CRESCENDO 5/20 September-Oktober 2020

AUSGABE 05/2020 SEPTEMBER – OKTOBER 2020
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125 JAHRE
CARL ORFF
LANG LANG
IRIS BERBEN
LISA BATIASHVILI
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B47837 Jahrgang 23 / 05_2020
Mit Beihefter CLASS: aktuell
Joana
Mallwitz
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LIEBE LESER,
ich hoffe, es geht Ihnen gut und Sie sind gesund. Wie haben Sie das letzte halbe Jahr verbracht?
Wie haben Sie Ihr Kulturleben gestaltet? Vermissen Sie das gemeinsame Konzert-, Theater-,
Ausstellungserlebnis genauso wie wir? Dabei bin ich aber auch sehr beeindruckt von der
Kreativität und Wandlungsfähigkeit vieler Kulturschaffender. In teilweise atemberaubender
Geschwindigkeit entstanden neue Konzertformate und Live-Übertragungen via Internet. Vor
ein paar Jahren konnten so etwas nur Fernsehanstalten mit riesigen Ü-Wagen und Satelliten-
Direktverbindung leisten. Das war ziemlich teuer und somit populären Events mit Quotengarantie
vorbehalten. Plötzlich aber können wir einem mittelmäßigen Orchestergeiger – in
schlechter Bild- und Tonqualität – beim Üben zusehen. Zu Beginn des Shutdowns noch ganz
lustig, hatten wir aber irgendwann genug von Memory-Collagen. Die reine Fülle des Angebots
macht’s eben noch nicht …
WINFRIED HANUSCHIK
Herausgeber
Gleichzeitig können wir uns wohl darauf einstellen, dass das Kulturerlebnis in den eigenen vier
Wänden genauso normal wird wie die Fußballbundesliga im Wohnzimmer. Denn tatsächlich
sieht nur ein kleiner Prozentsatz der Fußballfans das Spiel tatsächlich im Stadion, die überwältigende
Mehrheit sitzt „live daheim“ – und findet das ganz normal!
Darin sehe ich eine riesige Chance für die Kultur: Sprengt die Enge der Säle! Reißt die Mauern
ein und öffnet Kultur und Hochkultur den digitalen Raum! Zugänglich für alle.
Mit Steuergeldern subventionierte Häuser und Orchester hätten das schon längst tun müssen:
Gemeinschaftlich finanzierte Kunst muss auch der Gemeinschaft zur Verfügung stehen!
War das nicht großartig, dass wir die aufregend neue Così mit und von der wunderbaren
JOANA MALLWITZ (Interview ab Seite 14) bei den Salzburger Festspielen auch sehen
konnten? Es saßen zwar nur wenige Zuschauer im Saal, aber noch nie waren so viele
Menschen live in Salzburg dabei wie in diesem Jahr!
Und damit wollen wir Sie ein bisschen neugierig machen. Denn natürlich waren auch wir
nicht untätig während des Shutdowns, haben die Zeit genutzt und uns Gedanken zur digitalen
Entwicklung gemacht. Wir stecken noch im Perfektionsprozess, weil wir uns etwas wirklich
Großes vorgenommen haben. Aber versprochen: Schon im nächsten Heft wird es heißen
„We proudly present …“.
FOTO TITEL: NIKOLAJ LUND
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Doch auch mit dieser Ausgabe fahren wir die ganz große Parade: Wie oben angedeutet haben
wir – kurz nach der Premiere – die derzeit gefeiertste Musikerin, Joana Mallwitz, getroffen und
waren mit IRIS BERBEN, der Grande Dame des deutschen Films, anlässlich ihres (unglaublichen)
70. Geburtstags einen Kaffee trinken. Unsere neue Autorin Margarete Zander saß quasi
hinter LANG LANG, als er in der Leipziger Thomaskirche direkt neben dem Grab von Bach
die Goldberg-Variationen spielte. Und schließlich haben wir – neben vielen anderen tollen
Musikern, die derzeit spannend sind – mit KONSTANTIN WECKER einen Spaziergang
durch München gemacht. Und weil wir hier klar im Heimvorteil sind, haben wir den für Sie
genutzt, und so finden Sie neben einer echten Insider-Tour auch entsprechende Tipps für
Kultur, Hotels und Restaurants.
Last but not least gibt es noch jemanden, dem wir gratulieren wollen: CARL ORFF wäre in
diesem Jahr 125 Jahre alt geworden. Und deshalb widmen wir ihm und seiner großen Arbeit
und Musik unseren Schwerpunkt. Auch einen kleinen Blick hinter die Kulissen haben wir
nehmen dürfen. Der Münchner Komponist WILFRIED HILLER, Schüler und Freund Orffs,
hat uns ein paar Anekdoten erzählt, die er mit Orff erlebt hat.
Sie sehen: genug Stoff also, um die Zeit bis zum nächsten Heft zu überbrücken. Einstweilen
wünsche ich Ihnen einen schönen Spätsommer und freue mich, wenn wir uns vielleicht schon
bald in unseren Redaktionsräumen zu einer neuen Vernissage (siehe Seite 73) sehen. Melden
Sie sich doch auf alle Fälle an – wir geben Ihnen Bescheid, wann ein Termin stattfinden kann.
Ihr Winfried Hanuschik
w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020 3

P R O G R A M M
NEUHEITEN
BEI
OEHMS
CLASSICS
WO R L D P R E M I E R E R E C O R D I N G !
Mieczysław Weinberg (1919–1996)
Wir gratulieren!
Kammerakademie Potsdam
Vladimir Stoupel
OC990
09
ALEXANDRE
THARAUD
Der Pianist verrät, was er auf
seiner Playlist hat.
Ganz schön cooler Mix!
14
JOANA MALLWITZ
Die Dirigentin lässt die Musikwelt
kopfstehen. In Salzburg
hat sie erneut und souverän
wie eh und je den Nagel auf
den Takt getroffen
41
ROLANDO VILLAZÓN
Und schreiben kann er auch
noch! Das neue Buch des
Tausendsassas war kurz nach
Erscheinen schon ein Bestseller
S. Prokofiev & A. Chatschaturjan
Suiten für Orchester
Zagreb Philharmonic
Dmitrij Kitajenko
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OehmsClassics Musikproduktion GmbH
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OC471
STANDARDS
03 PROLOG
Der Herausgeber stellt
die Ausgabe vor
06 BLICKFANG
Spektakuläre Architektur:
Die Dolomiten-Hommage
der Kellerei Kurtatsch
08 OUVERTÜRE
Klassik in Zahlen
Was hört ...
Alexandre Tharaud?
Mein Beethoven-Moment
Die Lieblingseinspielungen
unserer Autoren
Ein Anruf bei ...
Ursula Maier von den
Kultur-Netzwerkern
48 RÄTSEL UND
DANKESCHÖN
IMPRESSUM
82 PHILIPP HONTSCHIK
Drummer-Drama:
Von den Tücken des
Orff ’schen Schulwerks
KÜNSTLER
12 EIN KAFFEE MIT ...
Iris Berben
14 JOANA MALLWITZ
Jetzt mal tief Luft holen:
Diese Dirigentin ist ein
musikalisches Erdbeben
20 REGULA
MÜHLEMANN
Von schwachen Momenten
und starken Rollen
23 SIGI SCHWAB
Zum 80. Geburtstag des
legendären Gitarristen
24 CHEN REISS
Beethoven konnte auch
Arien? Und wie!
27 ARASH SAFAIAN
Noch ein Beethoven? Nein!
This is (not) Beethoven!
Oder doch?
28 LISA BATIASHVILI
Reisefrust und Städtelust:
City Lights – Hommage an
musikalische Heimaten
31 STEFAN SELL
Schätze heben: Der
Gitarrist hat alte Melodien
neu interpretiert
32 LANG LANG
Goldberg-Variationen: Das
schönste Fass ohne Boden
HÖREN & SEHEN
35 DIE WICHTIGSTEN
EMPFEHLUNGEN
DER REDAKTION
36 CALMUS ENSEMBLE
Cohen by Calmus?
Warum nicht? Auch Kreisler
und Poulenc sind dabei.
Sehr spannend!
38 WUNDERBARER
WUNDERLICH
Der legendäre „Don
Pasquale“ von 1962 –
frisch restauriert!
40 DER SUPER-SOUND
Dolby Atmos lässt alles
andere alt anhören: Das
3D-Verfahren revolutioniert
den Akustik-Markt
41 ROLANDO VILLAZÓN
„Amadeus auf dem Fahrrad“
– die kurzweilige Verneigung
eines Seelenverwandten
47 UNERHÖRTES &
NEU ENTDECKTES
Ein Blick auf neue
Einspielungen im
Beethoven-Jahr
4 www.crescendo.de — September – Oktober 2020
FOTOS: JEAN BAPTISTE MILLOT; NIKOLAJ LUND; DARIO ACOSTA/DG

NEUE KLANGKÜNSTLER
UND ALTE BEKANNTE
53
GHOST LIGHT
Choreograf John Neumeier
geht auf Abstand: Schuberts
Solo-Klaviermusik untermalt
ein Ballett mit der Compagnie
Hamburg zur Pandemie
59
125 JAHRE CARL ORFF
Er war immer der etwas
andere Komponist. Ein Blick
auf sein vielfältiges und bis
heute lebendiges Werk
74
MÜNCHEN
Mein-München-Geschichten
gibt es viele. Aber wer könnte
eine Stadt in schönere Worte
fassen als Liedermacher und
Poet Konstantin Wecker?
ERLEBEN
SCHWERPUNKT
LEBENSART
FOTOS: KIRAN WEST; ORFF-STIFTUNG; HEINZ HUMMEL AUF PIXABAY
49 DIE WICHTIGSTEN
TERMINE UND
VERANSTALTUNGEN
50 INTERNATIONALES
ORGELFESTIVAL
Peter Kofler, Organist in der
Münchner Sankt-Michael-
Kirche, über das Programm
53 GHOST LIGHT
Getanztes Bühnenlicht:
John Neumeier besänftigt
die Theatergeister
54 IOAN HOLENDER
Das Possible in
unsicheren Zeiten
55 „ÜBERALL MUSIK“
Eine Ausstellung im
Domquartier lädt an
historischen Schauplätzen
ein, das höfische musikalische
Leben kennenzulernen
56 KOMMENTAR
Axel Brüggemann über
Visionen aus der Krise
58 100 JAHRE
SALZBURGER
FESTSPIELE
Geschenke für das kleine
gallische Dorf, das sich
traute, Festspiele abzuhalten
59 TABELLE
Orff, Orff
und noch mal Orff
60 LEBENSLINIEN
Das Genie mit ach
so menschlichen
Ecken und Kanten
64 FILM AB!
Slapstick oder Soap,
Drama oder Doku: Die
Musik von Orff ist
buchstäblich filmreif!
67 ELEMENTAR-
TEILCHEN
Die Verschmelzung
von Musik, Bewegung
und Sprache in der
Pädagogik Carl Orffs
68 DIE INTUITION
DES KLANGS
Bewegung und Musik:
Das Herz tanzt mit!
70 SO WAR ER!
Ein Blick ins Private
72 TANZ DER WORTE
Übermut tut gut: Der
rhetorische Revoluzzer
73 KUNST FÜR
CRESCENDO
Kreatives aus der Krise von
Matthias Schilling
74 MÜNCHEN
Philosophie und
Philantropie:
(Zeit-)Reise mit
Konstantin Wecker
78 LIEBLINGSESSEN
Schönes Schicksal:
Rindertatar mit Blitz-Mayo
von Beethoven-Fan
Alexander Herrmann
80 PAULA BOSCHS
WEINKOLUMNE
Süßweine – die exklusiven
Perlen der Winzer
Iveta Apkalna:
Widor & Vierne
Nach Iveta Apkalnas Ersteinspielung der Orgel
der Elbphilharmonie führten sie ihre Wege
unlängst ins taiwanische Kaohsiung, wo sie mit
kraftvollen Werken von Widor und Vierne die
größte Konzertorgel Asiens inaugurierte und
aufnahm.
Sebastian Manz:
Clarinet Concertos – Nielsen & Lindberg
Sebastian Manz kombiniert auf seinem neuen
Album die skandinavischen Komponisten Nielsen
und Lindberg, die beide überwältigende
Landschaften in Klang übersetzen.
Concerto Köln:
Concertos 4 Violins
Concerto Köln und vier renommierte Solisten
widmen sich virtuosen Repertoire-Raritäten von
Vivaldi bis Bonporti. Die Live-Einspielung barocker
Klangdialoge erscheint auf CD und LP.
www.berlin-classics-music.com
5

O U V E R T Ü R E
6 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

Wo der gute Wein wohnt
Die imposanten Dolomitsteinwände des Neubaus der
Kellerei Kurtatsch schmiegen sich in die Landschaft der
Südtiroler Weinstraße. Seit 1900 wird im kleinstrukturierten
Familienbetrieb an atemberaubend steilen
Weinbergen zwischen 220 und 900 Metern ü. d. M. Wein
produziert. Da fühlt sich jede Rebsorte wohl: Während
Rotweintrauben die im Sommer bis zu 40 Grad warmen
Tallagen lieben, schätzen die Weißweintrauben steile
kalkhaltige Böden in luftigen Höhen.
7
FOTO: KELLEREI KURTATSCH

O U V E R T Ü R E
KLASSIK
IN ZAHLEN
wurde Mozarts Die Zauberflöte in der
vergangenen Spielzeit in Deutschland, Österreich
und der Schweiz aufgeführt*. Damit ist sie die
meistgespielte Oper im deutschsprachigen Raum.
309Mal
80
Prozent beträgt die Höhe der
coronabedingten Sitzplatzkürzung
im Festspielhaus Baden-Baden,
dem größten Konzertsaal
Deutschlands. Nur 500 von
2.500 Plätzen werden in der
Saison 2020/21 besetzt.
120.000
Euro investiert das Bayerische Staatsministerium für
Wissenschaft und Kunst in eine Studie zur Aerosolverbreitung
durch Gesang und Blasinstrumente.
Durchgeführt wird die Studie vom LMU Klinikum
München und dem Universitätsklinikum Erlangen
zusammen mit Chor und Symphonieorchester des
Bayerischen Rundfunks.
3.527.730
Dollar verdient Riccardo Muti als
Chefdirigent der Chicago Symphony
jährlich ** . Damit dürfte er derzeit
der bestbezahlte Dirigent
der Welt sein.
QUELLEN: *WERKSTATISTIK DES DEUTSCHEN BÜHNENVEREINS
**KULTURWEBSITE SLIPPED DISC
5.500
Pfeifen und 74 Register hatte die Hauptorgel
der Kathedrale von Nantes. Sie
wurde im Juli 2020 von den Flammen eines
Feuers zerstört, das vermutlich durch
einen Brandstifter gelegt wurde. In Teilen
bereits 1621 gebaut, war sie eine der
ältesten Orgeln Frankreichs und trotzte
sogar der Französischen Revolution.
FOTOS: FRANK VINCENTZ, NONO VLF, WIKIMEDIA
8 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

O U V E R T Ü R E
Was hört …?
Alexandre
Tharaud
Der französische Pianist verrät uns seine
Lieblingsmusik.
Sein neues Album zeichnet ein umfangreiches Selbstporträt
„Le poète du piano“, Alexandre Tharaud (Erato)
1
J. S. Bach: Goldberg Variations, Zhu Xiao Mei
Wenn Xiao-Mei spielt, weint das Publikum. Bei keiner anderen
Pianistin habe ich jemals einen solchen Effekt auf das Publikum erlebt.
Ihr ganzes schmerzerfülltes Leben steckt in ihren Fingern.
2Rachmaninow: Klavierkonzert Nr. 2, Swjatoslaw Richter
Richter interpretiert das Konzert gewichtig, ohne Effekthascherei, in
eher getragenem Tempo. Wie immer hat er ein Gespür für die Linie,
spannt einen gewaltigen Bogen von der ersten Note bis zum letzten
Akkord. Mir ist das viel lieber als jede künstlich theatrale Interpretation.
3
Jean-Philippe
Rameau: Nouvelles Suites de Pièces
de clavecin, Marcelle Meyer
Das Spiel von Marcelle Meyer, meiner Meinung nach der größten
Pianistin aller Zeiten, ist einzigartig. Diese Aufnahme hat meine Lust, französische
Barockmusik zu spielen, geweckt und inspiriert mich bis heute.
4
Richard
Wagner, Vorspiel zu Parsifal, BBC Symphony
Orchestra, Arturo Toscanini
Diese Platte würde ich auf eine einsame Insel mitnehmen. Jede
einzelne Note ist Musik! Man spürt den Atem jedes Musikers, hört die
Stimme Toscaninis. Die Musik wird regelrecht greifbar.
5
J. S. Bach: Cellosuite Nr. 1, Jean-Guihen Queyras
Eine Referenzaufnahme. Bach, wie ich ihn liebe – mit Jean-Guihens
großer Menschlichkeit, seiner Natürlichkeit und seiner Strahlkraft.
6
Barbara:
Göttingen
In diesem Lied spricht die unglaubliche französische Sängerin Barbara
über ihre Deutschlandliebe. Sie kann eigentlich kein Wort Deutsch
und singt in dieser Aufnahme ziemlich drollig von Lautschrift ab. Aber wenn
man die Worte mit der Musik zusammen hört, ist es überwältigend.
7
Schumann:
Kanonische Etüden, Piotr Anderszewski
Meine Lieblingsscheibe von Piotr, einem unglaublichen Pianisten. Er hat
die eigentlich für zwei Klaviere vierhändig geschriebenen Schumann-
Etüden für Soloklavier transkribiert. Das Ergebnis begeistert durch seine
Authentizität und Tiefe.
8
Chopinata (nach Chopin), Clément Doucet
Hören Sie sich das an, wenn Sie traurig sind, und Sie werden Ihr
Lachen wiederfinden! Doucet war ein 100 Kilo schwerer belgischer
Pianist, der nur mit ein paar Bier intus gut spielen konnte. Ein Phänomen!
MEIN BEETHOVEN-MOMENT
Im Laufe des Jubiläumsjahres verraten unsere Autoren ihre Lieblingseinspielungen.
Barbara Schulz
Rituale aus der Kinderzeit prägen fürs Leben. Wie sehr bzw. wie intensiv,
wird mir immer bewusst, wenn ich irgendwo Beethovens Violinkonzert höre.
Dann riecht die Luft selbst im Hochsommer nach Weihnachten, im Kopfkino
heißt es „Film ab!“, und ich schmücke mit meinen Schwestern den Christbaum.
Ich glaube bis heute, dass dieses Konzert mir neben Debussys
Arabesken das Tor zur klassischen Musik war. Übrigens rührt mich dabei
keine Aufnahme – und meine Mutter bestand auf Perlman – so sehr wie die
mit Perlman/Barenboim. So tief brennt sich Musik in die Seele.
Ute Hamm
Wer hätte gedacht, dass Beethoven noch für Überraschungen
gut ist? Sein Oratorium Christus am Ölberge war für mich
jedenfalls eine. So eigen- wie einzigartig ist es nicht einfach
nur Passionsmusik, sondern wahre Oper. Auf der Suche nach
der „perfekten“ Aufnahme – denn viele gibt es nicht – hat
mich damals nur eine sofort überzeugt: die Einspielung unter
Kent Nagano aus dem Jahr 2003 mit ihrer tiefen Spiritualität
und handfesten Dramatik.
9

O U V E R T Ü R E
Schluss mit der Schwellenangst!
Ein Anruf bei Ursula Maier von den Kultur-Netzwerkern, die kulturerfahrene Menschen mit
Kultureinsteigern zusammenbringen und so Schlüssel zu ersten Kunsterfahrungen schmieden.
CRESCENDO: Frau Maier, wobei störe ich Sie gerade?
Ursula Maier: Ich korrigiere die Texte für das Forum Modernes
Theater. Im Brotberuf bin ich Hilfskraft am Institut für Theaterwissenschaft
der LMU München.
Was tun die Kultur-Netzwerker?
Bei den Kultur-Netzwerkern geht es um niedrigschwellige Kulturvermittlung
in Kleinstgruppen von zwei bis drei Teilnehmern pro
Scout. Ein Kulturerfahrener nimmt – wie ein bester Freund – jemanden,
der noch keine Kulturerfahrung hat, auf
Augenhöhe an die Hand. Er nimmt ihm die Schwellenangst
und vermittelt ihm geeignete Einstiegsformate
– sei es in Musik, Theater oder bildender Kunst.
Wie kam es dazu?
Wir sind ein gemeinnütziger Verein, hervorgegangen
aus der Dissertation einer der drei Gründerinnen,
Julia Kirn. Sie hat 2012 die Erfahrung gemacht,
dass das Interesse junger Menschen an Kultur sehr
hoch ist, aber auch die Angst: „Ich weiß gar nicht,
wie ich da reinkomme?“ „Wo bekomme ich Karten?“
„Wie benehme ich mich in der Oper?“
Volks hochschule ist keine Lösug, weil man
davon ausgeht, dass das eine andere Altersklasse
ist. Die Schule hat in der Regel auch nichts erledigt. Hat man
also von zu Hause nichts mitbekommen, steht man allein da, weil
man dann auch meist einen Freundeskreis hat, der da nicht hingeht.
Wie läuft die „Verbandelung“ konkret?
Zunächst war Facebook die Plattform, auf der sich die Zielgruppengeneration
bewegt hat, das ändert sich inzwischen, da werden wir
uns auch noch erweitern. Die Veranstaltungen werden einfach über
Facebook gepostet, dann kann man sich mit einem Klick anmelden,
bekommt vergünstigte Karten, geht mit und lernt es kennen.
Wie schwer ist Ihnen denn der Aufbau der Kooperationen mit den
Kulturinstitutionen gefallen?
Das war sehr unterschiedlich! Über gute persönliche Kontakte war es
leicht, manchmal brauchte man einen Türöffner. Generell wurde es
mit jedem Kontakt leichter, da man ja bereits überzeugende Partner
vorweisen konnte. Bei den kleinen und freischaffenden Künstlern
war es übrigens einfacher als bei den großen Institutionen. Obwohl
Mit den Kultur-Netzwerkern macht Ursula
Maier Neulingen Lust auf Kunst und Musik
sie jeden Euro brauchen und gerne jede Karte verkaufen würden, waren
sie schnell bereit, uns vergünstigte Karten zur Verfügung zu stellen.
Eine tolle Erfahrung! Inzwischen haben wir aber auch bei den
großen Münchner Kulturinstitutionen überall Kontakte und eine
tolle Zusammenarbeit. Wir sehen nicht etwa schlecht verkaufte Produktionen,
sondern auch welche, die der Renner sind. Inzwischen
bieten uns die Institutionen sogar aktiv Karten an.
Bisher sind die Kultur-Netzwerker noch stark auf den Raum
München beschränkt.
Es gibt bereits Überlegungen, das Konzept nach
Berlin, Karlsruhe und Dortmund zu erweitern.
Deshalb hatten wir uns auch für ein Coaching
bei startsocial [bundesweit agierender Verein zur
Förderung sozialer, ehrenamtlich getragener Organisationen,
Anm. d. Red.] beworben, um hierfür noch
Impulse zu bekommen.
Wie beeinflusst Sie die aktuelle Situation?
Aus dem startsocial Coaching hatten wir einen unglaublichen
Energiefluss mitgenommen – wir waren
hoch motiviert. Eine Woche später kam der
Lockdown – eine Vollbremsung. Aber dann
sind ja sehr schnell digitale Kultur formate
aufgepoppt, und wir haben überlegt, wie wir das umsetzen können.
Unseren ersten Versuch haben wir beim digitalen Internationalen
Dokumentarfilmfestival München gemacht. Wir haben freie
Streams bekommen. Es war allerdings mit viel Organisationsaufwand
verbunden, da man sich eben nicht vor Ort trifft, sondern
zusätzliche Daten für die Streams und für den Austausch über
Skype und Zoom benötigt. Es ist machbar, gibt aber mehr Vorbehalte,
gerade weil wir ja möglichst niedrigschwellig agieren wollen.
Eine Ergänzung, aber kein Ersatz fürs Live-Erlebnis!
Ihr persönliches Highlight der letzten Jahre?
Der allererste Newcomer, den ich selbst zu Peter Grimes im Prinzregententheater
mitgenommen habe und der dann begeistert viele
verschiedene Formate, auch Ausstellungen, mit uns besuchte, ist
inzwischen selbst bei uns Scout, obwohl er inzwischen in Passau
wohnt. Nun will er etwas zurückgeben!
Weitere Infos unter www.kultur-netzwerker.de
Maria Goeth
RAUSSCHMISS
Ich mag Beethoven,
besonders die Gedichte!
Ringo Starr
Die Videoplattform YouTube will alle Inhalte mit dänischer
Musik aus ihrem Angebot verbannen. Natürlich geht es dabei
ums liebe Geld: Der
Vertrag der musikalischen
Verwertungsgesellschaft
KODA – sozusagen der
dänischen Version der
GEMA – mit YouTube war
im Mai ausgelaufen. Nun
fordert der Video-Gigant
mit seiner aggressiven Maßnahme, dass KODA im neuen
Vertrag seine Zahlungen an Komponisten und Songwriter
um beinahe 70 Prozent reduziert. Noch weigert sich KODA
standhaft!
FOTOS: DEARMOON; FA BARBOZA / UNSPLASH
10 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

Herausragende
NEUHEITEN
bei Sony Music
Jonas Kaufmann
Selige Stunde
Jonas Kaufmann hat mit seinem
Klavierbegleiter Helmut Deutsch
ein sehr persönliches Lied-Album
aufgenommen. Mit romantischen
Liedern von Beethoven, Schumann,
Brahms u.a.
Igor Levit
Encounter
Encounter bedeutet „Begegnung“
und entstand während des
Corona-Lockdowns aus den
„Hauskonzerten“ von Igor Levit.
Mit berührenden Chorälen von
Bach und Brahms in der
Klavierfassung von Busoni.
jonaskaufmann.com
igor-levit.de
Khatia Buniatishvili
Labyrinth
Das faszinierende neue
Album spannt einen Bogen
von Bach bis Brahms,
von Satie bis Glass,
von Ligeti bis Morricone.
Erhältlich ab 9.10.
Regula Mühlemann
Mozart Arias II
Das neue Mozart-Album mit neun
Opern- und Konzertarien mit dem
Kammerorchester Basel unter
Umberto Benedetti Michelangeli.
Darunter virtuose wie berührende
Arien aus Die Zauberflöte, Lucio
Silla, Zaide, Idomeneo u.a.
khatiabuniatishvili.com
regulamuehlemann.com
Dorothee Oberlinger
Bononcini: Polifemo
Bononcinis Polifemo ist
ein barockes Opern-Juwel.
Die Aufnahme entstand bei
den Musikfestspielen Potsdam
Sanssouci mit dem Ensemble 1700
unter Dorothee Oberlinger mit
hervorragenden Solisten.
Lavinia Meijer
Peaceful Choir
New Sound of Choral Music
15 Welt-Ersteinspielungen
meditativ-atmosphärischer
Chormusik von Hans Zimmer,
Arvo Pärt, Eric Whitacre, Karl
Jenkins, Hauschka u.v.m. Mit
Gaststars aus Pop und Klassik wie
Ellis-Ludwig Leone, Maarja Nuut,
Esther Abrami oder Tim Allhoff.
dorotheeoberlinger.de
laviniameijer.com
Glenn Gould
The Bach Box
Sämtliche Bach-Aufnahmen des Pianisten
in perfektem Remastering auf 30 CDs im
Original Design der legendären Vinyls.
Limitierte Edition mit umfangreichem Booklet.
SONYCLASSICAL.DE

K Ü N S T L E R
Auf einen Kaffee mit …
IRIS BERBEN
VON RÜDIGER STURM
FOTO: BOB COAT
12 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

Wer Iris Berben begegnet, begreift, dass Lebensdaten nur relativ sind.
So feierte die Grande Dame des deutschen Films und Fernsehens am 12. August 2020
ihren 70. Geburtstag. Parallel präsentierte sie zwei Fernsehfilme,
deren Figuren von unbändiger Energie getrieben werden. Was ihr privat nicht fremd ist
– und unter anderem von der Musik Verdis befeuert wird.
CRESCENDO: In Ihrem Fernsehfilm Nicht tot zu kriegen
durften wir Sie als singende Diva erleben. Haben Sie jemals
eine musikalische Karriere ins Auge gefasst?
Iris Berben: Ich hätte immer gerne gesungen. In Filmen musste
ich es zwei-, dreimal machen, da gab es Anfragen, ob ich das nicht
professionell tun möchte. Ich verspürte dann jedoch nicht die
nötige Initialzündung. Deshalb habe ich das nicht weiterverfolgt.
Vielleicht hätten die Anfragen früher kommen sollen. Viele
Musiker finden ja schon in ihrer Kindheit zu ihrer Passion.
Ich habe als Kind Klavier gespielt. Aber ich musste aufhören, da
meine beiden kleinen Finger zu schwach waren, um Oktaven
greifen zu können. Damals war ich glücklich, dass es vorbei war.
Später habe ich mir oft gedacht: wie schade!
Was bedeutet Ihnen Musik als Zuhörerin?
Sie ist sehr wichtig für mich. Ich lasse mich
durch die Kraft der Musik in Stimmungen
leiten oder aus Stimmungen wegbringen.
Welche Komponisten besitzen für Sie
besondere Kraft?
In der Klassik ist es immer Verdi. Er ist jemand, der für mich
Bilder im Kopf entstehen lässt. Und damit gelingt es ihm, große
Gefühle zu erzeugen, was eine der herausragenden Qualitäten der
italienischen Musik überhaupt ist. Vielleicht ist das auch ein
Grund, weshalb seine Musik viel in Filmen eingebunden wird.
Und er ist der Einzige?
Nein. Seit jeher liebe ich Beethoven. Schon als junges Mädchen
fand ich seine Konzerte berauschend. In meinen Lesungen der
Gedichte von Selma Meerbaum-Eisinger gibt es eine musikalische
Begleitung – mit Kompositionen von Bach, Schumann und
Schubert. Aber mein Geschmack geht quer durch. Ich höre auch
gerne Jimi Hendrix oder Janis Joplin. Beim Kochen finde ich die
italienischen Schnulzen ungeheuer inspirierend. Oder – wenn ich
einen Ruhepunkt finden will, höre ich mit Vorliebe Jazz.
Die Protagonistin im Film blickt gern in ihre Vergangenheit
zurück. Sehen Sie sich auch Ihre alten Filme oder TV-Sendungen
an, von denen Ausschnitte in dem Film eingeklinkt sind?
Gar nicht. Erst in der Vorbereitung für dieses Projekt habe ich
wieder geguckt, um meine Regisseurin mit Material zu versorgen.
Was haben Sie bei dieser Reise durch Ihr Schaffen empfunden?
Bei einigen Filmen zuckte ich ein wenig zusammen. Bei anderen
dachte ich: Ah, ist doch gelungen. Man braucht Zeit und Abstand,
um mit sich selbst ein bisschen weniger hart ins Gericht zu gehen.
Die Hauptfigur Ihres zweiten Fernsehprojekts Mein Altweibersommer
zieht indes ein hartes Resümee ihres Lebens und macht
einen drastischen Schnitt. Können Sie das nachvollziehen?
Ja, wobei ich aktuell nicht an den Punkt stoße, an dem ich etwas
drastisch anders machen möchte. Manchmal werde ich auch
gefragt, ob ich eine To-do-Liste von den Dingen habe, die ich
noch tun möchte – nein, gar nicht.
Woran liegt es, dass Sie so mit sich im Reinen sind?
Ich befinde mich ständig im Austausch mit mir und denke über
mein Leben nach. Dabei haben mir auch meine Rollen geholfen.
Ich habe versucht zu begreifen, was ich verändern möchte, und
wenn ich etwas gefunden habe, dann habe ich das auch getan.
„ES GIBT VIELE MOSAIKSTEINE,
DIE EINEN PRÄGEN“
Man kann ein spannendes Leben führen, wenn man sich nicht in
ein Korsett eigener oder fremder Erwartungen zwingen lässt,
sondern bereit ist, neue Wege einzuschlagen. Die Frau in Mein
Altweibersommer hat eine Affäre, aber sie verändert sich nicht,
weil sie in den Armen eines anderen Mannes gelegen hat, sondern
weil sie grundsätzlich bereit war, etwas Neues zu entdecken. Und
diese Abenteuerlust kenne ich sehr wohl.
Es gibt ja in Film und Fernsehen zunehmend Geschichten über
die Selbstfindung von Frauen jenseits der 50, 60, 70 …
Das nehme ich auch so wahr und freue mich sehr darüber.
Plötzlich gibt es Rollen für Frauen, denen man früher wegen ihres
Alters Wege versperrt hat. Und mich interessieren natürlich
Frauen, die ähnlich alt sind wie ich. Ich
liebe es, von deren Träumen, Bedürfnissen,
Wut oder Hoffnungen zu erzählen.
Entscheidend ist, dass man es mit Leichtigkeit
tut, so ernsthaft Themen wie Älterwerden
und Tod auch sind.
Die Alterswahrnehmung hat sich verschoben. Erleichtert?
Und wie. Früher war die 40 in der Film- und Fernsehwelt eine
Wegmarke. Man war noch dabei, aber nicht mehr vorne. Die
Geschichten wurden auf extreme Weise verjüngt. Heute muss das
nicht mehr sein. Allerdings ist diese Offenheit in unserem Beruf
noch nicht die Norm. Denn sonst würde es nicht auffallen. Aber
wir sind auf einem guten Weg, der auch eingefordert wird. Das
hat natürlich mit unserer Gesellschaft zu tun. Überdies haben
sich Frauen mit 60 oder 70 Jahren selbst so zurückgezogen. Sie
sind gewissermaßen in ihrem eigenen Beige versunken.
Gibt es spezielle Herausforderungen in der modernen Medienwelt,
mit denen Sie noch zu kämpfen haben?
Es gibt viele Mosaiksteine, mit denen man sich auseinandersetzen
muss und die einen prägen. Zum Beispiel die neue Form der
Öffentlichkeit über die sozialen Medien. Selbst wenn man darin
nicht aktiv ist, geben Menschen ihre Kommentare ab, und das
bekommt man mit. Da muss man lernen, souverän zu sein, weil so
viele Kränkungen oder Verunsicherungen dabei sind. Und man
muss versuchen zu unterscheiden: Ist das etwas, was ich annehme,
weil ich korrekturfähig sein möchte, oder will mir jemand aus
niedrigen Beweggründen etwas um die Ohren knallen?
Eine Herausforderung dürfte auch die aktuelle Krise sein. Mit
welchen positiven Erwartungen gehen Sie in die nahe Zukunft?
Ich habe große, große Lust weiterzudrehen, nachdem geplante
Filme unterbrochen oder verschoben wurden. Allgemein freue ich
mich, wenn wir in unseren jeweiligen Berufen wieder eine neue
Perspektive bekommen. Natürlich spreche ich besonders von dem
meinen, wobei mir klar ist, dass viele Menschen unendliche
existenzielle Ängste haben. In der Krise war die Kreativität in der
Kunst ungeheuer gefordert. Das hat neue Fenster geöffnet, und
man hat gemerkt, wie sehr die Menschen das auch angenommen
haben. Sie haben manche Hemmschwellen überwunden und ihr
Interesse für Klassik, Literatur oder Konzerte entdeckt. Es wäre
schön, wenn diese wunderbare Stimmung bliebe.
„Nicht tot zu kriegen“, bis 2.11.2020 in der ZDF-Mediathek, www.zdf.de
„Mein Altweibersommer“, bis 12.11.2020 in der ARD-Mediathek, www.ard.de
n
13

K Ü N S T L E R

DIE
GROSSE
IDEE EINES
WERKS
JOANA MALLWITZ
15
FOTO: NIKOLAJ LUND

K Ü N S T L E R
FOTO: NIKOLAJ LUND
J
Joana Mallwitz ist derzeit die Sensation in der Musikwelt.
Die Generalmusikdirektorin der Staatsphilharmonie
Nürnberg war eingeladen, bei den Salzburger Festspielen
eine Oper zu dirigieren. Dass sie die erste Frau war, wurde
oft zum Thema gemacht. Sie selbst interessiert das nicht.
Ihr geht es um nichts anderes als die Musik.
oana Mallwitz ist eine so begnadete wie ernsthafte Musikerin.
Als Gastdirigentin wirkt sie an zahlreichen Häusern,
seit der Spielzeit 2018/2019 wird sie als Generalmusikdirektorin
der Staatsphilharmonie Nürnberg gefeiert, nun stand sie im August
bei den Salzburger Festspielen in Christof Loys Inszenierung von
Mozarts Così fan tutte am Pult der Wiener Philharmoniker.
CRESCENDO: Maestra Mallwitz, zunächst einmal: Die Corona-
Pandemie hat den Kontakt zwischen Künstlern und Publikum
stark eingeschränkt oder sogar unterbunden. Konzerte werden
im Stream gezeigt oder vor wenigen Zuschauern gespielt. Wie
wichtig ist es für Sie, die Reaktionen des Publikums zu spüren?
Joana Mallwitz: Darüber habe ich in letzter Zeit viel nachgedacht.
Was lässt ein Konzert so magisch werden? Was unterscheidet es
von einer Generalprobe, bei der man auch alles geben muss?
Wahrscheinlich empfindet das jeder Musiker anders. Für Sänger,
die das Publikum direkt anschauen, ist es anders als für eine
Dirigentin wie mich. Mir geht es gar nicht um die Reaktionen des
Publikums. Sicher ist es merkwürdig, wenn nach dem letzten Ton
Stille herrscht. Aber das Entscheidende liegt im Beginn.
Ich erlebe einen starken Moment, wenn ich auf die Bühne komme
VON RUTH RENÉE REIF
und Orchester und Publikum begrüße. Da spüre ich die enorme
Energie von den vielen Menschen. Ich lasse das Orchester
aufstehen, verbeuge mich, und indem ich mich zu den Musikern
umdrehe, um mich auf die Musik zu konzentrieren, nehme ich
diese Energie mit. Es ist, als würde ich das Publikum zu mir
hereinziehen, damit ich alle bei mir habe, sobald ich den ersten
Ton dirigiere. Dieser Moment fehlt, wenn das Publikum nicht
anwesend ist. Und ich habe überlegt, wie man das kompensieren
könnte. Denken wir an einen lieben Menschen, der zu Hause vor
dem Computer sitzt? Oder spielen wir für die Kameraleute im
Saal? Das Gefühl, für jemanden zu spielen, brauchen wir.
Ihre Kollegin Marin Alsop begründete einmal das große
Interesse an Alter Musik mit deren Klarheit und Einfachheit. In
einer Zeit, da das Leben immer komplizierter werde, hätten die
Menschen ein Bedürfnis nach durchschaubaren Strukturen.
Kann Musik Hilfe sein in Krisenzeiten?
Als all die Absagen einsetzten und Konzerte nicht mehr stattfinden
konnten, merkte man, wie durstig die Menschen nach Musik sind.
Von vielen unserer Konzertbesucher bekam ich die Reaktion, wie
sehr sie sich auf das Konzert gefreut hatten und wie dankbar sie
16 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

sind, wenn Konzerte im Stream gezeigt werden oder Musiker Hauskonzerte
geben. Im normalen Leben hält man eine Woche ohne
Konzert aus. Aber in Zeiten von Krisen und Isolation brauchen die
Menschen Kunst und Musik. Das ist die schöne Seite an der
derzeitigen Situation – dass deutlich wird, wie essenziell Musik und
das Erleben von Emotion und Gemeinsamkeit sind. Es ist nicht so,
dass die Musik die Branche ist, die um das Publikum buhlt und
mehr Geld verlangt. Nein! Die Menschen brauchen die Musik.
Gibt es Werke, die sich
besonders für Krisenzeiten
„AM ENDE SOLL ES SICH
SO ANFÜHLEN, ALS HABE
ICH DIE RICHTIGE
WAHRHEIT GEFUNDEN“
eignen?
Im ersten meiner wegen der
Pandemie abgesagten
Konzerte hätte ich Schuberts
Unvollendete an der Bayerischen
Staatsoper dirigieren
sollen. Das Gefühl dieses
Werks und das Gefühl, das
mich in der Realität beschlich, wirkten damals surreal. Man
konnte gar nicht fassen, was geschieht, wo es hingeht. Es war zu
spüren, dass da etwas größer ist als wir alle. Genau das empfinde
ich in Schuberts Sinfonie. Nichts passt besser zu dieser Situation
als diese tänzerische Musik in den Geigen und Celli, bei der man
irgendwann merkt, dass man schon keinen Boden mehr unter
den Füßen hat. Nach der Generalpause kommt das Fortissimo, da
brechen Abgründe schlagartig über einen herein. Aber man ist
wie in einem Traum, tanzt weiter und spürt, dass das gar nicht
mehr real ist.
Klassisch-romantische Werke dominieren die Programme, und
zunehmend wird eine Verengung beklagt auf einige große
Namen und Werke. Werden unsere Konzertsäle zum Museum?
Es ist doch so: Niemand beschwert sich, dass sich die Menschen
auf den Weg machen, um den Petersdom zu bewundern, die
barocke Pracht von Salzburg oder die Mona Lisa, weil jede
Generation das Recht hat, diese Meilensteine
der menschlichen Kunst und Zivilisation zu
bewundern und für sich zu bewerten. Die
klassische Musik kann man aber nicht ins
Museum hängen, im Gegenteil: Das Wunderbare
ist, dass diese Kunstform nur durch
das immer wieder erneute Zum-Klingen-
Bringen am Leben und erlebbar bleibt. Wie
viele Möglichkeiten werde ich in meinem
Leben bekommen, den Tristan zu dirigieren? Wenn ich Glück
habe, 30-mal, 50-mal? Ich weiß es nicht, aber eigentlich immer
noch zu wenig. Wie viel weniger ist es erst bei einem Zuhörer? Das
heißt, wir sollten uns nicht über den riesigen Schatz des klassischen
Repertoires beschweren, sondern dieses Geschenk hüten,
pflegen, bewahren. Zu dieser Verantwortung gehört aber gleichzeitig
das Erforschen und Möglichmachen von neuen Wegen,
Werken, Denkweisen usw. Für mich ist das nicht zu trennen.
Sir Roger Norrington setzt sich längst dafür ein, das Ritual von
Konzerten aufzubrechen, um mit den Musikern und dem
Publikum ein Gemeinschaftserlebnis zu schaffen. So animiert
er das Publikum, seine Begeisterung zu zeigen und auch
zwischen den Sätzen zu applaudieren. Teilen Sie seine Sicht?
Wir sollten alles versuchen, was uns dem Publikum näherbringt
und diese Musik erfahrbar werden lässt, auch wenn man damit
Formen aufbricht. Tatsächlich ist nämlich die gegenwärtig als so
traditionell wahrgenommene Form eines Orchesterkonzerts – also
Ouvertüre, Solokonzert, Sinfonie – in der Geschichte gar nicht
begründet. Zu Beethovens Zeit etwa sahen Konzerte völlig anders
aus. Da wurden an einem Abend mehrere Sinfonien gespielt. Erst
die großen schweren Werke, dann wurde es immer kleinteiliger,
am Ende Ouvertüren und einige Arien. Ein solches Konzert würde
heute niemand mehr aufs Programm setzen. Man würde es als zu
„SO EIN THEATER IST
EIN ORT DER
ÜBERWÄLTIGUNG“
lang und falsch in der Zusammenstellung empfinden. So ist das
Konzert, das man heute als Tradition empfindet, eine in ihrer
Zeit begründete Form, und es gibt keinen Grund, sie nicht mit
anderen Ideen zu füllen. Man muss auf sein Gespür vertrauen.
Und den Kontakt zum Publikum sollte man immer suchen. Wir
haben in Nürnberg die sogenannten Expeditionskonzerte. Das
sind moderierte Konzerte, die ich sehr liebe, weil ich auch beim
Publikum das Bedürfnis danach spüre.
Der verstorbene Musikwissenschaftler Joachim Kaiser erzählte,
Zuhörer hätten ihm gesagt, sie würden ein Stück lieber von ihm
erzählt bekommen, als es sich anzuhören …
Ich möchte nicht in jedem Sinfoniekonzert etwas sagen oder
erklären. Man kann eine Beethoven-Sinfonie auch genießen, ohne
sie erklärt zu bekommen. Die Expeditionskonzerte sind einfach
ein anderes Format, und ich finde es toll, wie begeistert sie in
Nürnberg angenommen werden. Diese Nachfrage zeigt mir, dass
es nicht stimmt, dass es keine Neugier auf klassische Konzerte
gibt. Aber viele Menschen wissen gar nicht, was sie verpassen.
Jemand, der noch nie in einem klassischen Konzert war und
keinen Bezug dazu hat, traut sich vielleicht nicht. Er weiß nicht,
was er damit anfangen soll oder ob er vorher etwas wissen muss.
Diese Hemmschwellen versuchen die Expeditionskonzerte
aufzubrechen. Ich halte keine musikwissenschaftlichen Vorträge.
Vielmehr möchte ich die Freude am Hören wecken, vorführen,
wie etwas klingt und wie es wirkt. Ich möchte das Publikum zu
uns ins Staatstheater locken. So ein Theater ist ein Ort der
Überwältigung. Man sieht die beleuchtete Bühne und das
Orchester, man spürt, wie der Boden vibriert, wenn die Kontrabässe
spielen. Das gehört alles dazu.
Herbert Blomstedt hat das Interpretieren musikalischer Werke
mit der Auslegung von Bibeltexten verglichen. Hier wie dort
gebe es keine letztgültigen Lösungen, der heilige Text sei jedoch
definitiv. Sehr rigoros. Was aber bedeutet dann Interpretation?
Jeder von uns Musikern muss die Noten von allen Seiten befragen.
Interpretation bedeutet für mich nicht,
einem Stück meinen Stempel aufzudrücken.
Man muss sich bei jeder Note fragen, warum
sie steht, wo sie steht, warum sie wiederkehrt
und warum sie anders wiederkehrt, um von
all diesen kleinen Informationen vorzustoßen
zur großen Idee des Werks. Wenn man
ein Werk analysiert und studiert, lernt man
es kennen, wie man einen Menschen
kennenlernt. Man erfährt auch seine Geheimnisse, und es stellt
sich eine Beziehung ein. Am Ende soll es sich so anfühlen, als
habe ich die richtige Wahrheit gefunden. Das ist natürlich meine
Wahrheit. Ein Dirigentenkollege kommt zu einer anderen
einzigen Wahrheit. Jeder hat einen anderen Atem und anderen
Herzschlag. Aber das ist für mich die Interpretation.
Alles kann auch die Partitur nicht festlegen. Es bleibt Raum zur
Auslegung. Wie gehen Sie mit diesem Raum um?
Es ist tatsächlich sehr unterschiedlich. Mahler etwa war ein
begnadeter Dirigent. Er testete dirigentisch auch seine eigenen
Kompositionen und wusste genau, wie er etwas hinschreiben
musste, damit ein anderer Dirigent es versteht. Ganz anders eine
Schubert-Sinfonie. Schubert, der so vieles für die Schublade
schrieb und wahrscheinlich nicht erwartete, dass wir seine
Sinfonien heute in den großen Konzertsälen spielen, empfand es
nicht für nötig, so genau zu sein. Da wird dann schwer diskutiert,
was wie gemeint ist, ob eine anders wiederkehrende Phrase
bewusst anders sein soll oder ob es einfach ungenau ist. Sicher
werden wir das nie wissen. Je weiter man zurückgeht, desto
weniger sagen die Noten. In der Barockmusik, aber auch noch in
der frühen Klassik wurde vieles gar nicht notiert. Es ergab sich
aus dem Konsens, wie bestimmte Stellen gespielt werden.
Der Beruf des Komponisten hat sich ja erst mit der Zeit entwickelt:
17

K Ü N S T L E R
„ICH KANN NICHT DIE GROSSE KRAFT
DES AUSDRUCKS ENTWICKELN,
WENN ICH NICHT ICH SELBST BIN“
Zunächst musste ein begnadeter Virtuose auch ein talentierter
Improvisator sein – die Musik wurde spontan erfunden und war
nicht dazu gedacht, auf Notenpapier verewigt zu werden.
Dirigenten können vom charismatischen Orchesterbeschwörer bis
zum nüchternen Sachverwalter alles sein. Haben Sie Vorbilder?
Ich habe viele Vorbilder, nicht nur Dirigenten. Von jedem kann
man sich etwas abschauen und für sich nutzen. Beim Dirigieren
geht es um Authentizität. Ich kann nicht die große Kraft des
Ausdrucks entwickeln, wenn ich nicht ich selbst bin. Da muss
jeder herausfinden, was in ihm steckt, wo seine Stärken liegen –
Charmeur, Philosoph oder Analytiker und Didaktiker. Einen
tollen Dirigenten nachzuahmen, bringt einen nicht weiter.
Es gibt einige wenige Ensembles, die demokratisch organisiert
sind. Orchester sind es nicht. Wie meistern Sie diese Gratwanderung
zwischen Diskussion und Durchsetzung?
Es gibt auch Orchester, die in ihrer Organisationsstruktur demokratisch
organisiert sind; nehmen Sie das berühmte Beispiel der
Wiener Philharmoniker. Dennoch braucht ein Orchester eine
gewisse Ordnung, und unhierarchisch wird es nie sein. In der
Probe trifft am Ende der Dirigent die Entscheidung. Dafür besitzt
er das Dirigentenhandwerk und die Technik. Das bedeutet aber
nicht, dass ich vorschreibe, wie es gehen soll. Das Entscheidende
geschieht im Moment des Musizierens. Als Dirigentin muss
ich durchlässig sein. Ich nehme auf, was mir entgegenkommt,
welche Phrase mir die Solo-Oboe anbietet, wie die Streicher mir
die Akzente entgegenfeuern, wie der Atem der Blechbläser das
unterstützt, und ich versuche, all diese Impulse zu bündeln und in
eine Bahn zu lenken. Dieser Austausch von Impulsen während des
Musizierens ist das Magische, und der erfolgt nicht hierarchisch.
Ich zitiere noch einmal Marin Alsop, weil sie als amerikanische
Dirigentin den Blick von außen hat. Sie erklärte, es gebe in
Europa deutliche Unterschiede zwischen den Orchestern. Sie
haben viele Orchester dirigiert. Teilen Sie diese Beobachtung?
So allgemein würde ich es nicht sagen. Natürlich gibt es technisch
bedingte Unterschiede. Auch die Ausbildung unterscheidet sich.
Jedes Orchester besitzt ein lebendiges Gedächtnis, und bei den
Orchestern in Europa reicht dieses oft weit zurück. Wenn man
den Rosenkavalier hört, wird man immer erkennen, ob ihn die
Wiener Philharmoniker spielen. Brahms hat zum Beispiel mit
dem Dirigenten des Orchesters von Meiningen zusammengearbeitet.
Damals war Meiningen das Brahms-Orchester. Musiker
und Dirigent wussten, wie er etwas gespielt haben wollte, und
waren geschult in seinem Stil. Findet in der Geschichte eines
Orchesters so etwas statt, wirkt das noch über Generationen nach.
Welche Bedeutung hat es für Sie, mit Ihren Orchestern eine
eigene Klangkultur zu schaffen?
Das ist wichtig. Darum verpflichte ich mich auch gerne für eine
längere Zeit. Eine Klangkultur kann man nur erreichen, wenn
man über längere Zeit mit einem Orchester arbeitet. Aber es ist
ein großes Ziel. Der Klang ist das Ergebnis von vielem, angefangen
bei der Technik über die Artikulation, die Bereitschaft der
Musiker sich hinzugeben bis hin zu gegenseitigem Vertrauen.
Zwischen Orchester und mir und innerhalb des Orchesters. Das
kann man nur über einen langen Zeitraum erreichen, und das
spiegelt sich am Ende im Klang wider.
Die Wiener Philharmoniker, die Sie jetzt dirigiert haben, sind
bekannt für melodische Streicherwärme …
Dieses lebendige Gedächtnis ist wahrscheinlich bei den Wiener
Philharmonikern so stark wie bei wenigen Orchestern auf der
Welt. Für mich als Dirigentin heißt das, dass ich dem Orchester
bestimmt nicht meine Idee von Mozart überstülpen werde. Damit
würde ich nur alles zerstören. Man muss immer darauf achten,
wo man hinkommt und was einem angeboten wird. Und von den
Wiener Philharmonikern wird einem etwas Riesiges geboten.
Trotzdem muss ich klar sein in meiner Idee von Mozart und dem
Werk. Dieser Balanceakt macht es aus.
Dirigenten beklagen mitunter, sie würden zu spät oder zu
wenig in die Probenarbeit einbezogen. Wie gestalten Sie die
Zusammenarbeit mit dem Regisseur?
Jedem Dirigenten ist es freigestellt, sich ein Jahr vorher mit dem
Regisseur zusammenzusetzen und bei den Proben dabei zu sein.
Mir ist es immer wichtig, mich frühzeitig mit dem Regisseur zu
verständigen und während der szenischen Proben anwesend zu
sein. Gerade der Austausch zwischen Ausdruck und Musik,
zwischen Bühne und Graben wird in szenischen Proben erarbeitet.
Also muss ich wissen, was der Regisseur ausdrücken will. Ich
muss erkennen, ob der Subtext für den Sänger klar genug ist, ob
ich ihn unterstützen kann oder ob ich ihm durch die Musik noch
eine andere Ebene hinzufügen muss. Und vor allem ist es mir
wichtig, die Sänger kennenzulernen. Das Tempo einer Arie hängt
auch davon ab, welche Art von Stimme sie singt.
Zum 100. Jubiläum der Salzburger Festspiele haben Sie mit
Christof Loy eine Neuinszenierung von Mozarts Così fan
tutte erarbeitet. Publikum und Kritiker waren begeistert, Sie
sprachen von „Idealbedingungen“ und einem „Glückspaket“.
Worauf kommt es bei einer Operninszenierung an?
Im besten Fall kommen alle Beteiligten – Regisseur, Dirigent und
Sänger – sehr gut vorbereitet und mit klaren Vorstellungen zur
ersten Probe. Durch diese Reibung potenziert sich dann in der
gemeinsamen Arbeit die Ausdruckskraft. Im Fall der Così ist es
genau so gewesen. Alles wurde vom Text und von der Musik her
gedacht. Meist saßen wir alle zusammen ums Klavier und haben
jede neue Nummer, jedes Rezitativ geprobt: Text, Subtext, Farbe,
Impuls, Übergang, Timing. Regie und musikalische Idee gehen
dann Hand in Hand: Idealbedingungen, um Mozart zu proben.
„Theater ist in einem positiven und in einem negativen Aspekt
Mode und darauf angewiesen, immer wieder neue Variationen
zu zeigen, damit es nicht erstarrt“, sagte Dieter Dorn einst. Das
gilt vermutlich auch für musikalische Deutungen. Wie empfinden
Sie das, wenn Sie eine Oper wie die Così vor sich haben?
Così ist vielleicht die zeitloseste Oper von Mozart. Es geht darum,
was mit Menschen passiert, mit Menschen in Beziehungen, mit
Menschen im Verlauf eines gesamten Lebens. Um dies an einem
Opernabend erzählen können, ist das Ganze in diese etwas
merkwürdige Verwechslungsgeschichte eingefasst. Aber die Emotionen
sind heute so aktuell wie zu Mozarts Zeit oder in der Zukunft.
Jede neue Produktion muss dem nachspüren, was uns als
Zuschauer berührt und uns identifizieren lässt. Am Ende hängt die
Qualität einer Produktion nur damit zusammen. Die Menschlichkeit
muss sich übertragen, und da kann eine historische Operninszenierung
manchmal aktueller sein als eine moderne.
Für Igor Levit sind Sie eine Jahrhundertdirigentin. Und doch
möchte ich Sie nach Ihren weiteren Plänen und Zielen fragen.
Wenn man als Dirigentin in die Position kommt, auswählen zu
dürfen, welche Anfragen und Engagements man annimmt und
welche nicht, dann ist das ein großes Privileg. Mein Ziel ist es, die
Orte und Orchester zu finden, bei denen ich das Gefühl habe, wir
gehören zusammen, und es kann etwas Großes entstehen, wenn
wir gemeinsam musizieren. In Nürnberg befinde ich mich an
einem solchen Ort. Vor meinem Vordirigat wusste ich noch nicht,
was werden kann. Aber bei der ersten Probe mit dem Orchester
hatte ich das Gefühl, unbedingt mit diesen Menschen musizieren
zu wollen. Hier kann ich sein, wie ich bin, und es kann etwas
Tolles entstehen.
n
18 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

19

ENDLICH
PAMINA!
Auch eine Stimme will erwachsen werden. Und ihre Facetten entwickeln.
Die Sopranistin Regula Mühlemann hat gewartet – und fühlt sich jetzt reif
genug für Rollen wie Ilia, Susanna und ja, eben Pamina. Eine kluge
Entscheidung, wie ihr zweites Mozart-Arien-Album beweist.
VON KLAUS KALCHSCHMID
20 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

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FOTO: GUIDO WERNER

R
egula Mühlemann hätte dieses Jahr bei den Salzburger
Festspielen die Pamina in der Zauberflöte
singen sollen – sie wurde virusbedingt ins nächste Jahr verschoben.
Aber die junge Schweizerin verkörpert sie im Herbst in Basel in
einer Neuproduktion und im Frühjahr nächsten Jahres an der Wiener
Staatsoper, wo sie im September schon Blonde in der Entführung
aus dem Serail darstellt. Anfang September erscheint ihr zweites
Mozart-Album – mit Paminas berühmter Arie im Zentrum.
CRESCENDO: Frau Mühlemann, wie kommt man mit gerade
mal 22 zu einem Engagement als Ännchen neben Juliane Banse
als Agathe in einer Verfilmung des Freischütz?
Regula Mühlemann: Erst einmal habe ich nur für eine der Braut -
jungfern vorgesungen. Dann fragte man mich, ob ich auch Ännchen
singen könnte. Leider hatte ich nur eine der beiden Arien drauf.
Mist, dachte ich, da hast du jetzt vielleicht eine große Chance
verpasst. Aber ein paar Tage später bekam ich einen Anruf mit der
Bitte, ich möge doch die ganze Partie lernen und noch mal vor -
singen. Dann ging alles sehr schnell und schon eine Woche später
fanden die Aufnahmen unter Daniel Harding in London statt.
Die Einspielung vor dem eigentlichen Dreh in der Sächsischen
Schweiz waren für eine Sängerin am Beginn ihrer Karriere
sicher doppelt ungewöhnlich. Wie ist es Ihnen da ergangen?
Das war schon sehr speziell.
EGAL WIE KLEIN EINE
ROLLE IST: MOZART
LÄSST IMMER EINEN
CHARAKTER
DURCHSCHEINEN
Jeder saß in einer eigenen
Tonkabine, sah den Dirigenten
nur auf einem Monitor oder
durch ein großes Fenster weit
weg in einem anderen Raum.
Aber man war eben nicht mit
dem Orchester zusammen. So
konnte ich mich nicht über die
Umgebung wahrnehmen. Die
anderen hörte ich nur über
Kopfhörer, die ich mir nur halb aufsetzte, um meinen Gesang
kontrollieren zu können. Auch bei den Filmaufnahmen, wo der
Ton eigentlich keine Rolle mehr spielt, haben wir ausgesungen,
damit Ausdruck und Intensität des Singens sichtbar waren.
Bei einem anderen Filmprojekt – als Amor in Glucks Orfeo mit
Bejun Mehta war das aber anders?
Ja, in diesem schönen kleinen Barocktheater in Krumau haben
wir alles live gesungen. Das ist schon sehr anstrengend, weil
immer irgendwas nicht passt.
Es gibt noch einen dritten Film mit Ihnen: Der Klang der
Stimme, in dem es um die verschiedensten Phänomene des
Singens geht. Sie waren das Beispiel für den klassischen Gesang
und man erlebt Sie an der Seite von Ramón Vargas. Aber es ist
auch dokumentiert, dass es mal nicht so rund laufen könnte.
Oh, ich dachte lange, will ich diese Szene im Film drinhaben, wo
ich bei der Einspielung meiner ersten CD, also dem ersten
Mozart-Album vor fünf Jahren, in einem Moment so angespannt
war, dass gar nix mehr ging? Ich habe mich dann bewusst dafür
entschieden, diese Szene nicht rausschneiden zu lassen. Das
Erleben dieser Situation und vor allem zu dieser vermeintlichen
Schwäche zu stehen, hat mich stark gemacht und dazu gebracht,
bei Aufnahmen oder auch auf der Bühne weniger Druck aufzubauen
– oder ihn besser auszuhalten. (lacht) Dass diese Umstände
im Film nicht erklärt werden, sondern man einfach meine
Ohnmacht in dieser Situation spürt, fand ich irgendwie gut.
Heute habe ich da natürlich mehr Erfahrung, und so etwas
passiert mir sicher so nicht mehr.
Kommen wir zu Ihren beiden Mozart-Platten. Nach welchen
Kriterien haben Sie das Repertoire ausgesucht?
Für die erste CD habe ich die gesamte Sopran-Literatur von
Mozart durchgehört und meine Lieblingsarien ausgewählt. Ich
K Ü N S T L E R
wählte bewusst fröhliche, heitere, also „positive“ Arien. Das war
gar nicht so einfach, weil es viel mehr Ernstes, Schwermütiges
und Tiefsinniges gibt.
Deshalb auch Exsultate, jubilate am Ende!
Ja, genau! An einige dieser Lieblingsarien habe ich mich damals
noch nicht herangetraut. Ich wollte mit einer Ilia, Susanna und
Pamina warten, bis sich meine Stimme ändert und weitere Farben
dazugewinnt. Nun war die Zeit dafür reif, zumal ich viele dieser
Mozart-Partien jetzt auf der Bühne singe oder bald singen werde.
Was war Ihre erste Mozart-Partie?
Barbarina im Januar 2010 in meiner ersten Spielzeit am Luzerner
Theater, als ich noch studierte. Figaro war auch meine erste Oper,
die ich in Zürich als Zuschauerin erlebte. Damals war ich als
junges Mädchen nicht so sehr fasziniert von Susanna, sondern
eben von Barbarina. Ich sehe die Sängerin immer noch vor mir,
wie sie da allein in einem Spot auf der Bühne mit einem Picknickkorb
steht und das kleine Rezitativ singt, das so oft gestrichen
wird. Und dann diese wunderbare Cavatina! Egal wie groß oder
klein eine Rolle ist: Mozart lässt immer einen Charakter durchscheinen,
gibt selbst einer Nebenfigur ein reiches Persönlichkeitsprofil
– das eröffnet immer eine Welt. Die Barbarina war also
mein Initiationserlebnis – und dann meine erste Rolle auf einer
großen Bühne!
Was ist dran an dem Gerücht, Sie wären eigentlich gerne
Popsängerin geworden?
Na ja, ich wollte nicht professionelle Popsängerin werden,
sondern habe einfach viel Popmusik gesungen. Es war ein großes
Hobby. Ich hab mich dazu am Klavier begleitet, was mir später
beim klassischen Gesangsstudium durchaus zugutekam. Ich
tourte auch mit Kinder-Musicals. Meine Mutter hat mich mit
jeder Art von Musik aufwachsen lassen, die es in ihrer Plattensammlung
gab – von Bach bis zu den Beatles! Auch das Singen
von Kirchenmusik in einer Kantorei war für mich ganz selbstverständlich.
Viele Singer-Songwriter haben schöne Stimmen,
können aber eben ihre Songs auch selber schreiben; da hat’s bei
mir dann schon gehapert! Bei dem, was ich geschrieben habe,
dachte ich mir immer: Na, ein Hit wird das nicht! (lacht) Außerdem
hatte und habe ich diese hohe, helle und klare Stimme – die
ist im Pop nicht ideal. Ich merkte außerdem, dass für mich das
klassische Singen viel angenehmer ist und weniger müde macht.
Wann haben Sie entschieden, das Singen zum Beruf zu machen?
Lange Zeit war das ein schönes Hobby, aber ich habe eher daran
gedacht, Biologie zu studieren. Kurz vor dem Abi fragte mich
mein Gesangslehrer, was ich mal werden will. Ich zuckte nur mit
den Schultern, und da sagte er: „Na, mach doch das, was du am
besten kannst!“ Und da ist es mir wie Schuppen von den Augen
gefallen. Er kannte die Professoren hier in Luzern und hat mich
zu Barbara Locher geschickt. Das war die perfekte Gesangslehrerin
für mich, und noch heute gehe ich gerne zu ihr.
Wie erlebten Sie die letzten Monate ohne Live-Auftritte?
Ich bin ein wenig erschrocken, als ich merkte, dass ich vieles
machen konnte, wozu ich sonst keine Zeit habe, mir aber das
Singen überhaupt nicht fehlte. Und damit verbringe ich ja sonst so
viel Zeit! Das machte mir ein wenig Sorgen. Aber als ich für eine
Sendung des Schweizer Fernsehens darüber reflektieren musste,
kam mir: Das Üben zu Hause fehlt mir nicht, das mache ich auch
nicht besonders gerne, das ist Arbeit, wenn auch manchmal
schöne Arbeit. Aber was mir sehr wohl
abgeht, ist das Musizieren mit anderen. Und
ich habe neue Hobbys entdeckt: Sauerteigbrot
backen und Tennis spielen!
n
Wolfgang Amadeus Mozart: „Mozart Arias“, Regula Mühlemann
(Sony)
22 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

HAPPY
BIRTHDAY,
MISTER
GUITAR!
Sigi Schwab ist einer der vielseitigsten
und umtriebigsten Musiker und als Meister
der Gitarre eine Legende. Am 5. August
feierte er seinen 80. Geburtstag.
VON RUTH RENÉE REIF
Sigi Schwabs musikalisches Spektrum erstreckt sich vom
Barock bis zur Gegenwart. Er brennt leidenschaftlich für
sein Instrument, ist seit Jahrzehnten unterwegs, arbeitet an
mehreren Projekten gleichzeitig und spielt in unterschiedlichen
Formationen. Seine Schallplatten wurden längst zu
Sammlerstücken und zahllos sind die Musiker, mit denen er auf der
Bühne und im Studio stand.
Begonnen hat Sigi Schwab seine Laufbahn rockig und jazzig.
Geboren als Siegfried Schwab in Ludwigshafen am Rhein, wirkte er
bereits während seines Studiums an der Musikhochschule Mannheim
in der lokalen Musikszene, rockte mit dem 2016 verstorbenen
Gitarristen Hans Reffert und widmete sich im Quartett mit dem
2011 verstorbenen Pianisten Wolfgang Lauth, dem Bassisten Wolfgang
Wagner und dem Drummer Horst Seidelmann dem Cool Jazz.
Bereits damals erwachte aber auch seine Begeisterung für Barockmusik.
Denn das Wolfgang-Lauth-Quartett befasste sich intensiv
mit dieser Epoche. 1967 brachte Sigi Schwab das Album „The Fabulous
Guitar. From Bach to Almeida“ heraus, dem zwei Jahre später
„Bacharach Baroque“ mit dem 18th Century Ensemble folgte.
Noch im selben Jahr erschloss er sich mit dem jüngst verstorbenen
Pianisten Wolfgang Dauner und dem Bassisten Eberhard
Weber mit indischen Klängen ein weiteres musikalisches Feld. Auf
dem Album „The Oimels“ spielte er die indische gezupfte Langhalslaute
Sitar. Unter der Bezeichnung „Psychodelic-Jazz-Pop“ wurde
das Album 2007 wiederaufgelegt. Mit der ebenfalls 1969 von dem
Multiinstrumentalisten Christian Burchard gegründeten Jazzrockund
Weltmusik-Band Embryo nahm Sigi Schwab 1972 das Album
„Father, Son and Holy Ghost“ auf und spielte neben verschiedenen
Gitarren das altindische Zupfinstrument Vina.
Die 60er-Jahre waren aber auch die große Zeit der Rundfunk-
Big-Bands, und Sigi Schwab befand sich mit seiner Gitarre mitten im
swingenden Geschehen. 1965 folgte er einem Engagement der RIAS
Big Band Berlin. Auch im Südfunk-Tanzorchester, das Erwin Lehn
beim Süddeutschen Rundfunk in Stuttgart gegründet hatte und zu
einer Big Band formte, wirkte er mit. Keine Tanzverpflichtungen hatte
die von Kurt Edelhagen beim WDR in Köln ins Leben gerufene Big
Band. Die Musiker konnten sich ausschließlich auf den Jazz konzentrieren.
Sigi Schwab war als Gast dabei. Und auch die Rhythm Combination&Brass
des Posaunisten Peter Herbolzheimer sowie das
Quartett des Saxofonisten Klaus Doldinger schätzten Sigi Schwabs
Gastauftritte. Auf den Alben „My Kind of Sunshine“ und „Waitaminute“
ist die Zusammenarbeit mit Herbolzheimers Band verewigt.
Bereits 1965 begann Sigi Schwab, als Studiomusiker zu arbeiten,
und spielte im Verlauf von 20 Jahren 15.000 Titel ein. Ende der 80er-
Jahre konnte er sich ein eigenes Tonstudio einrichten. Er hatte in den
70er-Jahren begonnen, Filmmusiken zu schreiben, unter anderem
für den Kinofilm Ein Wintermärchen und die Fernsehverfilmung von
E. T. A. Hoffmanns Novelle Das Fräulein von Scuderi sowie die Fernsehserien
Anna, Laura und Luis und Clara. Der von dem 1994 früh
verstorbenen Sänger Guillermo Marchena vorgetragene Titel My Love
is a Tango aus der Fernsehserie Anna wurde ein solcher Erfolg, dass
die Tantiemen Sigi Schwab Unabhängigkeit schenkten.
Der klassischen Musik wandte sich Sigi Schwab mit dem Diabelli
Trio zu, das 1979 sein Debüt bei den Ludwigsburger Schlossfestspielen
gab. Es folgten eine rege Konzerttätigkeit, Aufnahmen
für den Rundfunk und Schallplatteneinspielungen wie die Alben
„Wiener Serenade“ und „Kostbarkeiten des Biedermeiers“. Im Jahr
2000 brachte das Trio das Album „Walzer“ heraus.
Doch auch seiner Liebe zur Barockmusik ist er mit dem Trio
Barocco Vivente treu geblieben, in der er mit seiner Gitarre den Part
des Continuoinstruments übernimmt.
2015 schließlich fand Sigi Schwab sich mit dem Klarinettisten
Klaus Hampl, dem Perkussionisten Ramesh Shotham und dem
Bassisten Reza Askari-Motlagh zur Camerata Bavarese zusammen.
Gemeinsam wollen sie eine Renaissance der Camerata Fiorentina
aus der Taufe heben, zu der sich vor 400 Jahren hochkarätige Künstler
zusammengeschlossen haben. Und „A Due“ heißt es, wenn Sigi
Schwab mit dem Klarinettisten Klaus Hampl ein virtuoses musikalisches
Zwiegespräch führt. Ein weiterer Dialog im Duo Mandala
mit dem Perkussionisten Ramesh Shotham macht seine Leidenschaft
für indische Klänge möglich.
Zu guter Letzt noch ein weiteres legendäres Album: „Guitarissimo“.
Der Titel stammt aus einer Fernsehsendung, in der Sigi Schwab
und der Gitarrist Peter Horton spontan miteinander musizierten
und einen Sturm der Begeisterung auslösten. 1978 brachten sie das
Album heraus, zwei Jahre später folgte „Guitarissimo – Confiança“,
2012 entschloss sich Solo Musica zu einer Neuauflage, die die besten
Stücke beider Alben vereinte. Und schon 2014 erneuerten Sigi Schwab
und Peter Horton ihr Kult-Duo und erweiterten
es um den Schlagzeuger Andreas Keller
und den Bassisten Tommi Müller. Das Ergebnis:
„Guitarissimo XL“. Danke dafür, Sigi! n
„Guitarissimo XL“, Sigi Schwab, Peter Horton, Andreas Keller
und Tommi Müller (Solo Musica)
FOTO: ALFRED MICHEL
23

K Ü N S T L E R
„IN BEETHOVENS MUSIK SPÜRT MAN DEN ZAUBER EINER
ANDEREN DIMENSION SEHR DEUTLICH. MANCHE NENNEN ES GOTT …“
DIE LIEBE
FÜR DIE LIEBE
Ob sie vor Papst Franziskus singt oder im Film Das Parfüm – die
Sopranistin Chen Reiss ist eine außergewöhnliche Frau. Man spürt, dass es
ihr leichtfällt, vieles gleichzeitig und quer zu denken. Wissensdurstig ist sie,
energisch und kämpferisch, voller Ideen und Eigensinn, dabei gewitzt und
humorvoll. All das ist zu spüren auf ihrem neuen Album, das sich
ausschließlich Beethoven-Arien widmet.
VON STEFAN SELL
Beethoven hätte sie geliebt – er verehrte starke
Frauen. Chen Reiss entscheidet, was sie singt und
wie. Die israelische Sopranistin ist schon früh ihrem Herzensruf
gefolgt: Mit sechs hat sie die erste Klavier-, mit 14 die erste Gesangsstunde,
mit 16 weiß sie: Sie wird Sängerin. Selbst ihren zweijährigen
Militärdienst in Israel absolviert sie als Gesangssolistin im Orchester
der Streitkräfte. Ihren Durchbruch hat sie mit 21 an der Bayerischen
Staatsoper. Zubin Mehta hatte sie in New York gehört und sofort
engagiert. Seither ist sie auf den Bühnen der Welt zu Hause.
Im Gespräch mit Chen Reiss führt zunächst kein Weg daran
vorbei: Es geht um Corona, die vielen Auftritte, die ausfallen, das
eingeengte Arbeiten von zu Hause aus, über all die vergeblichen
Versuche, mit auf Pixel und mp3 reduzierten Internetauftritten über
die Ausfälle hinwegtrösten zu wollen. „Musik über das Internet
kann kein Ersatz sein. Es ist, als würde ich jemandem erklären, wie
Schokolade schmeckt.“ Schnell wird klar, dass für sie nur der spürbare
Kontakt zu den Mitmusizierenden, die Unmittelbarkeit zum
Publikum das wahre Konzertieren ausmachen.
Dennoch sieht sie in der Krise eine Chance, neue Wege zu
gehen. Gerade Künstler könnten Perspektiven schaffen und wären
damit systemrelevanter, als die meisten vermuten. Das nicht Materielle,
das flüchtige Element der Musik beweist: Es gibt mehr zwischen
Himmel und Erde, als jede Schulweisheit sich träumen lässt.
Reiss’ neues Album, „Immortal Beloved“, präsentiert einen
Beethoven, den wir so nicht kennen. Virtuos jongliert sie mit den
Gefühlslagen der Szenen, Arien und Lieder. Klug hat sie mit dem
Repertoire Akzente gesetzt und gibt den Hörern die Gewissheit, im
Leben zählt nur eines: die Liebe.
„Für mich ist das bei Beethoven sehr klar: Die Liebe ist immer
da, die Liebe für die Musik, die Liebe für die Stimme. Neu war mir
zu hören, er habe die Stimme ignoriert. Aber nein! Er hat am Theater
an der Wien gewohnt und sich mit den Sängern ausgetauscht. Vielleicht
fehlte ihm als Pianist das Selbstvertrauen, für Gesang zu
schreiben, aber alles, was er geschrieben hat, sind Meisterwerke.“
Wie aber ist sie wohl dazu gekommen, aus all diesen selten
gesungenen Partien bis hin zur heiteren Buffo-Arie Soll ein Schuh
nicht drücken ein Album zu machen?
„Ich hatte einen Vertrag mit der Wiener Staatsoper, die Urfassung
der Leonore von 1805 zu singen. Darin ist ein Duett für Leonore
und Marceline. Das war für mich neu, wunderschön und meiner
Meinung nach das Beste in dieser Oper für die Gesangsstimme. Ein
Part, der leider in der späteren Fassung des Fidelio gestrichen wurde.
Beethoven hat bei Sängern den Ruf, dass er sehr unbequem
sein kann. Ich weiß. Man übt und denkt, warum hat er das so
geschrieben? So instrumental – als würde er für eine Geige schreiben.
Aber dann dieses Duett! Da dachte ich mir, vielleicht gibt es ja
ja mehr so interessante Stücke aus seiner Jugend.“
Allen zu erwartenden Hürden zum Trotz hat Reiss sich zwei
Jahre intensiv damit beschäftigt. „Bei meiner Recherche habe ich
dann so wunderbare Arien entdeckt wie Primo amore, eine 15-minütige
Szene, die er in Bonn verfasst hat. Man dachte, sie wäre in Wien
entstanden, aber es hatte zuvor schon einen deutschen Text gegeben.
Vermutlich hat er diese Arie für die Sopranistin Magdalena Willmann
geschrieben, die Tochter einer musikalischen Nachbarsfamilie.
Vielleicht war sie sogar seine erste Liebe.“
Ganz mit ihrem neuen Programm verwoben, fällt ihr gleich
24 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

Beethoven muss man mit
Schlichtheit singen: Chen Reiss
FOTO: PAUL MARC MITCHELL
25

K Ü N S T L E R
Chen Reiss, so selbstbewusst
wie emotional,
weiß: Musik hat Macht!
FOTO: PAUL MARC MITCHELL
die Romanze aus Leonore Prohaska ein, der Musik zu einem Drama
um die kampfesmutige Trommlerin der Freiheitskriege von 1813
bis 1815. Reiss identifiziert sich mit den Frauen, die Beethoven in
seinen Werken anspricht. Sie wird zur Stimme von Selbstbestimmheit,
aufrechtem Gang, Freiheit und Courage. „Beethovens Es blüht
ein Blume im Garten mein aus Leonore Prohaska ist eine Perle, so
schlicht, so rein und perfekt – das ist für mich Beethoven.“
Dem kann man nur zustimmen. Ihr Album ist ein einziger
Perlenkranz geworden und offenbart einen Beethoven der Stimme,
schwierig auszuführen, unbequem in der Lage, doch romantisch,
klassisch, wunderschön, in jedem Ton meisterhaft. Es scheint, als
hätte Chen Reiss ihren Interpretationen so
etwas wie einen Subtext, eine zweite Schicht
unterlegt, die etwas verrät, was wir so von
Beethoven nicht wussten. Die Szene und
Arie Ah, perfido! bestreitet sie mit frischem
Tempo, mutig, belebend – wie ein Sprung
ins kalte Wasser. Dann hält sie inne, überrascht
wie das unerwartete Aufleuchten
eines Meteors, dessen Spur für einen Moment am Himmel weilt.
„Mit diesem Album wollte ich zeigen: Beethoven kommt aus
der Klassik, er kommt aus der Welt Haydns. Das muss man mit
Schlichtheit singen, so schlicht wie man Haydn und Mozart singt –
nicht dramatisch. Wie zum Beispiel Fliesse, Wonnezähre, fliesse! – ein
ganz frühes Werk. So wunderschön …“
Diese Arie eröffnet ihre CD „Immortal Beloved“. Wer oder
was aber, glaubt sie, ist diese unsterbliche Geliebte? „Für mich ist
die unsterbliche Geliebte ein Vorbild für das, was Liebe bedeutet,
ein Ideal. Er hatte eine ideale Frau in seinem Kopf. Keine Frau
kann so perfekt sein! Eine Frau wie Leonore ist sehr mutig, sehr
selbstbewusst und sehr unabhängig – was zu der Zeit etwas Besonderes
war. Und dennoch hat sie Verpflichtungen. Sie ist vollkommen
bei ihrem Mann, sie ist bereit, für ihren Mann ihr Leben zu
riskieren, ihm aus Liebe zu dienen – das hat Beethoven in seinem
Leben nie gefunden. Am Ende war mir klar: Einzig die Musik hat
ihn nicht enttäuscht, das war seine Liebe, das war sein Ideal. Die
Liebe für die Frauen, die Liebe für die Musik – das ist die Liebe
für die Liebe, die Sehnsucht nach unbedingter Liebe. Das habe ich
in jedem Stück gefunden.“
Heißt das, die Liebe ist hier etwas Transzendentes? „Musiker
spüren das, besonders so empfindliche Musiker wie Beethoven. Wir
„EINZIG DIE MUSIK
HAT BEETHOVEN NIE
ENTTÄUSCHT“
spüren diese Extradimension in der Welt, von all dem, was wir nicht
sehen können, nicht berühren können, von dem wir aber wissen, es
ist da. Manche nennen es Gott oder Inspiration, für andere ist es
das Universum, wie oder was auch immer. Wir wissen, dass es diese
Dimension gibt. Gerade in Beethovens Musik spürt man diesen
Zauber ganz deutlich. Musik hat Macht. Über die Ohren sind die
Menschen sehr tief zu erreichen.“
Und wieder betont sie, dass für sie Musik nur im Miteinander
entstehen kann. Skype oder Zoom können keine Alternative sein.
„Zusammen Musik zu machen, bedeutet unglaubliche Energie. Wenn
ich morgens schlecht gelaunt bin, alles viel zu früh beginnt und lästig
ist, ich zur Probe ins Theater gehe und plötzlich
das Orchester zu spielen beginnt, dann
geht für mich die Sonne auf und ich bin
voller Energie.“ Ein passendes Bild. Denn
wenn Chen Reiss Beethovens Tremate, empi,
tremate singt, gleich nach dem dunklen Bass,
der das Terzett einleitet, dann wird es hell,
dann beginnt ihr Leuchten, ihr Strahlen – so
sehr, dass man wirklich glaubt, die Sonne ginge auf.
„Ist das nicht wunderbar? Das war eine Entdeckung, dieses
Terzett, und es wird nie gespielt. Ich bin verantwortlich, dass diese
Musik öffentlich gespielt wird. Kein Veranstalter hat es im Programm.
Ich hoffe, dass sich bald mehr trauen, das zu präsentieren.
Und ich bin sicher, das Publikum wird es genießen. Die Konzerte,
die ich damit noch geben konnte, stießen bei allen auf Begeisterung.
Der arme Beethoven! Er hat durch Corona seinen Geburtstag verpasst.
Egal wie schwierig diese Zeit ist – wichtig ist zu wissen: Alles
wird gut. Und auch morgen wird die Sonne wieder scheinen, ob wir
wollen oder nicht. Die Welt geht weiter, und ich glaube, das gilt auch
für die Musikwelt. Ich bin ein optimistischer Mensch. Auch wenn
manche denken, wir Künstler seien irrelevant – nicht nur die Musik
von Beethoven hat 250 Jahre überlebt. Es gibt so viele Menschen die
dafür brennen. Wer das irrelevant findet, ist schon verloren.“ n
Ludwig van Beethoven: „Immortal
Beloved“, Chen Reiss (Onyx)
Mahler: Symphonie No. 2 „Resurrection“,
Chen Reiss, Tamara Mumford, Gustavo
Dudamel (unitel)
26 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

ÜBER DIE OHREN
IN DEN KÖRPER
Beethoven ist für Arash Safaian kein Halbgott auf einem unerreichbaren Sockel.
Mit ungewöhnlichen Variationen seiner Stücke will er den berühmten Komponisten
nicht nur dem klassischen Publikum näherbringen.
VON CORINA KOLBE
E
in Plattenladen in Teheran,
nach Beethoven benannt, weckte
Arash Safaians Neugier auf Musik. Auf
allen Hüllen fiel dem Kind der charakteristische
Kopf des Komponisten auf.
„Mein Vater spielte mir eine Aufnahme
des Dritten Klavierkonzerts mit Sviatoslav
Richter vor. Das ist meine erste bewusste
Erinnerung an Musik“, sagt Safaian, der
schon früh Kompositionsunterricht nahm.
Mit seinen eigenen Stücken, darunter
Opern und Filmmusiken, versucht er
heute in vieler Hinsicht, Grenzen zu überschreiten.
Wobei der Umzug aus dem Iran
nach Bayern für die Familie keinen allzu
großen Kulturschock bedeutete. „Intellektuellen
in Teheran sind Goethe, Heidegger
oder Grass ebenso geläufig wie die Dichter
Rumi, Saadi und Tagore“, sagt er. „Verschiedene
Ursprünge vermischen sich zu
einer globalen Kultur. Die mystische Weltsicht
des Orients finde ich auch in der
europäischen Kunstmusik wieder. Sie ist
für mich Ausdruck einer Einheit von
Mensch und Natur.“
Komponist
Arash Safaian
will Offenheit
in alle
Richtungen
Sein Vater, der Maler und Bildhauer Ali Akbar Safaian, führte
ihn an die Musik wie an die Kunst gleichermaßen heran. Zunächst
ging er an die Akademie der Bildenden Künste in Nürnberg, danach
an die Hochschule für Musik und Theater in München. „Das Kompositionsstudium
hat mich in künstlerischer Hinsicht noch mehr
provoziert. Die Freiräume für Experimente sind größer als in der
Instrumentalausbildung“, erklärt er. „Letztlich geht es doch darum,
was ein junger Komponist selbst mit seiner Musik ausdrücken
will. Es sollte eine Offenheit in alle Richtungen geben, nicht
nur für rein akademische Diskurse, sondern auch für narratives
Formulieren.“
Zu Philip Glass’ legendärem Musiktheaterwerk Einstein on the
Beach schrieb Safaian die Kurzoper On the Beach. 2012 wurde sie
in der Regie von Robert Wilson in New York uraufgeführt. Die Oper
Der Schuss 2–6‐1967 kam zum 50. Todestag von Benno Ohnesorg
in Berlin auf die Bühne. Für Jan-Ole Gersters Film Lara schrieb er
die Filmmusik und eigens ein Klavierkonzert, von dem eine Aufnahme
mit der Pianistin Alice Sara Ott erschien. „Als Komponist
will ich Geschichten erzählen und Emotionen zum Ausdruck bringen.
Ich möchte nicht verstören, sondern berühren“, sagt er. „Meine
FOTO: GREGOR HOHENBERG:
Musik soll über die Ohren in den Körper
eines anderen Menschen eindringen.
Zuhörer sollen sich in ihr verlieren
können.“
Safaian spricht lieber von „Kunstmusik“
als von „klassischer“ Musik. Letzteres
sei ein begriffliches Konstrukt, das
die Musik in eine Schublade verbanne.
„Man verbindet damit einen Ernst, der
viele Leute abschreckt. Die große Kraft
der Kunstmusik liegt doch im empathischen
Moment. Da fließen auch Elemente
der Popkultur ein. Wenn man keine
künstlichen Grenzen absteckt, entstehen
immer neue Kombinationen. Nur so kann
sich Kunst weiterentwickeln.“
Mit dem Pianisten Sebastian Knauer,
der norwegischen Geigerin Eldbjørg
Hemsing und dem Zürcher Kammerorchester
hat er jetzt ein Album mit Variationen
über Werke von Beethoven realisiert.
Knauer hatte die Komposition in
Auftrag gegeben. Vorher hatten sie gemein
sam den ebenfalls auf CD erschienenen
Konzertzyklus ÜberBach konzipiert. Ausgangspunkt der Beethoven-
Variationen sind etwa das Allegretto der Siebten Sinfonie oder die
Mondscheinsonate. „Ich habe an so etwas wie Bilder einer Ausstellung
über Beethoven gedacht“, erklärt Arash Safaian. Modest Mussorgski
hatte sich zu seinem Klavierzyklus durch Gemälde und Zeichnungen
anregen lassen. Safaian bezieht sich auf den antiken Torso vom
Belvedere, dessen fragmentarische Gestalt er als besonders modern
begreift. Eigenwillig ist auch seine Verbindung zwischen der Formensprache
Beethovens und dem Barcelona-Pavillon des Architekten
Mies van der Rohe auf der Weltausstellung 1929.
Der CD-Titel This is (not) Beethoven wirkt doppeldeutig wie ein
Bild von René Magritte. „Man muss die Dinge genau betrachten, um
sie verstehen zu können“, meint Safaian. „Wenn man Beethoven feiert,
sollte man ihn vor allem als Erneuerer sehen, der das Menschliche der
Musik ins Zentrum gerückt hat. Er hätte es
gewollt, dass heute mehr Stücke lebender Komponisten
gespielt werden. Denn sie sprechen
unmittelbar zu den Menschen ihrer Zeit.“ n
Arash Safaian: „This is (not) Beethoven“, Sebastian Knauer
(Modern Recordings)
27

K Ü N S T L E R
„MEINE MISSION:
DEN HORIZONT
ERWEITERN“
Lisa Batiashvili widmet sich auf ihrem neuen Album „City Lights“ elf Städten,
die einen künstlerisch prägenden Einfluss auf ihre Entwicklung nahmen.
VON RÜDIGER STURM
Sibelius, Bach, Beethoven – das sind die Komponisten,
die sich in der Diskografie der Geigerin
Lisa Batiashvili finden. Mit „City Lights“ erweitert sie ihr Repertoire
um verblüffende neue Arrangements – von alten deutschen Schlagern
bis zu Filmmusiken von Chaplin und Morricone. Für sie ist
dieser Schritt nur konsequent. Und so streicht sie auf ihrer Geige
von Paris nach München und Berlin. Weitere Stationen: Helsinki,
Wien, Rom, Buenos Aires, New York, London und Bukarest.
Schließlich Tiflis, die Geburtsstadt von Lisa Batiashvili. Elf Städten
also widmet sie dieses Album. Zufällig aber ist die Auswahl nicht
– es sind all jene Orte, die einen künstlerisch prägenden Einfluss
auf ihre Entwicklung nahmen. Zu den Musikern, die ihr dabei
Jede Stadt hat ihren eigenen Sound,
findet Geigerin Lisa Batashvili
begegneten, gehören die Sängerin Katie Melua, der Trompeter Till
Brönner, die Gitarristen Miloš Karadaglić und Zurab Melua, der
Cellist Maximilian Hornung und der Komponist, Pianist und Chefdirigent
der Georgischen Philharmoniker, Nikoloz Rachveli. Und
obwohl die zweifache ECHO-Preisträgerin hier die Städte ihres
Lebens feiert – Reisen ist ist definitiv nicht ihre Passion.
CRESCENDO: Als viel gefragte Klassikkünstlerin sind Sie es
gewohnt, auf Tour zu sein. Dieses Jahr aber mussten Sie lange
Zeit darauf verzichten. War das schlimm?
Lisa Batiashvili: Nein, ich bin kein großer Fan des Reisens. Wenn
man ständig unterwegs ist, fehlt einem die Zeit für so viele Dinge.
Andererseits feiern Sie in Ihrem Album „City Lights“ Städte
FOTO: ANDRÉ JOSSELIN
28 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

auf der ganzen Welt, die in Ihrem Leben eine wichtige Rolle
spielten. Wie passt das zu Ihrer Reiseunlust?
Es geht hier um ihre Einflüsse auf mich und meine künstlerischen
Erfahrungen. Ja, diese Städte waren und sind alle sehr wichtig.
Aber es gibt eben auch den gewöhnlichen Alltag einer Musikerin.
Wenn man jede Woche seinen Koffer ein- und auspacken muss,
verändert sich das Leben permanent. Das gilt für mich wie für
meinen Ehemann, der Oboist ist. Dabei reise ich weniger als viele
meiner Kollegen. Meine zwei Kinder brauchen die tägliche
Routine, die ein Gefühl von Zuhause schafft. Das kann man nicht
vorspielen. Dafür muss man physisch anwesend sein.
Also bleibt es vorerst bei Ihrer musikalischen Weltreise auf
„City Lights“. Sie leben in München. Aber wo ist eigentlich Ihr
emotionales Zuhause?
Ich habe mehrere Orte, an denen ich mich daheim fühle. Das
fängt natürlich an mit meiner georgischen Heimatstadt Tiflis, die
ich mit meiner Kindheit verbinde. Meine musikalische Ausbildung
erhielt ich vor allem in Deutschland. Letztlich aber bin ich
dort daheim, wo meine Familie lebt. Und da ich mit einem
Franzosen verheiratet bin und meine Kinder folglich halb
französisch sind, fühle ich mich
sehr zu Hause, wenn ich mit
„ROM GIBT MIR EIN
EINZIGARTIGES
GEFÜHL, DIESE STADT
NÄHRT MEINE SEELE“
Franzosen zusammen bin. Kurz
gesagt: Europa ist mein Zuhause.
Welche der Städte, denen Sie
die einzelnen Kompositionen
widmen, besitzen einen
besonderen persönlichen
Stellenwert für Sie?
Mein früherer Wohnort Berlin.
Und natürlich Tiflis als die erste
Stadt meines Lebens. Schließlich
Rom. Das ist der einzige Ort, an dem ich gerne Zeit als Tourist
verbringe. Normalerweise bin ich ein ziemlich schlechter Tourist,
weil ich immer schnell wieder nach Hause will. Aber in Rom
genieße ich die Zeit. Diese Stadt gibt mir ein einzigartiges Gefühl,
sie nährt meine Seele, obwohl ich nie dort gelebt habe. Aus
meiner Sicht ist sie das Heim aller Europäer. Denn sie verkörpert
so etwas wie die Essenz des menschlichen Daseins.
Und welche Stadt ist für Sie in musikalischer Hinsicht besonders
wichtig?
New York. Ich habe hier zum ersten Mal mit 23 Jahren gespielt,
seither kehre ich regelmäßig dorthin zurück, mitunter mehrmals
im Jahr. Es hat mich so glücklich gemacht, meine Musik mit dem
Publikum dort zu teilen. Das war und ist etwas Besonderes.
Auf Ihrem Album interpretieren Sie unter anderem Michel
Legrand, den großen französischen Filmkomponisten und
Songschreiber. Doch sein Werk liegt fern Ihrer musikalischen
Heimat, der Klassik.
In der Tat habe ich bislang nie etwas von ihm gespielt. Aber jede
große Musik besitzt eine große Kraft, mit der sie die Menschen
erreicht, egal ob Klassik oder Pop. Das ist die Gabe wunderbarer
Melodien. Ja, ich konzentriere mich mehr auf das klassische
Repertoire, aber ich sehe meine Mission darin, meinen Horizont
zu erweitern und etwas Neues auszuprobieren. Selbst in der
Klassik bin ich auf der Suche, ob ich mir nun Barockmusik oder
moderne Musik erschließe.
Sehen Sie nicht eine gewisse Ironie darin, dass Sie auf Ihrem
Album zwischen Bach, Legrand oder deutschen Schlagerkomponisten
wie Ralph Maria Siegel wechseln?
Welche Ironie? Für mich ist das ein harmonischer Übergang
zwischen verschiedenen Stilrichtungen insbesondere innerhalb
der europäischen Musik. Ausgangspunkt war für mich die Musik
zu den Filmen Charlie Chaplins. Nur wenige wissen, dass er den
Großteil seiner Soundtracks selbst komponiert hat. Ich habe seine
Filme und seine Musik immer geliebt, aber ich habe nie Arrangements
gefunden, die ich hätte spielen wollen. Bis dann mein
langjähriger Freund, der Komponist und Pianist Nikoloz
Rachveli, ein erstes Arrangement schuf, von dem ich fasziniert
war. Er änderte die Rhythmen, aber das Thema konnte man noch
heraushören. Als wir das mit dem Orchester spielten, bereitete
mir das so großes Vergnügen, dass wir beschlossen, uns einzelnen
Städten musikalisch zu widmen.
Auf dem Album interpretieren Sie auch noch eine andere, neu
arrangierte Filmmusik – eine Komposition Ennio Morricones
zu Cinema Paradiso. Wie stark hat Sie das Kino geprägt?
Man darf nicht vergessen, dass ich meine ersten zwölf Lebensjahre
auf dem Gebiet der früheren Sowjetunion verbrachte. Das heißt,
dort gab es nicht alles zu sehen. Aber als Kind schaute ich mir viele
französische Filme an, darunter auch Komödien mit Louis de
Funès und Pierre Richard. Im Fernsehen lief immer Chaplin. Das
waren Monumente für uns. Jeder schaute sich das an und sprach
darüber. Die Emotionen, die ich damals empfand, bewegen mich
noch heute – auch als ich zum ersten Mal Cinema Paradiso sah.
Nicht zuletzt, weil sie stark mit Musik verbunden waren.
Mit den Interpretationen dieser Musik bewegen Sie sich auf
Neuland. Glauben Sie, dass Ihr Stammpublikum Ihnen dahin
folgen wird?
Das Publikum heutzutage ist viel aufgeschlossener als vielleicht
vor 15 Jahren. Ich bin ja bei Weitem nicht die erste und einzige
Klassikkünstlerin, die hier Neues versucht und Grenzen überschreitet.
Die Herausforderung besteht doch darin, das auf
höchstem Geschmacksniveau und mit innovativer Herangehensweise
zu tun. Ansonsten wird nur wiederholt, was andere schon
gemacht haben. Die Herausforderung bei diesem Projekt bestand
darin, dass wir etwas Neues mit eigenem Stil schaffen mussten.
Dafür brauchte es auch gute Arrangeure und Gastinterpreten, die
es mit ihren Persönlichkeiten inspirieren. Hätte ich sie nicht
gehabt, wäre das Resultat ganz anders ausgefallen und ich hätte
mich nicht so sehr damit identifizieren können.
War Ihre Plattenfirma sofort von diesem innovativen Konzept
angetan? Oder brauchte es da Überzeugungsarbeit?
Zum Glück hat mir die Deutsche Grammophon vertraut, dafür
bin ich sehr dankbar. Man gab das ganze Projekt komplett in
meine Hände, was für mich einerseits zwar sehr viel Arbeit
bedeutet hat, andererseits aber konnte ich auf diese Weise genau
meine Vision umsetzen. Der Weg zu diesem Album war eben
sehr persönlich, ich ging im kreativen Prozess ganz und gar auf.
Es ist aber auch nicht das erste Mal, dass sich mein Label über das
Klassikrepertoire hinauswagt.
Man hofft also auf einen Crossover-Erfolg?
Dieses Album hat die Chance, ein neues Publikum zu erreichen
und die Menschen zu überraschen, weil sie das nicht von mir
erwarten. Abgesehen davon gibt es ja so viele Einspielungen.
Wenn man als Interpret etwas präsentiert, dann sollte es mit
einem persönlich zu tun haben. Aus dem Grund nehme ich auch
nicht so viele Alben auf. Ich warte lieber bis zu dem Moment, an
dem ich etwas Besonderes für mich entdecke. Das ist wie bei
einem großen Popkünstler. Der macht nicht einfach nur ein
Album, sondern verbringt mehrere Monate im Studio. Als
Klassikkünstler denkt man sich: „Was macht der nur die ganze
Zeit? Ich habe da nur ein paar Tage für
meine Aufnahme.“ Der Grund ist: Es geht
hier eben um viel mehr, als nur bekanntes
Repertoire neu einzuspielen.
n
„City Lights“, Lisa Batiashvili, Georgian Philharmonic
Orchestra, Nikoloz Rachveli (DG)
29

RATWURST STATT BAYREUTH! ES IST BALLA-BALLA-SAI-
ON DER SALZBURGER H ÖSONDERWEG R E N & S E H E N UND DIE FRAGE:
BEN ODER FAULENZEN? LAGERKOLLER UND CHANCE
ÜR DIE ZUKUNFT KULTUR STATT KLOPAPIER! VOLLE IM IN-
ERVIEW SIEGFRIED, ICH GLAUB’ MEIN STUHL QUIETSCHT!
IKOLAUS ALLEIN ZU HAUS UND ANDERE ABSURDITÄTEN
ETREBKO WIRD TEURER GEHÖRT GELESEN HALLE
ANDELT UND PINKELN MIT LISZT SEX-VIRUS, HYSTERIE-
RIPPE UND KOSTEN-INFLUENZA VON VIREN, WAHN-
INN UND VILLAZÓNS ZAUBERFLÖTE VON TYRANNEN
IE KLASSIKWOCHE
ND KLASSIK-KATZEN WER NERVT? WER IST DIESER BAREN-
OIM? UND WER MUSS MAL? PARASITEN, PANDEMIE UND
ARADEBEISPIELE DOMINGO SPRINGT IN‘S LEBEN, THIE-
EMANN HÜPFT JETZT KOSTENLOS ABONNIEREN
ACH RECHTS – UND LEVIT GIBT DEN SCHMERZENSMANN
ETREBKO IN DER URHEBERFALLE, UND ONANIEREN
IT LEVINE RELEVANZ STATT ARROGANZ! EINE UNTER
WW.CRESCENDO.DE HOMMAGE AN EUCH ALLE!
ON IRRUNGEN UND WIRRUNGEN ALTER MÄNNER
AYREUTH-WUT, SALZBURG-EUPHORIE UND LONDONER
ROMS-FREUDE WAHNSINN UND WÜRSTCHEN PAVA-
OTTIS GEHEIMNISSE FESTIVAL-THEORIE: KLEIN SCHLÄGT
ROSS? ABER „GRUNDSÄTZLICH VERSTEHEN WIR SIE!“ EINE
OMMAGE AN EUCH ALLE! ES GEHT WIEDER LOS, ABER
S IST NOCH NICHT VORBEI MEHR VIBRATOR, BITTE! DER
ALZBURGER SONDERWEG UND DIE FRAGE: ÜBEN ODER
AULENZEN? HOFFNUNG, UNTERHALTUNG – ABER AUCH
BSAGEN UND STILFRAGEN VON SCHIFF, LEVIT SOWIE
URRENTZIS IHRE HILFE, DOMINGO IM KRANKENHAUS
ND DAS BESTE IM NETZ IN SALZBURG MÄDCHEN MIT
NABEN UND BACHLER OHNE THIELEMANN UND HAN-
ELN, SOWIE HELFEN, NEUDENKEN OSTER-SCHLAMM-
CHLACHT THEATER-ANGRIFF DER AFD WER NERVT? WER
ST DIESER BARENBOIM? ALLES ÜBER DIE AKTUELLE
ELT DER KLASSIK JEDEN MONTAG PER MAIL
ND WER MUSS MAL? ALLERLEI AUS ZÜRICH UND SCHWEI-
EREI VON MOZART HEINOS KLASSIK-DROHUNG, NE-
REBKOS SCALA-FEST UND GRIGOLOS ABGESANG VON
AGNERIANERN UND MOZART-IGNORIEREN FAX AN
UTTER 30 UND SOLIDARITÄT FÜR FISCHER w w w . c r eWAGNERS s c e n d o . d e — September – Oktober WAG-
2020
ER UND HINTERHÄUSERS SALZBURG DIE GROSSE CA-

K Ü N S T L E R
„SCHÄTZE AUS DEM BERGWERK“
Stefan Sell hat bekannte Werke neu für die Gitarre komponiert.
VON RUTH RENÉE REIF
Stefan Sell wendet sich auf seinem
Album „BestSELLers“
bekannten Werken vom
Barock bis zur Klassik zu. Er
ist dem Bestreben der jeweiligen
Komponisten einfühlsam gefolgt,
hat sich in ihre Musik vertieft und
sie behutsam und ausdrucksstark
neu für die Gitarre komponiert.
CRESCENDO: Alexander Kluge
schreibt vom Baustellencharakter
des Poetischen. Die Literatur der
Vergangenheit betrachtet er als
Material für die Gegenwart. Teilen
Sie diese Sicht?
Stefan Sell: Ich liebe die Vorstellung
des Schöpfens. Die Romantik kennt das Bild des Bergwerks. Der
Poet begibt sich in ein Bergwerk und holt die Schätze hervor. Das
impliziert, dass die Dichter keine Skrupel hatten, sich am Vorhandenen
zu bedienen. Bereits bei Shakespeare findet man das. Alle
seine Stücke beruhen auf Vorlagen anderer. Man kann sich nicht
etwas völlig Neues ausdenken. Schöpferische Tätigkeit besteht darin,
aus dem Vorhandenen zu schöpfen. Auf diesem Weg aber entsteht
tatsächlich etwas Neues und Individuelles.
Auf Ihrem Album „BestSELLers“ spielen Sie bekannte Werke aus
verschiedenen Epochen, die man – abgesehen von Bachs Bourrée
– nicht mit der Gitarre in Verbindung bringt. Worin bestand für
Sie die Herausforderung bei dem Projekt?
Wir klassischen Gitarristen haben dieses Repertoire nicht. Was ihre
Qualität angeht, ist die klassische Gitarre ein ausgereiftes Instrument.
Was dagegen die Quantität der Werke betrifft, kann man sie
vernachlässigen. Diese Diskrepanz hat mich immer beschäftigt, und
ich habe mich gefragt, warum wir diese Stücke nicht auch spielen
sollten. Es gibt sie alle für Gitarre. Doch haben mir diese Transkriptionen
nie gereicht. So lag die Herausforderung darin, diese Stücke
so zu spielen, wie es nur auf der Gitarre möglich ist. Und mit dieser
Vorstellung, auf der Gitarre etwas Neues und Eigenes zu schaffen,
nahm ich das Projekt in Angriff.
Wie nahe versuchen Sie, an den Originalen zu bleiben?
Sehr nahe. Ich habe zehn Jahre an diesem Projekt gearbeitet, weil
ich nicht nur die jeweilige Melodie herausholen wollte, sondern in
die Tiefe gegangen bin, um alles abzubilden, was im Original zu
finden ist. Wie bei einer Übersetzung in eine andere Sprache übernahm
ich die Klangbilder des Originals nicht Ton für Ton – ich
schuf ein neues Klangbild. Die Lücken, die unvermeidlich entstanden,
wenn man für nur sechs Saiten schreibt, schloss ich, indem ich
mich in den jeweiligen Komponisten versenkte. So entlehnte ich
etwa für Schuberts Ave Maria eine perlende Sequenz aus der Forelle.
Wie relevant ist die Improvisation dabei?
Ich habe mir diese Stücke regelrecht erspielt. Wie ein Bildhauer legte
ich etwas frei und korrigierte es immer wieder. Improvisation spielte
eine wichtige Rolle. Aus der ständigen Wiederholung tauchten immer
wieder neue Ideen auf. Dann aber setzte ich mich ans Notenpapier
und legte alles fest. So gibt es von all diesen Stücken auch einen
Notentext. Und man kann sie auf keinem anderen Instrument spielen,
FOTO: MANFRED POLLERT
weil ich bewusst typische Techniken
der Gitarre verwendet habe.
Hans Werner Henze meint, um die
Gitarre zu verstehen, müsse man
in die Stille zurückzukehren. Was
fasziniert Sie am Gitarrenklang?
Ich stimme Henze aus vollem Herzen
zu. Man muss in die Stille zurückgehen,
um die Gitarre zu hören, und
als Künstler muss man in die Stille
gehen, um in sich hineinzuhören.
Als ich diese Stücke komponierte,
lauschte ich intensiv in mich hinein,
was ich während meines Spiels noch
hören kann. So kommt es, dass die
Stücke so unterschiedliche Stilmittel
enthalten wie etwa den Flamenco. An einer Stelle lasse ich sogar die
Beatles aufleuchten. Diese Verwandtschaft zu anderen Stücken hatte
ich plötzlich während des Spielens gehört. Wenn ich solche Elemente
dann aber einbringe, möchte ich laut werden können. So hört man
auf dem Album neben den feinen, leisen auch extrem laute Stellen.
Dieses Laut-werden-Können reizte mich. Denn damit kann ich die
gesamte Bandbreite bespielen.
Trotz des „leisen Klangs“ der Gitarre findet sich in Ihrer Auswahl
auch ein so gewaltiges Werk wie Beethovens Neunte Sinfonie ...
Dieses Stück ist von allen tatsächlich am weitesten vom Original
entfernt. Da sind nur noch die Melodie und die Grundharmonieführung
geblieben. Ich habe es sogar so angelegt, als wäre es ein
Lied, das ich auf der Gitarre begleite. Im Unterschied zu einer
Klavierbegleitung, für die man sich viele Umkehrungen und Variationen
einfallen lassen muss, geht es bei der Gitarrenbegleitung
nur darum, möglichst lange konstant einen Akkord zu halten.
Diesen typischen Effekt, der die Gitarre auch so populär werden
ließ, habe ich verwendet. Ich habe die Beethoven-Melodie zu einem
Song in der Art eines Jazz-Songs oder einer Bossa Nova
umgestaltet.
Für das Album haben Sie eine spezielle Aufnahmetechnik angewandt.
Was wollten Sie damit erreichen?
Unmittelbarkeit. Die klassische Aufnahme erfolgt in einem Raum
mit großer Resonanz und einem Kondensator-Mikrofon, das den
Gesamtklang des Raumes gezielt auf die Gitarre wahrnimmt.
Dadurch klingt eine klassische Gitarrenaufnahme immer ein wenig
wie von fern. Mir war es wichtig, nicht zu kaschieren, also auch
meinen Atem und alle Klopf- und Kratzgeräusche mit aufzunehmen.
Musik ist ein flüchtiges Element. Sie klingt immer anders. Und diese
Flüchtigkeit wollte ich einfangen. Darum verwenden wir diese vier
Manger-Spalt-Mikrofone, die den Klang 360 Grad um die Gitarre
herum aufnehmen, sodass beim Hörer der Eindruck entsteht, als
würde er selbst an der Gitarre sitzen. n
Stefan Sell: „BestSELLers refreshed for guitar“
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31

K Ü N S T L E R
„ALS ICH DIE ARIA GESPIELT HABE, WAR DAS,
ALS HÄTTE ICH IM HIMMEL GESPIELT“
TIEF IN DER WELT UND
HOCH IM HIMMEL
Der Pianist Lang Lang hat sich intensiv mit Bach und den
Goldberg-Variationen auseinandergesetzt, um sie geschichtsträchtig in
der Leipziger Thomaskirche zu präsentieren. Und war auf seiner Reise
in die Barockzeit sowohl emotional als auch intellektuell gefordert.
VON MARGARETE ZANDER
CRESCENDO: Wie haben Sie sich gefühlt, als Sie in
der Thomaskirche die Stufen zum Flügel hochgegangen
sind, um die Goldberg-Variationen auf der Altarempore,
direkt vor dem Grab von Johann Sebastian Bach zu spielen?
Haben Sie das Publikum wahrgenommen?
Lang Lang: Ich habe das Publikum gesehen, ja, aber ich war sehr
konzentriert und hatte das Gefühl, Bach ist direkt neben mir, weil
sein Grab genau dort ist. Das war sehr emotional.
Sie haben die Goldberg-Variationen auswendig gespielt. Die
Atmosphäre im Konzert wurde immer dichter. Die Magie war
im Publikum irgendwann geradezu greifbar.
Das Stück dauert ja mit allen Wiederholungen eine Stunde und
30 Minuten, und dabei führt es einen ganz langsam immer tiefer
in die Welt von Bach. Ich spüre, wie das Publikum beim Hören
tiefer und tiefer einsteigt, vor allem, wenn die Kadenz wiederkehrt.
Bei der Variation Nummer 13 – sie ist in gewisser Weise der erste
Höhepunkt der Variationen – taucht das Publikum wirklich in
eine ganz andere Welt ein. Noch intensiver wird die Reise in der
Variation 25. Das ist der absolut wichtigste Augenblick des
Stücks. Danach entwickelt sich immer stärker eine Art Feuerwerk.
Nach der Variation 30 folgt der Teil, den wir „Familiensong“
nennen – ein Familientreffen innerhalb der Variationen.
Da habe ich während des Konzerts zum ersten Mal nach links
geschaut, auf das Grab von Bach. Mir kamen die Tränen, weil das
so echt war, so emotional. Als ich am Ende schließlich die Aria
gespielt habe, war das, als hätte ich im Himmel gespielt.
Familientreffen heißt, hier ist die Zeit um Bach präsent, seine
Söhne, seine Schüler? Sind die Goldberg-Variationen für Sie
also eine Art Zeitreise in die Epoche des Barock?
Ja, eine echte Zeitreise. Ich war in Arnstadt, habe außerdem einen
ganzen Tag in Leipzig mit dem wunderbaren Michael Maul
verbracht, einem Bach-Archivar (Prof. Dr. Maul ist Intendant des
Leipziger Musikfestes und wissenschaftlicher Mitarbeiter des
Bach-Archivs, Anm. der Red.). Sowohl in Arnstadt als auch in
Leipzig in der Thomaskirche habe ich Bachs Orgeln kennengelernt.
In beiden Städten konnte ich Bachs Fußstapfen geradezu spüren
und bin auf meiner Tour durch die Museen ihm und seinen
persönlichen Geschichten begegnet. Sein Manuskript zu sehen,
sein Wohnzimmer – all das war wirklich eine Reise in seine Zeit.
Wann haben Sie die Goldberg-Variationen erstmals gespielt?
Als ich zehn Jahre alt war. Damals habe ich die Aufnahme von
Glenn Gould aus dem Jahr 1982 gehört. Ich habe als Kind viel
Bach gespielt und damals schon festgestellt, dass die Goldberg-
Variationen etwas ganz anderes sind. Dass man, um wirklich in
dieses Stück einzudringen, viel mehr Hürden nehmen muss. Bach
zeigt darin einfach alles, was ein Pianist auf seinem Instrument
machen kann. Er hat all sein Wissen hineingelegt und viele
zukunftweisende Techniken der Musiktheorie ausprobiert.
Aber ich war ja noch ein Kind und konnte mir absolut nicht
vorstellen, wie die Stadt ausgesehen hat und wie Bachs Leben
wohl gewesen ist – die vielen Kinder, die große Familie, ständig
Musik … So wusste ich auch nicht, dass er als Teenager einen
Degen bei sich trug und auf dem Markt in Arnstadt eine lebensgefährliche
Auseinandersetzung hatte. Ich hatte keine Ahnung,
wie er war. Das hat sich mit meinen Reisen nach Leipzig geändert!
2003 war ich bei meinem ersten Besuch in Leipzig in seinem
Museum. Und natürlich war ich schon damals sehr ergriffen, als
ich auf seinem Cembalo mit dem Original-Manuskript einige
Goldberg-Variationen gespielt habe. Das hat mich tief bewegt.
Seither ist viel passiert. Zu Ihren wichtigsten musikalischen
Momenten gehört wohl die Aufnahme der Klavierkonzerte von
Mozart mit Nikolaus Harnoncourt. Danach haben Sie
geschwärmt, der Maestro habe Ihr Weltbild in Bezug auf die
Aufführungspraxis der klassischen Musik stark verändert. Er
32 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

Lang Lang – vertieft in die
Goldberg-Variationen
FOTO: OLAF HEINE
33

lud Sie dann zu sich ins Attergau
ein. Haben Sie mit ihm
nur über Mozart gesprochen
oder auch über Bach?
Natürlich! Ich habe Bach
damals nicht auf dem
Cembalo gespielt, sondern auf
dem Hammerklavier, weil
Harnoncourt die historischen
Instrumente für Mozart hatte.
Er hat mich eingeladen, für
ihn Goldberg-Variationen zu
spielen. Ich spielte die Aria,
die Variationen 13, 25 und 15.
Und er meinte: „Kannst du
daraus echte Kunst auf dem
Hammerklavier für mich
machen statt nur einer Übung
von einem sehr trockenen,
farblosen Bach?“ Diese Frage machte mir klar: Was ich in Bach
gefunden hatte, war zu akademisch. Maestro Harnoncourt wollte
mich ermutigen, mit den Charakteren zu spielen: die Einsamkeit
in seiner Aria zu fühlen, den unglaublich expressiven Gefühlen
im Adagio und in der Variation 13 Raum zu geben, damit die
Musik herausströmt und nicht in meinem Herzen verborgen
bleibt. So macht es mir wahnsinnig Freude, Bach zu spielen.
Vorher habe ich, wenn ich an Bach gedacht habe, meinem Herzen
und meinem Verstand immer einen engen Rahmen gesetzt,
immer versucht, weniger Pedal zu nehmen, weniger Rubato,
weniger Farbe – alles weniger. Mit seinem Blick hat Harnoncourt
meine Gedanken darüber, was barocke Gestaltung ist, befreit.
Nikolaus Harnoncourt ist 2016 gestorben. Als Sie sich entschlossen,
die Goldberg-Variationen wieder ins Programm zu
nehmen, sind Sie immer wieder zu Andreas Staier gegangen.
Der Spezialist für verschiedene Tasteninstrumente hat die
Goldberg-Variationen selbst in einer fantastischen Interpretation
auf dem Cembalo veröffentlicht und hat in seinem Studio
neben einem modernen Flügel eine Sammlung von Cembali
und Hammerklavieren. Was wollten Sie von ihm lernen?
Schlicht und einfach den barocken Stil von Grund auf. Ich arbeite
ohnehin gern mit großartigen Musikern an Bach, aber hier habe
ich einige sehr spezielle Lektionen gebraucht. Barockmusik ist ja
ganz anders als die Musik der Klassik oder der Romantik. Und mir
gehen viele Fragen im Kopf herum. Die Antworten darauf habe ich
nie ganz genau gekannt. Andreas aber spielt nicht nur gut, er kann
auch sehr gut erklären, warum etwas so oder so ist: Das gehört zur
französischen Verzierungstechnik, das zur italienischen. Was
bedeutet diese Septime im Barock, und wie ist diese Passage zu
verstehen? Dann die Frage der Phrasierungen. Mehr Pedal oder
weniger? Und wie kann man die Antworten auf dem modernen
Flügel geben?
Zum Glück ist Andreas ein sehr guter Pianist und Cembalist.
Für das Cembalo braucht man eine vollkommen andere Technik,
die vielleicht für einen Pianisten gar nicht funktioniert. Insofern
war das sehr aufschlussreich. Er war es auch, der mir die verschiedenen
Notenausgaben gezeigt hat, die er gut findet, der mir seine
persönliche Strategie erklärt hat, wie er seinen Geschmack im
Umgang mit der Barockmusik entwickelt hat, dazu diese ganz
spezielle Art singender Linien in der Barockmusik. Ich sammle
das alles wie einen Schatz, denn dieses Wissen kann ich von
keinem gewöhnlichen Pianisten lernen.
Sie haben die Goldberg-Variationen im Studio aufgenommen
und haben sich gewünscht, dass auch die Aufnahme aus der
Thomaskirche veröffentlicht wird. Ist die Live-Aufnahme, die
in erster Linie auf das Publikum hin ausgerichtet ist, vielleicht
„HARNONCOURT HAT MEINEN BLICK BEFREIT“
FOTO: OLAF HEINE
unterhaltsamer, während die
Studioaufnahme eher ein
intellektuelles Spiel mit den
Möglichkeiten ist?
Tatsächlich würde ich sagen,
dass die Studioaufnahme ein
bisschen intellektueller ist.
Nach meinem Konzert in
Leipzig habe ich die Goldberg-
Variationen weiterstudiert,
einige historische Aufnahmen
großer Pianisten gehört und
dann im Studio einiges
ausprobiert. Dass die Live-
Aufnahme unterhaltsamer ist,
würde ich dennoch nicht
sagen – das Live-Konzert ist
einfach spontaner interpretiert.
Was ich daran besonders
gern mag, ist die Geschlossenheit des ganzen Stückes.
Im Studio konnte ich aber differenzierter gestalten: den Klang
dunkler färben oder trockener, auch das Tempo leicht variieren
und die Kontrastwirkung im Raum verstärken. Ich hatte vier Tage
Zeit im Studio – und die habe ich mir auch genommen. Letztlich
würde ich sagen, auch die Studioaufnahme hat etwas sehr
Interessantes zu erzählen.
Auf dem Cover der neuen CD sieht man Sie noch in der
Partitur der Goldberg-Variationen blättern. Was wollen Sie uns
damit sagen?
Dass man niemals aufhört, die Goldberg-Variationen zu studieren!
Auch wenn die Aufnahme jetzt fertig ist – dieses Stück öffnet
mir jedes Mal so viele Türen, dass ich einfach immer noch mehr
wissen möchte!
Gibt es ein bestimmtes Ritual oder einen Talisman, etwas,
das Sie an die Situation in der Thomaskirche in Leipzig
erinnert, wenn Sie die Goldberg-Variationen in anderen
Konzertsälen aufführen?
Nein, aber ich kann eine Erfahrung weitergeben: vorher nicht zu
viel Wasser trinken. Denn es gibt keine Pause – und so ein
Problem will man nicht bekommen! (lacht)
Als Kind habe ich immer versucht, Fotos oder irgendetwas von
großen Komponisten mitzunehmen, doch jetzt, wo ich so viel
unterwegs bin, ist das viel weniger geworden. Aber an meinem
letzten Geburtstag habe ich die Kopie des Manuskripts der
gesamten Goldberg-Variationen bekommen.
Hören Sie die Aufnahme von Glenn Gould von 1982 heute auch
noch?
Ja, ich habe sie mir häufig angehört, in ganz verschiedenen
Phasen. Grundsätzlich höre ich sie etwa einmal im Jahr, und ich
finde immer etwas Interessantes. Immer.
Würden Sie Glenn Gould gern einmal treffen, um mit ihm über
seine Interpretation zu sprechen, vor allem über die Tempi?
Ich hatte mir häufiger seine Radiosendungen angehört. Er hat ja
eine richtige Dokumentation über das Stück produziert. Und
wenn ich das Stück heute sorgfältig anschaue, dann kenne ich
seine Antworten schon. Aber ganz klar, natürlich würde ich das
gern. Hätte ich aber die Wahl, dann würde ich noch lieber Johann
Sebastian Bach treffen!
n
Johann Sebastian Bach: „Goldberg Variations“, Lang Lang
(Deutsche Grammophon)
Die Sendung „Unterwegs mit Lang Lang und den Goldberg-
Variationen“ von Margarete Zander lief am 4. September auf
NDR. Dort ist sie auch online nachzuhören.
34 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

HÖREN & SEHEN
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Alban Berg Ensemble Wien
Gelungenes Debüt
Das Alban Berg Ensemble Wien besteht aus einem Kern von sieben Musikern, je nach
Bedarf mit kammermusikalischen Freunden aufgestockt. Vorschusslorbeeren gab es von
der Alban Berg Gesellschaft, die dem Ensemble ihren Segen für die Namensverwendung
gab. In Wien zählt das schon mal was. Das Ensemble präsentiert auf seinem Debüt-Album
Kammermusikbearbeitungen von Jahrhundertwendekomponisten, denen die Musiker
besonders geneigt sind – Hyperromantiker an der Schwelle zur Moderne: Gustav Mahler,
Arnold Schönberg und Richard Strauss. Eine schlanke, sehnige Version des Adagio aus der
Zehnten Sinfonie, eine entschlackte Rosenkavalier-Suite und schließlich Arnold Schönbergs
Kammersinfonie Nr. 1 in der populären, feinfühligen Bearbeitung für Flöte, Klarinette,
Geige, Cello und Klavier von seinem Schüler Anton Webern. Darin muss
sich das „ABEW“ in keinster Weise vor der erstaunlich großen Konkurrenz
verstecken. Höhepunkt aber bleibt der raffinierte Mahler. JFL
„ABEW“, Alban Berg Ensemble Wien (Deutsche Grammophon)
FOTO: ANDREJ GRILC
35

H Ö R E N & S E H E N
Leonard Cohen, Francis Poulenc, Mordechaj Gebirtig
u. a.: „Landmarks“, Calmus Ensemble (Carus)
FOTO: WWW.ANNEHORNEMANN.DE
Calmus Ensemble
Meilensteine aus 100 Jahren Vokalmusik
Das Calmus Ensemble ist längst eine Institution in
der Landschaft der Vokalmusik. Zu Recht, wie auch
das neue Album des Gesangsquintetts zeigt. Unter
dem Motto „Landmarks“ finden sich darauf Stücke
der letzten 100 Jahre aus zehn verschiedenen
Ländern, die in ihren unterschiedlichen Stilen und
Tonsprachen ein kurzweiliges und reizvolles
Programm ergeben. Da leitet Leonard Cohen über
zu Chansons von Poulenc, stehen launige Arrangements
von Kreisler-Liedern neben estnischen
Volksliedern und folgen auf Madrigale von Jaakko
Mäntyjärvi zwei Songs von Sting. Durch die fein
konzipierte Durchmischung der Genres treten die
formalen Unterschiede in den Hintergrund, und
es wirkt allein die Musik, die mal wehmütig, mal
humorvoll, mal kontrastreich, mal mitreißend in
den Bann zieht. Seinen Ruf als Spitzenensemble
unterstreicht das Quintett dabei souverän: mit
satter Homogenität im Klang, strahlender Wärme
und luftiger Leichtigkeit zugleich. DW
Igor Levit
Der Musik hingegeben
Eine Begegnung verspricht der Titel von Igor Levits neuem Doppelalbum.
Eine Begegnung mit der Musik? Mit dem Interpreten? Sich selbst?
Oder sogar mit Gott? Immerhin widmet Levit sich einem geistlichen
Repertoire: Choralvorspiele von Bach und Brahms in den virtuosen
Transkriptionen Busonis, Brahms’ Vier ernste Gesänge in der Bearbeitung
von Max Reger sowie Regers Nachtlied in einem Arrangement des
erst 2005 geborenen Julian Becker. Das Programm endet mit Morton
Feldmans letztem Klavierstück Palais de Mari. Wie ein „gestrecktes
Diminuendo“ wird die Dramaturgie im Booklet der CD beschrieben.
Dieses Leiserwerden ist eine kontemplative Reise. Levits klares Spiel
trägt den Hörer davon, versetzt ihn in einen beinahe meditativen
Zustand und nimmt ihn schließlich mit in die Stille. Levit hat alles, was
ein Künstler braucht, um sich der Musik hinzugeben, das Ego in den
Hintergrund zu rücken und die Stücke einfach für sich sprechen zu
lassen. Dies gelingt ihm mit einer Selbstverständlichkeit und Brillanz,
die ehrfurchtsvoll werden lässt. Es glückt ihm, den Raum zwischen den
Noten auszufüllen und zwischen den Zeilen zu spielen. Dabei ist sein
Spiel in Schlichtheit genauso beeindruckend wie in polyfoner Komplexität.
Obwohl zwischen den Werken teilweise
Jahrhunderte liegen, greifen sie natürlich
ineinander. Levit schafft es, das Klavier zum
Singen und Sprechen zu bringen – und deshalb
ist diese Begegnung für jeden Hörer eine
persönliche. SK
„Encounter“, Igor Levit (Sony)
Jauna Muzika
Spirituelle Klarheit
Gerade erst hat ein Chorwerk Arvo Pärts die Top fünf der Billboard-
Charts für klassische Musik erobert. Bei so viel Aufmerksamkeit folgt
die Aufnahme des vielfach preisgekrönten Städtischen Chores von
Vilnius, Jauna Muzika, unter seinem Leiter Vaclovas Augustinas mit
„Works For Choir“ zur rechten Zeit. Zeit und Zeitlosigkeit miteinander
zu verbinden, hat Pärt einmal als Ziel formuliert. Das Ringen in
uns von Augenblick und Ewigkeit sei die Ursache all unserer Widersprüche.
Herausragend die Sieben Magnificat-Antiphonen, beginnend mit
O Weisheit (Das Label schreibt skurrilerweise „O Weisibett“). Es sind
die O-Antiphonen des Hohen Advents. Seit dem 8. Jahrhundert werden
sie während der letzten Tage vor Heiligabend in der Vesper gesungen.
Ursprünglich besaß jedes O-Antiphon ein und dieselbe Melodie. Pärt
schuf daraus, seiner Handschrift entsprechend, ein zusammenhängendes
Vokalwerk von spiritueller Klarheit, worin jetzt jedes einen
eigenen, Pärt-typischen Charakter hat. Einziger Wermutstropfen:
Die CD ist ein Remaster einer Aufnahme aus dem Jahr 2001, die mit
grenzwertigen, manches Mal verzerrenden Lautstärkenspitzen
arbeitete. Da stand Mike Grinser, verantwortlich für das Remaster, vor
der schwierigen Aufgabe, die aufnahmetechnisch
heikle Vorlage dieser wunderschönen Interpretation
wieder zugänglich zu machen. Am besten
gelungen ist dies für die Vinylausgabe. SELL
Arvo Pärt: „Works For Choir“, Jauna Muzika, Vaclovas
Augustinas (CD und LP, Cugate Classics)
36 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

Adolphe Adam
Farbenprächtige
Wiederentdeckung
Überbordende,
fantasievolle
Bühnenbilder in allen
Farben und voll
verspielter Schnörkel
und anderer
Verzierungen, dazu
grellbunte, mit
allerlei Zierrat überreich geschmückte
Kostüme und eine komödiantische
Darstellung – der Komiker und Regisseur
Michel Fau setzte Adolphe Adams
Opéra-comique Le Postillon de Lonjumeaux
an der Opéra-Comique in Paris, jenem
Haus, in dem 1836 die Uraufführung
stattfand, als schwungvolles Spektakel in
Szene. In der Rolle der Kammerfrau Rose
wirft er sich selbst in das Geschehen.
Wenn etwas die optischen Reize dieser
Inszenierung übertreffen kann, dann sind
es die Stimmen. Nicht nur die beiden
Hauptrollen – Michael Spyres als
Postillon Chapelou und Florie Valiquette
als Madeleine –, auch die anderen Figuren
sind großartig besetzt. Am Pult des
Opernorchesters steht Sébastien
Rouland. Und am Ende allen Klamauks
bleibt die tröstliche Botschaft, dass die
Kraft, die über alle gesellschaftlichen
Um- und Aufbrüche Bestand hat, die
Liebe ist. RRR
Adolphe Adam: „Le Postillon de Lonjumeau“, Michel
Fau, Michael Spyres, Florie Valiquette, Franck
Leguérinel u. a., Accentus, Orchestre de l’Opéra de
Rouen Normandie, Sébastien Rouland (Naxos)
Marin Alsop
Begeisterung und
Schwung
Eine erfolgreiche Zusammenarbeit von rund
18 Jahren und fast ebenso vielen CD-Produktionen
prägt die gemeinsame Geschichte des
Bournemouth Symphony Orchestras mit Marin
Alsop. Als 2007 das „Carmina Burana“-Album
erschien, war sich die Kritikerwelt nicht recht
einig: Ist da nun wenig oder (genau richtig) viel
Wumms in den O Fortuna-Chören? Gelingt
Tenor Tom Randle das Falsett in der Schwanen-
Arie superb oder eher mittelprächtig? Ist das
Klangbild der CD fantastisch oder völlig
uneinheitlich? Gerade bei so einem bekannten
Werk hängt das Urteil wohl hauptsächlich von
persönlichen Hörgewohnheiten ab. Über eines
lässt sich jedoch bei dieser Einspielung nicht
streiten: Die Textverständlichkeit ist hervorragend.
Darüber hinaus vermitteln alle
Mitwirkenden Begeisterung, Schwung und
Lebendigkeit. Ein ausgesprochenes Highlight ist
die Sopranistin Claire Rutter, die ihre reine
und weiche Stimme im Dulcissime besonders
gut zur Geltung bringen kann. JH
Carl Orff: „Carmina Burana“,
Claire Rutter, Tom Randle,
Markus Eiche u. a.,
Bournemouth Symphony
Orchestra and Chorus, Marin
Alsop (Naxos)
Emmanuel Pahud
Flötentöne aus
Hollywood
Den Fantasy-Film Shape of
Water und die Komödie
Grand Budapest Hotel kennt
wohl jeder. Beim Namen
Alexandre Desplat dürfte
dagegen manch einer
stutzen. Dabei gewann der
französisch-griechische
Komponist jeweils einen Oscar für die beste
Filmmusik. Der international renommierte Flötist
Emmanuel Pahud hat mit dem Orchestre National
de France neu arrangierte Hollywood-Soundtracks
und Konzertstücke von Desplat aufgenommen. Am
Dirigentenpult stand kein Geringerer als der
Komponist selbst. Pahud ist hier längst nicht nur
mit Blockbuster-Musiken zu erleben. Mit eindrücklicher
Intensität interpretiert er auch eine konzertante
Sinfonie für Flöte und Orchester, frei nach
Maurice Maeterlincks tragischem Liebesdrama
Pelléas et Mélisande. Beim Komponieren habe er sich
Filmszenen vorgestellt, erzählt er. Erklingt die mit
kristallinen Celesta-Klängen verzierte Musik zum
Film Das Mädchen mit dem Perlenohrring, hat man
gleich Jan Vermeers Gemälde vor Augen. Pahud
setzt mit seinem solistischen Spiel viele Akzente,
die der Fantasie immer neue Fenster öffnen. CK
Alexandre Desplat: „Airlines“, Emmanuel Pahud, Orchestre National
de France (Warner Classics)
Jonas Kaufmann
Noble Gestaltung
27 Lieder von Liebe, Sehnsucht und Traum vereinigt Jonas Kaufmann
auf seinem deutschen Album „Selige Stunde“, dessen Titel
sich auf das einzige Zemlinsky-Lied bezieht. Kaufmanns Stimme ist
nach wie vor zu feinster Nuancierung fähig, niemals der Beherrschung
entgleitend und stets mit erlesenem Geschmack, auch was
Aussprache und Rubato betrifft. Weniger angetan bin ich von
seinem altgedienten Begleiter Helmut Deutsch, dessen routiniert
kleinteilige Agogik in Dvořáks Als die alte Mutter so verzerrt, dass
man den durchgehenden Zwei-zu-drei-Gegensatz nicht hörend
mitvollziehen kann. Jonas Kaufmanns Gabe und Wille, alles nobel
und edel zu gestalten, fasziniert vor allem bei den meist in Sentimentalität
ertrinkenden Hits von Friedrich Silcher, Carl Bohm und
der von Alois Melichar geradezu chansonhaft arrangierten Etüde op.
10 Nr. 3 von Chopin (In mir klingt ein Lied).
Besonders schön: Beethovens Adelaïde,
Tschaikowskys Nur wer die Sehnsucht kennt
und Schuberts Wanderers Nachtlied. CS
„Selige Stunde“, Jonas Kaufmann, Helmut Deutsch (Sony)
10. September 2020
Livestream aus dem Stadtcasino Basel
auf ARTE Concert mit dem Sinfonieorchester
Basel und Ivor Bolton.
www.basel.ch CityBasel www.sinfonieorchesterbasel.ch
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37

H Ö R E N & S E H E N
Christian Berger
Geheimnisvolle
Energie
Die Neunte Sinfonie ist die Krönung und das
Ende von Beethovens sinfonischem Schaffen.
Christian Berger folgt ihr in seinem Film um
die Welt. Verschränkt mit Berichten und
Zeitdokumenten zu Beethovens Leben zeigt
er, wie eine Cellistin vom Orchestre Symphonique
Kimbanguiste in Kinshasa sie wahrnimmt,
was sie einer jungen Bratschistin in
einer Favela von São Paulo bedeutet, die sie
mit dem Dirigenten Isaac Karabtchevsky
probt, und wie der gehörlose Musiker Paul
Whittaker sie in Barcelona mit gehörlosen
Kindern erfühlt. Unberührt lässt sie keinen.
Aber die Wirkung, die sie entfaltet, wird von
jedem anders wahrgenommen. Mit Begeisterung
studiert der Dirigent Yutaka Sado in
Osaka mit einem 1.000-stimmigen Chor die
Ode an die Freude ein und sucht dabei vor
allem die emotionale Botschaft zu vermitteln.
Der Komponist Gabriel Prokofiev verweist
auf die türkischen Einflüsse in der Musik. Die
Janitscharenkapellen, die damals durch Wien
marschierten, hinterließen ihre Spuren auch
im Werk Beethovens. Faszinierend ist der
Komponist Tan Dun, der Beethovens Neunte
im Herzschlag Shanghais vernimmt. Am Ende
beklatscht ein junges gehörloses Paar
begeistert die Aufführung der Neunten und
lässt etwas von der
geheimnisvollen Energie
ahnen, die Beethovens
Musik innewohnt. RRR
Christian Berger: „Beethoven’s
Ninth. Symphony for the
World“, Teodor Currentzis, Tan
Dun u. a. (CMajor)
Pablo Heras-Casado
Tradition, Revolution
und Humanismus
Einem beliebten Bonmot unter Musikern
zufolge sind die ersten drei Sätze der Neunten
Sinfonie das unbekannteste Werk Beethovens.
Kann man so sehen, schließlich ist es der
monumentale vierte Satz mit Schillers Ode an
die Freude, auf den die meisten Hörer warten
und der, losgelöst vom Rest der Partitur, als
Soundtrack für Staatsakte und pompöse
nationale Manifestationen aller Art „Karriere“
gemacht hat. Ein historisch angehäufter
Bombast, den glücklicherweise immer mehr
Dirigenten konsequent abräumen und dafür
Beethovens Musik in ihrem Spannungsfeld
zwischen Klassik und Romantik, zwischen
Tradition, Revolution und Humanismus wieder
neu entdecken und erlebbar werden lassen. In
diese Phalanx reiht sich auch Pablo Heras-
Casado mit dem Freiburger Barockorchester
ein und bietet eine unsentimentale, zuweilen
vielleicht sogar etwas neutrale Lesart der
Partitur. Der Orchesterklang ist herb und
präzise, die Tempi zügig und die motivischen
Linien zwischen den Sätzen genau herausgearbeitet,
gerade im Übergang zwischen dem
dritten und vierten Satz. Auch die Zürcher
Sing-Akademie und das Solistenquartett
setzen die Interpretation überzeugend um.
Zusätzlich gibt es auf der zweiten CD noch
das Klavierspiel von Kristian Bezuidenhout in
der Chorfantasie zu genießen. FS
Ludwig van Beethoven:
„Symphony No. 9“ u. a.,
Christiane Karg u. a., Zürcher
Sing-Akademie, Freiburger
Barockorchester, Pablo
Heras-Casado (HM)
Dorothee Oberlinger
Monster und andere
Metamorphosen
Mit Ausbruch des Spanischen Erbfolgekriegs
und den damit notwendig gewordenen
Sparmaßnahmen am Wiener Kaiserhof musste
sich auch Giovanni Battista Bononcini
kurzfristig eine neue Wirkungsstätte suchen.
Fündig wurde er bei der kunstliebenden
Königin Sophie Charlotte, Ehefrau von
Friedrich I. in Preußen. Im Sommer 1702 fand
auf Schloss Lietzenburg (heute Schloss
Charlottenburg) die Uraufführung von
Bononcinis einaktiger Serenata Polifemo mit
einem Libretto von Attilio Ariosti nach zwei
Episoden aus Ovids Metamorphosen statt.
Ebenfalls dabei: Telemann. Und möglicherweise
auch der 17-jährige Händel. Diese
Rarität wählte die neue Intendantin der
Musikfestspiele Potsdam Sanssouci, Dorothee
Oberlinger, als Einstand für ihre erste
Produktion. Der Mitschnitt kann sich hören
lassen: João Fernandes als Zyklop Polifemo,
der junge brasilianische Sopranist Bruno de Sá
mit einem enormen Stimmambitus als Schäfer
Aci, Helena Rasker als Fischer Glauco, Liliya
Gaysina als eifersüchtige Zauberin Circe,
Roberta Mameli und Roberta Invernizzi als die
Nymphen Galatea und Silla sowie Maria
Ladurner als Liebesgöttin Venus garantieren
ein hohes Niveau, während das Ensemble
1700 unter der Leitung von Oberlinger mit
einem eher puristisch angelegten Klang galant
musiziert. FA
Giovanni Battista Bononcini:
„Polifemo“, Dorothee
Oberlinger, Ensemble 1700
(deutsche harmonia mundi)
Franz Welser-Möst
Erfahrung existenzieller Stille
Dass ein Dirigent über Stille schreibt, wirkt erstaunlich. Doch
für Franz Welser-Möst ist sie ein wichtiger Wegbegleiter. Sein
Schlüsselerlebnis war ein schwerer Unfall, bei dem er mit 18
Jahren die erste Erfahrung existenzieller Stille machte. Danach
suchte er sie bewusst, als Trost, Gegenpol zur Schnelllebigkeit
und „Dezibilisierung“ der Welt – in der Natur, beim Yoga,
Wandern oder in seiner Bibliothek. Auf 191 Seiten unternimmt
Welser-Möst in seinem Buch Als ich die Stille fand eine „Reise
durch 60 Jahre Lernen“. Gleichzeitig gibt er Einblicke in sein
intensives Erarbeiten von Interpretationen und übt Kritik an
einer „Erregungsgesellschaft“, in der Eventisierung und schrille
Vermarktung die Klassikbranche verändern und musikalische
Bildung keinen Stellenwert hat. Alle diese Erinnerungen und
Ansichten hat Axel Brüggemann nach zahlreichen Treffen mit
Welser-Möst notiert. Im Nachwort
honoriert der Musikjournalist, dass der
Dirigent dabei so offen mit ihm über „große
Momente“, aber auch „lehrreiche Niederlagen“
gesprochen hat. ASK
Franz Welser-Möst: „Als ich die Stille fand. Ein Plädoyer
gegen den Lärm der Welt“ (Brandstätter)
Fritz Wunderlich
Kostbarer Klang
Neben den Mitschnitten aus den Jahren 1958 bis 1965 als Mozarts Belmonte
und Tamino, Almaviva, Alfredo, Lenski und in zwei Strauss-Partien gibt es als
Live-Aufnahme mit Fritz Wunderlich nun erstmals, klanglich restauriert,
seinen bislang unveröffentlichten Ernesto in Donizettis letzter Oper Don
Pasquale. Der 32-Jährige verkörperte ihn am 18. Januar 1962, vier Jahre vor
seinem frühen Tod, im Münchner Prinzregententheater mit dem spannungsvoll
musizierenden Bayerischen Staatsorchester unter Meinhard von Zallinger.
Wunderlich verzaubert bereits mit den ersten Tönen: Trotz der damals
üblichen deutschen Übersetzung verströmt er feinsten italienischen Belcanto,
der keine Patina angesetzt hat. Jeder Ton und jede Phrase wird von seinem so
unverkennbar kostbar klingenden, ungemein ausdrucksvollen Timbre und
einer subtilen Musikalität geprägt. Hervorragend besetzt sind auch die
tieferen Männerstimmen: Doktor Malatesta mit dem erst 27-jährigen, sehr
natürlich agierenden Bariton Raimund Grumbach; der reife, knorrige Pasquale
mit dem berühmten Bassisten Kurt Böhme. Der helle, schnell vibrierende,
dabei gleichwohl bewunderswert agile hohe Sopran von Erika Köth als
Norina wirkt in Gesangsstil und Ausdruck zwar heute
etwas antiquiert, doch das mindert Wert und
Qualität dieser raren Entdeckung keineswegs. KLK
Gaetano Donizetti: „Don Pasquale“, Fritz Wunderlich, Erika Köth,
Kurt Böhme u. a., Chor und Orchester der Bayerischen Staatsoper
München, Meinhard von Zallinger (Hänssler Classic)
38 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

Wayne Marshall
Orchestrale Grooves
„Born to play“ – dieser Titel trifft es. Wer
jemals den Organisten, Pianisten und
Dirigenten Wayne Marshall Gershwin spielen
hörte, weiß: Hier ist das Energiebündel in
seinem Element, hier fetzt er los, was das
Zeug hält, ist mitunter kaum zu bremsen. Das
Gleiche exerziert er mit dem WDR Funkhausorchester
durch. Gershwins Zweite Rhapsodie,
drei Ouvertüren und die Rhapsody in Blue, in
der Marshall auch als Solist in die Tasten
greift, sind durch und durch mitreißend:
Gershwin-Grooves vom Feinsten. Lange
spielte das Funkhausorchester nur die zweite
Geige beim WDR. Doch hat es sich mit
spannenden Programmen und einem
orchestralen Sound, der ebenso vielseitig wie
erstklassig ist, in den letzten Jahren zu einem
gar nicht mehr so geheimen Geheimtipp
gemausert. Drei Sätze aus der Brazilian
Fantasy und The Elephant and the Clown des
kubanischen Jazz-Saxofonisten und Klarinettisten
Paquito D’Rivera gibt es auch zu hören.
Ebenfalls absolut erstklassig und als schöne
Quintessenz von
Marshalls Chefdirigentenzeit
beim Funkhausorchester.
GKP
George Gershwin: „Born To
Play“, Wayne Marshall, WDR
causales_Anzeigen_2020.qxp_crescendo_220x144+5mm Funkhausorchester (CAvi) 06.08.20 11:16 Seite 1
Benjamin Appl & Reinhard Goebel
Absolutes
Schönheitsideal
Reinhard Goebel hüllt zwei geistliche und eine
weltliche Kantate sowie zwei Orchesterstücke
in milde und berückende Klänge von himmlischen
Längen. Aus der höchst wirkungsvoll
gesteigerten musikalischen Verzückung
vernimmt man Todessehnsucht und lebensbejahende
Freude als inneren Jubel. Die
Einspielung dieser fünf Werke – inklusive der
von Peter Wollny im Archiv der Johanneskirche
in Mügeln entdeckten Kantate Ich bin
vergnügt mit meinem Stande von Carl Philipp
Emanuel Bach – sucht die Gemeinsamkeiten
zwischen dem Thomaskantor und seinen
Söhnen. Goebel fordert alle Erkenntnisse des
historisch informierten Musizierens für ein
Spiel auf neuen Instrumenten, aber er
vermeidet Archaismen. Damit nivellieren sich
auch die Unterschiede zwischen den
Komponistengenerationen, allerdings zur
großen Freude der Hörer. Goebel, Benjamin
Appl und die Berliner Barock Solisten feiern
ein fast absolutes Schönheitsideal. DIP
„Cantatas of the Bach
Family“, Benjamin Appl,
Berliner Barock Solisten,
Reinhard Goebel
(Hänssler Classic)
Christopher Park
Brillanz und
Lebendigkeit
Taufrisch klingt diese Einspielung von
Schuberts Wandererfantasie in der Bearbeitung
für Klavier und Orchester von Franz Liszt. Als
Schumann die Klavierkomposition hörte, hielt
er 1828 fest: „Schubert wollte hier ein ganzes
Orchester in zwei Händen vereinen.“
Schubert „wanderte“ mit diesem Werk vom
Klavier zum Orchester, Liszt hat die Fantasie
ausgeführt. Zu hören, mit welcher Brillanz
und Lebendigkeit der junge deutsch-koreanische
Pianist Christopher Park mit dem NDR
Elbphilharmonie Orchester unter der Leitung
von Christoph Eschenbach spielt, entspricht
dem, was man von einem Dream-Team
erwartet: Die Symbiose zwischen Schubert
und Liszt erweitert sich zur kongenialen
Symbiose von Komposition und Interpretation.
Die Präsenz, mit der Christopher Park
jeden Ton spürbar werden lässt, behält ihr
hohes Niveau, auch wenn er ohne Orchesterbegleitung
spielt. SELL
Liszt: „Wandererfantasie“,
Schubert: „Klaviersonate
Nr. 12“, Brahms: „Händel-
Variationen“, Christopher
Park, NDR Elbphilharmonie
Orchester, Christoph
Eschenbach (Capriccio)
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39

H Ö R E N & S E H E N
MITTENDRIN IN DER MUSIK
Das 3D-Surroundverfahren Dolby Atmos soll den Zuhörer so nahe an das musikalische
Geschehen bringen, wie nur die Musiker selbst es erleben. VON HOLGER BIERMANN
Ein Ortstermin mit Glamour in den MSM Studios in München.
Prominenz ist da: Unter anderem die Geigerin Anne-Sophie
Mutter, Clemens Trautmann, der Präsident der Deutschen
Grammophon-Gesellschaft und Andreas Ehret, Geschäftsführer
von Dolby Deutschland. Grund für das illustre Treffen
ist die Präsentation der beiden Konzerte der Wiener Philharmoniker
unter der Leitung des Komponisten John Williams Mitte Januar 2020
im Wiener Musikverein, die – und das ist der Clou – auch im 3D-Surroundverfahren
Dolby Atmos aufgenommen und in den MSM Studios
abgemischt wurden. Übrigens war es das erste Konzert, das Williams
je außerhalb der Staaten gegeben hat.
Dolby Atmos kennen die
meisten aus den Kinos – dafür
wurde es auch erdacht. Anders
als sein Vorgänger, Dolby Digital
(DD), arbeitet Dolby Atmos
(DA) mit wenigen fixen und
vielen virtuellen Kanälen.
Da durch wird der Raumeindruck
deutlich präziser, einzelne
Klangereignisse können
plastisch im Raum dargestellt
werden. Im Vergleich zum Vorgänger-Format
DD ist das ein
riesiger Schritt nach vorn. Und
noch einen Vorteil gibt es:
Dolby Atmos passt sich dem
Wiedergabegerät an. Verfügt
eine Anlage über viele Lautsprecher,
werden die genutzt, hat
eine Anlage wenige Lautsprecher
– etwa kleine Soundbars –,
wird der Klang auf diese Möglichkeiten
zurechtgerechnet.
Seit einigen Jahren hat die
Musikindustrie die Vorzüge
von 3D-Sound und im speziellen von Dolby Atmos entdeckt. Anne-
Sophie Mutter meint dazu: „Dolby Atmos bringt mich als Zuhörer
so nah wie möglich an das Geschehen, was ich sonst nur in einer
Gruppe von Musikern erlebe.“ Sie ist mit diesem Eindruck nicht
allein. Dutzende Musiker waren schon in den MSM Studios und
sind von den neuen Möglichkeiten begeistert. Kürzlich erst hatte
Herbert Grönemeyer sein „Mensch“-Album in München in 3D-
Sound mastern lassen und war schier aus dem Häuschen.
Auch die CRESCENDO Redaktion konnte sich bei der Präsentation
im kleinen MSM-Kino der Intention und dem hohen
Erlebnisgefühl der beiden John-Williams-Einspielungen nicht entziehen.
Ist das die Art und Weise, wie man künftig Musik noch
packender, noch schöner erlebt? Ja, bestätigt Clemens Trautmann.
Man setze auf Dolby Atmos und habe schon über 50 Titel – neue
Produktionen und einige aus dem Back-Katalog – abgemischt. Aberhunderte
sollen folgen. Die Hürde liegt anderswo – nämlich in den
Wohnzimmern der Musikhörer. Während in modernen Autos
immer mehr Dolby-Atmos-Anlagen verbaut werden und sogar schon
Smartphones über Kopfhörer zumindest eingeschränkt Dolby-
Atmos-fähig sind, ist eine hochwertige Wiedergabe zu Hause immer
noch mit enormem Aufwand verbunden und deshalb derzeit nur
begrenzt erlebbar. Doch Andreas Ehret ist optimistisch.
CRESCENDO: Herr Ehret, die meisten Menschen kennen Dolby
Die Deutsche Grammophon nahm das Konzert von Anne-Sophie
Mutter und John Williams mit den Wiener Philharmonikern im Wiener
Musikverein im 3D-Surroundverfahren Dolby Atmos auf.
Atmos aus dem Kino oder vom Abspann der Filme, die sie zu
Hause im Fernsehen anschauen. Nun aber finden wir mehr und
mehr das Dolby-Atmos-Logo auch auf reinen Musik-Produktionen.
Was ist geschehen?
Andreas Ehret: Dolby Atmos kommt aus dem Kino. Doch wir
haben gemerkt, dass es sich auch für die Wiedergabe von Musik
hervorragend eignet. Vor drei Jahren hat Dolby deshalb die
Entscheidung getroffen, die Musik stärker in den Atmos-Fokus zu
rücken. Daraus ergab sich unter anderem die strategische
Partnerschaft mit der Deutschen Grammophon und Warner.
Hat Dolby dabei spezielle Musikrichtungen im Blick? Die
Präsentationen fanden meist
mit Künstlern aus der
klassischen Musik statt.
Nein. Unser Interesse gilt allen
Arten von Musik. Da wird
teilweise der Back-Katalog
ausgewertet, aber auch neue
Musik aufgenommen.
Nun gibt es das Format
Dolby Atmos schon seit 2012.
Drei Jahre ist dagegen eine
vergleichsweise kurze
Zeitspanne. Sind Sie mit den
Fortschritten zufrieden?
Die Einführung neuer
Formate dauert immer eine
Weile, weil alle Teile des
Puzzles zusammenpassen
müssen. Aber bei Dolby
FOTO: THERRY LINKE
Atmos sind wir schon weiter
als damals bei der Einführung
von Dolby Surround, bei dem
wir von den Anwendern ein
aufwendiges 5.1‐Lautsprecher-
Set gefordert haben. Dolby
Atmos funktioniert dagegen auch mit Smart Speakers (Lautsprecher,
die mit dem Internet verbunden sind, Anm. d. Red.), ja
sogar mit modernen Smartphones. Die Endgeräte sind schon da;
das Henne-Ei-Problem löst sich schneller auf.
Dennoch hat man noch nicht den Eindruck, dass die Idee von
Dolby-Atmos-Musikaufnahmen bislang in der Breite angenommen
wurde. Wie wollen Sie die Anwendung vorantreiben?
Wie gesagt, auf dem deutschen Markt haben wir Partnerschaften
wie etwa mit der Deutschen Grammophon. Die haben eine feste
Anzahl von Dolby-Atmos-Titeln zugesagt. Nach und nach werden
die Studios ausgebaut und die Grundlagen für die Technik
geschaffen. Auch das Thema „Medium“ hat weniger Hürden als
früher. Die Aufnahmen sind entweder auf Blu-Ray-Discs oder –
immer wichtiger – auf Streamingdiensten. Bislang streamen Tidal
und Amazon Music HD unser Dolby Atmos.
„John Williams in Vienna“, Anne-Sophie Mutter, Wiener
Philharmoniker, John Williams (Deutsche Grammophon)
Mitmachen und gewinnen:
Auf www.crescendo.de verlosen wir
zwei „John Williams in Vienna“-Boxen –
ultimatives Hörvergnügen
40 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

Rolando Villazón
Eine Interpretation unserer Welt
Rolando Villazóns heiterer Roman Amadeus auf dem Fahrrad über einen
jungen Mexikaner, der davon träumt, Opernsänger zu werden und in
Don Giovanni als Teufel auftreten darf, ist eine Hommage an seinen
Lieblingskomponisten.
CRESCENDO: Der Titel Ihres Romans lautet Amadeus auf dem
Fahrrad. Warum ausgerechnet Mozart?
Rolando Villazón: Das Buch entstand aus Anekdoten und Notizen, als
ich 2015 bei Proben in Salzburg war. Schon deshalb gab es den Bezug zu
Mozart. Er ist einer meiner besten Freunde. Ich fühle mich ihm nah.
Das ist nicht so bei Verdi, Wagner oder Brahms. Wir bewundern diese
Komponisten und können zu ihnen eine starke, inspirierende Beziehung
haben. Aber zu Mozart gibt es darüber hinaus eine große Liebe.
Warum liebt man Mozart mehr als andere Komponisten?
Wenn man seine Welt betritt, fühlt man sich frei. Mozart hat selbst
gegen viele Konventionen um seine Freiheit und Unabhängigkeit
gekämpft. Er war wie jemand, der von einem anderen Planeten auf die
Erde gekommen ist. Außerdem war er ein sehr ernster und spiritueller
Mann – eine Seite, die Sie in Miloš Formans Amadeus leider nicht finden.
Der Film zeigt den Clown voller Lust und Spielfreude. Aber es gibt
Momente in Mozarts Musik, die können nur von einem kompletten
Genie stammen.
Ist Kunst eine höhere Macht?
Vielleicht hat Schopenhauer recht, der meinte, wenn es keine Religion
gibt, dann gibt es Kunst. Dabei geht es nicht nur darum, eine herrliche
Sinfonie oder Sonate von Mozart zu hören. Die bringt Ruhe und Licht
in meine Seele. Aber es gibt auch schwierige Werke, die auf ihre Weise
Wirkung haben. Kunst ist ein Weg, um unsere Gedanken und Gefühle
zu reflektieren. Manchmal fühlt man sich wie in einer schwarzen Wolke.
Kunst hilft uns, Orientierung zu finden. RÜDIGER STURM
Rolando Villazón: „Amadeus auf dem Fahrrad“ (Rowohlt)
41
41

H Ö R E N & S E H E N
Anakronos
Ungewöhnlich und
reizvoll
Manche Werke muss man gedanklich von
ihrem Urheber trennen. So ist in der irischen
Handschrift The Red Book of Ossory aus dem
14. Jahrhundert eine Reihe kunstvoller
geistlicher Gedichte überliefert. Ihr Verfasser:
Bischof Richard de Ledrede, der 1324 in
Kilkenny die erste historisch belegte
Hexenverbrennung anordnete. Auf ihrer
Debüt-CD verbindet die Gruppe Anakronos
de Ledredes Texte mit mittelalterlicher Musik
von Jacopo da Bologna, Jacob de Senleches,
aus der Liederhandschrift Chansonnier du Roi
und anderen Quellen. Die so erschaffenen
Lieder werden mit Elementen aus Jazz und
zeitgenössischer Klassik kombiniert und
mittels moderner Instrumente wie Klarinetten,
Saxofon, Perkussion und Synthesizer
interpretiert. Das Ergebnis ist ebenso
ungewöhnlich wie reizvoll. Besonders fesselnd:
die wunderbar reine Stimme von Ensemble-
Gründerin und Sängerin Caitríona O’Leary.
Gewidmet ist das Album Petronilla de Meath
– der Frau, die als
erste angebliche Hexe
auf den Scheiterhaufen
kam. JH
Anakronos: „The Red Book
of Ossory“ (Heresy)
Kristjan Järvi
Klang gewordene
Seelenräume
Der in minimalistisches Schwarz gekleidete
Dirigent posiert mit blanken Tierschädeln
inmitten eines magischen Zirkels, dazu Fotos
nordischer Landschaften von rauer und
irrealer Schönheit, geheimnisvoller Schauplatz
von Sagen und Mythen – stilvoller lässt sich
ein CD-Booklet kaum gestalten. Nun möchte
Kristjan Järvi, jüngster Spross der estnischen
Dirigenten-Dynastie, seine Musik nicht einfach
als Natur, die man hören kann, verstanden
wissen, sondern als Klang gewordene
Seelenräume, als eine Reise ins Innere, die von
Polarlichtern und kurzen Sommern und von
einem „Nebula“ genannten Schleier des
Bewusstseins erzählt; zugleich der Titel des
zentralen Satzes von „Nordic Escapes“. Die
Musik entfaltet eine sinnliche Kraft und
Vitalität. Järvi entwirft suggestive Klangräume,
verbindet das klassische Orchester gekonnt
mit elektronischen Klängen und setzt mit den
Soli von Geige und Posaune, Glocken und
Vokalisen reizvolle Akzente. FS
„Nordic Escapes“,
Nordic Pulse Ensemble,
Baltic Sea Philharmonic,
London Symphony Orchestra,
Kristjan Järvi
(Modern Recordings)
Dai Miyata
Innige Hingabe
Dieses Album ist eine Liebeserklärung an das
Cello und seinen unvergleichlichen Klang:
sinnlich und samtig, sonor schwingend und mit
kraftvoller Wucht in den tieferen Lagen.
Zugleich birgt das Album einen Geheimtipp:
Noch ist der preisgekrönte japanische Solist
Dai Miyata wenig bekannt – doch dies könnte
sich bald ändern. Mit dem BBC Scottish
Symphony Orchestra unter der Leitung von
Thomas Dausgaard widmet er sich mit dem
Cellokonzert von Edward Elgar einem
Schlüsselstück der Cello-Literatur und lotet
dieses melodienreiche Werk mit inniger
Hingabe aus. Dabei zeigt sich Miyata als
ebenso virtuoser wie feinsinniger Interpret,
der sein Instrument singen und seufzen lässt,
jubilieren und sehnsuchtsvoll schwelgen.
Überzeugend gelingt zudem der Dialog mit
dem Orchester. Dieser prägt auch das
stimmungsvolle zweite Stück Dark Pastoral,
eine elegische Komposition für Cello solo und
Orchester, die David Matthews aus unvollendeten
Entwürfen von Ralph Vaughan Williams
geschaffen hat. DW
Edward Elgar, Ralph Vaughan
Williams: „Dark Pastoral“,
Dai Miyata, BBC Scottish
Symphony Orchestra, Thomas
Dausgaard (Denon/mdg)
EIN GANZES
HÖR-UNIVERSUM
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Klassik-Alben in Premium-Soundqualität. Für die
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42
w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

Lucia Popp
Ein historisches
Kleinod
„Hab ich Lieb’, so hab ich Not, meid ich Lieb’,
so bin ich tot“, singt die Baderstochter Agnes
Bernauer im „bairischen Stück“ Die Bernauerin
von Carl Orff, als sie ahnt, dass sie ob ihrer
Liebe zu Herzog Albrecht (Gerhart Lippert)
bald sterben muss. Weil die wunderbare
Schauspielerin Christine Ostermayer vor
40 Jahren dafür eine todtraurige gebrochene
Stimme besaß, ist dies der Höhepunkt der
einzigen Gesamtaufnahme auf Tonträgern, sieht
man vom Live-Mitschnitt aus dem Jahr 2009 im
Florian-Stadl von Kloster Andechs ab. Noch
sparsamer als in anderen Werken für das
Musiktheater setzt Orff, der selbst den Text
geschrieben hat, hier Klänge und Gesungenes
ein. Das Münchner Rundfunkorchester und der
Chor des Bayerischen Rundfunks (als laszive
Badgäste, geifernde Hexen oder klagendes Volk)
sowie Horst Laubenthal und Lucia Popp spielen,
singen und sprechen unter Kurt Eichhorn mit
praller Theatralität und präziser Schärfe. KLK
Carl Orff: „Die Bernauerin“,
Ostermayer, Lippert, Popp
u. a., Chor des Bayerischen
Rundfunks, Münchner
Rundfunkorchester,
Kurt Eichhorn (Orfeo)
Marco Longhini
Atemberaubend
Was erlauben sich Monteverdi? Der in
abgewandelter Form zum geflügelten Wort
avancierte Spruch eines italienischen
Fußballgelehrten lag vielleicht auch
manchen Zeitgenossen Monteverdis auf
der Zunge. Denn atemberaubend und im
besten Sinne unerhört war diese Musik
damals schon – und sie ist es auch heute
noch. Mit dieser Box liegt die Frucht einer
jahrzehntelangen Beschäftigung des
Musikgelehrten und Musikers Marco
Longhini mit den Madrigalen Monteverdis in
gesammelter Form vor. Entstanden ist eine
Gesamtschau der Monteverdi’schen
Madrigalkunst, virtuose Vokalkünsteleien,
von Longhinis Solistenensemble Delitiæ
Musicæ auf einem durchweg brillanten
Niveau zum Besten gegeben. Die Box hat
es in sich: gut 16 Stunden Madrigale, knapp
680 g schwer, insgesamt 15 CDs samt
Booklets mit kurzen Einführungen und
allen italienischen Texten mit deren
englischer Übersetzung. Ein gewichtiges
Opus, im wahrsten
Sinne des Wortes.
GKV
Claudio Monteverdi:
„Complete Madrigals“,
Delitiæ Musicæ, Marco
Longhini (Naxos)
Martin Schläpfer
Tanzen statt Kühe
melken
Ursprünglich plante Martin Schläpfer ein
Leben als Biobauer. Doch es kam anders:
Über das Geigenspiel und den Eiskunstlauf
fand der Schweizer zum Tanz. 2009 wurde er
Ballettdirektor an der Deutschen Oper am
Rhein. Dort brachte er das Ensemble bald zu
ungeahnten Höhen. Schläpfer verpasste dem
angestaubten Schwanensee eine choreografische
Frischzellenkur und schuf Ballette zur
Musik der Komponistin Adriana Hölszky. Im
September 2020 übernimmt er die Leitung
des Wiener Staatsballetts. Davor führte er
zwischen Juni 2019 und April 2020 intensive
Gespräche mit der Tanzjournalistin Bettina
Trouwborst, die in dem durch aufwendige
Fotostrecken ergänzten Interview-Buch
Mein Tanz, mein Leben resultierten. Schläpfer
spricht darin ausführlich über Kunst im
Allgemeinen und Tanz im Speziellen sowie
über Politik, seine Ängste und privates Glück.
Die Schilderungen seines abwechslungsreichen
Lebens sind gewürzt mit
klugen Reflexionen und
bieten eine spannende
Lektüre. MV
Martin Schläpfer: „Mein Tanz, mein
Leben. Gespräche mit Bettina
Trouwborst“ (Henschel Verlag)
Marc Minkowski
Große Messe, kleine Besetzung
Die c‐Moll-Messe ist neben dem Requiem das größte und wichtigste
Fragment in Mozarts Schaffen. Doch während im Falle der Totenmesse
die lange Zeit legendenhaft verdunkelten Entstehungsumstände längst
durchleuchtet werden konnten, wissen wir bis heute nicht zweifelsfrei,
warum Mozart in seiner Wiener Zeit nochmals eine Messe für Salzburg
in Angriff nahm (vermutlich eine Votivgabe für die Genesung Constanzes)
– und dann trotzdem unvollendet liegen ließ. Da nicht einmal die
komponierten Teile vollständig und in Originalgestalt überliefert sind,
ist der Torso bis heute Forschungsgegenstand und hat zahlreiche
Komplettierungen und Rekonstruktionen provoziert.
In dieser Neuaufnahme mit Les Musiciens du Louvre wendet Marc
Minkowski einen Gedanken auf Mozart an, der aus der authentischen
Bach-Interpretation kommt: Sein Chor umfasst nur neun Stimmen (drei
Soprane, sonst zwei Sänger pro Stimmlage). Da heißt es umdenken, weg
von der „Great Mass“, wie das Stück im englischen Sprachraum genannt
wird, hin zu einer gewiss feinen, aber doch gleichsam kleinen Darstellung.
An den intimen Stellen bringt das Vorteile, geht an den monumentalexpressiven,
auf dramatische Wirkung hin angelegten Doppelchor-
Passagen (Qui tollis) jedoch auch mit einem etwas forcierten Klang einher.
Was den Notentext betrifft, lässt Minkowski neuere Vorschläge links
liegen und greift zurück auf Helmut Eders vergleichsweise zurückhaltende
Edition der Neuen Mozartausgabe aus den 1980er-Jahren – vermutlich,
weil sie seiner Deutung entgegenkommt. Die Sopranistinnen Ana Maria
Labin und Ambrosine Bré lassen freilich keineswegs
vibratolose, dünne Barockstimmen hören,
sondern haben neben Saft und Kraft auch
individuellen Charakter im Ton. WW
Wolfgang Amadeus Mozart: „Mass in c Minor“, Solisten, Les
Musiciens du Louvre, Marc Minkowski (Pentatone)
Quadro Nuevo
Der Klang des Meeres
Das Ensemble Quadro Nuevo fängt auf seinem Album „Mare“ die
inspirierende Kraft des Meeres ein. In seinen Kompositionen und
Improvisationen spiegeln sich das sanfte Rauschen der Brandung, das
Flimmern des Sonnenlichts und die Weite, die Herz und Geist beflügelt.
Wie stets bei dem Ensemble, das seine Anregungen auf ausgedehnten
Reisen durch die Welt findet, hat jeder Titel eine Geschichte und ist
getragen vom Erleben und den Begegnungen der Musiker. So befindet
sich auf dem Album etwa eine Hommage an das legendäre Kairoer Café
Groppi, in dem einst auch der Literaturnobelpreisträger Nagib Mahfuz
seine Zeitungen las. Beigetragen hat sie der Ud-Spieler Basem
Darwisch, mit dem Quadro Nuevo quer durch Ägypten zog. Eine
Vielfalt an Harmonien, Rhythmen und Klangfarben breiten die Musiker
aus. Mulo Francel ist nicht nur auf seinem Saxofon und der Klarinette
zu hören, sondern greift für Titel wie Plage à trois oder die alte
neapolitanische Canzone Torna a Surriento, die den Pianisten Chris Gall
zu träumerischen Improvisationen anregt, zur Mandoline. Andreas
Hinterseher spielt neben seinem Akkordeon und dem Bandoneon die
Trompete. Und D. D. Lowka verleiht den Stücken mit seinem Bass die
Tiefe und mit Perkussion den Rhythmus. Für das Ensemble schließt sich
ein Kreis. Denn mit der italienischen Canzone brachte es 1998 sein
Debüt-Album heraus. Auch die Erinnerungen an die Zeit, da die
Musiker die mediterranen Städte als Straßenmusiker durchstreiften, um
verschollene Melodien aufzustöbern und zu neuem Leben zu erwecken,
klingen auf dem Album nach. Die „mediterrane
Leichtigkeit des Seins“ durchzieht diese Musik
ebenso wie jene Melancholie und Sehnsucht,
von der die alten, von Einflüssen vieler Kulturen
geprägten Melodien zu erzählen wissen. RRR
Quadro Nuevo: „Mare“ (GLM)
43

H Ö R E N & S E H E N
Sarah Willis
Energie und
Leidenschaft
Sarah Willis ist nicht nur Hornistin bei den Berliner Philharmonikern.
Die Britin tanzt zudem auch gerne Salsa. Auf ihrem
Album „Mozart y Mambo“ kombiniert sie deshalb westliche
Klassik und kubanische Volksmusik. Aufgenommen wurde die
Crossover-CD Anfang 2020 in Havanna mit dem Havana
Lyceum Orchestra. Dessen Energie und Leidenschaft inspirierten
Sarah Willis spürbar – egal, ob sie gemeinsam mit den
jungen Musikern Mozart-Konzerte und traditionelle Lieder wie
Dos Gardenias und El Manisero interpretiert oder ob sie beides
in neuen, tanzbaren Arrangements zu einer transkontinentalen
Leistung verbindet. Als „Musikerin mit Mission“, die sich für
unterhaltsame Vermittlung von Musik engagiert, möchte Sarah
Willis talentierte Nachwuchsmusiker
nachhaltig fördern: Ein Euro vom Erlös
jeder CD geht an den Fonds „Instruments
for Cuba“. ASK
„Mozart y Mambo“, Sarah Willis (Alpha)
Schola Heidelberg & Ensemble Aisthesis
Das Abenteuer der
Rekonstruktion
Es ist nicht bekannt, warum der Dirigent Hermann Scherchen Luigi
Nonos Polifonica – Monodia – Ritmica für die Uraufführung bei den
Darmstädter Ferienkursen 1951 auf ein Drittel zusammengestrichen hat.
Die im Sendesaal des Hessischen Rundfunks Frankfurt aufgenommene
Rekonstruktion von Ensemble Aisthesis ist dagegen getragen von
behutsamer und intensiver Achtsamkeit für alle Mikrowerte der
Tonerzeugung. Noch immer faszinieren Nonos Kompositionsverfahren,
welche die Brücken zum traditionellen Hörverständnis einreißen, seine
auch in der langen Urfassung tragfähige Rhythmisierung und die Vielzahl
erforderlicher Spieltechniken. Ein Bogen Nonos zu Salvatore Sciarrinos
L’alibi della parola – Des Wortes Alibi besteht darin, dass beide um die
Beziehung zwischen schriftlich fixiertem Material
und der Tonproduktion ringen. Gesungene und
gespielte Phoneme lassen zwischen Erzeugung und
Erklingen eine Vielzahl von Assoziationen zu. DIP
Luigi Nono, Salvatore Sciarrino: „Parole e Testi“,
Schola Heidelberg, Ensemble Aesthesis, Walter Nußbaum (Divox)
Anouchka & Katharina Hack
Abschiedsgesang
Noch ruhige Zeiten sind es, als Dimitri Schostakowitsch 1934 die
Cellosonate op. 40 schreibt. Bald wird man in der Prawda drohen:
„Dieses Spiel kann böse enden.“ Denn Stalin hat nach einer Aufführung
von Lady Macbeth von Mzensk das Theater schweigend verlassen.
Über Monate wird der Komponist aus Angst vor der Verhaftung in
Straßenkleidung schlafen. Über 40 Jahre später, hochdekoriert und
augenscheinlich arrangiert mit dem System, schreibt er verbittert: „Ich
denke viel über das Leben, den Tod und die Karriere nach. (…) Ich bin
enttäuscht von mir selbst.“ Todkrank rafft er sich zu der Violasonate
op. 147 auf, die posthum uraufgeführt wird. Die Schwestern Anouchka
und Katharina Hack und Gautier Capuçon ziehen alle Register, werden
dem spätromantischen „cantabilen Ausdrucksgehalt“ von op. 40
ebenso gerecht wie dem Abschiedsgesang von
op. 147, einer wehmütigen Fantasie über den
Beginn von Beethovens Mondscheinsonate. TPR
Schostakowitsch: „Sonatas op. 40 & op. 147, Prélude op. 97“,
Duo Anouchka & Katharina Hack, Gautier Capuçon (Genuin)
Marc Albrecht
Leidenschaft und Melancholie
Alexander von Zemlinskys 1905 uraufgeführte Orchesterkomposition
Die Seejungfrau mit ihrem schwelgerisch spätromantischen Kolorit scheint
ohne seine Begegnung mit Alma Schindler, spätere Mahler, kaum
verständlich. Die gut dokumentierte Enttäuschung über seine zurückgewiesenen
Liebesbekundungen traf den Komponisten tief und inspirierte
ihn nicht nur zu seinen Opern Der Zwerg und Der Traumgörge, sondern
auch zu seiner sinfonischen Dichtung Die Seejungfrau nach dem gleichnamigen
Märchen von Hans-Christian Andersen. Marc Albrecht legt mit
dem Netherlands Philharmonic Orchestra seine Interpretation des
Werkes ganz in der Tradition von Wagner und Strauss an und zeigt nicht
nur ein musikalisches Kaleidoskop voller Leidenschaft und Melancholie,
sondern nimmt auch die von Zemlinsky gestrichene, 2013 im Rahmen der
kritischen Edition erstmals publizierte Meerhexenmusik
für den zweiten Satz mit auf. FA
Zemlinsky: „Die Seejungfrau“,
Netherlands Philharmonic Orchestra, Marc Albrecht (Pentatone)
FOTO: JP RETEL ACT
Vincent Peirani & Émile Parisien
Tango goes Jazz
2012 lernten der Akkordeonist Vincent Peirani und der Sopransaxofonist
Émile Parisien einander im Quartett des langjährigen Joachim-
Kühn-Schlagzeugers Daniel Humair kennen. Mittlerweile haben sie
durch gemeinsame Auftritte in über 600 Konzerten eine phänomenale
Qualität des Zusammenspiels erreicht. Ihre CD „Abrazo“ vereint Jazz-
Elemente mit der rhythmischen Energie und der Melodik des Tangos.
Neben Stücken von südamerikanisch inspirierten Meistern wie Astor
Piazzolla oder Xavier Cugat und der Nummer Crave von Jelly Roll
Morton finden sich darauf auch mehrere Eigenkompositionen sowie ein
originelles Arrangement des Kate-Bush-Songs Army Dreamers. Mühelos
bewegen sich die beiden Franzosen zwischen Jazz, Tango und französischer
Folklore. Dabei beeindruckt die animalische Energie
von Peirani am Akkordeon ebenso wie seine Unabhängigkeit
der Hände und der samtige Ton von Émile Parisiens
Saxofonspiel. MV
Émile Parisien, Vincent Peirani: „Abrazo“ (ACT, auch als LP erhältlich)
44 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

Trio Machiavelli
Geheimnisvolle
Leichtigkeit
Kurz nach Ausbruch des Ersten Weltkriegs
schrieb Maurice Ravel sein Klaviertrio in a-Moll.
Die heitere Grundstimmung lässt vergessen,
dass zur selben Zeit auf den Schlachtfeldern
die Kanonen donnerten. Zart hingetupft
erklingt das Klavierthema am Anfang des
ersten Satzes, „Modéré“. In ihrer betörenden
Schwerelosigkeit verströmt diese Musik etwas
zutiefst Rätselhaftes. Das Trio Machiavelli
versteht es, die komplex geschichteten
Rhythmen mit einem subtilen poetischen
Zauber zu verbinden. Die aufstrebende
Pianistin Claire Huangci musiziert in ihrem
Ensemble mit der Geigerin Solenne Païdassi
und dem Cellisten Tristan Cornut. Mit dem
Bratscher Adrien Boisseau nehmen sie sich
Ernest Chaussons Klavierquartett in A-Dur vor.
Es ist das letzte große Kammermusikwerk
Chaussons, der 1899 im Alter von nur 44
Jahren tödlich mit dem Fahrrad verunglückte
und heute im Schatten von César Franck,
Claude Debussy und Gabriel Fauré steht. Sein
Trio bezeichnete er als leicht und fast
übermütig. Das Trio Machiavelli verleiht ihm
durch sein Spiel auch
einen Hauch französischer
Eleganz. CK
„Ravel & Chausson“, Trio
Machiavelli (Berlin Classics)
Kevin John Edusei
Faszinierendes
Missing Link
Dass Franz Schubert neben der Unvollendeten
und der Großen in C-Dur nicht nur sechs
Jugendsinfonien geschrieben hat, sondern dass
man ihn als Sinfoniker ohne die Kenntnis der
wichtigen Fragmente dieser Gattung gar nicht
erfassen kann, hat sich in der jüngeren
Generation herumgesprochen. Kevin John
Edusei bereichert seine entstehende Gesamteinspielung
des Zyklus mit den Münchner
Symphonikern durch diese teils fantastischen
Einblicke in die Komponistenwerkstatt. Dabei
kann im Falle der Sinfonie E-Dur D 729 des
24-Jährigen von einem Fragment gar nicht die
Rede sein: Jeder Takt ist im Entwurf vorhanden.
Edusei deutet sie, wie auch die Dritte, als
Werke des Aufbruchs in neue Gefilde. Die
Dritte wird dabei weder verharmlost noch
aufgeblasen: Die Münchner erfreuen mit
Spielwitz und einer Prise Frechheit. Und die
E-Dur-Sinfonie mit ihren reichen Farb- und
Stimmungsschattierungen entpuppt sich als
faszinierendes Missing Link zur Großen in C-Dur
– und das mit der größten Bläserbesetzung
aller Schubert-Sinfonien: vier Hörner nebst
Posaunen. WW
Schubert: „Symphonie
Nr. 3 & Nr. 7“,
Münchner Symphoniker,
Kevin John Edusei
(Münchner Symphoniker)
Barrie Kosky
Ein Riesenspaß
Freche, lustvolle Parodie: Barrie Koskys
Inszenierung von Jacques Offenbachs Orphée
aux enfers bei den Salzburger Festspielen 2019
treibt den Spaß, den schon der Komponist mit
dem Mythos vom thrakischen Sänger trieb, auf
die Spitze. Eurydice in Gestalt von Kathryn
Lewek hat in Spiel und Vollblutkostüm den
Mut zu lebenspraller Selbstironie und ist eine
Parodie auf Anna Netrebko. Dabei feuert sie
immer wieder Spitzentöne ab. Joel Prieto als
eitler Orpheus ist noch schöner als David
Garrett und quält seine Gattin nicht nur als
unermüdlicher Geiger, sondern auch mit
smartem Tenor. Alle anderen Partien sind
ebenfalls mit brillant singenden, immer an der
Grenze zum satten Klamauk balancierenden
Vollblutkomödianten besetzt. Die Wiener
Philharmoniker unter Enrique Mazzola sind in
bester Neujahrskonzert-Laune, zwölf Tänzerinnen
und Tänzer wurden nicht nur für den
berühmten Cancan perfekt choreografiert, und
das Vocalconsort Berlin als feierwütige Pariser
Hautevolee lässt das Ganze zu einem Riesenspaß
werden. KLK
Offenbach: „Orphée aux
enfers“, Barrie Kosky,
Joel Prieto, u. a. Wiener
Philharmoniker,
Enrique Mazzola (CMajor)
Eckart Runge
Ein musikalisches Multiversum
Am 2. Juli ist Nikolai Kapustin in Moskau gestorben. In einem Interview sagte
er vor 20 Jahren, er wolle nicht berühmt werden. Dieser Wunsch wird sich
nicht erfüllen. Das Interesse an seinem Gesamtwerk ist enorm gewachsen.
Diese traumhafte Ersteinspielung von Kapustins erstem Cellokonzert ist das
Solodebüt von Eckart Runge. Runge war bis 2019 Cellist des Artemis
Quartetts. Kein anderer scheint so prädestiniert für dieses Werk wie er. Nicht
nur, dass er die Noten des Werkes aus den Händen des Komponisten bekommen
hat und mehrfach Gelegenheit hatte, mit ihm die Interpretationsmöglichkeiten
durchzusprechen – was hier zu hören ist, haut einen schier um. Die überwältigende
Energie und Tiefe des Zusammenspiels, die Runge mit dem Rundfunk-
Sinfonieorchester Berlin unter der Leitung von Frank Strobel gelungen ist, setzt
für alle zukünftigen Aufnahmen Maßstäbe. Neben dieser Tiefe blitzt immer
wieder eine eigenwillig augenzwinkernde Gewitztheit auf. Die Spezialität des
ukrainischen Komponisten, Klassik und Jazz wie eine Kreuzung in der
Pflanzenwelt in eine Hybridgattung übergehen zu lassen, ist in dieser Form
einzigartig und unvergleichlich – Kapustin eben. „Übergänge“ („Transitions“) –
kein anderer Titel hätte treffender sein können. Weder das Vorher noch das
Nachher spielt eine Rolle, alles Statische wird belanglos, die Phase des Übergangs,
das Fließende selbst wird zum Fokus. Das entspricht auch dem Übergang zum
Cellokonzert Nr. 1 von Alfred Schnittke. Was sich bei Kapustin horizontal
ausbreitet, schichtet sich bei Schnittke in vielfacher Stilistik vertikal. In beiden
Werken ist es nicht Eklektik, sondern universelle Weisheit, die Musik als Ganzheit
erfahrbar werden lässt. Sind es bei Kapustin die Spektralfarben,
die ein musikalisches Multiversum erleuchten, klingt in Schnittkes
Cellokonzert ein dunkles Strömen ferner Galaxien an. SELL
Kapustin, Schnittke: „Transitions“, Eckart Runge,
Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin, Frank Strobel (Capriccio)
45

H Ö R EHN Ö& RS E N H & E SN E| HA EN NZ E I G E
WELTSTARS, NEWCOMER UND DER
GROSSE MUT ZU IMMER NEUEM
Das Label ORFEO feiert seinen 40. Geburtstag.
Zum 40. Geburtstag
von ORFEO erscheinen
große Boxen mit
historischen Aufnahmen
ebenso wie neue Alben
der Exklusivkünstler
Vor 40 Jahren fing alles an. Damals wurde der Klassikmarkt
von großen Label-Giganten beherrscht, die über die Auswahl
der zu veröffentlichenden Musik entschieden. Kleinere
Labels gab es zwar, doch sie kamen und gingen oft
mit kurzen Halbwertszeiten – Nischen-Phänomene im
Reich der Musik-Goliaths. Dann kam ORPHEUS – kurz später dann
ORFEO Classic Schallplatten und Musikfilm GmbH benannt –, ein
„Independant Label“, bevor der Begriff überhaupt erfunden war.
Im November 1980 nahm das Label Die Bernauerin von Carl
Orff auf – dem großen deutschen Komponisten, Musikpädagogen
und Weltbürger, der dieses Jahr seinen 125. Geburtstag feiert.
Gleichzeitig wurde über das erste große Opernprojekt verhandelt:
eine Aufnahme von Richard Strauss’ Oper Arabella mit July Varady
und Dietrich Fischer-Dieskau in den Hauptrollen, das dann im
Januar im Salvatorkeller in München realisiert werden konnte.
Und damit nahm die Erfolgsgeschichte von ORFEO ihren Lauf:
Zunächst stand die Vokalmusik mit Opernraritäten und selten
gesungenen Liederzyklen im Fokus. Mitschnitte vom Symphonieorchester
des Bayerischen Rundfunks fanden ebenso ihren Platz
wie historische Aufnahmen der Festspiele in Bayreuth und Salzburg
sowie legendäre Konzerte an der Wiener oder der Bayerischen
Staatsoper.
Damit waren schnell auch die ganz großen Namen vertreten:
Ob Agnes Baltsa, Grace Bumbry, Edita Guberová oder Jessye Norman,
ob Friedrich Gulda, Emil Gilels, Claudio Arrau oder Rudolf
Serkin – das Solisten-Who’s-Who fand ebenso seinen Platz wie die
Dirigenten Karl Böhm, Wilhelm Furtwängler, Herbert von Karajan
oder Carlos Kleiber. Eigenproduktionen wurden von Anfang an
digital eingespielt: seinerzeit noch ein großes technisches Novum.
Später wurde mit Einspielungen von Komponisten des 20.
Jahrhunderts Pioniergeist bewiesen, sei es mit Einspielungen von
Ernst Krenek, Erwin Schulhoff oder Viktor Ullmann. Doch auch
junge Talente sollten durch ORFEO entdeckt und gefördert werden.
Einige davon sind heute längst zu Weltstars avanciert, seien es Daniel
Müller-Schott, der bis heute Exklusivkünstler bei ORFEO ist, Arabella
Steinbacher, Diana Damrau, Andris Nelsons, Baiba Skride
oder Pavol Breslik. Bis heute sind diese Förderungen ein wichtiger
Bestandteil der Arbeit des Labels – man darf gespannt sein, welche
Entdeckungen es in den kommenden Jahren geben wird.
Doch ORFEO hatte auch schwierige Zeiten. 1984 geriet das
Label in finanzielle Turbulenzen, die durch das persönliche – auch
finanzielle – Engagement einiger Künstler schließlich zur erfolgreichen
Neugründung als ORFEO International Music GmbH
führten.
Aktuell zählt das ORFEO-Archiv mehr als 1.000 Aufnahmen,
darunter etliche Weltersteinspielungen. Auch das digitale Geschäft
wird mit hochwertigen Downloads und Streamings konsequent
ausgeweitet. Zum Geburtstag werden außerdem insgesamt vier
Jubiläumsboxen à zehn CDs mit besonders legendären Aufnahmen
erscheinen, die den Themenschwerpunkten Dirigenten, Stimmen,
Pianisten und Opernraritäten gewidmet sind. Da bleibt nur, ein
herzliches „Happy Birthday“ zu wünschen!
n
46 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

Unerhörtes & neu Entdecktes
von Christoph Schlüren
ZEIT FÜR EINE NEUAUSRICHTUNG
Ein Blick auf die Beethoven-Aufnahmen der jüngsten Zeit.
Wenn das große Beethoven-Jahr 2020 zu Ende
geht, werden die Orchester so wenig Beethoven
gespielt haben wie seit mehr als 200 Jahren
nicht. Die Covid-Zwangspause hat viel zur Spaltung
unserer Gesellschaft beigetragen, aber sie
kann auch zur Reflexion und Neuausrichtung genutzt werden. Welche
Kräfte werden sich durchsetzen?
Mit Blick auf Beethoven heißt das auch: Wie ist er künftig zu
spielen, wenn man ihn wieder spielen darf? Derzeit befindet er sich
ja im doppelten ideologischen Würgegriff einerseits der Metronomwächter,
die jede „Untertretung“ der vorgeschriebenen Geschwindigkeit
unwohlwollend verbuchen, andererseits der längst zur grotesken
Formelhaftigkeit erstarrten Dogmen der selbsternannten „historischen
Aufführungspraxis“. Sicher, erstere Bewegung hat dafür gesorgt,
dass sich keine falsche Behäbigkeit einstellt, und letztere ging aus dem
Protest gegen die pauschale philharmonische Routine hervor und
versorgte uns mit einer neuen Sensibilität für ausgestorben geglaubte
Klangfarben. Doch heute sind diese einst so revolutionär und authentisch
empfundenen Bewegungen längst zum autoritären Akademismus
degeneriert, der ein betriebsblindes Regelwerk predigt,
damit die Qualitätsunterschiede nivelliert und die individuellen
Stimmen der großen Komponisten
komplett dem Alltagsbewusstsein eines vermeintlichen
Zeitstils unterwirft.
Warum hat Beethoven so irrsinnig
schnelle, teils unausführbare und mit den Resonanzgesetzen
im realen Raum unvereinbare
Metronomzahlen unterzeichnet? Wie wäre es,
wenn dies die psychologische Folge seiner
zunehmenden Taubheit gewesen ist? Wenn ich nichts
mehr höre, vor allem keine Feinheiten mehr, ist Langsamkeit
doch unerträglich langweilig. Und wieso sollten
fast alle Töne, egal wie lang sie notiert sind, kurz
gespielt, warum immer primitiv die Eins des Takts
betont werden? Warum darf sich ein Orchester
nicht jene Freiheiten in der Tempogestaltung
nehmen, die bei einem Pianisten als Elemente
der Interpretation goutiert werden?
An schlechten Beispielen ist kein Mangel,
es seien nur stellvertretend die neue dänische
Gesamtaufnahme der Sinfonien genannt: kurz,
schnell, ruppig und ohne jede Poesie. Auch Thomas
Adès als Dirigent fällt in dieses Muster. Da
ist dann Teodor Currentzis in seiner singulären Mischung aus Hochbegabung
und Größenwahn doch interessanter, auch wenn er mit
seiner Einschätzung der Neunten Sinfonie eher zur fantastischen
Mythenbildung beiträgt als zu künstlerischer Aufklärung. Dann
wohl doch besser Robert Trevino, der junge Chef in Malmö, der
zwar auch wenig Zeit hat, diese jedoch mit unmissverständlicher
Ernsthaftigkeit und obsessiver Intensität erfüllt. Während „Beethoven
Re-Imagined“ unter Yaniv Segal gutwillig als interessantes
Experiment bezeichnet werden kann, hat Rémy Ballot mit seinem
Klangkollektiv Wien in kleiner Besetzung eine wunderbar natürlich
beschwingte, drahtig geformte und wach ausgehörte Eroica vorgelegt
(Gramola). Damit erinnert er an große Meister vergangener Tage,
unter welchen Hermann Scherchen (Deutsche Grammophon) grandios
sperrig und Leonard Bernstein (Sony) musikalisch effektsicher
wirkte, Hans Rosbaud (SWR Classic) hingegen als ganz großer
Gestalter, dessen Beethoven zum Gelungensten gehört, was auf
Tonträger dokumentiert wurde.
Mit sämtlichen Streichquartetten tritt das phänomenale Quatuor
Ébène (Warner) dem Juilliard Quartet der 1960er-
Jahre (Sony) farbenreich zur Seite. Das Herrlichste
kommt von Pianisten: die charaktervolle Gesamtaufnahme
der Sonaten durch Konstantin Lifschitz (Alpha),
die späten Miniaturen mit dem feinzeichnenden Paul
Lewis (harmonia mundi), die Klavierkonzerte mit
dem ideal balancierten Martin Helmchen (Alpha),
und die große Überraschung: die feinsinnige Mari
Kodama mit Bearbeitungen durch spätere Meister
sowie der Ersteinspielung von Beethovens Variationen
über das Thema des vierten Satzes von
Mozarts Klarinettenquintett (Pentatone), wo
die Bezüge zwischen Beethoven und Mozart
deutlicher denn je zutage treten.
„Beethoven Around the World. The Complete String Quartets“,
Quatuor Ébène (Warner Classics);
„Beethoven String Quartets“, Juilliard String Quartet (Sony);
„32 Sonaten“, Konstantin Lifschitz (Alpha);
„Für Elise“, Bagatelles, Paul Lewis (harmonia mundi);
„Piano Concertos 1 & 4“, Martin Helmchen, Deutsches Symphonie-Orchester
Berlin, Andrew Manze (Alpha);
„Piano Concertos 2 & 5“, Martin Helmchen, Deutsches Symphonie-Orchester
Berlin, Andrew Manze (Alpha);
„Kaleidoscope. Beethoven Transcriptions“, Mari Kodama (Pentatone)
47

R Ä T S E L
& D A N K
GEWINNSPIEL
Was verbirgt sich hinter diesem Text?
Ohne mich kommt eigentlich keine Musik
aus! Außer bei so Fantasten, die völlig frei
vor sich hindüdeln. Ansonsten schaff ich erst
mal klare Verhältnisse. Dabei präsentiere ich
mich in meinem Aussehen als wahrer Verwandlungskünstler:
Ob elegant geschwungen,
behäbig bauchig oder schlicht geometrisch.
Wehe dem, der mich im Eifer des
Gefechts übersieht! Da kommt schnell eine
ganz schöne Miss-Stimmung auf!
Erfunden hat mich der clevere Benediktinermönch
und musiktheoretische Tüftler
Guido von Arezzo. Das war immerhin
schon um das Jahr 1025, ich blicke also auf eine Menge Lebensjährchen
zurück, und ich hab mich in den letzten 1.000 Jahren gehörig
verändert. Aber es ist ja auch einiges Wasser den Tiber runtergeflossen,
seit mich Guido in seiner Schrift Antiphonarium in Rom Papst
Johannes XIX. überreichte. Lustigerweise werde ich bis heute meist
nach Singstimmen benannt, selbst wenn ich in reiner Instrumentalmusik
genauso omnipräsent bin wie in geträllerter. Denn mich gibt’s
pro Werk ja bei Weitem nicht nur einmal!
VIELEN
DANK!
RÄTSEL LÖSEN UND EINE
CD-BOX GEWINNEN!
Wer oder was ist hier gesucht? Wenn Sie die
Antwort kennen, dann nehmen Sie unter
www.crescendo.de/mitmachen an der Verlosung
teil. Diese CD-Box gibt es zu gewinnen: „The Cleveland Orchestra.
A New Century“, Franz Welser-Möst (The Cleveland Orchestra).
Einsendeschluss ist der 10.10.2020. Gewinnerin unseres letzten Gewinnspiels
ist Genoveva Schmidt aus Paderborn. Die Lösung war Triangel.
Wir danken allen Unterstützern der CRESCENDO Nothilfe ganz
herzlich! Nach dem Ausbruch von COVID-19 wollten wir schnelle,
unbürokratische Hilfe für in Not geratene Musiker anbieten, bis
staatliche Hilfen greifen. Wir konnten 20.000 Euro sammeln und
damit also 40 Musikern mit je 500 EUR unter die Arme greifen.
Berührt und erschüttert hat uns die Resonanz unserer Aktion.
700 Anträge in Not geratener Musiker erreichten uns. Menschen,
die von einer Sekunde auf die andere nicht wussten, wovon sie ihre
Miete bezahlen oder ihre Kinder ernähren sollten.
Das Kuratorium aus Art But Fair e. V., Deutschem Musikrat,
Münchener Konzertverein und GEMA sah sich mit CRESCENDO
Herausgeber Winfried Hanuschik und CRESCENDO Kolumnist
Axel Brüggemann also mit der Aufgabe konfrontiert, Kriterien für
die Spendenvergabe zu erarbeiten. Ergebnis: Familiensituation und
Einkommen. Unser Dank gilt allen Spendern, aber auch allen Künstlern
für das bewegende Feedback und die Solidarität untereinander.
CRESCENDO führt die Nothilfe fort. Wir lassen Sie nicht allein!
FOTOS: WIKIMEDIA
IMPRESSUM
VERLAG
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Telefon: +49-(0)89-74 15 09-0, Fax: -11, info@crescendo.de, www.crescendo.de
Port Media ist Mitglied im Verband Deutscher Zeitschriftenverleger
und im AKS Arbeitskreis Kultursponsoring
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CHEFREDAKTEURIN
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LEITENDE REDAKTEURIN
Dr. Maria Goeth (MG) | goeth@crescendo.de
RESSORTS „HÖREN & SEHEN“ UND „ERLEBEN“
Dr. Ruth Renée Reif (RRR) | reif@crescendo.de
RESSORTS „KÜNSTLER“ UND „LEBENSART“
Barbara Schulz (BS) | schulz@crescendo.de
SCHLUSSREDAKTION
Maike Zürcher
KOLUMNISTEN
Axel Brüggemann, Paula Bosch, Ioan Holender,
Christoph Schlüren (CS), Stefan Sell (SELL), Philipp Hontschik
MITARBEITER DIESER AUSGABE
Florian Amort (FA), Roland H. Dippel (DIP), Ute Elena Hamm (UH), Julia Hartel (JH),
Klaus Kalchschmid (KLK), Sina Kleinedler (SK), Corina Kolbe (CK), Guido Krawinkel (GK),
Jens F. Laurson (JFL), Teresa Pieschacón Raphael (TPR), Antoinette Schmelter-Kaiser
(ASK), Stefan Sell (SELL), Fabian Stallknecht (FS), Rüdiger Sturm, Mario Felix Vogt,
Dorothea Walchshäusl (DW), Walter Weidringer (WW), Margarete Zander
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Verlage: Hanspeter Reiter | reiter@crescendo.de
AUFTRAGSMANAGEMENT
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Nr. 23 vom 01.09.2019
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Verbreitete Auflage:
74.590 (lt. IVW-Meldung 1V/2019)
ISSN: 1436-5529
(TEIL-)BEILAGEN / BEIHEFTER:
CLASS: aktuell, Münchner Orgelherbst, Festspiele Schloss Amerang
DAS NÄCHSTE CRESCENDO
ERSCHEINT AM 16. OKTOBER 2020.
CRESCENDO
unterstützt
48 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

ERLEBEN
Die wichtigsten Termine und Veranstaltungen von September bis Oktober im Überblick (ab Seite 50)
Tanz auf Abstand in Zeiten der Pandemie: Ghost Light an der Staatsoper Hamburg (Seite 53)
100 Jahre Salzburger Festspiele – und es geht weiter: Fabelhaftes zum Hören, Schauen und Lesen (Seite 58)
16. Oktober bis 17. Januar 2021, Dresden
Sinnliche Erotik oder religiöse Hingabe
Michelangelo Caravaggios Schaffen war revolutionär und
zog Künstler aller Länder in seinen Bann. Der manieristischen
Tradition stellte Caravaggio das direkte Studium
der Natur entgegen. Die Idealgestalten der Mythologie
und der Bibel wurden in seinen Bildern zu Menschen aus
Fleisch und Blut. 1602 schuf er für die private Bildergalerie
des römischen Adeligen Ciriaco Mattei das
Gemälde Johannes der Täufer. Unter Kunsthistorikern
findet ein intensiver Diskurs über dieses Bild statt. Denn
der Zuordnung des Sujets zum Religiösen steht einiges
entgegen. Zwar weisen Attribute wie das rote Tuch, das
Fell und die angedeutete Wildnis der Umgebung das Bild
dem sakralen Bereich zu. Doch die Abbildung eines
Widders statt eines Lamms und vor allem die zur Schau
gestellte Nacktheit und die erotische Ausstrahlung des
Knaben wecken Zweifel. Manche deuten den erotischen
Aspekt als Symbol göttlicher Liebe und den Widder als
Kreuzeshieroglyphe. Andere bezeichnen das Bild nur als
Vorwand für den eigentlichen Bildinhalt, nämlich die
Homosexualität Caravaggios. Dagegen versuchen
Kunsthistoriker, die die tiefgründige, sich oberflächlicher
Deutung entziehende Beschaffenheit großer Kunstwerke
betonen, beide Sichtweisen zu vereinen. Die Staatliche
Kunstsammlung Dresden holt das Gemälde im Rahmen
ihrer Ausstellungsreihe „Begegnungen“ aus den Kapitolinischen
Museen Roms nach Dresden und zeigt es neben
anderen Gemälden.
Dresden, Zwinger, gemaeldegalerie.skd.museum
FOTO: MICHELANGELO CARAVAGGIO: JOHANNES DER TÄUFER FOTO: MUSEI CAPITOLINI, ROM
49

E R L E B E N
September / Oktober 2020
DIE WICHTIGSTEN
VERANSTALTUNGEN AUF
EINEN BLICK
4. bis 18. Oktober, München
Enorme Klangvielfalt
Auch in diesem schwierigen Jahr findet in der Münchner Jesuitenkirche St. Michael das 12. Internationale Orgelfestival statt.
Peter Kofler, Organist in St. Michael und Leiter des Festivals, gibt Einblicke in das Programm.
CRESCENDO: Herr
Kofler, das Festival
erfreut sich bei
Organisten und
Publikum großer
Beliebtheit. Wie
entstand die Idee
dazu?
Peter Kofler: Als ich
2008 nach St. Michael
kam, lag es mir am
Herzen, eine Orgelkonzertreihe
ins Leben
zu rufen. So entstanden
die monatlichen
Michaelskonzerte und
das Orgelfestival.
Innerhalb des Festivals
sollte es jedoch auch
Kammermusik geben
und jeweils ein großes Konzert in der Mitte. Die Kreuzkapelle
bietet den intimen Rahmen für Kammermusik, und mit dem
wunderbaren Hochchor der Kirche besteht die Möglichkeit, auch
Bach-Kantaten und Orgelkonzerte von Händel aufzuführen.
Zum Einsatz kommt beim Festival die Rieger-Orgel.
Was zeichnet sie aus?
Mit ihren 75 Registern bietet sie eine enorme Klangvielfalt. Von
den leisen, zarten Tönen bis zum großen, majestätischen Tutti-
Klang füllt sie den Raum wunderbar aus. Man kann auf ihr Literatur
quer durch die Jahrhunderte adäquat darstellen.
Ein Komponist, der das Festival seit seinem Bestehen
dominiert, ist Johann Sebastian Bach. Ihre Gast-Organisten
spielen ihn, und Sie bringen sein Orgelwerk seit 2017
auch in Einspielungen heraus. Worin besteht das Besondere
an Bachs Orgelmusik?
Seine Musik weist in ihren verschiedenen kontrapunktischen
Möglichkeiten zum einen so viel Genialität auf. Zum anderen geht
sie unmittelbar ins Herz. Man kann sie immer wieder hören.
Vermutlich weil sie nicht vorhersehbar ist. Im Gegenteil, je öfter
man sie hört und je intensiver man sich mit ihr befasst, desto
tiefgründiger erscheint sie einem.
Gestalten die Organisten ihre Programme selbst?
Organist und Festivalleiter
Peter Kofler
Ich gebe bewusst kein
Thema vor. Mit geht es
vor allem um Vielfalt.
Jeder Organist hat seine
Schwerpunkte, und
dadurch entsteht wie
von selbst ein farbenprächtiges
Programm.
Das diesjährige
Festival eröffnet der
Dom-Organist von
Essen …
Ursprünglich war das
Programm mit internationalen
Organisten
geplant. Aber infolge der
Corona-Pandemie
erschien mir das Risiko
zu hoch. Es dürfen statt
700 auch nur 150
Zuhörer kommen. Deshalb habe ich das Programm kurzfristig mit
deutschen Kollegen gestaltet. Wichtig war mir dabei, ein Signal für
die Kultur zu setzen. Sebastian Küchler-Blessing aus Essen ist ein
junger, talentierter Organist und bereits zum zweiten Mal bei uns
zu Gast. Er kann großartig improvisieren, was er im Konzert auch
zeigt. Wolfgang Zerer hat in Hamburg eine Professur, ist ein
Spezialist für Alte Musik und stellt in seinem Konzert Alte und
neuere Musik einander gegenüber. Und Matthias Maierhofer, der in
Freiburg Professor ist und dort die Dom-Organistenstelle innehat,
bringt ein Programm mit Wiener Komponisten.
Sie spielen ebenfalls ein Konzert …
Ich bringe eine Reihe an Klavierkompositionen von Schumann und
Mendelssohn. Die kann man wunderbar spielen, weil die Orgel über
diese Farbigkeit und Dynamik verfügt, stufenlos und ohne Bruch
von leise bis laut zu gleiten.
Im Orgelfestival kann man den Organisten beim Spielen
sehen.
Ja, wir übertragen die Konzerte auf Video-Leinwand. Dabei
blenden wir jedoch auch Bilder der Kirche ein, um den Raum
abzubilden, das Publikum den Klang im Raum wahrnehmen zu
lassen und ein bewusstes Zuhören zu ermöglichen.
München, Jesuitenkirche St. Michael, www.muenchner-orgelherbst.de
FOTO: WALTER GLUECK
50 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

20. BIS 27. SEPTEMBER
KAMMERMUSIKFESTIVAL REGENSBURG
FOTOS: CLARS SVANKJAER; CLEMENS HEIDRICH; MARCO BORGGREVE; FALKO SIEWERT; BAYERISCHE STAATSBIBLIOTHEK, BILDARCHIV; HENRIK JORDAN; KIRAN WEST; JÜRGEN R. WEBER; MATILDE FASSÒ; JAN WINDSZUS; JEANETTE BARK; GERHARD RICHTER;
ASTRID ACKERMANN; BAYERISCHE PHILHARMONIE
Mit einer Uraufführung beginnt das Kammermusikfestival
Regensburg seine erste Ausgabe.
Marshall McDaniel hat mit seinem Cellokonzert
Metamorphosis für 23 Solostreicher
eine Replik auf Richard Strauss’ melancholischen
Zyklus Metamorphosen komponiert. Das
Festivalorchester Camerata Goltz bringt unter
der Leitung von Stephan Zilias beide Werke zur Aufführung. Cellist ist
Emmanuel Graf. Der Geiger Benedikt Wiedmann und der Pianist
Lorenz Kellhuber haben das Festival ins Leben gerufen. Eine Woche
lang gibt es Konzerte an verschiedenen Spielstätten Regensburgs. Die
Sopranistin Sibylla Rubens und der Tenor Bernhard Berchtold singen
aus Hugo Wolfs Italienischem Liederbuch. Das Fauré Quartett widmet
sich den Klavierwerken seines Namensgebers. Und mit Michael
Heuberger als Sprecher kommt Igor Strawinskys Geschichte vom
Soldaten, die den Schmerz des Ersten Weltkriegs nachklingen lässt, zur
Aufführung. Den Abschluss bildet Schuberts sinfonisches Oktett 803 mit
Liza Ferschtman (Foto) an der Geige.
Regensburg, verschiedene Spielorte, www.kammermusikfestival-regensburg.de
10. SEPTEMBER
BERLIN WALK TO WALK
Das Phänomen des Gehens als theatralisches
und musikalisches Element zu dekonstruieren,
ist das Ziel von Walk to Walk. Der Komponist
und Aktionskünstler Simon Steen-Andersen
(Foto) ließ sich dazu von den Arbeiten
Étienne-Jules Mareys anregen. Der französische
Physiologe war ein Pionier der Fotografie
und befasste sich intensiv mit der Chronofotografie, also dem
fotografischen Festhalten von Bewegungsabläufen. Seine Arbeiten, in
denen er die Bewegungen von Tieren, den Vogelflug, aber auch die
menschlichen Körperbewegungen zeigte, begeisterten bereits die
Künstler seiner Zeit. Mit dem Schlagzeug-Quartett Ensemble This |
Ensemble That schafft Steen-Andersen eine multimediale Performance
über Tempo und Bewegung.
Berlin, Staatsoper, 10. (Premiere), 13. und 15.9. sowie 20., 22., 24. und
26.6.2021, www.staatsoper-berlin.de
2. BIS 4. OKTOBER
BAMBERG, MÜNCHEN, FÜSSEN
11. ORFF-TAGE
Die menschliche Stimme ist ein einmaliges
Phänomen. Sie erlaubt es nicht nur, eine
Sprache zu formen, sondern ermöglicht auch
die Bildung und das Nachahmen von Geräuschen.
Carl Orff brachte dies in seinen
Vertonungen altgriechischer Vorlagen zum
Einsatz. Von der „Magie des Unverständlichen“
sprach er und verlangte von seinen Sängern ein Stampfen und Rattern
mit Zunge und Zähnen. Die Bayerische Philharmonie feiert den
125. Geburtstag von Carl Orff, und sie hat einen Stimmkünstler und
Mundakrobaten eingeladen, der diese Kunst, der Stimme Töne, Klänge
und Geräusche zu entlocken, auf beeindruckende Weise weiterentwickelt
hat: Robert Wolf. Unter dem Künstlernamen Robeat führt er
als „Human Beatbox“ bei den Orff-Tagen vor, welche Vielfalt an
Schlagzeugrhythmen und anderen elektronisch erzeugten Kratz- und
Schlaggeräuschen er mit Mund und Stimme nachahmen kann. Unter der
Leitung von Mark Mast, der auch die Moderation übernimmt, begibt
sich die Philharmonie mit ihm und einem effektvollen Programm in
verschiedenen Formationen – als Klavierduo, Percussion-Ensemble und
solistisch – auf Gastspielreise
Bamberg, Konzerthalle, 2.10., München, Gasteig, 3.10.,
Füssen, Festspielhaus, 4.10., www.bayerische-philharmonie.de
TICKETS AUF
Witterungen
2.– 9.10. 2020
40. Festspiel-Jubiläum Herbstliche Musiktage Bad Urach
Telefon 07125 156571, www.herbstliche-musiktage.de
14.10.2020 MÜNCHEN // PHILHARMONIE
VERLEGT AUF DEN 04.07.2021
16.10.2020 STUTTGART // LIEDERHALLE
VERLEGT AUF DEN 30.06.2021
18.10.2020 FREIBURG // KONZERTHAUS
NEUER TERMIN FOLGT IN KÜRZE
· 01806 - 777 111 * SOWIE AN DEN BEKANNTEN VORVERKAUFSSTELLEN
*(0,20 EUR/VERBINDUNG AUS DT. FESTNETZ / MAX. 0,60 EUR/VERBINDUNG AUS DT. MOBILFUNKNETZ)
ÖRTL. VERANSTALTER: WWW.GLOBALCONCERTS.DE
© Dario Acosta/DG / Gregor Hohenberg
51

E R L E B E N
7. OKTOBER
STUTTGART MARCO GOECKE
„Lieben Sie Gershwin?“, fragt der Choreograf
Marco Goecke in Anlehnung an Françoise
Sagans Brahms-Romantitel. Goecke gehört zu
den herausragenden Choreografen der
Gegenwart, die sich durch ein eigenes
Körperbild und einen individuellen Tanzstil
auszeichnen. Die ausdrucksstarken, raumgreifenden
Bewegungen, mit denen seine Tänzer ihre Arme um Kopf und
Oberkörper schwingen, kreisen, strecken und die schnellen trippelnden
Schrittfolgen geben seinen Arbeiten etwas Unverwechselbares. Für
seine neue Choreografie habe er etwas Leichtes gesucht, erläutert er in
einem Interview. „Musik, die wir alle kennen, Evergreens, die uns nahe
sind.“ So kam er auf George Gershwin, der Revuen und Schlager schrieb
und mit seiner Rhapsody in Blue den Jazz in den Konzertsaal holte. Nach
der Uraufführung begibt sich Goecke mit der Produktion auf Tournee.
Stuttgart, Theaterhaus, 7. (Premiere), 8., 9., 10. und 11.10.,
www.theaterhaus.com
13. SEPTEMBER
BONN STAATSTHEATER
70 verschiedene Handlungen in knapp 20
Minuten – Mauricio Kagel analysiert in seiner
szenischen Komposition Staatstheater die Oper,
das Repertoire, die Sänger auf der Bühne und
ihre Bewegungen. Diese werden bei Kagel zum
Zweck der Handlung selbst. Wie Kagel betont,
werden sie nicht ihres Inhalts entleert oder
parodiert, sondern sie werden zu einem Inhalt an sich. Kagel zeigt damit,
dass auch im klassischen Repertoire viele Handlungen sinnlos sind. „Die
Fahndung nach dem Effekt lastete immer so sehr auf den Komponisten,
dass sie die grotesken Situationen in Kauf nahmen, wenn damit eine
bestimmte harmonische Modulation sichtbar gemacht werden konnte“,
erklärt er. Die Uraufführung 1971 war spektakulär, und die Hamburger
Staatsoper musste unter Polizeischutz gestellt werden. Jetzt bringt die
Oper Bonn das kritische Werk auf die Bühne. Jürgen R. Weber (Foto)
besorgt die Inszenierung und Daniel Johannes Mayr steht am Pult.
Bonn, Oper, 13. (Premiere), 20. und 27.9. sowie 1.10., www.theater-bonn.de
19. September bis 10. Oktober, Usedom
Ein Schatz an Volksliedern
aus dem Norden
Auf einer alten Hardangerfiedel spielt Benedicte Maurseth norwegische
Volkslieder. Vertraut mit den Liedern, Tänzen und Spielweisen
der Vergangenheit, lässt sie diese Tradition in ihren Stücken
fortleben. Norwegen ist das Gastland des 27. Usedomer Musikfestivals.
Das Gjermund Larsen Trio lädt mit Fiedel, Truhenorgel
und Kontrabass zum Fest der Spielmannskunst. Und zum Sängerfest
kommt der Norwegische Solistenchor (Foto). Im Festkonzert
zum Tag der Deutschen Einheit mit dem Norwegischen Kammerorchester
1B1 steht Edvard Griegs Suite Aus Holbergs Zeit auf dem
Programm. Der romantische Künstler schöpfte aus dem reichen
Schatz der Volkslieder seines Landes, um „Wohnstätten für Menschen“
zu bauen, „in denen sie sich heimisch und glücklich fühlen“.
Seine Norwegischen Volksweisen lässt der Pianist Jan Brachmann
erklingen, während Frank Arnold aus Bjørnstjerne Bjørnsons
Erzählung Der Brautmarsch über eine Liebe auf dem Lande liest.
Und mit der Peer-Gynt-Suite, die Grieg zum Drama seines Landsmanns
Ibsen komponierte, begleitet das GrauSchumacher Piano
Duo die von Ulrich Noethen gelesenen Mythen und Märchen des
Nordens. Zum Abschluss des Festivals erinnert das NDR Elbphilharmonie
Orchester unter Alan Gilbert mit Harald Sæveruds
Ballade vom Aufstand an den vor 75 Jahren zu Ende gegangenen
Zweiten Weltkrieg. Sæverud schrieb die Ballade während des
Krieges, und bis heute stellt sie ein norwegisches Symbol des
Widerstands gegen die deutsche Besatzung dar.
Usedom, verschiedene Spielorte, www.usedomer-musikfestival.de
FOTO: BÅRD GUNDERSEN
31. OKTOBER
MÜNCHEN DIE VÖGEL
Walter Braunfels war kein Glück beschieden.
Der Musikwissenschaftler Kurt Pahlen nennt
ihn einen „Nachromantiker von hohem
Können, edlen Einfällen und nobler Haltung“.
Doch Braunfels’ Opern fanden nur verhaltene
Aufnahme, und der Nationalsozialismus trieb
ihn in ein langes Exil. Seine bekannteste Oper
waren Die Vögel. Braunfels selbst schrieb den Text nach Aristophanes’
gleichnamiger Komödie über die Suche nach einer besseren Welt
außerhalb der Welt in einer abgeschiedenen Vogelstadt. Er gestaltete
daraus ein „lyrisch-fantastisches Spiel mit einem Vorspiel und zwei
Aufzügen“. Frank Castorf setzt das Werk unter der musikalischen
Leitung von Ingo Metzmacher in Szene. Als Prometheus steht Wolfgang
Koch auf der Bühne. Hoffegut ist Charles Workman (Foto), die
weiteren Partien der Vögel übernehmen u. a. Günter Papendell, Emily
Pogorelc, Caroline Wettergreen und noch mal Charles Workman.
München, Nationaltheater, 31.10. (Premiere), 5., 8., 12., und 15.11. sowie
22.7.2021, www.staatsoper.de
18. OKTOBER
HALLE RELIKT EINER VERLORENEN
VERGANGENHEIT
Rimski-Korsakow bringt in seiner Oper Die
Legende von der unsichtbaren Stadt Kitesh zwei
Legenden zusammen. Die christlich-eschatologische
von der unsichtbaren Stadt Kitesh
verbindet er mit jener von Pjotr und Fewronija
aus Murom, die von der starken und den Tod
überdauernden Liebe zwischen dem Muromer
Fürsten Pjotr und der Bauerntochter Fewronija erzählt. So wird in
seiner Oper Fewronija, die im Wald die Tiere füttert und mit ihnen
spricht, vom Fürstensohn Wsewolod zur Braut genommen. Als die
Horde der Tataren einfällt, alle Bewohner tötet und Fewronija gefangen
nimmt, stirbt auch Wsewolod. Doch nach seinem Tod erscheint er
Fewronija, und sie geht mit ihm in das paradiesische Kitesh ein. Die
Idee des Werks wird vor dem Hintergrund pantheistischer Weltanschauung
deutlich. Das Musiktheaterkollektiv HAUEN UND STECHEN
wählt Rimski-Korsakows Oper als Ausgangspunkt seiner Performance.
2012 von den Opernregisseurinnen Franziska Kronfoth und Julia
Lwowski sowie dem Galeristen Thilo Mössner ins Leben gerufen,
arbeitet das Kollektiv an einer ästhetisch engagierten, expressiven
Musiktheatersprache. Mit Musik des zeitgenössischen Komponisten
Alexander Chernyshkov sucht es in Kitesh zu ergründen, was Geheimnis
und Glauben als Relikt einer verlorenen Vergangenheit noch
bewirken können. Das Publikum wird dabei einbezogen. Es ist einge-
52 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

FOTOS: CLARS SVANKJAER; CLEMENS HEIDRICH; MARCO BORGGREVE; FALKO SIEWERT; BAYERISCHE STAATSBIBLIOTHEK, BILDARCHIV; HENRIK JORDAN; KIRAN WEST; JÜRGEN R. WEBER; MATILDE FASSÒ; JAN WINDSZUS; JEANETTE BARK; GERHARD RICHTER;
ASTRID ACKERMANN; BAYERISCHE PHILHARMONIE; FALK WENZEL
laden, sich mit den Darstellern und Musikern auf die Reise zum
sagenhaften Kitesh und damit auch zu einer besseren Version der
eigenen Stadt zu bewegen. Regie führt Franziska Kronfoth. Die Rolle
der Fewronija übernimmt Anke Berndt (Foto), und die musikalische
Leitung liegt in den Händen von Peter Schedding.
Halle, Oper, 18. (Premiere), 24. und 30.10., www.buehnen-halle.de/
operspielplan
27. SEPTEMBER
BERLIN MODERN ART ENSEMBLE
Jolyon Brettingham-Smith nahm kurz vor
seinem plötzlichen Tod eine ironische und
stellenweise auch sarkastische Bearbeitung der
Goldberg-Variationen vor. Was ihm dabei vor
Augen stand, war die kuriose Entstehungslegende
des Werks. Nach einer vermutlich von
dem Musikhistoriker Johann Nikolaus Forkel
überlieferten Anekdote hat Bach seine „Aria mit verschiedenen
Veränderungen vors Clavicimbal“ für Hermann Carl Graf von Keyserlingk
komponiert. Der war damals russischer Gesandter am Dresdner
Hof und wollte, dass sein Cembalist Johann Gottlieb Goldberg, ihm des
Nachts daraus vorspiele. Die Stücke sollten „sanften und etwas
muntern Charakters“ sein, um ihn in seinen schlaflosen Nächten ein
wenig aufzuheitern. Diese skurrile Situation brachte Brettingham-Smith
im Vor- und Nachspiel sowie in den Zwischenspielen seiner Bearbeitung
zum Ausdruck: Da bestellt ein russischer Graf einen 13-jährigen Klavier
spielenden Knaben, um sich in den Schlaf klimpern zu lassen – und das
mit einer der kunstvollsten und komplexesten Kompositionen der
abendländischen Musik. An der Uraufführung in Baden-Baden 2008
konnte Brettingham-Smith nicht mehr mitwirken. Er starb während der
Probenphase. Das Modern Art Ensemble, das die Aufführung damals
allein bestritt, widmet sich dem Werk nun erneut.
Berlin, Konzerthaus, www.konzerthaus.de
6. September
Hamburg Ghost Light
Die Corona-Pandemie fordert Abstand. Der Choreograf John Neumeier greift das Abstandsgebot auf und nimmt es als Grundlage einer
Struktur für einen Ballettabend. Ghost Light, das alle 60 Tänzer der Compagnie Hamburg Ballett einbezieht, ist ein Ensemble-Ballett in
Fragmenten. Der Titel knüpft an das Bühnenlicht an, das nach Proben oder Aufführungen die Nacht über brennt, um die in den Theatern
wohnenden Geister zu besänftigen. Das musikalische Gerüst liefert Schuberts Solo-Klaviermusik.
Hamburg, Staatsoper, 6. (Premiere), 9., 14., 17., 18. und 19.9., www.hamburgballett.de
25. UND 27. SEPTEMBER
HANNOVER TEUFELS KÜCHE
Mit Teufels Küche hat Moritz Eggert eine
Küchenoper geschrieben. Ein Teufel, ausdrucksstark
verkörpert von dem Schauspieler
Tiago Alexandre Fonseca, und drei Musiker
kochen gemeinsam. Natürlich müssen die
Kochgeräte ebenfalls als Instrumente herhalten.
Da gibt es die Topforgel und anderes singendes
und klingendes Geschirr. „Das Ganze ist vom Charakter her sicherlich
eher fröhlich und skurril“, erläutert Eggert sein Werk, „also geeignet
für die ganze Familie.“ Musikalisch geleitet wird die Aufführung, die
völlig ohne Text auskommt, von Maxim Böckelmann. In Szene setzt den
Klamauk Julia Huebner.
Hannover, Staatsoper, www.staatstheater-hannover.de
ORFF MEETS BEATBOX
»125 JAHRE CARL ORFF«
11. Orff-Tage der Bayerischen Philharmonie
2. Oktober 2020 Bamberg 19.00 Uhr
3. Oktober 2020 München 20.00 Uhr
4. Oktober 2020 Füssen 17.00 Uhr
Robeat Beatbox-Europameister
Solisten & Musiker der Bayerischen Philharmonie
Mark Mast Leitung und Moderation
www.bayerische-philharmonie.de
Tickets: info@bayerische-philharmonie.de | Bamberg: www.bvd-ticket.de, www.reservix.de
München: www.muenchenticket.de | Füssen: www.eventim.de
FOTO: KIRAN WEST
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Ioan-Holender-Kolumne
ZURÜCK – WOHIN
UND WANN?
Niemand auf unserer kleiner gewordenen Welt will,
dass es so bleibt, wie es ist, und keiner möchte, dass
es noch schlechter wird, als es ist. Die Lage verschlimmert
sich weltweit von einem Tag auf den anderen.
Wir haben alle verstanden, dass wir nicht mehr tun können,
als die Maske zu tragen, Abstand zu halten und regelmäßig
die Hände zu waschen.
Wir leben in einer Art Fatalismus und erwarten die
Erlösung. Wir – das sind jene, die durch Kunst und Kultur im
umfangreichsten Sinn dieses Begriffes tätig sind – haben
verstanden, dass für die bestimmende politische Macht
Kunst- und Kulturausübende auf der untersten Treppenstufe
der wirtschaftlichen Einrichtungen stehen und dementsprechend
auch behandelt werden.
Theater im weitesten Sinne ist gegenseitige Kommunikation
zwischen wenigen – den Künstlern – und vielen – dem
Publikum. So wurde Theater in der attischen Demokratie
geboren, und so ist es bis in unsere Tage geblieben. Theatergebäude
und Konzertsäle sind für ein möglichst volles
Auditorium gebaut.
Wenn der Zuschauerraum nur spärlich besetzt ist, schadet
dies der Akustik beziehungsweise der Hörbarkeit von
beiden Seiten, die Wiedergabe von Dargebotenem wird
verschlechtert. Wenn das Agieren auf der Bühne und das
gemeinsame Musizieren durch Abstandsregeln geleitet
werden, wird das ganze Spektakel unglaubwürdig und
eher kurios als künstlerisch überzeugend. Das Mögliche
ermöglichen.
Vieles wird anders sein, wenn es möglich wird, dass alles
wieder ist, wie es war, respektive wie wir es gewohnt waren.
Doch ganz so wird es auf nahezu allen Lebensgebieten nicht
mehr werden, und das ist zum Großteil auch gut so. Doch
die Grundform des Theaters, die Wiedergabeform des kostbarst
erworbenen Gutes – Musik genannt – kann, soll und
wird sich nicht ändern.
Wir versuchen in diesen unsicheren und global noch nie
dagewesenen Zeiten vieles, um die Existenz von Kunst und
Kultur und deren Vertreter vernehmbar werden zu lassen.
Aber ersetzen können wir damit nicht das, was Theater,
Oper und Konzert war und hoffentlich wieder sein wird. Ich
bin kein Optimist und auch kein Pessimist. Doch bin ich
Possibilist, und das Possible soll doch immer möglich sein.
„kulTOUR mit Holender“ auf
ServusTV Deutschland:
11.9., 23 Uhr: Kairo – Musik und Kultur am Nil
18.9., 23 Uhr: Das Operetten-Genie Franz Lehár
9. SEPTEMBER
BERLIN MUSIKFEST
Der Kontrabass mit seinen tiefen pulsierenden
Klängen, seinen perkussiven Möglichkeiten,
seiner Körperlichkeit und seiner Zerbrechlichkeit
im zarten, expressiven Oberbereich,
zu dem er die Antithese seiner Schattenwelt
bietet, inspirierte Rebecca Saunders (Foto) zu
ihrer Komposition Fury II für Kontrabass solo
und Ensemble. Damit stellt Saunders ihr originales Solostück Fury in
einen neuen Rahmen. Die Klangfarben von Akkordeon, Klavier, Bassklarinette,
Cello und Perkussion vermengen sich mit der Solostimme
und schaffen eine einzige Klangpalette. Das Ensemble Musikfa brik, mit
dem Saunders, die 2019 mit dem Ernst von Siemens Musikpreis
ausgezeichnet wurde, eine lange Zusammenarbeit verbindet, widmet
sich im Rahmen des Musikfests Berlin ihrem Werk.
Berlin, Philharmonie, www.berlinerfestspiele.de
26. UND 27. SEPTEMBER
MÜNCHEN MUSICA VIVA
„Die Bedeutung der ‚musica viva‘ im kulturellen
Leben der 800 Jahre alten Stadt München ist in
der ganzen Welt bekannt“, schrieb Igor
Strawinsky 1958. Bereits im Herbst begann der
Komponist Karl Amadeus Hartmann inmitten
von Ruinen mit jener Konzertreihe, die ab 1947
in Anlehnung an die von Hermann Scherchen
herausgegebene Zeitschrift den Namen „musica viva“ tragen sollte. Mit
ungeheurer Begeisterung versuchte Hartmann, dem Publikum die Musik
nahezubringen, die es zwölf Jahre lang nicht hatte hören können. Und
die Besucher dankten es ihm. Zu Fuß kamen sie in die Konzerte und
brachten Briketts als Eintritt mit. Hartmann entwarf ein Programmkonzept,
das die „musica viva“ zur erfolgreichsten Reihe für Neue
Musik werden ließ. In dieser Saison jährt sich die Gründung der Reihe
zum 75. Mal. Zum Saisonauftakt steht Wolfgang Rihm auf dem
Programm. Die Bratschistin Tabea Zimmermann und der Bariton
Christian Gerhaher sind die Solisten in seinem Stabat Mater, und Franck
Ollu leitet das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks bei der
Aufführung des Orchesterstücks Jagden und Formen.
München, Prinzregententheater, www.br-musica-viva.de
24. SEPTEMBER
HELLERAU SCHLACHTHOF 5
„Hört: Billy Pilgrim hat sich von der Zeit
losgelöst.“ Kurt Vonneguts 1969 erschienener
Roman Schlachthof 5 oder Der Kinderkreuzzug,
dessen Hauptfigur ständig kreuz und quer von
einer Situation in die andere springt, ist
Ausdruck eines traumatischen Erlebens, ein
Bericht über die Zerstörung Dresdens und eine
Auseinandersetzung mit dem Vietnamkrieg sowie eine Parodie auf den
„American Way of Life“. Vor allem aber ist er ein Antikriegsbuch.
Vonnegut, der die Bombardierung Dresdens als Kriegsgefangener,
versteckt im Keller von Schlachthof 5, überlebte, entwirft darin ein
barockes und tief pessimistisches Panorama vom Lauf der Welt. Der
Regisseur Maxim Didenko erarbeitet mit dem Textdichter Johannes
Kirsten eine neue Bühnenfassung des Kultbuchs und sucht damit nach
Möglichkeiten eines gegenwärtigen Blicks auf den Text, die hiesige
Gedenkkultur und den „Mythos Dresden“. Konzipiert als multimediales
Musiktheaterprojekt an der Schnittstelle von Theater, Tanz, Musik und
Performance, arbeitet Didenko für seine Umsetzung mit dem Choreografen
Vladimir Varnava zusammen. Die Musik komponiert Vladimir
Rannev, und das Ensemble AuditivVokal Dresden (Foto) bringt sie unter
der Leitung von Olaf Kratzer szenisch zur Aufführung. Für die räumliche
Realisierung des Projekts greift der Lichtkünstler AJ Weissbard auf das
Naturlichtkonzept aus den Gründerjahren des Festspielhauses zurück.
Hellerau, Europäisches Zentrum der Künste, 24. (Premiere), 25., 26. und
27.9., www.hellerau.org
54 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

FOTOS: CLARS SVANKJAER; CLEMENS HEIDRICH; MARCO BORGGREVE; FALKO SIEWERT; BAYERISCHE STAATSBIBLIOTHEK, BILDARCHIV; HENRIK JORDAN; KIRAN WEST; JÜRGEN R. WEBER; MATILDE FASSÒ; JAN WINDSZUS; JEANETTE BARK; GERHARD RICHTER;
ASTRID ACKERMANN; BAYERISCHE PHILHARMONIE
11. UND 12. SEPTEMBER
WEIMAR NOVOFLOT
Bis 7. März 2021, Salzburg
Musikalische Blütezeit am Salzburger Fürstenhof
Blick in die
Ausstellung im
DomQuartier
Salzburg
Mit der Gegenreformation brach für das Erzbistum Salzburg eine
glanzvolle Epoche an. Wolf Dietrich von Raitenau, der 1587 als Erzbischof
sein Amt antrat, hatte große Pläne mit der Stadt. Eine Brandkatastrophe,
die 1589 einen großen Teil der Altstadt und den romanischen
Dom vernichtete, ebnete seinem gigantischen Bauvorhaben
den Weg und schuf Raum für die neue „geistliche Stadt“, die er schaffen
wollte. Ähnlich wie St. Peter in Rom, nur größer, sollte ein strahlend
heller Dom entstehen. Darüber hinaus plante er einen Neubau der
Residenz sowie Erweiterungsbauten des Bischofshofes und die Errichtung
des Hofstallgebäudes, das heute als Festspielhaus dient. Prachtvoll
wie die Bauwerke, so entfaltete sich auch das Leben am Hof. Mit
seiner Neugestaltung der „hochfürstlichen Musica“ legte Wolf Dietrich
die Weichen für eine lang anhaltende musikalische Blütezeit.
Bedeutende Musiker wie Stefano Bernardi, Heinrich Ignaz Franz Biber
Was die Oper heute auszeichne, widerspreche
dem Ziel ihres Erfinders, lautet die These der
Opernkompanie Novoflot. Dieser habe nämlich
eine Wiederbelebung antiker Ideale im Blick
gehabt. Vor dem Hintergrund dieser These
blickt Novoflot in einer auf drei Jahre angelegten
Trilogie „Die Oper #1 – #3“ zurück auf die
Geburtsstunde der Oper und ruft einen Neustart des Genres Oper
aus. Ausgehend vom Werk des Gründervaters der Oper, Claudio
Monteverdi, setzt die Kompanie sich mit der Frage auseinander, welche
anderen Entwicklungen die Gattung hätte nehmen können, wenn nicht
nur die drei bekannten, sondern noch weitere von Monteverdis
Werken aufgetaucht wären. Orfeo war der erste Teil der Trilogie
gewidmet. Der Krönung der Poppea gilt der zweite Teil. Novoflot
erforscht das Werk in einem Rundgang durch das Deutsche Nationaltheater
und folgt Hinweisen auf Fragmente bisher unentdeckter
Monteverdi-Opern.
Weimar, Nationaltheater, www.nationaltheater-weimar.de
und Georg Muffat wirkten am Hof. Im 18. Jahrhundert folgten Michael
Haydn und Wolfgang Amadeus Mozart. Alle musikalischen Gattungen
wurden gepflegt, geistliche Werke waren ebenso verlangt wie weltliche.
Die Musikausstellung „Überall Musik! Der Salzburger Fürstenhof
– ein Zentrum europäischer Musiktradition“ in den Prunkräumen der
Residenz widmet sich dieser musikalischen Tradition. Sie lädt an den
historischen Schauplätzen wie dem Carabinierisaal, dem Thronsaal,
dem Rittersaal oder dem Weißen Saal zu einer sinnlichen Erkundungsreise
in die Zeit der Fürstbischöfe und ihrer Hofkomponisten und
lässt die prunkvollen Feste und Musikdarbietungen noch einmal aufleuchten.
In einem musikalischen Rahmenprogramm, das auf die Themen
der Ausstellung abgestimmt ist, erklingen Werke von Biber,
Monteverdi, Muffat und Mozart.
Salzburg, DomQuartier, www.domquartier.at
30. SEPTEMBER
BERLIN PIERROT LUNAIRE
Samuel Beckett und Arnold Schönberg –
Barrie Kosky (Foto) bringt die beiden zusammen.
Die unterschiedlich breit ausgesponnenen,
manchmal auch nur flüchtig vorbeihuschenden
Melodramen, die Schönberg nach
dem Gedichtzyklus Pierrot Lunaire von Albert
Giraud komponierte, verbindet er mit den
minimalistischen Monologen Becketts. Gefangen in den Trümmern ihrer
gebrochenen Sprache, artikulieren Becketts Figuren gerissene Bilder
der Erinnerung. Nicht Ich und Rockaby sind Ausdruck verzweifelter
Lebensgeschichten. Rockaby, dessen Titel auf ein Kinderlied anspielt,
zeigt das Sterben einer Frau im Schaukelstuhl ihrer verstorbenen
Mutter. Mit monotoner Stimme, die losgelöst ist von ihr, erzählt diese
in rhythmischen Satzfragmenten und Wiederholungen aus ihrer
Vergangenheit. Christoph Breidler übernimmt die musikalische Leitung
des Abends. Die Solistin ist Dagmar Manzel.
Berlin, Komische Oper, 30.9. (Premiere), 5., 11., 13. und 30.10. sowie 6.11.,
www.komische-oper.de
FOTO: WIDRICH
55

K O M M E N T A R
Der Axel-Brüggemann-Kommentar
ALLES WIRD ANDERS?
IST DOCH NICHT SCHLIMM!
Unser Kolumnist Axel Brüggemann sammelt erste Beobachtungen
aus der Corona-Krise und ordnet sie für neue Visionen.
Nichts wird sein, wie es einmal war? Diesen Satz haben wir oft gehört
in den letzten Wochen und Monaten. Sicher ist: Corona verändert die
Welt, und damit auch die Kultur: Vieles, was bereits krank war, wird
jetzt als solches sichtbar. Wir sammeln Erfahrungen, die uns helfen
könnten, wenn die öffentlichen Haushalte noch enger geschnürt werden
müssen als heute. Aber wer sagt, dass alles schlechter werden muss?
Die vielleicht größte Erkenntnis in Corona-Zeiten ist, dass wir
uns etwas vorgemacht haben, als wir glaubten, die Systemrelevanz
der Musik sei offensichtlich. Dass
Musik für jeden als Säule der westlich-zivilisierten
Gesellschaft gilt,
als geistiges Zentrum im Land der
Dichter und Denker, von Bach,
Beethoven und Brahms. Von
wegen! Die Kultur, besonders die
Musik, rangierten in der öffentlichen
Wahrnehmung am Ende der
Aufmerksamkeitsspirale. Diese
schonungslose Wahrheit muss Grundlage einer Bestandsaufnahme
sein: Das hochsubventionierte System der Klassik hat sich in den
letzten Jahren oft selbst überschätzt und seine Relevanz und Bedeutung
für Publikum und Gesellschaft falsch eingeschätzt.
Trotz aller Verweise auf den erheblichen Wirtschaftsfaktor der
Kultur und ihre moralische Bedeutung für eine Gemeinschaft werden
Künstler, Häuser und Ensembles in der Krise weitgehend allein gelassen,
und in einschlägigen Kommentaren unter Feuilletonartikeln
verstört uns die öffentliche Wut auf Kultur: „Die Schmarotzer leben
eh nur auf unsere Kosten!“ Aber diese Wut scheint ein neues gesellschaftliches
Grundrauschen zu sein. Der Tenor: „Die Kultur-Fuzzis
da oben, was wissen die schon von unseren Problemen – die sollen
erst einmal richtig arbeiten!“
Laut einer Umfrage der Tageszeitung Die Welt von 2014 haben
20 Prozent der Befragten noch nie eine Klassikveranstaltung besucht.
EIN HAUS, DAS KRAMPFHAFT VERSUCHT,
MIT MUSICALPRODUKTIONEN UMSÄTZE ZU
GENERIEREN, IST EIN AFFRONT GEGEN DIE
SUBVENTIONSKULTUR
In Der Kulturinfarkt aber, einer Polemik über den Kulturbetrieb, heißt
es, 80 Prozent hielten es für richtig, Orchester und Opernhäuser
staatlich zu subventionieren. Ich bin sicher, wir sind in diesen Tagen
weit entfernt von solchen Zahlen. Anders gesagt: Wir müssen Musik
wieder in die Mitte unserer Gesellschaft stellen, als identifikatorische
Selbstverständlichkeit und als eine ihrer prägenden Kunstformen.
Wie dreht ein Sopran eine Glühbirne ein? – Sie hält die Glühbirne
in die Halterung und wartet, bis sich die Welt um sie dreht.
Zugegeben, das ist ein abgedroschener
Witz, der auch für Dirigenten,
Tenöre, Baritone, Chorsänger
oder Musikjournalisten
gelten könnte. Musik ist eine Kunst
der Leidenschaft. Vielleicht
braucht sie Menschen, die kompromisslos
und bedingungslos –
ohne Rücksicht auf alles andere –
für die Musik leben. Das Problem
ist, dass ein breiter Teil der Bevölkerung an diesen Eitelkeiten nicht
mehr teilnimmt, sie nicht mehr versteht – und sie auch nicht will!
Der Streit zwischen Herbert von Karajan und den Berliner Philharmonikern,
der Lebenswandel von Maria Callas – das waren Themen,
die mitten in der Gesellschaft standen, warum auch immer.
Heute ist das anders: Ich bin sicher, dass Namen wie Christian Thielemann,
Franz Welser-Möst, Piotr Beczała und selbst Anna Netrebko
in der Fußgängerzone keine Rolle mehr spielen. Das liegt auch daran,
dass sie keine Rolle in gesellschaftlich relevanten Debatten spielen,
dass sie kaum sichtbar werden, wenn es um die Planung einer Stadt,
um die Rolle von Musik, um Orte der Begegnung geht.
Stattdessen findet in der Klassik oft ein inzestuöser Streit um
Kleinigkeiten statt! Statt ästhetische Debatten zu führen oder über ihre
Rolle in der Gesellschaft zu streiten, ficht die Klassikszene Zickenkriege
und Eitelkeiten oder verbitterte Verteilungskämpfe aus. Das interessiert
ZEICHNUNG: STEFAN STEITZ
56 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

da draußen niemanden. Aber das „da draußen“ muss zurückgewonnen
werden.
Nach außen hat die Welt der Klassik in den letzten Jahren hauptsächlich
für Negativschlagzeilen gesorgt. Ausgerechnet die Kunst, die
sich dem Humanismus verschrieben hat, ist eines der inhumansten
Systeme überhaupt geworden. Wie kann es sein, dass tyrannisches
Verhalten, verbale Erniedrigung von Musikern durch Dirigenten,
Übergriffe von Regisseuren und diktatorische Machausübung von
Intendanten in der Klassik geduldet werden? Dass vor lauter Starkult
kein Wort über derartige Missstände verloren wird? Wie kann es sein,
dass ausgerechnet in der Klassik #MeToo zu einem so großen Thema
geworden ist? James Levine, Gustav Kuhn, Siegfried Mauser, selbst
Plácido Domingo. Die lange Liste von Übergriffen
ist auch Zeichen für die Abgehobenheit
und Weltfremdheit des musikalischen
Betriebs. Und das System bestätigt sich in
seiner Falschheit dauernd selbst. Junge
Musiker akzeptieren aus Angst die alten
Regeln, und die Klassikfreaks verbuchen
Fehlverhalten als Kavaliersdelikt.
Erst wenn auch in der Musik selbstverständlich
ist, was in jedem Unternehmen
selbstverständlich sein sollte, kann sie wieder
auf ihre Position in der Öffentlichkeit
pochen: Sicherheit vor sexuellen Übergriffen, garantierte Diversität
und Warnsysteme gegen despotische Chefs. Nur so ist Musik als
moralischer Ort glaubhaft.
Natürlich muss die Musikszene darauf hoffen, dass der Staat sie
durch Subventionen am Leben erhält. Dafür muss sie sich aber auch
unangenehme Fragen gefallen lassen. Die wichtigste ist, warum ein
staatlich subventioniertes System weitgehend unkontrolliert erscheint
und die oben beschriebenen Exzesse erlaubt. Wie kann man einer
Öffentlichkeit, die nicht in die Oper oder ins Konzert geht, erklären,
dass mit den Subventionen viel zu hohe Mega-Gagen und Hungerlöhne
gleichermaßen finanziert werden? Konkret: dass ein Dirigent
20.000 Euro Abendgage kassiert, gleichzeitig die Soubrette am Stadttheater
aber nicht einmal 2.000 Euro pro Monat verdient? Niemand
versteht, warum ein derartiges System staatlich subventioniert wird.
In Zeiten von Corona haben wir gelernt, dass Verträge an staatlichen
Häusern vollkommen unberechenbar sind: Warum bekamen festangestellte
Musiker 70 Prozent Kurzarbeitergeld, einige Freie aber
null Prozent ihrer Vertragssumme? Ist Vertrag nicht Vertrag? Wenn
in der Post-Corona-Zeit die Staatsfinanzen knapp werden, wird die
Kultur ein wesentlicher Sparfaktor sein. Da wäre es gut, eine Legitimation
des eigenen Schaffens zu haben, aber auch ein Gehaltssystem,
das nachvollziehbar ist.
Was das deutsche Stadttheater-System einmalig gemacht hat,
waren nicht nur großartige Aufführungen, sondern die Struktur der
Künstlerförderung und das Bekenntnis von Städten, sich mit dem
Theater ein „intellektuelles Atomkraftwerk“ zu leisten, das frei denken,
ausufernd inszenieren, jegliche Grenze einreißen durfte, um die Stimmung
innerhalb einer Stadt zu beflügeln. Das geht nur mit kreativen
Künstlern, die der Stadt verbunden sind, mit Ensembles, die Musik
als Soundtrack einer Stadt verankern. Ich kenne das aus meiner
Jugend in Bremen: Werder-Trainer Otto Rehagel war auf einem Plakat
im Smoking, Intendant Klaus Pierwoß im Werder-Trikot zu sehen.
Botschaft: Fußball und Theater sind gleich wichtig für die Region!
Subventionen für ein Theater sollten riskante Experimente unterstützen,
ohne auf Auslastungszahlen zu schielen. Ein Haus, das versucht,
mit Musicalproduktionen politisch vorgegebene Umsätze zu
generieren, ist nicht nur eine unfaire Konkurrenz zu privaten Musicaltheatern,
sondern auch ein Affront gegen die Subventionskultur.
So schön es ist, dass Orchester in Schulen gehen sollen – man
darf ihnen nicht den kompletten musikalischen Bildungsauftrag überschreiben.
Wenn die Politik es nicht schafft, diesen zu erfüllen,
DIE KULTUR-FUZZIS
DA OBEN
SOLLEN ERST EINMAL
RICHTIG ARBEITEN!
braucht sie gar nicht daran zu denken, staatliche Theater zu subventionieren
– denn deren Publikum wird in der Regel in der Schulzeit
begeistert. Intendanten und Künstler müssen ihre Rolle in der Region
wieder neu entdecken: Sie sind die subventionierten Freigeister einer
Stadt! In Corona-Zeiten hat sich die Spreu vom Weizen getrennt.
Während manche Theater sofort in Kurzarbeit gegangen und die
Saison beendet haben, spielten andere leidenschaftlich an den Grenzen
dessen, was möglich war, und haben Standards für das Verhalten
in Zeiten der Pandemie definiert. Die Botschaft der Kultur: Die Musik
spielt, selbst wenn die Titanic sinkt!
In der Corona-Krise wurde deutlich, dass überregionale Tageszeitungen
und die Hauptprogramme des öffentlich-rechtlichen Rundfunks
dem kulturellen Überlebenskampf
weitgehend macht- und energielos zuschauten.
Arte hat immerhin Daniel Hope täglich
als Musiker in die Wohnzimmer gebracht,
der ORF die Festspiele begleitet und großen
Künstlern Auftrittsmöglichkeiten gegeben.
Ansonsten: weitgehend Funkstille. Derweil
haben Musiker sich selbst als Medium entdeckt
und begonnen, aus ihren Wohnzimmern
zu streamen. Niemand war so erfolgreich
wie Pianist Igor Levit, der – ob man
ihn mag oder nicht – inzwischen mit seinen
Social-Media-Profilen als ernsthaftes Medium, wirkmächtiger als das
alte Fernsehen, verstanden werden muss. Die wichtige neue Debatte
wurde noch nicht zu Ende geführt: Leisten kostenlose Streams der
Entwertung der Musik Vorschub? Wer soll die Musik bezahlen? Die
neue Rolle von Künstlerseiten, Blogs und alternativen Anbietern ist
spannend: Streams mit ernster Musik (Die Walküre) aus dem Planschbeckengarten
des Sängerehepaars Vinke erreichten weit über 100.000
Zuschauer – mehr als mancher Nischensender. Offen auch, wie Streamingdienste
sich in Zukunft sortieren: Werden sie neue Geschäftsmodelle
finden, wird es einen großen Player geben, oder werden alle
Orchester und Theater egoistisch weiterwursteln?
Sicher ist, dass Medien schon lange nicht mehr auf Kunstkritik
reduziert werden können – sie müssen als Plattform der Musik fungieren,
die Debatten bündelt, Geschichten entwickelt, Konzepte
erarbeitet, die Musik wieder in den öffentlichen Diskurs stellt, egal,
ob in Zeitungen und Zeitschriften, in sozialen Medien oder in Streams.
Dabei müssen sie kritisch werden, nicht nur was die Qualität der
Aufführungen betrifft, sondern auch gegenüber den Problemen des
Systems.
Schockiert sind viele Künstler besonders über die Politik. Da
waren die sich sonst im Scheinwerferlicht der Musik sonnenden
Politiker, die nun heillos überfordert schienen. Viele Künstler und
Kulturinstitutionen fühlen sich im Stich gelassen. Tatsächlich ist es
erschütternd, wie Monika Grütters durch die Krise taumelt. Meist:
in Deckung! Kulturpolitik scheint tatsächlich an Relevanz verloren
zu haben. Dabei ist ein System, das auf Subventionen angewiesen ist
– und das ist die Klassik –, auch auf kluge Kulturpolitik im Bund und
in den Ländern angewiesen. Aber auch ohne Corona schien die
Kulturpolitik schon länger über ihre eigene Unwissenheit und ihre
Angst zu stolpern. Berlins Kultursenator Klaus Lederer hat in Sachen
Staatsoper viel zu zögerlich reagiert, in Karlsruhe schaut man derweil
zu, wie ein ganzes Theater gegen den Intendanten aufbegehrt. Und
außerhalb der Kulturszene scheint dieser Seitenstrang der Politik
niemanden zu interessieren.
Es ist wesentlich, dass Politiker allgemeingültig Formen von
Benehmen und Anstand auch im Raum der Kultur durchsetzen. Gleichzeitig
muss Kulturpolitik auch Lobby für die Kultur sein und die Bedeutung
von Orchestern und Theatern nicht nur in Sonntagsreden formulieren,
sondern sie sichtbar machen: durch kluge Personalpolitik,
ausreichende Ausstattung der Häuser und in anstehenden Zeiten
dramatischer Kürzungen auch durch den Kampf um jeden Euro. ■
57

E R L E B E N
Bilder legendärer
Theater- und
Musikmomente sind
Teil der Ausstellung
„Großes
Welttheater“. Hier
Anna Netrebko als
Violetta in
La Traviata, 2005
FOTO: SALZBURGER FESTSPIELE
100 JAHRE
SALZBURGER FESTSPIELE
Was für eine Ansage! Und der erfreulichste Grund, sich den Kopf zu zerbrechen, worüber
sich der Jubilar freuen würde. Und nicht nur der! Hier ein paar der schönsten Ideen ...
VON BARBARA SCHULZ
Eine signalrote Würfel-Box „100 Jahre Salzburger Festspiele“ ist
schon mal ein spetakulärer Hingucker auf dem Geburtstagstisch.
Und schon beim Überfliegen dieser Retrospektive auf 58 CDs
kommt man begrifflich kaum am Klischee vorbei: Juwelen sind es,
Sternstunden, und allesamt legen sie Zeugnis ab von Momenten,
die legendär waren, einzigartig und vollendet. Manche von ihnen
fast schon unwirklich und entrückt.
Außerdem sei erwähnt, dass das beiliegende Booklet interessant
und auch ausgesprochen amüsant zu lesen ist. Was den Würfel
aber so magisch macht, das sind Preziosen wie ein Don Giovanni
unter Karl Böhm aus dem Jahr 1977, Mahlers Achte unter Bernstein,
Karajans Tristan und Isolde, Barenboims Onegin … Nicht weniger
hochkarätig die Sänger: La Traviata unter Rizzi mit Netrebko, Villazón
und Hampson, Christa Ludwig im Rosenkavalier, Brigitte
Fassbaender in Così fan tutte … Sprichwörtlich die große Oper
außerdem mit Peter Schreier, Hermann Prey, Jessye Norman, Fritz
Wunderlich, Sena Jurinac, Leontyne Price und vielen Großen mehr.
Konzerte unter Solti, Bernstein, Boulez, Abbado, Muti, Levine, am
Flügel Brendel, Argerich, Sokolov – und immer und überall die
Wiener Philharmoniker.
Natürlich war ein kulturelles Spektakel wie die Salzburger
Festspiele eine spannende Aufforderung zur geistigen Auseinandersetzung,
vor allem in deren Reibung moderner Visionen und traditioneller
Werte. Und so warf sich der 2014
verstorbene Salzburger Universitätsprofessor
Michael Fischer geradezu lustvoll in die Herausforderung,
die jeweiligen Neuinszenierungen
werkübergreifend zu analysieren und
sich ihnen mit der ihm eigenen Dialektik
anzunähern. Daraus geboren wurde 1993 –
CD-BOX/BÜCHER/AUSSTELLUNG
100 Jahre Salzburger Festspiele
„100 Jahre Salzburger Festspiele“ (DG),
„Festspiel-Dialoge“ (Verlag Anton Pustet),
Landesausstellung im Salzburg Museum,
„Großes Welttheater“ (Residenz Verlag)
gemeinsam mit dem damaligen Festspiel-Intendanten Gerard Mortier
– die Idee der Festspiel-Dialoge.
Seit 1994 waren diese Beiträge zahlreicher Persönlichkeiten
aus Kunst, Philosophie, Literatur und Wissenschaft nicht nur vom
Publikum begeistert geschätzte Diskussionsgrundlagen, sondern
sie wurden „auf bestimmte Weise das Gewissen der Festspiele“
(Gerard Mortier) und sind damit der schönste Beweis, dass die
Festspiel besucher mehr wollen als Glamour, große Namen und
spannende Aufführungen. Ein 550 Seiten starker Dokumentationsband
versammelt Beiträge aus 21 Jahren Festspiel-Dialogen.
Das Salzburg Museum in der Neuen Residenz in Salzburg
zeigt noch bis 31. Oktober 2021 die so informative wie lebendige
und ausgesprochen unterhaltsame Landesausstellung „Großes
Welttheater – 100 Jahre Salzburger Festspiele“. Ganz im Sinne des
Gründers Max Reinhardt wurde das Mammutprojekt auf engen
Austausch mit dem Publikum konzipiert. Als Hommage an den
Regisseur hat der ORF eine spannende Dokumentation über 100
Jahre Festspielgeschichte produziert. Schließlich wird auch die
Kunsthalle zur Bühne: Neben einem abwechslungsreichen Live-
Programm kommen spektakuläre Festspielproduktionen in einer
filmischen Installation zur Vorführung. Noch ein Gustostückerl,
wie der Österreicher sagt: In der prächtigen Max-Gandolph-Bibliothek
werden bedeutende Dokumente, Klänge, Bilder, Geschichten
gezeigt und gelesen – so fügt sich wie ein
Puzzle zusammen, was die Salzburger Festspiele
zum bedeutendsten Festival für klassische
Musik und darstellende Kunst werden
ließ. Und mehr als nebenbei gesagt: Der
Katalog zur Ausstellung ist für jeden Festspiel-Liebhaber
ein hinreißendes Muss! n
58 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

SCHWERPUNKT
HAPPY BIRTHDAY, CARL ORFF!
125 Jahre und kein bisschen greise: Lebenslinien eines so umtriebigen wie vielseitigen Urmusikers (Seite 60)
... und kein bisschen leise: Bis heute findet Orffs Musik in Comics, Filmen und Dokus statt (Seite 64)
... und ja, auch ziemlich weise: Der Komponist war ganz nebenbei auch ganzheitlicher Musiker (Seite 68)
Let’s Carl the Whole Thing Orff ...
VON STEFAN SELL
Orff, Orff, überall Orff!
Gefeilt
„Ich fand eine Musik, die mir
so vertraut war, als hätte ich sie
längst gekannt, als hätte ich sie
nur wiedergefunden. Es war eine
innere Übereinstimmung.“ So
machte Orff aus Monteverdis
Orfeo einen Orffeo. Dreimal überarbeitete
er Monteverdis
erste Oper und führte sie so in
ein neues Orffsches Klangbild.
Der Gitarrist und Lautenist Heinz
Bischoff machte Orff mit dem
Lautenspiel vertraut. So entdeckte
Orff die Musik des mittelalterlichen
Lautenspielers Hans Neusidler aus
Neusiedl am See, machte aus dessen
Stück Gassenhauer einen Gassenhauer
(siehe Seite 65, „Badlands“)
für Kastagnetten,
kleine Trommel,
Xylofon, Schellentrommel
und Pauken.
William Byrd ließ im Bass seines
Virginalstücks The Bells zwei
Glocken pendeln, als zeitgleich
im Markusdom von Venedig vier
Chöre sangen. Orff verknüpfte
beides und schuf aus den Bells
das fünfchörige Orchesterwerk
Entrata, 1930 mittels Großlautsprecher
uraufgeführt auf dem
Königsberger Messegelände.
Gewitzt
Die staccatohafte Artikulation des
lateinischen Fortuna-Textes lädt
zu „misheard lyrics“ ein. In einer
Parodie wird aus „semper crescis“
schlicht „some men like cheese“,
„aut decrescis vita detestabilis“
klingt wie „hot temperate cheese“
und „ludo mentis aciem“ lässt
sich als „you don’t get cheese or
chicken“ verhören.
Über seinen Schüler Werner Egk
verriet Orff: „Wir beide, Egk und
ich, durch so viel Gemeinschaftliches
verbunden, ergänzten uns
bestens. Manch entschiedener
Ratschlag lebt in seinem und
meinem Werk heute noch weiter.“
Hans Pfitzner meinte damals über
die Strömungen zeitgenössischer
Musik: „Egk mich am Orff.“
In dem Gershwin-Song
Let’s Call The Whole Thing
Off streitet sich ein Paar
über die richtige Aussprache,
aber beide meinen
dasselbe. In der Parodie
wurde daraus: „You say Carmina,
and I say CarmanaYou say Burina,
and I say BuranaCarmina, Carmana,
Burina, BuranaLet’s Carl the whole
thing Orff.“
Geklaut
Die Carmina Burana scheint ein
Selbstbedienungsladen zu sein,
so oft tauchen Teile daraus in der
Popmusik auf. Ein besonderer
Fan gesampelter Orff-Fetzen ist
der ECHO-Preisträger Michael
Cretu. Sein Enigma-Album (2000)
„The Screen Behind the Mirror“
enthält gleich vier Tracks
mit den Carmina.
Der aus Brooklyn stammende
Rapper NAS ließ es auf einen
Rechtsstreit ankommen, als er
sich 1999 in seinem Stück Hate
me Now zu „Fortuna“-Grooves
aus den Carmina Burana kreuzigen
ließ. Orffs Erben erwirkten
eine einstweilige Verfügung
und die schon mehrere
Millionen Mal
verkaufte Scheibe
durfte nicht länger
verkauft werden.
Jimmy Webb schrieb 1967 über
seine Verflossene den Song
MacArthur Park. Interpret
war Richard Harris, aus den
Harry- Potter-Filmen bekannt
als Professor Dumbledore. Kurz
darauf sang den Song Long
John Baldry. Warum er mit
den Carmina Burana beginnt,
wird wohl ein Rätsel der Musikgeschichte
bleiben.
FOTOS: WIKIPEDIA
59

C A R L O R F F
Das Bild entstand im Rahmen eines Kunstprojekts der Carl-Orff-Grund- und Musikmittelschule in
Dießen am Ammersee mit dem ortsansässigen Künstler Christian Wahl
60 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

CARL ORFF
URMUSIK UND
WELTTHEATER
Seine Klangsprache ist unverwechselbar, seine Bühnenwerke
frappierend originell, seine Pädagogik seit Jahrzehnten
hochaktuell. Carl Orff, der dieses Jahr 125 geworden wäre,
war ein Genie – mit ein paar Ecken und Kanten.
VON TERESA PIESCHACÓN RAPHAEL
Das schönste Denkmal für einen
Komponisten sei es, „wenn er im
Spielplan bleibt“, fand Carl Orff.
Was ihm mit seiner bombastischen
Chor-Hymne O Fortuna aus den
Carmina Burana gelungen ist. Wer
sie im Ohr hat, wird sie nicht mehr los, diese orgiastische
Ode auf die Jugend und Lebensfreude zu
Ehren der Schicksalsgöttin Fortuna. Seit der Uraufführung
1937 in Frankfurt wird sie in die weite Welt
hinausposaunt. Vom Münchner Odeonsplatz bis hin
in die Verbotene Stadt in Peking. In Ritterfilmen
aus Hollywood wie bei großen Boxkämpfen und
Reitturnieren. Von Rappern wie Puff Daddy bis hin
zu André Rieu. In der Werbung für Schweizer Schokolade
oder australisches Bier. O Fortuna gleich
„O(rffs) Fortuna“, könnte man meinen.
Was umso mehr stimmt, als Jahrzehnte der
Suche und der Unsicherheit diesem Erfolg voran-
61

C A R L O R F F
gegangenen waren, auch wenn Orff im Rückblick
schrieb: „In meiner Jugend war alles schon in mir vorgeformt
und verarbeitet“.
Geboren wird Carl Orff 1895 im München der
Prinzregentenzeit in eine alte bayerische Offiziers- und
Gelehrtenfamilie, in der viel musiziert wird. Nach einer
Aufführung von Richard Wagners Der fliegende Holländer
kann der 14-Jährige tagelang nicht reden und
essen.
Orff „tobt“ sich auf dem Klavier
aus. Die Schulnoten verschlechtern
sich, und der Onkel droht: „Ein Orff,
der kein Abitur hat, nicht auf der
Universität zugelassen wird und keinen
Doktor machen kann, ist kein
Orff!“ Worauf der Junge kühl erwidert:
„Ich brauche kein Abitur, ich
brauche Musik, und ich kriege den
Doktor h. c. sowieso, genau wie mein
Großvater.“ Und er sollte Recht
behalten, wenn man an die späteren
Ehrendoktorwürden aus Tübingen
und München denkt. Orffs einzige
Tochter Godela beschrieb die damalige
familiäre Situation so: „Mein
Vater aber entgleiste und wurde ein
armer Künstler.“
„ICH BRAUCHE KEIN
ABITUR, ICH BRAUCHE
MUSIK“
Aber war das wirklich so? Mit 16 Jahren
geht er zwar ohne Abitur von der
Schule ab, aber für seine erste Liedsammlung
Eiland übernimmt der
Großvater, General Koestler, den
Druckkostenzuschuss. Der Unterricht
an der Musikakademie in München
allerdings will dem jungen
Mann, der für Richard Strauss,
Debussy und Schönberg schwärmt,
nicht behagen. Die Empfehlung eines
Akademieprofessors aus „diesem Ort
des muffigen Geistes des 19. Jahrhunderts“
aber bekommt er trotzdem,
und so tritt er 1916 die Kapellmeisterstelle
an den Münchener Kammerspielen
an – inmitten des Ersten
Weltkrieges, der auch ihn nicht verschont.
Schon 1917 aber wird er an
der Ostfront verschüttet. „Kriegsverwendungsunfähig“
beendet er seine
„wunderliche Militärlaufbahn“,
schreibt er damals. 1918 findet er sich
als Kapellmeister bei Wilhelm Furtwängler
am Nationaltheater Mannheim
und am Hoftheater Darmstadt
wieder, doch schon im Sommer 2019
ist er endlich wieder zurück – in seinem geliebten München.
Ein Jahr später heiratet er die Sängerin Alice Solscher. Sie wird
sich nach wenigen Jahren Ehe von ihm trennen. Orff gibt Godela,
das gemeinsame Kind, in ein Schweizer Internat und vereitelt so
jeden Versuch der Mutter, die Tochter zu sich zu nehmen. Alice
wandert 1930 nach Australien aus. „Mein Vater war damals noch
sehr jung“, beschreibt Godela die Situation, „er hatte kein Geld und
CARL ORFFS MEILENSTEINE
10. Juli 1895 geboren in München
1900 erster Klavier‐, Cello- und Orgelunterricht,
erste Komposition
1909 Schlüsselerlebnis beim Besuch von Richard
Wagners Der fliegende Holländer
1911 Orff schreibt rund 50 Lieder zu Texten von
Heinrich Heine, Friedrich Hölderlin und anderen
1912 Komposition des ersten großen Chorwerkes nach
Nietzsches Also sprach Zarathustra
1913 bis 1914 Studium an der Königlichen Akademie
der Tonkunst in München
1917/18 Kriegsdienst
1918/19 Kapellmeister in München, Mannheim und
Darmstadt
1921/22 Studium in München bei Heinrich Kaminski
1924 Gründung der „Günther-Schule München –
Ausbildungsstätte vom Bund für freie und angewandte
Bewegung e. V.“ zusammen mit Dorothee Günther
1930/34 Erste Veröffentlichungen zum Orff-Schulwerk
1935/36 Komposition seiner berühmten Carmina burana
1936 Sein Einzug und Reigen der Kinder wird zur
Eröffnung der Olympischen Spiele in Berlin aufgeführt
1937 Uraufführung und weltweiter Durchbruch mit
Carmina burana in Frankfurt/Main
1939 Uraufführung der Märchenoper Der Mond in
München
1943 bis 1949 Uraufführungen seiner Bühnenwerke Die
Kluge (1943), Cartulli Carmina (1943), Die Bernauerin
(1947) und Antigone (1949)
1943 Orffs Freund Kurt Huber, Mitbegründer der
NS-Widerstandsgruppe „Weiße Rose“, wird
hingerichtet
1944 Orff wird von Hitler in die „Gottbegnadeten-
Liste“ aufgenommen und vom Wehrmachts- und
Arbeitseinsatz an der Heimatfront freigestellt
1950 bis 1954 Herausgabe von fünf Bänden Musik für
Kinder zusammen mit Gunild Keetman
1950 bis 1960 Leitung einer Meisterklasse für
musikalische und dramatische Komposition an der
Staatlichen Hochschule für Musik in München
1955/56 Auszeichnung mit dem Ehrendoktor der
Universität Tübingen, dem Orden „Pour le Mérite“
und der Ehrendoktorwürde der Universität München
Ab 1961 Leitung des neu gegründeten Orff-Institutes
an der Akademie Mozarteum Salzburg
1972 Sein Gruß der Jugend wird zur Eröffnung der
Olympischen Sommerspiele in München aufgeführt
29. März 1982 Orff stirbt im Alter von 86 Jahren in
München
konnte nichts mit einem Baby anfangen (…). Ich
wurde an verschiedensten Orten untergestellt (…).
Ich hatte dadurch eine sehr einsame Kindheit“.
Trotz der Vorschüsse des Schott Verlags ist Orff
oft mit der Miete und den Internatsgebühren im Rückstand.
„Wenn er nicht mehr zahlte, wurde ich heimgeschickt“,
erinnert sich Godela. Es heißt, er habe in
den 30er-Jahren diverse Lehrangebote abgelehnt. Er
wollte wohl in München bleiben, bei
FOTO: ORFF-STIFTUNG
seiner Alma Mater, der Musiksammlung
der Bayerischen Staatsbibliothek.
Hier konnte er sich in das Werk
der alten Meister wie Monteverdi
oder di Lasso vertiefen, die ihn mit
ihrer strengen Ordnung faszinierten.
Sein Schüler, der Komponist Karl
Marx, erinnert sich an „dicke
Bände (…), Gesamtausgaben von
Buxtehude, Pachelbel, Krieger, Haßler,
Lasso“, die auf Orffs Flügel lagen.
1923 schließlich begegnet er
Dorothee Günther. Sie teilt seine
Liebe zur Alten Musik, aber auch den
Glauben an deren elementare,
ursprüngliche Kraft. 1924 gründen
sie die Günther-Schule, eine Ausbildungsstätte
für Spiel, Gesang und
Tanz für Kinder. Hier beginnt Orff
mit seiner Arbeit am Schulwerk, das
vom Händeklatschen, Fingerschnalzen
und Fußstampfen bis hin zur
Beherrschung komplexer Schlag-Instrumente
die Kreativität der Kinder
anregen soll. „Education“ im wahrsten
Sinne des Wortes, lang bevor der
Begriff im Musikbetrieb in Mode
kommt.
„RHYTHMUS IST DAS
LEBEN SELBST!“
Orff strebt die „Regeneration der
Musik vom Tanz her“ an. Sprache,
Klang, Geste und Bewegung sollen
zu einer Einheit werden, verbunden
durch den Rhythmus, der „das Leben
selbst“ sei. Orffs Melodien bleiben
eingängig und kurz, sie kennen keine
Entwicklung. Und auch die Harmonien
sind von erstaunlicher Einfachheit.
Dennoch gelingt ihm eine
eigene Tonsprache, die keiner Schule
folgt, die oft nachgeahmt wird, dabei
aber doch unnachahmbar bleibt.
„Ich bin Altbayer, (…) und dieses
Land, diese Landschaft haben
(…) mein Wesen und mein Werk
mitgeprägt.“ Orffs Theatrum Mundi,
sein „kleines“ und sein „großes Welttheater“,
umfasst zwölf Kantaten, neun Opern, drei Oratorien, darunter
ludi scaenici, also Spielszenen wie die Carmina, Märchenopern
wie Der Mond, „Bairische“ Tragödien und Komödien wie Die
Bernauerin und Astutuli, Antikendramen wie Antigone, Ödipus und
Prometheus. Dazu das Schulwerk. Viele Jugendwerke wie die
Debussy-nahen Tanzenden Faune op. 21 wird Orff später als „dekadenten
Dreck“ abtun und seinem Verleger schreiben: „Alles, was
62 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

Bühnenbildentwurf zu Carl Orffs Oedipus der Tyrann von Helmut Jürgens zur Aufführung 1961
FOTO: UWE JÜRGENS
ich bisher geschrieben und Sie leider gedruckt haben, können
Sie nun einstampfen! Mit Carmina Burana beginnen meine
‚Gesammelten Werke‘!“
SEINE DRITTE EHEFRAU BESCHRIEB IHN ALS
„GENIE UND DÄMON IN EINEM“
Und sein Erfolg. Auch wenn sich hier alle Popularität konzentriert
– ein sich anbiedernder Klassikhit-Lieferant wurde Orff nicht. Firm
im „Bayerlatein“ müsste man schon sein, wenn man die Wortverdrehungen,
Klangreime und Zungenbrecher des „Gaglers“ (Gauklers)
in Astutuli von 1953 verstehen will. Firm im Altgriechischen,
wenn man die Handlung im Prometheus nachvollziehen will, auch
wenn der Komponist die Sänger vor der Uraufführung 1968 beruhigt:
„Wenn Ihr mit dem Text nicht weiterkommt, sagt ‚Kyriazi,
Kyriazi‘ [der Name einer Zigarettenmarke]. Das merkt keiner!“
Große aufführungstechnische Anforderungen stellt auch De temporum
fine comoedia von 1973, Orffs apokalyptische Vision vom
Ende der Welt. 1982 stirbt Orff und wird auf Bayerns „Heiligem
Berg“ in Kloster Andechs beigesetzt. „Summus finis“ steht auf dem
Grab, „Ende“ heißt das, aber auch: „höchstes Ziel“.
Nicht wenige haben am Mythos Orff gekratzt. In ihrer Autobiografie
Saturn auf der Sonne beschreibt Orffs dritte Frau, die
Schriftstellerin Luise Rinser, ihre Ehe mit dem „Genie und Dämon
in einem“. 1954 hatten sie ein Anwesen in Dießen gekauft – heute
Sitz der Carl Orff Stiftung. „Als sie [die Schulden] abbezahlt waren,
drängte mich das neue Paar hinaus. Buchstäblich“, schrieb sie. Und
meinte Orff und seine Sekretärin Liselotte Schmitz, ab 1960 Orffs
Ehefrau Nummer vier.
Kritisch betrachtet wurde Orffs Haltung während des Dritten
Reiches. Besonders objektiv und präzise gelang dies dem Musikhistoriker
Fred K. Prieberg (Musik im NS-Staat, 1982). „Mein Vater
war kein Held“, schrieb auch Tochter Godela 1992 (Mein Vater Carl
Orff und ich, 1992). „Er ging immer den konfliktloseren Weg, auch
in dieser bösen Zeit; er hatte (…) Angst. Er besaß keine Begabung
zum Märtyrer. Das kann ich nicht als Schuld empfinden.“
Anrührend die Szene im Prolog ihres Buches. Da fragt sie ihren
Vater: „Was bist Du von Beruf?“ Und er antwortet: „Das siehst Du
doch, ein Düpferlscheißer.“ – „Aha“ sagt sie. „Verdienst Du denn
etwas damit?“ – „Vorläufig noch nicht. Aber wenn ich gestorben
bin, wirst Du vielleicht einmal ganz gut verdienen“. Und sie sagt:
„Schad’, dass Du erst sterben musst.“
n
63

C A R L O R F F
DER LIEBLING DER FLIMMERWELT
CARL ORFFS MUSIK IM FILM
Die Musik von Carl Orff fordert regelrecht dazu heraus, sie an bedeutenden Passagen in
Film und Fernsehen einzusetzen – ob freche gelbe Comic-Helden, bitterböser Roadmovie,
Mittelalter-Blockbuster oder inklusives Tanzprojekt. VON STEFAN SELL
64 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

EXCALIBUR
Die Ritter der Tafelrunde auf der Suche nach dem heiligen Gral.
Das magisch Mythische hat Orff immer wieder gesucht und im
Rad der Fortuna als ewigem Kreislauf gefunden. So erreicht seine
Musik ihre Resonanz oft da, wo Mythen zum Leben erweckt werden.
Der Film Excalibur ist wohl einer der ersten, der den rhythmischen
Chorgesang der Anrufung der Schicksalsgöttin zentral
einsetzt. Viele folgten in Film, Performance, Videospielen oder mit
suggestiven Werbeclips. Immer geht es um die Sinnesreizung des
Archaischen. Auf dem Höhepunkt der alles entscheidenden
Schlacht wird in dem Leinwandepos Excalibur aus dem Jahre 1981
der Ruf nach Fortuna wach. Orffs Carmina Burana geben den
dramatischen Soundtrack. Wenn der Filmkritiker Georg Seeßlen
über die Musik im Film meint „Viel Wagner und ein wenig Orff“,
muss man entgegnen, Orff ist hier an prominenter Stelle zu hören,
ja, filmprägend! Wenn Artus mit seinen Mannen gegen Mordred
ins Feld zieht, ist Orff zur Stelle! Orffs Beschäftigung mit Repetitionen
scheint ihre Resonanz auch in der häufig wiederholten Verwendung
seiner Musik gefunden zu haben.
BADLANDS
Eigentlich hat George Tipton die Filmmusik zu diesem
Film geschrieben, aber wie so oft: Der Knaller,
der magische Moment, das Thema schlechthin kam
aus bewährter Feder. Carl Orff hatte dafür einen
„Gassenhauer“ des Renaissance-Lautenspielers Hans
Neusidler von der darmbesaiteten Laute auf die hölzernen
Klangstäbe eines Xylofons übertragen. Dieses
Stück firmiert bei Orff unter dem Titel Musica Poetica
und findet sich in seinem Schulwerk, das er
gemeinsam mit der Komponistin und Musikpädagogin
Gunild Keetman schuf. Kontrastreicher hätte diese
sonnig heitere, perlend sprudelnde Musik in einem Film
tatsächlich nicht eingesetzt werden können. Nach einer
wahren Begebenheit erzählt der Film die skurrile
Geschichte des Pärchens Kit und Holly: er ein 25-jähriger
Müllmann, sie noch ein Teenie. Die beiden begegnen
sich zufällig vor ihrem Haus und verlieben sich. Hollys
Vater ist gegen diese Beziehung, weshalb Kit ihn kurzerhand
umbringt, das Haus zur Musik von Orffs Passion
(Musica Poetica II) niederbrennt, die beiden mit dem
Auto flüchten und von da an mordend durch die nordamerikanischen
Lande vagabundieren – ein Roadmovie befremdender
Art. Bilder absoluter Schönheit kontrastieren mit grausamer
Willkür, aus Unschuld wird Schuld – und die Musik Orffs schwebt
parteilos über allem.
ORFF BEI DEN SIMPSONS
Bei den Simpsons finden alle ein Zuhause. Voller Zitate und Anspielungen
verstecken sich in jeder Episode Details des gesellschaftlichen
wie kulturellen Lebens. Auch Orff hat einen Platz bei den Simpsons,
in Staffel 20, Folge 13. Maggie findet sich durch Homers Leichtfertigkeit
plötzlich in einem Kloster wieder. Als Maggies jüngere Schwester
Lisa sie dort herausholen will, hören wir das O Fortuna des
Nonnenchors. Im weiteren Verlauf stößt Lisa auf ein mysteriöses
Juwel, weshalb die Folge im Deutschen „Auf der Jagd nach dem
Juwel von Springfield“ heißt und ein Fingerzeig in Richtung
Vermächtnis der Tempelritter und Da Vinci Code ist. Eine der Nonnen
ist Sister Marylin, ihr parodistischer „Sister Act“ ist eine Spitze
auf Marylin Monroes berühmte Kleidbelüftung über dem U‐Bahn-
Schacht. In der darauffolgenden Staffel taucht Orff in Folge 2 auf.
Dort gibt es einen Werbeclip für das Buch The Answer, eine Persiflage
auf den Esoterikbestseller The Secret, der sowohl als Buch als auch
als Film seinerzeit einen Hype auslöste. Nun, und was singt der
Nonnenchor hier: O Fortuna – und, weil’s so schön war: im Abspann
gleich noch einmal.
CARMINA – ES LEBE DER UNTERSCHIED
„… und ohne den Unterschied wäre das Leben langweilig!“, sagt
Wolfgang Stange, einer der drei Choreografen, der an diesem Projekt
mitgewirkt hat. Stange leitet die AMICI Dance Company. 1980 in
London gegründet, hat er mit ihr viele inklusive Tanzprojekte initiiert.
Royston Maldoom ist vielen als Choreograf aus dem Projekt
„Rhythm is it!“ bekannt, doch sein Wirken ist weit umfangreicher.
Die Carmina hat er zuvor mit äthiopischen Straßenkindern eingeübt
und ihnen mit der Aufführung den verlorenen Stolz wiedergegeben.
Auch der Choreograf Volker Eisenach fokussiert seine Aufmerksamkeit
darauf, den Tanz denen nahezubringen, denen der Zugang
dazu meist verwehrt bleibt. Einst Schüler von Royston Maldoom,
wirkte auch er schon bei „Rhythm is it!“ mit und ist heute künstlerischer
Leiter und Mitbegründer der Faster-Than-Light-Dance-
Company Berlin. Orffs Einheit aus Musik, Bewegung, Sprache und
Tanz wird hier zur inklusiven Offenbarung. In diesem Film wird
Orffs Musik nicht verwendet, um einen Effekt zu erzielen, in diesem
Film ist sie gelebte Inklusion. Der Film von Sebastian Heinzel zeigt
„ein einzigartiges internationales Tanzprojekt“. Über 300
behinderte und nicht behinderte Akteure, Real- und Förderschüler,
professionelle Tänzer und Laien erwecken die Carmina
Burana zu einer Vision gelebter Möglichkeiten, zu
einem Tanzwunder der Vielfarbigkeit.
KAPITALISMUS – EINE
LIEBESGESCHICHTE
Der alles fressende Kapitalismus, euphemistisch „Neoliberalismus“
genannt, hat den Filmemacher Michael Moore
Ende der Nullerjahre während der amerikanischen Finanzkrise
dazu inspiriert, den provokanten Film Kapitalismus
– eine Liebesgeschichte zu drehen. Dem Thema
entsprechend vermittelt Moore seine Botschaft völlig
suggestiv, plakativ und manipulativ. So setzte er auch
seine Musik ein. Orffs Schicksalrad aus den Carmina
Burana dreht sich hier, um die Zuschauer im Zusammenhang
mit den bewegten wie bewegenden Bildern
aufzuwühlen, die Musik stellvertretend für Furcht und
Schrecken zu nutzen. Zu Ausschnitten aus Filmmaterialien
der Encyclopedia Britannica dräut das O Fortuna.
Es sind Bilder, die die Situation mit dem Niedergang
des alten Rom vergleichen, das Volk wird mit Brot
und Spielen dumm und dumpf gehalten, damit der
Kapitalismus auf der Basis von Kriegen und Katastrophen unbehelligt
wachsen und gedeihen kann – ein Mechanismus, den die kanadische
Journalistin Naomi Klein „die Schock-Strategie“ nannte.
THE DOORS
Die Präsenz dieser Band ist bis heute unantastbar. Ihr legendärer
Sänger Jim Morrison starb 1971 in Paris in einer Badewanne. Sein
Grab auf dem Friedhof Père Lachaise ist zur ewigen Pilgerstätte
geworden. Was das mit Carl Orff zu tun hat? Zunächst nichts. Doch!
Im Film The Doors von Oliver Stone erklingen – einmal mehr! – die
Carmina Burana. So weit, so gut. Wäre da nicht die Bearbeitung
der Carmina Burana des inzwischen ebenfalls verstorbenen Keyboarders
Ray Manzarek. Er war das musikalische Gehirn der Doors.
Ein Jahr nach Orffs Tod, 1983, veröffentlichte er seine Carmina
Burana, eine Art Recomposing in Zusammenarbeit mit Philip Glass,
dessen Minimal Music das zyklisch-repetitive Moment in Orffs
Musik fortsetzt. Manzarek und Glass verbannten das Orchester aus
ihrer Bearbeitung und setzten den Synthesizer in den Mittelpunkt.
Es lohnt sich, diesen Pfaden zu folgen, The Doors ebenso zu hören
wie Orff und sich mit ihrer Geschichte auseinanderzusetzen, um
die Einheit in der Vielfalt wie die Vielfalt in der Einheit, die für Orff
sehr bedeutend war, für sich zu entdecken. Philip Glass hat sich
damals gefragt, „was Orff getan hätte, wenn er dabei gewesen wäre
und Synthesizer zur Verfügung gehabt hätte?“.
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65

C A R L O R F F
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Abb.: Portmedia Verlag; Strezhnev Pavel / fotolia.com
66 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

EINE REVOLUTIONÄRE NEUE
MUSIKPÄDAGOGIK
Carl Orff suchte die perfekte Verschmelzung von Musik, Bewegung und Sprache.
Seine Gedanken zu einer neuen Elementarmusik sind bis heute aktuell.
VON ANTOINETTE SCHMELTER-KAISER
Carl Orff 1964 im
SOS-Kinderdorf
Dießen
Er war nicht nur ein begnadeter
Komponist, sondern
stellte auch die
Musikpädagogik auf den
Kopf. Fast 90 Jahre nach Carl
Orffs ersten Gedanken zu einer
neuen Elementarmusik, bei der
Klang mit Tanz und Sprache
zusammenkommt, sind seine
Ideen bis heute brandaktuell.
Orff-Schulwerk-Gesellschaften
gibt es weltweit: von
Australien über Ar gentinien und
Island bis Südafrika. 48 sind es
derzeit, die von der elementaren Musik- und Tanzpädagogik im
Sinne von Carl Orff und Gunild Keetman inspiriert und motiviert
sind. In den USA ist der Enthusiasmus besonders groß: „Jedes Jahr
treffen sich Delegierte aus allen Bundesstaaten zu einem Kongress“,
berichtet Dr. Thomas Rösch von persönlichen Besuchen vor Ort.
„Bei ihnen herrscht immer eine Bombenstimmung. Die Teilnehmer
füllen große Hotelkomplexe, tauschen sich aus und erzählen oft,
dass Orff ihr Leben verändert hat.“
Für den Direktor des Orff-Zentrums München, das den Nachlass
des Multitalents wissenschaftlich erforscht, ist dies ein Beweis
der andauernden Strahlkraft von Orffs Konzept. Von 1932 bis 1935
erschien zunächst seine Produktionsreihe „Elementare Musikübung“
nach einer Werkstattphase an der Münchner Günther-
Schule für Gymnastik und Tanz (gegründet 1924 mit der Gymnastik-
und Tanzpädagogin Dorothee Günther). Ab 1948 wurde es als
Sendereihe des Bayerischen Rundfunks und fünfbändiges Begleitwerk
Musik für Kinder ausgeweitet, das im Schott Verlag erschien.
Sein Erfolgsgeheimnis liegt für Rösch in Orffs Wunsch, die kindliche
„Fantasie und Kreativität“ möglichst früh zu fördern.
Ausschlaggebend findet er auch sein ganzheitliches Anliegen,
das der Komponist – der sich übrigens selbst nie als Pädagoge
bezeichnet habe – so formulierte: „Elementare Musik ist nie Musik
allein, sie ist mit Bewegung, Tanz und Sprache verbunden, sie ist
eine Musik, die man selbst tun muss, in die man nicht als Hörer,
sondern als Mitspieler einbezogen ist.“ Außerdem habe Orff verstanden,
dass es nicht um „eine reine Lehre ging, die für ewige Zeiten
festgelegt ist“, sondern um ein „lebendiges Konzept, das sich von
Generation zu Generation verändert – selbstverständlich unter
Wahrung der Grundideen.“
Für Angela Holzschuh
bedeutet das, Carl Orffs Schulwerk
heute „nicht von A bis Z“
anzuwenden, sich aber Elemente
für ihren Unterricht in Musikalischer
Früherziehung herauszupicken.
„Orff-Instrumente gibt
es in vielen Kindergärten“, freut
sich die Lehrerin an der Musikschule
Weilheim. „Xylofone,
Trommeln, Glockenspiele und
Klanghölzer sind ohne vorherigen
Instrumentalunterricht
leicht zu spielen. Das begeistert
Kinder und führt beim Kennenlernen von Rhythmus, Melodie oder
einfacher Notation zu erstaunlichen Ergebnissen.“
Für sie selbst war Orff ein Wegbegleiter: Ihren ersten Kontakt
mit ihm hatte sie als kleines Mädchen in Form der Langspielplatte
„Musik für Kinder“, die sie faszinierte. Während ihres Studiums
der Elementaren Musikpädagogik, Orchestermusik und Harfe
begegnete sie in Mannheim auch Orffs Schulwerk. Später vertiefte
sie ihr Wissen mit Fortbildungen, unter anderem am Orff-Institut
in Salzburg. „In der Musikpädagogik hat sich viel entwickelt“, resümiert
sie. „Ohne Orff wäre das nicht denkbar gewesen.“
Seinen Stellenwert bestätigt auch Prof. Dr. Johannes Voit, der
seit 2018 eine musikpädagogische Forschungsstelle an der Universität
Bielefeld leitet: „Aus der Luft gegriffen war Orffs Ansatz nicht.
Im Ausdruckstanz oder der Reformpädagogik deutete sich bereits
nach der Wende zum 20. Jahrhundert ein Umdenken an. Orff ist
aber der Erste, der das methodisch aufbereitet hat und dessen Ideen
sehr einflussreich waren.“ Unter anderem sei Orff quasi Erfinder
der Body Percussion. Was bei ihm „Klanggesten“ hieß, sei heute als
Klatschen oder Stampfen Bestandteil des musikpädagogischen
Standardrepertoires.
Gleichzeitig habe Orffs Schulwerk Grenzen. „Kinder sind heute
schon in der Grundschule mit komplexerer Musik und multikulturellen
Stilen vertraut“, weiß Voit. Es sei eine vertane Chance, ihre offenen
Ohren nicht zu nutzen und sich auf Orffs elementare „Urmusik“ zu
beschränken. Auch beim Instrumentarium gebe es eine größere Bandbreite.
„Wenn Schüler am Computer mixen oder komponieren, beweist
das auch kreatives Potenzial“, so Voit. „Dass sie heute verschiedenste
Vorerfahrungen und Fähigkeiten mitbringen, eröffnet der Musikpädagogik
neue Möglichkeiten und Herausforderungen.“
n
FOTO: (C) FRED LINDINGER, ARCHIV CARL-ORFF-STIFTUNG
67

C A R L O R F F
FOTO: ORFF-INSTITUT
68 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

DER TANZ DES
MENSCHLICHEN
HERZENS
Carl Orff strebte nach einem weit gefassten Musikverständnis,
das die Bewegung und Körperlichkeit des Menschen ins
Zentrum stellt und einen intuitiven Zugang zum Klang
ermöglichen sollte.
VON DOROTHEA WALCHSHÄUSL
Tänzer des Orff-Instituts an der
Universität Mozarteum Salzburg
Mutiger Neuerer, engagierter Pädagoge
und vielseitig interessiertes Multitalent
– Carl Orff war all das in einem.
Dass er tatsächlich aber auch bereits
ganzheitlich dachte, also Bewegung einerseits
und die Wirkung der Musik andererseits in
ihrem Zusammenhang erkannte und dann auch
wechselseitig begriff, war für die damalige Zeit
fast schon revolutionär.
Der Tänzer und Choreograf Helge Musial
ist seit 2007 Leiter des Orff-Instituts für Elementare
Musik- und Tanzpädagogik an der Universität
Mozarteum Salzburg und beschäftigt sich
intensiv mit dem Erbe von Carl Orff und dessen
Ziel der „Regeneration der Musik von der Bewegung
her“. Ein Gespräch über die Enge der Korsette,
die inspirierende Kraft der künstlerischen
Vielfalt und den Tanz des menschlichen
Herzens.
CRESCENDO: Bewegung spielt in Orffs
Musikverständnis eine wichtige Rolle. Wie
kam es dazu?
Helge Musial: Man muss Orff im historischen
Kontext und als Kind seiner Zeit verstehen. In
seiner Jugend ging eine eher körperfeindliche
Zeit zu Ende – denken Sie an die Kleidung der
Wilhelminischen Ära, zum Beispiel die Korsette.
Carl Orff kann als Teil einer Erneuerungsbewegung
gesehen werden, die aus dieser Starrheit
ausbrechen und sich den traditionellen Zwängen
entziehen wollte. In diesem Sinne hat Orff mit
der Musik auch die Bewegung als
Mittel des künstlerischen und pädagogischen
Schaffens erkannt.
Wer war Teil dieser Erneuerungsbewegung?
Mit wem kam Carl Orff hier zusammen?
Für Orff war die Begegnung mit der Gymnastikund
Tanzpädagogin Dorothee Günther, mit der
er 1924 die Günther-Schule gegründet hat, sehr
bedeutend. Diese Schule war ein ausgesprochen
wichtiger Inspi rationsort für Orff. Er hat mit
Dorothee Günther dort viele kreative Menschen
aus den Bereichen Tanz und Gymnastik um sich
versammelt und gemeinsam mit ihnen das
Zusammenspiel von Musik und Bewegung
betrachtet. Sehr beflügelnd muss das gewesen
sein. Ganz generell interessierte sich Orff für
Dynamik, Rhythmus und Melodik, aber nicht
nur von Musik, sondern zum Beispiel auch von
Sprache. In der Günther-Schule gab es Räume
für Tanz und Bewegung, und die Studierenden
der Günther-Schule wechselten innerhalb der
Lektionen vom Instrumentenspiel zum Tanz
und umgekehrt.
Was ist für Sie an Orffs Ansatz bis heute
aktuell?
Orffs Lehrauftrag ist für mich: Sei explorativ, sei
offen! Orff selbst war ein aktiver Zeitgenosse, der
zum Beispiel ein großes Interesse an ungewöhnlichen
Musikinstrumenten hatte. Und darüber
hinaus auch an deren Bau. Mit seiner Arbeit war
Orff Teil einer echten Reformbewegung und
seiner Zeit in gewisser Weise weit voraus. Ohne
den Begriff selbst anzuwenden, hat er Interdisziplinarität
gelebt und die Vielfalt von Künstlergemeinschaften
genau erkannt: Die Musiker
waren Tänzer und die Tänzer waren Musiker.
Wo endet – und das sowohl in Ihrer eigenen
Wahr nehmung als auch nach Orffs Verständnis
– die Bewegung, und wo beginnt der Tanz?
Ist letztlich alles Tanz?
Ich persönlich finde es tatsächlich schwierig, den
Begriff des Tanzes von dem der Bewegung abzugrenzen.
Nehmen wir den menschlichen Herzschlag:
Da ist ein Puls, da ist Bewegung – und in
gewisser Weise kann das Tanz sein, der sich in
Musik umsetzt und umgekehrt. Orff sah im Tanz
eine alltagsfunktionsüberhöhende Kunstform,
die sich durch die stilistische Kodifizierung von
der Bewegung unter schied.
Sie haben sich intensiv mit Orffs Konzept der
Bewegung auseinandergesetzt. Wie hat sich
Orff wohl selbst bewegt?
Orff selbst war natürlich weder Choreograf noch
Tänzer, aber wenn man sich Fotos von ihm
anschaut, erkennt man einen sehr vitalen Mann.
Ich vermute, dass Orff ein sehr körperlicher
Mensch war.
n
69

C A R L O R F F
O, R, FORTISSIMO!
Orff wollte nie, dass sein Privatleben öffentlich wird. Und doch will man wissen, wer, vor allem
aber wie der Mann hinter seiner Pfeife wirklich war. Einer, der ihn wirklich gut kannte, ist der
Münchner Komponist Wilfried Hiller. Zunächst Schüler, dann Freund, zeichnet er anhand
einiger Anekdoten ein lebendiges Bild des Komponisten, ohne eine Grenze zu übertreten.
Ich war mit meiner Familie bei Orff. Die beiden Frauen gingen zum Reiten.
Mein Sohn Amadeus lag unterm Flügel – und wir haben ihn total vergessen.
Orff demonstrierte mir eine Stelle, an dem sich der Erdenschlund auftut,
und schlug mit japanischen Holzstäben auf die tiefen Seiten und schrie: „Vae,
vae, portae interi!“ Den einzigen im Stück vorkommenden Akkord auf der
Kirchenorgel demonstrierte er, indem er beide Ellenbogen auf die Tasten des
Flügels krachen ließ. „Sechs Klaviere, 20 Schlagzeuge – das ist ein Mordslärm.“
Der kleine Amadeus aber brüllte wie am Spieß! Wir knieten nieder,
versuchten, ihn zu beruhigen. Orff sang Wiegenlieder und das Schlaflied
Schuh-Schuhu aus der Klugen. Aber es half alles nichts. Erst, als meine Frau
zurückkam, verstummte Amadeus und schaute sie mit großen Augen an.
Und Orff sagte lakonisch: „Heute hat meine Kunst aber gründlich versagt.“
70 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

Wir haben uns oft im
Deutschen Museum zu
Jazzkonzerten getroffen
– er hat sich ja ganz
bewusst mit dem Jazz
auseinandergesetzt. Als
er Miles Davis improvisieren
hörte, sagte er.
„Wenn einer so mit
meinen Carmina Burana
umgehen würde, das
wäre toll.“
Orff war besessen von der Arbeit. Er war
dafür aber auf seinen eigenen Schreibtisch zu
Hause angewiesen. Er brauchte seinen
Schreibtisch, eine Pfeife, guten Tabak.
Eines Tages trafen
wir Orff auf einem
Partiturplatz in
der Bayerischen
Staatsoper. Und er
erklärte: „Ich will
nur wissen, wie der
Sawallisch dirigiert,
wenn er denkt, dass
ich in Italien im
Urlaub bin.“
FOTO: H GASSNER; KARL ALLIGER, CARL-ORFF-STIFTUNG, ARCHIV: ORFF-ZENTRUM-MÜNCHEN. MIT FREUNDLICHER GENEHMIGUNG VON JOHANNA ALLIGER
Mein Sohn Amadeus war
vier, als Orff ihn fragte:
„Kennst du was von mir?“
Der sagte: „Klar, O Fortuna,
tuna, tuna, tuna …“ Daraufhin
Orff: „Du hast mich
durchschaut …“
Er hatte viel Humor, war mitunter aber auch recht sarkastisch.
Seinen Schlaganfall schilderte er folgendermaßen: „Ich sitze hier
am Schreibtisch, plötzlich geht die Tür auf und ein Gerippe
kommt herein. Sagt nicht einmal grüß Gott, nur so viel: ‚Mein
Name ist Schlag, wann kann ich Sie treffen?‘ Dann wurde ich ohnmächtig
und bin erst wieder im Krankenhaus aufgewacht.“
Premiere in Salzburg, Orff holt
die Karten ab. Darauf ein kleiner
Zettel, auf dem stand: Orf.
Er sagt zu der Dame an der
Kasse „Ich heiße nicht wie
euer komischer Fernsehsender,
sondern O, R und dann
Fortissimo.“ Woraufhin die in
schönstem Salzburger Dialekt
erwidert: „Und wos hoaßt des
jetzt wieda?“
Er hatte ein Nachdenkstüberl –
da saß er, hat gebrütet. Dann
stand er auf und hat zwei Takte
aufgeschrieben.
Eigentlich war er
ein Menschenfreund.
Es sei denn,
er mochte jemanden
nicht. Seine
Reaktion auf eine
Collage im Münchner
Stadtmuseum,
die Karajan und ihn
zeigt: „So nett sind
wir nie beieinandergestanden
…“
„Manche sind Kleingeister.
Ich hab nur Modelle geliefert.
Ihr könnt improvisieren.“
Zum 80. Geburtstag von Orff versammelte Schlagzeugprofessor Karl
Peinkofer 20 Schlagzeuger aus München, um im Garten von Orff den
Gassenhauer aus dem Schulwerk als Geburtstagsständchen aufzuführen.
Man begann zu spielen, plötzlich kam Wind auf und blies dem
Xylofonisten die Noten vom Pult. Er wurde nervös, übersprang vier
Takte, einige Musiker folgten ihm, die anderen spielten konsequent
weiter. Die Aufführung endete in totalem Gelächter. „Kein Wunder,
dass das nicht geklappt hat“, kommentierte Orff. „Ich hab’s ja nicht
für Profis geschrieben, sondern für Kinder. Vor 14 Tagen war eine
Schulklasse da, die haben das auswendig gespielt. Hat funktioniert!“
71

C A R L O R F F
IM RAUSCH
DER WORTE
Extraordinär ist bis heute Carl Orffs
kreativer, ja genialer Umgang mit Sprache.
Vor der „Erfindung“ von Rap und
Techno trieb der sinnlich-spirituelle
Bühnenvisionär die Vernachlässigung von
Melodie und Harmonik zugunsten von
Deklamation und Rhythmus ins Extrem.
VON ROLAND DIPPEL
Die Vereinfachungen musikalischer Satztechniken hatte
er bereits in den Carmina burana (1937) kultiviert. Heute
sind diese „Cantiones profanae“ ein unverzichtbarer
Evergreen des Chor-Repertoires. Ansonsten aber bleibt
es zum 125. Geburtstag Carl Orffs fast beunruhigend still. Still wie
das betörende „Schuh-Schuhu“-Lied der Bauerntochter, mit dem sie
den König in Orffs zweitbekanntestem Werk Die Kluge (1943) in
den Schlaf singt. Langsame, bedächtig und andächtig wirkende
Tonwellen der Sopranstimme auf gerundeten, sich noch nicht zu
Worten bindenden Silben schaffen Ruhe. An solchen Stellen verstummt
auch die Frage nach Alter, Herkunft und Dauer von Orffs
musikalischem Material: Zeitlosigkeit in gewinnender Form.
Orff kokettiert aber auch mit der verbalen Pranke und
berauscht sich an deftig bis derben Aphorismen: „Löschs Licht aus,
dann sind alle Weiber gleich!“ bellt ein Strolch in dem zwei Wochen
nach der Niederlage von Stalingrad uraufgeführten Märchenspiel.
Derartiges holte sich Orff aus Simrocks Spruchsammlung. Da verhielt
er sich neben dem keineswegs prüden Bertolt Brecht, den er
vertont hatte, wie ein archaischer Kobold im Kosmos von Bühnenwirkung,
anspringender Menschlichkeit, musikalischer Stoßkraft
und sprachlicher Attacke.
Die Bernauerin (1947), von Orff noch während des Zweiten
Weltkriegs als Spielplanalternative zu Hebbels Schauspiel begonnen,
hatte um 1985 dank August Everding eine laute Erfolgsstory bei den
Münchner Opernfestspielen und auf der Freilichtbühne am Roten
Tor Augsburg, die trotz einer Serie in Wunsiedel und bei den Straubinger
Agnes-Bernauer-Festspielen nicht nachwirkte.
Die Aufzeichnung der Wiener Volksoper mit der Schauspielerin
Sunnyi Melles in der Titelpartie im Jahr 1997 vermittelt einen
anschaulichen Eindruck davon, welche Ausdrucksnuancen zwischen
Natürlichkeit und Manierismus nötig sind, um das gern als „bayerische
Volksoper“ missverstandene „bairische Stück“ in ein bewegendes
Theater zu steigern.
Ein ausgesprochen wichtiges Vermächtnis des Wortbeschwörers
Carl Orff ist seine Rezitation des Stücks Astutuli (1953) für
Schauspieler und Schlagwerk in einer Aufzeichnung durch den
Südwestfunk 1958. „Wer dumm ist, bleibe daheim“, lautet darin ein
ironisch wiederholter Vers in diesem Stoff über die Allzuschlauen
und unverbesserlichen Neunmalklugen.
Sprache ist auch in Orffs von lebhaften Gesten begleitetem
Vortrag das raue und lustvolle, aber nie zu geschmeidige Ereignis.
Der Klang und dessen Formung sagen oft mehr als der Sinn von
Worten. Diese Gewalt der Töne und Silben ist Orffs Alleinstellungsmerkmal.
Deshalb wirken Orff-Aufführungen in Opernhäusern
oft wie ein Kompromiss. Das gilt sogar für das 1973 durch Herbert
von Karajan bei den Salzburger Festspielen uraufgeführte Spiel
Notenzitat aus Carmina Burana in der Handschrift Carl Orffs
De temporum fine comoedia (1973), in dem Orff das Weltende aus
einer rein christlichen Betrachtung herausgehoben hatte.
Der größte Verlust, wenn man vom Orffschen Werk spricht,
ist, dass sich keine von Orffs Griechentragödien Antigonae (1949),
Oedipus der Tyrann (1959) und Prometheus (1968) nachhaltig im
Repertoire etablieren konnte. Hundertprozentige Verständlichkeit
gehörte nach Oedipus der Tyrann nicht mehr zu den für Orff wesentlichen
Voraussetzungen im Theater. Sonst hätte er Aischylos’ Prometheus,
der zuletzt in der Kraftzentrale Dortmund zur Ruhrtriennale
2012 in einem dem Werk angemessenen Ambiente zur Aufführung
gelangte, nie in altgriechischer Sprache vertont.
Während der monatelangen Proben mit Carlos Alexander,
dem Interpreten der Uraufführung, ging es von Anfang an mehr
um die Gestik als um den Sinn. Dieses Tanzen, Stampfen und Rattern
mit Zunge und Zähnen steht in denkbar großem Widerspruch
zum Sprechen heute, das möglichst resonanzarm auf eine präzisierende
inhaltliche Aussage zielt.
„Das Mechanische, Pulsierende, Rücksichtslose in diesen Triolen
hat keine Entsprechung in Catulls wiegendem Pentameter“,
analysiert Wilfried Stroh, Professor für Klassische Philologie in
München, Orffs Vertonung Catulli carmina (1943) und lobt Orffs
eigenschöpferische Sprachkompetenz für Latein im Vorspiel, in dem
sich Jungvolk immer heftiger umwirbt und bespringt: dionysische
Laszivität in einer den meisten Hörern unverständlichen Sprache.
Orff bewegt sich also im Widerstreit von metrischer Freiheit
in der Komposition und sprachlicher Präzision, aber auch von
rhetorischem Übermut und erfolgsorientierter Glätte. Für die Vertonungen
der Sophokles-Tragödien Antigonae und Oedipus der
Tyrann wählte er in der jungen Bundesrepublik die deutsche Übertragung
von Friedrich Hölderlin. Mainstream-affiner geht kaum,
denn Hölderlins an inhaltlichen Freiheiten reiche Nachschöpfung
galt als die „klassische“. Es ist also sein pulsierender, universeller
Sprachreichtum, der heute die Auseinandersetzung mit Orff
erschwert, obwohl seine Sprache auch abseits der Bühne großartige
Effekte beinhaltet.
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FOTO: (C) CARL-ORFF-STIFTUNG
72 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

LEBENSART
Stadt, Liebe, Fluss: I wie Isar! Ein München-Spaziergang mit Konstantin Wecker (Seite 74)
Hack over Beethoven: Alexander Herrmann und die Liebe zu gestottertem Tatar (Seite 78)
Paula Bosch ist ihnen bereits seit ihrer Kindheit verfallen: Süßweine – feinstes Gaumenkapital (Seite 80)
KUNST & KRISE
Eigentlich sollte die Vernissage mit den Bildern von Matthias Schilling am 7. Mai stattfinden.
Dann kam alles anders: Shutdown und Schockstarre. Dass Letzteres nicht für alle
galt, hat der Grafiker, Zeichner und Illustrator bewiesen, als er uns nach der Lockerung
in der Redaktion besucht hat. Mit im Gepäck nun auch neue Bilder zum Zeitgeschehen.
Ironisch, sarkastisch, politisch – er bleibt seinem Strich auch inhaltlich treu.
Wir werden die Vernissage zu gegebener Zeit nachholen. Melden Sie sich an und
wir benachrichtigen Sie gern, sobald der Termin stattfinden kann. Einstweilen
haben Sie die Chance, unsere digitale Vernissage auf crescendo.de/vernissage
zu besuchen und sich Ihr Lieblingsbild zu sichern. Die Hälfte vom Erlös geht
übrigens an die CRESCENDO Künstlernothilfe. Danke, Matthias!
www.d-signbureau.de
Vernissage in den Redaktionsräumen (Rindermarkt 6 in München)
Eintritt frei. Anmelden unter crescendo.de/vernissage – wir melden uns bei Ihnen bzgl. des Termins
„EINGEMACHTES“ (2020) TUSCHE / AQUARELL AUF PAPIER, 21 x 29,7 cm
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L E B E N S A R T
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FOTOS: WLADYSLAW SOJKA AUF WIKI COMMONS, TILMAN2007 AUF WIKI COMMONS, SCHLAIER AUF WIKIPEDIA, HAIKO HERTES AUF PIXELIO, MICHAELA SCHÖLLHORN AUF PIXELIO, WOLFGANG DIRSCHERL AUF PIXELIO,
MORELIGHT AUF PIXABAY, MICHAEL SIEBRT AUF PIXABAY, HEINZ HUMMEL AUF PIXABAY
1) Olympiaturm und Olympiapark – das 72.000 m 2 große Dach ist ein Wahrzeichen Münchens 2) Nationaltheater, Sitz der Staatsoper und des
Staatsballetts 3) Treffpunkt zum Baden und Feiern: der „Flaucher“, ein Isarabschnitt 4) Münchner Innenstadt mit Rathaus und Frauenkirche
5) Maibaum am Münchner Viktualienmarkt 6) Münchner Kindl 7) Kettenkarussell am Oktoberfest 8) Breze mit Obatzdem 9) Chinesischer Turm
74 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

STADT DER SCHÖNEN UND REICHEN, DER BUSSI-BUSSI-GESELLSCHAFT,
DER UNANSTÄNDIG HOHEN MIETEN. UND DOCH LIEBT MAN SIE:
FÜR IHRE ENTSPANNTE ELEGANZ, IHREN LÄSSIGEN HEDONISMUS UND
IHRE GANZ EIGENE SPERRIGKEIT, VON TRADITIONEN ZU LASSEN.
München
Isar, Sommer, Praterinsel – in diesen drei Worten und Orten steckt die ganze Liebe, die der
Münchner Liedermacher Konstantin Wecker für seine Stadt empfindet. Weil sie Sinnbild sind
für die Seele seines Münchens – und für ein großartiges Lebensgefühl.
VON BARBARA SCHULZ
FOTO: THOMAS KARSTEN
Wo, wenn nicht nahe der Isar,
sollte ein Spaziergang mit
Konstantin Wecker in München
beginnen? Wir treffen
uns am Mariannenplatz, wo
er aufgewachsen ist – mitten im heute recht
gediegenen Lehel. Der „echte“ Münchner, also
auch Wecker, nennt das Viertel „Lechel“. Was
richtig ist, darum streitet man sich bis heute.
Einst ein Ort für Handwerker- und Geringverdiener,
wurde das Lehel zwar bereits 1724 eingemeindet,
behielt seinen ursprünglichen Charakter
aber lange bei. „Wir haben wie auf einem
Dorf gelebt – völlig autark. Es gab ja alles. Heute
ist es ein Zweitwohnsitzviertel reicher Anwälte. Nicht mehr lebendig
wie damals“, beklagt Konstantin Wecker. Und ja, die prächtigen
Stuckfassaden der Gründerzeit, die Jugendstilbauten, die schicken,
aber nicht hippen Restaurants und Cafés lassen keinen Zweifel zu:
Hier, zwischen Isar, Altstadt und Englischem Garten stehen wir in
einer der vornehmsten und teuersten Wohngegenden Münchens.
„Für mich bestand meine ganze Kindheit aus Sommer!“,
schwärmt Wecker. „Und aus dem Blick auf die Lukaskirche, die stetig
mit ihrem herben Glockenschlag dräute – dank ihr brauchten
wir zu Hause nie eine Uhr. Dann in der Badehose aus dem vierten
Stock runter und rüber zur Praterinsel und in die Isar, in der mich
meine Mama das Schwimmen gelehrt hat.“ Alles sei fußläufig gewesen:
die Volksschule in der Herrnstraße, das Wilhelmsgymnasium
in der Tierschstraße, Münchens ältestes und wohl schönstes Gymnasium,
das bis heute als Eliteschule bekannt ist. Zu Ende besucht
hat Wecker es nicht – seine autoritären Strukturen und die vielen
Nazis, die zu der Zeit noch unterrichteten, hielt er nicht aus: „Ich
wurde gegangen.“
Schon liegt die Praterinsel vor uns, einst von Franziskanermönchen
als Garten und zur Erholung angelegt und neben der Museumsinsel
eine von zwei befestigten und bebauten Flussinseln in der Isar.
Konstantin Wecker: Politische
Haltung war ihm immer wichtig
„Die Isar war schon prägend für mein Leben“,
sagt Wecker. Und meint das nicht nur physisch,
sondern auch in übertragenem, philosophischem
Sinn: „Panta rhei – alles ist im Fluss.“
Wir bleiben am Wasser, lassen das Kulturzentrum
Gasteig hinter uns, und das nur einen
Katzensprung entfernte Müllersche Volksbad,
eines der schönsten Badehäuser Europas, erbaut
in reinstem Jugendstil – in Richtung Englischer
Garten. Heißt: Eisbach, eine Ableitung der Isar,
und Chinesischer Turm. Er sei immer gern am
„Turm“, „aber im Moment hat das ein wenig an
Leichtigkeit verloren“, meint Wecker im Hinblick
auf Corona. „Aber der Eisbach: Da waren früher
die ,Nackerten‘. Ich war auch dabei. Das war mein Isar-Erleben.
Heute muss man dafür nicht mehr nackt sein.“
Wir verlassen den Englischen Garten und machen uns dahin
auf den Weg, wo alles seinen Anfang nahm: Das erste „reine“
Wecker-Konzert fand in der Münchner Lach- und Schießgesellschaft
statt. Sammy Drechsel und Dieter Hildebrandt hatten die
Bühne in der Schwabinger Ursulastraße 1956 als politisches Kabarett
gegründet. „Hildebrandt war nicht nur ein Freund, er war auch
mein Gönner und nahm mich immer zum ‚Scheibenwischer‘ mit.
Überhaupt war ich am Anfang meiner Karriere mehr mit Kabarettisten
zusammen, obwohl ich ja gar keiner bin. Es war die politische
Haltung, die mir wichtig war.“ Ob das erste Konzert ausverkauft
war? Wecker lächelt: „Als ich damals in dem Saal stand, dachte ich:
Wenn du hier mal vor verkauftem Haus spielst, dann hast du’s
geschafft.“ Heute füllt er den Gasteig gern auch zweimal. Oder den
Circus Krone, über den Wecker geradezu ins Schwärmen gerät: „Es
war atemberaubend, das erste Konzert im Krone. Volles Haus! Ich
bin ihm mein Leben lang schon als Künstler verbunden, habe dort
zu meinem 50., 60. und 70. Geburtstag konzertiert.“
Aber zurück zur Schwabinger Zeit: „Ich war ja musikalisch gar
nicht kompatibel mit der Musik von damals. Ich hatte ein Cello
75

L E B E N S A R T
dabei, dafür aber kein Schlagzeug – das Publikum
hätte meinen Text gar nicht mehr verstanden.“
Das war für ihn immer zentral: „Wenn
ihr an das glaubt, was ihr singt, müsst ihr deutlich
singen. Das ist wichtiger, als schön zu singen.“
Er will, dass jedes Wort verstanden wird:
„Ich singe vertonte Gedichte – jedes noch so
kleine nicht verstandene Wort wäre vergeudet.“
Er hat sich durchgesetzt. Schmunzelnd
sagt er aber auch: „Ich glaube, viele sind damals
gar nicht wegen, sondern trotz meiner Musik
gekommen.“
Inzwischen sind wir im Hofgarten angekommen.
Im Sommer wie im Winter wird hier
Boule gespielt, Touristen wie Einheimische sitzen
auf den Bänken rund um den mittigen
Pavillon, suchen sommers im Schatten oder
ganzjährig einfach nur Ruhe. Wer vor dem
Café Tambosi auf der Odeonsplatzseite keinen
Platz ergattert, weil der Blick auf die Feldherrnhalle und die mächtige
Theatinerkirche Sankt Kajetan einfach zu schön ist, sitzt an den
Arkaden auf der Rückseite beschaulicher.
„Auch hier habe ich schon gespielt“, sagt Konstantin Wecker
und zeigt in Richtung Süden, hin zum Herkulessaal im nördlichen
Gebäude der Residenz. Hier finden vorwiegend klassische Konzerte
statt, insofern sieht sich Wecker hier gar nicht so falsch aufgehoben:
„Literatur und Musik waren das, was mich bis zu meinem 18. Lebensjahr
getragen hat. Mich hat ja nichts anderes interessiert.“ Letztlich
sei auch Franz Schubert mit seinen sogenannten Kunstliedern der
Ziehvater seines Liedermachertums. „Als die Beatles herauskamen,
hab ich ziemlich arrogant gesagt, hört euch lieber das Beethoven-
Violinkonzert an. Ich fand die zunächst langweilig.“
Kultur
Konstantin Wecker empfiehlt jedem, der nach
München kommt, aber auch allen, die dort
wohnen, einen Besuch in den Pinakotheken
(pinakothek.de): der Neuen Pinakothek
(Barer Straße 29), die die Pinakothek der
Moderne (Barer Straße 40) und die Alte
Pinakothek (Barer Straße 27) thematisch
verknüpft. Außerdem für unbedingt sehenswert
hält er das Deutsche Museum
(deutsches-museum.de, siehe Bild), vorzugsweise
auch mit Kindern. Hier werden Meisterwerke
aus Naturwissenschaft und Technik gezeigt.
Gleich nebenan: das Museum Brandhorst
(museum-brandhorst.de), das durch
seine spektakuläre Architektur besticht.
Mitten im Herzen Münchens:
Glockenspiel am Marienplatz
Lange Zeit habe er mit seinem Vater, der
einen schönen Tenor gehabt hätte, immer die
großen Liebesduette der italienischen Oper
gesungen. Schon vor dem Stimmbruch habe er
„unglaublich viel Musik inhaliert. Zu Hause
gab es nur Schellackplatten mit der Callas und
der Tebaldi – die haben mich damals interessiert,
ich war ja Sopran. Später dann die Tenöre:
Caruso, Beniamino Gigli, vor allem aber Jussi
Björling. Er ist derjenige, der bis heute in meiner
Seele alles anrührt, was man anrühren
kann.“ Mit seinem Musiklehrer machte er dann
viele Aufnahmen mit Knabenstimme – Schubert,
Mozart, Haydn. Schließlich hat Wecker an
der Hochschule für Musik und Theater in der
Arcisstraße auch ein paar Semester Gesang
studiert.
Am Ende unseres Spaziergangs noch ein
kleiner Exkurs: „In meinem Leben wollte ich
drei Meister kennenlernen, die mich beeinflusst haben.“ Henry Miller
und Erich Fromm habe er nicht geschafft, weil sie zu früh gestorben
seien. Den alten Carl Orff aber durfte er am nahe gelegenen
Ammersee besuchen. „Orff hatte sich zuvor richtig mit meinen Liedern
und Gedichten beschäftigt. Er bat mich in den Arbeitsraum mit
dem Flügel und sagte nur: ‚Jetzt spui, Bua.‘ Und ich spielte Wenn der
Sommer nicht mehr weit ist. Er ging um mich herum und meinte:
‚Komisch Klavier spielst du, so hab ich das noch gar nicht gehört.‘
Nicht abwertend, eher so ‚Donnerwetter, so was gibt’s auch.‘ Und
dann kam es: ‚Du bist koa Mozart, du bist koa Schubert – du bist der
Wecker.‘ Das war das größte Kompliment, das ich je in meinem
Leben bekommen hab.“
n
Tipps, Infos & Adressen
Reiseinformationen rund um Ihren Besuch in München.
Essen & Trinken
„Auf ein Bier in den Osterwaldgarten“
(schwabinger-osterwaldgarten.de) – für
Konstantin Wecker, der um die Ecke wohnt,
nur ein Katzensprung. Fühlt sich an wie ein klassischer
Biergarten (in dem Selbstbedienung
gilt), ist aber ein gutes Speiselokal mit besonders
nettem Service. Ein Revival „seiner“ 70er-Jahre
verspricht das Fendstüberl (Fendstraße 4).
Und weil München die nördlichste Stadt Italiens
ist, gibt es „echte“ italienische Lokale: Wecker
mag das Bibulus (bibulus-ristorante.de) am
Erich-Mühsam-Platz. Service und Küche top!
Die Redaktion isst gern im Grano (Sebastiansplatz
3). Bester Kaffee der Innenstadt: in der
Kaffeerösterei am Viktualienmarkt.
Übernachten
Direkt gegenüber vom Osterwaldgarten,
unmittelbar am Englischen Garten, liegt das
Hotel Gästehaus Englischer Garten
(hotelenglischergarten.de). Jedes der Zimmer
ist individuell eingerichtet, Apartments
mit Balkon oder Terrasse gibt’s im Nebenhaus.
Idyllisches Frühstück am Bach. Musiker
steigen gern im 5-Sterne-Hotel Palace
(hotel-muenchen-palace.de) in Bogenhausen
ab. Stadtnah mit charman tem Innenhof:
Hotel Opera (hotel-opera.de). Film- und
Fernsehleute buchen das HOTEL (dashotel-in-muenchen.de)
im quirligen Schwabing
oder das Olympic (hotel-olympic.de)
im szenigen Glockenbachviertel.
FOTOS: CHRISTOPH BRAUN AUF WIKIMEDIA COMMONS, DEUTSCHES MUSEUM, SCHWABINGER OSTERWALDGARTEN, HOTEL ENGLISCHER GARTEN
76 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

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L E B E N S A R T
Lieblingsessen!
HIER VERRATEN DIE STARS IHRE BESTEN REZEPTE.
UND KLEINE GESCHICHTEN, DIE DAZUGEHÖREN ...
VON BEETHOVEN INSPIRIERT:
RINDERTA-TA-TA-TAAR
ALEXANDER HERRMANN
FOTO: SANDRA ECKHARDT
78 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

ALEXANDER HERRMANN
GASTRONOM UND KOCH MIT ZWEI STERNEN
„Beethoven bewegt nicht nur, er inspiriert auch! Ja, zum Kochen. Liegt es nicht auf der Hand? Ta-ta-ta-taa!
Und? Woran denken Sie? Genau, an Tatar! Für mich ist das sowohl ein doppeltes Wort- als auch ein Klangspiel.
Ta-ta-ta-taa klingt wie gestottertes Tatar. Und selbst wenn man nur „Tatar“ sagt, sind wir schon beim Ta-ta-ta-taa.
Und wie hört es sich an, wenn ich Fleisch mit dem Messer zu einem Tatar hacke? Ja, genau: Ta-ta-ta-taa!
Deshalb gefällt mir das Motiv so besonders gut: weil es die Phonetik und das Gehör gleichermaßen beansprucht.“
FOTO: DEBUS FOTOGRAFIE
•
Alexander Herrmann begleitet
uns kulinarisch durchs
Beethoven-Jahr. Der 2019 mit
zwei Sternen gekürte Koch ist
als „Klassik-Einsteiger“
Botschafter des Großprojekts
„Beethoven bewegt“.
Herrmann wird seine noch
relativ neu entdeckte
Leidenschaft für klassische
Musik mit den Klassikexperten
des Bayerischen Rundfunks
anhand Beethoven intensivieren.
Und seine „musikalischen
Rezepte“ mit uns teilen.
RINDERTATAR MIT SECHS-MINUTEN-MAYONNAISE
Für 2 Personen
Für die Mayonnaise: 1 Bio-Landei (M), 20 g scharfer oder mittelscharfer Senf, 20 g Rapsöl, Salz, schwarzer Pfeffer (Mühle)
Für das Tatar: 300 g Rinderhüfte, Fleur de sel, schwarzer Pfeffer (Mühle), 1–2 Msp. Cayennepfeffer
Zum Anrichten: 1 dünne Frühlingszwiebel, gewaschen, geputzt und fein geschnitten, Salz, 1 Esslöffel Butterschmalz,
30 g Kapern (Glas), abgetropft, 60 g Essiggurken, geschält und in feine Würfel geschnitten
Zum Servieren: Bauern- oder Weißbrot, Butter nach Belieben; Küchenhelfer: Anrichtering (ø etwa 8 cm)
Für die Mayonnaise das Ei sechs Minuten kochen lassen, abschrecken, schälen, mit Senf und Öl in einen hohen Becher
geben, mit dem Stabmixer zu einer cremigen Mayonnaise aufmixen und mit Salz und Pfeffer abschmecken.
Für das Tatar das Rindfleisch durch den Fleischwolf drehen, auf einem Teller verteilen und mit vier Prisen Fleur de sel,
etwas schwarzem Pfeffer und Cayennepfeffer würzen. Kurz beiseitestellen.
Frühlingszwiebeln in eine Schüssel geben, mit einer Prise Salz würzen, umrühren und kurz ziehen lassen. Inzwischen
Butterschmalz in einer kleinen Pfanne stark erhitzen. Abgetropfte Kapern dazugeben (Vorsicht: spritzt!), abdecken und
1 Minute knusprig frittieren. Auf Küchenpapier abkühlen lassen.
Das Rindertatar mithilfe des Anrichterings portionsweise auf Tellern anrichten, mit Mayonnaise, Gurken, Kapern und
Frühlingszwiebeln garnieren und z. B. mit frischem oder geröstetem Bauern- oder Weißbrot und Butter servieren.
Alexander Herrmann: Weil’s einfach besser ist (Dorling Kindersley)
Wer „einfach“ mal besser essen möchte: bei Alexander Herrmann in Herrmann’s Posthotel
in Wirsberg (posthotel@romantikhotels.com). Oder in Nürnberg: im Imperial, im Frank’ness
oder bei der Dinner-Show Palazzo. Mehr Informationen unter www.alexander-herrmann.de
79

L E B E N S A R T
Die Paula-Bosch-Kolumne
GOLDEN GLAMOUR
Everybody’s Darlings sind sie definitiv nicht! Süßweine werden seit Jahren nur noch von einer
kleinen, und ja, einer ganz bestimmten Gruppe Menschen geschätzt und gern getrunken.
Ein Plädoyer für besonders edleTropfen, die (noch) nicht hip sind und sich jeder Mode entziehen.
Neben ihrer lustvollen Liebe zu den Pralinen unter
den Weinen wissen Liebhaber von Süßweinen sehr
genau, dass ihre kleinen Sweeties zu den wertvollsten
Schätzen im Keller zählen und Raritäten darstellen,
die meist nur in Kleinstmengen produziert werden
können – weltweit! Diese großen Weine
sind für die Fan-Gemeinde der edelsüßen
Gewächse Meilensteine, ob deutsche Beeren
und Trockenbeerenauslesen, Ruster Ausbruch
aus dem Burgenland, Sauternes aus
Bordeaux oder ein Tokajer aus Ungarn –
und ich habe mich hier bewusst auf Weine
aus Europa beschränkt: flüssige Elixiere, für
die sie bereit sind, ordentlich höhere Preise
als für die trocken ausgebauten Weine zu
bezahlen. Wobei die Zukunft der ganz Großen unter den süßen
Edelsteinen in jedem Fall ziemlich rosig aussieht. Dies, weil sie sich
in der Regel unendlich langsam entwickeln und mit ihrer Säure ewig
jung bleiben können. Heißt: Es gibt so gut wie keinen Wertverlust.
Im besten Fall bedeutet das nach Jahren der Reife einen potenzierten
Genuss inklusive Wertsteigerung. Meine Favoriten sind sie allemal.
2006 ZELTINGER SCHLOSSBERG, RIESLING,
TROCKENBEERENAUSLESE; MARKUS MOLITOR, MOSEL
Markus Molitors Wissen über Weine und Lagen, zumindest von der
Mosel, ist unerschöpflich. Seine grenzenlose regionale Weinleidenschaft
macht ihn zum größten Privatweingut an der Mosel mit den
meisten und besten Lagen. Damit hat er inzwischen ein Portfolio an
Weinen im Keller, das seinesgleichen sucht – von trocken bis edelsüß.
Kein Wunder, dass seine internationalen Höchstbewertungen
in Deutschland unerreicht sind. Seine gereiften Schätze, die zu den
besten Süßweinen der Welt gezählt werden müssen, sind immens
groß – und das zu fairen Preisen. Es heißt also schnell sein.
Dieser Wein ist ein Paradebeispiel für Trockenbeerenauslesen
aus dem ganz großen Jahrgang 2006. Glockenklare, frisch anmutende
Frucht. Keine einzige Pilznote, nur konzentrierte und reife
Früchte, in erster Reihe Feige, Aprikose, Mirabelle, Pflaume, gelbes
„LIEBHABER VON SÜSSWEINEN
WISSEN, DASS IHRE SWEETIES
RARITÄTEN DARSTELLEN.“
Melonenfleisch, Akazienhonig. Strahlend und tanzend die virtuos
eingebundene Säure am Gaumen, die mit zarten Klängen wie bei
einem Konzert beginnt, am Ende aber mit Pauken und Trompeten
verklingt. Ein ganz wunderbares Trinkerlebnis.
fine-wining.de 0,375 l, 95,55 € (oder direkt im Weingut)
2018 RUSTER AUSBRUCH,
TRIEBAUMER; GÜNTER UND REGINA
TRIEBAUMER, BURGENLAND
Schon als Kind habe ich regelmäßig von Süßweinflaschen,
vor allem von denen von Triebaumers,
zu Hause in der Speisekammer
genascht. Sicher, sie waren nicht für meinen
jungen Gaumen bestimmt, aber so lernte ich
durch sie die Faszination Wein kennen. Triebaumers
gibt es viele in Rust, zwei davon stehen auf meiner Hitliste:
Ernst Triebaumer, berühmt und beliebt wegen seines Blaufränkisch
Marientals und meiner ersten Süßweinerlebnisse. Und dann Günter
und Regina Triebaumer. Sie kenne ich erst seit ein paar Jahren, war
aber von Anfang an in erster Linie von ihren ganz wunderbaren Blaufränkischen
begeistert.
Die Ruster Spezialität „Ausbruch“ war mir zwar schon viel früher
geläufig, aber diese Cuvée war neu für mich. Sie wird aus den Rebsorten
Welschriesling, Chardonnay, Furmint und Traminer hergestellt,
in den Anteilen jedes Jahr etwas anders. Die Prädikatsweinstufe
„Ruster Ausbruch“ ist erst seit 2016 dem „Ausbruch“ vorbehalten, die
Reben müssen aus der Region stammen. 2018 trumpft mit gewaltigen
278 g Restzucker und 10,4 g/l Säure auf, hat dabei aber nur 9 Vol.-%
Alkohol. Noch viel zu jung, strahlt er dennoch mit seinen feinen
Aprikosentönen, Kletzenbirnen, leichter Exotik mit Honigduft, Fencheltee,
Steinobst und zarter Botrytis. Im Mund vollkonzentriert,
honigsüß und mit versteckter Säure, die nach langer Reife verlangt.
triebaumer.at 0,375 l, 26 €
2009 CHÂTEAU RIEUSSEC, SAUTERNES; BORDEAUX
Zu den großen Klassikern der Süßweine zählen ohne Zweifel jene
aus Sauternes, allen voran Château D’Yquem, der König ohne Köni-
80 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

FOTO: PAULA BOSCH
Gute Aussichten für goldene Zeiten: Beste Mosel-Lagen machen
beste Qualität möglich und lassen das flüssige Gold im Glas funkeln
gin. Aber in dessen Nachbarschaft finden sich erstklassige Beispiele,
die ich für eine royale Begegnung geeignet halte, auch weil sie bereits
im einen und anderen Jahrgang als Konkurrenz aufgetreten sind.
Château Rieussec ist so ein Exempel: 72 Hektar Rebfläche, die
sich einzigartig – auf einem Hügel – zusammenhängend präsentieren.
Die Jahresproduktion ist beschränkt auf ca. 6.000 Kisten. 1993
wurde gar kein Wein produziert, im Jahr 2000 nur die Hälfte. Qualität
ist oberstes Gebot, spätestens nach 1984, als Rieussec an die
Besitzer von Château Lafite Rothschild verkauft wurde. Seit dieser
Zeit ging man nochmals einen deutlichen Schritt nach oben. Im
Weinberg stehen 95 Prozent Sémillon, die von Muscadelle und Sauvignon
blanc ergänzt werden. Der Fassausbau spielt sich zu 50 Prozent
in neuen Fässern zwischen 18 und 26 Monaten ab. Auf Château
Rieussec wird schon lange ein kräftigerer Stil und Charakter bevorzugt.
Power und Eleganz wird gleichermaßen geschätzt, solange das
balancierende Säurespiel Frische und Trinkfluss garantiert.
2009 ist jetzt trinkreif. Strohgelb, nach Bienenwaben, Karamell,
gerösteten Mandeln und Vanille duftend, präsentiert sich dieser
große Sauternes im Glas. Immer noch geprägt von den Röstaromen
der Fässer, gepaart mit einem raffinierten Aromenspiel hochreifer
Ananas und Grapefruit bis zu getrockneter Zwetschge. Im Mund
überwältigend, zupackend und fordernd zugleich, präzise Balance
von Säure, Frucht und Alkohol. Endlos im komplexen Finale.
ungerweine.de 0,75 l, 58 €
2007 TOKAJI ASZÚ 6 PUTTONYOS; ISTVÁN SZEPSY, TOKAJI
Der König aller Süßweine, mit ganz großer Historie, war viele Jahrzehnte
der Tokajer. Geliebt von vielen Berühmtheiten ab dem 17.
Jahrhundert, so auch von Beethoven. Massive Weinverfälschungen
führten zu einer regelrechten Verwahrlosung der Weinkultur. Das
hat sich seit Beginn der 90er-Jahre geändert: Der große Tokajer ist
wieder da. Unter den verschiedenen Typen bei der Herstellung ist
Aszú die Hauptkategorie, die mit der Trockenbeerenauslese vergleichbar
ist. Seit Hunderten von Jahren hergestellt, werden die von
Botrytis (Edelschimmel) befallenen Furmint-, Muskateller- und
Hárslevelű-Trauben verwendet, wobei hier die spezielle Kombination
von Boden, Rebe und Wetter bedeutend ist. Die Trauben werden
punktgenau handverlesen, um diesem fantastischen Wein ein
perfekt ausgewogenes Süße- und Säurespiel zu garantieren. Die Aszús
von István Szepsy sind Paradebeispiele für alle Süßweine der Region.
Im ersten Duft floral, nussig, mit Waldhonignoten. Dann kandierte
Zitrusfrüchte, getrocknete Orangenschalen, Kokosflocken.
Stramme, unendlich lang anhaltende Säure – ein absolut hinreißendes
Feuerwerk am Gaumen! Ganz nebenbei 200 g/l Restzucker,
3 Jahre in Holzfässern gereift. borstore.de 0,5 l, 98,50 €
81

T KI TOEL LUZMENI LE
E
RHYTHMISCHE VERSENKUNG
Irgendwann ist fast jeder mal mit dem Orff’schen Instrumentarium in Berührung gekommen.
Meist schon in der Grundschule und nicht immer zum Vergnügen aller Beteiligten.
Ganz sicher aber hat dabei das ein oder andere Drummer-Drama seinen Anfang – oder aber
sein Ende – gefunden, glaubt unser Autor Philipp Hontschik.
FOTO: ACH GUCK MAL
Orff’scher Rhythmus – für den Wackeldackel ein echter Auftrag
Die Olympischen Sommerspiele von Peking
beginnen am glückszahltrunkenen Datum
8.8.2008, um 20.08 Uhr. Hunderte in martialischem
Braun einmarschierter Trommler
verwandeln sich bei der Eröffnungsfeier
in ein blinkendes Ensemble. Und dann legen
sie hin, was in die Musikgeschichte eingeht
als die ultimative Turbo-Version des
„Orff’schen Schulwerks“ für größtmögliche
Besetzung: Alles Melodische schweigt. Es
herrscht einzig kollektiv-präziser Rhythmus.
Kraftvolle, drängende Trommelschläge breiten
sich über Stadion und Stadt hinaus, in
Milliarden Ohren: vor Ort, an Fernsehern
und Radios. Eine Meisterleistung der Toningenieurskunst
verhindert, dass die Trommeln
in den Schlagpausen wabern.
Der Bezug zu Orff liegt nahe. Immerhin
komponierte Carl Orff für die Olympischen
Sommerspiele 1936 in Berlin den Einzug und
Reigen der Kinder als Teil der Eröffnungsfeier
(der Rest, so ungefähr, kam von Werner
Egk). Und fürs Opening der Münchener
Spiele 1972 den Gruß der Jugend.
Das Orff-Schulwerk, dessen erste Teile
in den frühen 30er-Jahren erschienen
waren, lebte in den 50er-Jahren fort als
„Musik für Kinder“. Wir begegneten ihm in
Unterrichtsstunden der Grundschule noch
Ende der 60er-Jahre, oft angeleitet von den
Kirchenmusikern der nahe gelegenen Stadtpfarreien.
Wenige, melodisch bereits Sichere
von uns durften dabei auf dem Ton-Holz
„das Lied spielen“. Die anderen hatten ihre
liebe Not damit, den Takt zu halten, während
sie die entsprechenden Rhythmusinstrumente
traktierten. Freilich versuchte
man uns durch eine Art sanften Dirigierens
halbwegs in der Spur zu halten. Was Spaß
machte, wenn es gelang. Manche Schlegelschwinger
aber hieß der Leiter mit alarmierter
Miene, ihr Bemühen einzustellen. Etwa,
wenn nach kläglichem Abwürgen ein Neueinsatz
zu riskant fürs Gesamte werden
konnte oder wieder andere lausbubenartig
viel zu laut zugehauen hatten. Denn natürlich
konnte jederzeit das urwüchsige Vergnügen
am chaotischen Exzess wirksam
werden – jung genug waren die beteiligten
ORFF’SCHE MUSIK:
EINE ERSTE AHNUNG VON
PUNK UND ROCK ’N’ ROLL
Kinder allemal. Zudem bekamen sie ansonsten
vermutlich viel zu selten Musikinstrumente
in die Hand. Ein erstes Erleben einer
Ahnung von Punk oder Rock ’n’ Roll griff
auf diese Weise Platz in so mancher noch
im Werden befindlichen Musikseele.
Vielleicht liegt es ja an solchen Überdosen
Orff’schen Schulwerks, dass in vielen
Bands stets die Schlagzeuger und Perkussionisten
als ein wenig einfältig angesehen
werden. Ringo bei den Beatles etwa. Das
ganze Gegenteil ist wahr: Der Drummer
hält immer noch den Takt – was nicht einfach
ist. Dass die Arbeit des Trommlers oft
die schweißtreibendste im Orchester ist,
bemerkt das Publikum viel zu selten.
So war die Weihnachtsaufführung des
Orff’schen Schulwerks in den frühen Schuljahren
oft schon die letzte Chance, als
genügsamer Trommler in bescheidenem
Rampenlicht zu stehen. Ganze Wochen hatten
die Kinder die Stücke eingeübt: erst sehr
langsam, dann etwas weniger langsam,
zuletzt mäßig schnell. Wie oft fuhr einem
der Rhythmus abends im Bett noch in die
Beine! Immer mitzählen, dann kann nichts
schiefgehen. Und besonders gut aufpassen,
bevor’s losgeht!
Die gerührten Eltern hörten dann den
einen oder anderen Neuansatz eines Stücks
und verließen die Kirche im Abendschein,
die Köpfe schunkelnd im Takt wie die
Wackeldackel, die einige Opas noch auf der
Hutablage ihrer Autos stehen hatten.
Das ist die eine, vielleicht auch leicht
verstaubte Seite des Carl Orff – ein Musikpädagoge
von einiger Bedeutung für ganze
Generationen ist er gewesen. Und um noch
auf Egk und Orff zu kommen: Vor Verstrickung
der beiden in die NS-Musikpolitik
(klar stärker bei Egk als bei Orff) gab es ja
auch die Zeit, als ihre Musik etwas rundheraus
„Neues“ war und entsprechend
Furore machte, ja geradezu skandalös war.
Aus dieser Phase muss das Bonmot stammen,
in dem zwei Musikfreunde – mitunter
wird es Hans Pfitzner zugeschrieben – in
der Opernpause das Büsten-Foyer des Münchener
Nationaltheaters durchschreiten
und der eine den anderen fragt, was der
denn zu den beiden neuen jungen Komponisten
sage. Die Antwort: „Egk mich am
Orff!“
n
82 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2020

Von Brönner
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