabeth hasn’t got a husband but a scaffold – that’s where Mary has to go… – but not

just yet. In the meantime, kings are being locked away in their cloakrooms, highlanders gallop in pleated skirts through the

heather, tiny Catholic spies puke on their shoes and Friedrich Schiller marvels if he ever read “Mary Stuart”.

You can’t always get what you want!... but you must see “Queens”! It’s Scottish, its British and so full of music.

~

TWÓRCY / CREATORS

Reżyseria, koncepcja, tekst i wykonanie / Direction, concept, text and performance: Bea von Malchus

fot. Alessandro Serra

SARDEGNA TEATRO & COMPAGNIA TEATROPERSONA, SARDYNIA / WŁOCHY, SARDINIA / ITALY

MAKBET / MACBETH

4.08 / 5.08 / 18:00 / GDAŃSKI TEATR SZEKSPIROWSKI / 90 MIN

Makbet Szekspira zagrany po sardyńsku i, zgodnie z tradycją

elżbietańską, z męską obsadą. Pomysł narodził się w trakcie

pracy Alessandra Serry nad relacją fotograficzną z karnawałów

w sardyńskim regionie Barbagia. Ponure dźwięki

krowich dzwonków i starodawnych instrumentów, zwierzęce

skóry, dźwięki rogu, drzewa korkowe. Potęga gestów

i dźwięku, pokrewieństwo z Dionizosem, a jednocześnie

niebywała precyzja tańca i śpiewu. Posępne maski, krew,

czerwone wino, siły natury ujarzmione przez człowieka.

Ale przede wszystkim mroczna zima.

Zaskakująca jest liczba analogii pomiędzy Szekspirowskim

arcydziełem a różnorodnością masek, jakie możemy znaleźć

na Sardynii. Język sardyński nie tworzy ograniczeń, ale zamienia

w śpiew to, co w języku włoskim mogłoby pozostać

jedynie literaturą. Pusta scena ożywiona ciałami aktorów,

którzy tworzą scenografię i odgrywają postaci. Kamienie,

ziemia, żelazo, krew, bojowe pozy, ślady starożytnej cywilizacji

nuragijskiej. Materia, która nie przekazuje znaczeń,

lecz pierwotne siły oddziałujące na odbiorcę.

„Sceny w spektaklu posiadają niepohamowaną, pierwotną

energię, równocześnie piękną i straszną, a język sardyński (niezrozumiały

dla mnie i dla innych) rozpościera dźwiękową panoramę,

która jest nie mniej ponura i fascynująca niż ta widzialna.

Ale, co niezwykłe, te ponure elementy łączy ze sobą ukryta

ironia, chtoniczna, gotycka wesołość, która, tym razem, nie

szkodzi dramatowi, ale oswaja go i potęguje poprzez komedię”.

Graziano Graziani, „Minima & Moralia”

~

Shakespeare’s “Macbeth”, performed in Sardinian and, in

the pure Elizabethan tradition, by an all-male cast. The idea

originated in the course of Alessandro Serra’s photographic

coverage of the carnivals in Sardinia’s Barbagia region: the

gloomy sounds of cowbells and ancient instruments, the animal

skins, the horns, the cork; the power of the gestures and

of the voice, the kinship to Dionysus and, at the same time,

the incredible formal precision of the dances and chants; the

sullen masks and the blood, the red wine, the forces of nature

tamed by man. But, most of all, the dark winter.

What is surprising is the number of analogies between the

Shakespearean masterpiece and the variety of masks found

in Sardinia. The Sardinian language does not create limitations

but transforms into chant what in Italian might remain mere

literature. An empty playing space, animated by the bodies of

actors that create settings and conjure up presences. Stones,

earth, iron, blood, warrior stances, vestiges of the ancient

Nuragic civilisation. Matter that does not convey meanings

but primordial forces that act upon the receiver.

“The images of the performance possess a violent, archaic

power, both beautiful and terrible at the same time, and

the Sardinian language (incomprehensible to me and to many

others) opens up a sonorous panorama that is no less dour and

fascinating than the visible one. But, incredibly, what stitches

these grim elements together is a subterranean irony,

a chthonic and gothic hilarity that, for once, does not sabotage

the drama but tames it through comedy and exalts it.”

Graziano Graziani, “Minima & Moralia”

~

TWÓRCY / CREATORS

Reżyseria, scenografia, światła, kostiumy / Direction, set design, lighting and costumes: Alessandro Serra, Tłumaczenie na język sardyński i konsultacja językowa / Translation into

Sardinian and language advisor: Giovanni Carroni, Konsultacje ruchu scenicznego / Consultant for stage movement: Chiara Michelini, Muzyka – brzmiące kamienie w wykonaniu

Pinuccio Sciola / Music – sounding stones played by Pinuccio Sciola, Obsada / Cast: Fulvio Accogli, Andrea Bartolomeo, Leonardo Capuano, Giovanni Carroni, Andrea Carroni, Maurizio

Giordo, Stefano Mereu, Felice Montervino, Wsparcie / Support: Fondazione Pinuccio Sciola, Cedac Circuito Regionale Sardegna, Makbet uznany przez Włoskie Stowarzyszenie

Dziennikarzy Teatralnych za najlepsze przedstawienie teatralne roku, otrzymał prestiżową nagrodę Premio UBU 2017. / “Macbeth” was acknowledged by the Italian Theatre Critics

Association as the Best Italian Production in 2017 and was awarded the prestigious UBU prize.

fot. Greg Noo-Wak

KONKURS O ZŁOTEGO YORICKA / GOLDEN YORICK COMPETITION

TEATR MUZYCZNY CAPITOL, WROCŁAW, POLSKA / POLAND

MAKBET / MACBETH

4.08 / 20:30 / TEATR WYBRZEŻE W GDAŃSKU / 210 MIN (z przerwą / with interval) / 18+

Szkocja XI wieku – miejsce i czas, w którym życie ludzkie

nie waży wiele. Mężczyzna wart jest tyle, ile jego czyny

w bitwie, kobieta – jeśli rodzi zdrowych synów. Morderstwo

to sposób na pozbycie się wroga, ale i metoda sukcesji tronu.

W cenie są bezwzględność i odwaga, litość i wątpliwości

zrodzone z refleksji będą słabością. Dlatego pierwsza zbrodnia

Makbeta czyni następne koniecznymi. W świecie, który

raz spłynął krwią, nikt nie zachowa czystych rąk. W swojej

realizacji Makbeta Agata Duda-Gracz opowiada o pokuszeniu

i winie, o zaczynie zła, który w sobie nosimy, o tym, jak

tragicznie splatają się w nas dziedzictwo antyku i chrześcijaństwa.

Z niezwykłą precyzją analizuje związki między

postaciami: szukając pokrewieństw, zależności i motywów,

sięga do źródeł historycznych i tworzy wieloznaczne, przejmujące

tło dla głównych wątków dramatu.

„Duda-Gracz w swoim widowisku szuka Szekspirowskiego

monumentalizmu, wpisuje go w swoje rozumienie teatru

jako medium totalnego, działającego na wszystkie zmysły

widza, przytłaczającego go obrazem i dźwiękiem, okrucieństwem

w patrzeniu na człowieka i pragnieniem widzenia

w tym okrucieństwie dzikiego piękna. To Szekspir niemal

operowy, ale jednocześnie bliski tragedii greckiej, w której

człowiek jest igraszką Bogów i Przeznaczenia”.

Łukasz Drewniak

~

Eleventh-century Scotland – a place and a time in which human

life is not worth much. A man is worth as much as his

feats in battle, a woman by how many healthy sons she bears.

Murder is a way of disposing of one’s enemy, but also a method

for succession to the throne. Ruthlessness and courage

are highly prized, mercy and doubts ensuing from reflection

are weaknesses. That is why Macbeth’s first crime will make

further ones necessary. In a world in which blood is once spilt,

no-one can have clean hands. In her production of “Macbeth”,

Agata Duda-Gracz talks about temptation and guilt, about

the birth of the evil which we all carry within us, about how

tragically the heritage of the ancient world and Christianity

are mixed within us. With unusual precision, she analyses the

connections between figures: seeking relationships, dependencies

and motives, she reaches for historical sources and

creates an ambiguous, excruciating background for the main

themes of this tragedy.

“Duda-Gracz in her production looks for Shakespearean

monumentalism and writes it into her understanding

of the theatre as a total medium, acting on the viewer’s

every sense, crushing him / her with image and sound,

cruelty in looking at humanity and the desire to see wild

beauty in this cruelty. This is an almost operatic Shakespeare

but, at the same time, close to Greek tragedy,

in which man is a plaything of the Gods and Destiny.”

Łukasz Drewniak

~

TWÓRCY / CREATORS

Adaptacja, scenografia, kostiumy i reżyseria / Adaptation, set design, costumes, direction: Agata Duda-Gracz, Muzyka i kierownictwo muzyczne / Music and musical direction: Maja Kleszcz,

Wojciech Krzak, Reżyseria światła / Lighting director: Katarzyna Łuszczyk, Ruch sceniczny / Stage movement: Tomasz Wesołowski, Praca nad słowem / Dialogue coach: Michał Pabian, Przygotowanie

wokalne / Vocal preparation: Magdalena Śniadecka, Ewa Głowacka-Fierek, Realizacja dźwięku / Sound: Krzysztof Borowicz, Asystentki reżysera / Director’s assistants: Katarzyna

Dudzic-Grabińska, Natasza Sołtanowicz, Hanna Zbyryt, Asystentki scenografa / Set design assistants: Aleksandra Grabowska, Sara Sulej, Kaja Wolak, Obsada / Cast: Emose Uhunmwangho

(Hekate / Hecate), Helena Sujecka (Wiedźma I / First Witch), Agnieszka Oryńska-Lesicka (Wiedźma II / Second Witch), Alicja Konarska (gościnnie / guest) (Wiedźma III / Third Witch), Magda

Kumorek (gościnnie / guest) (Lady Makbet / Lady Macbeth), Cezary Studniak (Makbet / Macbeth), Maciej Maciejewski (Seyton), Łukasz Wójcik (Lulach / Porter), Maja Lewicka (Lady Lennox),

Bartosz Picher (Lennox), Igor Kowalunas (gościnnie / guest) (Menteith), Błażej Wójcik (Angus), Zbigniew Ruciński (gościnnie / guest) (Duncan), Elżbieta Kłosińska (Lady Malcolm), Artur Caturian

(Malcolm), Bożena Bukowska (Lady Donalbain), Tomasz Leszczyński (Donalbain), Ewa Szlempo (Lady Banquo), Krzysztof Wrona (gościnnie / guest) (Banquo), Bruno Krywiak (gościnnie /

guest) (Fleance), Justyna Szafran (Lady Macduff), Wojciech Brzeziński (gościnnie / guest) (Macduff), Klaudia Waszak (gościnnie / guest) (Syn Macduffa / Macduff’s son), Paulina Jeżewska

(gościnnie / guest) (Lady Ross), Tomasz Wysocki (gościnnie / guest) (Rosse), Adrian Kąca (Syn Macdonalda / Macdonald’s son) i inni / and others, Muzyka na żywo / Live music: Maja Kleszcz

(śpiew / singer, wiolonczela / cello), Marta Maślanka (cymbały / cymbals), Wojciech Krzak (lira anglosaska / Anglo-Saxon lyre), W nagraniach udział wzięli / Participants in the recordings: Maja

Kleszcz, Marta Maślanka, Bart Pałyga, Wojciech Krzak, Mix i / and mastering: Andrzej Izdebski, Premiera / Premiere: 13.10.2017

WKURZONE NA SZEKSPIRA / PISSED OFF WITH SHAKESPEARE

fot. Bartek Cieniawa

fot. Maciej Rukasz

fot. R. Mroczek

AST, KRAKÓW, POLSKA /

CRACOW, POLAND

#GWAŁT NA LUKRECJI /

#THE RAPE OF

LUCRECE

28.07 / 17:00, 21:00 / CZARNA SALA

TEATRU WYBRZEŻE W GDAŃSKU /

120 MIN

Spektakl bada problem przemocy seksualnej

wobec kobiet i powszechnego niedostrzegania

jej źródeł. Czy klasyczne teksty kultury wciąż

mogą być źródłem wiedzy o problemach współczesnych

kobiet?

„Młodzi adepci sztuki teatralnej swoje rozliczne

talenty wokalne, taneczne czy komiczne wykorzystali

do szczegółowej wiwisekcji kultury

gwałtu. Całość jest nie tylko atrakcyjna audiowizualnie,

ale wpisuje się w bieżący dyskurs społeczny”.

Wiktoria Tabak, „Teatralia”

~

The production examines the problem of sexual

violence towards women and of the universal imperceptibility

of its sources. Can classical cultural

texts still be a source of knowledge about the

problems of contemporary women?

“The young students of the theatrical arts have

used their numerous vocal, dance and comedy

talents in a particular vivisection of the culture

of rape. The whole is not only audio-visually attractive;

it also writes itself into the current social

discourse.” Wiktoria Tabak, “Teatralia”

~

TWÓRCY / CREATORS

Reżyseria / Director: Marcin Liber, Scenografia i kostiumy /

Design and costumes: Mirek Kaczmarek, Dramaturgia / Dramaturgy:

Martyna Wawrzyniak, Opracowanie muzyczne /

Musical arrangements: Natalia Hodurek, Filip Kaniecki, Konsultacje

choreograficzne / Choreographic consultant: Katarzyna

Anna Małachowska, Ruch sceniczny / Stage movement:

Joanna Pocica, Występują i współtworzą studenci IV roku

Wydziału Aktorskiego / Cast and co-creators – students of

the 4th Year of the Acting Faculty: Emma Giegżno, Melania

Grzesiewicz, Emma Herdzik, Natalia Hodurek,Katarzyna Nejman,

Joanna Pocica, Weronika Warchoł, Dawid Chudy, Mikołaj

Kubacki, Przemysław Kowalski, Mateusz Paluch, Stanisław

Twaróg, Premiera / Premiere: 17.03.2018

TEATR IM. H. CH. ANDERSENA,

LUBLIN, POLSKA / POLAND

HMLT

31.07 / 20:30 / TEATR WYBRZEŻE

W GDAŃSKU / 135 MIN / 16+

Android Homer16 zapoznał się z Hamletem. Jego

wrażenia były następujące: historia niezdecydowanego

księcia i jego szalonej dziewczyny, która uczy, że

wrogów trzeba pokonywać szybko i bezlitośnie, inaczej

oni pokonają nas. Jak będzie wyglądał Szekspirowski

świat, kiedy przepuści się go przez wyobraźnię

artificial intelligence?

„Hamlet został wykorzystany jako sposób na wyjście

nie tylko z tradycyjnie rozumianego teatru, ale

i z teraźniejszości po to, by spojrzeć w jutro, czyli –

jak to zazwyczaj bywa w przypadku science fiction –

w lustro”. Dominik Gac, Teatralny.pl

~

An android Homer16 – became acquainted with

“Hamlet”. Its impressions were as follows: the history

of the indecisive prince and his crazy girlfriend

teaches us that we should defeat our enemies quickly

and mercilessly, otherwise they will defeat us. How

will the Shakespearean world look when we pass

it through the imagination of artificial intelligence?

“‘Hamlet’ has been used not only as a way of going

out of the traditionally understood theatre but also

out of the present, in order to look at tomorrow, i.e.,

as usually happens in the case of science-fiction, into

the mirror.” Dominik Gac, Teatralny.pl

TWÓRCY / CREATORS

Reżyseria / Director: Magda Szpecht, Dramaturgia / Dramaturgy:

Łukasz Wojtysko, Tekst na podstawie Hamleta

Williama Szekspira w tłumaczeniu Stanisława Barańczaka

i HMLT Łukasza Wojtyski / Text on the basis of “Hamlet”

by William Shakespeare (translated by Stanisław

Barańczak) and “HMLT” by Łukasz Wojtysko, Przestrzeń,

scenografia i kostiumy / Space, design and costumes:

Zuza Golińska, Współpraca / Cooperation: Gosia Golińska,

Opracowanie muzyczne / Musical arrangements:

Krzysztof Kaliski, Konsultacja choreograficzna / Choreographic

consultant: Weronika Pelczyńska, Obsada /

Cast: Konrad Biel, Katarzyna Borek, Bogusław Byrski,

Gabriela Jaskuła, Mirella Rogoza-Biel, Natalia Sacharczuk,

Wioletta Tomica, Maria Wąsiel, Ilona Zgiet

TEATR BAGATELA, KRAKÓW,

POLSKA / CRACOW, POLAND

SZUKAJĄC ROMEA /

LOOKING FOR ROMEO

1.08 / 18:00, 20:00 / CZARNA SALA

TEATRU WYBRZEŻE W GDAŃSKU /

60 MIN

Każdy z siedmiu bohaterów spektaklu, powstałego

z inspiracji tragedią Szekspira, marzy o roli

Romea. Wychodząc od sytuacji przesłuchania,

grupa performerów zmierzy się z Szekspirowskimi

scenariuszami, wypróbowując ich emancypacyjny

potencjał. Łącząc pracę badawczą,

psychoterapię integracyjną przy keybordzie,

kulturystkę i melorecytacje, aktorzy wyruszą

na poszukiwania nieoczywistych i odrzuconych

portretów słynnego teatralnego kochanka.

~

Each of the seven protagonists in this production,

which was inspired by Shakespeare’s tragedy

“Romeo and Juliet”, dreams about playing

the role of Romeo. Starting from the auditions,

the group of performers will measure up to Shakespeare’s

scripts, trying out their emancipatory

potential. Combining research work, integrational

psychotherapy with keyboard accompaniment,

bodybuilding and melodeclamation, the

actors will set off on a search for un-obvious and

rejected portraits of this famous theatrical lover.

~

TWÓRCY / CREATORS

Reżyseria / Director: Klaudia Hartung-Wójciak, Scenariusz

/ Script: Klaudia Hartung-Wójciak, Marcin Wojciechowski,

Kostiumy / Costumes: Marcin Wojciechowski,

Opracowanie muzyczne / Musical arrangements: Kamil

Tuszyński, Przygotowanie wokalne / Vocal preparation:

Anna Branny, Kierownik muzyczny / Musical director:

Artur Sędzielarz, Reżyseria świateł / Lighting director:

Antek Grałek, Inspicjent, sufler / Stage manager, prompter:

Magdalena Gródek, Monika Handzlik, Obsada / Cast:

Piotr Różański, Maciej Sajur, Mateusz Górski, Robert

Nemś, Kamil Tuszyński, Tomasz Wesołowski, Marcin

Wojciechowski (Romeowie / Romeos), Małgorzata Biela,

Weronika Łukaszewska, Sebastian Grygo (Julie / Juliets),

Premiera / Premiere: 14.04.2018

GRZEGORZ BRAL

Reżyser teatralny, nauczyciel Aktorskiej Metody Koordynacji.

Prezes Stowarzyszenia Kultury Teatralnej Pieśń Kozła,

współzałożyciel i dyrektor artystyczny Teatru Pieśń Kozła,

dyrektor artystyczny Brave Festival – Przeciw wypędzeniom

z kultury, Brave Kids i Brave Together; dyrektor projektu

„Zasadźmy sobie las”, prezes Fundacji Bral. Od lat 90. działa

na rzecz organizacji charytatywnej ROKPA International.

W 2013 roku powołał własną szkołę teatralną w Londynie –

Bral School of Acting. Studiował literaturę, psychologię i wiedzę

o teatrze. Od 1987 do 1992 współpracował z Akademią

Praktyk Teatralnych „Gardzienice”. W latach 2010–2012 był

dyrektorem artystycznym Teatru Studio w Warszawie. Wielokrotnie

nagradzany za wybitne osiągnięcia artystyczne.

~

Theatre director, Acting Coordination Method teacher.

President of the Song of the Goat Association, co-founder

and artistic director of the Song of the Goat Theatre, artistic

director of the Brave Festival – Against Cultural Exile, Brave

Kids and Brave Together; director of the project “Let’s plant

a forest”; president of the Bral Foundation. Since the 1990s,

he has been working for the charity organisation ROKPA International.

In 2013, he established his own theatre school

in London – the Bral School of Acting. He studied literature,

psychology and theatre studies. From 1987 to 1992, he cooperated

with the Centre for Theatre Practices in Gardzienice.

From 2010 to 2012, he was the artistic director of the

Warsaw Studio Theatre. Grzegorz Bral has received numerous

awards for his outstanding artistic activities.

AGATA DUDA-GRACZ

Reżyser, scenograf, scenarzysta. Absolwentka historii

sztuki na Uniwersytecie Jagiellońskim i reżyserii dramatu

w Państwowej Wyższej Szkole Teatralnej w Krakowie. Autorka

46 spektakli, realizowanych w Krakowie, Wrocławiu,

Łodzi, Poznaniu, Gdyni i w Warszawie, oraz 53 scenografii.

~

Director, stage designer, scriptwriter. Graduate of History

of Art at the Jagiellonian University and Drama Directing at

the State Higher Theatrical School in Krakow. She has authored

46 productions in Kraków, Wrocław, Łódź, Poznań,

Gdynia and Warsaw, and 53 stage designs.

SYLWETKI

TWÓRCÓW /

CREATORS’ BIO

FERNANDO FERRER

Absolwent National School of Dramatic Arts, gdzie studiował

pod kierunkiem takich mistrzów, jak: Diego Cazabat,

Andrea Ojeda, Eugenio Barba i Javier Daulte. Jego spektakl

La Fiesta del Viejo jest obecnie prezentowany w Espacio

Callejón w Buenos Aires (Argentyna) oraz na scenach całego

kraju, natomiast Garra y Esplendor (Odwaga i splendor)

w Camarín de las Musas w Buenos Aires. Swój warsztat doskonalił

głównie na Narodowym Uniwersytecie w Luján oraz

na Uniwersytecie w Buenos Aires, a także w innych ośrodkach

naukowych i instytucjach kultury w Danii, Belgii, Szwecji,

Niemczech i Hiszpanii. Jedno z jego argentyńskich przedstawień

zostało zaprezentowane w 2015 na Off Broadwayu

w Nowym Jorku, natomiast La Fiesta del Viejo w wersji angielskiej

pojawi się na Broadwayu w 2019.

~

Graduated from the National School of Dramatic Arts,

where he studied under teachers such as Diego Cazabat,

Andrea Ojeda, Eugenio Barba and Javier Daulte. He currently

has a production of “The Old Man’s Birthday” at the Espacio

Callejón and on tour around the whole country, and “Garra

y Esplendor” [“Courage and Splendour”] at the Camarín de

las Musas. He has developed a large part of his work at the

National University of Lujan and the University of Buenos

Aires, as well as at other study centres and cultural institutions

in Denmark, Belgium, Sweden, Germany and Spain.

The latter play later opened in New York in 2015 off Broadway

and, in 2019, a version of “La Fiesta del viejo” in English

will open on Broadway.

KLAUDIA HARTUNG-WÓJCIAK

Reżyserka, dramaturżka, studentka reżyserii Akademii

Sztuk Teatralnych w Krakowie. W latach 2016–2018

współautorka i reżyserka instalacji performatywnej Przedwiośnie.

Ćwiczenia z wyobraźni historycznej, reżyserka

i autorka projektu Tkacze. Historia jak z życia wzięta,

a przez to bardzo smutna na podstawie Tkaczy Gerharta

Hauptmanna (nagroda na Forum Młodej Reżyserii 2016),

reżyserka spektaklu Szukając Romea; autorka instalacji

Maszyna choreograficzna na aturii i mimozy wstydliwe,

współautorka i reżyserka instalacji Kartoteka rozrzucona

2.016; dramaturżka spektakli Cezarego Tomaszewskiego;

reżyserka czytań performatywnych. Laureatka Konkursu

im. Jana Dormana 2018 i Stypendium Twórczego Miasta

Krakowa 2018.

~

Director, dramaturg, student of Directing at the Stanisław

Wyspiański Academy of Theatrical Arts in Kraków. From

2016 to 2018, co-author and performative installation

director of “Przedwiośnie. Ćwicenia z wyobraźni historycznej”

[“The spring to come. Exercises in historical imagination”];

director and author of the project entitled

“Tkacze. Historia jak z życia wzięta, a przez to bardzo

smutna” [“Weavers. A story taken as if from life and,

therefore, very sad”] on the basis of Gerhart Hauptmann’s

“Weavers” (award at the Young Directing Forum in 2016);

director of the production of “Szukając Romea” [“Looking

for Romeo”]; author of the installation “Maszyna choreograficzna

na aturii i mimozy wstydliwe” [“A choreographic

machine on aturia and mimosa pudica”]; co-author and installation

director of “Kartoteka rozrzucona 2.016” [“Scattered

file 2.016”], dramaturg for productions by Cezary Tomaszewski;

director of performative readings. Laureate in

the Jan Dorman Competition 2018 and the Creative Grant

of the City of Kraków 2018.

JANUSZ JÓZEFOWICZ

Choreograf, scenarzysta, aktor, reżyser. Twórca kilkudziesięciu

spektakli musicalowych, operowych i teatralnych

oraz widowisk telewizyjnych. Jest reżyserem, choreografem

i współscenarzystą najdłużej granego (ponad 27 lat bez przerwy)

musicalu Metro, który był nominowany do nowojorskiej

Tony Award. Został uhonorowany Złotą Maską dla najlepszego

reżysera, a rosyjska wersja Metra otrzymała tą samą

nagrodę dla najlepszego musicalu w 2000. Specjalizuje się

w tworzeniu widowisk multimedialnych m.in. Ça Ira Rogera

Watersa (Pink Floyd), Czarownice z Eastwick (Moskwa), Polita

(pierwszy na świecie musical w 3D). Od 1993 roku jest dyrektorem

artystycznym Studio Buffo – pierwszej prywatnej

sceny muzycznej w Polsce.

~

Choreographer, scriptwriter, actor, director. Creator of dozens

of musicals, operas, plays and television shows. Director,

choreographer and co-scriptwriter to the longest-running

musical, “Metro” (over 27 years without a pause), which was

nominated for the New York Tony Award for the best original

score and was awarded the Golden Mask in Moscow for the

best director. He specialises in creating multimedia shows,

e.g. “Ça Ira” by Roger Waters (Pink Floyd), “The Witches of

Eastwick” (Moscow) and the world’s first 3D live musical

“Polita”. Since 1993, he has been the artistic director of Studio

Buffo – the first private music stage in Poland.

JAN KLATA

Reżyser teatralny, dramaturg. Od 2013 do 2017 pełnił funkcję

dyrektora Narodowego Starego Teatru w Krakowie. Studiował

na Wydziale Reżyserii Państwowej Wyższej Szkoły

Teatralnej w Warszawie, a następnie na Wydziale Reżyserii

Dramatu PWST w Krakowie. Zadebiutował jako reżyser

w 2003 Rewizorem Mikołaja Gogola w Teatrze Dramatycznym

w Wałbrzychu. Zrealizował ponad 30 spektakli: we Wrocławiu,

w Gdańsku, Bydgoszczy, Krakowie i Warszawie oraz

Grazu, Dusseldorfie, Bochum i Berlinie. Jednym z najważniejszych

jest głośny spektakl H. wg Hamleta, grany w Stoczni

Gdańskiej (Teatr Wybrzeże, 2004). Laureat wielu nagród,

m.in. Paszportu „Polityki” i Nagrody im. Konrada Swinarskiego

oraz nagrody Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego.

~

Theatre director and dramaturg. Director of the Helena

Modrzejewska National Old Theatre in Kraków from 2013

to 2017. Studied at the Directing Faculty of the State Higher

Theatrical School in Warsaw, then at the Drama Directing

Faculty at the State Higher Theatrical School in Kraków.

Debuted as a director in 2003 with Nikolai Gogol’s “The

Government Inspector” in the Jerzy Szaniawski Dramatic

Theatre in Wałbrzych. Since then he has realised over 30

productions in Wrocław, Gdańsk, Bydgoszcz, Kraków and

Warsaw, as well as Graz, Dusseldorf, Bochum and Berlin.

One of his most important works is the controversial “H.”,

based on Shakespeare’s “Hamlet”, staged in Gdańsk Shipyard

in 2004 with the Wybrzeże Theatre. Jan Klata has won

many awards, including the “Polityka” Passport, the Konrad

Świniarski Award and the Minister of Culture and National

Heritage Award.

MOSTAFA KOUSHKI

Urodzony w 1984 w Khorramabadzie. Magister teatrologii

Wydziału Sztuk Pięknych w Teheranie. Wyreżyserował: The

Wind will Quake the Glass, Autumn the Year Nineteen War,

The Charmer, Flat No. War. Zagrał także w Volpone albo lis.

~

Born in 1984 in Khorramabad. MA in Theatre from the Tehran

Faculty of Fine Arts. He has directed “The Wind shakes the

Window”, “Autumn the Year Nineteen War”, “The Charmer”,

“Flat No. War”. He has acted in “Volpone”.

MARCIN LIBER

Reżyser, scenograf i scenarzysta, jeden z założycieli teatru

Usta Usta. Studiował kulturoznawstwo na Uniwersytecie

im. Adama Mickiewicza w Poznaniu. Jako aktor występował

w Teatrze Biuro Podróży. Debiutował jako reżyser

w 2000, wyreżyserował ponad 20 spektakli, m.in. Śmierć

Człowieka-Wiewiórki, Utwór o matce i ojczyźnie, Wesele,

III Furie (nagroda na Ogólnopolskim Konkursie na Wystawienie

Polskiej Sztuki Współczesnej za koncepcję inscenizacyjną),

Trash story, Antygona (Złota Maska dla najlepszego

przedstawienia sezonu 2012/2013), Na Boga! (nagroda

główna dla spektaklu oraz za reżyserię na XII Festiwalu

Dramaturgii Współczesnej „Rzeczywistość przedstawiona”

w Zabrzu). Jest laureatem wielu nagród, m.in. Lauru Konrada

na Festiwalu Sztuki Reżyserskiej „Interpretacje” w Katowicach.

~

Director, stage designer, scriptwriter, one of the founders

of the Usta Usta [“Mouth to mouth”] Theatre. Graduated

in Cultural Studies from the Adam Mickiewicz University

in Poznań. As an actor, performed with the Biuro Podróży

[“Travel Agency”] Theatre. He made his debut as a director

in 2000 and has directed over 20 productions, including

“Śmierć Człowieka-Wiewiórki” [“The death of Squirrel-man”],

“Utwór o matce i ojczyźnie” [“A work about

a mother and the fatherland”], “Wesele” (“The wedding”),

“III Furie” [“Three furies”] (award at the Polish National

Competition for the Staging of a Contemporary Polish Play

for the staging concept), “Trash story”, “Antigone” (Golden

Mask for the best production of the 2012/2013 season), “Na

Boga!” [“For God’s sake!”] (Main prize for the production and

the directing at the 12th Contemporary Dramaturgy Festival,

entitled “Rzeczywistość przedstawiona”, [“Reality

presented”] in Zabrze. Laureate of many awards, including

the Konrad Award at the “Interpretacje” [“Interpretations”]

Festival for Directing Arts in Katowice.

BEA VON MALCHUS

Niezależna aktorka i reżyserka, z wykształcenia magister filologii

germańskiej i historii. Od 1981 na stałe związana jest

z różnymi teatrami w Niemczech i Szwajcarii jako aktorka,

dramaturżka, reżyserka i pisarka. W 1996 zaczęła opowiadać

bajki i robi to do dziś. Otrzymała trzyletnie stypendium

miasta Freiburg za wybitne osiągnięcia w dziedzinie teatru.

Za swą produkcję Nibelungi została uhonorowana Stuttgarcką

Nagrodą Teatralną (nagroda publiczności i druga nagroda

jury) oraz Heidelberską Nagrodą Teatralną (nagroda publiczności

i nagroda jury), a także nominowana do Szwajcarskiej

Nagrody Małych Sztuk. Obecnie w jej repertuarze jest 9 indywidualnych

spektakli teatralnych na podstawie powszechnie

znanych tekstów, m.in. Henryk VIII, Śpiąca królewna, Siedem

grzechów głównych czy Shake Lear.

~

Independent actor and director with an M.A. in German Philology

and History. Since 1981, she has been permanently

connected with various theatres in Germany and Switzerland

as an actor, dramaturg, director and writer. In 1996, she began

to tell fairy stories and does so to this day. She was awarded

a three-year grant from the city of Freiburg for her outstanding

achievements in the field of theatre. For her production of

“Nibelungen” she won the Stuttgart Theatre Award (audience

prize and jury second prize) and the Heidelberg Theatre Award

(audience award and jury award) and she was also nominated

for the Swiss Small Plays Award. There are currently 9 individual

theatrical productions in her repertoire based on universally

known texts, including “Henry VIII”, “Sleeping Beauty”,

“Seven deadly sins” and “Shake Lear”.

EWELINA MARCINIAK

Etatowa reżyserka Teatru Wybrzeże. Ukończyła europeistykę

i dramatologię na Uniwersytecie Jagiellońskim oraz

reżyserię dramatu w Państwowej Wyższej Szkole Teatralnej

w Krakowie. Wyreżyserowała m.in. Zbrodnię Michała

Buszewicza (nagroda na 17. Ogólnopolskim Konkursie na

Wystawienie Polskiej Sztuki Współczesnej i 11. Festiwalu

Prapremier w Bydgoszczy), Nowe Wyzwolenie Witkacego

(nagroda na 2. Koszalińskich Konfrontacjach Młodych

m-teatr), Morfinę Szczepana Twardocha (trzy Złote Maski,

w tym za reżyserię i najlepszy spektakl), Śmierć i dziewczynę

wg Elfriede Jelinek oraz Księgi Jakubowe Olgi Tokarczuk.

W Teatrze Wybrzeże wyreżyserowała nagradzane Amatorki

Elfriede Jelinek i Portret damy Henry’ego Jamesa oraz Ciąg

Michała Buszewicza. Laureatka Talentu Trójki i Paszportów

„Polityki” w kategorii Teatr.

~

Full-time director at the Wybrzeże Theatre in Gdańsk. Graduate

in European Studies and Dramatology at the Jagiellonian

University and in Drama Directing at the State Higher

Theatrical School, both in Kraków. She directed, among other

things, “Zbrodnia” [“Crime”] by Michał Buszewicz (prize at the

17th Polish National Competition for the Staging of a Polish

Contemporary Play and the 11th Premiere Festival in Bydgoszcz),

“Nowe Wyzwolenie” [“New Liberation”] by Stanisław

I. Witkiewicz (prize at the 2nd Koszalin Confrontations

of Theatrical Youth, m-teatr), ”Morfina” [“Morphine”] by

Szczepan Twardoch (three Golden Masks, including for directing

and best production), “Śmierć i dziewczyna” (“Death

and the maiden”) according to Elfriede Jelinek and “Księgi

Jakubowe” (“The Books of Jacob”) by Olga Tokarczuk. In the

Wybrzeże Theatre, she directed the award-winning “Amatorki”

(“Women as lovers”) by Elfriede Jelinek and “Portret damy”

(“Portrait of a lady”) by Henry James as well as “Ciąg” [“Bender”]

by Michał Buszewicz. Laureate of the 3rd Polish Radio

programme’s “Talenty Trójki” [“The 3rd Programme’s Talents”]

and the “Polityka” Passport.

ALESSANDRO SERRA

Początki działalności teatralnej Alessandra Serry pozostają

pod wpływem twórczości Ingmara Bergmana. Uczył się

aktorstwa, studiując ruch i śpiew vibrato – według tradycji

Jerzego Grotowskiego – a następnie przeszedł do biomechaniki

teatralnej, stworzonej przez Wsiewołoda Meyerholda

i Etienne’a Decroux. W młodym wieku poznał sztuki walki

i wykorzystuje je jako uzupełnienie wykształcenia teatralnego.

Skończył studia na Wydziale Sztuk Scenicznych Uniwersytetu

La Sapienza w Rzymie, pracę dyplomową poświęcił

dramaturgii obrazu. W trakcie studiów poznał Ives’a Lebretona

i jego Teatr Cielesny, co wpłynęło na jego późniejszą twórczość.

W 1999 założył Compagnia Teatropersona, z którym wystawia

na scenie swoje scenariusze, odpowiada także za scenografię,

kostiumy, światło i dźwięk. Spektakle Teatropersona

były dotąd prezentowane we Włoszech i Francji, w Szwajcarii,

Korei, Rosji, Hiszpanii, Bułgarii, Polsce i Niemczech.

~

Ingmar Bergman’s practice of transcription for the stage represents

Alessandro Serra’s first approach to the theatre. He

trained as an actor, studying physical actions and vibrating

singing – as in the Grotowski tradition – and then got to

the objective laws of moving, written down by Mejercho’ld

and Decroux. Since he was young, he has practised martial

arts, using them as a complement to his theatrical training.

He graduated in Arts and Performing Studies at the Sapienza

University of Rome, with a dissertation on Image Dramaturgy.

The meeting with Yves Lebreton and his Physical

Theatre during his studies was crucial for his shaping. In

1999, he founded Compagnia Teatropersona, with which

he started staging his scripts, creating heads and setting

up scenes, costumes, lights and sounds on his own. With

his company, Teatropersona, he has toured his shows in

Italy, France, Switzerland, Korea, Russia, Spain, Bulgaria,

Poland and Germany.

MAGDA SZPECHT

Artystka teatralna, autorka instalacji i spektakli. Absolwentka

Wydziału Reżyserii Państwowej Wyższej Szkoły

Teatralnej w Krakowie oraz Dziennikarstwa i Komunikacji

Społecznej na Uniwersytecie Wrocławskim. Reżyserka

spektaklu Delfin, który mnie kochał (nagroda jury na 100°

Berlin Festival; prezentowany m.in. w Marsylii, Hanowerze,

Warszawie, Bukareszcie). Zrealizowała takie spektakle,

jak: Możliwość wyspy, Ostatnie zwierzęta, Schubert.

Romantyczna kompozycja na 12 wykonawców i kwartet

smyczkowy (nagrodzony w 22. Ogólnopolskim Konkursie

na Wystawienie Polskiej Sztuki Współczesnej oraz na

10. Międzynarodowym Festiwalu Boska Komedia w Krakowie),

In Dreams Begin Responsibilities (główna nagroda

na 8. Koszalińskich Konfrontacjach Młodych m-teatr).

Jej ostatni spektakl to HMLT.

~

Theatrical artist, author of installations and productions.

Graduate of the Directing Faculty of the State Higher

Theatrical School in Kraków and of Journalism and Social

Communication at Wrocław University. Director of

the production of “Dolphin who loved me” (Jury prize at

the 100th Berlin Festival and staged in Marseille, Hanover,

Warsaw and Bucharest, among other places). She

also directed such productions as “Możliwość wyspy”

[“An island’s possibility”], “Ostatnie zwierzęta” [“The last

animals”], “Schubert. Romantyczna kompozycja na 12

wykonawców i kwartet smyczkowy” [“Schubert: A romantic

composition for 12 performers and a string quartet”]

(prizes at the 22nd Polish National Competition

for the Staging of a Polish Contemporary Play and at the

10th International Divine Comedy Festival in Kraków), “In

Dreams Begin Responsibilities” (Main prize at the 8th Koszalin

Confrontations of Theatrical Youth, m-teatr). Her

latest production is “HMLT”.

SZEKSPIROFF

PROGRAM /

SHAKESPEAREOFF PROGRAMME


15:00 MAKBET / MACBETH, reż. Klaudyna Rozhin, Divadlo Kontra, Słowacja 55 MIN TwO


16:00

DWAJ PANOWIE Z WERONY / TWO GENTLEMEN OF VERONA

reż. Carl Heap, Royal Academy of Dramatic Art, Wlk. Brytania

90 MIN BOTO

19:00 MAKBET / MACBETH, reż. Klaudyna Rozhin, Divadlo Kontra, Słowacja 55 MIN TwO


17:00

BLESS THE KING_NIELIRYCZNA PIEŚŃ / BLESS THE KING_A NON-LYRICAL SONG

kreacja i wykonanie: Anna Piotrowska & Kamil Bończyk, Teatr Rozbark, Polska

30 MIN Kameralna

20:30, 22:00 HAMLET, reż. Radosław Stępień, AST Kraków, IV rok WRD, Polska 60 MIN TwO

30.07.2018 / PONIEDZIAŁEK / MONDAY

17:00

17:00

RYSZARD. NIECH ŻYJE KRÓL / RICCARDO. LONG LIVE THE KING,

reż. Paolo Alessandri, Sofia Amendolea Theatre Company, Włochy

31.07.2018 / WTOREK / TUESDAY

RYTUAŁ 23 ALBO OBRAZY ZE ŚMIERCI WODZA / RITUAL 23 OR IMAGES FROM THE

DEATH OF A LEADER, Piotr Mateusz Wach, Polska

1.08.2018 / ŚRODA / WEDNESDAY

80 MIN Kameralna

40 MIN TwO

15:30, 18:00 #LADY JOANNA, reż. Joanna Chułek, Polska 50 MIN TwO

19:30

21:30

SHAKETHERAPY. SZTUKA ŻYCIA / SHAKETHERAPY. THE ART OF LIFE

reż. Aneta Muczyń, Białołęckie Zagłębie Teatralne, Polska

STOJĘ NA BRZEGU RZEKI / I STAND AT THE EDGE OF THE RIVER

reż. Magdalena Mellin/Monika Wińczyk aka Pink & Yellow, Polska

80 MIN KFK

45 MIN Plener

22:30 NIENAWIŚĆ / HATRED, reż. Paweł Budziński, Teatr Bakałarz, Polska 50 MIN Plener

2.08.2018 / CZWARTEK / THURSDAY

18:30, 20:30 HAMLET, Unteatru, Rumunia 50 MIN Czarna Sala

22:15

14:00

17:00

22:00

17:00

17:00

SEN NOCY LETNIEJ / A MIDSUMMER NIGHT’S DREAM,

reż. Philip Parr, Parrabbola, Wlk. Brytania



reż. Philip Parr, Parrabbola, Wlk. Brytania

DWAJ PANOWIE Z WERONY / TWO GENTLEMEN OF VERONA

reż. Carl Heap, Royal Academy of Dramatic Art, Wlk. Brytania

HAMLET, CZYLI OFELIA / HAMLET, I.E. OPHELIA

reż. i dram.: Daria Kubisiak, AST Kraków, IV rok WRD, Polska


RYSZARD. NIECH ŻYJE KRÓL / RICCARDO. LONG LIVE THE KING

reż. Paolo Alessandri, Accademia Teatrale di Roma Compagnia Giovani, Włochy


RYTUAŁ 23 ALBO OBRAZY ZE ŚMIERCI WODZA / RITUAL 23 OR IMAGES FROM THE

DEATH OF A LEADER, Piotr Mateusz Wach, Polska

60 MIN Plener

60 MIN Plener

90 MIN BOTO

45 MIN KFK

80 MIN Kameralna

40 MIN TwO

Spektakl z Włoch tłumaczony na j. polski, spektakl z Rumunii tłumaczony na j. polski i j. angielski; inne wydarzenia nietłumaczone /

Romanian performance with English surtitles. Other events not translated

fot. Greg Goodale

fot. archiwum RADA / RADA archive

fot. Krzysztof Kadis

DIVADLO KONTRA, SŁOWACJA /

SLOVAKIA

MAKBET / MACBETH

27.07 / 15:00 / 28.07 / 19:00 / TWO /

55 MIN

W naszym spektaklu nie ma króla Duncana, nie ma

Banqua, Macduffa, nie ma nawet Lady Makbet.

Jest tylko tytułowy bohater. Człowiek, który cierpi.

Cierpi, bo identyfikuje się ze stworzonym przez

jego umysł fałszywym ego i jego historią. Czy rzeczywiście

jest mordercą, czy też zdarzenia, które

odgrywa, są tylko projekcją jego umysłu? Cierpienie

stwarza jednak możliwość przebudzenia. Czy

mu się uda? Czy miecz przetnie iluzję? Czy Makbet

przebudzi się do stanu świadomości? Czy wyzwoli

się z władzy umysłu, zamieni opór na akceptację

i odnajdzie swoje prawdziwe ja – istnienie?

~

In our production, there is no King Duncan, no

Banquo, no Macduff, not even Lady Macbeth.

There is only the eponymous protagonist: a man

who suffers. He suffers because he identifies

himself with his false ego and his history, which

have been created by his own mind. Is he really

a murderer or are the events that he participates

in simply projections of his mind? Suffering, however,

creates the possibility of awakening. Will it

work? Can a sword cut through the illusion? Can

Macbeth waken into a state of consciousness?

Can he free himself from the authority of the

mind, change resistance into acceptance and find

his own real self – being?

TWÓRCY / CREATORS

Adaptacja, scenografia i reżyseria / Adaptation, set design

and direction: Klaudyna Rozhin, Tekst inspirowany

naukami Eckharta Tolle’a i jego książką Potęga teraźniejszości

/ The text was inspired by the teachings of Eckhart

Tolle and his book “The Power of Now”. Przekład

/ Translation: Zora Jesenská, Występuje / Performer:

Peter Čižmár, Premiera / Premiere: 19.05.2013, Wsparcie

finansowe: Ministerstwo Kultury Słowacji / Supported

financially by: the Slovak Arts Council

THE ROYAL ACADEMY OF DRAMATIC

ART, WIELKA BRYTANIA / GREAT

BRITAIN

DWAJ PANOWIE

Z WERONY / TWO

GENTLEMEN OF

VERONA

28.07 / 16:00 / 3.08 / 17:00 / BOTO,

SOPOT / 90 MIN

Proteusz kocha Julię, a Walentyn Sylwię – do

czasu, gdy Proteusz ujrzy Sylwię, a jego niestałość

uczuć doprowadzi do plątaniny żądz i przebieranek.

Wczesna sztuka Szekspira koncentruje

się na rozkoszach i zagrożeniach gwałtownego

zauroczenia. Jest to sztuka stworzona po to, aby

porwać i zatrzymać tę trudniejszą, prawdopodobnie

stojącą, publiczność, zachęcić ją do pozostania,

bycia zabawianym i, wreszcie, sięgnąć do jej

kieszeni.

~

Proteus loves Julia and Valentine loves Silvia until

Proteus sets eyes on Silvia and his fickle affections

prompts a tangle of desire and disguise. Shakespeare’s

early play encompasses the joy and peril

of violent infatuation. This is a play designed to

grab and hold a non-captive and probably standing

audience, inviting them to stay, be entertained

and dig into their pockets at the end.

TWÓRCY / CREATORS

Reżyseria / Director: Carl Heap, Wsparcie techniczne

/ Technical support: David Purdie-Smith, Występują /

Performers: Cayvan Coates, Sam Page, Jack Flammiger,

Sarah Eve, Mara Allen, Georgia Silver, Hannah Onslow,

Rachel Feeney

PIOTROWSKA / BOŃCZYK & TEATR

ROZBARK, BYTOM, POLSKA /

POLAND

BLESS THE KING_

NIELIRYCZNA PIEŚŃ

/ BLESS THE KING_A

NON-LYRICAL SONG

29.07 / 17:00 / SCENA KAMERALNA

TEATRU WYBRZEŻE W SOPOCIE /

30 MIN

Główną inspiracją spektaklu stał się dramat Williama

Szekspira Król Lear, a właściwie relacja Króla

Leara z jego najmłodszą córką Kordelią. Jest to

historia jawiąca się w umyśle Leara w końcowej

fazie dramatu. Jego wyrzuty sumienia przybierają

formę cielesnej interakcji, bazującej na napięciach,

w której obecność staje się przytłaczająca.

Wszystko to dzieje się w przestrzeni będącej już

jedynie strzępem domu, gdzie ciągle pojawiająca

się Kordelia staje się przekleństwem Leara.

~

The main inspiration was William Shakespeare’s

tragedy “King Lear”, in particular the relations between

King Lear and his youngest daughter, Cordelia.

This is a story about what occurs in Lear’s

mind in the final stage of the play. His pricks of

conscience take on the form of bodily interaction,

based on tensions in whose presence it becomes

crushing. All of this takes place in a space which

is already the shreds of a home, in which the constantly

appearing Cordelia becomes Lear’s curse.

TWÓRCY / CREATORS

Kreacja i wykonanie / Creation and performers: Anna

Piotrowska, Kamil Bończyk, Premiera / Premiere:

24.06.2017

fot. Sebastian Góra

fot. Mateusz Woźniak

fot. Fabio Barbati

PREZENTACJA POZAKONKURSOWA /

NON-COMPETITION /

GRAND PRIX SZEKSPIROFF 2017

AST, IV ROK WRD / 4TH YEAR OF THE

FACULTY OF THEATRE DIRECTING,

KRAKÓW, POLSKA / CRACOW,

POLAND

HAMLET

29.07 / 20:30 / 22:00 / TWO / 60 MIN

Spektakl jest próbą zadania pytania o rolę artysty

we współczesnym świecie, o jego odpowiedzialność

wobec odbiorcy sztuki i jego kondycję jako

człowieka żyjącego w ramach tych samych zobowiązań

społecznych co reszta obywateli. Konflikt

rodzinny z dramatu Szekspira staje się przestrzenią

badania ludzkich relacji. Tekst to autorski dramat

pisany na bazie improwizacji, z cytatami m.in.

z Hamleta, Historii Witolda Gombrowicza i Factory

2 Krystiana Lupy.

~

This production is an attempt to ask a question

about the role of artists in the contemporary

world, about their responsibility towards receivers

of the arts and about their condition as people

living within the framework of the same social

obligations as the rest of the citizens. The family

conflict from Shakespeare’s play becomes a space

for looking into interpersonal relations. The text

has been written in the process of improvisation,

including quotations from the “Hamlet”, “History”

by Witold Gombrowicz and “Factory 2” by Krystian

Lupa.

TWÓRCY / CREATORS

Reżyseria i scenariusz / Direction and script: Radosław

Stępień, Scenografia, kostiumy i materiały audio-wideo /

Set design, costumes and audio-visual materials: Eliza

Gałka, Mateusz Woźniak, Występują / Performers:

Klaudia Bełcik, Monika Roszko, Maciej Grubich, Paweł

Pogorzałek, Ireneusz Mosio, Sebastian Magdziński, Michał

Sikorski, Jakub Guszkowski Opieka pedagogiczna /

Teaching supervisor: dr Remigiusz Brzyk

SOFIA AMENDOLEA THEATRE

COMPANY, WŁOCHY / ITALY

RYSZARD. NIECH ŻYJE

KRÓL / RICCARDO.

LONG LIVE THE KING

30.07 / 4.08 / 17:00 / SCENA KAME-

RALNA TEATRU WYBRZEŻE W SOPO-

CIE / 80 MIN

Co Ryszard może robić w czasie pokoju? Nie

jest stworzony do czerpania radości z dworskich

uciech. Jego żywioł to wojna… Dopiero po włożeniu

królewskiej korony na swą nieforemną głowę,

mógłby przestać czuć się potworem i wreszcie

zacząć kogoś „przypominać”. By to osiągnąć, posunie

się do oszustwa i zamorduje członków najbliższej

rodziny: nie może być żadnych przeszkód

między nim a jego marzeniem. Kompleks niższości

Ryszarda staje się szaleństwem wszechmocy.

~

What can Richard do in times of peace? He is not

made for enjoying the Court’s cheerful pleasures.

His only ability is war… Only by putting on his lopsided

head the crown of king can he stop feeling

a monster and start finally ‘resembling’. To do this,

he will deceive and kill the blood of his blood: no

obstacle can come between him and his dream.

Richard’s inferiority complex has definitely become

the delirium of omnipotence.

TWÓRCY / CREATORS

Reżyseria, scenografia / Director, set designer: Paolo

Alessandri, Tekst luźno oparty na dramacie Ryszard III

Williama Szekspira. / Text loosely based on “Richard III”

by William Shakespeare, Występują / Performers: Sophia

Angelozzi, Ilaria Arcangeli, Alessandra Barbonetti,

Selena Bellussi, Stefano Bramini, Lucrezia Coletti, Daniele

Flamini, Eleonora La Pegna, Gabriele Namio, Sara

Roscetti, Kostiumy / Costume: Monica Raponi, Producent

/ Production manager: Flavia Martino, Premiera /

Premiere: czerwiec / June 2017

Z TŁUMACZENIEM NA JĘZYK POLSKI /

WITH POLISH SURTITLES

PIOTR MATEUSZ WACH, POLSKA /

POLAND

RYTUAŁ 23 ALBO

OBRAZY ZE ŚMIERCI

WODZA / THE RITUAL

23 OR THE IMAGES OF

THE EMPEROR’S

DEATH

31.07, 5.08 / 17:00 / TWO / 40 MIN

/ 18+

Piotr Mateusz Wach, podążając tropem spektaklu

Ryszard. Ciało z gniewu, postanawia zmierzyć

się z kolejnym legendarnym Szekspirowskim bohaterem.

Inspirując się japońskim tańcem butō,

artysta poświęca swoje ciało, aby wykreować

skomplikowany konstrukt psychologiczny postaci

wielkiego rzymskiego wodza, przedstawiając go

w sytuacji skrajnej i ostatecznej.

~

Piotr Mateusz Wach, following in the tracks of the

spectacle entitled “Richard. A Body in Anger”, has

decided to face up to another legendary Shakespearean

protagonist. Inspired by the Japanese

butō dance, the artist sacrifices his body to create

a complicated psychological construct of the figure

of the great Roman leader, presenting him in

an extreme and final situation.

TWÓRCY / CREATORS

Koncepcja, choreografia, wykonanie / Concept, choreography,

performer: Piotr Mateusz Wach, Grafika /

Graphics: Leonardo Grillo, Wokal / Vocal: Julia Kępisty,

Oświetlenie / Lighting: Łukasz Sasko, Montaż / Montage:

Bartosz Cybowski, Premiera / Premiere: 3.08.2017, Tekst

na podstawie ksiażek: Juliusz Cezar Williama Szekspira

(w przekładzie Leona Urlicha); O wojnie galijskiej Gajusza

Juliusza Cezara, O wojnie domowej Gajusza Juliusza Cezara,

Gajusz Juliusz Cezar Aleksandra Krawczuka / Text

based on “Julius Caesar” by William Shakespeare (translation

into Polish by Leon Urlich); “De Bello Gallico” by

Gaius Julius Caesar; “De Bello Civili” by Gaius Julius,

Caesar; “Gaius Julius Caesar” by Aleksander Krawczuk.

Spektakl zawiera elementy nagości. / Performance contains

elements of nudity.

fot. Piotr Mateusz Wach

fot. Magdalena Wdowicz-Wierzbowska

fot. Michał Jędrzejowski

JOANNA CHUŁEK, POLSKA /

POLAND

#LADY JOANNA

1.08 / 15:30, 18:00 / TWO / 50 MIN

#Lady JOanna to drugi spektakl Joanny Chułek

z serii spotkań 1:1, którą rozpoczęła w 2017 roku.

Próba zrozumienia Lady Anny – żony Ryszarda III,

a jednocześnie zmierzenia się z wyobrażeniem postaci.

Lady JOanna – aktorka / postać – patrzą na

siebie niczym w lustrze zbrodni, które popełniono.

Kobieta o niezwykłej sile, która pomaga jej zaakceptować

bolesną prawdę o rzeczywistości.

Nie ofiara o twarzy z nieskończoną ilością policzków…

~

“#Lady JOanna” is the second production in Joanna

Chułek’s series of meetings 1:1, which began

in 2017.

It is an attempt to understand Lady Anne, Richard

III’s wife, and, at the same time, to measure up to

an understanding of this figure. Lady JOanna – the

actor and figure – look at themselves as if in a mirror

of the crime that has been committed.

A woman of uncommon strength, which helps her

to accept the painful truth of reality.

This is not a victim with the face of an unlimited

number of slaps in the face...

TWÓRCY / CREATORS

Koncepcja, reżyseria i wykonanie / Concept, direction

and performance: Joanna Chułek, Współpraca reżyserska

/ Directorial co-operation: Aneta Jankowska, Muzyka

/ Music: Jędrzej Jarocki, Kostiumy, scenografia /

Costumes, set design: Joanna Załęska

BIAŁOŁĘCKIE ZAGŁĘBIE TEATRALNE,

POLSKA / POLAND

SHAKETHERAPY.

SZTUKA ŻYCIA /

SHAKETHERAPY. THE

ART OF LIFE

1.08 / 19:30 / KFK / 80 MIN

Osią dramaturgiczną przedstawienia jest historia

ludzi, którzy przybywają w nietypowe miejsce, by

podczas osobliwych warsztatów podnieść swoje

życiowe kompetencje, odnaleźć drogę do siebie

czy też przegonić własne demony. Fragmenty

dzieł stratfordczyka, są świetnym przykładem na

to, że Szekspir rymuje się ze światem bez względu

na czas i szerokość geograficzną. Oryginalna

formuła przedstawienia wymaga, by scenariusz

pisany był niejako na scenie, wykorzystując

w procesie tworzenia improwizację i analizę widzów

i twórców.

~

The dramaturgical axis of this production is the

history of people who come to an uncommon

space in order to increase their life competences,

to find a way to themselves or to exorcise their

own demons – and all through a series of specific

workshops. Fragments of works of Shakespeare,

serve as excellent examples of the fact that

Shakespeare is in tune with the world, regardless

of time and geographical latitude. The original formula

of this production demands that the script

be written on the stage, exploiting, in the process

of creation, improvisation and an analysis of the

audience and the artists.

TWÓRCY / CREATORS

Reżyseria / Director: Aneta Muczyń, Scenariusz / Script:

Aneta Muczyń, Anna Szafrańska, Wojciech Wierzbowski

Scenografia, światło / Set design, lighting: Maciej Czuchryta,

Wideo / Video: Maciej Czuchryta, Rafał Kruszka

Muzyka / Music: Agnieszka Szczepaniak, Realizacja

światła i dźwięku / Light and sound: Szymon Górzyński,

Kamil Kaczmarek, Dramaturgia / Dramaturgy: Anna

Szafrańska, Występują / Performers: Wiktor Skowroński,

Emilia Księżyk, Paula Brzezińska, Wojciech Wierzbowski,

Marcin Pasierbski, Dorota Słowikowska, Rafał Sawuła,

Wiktoria Głozak, Weronika Grabowska, Premiera / Premiere:

25.11.2017

MELLIN / WIŃCZYK AKA PINK

& YELLOW, POLSKA / POLAND

STOJĘ NA BRZEGU

RZEKI / I STAND AT THE

EDGE OF THE RIVER

1.08 / 21:30 / GTS PLENER / 45 MIN

Ofelia, opuszczona przez wszystkich, którym ufała,

zdradzona, poniżana i wykorzystywana, stoi

na brzegu rzeki i wyraża pełen sprzeciw na dalsze

egzystowanie w narzuconych jej przemocowych

porządkach, porządku ojca czy miłości, które

ograniczały ją i sterowały nią. Co finalnie zobaczy

Ofelia, przyglądając się gładkiej powierzchni

wody, stojąc na brzegu i czekając na swoją kolej?

Uśmiech Meduzy, atak terrorystyczny, pomarańczową

kamizelkę ratunkową należącą do jakiegoś

uchodźcy…? Jaki ostateczny wyraz będzie miała

jej wściekłość?

~

Ophelia, neglected by everybody whom she trusted,

betrayed, demeaned and exploited, stands

at the edge of the river and fully expresses – in

a manner that is full of dissent towards a further

existence – her refusal to accept the double order

violently imposed on her by her father and by love,

both of which limited her and steered her. What

will Ophelia finally see when she looks at the still

water surface, standing at the edge, waiting for

her turn? Medusa’s smile, a terrorist attack, the

orange life-jacket belonging to some refugee...?

What final expression will her fury have?

TWÓRCY / CREATORS

Koncepcja i wykonanie / Concept and performance:

Magdalena Mellin, Monika Wińczyk, Teksty: Magdalena

Mellin, Hamlet Williama Szekspira, Śmierć Ofelii Stanisława

Wyspiańskiego / Text based on “Hamlet” by William

Shakespeare, “The Death of Ophelia” by Stanisław

Wyspiański

fot. Klaudia Komperda

fot. archiwum Unteatru / Unteatru archive

fot. Sorin Florea

TEATR BAKAŁARZ, POLSKA /

POLAND

NIENAWIŚĆ / HATRED

1.08 / 22:30 / GTS PLENER / 50 MIN

Spektakl powstał na motywach Kupca weneckiego

Williama Szekspira. Shylock nienawidzi dla

samej nienawiści, nienawidzi także z zemsty,

bo był opluwany i wyzywany. Doża i Antonio odbierają

Żydowi połowę majątku – łaskawie go nie

zabijają, a jedynie ograbiają i chrzczą. Mamy do

czynienia z błędnym kołem nienawiści toczącym

się nieustannie od wieków: jak Kuba Bogu, tak Bóg

Kubie – bez opamiętania! Widzowie odgrywają

w projekcie znaczącą rolę i od ich zaangażowania,

przyjmowanego stanowiska zależy odpowiedź

na pytanie: czy jest w tym świecie miejsce na miłość?

~

Text based on William Shakespeare’s “The Merchant

of Venice”. Shylock hates for hatred’s sake

but also for revenge, because he was spat upon

and abused. The Doge and Antonio take from the

Jew half of his wealth, mercifully they do not kill

him, just rob him and convert him to Christianity.

We are, therefore, dealing here with a vicious circle

of hatred that has existed for centuries: measure

for measure – with no reflection! The audience

plays a significant role in this project and on its

commitment to the accepted stance depends the

answer to the question: is there room in this world

for love?

TWÓRCY / CREATORS

Reżyseria i adaptacja / Direction and adaptation: Paweł

Budziński, Asystent reżysera, charakteryzacja / Director’s

assistant, make-up: Aneta Małyska, Występują /

Performers: Bartłomiej Wiktor, Lidia Baściuk, Mieszko

Syc, Agata Front, Sarah Kościńska, Alan Al-Murtatha,

Jakub Wierzejski

UNTEATRU, RUMUNIA / ROMANIA

HAMLET

2.08 / 18:30 / 20:30 / CZARNA SALA

TW / 50 MIN

Spektakl, omijając wątki poboczne, skupia się na

rozwijającym się powoli planie nierealnej zemsty –

z punktu widzenia Hamleta.

„Brak kostiumów, scenografii, tronu, korony, zakrwawionych

mieczy i przede wszystkim dużej

obsady. Na tej wąskiej scenie nie ma miejsca na

wielkie gesty i ruchy pełne gracji, aktorzy zderzają

się ze sobą, upadają i znów wstają, a ich słowa

rozbrzmiewają niczym gwałtownie pękające

drewno...”.

Oana Bogzaru, Yorick.ro

~

The performance leaves out any exterior point of

view on the story and focuses on the unfolding

of the impossible revenge strictly from Hamlet’s

point of view.

“On the narrow stage there is no room for mannerism

or grace, the three actors’ bodies are crashing

each other, fall down and stand up, while their

words sound like loud and sharp wood cracks…”

Oana Bogzaru, Yorick.ro

TWÓRCY / CREATORS

Występują, koncepcja: Alina Berzunteanu, Richard Bovnoczki,

Peter Kerek,

Z TŁUMACZENIEM NA JĘZYK POLSKI I ANGIELSKI/

WITH POLISH AND ENGLISH SURTITLES

Wsparcie finansowe: Rumuński Instytut Kultury /

Supported financially by: the Institutul Cultural Român

PARRABBOLA, WIELKA BRYTANIA /

GREAT BRITAIN

SEN NOCY LETNIEJ /

A MIDSUMMER NIGHT’S

DREAM

2.08 / 22:15 / 3.08 / 14:00 / GTS

PLENER / 60 MIN

Elfy i śmiertelnicy to zawsze niebezpieczna mieszanka.

Gdy się spotkają, będą kłopoty. Więc gdy

Podszewka i Kloc postanawiają zrobić małą „próbę

teatralną” na osobności, w lesie, dokładnie w noc

świętojańską, może się to źle skończyć. Oczywiście

nie wiedzą, że Oberon i Tytania, Król i Królowa

Elfów, są w trakcie największej kłótni wszech

czasów. Kłótni tak wielkiej, że ma ona wpływ na

cały świat. A dzięki Williamowi Szekspirowi cała

ta czwórka zostanie straszliwie uwikłana i żadne

z nich nigdy nie zapomni tej nocy świętojańskiej –

trzymajcie się mocno.

~

Fairies and mortals are always a dangerous combination.

When they collide, there will be trouble for

everyone. So when Nick Bottom and Peta Quince

decide it would be a good idea to have a little private

‘rehearsal’ in the forest, just at Midsummer,

then it could all go horribly wrong. Of course they

are not to know that Oberon and Titania, King

and Queen of the Fairies, are in the middle of their

biggest quarrel ever. A quarrel so big that it is affecting

the whole world. And, thanks to William

Shakespeare, all four are going to get horribly

entangled and none of them will ever forget this

Midsummer Night – hang on tight.

TWÓRCY / CREATORS

Pomysł i reżyseria / Concept and direction: Philip Parr

Kostiumy / Costumes: Brian D. Hanlon, Anne Holm Petersen,

Występują / Performers: Theodora Balan, Olivia

Negrean, Ufuk Genghis Say, Petri Ștefănescu

AST, IV ROK WRD / 4TH YEAR OF THE

FACULTY OF THEATRE DIRECTING,

KRAKÓW, POLSKA / CRACOW,

POLAND

HAMLET, CZYLI OFELIA /

HAMLET, I.E. OPHELIA

3.08 / 22:00 / KFK / 45 MIN

Spektakl stanowi alternatywną biografię Ofelii

i stawia pytanie o pozycję kobiet w Polsce. Uciekając

jednak od publicystycznych elementów,

całość opiera się na eseju teatralnym, w którym

przytaczamy fragmenty z Hamleta Williama

Szekspira, rozwijając je i modyfikując w materii

teatralnej. Grupa aktorów i aktorek to badacze,

przybysze z innej planety, którzy próbują dowiedzieć

się, kim była Ofelia i czemu jej literacka biografia

potoczyła się w taki, a nie inny sposób.

~

fot. Daria Kubisiak

This production constitutes an alternative biography

of Ophelia and asks questions about the position

of women in Poland. Running away, however,

from journalistic elements, the whole is based on

a theatrical essay, in which we quote from fragments

of William Shakespeare’s “Hamlet”, developing

and modifying them, in theatrical material.

The company of male and female actors is a research

group, aliens from another planet, who are

attempting to understand who Ophelia was and

why her literary biography occurred in such, and

not another, way.

TWÓRCY / CREATORS

Reżyseria i dramaturgia / Director and dramaturg: Daria

Kubisiak, Występują / Performers: Weronika Warchoł,

Karolina Gibowska, Paulina Sobiś, Maciej Kulig, Sebastian

Grygo, Mateusz Górski, Marcin Wojciechowski,

Opieka pedagogiczna / Teaching supervisor: dr Remigiusz

Brzyk

SEMINARIUM MOC

NAUKI ZE SZTUKI /

“ART EMPOWERS EDUCATION” SEMINAR

1–4.08 / 10:00–15:00 / Sala Widowiskowa, GAK Stacja Orunia

W seminarium, będącym częścią projektu edukacyjnego Fundacji Theatrum

Gedanense, bierze udział 20 osób – nauczyciele, pedagodzy, instruktorzy

i edukatorzy z całej Polski. „Moc nauki ze sztuki” to cykl specjalistycznych

szkoleń na temat twórczego wykorzystania sztuki w edukacji. Zajęcia poprowadzi

grono ekspertów z różnych dziedzin, takich jak: pedagogika teatru,

filozofia, drama, nowe media. Na sierpniowym seminarium będą to: dr

Anna Kowalcze-Pawlik, dr Marzena Wojciechowska-Orszulak, Monika

Jarząbek. Następnie zajęcia odbywać się będą w Gdańsku cyklicznie, raz

w miesiącu w weekendy (od września do listopada). Celem projektu jest

aktywizacja twórcza oraz podniesienie kwalifikacji kadr kultury w zakresie

umiejętności prowadzenia innowacyjnych zajęć. Finałem będzie przygotowanie

przez każdego uczestnika autorskiej prezentacji w swej społeczności,

z udziałem młodzieży (w listopadzie), podczas której wykorzystają

zdobytą wiedzę. Opis prezentacji oraz dokumentacja seminarium zostaną

zebrane w publikacji elektronicznej, dostępnej na stronie internetowej projektu

(w grudniu) dla upowszechnienia dobrych praktyk.

~

The seminar is a part of Theatrum Gedanense Foundation educational project

intended for 20 participants including teachers, pedagogues, instructors

and educators from Poland. The programme combines a series of professional

trainings on creative use of art in education. The sessions will be

run by experts of various disciplines such as theatre pedagogy, philosophy,

drama, new media. During August seminar the experts are: dr Anna Kowalcze-Pawlik,

dr Marzena Wojciechowska-Orszulak and Monika Jarząbek.

Subsequently the sessions will take place in Gdańsk, once a month, at the

weekends (September–December 2018). The aim of the project is to raise

creative involvement and qualification of culture staff and their ability

to lead innovative classes/workshops. The project will end in November

with a presentation prepared by each participant in his local environment

with the participation of young people. The participants will have a chance

to use the knowledge gained during the project. The electronic publication

presenting the results of the project will be published on a specially

created website in December in order to disseminate of good practices

and experiences.

WSPÓŁPRACA / COOPERATION

PROJEKT DOFINANSOWANY ZE ŚRODKÓW / SUPPORTED BY

LETNIA AKADEMIA

SZEKSPIROWSKA /

SUMMER SHAKESPEARE ACADEMY

WYKŁADY / LECTURES (nietłumaczone / no translation available)

28.07 15:00

29.07 16:30

Janusz Józefowicz (Studio Buffo, Warszawa, Polska) „Stereoskopia w teatrze”

– wykład w j. polskim / 90 MIN

Alicja Bral (Teatr Pieśń Kozła, Wrocław, Poland)

„Selfless language or the absence of an author” – lecture in English / 60 MIN

Foyer GTS

IKM

wstęp wolny / free admission

WYDARZENIA TOWARZYSZĄCE / ACOMPANYING EVENTS

31.07 12:00 Iwona Zając, „Jak wam się podoba”, wernisaż muralu / mural vernissage Tunel

4.08 13:00

Piotr Mateusz Wach, „Monologi ciała”

– pokaz pracy warsztatowej / workshop results presentation

BOTO


PRÓBY / REHEARSALS

26.07 20:00 „Romeo i Julia” Studio Buffo, Polska GTS

28.07 17:00 „Hamlet – komentarz” Teatr Pieśń Kozła, Polska TW

bilety / tickets: 25 zł, liczba miejsc ograniczona / places are limited

SPOTKANIA Z ARTYSTAMI / MEETINGS WITH ARTISTS (pl / eng)

27.07 22:40 Studio Buffo, Polska Foyer GTS

27.07 23:10 Theater Freiburg, Niemcy TW

28.07 23:00 La Fiesta del Viejo, Argentyna Kameralna

29.07 20:10 Teatr Pieśń Kozła, Polska TW

30.07 20:40 Mostaghel Theatre, Iran Foyer GTS

01.08 21:10 Wkurzone na Szekspira / Pissed off with Shakespeare, Polska Czarna Sala

02.08 22:10 Divadlo pod Palmovkou, Czechy GTS

03.08 21:15 Bea von Malchus, Niemcy Kameralna

04.08 00:00 Teatr Muzyczny Capitol, Polska TW


WSPÓŁPRACA / COOPERATION

SZEKSPIR BEZ

CENZURY / SHAKESPEARE

UNCENSORED

WYKŁAD PROF. JERZEGO LIMONA „SZEKSPIR BEZ CENZURY” ORAZ

PREZENTACJA JEGO NAJNOWSZEJ KSIĄŻKI / A LECTURE BY PROFESSOR

JERZY LIMON NTITLED: ”SHAKESPEARE UNCENSORED”,

TOGETHER WITH A PRESENTATION OF HIS LATEST BOOK

29.07 / 21:30 / GDAŃSKI TEATR SZEKSPIROWSKI

Zapraszamy na wykład Profesora

Jerzego Limona – Dyrektora Gdańskiego

Teatru Szekspirowskiego i Dyrektora

Artystycznego Festiwalu,

wybitnego znawcy Szekspira i teatru

elżbietańskiego, teatrologa, pisarza,

profesora Uniwersytetu Gdańskiego,

anglisty, historyka i tłumacza literatury

angielskiej. Tematem wykładu

będą gry słowne, frywolne żarty

i aluzje w tekstach Williama Szekspira,

nieobecne lub ugrzecznione w ich polskich

tłumaczeniach. Tytuł wykładu –

„Szekspir bez cenzury” – jest jednocześnie

tytułem wydanej właśnie

książki Jerzego Limona.

„Życiorysu Williama Szekspira w tej

książce nie znajdziemy. Nie rozwiążemy

też zagadki Czarnej Damy, ani

nie ustalimy tożsamości tajemniczego

pięknego młodzieńca z sonetów.

Nie będziemy się zajmować ulubionym

tematem żurnalistów: „kto właściwie

napisał Szekspira?” – mówi

o swojej książce Jerzy Limon. „Zamiast

tego o wielkim poecie i dramatopisarzu

będziemy mówić jako o mistrzu

słowa i żartu, zwłaszcza żartu frywolnego,

będącego nie prostackim świntuszeniem

dla rozbawienia gawiedzi,

lecz grą słowną, która z jednej strony

zaskakuje otwartością i śmiałością,

z drugiej zaś wręcz oszałamia wyobraźnią

oraz inwencją, a także bawi

nietuzinkowym poczuciem humoru,

w którym miłość niebiańska sąsiaduje

z ziemską i dobrze w tym sąsiedztwie

się czuje. Nadzieją autora jest, aby

jego książka zainteresowała nie tylko

tłumaczy i reżyserów, lecz także każdego,

kogo ciekawi epoka renesansu

i to, w jaki sposób przekłada się ją na

współczesny nam język”.

~

We cordially invite you to a lecture

by Professor Jerzy Limon, Director of

the Gdańsk Shakespeare Theatre and

Artistic Director of the Gdańsk Shakespeare

Festival, an exceptional scholar

of Shakespeare and Elizabethan theatre,

Theatre Studies expert, writer,

Professor at the University of

Gdańsk, English philologist, historian

and translator of English literature.

The subject of the lecture

will be the word-games, frivolous

jokes and allusions in the texts of

William Shakespeare, absent from

or ”sanitised” in Polish translations.

The title of the lecture - “Shakespeare

uncensored” - is also the title of Professor

Jerzy Limon’s recently published

book.

You will not find William Shakespeare’s

biography in this book. You will not

find an answer to the problem of the

Dark Lady, and we will not reveal the

identity of the “faire youth” from the

Sonnets. We will not be concerned

with the favourite subject of journalists:

“Who really wrote Shakespeare’s

works?”, says Jerzy Limon about his

book. Instead, we will talk about this

great poet and playwright as a master

of words and wit, particularly of frivolous

jokes, not as crude obscenity

to please the rabble but as word-play

which, on the one hand, astonishes

us with its openness and boldness

and, on the other hand, astounds us

with its imagination and invention,

and also amuses us with its uncommon

sense of humour, in which heavenly

love stands next to earthly love

and feels quite at home in its company.

It is the author’s hope that the

book will interest not only translators

and directors but also everyone who

is interested in the Renaissance and

in how the age is translated into the

language that is contemporary to us

now.

~

Po wykładzie odbędzie się rozmowa

z autorem książki, którą poprowadzi

prof. Jacek Kopciński / There will be a

discussion with the author, after the

lecture, led by Prof. Jacek Kopciński.

Festiwal Szekspirowski w Gdańsku –

jako jedyny festiwal z Polski i jeden

z pięciu w Europie – otrzymał prestiżową

nagrodę EFFE Award 2017-2018., przyznawaną

przez Stowarzyszenie Festiwali

Europejskich (EFA – European Festivals

Association) we współpracy z Komisją

Europejską i Parlamentem Europejskim.

Przyznawane jest ono festiwalom organizowanym

w 39 krajach należących do

Programu Kreatywna Europa.

~

Gdańsk Shakespeare Festival has been

the only festival in Poland and one of five

in Europe to receive the prestigious EFFE

Award 2017-2018.

EFFE – Europe for Festivals, Festivals for

Europe – is the European Festivals Association’s

mark of recognition for Europe’s

most exciting arts festivals selected

with the support of the European Commission

and European Parliament. The

label is eligible to festivals in 39 countries

participating in the Creative Europe

Programme.

EUROPEJSKA SIEĆ FESTIWALI

SZEKSPIROWSKIECH /

EUROPEAN SHAKESPEARE FESTIVAL NETWORK

Europejska Sieć Festiwali Szekspirowskich zrzesza festiwale

z Polski, Wielkiej Brytanii, Rumunii, Węgier, Niemiec, Czech,

Danii, Armenii, Macedonii, Serbii i Francji – dedykowane

twórczości największego z europejskich dramatopisarzy.

Sieć rośnie w siłę. Kolejne festiwale z Izraela, Włoch i Turcji

zadeklarowały chęć wstąpienia do naszej organizacji. Staramy

się jak najpełniej wykorzystywać możliwości międzynarodowej

współpracy, prezentując dzieła najlepszych twórców

współczesnego teatru oraz wspierając rozwój młodych,

poszukujących artystów.

Nagrodzone w ubiegłorocznej edycji konkursu SzekspirOFF

w Gdańsku Poskromienie złośnicy Teatru Papahema zostało

zaproszone na Festiwal Szekspirowski w Neuss

w Niemczech. Sen nocy letniej w reżyserii Philipa Parra –

community play, zrealizowana na Festiwalu Szekspirowskim

w Krajowej w Rumunii, w swej kameralnej odsłonie jest prezentowana

w Gdańsku w nurcie SzekspirOFF. Produkcja Festiwalu

Szekspirowskiego w Gyuli na Węgrzech Rosencrantz

i Guildenstern nie żyją trafią do Gdańska w przyszłym roku.

Mamy w planach następne europejskie projekty, myślimy

o koprodukcjach, rozwoju zaangażowania naszej widowni.

Różnorodność naszych festiwali niesie w sobie ogromne

bogactwo. Wierzymy, że Szekspir jednoczy Europę i wciąż

pomaga rozumieć współczesny świat.

~

The European Shakespeare Festivals Network gathers festivals

from Poland, Great Britain, Romania, Hungary, Germany,

the Czech Republic, Denmark, Armenia, Macedonia,

Serbia and France. They are all dedicated to presenting and

promoting works of the greatest European playwright.

The network is getting stronger and stronger. Further festivals

from Israel, Italy and Turkey have already expressed

their willingness to join our organisation. We have been aiming

at fully using the possibility of international cooperation

by presenting works of the best contemporary theatre practitioners

as well as by supporting young artists.

Last year’s production of “The Taming of the Shrew” by the

Papahema Theatre received an award in the SzekspirOFF

competition and was invited to the Shakespeare Festival

in Neuss in Germany. “A Midsummer Night’s Dream”,

directed by Philip Parr – a community play presented at the

Shakespeare Festival in Craiova, Romania, is presented in

an abridged version in Gdańsk as part of the SzekspirOFF

programme.. “Rosencrantz and Guildenstern are dead”, presented

at the Shakespeare Festival in Gyula, Hungary, will

be staged in Gdańsk next year.

We are planning further European projects, possible coproductions

as well as finding ways to develop the creative

involvement of our audience. The diverse nature of the festivals

is an enormous asset. We truly believe that Shakespeare

unites Europe and still helps to understand the modern

world.

~

WIĘCEJ POD ADRESEM / MORE INFO AT

WWW.ESFN.EU

ZESPÓŁ /

TEAM

DYREKTOR GTS I DYREKTOR ARTYSTYCZNY FESTIWALU /

GST DIRECTOR AND FESTIVAL’S ARTISTIC DIRECTOR

Prof. Jerzy Limon

KOORDYNATOR FESTIWALU / FESTIVAL COORDINATOR

Joanna Śnieżko-Misterek

SELEKCJONER KONKURSU O ZŁOTEGO YORICKA /

GOLDEN YORICK COMPETITION QUALIFIER

Łukasz Drewniak

JURY FINAŁU KONKURSU O ZŁOTEGO YORICKA /

JURY OF THE GOLDEN YORICK COMPETITION FINAL

Joanna Krakowska, Jacek Kopciński, Jacek Wakar

KIEROWNIK ARTYSTYCZNY SZEKSPIROFF /

SHAKESPEAREOFF ARTISTIC MANAGER

Krzysztof Grabowski

JURY KONKURSU SZEKSPIROFF /

SHAKESPEAREOFF COMPETITION JURY

Agata Duda-Gracz, Piotr Kruszczyński, Adam Nalepa

KOORDYNACJA TECHNICZNA SZEKSPIROFF /

SHAKESPEAREOFF TECHNICAL COORDINATION

2BEEART

RZECZNIK PRASOWY / PRESS OFFICER

Magdalena Hajdysz

BIURO ORGANIZACYJNE FESTIWALU /

FESTIVAL’S ORGANIZATION OFFICE

Aleksandra Kotapska, Marta Krzemińska,

Antonija Putić, Sonia Romanowska

KOORDYNATOR BIURA OBSŁUGI WIDZA /

BOX OFFICE COORDINATOR

Aleksandra Najda

ZASTĘPCA DYREKTORA GTS / GST DEPUTY DIRECTOR

Włodzimierz Ziółkowski

GŁÓWNA KSIĘGOWA / CHIEF ACCOUNTANT

Helena Seroka

MARKETING

Natalia Wiercińska KIEROWNIK / CHIEF

Jarosław Grodź, Karolina Lipińska,

Anna Szynkaruk-Zgirska, Bartek Wutkowski

EDUKACJA / EDUCATION

Anna Ratkiewicz-Syrek KIEROWNIK / CHIEF

Marta Nowicka, Anna Markowska, Katarzyna Rukat

TEATR W OKNIE / TWO WINDOWS THEATRE

Dorota Sentkowska

IMPRESARIAT / ARTISTIC EVENTS

Maria Gostyńska KIEROWNIK / CHIEF

Anna Albinger, Jan Rezner

DZIAŁ ORGANIZACJI, EKONOMIKI I SPRAW

PRACOWNICZYCH / ORGANIZATION, ECONOMICS AND

EMPLOYMENT DEPARTMENT

Katarzyna Trojanowska KIEROWNIK / CHIEF

KADRY, KSIĘGOWOŚĆ / HR, ACCOUNTANCY

Halina Komolibio, Hanna Seroka

ZESPÓŁ TECHNICZNY / TECHNICAL SECTION

Patryk Barańczyk KIEROWNIK / CHIEF

Józef Leoniuk, Filip Ejsmont, Rafał Dettlaff,

Tomasz Wojakowski, Marcin Wróbel

DZIAŁ EKSPLOATACJI / OPERATING DEPARTMENT

Zbigniew Kadłubowski KIEROWNIK / CHIEF

Krzysztof Dąbrowski, Edward Modrzejewski,

Lena Ormińska, Bogdan Walaszkowski,

Tomasz Zieliński

KASY / BOX OFFICE

Anna Bałdyga, Paulina Bloch,

Ewa Chazbijewicz, Krzysztof Zaczyński

PATRONAT /

PATRONS

MIECZYSŁAW STRUK

Marszałek Województwa Pomorskiego / Marshal of Pomorskie Voivodeship

PAWEŁ ADAMOWICZ

Prezydent Miasta Gdańska / Mayor of Gdańsk

ORGANIZATORZY / ORGANISERS

ORGANIZATORZY GTS / GST ORGANISERS

ZREALIZOWANO ZE ŚRODKÓW / REALISED WITH THE MEANS OF

ZŁOTY SPONSOR / GOLDEN SPONSOR

PARTNERZY / PARTNERS

PARTNERSKIE SCENY SZEKSPIROFF / SZEKSPIROFF PARTNERS

PATRONI MEDIALNI / MEDIA PATRONS

MIEJSCA /

VENUES

BOTO

Teatr BOTO / BOTO Theatre

ul. Bohaterów Monte Cassino 54 B, Sopot

CZARNA SALA / TW

Teatr Wybrzeże / Wybrzeże Theatre

ul. Świętego Ducha 2, Gdańsk

GTS / FOYER / PLENER

Gdański Teatr Szekspirowski / The Gdańsk Shakespeare Theatre

ul. Bogusławskiego 1, Gdańsk

IKM

Instytut Kultury Miejskiej / City Culture Institute

ul. Długi Targ 39/40, Gdańsk

KAMERALNA

Scena Kameralna Teatru Wybrzeże /

Kameralna Stage of Wybrzeże Theatre

u. Bohaterów Monte Cassino 30, Sopot

KFK

Królewska Fabryka Karabinów / Royal Rifle Factory

ul. Łąkowa 35/38, Gdańsk

TUNEL

Przejście podziemne / Underground passage

Okopowa-Podwale Przedmiejskie w Gdańsku

TWO

Teatr w Oknie / TwO Windows Theatre

ul. Długa 51, Gdańsk

BILETY /

TICKETS

GDAŃSKI TEATR SZEKSPIROWSKI

ul. W. Bogusławskiego 1

codziennie/everyday 13:00–20:00

tel.+48 58 351 01 01,

bow@teatrszekspirowski.pl

BILETY.TEATRSZEKSPIROWSKI.PL /

TICKETS.SHAKESPEARETHEATRE.EU

FESTIWALSZEKSPIROWSKI.PL

Gdański Teatr Szekspirowski / The Gdańsk Shakespeare Theatre

ul. W. Bogusławskiego 1, 80-818 Gdańsk

TeatrSzekspirowski.pl

2018

22 Festiwal Szekspirowski

You also want an ePaper? Increase the reach of your titles

Delete template?

Save as template?