CRUMB BOOK 2016

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DIGITAL BOOK
2010-2015
VAMPIRE WEEK-END / METRONOMY / MICHAEL FASSBENDER / IGGY AZALEA /
MADLIB / AUSTRA / BERTRAND BURGALAT / SKY FERREIRA / DESTROYER /
BUSY P / SÉBASTIEN TELLIER / JAGWAR MA / ALAN MCGEE / DISCLOSURE /
HINDS / MØ / HANNI EL KHATIB / JAMES VINCENT MCMORROW / CHVRCHES /
SALUT C’EST COOL / ALUNAGEORGE / GRÜNT / DOMINIQUE A / AYO / 1995 / THE
DO / MINA TINDLE / HAIM / FRANZ FERDINAND / LONDON GRAMMAR / ROBI /
THE SHOES / STROMAE / YUKSEK / ALT-J / BARBARA CARLOTTI / FOXYGEN /
JAIN / ÉMILIE SIMON / RODRIGO AMARANTE / KLUB DES LOOSERS / &…

2016, Crumb magazine © 2010-2015 - www.crumbmagazine.com

Photo de couverture : Anna Francesca (@Body and Soul) photographiée par Michael Dürr
Make Up and Hair : Lydia Bredl (Talent Drag), using MAC Cosmectics. Retouche : Katharina Schmalzhofer. Crédits outfits complets en page 307.

ÉDITORIAL
C’est l’histoire de rien, d’une aventure entre amis, d’un projet maladroit, aux milles vies,
avec dix-mille envies. Curieux, défectueux, désireux. Un truc improbable, amateur, sans règles,
tout-en bricole. Comme un fanzine. Bibelot, profane, inexpérimenté. Un fanzine, voilà, qui nous a
porté par delà les rencontres, avec nos énergies, nos ignorances, nos débrouilles astucieuses et
toujours dans un manque d’organisation total.
C’est l’histoire de cinq années de partage, de rencontres et de textes, qui n’ont jamais eu aucune
prétention si ce n’est celle de les faire vivre ailleurs que dans nos poches et nos têtes, en les
offrant à d’autres yeux d’autres personnes. Et vous nous avez suivi. Sans règles. Parfois pour
rien, souvent par soutien. Nous n’avons jamais vraiment su pourquoi vous étiez là, témoins,
critiques, lecteurs. Et nous ne souhaitons pas savoir pourquoi. Vous avez fait avec nous cette
histoire. Simplement. Vous avez été notre plus improbable rencontre. Vous avez assistez aux
nôtres. Ce book les remémore.
En cinq années, nous avons vu le marché de la musique, ses acteurs, son industrie et les
méandres d’internet évoluer, beaucoup de choses changer. Dans ces pages, il y a un peu de tout
ça, mélangé. Avec pour témoin ces rencontres, photos et interviews. Et tous les artistes à qui
nous avons donné rendez-vous. Un grand brouhaha, en somme.
Il a fallu faire des choix. Nous avons gardé le meilleur. L’essence même et l’identité de ce qui
nous as porté. Nous avons aussi gardé les souvenirs, les maladresses, les erreurs. Comme
autant de témoignages, de rebonds mal foutus, de traces inégales de ce que ces rencontres ont
été. A découvrir derrière ces pages…
Lors d’une émission radio étudiante où j’étais invité pour la première année de Crumb, on me
demandait « Mais alors, c’est quoi ? Un magazine ? Un webzine ? Un blog ? ». Alors je
répondais, tremblotant : une Aventure. Avec un grand A. Qui nous a fait prendre de nombreuses
routes et conduit vers bien d’autres depuis. C’était nous. Des regards, des photos, des mots.
C’était 2010-2015.
C’était cela.
Thomas Carrié

1 fanzine. 1 bande de potes. Anodine.
Tellement d’anecdotes. 400 interviews. 400 rencontres. 1
voyage dans le bayou. 3 bracelets-montres. 123456 mails
échangés. Encore beaucoup en attente. Découragé.
Contente. Une équipe et ses démons. Ses envies. Ses
abandons. 1 Paris. 1 poisson rouge mort. Des écrits. Des
médiators. 54, 000 fans Facebook, 6445 tweets. Des
cafés. Des mac book pro. Imparfaits. Dans le métro. Des
regards. Des sourires. Le hasard à prédire. Des erreurs.
Des concerts. Ca écoeure. Ca espère. Des moments
inoubliables. Des souvenirs. Indomptables. Et des rires. 1
site internet. Des fautes d’orthographes. 1 trottinette. Des
photographes. Des réunions. Par-ci. Par là. L’agitation
qui déboula. Hossegor. Paris. Australie. Rue de Rivoli.
Rue Notre-Dame de Nazareth. Des numéros. En .pdf.
Comme des vignettes. Des soirées. 1500 personnes.
Votre énergie. Qui nous façonne. Nos envies. Nos
découvertes. Photographies et pertes. Les images. Les
partenariats. Les chroniques. Les festivals. Comme un bal.
Les abandons. Les lassitudes. Les questions. Un peu rude.

Les réponses. Les succès. Du plaisir. Toujours des
soirées. 1 logo. 3 dictaphones. Vertigo. Presque aphones.
Combien de cigarettes ? Combien de rendez-vous ?
Aussi, combien de fêtes ? Combien de vous et
nous ? 124536 kilomètres parcourus. A pied, a vélo. En
vélib. Dans Paris. Avec Madlib. 1243567 mails échangés
avec des attachés de presse. Qui nous relancent. Qui nous
pressent. 1 stylo bic 4 couleurs (le noir n’a plus d’encre).
175 shootings. 3897 questions posées. So shocking pour
les 1/4 restées censurées. Tout ça à la fois. Comme cela.
En plusieurs, en une fois. Des découragements. Des
encouragements. Des envies. Des amitiés.
Accidentel. Du bonheur. Du bordel.
Dans nos coeurs. Tamponnées. Au
millimètre. Cinq années.
Cinq lettres. Crumb.

Pour ces 5 années, merci.
Collaborateurs/collaboratrices sur la période 2010-2015 :
Photos
Mathieu César, Julot Bandit, Brice Portolano -et par ordre alphabétique : Tania Alineri, François Berthier, Katrin Braga, Margarita Carteron,
Adèle Cany, Kin Chan, Hervé Coutin, Érica Fava, Camille Anne-Louise Gorin, Audrey Lezerman (Blondie), Ophélie Longuépée, Leah Miller,
Anouk Nitsche, Katharina Nitzpon, Luca Nocera, Chloé de Nombel, Amel Kerkeni, Pierre & Florent, David Shama, Éléonore de Wismes
Textes
Irina Aupetit Ionesco, Adrien Petrache, Elen Huynh, Émilie Cochaud, Élisa Benchetrit, Cyrus Goberville, Grace Libissa, Arthur Pillu-Perrier -et par
ordre alphabétique : Camille Balenieri, Sandra Barré, Charline Buda, Timothée Chevalier, Juliette Couderc, Mia Dabrowski, Karen Diop, Thibault
Guichon, Camélia Mohamed, Sarah Piettre, Ugo Ribeiro, Laurène Rimondi, Blandine Rinkel.
Merci particulier à :
VICE France, Mathieu César, Kitsuné, Ayo, Émilie Butel (merci avec un grand M !), Matthias Labarbe, Because Music, Éric Marjault et Cinq7 pour
les premières interviews et pour la confiance, Émilie Quentin, Cécile Legros, Axelle Giraud-Carrier et les équipes d’Atmosphériques (merci pour
cette belle aventure), Coralie Kerbellec et les équipes de Polydor France, Anne-Sophie Lambell, Netta Margulies, Excuse My French, Éphélide,
Mélissa Phulpin (Mélissa Promotion), les équipes du Pitchfork Music Festival Paris, SUPER !, Anthony Lapoire, Beggars France, Léa Rehnfeldt,
Quentin Travade et les équipes de Mercury Records, Amélie Mousset, Tôt Ou Tard, Coline Eberhard, Brigitte Batcave, Maud Pouzin, Judith
Giacometti, l’agence WAA, Laurence Alvart, Carine Chevanche, Michele Marcolungo, Believe Digital, Elisabeth Lavarenne, Emma Soriano, Selma
Chachia, Record Makers, Quentin Vacheri, Cracki Records, Cooperative Music, Sony Music, Ed Banger Records, PIAS France, les équipes de
Phenüm, Richard Dumas, Richard Aujard, Chloé Robineau, Frank Loriou, Florian Mona, Le Divan du Monde, les équipes du Festival de Dour,
David Shama, Benjamin Lassalle, Guillaume Fasquelle, Mélissa Tran, Chloé Videau et toutes les équipes Advice/Vice Digital, Jean-Charles de
Castelbajac, Marie Christine-Brossard et René Brossard, Gisèle & Krystian Carrié, Garance Rochoux-Moreau, Jean Morel, Adrien Gingold, Marc
H’Limi et toutes les équipes de Radio Nova.
A Nicolas Cassagnes, pour la création du logo.
A Lola Picard-Weiss pour les nuits et les soirées.
Et aussi à (par ordre alphabétique) :
1disque1jour, 3è Gauche TV, Aaron, Action Management, ARTE France, Richard Aujard, Athénée Paris (hôtel), Nina Attal, Alexandre Barbier,
Myrtille Beauvert, Yasmine Ben Hamouda, Aurélien Berne, Blundetto, Stéphanie Brossard, Jonathan Brouard, Léonie Brun, Basile de Bure,
Christophe Calado, Barbara Carlotti, Willy Cartier, Adrien Casalis, Cascadeur, Mathilde Cerqueira, Victoire de Changy, Marie Chaslin-Folio,
François Chevalier, Franck Chevalier, Laura Cieplik, Raphaël Ciofi, Gilles Collard, Maya Coline, Alan Corbel, Jeanne Damas, Darrius, Grégoire
Degruel, Lola Delange, Charlotte Deniel, Valerio Dongie, Valériane Dousse, Raphaëlle Dupire, Drug Money, Louise Ebel, Damien Elroy, Faguo
Shoes, Moji Farhat, Laura Flament, Victor Flomont, Pauline Franque, Flo&You, Émilien Fresson, Christian Georges, Gabrielle Geppert, Vincent
Gigot, Marie Gombeaud, Laetitia Gorsy, Théo Gosselin, Corentin Grange, Nadine Gravelle, Karl Hab, Negar Hooshmand, Isabelle de Hovre, Irma,
Malina Ioana, Ji Sun, Justice, Guillaume Kayacan, Alice Kong, Griselle Marie Rosario La Fontaine, Juliette Lamet, Quentin Lanoizelet, Hélène
Lecomte, Romain Le Cam, Jérémy Leclerc,Susan Legind, Marion Le Goff, Gilles Lellouche, Leonard de Leonard, Clémentine Lévy, Antoine L.D,
Lily Wood & The Prick, Lise, Lizbell Agency, Solweig Lizlow, Gildas Loaec, Chris de Luca, Christophe Lucquin, Aaron Matts, Adeline Mai,
Charlotte Mailliez, Charlotte Marcodini, Margounnette, Giacopo Martini, Marion Mazauric, Charlotte Métairie, Alizée Meurisse, Charlotte Mia,
MikiX The Cat, Coralie Millou, Meloni Mitchell, Daniele Mitra, Théo Moncassin, Debora Moro, Nadéah, Laurent Nalin, Nobasura, Ncza Lines,
Chloé de Nombel, Oscar Montes de Oca, Inés Olympe Mercadal, Laura Pallancher, Federica Palotti, Charles Pasi, Alexis Pech, Louis-Marie du
Perray, Ysa Pérez, Fabien Pochez, Ksenia Posadskova, Amaury Poudray, QManagement NY, Tahar Rahim, Tristan Ranx, Rodeo Massacre,
Brisa Roché, Joachim Roncin, Markus Rose Baker, Corentin Schieb, Élise Schwartz, Robert Self, Shakespeare & Co (librairie), Marthe Sobczak,
Soko, Charlotte Stokes, Street Tease, Sushella Raman, Marie Taillefer, Gabrielle Trapasso, Tristesse Contemporaine, Uffie, Sydney Valette,
Anne Vaudoyer, Frédérique Veysset, Nicolas Vidal, Nick Von Hesse, Adèle de Wismes, Young Dreams, Yupeek, John Zoeller.
Remerciements en contribution sur la partie architecture : Lola Petit, Le collectif Babel, Charles Bourthoumieux, Florence Bousquet, Aurélien
Cavanna, Alexandre Chamelat, Giovanna Maria Fragapane, Fanny Kuhn.
Merci enfin à l’ensemble des soutiens et donateurs dont les noms sont reportés par odre alphabétique en page 38 ainsi qu’à nos familles, amis et
à toutes celles et ceux qui nous ont suivi ou accompagnés de près ou de loin dans cette aventure.
Version diffusion libre à usage non commercial.
Note : Certains textes et écrits publiés dans ce book ont pu être adaptés au format et/ou pour des raisons de mise en page. Les publications et textes complets sont à
retrouver sur le site internet du magazine et disponibles sur simple demande.
L’ensemble des crédits photographiques et iconographiques de ce book sont répertoriés en page 307.

Fondateur et Rédacteur en Chef
Thomas Carrié
Coordinatrice éditoriale
Laurie Cassagnes
Responsable rubrique musique
Bastien Internicola
Création du logo
Nicolas Cassagnes
Textes
Arièle Bonte, Alice De Jode, Sirius Epron, Patricia Fontenas,
Cécile Lienhard, Ariel Carol Novak, Mélodie Ravasi, Maxime Rosenfeld,
Gaëlle Simonetti, Anne-Louise Sevaux, Brice Bossavie,
Patricia Fontenas, Paul Bousquet, Denise Rose Hansen
Photos
Diane Sagnier, Pauline Darley, Maxime Stange,
Yann Morisson, Simon Betite
Contributeurs réguliers sur la période 2010-2015 :
Lola Picard-Weiss, Antoine Semerdjian, Blaise Senti, Alfred Jules,
Jacopo Pokack, Louise Autain, Lucie de Keyser, Mélissa Reverso,
Pierre Cavanna, Quentin Monville, Sophie Legrand,
Marie Chaslin-Folio, Nicolas Cassagnes, Ludovic Zuili,
Alessandro Casagrande, Aurélien Lovalente
Conception/développement du site
Samuel Varoqeaux
Contact
hello@crumbmagazine.com

SOMMAIRE
VAMPIRE WEEKEND P.14 / MADLIB (AKA QUASIMOTO) P.18
/ SKY FERREIRA P.21 / GRÜNT P.26 / AUSTRA P.32 /
ALUNAGEORGE P.36 / MIRANDA BARNES PORTFOLIO P.39 &
P. 195 / METRONOMY P.44 & P.50 / BERTRAND BURGALAT P.52 /
MICHAEL FASSBENDER P.55 / SÉBASTIEN TELLIER P.58 /
JUNGLE P.62 / DJANGO DJANGO P.64 / LISA BOOSTANI
PORTFOLIO P.66 / PHILIPPE KATERINE P.76 / BUSY P. P. 80 /
IGGY AZALEA P.85 / SALUT C’EST COOL P.88 / JAGWAR MA
P.92 / HANNI EL KHATIB P.95 / AYO P.97 & P. 108 / MAJUNGA
MADAGASCAR PORTFOLIO P.100 / MØ P.110 / HINDS P.112 /
FOXYGEN P.118 / ÖDLAND P.120 / DOMINIQUE A P.122 / BLEU
PORTFOLIO P.126 / THE DO P.132 / SOKO P.134 / BARBARA
CARLOTTI P.137 / BERTRAND BELIN P.140 / BØRNS P.143 /
ALT-J P. 144 / SUNBATHING WITH MAGGI PORTFOLIO P. 148

ZELLA
DAY P. 156 / YUKSEK P. 158 / STROMAE P.161 /
ELECTRIC GUEST P.165 / THE DODOZ P.166 / THE SHOES P.168 /
AMÉLI MONTI PORTFOLIO P.170 / DISCLOSURE P.174 /
LONDON GRAMMAR P.179 / KLUB DES LOOSERS P.181 /
RODRIGO AMARANTE P.186 / JACKSON SCOTT P.189 / HAÏM
P. 193 / MIKAEL PASKALEV P.202 / NATALIE PRASS P.204 /
ALAN MCGEE P.208 / ROBI P.211 & P. 214 / GUNTHER LOVE P.216 /
DESTROYER P.220 / #GENERATIONBATACLAN P.224 / FRANZ
FERDINAND P.232 / CHVRCHES P.235 / PHOTO P.238 /
CHARLOTTE OC P.241 / TWIN TWIN P.244 / HOLLYSIZ P.248 /
JAIN P.252 / ARAW PORTFOLIO P.255 / ÉMILIE SIMON P.262 /
CHARLIE WINSTON P.266 / LA FIANCÉE P.267 / LULU
GAINSBOURG P.270 / JAMES VINCENT MCMORROW P.271 /
BEN HOWARD P.274 / LES CAHIERS DE LA BOARDCULTURE
: NIC VON RUPP – CHRISTIAN MCLEOD - PABLO PRIETO
– ADRIAN MORRIS P.277 / MINA TINDLE P.288 / 1995 ET LE
GARAGE P.290 / TOPS P.294 / UFFIE P.296 / NICOLAS
COMMENT P.300 / CRÉDITS PHOTOGRAPHIQUES ET
ICONOGRAPHIQUES ET MENTIONS LÉGALES P.307 / END.

VAMPIRE
WEEKEND
Interview publiée le 13 mai 2013
Avouons le, la première écoute de Modern Vampires Of The City, 3ème album de Vampire Weekend,
nous avait quelque peu calmé. D’un groupe jeune et bondissant, nous passions à une pop plus complexe
et chaude, qui n’attendait qu’à se révéler au fil des écoutes. Exit les références africaines, les hululements
d’Ezra Koenig et la fureur des guitares : on a eu peur. C’est avec le temps qu’on a compris ce qu’il se
passait dans la tête de ces 4 Américains qui ont vu le succès leur tomber dessus, sans (presque) rien
demander. De la vie éreintante des tournées à l’envie de se renouveler en passant par les djembés de
Jason Mraz, nous avons décidé d’un peu casser les règles de l’interview en prenant à chaque fois 4 ou 5
mots, parmi lesquels Christopher Tompson (batteur) et Chris Baio (bassiste) piocheraient par préférence
et inspiration, pour ensuite parler. Voici donc la trace presque intégrale de la discussion que nous avons
eu avec eux. Drôle, et sincère à la fois.
Pour commencer, pourriez vous présenter votre
partenaire, l’un après l’autre ?
Chris Baio : Christopher William Tomson est né le 8
mars (il s’arrête net, ndlr) 6 mars 1984 ! Il vient de
l’Upstate New York et a grandi dans une ferme du
New Jersey, avec un terrain magnifique et une
grange, où certaines des premières démos de
Vampire Weekend ont été conçues. C’est un athlète
inconditionnel, le meilleur du groupe : peu importe le
sport qu’il choisit, il nous bat tous les trois haut la
main. C’est quelqu’un que je suis fier d’appeler “ami”.
Enfin, c’est un batteur génial et un percussionniste
hors pair.
Chris Tomson : Christopher Joseph Baio est né le 29
octobre 1984 (ils se donnent un High-Five parce qu’il
a trouvé la date du premier coup, ndlr) c’est le plus
jeune membre du groupe. C’est aussi, depuis peu, un
homme marié. Il est bassiste et DJ à ses heures
perdues. Il a grandi à Westchester NY après avoir
déménagé quand il avait 5 ans. Il kiffe la dance music
et un peu tout et n’importe quoi, du moment qu’il y a
des basses qui démontent tout.
Si on vous dit guitare électrique/Djembé/violons ?
Tomson : La première chose à laquelle je pense, là,
comme ça, c’est Jason Mraz. Il a un joueur de Djembé
dans son groupe ! Je ne pense pas avoir joué

Djembé depuis le lycée. Mais où est-ce que je veux
en venir ? (Rires).
Baio : Violons. C’est l’instrument qui a le son le plus
royal, majestueux, avec le clavecin, parmis tous. Sur
Modern Vampires Of The City, il y a moins de violon
et plus de clavecin que sur les précédents. Je sais
que le terme “royal” n’est pas à proprement dit
musical, mais on a beaucoup discuté de ce terme, on
l’a exploré au sein du groupe, il convient bien.
En écoutant l’album, on se rend compte que le son
des violons est très bas, presque masqué par le reste
des instruments. Pourquoi ?
Baio : Rostam et Ariel (qui co-produit l’album, ndlr)
sont très méticuleux lorsqu’il s’agit de mixer les
morceaux. Ils choisissent précisément l’importance
des instruments les uns par rapport aux autres.
Certains titres ont été mixés plus de quinze fois ! Ce
que j’aime beaucoup avec les cordes de Modern
Vampires Of The City c’est qu’il est, la plupart du
temps, difficile de deviner s’il s’agit de vrais
instruments ou s’ils ont été joués au synthétiseur.
C’est ce qui rend cet album unique.
On a vu votre prestation sur le plateau de Jimmy
Kimmel et on s’est demandait où était le violoncelle…
Baio : (Rires) Il y avait un violoncelle ! C’est juste que
la caméra ne l’a pas vraiment mis en valeur…
Tomson : Il y avait aussi trois cors à côté de moi. Et
un violoncelliste, tout seul. En général, à la télévision
américaine, si des musiciens accompagnent un
groupe, ils sont rarement filmés.
Baio : En ce qui concerne les guitares électriques, il y
en a aussi très peu sur cet album. À part pour Diane
Young. Les habitudes commençaient à s’installer au
sein de la formation, et les riffs de guitare hauts
perchés, aux motifs africains, qui caractérisent si bien
les deux premiers albums avaient été assez
exploitées. Nous ne voulions pas nous répéter.
Tomson : Les influences africaines sont toujours là,
au fond, mais vous en auriez sûrement eu marre si
l’on vous sortait un A-Punk II.
Baio : Carrément ! Imaginez qu’on écrive un B-Punk,
un C-Punk ! (Tomson explose de rire ndlr)
Si on vous dit Paris/New-York/Los
Angeles/London/Berlin ?
Tomson : New York. On y vit tous. C’est là qu’on écrit
la majorité des morceaux et où Rostam et Ezra
démarrent le processus de création. Par contre, la
production s’est faite à Los Angeles avec Ariel, dans
un studio. J’ai aussi envie de choisir une ville qui n’est
pas dans les propositions. Alors qu’on était à la moitié
de l’album, on est allé sur l’île Martha’s Vineyard, près
des côtes du Massachusetts pour travailler ensemble.
C’est là que la “finalisation” du disque s’est mise en
marche. On a rien foutu à Londres par contre.
Baio : Quand même ! Notre maison de disques est làbas.
Cela nous mène à y passer un peu de temps,
c’est comme une deuxième maison, surtout durant les
tournées.
Tomson : Pas faux. On a aussi joué à Tokyo pour cet
album, et donné quelques interviews japonaises.
Berlin. Chris à joué là-bas quelques fois en tant que
DJ.
Baio : Oui, dans une salle qui devait contenir à peu
près quatre-vingt personnes. C’était génial. On a
aussi fait des super concerts dans cette ville.
Quand savez-vous qu’un morceau est terminé ?
Tomson : C’est assez variable. Il est arrivé plusieurs
fois, sur différents titres, qu’on ait un morceau qui
aurait pu être laissé tel quel. Pourtant, il manquait
quelque chose. La solution, en général, c’était d’en
retirer certains éléments, certaines couches, pour les
rendre plus intéressants.
Discussions formelles/discussions en
soirée/tristesse/mélancolie/solitude ?
Tomson : Nous avons une discussion formelle, en ce
moment, assis dans des beaux fauteuils, à côté de
vieux tableaux, dans une chambre d’hôtel rouge.
Baio : Pour les discussions en soirée, j’imagine un
cercle, avec des amis et des verres en plastique
rouge ou bleu, comme dans toutes les fêtes
américaines. Je pense à la fac, à l’idée de se
socialiser. Cela semble être un rituel.
Je pense aussi à la mélancolie, à la solitude : entre le
premier album et la fin de la tournée de Contra (leur
deuxième album, ndlr), on n’a pas arrêté une
seconde. À chaque moment du jour ou de la nuit, on
savait où l’on serait le lendemain, avec un emploi du
temps parfaitement orchestré et des gens qui
s’assuraient qu’on le respecte. On a vieilli de quatre
ans d’un coup et le break qu’on a pris il y a deux ans
nous a fait du bien. Après ce mouvement incessant, le
fait de se retrouver sans rien faire, sans but précis, de
pouvoir rester dans son lit pendant deux semaines,
n’en sortir que pour se nourrir, histoire de rester en
vie, a quelque chose de profondément mélancolique.
La solitude et la tristesse pouvaient se faire ressentir
dans de tels moments. Je pense d’ailleurs que la
plupart des musiciens doivent se sentir ainsi lorsqu’ils
terminent leurs tournées, à moins qu’ils n’enchaînent
directement sur un autre projet. Cela se produit très
certainement pour tous les artistes en général, en
achevant un roman ou un film. C’est important, pour
que le processus de création fonctionne.
Vous voyez vos amis/votre famille pendant les
tournées ?
Tomson : On garde contact avec notre famille et nos
amis bien sûr, grâce à internet. Mais le fait de partir
un mois, revenir, repartir, cela nous fait rater des
trucs, c’est normal. On le savait de toute manière.
moments du quotidien que l’on

À l’opposé de la solitude et de la mélancolie, c’est
aussi agréable et indispensable de se reposer pour la
création du nouvel album.
Ce nouvel album est clairement plus sombre que les
précédents…
Tomson : Il y a plusieurs atmosphères qui se
dégagent des morceaux. D’abord, du Romantisme,
avec un R majuscule, au niveau des textes. Par
contre, je suis le seul à avoir rompu avec quelqu’un, et
je ne pense pas que cela ait influencé les textes. Mais
au cas où vous vous feriez du souci : je vais bien ! J’ai
d’ailleurs une autre copine depuis (Rires).
Procrastination/Perfection/Recherche/Obsession ?
Tomson : Toutes ces choses arrivent, sur tous les
albums. L’essentiel c’est qu’il faut faire en sorte
qu’elles soient faites de manière équilibrée. Cela
rejoint votre question sur le fait de savoir quand un
morceau est terminé. On a cherché la perfection du
mieux qu’on pouvait. On a aussi procrastiné, c’est
certain. Tous ces mots sont reliés, d’une certaine
manière, même si chacun d’entre eux mène à des
résultats différents. Pour nous, cela a mené à ce
nouvel album et l’on espère que c’est réussi.
Propos reccueillis par Bastien Internicola
Traduction : Bastien Internicola & Brice Bossavie
Photos : XL Recordings ©

MADLIB
AKA QUASIMOTO
Interview publiée le 18 mars 2014
Figure de proue du prestigieux label américain Stones Throw et roi indétrônable de l’abstract hip-hop, on
sait peu de choses sur Madlib. Très discret et peu présent sur scène, le “Loop Digga” est surtout connu
pour s’enfermer des semaines entières dans son “bunker”, passant le plus clair de son temps à écouter
des disques, chercher des boucles et faire des beats. Alors que sort aujourd’hui Piñata, en collaboration
avec Freddie Gibbs, voici l’interview qu’il nous a accordée lors de sa dernière venue à Paris.
Pourrais-tu te présenter rapidement ?
Mon nom est Madlib, aussi connu sous le
pseudonyme de Quasimoto. Je suis principalement
producteur. J’ai travaillé avec J Dilla, MF Doom, Talib
Kweli, Guilty Simpson, Freddie Gibbs…
Comment est né ce personnage de Quasimoto, ton
alter ego ?
J’ai surtout créé Quasimoto car je n’aime pas ma voix
quand je rappe. J’ai commencé à faire quelques
expérimentations en fumant des joints et en mangeant
des champignons, tu vois ce que je veux dire ?
(Rires). J’ai essayé de trouver une alternative et c’est
comme ça que Lord Quas est né. Je voulais aussi
créer un personnage à qui je pouvais faire dire tout ce
que je voulais et faire des boucles avec n’importe quel
type de musique. C’est Jeff Jank (le directeur
artistique de Stonesthrow, ndlr) qui l’a dessiné.
Sa première apparition, c’était sur un skit de
Lootpack, 20 Questions et c’était bien avant la sortie
de The Unseen, en fait il existe depuis longtemps !
Ouais effectivement, je commençais à peine à bosser
sur le projet Quasimoto à l’époque. The Unseen n’est
sorti que cinq ans plus tard.
C’est prévu que l’animal reprenne du service bientôt
avec de nouveaux titres ?
Le dernier Quasimoto en date, Yessir Whatever, était
juste une compilation d’inédits et de raretés qui ne
figuraient que sur des vinyles qui ne sont plus édités.
Pour répondre à ta question, j’ai pas mal travaillé sur
un nouveau Quasimoto ces derniers temps, mais c’est
loin d’être terminé.
MF Doom arrive dans le hall de l’hôtel, visiblement il
décuve encore :

Madlib : Supa !
MF Doom : (Rires)
Madlib : Encore bourré !
MF Doom : Je crois que je vais retourner me coucher !
Madlib : Dit-il en se dirigeant vers le bar ! (Rires) On
était sur scène toute la nuit à Londres, nous n’avons
presque pas dormi !
Il parait que Mos Def était là aussi.
Ouais c’était vraiment cool ! On travaille sur un album
ensemble en ce moment, ça avance vraiment bien !
Et dans l’immédiat, c’est quoi ton actualité ?
Le dernier album que j’ai sorti c’était Rock Konducta
qui fait partie de la série des Beat Konducta. Sinon le
prochain à paraître, c’est celui avec Freddie Gibbs,
Piñata. Après j’ai beaucoup d’autres albums qui sont
terminés mais aucune date de sortie pour l’instant.
Tu peux nous parler un peu de tes parents, de la
façon dont ils t’ont initié à la musique ?
Mon père était chanteur de soul dans les années 60, il
faisait partie du groupe Otis Jackson & The
Compromisers. Quand j’étais petit, il m’emmenait
avec lui dans son studio et me laissait toucher à tout,
je passais beaucoup de temps à le regarder travailler.
C’est comme ça que je suis tombé amoureux de la
musique et que j’ai appris la production. Il avait aussi
une énorme collection de vinyles, mon frère et moi on
passait des journées entières à les écouter. Toute ma
famille est dans la musique. Ma mère écrivait les
chansons de mon père, mon oncle Jon Faddis était
trompettiste de jazz et mon frère Oh No fait la même
chose que moi.
En parlant de ton frère, vous allez faire un album
ensemble un jour ?
C’est déjà fait ! Je ne sais pas quand il sortira mais il
est terminé depuis un bon moment !
Tu écoutes énormément de musique et tu en produis
tellement que c’est un peu difficile de te suivre,
comment trouves-tu le temps de tout faire ? Ça
t’arrive de dormir ?
Ça m’arrive ! (Rires). J’aime la musique tout
simplement, tu vois ce que je veux dire ? Je peux
bosser des semaines entières sans presque jamais
m’arrêter, puis je fais un break de quelques mois. Je
produis tellement de musique en une journée que je
peux ne pas enregistrer pendant une semaine entière,
des mois… J’ai toujours fonctionné comme ça. Quand
j’étais plus jeune, mes potes allaient jouer au basket
et moi je m’enfermais dans ma chambre pour faire de
la musique, c’est ce que j’ai toujours fait !
Parle-nous un peu de ta façon de faire, de
l’équipement avec lequel tu travailles.
Je n’ai pas vraiment de processus. Parfois je peux
utiliser deux CDJ et faire un beat. Je travaille très peu
sur ordinateur mais il m’arrive de faire des beats sur
mon iPad. J’utilise essentiellement un équipement très
cheap, des claviers et des samplers, je ne suis pas
trop attiré par tout ce qui est hi-tech. Tu peux utiliser
plein de machines différentes et pourtant faire toujours
la même chose…
Ta discographie est particulièrement éclectique, tu
produis du hip-hop, du jazz, de la soul, tu as même
mixé du reggae sur Blunted in The Bomb Shelter,
comment définirais-tu ton design sonore ? Quelle est
sa principale caractéristique ?
“My Soul, my blue Soul” ! J’aime rester dans le vague
et travailler de manière instinctive, je ne suis vraiment
pas du genre à polir un beat jusqu’à ce qu’il soit
parfait. Une fois que c’est terminé je passe à autre
chose, je ne reviens jamais dessus. A certains
moments je peux travailler sur dix albums en même
temps, alors je ne perds pas de temps avec tout ça.
Vous en êtes où avec Doom sur le prochain
Madvillain, ça avance bien ?
Ouais l’album est presque fini, on a déjà 13 titres.
Il se tourne vers MF Doom qui est accoudé au bar et
qui entame une autre bière :
Madlib : Ah merde, il reste plus qu’une bière (Rires).
MF Doom : Aujourd’hui je commence tôt, tchin tchin !
Comment décrirais-tu ta relation avec Peanut Butter
Wolf, le fondateur de Stones Throw ?
On est potes depuis très longtemps. Je suis le
premier artiste qu’il a signé sur Stones Throw. Mon
père avait sorti le premier EP de Lootpack, Pysche
Move, sur son label Crate’s Digger Palace. Il l’a fait
écouté à Wolf qui a tout de suite adoré et qui nous a
immédiatement signés, juste en écoutant l’album.
Après tout s’est enchaîné très vite : il a déménagé en
Californie et Egon et moi avons emménagé dans sa
maison où l’on a vécu cinq ou six ans avec Jeff Jank
aussi. Je suis resté là-bas aussi longtemps car j’avais
vraiment une grande liberté, je pouvais faire ce que je
voulais quand je voulais, tout en gagnant de l’argent.
Changeons de registre, pourrais-tu nous parler un peu
de tes goûts cinématographiques ?
J’aime beaucoup les vieux films de la Blaxploitation et
les films de science-fiction. Mon réalisateur préféré
est sans hésiter Melvin Van Peebles, sans doute
parce que ses films sont aussi bizarres que ma
musique (rires) ! C’est à travers ses films que j’ai
découverts les bandes originales. Je les ai beaucoup
samplées pour les Quasimoto.
Pour finir une question pas simple : selon toi quelle
est l’essence du hip-hop ?
Difficile à dire mais en tout cas je pense que ce qui est
fondamental, c’est d’être le plus honnête possible
avec toi-même, de ne pas être faux et d’essayer
d’absorber les quatre éléments, tu vois ce que je veux
dire ?
Propos recueillis par Maxime Rosenfeld
Photographies : Simon Betite, pour Crumb
magazine

SKY
FERREIRA
Rencontre/texte publiée le 17 mars 2014
Je devais rencontrer Sky Ferreira la semaine du 7
mars. Mais sa blessure à la jambe droite, qu’elle s’est
infligée lors de sa première date en ouverture du
Bangerz Tour de Miley Cyrus, s’est infectée.
Impossibilité de prendre l’avion. L’interview a donc été
repoussée à la semaine suivante, bousculant l’emploi
du temps de la jeune artiste. Alors qu’il était convenu
d’un entretien de trente minutes, j’hérite finalement de
quinze petites minutes en compagnie d’une Sky
discrète, la mine un peu fatiguée, mais disponible et
surtout, honnête.
Sky Ferreira est assise sur un fauteuil d’une chambre
du W Hotel, à deux pas de l’Opéra Garnier, à Paris.
La pièce a été vidée de ses meubles. Une grande
baie vitrée donne sur les rues de la capitale, jetant
dans la pièce une lumière chaude et claire. Elle est
vêtue d’une parka verte et chaussée de grosses boots
noires, comme si c’était encore l’hiver. Un jean
boyfriend cache partiellement un bandage autour de
sa jambe droite. Un brin déglinguée, légèrement
maquillée, elle pianote sur son téléphone.
J’ai découvert Sky Ferreira lorsqu’elle posait pour nos
confrères du magazine Jalouse en juin 2010 à
l’occasion du Jalouse Rocks Paris festival, une de ses
premières scènes, aux côtés de We Have Band, The
Drums ou encore I Blame Coco. Sky Ferreira y
apparaissait comme une gamine aux airs de Lolita
avec ses longues boucles blondes et sa pop
bubblegum. Cette adolescente m’a tout de suite paru
volontaire et différente des autres starlettes de
l’époque. Son compte Facebook, alimenté de ses
pensées de passage, était d’une honnêteté assez
inédite. Quelques 20 000 personnes likaient la page,
certains la suivaient depuis l’époque Myspace (le site
qui lui a permis d’être produite par BloodShy & Avant,
les producteurs du Toxic de Britney Spears, ndlr).
Presque quatre ans plus tard, plus de 290 000
personnes suivent Sky Ferreira sur le réseau social, et
peuvent enfin écouter son premier album, Night Time,
My Time qui sort ce jour en France. Il a été enregistré
en trois semaines avec la complicité d’Ariel
Rechtshaid et Justin Raisen. Le résultat pour Sky
Ferreira d’une longue bataille avec son label. “J’ai
commencé très jeune. Je n’avais pas les bonnes
personnes autour de moi et elles ne cherchaient pas à
m’aider ou à faire valoir mes intérêts. Je devais
constamment me battre contre des gens avec un ego
et du pouvoir. Dans le label, le principal problème était
que chaque personne voulait que je sois quelqu’un de
différent. Ils désiraient beaucoup de choses mais ils
ne voulaient pas me laisser être moi-même.”
Après deux EPs, As if en 2011, et Ghost, l’année
suivante, Sky Ferreira explique que son label avait
perdu de l’intérêt pour elle, mais qu’il fallait tout de
même sortir un album. “Capitol a posé une deadline et
m’a dit “nous avons besoin d’un album dans trois
semaines” ou quatre semaines, quelque chose
comme cela. Il y avait déjà un album de prêt mais je
sentais que j’avais beaucoup plus en moi que ce qui
était prévu. Donc nous sommes allés en studio avec
Justin et Ariel, et nous avons écrit ce qui représente la
moitié de Night Time, My Time pendant ces trois
semaines.” Durant cette période intensive de studio,
naissent les titres I Blame Myself, Heavy Metal Heart,

Nobody Asked Me, Omanko, Kristine et enfin Night
Time, My Time. Des morceaux incisifs, sombres et
intimes, qui reflètent cette tension entre le label et la
jeune artiste. “Aujourd’hui, mes relations avec le label
sont meilleures, surtout depuis que j’ai un nouveau
management. Mais je ne suis pas une personne
difficile, j’ai seulement un point de vue sur ce que je
veux faire. Je ne voulais pas mentir aux gens. Si
j’avais voulu sortir un album que je jugeais pas mal et
seulement pas mal, j’aurais sorti la première version.”
La suite, Sky Ferreira en est elle-même étonnée :
“Depuis que Night Time, My Time est sorti, certaines
personnes ont commencé à changer la perception
qu’elles avaient de moi. Je ne m’attendais pas à
certaines réactions ! Et j’ai enfin trouvé un manager
qui est dans la mesure de dire que je n’ai pas à
complètement changer pour avoir du succès.”
Lorsque Sky Ferreira prend la parole, elle choisit ses
mots. Parle lentement. Hache ses phrases tout en
évitant de regarder son interlocuteur trop souvent
dans les yeux. Elle scrute la fenêtre, laissant
transparaître une personnalité réservée. Mais ce qui
ressort de cet échange, c’est à quel point elle reste
fidèle à elle-même. Elle n’hésite pas à prendre la
parole pour se révolter contre des pratiques à son
encontre qu’elle juge indécentes et qui ont
principalement lieu sur Internet. “Ma carrière a
commencé quand j’avais 15 ans grâce à Internet.
J’étais très jeune, dans cette période où l’on a peu
confiance en soi. Bien sûr, j’essaie de ne pas faire
attention à ce que disent les gens, mais on veut
toujours que les autres nous aiment bien, et non qu’ils
nous détestent. Je n’ai jamais rien fait pour qu’on me
traite comme cela ou que l’on parle de moi de cette
façon. Aujourd’hui, ce genre de personnes ne
représente pour moi que des gens derrière des
écrans d’ordinateurs. Rien d’autre.”
Victime de propos haineux, Sky Ferreira se défend
directement sur Facebook où elle a écrit la semaine
dernière un message pour dénoncer la violence des
propos qu’elle reçoit. “Ce que j’ai écrit sur Facebook,
ce n’est pas à propos des haters, des trolls, c’est
seulement à propos d’humanité. Si tu as agresses
sexuellement quelqu’un via un clavier, cela revient au
même que d’avoir l’intention de le faire en vrai. Alors
que la plupart des gens ne diraient jamais ce genre de
choses dans la vie. Les filles peuvent particulièrement
être très violentes et écœurantes. Tu peux regarder
ce que certaines disent sur Lana Del Rey ou Miley
Cyrus, cela peut faire peur parfois. Je reçois
également ce type de commentaires et cela a toujours
été le cas. J’essaie de les ignorer pour ne pas leur
donner de crédit. Ce que j’ai écrit sur Facebook,
c’était plus une pensée que j’ai eu au milieu de la nuit
qu’un message à proprement parler. J’ai eu beaucoup
de retours positifs. C’était la première fois qu’une telle
chose m’arrivait ! Mais ce qui me contrarie aussi, c’est
qu’un message de ce type, écrit par une femme, est
considéré comme une rébellion. Alors que si cela
avait été écrit par une rock star, il aurait été considéré
comme quelque chose de cool.” Elle pointe alors le
problème du sexisme dans l’industrie musicale. “De
mon expérience personnelle, les gens ont été
sexistes. Mais je suis sûre que les mecs sont aussi
victimes de cela, comme Justin Bieber, par exemple
qui a dû faire face à des insultes.”
La tête sur les épaules, Sky Ferreira donne sa vision
de la pop music et du climat de compétition qui règne
entre les artistes féminines : “On est constamment
comparées les unes aux autres, ou présentées
comme étant la nouvelle version d’une fille qui a sorti
un titre le mois d’avant. La compétition n’est pas
forcément une mauvaise chose, mais je ne pense pas
que l’on devrait se mettre des bâtons dans les roues.
Tenir publiquement des propos contre une autre fille
ne fait qu’empirer les choses. Les gens trouvent cela
divertissant, mais nous n’avons pas besoin de
négativité.” Elle évoque alors son amitié avec Miley
Cyrus qui lui a offert la première partie de sa tournée :
“Si on s’entend bien Miley et moi, je pense que c’est
parce que nous ne sommes pas en compétition et
nous faisons ce que nous avons envie de faire.”
En attendant mon tour pour l’interview, je patientais
dans le living-room de l’hôtel. Un magazine était posé
sur la table basse en face de moi. En le feuilletant, je
suis tombée sur une photographie de Sky Ferreira
illustrant une interview de la jeune photographe
canadienne, Petra Collins qui revendique ses idées et
valeurs féministes. Des idées que partagent Sky
Ferreira : “Je me considère comme une féministe.
Même s’il y a toujours un stéréotype négatif quand on
parle de féminisme. Il se passe beaucoup de choses.
Il faut faire entendre notre voix.”
Le 10 mars dernier, Sky Ferreira a écrit sur son
compte Facebook : “ I almost wrote “fuck the media”
until I realized that’s all I’ll be doing for the 12 hours
today.” Elle s’explique librement sur le sujet : “Certains
médias essaient de manipuler mon image ou de
manipuler les mots que je dis pour les rendre plus
divertissants pour les personnes qui vont ensuite les
lire. Les gens ont la possibilité de changer tout ce
qu’ils veulent. Je dois constamment me défendre
alors que les interviews sont l’occasion, à mon sens,
de connaître les artistes, de savoir ce qu’ils pensent et
ce qu’ils font plutôt que d’essayer de les faire se
disputer avec vous. J’ai l’impression que cela arrive
beaucoup.”
L’interview est sur le point de se terminer. Juste le
temps d’évoquer le passage de Sky Ferreira au
Nouveau Casino, à Paris, à la fin du mois de janvier :
“On devait faire une reprise mais on n’a finalement
pas eu le temps de la préparer.” Et pour le dernier
morceau avorté de la setlist, Gurl You Gotta Party ?
Elle réfléchit une seconde, puis éclate de rire : “C’était
une blague ! Pour la personne qui aura la setlist,
qu’elle se demande “mais quelle est cette chanson ?
Je ne la connais pas !”.”
Texte et propos reccueillis par Alice de Jode

©Jason-Lee Parry

GRÜNT
JEAN MOREL
Interview publiée le 18 février 2013

G pour Grünt et pour engaGé. Acteur principal de la scène rap underground parisienne mais aussi angegardien
de l’état d’esprit hip-hop parfois malmené, Grünt est une “nébuleuse culturelle”, partenaire de
Radio Nova, qui surprend par son ambition, étonne par son énergie et séduit par sa modestie. Dans une
tension créative entre lyrisme éloquent et réalité urbaine, Jean Morel, tête pensante à lunettes du projet
discute dans son rade préféré. Une langue débridée et une passion intelligente qui soulèvent une
réflexion sur l’évolution du journalisme d’aujourd’hui, son rôle et le statut de ses acteurs. Optimiste, Grünt
nous offre un départ direct vers une presse engagée dans son essence même : son audience. T’inquiètes
pas, tu vas vite saisir…
Si personne n’arrive à définir Grünt, toi tu y arrives ?
Grünt c’est un tel bordel que je me force à théoriser
au minimum. C’est un projet en cours, ce qui sous
entend que la forme n’est même pas définie pour
nous. Par exemple, pour confronter la culture rap à la
culture dominante, notre dernière idée a été de
demander à des Normaliens en Lettres de commenter
des textes de rap, comme si c’était un examen de
BAC. Le terme vague de « nébuleuse » permet d’avoir
l’espace de prendre des nouvelles directions et de
surprendre notre public. Je n’ai jamais voulu
considérer Grünt comme un unique format vidéo.
Sans prétention, j’essaye d’élever le niveau.
Dès la naissance de Grünt l’auditeur pouvait
t’entendre dire : “Nous avons pour ambition de mettre
en avant la créativité d’aujourd’hui puisque celle-ci
n’est plus assurée par les formats vieillissants”. Tu
restes sur cette position aujourd’hui ?
Je le crois toujours mais j’ai commencé à être moins
vindicatif. Grâce à l’expérience Grünt, je mesure mon
propos maintenant. Comme je me rends compte que
Grünt me fait vraiment vibrer, j’aimerais bien qu’il y ait
un de ces grands médias là qui ait l’intelligence de
comprendre l’ambition qui est la notre à savoir une
culture présentée comme telle, brute, sans altération
de forme imputée par un format classique. Du coup,
jamais Grünt ne modifiera son format journalistique
parce que ça représente notre innovation et notre état
d’esprit.
Alors un média comme Radio Nova joue quel rôle
dans l’aventure Grünt ?
Nova nous sert et nous apporte énormément, grâce à
son image et son rayonnement. Sans rien avoir
inventé, j’ai plaisir à pouvoir me dire que nous avons
réinstauré au sein de Nova un format mis en place par
Dee Nasty. Je cherche à faire réapparaître l’esprit
authentique du hiphop. C’est marrant de voir qu’on a
pu avec Adrien Gingold (aka Gingoldescu, ami de
Crumb et Responsable Éditorial de Novaplanet, ndlr)
réutiliser le format free-style que Nova avait la
première mis à l’antenne, le seul format qui vaille pour
le hiphop. Et puis Nova est pour moi la seule radio qui
a toute sa légitimité, la seule dans laquelle je me
ressens en terme d’historicité du hiphop. De toute
façon aujourd’hui j’ai le meilleur partenariat du monde,
c’est le Saint Graal.
Ton expérience chez Nova a probablement fait
évoluer ta vision du journalisme…
Tel que moi je veux le pratiquer c’est une passion,
après tel que je le perçois autour de moi c’est quelque
chose qui a été dévoyé au fil du temps. Je pense qu’il
existe deux types de journalisme. Celui d’investigation
et l’autre qui est en cours de mutation. Plus par
l’accélération de la nouveauté que par la volonté
même des journalistes, d’ailleurs. On n’a plus le
temps de creuser suffisamment. La politique est celle
de l’exclusivité, surtout dans le milieu culturel. Avec
les blogs, là où j’ai commencé, tu fais une chasse à la
nouveauté parfois au détriment de la qualité. C’est la
logique de Google, premier à citer, premier à être
référencé, et c’est à partir de là que commence
l’influence de ta plateforme.
C’est ce qui t’a amené à changer de format ?
Exactement ! Ce nouveau format nous permet de
proposer un contenu plus poussé et plus exclusif sur
la toile. En fait ce n’est pas complètement nouveau
puisque le free-style hiphop existe depuis toujours
mais le fait qu’il soit filmé en appartement et dure
assez longtemps (30-40min, ndlr) marque la
différence. Ca permet à l’auditeur d’avoir le temps de
plonger dans le délire. Dans le contenu journalistique
pur, j’essaie de creuser pour éviter le « Est ce que
t’aime bien les « bitches » et l’argent ? ». Je me
tourne vers l’aspect technique du rap, le rapport à
l’écriture, au son, à l’esprit de collectif. A côté de ça,
quand un rappeur est invité par un grand média, on lui
pose une question minable sur la société et jamais sur
son Art en lui-même. J’avais envie d’aborder le sujet
avec qualité, c’est la seule chose qui peut nous
permettre de nous démarquer depuis que tout le
monde peut écrire sur le net.
Au début de Grünt on avait le droit à des articles
engagés sur la place et l’histoire du hiphop.
Maintenant Grünt se concentre sur le format vidéo.
Pour quelles raison cette évolution ?
Je n’arrive pas à trouver un format satisfaisant à
l’écrit. J’ai trop envie que ça soit précis, irréprochable
parce qu’il y en a beaucoup qui écrivent sur le hiphop
et il faut que cela reste accessible, pédagogue,
divertissant. J’ai le sentiment que dans mes interviews
vidéo/radio, je suis autant pointu qu’à l’écrit. En même
temps je viens de découvrir le format radio. Après

avoir bégayé au commencement, je me plais bien sur
ce format. A l’oral il y a ce moyen de rentrer en
contact avec le rappeur à travers le langage. Tu peux
rebondir sur ce que te dis l’autre. Alors que l’écrit est
plus rigide. Au final, c’est cela que permet Internet,
être multi formats. La vidéo, elle, c’est un concert à
emporter, une performance live devant ton ordi donc
ça attire. Malgré tout, l’écrit reste ma source principale
de donnée mais le plaisir que je trouve dans l’échange
de l’interview est une belle découverte.
Vers un retour à l’écriture ?
Idéalement j’aimerais bien sortir un petit bouquin, un
projet de plus grande envergure, du genre essai. Je
n’ai pas envie de faire un truc à la va-vite et qui n’a
que peu de sens, j’ai envie de me fixer un mois pour
sortir un produit fini dont je suis fier. C’est peut être
aussi que je ne pense pas avoir une plume de ouf,
que j’ai peur de l’écriture…
Dans tout ça, la thune elle sort d’où ?
Ahah. Dis moi si t’as une solution ! Pour l’instant on
cherche à réussir à avoir notre propre matos et à ne
plus l’emprunter à droite à gauche. On pourrait
envisager des partenariats, mais est ce que j’ai envie
d’être aliéné à une marque ? Surtout pas. Là je suis
libre, je garde la qualité. Au fond je sais pertinemment
que je ne gagnerais jamais ma vie avec Grünt. Après
le rêve d’avoir une structure avec des potes est
toujours là…
Dans ce cas là, pour quelles raisons Grünt prends un
rôle sur la scène culturelle ?
Pour le lüv (rires) ! Partager, rencontrer des
passionnés dans la rue qui te félicitent ça vaut toutes
les mailles de la terre. Savoir qu’il y a des accros à
Grünt, aussi. On a commencé par passion et continué
en étant surpris du soutien. En retour j’aimerais que
notre public nous prévienne si jamais on commence à
déconner. Nous n’avons pas envie de finir avec de la
merde dans les mains à 55 balais. Pour l’instant,
toujours pas de haters. Étonnant ! Ensuite, parce que
je pense qu’on est en mission. Avec la petite ampleur
qu’on a prise, on commence à avoir un rôle à jouer. A
présent, Grünt a pour mission de nettoyer ce que
nous n’aimons pas dans le journalisme. Si on continue
à fédérer autour de notre mouvance alors on pourra
trouver notre place. Là on va commencer à rigoler
parce qu’il y aura des gens méritant. On fait un
second ORTF en imposant uniquement du rap
underground ! (Rires)
Avec une telle fédération tu dépasses la simple
dimension de journalisme. Moi c’est facile je fais que
du culturel mais quand tu veux faire de l’info ça
devient plus compliqué.
Les lecteurs du Canard Enchainé pensent que leur
journal est la seule source de scoop. Ceux qui ont
réussi leur business model de ce point de vue là c’est
Médiapart. Déjà ils sont indépendants, ce qui brise la
méfiance du public et en plus ils se basent sur le
soutien des abonnés. Quand tu réussi à faire
comprendre à ta fanbase que sans eux tu ne peux
survivre alors là tu gagnes. Mais ce sont des
exemples minoritaires… Après ça, tu te demandes
comment NRJ fait les plus gros scores ? Il y a un tel
formatage, ça créé un tel instinct grégaire c’est
incompréhensible.
CRUMB est intéressant parce qu’on est à un moment
où toutes les cartes sont entrain d’être redistribuées.
On va voir comment une presse de qualité avec un
état d’esprit est accueillie par le grand public. Autour
de nous, à part CRUMB je ne vois aucun organe de
presse récent qui obéit à ce schéma là. C’est pour ça,
chapeau CRUMB ! Vous êtes une belle histoire avec
une équipe passionnée qui taffe. Grünt ça n’a rien à
voir, on est encore une micro-niche. Mais c’est ce qui
fait notre identité aussi.
Seule la passion a de l’importance…
On a jamais fait 1euros avec Grünt sans le réinvestir.
Tout le matos est emprunté. Si on monétisait notre
chaine YouTube on se ferait 30euros par mois, ce
serait de la folie ! Faut réinventer l’espace où tu te fais
de l’argent. C’est pour ça que Grünt je ne l’incarne
pas complètement, j’essaie aussi d’en faire une image
de marque, un label de qualité qui évoque un état
d’esprit. Il n’y a qu’avec ça qu’aujourd’hui que je peux
espérer faire ma vie.
Est ce que la presse numérique est condamnée à
cette limite d’audience et d’argent ?
Il ne faut plus miser, contrairement à Rue89, qui a
d’ailleurs été racheté, uniquement sur le contenu
presse. Si tu arrives à avoir une image, un état
d’esprit, une idée de valeur assez forte, c’est à partir
de cela que tu peux espérer des revenus. Grünt y
arrivera seulement par la diversification, organiser des
soirées open-mic et se faire un peu de mailles sur les
bières. Voilà où se fait de l’argent la presse :
l’événementiel. Arrêtons de croire que vous allez
vendre du contenu ! En même temps CRUMB à une
vrai fanbase. C’est pour ça que votre projet
m’intéresse, c’est un vrai pari.
Justement quel est l’état d’esprit Grünt ?
C’est le “Do It Yourself”, un peu comme vous. C’est
vendre des sweats par chers, c’est discuter de
manières de penser autour d’une bière. Je vis Grünt
comme une famille qui bosse tous ensemble parce
qu’on a besoin du public pour réussir. Je suis dans
l’échange plus que dans une position dominante.
Cette idée participative, ça fait plaisir : le public
partage les free-styles, propose son matériel. Il fait
notre force. C’était marrant aussi j’ai eu des mecs qui
me demandaient de faire un stage chez Grünt. Si tu
veux on peut aller faire un plat de pâtes ensemble
c’est tout ce que je peux te proposer (rires) !
Comment tu définis les valeurs identitaires de Grünt ?
Jamais avec Grünt on ne « vendra notre boule » pour
reprendre une ligne assez récurrente du Hip Hop. Ne
pas mettre de publicités au début de nos vidéos, c’est
pour nous capital. Je ne fais pas cela pour percer,
pour l’argent ou la célébrité. D’ailleurs je n’aime pas
trop montrer ma gueule. Nous les journalistes, nous

ne sommes que les facteurs. Ce sont les artistes qui
écrivent le courrier. Grünt est un médium entre le
public et les artistes. Ce sont eux qui ont le talent
alors je ne vais pas revendiquer quoi que ce soit.
Quand j’aurais analysé suffisamment pour faire en
sorte qu’on puisse comprendre la mesure de leur
talent, alors j’aurais réussi ma mission de journaliste.
Je ne vais pas ramener une star juste pour faire du
clic. En revanche, là avec le Süre Mesure 2 on arrive
à mettre en face l’Entourage, le collectif qui fait le plus
de buzz actuellement, et Rocé et Khondo qui
représentent l’Age d’Or du rap français. Sans ce
mélange de générations et de popularités, certains
jeunes d’aujourd’hui n’auraient pas découvert ces
figures essentielles. Je ne revendique pas une
érudition mais il faut assumer qu’il y a une histoire du
rap qui permet de comprendre ce qui se fait
aujourd’hui. Les rappeurs d’aujourd’hui respectent
l’héritage des anciens et nous on veut faire passer ça
du côté du public.
Donc si j’ai bien compris t’es le genre de personnalité
qui écoute Skyrock et NRJ ?
Ces radios sont le cancer de la musique ! Quand tu
penses que la loi sur la radio de 1981 stipule qu’on a
le droit de passer la musique qu’on veut ! Dans ces
radios il y a des professionnels payés pour créer une
playlist type qui concentre des tubes façonnés comme
tels, tout un système où les morceaux qui marchent le
mieux s’échangent entre les radios. Par conséquent,
95% des radios s’échangent 20 morceaux à partir de
cette sélection. Pourquoi chercher la nouveauté si les
gens s’enthousiasment toujours avec la même chose
? Ca c’est la pensée des grandes radios. Elles ont
abandonné leur mission première : la découverte
C’est de la musique imposée et non pas sélectionnée.
Ils devraient payer un programmateur, ça couterait
moins cher ! On a l’impression de marcher à l’envers !
Au cœur même de la signature grüntienne se trouve
une hybridité du langage entre langage écrit et oralité.
C’est ce qui permet à l’ovni Grünt d’être repéré ?
T’es chiant en fait comme mec (rires) ! T’es trop est
tatillon, je suis oblige de réfléchir.
C’est vrai on a mis en place une création identitaire.
Je me suis amusé à accaparer le langage des gens
que je rencontre, un argot que je peux maitriser par la
suite.
Jongler entre l’aspect populaire du rap et
l’intellectualisation de la production sans en faire trop,
c’est ce que j’espère avoir réussi de faire avec le ton
de Grünt. « Rapper » est devenu « kicker » dans ma
tête. Mon identité hybride entre études littéraires et
amour du hiphop dessine l’identité de Grünt !
Les rencontres ont donc principalement fait évoluer
ton expérience journalistique ?
A force de côtoyer des gens et de faire des
rencontres, celles-ci m’ouvrent les yeux sur la façon
authentique dont il faut traiter le sujet, oui. Aujourd’hui,
grâce à ces rencontres j’arrive à parler rap sans mon
jargon d’étudiant de prépa littéraire. L’oralité a cette
qualité d’être humain, vivant. Je parle avec leurs
propres termes, je suis dans leur perception de leur
Art. C’est cela aussi le but du journaliste. Il ne s’agit
pas de calquer un schéma de connaissance pré établi
mais de partager un rapport, une vision de la culture.
Ca permet à ceux que j’interviewe d’avoir le sentiment
de pouvoir se livrer dans le but de creuser ensemble.
Faut trouver le juste équilibre pour arriver à les sortir
de leur monde et à chercher un pourquoi. Je les mets
en confiance tout en les tirant vers de la qualité. Enfin,
je l’espère. Ce que j’aime, c’est quand je pose une
question auquel l’auteur n’avait jamais pensé. Ca c’est
pour moi du journalisme.
Le fait que je parle de l’aspect technique de leur
production revalorise leur Art, leur rend hommage. Si
j’arrive à insérer cette petite connerie alors je serai
content de mon travail. Le but du journalisme, pour
moi, c’est d’obliger à réfléchir, de mettre en défaut, de
faire progresser ensemble.
En quoi cette idée du partage se reflète t-elle chez
Grünt ?
Je me suis dis qu’on allait se poser sur le même ton
que ceux dont on parle.
Par rapport au ton j’aime bien relever le niveau sans
devenir soporifique. Je n’apprécie pas la manière
débilisante dont est traité le rap aujourd’hui. Les
rappeurs ont la science naturelle et authentique, moi
j’essaie d’apporter une théorie qui sera, par définition,
toujours en retard puisque leur art et leurs techniques
d’écritures sont en constante mutation.
Est ce que ce ton identitaire est une manière de cibler
un public particulier ?
Je ne sais pas. Mais en tout cas ce que ça m’a prouvé
c’est que ceux qui adhérent se retrouvent dans le ton,
qui est lui-même à notre image comme tu le dis.
J’adore discuter avec le public de Grünt et il me fait
comprendre qu’on est très similaires. Ensuite il y a
des profils différents : des filles qui sortent de grands
lycées parisiens mais se la jouent “street” et d’autres
vraiment “street” qui mériteraient d’être dans ses
grands lycées (rires) ! Ça me donne envie de tous les
réunir dans une belle salle pour qu’ils se marrent bien
entre eux. Ils se retrouvent autour d’un état d’esprit
qui est aussi le nôtre. Et ça c’est Grünt !
On assiste à une vraie évolution dans la
communication…
Exactement ! A partir du moment où tu échanges, cela
fonctionne. En même temps il y a un réel danger.
C’est que les professionnels de la communication
peuvent commencer à faire du faux état d’esprit, à
exploiter ce filon pour le vendre et le falsifier. La
perversion serait d’adopter artificiellement ce ton
intime. D’une certaine manière KissKissBankBank
c’est la première étape de ça. Est ce que dans le long
terme le crowdfunding ne va pas être réhabilité par
des grosses entreprises ? Elles n’ont pas vraiment
besoin de thunes mais vont utiliser cet outil qui est, à
la base, pour des projets ambitieux mais sans
moyens. Ce serait tout gâcher.

Est ce que dans cette proximité presque
indispensable on pourrait voir la fin de la suprématie
du statut de journaliste ?
Il ne se distinguera que par la qualité. J’estime que le
journaliste a un talent et que ce qu’il écrit a une valeur
qui mérite d’être lue/vue/reconnue par plus que luimême,
contrairement à un Tweet. Tant que le format
et le contenu journaliste est présent alors ça marche.
Il n’est pas descendu d’un piédestal s’il arrive à
bosser avec une réflexion peu importe le ton. Ca reste
principalement de la stratégie. C’est toute la mode du
Gonzo ; si le mec arrive à te toucher en te racontant
qu’il s’est pris une cuite alors tant mieux. Le ton pour
le ton c’est dangereux. Ou sinon t’as Jooks « le site
des mecs qui parlent aux mecs » avec des débats
comme « Est ce que se taper sa cousine est bien ? ».
Là c’est que du ton mais c’est drôle parce que ce n’est
pas pris au sérieux.
Tweeter, c’est faire du gonzo ?
Je ne crois pas aux 140 caractères. Encore une fois,
au niveau de la qualité. Je l’utilise pourtant mais cela
reste pour moi la défaite de la pensée, le summum du
rien. Ils ont réussi à pousser plus loin que PowerPoint
dans leur quête de la nullité. En plus tu donnes la
parole à des gens qui n’ont pas d’expertise. C’est
pour cela qu’on a encore besoin d’une presse et
qu’elle ne cessera d’exister. Nous aurons toujours
besoin d’un médium entre le mélange passionconnaissance
et le public. Pareil pour
MyMajorCompany : le contraste est énorme entre le
plébiscite d’un morceau et à sa réelle qualité. Même si
la musique c’est quelque chose de subjectif, il y a des
gens qui on une vraie oreille musicale. Ca s’apprend.
Twitter c’est l’antithèse de l’expertise, en partie à
cause du fait qu’il met en avant la logique de
l’exclusivité.
Je n’aurais pas du dire ça parce que si vous allez voir
ce que j’écris sur Twitter vous allez penser que je me
fous de votre gueule (rires).
Quel est ton point de vue sur la libéralisation de
l’expression par Internet et ce que cela change ?
Ce qui me dérange dans l’idée de libéralisation c’est
toute une théorie du complot qui en découle comme
quoi tous ceux qui avaient la parole avant nous étaient
des menteurs. L’émergence de la prise de parole
dénature parfois les anciennes autorités culturelles qui
ne sont alors plus respectées sous prétexte qu’elles
ne distillaient que des mensonges. Il y a une limite à
cela, mais c’est vrai qu’on est en droit de chercher
une autre information que les Unes régulière sur les
Francs Maçons par Le Point ou l’Express, ou ces
unes sur le Halal et « Cet Islam sans gêne ». Il n’y a
rien de plus racoleur et dangereux. Ca pour moi c’est
la démission de la presse…
En soi, Internet est à la fois le média le plus génial et
le plus dangereux du monde : il permet à la fois à des
gens qui le méritaient de prendre la parole mais aussi
à des gens potentiellement dangereux, ou juste cons,
de le faire aussi.
J’ai un peu le sentiment qu’Internet vit la même chose
que la radio après la libéralisation des ondes en 1981.
C’est à dire, qu’on a créé un format à la liberté
absolue et qu’aujourd’hui on termine avec 4 radios
dominantes avec 95% des gens qui les écoutent.
C’est la même chose avec Facebook, Google et
Twitter. A cause du fric, de la pub, de la logique de
suggestion autour du dernier clic qui limite ton champ
des possibilités, la plus grande liberté est brimée.
Internet a été reconditionné commercialement.
Que c soit de la part du lecteur ou du journaliste on
assiste également, par Internet ou à travers d’autres
supports, à une course vers l’originalité, une frénésie
de la nouveauté. Serait-ce une marque de
désengagement ?
Probablement. C’est surtout une évolution du temps.
T’es jamais concentré sur rien, t’as toujours dix
onglets ouverts quand tu “surfe sur le web” (rires). Et
alors, l’artiste qui te marque vraiment dans tout ce flux
il a encore plus de mérite que les autres. Cela
soulève, en effet, l’enjeu de la qualité. Je continue à
être persuadé que ceux qui ont vraiment du talent,
finissent toujours par être trouvés. Il faut arrêter avec
le mythe du poète maudit. A partir du moment où tu
composes et tu envisages un public, tu auras alors
toujours un public pour t’écouter. A condition, bien sûr,
que tu aies du talent ! D’un autre côté, avec cette
infinité de nouveautés l’auditeur semble ne pas
pouvoir éviter la lassitude. Le journaliste peut tuer un
talent plutôt que de le mettre en avant à force d’en
parler, la sur-médiatisation est dangereuse. On peut
arriver à une saturation.
Et si Grünt ne se fait pas trop rare il sera où dans un
an ?
Si je rêve et espère, je dirais que proportionnellement
on sera 15 000 fans sur Facebook l’année prochaine
et on pourrait remplir virtuellement un Bataclan. Créer
une vraie communauté, ça serait la consécration d’un
idéal sans être la fin de l’aventure, loin de là. C’est
aussi simple que ça quand tu fais du journalisme par
passion. D’ailleurs, je vous invite !
Propos recueillis et écrits par Sirius Epron
Photos : Simon Betite, pour Crumb magazine
Dédicaces à Quentin, Simon et Costo, les pilliers de
Grünt.

AUSTRA
Katie Stelmanis
Interview publiée le 12 mai 2013
Après avoir sorti « Feel It Break » lʼun des meilleurs albums de 2011, Austra revient sur le devant de la
scène avec un nouvel LP, « Olympia » sorti le 18 Juin prochain. Alors que leur premier album était
principalement complété par la chanteuse Katie Stelmanis, ce nouvel opus est le produit dʼune approche
plus collaborative entre les six membres du groupe, Katie, Maya Postepski, Dorian Wolf, Ryan Wonsiak,
Sari et Romy Lightman.
Olympia est un album romantique, pragmatique, électronique, groovy, mélancolique, dont les thèmes
abordés varient entre lʼamour, lʼamitié et la vie de tous les jours ; dépassant les limites des genres
musicaux. Il est également très personnel pour Katie. A la limite de la confession, elle nous livre ses
pensées, ses déceptions, ses relations, ou encore ses erreurs « What do I have to do to make you forgive
me ? I wouldnʼt even tell the world if you could hear Iʼm sorry ». Récit…
Tu as très longtemps étudié la musique classique et le
chant lyrique. Depuis toute petite tu as été formatée
dans ce domaine, aujourdʼhui comment composes-tu
? Parles-nous de la manière dont tu as évolué…
Je pense que beaucoup de choses sont différentes.
Quand jʼai arrêté la musique classique et voulu
commencer à écrire et composer, je ne pouvais pas le
faire au piano parce que jʼétais effectivement
formatée. J’ai été éduquée à jouer du piano de la
façon la plus classique qui soit, à savoir regarder les
notes et les jouer exactement telles quʼelles étaient
écrites. Je ne pouvais pas voir autrement. En jouant
de la guitare, j’ai véritablement commencé à
composer et à voir les notes et les claviers dʼune autre
façon.
Ensuite tu as créé Galaxy…
Oui avec Maya ! Cʼétait un peu du post punk/garage.
Et là cʼest devenu important pour moi de
composer. Ca a vraiment changé ma façon
dʼappréhender la musique.
Vous avez découvert la musique électronique
ensemble et tu as d’ailleurs commencé à t’inspirer de
Radiohead ou encore de Björk ? Que penses-tu de la
scène électronique aujourdʼhui ?
La musique électronique est tellement populaire
maintenant, qu’elle est devenue mainstream. On est
cependant dans une période très intéressante. Je
pense que la combine est de ne pas tout composer
sur ordinateur mais de garder des éléments «
organiques » pour faire quelque chose de spécial…

Quel est ton principal objectif en musique ?
Je crois que jʼai un objectif différent avec chaque
album. Sur celui-ci nous voulions créer un album
électronic-dance mais à la manière acoustique, sans
utiliser de clavier midi ni de logiciels. Quasiment
toutes les chansons ont été enregistrées en live. Alors
évidemment, on entend parfois des imperfections, tout
n’est pas en place mais on voulait vraiment garder ça.
Tu as co-écrit et interprété deux chansons du groupe
Death In Vegas, « Witchdance» et « Your Loft My
Acid ». Comment ça s’est passé ?
En fait c’était vraiment du hasard, Richard (Richard
Fearless, fondateur de Death In Vegas, ndlr) mʼa
contacté à l’improviste, par le biais de mon label.
J’étais à Londres à ce moment-là. Je ne connaissais
pas trop sa musique. Quand j’ai enregistré ses
chansons, il m’a hébergé chez lui pendant trois
semaines. Je me disais « C’est génial, sweet deal ! »
(Rires). C’était vraiment cool et intéressant parce qu’à
chaque fois que je chantais il me disait de le faire plus
calmement et au final je me suis limite retrouvée à
parler… C’était une chouette rencontre.
Feel It Break était pour nous lʼun des meilleurs albums
de 2011, vous êtes parti en tournée pendant deux
ans. Quʼen avez-vous tiré ?
Oui, nous n’avons pas arrêté pendant deux ans.
Après avoir joué dans autant de salles et de villes,
chaque fois que l’on arrivait quelque part, on se disait
« Il faut que l’on fasse quelque chose de nouveau, on
a déjà joué ici ». On a pas mal fait évoluer les
morceaux. Au début je n’avais vraiment pas confiance
en moi en tant que “performeuse”, mais avec le temps
on en apprend plus sur la technologie et le rapport à
la scène. Et puis… On a joué avec The XX et The
Gossip.
Raconte-nous votre rencontre avec The Gossip !
C’était vraiment très cool ! Surtout que j’étais une
énorme fan dʼeux quand j’avais 18 ans, et je les
voyais toujours quand ils passaient à Toronto. Ce que
j’adorais c’est que c’était à peu près toujours le même
show : Beth retirait ses vêtements et courait dans le
public ! Elle est très théâtrale et n’as jamais peur de
s’exprimer. Huit ans après, nous avons joué ensemble
à Berlin, et elle a refait la même chose ! Elle retire ses
vêtements, court partout, chante Queen, mais cette
fois devant 10 000 personnes. Elle n’a pas changé.
Elle ne changera jamais.
Sur Feel It Break, tu as travaillé principalement toute
seule. Olympia est lui, le fruit dʼune collaboration entre
toi, Dorian, Maya et Sari…
Oui. Je voulais vraiment faire un album collaboratif,
quelque chose qui reflétait nos concerts. J’avais
l’impression qu’à la fin de notre tournée, nous avions
une énergie tellement forte en live que cela ne
ressemblait plus à l’album. Je ne voulais pas refaire
un album solo, c’était important que tout le monde
apporte ses idées pour donner vie à plus de créativité.
C’est aussi un album différent, très personnel, à la
limite de la confession, tu t’adresses à tes proches,
principalement à propos de ta vie, de tes relations ou
déceptions…
Oui. Il était important pour moi d’écrire des chansons
à propos de certaines choses de ma vie. Je ne l’avais
jamais fait avant. Jʼai pas mal réécouté de vieux
albums que j’avais chez moi comme ceux de Cat
Power. Je n’avais jamais vraiment écouté les paroles
et je me suis rendu compte que c’était totalement
différent quand tu les écoutes et les comprends. J’ai
vécu une période difficile, la tournée était finie, il y
avait tellement de poids et de pression sur mes
épaules qu’il devenait vital que tout sorte de moi.
Toutes les chansons avaient un but précis, et Sari mʼa
aidé à combler les trous et améliorer le tout !
Sans être féministe, que penses-tu si je te dis
qu’aujourd’hui je trouve que les femmes osent
réellement franchir les barrières et être celles qui
créent et «vont plus loin»…
J’ai toujours eu cette vision que pour qu’une femme
ait la même reconnaissance quʼun homme, il fallait
qu’elle se mette beaucoup plus en avant et se crée
une histoire. Je préfère ton point de vue (rires). J’ai
l’impression que dans l’industrie de la musique si tu
es une femme, l’image est très importante, plus que
celle dʼun homme. Je ne me serais jamais doutée que
j’allais être dans des magazines de mode, par
exemple, mais pour la promo d’un disque, c’est ce
que l’on attend de toi…
Tu es une icône gay, tu le sais ?
(Rires) Ah, je ne sais pas. Je ne dirais pas que je suis
une icône, mais je sais que j’adorais les concerts de
The Gossip ou Peaches par exemple parce que du
coup ça devenait des soirées gays. Dans nos
concerts, il y a une bonne partie du public qui est gay
mais aussi beaucoup hétéros. C’est chouette de voir
que notre public, gay ou non, est là et apprécie le fait
qu’on s’assume, tous et tous ensemble. La société
devrait copier notre public. Ca ne ferait qu’améliorer
les choses.
Tu écoutes quoi en ce moment ?
J’aime beaucoup les derniers mais aussi les vieux
albums de Cat Power et le dernier The Knife…
Tu en pense quoi dʼailleurs du dernier album de The
Knife ?
Il est très expérimental. Ce que jʼadore à propos
d’eux, ce que je sais aussi, cʼest quʼil faut vraiment
écouter le tout plusieurs fois pour assimiler leur
musique. Et celui-ci il faut vraiment lʼécouter (rires) !
Quʼest-ce qui est le plus important pour toi ?
Je crois que je dirais la santé et le bonheur. Il y a cinq
ans j’aurais probablement dit la musique et ma
carrière, mais aujourd’hui je veux juste vivre et surtout
ne pas être la personne la plus connue au monde…
Par pitié.
Propos recueillis par Lucie de Keyser
Photos : Pauline Darley, pour Crumb magazine
Pour les besoins de la mise en page, l’interview a pu être raccourcie ou
écourtée de certains passages.

ALUNA
GEORGE
Interview publiée le 29 juillet 2013
©Fiona Garden

C’est l’un des plus attendus de l’année : Body Music, le (très bon) premier album du duo
AlunaGeorge sort aujourd’hui dans les bacs. A l’occasion, nous avons donné rendez-vous au groupe,
à Paris, pour leur poser quelques questions durant les quelques minutes qu’ils avaient à nous
consacrer – les rares libres qu’ils restaient dans leur emploi du temps désormais quotidiennement
surchargé. Révélation de l’été ? Sans aucun doute, préparez-vous, la bombe AlunaGeorge ne fait que
s’allumer et est déjà prête – sur son passage – à tout ravager…
Si vous n’aviez pas fait de musique, vous en seriez où
aujourd’hui ?
Aluna : C’est difficile à dire. La musique a toujours fait
partie intégrante de moi. Je ne sais vraiment pas ce
que j’aurais fait d’autre. J’imagine que j’aurais travaillé
dans un domaine artistique, quel qu’il soit.
George : Idem. Depuis mes 13 ans, la musique est
une certitude pour moi. Si je me souviens bien, c’est
en commençant la guitare que je me suis dit que ce
serait cool d’en faire mon métier. Si je n’avais pas fait
ça, j’aurais probablement travaillé dans un secteur
ennuyeux avec des chiffres… (Rires)
Comment décririez-vous votre musique aux
personnes qui ne vous connaissent pas ?
Aluna regarde George : Tu es plus doué pour ce
genre de questions !
George : Eh bien, disons que notre musique est
éclectique. Ce sont des rythmes et des sons, et le tout
mis ensemble donne des bruits agréables à l’oreille…
Ce sont des chansons qui te ramènent à toi-même.
Du moins, c’est ce qu’on essaie de faire.
Parlez-nous de votre rencontre artistique…
Aluna : On a commencé par remixer la musique
d’autres groupes, pour voir ce que cela donnait. Puis
on a commencé à écrire ensemble, juste pour le
plaisir.
George : Exactement ! On a commencé à faire des
remix, et à enregistrer parce que ça nous amusait. On
s’est mis à écrire et au bout de huit mois, on s’est
retrouvé avec un nombre assez conséquent de
chansons. Du coup, on s’est dit qu’on devrait essayer
de réellement en faire quelque chose, quitte à faire
n’importe quoi. Il fallait au moins qu’on prenne le
risque. Ce fut notre point de départ et cela nous a
amené jusqu’ici. Ca s’est avéré être un travail
minutieux et de longue haleine !
Votre premier album, Body Music, sort aujourd’hui. Un
mot à dire dessus ?
George : Quand on a commencé le groupe, on ne
pensait pas à faire un album. Tout ce qu’on avait en
tête, c’était d’écrire des chansons. Et puis, un label
nous a contacté et c’est devenu un objectif. Alors on a
continué d’écrire, mais avec une exigence nouvelle,
sans possibilité de reculer. On a crée, on a repris les
projets qu’on avait laissé de côté, en essayant
toujours de livrer quelque chose de neuf et d’original.
Ce fut un challenge permanent !
Où puisez-vous votre inspiration lorsque vous écrivez
ou que vous composez ?
George : Je ne dirais pas que j’ai des héros musicaux
mais disons qu’il y a des musiques qui me suivent et
qui m’inspirent. Si je devais en citer, je dirais
Radiohead. Écouter de belles mélodies et prendre
conscience du travail incroyable fait par d’autres
personnes rend à la fois envieux et reconnaissant.
Aluna : Exactement. Je suis très inspirée par l’histoire
des autres. J’y suis plus sensible, et ça m’aide à
écrire.
Avec quels artistes, morts ou vivants, rêveriez-vous
de collaborer ?
George : J’adorerais faire quelque chose avec
Pharrell Williams ! La voix d’Aluna se marierait
incroyablement bien à la sienne !
Aluna : Moi, j’aurais adoré pouvoir collaborer avec
Jimmy Hendrix.
Quel est votre meilleur souvenir de concert ?
Aluna : Hultsfred ! Celui de l’année dernière (Le
Hultsfred Festival, en Suède, où ils ont joué le15 juin
2012, ndlr). C’était un de nos premiers concerts. Tout
était là pour que cela se passe incroyablement bien.
George : J’ai aussi adoré notre concert à Brixton.
(Electric Brixton à Londres, le 20 juin 2013, ndlr).
C’était un concert énorme, avec des tonnes de
lumière et on avait vraiment la pression. On ne
s’habitue pas encore vraiment au fait que monter sur
scène est notre « métier ». On a vraiment de la
chance.
Y a-t-il une scène sur laquelle vous rêveriez de vous
produire ?
George : Je rêverais de jouer au Shepherds Bush
Empire (A Londres, ndlr). Je crois que c’est là-bas
que j’ai vu le premier concert qui m’a réellement
marqué, j’avais quatorze ans, c’est vraiment un lieu
incroyable. (La tournée anglaise du groupe a été
annoncée depuis, AlunaGeorge jouera au Shepherds
Bush Empire le 24 octobre 2013, ndlr)
Aluna : Moi, je n’en ai aucune idée. Je crois que je n’ai
pas encore fait assez de concerts pour pouvoir « rêver
» d’une salle où jouer en particulier. Mais, quoi qu’il en
soit, où que l’on se produise, le seul fait d’être sur
scène a quelque chose d’incroyable en soi.

Le succès demande souvent de s’adapter. Quels
changements votre notoriété grandissante vous as
t’elle imposé au quotidien ?
Aluna : Cela me fait penser à la période où mes amis
avaient un vrai travail, ce qui n’était pas mon cas. Ils
n’avaient pas de temps pour moi…
George : On doit être partout en même temps…
Aluna : Il faut être assez doué pour jongler avec les
horaires et prévoir du temps libre, pour la famille et les
proches.
Aujourd’hui que vous réussissez dans la musique,
avez-vous songé à vous intéresser à un autre
domaine ?
Aluna regarde George : Je suis convaincue que je
suis une mauvaise actrice, mais tu essaies de me
persuader du contraire. Donc, si je me retrouve un
jour dans une fiction, ce sera la faute de quelqu’un
d’autre…
George à Aluna : Je pense que j’ai raison. Tu le
montres dans nos vidéos. Tu dois adopter des
attitudes et tu le fais avec aisance.
Ils débattent un instant…
Aluna : Je pense que je ferais quelque chose dans la
mode. J’adore manipuler les tissus et faire des choses
improbables avec ! J’adore créer des choses à partir
de rien.
George : Je peux témoigner. Sans donner trop de
détails je peux vous dire qu’en ce moment elle élabore
un truc vraiment ridicule… Son truc nous suit dans le
van dans lequel on voyage, et elle coupe et elle colle
et elle recolle…
Aluna : Et ça me prend des heures… J’adore la colle !
(Rires)
Et si on reste côté musique, quel autre genre de
musique auriez-vous aimer/pu faire ?
Aluna : Du heavy metal. Quelque chose de bien
sombre.
George : Pourquoi pas ? Il y a bien quelqu’un qui aime
ça quelque part ! Enfin, laissons ça à l’avenir, pour
l’instant.
Propos recueillis par Grace Libissa
Un portfolio inédit du concert d’AlunaGeorge au Nouveau
Casino, à Paris, en mai 2013, réalisé par Simon Betite a été
publié par Crumb le 10 mai 2013. La photographie cidessous
en en extraite.
L’intégralité des photos du concert, réalisées pour Crumb,
est à retrouver sur www.crumbmagazine.com

PORTFO
LIO MIR
ANDA L B
ARNES
Série photo publiée le 28 octobre 2013

Miranda Barnes est une jeune photographe américaine d’à peine 18 ans. Elle jette un regard pointilleux sur les choses qui
l’entourent – toujours en argentique. Elle ne se considère pas comme photographe, d’ailleurs, elle est étudiante avant tout mais a
déjà tout d’une grande, sans même le savoir. Elle parle de “créativité”, de “substance”, aimerait prendre en photo autre chose que
des “poussins contre un mur blanc”, travailler pour le New-York Time et porter haut la place des femmes dans la jeune
photographie contemporaine. Un conseil donc pour l’avenir : gardez un oeil sur elle…

Interview publiée le 25 septembre 2011
Photographies : Mathieu César
pour CRUMB magazine
Les Metronomy en interview sont espiègles et nonchalants. Leur nouvel album « The English Riviera » les
a enfin révélé au grand public et cette fois-ci, pour de bon. Pour beaucoup, c’est l’album de l’année, tout
simplement. Écoutez la première chanson « We Broke Free » et laissez l’écume du Devon envahir votre
âme. Tic-tac, tic-tac, tic-tac, c’est le bruit du métronome qui prolonge vos vacances d’été toute l’année…
Avec The English Riviera, vous vous êtes lancés dans
une électro beaucoup plus pop que sur vos deux
premiers albums…
Joe : Oui ! Cet album marque le début d’une étape. Je
le vois comme une sorte de transition. C’est le premier
que nous avons enregistré ensemble en studio, et
c’est aussi le premier qui reçoit un accueil aussi
incroyable de la part du public. Avec ce disque, on est
encore à mi-chemin entre moi qui bidouille dans ma
chambre et l’enregistrement studio, du coup, j’ai
vraiment hâte de voir ce que le prochain va donner !
Vous chantez souvent avec une voix très aigüe, votre
marque de fabrique ?
Oscar : A l’origine c’était sûrement Joe qui était tout
seul en train d’enregistrer dans sa chambre et qui
imaginait qu’il avait réussi à ramener une fille (rires),
et comme ce n’était pas le cas, il s’est mis à crier
aigu. Enfin je crois que c’est comme cela que ça a
commencé !
Joe : Tout a fait (rires). Non, pour être sérieux, je crois
qu’il s’agit avant tout de confiance en soi. Plus tu
chantes dans les aigus, moins c’est facile pour les
autres d’entendre exactement ce que tu dis. Un peu
comme quand tu imites un accent : cela change
tellement ta voix, que tu te sens plus confiant pour
chanter. Mais sur ce nouvel album, je me suis un peu
calmé.

Joe, tu faisais beaucoup de remixes au début. C’est
quelque chose qui intéresse encore le groupe ou vous
êtes passés à autre chose ?
Joe : En fait, je n’ai pas commencé par des remixes,
même si c’est comme cela que la plupart des gens
ont entendu parler de Metronomy au départ. Je crois
que j’en ai tellement fait que je me sens à court
d’idées. A vrai dire, je préfère travailler avec des gens
plutôt que de changer ce qu’ils ont déjà créé.
D’ailleurs, Gbenga fait des remixes en ce moment, et
je crois qu’Oscar a essayé d’en faire quelques-uns,
dont il a honte (rires) !
Anna : Personnellement je trouve qu’on devrait
interdire les remixes ! Les remixes, c’est la mort de la
face B. Cela donne juste une excuse aux musiciens
pour ne pas se casser la tête et se contenter de
changer un tant soit peur un morceau.
Gbenga : Non, je ne suis pas sûr que tout le monde
ait cette approche-là. Pour les gens qui font de la pop
peut-être… En tout cas, il y a des tas de groupe qui
en font parce qu’on les pousse à produire plus qu’un
simple album, on leur demande de fournir des
morceaux en exclu, à droite et à gauche. L’industrie
du disque l’impose d’une certaine manière…
En tant que groupe qui s’est fait connaître en partie
grâce à Internet, que diriez-vous à quelqu’un qui
télécharge votre musique illégalement mais qui paye
pour venir vous voir en concert ?
Joe : C’est une question difficile pour nous, parce
qu’Internet nous a permis de diffuser notre musique et
de faire parler du groupe. Pour autant, je ne crois pas
que la musique doit être distribuée gratuitement. Cela
me fait bizarre d’entendre les gens me dire « Tu sais,
j’ai piraté ton album, mais du coup je vais à ton
concert ». C’est comme si je te disais « Je te vole 15
euros, mais t’inquiète pas, je vais t’acheter quelque
chose avec » !
Oscar : Et puis on prend tellement de temps pour
donner à l’album le son adéquat, que pirater une
version mp3 avec un son moins authentique, je trouve
cela un peu triste pour les gens qui téléchargent en
fait.
Gbenga : Pour moi, une partie du problème réside
dans le fait que certaines personnes n’ont même pas
conscience que l’on parle de vol. Il y a des pays
comme la Chine ou la Russie où il est pratiquement
impossible de gagner de l’argent avec un disque à
cause du piratage. Un jour, on a fait un concert à
Moscou devant 1500 personnes alors qu’on savait
pertinemment qu’aucun d’entre eux n’avait acheté nos
disques…
En dehors du Royaume-Uni, comment expliquez-vous
le lien particulier que vous entretenez tous les quatre
avec la France ?
Joe : Je pense que cela s’explique d’abord par le fait
que notre label soit français (Because Music, ndlr). En
dehors de cela, il me semble aussi que,
traditionnellement, le public français se montre
davantage réceptif aux choses et musiques un peu
inhabituelles.
Gbenga : C’est vrai qu’en Angleterre, 5 ans après
notre premier album, on est encore parfois considérés
comme une nouveauté…
Joe : Mais pour être vraiment honnête, avec ce nouvel
album, on est devenus populaires un peu partout et
pas seulement en France.
Oscar : Enfin en tout cas, ce qu’on peut dire, si c’est
là où vous voulez en venir, c’est que la France était là
avant tout le monde !
Quelle a été votre plus belle expérience en France
jusqu’à présent ?
Gbenga : On a joué dans les Arènes de Nîmes avec
les Chemical Brothers (dans le cadre du festival de
Nîmes, ndlr) ! C’était génial.
Anna : Et La Cigale, à Paris, aussi !
Gbenga : Ah oui c’est vrai, La Cigale c’était vraiment
spécial, mais Nîmes… Je n’aurais jamais crû que l’on
pouvait faire ce genre de trucs ! Le décor était
incroyable. Les Chemical Brothers jouaient le même
soir, les arènes étaient bondées, les gens super
réceptifs à notre jeu, et ce soir-là, je crois sans
prétention que l’on a vraiment très bien joué !
Joe : Notre dernière tournée en France a commencé à
La Cigale. C’était tellement dément que chaque
concert qui a suivi nous a paru moins intense que ce
soir là parce que le public ne devenait pas aussi
dingue.
Vous avez intitulé votre album « The English Riviera »
en référence à la région du Devon en Angleterre.
C’est un endroit que vous recommanderiez pour aller
passer ses vacances à la plage ?
Joe : Si tu veux passer tes vacances à la plage, je te
conseillerais plutôt d’aller à Nice (rires). Il y a de très
beaux endroits dans le Devon, mais ce que nous
souhaitions avec The English Riviera, c’était rendre
cette région un peu plus glamour qu’elle ne l’est en
réalité. Pour des vacances, je n’en sais rien. Pour
allez y bronzer, mieux vaut prendre une petite veste
(rires).
Propos recueillis par Émilie Cochaud.
Photos : Mathieu César, pour Crumb magazine
Cette interview et les photographies qui l’accompagnent ont
fait l’objet de la couverture du numéro de 10 de Crumb
magazine, première version, alors qu’il était une revue
digitale, à feuilleter. Il fut mis en ligne le 25 septembre 2011.

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METRONOMY #2
Deuxième rencontre
Interview publiée le 6 mars 2014
L’effervescence autour de la sortie de The English Riviera, avant-dernier album du groupe, a amené le
quatuor jusqu’aux planchers des Zeniths et des festivals. Une reconnaissance méritée et intrigante qui
nous amène à discuter avec un Joseph Mount un peu différent de celui que l’on avait croisé la dernière
fois. Plus conscient des enjeux que représentent la sortie de son nouveau disque, Love Letters, mais
toujours aussi porté par un flegme inégalable. Celui du type passionné qui voit le succès lui tomber
dessus sans rien demander
Après le succès de The English Riviera (…), ton
nouvel album sonne plutôt home-made...
Il sonne effectivement plus intime. On l’a enregistré
dans un bon studio, mais le matériel utilisé et la façon
de produire m’ont permis d’obtenir cette ambiance.
J’ai évidemment fait attention à ce qu’il sonne mieux
que si on l’avait enregistré dans ma chambre, mais
dans l’intention, c’était ça. Avec The English Riviera,
je voulais un disque très fouillé, sérieux tandis que
pour Love Letters, j’ai souhaité qu’il soit moins
parfait, moins propre…
On entend différentes époques dans ce disque,
des années 60 aux années 80. C’était voulu ?
Non pas vraiment, tout dépend vraiment de la
manière dont les gens perçoivent la musique. Je ne
ferai jamais de musique en me disant “Ca, ça va
sonner 70’s”. Je m’inspire e souvenirs, de sonorités
que mon oreille a toujours entendues. J’ai pris une
rythmique binaire, très sixties sur Love Letters, mais
c’est quelque chose que l’on a toujours retrouvé dans
ma musique depuis.
Parles-nous de ces petites imperfections
d’enregistrement…
J’ai enregistré cet album en essayant d’être le plus
fidèle à mes premières intentions, ces moments de
recherche en studio où parfois des erreurs se
glissent. La façon dont les disques sont aujourd’hui
enregistrés est très clinique : tout doit être parfait,
propre, calé à la seconde près, et j’avais envie de
transgresser cette règle. On trouve donc sur Love
Letters certaines petites choses inattendues que l’on
a gardées. Il faut bien tendre l’oreille…
Après des morceaux comme The Bay ou The
Look, tu n’avais pas peur de devoir courir après
les hits ?
Heureusement non ! Mon label ne vient pas me voir
en me faisant “hey Jo’, il faut nous sortir du lourd !”.
Ils me laissent faire ma petite cuisine et ensuite ils
écoutent. Même si j’avais un peu plus la pression que
pour mes disques précédents, je n’y ai pas pensé. Si
les gens veulent un album avec des tubes, ils peuvent
appeler Pharrell Williams et le problème sera réglé !
Et le fait d’enregistrer un nouvel album en
sachant que l’attente des gens est forte ?
Cela me semble être hyper stimulant ! Il faut en
profiter. Les artistes et les groupes que j’aime ont su
apprécier ce genre d’attente, en surprenant leurs
fans. Ou parfois même en les décevant… Les gens
n’ont pas encore écouté l’album, ils connaissent deux
singles qui ne représentent pas entièrement le
disque. Mais d’un autre côté, c’est une opportunité
tellement rare pour moi de pouvoir décevoir, je ne
sais pas, 200 000 personnes sur Terre (sourire).
Tu aimes les jeux de l’interview ?
Cela dépend (…) ça peut parfois vraiment être
horrible. L’avantage lorsqu’on est plus populaire,
c’est que les gens s’intéressent plus à toi et à ce que
tu fais. Aux débuts du groupes, les questions étaient
parfois terriblement chiantes…
Pourquoi est-ce que Metronomy dit moins de
bêtises sur Twitter ? Beaucoup se rappellent de
ce fameux tweet lors des élections présidentielles
françaises.
(Rires) Je m’en souviens ! Je me suis dit qu’il fallait
peut être s’arrêter, ou au moins se calmer. La
politique et la musique, c’est pas toujours ça…
J’adore Internet, mais je n’ai plus le temps de tenir un
compte Twitter, cela m’ennuie. Puis j’ai un enfant
maintenant. Mais rien ne dit que je ne risque pas de
m’y remettre quand on repartira en tournée…
Propos recueillis par Brice Bossavie
Photos : Pierre & Florent
Pour les besoins de la mise en page, l’interview a pu être raccourcie ou
écourtée de certains passages.

BERTRAND
BURGALAT
Interview publiée le 16 mai 2012
T
B comme Burgalat, génie sans langue de bois. Tour à tour pyromane, magicien, chanteur mais surtout
producteur/arrangeur (pour Alain Chamfort, Katerine, April March, Supergrass, Christophe Willem, Alizée,
Depeche Mode, ou encore Mick Harvey…), Bertrand Burgalat sort aujourd’hui a sorti son quatrième
album personnel, « Toutes Directions ». Monstre de la scène musicale mais pas que, le fondateur du
label Tricatel a donné une interview fleuve à Crumb, dont on a gardé l’essentiel ici. On a parlé d’à peu
près tout et quand on est parti on s’est dit que ce mec-là avait tout d’un génie.
Toutes Directions n’est que votre quatrième
album et pourtant quand on regarde votre
parcours, vous êtes un monstre de la musique
depuis de nombreuses années. Vous avez
collaboré avec énormément d’artistes,
notamment Charles Berling que j’ai interviewé
pour notre précédent numéro. Il me parlait d’un
texte de Genet qui évoquait Rembrandt. Genet
écrit que Rembrandt a passé sa vie à peindre des
portraits pour à la fin de ses jours ne finir par
peindre que des autoportraits… Est-ce que pour
créer et dépeindre votre univers à vous, vous avez
besoin un peu à la manière de Rembrandt de
peindre celui des autres, de vous immiscer dans le
leur ?
Ahah. C’est une question intéressante. Je ne sais pas
vraiment. La musique n’est bien que si on la partage,
si on crée des rencontres. Travailler avec d’autres
personnes permet souvent de se libérer, de livrer des
choses plus personnelles. Il m’arrive de donner
quelques trucs intimes, de les placer sur les disques
des autres parce que ça libère et que du coup je
peux me livrer sans avoir peur d’être impudique, vu
qu’il ne s’agit pas de mes disques.
A contrario, ce n’est pas qui vous écrivez sur ce
disque…
Raconter sa vie et ses états d’âmes n’a de sens que
si on les transcende. Faire appel à des auteurs
permet de se libérer. J’ai essayé par moi-même, je
n’y suis pas arrivé. Pour Sentinelle Mathématique, par
exemple, j’avais le titre et l’idée depuis un an et demi.
Je visualisais quelque chose sur la société. J’avais
l’impression d’avoir déjà tout dit dans le titre, d’avoir
tout exprimé. Plusieurs auteurs ont essayé d’y
apposer des paroles, ça n’a jamais marché. Et puis
j’ai confié le truc à Barbara (Barbara Carlotti, ndlr), je
lui ai envoyé le mp3, trois jours après, elle avait écrit
le texte définitif que je trouve super.

Revenons en arrière, vous êtes parti en Slovénie
après vos études, la musique s’est révélée à vous.
Quand on regarde votre parcours on se dit que
vous ne pouviez faire que ça, je veux dire de la
musique. Sans elle, vous auriez fait quoi ?
Probablement pas grand-chose. Pendant longtemps
j’ai vécu de petits boulots. J’ai passé mon bac à
16ans, je suis arrivé à Paris sans rien, je ne
connaissais personne, je n’avais pas les codes. Je
trouve que c’est une connerie d’être en avance sur
son âge parce que finalement on a une maturité sur
certaines choses mais pas sur d’autres. Après le bac,
j’ai perdu confiance en moi, mon père est mort, je
n’avais personne pour me guider, je me suis retrouvé
seul, livré à moi-même, et dans cet interstice-là est
venue se glisser la musique. Mais ça m’intimidait, me
paraissait inabordable. Autrefois les gens qui
sortaient des disques avaient une vraie légitimité et ils
se la pétaient. Aujourd’hui tout le monde sort des
disques, ça n’a plus la même résonnance, quelque
chose a changé.
En parlant de sorties de disque, est-ce que vous
pouvez nous dire un mot sur Tricatel, le label
musical que vous avez fondé ?
Ce n’était pas vraiment mon idée, je n’ai jamais rêvé
de label, je n’ai aucune notion de gestion. Au milieu
des années 90, je bossais pas mal en Angleterre et
avoir une boite de production là-bas, ça aide. J’ai
monté le truc sans réfléchir, je n’ai même pas fait
gaffe au nom, c’était une blague. D’un côté ça m’a
servi, de l’autre non. Les gens un peu hâtifs ou sans
humour ont vu sans ça comme l’apologie des années
70. En même temps, quand on regarde le nombre de
labels qui ont des noms idiots… (Rires).
Signer et aider des artistes, c’est un peu une
manière de renvoyer l’ascenseur, d’aider des
personnes là où vous auriez aimé l’être…
Absolument. Je trouve que c’est assez plaisant
d’essayer d’éviter de faire subir aux autres ce que
l’on a subit, mais c’est assez difficile pour moi. Il y a
plein de gens intéressants qui ne savent pas se
vendre. Quand j’écoute une démo, j’essaie de faire
abstraction de la qualité, de l’enregistrement pour ne
me concentrer que sur la musique et sur la création.
A l’inverse, il y a vraiment des gens qui n’ont pas
grand-chose d’intéressant à dire mais qui savent très
bien le vendre. Je crois qu’on en connaît tous (rires).
En tant que responsable de label, quel regard
portez-vous sur la crise du disque ?
Je suis plutôt content que cela ait baissé l’arrogance
de certaines personnes. Tout le monde est désormais
face à ses responsabilités et aux envies et désirs
passionnés. Puisqu’on ne vend plus de disques,
autant faire ceux qu’on aime. Ce que je vois arriver
cependant et qui m’embête, c’est un secteur musical
subventionné avec tout ce que cela peut représenter
de magouilles et d’arbitraire. Les labels ne signent
plus de projets, ils les créent, pour répondre
spécifiquement aux quotas, aux crédits d’impôts, aux
aides de l’état. Ça devient triste.
Toutes Directions est quelque peu en rupture
avec vos albums précédents. Comment aimeriezvous
qu’il soit perçu ?
(D’un air sérieux) « L’album de la maturité » (rires).
Non je déconne. Je ne pense pas qu’il soit si en
rupture que ça, disons qu’il est en progression. A
l’évidence je suis condamné à progresser, je n’ai pas
eu assez de succès pour pouvoir oser me répéter ou
suivre une direction précise. J’essaie de toujours me
renouveler. Je trouve que quand on fait des choses
en marge, il est facile de s’endormir. Ca procure
d’ailleurs un certain confort intellectuel. En France, il y
a vraiment des gens qui aiment la musique mais il y
aussi des beaufs qui ne comprennent pas toujours
tout. Je trouve que la réponse à ce problème de
compréhension c’est d’essayer de faire les choses le
plus sérieusement et sincèrement possible. C’est une
arme beaucoup plus efficace que l’indignation.
Histoire de rétablir un équilibre. Comme pour
beaucoup d’autres choses d’ailleurs. Ou bien des fois
ça se fait tout seul. Par exemple les gens riches sont
souvent très bêtes, c’est une sorte de justice (rires).
Vous parliez d’un manque de succès. Est-ce que
justement le fait de consacrer autant de temps à
des collaborations ou des travaux extérieurs à
votre univers n’a pas nui à votre carrière
personnelle ?
Non. Ce disque (Toutes Directions, ndlr), j’aurais pu le
faire il y a deux ans, entre temps j’ai eu un enfant,
dont j’ai préféré m’occuper. Je ne suis pas toujours
dans la production permanente mais pour vivre, je
prends tout, des commandes, des pubs, des trucs
chouettes, d’autres moins. Il y a des moments où je
suis à deux doigts de perdre l’appétit pour la
musique, où je frôle la lassitude à force de multiplier
les travaux forcés pas toujours inspirés. Mais le fait
d’avoir à me bouger le cul pour vivre est assez
plaisant, cela permet de rester en équilibre.
Propos recueillis et interview par Thomas Carrié
Photographies : Pauline Darley, assistée de
Maxime Stange, pour Crumb magazine

MICHAEL
FASSBENDER
Interview publiée le 13 mai 2013
Hiver 2012. Une chambre d’hôtel à Paris. Michael Fassbender nous attend. Il est à l’affiche du dernier
film événement de Steve McQueen, « Shame », dans lequel il joue le rôle de Brandon, un trentenaire
new-yorkais souffrant d’addiction sexuelle. La couverture médiatique est grande et Michael a déjà l’aura
d’une star. Nous faisons partis des rares médias web (sous-entendu peu importants) à être accréditer
pour l’occasion. Nous entrons. Et, là, au fil des mots et des pensées, nous l’avons vu se confier à
Crumb, sur son travail d’acteur. Rencontre en toute intimité…
Pour votre rôle dans Hunger, en 2008, je sais que
vous aviez rassemblé de nombreuses
informations et témoignages concernant votre
personnage pour cerner son caractère et
l’incarner au plus juste. Pour Shame, comment
cela s’est-il passé ?
En règle générale, je me concentre beaucoup sur le
texte, pour commencer, je le décortique comme une
partition de musique, comme pour déchiffrer les
rythmes présents dans la mélodie. Je poursuis
ensuite mon travail en rencontrant les gens. J’ai eu la
chance de m’entretenir avec des personnes souffrant
de ce trouble, de cette maladie et je leur en suis très
reconnaissant. En discutant, j’essaie d’ouvrir le
dialogue et de pousser ces gens à me raconter des
histoires. Poser des questions directes n’est pas très
habile et peut parfois placer l’interlocuteur sur sa
défensive. À travers les histoires, on trouve des
origines, des sources de motivation, voire l’essence
même de ce que représente ce trouble d’addiction au
sexe.
Parmi les témoignages de ces gens y a t’il une
histoire qui vous ait marqué en particulier ?
Oui, bien sûr. Elles étaient parfois très intimes et
racontées sur le ton de la confidence. Je ne raconterai
évidemment pas ce que l’on m’a confié, mais ces
récits m’ont permis de comprendre ce que ce
sentiment d’intimité était, ce que les problèmes
découlant de cette intimité représentaient. C’est ce qui
habite mon personnage, Brandon : cette peur de
responsabilité émotionnelle envers quiconque au sein

©Alice Hawkins / Esquire UK

d’une relation, cette zone floue qui le rend sans
défense lorsqu’il doit s’ouvrir aux autres. Ce n’est pas
une position qui le met à l’aise. C’est pour cela qu’il
s’efforce de garder le contrôle de tout ce qu’il fait. Il
contrôle le scénario avant de connaître sa possible
implication dans la relation, en préservant une
distance de sécurité entre la situation et ses
sentiments.
Quelle part de vous-même avez-vous mis dans
Brandon ?
J’ai voulu qu’il reste près de moi autant que possible.
Je n’ai pas voulu prendre de la distance par rapport à
lui, cela aurait été trop facile. Il fallait qu’il ressemble à
tout le monde, qu’il vive une vie normale, en
apparence. Ce n’est qu’en creusant que l’on découvre
qu’il est atteint d’une addiction sérieuse. J’ai essayé
de me rapprocher de lui au plus près, afin de le
comprendre, en apportant la connaissance que j’ai de
moi-même et de ce que je vois autour de moi. C’est le
meilleur –et probablement le seul- outil de travail que
je possède.
(Silence. Un temps)
J’aime travailler sans filet de sécurité.
Plutôt que de juger mes personnages, j’essaie de les
comprendre. Je fais des fiches en écrivant les
différents traits de caractère. Je les compare aux
miens et développe ceux qui en ont besoin. Je pense
que l’on se ressemble tous, il existe uniquement des
nuances en chacun d’entre nous. Nous sommes tous
plus ou moins capables de faire des actions positives
ou négatives. Nous sommes tous responsables les
uns les autres, nous avons tous besoin d’être
acceptés, aimés, alors il faut avoir l’approche la plus
honnête possible envers de tels sujets.
Quelle est la plus grosse différence entre votre
personnage, Brandon (Shame) et Connor, celui
que vous jouiez dans Fish Tank ?
Le plus gros problème de Connor, c’est qu’il est
irresponsable. Il est le genre de personne qui s’enfuit
face à une situation au lieu de lui faire face. Je ne
pense pas qu’il soit autant conscient de ses
problèmes que Brandon, qui est lui, à l’inverse,
hyperconscient de son problème, il ne s’aime pas, se
dénigre. Il sait qu’il est malade. C’est pour cela que
j’apprécie Brandon, il essaie de s’en sortir.
Brandon couche avec deux filles à la fois, il y a de la
haine, de la luxure, du désir absolu dans son regard.
Après qu’il ait éjaculé, il y a cette sensation d’être
perdu qui émerge, il se sent dégoutant et ressent
même de la honte (Shame, en anglais, ndlr). Ce sont
les sensations que j’ai essayé de transmettre à
l’écran. J’ai donc dû faire abstraction du fait que j’étais
nu.
Il faut aussi garder à l’esprit que le réalisateur, Steve
McQueen, ne filme pas ces scènes de sexe par pur
plaisir, mais qu’elles sont là, pensées, pour servir à un
but précis, construisant l’histoire.
Lors de cette scène avec les deux filles, vous
regardez directement la caméra pendant l’acte
sexuel. Vous pensiez à quoi à cet instant-là ?
(Sourire) Il y a une grande communication entre la
caméra et moi-même, une énergie puissante sur ce
moment précis. Je gardais à l’esprit la douleur qu’est
censé ressentir le personnage. C’est difficile à
expliquer, d’autant plus que j’entretiens une relation
d’amitié et de confiance tant avec Steve qu’avec Sean
(Sean Bobbitt, directeur de la photographie, ndlr) et
qu’ils sont évidemment présents derrière la caméra. Il
fallait donc se concentrer au maximum sur ces
pensées !
Quelle a été la part d’improvisation de votre travail
avec Steve ?
Elle n’a pas vraiment existé. Une fois sur le lieu du
tournage, il nous est arrivé d’improviser les dialogues
mais sur le plateau, tout était déjà prêt. J’ai donc
préféré être efficace plutôt que d’imposer mes idées :
Il vaut mieux être préparé, éveillé et conscient pour
répondre aux situations scénographiques et interagir
avec elles.
Propos recueillis par Bastien Internicola
Vous n’avez pas aimé Connor ?
Si, bien sûr, mais différemment. Il y a du bon et du
mauvais dans les deux personnages. Comme un peu
en chacun de nous dans nos propres vies…
Comment avez-vous appréhendé les scènes de nu
sur le tournage de Shame ?
Je me suis senti bizarrement observé, mais je savais
que c’était le moteur de l’histoire. La proximité
physique avec le personnage permet au spectateur de
se rapprocher de lui, jusque dans sa tête. Lorsque

SÉBASTIEN
TELLIER
Interview publiée le 17 mars 2012
Après le succès de Sexuality qui l’a révélé aux oreilles du plus grand nombre, Sébastien Tellier revient
avec un nouvel album-concept. Nous avons eu la chance d’écouter il y a quelques mois ce nouvel opus
My God is Blue –a paraître le 20 mars- et de rencontrer Sébastien Tellier. Autour de quelques bières,
nous avons parlé avec lui de sa musique, de son travail et de choses plus ou moins bizarres…
Depuis l’annonce de la sortie de l’album nous avons
lu des tas de choses sur le web. Les gens ont
interprété un peu librement le teaser de Pépito Bleu,
on a entendu parler de Viagra, de Raël… Nous
voudrions que tu nous expliques toi-même le concept.
C’est simple. Ou pas tellement en fait. L’album
s’appelle My God is Blue. J’ai eu envie avec de
dépasser les limites de la musique, de n’être plus
qu’un artiste entier, complet, sous toutes les facettes.
J’ai créé un mouvement qui va d’ailleurs me permettre
de vivre totalement la vie que j’ai envie de mener. Je
l’ai appelé « l’Alliance Bleue ». Le but était surtout –
même si je trouve le mot abominable – de créer mon
univers. Un vrai univers, tout un monde, avec mes
meubles, mon sac de voiture, des maisons à mon
image, voilà l’esprit général.
Le clip de Pépito Bleu n’est qu’un teaser. Des tas de
choses vont venir après. Le site de l’Alliance Bleue
notamment, je m’exprimerai au travers, vendrai mes
tableaux, appellerai au mécénat…etc. Si cela ne sera
que virtuel dans un premier temps, j’espère que
l’Alliance se concrétisera dans le réel. Nous allons
faire de grandes choses, mais pour connaître quelle
couleur va prendre l’Alliance Bleue au-delà du bleu, il
va falloir attendre encore, j’ai envie de créer du
mystère, de garder le secret, un peu comme une
sirène. Pour l’instant, j’ai envie d’attirer les gens à moi
mais sans tout leur dévoiler.
Vous suivez ? (Rires)
D’ailleurs il y a quelque chose qui m’a surpris et je
profite d’être invité dans CRUMB pour en faire part : la
première chanson extraite de l’album s’appelle Pépito
Bleu, on est d’accord je construis mon empire sur du

iscuit mais enfin je suis choqué de voir qu’il y a des
gens qui prennent vraiment tout cela au sérieux. J’ai
ma propre approche de l’esthétique, de la beauté
mais soyons d’accord, rien de cela n’est ni crédible ni
sérieux. Je ne suis pas philosophe, religieux, politique
ou sociologue. Je ne connais rien à l’organisation des
choses. Pépito Bleu c’est juste quelque chose de
léger, un rêve que j’ai fait. Le fait de me mettre en
scène dans ce personnage et créer un mouvement
relève du fantasme. Je n’essaie pas d’être vrai.
Quand je parle de Pépito Bleu, j’entends déjà certains
dire « Ce mec est fou, il se prend pour Dieu », mais
non, soyons sérieux deux secondes, Dieu ne parle
pas de pépitos… voyons !
(Rire général. Il allume une cigarette, repositionne ses
lunettes sur le nez)
Enfin bref, tout ça pour dire que je suis surpris que
certaines personnes prennent toute cette mascarade
au sérieux et se sentent agressés. Pépito Bleu, c’est
tout sauf agressif, comment trouver un titre plus doux,
plus gentillet, mis à part Pépito Rose (rires). En tout
cas, pour moi, tout ça n’est qu’un amusement.
Après, amusement ou non, oui, je souhaite créer une
attente, un mystère, je ne veux pas que l’on s’ennuie.
Quand on regarde une série télé, que l’épisode se
termine au moment fatidique, on a de suite l’envie, le
désir de se plonger dans la suite. C’est une sensation
que j’adore vivre et que j’ai envie de faire vivre aux
autres.
Sur le travail de cet album, tu as fait appel à Mr Flash,
qui est à l’origine un producteur connu pour avoir une
pâte assez hip-hop, éloignée du style que l’on te
connaît. Pourquoi lui ?
C’est une longue histoire. J’ai un studio à côté de
chez moi, qui n’est pas fait pour enregistrer,
seulement pour composer. J’en suis sorti avec toutes
les chansons de l’album déjà prêtes. J’avais écrit les
textes, j’avais commencé à composer. Les démos
étaient jolies, mais j’avais besoin d’autre chose,
quelque chose en plus, du relief, un petit truc qui
mettrait tout en valeur. J’imaginais depuis le début, cet
album comme quelque chose de grand, qui passait
par la notion d’espace, avec des raz de marée, des
tremblements de terre. Et de la manière dont j’avais
produit mes démos jusque-là, il n’y avait pas encore
cela.
Je suis tombé sur le dernier maxi de Mr Flash et là,
rien qu’à l’écoute, soudain tout est devenu grand. Il y
avait le Mont Blanc, l’Everest, tout, des lacs, des
palmiers, l’univers… C’était grand, c’était mental et
fort, c’était tout ce que j’attendais. Ce fut comme une
révélation, je me suis dit que je voulais à tout prix
transposer ces compositions dans mes chansons.
Ça m’a énormément excité. Et puis on s’est vus
rapidement, le lendemain. Je n’avais jamais entendu
parler de lui avant. Je ne savais pas s’il avait seize ou
soixante ans, je n’avais aucune idée d’où il pouvait
venir. On m’a dit qu’il habitait Paris, nous nous
sommes fixés un rendez-vous, nous nous sommes
vus et, presque instinctivement, juste après la
rencontre nous sommes partis en studio.
J’avais mes démos avec moi, nous avons essayé de
refaire le travail à deux, à partir de rien et ça a pris de
suite. Tout ce que j’avais imaginé prenait enfin une
dimension réelle. Le déclic. Et pourtant avant lui,
disons que j’avais écouté des dizaines de milliers de
disques de mon producteur, j’avais déjà des noms, j’ai
pensé à beaucoup de monde sauf qu’à l’écoute, Mr
Flash a été une certitude. Je savais que c’était lui dont
j’avais besoin.
En quoi le travail avec Mr Flash a t-il été différent de
celui que tu as pu réaliser avec Guy Man sur l’album
Sexuality ?
Avec Guy Man, on ne se connaissait pas mais on se
croisait souvent en soirée, en backstage de concerts
ou autres. Si je dois absolument trouver une
différence c’est que Guy Man et moi étions en fusion.
Nous avons le même but, essayions de faire le même
disque, allions dans le même sens. Avec Mr Flash, il
n’a jamais été question d’aller dans la même direction.
Nous avons très vite été passionné par le projet mais
nous nous y sommes projeté de façon totalement
irrationnelle, avec chacun notre vision propre. Nous
n’avons jamais vraiment réussi à travailler ensemble.
Nous avancions dans deux mondes différents et
pourtant pour une même œuvre. C’est ce qui donne je
crois cette élasticité à l’album. Comme si nous avions
à deux, essayé de couvrir tous les champs, d’explorer
tous les espaces et c’est finalement d’une très grande
richesse.
L’enregistrement a été un combat, une partie d’échecs
acharnée. Personne ne voulait perdre, alors on a
essayé de donner le meilleur de nous-même. Et c’est
une bonne chose, parce que souvent, quand on est
en studios, on est déjà satisfait d’être là, de faire de la
musique et on se contente de peu. D’autant que le
cadre est beau, boiseries, canapés en cuir… Tout
pour faire de la musique. Sauf que trop souvent on
croit que l’on fait de la bonne musique, simplement
parce qu’elle sonne bien, parce que la réverbération
des murs flatte le son. Moi je ne voulais surtout pas de
cela. Et dans cette sorte de guerre avec Mr Flash, rien
ne pouvait m’aider à aimer ce que je faisais. J’étais
sans cesse porté par l’envie d’aller plus loin, de
trouver d’autres chemins, d’autres solutions, d’autres
techniques. Grâce à ça, nous avons vraiment créé
quelque chose de différent.
Si je comprends bien, ce nouvel album a donc été le
fruit d’une lutte constructive ?
Oui. La difficulté principale tenait dans le choix de ce
que l’on entend, à savoir du Simbalom ou du Glass
Water, des voix de chorale, des chœurs plus
intimes… Ces choix ont toujours posés problème.
Après, sur l’enregistrement proprement dit, nous
savions ce qu’il fallait faire. Mr Flash a une vision 3D
de la musique, j’adore ça. Il arrive à mettre sur pied
des choses extrêmement spacieuses, à la fois
complexes et légères. Moi j’avais mes certitudes, lui
en avait d’autres. Tout s’est articulé autour de cela. Et
finalement, avec le recul nous nous sommes rendu
compte que l’on arrivait toujours à la même
conclusion. On n’a pas sorti un disque que lui déteste
et moi j’adore, non, nous sommes très fiers de ce que
nous avons fait et réalisé ensemble. Nous sommes
passés par tous les chemins du désaccord. Quand il

voulait une voix grave, moi je voulais une voix aigüe…
La moindre note a été un combat
Mais ce combat « musical » a donné vie à ce que tu
attendais…
Oui. Disons que j’avais un tableau plat et que, d’un
coup de grâce, Mt Flash l’a modelé et a pu en faire le
tour. Et même de dos, le tableau rendait bien. Il a
mais du volume, fait son boulot de producteur de
façon fantastique.
Toute à l’heure tu disais qu’il avait une pâte
davantage hip-hop, c’est vrai. Il a produit énormément
de rappeurs français ou américains mais il n’a pas de
culture rap. Il est très bon dans ce domaine mais ce
n’est pas lui. Inconsciemment je pense, il y avait une
part de My God Is Blue dans sa tête et ce projet était
l’occasion pour lui, enfin, de concrétiser ses envies,
d’affirmer qui il était, de montrer l’étendue de son
talent. Je pense qu’il a vécu notre collaboration de
façon très profonde. Il a sans doute pensé qu’il faisait
son propre disque, il a pu s’exprimer, n’avait pas de
limites. De manière générale nous ne nous sommes
fixés aucune limite dans la création.
Et même dans ce côté création nous étions en
opposition. Moi, par exemple, j’ai l’habitude de
travailler allongé. Le premier truc que je fais quand je
rentre en studio c’est d’installer un lit de camp.
J’apporte un duvet et un oreiller, je m’allonge et bosse
comme ça. Alors, lui forcément, il a eu un peu de mal
à collaborer avec un mec qui somnole (rires). Mais
d’un avis personnel, je suis toujours meilleur et inspiré
lorsque je travaille entre le rêve et la réalité.
Il a joué le rôle de ton psychanalyste musical, assis
derrière toi, qui était allongé…
C’est exactement ça ! Lui était assis sur une chaise,
moi allongé sur mon lit de camp. Quand je
commençais à ronfler il ne supportait pas. Moi j’étais
bien. Le ronflement à ce stade de la création, je trouve
que c’est du professionnalisme. On ne fait jamais la
même musique lorsque l’on vient de se réveiller que
quand on est en pleine forme. On n’est pas dans la
même relation. Au réveil, nous sommes généralement
davantage à l’écoute, avec un côté spontané que l’on
perd au fil de la journée… Au réveil, il y a aussi des
réalités et des vérités différentes avant qu’elles ne
perdent et se diffusent dans le brouillard du
quotidien…
J’ai lu que tu portais un regard extrêmement critique
sur tes précédentes œuvres et qu’une fois terminés,
tu avais beaucoup de mal à réécouter tes anciens
albums…
Oui. Il m’est très difficile d’apprécier un morceau une
fois qu’il est fini. En musique, pour moi, il n’y a pas de
règles harmoniques, rien n’est jamais fini, on peut
toujours trouver quelque chose à améliorer, à rajouter.
Le problème vient surtout du fait qu’il faut s’arrêter à
un moment. Il y a des moments où l’inspiration est
sans fin. Et My God Is Blue je me dis que, j’aurais pu
continuer à l’enregistrer toute ma vie…
Mais tu ressens quoi, par exemple, lorsque tu jettes
un œil sur tes vieux albums, comme Politiks ?
Politiks, très franchement, je ne peux pas le réécouter.
C’est trop difficile. Et l’album est odieux. Je n’entends
pas la musique, je n’entends que les défauts, les
ratés. Parfois j’aurai aimé que certains sons
ressemblent à du ABBA et finalement je me rends
compte qu’on dirait du William Scheller (rires). Je sais
qu’il faut s’y faire, mais moi je ne m’y fais pas. Alors je
fais comme l’album n’existait pas.
Comment naît un album de reprises, du coup, tel que
Sexuality Remix ?
C’est ma maison de disque qui se charge de tout.
Notamment de trouver les artistes de faire les
propositions. C’est eux qui le font simplement parce
que je ne sais pas le faire, je ne connais rien de tout
ça qui se fait, je ne suis jamais dans l’actualité. Je
trouve qu’il y a des milliers d’albums qui sortent tous
les jours, avec tout le temps des noms bizarres, je n’y
comprends rien, je suis perdu (rires).Il y a, bien
évidemment des choses que j’entends et que j’adore,
mais je ne retiens jamais les noms, j’oublie de suite.
Le travail de remix est un travail considérable que je
suis incapable de gérer seul. Je compte donc
énormément sur ma maison de disque. Eux, au
moins, ils savent quelles sont les tendances, quelles
sont les choses bonnes à écouter et les autres. Je
sais que cela paraît bizarre parce que les gens me
perçoivent comme un mec parisien hyper branché, à
la pointe des tendances sauf que je suis loin de tout
ça et ne sais rien de ce qui se passe. Quand on me
parle d’un groupe, je ne le connais jamais. Je
découvre des artistes cinq ans après tout le monde
(rires). Alors, à mon tour, de manière presque
instinctive je me sens obligé d’écouter des choses
rares ou exceptionnelles…
Comme par exemple ?
Bobi Solo, un chanteur italien (rires) ou encore
Bernard Ilous, un type qui a chanté « La route à
l’envers ». J’aime bien aller chercher des trucs assez
loin.
Et maintenant My God Is Blue, la suite, elle va se
passer en public avec des concerts ?
Oui. Tout plein ! Je vais essayer de ne pas être que
chanteur ni musicien. Je veux être un leader spirituel,
j’ai envie de vivre l’expérience pleinement. Je veux
que le public soit en communion. Je veux
expérimenter des choses nouvelles, proposer d’autres
sensations. Je veux faire des concerts pour l’éveil. Un
éveil des sens et des discours. Et puis d’ailleurs, ce
qui compte dans l’Alliance Bleue c’est qu’il n’y aura
pas de spectateurs mais des « fidèles », des gens qui
sont et vont avec moi, pour toujours.
Propos recueillis/interview par Nicolas Cassagnes
Avec la présence de Thomas Carrié
Photos : Julot Bandit
Cette interview et les photographies qui l’accompagnent ont
fait l’objet de la couverture du numéro de 13 de Crumb
magazine, première version, alors qu’il était une revue
digitale, à feuilleter. Il fut mis en ligne le 17 mars 2012.

JUNGLE
Rencontre/texte publiée le 15 juillet 2014
De passage à Paris pour le festival We Love Green, les deux têtes pensantes de Jungle nous ont reçus
dans leur tipi du parc de Bagatelle pour parler, en vitesse, de leur premier album. Au programme :
football, Japon, feu de camp et hélicoptère. Rencontre express.
Nous avons découvert Jungle, il y a un peu plus d’un
an, avec la vidéo de Platoon. Plus récemment, nous
les avons vu pour la première fois en live, en mars
dernier, à l’occasion du concert des soeurs Haïm à
Paris. Une mystérieuse équipe est arrivée sur scène,
enclenchant une euphorie rarissime pour une
première partie. Marquante, l’équipe enchaîne des
titres à l’empreinte soul unique, car innée. « On aime
juste les bonnes chansons, de n’importe quel style. Je
pourrais très bien mettre un super son de reggae là.
On se mettrait à danser tous les trois dans ce tipi,
mais si la chanson ne vous plaît pas, le moment sera
gâché. Les seules choses qui comptent sont la
mélodie, le rythme et l’émotion. On ne souhaite pas
rentrer dans un genre particulier pour se rassurer, ce
serait malhonnête. » Les mystérieux fondateurs de
Jungle : T. et J. se connaissent depuis qu’ils ont dix
ans et souhaitaient créer librement, avec leurs potes
londoniens qu’ils ont embarqués par hasard dans leur
épopée. « Nous sommes des producteurs, on aime
rester en arrière plan. En équipe, il y a une excitation
et une spontanéité qui nous plaît vraiment. On sait
mieux prendre conscience et profiter des instants que
nous sommes en train de vivre. Ce n’était pas prévu à
la base mais des concerts ont vite été programmés et
on voulait surtout s’entourer de bons musiciens ».
Attendu par les médias anglais, le groupe décide de
miser sur la discrétion et pour préserver leur musique.
« La sortie de l’album est un moment excitant car il
représente le moment où nous nous sommes tous
rapprochés. Une bulle de bonheur s’est créée
pendant la préparation du disque. » J. attrape le
cendrier sur la table pour évoquer leur cercle de
coolitude, une bouteille de bière pour désigner le
NME, une canette de Coca pour Crumb « si vous
voulez nous rejoindre dans la sphère c’est cool, sinon
on s’amusera très bien tous seuls. » La découverte de
l’album et les shows maîtrisés des sept joyeux lurons
nous donne, sans le dire, envie de joindre la ronde.
L’usine à talents qu’est l’Angleterre nous livre cet été
un album contenant douze pépites. L’alliance de la
mélancolie des paroles et une avalanche de cool dans
les mélodies marchent ici à tous les coups. Le duo

évoque avec insouciance leur façon de composer : «
L’un de nous s’assoit au piano, improvise des bribes,
jusqu’à ce que l’on se dise : attends, ça sonne comme
une chanson de Jay-Z, et à partir de là, on ajoute des
choses assez simples pour que les gens puissent
nous écouter sans s’ennuyer. Les paroles tendent
vers quelque chose de différent, une atmosphère plus
sombre hantée par la peur, la solitude et la paranoïa.
Dans un sens, une tour se dessine à travers l’album,
avec un étage pour les mélodies-clés pour attirer les
gens et un autre pour les mots, plus compliqué à
percevoir car il vient de notre âme ».
« I’ve Been Loving You Too Long » répètent-ils dans
Drops, morceau caméléon, transpirant Otis Redding.
Jungle mélange époques et sentiments avec une
classe folle, pourtant rien n’apparaît comme vraiment
calculé. Les titres s’enchaînent et sillonnent un terrain
de jeu surréaliste. « Tout est toujours une coïncidence
avec Jungle. On s’entraide, on est entre amis, c’est
pourquoi on aime faire ce qu’on fait, parce qu’on ne
force jamais pour ne pas perdre le naturel, la fraîcheur
de notre musique, c’est comme en football ! La
musique y est liée quand on y réfléchit, car c’est
l’effort de partager une émotion. Quand une équipe
joue vraiment ensemble, les choses se font
naturellement, mais dès qu’elle force et essaye d’aller
marquer trop rapidement, l’unité se perd et le match
se gâte. » Leur processus d’écriture est d’ailleurs
semblable, une image les fascine et les guide
inconsciemment jusqu’au titre final. « Chaque
morceau pourrait former une bande originale à lui seul
car chacun évoque un lieu spécifique, directement lié
à une émotion. Accelerate serait une course de moto
au Japon dans un jeu vidéo où tu es invincible. Tu
peux tomber mais ne jamais perdre. Platoon mettrait
en scène une réunion dans un marécage, avec des
gens portant des armes faites de fleurs et Lucky I got
what I want illustre des gens qui danse le hip hop
autour d’un feu de camp dans les bois, avec Kanye
West et Jay-Z qui claquent des doigts en rythme. Et
puis il y aurait aussi une Xbox et un hélicoptère. » Si
cette description improvisée les rend hilares, l’écoute
de l’album la confirme : l’aura du rap n’est jamais loin
et l’ambiance planante hippie forment un résultat
unique.
Repéré par leurs vidéos pour Platoon et The Heat
réalisées avec l’aide de leurs amis et les moyens du
bord, Jungle tend à flouter les barrières entre les
styles, comme l’a entrepris Mø avec No Mythologies
to Follow. « Un groupe est bon quand il sait y aller
étape par étape », cela implique ne pas être pressé
de se limiter à un seul style. Dans ce tipi, ils racontent
leurs aventures sans arriver à tenir en place, prêts à
monter sur scène. Mais alors que nous évoquons la
réalisation de leur clip, des échos de Why Won’t They
Talk To Me de Tame Impala arrivent jusqu’à nos
oreilles et font stopper net le débit de paroles de J.,
qui semble plus qu’apprécier le morceau, avant de
reprendre le fil un peu troublé. Les titres de Jungle
font le même effet, ils donnent envie d’arrêter toute
activité pour se concenter uniquement sur le son, et
ce n’est pas Lorde qui dira le contraire. Nous l’avons
aperçu faisant danser sa crinière sur ces mad sounds
dans un coin de la scène de We love Green pendant
leur show.
Propos recueillis par Alice de Jode

DJANGO
DJANGO
Interview publiée le 21 janvier 2012
Les Django Django viennent de passer quatre ans (ou presque) enfermés dans une chambre (véridique) à
travailler notes et musiques pour en faire des tubes. Un quatuor – familier des looks aux pulls improbables
– à l’univers coloré. Un brin de folie en interview, aussi.
Vous vous êtes rencontrés sur les bancs de
l’école d’Art d’Edimbourg, vous ne vous êtes plus
lâché et avez depuis inventé un nouveau genre
musical que l’on peut qualifier de « groupe de
chambre ». Avez-vous réellement conçu et produit
entièrement cet album dans une chambre ?
Oui, absolument ! Dans la chambre de David, dans
l’Est londonien. Une chambre horriblement petite,
avec un ordinateur au bout et un micro au pied du lit. Il
a souvent fallu se serrer pour pouvoir enregistrer dans
les bonnes conditions. Ce n’était pas l’idéal, mais
nous n’avions pas de studio, alors on a fait avec les
moyens du bord. Il a fallu juste faire un peu de place
pour faire en sorte que cela marche !
Au préalable, nous avions sorti en 2009 le titre
Storm/Love’s Dart mais nous n’étions pas encore un
groupe de musique à part entière – au sens officiel du
terme. La chanson a créé le buzz sur Myspace. Après
son succès, plutôt inattendu, nous avons décidé de
nous éloigner, de prendre du recul et de réfléchir à la
manière dont nous pouvions mettre en place une
formation musicale, une vraie. Nous l’avons crée dans
une chambre !
Jimi Hendrix disait que les rythmes qu’il créait lui
étaient inspirés par son papier-peint pendant son
sommeil. David, y a-t-il du papier peint dans votre
chambre ? Si oui, est-ce à lui que nous devons la
dimension psychédélique que l’on retrouve dans
vos chansons ?
Probablement. Je ne rêve que dans ma chambre à

l’évidence et nulle part ailleurs. C’est là que la
musique me vient. Quand nous répétions, j’étais en
robe de chambre, tu sais (rires). A peine sortis du lit,
nous branchions les ordinateurs et commencions à
composer. Je crois que ma chambre m’inspire
vraiment. Si bien que vous n’aurez pas à attendre le
second album longtemps. C’est une sorte de scoop
que nous vous livrons. Nous avons déjà bien travaillé
la suite et avons préparé des ébauches du prochain
opus, qui sera beaucoup plus professionnel et
structuré que celui-ci. Rien n’est plus efficace qu’un
studio chambre, donc !
Sur l’album – éponyme – que vous sortez cette
année, on retrouve étonnamment énormément de
couleurs dans les sonorités, à l’image de vos
pulls… J’imagine qu’elles ont été égrenées par les
évolutions et vécus de ces quatre années…
Oui. Je pense que cela revient à ce que vous disiez
sur le papier-peint. Au delà du rêve, notre musique est
le reflet de notre vie, des choses que l’on a
conservées pendant ces quatre ans mais aussi et
surtout pendant l’enfance, des souvenirs, des images,
des bruits. Dans cet album, nous voulions observer
toutes ces choses d’en haut, les mélanger – avec des
parties plutôt mélancoliques et d’autres plus
optimistes. Nous n’avons pas composé que des
chansons, nous avons composé le voyage de nos
vies, avec toutes leurs couleurs.
Propos recueillis par Irina Aupetit-Ionesco.
©Pavla Kopecna

Lisa
Boostani
Série photo publiée le 15 octobre 2014
Photographe et réalisatrice d’origine iranienne et espagnole, Lisa Boostani nait en 1989 à Toulouse. Dès seize ans elle
réalise ses premiers clips et clichés qui documentent la scène artistique toulousaine et ses voyages, notamment en
catalogne. Désireuse d’asseoir une démarche artistique qui prend peu à peu forme, elle suit les cours d’Histoire de l’art de
l’Université du Mirail. En 2012, lors de son voyage à New-York, elle assiste des photographes de mode et développe un
regard singulier sur cet univers ultra-codé. A son retour la même année, elle intègre l’École des Gobelins, à Paris, option
photographie- prise de vue. Elle poursuit en parallèle sa pratique autodidacte de la vidéo en réalisant des clips pour
plusieurs artistes musicaux tel que Zombie Zombie, Benjamin Diamond ou encore DyE…
Faisant dialoguer photographie et cinéma, documentaire et fiction, elle met au centre de son œuvre la narrativité et les
pluralités de l’interprétation. Qu’il s’agisse de ses portraits anonymes ou de paysages désertiques, ses photographies
transfigurent le quotidien, la réalité ordinaire, en scènes cinématographiques. Dans ses images, esthétiques et léchées,
elle se joue des détails, invente des bascules interprétatives. Ce renversement est aussi présent dans ses photographies
de modes : en poussant les modèles dans leurs retranchements, en les incitants à abandonner leurs habitudes faites de
poses figées et de moues avantageuses, elle tente de capter des états tel que l’angoisse, l’hystérie et l’étrangeté.
Sophie Puig.

PHILIPPE
KATERINE
Interview publiée le 10 mai 2014
Nous vous avions parlé de Magnum – le film – dans un précédent article, nous avons cette fois
rencontré l’artiste. Entre une balance et le direct d’une émission télé, Katerine nous parle en toute
simplicité de son projet, de sa collaboration avec SebastiAN, des dictateurs, d’Arielle Dombasle, d’un
saxophone, de la critique et de lui, entre autres…
Magnum c’est tout un projet, un album et un film.
Pourquoi « Magnum » ?
C’est un nom que j’apprécie, je l’ai choisi avant de
faire le disque. Et j’étais obligé de faire quelque chose
de bien avec un nom pareil.
Un rapport avec Tom Selleck ?
Non, pas vraiment. Il y a toutes sortes de choses, des
glaces, des flingues… Après oui, il est peut-être
question du fait d’être un héros de sa propre vie.
Magnum, c’est un héros aussi bien sûr.
Vous êtes un éternel insatisfait de votre travail, et là,
vous sortez 12 clip de 12 titres, vous faites un film
avec l’album, est-ce que vous êtes satisfait de ce que
donne le projet fini ?
Oui, sinon, je ne le sortirais pas. Je fais plein de
choses, des chansons, des disques entiers que je ne
sors pas, parce que je ne les trouve pas bien ! Donc il
faut que j’estime, quand c’est fini, que ce soit
vraiment le maximum que je puisse faire, et que ce
disque-là soit essentiel à la communauté. Peut-être
que je me trompe, enfin il faut que j’en sois persuadé
au moment où ça sort, sinon je ne fais rien.
Comment est venue l’idée du film ?
Elle est venue assez tôt. A un moment donné, cela
devait être un film sur une croisière, et puis aucune
compagnie de croisière n’a été intéressée, sûrement
pour leur image, ou je ne sais pas trop d’ailleurs, je
n’ai même pas cherché à savoir. Ce qui fait qu’après,
le film s’est construit sur le fait que le bateau était
échoué, et c’est là que commence l’histoire. Donc j’ai
recommencé le scénario une fois que j’ai eu tous les
refus.
Le scénario était complètement écrit, ou vous avez
laissé une grande part d’improvisation ?
Non, il n’était pas complètement écrit, mais il n’y
avait pas énormément d’improvisation non plus. On
travaillait sans, comment on appelle ça au cinéma…
sans bible ! Personne ne savait trop ce qu’on allait

faire le lendemain, ça se décidait un peu au dernier
moment.
Vous avez fait de nombreuses collaborations dans le
cinéma, des bandes-son, des seconds rôles, mais là
c’est un film sur vous, est-ce que ça marque une
nouvelle étape dans votre carrière ?
J’aime le cinéma, mais je n’ai jamais eu de rêve de
cinéma. Tu vois, j’m’en fous de faire un film ou pas,
ce qui compte c’est que je m’exprime. Après, cela
peut-être en dessin, en chanson, en cinéma. Le
cinéma n’a jamais été un rêve. Par contre j’ai adoré le
faire, ça m’a vraiment plu, j’ai trouvé que c’était une
expérience vraiment incroyable, qui me correspondait
à ce moment-là. En plus on était vraiment en petit
comité donc on était très peu à décider, il n’y avait
pas de réunion avec des producteurs quelconques.
C’est juste qu’ils nous faisaient confiance, on était
super libres de faire ce qu’on voulait. Je pense que
cela ne se reproduira pas tous les ans.
Pas d’autres projets de cinéma ?
Non. Bon, j’écris toujours des petits trucs comme ça.
Après ce sont les circonstances de la vie qui font que
ça se passe ou pas, mais ce n’est pas du tout un rêve
pour moi, j’vous jure.
Concernant l’album, il est plus intime que les
précédents. On retrouve le thème de la maternité, la
paternité, etc. Est-ce que vous êtes un papa trop
papa ? Est-ce que vos enfants seront des dictateurs ?
Non, je suis peut-être un papa trop maman ! C’est
fort possible. J’espère que non bien sûr, mais c’est
vrai que tout se passe dans l’éducation, même avant
les trois ans il paraît !
Avant trois ans ?
Oui, avant trois ans tout est joué. C’est ce que j’ai lu
dans un livre.
Il faut s’y prendre tôt !
Très tôt même ! Personnellement, peut-être que tout
a été joué avant trois ans, mais moi j’ai l’impression
de faire des choses avec ce qui s’est passé avant
mes quatorze ans. C’est-à-dire, je ne jouais pas
forcément au dictateur mais j’avais pas mal de
problèmes de communication, et tout ce qu’il s’est
passé avant mes quatorze ans, c’est encore ça dont
il s’agit aujourd’hui.
Vous avez commencé à écrire les « Mariages
chinois », votre premier album, seul, est-ce que vos
processus d’écriture ont évolué depuis ?
A chaque fois que j’ai fait un disque cela n’a jamais
été la même chose en fait. Parfois j’ai enregistré un
disque avec des groupes, parfois tout seul, j’ai fait un
disque tout seul à la guitare aussi. Là c’était avec un
DJ, SebastiAN. Je n’avais jamais fait ça. J’ai procédé
comme les gens du hip-hop le font, c’est-à-dire qu’ils
reçoivent des instrumentaux et ils s’expriment
dessus.
Comment s’est passée cette collaboration avec
SebastiAN ?
Je recevais des instrumentaux de lui, que j’adorais.
Après, dans ma chambre, j’inventais les mélodies et
les textes en même temps. Je n’avais jamais fait ça
avant. Là c’est vraiment une collaboration. Des fois tu
fais des disques plus personnels, de façon plus
intime, mais qui au fond sont plus éloignés de toi.
Alors que là, quand tu collabores à deux, tu peux
faire des choses plus intimes que tu ne l’aurais fait
tout seul.
L’album parle de travestissement, « efféminé », « sexy
cool », vous pouvez être Dean Martin, beaucoup de
choses, et donc finalement, Katerine, qui êtes-vous ?
J’en sais rien, et d’ailleurs je ne veux surtout pas le
savoir !
Par exemple, l’album est introduit par la chanson
Delta qui ne comporte que quelques mots : « surtout,
surtout, surtout, ne soyez pas vous-même ».
Oui, j’ai l’impression que je suis multiple, donc
j’essaie d’en profiter. Je pense que pour la plupart
des gens, il y a une foule de gens dans les gens !
Personne n’est tout seul à l’intérieur de soi. C’est vrai
que je suis parti un peu de cette phrase.
Cette phrase qui est dite par Arielle Dombasle dans le
film…
Oui. C’est elle qui me l’a dite aussi dans la vie.
Comment ça ?
On a fait un disque ensemble et je lui ai demandé : «
Ce serait bien si vous étiez vraiment vous-même pour
chanter cette chanson » - une chanson que je lui
avais composé. Et elle est partie sur ses grands
chevaux, en me disant : « mais pourquoi être moimême,
quelle horreur, vous n’y pensez pas ! » Et ça
m’a fait drôlement réfléchir. Je me suis dit « mais elle
a bien raison, c’est ridicule au fond », de vouloir être
soi-même.
Pouvez-vous définir le concept Sexy cool, titre d’une
chanson de l’album ?
Il n’y a pas vraiment de concept en fait. C’est un truc
fuyant, comme je les aime, il ne reste pas en place.
C’est très large, toujours en mouvement. On ne peut
pas situer « Sexy Cool », on ne peut pas savoir ce
que c’est vraiment.
Pas de définition précise…
Non, surtout pas.
Dans la chanson ADN, vous vous essayez au
saxophone ?
J’ai découvert le saxophone il y a un an à peu près, et
je m’en suis acheté un. J’ai découvert que je pouvais
y jouer facilement, parce que ce n’est pas comme la
trompette, je veux dire, il y a un son. J’en joue de
temps en temps.
Vous avez pris des cours ?
Non, pas du tout, je n’ai pas appris. Je réagis à
l’instinct (rires).
Ça se sent dans la chanson. C’est un peu comme du
free-jazz ?
Oui, voilà, free ! Avant d’être jazz, c’est d’abord free !

(Rires) Après il faut savoir trouver l’orthographe du
mot « free » ! Ça peut se finir avec un « t » aussi,
non ? « Frit », quoi. Je n’ai pas joué beaucoup de
minutes dans ma vie, mais j’adore ça ! Je faisais des
reprises avec Francis et ses peintres, des reprises de
chansons françaises. Il me laissait un solo sur « La
Boîte de Jazz » de Michel Jonasz. Tous les soirs
j’avais droit à un solo, une improvisation, j’adorais
cela ! Des fois c’était affreux, d’autres fois c’était
super. Donc, j’ai rencontré un ami ! Qui s’appelle
Jean-Philippe. C’est le nom de mon saxophone.
Le nom du saxophone ?
Du saxophone, oui. Jean-Philippe. Le prolongement
de mon corps.
Vous avez des conversations avec ?
Oui, et on a dormi ensemble ! C’est pas évident de
dormir avec un saxophone, je ne vous le conseille
pas. C’est affreux.
C’est plus facile de dormir avec un poisson ?
C’est beaucoup plus difficile. Parce que le saxophone
est vivant ! Le poisson, quand je dormais avec dans
le film, il était mort. Le saxophone, lui, est toujours
vivant.
D’autres projets ? Vous faites beaucoup de choses,
de la chanson mais aussi du dessin, du cinéma…
Oui, je fais des dessins pour un livre, avec Julien Baer
qui fait des chansons, et après je verrai. Je ne sais
pas du tout ce que je vais faire.
Et pas de cinéma, donc ?
J’ai joué dans un film de Benoît Forgeart, qui
s’appelle Gaz de France, je joue le président de la
République, quand même.
Qu’est-ce que ça fait d’être président, après avoir été
dictateur ?
Je n’ai pas trop aimé ! Dictateur, je préfère, au moins
c’est franc jeu. Par contre je pense que le film va être
génial. Parce que Benoît Forgeart est lui-même
génial.
Comment les idées vous viennent-elles ? Un matin,
vous vous levez, et vous pensez à Magnum ? Ou c’est
le fruit d’une mûre réflexion ?
Non, ce n’est jamais très mûr, comme ça, cela évite
que ce soit pourri. C’est plutôt instinctif. Je préfère
faire les choses un peu dans l’urgence, parce que
sinon je commence à intellectualiser et ce n’est pas
bon pour moi ! Je ne crois pas que ce soit bon de
réfléchir. Pour moi, en tout cas. Je préfère être dans
un mouvement, en action. Donc, rien n’est prévu ! Au
fond, c’est écrit mais rien n’est prévu. Après je
m’adapte à l’environnement, à la température, à ce
que j’ai mangé, à l’ambiance dans une pièce. Je
préfère avoir un bout de papier et pouvoir le déchirer
si besoin est.
Quel est votre rapport à la critique ?
Moi je fais des disques, c’est un travail. Il faut que
l’auditeur fasse un travail aussi. S’il n’a pas envie de
le faire, le disque n’existe plus. Je préfère laisser mes
textes ouverts, que ça ne soit totalement fini. Pour
cela j’ai besoin d’un auditeur qui soit disponible. Or,
certaines personnes ne le sont pas, pour des raisons
qui leur sont personnelles, peut-être sûrement leurs
problèmes, leur vie privée, qui les rendent
complètement indisponibles. On ne peut pas lutter
contre ça. J’ai lu cette critique de Télérama, en effet.
Elle est affreuse ! Parce que c’est quelqu’un qui ne
voit que ses problèmes à elle, qui parlait
éternellement de testicules, de couilles, je ne sais pas
quoi. Alors que dans mon disque il s’agit de trente
secondes, mais elle n’a vu que ça. Il s’agit plus de
ses problèmes personnels que des miens ! Mes
disques ne peuvent pas marcher si une personne est
bloquée sur ses a priori personnels. Ca ne peut pas
fonctionner.
C’est pour vous à l’auditeur de faire la deuxième
moitié du chemin ?
C’est ce que j’espère tout le temps. C’est pour cela
que des fois je fais des textes qui paraissent courts,
ou suggérés ! Parce que je pense qu’un texte s’écrit à
deux. Pour moi, l’horreur, et ça m’est déjà arrivé,
c’est de me regarder écrire. Il y a beaucoup de gens
qui se regardent écrire quand il font leurs textes de
chansons, c’est un truc que je renifle tout de suite. «
Regardez comme j’écris bien, regardez comme ma
phrase est bien tournée ». Je fuis ce genre de
sentiment, parce que souvent quand on se regarde
écrire, on ferme des portes. Et peut-être que certains
auditeurs non disponibles se sentent rassurés ! Mais
en tout cas ce n’est pas du tout ma démarche. Il faut
quelqu’un qui ait envie.
Qu’est-ce que vous évoque « Crumb » ?
Ca me fait penser au dessinateur. J’ai vu l’expo au
Musée d’Art Moderne, à Paris. Elle était
extraordinaire ! Je partage beaucoup de goût en
commun avec Crumb… Une inspiration pour le
dessin, j’adore aussi le bouquin qu’il a fait avec sa
femme. Je trouve que l’idée est extraordinaire.
Chacun travaille sur le même bouquin dans un
couple, en réponse à l’autre dans une conversation
qui n’en finit pas, c’est extraordinaire. C’est un grand
artiste. Vous avez un grand nom.
Propos recueillis par Cécile Lienhard.
Pour les besoins de la mise en page, l’interview a pu être raccourcie ou
écourtée de certains passages.
Une question sur la critique : dans la critique de
l’album par Télérama, ils écrivent de vous que vous
êtes « un entubeur à vide »…
Oui, j’ai lu ça aussi !

BUSY P
PEDRO WINTER
Interview publiée le 13 juin 2013
Il fallait être sur Mars pour ne pas avoir entendu un seul mot à propos de la petite bande d’Ed Banger
Records ces derniers mois : passées dix années d’exigence électronique, de fêtes folles et furieuses et
de dénichage de perles dansantes, l’équipe de Pedro Winter a décidé de stopper son rythme habituel
pour porter durant un an un costume d’anniversaire. Dix années, c’est long, et pourtant ils tiennent le
cap. Après nous avoir offert une fête folle à la Grande Halle de la Villette en Mars dernier, un livre/roman
photo, et une tournée mondiale actuelle, voici venu le temps pour Ed Banger Records de s’adonner à ce
qu’il sait faire de mieux : de la musique. Ed Rec. Vol X fait office de délicieuse cerise sur le cadeau pour
fêter l’âge à deux chiffres du petit mais gigantesque label parisien. Rencontre avec son boss.
Comment s’est passée cette première moitié
“d’année-anniversaire” ?
Bien ! On a ouvert les hostilités au mois de mars avec
notre soirée d’anniversaire le 1 er , une date précise
inventée, parce qu’on ne savait plus le jour exact. Il y
a eu la grosse fête à la grande Halle de la Villette, que
l’on a appelé Ed Banger Land, avec un espèce de
parc d’attraction sur le lieu. Tout s’est d’ailleurs super
bien passé, à la hauteur de nos espérances et de
notre ambition.
Nous voulions que les gens gardent un souvenir un
peu plus saisissant qu’une énième soirée ou festival
electro. Nous avons tenu notre pari, je crois. Le plus
beau compliment qu’on nous ai fait c’était de nous dire
“La fête d’anniversaire d’Ed Banger, dans dix ans je
pourrai dire : j’y étais”. On ne voulait pas s’arrêter à la
capitale, cependant. On donc prévu exactement dix
dates dans le monde. Il y a déjà eu Paris, Londres,
Bruxelles, et ce week-end on part à Barcelone, au
Sonar pour la quatrième date. On a décidé de
célébrer ça sur un an, on ne va pas se gêner !
En plus de ces dates nous avons aussi fait avec So
Me un livre de photos dans lequel on partage nos dix
ans d’aventure : Travail Famille Party. Les gens
auraient pu s’attendre à du graphisme, mais on a
choisi de faire un livre de photos dans lequel on a
intégré une petite discussion entre Bertrand (So Me),
moi, et Jean Baptiste Modino qui est un photographe
qu’on aime bien.

Etant donné que c’est un livre de photos on voulait
avoir le regard de quelqu’un dont c’est le métier. Il y a
donc les soirées, le livre, et maintenant la fameuse
compilation Ed Banger Records volume X. On célèbre
les dix ans dans tous les sens et sous toutes les
formes !
Au niveau du world-tour, y a-t-il des dates qui te
font frétiller d’avance ?
Ça serait injuste de n’en choisir qu’une. Les dix me
font vibrer ! On a choisi de faire précisément dix dates
par rapport aux dix ans mais dans des villes dans
lesquelles on se sent bien, avec lesquelles on a des
affinités, des rendez vous, des habitudes. Si je devais
n’en choisir qu’une je citerai peut être la dernière à
Mexico, où ça risque d’être assez intense ! On n’a pas
encore vraiment confirmé la date mais on risque de
faire ça au moment de la fête des morts là bas, vers le
2 ou 3 novembre. Ca va rajouter un peu d’intensité à
l’événement car le pays sera en fête à ce moment là.
Et puis Mexico est une ville assez exotique où j’ai du
aller deux ou trois fois, contrairement aux autres villes
où j’ai mes habitudes.
D’autres qui te font, ou t’ont fait peur ?
Paris. J’avais peur évidemment. On est chez nous, les
gens sont beaucoup plus critiques et le projet était
quand même beaucoup plus ambitieux. Ed Banger
Land dans la Grande Halle, 7000 tickets à vendre –
ce n’est pas rien – avec l’envie que les artistes du
label soient surpris… Tout ça a fait que, en effet,
j’avais un peu peur.
Entre Ed Banger Land et plus récemment les
platines du Social Club, comment sens tu le
public parisien en ce moment ?
Je le sens plutôt bien. Tu sais, j’ai beaucoup entendu
parler du petit drama “Paris est mort, plus personne
ne sort, on ferme toutes les boites et les bars” mais je
trouve que le public parisien est toujours présent, et
tellement large. Au contraire, je trouve même qu’il se
passe plein de chose ! Quand tu vois le Wanderlust,
le Nüba, le Social Club qui se porte bien, et que tu
entends parler de la Concrete qui fait un carton, le
paysage nocturne est plutôt en forme. Après, moi,
personnellement, je sors de moins en moins, je
deviens une vieille dame, tu sais (rires).
Quels étaient les enjeux en faisant une
compilation qui célèbre les dix ans d’un label
aussi libre, éparse et pointu qu’ Ed Banger ?
Je vais te dire la vérité : en faisant la Ed Rec X on
avait le choix de faire soit ce que l’on a fait, soit une
rétrospective, un espèce de best of. Mais je trouvais
ça un peu opportuniste et pas excitant, tout
simplement. J’ai donc proposé aux artistes de
continuer ce qu’on avait commencé, dans l’esprit des
trois premiers volumes. Au final, on a sorti trois
compilations en 10 ans et là était le clin d’oeil, sauter
du 4 au 10 pour marquer le coup. C’est une

compilation qui tombe l’année des dix ans mais qui
n’est pas du tout tournée vers le passé, ou vers une
certaine forme de célébration et de nostalgie. C’est
plutôt histoire de se dire : « Après 10 ans de boulot
qu’est ce qu’on est capable de faire et de proposer de
différent ? » J’espère qu’on propose au final quelque
chose d’autre que ce que les gens connaissent de
nous ou du paysage actuel de la musique
électronique française et même mondiale.
Rassembler les troupes n’a pas du être une mince
affaire… Tu peux nous balancer les bons et les
mauvais élèves ?
C’est marrant que tu parles de ça, parce que j’ai fait
une petite campagne pendant la production de ce
disque, où je marquais ceux qui m’avaient rendus les
morceaux et ceux qui ne me l’avait pas encore fait.
C’est vrai que je courrais un peu après tout le monde,
mais c’était plus une histoire de planning que d’envie.
La chance qu’on a avec le label, c’est qu’on arrive
facilement à réunir et à fédérer tous les artistes, tout le
monde est content d’y participer.
D’ailleurs, le plus mauvais élève de la compil’ c’était
moi ! J’ai rendu mon morceau le dernier alors que
normalement je suis censé montrer l’exemple. Il y a
aussi eu Cassius par exemple qui a eu un peu de mal
à faire son titre, mais c’est justement dans la douleur
qu’ils ont donné naissance à Sunchild, un morceau
assez incroyable qui rend un bel hommage à Mehdi.
C’est d’ailleurs pour moi le morceau qui sort
complétement du lot.
Qu’est-ce que tu peux nous dire sur ton EP, ce
« Still Busy ». Ce n’est pas une façon de nous dire
que tu es toujours dans les parages ?
C’est un double message. Ta vision n’est pas
mauvaise. Mais je veux un peu plus dire que
l’excitation et l’envie sont toujours là. J’hallucine
toujours quand on me fait des demandes à droite à
gauche, de l’intérêt des gens qui nous appellent pour
faire des articles, même après douze ans de Daft
Punk et dix ans d’Ed Banger. Ca me fait toujours
plaisir. C’est cela qui me donne envie de continuer.
Cet EP va plus dans ce sens là. Il y a également un
autre morceau un peu plus sombre sur la face B, qui
est aussi, peut-être une façon de montrer où j’ai envie
d’aller, m’éloigner d’une certaine caricature de la
musique électronique française qui ne m’intéresse pas
des masses.
Tu peux nous en dire plus sur ton album en
préparation avec Boston Bun ?
Je n’en suis pas encore là ! Je suis une limace (rires).
Je n’en suis qu’à trois sorties en dix ans ! La grosse
bonne nouvelle, si cela t’intéresse, c’est que j’ai trouvé
les gens avec qui le faire, le studio où le travailler,
ainsi que la méthode à adopter. C’est ce qui m’a pris
le plus de temps. Je ne sais pas, je pense que ça ne
va pas être un disque déprimant mais disons que la
tendance de cet album va plus fonctionner à
l’émotion. C’est ça la musique que j’ai envie de faire
aujourd’hui.
Cette collaboration avec Boston Bun et son
electro-house un peu rétro, ce aussi une envie de
retour aux sources, au commencement ?
Complètement. Musicalement je ne me suis jamais
éloigné de la House Music avec laquelle j’ai
commencé. Tous les disques qui sont ici (dans les
locaux de Ed Banger ndlr.) le prouvent. Même si les
couleurs du label partent ailleurs, les fondations n’ont
jamais été loin. Le projet Carte Blanche de Mehdi et
Riton était une ode à Chicago par exemple. Je ne
m’en suis jamais senti éloigné même si la musique
que je jouais et que je faisais était différente
Évidemment, quand j’ai écouté ce que faisait Boston
Bun, je me suis dit : “Le mec comprend vraiment le
genre, sauf qu’il le reproduit avec les outils et la
production d’aujourd’hui”. Et j’ai cette envie de retour
aux sources, de sortir des vinyles, de faire quelque
chose d’un peu plus personnel, intime. Au niveau de
sa musique, je sais qu’on ne va pas avoir la même
campagne que sur Justice ou Breakbot par exemple,
mais c’est un projet qui m’excite tout autant.
Dis moi, comment se fait-il qu’il y ait si peu de
filles chez Ed Banger ?
Je ne me l’explique pas justement ! Je pense que je
t’aurais déçue si j’avais eu une explication ! C’est une
histoire de rencontres, d’opportunités… J’aurais adoré
signer AlunaGeorge (interview à lire page 36, ndlr), et
plein d’autres artistes féminines, mais ça ne s’est pas
présenté. Uffie (interview à lire page 290, ndlr) c’était
un heureux accident mais qui malheureusement ne
s’est pas prolongé puisqu’on a arrêté de travailler
ensemble il y a un peu plus d’un an maintenant. En
tous cas ça ne vient pas du tout d’une envie de ne pas
travailler avec des filles, au contraire. Mais sinon je
suis là moi pour apporter la touche féminine au label.
J’essaie du mieux que je peux (rires) !
C’est une jolie fin ça ?
Propos recueillis par Margaux Bouteldja
Photos : Julot Bandit, pour Crumb magazine

IGGY
Interview publiée le 18 juin 2013
AZALEA

Il faut le dire, la perspective de passer une demie heure à la rencontre de la jeune Australienne Iggy
Azalea, était aussi excitante qu’inquiétante. Qui est-elle réellement ? Allions-nous nous retrouver face à la
même fille brut et sexy que dans ses clips, sulfureux et menaçants ? Passée la sortie de plusieurs
mixtapes et d’un EP, sous l’aile de Diplo et TL, il était temps pour la demoiselle de s’attaquer à un premier
album attendu pour la fin de l’année. A cette occasion, rendez-vous était donné avec la musicienne dans
un hôtel parisien, près des Champs Elysées, un jour ensoleillé de Juin. Nous voici donc dans une
chambre parfumée, seuls. Iggy est en train de faire une autre interview, pendant que nous tentons de
scruter le son de sa voix. Je stresse un peu, il faut le reconaître. Dans quelques minutes c’est moi, face à
la jeune fille. Du retard, comme souvent lors des journées promo, qui me fait attendre “LE” moment. Et
c’est pile à cet instant que la porte s’ouvre : elle est là, face à moi (ou plutôt au dessus tant sa taille est
vertigineuse), elle me tend la main avec un grand sourire : « Hey, my name is Iggy ! ».
Salut Iggy, ce n’est pas un peu frustrant de passer
deux jours à Paris, enfermée dans une chambre
d’hôtel, à répondre à des journalistes aux accents
horribles ?
(Rires) Ca ne me dérange pas du tout de discuter
avec vous, malgré vos accents bizarres, mais j’aurais
bien aimé avoir un peu de temps pour faire les
magasins. Paris est sûrement une de mes villes
préférées, pour dépenser mon argent et me balader,
donc je suis un peu triste de ne pas pouvoir le faire.
Je m’organiserai ça un peu plus tard !
Tu as récemment fêté tes 23 ans. Qu’est-ce-qui a
changé pour toi depuis ton dernier anniversaire ?
Je pense que j’étais un peu perdue. J’avais décidé de
ne pas sortir un premier album à tout prix et au plus
vite, donc les gens me prenaient un peu pour une
dingue. Je ne savais pas ce que je devais faire ou ce
qui allait arriver à ma carrière, si ce n’est que
j’envisageais de sortir un album, mais sans savoir
comment, ni avec quel label, et quelles personnes
pour m’aider… Cette année, on peut dire que tout va
mieux : j’ai signé chez Mercury et Def Jam avec deux
singles sur les rails, je suis beaucoup plus sereine.
Tout semble être arrivé vite et facilement…
Ca a été facile quand les choses se sont
enclenchées. Je cherchais un label depuis longtemps,
et j’ai décidé d’arrêter de démarcher l’année dernière
pour expérimenter, trouver mon véritable “son”, en
sortant des EP et des mixtapes. Une fois passée cette
étape, je suis repartie à la recherche d’un label pour
mon album, et le choix de Dej Jam Records s’est très
vite imposé. Travailler avec eux et Mercury est
vraiment un plaisir, ils ont compris où je voulais aller,
avec une réelle passion pour la musique, ce qui n’est
pas actuellement pas le cas partout. De plus en plus
de businessmen s’intègrent malheureusement dans le
milieu.
Comment décrirais-tu la Iggy Azalea de 2013, par
rapport à celle de 2012 ?
Probablement un peu moins irrationnelle et dépassée
! (Rires) Mais toujours un peu irrationnelle quand
même ! Je pense que l’année dernière, beaucoup de
choses incroyables me sont arrivées pour la première
fois, donc ma réaction était extrême, du genre : “Wow
! Qu’est ce qui m’arrive? C’est dingue !”, alors que ces
mêmes choses se répètent maintenant, mais j’ai plus
d’expérience pour les comprendre. Je me sens plus
calme, et un peu moins sensible aux rouages de
l’industrie musicale. Je ne suis pas une Iggy Azalea
adulte, mais plutôt “grandie”.
A l’écoute de tes deux nouveaux singles, Bounce et
Work, on ressent vraiment une influence plus dance.
Tu es d’accord avec ça ?
Bien sûr. Pour Work, j’ai été énormément influencée
par Bombs Of Bagdad de Outkast, que j’écoutais
énormément : c’est une chanson très dansante,
parfaite pour une soirée, mais avec en même temps
un message vraiment intéressant et sérieux, sans
empêcher les gens de danser dessus. J’ai eu envie
de faire exactement pareil. On me demande très
souvent de raconter mon histoire mais ma vie est
tellement sérieuse ! Je ne veux pas que les gens se
sentent triste là-dessus, je veux qu’ils s’amusent. J’ai
donc voulu raconter mon histoire, sans être
déprimante, et en laissant les gens s’amuser dessus.
Je préfère laisser un message positif, en expliquant
que je n’ai pas eu une jeunesse facile mais que je
m’en suis parfaitement sortie ! J’ai ensuite sorti
Bounce pour ne pas arrêter mon message positif, ça
aurait été dommage de mettre aussi vite fin à la fête !
Celle-ci est parfaite pour l’été.
Dans tous les cas, il y aura une alternance entre
chansons “concrètes” et dansantes sur mon album.
Pour l’instant, il y a plus de titres sérieux que l’inverse,
mais je me disais justement ce matin que je devrais
penser à ré-équilibrer la balance. C’est important
d’avoir un mélange des deux. Je ne veux pas qu’on se
sente triste en m’écoutant mais je n’ai pas non plus
envie qu’on pense que suis une fille complètement
superficielle qui pense juste à s’amuser.
Work est un peu une réponse à tes détracteurs…

Est-ce que je l’ai écrite en ayant ça derrière la tête ?
J’y pense tous les jours ! (Rires). Des tonnes de gens
essayent de me discréditer, disent que je joue un rôle,
que ce n’est pas logique qu’une fille comme moi fasse
du rap, alors qu’énormément de personnes dans le
monde s’ouvrent à des choses qui ne les concernent
pas directement à la base. Ils ne comprennent pas
que je fais tout cela sincèrement. J’ai voulu montrer
avec ce titre que je faisais les choses avec le cœur.
Je me suis démenée pour en arriver là où j’en suis
aujourd’hui et ça n’a pas été facile. C’est difficile de
trouver sa place dans un milieu très apprécié et
critique. Je suis fière d’avoir trouvé la mienne. Donc
oui, je pense souvent à ces gens et je leur dis “Fuck
You guys !” (Elle nous fait deux doigts d’honneur, un
grand sourire aux lèvres, ndlr.)
Est-ce que tu ne trouves pas un peu ennuyant le fait
que les hommes te considèrent plus comme un sexsymbol
en puissance plutôt qu’en tant que vraie
rappeuse ou musicienne ?
J’y ai déjà réfléchi. Je n’ai jamais fait de musique pour
ce type de personnes. Si tu entends mon message,
mais que tu ne le comprends pas, c’est que ce que je
fais n’est pas pour toi ! Ils peuvent continuer à me
regarder mais au final, ils ne cerneront jamais qui je
suis. J’essaie donc de ne pas trop y penser. Je
préfère me dire : “Peut être que j’ai quelques vues
Youtube en plus juste pour mes fesses, c’est pas trop
grave” (rires). Ca m’embêterait vraiment si j’avais des
millions de vues Youtube pour mes clips, en vendant
à côté seulement dix singles. Peut être qu’il y a des
mecs qui me regardent uniquement moi, dans mes
vidéos, mais à côté de cela, d’autres achètent ma
musique et s’y intéressent, donc ça me va.
Tu es consciente que tu es devenue une sorte
d’image que les gens et les marques veulent…?
Je le sais, oui, mais j’essaie de ne pas trop m’investir
là dedans pour le moment. Je n’ai pas sorti d’albums,
donc je fais attention. J’adore faire des campagnes
pour Levi’s, ou présenter une émission pour MTV
comme je l’ai récemment fait -j’ai carrément
interviewé Brad Pitt !- mais je ne veux pas que les
gens me découvrent et me considèrent autrement
qu’en tant qu’artiste, plutôt que comme un modèle
pour une marque de jeans… Dès le moment où j’aurai
vraiment fait mes preuves avec mes morceaux, je me
permettrai d’aller un peu plus dans cette voix (…)
Cela crée de la confusion chez les gens qui se
demandent à quel point je suis investie dans la
musique et pensent que c’est juste un prétexte, alors
que je suis complètement dedans ! Sauf que c’est en
même temps difficile de refuser des opportunités
aussi intéressantes, donc je fais attention. Je pèse la
balance, et j’essaie de faire en sorte que les “à-côtés”
ne dépassent pas ma musique. Pas mal de gens
seraient surpris en découvrant à quel point je suis
investie dans le travail d’écriture des mes titres, des
paroles jusqu’à la musique. Je reste toujours avec
mes amis producteurs (Diplo ou Steve Aoki, entre
autres, ndlr) quand on travaille ensemble, du premier
beat jusqu’au morceau complet, et ce genre de
choses appuient ma crédibilité en tant qu’artiste.
Tu produis tes morceaux toi-même ?
J’aimerais tellement ! J’ai souvent collaboré avec
B.O.B, sur Best Friends ou Million Dollar Misfits, et il
produisait à chaque fois ses titres, en jouant du piano
et d’autres instruments. Je l’observais et je me disais
« J’aimerais tellement savoir faire ça…! ». Pour
l’instant, j’en suis au stade où je dirige les opérations
pendant la composition. Je donne la marche à suivre,
en essayant de coller à mon univers. Mais la
production est quelque chose que j’aimerais
développer personnellement, pour le futur.
Je préfère travailler avec un tout petit cercle de
producteurs, Diplo, Steve ou The Invisible Men, avec
qui j’ai de réels liens d’amitiés, qui comprennent
maintenant exactement ce vers quoi je veux aller. Je
reçois énormément de productions via Internet, mais
je pense que c’est important de rester avec des gens
qui te connaissent pour rester fidèle à ton propre son.
Surtout qu’en général, ils m’écoutent vraiment afin de
savoir ce que je veux moi, exactement, et ça me
semble primordial.
Et ce serait quoi, par exemple, une production parfaite
pour Iggy Azalea ?
Question compliquée ! J’adore ce que font Diplo ou
Steve Aoki ; ils n’ont pas peur de s’essayer à
différents styles. Surtout Diplo. Ce qu’il a fait avec
Major Lazer est incroyable. Il adore le reggae, mais il
y a aussi insufflé sa passion pour l’électro et le hiphop.
Le résultat est explosif, et c’est vraiment dur de
mélanger autant de genres. C’est pour ça que je
l’admire. Tout comme Steve Aoki, qui m’a réellement
initié à la musique électronique, alors que je n’étais
pas du tout réceptive au genre auparavant.
Est-ce que “Crumb” t’évoque quelque chose ?
Robert Crumb ! C’est un dessinateur de BD
complètement dingue ! C’est pour cela votre nom ?
Entre autres, oui !
Vraiment ? Je ne pensais pas, c’est génial ! C’est
marrant parce que je le cite souvent en interview, en
répétant tout l’amour que j’ai pour lui. Je le trouve
brillant. J’ai adoré sa relecture complète de la Bible.
Pareil pour son travail sur les femmes : il les
sexualisait énormément, mais je trouvais ça vraiment
intéressant. Je ne suis pas particulièrement religieuse,
donc ça ne m’a jamais offensée. J’ai plus globalement
toujours adoré sa façon de voir le monde et de le
traduire dans ses dessins. Il a pour moi le meilleur
coup de crayon de toute l’histoire du cartoon.
Mon père était lui aussi dessinateur de bandes
dessinées, et il m’a énormément initiée à cet art,
notamment à travers les travaux de Robert Crumb. Il
avait des idées vraiment tarées, mais c’était le
premier à sexualiser le comic américain, en
changeant le style du dessin. Quand j’y pense, c’était
beaucoup plus compliqué pour lui de faire ses dessins
provocateurs que pour moi en faisant ma chanson
“Pussy” à notre époque (rires) !
Propos recueillis par Brice Bossavie.
Pour les besoins de la mise en page, l’interview a pu être raccourcie ou
écourtée de certains passages.

Salut c’est
cool & Flavien Berger
cobversations
Interview publiée le 27 novembre 2014
Samedi soir dernier, au Trabendo, à Paris, la bande de Salut C’est Cool a donné un concert incroyable
agrémenté entre autres de leurs tubes des plus ‘chelous’, d’une dégustation de fromage sur scène et
d’une bataille de polochons. Ils avaient invité pour l’occasion Flavien Berger qui a bercé leur été autant
que le notre avec son EP Mars Balnéaire. On leur a donc proposé un entretien tous ensemble avant la
fête, qui promettait déjà d’être très folle.
Pourquoi y a-t-il plein de paillassons Salut C’est Cool
à l’entrée ?
Salut C’est Cool : C’est juste pour se faire des thunes
et pour que les gens repartent avec un petit souvenir !
Flavien Berger : Vous les vendez combine ?
SCC : Dix boules.
Flavien : C’est un grand paillasson coupé en petit
bouts ?
SCC : Non. A couper c’est impossible. Certes on
aurait pu faire des belles formes mais cela nécessite
une scie particulière et ça ferait des pertes autour.
Ceci étant, on aurait pu s’en servir pendant le concert,
genre se les mettre sur la tête.
Et ces sprays d’eau parfumée ?
SCC : Ce soir on a prévu une bataille de polochons et
du coup il va y avoir pleins d’acariens. On va utiliser
ces sprays pour faire retomber les poussières s’il y a
trop de gens qui éternuent. Intelligent, non ?
Flavien : C’est incroyable comme idée les gars, que
vous ayez réfléchi au fait qu’il fallait faire tomber la
poussière…
SCC : En fait on connait des allergiques qui utilisent
cette méthode… Merci Alex, si tu nous lis !
Vous êtes plutôt performance que concert ?
SCC : Non, c’est juste un concert mais il y a des trucs
qui se passent en plus de la musique. C’est faire de la
musique et des jeux en même temps pour une
expérience un peu totale.
Et pour toi Flavien ?
Flavien : Moi, je chante mes chansons différemment
que sur le disque, je les improvise, en les prenant
comme une matière. C’est comme si je m’auto
samplais. Du coup souvent je ne chante même pas

les paroles des morceaux, parfois même pas dans la
langue de base, même si on reconnait le titre.
Comment avez-vous découvert la musique des uns et
des autres ?
Flavien : Avec des potes on a un collectif, le Collectif
Sin et lorsqu’on était étudiants on entendait parler de
Salut C’est Cool qui étaient déjà reputes pour leurs
fêtes et leurs concerts. Il y a eu une rencontre il y a
super longtemps entre le groupe et le Collectif mais je
n’étais pas là puis il y eu un concert à Bourges, une
sorte de battle entre nous, un truc dans le genre…
SCC : un Dj set ping pong !
Flavien : Voilà. C’est vraiment comme ça que j’ai
découvert leur musique et leur entité.
SCC : Nous étions voisons avec les membres du
Collectif Sin, on était à l’école ensemble, quand
Flavien a commencé à faire de la musique, on a vite
entendu son travail. Du coup cet été on s’est tué à
Océan Rouge dans la bagnole, à la maison et un peu
partout d’ailleurs.
Vous avez tous fait des écoles d’Art, et toi Flavien tu y
enseignes même…
SCC : Sérieux t’es prof ? (Rires)
Flavien : Oui aux Ateliers de Sèvres, à Paris.
SCC : C’est une interview revelation CRUMB ! C’est
trop cool ! Mais tu as quel âge ?
Flavien : 28 ans.
SCC : Nous, on pourra être prof dans 3 ans (rires).
Vos experiences respectives dans l’Art ont t-elle une
influence sur votre façon de penser et concevoir la
musique ?
Flavien : Oui je pense. C’est totalement lié meme. Ca
t’apprend à penser et à travailler.
SCC : Même si tu essayes de les séparer dans des
compartiments, c’est ce que certains d’entre nous
faisaient quand on était à l’école en parlant rarement
du groupe, tu te rends vite compte que des ponts se
font puisque c’est la même personne qui fait tout et du
coup tu peux faire des parallèles de réflexion. La
musique après tout c’est une forme d’expression
comme une autre et dans les écoles d’Art le principe
c’est de faire des projets. la musique en est un qui
prend juste une forme différente.
Et pour l’enseignement, Flavien ?
Flavien : Cela permet d’être au courant de plein de
choses niveau musique, des mecs de dix huit ans qui
arrivent en écoutant de l’acid et qui s’y connaissent
trop bien alors que c’est quelque chose d’inconnu
pour ma part. Cela t’apprend l’humilité, ouvre l’esprit.
Je ne donne pas de cours magistraux, j’apprends des
techniques. Comme une experience que je mets sur
la table et que je partage.
Votre site internet dispose d’un journal intime, avec
pleins de photos, est-ce que les réseaux sociaux
basés sur l’image comme Instagram vous attirent ?
SCC : Instagram on trouve ça chiant parce que le
format de tes photos doit obligatoirement être carré,
en plus c’est à faire avec un smartphone et on en a
pas donc techniquement ce n’est pas pour nous. Et
puis les photos partent directement de ton téléphone
vers internet sans passer par ton ordinateur c’est à
dire sans que tu puisses les archiver ni les classer.
Nul.
Flavien : ça a l’air d’un truc pro en apparence mais
c’est typiquement amateur.
SCC : Et les filtres sont pas géniaux. La photo
originale sera toujours mieux que si tu la retouches dix
fois.
Dans ce journal, il y a l’album des Eurockéennes,
c’était comment de jouer là-bas ?
SCC : C’était trop bien, il a beaucoup plu.
Flavien : Les photos où vous allez dans une forêt puis
dans une cabane, c’était là-bas ?
SCC : Sûrement…oui
Flavien : Ah ouais, ça dérive à mort (rires) !
SCC : C’est qu’on a joué hyper tôt du coup on a eu le
temps de bien s’amuser…
Tu n’as pas d’albums photos dans ce type, Flavien ?
Flavien : Non en fait j’archive tout. Des images se
retrouvent dans certains de mes clips. J’accumules
encore et encore sans vraiment savoir pourquoi et
puis lorsqu’un projet nécessite une certaine matière,
c’est là-dedans que je la trouves. C’est ce qu’il va se
passer pour mon prochain clip où il y a encore une
histoire de photos que je vais puiser là-dedans. Après
je ne fais pas partie d’un groupe, mais il y a le
Collectif Sin. La pratique de ma musique m’est bien
particulière mais je fais suis aussi une part de ce
Collectif.
SCC : D’ailleurs nous on trouve ça super courageux
de faire de la musique tout seul parce que c’est quand
même rassurant d’être en bande, d’aller à des
endroits, d’être ensemble pour s’ennuyer moins.
Flavien : Je ne m’ennuie pas vraiment car au final je
suis rarement seul, surtout en concert.
SCC : Tu ne te démotives jamais ?
Flavien : Parfois je me retrouve dans des situations un
peu abyssales à cause de la fatigue, mais je ne dirais
pas que c’est ennuyant sinon je ne ferais pas de
musique. Je rencontres et travailles avec énormément
de gens, tant dans la phase de création que dans la
production, je ne me sens vraiment pas seul. C’est
aussi ce que m’a appris mes études, gérer des étapes

de projet, allier le bon travail aux bonnes étapes, avec
les bonnes methods...
SCC : Nous on est très mauvais pour gérer nos
projets, même si on est plus organisé qu’avant…
Flavien : Faut voir aussi ce que ça donne si vous vous
mettez à tout faire de manière très organisée, vous
allez peut être ressembler à un boys band (rires).
SCC : Faire de la musique c’est aussi prendre du
temps sur notre quotidien. C’est un peu paradoxal
parce que tu t’empêches de faire autre chose…
Flavien : Je ressentais cela avant aussi, mais
maintenant je considère ce temps comme moteur et
nécessaire pour le reste. (…) Mais, je comprends pas.
Ca t’empêche de faire quoi ? De l’argent ? (Rires).
SCC : Non, on a nos paillassons pour ça (rires). En
fait il y a la musique mais aussi tout ce qui l’environne,
que l’on considère comme une extension de nousmême.
Communiquer sur ce qu’on est en train de
faire et de créer s’inscrit dans une pratique globale. Et
puis mettre en ligne un album des Eurockéennes de
Belfort nous paraît naturel, comme n’importe qui y
étant allé aurait envie de partager ses photos.
Flavien : Mais c’est rendu possible par l’humour, que
le roman photo soit l’extension du concert ! C’est
aussi pour ça que je suis content d’être là ce soir
parce qu’à l’inverse de mes disques, les concerts sont
un peu plus drôles, il y a plus de dérision alors que le
disque est plus premier degré et romantico-imagé. Je
pense que l’humour est un moyen de tout transformer
en Salut c’est cool. Toutes vos images sont des
chansons, c’est comme cela que je vous perçois en
tout cas.
SCC : C’est une façon de voir les choses un peu
différente, faire de la musique c’est pas le but unique.
Flavien tu as des projets particuliers pour 2015 ?
Flavien : Je vais sortir un album. En entire, complet.
C’est intéressant de se plier à l’exercice consistant à
composer des morceaux plus courts pour en avoir
plus. Il y a toujours un thème précis. En l’occurrence,
cette fois, ce sera une attraction de fête foraine qui fait
évoluer un personnage jusque dans les abysses de
l’océan. Les morceaux sont faits, l’album est en
mixage. Après viendront les concerts…
des chansons sur ce theme. J’en visite pleins depuis
pour l’imagerie de l’album, là j’étais à celle de Rouen
puis il y aura celle de Rennes et après j’irais voir celle
de Brighton.
SCC : T’as open bar sur les attractions du coup?
Flavien : Pas trop. C’est le label qui paie les
attractions du coup on demande des reçus, ça donne
des trucs assez géniaux. On en a un avec marquee
dessus : “Vingt cinq euros” en manuscrit et juste
“King” tamponné dessus. C’était pour une montagne
russe, ca ne passera jamais à la comptabilité.
D’ailleurs à Rouen, l’autre jour l’attraction c’était un
énorme disque, entouré d’autres disques qui tournent
dans des sens différents avec au milieu de ça une
statue d’un DJ du futur, qui tournait lui-même. Il avait
des lunettes de soleil immenses, les verres faisaient
le tour de sa tête, une casquette à l’envers en
plastique, et il tournait au milieu de l’attraction, c’était
incroyable, magnifique, magique.
SCC : Ca a l’air trop bien ! Il y a souvent des
attractions qui paraissent moins impressionnantes
mais c’est avec elles que tu auras les sensations les
plus fortes genre “La poêle A Frire”, où tu sautes
comme un fou. La dernière fois qu’on est monté
dessus il pleuvait à moitié c’était tellement extrême.
On avait vraiment l’impression de perdre pied, à la fin
on était mal ! “La Poêle A Frire” de Stasbourg, ça
déchire. C’est à tester !
Vous avez déjà pensé à tourner un clip dans une
attraction ?
SCC : Je ne sais pas si c’est trop notre délire parce
que c’est souvent un seul thème du coup ça pourrait
être un peu relou de devoir promouvoir un unique
personage, genre une poêle A frire, quoi.
Flavien : Mais un parc à votre nom est prévu, non ?
Un parc d’attraction géant Salut C’est Cool ?
Ouverture en 2016 ? (Rires).
SCC : Oui ! Il sera totalement en paillasson !
Propos recueillis par Alice De Jode.
D’où te viens ta fascination pour la fête foraine ?
Flavien : De l’imagerie collective. La fête foraine, on la
connait tous, on en a tous fait, il y en a toujours eu
partout. Il y un an à Berlin je suis allé au marché de
Noël avec des copains et on avait fait la fête la veille.
Du coup il y a eu un déclic opéré par le reste de
drogues qu’on avait dans le sang et les lunettes
psychédéliques qu’on nous avait mis sur les yeux
pour faire la fameuse attraction du Palais du Rire.
C’est devenu super inspirant et j’ai commencé à faire

JAGWAR JAGWAR
MA MA

Interview publiée le 29 juillet 2013
On ne vous présente plus le groupe australien Jagwar Ma que nous avions déjà croisé en juin dernier.
Entre temps est sorti leur premier LP, Howlin’, un album pop résolument moderne qui insuffle sur des
sonorités 90’s une énergie nouvelle, dans un savant mélange de dream pop psychédélique, d’acid house
et d’electronica. Après leur concert parisien à la Flèche d’Or et un mois avant leur venue au Pitchfork
Music Festival le 1er novembre prochain, nous avons rencontré la tête pensante du groupe Jono Ma et le
chanteur Gabriel Winterfield.
L’été touche à sa fin, quels sont les meilleurs
souvenirs que vous garderez des scènes sur
lesquelles vous avez joué ?
Gab : Tout a été parfait. Il n’y a eu que des bons
souvenirs. Il y a eu des moments très importants pour
nous. Jouer à Glastonburry était vraiment spécial car
quelques heures avant, Jono était très malade et il y
avait de fortes chances pour qu’il ne puisse pas jouer.
On s’était fait une raison, et puis finalement il est
monté sur scène avec nous, c’était magique ! Ensuite
on a fait le Leeds Festival, très intéressant, puis le
Bestival sur l’île de Whight, très différent mais tout
aussi cool.
On a aussi tourné en France avec Foals à Lyon, Lille,
et Paris où l’on a fait un concert à la Flèche d’Or la
semaine dernière. C’était très chouette.
Comment ça s’est passé avec Foals ? Vous avez
aussi tourné avec The XX…
Gab : Foals est vraiment un groupe à part, très
différent des autres groupes avec lesquels on a joué.
La dernière fois, je suis resté éveillé, avec eux,
jusqu’à 7 heures du matin à parler politique étrangère
avec Yannis. Il a des origines grecques. Son point de
vue sur ce qu’il se passe là-bas est très intéressant. Il
est passionné par le sujet, très patriotique donc c’est
marrant de parler de cela avec lui. Moi-même j’ai des
origines iraniennes et l’on en parle beaucoup aussi.
Jamie (de The XX, ndlr), lui, est une des rares
personnes que je connais à Londres qui skate donc
on n’arrête pas de parler de cela, de s’envoyer des
vidéos de skate, etc. The XX est vraiment un chouette
groupe, ils sont tous adorables et leur public est à leur
image donc c’est vraiment très agréable de jouer
devant eux, on ne se sent pas comme des étrangers.
La première fois que l’on a fait leur première partie,
nous pensions que personne ne nous connaissait et
que la salle serait déserte. En fait ils sont tous venus
tôt pour nous écouter aussi, c’était vraiment cool !
Howlin’ est un album très éclectique. Si vous deviez
définir votre style, vous diriez quoi ?
Gab : Notre style c’est avant tout “des mecs qui jouent
à la guitare” ! Ce n’est pas vraiment un style mais on
fait tous de la guitare depuis notre adolescence et
c’est ce qui nous a inspiré le plus, ce qui nous a tous
donné envie à un moment de monter un groupe. C’est
très difficile d’en choisir une en particulier, c’est
comme choisir un de ses enfants, quoi (rires).
Quand l’idée vous est venue, vous étiez plutôt jeunes.
Vous jouiez dans des fêtes d’ados ?
Gab : Ouais, très souvent ! C’était le meilleur moyen
que j’avais trouvé pour qu’une fille vienne m’aborder :
jouer Come As You Are de toutes mes tripes !
Et ça marchait ?
Gab : Absolument pas !
Quel regard portez-vous sur la scène électro de ces
dernières années ?
Jono : elle est saine, plus saine que jamais. L’électro
est une musique en perpétuelle mutation qui évolue
très vite tout en se recyclant énormément. J’aime
beaucoup la Classic House, la Deep House, des mecs
comme les Pachanga Boys par exemple. Il y a
quelques années, tout devait être très rapide,
immédiat, dansant. Je trouve l’électro plus saine
aujourd’hui car certains styles sont plus profonds, plus
calmes mais elle n’est plus aussi intense. Bon il y a
des exceptions, regarde le Dubstep américain ! Pour
le coup je ne sais pas si c’est une musique saine mais
en tout cas définitivement très intense !

A quels artistes émergents souhaiteriez-vous confier
un remix ?
Jono : En parlant d’eux, justement, les Pachanga
Boys ont fait un remix de Come save Me absolument
fantastique qui vient de sortir en vinyle. Il est sur la
face A et dure 12 min. Ils l’ont passé au Burning Man
cette année, le dernier jour du festival à 7 heures du
matin, c’était fou ! Tu peux trouver la vidéo sur
YouTube, c’est très intéressant à regarder, je te le
conseille !
En termes d’artistes émergents, plus sérieusement,
on aime beaucoup Dan Avery qui vient d’Angleterre et
qui produit des choses vraiment très excitantes. Il y a
quelques mecs en Australie aussi, Guerre par
exemple, pour ne citer qu’eux. Je pense que l’on peut
considérer ça comme de l’électro, mais son style est
vraiment très difficile à définir. Ca se rapproche de
James Blake vocalement parlant, je ne sais pas si tu
vois. A écouter et découvrir aussi, quoi. Sinon, nous
sommes vraiment fans de Jonti qui vient aussi de
Sydney et avec qui on est amis depuis longtemps car
on a grandi dans le même quartier. Il est en train de
nous faire un remix. Il travaille avec The Avalanches
pour leur prochain album et sur son propre album
aussi, en même temps, qui est incroyable. Pour te
donner une idée, ça sonne comme du J Dilla qui
remixerait les Beach Boys, tu vois ? (Rires).
Vous pouvez nous parler de l’écriture et de
l’enregistrement de Howlin’ ?
Gab : Il y a des idées qui reviennent souvent et qui
remontent à très longtemps. Quand on travaille sur
des mélodies, on va chercher très loin dans nos
souvenirs d’enfance. Après l’enregistrement de
l’album en lui-même a duré environ un an.
Jono : On a commencé quand on s’est mis à mixer
Come Save Me.
années et j’adore les mixer.
En octobre vous revenez à Paris pour jouer au
Pitchfork Music Festival. Vous allez partager la scène
avec les Disclosure, que nous avons interviewé (lire
page 174, ndlr) qui sont très connus en France, vous
pensez quoi de leur musique ?
Jono : Ils sont incroyables ! Ils sont tellement jeunes,
c’est leur tout premier album mais c’est déjà d’une
efficacité redoutable ! Quand tu l’entends à la radio,
ça te tranche comme une lame de rasoir ! On les a
vus pour la première fois au Midi Festival, en France,
l’année dernière. On ne savait pas encore qu’ils
allaient sortir un album, c’était avant qu’ils explosent,
et je me revois me dire « Wow ces mecs vont être
gros, très gros ! » Donc ouais, nous sommes de
grands fans ! Vous pouvez leur dire.
Un mot sur le choix de cette pochette d’album ? C’est
quoi en arrière-plan ? On dirait Sangoku pendant la
pleine lune…
Gab : C’est vrai ouais !
Jono : Tu as raison. Gab est un grand fan de Dragon
Ball Z (rires) ! Plus sérieusement, c’est un dragon.
C’est mon frère Dave et un pote à nous qui ont
travaillé sur le visuel. Mon frère est photographe et il
nous a envoyé plein de vieilles photos de paysages
jusqu’à ce que l’on tombe sur cet étrange visuel qui
ressemble un peu à une photo de famille. Je crois
qu’elle date des années 80. La photo lle a été prise
dans un parc à thèmes qui n’existe plus aujourd’hui.
On s’est dit qu’elle avait un genre de pouvoir
surnaturel, c’est pour ça qu’elle est devenue le visuel
de l’album !
Propos recueillis par Maxime Rosenfeld
Merci à Maxime Pascal et à La Mission
Quelle chanson vous parait être la plus représentative
de Jagwar Ma ?
Jono : Encore une fois c’est comme choisir un de ses
enfants, c’est difficile de répondre. Enfin, je crois.
Gab : C’est comme si tu fouillais dans l’œuvre de
Freud en cherchant lequel de ses écrits résume le
mieux sa pensée. Nous concernant je pense quand
même que c’est Come Save Me. Pour Freud, je ne
sais pas.
Jono : Ouais celle-là et The Throw car elle contient
tous les ingrédients qui nous caractérisent : de la pop,
des éléments plus sinistres, des éléments deep dance
très calmes, des samples, des beats, des guitares…
Tout cela à la fois. Un équilibre entre une pop très
directe et une musique électronique plus profonde.
Vous avez déjà fait des DJ set dans le passé ?
Jono : Oui. J’en ai fait personnellement pendant des
années en Australie. Récemment j’ai mixé en Croatie,
d’ailleurs, dans un festival, sur une péniche, c’était
génial ! Je collectionne des disques depuis des

HANNI EL
KHATIB
Interview publiée le 21 janvier 2012
Avec un premier album intitulé Will the Guns Come Out, Hanni El Khatib, nous plonge dans un univers
fifties rempli de Rockabilly, de Blues et de Doo-Woop. Fils de parents philippino-palestiniens et natif de
San Francisco, ce monsieur cheveux gominés est surtout imprégné d’une grande culture américaine et
nous en parle sans retenue. Il nous fait même partager la musique de ses potes. Un type cool, quoi.
On peut voir des photos d’accidents de voiture sur les
pochettes de tes albums, d’où t’es venue cette idée ?
Cela a commencé après mes premiers
enregistrements. J’ai photocopié des photos
d’accidents en noir et blanc : des maisons brulées,
des accidents de voiture.
(Il nous sort un petit livre, et nous explique qu’il y avait
des photos d’accidents, puis des trucs écrits, puis
d’autres accidents).
Voilà à quoi ressemblait mon album au début, avant
que je signe sur mon label. Je le vendais tel quel
après mes concerts ou le donnais simplement à mes
amis. C’est marrant, parce qu’un an avant, Sarah de
chez Colette (le célèbre concept-store parisien, ndlr) a
acheté plusieurs copies de ce disque fait maison pour
les vendre. Je voulais donner vie à une sorte de
fanzine, un peu comme CRUMB, qui ressemble à
l’esprit de ma musique. J’ai commencé par le vinyle,
qui est bleu avec une scène d’accident. Il y en a une
autre, rouge, sur laquelle on aperçoit une voiture sur
le flanc, criblée de balles. C’est comme ça qu’ils
étaient aux États-Unis. Le concept, c’est de montrer
que des objets qui ont l’air indestructibles peuvent se
retrouver écrabouillés en un instant comme une boîte
de conserve.
Le titre de l’album vient de la chanson du même nom.
J’ai toujours rêvé d’écrire des chansons de Gospel.
Ça n’y ressemble pas vraiment mais c’est l’idée que je
désirais faire passer. C’est assez personnel, en
réalité.
Ton album parle essentiellement d’amour. J’ai pris
quelques morceaux de tes paroles : « You’re guilty /
you’re a liar / you’re dead wrong / fuck you / You
make me so lonely baby ». Tu nous expliques ?
Hors contexte, cela peu sonner un peu débile, je te
l’accorde (rires). En amour, tout le monde fait face à
des problèmes relationnels, un jour où l’autre. Je

préfère écrire des chansons honnêtes, qui comptent
pour moi. Alors, la plupart de mes paroles racontent
des expériences personnelles ou vécues par des
proches. D’ailleurs, c’est plutôt marrant d’écrire un
morceau qui détaille les histoires de son meilleur ami.
Lorsqu’il s’en rend compte, ça fait une drôle de
surprise !
Tu écris donc plus facilement sur les peines de cœur
et les problèmes sentimentaux ?
Oui. Il est très rare que j’enregistre un morceau sur le
simple fait d’être content, sur les histoires d’amour qui
se passent bien, sans que cela soit complètement nul
(rires). Prenons Loving You par exemple : magnifique,
mais si n’importe qui d’autre que Minnie Riperton la
chantait, cela serait ridicule. Morrissey ou les Smiths,
par exemple, écrivent des morceaux avec des
accords majeurs, des mélodies joyeuses et des
paroles sombres et tristes. Je préfère les accords
mineurs, cela doit venir du Blues.
On ressent comme une sorte de construction /
déconstruction sur ton album…
J’ai grandi à San Francisco, je me sens américain
avant tout. À l’école, toutes les origines et cultures
étaient mélangées. Cela semblait normal. Nous
mangions de la nourriture étrange tous les jours. À la
maison, tout le monde parlait anglais, même si avec
les membres de chaque famille respective, ce pouvait
être de l’arabe ou du tagalog. Je suis fils unique, mais
il y avait tout le temps des amis d’origines différentes
à la maison. Je ne me suis jamais senti bizarre, même
si bien sûr, il arrivait parfois qu’un camarade blanc
trouve mon déjeuner spécial. C’était avant les
événements du 11 septembre et la vague de racisme
et de peur envers les personnes originaires du
Moyen-Orient. Je parle seulement anglais. C’est
dommage, je sais.
Mais cette culture fifties/sixties, elle te vient d’où ?
Les années 50’s/60’s sont une période de l’histoire
particulièrement iconique avec laquelle tout le monde
grandit aux États-Unis. Elles font vivre une légende,
même si elles ne sont pas de ton temps. C’est comme
ancré dans l’esprit collectif. L’univers fifties en général
me met de bonne humeur. Sur mon album, les
références sont authentiques, mais ma musique n’est
pas fifties.
Mon ami Nick a 25 ans et ça, c’est sa musique :
(Il prend son téléphone et nous fait écouter une
chanson qui aurait pu être enregistrée dans les
années 50, aux États-Unis)
C’est un morceau qu’il a enregistré cette année. Alors,
quand je pense à ma musique, je me dis que lui
sonne fifties mais pas moi. Ma musique est plutôt un
mélange de Garage, de Blues, d’inspirations d’un gros
bordel d’influences musicales, que je condense dans
chaque morceau. J’aime aussi certains aspects de
Heavy Rock Psyché et de Punk. Build Destroy est très
Punk. The Seeds, The Sonics faisaient du Garage
super. Ma guitare, ma voiture, appartiennent à cette
époque, aussi, c’est une vraie passion.
L’interview se termine en écoutant Oo ma liddi, de JJ
Jackson… “Désolé, j’ai tendance à parler un peu trop
de musique” (rires). Merci Hanni, tu sais, on est venu
pour ça !
Propos recueillis par Bastien Internicola.

AYO
Interview publiée le 19 mars 2011
Prendre un café avec Ayo dans un appartement parisien et lui poser des questions sur sa musique, sa
carrière ou encore Michael Jackson est une chose qui ne s’oublie pas. Intime, légére, à cœur ouvert et en
toute simplicité, nous avons rencontré l’artiste pour la sortie de son nouvel album « Billie-Eve », électrisant
et coloré.
On a l’impression qu’au fil de l’évolution de tes
albums, ceux-ci deviennent de plus en plus
personnels. Ce troisième opus, notamment, porte le
nom de ta fille, et il y a des morceaux comme «
Before » particulièrement intimes…
Oui ! La musique agit sur moi comme un antibiotique,
peut-être le seul que j’arrive à digérer. Quand on a
mal à la tête, on prend de l’aspirine, quand on a mal à
la gorge, on prend du sirop, mais vous êtes-vous déjà
poser de la question du remède quand on a mal à
l’âme et au cœur ? C’est à ce moment-là que la
musique intervient.
La musique t’a sauvé ?
Pas à chaque fois. J’écris cependant souvent dans
l’instant présent pour soulager mes douleurs. Cela
dépend. L’autre jour, je me demandais si ce n’était
pas trop égocentrique de n’écrire que sur soi mais
finalement écrire sur moi, sur ce que je ressens est la
seule façon que j’ai trouvé de me libérer d’un poids.
J’en ai besoin pour être bien et équilibrée.
Tu écris beaucoup de chansons, en rapport avec des
femmes. Tu es également ambassadrice de
l’UNICEF. En quoi cet engagement, est-il important
pour toi ?
Mon engagement est important vis-à-vis des femmes
et des petites filles. Car, avant d’être artiste, je suis
avant tout femme, maman et fille. Et cumuler les trois
n’est pas facile tous les jours. Tant qu’il y aura des
choses à changer dans ce monde, les engagements
personnels, politiques, sociaux, humanitaires, quels
qu’ils soient seront toujours importants.
Tu as été élue par le journal Jeune Afrique comme
faisant partie des 100 personnalités les plus influentes
de la diaspora africaine du XXIe siècle. Quel lien
entretiens-tu avec tes origines ?
(Visiblement émue) Je ne savais pas que j’avais été
choisie par ce journal. C’est incroyable ! (Un instant).
Pour être honnête, j’ai toujours un problème quand les
gens me demandent d’où je viens. Je suis né en
Allemagne, ma mère est gitane, mon père nigérien.
Cela fait un grand mélange. Mais je crois en l’être
humain, peu importe d’où il vient. Je suis une enfant
du monde, cosmopolite, je ne crois ni aux passeports,
ni aux frontières, je crois au bon et au mauvais.
L’Afrique, en elle-même est aussi importante dans ma

vie, au sens des origines que dans celle de n’importe
qui, car elle a joué un rôle primordial dans la
naissance et dans l’histoire de l’Humanité.
Ta musique est d’ailleurs particulièrement
cosmopolite. Mélange de reggae, de soul, de pop…?
Inconsciemment oui. Je crois que ma musique est
simplement influencée par la vie. La vie est pleine de
couleurs qui changent tous les jours et qui changent
avec nous. Tout ce que je vis m’inspire. Un peu à la
manière d’une éponge, je m’imprègne de chaque
moment vécu, je prends tout ce qu’il y a autour. C’est
cela qui m’influence. Peu importe d’où la musique
vient, peu importe ses origines, son style, ce n’est
qu’une question de couleurs.
Sur ce nouvel album, tu as énormément travaillé le
côté électrique cette fois-ci ! Beaucoup plus que sur
les précédents…
C’était un choix naturel. Après le second album,
quand j’ai commencé la tournée, j’ai joué quelques
chansons à la guitare électrique. Et, de fait, j’ai
découvert l’instrument. Et puis, j’ai été bercée toute
mon enfance par les sons de Jimi Hendrix, The Who,
Led Zeppelin… Avec les sons électriques, l’album
paraît vraiment plus rock. Cela change, impressionne.
Surtout ceux qui se disaient « merde, un nouvel album
de Ayo, encore un truc acoustique » (rires). C’est un
peu comme si j’avais découvert un nouveau sens.
Pour l’enregistrement, tu t’es entourée de nombreux
artistes, et notamment de Mathieu Chédid, qui
apparait à la guitare sur une chanson.
Oui ! On s’est rencontrés il y a un peu plus de trois
ans à Londres, lors d’une JAM Session, qui s’intitulait
Africa Express. Il m’a invité à jouer avec lui dans ses
concerts, je l’ai invité dans les miens. On s’est dit « un
jour il faut que l’on fasse un truc ensemble », mais
nous étions toujours tous les deux en voyage ou en
train de faire quelque chose en particulier. Je suis allé
à New York enregistrer mon album, avant d’être
hospitalisée suite à une grossesse extra-utérine.
Pendant ma convalescence, j’ai écris des chansons,
sans aucun instrument à disposition. J’avais tout de
prêt dans ma tête, j’ai demandé au boss de Polydor
s’il m’autorisait à retourner au studio, et il a accepté.
Je suis allé au studio Ferber à Paris, et j’y ai
enregistré 5 chansons, en deux jours, dont celle avec
Mathieu, que j’ai appelé et qui a tout de suite accepté
! C’était une approche vraiment différente, car j’ai joué
la batterie et lui la guitare. Ce fut un moment
particulièrement inspiré. Mathieu est un très grand
musicien.
chanson, il y a une énergie qui se dégage, quelque
chose de spontané que tu ne peux pas reproduire. Je
fais généralement peu d’enregistrements. Quand tu es
satisfait de quelque chose, il est souvent très difficile
de le reproduire, même pour l’améliorer.
Un mot sur Michael Jackson. Reprendre « I Want You
Back », c’est un message directement adressé à lui ?
Pour moi, Michael Jackson est le plus grand ! Quand
on me parle de musique, je pense tout de suite à lui. Il
représente une grande partie de mon enfance et il est
la preuve que la musique peut sauver une personne.
Quand tu regardes sa vie, les moments difficiles qu’il
a vécu, je crois, que c’est seulement quand il chantait,
qu’il était en paix. Rien de ce qu’il a fait n’a été un jour
dépassé. Et ne le sera jamais. Plus personne n’arrive
à sa cheville aujourd’hui. Pas même Prince – Si vous
avez le temps, allez sur Youtube et tapez « Prince
Michael Jackson et James Brown », il y a le lien d’une
vidéo de l’anniversaire de James Brown. Michael
Jackson, sur scène, improvise une petite vocalise
simple, timide et modeste. Prince, avec sa guitare,
enlève son haut et fait le show -alors que c’est le
concert de James Brown- jusqu’à s’accrocher à une
barre pour faire une lapdance, une barre qui lui
paraissait solide mais qui lui tombe dessus et tout le
décor avec. C’est le summum du ridicule. Si j’étais
journaliste chez CRUMB et que j’avais l’occasion de
l’interviewer, je lui demanderais : « Mais sérieusement
Prince, sérieux, mais qu’est-ce qui t’est passé par la
tête ce jour là ? » (Rires).
Promis, on lui demandera !
Propos recueillis par Thomas Carrié.
Photographie : Diane Sagnier, pour Crumb
magazine
Pour les besoins de la mise en page, l’interview a pu être raccourcie ou
écourtée de certains passages.
Tu as d’ailleurs enregistré ces chansons tellement
rapidement que tu as mis sur l’album la démo du
morceau « My Man ». Pourquoi avoir laissé la
première prise telle quelle ?
Je crois que les premières prises sont toujours les
meilleures ! C’est comme une première impression
quand tu rencontres quelqu’un. Cela peut évidemment
évoluer, mais si tu ressens quelque chose, c’est un
signe ! Quand tu joues pour la première fois une

MAJUNGA

MADAGASCAR

Série photo publiée le 5 novembre 2013
Les photographies de ce portfolio sont tirées du travail de Maxime Leyravaud. Pour CRUMB, le photographe présente une
première série d’images, documentant le travail de recyclage dans une casse de bateaux à Majunga, sur la côte Ouest de
Madagascar.
Des hommes organisés en plusieurs équipes (gardiens, casseurs, forgerons, etc) démantèlent des bateaux de pêche et de
transport en fin de vie, à la force des bras et avec des outils rudimentaires, pour pouvoir récupérer les matériaux, les
recycler et ainsi fabriquer de nouveaux navires. Ils utilisent les tôles pour faire des braseros employés pour le chauffage ou
la cuisine, les roues des pousse-pousse ou encore des charrettes. Ces hommes, âgés pour la plupart entre 20 et 35 ans,
vivent avec leur famille sur les navires ou aux abords du chantier. Il n’y a pas toujours du travail sur le site, alors ils vont
travailler aux champs ou s’occuper des zébus et des cochons.
Le travail final, plus large de cette série, comportera plusieurs épisodes, des reportages (sur la vie familiale, les coutumes
et la religion, les ethnies, des lieux insolites ainsi que différentes méthodes de travail) réalisés dans tout Madagascar qui
seront des sujets à part entière, desquels seront extraites des séries d’images. Ce projet, présenté sur CRUMB a pour but
de tisser un portrait, un état des lieux de Madagascar tout en mettant en avant la capacité d’adaptation des malgaches. Ce
travail s’étale sur plusieurs années à Madagascar et est réalisé en numérique. Il aura comme finalité une exposition et
l’édition d’un livre qui sera vendu au profit de l’association ADDAM qui est présente sur l’île depuis dix ans.
Photographe professionnel depuis 2008, Maxime Leyravaud est un adepte de belles images et de la photographie sous
toutes ses formes et navigue entre les voyages et les studio pour enrichir l’exercice de son métier.
.

AYO #2
Deuxième rencontre
Interview publiée le 6 octobre 2013
Je retrouve Ayo là où je l’ai laissé, quasiment trois ans après la sortie de son dernier album, « Billie-Eve », le prénom
de sa fille. Je m’impatiente déjà. Ayo est une amie. Elle revient avec « A Ticket To The World ». Pas la même. Elle a
changé, d’univers, de maison de disques, d’équipe, de style. Elle a grandi. Ou plutôt, elle a repris la route des sillons
tracés par son premier album, ce qu’elle appelle « ses racines ». Au sommet de son art, tout en prenant des risques.
Aujourd’hui, Ayo rappe, plus affirmée, plus brutale, seule ou en duo avec Youssoupha, dit les maux du monde et les
met en lumière. Elle est la lumière.
Nos retrouvailles se déroulent au sous-sol du Loulou, boulevard Saint-Germain. Billie-Eve, sa fille, est là. Elle a trois
ans, elle aussi a grandi. Elle parle, fait des grimaces, me regarde, est surprise. Elle ne sait pas encore –ou peut-être
que si- que sa maman a enregistré l’un des meilleurs albums de l’année.
Il y a trois ans, je t’interviewais pour la sortie de “Billie-
Eve”. Tu as fais quoi tout ce temps ? Tu en as profité
pour voyager ?
C’est intéressant que tu me poses cette question, car
finalement je n’ai quasiment pas voyagé. Je suis
restée chez moi, avec mes enfants, j’étais pas mal
occupée j’ai profité de ce temps pour faire une
introspection personnelle, penser à moi, aux choses
enfouies. J’ai voyagé intérieurement, pris un peu de
recul mais je n’ai pas beaucoup bougée
géographiquement ! (Rires).
Un des mes meilleurs amis, d’Hambourg, est venu
chez moi – celui avec qui j’ai écrit mon premier album,
et Down on My Knees (son premier succès public,
ndlr). Je lui ai dis que j’avais envie de changer, que je
voulais faire du rap. On a travaillé sur des « beats »,
et j’ai écris Fire et Complain, un retour à mes racines,
ce que j’ai toujours aimé.
Il est vrai que chacun de tes albums apporte une
touche personnelle différente. Sur le précédent tu
mettais en avant l’électrique des guitares. Pourquoi
cette envie et ce besoin à ce moment-là de ta vie, de
revenir à ce que tu appelles tes « racines », le rap ?
Je ne sais pas s’il y a une explication. A chaque
nouveau disque, je suis dans un état d’esprit nouveau,
c’est vrai. Quand je me suis penchée sur cet album,
j’ai voulu créer un personnage, sorte de « Black
Mamba », pour me cacher. J’avais peur que les gens
ne reconnaissent pas mon univers si je me mettais à
rapper. Alors j’ai inventé un alter ego mais je ne l’ai
finalement pas gardé, cet album est signé “Ayo”…
Un personnage comme celui de Mathieu Chédid, avec
qui tu as collaboré ! Ne pas garder « Black Mamba »,
c’est finalement une manière d’assumer
complètement, d’affirmer qui tu es et ce que tu veux…
Oui. J’ai fais écouter quelques extraits d’album à des
amis (les membres du Saian Supa Crew, ndlr) et ils
m’ont tous dit la même chose : « Cet album ce n’est
pas Black Mamba, c’est toi, c’est Ayo ! Tu l’as fais
avec ton cœur, avec ce que tu es, assumes ! ». Cela
m’a fait du bien, parce que j’ai beaucoup douté. Tu
sais, il y a même un ami proche qui m’as dit « Il ne
faut absolument pas que tu rappes, c’est trop “Old
School”, reste avec tes chansons à la guitare et ce
sera mieux ». Il m’a même conseillé de réécrire Fire
(premier extrait de l’album, partagé en duo avec
Youssoupha, ndlr). Au fond de moi, je sais que je suis
dans le vrai. A la première écoute, j’ai appelé mon
père en lui disant « Papa, je crois que c’est mon
meilleur album »…
Tu me disais l’autre fois que pour écrire, tu
t’imprégnais de choses de ta vie, ce fut le cas aussi
cette fois ?
Oui. En encore plus fort même. J’ai été inspirée par
les mouvements de contestation, les « Riots », et
toutes ces choses que l’on a vu partout en Europe et
dans le Monde, même au Nigeria, c’était la première
fois que des gens descendaient dans la rue, sortaient,
protestaient. Le monde change, est en train de
changer, tout est étrange, le système dans lequel
nous vivons est un cancer. Mon fils va bientôt avoir 8
ans, alors je pense à l’avenir. J’écris mes doutes et
mes interrogations.
En parlant d’interrogations, tu en as connu avec ton
changement de maison de disques, une étape
importante et pleine de solitude…
Oui. Après la sortie de mon précédent album, j’ai
complètement changé d’équipe, je ne me suis pas
entendu avec la direction de Polydor. Je me suis
retrouvée complètement seule. Je suis allé voir Pascal
Nègre en personne en lui disant que je voulais être
chez Motown. Il a ri. J’ai signé chez Motown ! Je ne
l’ai pas encore dit à mon père, j’attends qu’il voie le
logo sur le disque, que je lui porte en personne et qu’il

soit fier de moi. Tu sais, cet album est une
renaissance. J’y interprète Sunny, le premier vinyle
que je me suis acheté quand j’étais toute petite alors
que j’étais en orphelinat…
Faire de la musique c’est ta manière de panser les
plaies, les tiennes et celles du monde ?
Je crois que c’est une manière d’exprimer ce que j’ai
sur le cœur. Cet album là, plus que les autres, parle
du monde et de notre société. Les artistes ont une
responsabilité. Je n’ai pas de télé mais quand je
l’allume, dans les hôtels, que je regarde les JT et que
je vois le monde et sa réalité, je me mets souvent à
pleurer. On voudrait tous être des héros, mais on ne
peut rien faire, on est dépassés. Alors je chante et
j’écris. C’est ma façon de réagir, de panser les maux,
de panser les plaies. Toi, moi, CRUMB, avons plus de
pouvoir que n’importe quel président si l’on décide de
changer, d’opérer des changements, de travailler à un
monde meilleur. Pour demain, pour nos enfants…
Finalement, ton « Ticket To The World », c’est cet
album ?
Absolument. C’est marrant que tu dises cela, parce
que j’en parlais il y a peu avec mon meilleur ami. Ma
musique m’affranchit des frontières, c’est avec elle
que je voyage, avec elle que je vis. C’est elle qui me
porte… C’est mon passeport.
Texte et propos recueillis par Thomas Carrié.
Traduction : Guillaume Grégoris.
Une version anglaise de cette interview est disponible sur le site du
magazine : www.crumbmagazine.com

MØ

Interview published on October 6, 2013
Half of the music world is currently mispronouncing the edgy Copenhagen-based Karen Marie Ørsted’s artist name,
but who cares? MØ is not one to play by the books, and singing along to her provocative tracks is much more fun
than worrying about phonetics anyway. We love her for telling us to stop trying to be pretty – just relax, express
yourself and be as happy as you can.
In Danish, ‘mø’ means both maid, virgin, damsel and
maiden. But nothing in MØ’s seductive lyrics give off
signs of either virginity or being a helpless damsel in
distress. MØ has grabbed the world by the balls, and
in a heartbeat, her fuck-it-all yet congenial attitute
made enthusiasts around the globe raise their arms to
embrace this shooting star from Scandinavia.
This week MØ returned from a U.S. tour (where she
amongst other things supplied warm-up for the
chillwave duo Purity Ring) and I was lucky enough to
exchange a few words with Karen before she went
back to her studies at the Art Academy in
Copenhagen and, oh, working on her debut album
with producer Ronni Vindahl.
MØ has been compared to both M.I.A. and Lana Del
Ray, but I was thrilled to discover that the cult status
noise quartet Sonic Youth is on the top of her list of
inspration:
“Sonic Youth has always been one of my biggest
inspirations – also when it comes to lyrics. I love the
whole universe they have created around themselves
as musicians and artists. When I was a teenager I
printed out the lyrics to all the songs ever made by
Sonic Youth, and I would read in the pile of paper
before I went to bed.”
The inspiration of boredom and dreams is revealed in
the aesthetic video for the blasting single “Glass”. Fish
cutters rest in the harbor, pickled gherkins stand in
straight rows at the supermarket, the Christmas
decoration glistens in the window; life appears boring
and tedious. But somehow director Casper Balslev
made it all appear visually beautiful, accentuating the
theme of growing up in a small provincial town while
dreaming about making it big.
“I was quite bored as a teenager – and so were all my
buddies in the province. My biggest dream was to
become a punk/rock star and touch people with my
music. My biggest fear was to miss a party; to miss
the fun.”
Now it seems that the boring days are over and Karen
is enjoying life in Copenhagen, though she finds it
critical that Denmark has no mountains. She stresses
that having a good time is not absolutely everything in
life, but…
“I consider it very important to be able to just let go
and stop worrying about everything. You don’t have to
look pretty and strive for perfection – fuck that – no
one can live up to it anyway. Just try to let go, relax,
express yourself when you need to, and be as happy
as possible – then things look brighter.”
Fuck perfection, fuck appearances, just chill? This is
an electro-pop heroine we can relate to.
10 Quickies for MØ
What is important to you as a lyricist?
To be personal without reaching the borders of
privacy, and to express feelings in a simple way
without being too obvious.
What are you listening to at the moment?
MS MR, Sonic Youth (as always, but I just had stormy
revival of my SY obsession), Bonobo, Major Lazer…
But I don’t listen much to music when I’m at home.
What was on your stereo as a teenager?
Sonic Youth, Nirvana, Yeah Yeah Yeahs, Jimmy
Hendrix, Smashing Pumpkins, Cat Power.
What does youth mean to you?
To wander around in the woods.
Did you always want to make music?
Yes – since I was seven it has been my big dream
and obsession.
What has been the greatest experience since your
music career truly kicked off last year?
All the traveling and the excitement of being in this
position – chasing your dreams everyday.
What is sexy?
Confidence and muscles.
Do you see yourself as a lady or a tomboy?
Tomboy.
What can we expect from your first album?
Honesty, restlessness and hopefully songs people
can relate to and be touched by.
Are you coming to Paris anytime soon?
I sure hope so! I really like Paris.
Interview by Denise Rose Hansen
E N G L I S H T E X T

HINDS
Interview publiée le 9 novembre 2015
HINDS ouvrait le dernier bal du Pitchfork Music Festival, à Paris, samedi dernier. Trente minutes pour
convaincre. Les espagnoles ont relevé le défi haut la main avec leurs titres ravageurs qui sévissent sur le
web depuis plus d’un an. Pas de synthé pop ou de voix innocentes, mais un rock honnête et sans
complexe. Elles ont évoqué avec nous, la veille de leur prise de la Grande Halle de La Villette, ce qu’elles
ont appris sur la route et de la magie d’Internet.
Je vous ai découvert en premier partie des Libertines
il y a un an…
Hinds (toutes en même temps, en pointant du doigt la
direction du Zénith) : Oh oui, c’est par ici non ?
Exactement ! Vous avez ouvert les shows de
nombreux groupes cette année, qu’en retenez-vous ?
Sentez-vous avoir appris quelque chose ?
Ana : The Libertines est le plus grand groupe avec
lequel nous avons joué, mais nous avons seulement
fait deux shows avec eux. Ces dix derniers jours, nous
avons tourné aux États-Unis avec Glass Animals et
nous avons beaucoup appris d’eux. Nous sommes
devenus amis et toutes les questions que nous avions
comme “Combien coûte un tour-bus ? Combien de
personnes avez vous besoin dans votre équipe de
tournée ?” ont pu enfin avoir des réponses !
Carlotta : Et tu réalises que c’est assez différent de
notre façon de faire les choses. Eux voyagent la nuit
pour arriver le matin et avoir le temps de découvrir la
ville où ils jouent, des vrais pros !
Vous avez tourné dans le monde entier avant même
de sortir un premier album. Est-ce que cela été
bénéfique pour vous avec du recul ?
Carlotta : Je pense que c’est assez rare et on
apprécie vraiment d’avoir cette chance. Tout cela c’est
fait grâce à Internet. On n’a plus forcément besoin du
schéma classique : rencontre avec label / signature /
sortir d’album / tournée, etc. Quelque fois, les labels
exigeaient même d’avoir un album écrit et prêt pour
vous signer auparavant. Maintenant, Internet est le
label. Il suffit d’y mettre quelques chansons pour
lancer la machine.
Justement, Pitchfork a atteint une renommée
internationale en tant que magazine défricheurs de
nouveaux talents sur le net. Est ce que c’est un site
que vous consultez pour découvrir de nouveaux
artistes ?
Carlotta : Non, à vrai dire, pas vraiment, enfin, on finit
toujours par y atterrir dessus ou le lire parce qu’ils ont
un catalogue considérable…
Ana : Ils ont aussi beaucoup d’exclusivité sur les
artistes mais généralement je ne suis aucun de ce
genre de sites « dénicheurs », comme si c’était une
religion du genre : “Tout ce dont ils parlent, je vais
l’écouter”, parce que je n’ai pas vraiment le temps
d’abord, et parce que je préfère découvrir des artistes
en live lors des concerts !

Carlotta : Oui, nous sommes de vrais
« marathoneuses » de concerts elle et moi ! Nous
pensons qu’un live en dit plus qu’une critique d’album.
Ana : Oh et Youtube également.
Carlotta : On y passe des heures !
Pouvez vous me parler de la scène musicale en
Espagne ?
Carlotta : Avant de former HINDS, on pensait qu’il y
avait une scène énorme avec pleins concerts et de
groupes, des liens forts entres tout le monde. Mais
malgré ces connexions, nous avons réalisé que la
scène était en fait très petite, chez nous.
Ana : C’est bizarre car nous revenons de New York et
là-bas tout le monde se connait. Comme si tout ce
monde fonctionnait comme un voisinage. Ce n’est pas
seulement une impression de notre point de vue
extérieur, même eux le ressentent ainsi. C’est comme
à Madrid mais en plus beaucoup plus étendu, avec
forcément plus de salles, plus de groupes et surtout
plus de concerts : je dirais 10 auxquels tu veux aller
par soir ! En Espagne c’est un concert par mois ?!
Et vous pensez que la situation de la scène musicale
garage à Madrid va s’améliorer ?
Carlotta : Je crois que ça commence déjà à
s’améliorer. Le fait que nous tournions en dehors de
l’Espagne a fait que, soudainement, beaucoup de
gens comme toi, comme CRUMB, nous demande ce
qu’il passe chez nous. Donc je pense que c’est en
train de devenir populaire, car nous essayons
vraiment de défendre cette scène, de travailler pour
elle. L’Espagne est notre maison et je pense que c’est
en train de s’améliorer par cet engouement.
Ana : Ce qui est triste, c’est que ce qui s’améliore,
c’est seulement les groupes, la place qu’on leur
donne, la considération que l’on a pour eux, etc. Mais
je n’ai pas l’impression que l’industrie en elle-même
change. La culture de la musique en Espagne n’est
pas en train de se transformer radicalement, mais au
moins il y a une porte qui s’ouvre. Aujourd’hui, les
groupes de Madrid peuvent aller se produire ailleurs.
Avant, on trouvait qu’il y avait vraiment ce problème
de frontière infranchissable. Là on commence à voir la
lumière au bout du tunnel ! Mais du point de vue de
l’industrie : les producteurs, magazines, festivals, je
ne vois pas vraiment de différence. Et si j’en note une,
c’est seulement parce que les groupes de Madrid sont
en train de vivre un truc incroyable et que les médias
ne veulent pas rater le coche.
Votre album sort dans quelques mois, quel a été votre
processus d’écriture ?
Carlotta : L’album pourrait être découpé en deux
parties en terme d’écriture : la première a été écrite
quand nous passions plus de temps à Madrid, avant
que nous partions en tournée. Ces chansons ont été
écrites et composées dans une salle de répétition et
chez nous, d’une manière très relax où nous prenions
notre temps. Puis nous avons commencé à tourner
non stop et nous ne pouvons vraiment plus écrire.
Notre vie en tournée se résume à jouer, dormir, faire
des interviews (10 aujourd’hui, ndlr), des shootings et
répondre à des emails ! Nous n’avons pas le temps
de prendre une guitare. L’autre partie de l’album a été
faite dans la fatigue, pendant de longues nuits sans
dormir pour terminer les chansons en travaillant sur
tous les instruments en même temps. Comme une
explosion de musique lorsque nous sommes rentrées
à Madrid alors que nous n’avions pas vu nos familles
depuis des mois.
Comment percevez-vous l’image des groupes de filles
dans les médias ?
Ana : Comme une image désastreuse qui s’améliore
lentement.
Carlotta : On m’a demandé l’autre jour si je ressentais
être traitée de manière différente par mon label car je
faisais partie d’un groupe de filles. Je n’ai jamais
ressentie cela. Nous sommes différentes en tant que
Hinds mais pas en tant que « groupe de filles » d’un
label. Cette question est très compliquée pour nous
car cela dépend du contexte et c’est quelque chose à
laquelle nous ne voulons pas attachée une trop
grande importance. C’est évident qu’il y un problème
d’image quelque part mais nous n’y avons jamais
vraiment été confronté. On se dit juste qu’il ne faut
pas y attacher trop d’importance. Pourquoi nous
inquiéter de que les gens pensent de nous ? On s’en
fout.
Ade : Cela dépend vraiment aussi des différences
culturelles. Nous rentrons d’Amérique et face à cette
question, les Américains sont incroyables. Il y a tant
d’énergie, de soutiens aux filles qui font de la
musique. Je n’ai jamais vu autant de femmes
ingénieurs du son ou travaillant dans le secteur.
Carlotta : Oui c’est dingue, il y a dix personnes dans
les bureaux du label, dont deux garçons seulement !
En Espagne, il y que des garçons, en Angleterre c’est
plus ou moins différent…
Nous approchons de la fin de l’année, il y a-t-il un
album sorti en 2015 que vous avez écouté en boucle
pendant votre tournée ?
Carlotta : Nous avons beaucoup écouté Glass
Animals, leur album est dingue. Beaucoup de The
Districts également, Mø (lire interview en pages
précédentes, ndlr). Mais c’est très drôle car nous
n’avons jamais la Wifi pendant les tournées, n’importe
où que l’on soit, cela ne capte jamais. On a cinq
albums sur nos téléphones qui passent donc en
boucle !
Propos recueillis par Alice de Jode

FOXYGEN
Rencontre/texte publiée le 23 octobre 2014
Le duo Foxygen sera sur la scène de la Grande Halle de la Villette pour un concert d’Halloween à
l’occasion du Pitchfork Music Festival, à Paris. Il présentera alors …And Star Power, le dernier résultat de
tribulations punk. Jonathan Rado, le compositeur du groupe, nous a conté sous un soleil de plomb ses
aventures californiennes.
Depuis plusieurs années, Foxygen dispose d’une aura
mystique dans notre imaginaire. Notre rencontre avec
Rado, le compositeur du duo l’a confirmé, en y
ajoutant une belle touche d’innocence. Si We Are The
21st Century Ambassadors of Peace and Magic avait
fait grand bruit à sa sortie début 2013, grâce à une
production léchée et des mélodies gorgées d’air
californien, Star Power apparaît au premier abord
comme un obscur come back : 24 titres dont les
durées varient entre une et sept minutes et une
phrase qui peut laisser perplexe. “Star Power is the
radio Station you can hear only if you
believe.” Heureusement, le parfait triptyque
d’ouverture nous enlace et nous mène au voyage
punk de Sam et Rado. “C’est un album sur la folie, qui
passe par tous les aspects de son spectre, de
l’optimisme à l’incontrôlable névrose, explique
Rado” De ce guet-apens bordélique émane une
mélancolie plus assumée, sans fard. L’époque du
lycée où les deux s’enfermaient dans leur garage pour
composer des albums entiers tend à s’éloigner peu à
peu. Le groupe avait partagé l’an dernier via les
réseaux sociaux un album ultra barge (36 titres)
nommé The Jurassic Explosion Philippic, composé
lorsqu’ils avaient quinze ans. Le format du double
album n’est donc pas une nouveauté pour eux. “Au fur
et mesure de la composition, nous avons compris que
nous étions dans le même processus que lors de
l’écriture de Jurassic, à raconter des histoires d’aliens.
Star Power s’apparente à une suite implicite de cet
album.” Par ailleurs, Richard Swift (du groupe The
Shins et bassiste des Black Keys) qui avait produit
leur premier album après avoir découvert le génial EP,
Take The Kids Off Broadways, n’était pas présent
pour calibrer leurs dernières expérimentations en un
format plus pop. “J’aurais aimé qu’il produise celui-ci,
mais il n’était pas disponible, puis nous voulions
prendre notre temps pour Star Power. Le précédent
album avait été produit très rapidement. Nous nous
sommes donnés cinq mois pour faire cet énorme
puzzle.” A l’écoute de leur trip, c’est bien un
sentiment de temps stoppé qui nous attrape,
transcription d’une thérapie violente émanant des
souvenirs chaotiques de la tournée, et nous fait
regretter que peu d’artistes prennent ce genre de
risque à l’ère de la “spotifisation” de la musique.
“C’est un album auquel il faut laisser une chance. Il
pourrait bien vous sauver la vie, mais seulement si
vous y croyez.” Cette invitation au voyage est le
résultat d’une session d’enregistrement qui a permis
au groupe de renaître. “Ma relation avec Sam n’a
jamais été en danger, confie Rado. Seulement, un
enchaînement d’accidents et des annulations de
tournées ont fait dire à la presse tout et n’importe
quoi. Nous n’avons pas voulu nous en mêler. On a
laissé faire et ce fut pour le mieux. Star Power était la
catharsis dont nous avions besoin, un retour à ce
pourquoi nous avions initié ce groupe.”
Si Rado n’était pas musicien, il lâche avec
nonchalance qu’il aurait aimé bosser dans un parking.
“Tu restes toute la nuit dans ta cabine à regarder la
télé, ça n’a pas l’air d’être un boulot stressant.”

Tellement sincère qu’on est désormais d’accord avec
lui, parce qu’un parking en Californie c’est sûrement
un super décor pour un film de la dynastie Coppola.
Les deux lads s’enferment même au Château
Marmont pour terminer d’enregistrer leur album,
célébrant le mythique L.A Sound. “Nous avions
terminé toute la partie instrumentale de l’album et
nous étions arrivés à un point où mon petit garage,
sans fenêtre, ne nous inspirait plus. On voulait
s’échapper et profiter du fait qu’il nous restait du
budget pour la préparation de l’album. Louer des
chambres d’hôtel hyper chères nous est apparu
comme l’alternative la plus cool.” La saveur si
spéciale qu’ont les disques des années 70 de la Cité
des Anges exerce une fascination sur Rado. “Notre
album prend ses racines à L.A, dans les histoires qu’il
raconte. Mais il reflète plus l’atmosphère avant et
après la décennie 80, celle-ci est vraiment immonde !
Si je devais remonter dans le temps, j’irais en 1976 où
tous les groupes composaient des trucs super. J’ai
l’impression qu’ils étaient tous sous la même
substance bizarre cette année là. Ce devait être une
bonne période pour écrire un album”. Rappelons alors
que le célébrissime Rumours de Fleetwood Mac,
sortait une année plus tard, après des sessions
chaotiques de préparation. Le groupe fétiche de notre
interlocuteur crevette (on lui donnerait bien dix-sept
ans) nous fait dériver quelque temps, avant de faire à
nouveau dévier la conversation sur l’album de Todd
Rundgrenn, A Wizard, A True Star, sorti en 1973.
“Beaucoup de gens le considère comme un album
peu sérieux, anecdotique, mais il a vraiment
bouleversé mon monde, je l’écoutais sur la route.”
Cette épopée de rock progressif nous éclaire sur l’état
d’esprit du compositeur. La clarté du propos n’est
peut-être pas le premier objectif, mais les émotions
s’entremêlent pour ne jamais nous ennuyer.
“Certains groupes captent à la seconde où ils
commencent à composer la direction qu’ils souhaitent
prendre, analyse Rado. C’est un aspect merveilleux
qui a le pouvoir de happer tout de suite l’auditeur
lorsque c’est bien fait. Les Smiths par exemple y
parvenaient, mais nous ne sommes pas du genre à se
dire aujourd’hui « Je me sens triste, alors je vais
écrire une chanson triste ». Sam et moi mélangeons
différentes émotions, il n’y a pas de titres en lignes
droites.” Voilà pourquoi nos petits préférés ne nous
sortirons probablement jamais un certain album de la
maturité, préférant osciller entre désillusions, avec
Cosmic Vibrations au refrain nonchalant If You Want
Me/You Can Have Me/But I’m All Used Up et grande
tornade 666 .“On a voulu terminer l’album sur une
note positive avec Everyone needs love, pour
conclure notre voyage”.
Star Power est donc une épreuve initiatique, qui prend
ses racines avec un projet de Sam. “Il faisait des
concerts très punks qu’il nommait Star Power,
explique Rado. Il y faisait pas mal de bruit et cela
nous a amené à nous dire ‘Et si Foxygen était un
groupe punk ?’ Nous avons pensé à nous créer des
sortes de personnages pour nous renouveler.”
Entouré par des choeurs sur scène, le duo promet au
public de ne pas être déçu, en live. “Sam est hyper
actif, il peut passer la moitié du concert dans la foule,
les filles qui chantent avec lui donnent un côté très
soul et vivant au live. C’est une tradition qui se perd
alors que c’est un plaisir de tourner à neuf ! Certes ça
nous coute très cher mais faire que le public puisse
profiter d’un véritable show, avec des petits pas de
danse, c’est quand même cool !”.
On ne peut que vous souhaiter d’adhérer au concept,
ne serait-ce simplement que pour Coulda Been My
Love, le meilleur slow à ce jour, ôde d’un amour
impossible, rappelant en toute modestie No
Expectations des Rolling Stones. Si vous vous laissez
tenter par l’album entier, vous entendrez des cris, des
voix d’enfants et de femmes, du grisonnement de
radio et de belles prières : du rock’n’roll, en somme.
Du vrai.
Alice De Jode

ÖDLAND
Interview publiée le 6 mai 2010
Poétique, magique, déconcertant, surprenant, envoûtant… les mots ne manquent pas pour évoquer le
premier album d’Ödland. Ce Projet fou et unique, « Ottocento » -c’est son nom- est une perle dans
l’univers de la création musicale autoproduite et indépendante. Rencontre, en images et en paroles…
Pouvez vous nous présenter Ödland en quelques
mots ?
C’est un projet musical intégralement acoustique qui
puise ses inspirations dans le XIXe siècle et le
Romantisme. Le groupe est formé de Lorenzo
Papace, pianiste et compositeur, à l’origine du projet,
d’Alizée Bingöllü au chant, d’Isabelle Royet-Journoud
aux ukulélé et jouets et de Léa Bingöllü au violon. Sur
l’album, la formation est complétée par Alice Tahon,
au violoncelle.
Votre unité est musicale mais, au delà, votre album
est comme visuel, presque théâtral. Ce n’est pas
seulement de la musique que l’on écoute, c’est aussi
des images ! Par qui/quoi ont-elles été inspirées ?
L’image est en effet une composante essentielle du
groupe, comme de tout projet par essence en réalité.
Le monde est pensé et dicté par l’image. Cela ne
signifie pas que la nôtre est superficielle mais elle est
un chemin obligatoire pour faire passer nos idées.
Lorsqu’une image est ratée ou mal adaptée, un projet
est mal perçu voire incompris. Nous utilisons
beaucoup internet pour diffuser notre musique. Or
internet est un média lui-même voué à l’image. Il n’y a
que ça, pas de sons et encore moins de goûts ou
d’odeurs. Si l’odorat était le sens le plus important
dans notre société, alors peut-être aurions nous
développé un parfum qui reflèterait notre univers
musical.
Quelle odeur ce parfum aurait-il pu avoir ?
L’odeur d’un fruit désuet, sûrement. Notre culture est
bien trop limitée en ce sens pour imaginer quelque
chose d’intéressant. En revanche pour l’image, nous
sommes plus à l’aise. Dans le groupe, Alizée est
comédienne, Isabelle est photographe et Lorenzo est
photographe et réalisateur. Ottocento en tant que
disque, ce n’est donc pas seulement de la musique,
c’est aussi un objet graphique précieux, inspiré par
l’imagerie artisanale des vieilles boîtes de collection
richement décorées. Nous avons réalisé les
photographies en argentique, pour garder la magie de
la chimie, en surface. Lorenzo a coréalisé deux clips
pour la sortie du disque. “The Queen of Hearts” avec
Vincent Pianina et “The Well” avec Maximilien
Dumesnil sur le thème d’Alice au Pays des merveilles.
L’idée était de se rapprocher des ambiances
originales créées par Lewis Carroll.
En parlant de Lewis Caroll, le nom du groupe fait
d’ailleurs référence à un conte scandinave. Et
l’univers de l’album pourrait parfaitement se
retranscrire en livre…
Absolument ! Nous aimerions beaucoup faire un livre
qui reprenne l’ensemble des photographies que l’on a
faites. Nous tenons énormément à ces images et au
bout d’un moment, les voir sur un écran c’est lassant.
Le format papier est incomparable, bien que le web
fasse des merveilles, avec CRUMB, vous le savez,
mais nous sommes déjà très contents du livret
intérieur d’ « Ottocento » pour lequel on a vraiment
soigné la présentation. Nous aimerions aussi publier
un livre de partitions, mais c’est sûrement encore trop
tôt. Il ne faut pas oublier qu’Ödland n’a pas plus d’un

an. Et même si en une année il s’est passé beaucoup
de choses, on voudrait que cela aille toujours plus
vite. Alors on tente d’être patients et de laisser le
temps aux gens de découvrir notre musique avant de
décliner notre univers sur d’autres supports.
Vous êtes aux antipodes de la création musicale
actuelle. La scène française d’aujourd’hui est-elle trop
conventionnelle selon vous ?
Beaucoup d’expériences sont menées mais trop
souvent dans le silence. Ce n’est pas un problème de
musiciens. En France comme ailleurs, il y a beaucoup
de personnes créatives. Ce n’est pas non plus un
problème de public. Quoi qu’on en dise, le public
français n’est pas une “masse” qui ne supporte que la
musique facile et bête. Il y a au contraire beaucoup de
curieux. Nous sommes à chaque fois étonnés de voir
que notre musique touche des personnes de tous les
horizons, sans limite de culture ou de distinction. Cela
fait d’ailleurs plaisir à voir car nous apportons quelque
chose d’assez proche de la musique classique.
Beaucoup de personnes y sont réceptives et laissent
tomber les préjugés. S’il y a un problème, il vient de
l’industrie et des personnes qui prennent des
décisions automatiques au nom de la culture de
masse. Ce phénomène n’est pas limité au seul
domaine de la musique mais c’est là que nous le
ressentons le plus. Ödland n’intéresse pas les majors
de l’industrie musicale. On nous a reproché de ne pas
être assez “mainstream” ! Alors, nous avons décidé
de promouvoir notre musique telle qu’elle est et nous
verrons si cela fonctionne ou non. Nous
autoproduisons nos albums, nous les dessinons nousmêmes,
les enregistrons, les fabriquons, les vendons,
les distribuons. Alors bien sûr c’est beaucoup moins
rapide, mais les personnes que nous touchons de
cette façon ne tombent pas amoureuses de notre
musique sous l’effet d’une campagne de publicité,
seulement parce que notre univers les a séduit d’une
façon ou d’une autre. Nous ne savons pas jusqu’où
nous irons, si un jour l’industrie nous aidera ou non,
mais nous savons que les débuts se font seuls, que
chaque nouveau fan ou chaque CD vendu représente
déjà pour nous une grande chance.
La plupart de vos chansons sont écrites et
interprétées en anglais. Pourquoi ?
C’est avant tout parce que nous avons d’abord eu
plus d’écoute en Angleterre et en Allemagne avec
notre premier EP que nous utilisons cette langue.
Dans notre premier EP, il n’y a qu’une seule chanson
qui contient un peu d’anglais. Si vous écoutez
Ottocento, les parties anglaises qui s’y trouvent sont
presque absolument toutes extraites de l’œuvre
originale d’Alice au Pays des Merveilles. Pour tout le
reste, nous restons des amoureux de la langue
française, il serait trop dommage de la laisser de côté
! La signification des chansons, les histoires et
l’humour nous importent beaucoup. Nous avons
énormément d’écoute à l’international. Nous envoyons
des albums aux États-Unis et même au Japon. C’est
pourquoi nous sommes partagés entre l’anglais et le
français. Notre premier morceau, The Caterpillar
mélangeait anglais et français, politesse et
irrévérence, à l’image de ce chapitre d’Alice où la
discussion avec la chenille se perd dans des jeux sur
les bonnes manières. Ces paroles ouvrent notre
album “That Is Not Said Right, Not Quite Right I’m
Afraid” et parlent de la peur.
Quelle est la chose qui vous fait le plus peur ?
Ne pas avoir le temps de conquérir le monde.
Une dernière chose à dire aux lecteurs de CRUMB ?
Nous aimons vents et violons, piano et nuages. Il faut
que nous rêvions pour ne pas oublier ce paysage.
Nous sommes nés dans un train fou et voyageons
avec des fantômes. Notre ombre va renaître car le
passé nous éclaire. Bienvenue sur nos terres !
Propos recueillis par Thomas Carrié.

DOMINIQUE
A
Interview publiée le 17 mars 2012

« Dieu que cette histoire finit mal / On n’imagine jamais très bien / Qu’une histoire puisse finir si mal /
Quand elle a commencé si bien ». Voilà vingt ans que ces quatre vers, relayés au grand public par
Bernard Lenoir, vinrent discrètement nous chatouiller les oreilles. Dominique A et son Courage Des
Oiseaux débarquèrent alors sur la scène française désinhibant bon nombre d’artistes voulant prendre la
relève. De disque en disque, de scène en scène, Dominique A s’est renouvelé, devenant une référence
en nous surprenant à chacune de ses étapes. A l’heure de la rétrospective, l’intégralité des ses albums
est rééditée et bonifiée, alors qu’une tournée anniversaire passant par le Théâtre de la ville à Paris a pris
fin à l’aube de la sortie de Vers Les Lueurs, son neuvième album attendu le 26 mars prochain. Derrière
son micro, ses pas dansants syncopés voire spasmés, secs et gracieux, fouleront encore de nombreuses
planches dès le mois prochain, pour notre plus grand plaisir, afin d’écrire une nouvelle page de sa déjà
brillante carrière.
Dominique, pour fêter vos vingt ans de carrière, vous
ressortez tous vos CDs, dont les quatre premiers remasterisés.
Cela vous tenez à cœur de retravailler le
son de ces albums?
Cela me tenait à cœur dans le sens où comme on
ressortait tous les disques, je voulais que ce soit
optimisé. J’avais vraiment envie d’en ressortir
quelques-uns, surtout La Fossette, mais je n’espérais
pas que tout le soit (rires). Cela a été difficile, suite à
mon changement de maison de disque de EMI à
Cinq7, puis finalement ils se sont entendus. Il y a
également eu le hasard du calendrier avec la
programmation au Théâtre de la Ville, à Paris,
coïncidant avec les vingt ans du premier album. Cela
me permettait d’envisager de rejouer le premier album
sur scène, et donc de le reproposer remasterisé dans
les bacs. Finalement par ricochets, tout est ressorti.
En regardant ces rééditions et tous les bonus
présents, on remarque que vous avez fait beaucoup
de tris, vous auriez pu sortir quinze albums !
C’est vrai, cela fait seize disques en tout. J’aime bien
les ébauches et les versions de travail qui
n’aboutissent jamais et restent en l’état. Il y a les
disques officiels et des espèces de morceaux qui
courent, qui s’agrippent, comme ces bonus. Au final,
ces morceaux-là sont tout de même rattachés à des
périodes, symbolisées par les disques. J’avais envie
de les faire écouter. Le fait de tout ressortir
aujourd’hui en magasin, implique de toute façon une
politique de bonus. On peut être contre ou pas, moi je
n’ai rien contre, du moment que ce n’est pas vendu
trente euros. Il fallait que ce soit cohérent, que le
disque bonus soit au moins aussi long que l’album
original, et c’est le cas. Cette réédition m’a permis de
vider le sac, Maintenant il n’y a plus rien à sortir, j’en
suis débarrassé et vous aussi (rires).
Le mois dernier j’ai réécouté La Fossette, chose que
je n’avais plus faite depuis des années. Et j’ai éprouvé
deux sensations inédites. La première j’ai souri, puis
la seconde a été une réflexion sur le fait d’avoir sorti
un album comme celui-ci fait maison, à cette époque.
Vous avez ouvert des portes incroyables à de
nombreux artistes. Comment avez-vous vécu cela il y
a vingt ans ?
Dans une inconscience totale. La démarche a été
personnelle, mais tout de même dirigée. J’avais
conscience que ce n’était pas dans la norme, mais en
même temps j’étais persuadé du bien fondé de ma
démarche. Par contre, de là à déclencher des déclics
chez des gens, ce n’était pas mesurable. Je savais
que cela pouvait plaire à des personnes qui étaient
dans le même esprit que moi, mais je n’aurais pas
pensé que cela puisse susciter des réactions tant
extrêmes, aussi fortes. Aujourd’hui, à l’heure de la
rétrospective, maintenant que les choses se sont
décantées on se dit “Oui cela a ouvert des portes”,
mais sur le moment ce n’était pas aussi clair.
L’histoire se réécrit un peu a posteriori. Cet album ne
s’est pas vendu par centaine de milliers, cela a été
assez souterrain, très progressif, le bouche à oreille a
très bien fonctionné. Au final, tout cela amène la
dimension du disque culte, mais ce n’est que très tard
que je m’en suis rendu compte.
C’est comme Un Disque Sourd en bonus de La
Fossette dans cette rétrospective. Cet album a un son
incroyable avec le vinyle que l’on entend craquer,
pourquoi ne pas l’avoir sorti à l’époque ?
En fait, La Fossette est Un Disque Sourd abouti. Au
départ Un Disque Sourd a été autoproduit et tiré à très
peu d’exemplaires. Par la suite, Vincent Chauvier de
Lithium (son premier label, ndlr), m’a contacté pour
faire un disque. Je lui ai dit que je voulais sortir celuilà
tel quel. Seulement, d’autres morceaux sont arrivés
entre temps. A l’époque, il n’y avait pas lieu de
ressortir un disque où la moitié des morceaux auraient
été communs.
Vous regrettez ce label indépendant qu’était Lithium ?
Non pas du tout. Cela a été une belle histoire, assez
passionnante d’ailleurs, parce que c’était un état
d’esprit. Ce label avait une identité très forte. L’histoire
lui a échappé, il n’a pas eu l’identité qu’il avait envie
de se construire autour de la chanson française.

Vincent Chauvier voulait faire de la Noisy Pop. La
Fossette a ensuite eu du succès et de fil en aiguille il
a sorti pas mal d’artistes solos similaires à ce genre. A
la longue, il en avait marre de cette image de label
proposant de nouveaux chanteurs français. Au fond,
cela ne l’intéressait pas. Le label a été imprégné de la
personnalité de Vincent. Même sur mes disques et
notamment les quatre premiers, des choix ont
vraiment été faits, de par sa personnalité. Je ne peux
pas dire que je regrette car à la fin on arrivait dans le
mur où on se frittait sur les choix artistiques, mais cela
a été très fructueux.
Beaucoup d’artistes vous citent comme influence.
Vous êtes une référence pour les acteurs de la
chanson française, de la scène rock ou indé. Vous
faites également parti d’une même scène globale, on
pourrait dire. Je pense à Miossec, Cali, Yann Tiersen,
entre autres. Christophe Miossec vous a même piqué
votre groupe pour son très bon dernier album.
(Rires) Oui c’est vrai, qu’un cercle s’est créé. Bon
cette fois-ci cela en devenait quand même un peu
grotesque. Le groupe est parti enregistrer avec
Miossec sans trop m’en avoir parlé ; je l’ai un peu mal
pris. En même temps je ne les salarie pas, il n’y a pas
de contrat d’exclusivité. Ce groupe composé de David
Euverte, Thomas Poli et Sébastien Buffet a été
constitué sur ma tournée précédente et un son de
groupe s’est créé sur celle-ci. J’avais envie de
continuer avec eux. Ensuite ils ont eu envie de faire
des choses avec Miossec, j’ai rien à dire, simplement,
ce que je disais à Christophe,- et on s’est expliqué à
ce niveau-là, c’est que l’on s’est déjà tellement
rapproché l’un de l’autre que si en plus on tourne avec
les mêmes musiciens, hormis les problèmes
d’organisations, cela ne peut être sain. Après ce qu’ils
ont fait sur l’album de Miossec a une identité, qui n’est
pas forcément celle qu’il y aura sur mon prochain
disque. Donc pour moi il n’y a pas de souci, du
moment qu’on ne tourne pas en même temps. C’est
tout le problème, justement, pour rejoindre ta
question, d’appartenir à une même scène.
Pour continuer à parler de cette scène justement,
vous aviez d’ailleurs failli monter un groupe avec
Philippe Katerine plus jeune ?
Oui, on avait créé un petit truc tous les deux, on faisait
cela chez lui, il habitait encore chez ses parents. On
avait fait des enregistrements quatre pistes, qui ont
donné trois-quatre morceaux débiles, assez marrant
d’ailleurs. C’était surtout un truc d’amitié.
Un mot sur la tournée événement-anniversaire. Cela
se passe bien ?
Oui très bien. On propose une relecture à trois (piano,
guitare, synthé, voix, ndlr) de La Fossette, avec très
peu de boîtes à rythmes contrairement au disque
original. C’est assez épuré, mais cela fonctionne
plutôt bien. La deuxième partie est réservée
exclusivement aux nouvelles chansons, on est dix sur
scène dont un quintet à vents. C’est à la fois très
électrique et arrangé, assez ample en fin de compte.
Les gens viennent voir un double truc, c’est assez
marrant.
Ce n’est pas vraiment une tournée, car c’est une
formule qui est très lourde. Onze musiciens plus cinq
techniciens, cela fait seize personnes sur la route,
pour des soucis de logistiques on est davantage sur
des dates événementielles. On fait cinq dates en
janvier juste après avoir enregistré l’album. Début
février nous mixons et l’on ne rejouera pas avant fin
mars, début avril.
D’ailleurs, quelle sera l’ambiance de ce nouveau
disque ?
Il y aura le groupe rock de base, plus un bassiste, un
américain excellent, Jeff Hallam. Nous avons mis
l’accent sur le quintet à vent (hautbois, cor anglais,
clarinette, clarinette basse, et flûte, ndlr). Les
arrangements ont été faits par David Euverte aux
claviers. Je lui ai remis les guitares-voix, je voulais
vraiment travailler sur le mélange électrique et
acoustique, du coup on s’est basé sur un quintet à
vents pour l’accompagnement. Une fois les
arrangements fait à partir de mes guitare-voix, on a
travaillé tous ensemble, électrique plus acoustique. Il
y a vraiment eu un travail autour du quintet, et
harmoniquement c’est assez riche, très coloré.
Beaucoup de chansons sont accès sur le thème de la
lumière, avec une approche un peu moins urbaine.
En contraste avec Remué ?
Oui, c’est un peu plus rural (rires). Il y a beaucoup de
chansons sur la campagne, comme un cadre
rupestre. C’est quelque chose qui est à la fois
énergique, tenu, mais avec beaucoup d’éléments
mélodiques et harmoniques. Nous avons enregistrés
dans des conditions qui s’apparentent à du live. Avec
le groupe de base on a fait les prises de cette façon,
cela nous a permis de transmettre une nouvelle
énergie et le quintet est venu se greffer par-dessus.
C’est quelque chose de nouveau pour vous en studio,
d’enregistrer en live.
Oui. Je crois que le disque va sonner de manière
différente. Tout sera comme avant, assez boursouflé.
Je voulais retenter quelque chose dans ce genre là,
mais sans les boursouflures, avec un côté immédiat,
sans aucunes bricoles ou bidouillages sur Pro Tools.
A la base, sur celui-ci on devait enregistrer en live
total, pour être au plus proche de ce que l’on fait
actuellement sur scène. Au Théâtre de la Ville, ce que
l’on va jouer, ce sera le son de l’album. Il y a un truc
très direct. L’écriture est assez ambitieuse en terme
d’arrangements, il fallait alors que ce soit très
immédiat, et c’est cela qui marche.
Ce sera toujours Dominique Brusson au son?
(Collaborateur, co-producteur ou mixeur des albums
de Dominique A depuis 1999 et l’album Remué, et
ingénieur du son des lives, ndlr)
Oui, comme c’est lui qui fait le live, c’était évident que
pour ce disque ce soit encore lui. On travaille bien, il y
a vraiment un ping-pong entre lui et moi. Il y a un
rapport de complicité dans la production que j’aime. Si
aujourd’hui on me dit de travailler avec un autre
producteur, cela ne m’intéresse pas. C’est un truc que
l’on a développé ensemble sur des années, que moi

j’adore. Comme les projets changent et évoluent, c’est
passionnant. Tant que cela ne ronronne pas, tant que
l’on sent que l’on va sur des terrains différents, il n’y a
pas de raison d’arrêter la collaboration, au contraire.
Pour ce neuvième opus, qu’est-ce qui a déclenché
l’écriture et la composition? Un moment particulier?
Comme votre voyage au Groenland qui a provoqué
l’album L’horizon par exemple.
Il y a quelque chose de terre à terre qui s’est imposé.
Il était hors de question pour moi de rejouer La
Fossette en live pour ces concerts événements, sans
seconde partie originale. J’y suis allé un peu à tâtons,
je n’avais pas vraiment d’envie particulière, si ce n’est
dans les textes d’avoir une approche un peu plus
différente, moins urbaine. Le thème de la lumière est
venu assez rapidement, et cela a été très évolutif. J’ai
du me tenir à une certaine simplicité. Je ne voulais
pas que l’ambition des arrangements ne parasite la
simplicité de l’écriture.
Avez-vous déjà eu envie d’associer votre musique à
d’autres arts ? Cinéma ? Théâtre ? Littérature ?
Non, pas encore. Par contre, j’ai écrit un petit bouquin
en prose qui paraîtra chez Stock en mai, qui est
autobiographique et lié au rapport qu’on entretient
avec l’idée de l’enfance. Il s’appelle Y revenir. C’est
mon unique incursion hors chansons. Dernièrement
on m’a demandé d’intervenir pour le théâtre sur un
projet intéressant. Un jeune metteur en scène rennais
a envie de travailler sur un texte de Marina Tsvetaeva,
qui est une poétesse russe du début du XXème
siècle. Elle a eu une destiné incroyable. J’ai fait une
chanson sur ce personnage il y a quelques années.
Par ce biais là il m’a contacté, et il aurait aimé mettre
en scène un texte qui est réputé pour être quasiment
impossible à monter. J’ai bien aimé son discours, la
pièce à l’air passionnante. En ce moment, je n’ai pas
le temps de me plonger dans des aventures comme
cela, mais dans le futur pourquoi pas.
J’ai essayé de faire des musiques de films par le
passé. Je n’ai pas aimé la démarche, le rapport à l’art,
le langage différent. J’ai besoin de me sentir en
interaction avec un texte. Faire de la musique
indépendamment d’un travail sur l’écriture m’intéresse
moins, je me sens moins légitime, pas suffisamment
armé.
Pouvez-vous nous dire ce qu’il tourne en ce moment
sur votre platine ?
Les derniers trucs que j’ai écouté et aimé, ce sont
deux disques sortis par un label Suisse que j’aime
vraiment bien. Le label s’appelle Two Gentlemen. Le
premier CD a pour nom General Thoughts And Tastes
et le groupe Honey For Petzi. Petzi comme l’ours des
BD, c’est du math-rock assez mélodique avec un
super son. Sur le même label, j’ai beaucoup apprécié
un artiste qui s’appelle Fauve, c’est son deuxième
album Clocks ’N’ Clouds, et il est vraiment brillant,
mélange de Sufjan Stevens, et David Sylvian dont il
s’est beaucoup inspiré, les chansons sont excellentes.
Ce sont les derniers sons récents que j’ai vraiment
aimé et que j’ai surtout pris le temps d’écouter.
Et sur votre table de chevet qu’est-ce qu’il traîne ?
Je lis plusieurs livres à la fois. Je suis en train de lire
Les Solidarités Mystérieuses de Pascal Quignard, je
n’avais jamais rien lu de cet auteur, j’aime bien le
style. J’ai aussi commencé un bouquin qui s’appelle
Le Pilon de Paul Desalmand, c’est un bouquin assez
marrant. C’est un livre qui parle de sa vie de livre.
C’est un exercice de style mais qui est plutôt pas mal,
on sait déjà qu’il va finir au pilon (rires), mais cela
parle du rapport à la culture, à la littérature. Je l’ai
dans la poche, je l’ai acheté par hasard, j’aime bien
piocher comme cela dans les librairies. (Il va le
chercher dans sa veste pour me le faire feuilleter). J’ai
également acheté un bouquin dont j’avais entendu
parler, mais je ne sais pas si je vais avoir le courage
de le lire. Il s’appelle La Traversée de la France à la
nage de Pierre Patrolin, chez P.O.L, cela fait 700
pages, et c’est un mec qui se baigne dans tous les
fleuves de France (rires). C’est assez contemplatif et
naturaliste, mais cela a vraiment l’air super bien.
Vous avez parlé de l’enfance tout à l’heure, et avec
toute votre actualité (Rétrospective dans les bacs,
rejouer La fossette sur scène, votre bouquin Y
revenir), j’ai envie de vous demander si vous êtes
nostalgique ?
Non, je ne crois pas. Je pense être honnête en disant
cela, mais il n’y a pas d’autres périodes où j’aimerais
être en dehors de celle-ci. Aujourd’hui ne me semble
pas moins enviable qu’hier, aucunement. Par contre,
j’aime le rapport assez franc avec le passé, qui n’est
pas un rapport de fuite mais une sorte de régurgitation
de ce que l’on a vécu, de ce que l’on vit, qui nous
permet d’appréhender l’avenir avec plus d’armes. Je
suis donc dans une régurgitation volontaire et
permanente, mais je ne suis pas dans le regret. Je ne
lamente pas mon enfance, je ne la magnifie pas non
plus, je ne l’idéalise pas. Les beaux moments je les
garde, comme chacun, comme des trésors. Mais
quand c’est fini, c’est fini.
Pour beaucoup, nostalgie rime avec blessures et
souffrances, comme quelque chose qui ronge.
J’adore le rapport avec le passé, celui au temps. Les
gens croient que je suis passéiste, puis là je fais un
bouquin qui s’appelle Y revenir. Mais c’est simplement
une digestion des choses, d’acceptations, et de toutes
ces choses qui permettent d’asseoir le présent et le
jour d’après. Si tu ne construis pas ton passé, il va te
rattraper et te pourrir la vie. Pour moi le passé est une
construction tout comme le souvenir. Ce sont des
thèmes qui me passionnent, même si je ne les pas. Je
n’ai pas l’impression que ce soit par volonté de revivre
ce que j’ai vécu. Mêmes les meilleurs moments de ma
vie, je parle notamment des rencontres amoureuses,
et bien je peux te dire que je préfère faire une
interview avec toi là maintenant, pour CRUMB, plutôt
que de revivre cela.
Propos recueillis par Aurélien Lovalente
Photo : Pauline Darley, assistée de Maxime
Stange, pour Crumb
Pour les besoins de la mise en page, l’interview a pu être raccourcie ou
écourtée de certains passages.

BLEU
by Johann Bouché-Pillon

Série photo publiée le 27 janvier 2014
Johann Bouché-Pillon est un photographe plasticien parisien à l’univers visuel riche. Après des débuts en graffiti au cours
desquels il développe son goût pour l’expressionnisme et la transgression, il s’achemine vers une œuvre plus minimaliste.
Patient, méticuleux, accompagné de ses fidèles appareils analogiques, l’artiste -inconditionnel de cinéma de la Nouvelle
Vague- crée puis photographie, tour à tour, donnant ainsi à ses travaux l’allure de véritables performances. Pour Crumb, il
dévoile aujourd’hui “Bleu”, une série inédite.
.

THE DØ
Interview publiée le 19 mars 2011
Dan & Olivia ont envahi les ondes en 2008 avec On My Shoulders. Le couple franco-finlandais fusionnel
et multi-créatif a depuis sorti un second album, Both Ways Open Jaws. Comme un nouveau chapitre écrit
sur des orchestrations méticuleusement soignées. Nous rencontré Olivia.
Votre nouvel opus est encore plus créatif et riche que
le précédent… Comment l’avez-vous appréhendé et
travaillé ?
Dan a une manière amnésique de travailler. Il est
dans l’oubli permanent de ce qui vient de se passer,
de ce qui vient d’être réalisé et du coup, il était dans
un système de création permanente. Je pense que
c’est en rapport avec toutes les musiques qu’il écoute,
qu’elles soient improvisées ou contemporaines. A
quinze ans il écoutait Boulez (Pierre Boulez, ndlr) et
toujours aujourd’hui d’ailleurs. Ce n’était pas du tout
structuré dans sa tête, alors que, de mon côté, j’ai
essayé de faire en sorte que ça le soit. J’ai bien dit «
essayé ». Au final, cela a donné Both Open Jaws…
L’album recèle une part de cinématographie que
n’avait pas forcément le premier…
Dans la texture, les arrangements et les couleurs, oui.
Cela fait partie du travail de Dan, de son obsession à
vouloir donner à chaque morceau une vraie identité.
Je pense que l’on peut considérer cet album comme
un « long métrage » dans le sens où il apparaît
comme beaucoup plus cohérent que le premier, qui
était lui, dans une veine déstructurée. A Mouthful
aurait pu être un recueil de courts-métrages.
Un long-métrage ici, qui reprend me semble t-il,
l’imagerie de contes pour enfants…
C’est possible, oui. Nous avons beaucoup regardé de
films pendant l’enregistrement. Je pense que cela
nous a vraiment inspiré, notamment un film japonais
de 1964 : Onibaba, de Kaneto Shindô. J’ai lu un
article dessus, d’ailleurs, qui disait « Onibaba se
ressent plus qu’il ne se critique ». Ca le décrit très
bien. Il y a de la poésie, de la violence, de la magie.
C’est l’histoire de deux femmes qui vivent seules au
milieu des roseaux en temps de guerre. Des soldats
se perdent dans ce champ et elles les tuent parce
qu’elles n’ont pas d’argent. Elles vont revendre leurs
vêtements, leurs armes, leurs armures et le tout
devient une super histoire. Et puis, surtout, il y a toute
cette imagerie autour du masque…
Ce masque qui engendre un rapport totalement
personnel, presque intime avec vos chansons…
Je ne peux pas l’imaginer autrement ! C’est la raison
pour laquelle j’ai encore un peu de mal à en parler.
J’ai affronté beaucoup de démons et mis en forme
certains mots que je n’utilisais jamais, j’ai essayé de
combattre beaucoup de peurs dans cet album. Dan
aussi. Je crois bien que nous sommes un duo de
peureux.
De quoi avez-vous peur ?
J’ai eu peur du noir pendant longtemps. Je crois que
j’ai gardé quelques traces de mes traumatismes. A
vrai dire, j’ai peur un peu de tout. Il y a un côté très
sombre sur cet album sauf sur Bohemian Dances
précisément où l’on ressent beaucoup plus
d’insouciance et de légèreté. Quoi qu’il en soit, j’aime
l’idée que cet album soit hanté.
Propos recueillis par Bastien Internicola.
Pour les besoins de la mise en page, l’interview a pu être raccourcie ou
écourtée de certains passages.

SOKO
Interview publiée le 16 mai 2012
S.O.K.O. Quatre lettres qui vous rappelle à hier lorsque vous fredonniez peut-être sans le savoir son
fameux « I’ll Kill Her ». Mais Soko c’est surtout une adulescente avec des brouillons dans la tête et au
coeur, des vidéo-clips images inspiration enfance tournées façon 8mm. Musicalement, un genre ovni
dirait-on ou bien alien, au choix. Pas forcément avenante, pas forcément sympa. Mais des trucs à livrer et
révéler. Premier album. Premiers mots pour CRUMB.
Comment qualifierais-tu ce premier album ?
Je voulais que cet album soit très intime, honnête et
touchant. Un ensemble vrai, intense et un peu
dreamy. Les chansons sont pour moi comme des
secrets racontés.
Un peu journal intime ?
Oui, parce que tout ce que j’écris, je l’ai vraiment
vécu. Je ne me verrais pas du tout monter sur scène
et raconter des histoires fausses ou des trucs
inventés.
On sent dans tes chansons le besoin de parler d’un
certain mal-être…
J’ai vraiment ce truc débile d’artiste torturé qui ne peut
écrire que quand il ne va pas bien. J’imagine que c’est
cliché mais ça transparaît forcément. Je suis tout le
temps un peu up and down et les chansons que
j’écoute ne sont pas très joyeuses donc. J’ai écris
beaucoup de paroles sur la dépression et le suicide.
Et tu penses qu’un jour tu pourrais parler de tes joies
aussi ? Que ça t’inspirerait ?
Je ne sais pas. Je crois que je suis un peu trop
torturée pour ça.
Dans tes vidéos et tes textes, tu as un fort rapport à
l’enfance, c’est une source d’inspiration très
importante ?
J’ai un vrai côté nostalgique. J’ai grandi trop vite et
voulu être une adulte trop tôt. Je suis partie de chez
mes parents à 16 ans et à 20 ans j’avais l’impression
d’être une mamie, d’avoir déjà tout fait. Si je restais là,
immobile, j’allais stagner et ma vie allait être
misérable. J’ai fait une espèce de crise
d’adolescence, du genre bombe à retardement.
J’avais envie d’être complètement sans attaches,
insouciante et vivre un peu comme un enfant.
Hook, est mon film préféré. Je pense que quand on
sait cela de moi, on sait beaucoup de choses. C’est
vraiment important pour moi de ne pas perdre l’enfant
que l’on était, de pouvoir encore s’amuser, voler et
aller au pays imaginaire si on en a envie.
Et ce premier album, c’est ton bébé ?
Oui ! À chaque montée de chaque petite marche,
j’avais envie d’y arriver toute seule. Je voulais pouvoir
jouer de tous les instruments, faire tous les
arrangements, être à fond dans la production, réaliser
mon artwork, faire mon site web, tourner mes vidéos.
Pour moi, c’est un ensemble ! Le truc le plus flippant,
ce serait d’être un produit contrôlé par d’autres. J’ai la
chance que l’on me laisse faire un peu ce que je veux.
Donc j’en profite et je contrôle tout !

Et sans perdre ce pouvoir-là, tu as tout de même
collaboré avec des artistes à L.A. ? Comment ça s’est
passé, et avec qui ?
À L.A., il y a une vraie scène musicale indé et quand
on joue un peu là-bas, on rencontre vite tout le
monde. Stella de Warpaint, une de mes super potes,
a fait des guitares sur mon album. Harper Simon, le
fils de Paul Simon, a aussi joué de la guitare vingt
secondes sur un morceau. C’était très spontané,
j’habitais à Echo Park, j’avais une grande maison
avec un studio, les gens passaient prendre le thé tout
le temps et on faisait de la musique.
Tu as aussi collaboré avec Alexander Ebert… (album
solo Alexander sorti en 2011 et chanteur du groupe
Edward Sharpe and the Magnetic Zero, ndlr)
On peut dire que c’était une collaboration en quelque
sorte. Pas musicalement, mais c’était mon amoureux.
Il m’a aidée de manière différente, à choisir les
chansons de l’album, à faire le séquençage. Nous
étions séparés quand je finissais l’album mais il a
vraiment été d’un soutien incroyable. Et quand j’avais
arrêté de faire de la musique pendant un an, parce
que je ne supportais plus et que je ne m’en sortais
pas avec mon album, c’est lui qui m’a motivée à m’y
remettre.
Tu a écris cet album depuis un bout de temps et il est
prêt depuis juin 2011. Comment te sens-tu depuis la
sortie ?
J’ai été complètement en énorme dépression et je
suis sous antidépresseurs depuis un mois. Voilà
comment je me sens.
…
Je ne m’étais jamais dit, en écrivant, que les gens
allaient écouter. Dans la vie, tu n’as qu’une chance
pour faire un truc une première fois ; ça y est, cette
première fois est passée, qu’est-ce que je fais après ?
Tu commences à réfléchir à tes projets futurs ?
Je fais peut-être un film cet été et je vais à LA dans
quatre jours pour faire une autre vidéo et mixer.
Que tu vas aussi réaliser ?
Oui.
Toujours avec un iPhone ?
Oui, avec l’application 8mm.
Est-ce que tu penses ou travailles déjà à d’autres
projets musicaux ?
J’ai déjà deux autres albums prêts, oui, que j’ai juste à
mixer. J’écris et je fais de la musique tous les jours. Je
suis une grosse « music nerd ». Le premier truc que je
fais quand je me réveille le matin c’est mettre la
musique et le dernier truc c’est éteindre la musique.
C’est ma vie.
Quels sont les albums qui tournent en ce moment
dans ton iPod/iPhone ?
Le nouveau Perfume Genius, quelques chansons du
nouveau Baxter Jury, le dernier The Tallest Man On
Earth, le dernier Kurt Vile, que j’écoute depuis un an…
Le dernier Deerhunter dont je ne me lasse pas…
Pas d’influences plus anciennes, depuis l’enfance par
exemple ?
J’ai Odyssey and Oracle des Zombies, qui est un de
mes albums préférés. Leonard Cohen, Paul Simon,
qui sont des génies…
Tu as aimé le dernier album de Leonard Cohen ?
Je n’ai pas vraiment écouté. A vrai dire, j’ai un peu
peur…
Ton meilleur souvenir musical à L.A. ?
Monsters of Folk au Greek Theater. Tous mes
musiciens préférés dans le même groupe : M.Ward,
Conor Oberst et le mec de My Morning Jacket.
Y-a-il une question que tu aurais aimé qu’on te pose
en particulier ?
Moins on m’en pose, mieux je me porte.
J’en ai encore quelques unes pour toi. Dans la
chanson I Just Want to Make it New with You, on
dirait presque que tu conclues un genre de pacte avec
tes fans. Est-ce que tu avais peur de les décevoir
après ta longue absence ?
Je n’ai pas du tout écrit cette chanson pour cela. J’ai
écris cette chanson pour un mec dont j’étais
complètement amoureuse et qui fait de la musique
très différente de la mienne. On s’était dit tous les
deux que dès qu’on découvrirait la musique de l’autre,
on serait tellement déçus, on allait se détester et
jamais s’aimer. Donc toutes les paroles « You’ll
Discover Me From My Songs, My Heartbreaks And
Fears And Depression », c’était un peu « tu vas
découvrir toutes les pires facettes de moi dans mes
chansons et après tu vas me détester » !
Quelles paroles de tes chansons te résumeraient le
mieux tu penses ?
« We Might Be Dead By Tomorrow ».
Textes et propos recueillis par Elsa Launay,
assistée de Charline Buda
Photographie : Diane Sagnier

BARBARA
CARLOTTI
Interview publiée le 17 mai 2012
L’heure de l’ascension a sonné pour Barbara Carlotti. Avec son nouvel album « L’Amour, l’Argent et le
Vent », la chanteuse de 37a ns, au long parcours, sème des mots d’amour sur la scène musicale et vu
l’engouement du public qui l’accueille bras ouverts l’argent ne devrait pas être loin, manque encore le
vent. Ou pas. Il y en avait ce jour-là à l’hôtel Amour, à Paris où nous lui avions donné rendez-vous, en
évitant de parler d’Argent.
Tu as produit tes deux précédents albums sur un label
anglais. Aujourd’hui, tu sors un nouvel album chez
Atmosphériques, un label partenaire que l’on aime
beaucoup. Pourquoi ce choix ?
L’équipe du précédent label chez qui j’étais a changé.
Les gens avec qui j’avais signé n’étaient plus là, ce
n’était plus ceux qui avaient aimé et défendu mon
projet. Il y avait comme une distance, de fait. J’ai donc
décidé de partir. Ma manageuse et moi avons cherché
un label en France et la suite de l’histoire s’écrit donc
chez Atmosphériques.
D’ailleurs, dans ce dernier album tu chantes
exclusivement en français…
Oui. C’est finalement dans cette langue que je
travaille mieux. Quand j’écrivais des chansons en
anglais, c’était généralement pour le fun. Je suis, bien
évidemment plus à l’aise avec le français. Je peux
développer davantage les choses il me semble.
Tu as récemment voyagé en Inde au brésil au japon…
une quête d’inspiration ?
A peu près, oui. Le Brésil est le point de départ de ma
chanson L’amour, l’Argent et le Vent. C’est sûrement
celle qui a la plus forte empreinte. Le but de ces
voyages était surtout d’essayer de s’imprégner
d’endroits différents, de m’accrocher à d’autres
repères. Ça m’a permis de porter une attention
particulière à la musique, de développer des couleurs
de sons que je ne connaissais pas. Mais c’est surtout
un contexte d’écriture en fait, comment ailleurs on
réagit dans un environnement et comment ça joue sur
la manière d’aborder les choses.
Justement on perçoit quelque chose de fort dans ton
écriture. Tu cites très souvent Baudelaire ou Verlaine
qui sont de grands mélancoliques. Te considères-tu
comme telle ?
Ce que j’aime chez Baudelaire c’est les thèmes qu’il

aborde, après oui il y a une forme de mélancolie en
filigrane, cela va de soi. Je pense que la chanson a
intrinsèquement quelque chose d’introspectif. A
l’intérieur se développe la mélancolie. Mais pas que,
je ne crois pas. Il y a aussi de l’humour, de la distance
et de la légèreté, c’est un mélange de pleins de trucs.
Les références à Baudelaire viennent du fait qu’ils
abordent des thèmes qui me sont chers, comme
l’invitation au voyage tout simplement.
Tu signes un duo avec Philippe Katerine (lire interview
page 137), qui me semble avoir une personnalité
relativement opposée à la tienne. Pourquoi cette
collaboration ?
Avec Philippe on s’est rencontré sur mes premiers
concerts, je l’ai croisé dans un festival à Rennes, il y a
huit ans, je ne sais plus. On est resté amis. J’adore
son côté exubérant, drôle plein d’humour un peu
décalé et en même temps je trouve que c’est un super
musicien qui écrit des mélodies magnifiques et ça fait
longtemps qu’on se dit qu’il fallait que l’on fasse une
chanson ensemble. On s’est retrouvé en soirée, on a
écrit des cadavres exquis et on les a conclus en
chanson. Voilà comment cela s’est fait.
Cet album, qu’a-t-il de plus que tes précédents ?
Je pense qu’il est plus affirmé, plus direct en fait. Les
rythmiques sont plus denses. Il y a, en tout cas
quelque chose de plus libre, un je-ne-sais quoi de plus
libre, voilà.
Qu’attends-tu du public vis-à-vis de la réception de cet
opus ?
(Elle ouvre grand les yeux) Qu’il m’adore enfin !
(Rires). Enfin, surtout de faire des concerts et de
pouvoir partager des moments avec tous ceux qui
m’écoutent. Et puis la scène, monter un beau
spectacle, avec des lumières un déroulement entres
les chansons, une vraie histoire, que ce soit encore
plus vivant que sur l’album.
Si tu devais choisir un morceau, ce serait lequel ?
Je suis incapable de choisir. J’aime un milliard de
trucs dans le monde. Pour moi le titre le plus affectif
c’est « Quatorze Ans ». En même temps quand on
écrit c’est difficile de choisir. Il y a une raison pour
tout.
Tu aurais aimé vivre à une autre époque ?
Non, je ne suis pas une nostalgique dans l’âme mais
on vit une époque où les choses sont difficiles. Avec
la crise économique, en tout cas celle que l’on nous
vante, partout, dans les médias, on sait que les
choses sont difficiles, notamment par rapport aux
disques. J’ai tout de même mis deux ans à trouver un
label qui veuille bien de moi. Il y a quelques années
Aujourd’hui, internet a pris le relais. On est dans une
période de transition, qui demande de s’adapter. Ça
demande à réfléchir aussi, de se poser des questions,
notamment sur ce que l’on vit, ce que l’on s’apprête à
vivre et ce que l’on a envie de vivre !
« Les Choses Importantes De La Vie » renvoie
d’emblée au titre de ton album « L’Amour, l’Argent et
le Vent ». Quand tu dis « Vent » est ce que cela veut
dire que finalement l’amour et l’argent ne sont
qu’éphémères ?
Cela peut être une des lectures, en effet. Dans ces
trois choses, il y a une valeur, un élément et un
sentiment. C’est impalpable, cela nous traverse, c’est
toujours avec nous. Un vent s’il est trop fort peut faire
des ravages. C’est à peu près pareil si on se
préoccupe trop de l’argent ou de l’amour. Ca
bouleverse tout. Ce titre, c’est une manière poétique
de mettre en perspective tout cela.
Certaines critiques trouvent et jugent tes textes
particulièrement tristes et mélancoliques… Quel est
ton regard là-dessus ?
Il n’y a pas que des choses tristes. Je pense qu’écrire
des chansons permet de mettre les choses à
distance, des choses que l’on n’exprime pas
forcément publiquement. Mais il y aussi des clins
d’œil, de l’ironie. Mes chansons sont un rapport à la
vie. Elle n’est pas tout le temps gaie, ni tout le temps
joyeuse. On n’est pas toujours heureux d’exister.
L’exprimer en mots, dans des textes permet
d’immortaliser ces instants de vie et finalement de
mieux s’en débarrasser.
Dans une de tes chansons « Ouai Ouai Ouai », tu
parles d’une icône des années 60, ça m’a fait penser
au titre Ava…
Cette chanson, elle aurait pu parler de Lana del Rey
(rires). Non mais elle m’a inspirée un personnage
totalement fictif. Ca m’amusait d’imaginer quelqu’un.
En l’occurrence une jeune fille superficielle qui
pourrait être mal menée, un peu perdue, qui passe
ses nuits en boite de nuit mais qui est un peu fragile
aussi.
C’est en effet un hommage pur à Lana Del Rey (rires).
Il paraît qu’elle a des rituels assez superficiels
d’ailleurs avant de monter sur scène. Tu en as toi ?
Oui. J’ai toujours un trac de malade avant d’y aller, de
monter sur scène, d’affonter le public, de chanter.
Avec mes musiciens on fait le check des « Chivers »
qui est tiré du film « Steak » de Quentin Dupieux.
C’est super débile mais ça marche ! (Rires).
Propos recueillis par Camélia Mohamed

BERTRAND
BELIN
Interview publiée le 20 novembre 2010

Bertrand Belin est un artiste. Avec un grand A. Il nous livre avec son troisième album un écrin musical
sublimé par des textes dont lui seul a le secret. Rapport au voyage, tempo épuré, mélodie minimaliste
mais soignée : son univers intrigue. Comment pouvait-il nous en parler ? Simplement en évoquant la
notion de « territoire ». Un album à traverser et découvrir, comme une nouvelle contrée, chargée
d’histoires et de sentiments. Et puis, Bertrand Belin nous parle de son rapport à la voix, à la littérature et à
la scène française… Et l’on resterait des heures à l’écouter parler.
A la première écoute de l’album j’ai cru entendre
Bashung. C’est peut-être une chose que l’on vous
répète souvent et je ne vais pas déroger à la règle : A-
t-il eu une influence sur votre travail ?
Et bien je dirais que la ressemblance je ne peux pas
la nier mais je ne la vois pas vraiment. Je ne suis pas
particulièrement influencé par Bashung plus que par
d’autres mais il y a peut-être dans notre rapport au
texte quelque chose qui nous rapproche. J’ai, comme
lui, des chansons qui n’offrent pas une réelle clarté
narrative. Après, s’il s’agit d’une ressemblance dans
le timbre de la voix, je n’en sais trop rien.
Dans votre rapport au timbre vocal justement, y a-t-il
eu des voix emblématiques, particulières du paysage
musical ou cinématographiques, qui vous marquent,
vous ont marqués, inspirés ?
Oui. Beaucoup m’ont inspirés. Pas forcément
d’ailleurs dans une approche de mimétisme ou
d’imitation. Par exemple, j’aime beaucoup Caetano
Veloso. Je trouve qu’il y a chez lui, dans sa voix,
quelque chose qui me touche. J’aime énormément les
voix masculines. Je pourrais citer aussi Rodolphe
Burger. Leurs univers sont très opposés mais c’est
quelque chose qui a à voir avec un ancrage dans le
sol, un chant qui transmet une certaine humanité…
Dans vos textes on retrouve souvent une part de
cinématographie…
Vous savez, la musique ne se matérialise pas. Elle se
déploie sous forme d’ondes dans l’air. Je crois qu’on
ne peut pas échapper à la vocation naturelle de la
musique de créer des images. Elle emprunte son
langage à l’art visuel, à savoir l’horizontalité, la
verticalité, les tonalités, qui sont d’ailleurs des termes
analogiques que l’on emploi à la fois en peinture et en
musique. Les images ne sont jamais voulues, la
musique déploie d’elle-même ses paysages…
Par rapport à ce qui se fait actuellement, vous êtes
presque un ovni dans le paysage de la chanson. Quel
regard portez-vous sur la création actuelle française ?
Ce dont je me rends compte jour après jour c’est que
l’on est dans une période de paradoxe complet, avec,
d’un côté, des disques qui se vendent de moins en
moins et de l’autre, une profusion incroyable
d’artistes, une multiplication de festivals et de lieux
culturels. Je pense que les récents bouleversements,
notamment liés à la diffusion de la musique, en
particulier sur internet, ont obligés les maisons de
disques, les labels à se positionner différemment, à se
questionner sur ce qui fonde leur travail, le devoir de
recherche, le devoir de renouvellement, sur ce que
l’on pourrait appeler « la volonté de trouver la perle
rare » et non plus à s’habituer à prescrire à la manière
d’un médicament une musique qui plait au plus grand
nombre sans qu’elle ne se renouvelle et dont on sait
que l’exploitation remplie assez facilement les caisses
des actionnaires. Je ne sais pas si c’était si différent
que ça il y a 30 ans. Pour ma part en tout cas, dans le
périmètre dans lequel j’évolue, je n’ai pas à me
plaindre de la diversité et de l’excellence de la
production française.
Si vous deviez qualifier votre album « Hypernuit » en
un mot, vous diriez quoi ?
(Sourire) Si je devais le qualifier je parlerais de
territoire, quelque chose que l’on peut fouler. Pas un
territoire au sens de la propriété mais un territoire
habité par des gens, des personnages, des figures
dont on sait peu finalement.
J’ai lu que vous aviez déclaré à propos de ce disque
« ce sont des chansons et non de la littérature »…
Oui, parce que l’on vit dans une époque où la
littérature est partout. Elle recouvre un nombre
incroyable de domaines alors qu’elle ne se trouve pas
plus partout que depuis toujours. Elle est quelque
chose de rare et quand elle existe en vrai et qu’elle de
qualité cela finit toujours par se savoir. Or je trouve
qu’il n’y a pas de littérature dans la chanson. Il y a de
la littéralité, un caractère littéraire oui, mais parler de
littérature non, ce n’est pas le lieu.
Il y a dans vos chansons, certains éléments qui ne
viennent pas à la première écoute, comme si elles
étaient voilées…
Oui car je crois qu’il faudrait avoir une acuité très
particulière à comprendre le monde dans lequel on vit
pour retranscrire une histoire de A à Z avec un
scénario précis. Je préfère cela à une narration
strictement linéaire car c’est comme ça que je reçois
le monde, c’est comme cela qu’il m’arrive. Voilà
pourquoi je le restitue de manière un peu voilée.
Propos recueillis et interview par Thomas Carrié.
Photographie : Diane Sagnier
Cette interview et la photographie qui l’accompagne ont fait
l’objet de la couverture du numéro de 5 de Crumb
magazine, première version, alors qu’il était une revue
digitale, à feuilleter. Il fut mis en ligne le 20 novembre 2010.

Interview/Rencontre publiée le 5 novembre 2015
BØRNS était de passage à Paris en ouverture du Pitchfork Music Festival, le 27 octobre dernier. Dans la
petite salle du Café de la Danse, l’auteur-compositeur-interprète de 23 ans a présenté quelques morceaux
de Dopamine, son premier album. Un concert court mais fédérateur où le jeune artiste a confirmé ce
qu’on savait déjà : il ira loin. La veille de sa performance, Garrett Borns, de son vrai nom, nous a reçus à
la table d’un restaurant parisien. Une atmosphère calme et inspirante, à l’image de cette interview où le
jeune homme est revenu avec nous sur son (jeune) passé de magicien professionnel, ses premiers pas à
Paris à l’âge de 19 ans et ce qui l’a inspiré dans l’écriture de son premier album.
Il a une silhouette mince et élancée. Un visage en
partie caché par ses cheveux qui tombent
négligemment juste au-dessus de ses épaules. On se
dit qu’il doit être fatigué : il a atterri le matin même à
Paris, sur les coups de 6 heures. Il met même
quelques secondes à se souvenir de ce qu’il a fait la
veille et où il était, tant les soirs de concerts
s’enchaînent, passant d’un continent à l’autre en
quelques heures de vol. Aujourd’hui Paris, demain
Londres. Hier, un festival de musique à North
Charleston, en Caroline du Sud, sponsorisé par une
célèbre marque de thé. Une étrangeté qui fait sourire
Garrett Borns, surtout parce que le thé n’est pas très
bon, selon lui.
Au fur et à mesure que progresse l’interview, après
avoir bu un ou deux verres d’eau fraîche et plaisanté
sur ces petits chiens habillés avec des robes qu’il a
vus le matin même à l’aéroport, Garrett Borns partage
ses expériences et sa vision de la musique avec un
naturel déconcertant. Peut-être qu’il se sent à l’aise à
Paris, une ville qu’il aime bien et dans laquelle il s’est
déjà rendu à l’âge de 18 ans. Un ami réalisateur du
Michigan l’avait invité à le suivre dans la capitale
française pour deux ou trois jours. Le résultat ? On
peut encore le voir aujourd’hui sur YouTube, grâce à
une performance TedX, enregistrée à Grand Rapids,
dans le Michigan, son État de naissance. Quand on
lui évoque la vidéo, il rougit presque. Et pourtant
Garrett Borns, connu aujourd’hui sous le nom de
BØRNS, n’a pas vraiment de quoi être embarrassé.
Dans cette vidéo, le jeune homme a la voix déjà
affirmée et un aplomb attendrissant. Une vision
d’artiste aussi, qu’il partage aux spectateurs sans
pudeur et tout en poésie.
BØRNS a aujourd’hui troqué sa guitare acoustique
contre une électrique, raccourci son blaze et rallongé
ses cheveux. Il vient de sortir Dopamine, son premier
album. Le résultat d’une quête de soi artistique,
commencée sur la côte Est américaine où le jeune
Garrett a grandi. Son enfance, il raconte l’avoir
passée à construire des forts en bois ou à skier avec
son husky tout en évoluant dans son propre univers
artistique. Le piano, l’écriture de “chansons stupides”
à l’école élémentaire, la magie à 10 ans qu’il pratique
comme un vrai pro : “J’ai appris quelques tours car il y
avait beaucoup de magiciens professionnels dans ma
ville et je me suis dit que je pouvais moi aussi en faire
sérieusement. J’étais un gamin mais même à cet âge,
ce qui m’intéressait, c’était de repousser mes limites.
Essayer de voir jusqu’où je pouvais aller.”
Après le lycée, l’envie de passer derrière la caméra et
une escale de 6 mois à New York, Garrett s’envole de
l’autre côté des Etats-Unis, à Los Angeles. C’est là
bas qu’il finira par composer et enregistrer les 11
morceaux de Dopamine. “Je suis arrivé à Los Angeles
pour une session d’écriture. Je ne devais y rester que
quelques jours”. Mais l’air des plaines californiennes
sied bien à BØRNS. Il affine son style musical, conduit
une Mustang dans les rues de LA et vit dans une
cabane dans les arbres. Une vie de bohème, de soleil
et d’espaces qui se traduit dans chacun des
morceaux de Dopamine, où l’amour se vit comme une
drogue. “La plupart des chansons de l’album ont été
inspirées par cette réaction chimique qui se déclenche
lorsque qu’on cède à la tentation amoureuse et au
désir”, explique t-il.
“Mon inspiration vient aussi des fantasmes ou des
fantaisies que j’imagine dans mon esprit. Je me
demande toujours « Qu’est-ce qui aurait pu se passer
si j’avais fait ça » ou « J’aurais dû lui dire ça » à cette
fille qui est maintenant très loin”.
Dommage pour elle. Tant mieux pour nous.
Propos recueillis par Arièle Bonte

BØRNS

ALT-J
Interview publiée le 22 septembre 2014
Nous avons rendez-vous avec ALT-J pour interview. On l’a commence par à-coups. Une musique
supposée nous détendre installe une ambiance assez louche. Un piano macabre, le style de son
qui te fout la chair de poule. Et puis on finit par faire couper le son. Le silence nous soulage, et les
trois membres d’Alt-J s’enfoncent plus confortablement dans leur canapé en cuir et on s’engouffre
directement dans le coeur de l’album, que l’on va appréhender comme une sorte de langage. In
medias res. Comme ça, de but en blanc, sans préliminaires.

Les vocalises, les bruits primitifs que l’on entend,
notamment au début de votre disque, semblent
donner forme à une sorte langage qui va résonner
jusqu’à la dernière piste. La voix émerge comme un
outil bien particulier…
On essaye d’utiliser la voix comme un instrument à
part entière, il ne s’agit pas seulement d’un chant. On
utilise des mélodies, sans mots. Même si le résultat
donne un titre qui ne contient qu’à moitié des paroles,
ce n’est pas important. Les paroles sont riches, sur ce
disque. Nous avons traversé une période de
transformations. L’enregistrement de l’album a débuté
après le départ de Quill, en février. Il est parti deux
jours avant l’entrée en studio. Cela nous a poussés à
nous remettre en question.
Est-ce une pratique courante en Angleterre ? Vous
êtes quatre membres, vous sortez un premier album
qui marche super bien, et puis vous vous retrouvez à
trois ? C’est ce qui est arrivé à The XX aussi.
On adore leur deuxième album d’ailleurs. Peu importe
que l’on soit trois ou quatre, le spectacle doit
continuer. La séparation a été difficile mais
encourageante. On s’est rendu compte que l’on était
très proches, tous les trois, en tant qu’équipe. C’était
nécessaire, en fait, pour l’équilibre du groupe, même
si on ne l’entendait pas de cette oreille à l’époque.
En lisant les titres des morceaux de votre nouveau
disque, on sent qu’il y a une sorte de voyage tout au
long du disque, avec l’arrivée, le départ, etc.
Nara est une ville du Japon où les cerfs sont sacrés.
Ils peuvent évoluer dans les rues. Le titre Nara parle
des droits des homosexuels. Il parle de la liberté de
vivre avec la sexualité que l’on veut. C’est d’ailleurs
un sujet sensible en ce moment, notamment lorsque
l’on voit ce qui se passe en Russie ces jours-ci. Les
paroles sont bien écrites d’ailleurs (ils se félicitent et
se donnent un high-five).
C’est une analogie avec le cerf à l’intérieur de Nara,
avoir la liberté de faire ce que l’on veut sans entrave…
Vous sentez-vous politiquement impliqués ?
Nous sommes ouverts à l’idée de vivre une vie
tranquille, sans être jugés alors que l’on ne fait de mal
à personne. Nous ne sommes pas un groupe
politique, c’est certain. En Russie, ils utilisent le terme
propagande pour dénoncer la Gay Pride, par
exemple. C’est dingue d’utiliser le terme propagande
pour ça. Surtout venant de leur part.
Qu’essayez-vous de construire avec cet album ?
Je pense qu’il s’agit d’un voyage qui a pour
destination le dernier titre. Nous ne pensions
cependant pas construire quoi que ce soit pendant
son élaboration. On n’a pas particulièrement voulu
écrire un album concept si c’est cela ta question.
Vous prenez votre temps pour faire entrer l’auditeur
dans les morceaux. Les intros sont longues, les
outros aussi. Pourquoi ?
Nous avons volontairement écrit des chansons plus
longues sur cet album que sur les précédents. Les
espaces entre les chansons sont tout aussi importants
que les chansons elles-mêmes, de la même manière
que les moments plus calmes étaient nécessaires, et
aussi importants que les moments énergiques.
Left Hand Free est un des morceaux les plus courts
de l’album. Pourquoi ce choix ?
Ce titre ne durait qu’une minute et vingt secondes, on
a dû le rallonger ! C’était supposé être très bref, dans
l’album. Honnêtement en l’écoutant, je le trouve
toujours trop long (rires).
Une particularité dans le langage : pourquoi le
passage en Français dans Hunger of The Pine [Une
immense espérance a traversé la terre/Une immense
espérance a traversé ma peur] ?
Car c’est cool. Enfin, c’est une citation du livre Lady
Chatterley’s Lover. En fait, je croyais que l’écrivain,
D.H. Lawrence, essayait d’être poétique, en écrivant
en Français. Je ne savais pas que c’était une poésie
française pré-existante. Je pense qu’une bonne
phrase en Français a un très grand potentiel de
rendre bien en chant. Les français sont renommés
pour savoir bien s’exprimer et ça me fait plaisir de
pouvoir profiter de cette langue. Gus parle Français et
peut m’aider pour la prononciation.
Il y a une voix feminine sur Warm Foothills. Est-ce
Feist ?
Non, c’est Liane La Havas et Marika Hacknan. Tu ne
nous crois pas, hein ?! (Ils rient).
Y-a-t-il d’autres invités sur l’album ?
Oui, Conor Oberst des Bright Eyes ainsi que Sivu sont
aussi sur Warm Foothills.
Pourquoi rester si proche de l’album lorsque vous
êtes sur scène ?
C’est vrai que nous reproduisons l’album sans
vraiment faire de variations considérables. C’était un
peu notre but initialement. Nous voulons être aussi
bien que sur l’album. Le groupe Foals, par exemple,
peut se permettre d’étirer ses morceaux jusqu’à sept
minutes et de faire des variations. Ce genre de
confiance se gagne avec le temps. Nous aimons
l’album, donc c’est ce que nous jouons.
Seriez vous surpris d’être parmi les meilleurs albums
ou les pires couvertures de l’année 2014 dans des
classements ?
En tant que trio il est difficile que nous ne soyons pas
satisfaits de ce que nous avons sorti. Oui, je pense
que Pitchfork nous mettra sur la liste des pires
pochettes d’album. “Haters Gonna Hate”, n’est ce pas
? Et, vous CRUMB, vous diriez quoi ?
Propos recueillis par Bastien Internicola
Photographie : Yann Morrison, pour Crumb
Traduction : Bastien Internicola & Jacopo Martini.
Pour les besoins de la mise en page, l’interview a pu être raccourcie ou
écourtée de certains passages.

Sunbathing
WITH MAGGI
by Alessandro Casagrande

Série photo publiée le 29 avril 2013

ZELLA DAY

Interview/Rencontre publiée le 3 novembre 2015
Le premier album de Zella Day raconte l’amour, le désir et la souffrance dans une pop-folk
ensoleillée qui puise ses racines dans le songwriting des 70’s. Rencontre avec une enfant de l’Ouest
américain.
Zella Day est une jeune américaine de 20 ans qui a
grandi à Pinetop, une ville paumée d’Arizona. Là bas,
pas de scène musicale mais un seul coffee shop tenu
par ses parents. Biberonnée à Bob Dylan et “à la
bonne musique” dit-elle, elle gratte sa première
guitare à 10 ans et se produit déjà devant les clients
et amis artistes de sa famille. Le début d’une vocation
pour cette gamine à la blondeur californienne.
“En tant que jeune femme artiste, c’est dur de trouver
des personnes qui croient en toi”
Une décennie plus tard, la demoiselle entame déjà sa
deuxième vie musicale après une première
expérience à 15 ans à Nashville. Le résultat ? Des
morceaux trop country. Et des producteurs bornés.
Mais Zella Day ne voit pas ce premier ratage comme
un échec, tant elle se nourrit de sa détermination.
Tout en restant fidèle à elle-même. “J’étais trop jeune
pour savoir qui j’étais et ce que je voulais vraiment.
Mais je savais ce que je ne voulais pas et la direction
musicale qu’on m’imposait ne me convenait pas”,
explique-t-elle à CRUMB au téléphone, à l’autre bout
du monde. Plutôt que de faire quelque chose qui ne lui
ressemble pas, elle préfère quitter la capitale de la
musique country et à pose finalement ses valises à
LA. C’est dans la Cité des Anges qu’elle va affirmer
son identité, avoir le cœur brisé et construire sa team
musicale.
“A Los Angeles j’ai trouvé des producteurs qui
croyaient en ma vision des choses. C’est une chance
car en tant que jeune femme artiste, c’est dur de
trouver des personnes qui croient en toi, alors que les
hommes dominent l’industrie musicale”, confie-t-elle.
Avec Xandy Barry ou Wally Gagel (le duo de
producteurs derrière des morceaux de Best Coast ou
de Bon Iver), Zella Day va alors composer les 12
morceaux de Kicker et construire un univers à la fois
musical et esthétique, fidèle à ce qu’elle est.
Social Queen
Zella Day n’est pas qu’une chanteuse. En plus d’écrire
ses chansons, elle a une maîtrise parfaite de son
image ou de ses vidéos clips et a le luxe de pouvoir
choisir ses réalisateurs parmi ses amis. Elle manie
également les réseaux sociaux avec une certaine
virtuosité. Un job à part entière, selon elle. “J’y
partage mes voyages et ma vie d’artiste. Mais je
communique peu sur ma vie privée. J’en montre en
fait suffisamment pour livrer une image de moi sincère
et authentique”. Derrière son look de queen des 70’s,
inspirée par Stevie Nicks ou Mick Jagger, Zella Day
est bien un pur produit des nouvelles technologies et
a tout compris au pouvoir du numérique. Pour toucher
un maximum de gens.
“Tu ne sais jamais ce qui va t’arriver sur la route”
Après avoir passé l’été à sillonner les routes des
Etats-Unis, Zella Day va désormais parcourir le
continent européen. Un voyage de plus d’un mois qui
sera immortalisé par l’un de ses amis californien.
“Pour la première fois de ma vie j’ai un public qui me
suit. Aller en Europe est très important pour moi, alors
j’ai envie de pouvoir le partager et de capturer les
moments sur la route, en backstage ou dans les
chambres d’hôtel”, explique-t-elle.
“Tu ne sais jamais ce qui va t’arriver sur la route, tu es
toujours en train d’essayer de tenir le coup. Il y a des
moments durs, où l’on ne sait pas quoi faire de soimême…”
(…) “Mais j’ai rencontré beaucoup de gens
et je comprends le monde d’une nouvelle manière
maintenant. Mon écriture a radicalement changé”, me
confie-t-elle avant de rappeler que le plus cadeau de
sa vie d’artiste est de monter sur scène et d’entendre
les spectateurs chanter ses propres chansons. Ce
dont elle a toujours rêvé. Désormais, sa réalité.
Propos recueillis par Arièle Bonte, par téléphone.

YUKSEK
Rencontre/texte publiée le 7 mai 2013
Deux ans après la sortie de son deuxième album Living on the Edge of Time qui l’avait propulsé sur
le devant de la scène, Yuksek revient avec un projet ambitieux et surprenant, le lancement de son
propre label “Partyfine”. Il nous raconte l’histoire du projet.
On t’a vu travailler sur beaucoup de choses
différentes ces derniers temps, ton projet personnel
sous le nom de Yuksek, plusieurs remixes
intéressants et la production d’autres groupes comme
Juveniles par exemple. Comment est née cette envie
de monter ton propre label en plus de tout ça ?
J’ai toujours travaillé tout seul en studio, enfin,
artistiquement en tout cas. Encore plus sur le
deuxième album où il n’y avait pas de featuring, je
chantais, faisais le mixage, l’écriture, tout ! Et je crois
que je suis arrivé au bout de cette logique. Même pour
le live, j’avais décidé de ne pas le faire en solo et de
recommencer une “vie de groupe” et des
collaborations.
En septembre, à la fin de ma tournée, je me suis
remis à la production pour d’autres gens. J’ai travaillé
sur l’album de Juveniles, je produis toujours The
Magician avec qui j’ai d’ailleurs un autre projet (Peter
& The Magician), j’ai fait des sessions studio avec Oh
Land, bossé avec JD Samson… Du coup, j’ai
vraiment eu envie de développer tout ça. C’est un truc
que l’on me demandait depuis longtemps mais que je
n’avais pas encore eu le temps de faire. J’avais
produit l’album de Birdy Nam Nam ainsi que celui de
Bewitched Hands, mais c’était toujours entre deux
trucs personnels. En septembre, je me suis dit qu’il
fallait que je laisse le champ libre à tout ça et que je
fasse le contraire. Si entre temps j’ai des trucs pour
moi je les sortirais mais l’idée c’est vraiment de
travailler pour et avec les autres désormais.
Comment s’est réellement concrétisée cette envie ?
Quand j’ai produit l’album de Juveniles, on s’est super
bien entendus, on a fait un morceau en plus ensemble
mais on ne savait pas trop quoi en faire. Et puis il y a
eu beaucoup de rencontres, celle avec Oh Land avec
qui j’avais commencé à faire quelque chose, et un
nouveau Peter & The Magician. On avait sorti deux
maxi chez Kitsuné qui ont eu un bon impact. On s’est
dit qu’avec l’image et la notoriété que l’on a, ce ne
serait pas si différent de le sortir nous-même. La
valeur ajoutée d’un label indépendant, que ce soit le
tien ou un autre, est quasiment la même. Alors, oui,
des labels comme Kitsuné renvoient une image forte,
mais je pense que Stéphane (de The Magician, ndlr)
et moi, en avons une aussi. Qui nous est propre. C’est
ça leur logique chez Kitsuné : sortir des nouveaux
projets de mecs pas trop connus et garder un ou deux
groupes pour faire des albums plutôt Pop.

Un label, un concept : où as-tu envie de nous
emmener avec cette nouvelle histoire ?
C’est une démarche vraiment indépendante qui vise à
concrétiser toutes ces collaborations et leurs
extensions en faisant ça moi-même. C’est aussi avoir
l’idée d’un son plus que d’un style. J’aime
énormément de trucs et j’ai toujours mixé des styles
différents. L’idée est de faire quelque chose dans le
genre de ce qu’a pu faire Murphy [aka James Murphy]
avec DFA (LCD Soundsystem, The Rapture), toute
proportion gardée évidemment, un vrai label de
producteur de studio, en somme !
Il y a déjà des noms signés sur ce label que tu
pourrais nous annoncer ?
On va sortir le nouveau Peter & The Magician avec JD
Samson en featuring vocal fin juin. Et je peux aussi
vous dire qu’on va sortir le premier maxi de Get A
Room en septembre. Le reste des collaborations est
un peu secrète !
Le label sera basé à Reims, chez toi ?
Un peu à Reims, un peu à Paris. Le bureau officiel est
à Paris mais le studio à Reims, chez moi, oui.
Tu parles beaucoup de rencontres et de
collaborations, l’EP que tu sors le 13 mai sous le nom
de Partyfine est clairement dans la lignée de ce
concept. Il est composé de deux titres : Last of Our
Kinds avec Oh Land et Truth avec Juveniles. J’ai
personnellement beaucoup aimé ce titre, comment
est-il né et comment s’est fait le choix d’Oh Land ?
J’avais fait un remix pour elle il y a 2 ou 3 ans, je ne
l’avais pas rencontrée mais on s’est toujours dit que
ce serait cool d’arriver à se croiser à Paris ou New-
York et d’enregistrer un morceau ensemble. On a
réussi à se voir à New-York, on a fait une journée et
demie de studio et on a sorti ce titre. C’est toujours
une question de rencontre.
n’ai pas de logique de carrière ou de développement.
Pour l’instant, je suis dans un état d’esprit de
collaboration, ce qui correspond à mon label, mais je
suis toujours en contrat avec Universal, je leur dois
encore un album et il me donne gentiment le droit de
faire tout cela en ce moment et de prendre mon
temps.
Oui, il y aura un troisième album un jour, et à priori je
pense qu’il y aura une majorité de chansons que je
chanterai moi-même parce que j’y ai pris beaucoup de
plaisir sur l’album précédent mais je ne pense pas
que je le ferai complètement tout seul. Peut-être que
j’écrirai les morceaux avec quelqu’un, il y aura une
forme d’échange…
Mon second album, je l’ai voulu comme ça donc
j’assume, mais ça a été hyper dur de faire cet album
tout seul et un peu long aussi. Même s’il s’est fait en 6
mois, ça m’a paru interminable. J’ai vraiment envie
d’être, pour le prochain, dans un truc plus “instantané”
et direct. Dans l’échange, c’est plus simple et je
prends davantage de plaisir à faire de la musique. Je
ne veux vraiment pas planifier tous ces projets ni me
donner une deadline pour le faire, j’ai envie que ce
soit un truc un peu à l’ancienne. J’ai envie de ne pas
le penser.
Propos recueillis par Patricia Fontenas
Photographie : Diane Sagnier.
Merci à Brice Bossavie
Magician, je l’ai rencontré à Calvi il y a 3 ou 4 ans
quand il avait quitté Aeroplane. Je crois qu’il ne
s’appelait pas encore Magician, il n’avait pas encore
de morceaux. C’est son manager qui nous a présenté,
il est venu à Reims, j’ai fait le mixage de son remix de
I Follow Rivers de Lykke Li, on a fait Twist ensemble
et on s’est juste dit « c’est cool continuons ».
Les choses se sont faites comme cela, à vrai dire, rien
n’a été planifié. Je crois que je suis assez fataliste. Si
on doit se croiser on se croise, si les choses doivent
se faire elles se font et voilà. Il y a aussi pleins de
gens avec lesquels j’ai travaillé et avec qui j’aimerais
bien refaire des trucs : Ebony Bones par exemple,
Brodinski ou encore Amanda Blank avec qui j’ai fait le
titre Extraball sur mon premier album.
Des collabs, des remixes, un label, un EP avec des
featuring, ta carrière est-elle mise entre parenthèses
ou aura-t-on bientôt un nouvel album ?
Je ne sais pas du tout et en même temps j’ai toujours
bossé comme ça. Je n’ai jamais su ce que j’allais faire
ni après le premier album ni après le deuxième. Je

STROMAE
Interview publiée le 26 août 2013
Pour la sortie de Racine Carrée, Paul Van Haver, alias Stromae est venu à Paris histoire de mettre
des mots sur le buzz qui l’entoure depuis quelques semaines, tant avec Papaoutai qu’avec
Formidable, en tête sur Itunes. On a peu de temps. La conversation part un peu dans tous les sens.
On commence par parler de cinéma, de manière informelle, de ses siestes interminables en cours
d’histoire du cinéma -le film impossible à regarder par excellence, selon lui : Le Cuirassé Potemkine,
Eisenstein, 1925. Le bruxellois n’hésite pas à s’interrompre de temps en temps pour me rappeler
“Arrête-moi, hein, si je dis n’importe quoi. Je parle trop“. Mais non, mais non. On t’écoute…
On commence par lui faire visionner une vidéo vieille
de cinquante ans : Aznavour, 1962, « Tu t’laisses
aller ». Réactions :
C’est Eric Zemmour ? (Rires). Ah, c’est Aznavour. On
n’invente rien… Je n’ai jamais entendu cette chanson.
C’est le mec qui rentre du boulot qui est bourré, c’est
ça ? C’est quoi le titre du morceau ?
Tu t’laisses aller, Charles Aznavour en live à la
télévision au Québec en 1962. Il sourit. En regardant
la vidéo, il parle très peu. Attentif, il laisse
transparaître certaines réactions. Il rit, fronce les
sourcils, hoche la tête. Le personnage, la diction, le
caractère du chanteur l’intriguent.
On te compare souvent à Brel, il suffit de lire les
commentaires sur tes vidéos.
C’est bien de regarder cette vidéo d’Aznavour. Il n’y a
pas que Brel qui jouait des personnages sur scène.
Toute l’ancienne école le faisait. Piaf le faisait,
Nougaro aussi. Ces artistes avaient une distance par
rapport à leur image personnelle. C’est important.
C’est sain, pour l’esprit, de jouer des personnages. Ce
sont des petits films que l’on joue. Ce n’est pas
étonnant de voir des médias qui sont outrés de voir
Orelsan qui chante Sale Pute, parce que c’est
vraiment scandaleux. Mais il a le droit. Évidemment
que cela se dit. Une meuf a aussi le droit de dire que
c’est un vrai connard, un enculé, tout ce qu’elle veut.
Mais les beaux couples, ce sont des connards et des
connasses et c’est ça qui est beau. C’est la
consommation de l’amour qui s’exprime. J’ai déjà
raconté ça et on m’a rétorqué qu’avant, dans certains
couples, des femmes étaient forcées de rester avec
des hommes, à cause du mariage. Mais l’amour, c’est
un peu ça. Et inversement. Aznavour chante “Tout a
changé”. C’est normal, il ne faut pas s’attendre à ce
que tout reste comme avant. Peut être que je ne le
comprendrai jamais. Au final, à part des relations qui
n’ont duré guère plus que trois ans, je n’ai rien connu.
Cela reflète bien ma façon de “consommer” l’amour.
Il y a des tutoriels pour utiliser Reason sur la toile, un
logiciel qui sert à composer des morceaux. En trois
minutes, tu cliquais sur deux boutons pour en faire un
titre. C’est si facile que ça, pour toi ?
Sur la vidéo, on ne montre pas les nombreuses nuits
blanches de galère. Notamment au moment de
l’écriture du deuxième album. Je calculais tellement,
qu’il fallait que je sois dans un état de fatigue et de
faim telle, qu’au bout de la nuit enfin, je lâche prise et
arrive à être sincère et spontané. À ce moment là,

j’arrivais à trouver des solutions intéressantes.
Tu ne dors plus chez maman ?
J’ai quitté ma mère. Je vis tout seul. Du moins,
j’essaie. C’était il y a un an seulement, j’avais vingtsept
ans. Au bout d’un moment, faut bouger. Ma
génération est quand même composée de vieux
Tanguy. À mort.
Que partages-tu avec la génération d’artistes dont tu
fais partie ?
Ce que tous les auteur-interprètes ont en commun :
nous sommes une bande de démagos.
Tu sors davantage pour t’inspirer ou oublier ?
Les deux ! La sortie, la fête, pour composer le
deuxième album. La musique, le hip-hop sont utiles,
mais la mélancolie compte pour beaucoup aussi, au
delà du côté dance, groove. Il y a autant de
mélancolie dans les discothèques que dans le métro,
au final, car elles représentent tellement l’exagération
de la fête qu’elles masquent une tristesse inouïe.
√ : Racine Carrée, c’est le titre de ton nouvel album.
Cela a un rapport avec les mathématiques ou c’est
simplement pour te la jouer hipster ?
Ce symbole reflète mon côté maniaque, pragmatique.
Malgré le fait que je sois complètement bâtard, j’ai
envie que cela soit noir ou blanc. Je me suis fait avoir
au niveau du contrat de la vie. Au début, on te dit,
d’une manière manichéenne, qu’il y a les gentils et les
méchants. En grandissant, tu te rends vite compte
que c’est hyper compliqué. Et heureusement. Je ne
suis pas une tête en maths mais j’aime bien tout ce
qui est scientifique, pragmatique. J’ai du mal à lire des
fictions, je n’aime pas les romans. J’ai l’impression de
perdre mon temps en les lisant. Les films me saoulent
aussi parfois. Je me dis “putain je vais passer une
heure et demie à regarder un truc qui n’a pas existé“.
C’est totalement prétentieux d’ailleurs, parce que je
passe mon temps à faire cela dans ma musique.
On aborde la notion de Gloire. Stromae évite ce
terme. Il préfère célébrité. Il y a une raison à la
célébrité : le métier de quelqu’un par exemple. La
gloire, qu’il décrit comme “beaucoup plus vide”
n’existe pas, dit-il, car elle n’implique que du positif,
contrairement à la célébrité. On rejoint la visibilité
éphémère que peut offrir twitter à certains… Tu parles
de ce réseau social au petit oiseau bleu sur ton titre
Carmen d’ailleurs.
J’utiliserais plus le mot buzz. C’est du marketing, et
cela a toujours existé. Le buzz devient la promotion de
sa propre personne, à frimer même devant ses potes,
à montrer là où on est parti en vacances. Facebook,
Twitter c’est super, mais je les utilise pour la
promotion de mon métier, c’est tout. Ma vie privée
s’arrête à un moment bien précis : heureusement que
je ne suis pas le même sur scène, dans mes
chansons -qui sont légèrement inspirées de mon
histoire- et à la maison. J’ai un côté politiquement
correct mais une fois devant ma télé, cela fait plaisir
d’insulter les gens qui sont dedans.
Un film t’a marqué récemment?
La merditude des choses (deFelix Van Groeningen,
Belgique, 2009, ndlr). On peut avoir l’impression que
c’est encore une caricature du misérabilisme belge
comme on en voit toujours mais au final, les gens sont
beaux parce que ce sont des cassos. C’est ça la
merditude des choses. C’est aussi ce que je défends
dans mon album. On est beaux parce qu’on est des
frimeurs, parce qu’on est un peu tout ça à la fois. Pour
en revenir à la célébrité éphémère. Je lisais un article
dans un journal, récemment, qui présentait une
analyse sur Le Loft. C’était peut-être dans Libération.
Un des premiers participants déclarait : « Ce qui est
horrible, c’est que c’est la vérité : c’est ce que l’on
est ». Mais pour qui se prend-on pour juger ? C’est
tellement facile de casser du sucre sur leur dos. Au
final, on est tous des connards, autant que les gens à
l’intérieur. La production, les spectateurs n’échappent
pas à la règle. Les personnes enfermées ne font que
refléter ce que nous sommes tous. Si cela fonctionne,
c’est que le concept représente bien notre société
actuelle. Il faut que cela nous serve de leçon.
Personne n’est à l’abri.
Tu as vu Nabila sur le plateau de Canal+ face à ton
compatriote Stéphane de Groodt ?
Ce qui fait chier les gens, c’est de se voir eux mêmes
dans des personnages comme Nabila. C’est une mise
en abîme. Nabila, c’est un résumé du fait de se mettre
en photo sur Facebook. J’ai vu cette vidéo, et j’ai ri,
évidemment, parce qu’elle jouait le jeu. Cela l’arrange
de jouer la simplette. Je ne pense pas être optimiste
en disant qu’elle le fait exprès. Et cela arrange tout le
monde qu’elle soit comme ça. Ce que j’ai aimé, c’est
que Stéphane de Groodt n’était pas méchant. Ce
n’était pas violent. C’est ça qui est marrant, chez nous
: il y a des Nabila, il y a des Stéphane de Groodt.
La langue française : une cause à défendre ?
C’est une aussi belle langue que le flamand, l’anglais,
que toutes les langues du monde. Ca m’énerve
d’entendre dire que le français sonne moins bien que
l’anglais. On n’a pas attendu l’anglais pour savoir
qu’on avait, tous, une richesse culturelle à défendre,
même si l’on est tous mélangés et que tout
s’influence. Mon travail, ce n’est pas d’imiter les
américains. C’est d’être qui je suis, en français.
As-tu l’impression d’être schizo parfois ?
La schizophrénie, c’est ma façon de me
soigner. Quand je joue Formidable ou Papaoutai, ce
n’est pas ma vie. C’est en endossant le rôle de
différents personnages que j’arrive à prendre de la
distance entre ce que je fais et ce que je suis. Dans la
maison de disques, nous sommes plusieurs à
rassembler des idées. Il est malsain de faire porter
une attention telle sur une seule personne, alors
j’espère gagner une certaine distance en me mettant
dans la peau de personnages. Et le tout, mélangé, ça
donne vie à Stromae…
Propos recueillis par Bastien Internicola
Pour les besoins de la mise en page, l’interview a pu être raccourcie ou
écourtée de certains passages.

Interview publiée le 16 mai 2012
Sweet électro venu de L.A et descendants directs des MGMT, Electric Guest a de grandes chances de
gravir les sommets et s’impose déjà comme une des révélations de l’année !
Rencontre avec Asa et Matthew…
Les médias français parlent de vous comme d’un
groupe « électro funk psychédélique ». Vos
instruments et voix sont souvent comparés à Vampire
Weekend ou Two Door Cinema Club et votre musique
est assez trippante pour qu’on vous vous appelle les «
nouveaux MGMT », cela vous plaît ?
Asa : MGMT ! Wow, j’aime beaucoup ce dernier
commentaire ! Enfin, Vampire Weekend ont fait deux
albums vraiment cool mais ils ne sont pas si bien
passé que ça aux US… Quant à Two Door Cinema
Club, c’est un peu trop pop pour moi…
Matthiew : Par contre, j’adore vraiment MGMT !
Asa : C’est tellement génial que les gens croient
autant en nous !
Quel serait le pire groupe auquel on puisse vous
comparer ?
Asa : Ouh ! Je crois qu’on sait tous les deux la
réponse à cette question !
Matthiew : Ah oui ! Quel est ta chanson préféré mec ?
« Pumped Up Kicks » ! (Rires)
Foster The People ? Vous avez tout de même fait leur
première partie…
Matthiew : Oui mais je ne peux juste pas ! C’est une
différence de culture je crois…
Asa : Je sais que cela va sonner bizarre et je crois
que c’est quasiment impossible d’expliquer ça à un
français. Mais la base du problème c’est que Foster
The People est comment dire, « fourbe ». Quand on
connaît toutes les tendances musicales qu’il peut y
avoir aux US, ce qui est sorti ces dernières années,
les différents genres, etc, on a l’impression qu’ils ont
étudié ce qui était populaire et ont fait un parfait
package de ce qui était en vogue pour s’assurer le
succès.
Quel est le morceau que vous auriez rêvé de créer ?
Asa : « Follow », de Danny Richie Havens. C’est lui
qui a ouvert à Woodstock. Son arrivée sur scène en
hélicoptère a marqué tous les esprits. Il y avait
tellement de monde qu’il ne pouvait pas y accéder
autrement ! Une fois sur scène, on lui a dit qu’il devait
y rester 2 heures alors qu’il n’avait que 8 morceaux à
jouer. Il s’est mis à improviser. C’est de là qu’est né «
Follow ». Cela reste, pour moi, le meilleur morceau de
tous les temps!
Derrière la mélodie de vos chansons, les paroles sont
assez dures. Chaque morceau semble être une
critique de la société
Asa : Avec les temps qui courent, les gens ne veulent
pas forcément faire passer un message dans leur
musique, ils préfèrent que le public se change les
idées avec. Mais pour moi c’est essentiel. La musique
est un moyen de se faire entendre sur tous les plans
et ce que je vais dire dans mes chansons compte
beaucoup. Les paroles que j’écris sont travaillées et
pensées pour chaque morceau. Alors oui, j’y parle de
société.
Vous avez une anecdote folle à nous raconter ?
Asa : (Rires) Où trouvez-vous ces questions ? Quand
on était en train d’enregistrer l’album, on est resté
quasiment 2 semaines cloitrés dans le studio avec
Danger Mouse. Il y avait toujours Brian et ses deux
ingénieurs du son. A force d’être ensemble vingtquatre
heures sur vingt-quatre, Brian et moi avons eu
quelques tensions. Un jour, je suis rentré dans le
studio et les deux ingénieurs qui ne sortaient jamais
ont, décidé d’aller chez Starbucks. Je me suis
retrouvé en tête à tête avec Brian, dans une
atmosphère très tendue. Au bout d’un moment, il me
dit : « Asa, viens t’asseoir ! Faut qu’on parle. Il va
falloir qu’on arrive à s’entendre tous les deux si on
veut réussir à travailler ensemble… ». Et là, il me fait
écouter un album entier de David Bowie et il me dit : «
Il faut que t’écoutes ça. Que tu l’écoutes vraiment.
Fais en l’expérience totale ». Et il est parti. C’est peutêtre
la manière de régler des problèmes la plus
incroyable que j’ai connu. Et ça a marché.
Propos recueillis par Marie Polo.
Pour les besoins de la mise en page, l’interview a pu être raccourcie ou
écourtée de certains passages.
Cette interview et les photographies qui l’accompagnent ont
fait l’objet de la couverture du numéro 14 de Crumb
magazine, première version, alors qu’il était une revue
digitale, à feuilleter. Il fut mis en ligne le 16 mai 2012.

ELECTRIC
GUEST

THE DODOZ
Interview publiée le 25 novembre 2011
14h10.Vincent s’approche de nous, l’air penaud. « C’est vous Crumb ? – C’est nous. ». Voix grave,
cernes prolongées, la nuit a été visiblement longue. Quelques bières plus tard, le reste du groupe
nous rejoint. Géraldine, Jules, Adrien et Vincent sont les Dodoz. Depuis leur passage très remarqué
sur la compil CQFD des Inrocks en 2008 et un premier album éponyme applaudi par la critique, les
toulousains ont le vent en poupe. Interview planches à roulette.
Vous vous appelez les Dodoz, un poulet sans aile qui
s’est fait bouffé par tous les autres prédateurs, ce
n’est pas un peu contradictoire avec l’envol de votre
carrière ?
Vincent : (Rires) On essaie justement de le faire
revivre, de le réhabiliter. Sorte de clin d’œil !
Vous avez commencé avec le festival des Inrocks,
puis des premières parties prestigieuses. Difficile de
ne pas perdre les pédales ?
Géraldine : Tout n’a pas été si rapide. La plupart des
gens ne nous ont découvert que récemment mais cela
faisait déjà 4 ans que l’on travaillait sur le projet. Nous
avons fait nos premiers concerts comme on a pu,
seuls sur les routes, en dormant chez des fans de la
première heure qui nous hébergeaient. Quand la
médiatisation est arrivée, nous n’avons fait que
profiter, sans jamais nous demander si ça allait
continuer…
Vincent : A Toulouse, dans notre cocon familial, c’est
beaucoup plus simple de garder les pieds sur terre.
Votre nouvel album Forever I Can Purr a été mixé par
Mike Crossey – qui a travaillée, entre autres, avec
Arctic Monkeys, Foals, Razorlight, ndlr)…
Géraldine : Oui. Mais nous n’avons pas directement
enregistré avec lui. Le tout s’est fait au Vega Studio,
avec notre producteur, Peter Murray et notre ingénieur
du son Bertrand Montandon. Une fois le travail prêt,
nous lui avons tout envoyé. Le mixage s’est fait à
Liverpool et nous avons déjà eu de très bons retours.
Vincent : Ce nouvel album sera plus « réverbéré »,
c’est à dire qu’on a voulu que le disque soit plus large,
que les sons soient enregistrés comme dans une
pièce plus vaste avec des échos. Plus nuancé aussi
mais toujours tourné vers le live.
L’an dernier, les anglais disaient de vous que vous
étiez un groupe plein de « jeunesse dans sa forme la
plus pure ». Vous l’avez pris comment ?
Géraldine : Tant que c’est le bon côté de la jeunesse
qui est exposé : la fraicheur, la naïveté, l’énergie, c’est
génial, on est très fiers. C’est ce que l’on essaie de
transmettre modestement à travers notre musique et
en live.
Propos recueillis par Paul Bousquet et Théo
Moncassin, à Toulouse.
Photographies : Alexis Pech
Pour les besoins de la mise en page, l’interview a pu être raccourcie ou
écourtée de certains passages.

THE SHOES
Interview publiée le 16 juillet 2011
De quoi peuvent converser des journalistes de Crumb et le duo montant The Shoes, par un beau
matin de juillet 2011, place de la République, à Paris ? Questions/récit.
Au delà du travail studio, vous êtes surtout un
groupe de scène…
Benjamin : Oui ! En live, nous sommes quatre, avec la
plupart du temps deux batteurs qui jouent debout
pendant que nous nous occupons de la basse et du
clavier. C’est assez tribal et rythmique.
Guillaume : Nous ne sommes pas de grands
chanteurs mais avons de la force physique à
revendre. Nous avons un rapport assez intime au son
et la scène se joue à l’énergie. Et puis, évidemment
on s’amuse beaucoup à réinterpréter ou réinventer
nos compositions.
Benjamin : Nos chansons sur scène prennent une
tournure rock’n’roll.
Et pourtant, il n’y a pas une seule note de guitare ! Ni
sur l’album, ni en live…
Guillaume : C’est vrai. On a pourtant essayé mais ce
n’est pas un instrument qui colle à notre univers et à
notre esthétique. Je ne sais pas pourquoi.
Comme votre nom de scène d’ailleurs, personne ne
sait…
Benjamin : Nous avons fait une liste de tous les jeux
de mots que les journalistes ont réalisés sur notre
nom. Essayez-donc, CRUMB ! En réalité on s’appelle
The Shoes par un concours de circonstances. Cela
n’a pas plus de sens que ça pour nous.
J’ai vu que vous aviez quand même réalisé une
interview, exclusivement sur le thème des
chaussures…
Benjamin : Imagine que l’on se soit appelé«The Slips»
Guillaume : À la base, « The Shoes » était un nom
provisoire. A l’époque, nous avions un MySpace. On a
mis une photo d’une paire de chaussures dessus et le
buzz est parti. On ne pouvait plus la retirer ni
abandonner le concept. On a été dépassé par la
chose en elle- même !
Aujourd’hui que vous accès à tout, au succès et aux
lives, que vous avez collaboré, travaillé avec et
produit une pléiade d’artistes, y a t’il une personne en
particulier avec qui vous aimeriez collaborer ?
Guillaume : Osmar Souleymane, sans hésitation !
C’est un chanteur syrien complètement incroyable. On
essaie de faire en sorte que cela soit possible. Nous
aimerions continuer à travailler avec Esser aussi, sur
un prochain disque, parce que c’est un super pote et
que ça marche plutôt pas mal entre nous. Maintenant,
les gens qui nous accompagnent sont des proches,
des personnes que l’on connaît. Il n’y a pas de
superstar, ce n’est pas l’intérêt. Nous aimons les gens
de notre génération, être sur un même pied d’égalité.
Une paire mais deux mêmes pieds ! (Rires).
Propos recueillis par Bastien Internicola
Photographie : Diane Sagnier
Cette interview et les photographies qui l’accompagnent ont
fait l’objet de la couverture du numéro 9 de Crumb
magazine, première version, alors qu’il était une revue
digitale, à feuilleter. Il fut mis en ligne le 16 juillet 2011.

Amélie Monti, portfolio

Amélie Monti est une jeune photographe française, originaire de Paris. Autodidacte, c’est après des études de cinéma qu’elle
va se consacre à la photographie avant de rejoindre le collectif Le Garage (direction artistique du groupe 1995 entre autres).
Ses photos, principalement en noir et blanc, s’intéressent aux détails et aux instants de vie, d’un oeil éloigné et curieux. Elle
touche ainsi plus particulièrement à l’inattendu et à la perception du réel.

DISCLOSURE
Interview publiée le 22 mai 2013
Disclosure réinvente la Dance et le UK Garage. Entre la sortie de leur premier EP et aujourd’hui, la
donne a changé. Respectivement agés de 19 et 21 ans, les frères Guy & Howard Lawrence ont connu
ensemble un succès fulgurant ces deux dernières années grâce à des titres tels que Latch ou encore
White Noise en featuring avec AlunaGeorge (lire interview, page 36). C’est leur second EP « The
Face », sorti sur le label précurseur GrecoRoman en juin 2012, accompagné de leur irrésistible remix
de Running de Jessie Ware, qui les propulse sur le devant de la scène et leur permet de tourner aux
cotés de SBTRKT, Annie Mac ou encore Hot Chip. Le duo s’apprête à sortir leur prochain album,
Settle, le 3 Juin prochain et partira ensuite faire la tournée des festivals et des continents.
Pour sûr, de la musique d’été.
Avant Disclosure, quelle a été votre formation
musicale ?
Guy : J’ai commencé à jouer de la batterie quand
j’avais trois ou quatre ans, ensuite vers sept ans j’ai
appris à jouer de la guitare. Je n’écoutais pas de
genre en particulier mais vers seize ans je me suis
intéressé au hip-hop américain. Il y a cinq ans j’ai
commencé à sortir en club et j’ai découvert le
Dubstep. J’en ai tout de suite parlé à Howard, c’est
comme ça qu’on a commencé à “créer” de la
musique.
Howard : Oui, c’est un peu la première fois qu’on
aimait la même musique au même moment. Nous
n’avions pas du tout les mêmes goûts musicaux.
Comme Burial ou Joy Orbison ?
Guy : Oui totalement ! Du dubstep, mais pas du genre
woa-woa-woa (rires), du bon dubstep ! Pas mal de
House music aussi.
Quand avez-vous décidé de former Disclosure ?
Howard : Nous n’avons pas vraiment décidé. C’était
un accident. Nous faisions des beats sur mon
ordinateur pour s’amuser et un jour, à l’école, un mec
a vu ce que je faisais. C’était un prof de technologies.
Il m’a demandé s’il pouvait produire et mixer certains
morceaux qu’on avait fait. Nous en avons fait deux
que l’on a publié sur Myspace. A partir de là, des
labels se sont intéressés à nous…
Votre morceau Latch est resté longtemps dans le UK
Top Ten, de même pour White Noise, décrit comme «
le single le plus hot au Monde ». Vous attendiez-vous
à un tel succès ?
Guy : Non. En fait on voulait faire de la House Music,
un truc assez underground. Nos titres sont vraiment
arrivés dans les charts par accident (rires).
Howard : C’est une histoire assez incroyable. Et on
est toujours dans le Top 40.
Qu’avez-vous appris de votre tournée avec SBTRKT,
Hot Chip ou encore Annie Mac ?
Howard : Nous avons fait trois ou quatre shows avec
Annie Mac, et à chaque fois c’était vraiment très cool
parce qu’elle ramenait principalement des filles ! Les
filles semblent plus apprécier notre musique que les

mecs et aussi mieux la comprendre.
Quand on était avec Hot Chip, leur public ne savait
pas du tout qui on était, cela nous a offert un peu plus
de notoriété…
Guy : Oui et la tournée avec SRTKT (prononcez
« Subtrakt », ndlr) était vraiment cool !
Comment travaillez-vous ?
Howard : On commence généralement pas les
mélodies voire la batterie… Mais cela change selon
les chansons ou les personnes avec lesquelles on
travaille. Impossible de répondre à cette question !
Vous venez tout juste de revenir des États-Unis,
comment s’est passée votre tournée et en quoi le
public américain est-il différent du public européen ?
Guy : C’est surtout la musique qui est différente làbas.
Eux en sont toujours à écouter du Dubstep.
Nous, on écoutait ça il y a quatre ans, tandis qu’ils
sont encore à fond dedans et dans tout ce qui est
mainstream aussi d’ailleurs. On a donc eu un peu de
mal à se faire comprendre, même si nos show ont
tous été complets.
Ce fut le cas à Coachella ?
Howard : Oui ! Nous étions le dernier concert du
festival, c’était énorme.
Parlez-nous de votre collaboration avec
AlunaGeorge…
Howard : Les choses se sont faites très naturellement.
On adore ce qu’ils font. Et la voix d’Aluna est unique.
Ils ont fait notre première partie lors de la tournée du
Royaume-Uni. C’est comme cela que le lien s’est
tissé…
Pourquoi avez-vous nommé votre prochain album
Settle ?
Howard : C’est en fait une blague de notre manager !
Nous étions tous tellement super excités par le succès
de nos morceaux que du coup on s’est souvent répété
qu’il fallait qu’on se calme, d’où le “Settle Down” / To
Settle Down (rires).
Pouvez-vous nous parler de cet album…
Guy : C’est le première fois que l’on travaille avec
autant de voix et de chœurs en même temps en en
arrangements. C’est vraiment un mélange entre la
Dance et le Garage. Il y a un bon équilibre entre les
deux. C’est la seule chose qu’on voulait faire. Le reste
est secret…
Votre meilleur souvenir de scène ?
Guy : L’année dernière, à Ibiza, en haut du vieux
château de l’île ! Il y avait à peu près 5000 personnes,
le soleil se couchait, c’était le soir de mes 21 ans. Une
super soirée d’anniversaire.
L’occasion de rappeler que vous êtes tous les deux
très jeunes… Si un jour tout s’arrête vous avez prévu
de faire quoi ?
Guy : J’aimerais produire du hip-hop, ce serait cool.
En fait, en dehors de la musique je ne sais pas du tout
ce que je ferais…
Howard : Moi, écrire pour d’autres artistes, je crois.
En attendant, la suite à venir ces prochains mois,
c’est… ?
Guy : 39 festivals cet été ! Ensuite on à notre tournée
au Royaume-Uni, en Europe, en Amérique, Australie
et des Dj Sets, un peu partout, aussi.
Pas de date à Paris ?
Guy : Pas pour le moment. Mais nous allons revenir.
C’est sûr. On adore Paris.
Propos recueillis par Lucie de Keyser

LONDON
GRAMMAR
Interview publiée le 16 octobre 2013
Toutes celles et ceux qui ont écouté l’album de Disclosure cet été (lire interview en pages précédentes)
sont tombés amoureux de la voix de la fille qui chante Help Me lose my mind. C’est un fait. Cette fille,
c’est Hannah Reid. Acompagnée de Dot Major à la batterie, au djembé et aux claviers et de Dan Rothman
à la guitare, les anglais forment le groupe London Grammar et ont sorti leur premier album If You wait le 9
septembre, quelques mois seulement après leur EP Metal & Dust. À Paris, avant un showcase à la Fnac
des Halles, le groupe s’est installé bien au chaud dans un café pour nous décrire leur musique. Hannah a
mal à la gorge. Elle parle tout bas afin de s’économiser pour le live qui allait suivre. Les garçons étaient là
pour raconter la suite.
Comment concevez-vous votre musique ?
Dan : de plein de manières différentes, et ça change
tout le temps ! On a passé beaucoup de temps dans
mon garage à jammer ensemble, beaucoup de
chansons sont nées comme cela. Il y a aussi des
chansons qu’Hannah a écrit juste en improvisant au
piano, d’autres qui étaient à la base des
expérimentations électro. A la fin, on a voulu mélanger
tout ça pour en faire un album.
Parlez-nous un peu de l’album et des thèmes que
vous y abordez.
Hannah : Il y a beaucoup de thèmes différents sur
l’album, les paroles sont principalement basées sur
mes expériences personnelles, mes histoires d’amour
mais aussi sur des images qui me viennent à l’esprit
quand j’écoute les compositions que Dan et Dot ont
écrit. D’autres abordent la condition humaine, l’esprit
humain, la psychanalyse…
Comment décririez-vous cet album à quelqu’un qui ne
l’a jamais écouté ?
Dan : Il y a d’abord un côté minimaliste, électro
expérimentale, influencé par des groupes comme
Radiohead, Massive Attack. Il y a ensuite un côté plus
Classic Pop, influencé par ce que Hannah écoute,
Michael Jackson ou Tina Turner par exemple. Toutes
ces influences réunies donnent une certaine
consistance à l’album, une atmosphère que je
qualifierais de mélancolique.

Parlez-nous de la chanson Flickers.
Dot : C’est la chanson la plus ancienne de l’album
avec If You Wait. C’est la première chanson
qu’Hannah et Dan ont écrit avant mon arrivée dans le
groupe et c’est la première qu’on a composée
ensemble. C’est pour ça que tu peux y entendre du
djembé. Elle est assez représentative des débuts de
notre groupe car à cette époque, Dan composait
beaucoup avec une pédale de loop.
Hannah : Je me souviens très bien du moment où on
a écrit cette chanson. C’était dans la chambre de Dan
à l’université, il venait d’écrire (elle commence à
chanter, ndlr) : « The path is long, it’s cold and wet,
desire path will lead you quicker here than the rest »
Dan : Ce ne sont pas vraiment des paroles ! (Rires).
Hannah : Oui mais c’est brillant. C’est de ce petit bout
de phrase que la chanson est née, c’était le thème de
base. On a ensuite écrit le reste de la chanson
ensemble.
Dot : A l’origine, il n’y avait pas la partie plus rythmée
que tu peux entendre au milieu de la chanson, je l’ai
ajoutée en arrivant dans le groupe.
Dan : Quand nous sommes allé en studio, le
producteur de l’album Tim Bran a rajouté d’autres
éléments live comme les Delays Dub par exemple. Il a
joué pas mal de temps avec Dreadzone, un groupe de
dub-reggae, l’influence s’entend sur l’album.
Vous aimez danser ?
Dot : Moi pas du tout. Ce qui est assez paradoxal car
je suis le batteur du groupe, mais ce n’est pas mon
truc !
Hannah : moi j’adore ça et Dan est un excellent
danseur !
Parlez-nous de votre collaboration avec Disclosure.
Hannah : C’était vraiment chouette. C’est notre
manager qui les connait depuis un moment et qui
nous les a présentés. Tout s’est fait très rapidement !
Ils sont très talentueux mais aussi très efficaces. On a
passé que deux jours en studio avec eux, ils
travaillent tellement vite !
Dot : Ca doit pas être facile pour des producteurs
d’électro de trouver ses repères dans un album
comme le nôtre où le chant occupe la plus grande
place, mais ils l’ont fait brillamment et ils sont tombés
littéralement amoureux de la voix d’Hannah en
écoutant If you wait.
En même temps, tout le monde tombe amoureux de
sa voix, non ?
Entretien et textes par Bastien Internicola
Traduction : Maxime Rosenfeld

KLUB DES
LOOSERS
Interview publiée le 12 mai 2013
Regard fuyant mais la confiance de la passion musicale bien ancrée en lui, Fuzati m’observe du coin de
l’œil quand j’arrive. Mis à nu, il n’en reste pas moins déstabilisant. Après quelques minutes de silence,
je m’installe à côté de lui. L’échange commence, il semble sentir ma sensibilité pour sa musique et se
détend, dans une distance chaleureuse. Son amour pour la production prend le dessus et l’englobe
dans une sincérité à l’image de sa musique…
Une musique hors du temps, qui touche à la modernité pour mieux se tourner vers l’intemporel. Fuzati,
embrumé par son travail, construit de toutes pièces son propre genre musical. Parsemé de chaleur et
d’étrangetés attirantes, Last Days remet au goût du jour la musique de chambre. Les samples vocaux te
susurrent à l’oreille et résonnent dans les coins, les bruitages cosmiques imprègnent la tapisserie pour
transformer l’acoustique, le beat masse ton esprit vide affalé dans un fauteuil : Last Days s’introduit
chez toi par la porte secrète…
Last Days avant quoi ?
Avant la mort… (Rires). Last Days raconte l’histoire
des derniers jours du personnage de l’album, un
personnage obnubilé par le fait de faire de la musique
et qui se drogue jusqu’au dernier morceau. Il meurt
d’un arrêt cardiaque dans Goodbye qui finit juste avec
le beat pour illustrer le rythme cardiaque décroissant.
En même temps, ça va avec mon histoire. J’ai
vraiment failli y passer à cette époque. Le truc c’est
que je ne dormais pas, je bossais tout le temps, je
prenais pas mal de “substances” donc à la fin ça a
joué sur ma santé. Dans Last Days, je raconte mon
histoire avec des samples et non en rappant. C’est ça
la différence avec les projets précédents.
Au sujet des derniers albums tu dis que Fuzati c’est
toi, poussé à l’extrême. Alors, sans les paroles
saignantes, qui se cache derrière le son ? Est-ce que
le masque et sa symbolique sont encore de vigueur
sur cet album instrumental ?
C’est moi. Quand j’écris, j’assume tout ce que dit
Fuzati mais c’est simplement des émotions poussées
à l’extrême parce que c’est là où se trouve le plus
intéressant. Mais ici c’est vraiment moi, mes goûts
musicaux. Je l’ai fait il y a super longtemps et je suis
content quand je le réécoute aujourd’hui. Ce qui est

pas mal avec les instrus c’est que je m’en lasse pas et
j’arrive même à en profiter sans me dire que c’est moi
qui l’ai composé. Je l’ai fait que pour moi au départ et
j’apprécie la distance sentimentale que je peux avoir
avec cet album. J’essaie de ne jamais sacraliser la
musique par rapport à une période.
Enregistré en 2006, quel effet cela te fait de le sortir
maintenant, 7 ans après et à la suite d’un album
composé plus tard ?
Je trouve ça super bien. Le rapport que j’ai avec la
musique est très distancié de l’actualité. Moi je suis
surtout dans le jazz, j’écoute des trucs des années 60,
sans tout ce que l’on trouve aujourd’hui autour de la
musique du type promotion-buzz-image. Ce sont des
mots horribles qui t’éloignent de la musique ellemême.
Là avec la distance je ne suis plus dans
l’album, j’en parle mieux, avec du recul. Ca ne m’était
jamais vraiment arrivé et c’est pas mal même si je ne
le ferai pas sur chaque album.
Tu as une relation particulière à la production et ici tu
apparais exclusivement comme un producteur, un
beatmaker. Quel effet cela te fait par rapport à l’image
que le public a de toi, c’est à dire purement un
chanteur/rappeur ?
Je suis beatmaker depuis le départ, depuis 15 ans
mais les gens pensent que c’est Detect qui fait les
sons alors qu’il est mon Dj et mon ingé-son. Au
départ, même avec le Klub des 7 c’était mon album
de beatmaker mais je me suis juste caché derrière le
groupe. Donc moi cela me fait pas bizarre d’apparaître
exclusivement en tant que beatmaker. Ce qui est
marrant c’est que mon travail de rappeur est très
cloisonné de celui de beatmaker, je ne les associe
que pour la finition mais dans ma tête ce sont deux
mondes. Pour Last Days, je me dis « Enfin ! Les gens
ne pourront pas fermer les yeux sur mon travail
sonore ».
Je n’ai pas fait cet album pour montrer ma production
en tant que beatmaker parce que chez moi ce travail
est continu. Il y avait déjà Spring Tales même si c’est
purement un album hiphop pour rapper dessus alors
qu’avec Last Days c’est un projet en tant que tel. Je
ne dirais même pas que Last Days est un album
hiphop mais plutôt un disque de beats. Il n’y a pas du
tout que du sampling. Sur pleins de morceaux j’ai tout
joué, modifié, programmé. Mais bien sûr il y a toujours
mon approche hiphop avec la boucle.
Sur Last Days alors, avec quelles machines as tu
composé ?
Ahah. C’est cool d’enfin parler de musique. Merci
CRUMB. Normalement on me demande juste : «
Pourquoi le masque ? ». Dans Last Days j’ai bossé
essentiellement sur la MPC 2000 XL, un Minimoog et
des machines plus vintages comme le Korg Sigma et
le Fender Rhodes. Ce n’est que de l’analogique parce
que je suis très attaché à ce grain chaud. Tu le sens,
l’album est sale mais dans le bon sens du terme, il
grésille. J’adore quand le son est chaleureux, c’est ma
marque du Klub. Cet album vient un peu de mon
obsession pour le Minimoog et toutes ces ambiances
spatiales…
Tu sembles chercher l’harmonie sonore, un grain
musical particulier sur chacun de tes albums.
Complètement. Ici je suis encore dans la lignée des
précédents projets : un son hyper chaud, hyper Low-
Fi, analogique. C’est pour ça que j’ai toujours Detect
comme ingé-son qui vient nettoyer mes mixs. Parfois
je lui donne des morceaux vraiment trop crades pour
qu’ils soient passables (rires).
A quel point Detect t’a apporté sa patte sur Last Days
?
Par énormément sur ce projet là. Juste que comme on
bosse ensemble depuis longtemps il sait parfaitement
ce que je veux et le grain que je cherche. Donc il fait
le travail de finition au niveau du son en neutralisant
certaines fréquences qui crachaient trop. Il me connaît
bien.
De la manière dont je t’écoute on dirait que tu te
préfères comme beatmaker ?
En fait, oui, je pense. En tout cas plus que comme
rappeur. J’ai toujours rêvé d’être beatmaker depuis
mes 13 ou 14 ans mais j’ai dû attendre de signer chez
Record Makers pour avoir des avances et m’acheter
une MPC. J’ai trouvé un Minimoog pas trop cher en
2005 après Vive la Vie. A partir de ce moment là j’ai
rattrapé le temps perdu. J’avais plein de vinyls prêts à
être samplés et j’étais comme un gosse. C’est là que
tout a vraiment commencé pour moi.
Quand tu composes, comment avances-tu ? Est-ce
l’improvisation qui te fait progresser ou tout est déjà
organisé dans ta tête ?
Comme c’est un travail constant, parfois ça va partir
d’une boucle à partir de laquelle je retravaille ou
parfois c’est un air qui me vient du synthé et qui
m’accroche. Je n’ai pas de méthode type puisque je
compose tous les jours. Ce qui est super c’est que les
instruments t’aident à composer ta musique. Le
Minimoog ca ne fonctionne pas avec des accords
donc il va m’inciter à jouer d’une certaine manière
alors que le Fender Rhodes me permet de me lâcher
sur les accords. L’instrument m’amène à composer
d’une certaine manière, ça fait évoluer ma musique.
C’est pour cela que je pense aussi que les mecs
d’aujourd’hui font souvent tous la même musique. Sur
numérique c’est une machine avec les mêmes
réglages c’est plus difficile d’être original. Alors
qu’avec l’analogique ce qui est intéressant c’est
l’erreur. Par exemple le Minimoog il est hyper
capricieux : ça met 10 minutes à chauffer, parfois tu
joues et il se coupe.
Comme tu nous l’as raconté, il y une histoire solide
dans Last Days, c’est un album qui parle facilement
grâce aux samples mais aussi à un effet roadtrip
passionnant. Est ce que tu associes ta musique à des
images ?
Pas à des images mais plus à des couleurs. C’est un
peu con mais cet album est bleu parce que pour moi
l’espace c’est forcément bleu et cosmique donc je l’ai
illustré par des pianos et du Moog. Tout ce qui est

Fender Rhodes et trompette c’est plus jaune tandis
que le xylophone et les aigues c’est bleu. Non, ma
composition n’était pas associée à des images parce
que sur cet album je raconte une histoire grâce aux
dialogues.
Ces dialogues te sont venus comment ?
C’est une recherche constante. Chez moi c’est un
magasin donc je pioche. Le plus difficile c’est de
chercher plein de bouts différents et de créer au final
une cohérence, de donner l’impression que c’est le
même groupe qui a tout joué, d’en faire ton son. C’est
ça qui est marrant aussi, c’est de faire des collages à
partir de voix de vieux disques et de les détourner
pour recréer une pièce décalée. Sur Wet Dreams c’est
une fille qui rêve de faire du fistfucking alors
qu’évidemment ce n’était pas du tout le dialogue
d’origine (rires).
Comment les utilises-tu dans ta composition, pour
rythmer la musique ?
Je tombe sur une boucle et cela m’inspire tel ou tel
sentiment. Le plus difficile c’est de trouver la bonne
caisse claire qui permet de l’intégrer à la boucle en
donnant l’impression qu’elle a toujours fait partie du
morceau d’origine. Le travail de texture me prend le
plus de temps.
J’ai l’impression que le travail sur Last Days a été
sensiblement différent.
C’est vrai. Habituellement je fais de la musique tout le
temps, par-ci par-là, alors que pour Last Days je me
suis concentré pour faire un album construit. Je l’ai fait
pour moi, sans vouloir le sortir, donc dès le départ ça
allait devenir un album harmonieux. Pour Spring Tales
j’avais simplement réuni pleins d’instrus. Pour La Fin
de l’Espèce il y avait une grosse attente. J’ai un
ressenti beaucoup plus intime avec Last Days.
Avec La Fin de l’Espèce, le Klub a atteint un succès
plus large que précédemment. Comment cela a joué
par rapport à la sortie de Last Days ?
Je sais pas pourquoi mais d’un coup j’avais envie de
sortir Last Days. En le réécoutant il y a pas longtemps
je me suis dit que c’était con de le garder que pour
moi et que cela pouvait intéresser des gens. Mais
avant je ne voulais pas le sortir parce que je savais
que les gens attendaient une suite à Vive la Vie. Les
gens ont tendance à moins faire attention à mes
projets d’instrus alors qu’ils ont autant de valeur pour
moi. Ils pensent que c’est juste un « sideproject ». J’ai
donc attendu pour offrir à Last Days la place qu’il
mérite à mes yeux. Les gens seraient passés à côté si
je l’avais sorti avant La Fin de l’Espèce. Ils n’y
auraient pas fait attention.
Tu nous parles de substances et du son du Klub qui a
toujours été teinté de pop. Comment ont-elles
influencé ta production ?
Aucun effet, c’est des conneries, dans le sens que
c’est un mythe de dire que les substances te font
créer une bonne musique. Simplement que je suis
assez nerveux donc après une grosse journée de taff ‘
de bureau j’avais besoin de ça pour me calmer. A la
limite, parfois les substances te font entendre
différemment la musique, tu te concentres sur un effet
que tu n’avais pas assez remarqué, tu entres par une
nouvelle porte dans ta musique. Mais sinon, quand tu
t’es défoncé, il ne faut pas faire de musique. Tu fais
une boucle, tu crois que c’est mortel et le lendemain
matin t’écoutes et c’est nul. Quand t’es défoncé, t’es
défoncé, c’est tout. Ca ne sert à rien. Ca ne mène
nulle part.
Tu aimes poser le doigt là où ça fait mal. Sur Vive la
Vie c’était l’adolescence et le suicide, avec La Fin de
l’Espèce c’était sur la reproduction et les relations aux
femmes. Avec Last Days, tu cherches à soulever des
questions ?
Sur celui-ci c’est différent. C’était à un moment où je
n’avais plus envie de rapper. Après la sortie de Vive la
Vie, j’avais fait une grosse tournée mais j’étais dans
une période de doutes à cause de l’industrie du
disque qui se cassait la gueule. Donc j’ai compris que
si je voulais bien vivre de ma musique il fallait que je
travaille à côté sinon c’était difficile de ne pas «
corrompre » ma musique. Donc j’ai trouvé un vrai taff’,
à côté et j’avais plus forcement l’envie de rapper. Par
contre, je voulais toujours raconter une histoire, d’où
l’utilisation des dialogues. C’est un album qui est
vraiment conçu pour chez toi. T’ouvres une bière et
t’écoutes de la Musique, au-delà du style hiphop.
Dans le catalogue on trouve une traduction en
japonais. Quel est ton rapport à ce pays ?
L’album sort au Japon mais je ne le savais pas quand
je composais. Les japonais sont vachement dans ce
style de musique cosmique. J’en reviens d’ailleurs et
c’est fou là-bas. Tu trouves tout. Ils ne téléchargent
pas du tout illégalement par respect de la musique
d’abord et ensuite de la loi. Donc c’est un marché où
le disque fonctionne encore, où les japonais font plus
attention à la musique que nous. 70% de la musique
que j’ai achetée sont des vinyls français qu’on ne
trouve plus ici et qu’eux respectent. Il y a du jazz
partout là-bas, tu vas pisser et c’est du Blue Note qui
tourne - c’est leur musique de base. Même quand tu
te balades au supermarché tu as l’impression d’être
dans Cobra. Je pense qu’inconsciemment c’est pour
cela que j’adore le jazz-funk parce que gamin quand
je regardais les dessins animés j’étais face à de la
qualité.
Tes textes portent en eux l’esprit d’écriture française.
Pourquoi ici présenter l’album en anglais ?
Simplement parce que c’est un album qui pourrait être
produit par un allemand ou un anglais donc j’ai voulu
rentrer dans l’universel, à la fois par la langue utilisée
mais aussi par la musique que je partage. C’est un
projet international même si inversement ce serait
ridicule de mettre mais titre en anglais sur le Klub des
Loosers. Au fond, Last Days n’est même pas un
album de beatmaker mais de musique, tout
simplement. C’est fini la séparation de genres que l’on
trouve dans les bacs chez le disquaire. Quand tu fais
de la musique tu fais ce qu’il te plaît, sans
cloisonnement mais avec emprunts. C’est pour cela
que j’adore la musique brésilienne, elle est faite de

fusions. Mais il y aura toujours des extrémistes du
genre, des mecs qui veulent garder des chapelles
comme quand Miles Davis quand il a introduit le
Fender Rhodes dans le jazz.
Tu sembles davantage posé avec ce type de projet
comme Last Days. Tu vas en sortir d’autres du même
genre?
Il y en aura d’autres parce que vers 2006 j’ai
énormément travaillé et donc j’ai au moins deux ou
trois autres albums d’instrus. J’ai fait d’autres beats
très différents de Last Days. J’ai des sons plus funk et
d’autres plus différents. Vous verrez !
T’en penses quoi de conclure la trilogie après Vive la
Vie et La Fin de l’Espèce ?
Oui, j’ai envie de finir cette trilogie même si pour
l’instant je bosse sur le prochain Klub des Loosers qui
ne fera pas partie de la trilogie. Je reste dans le
même univers, avec le même personnage mais je le
présente à travers un autre prisme. Après il y aura le
dernier épisode de la trilogie.
Tu peux nous en dire quelques mots ?
Non, je suis en plein dedans. Je préfère prendre mon
temps, tu comprends…
Après l’adolescence et la trentaine, tu vas parler des
vieux ?
Non non non (rires effleurés). Ce n’est pas si logique
que ça. Non. Je ne suis pas logique.
Interview et propos recueillis par Sirius Epron.
Photograhies : Laurent Nalin, du Collectif 5.6,
pour Crumb magazine

RODRIGO
AMARANTE
Interview publiée le 11 février 2014
Il s’en est passé, du temps, depuis 2008. Little Joy, groupe éphémère, sort un album, fait le tour des
festivals et rencontre un franc succès. Rodrigo Amarante y chantait en anglais des refrains dont
certains d’entre vous se souviennent sûrement. Membre de Los Hermanos et Orquestra Imperial, le
Brésilien s’aventure aujourd’hui en solo dans un album solitaire, dans le bon sens du terme, et
éminemment touchant. Il nous a parlé de ses amis, de ses voyages sur la Terre et en lui même, en
décortiquant certaines de ses chansons.

L’album sort bientôt en Europe. Comment a-t-il été
reçu au Brésil, chez toi ?
Je ne peux pas vraiment savoir. Toutes les
informations que j’ai proviennent de mes amis et des
concerts. Cela dit, je peux dire que j’en suis très
satisfait. Les réactions ont été très intéressantes. Pas
seulement positives. Les gens parlaient des paroles,
des idées et du son de l’album. Ils ont été surpris que
je fasse un disque comme cela ! J’ai eu le retour que
je voulais. En plus, jouer l’album en concert a été très
libérateur car je savais que ça allait être quelque
chose de très délicat : ce sont des chansons qui
prennent beaucoup d’espace, qui ont un certain
dynamisme. Les Brésiliens ont l’habitude de me voir
très bruyant avec Los Hermanos ou même avec
Orquestra Imperial. C’est un autre groupe que j’ai.
C’est dans le style de la musique des casinos des
années 1940. Nous avons commencé il y a
maintenant douze ans. Nous avons fait l’Europe et les
Etats-Unis ensemble. Avec ce groupe, nous avons
apporté un type de musique qui avait d’une certaine
façon disparue au Brésil et aussi un type de samba
qui est la gafieira. C’est un type de samba qui a été
particulièrement influencé par le jazz américain dans
les années 1940 et 1950. J’ai formé ce groupe avec
plusieurs amis dont Seu Jorge, un chanteur
compositeur brésilien qui a notamment travaillé sur un
film de Wes Anderson.
C’est lui qui chante Bowie en portugais ?
Tout a fait. Le groupe était composé de Seu, Caetano,
qui est un très bon ami moi et quelques autres gars de
Rio. Je raconte cela pour te dire que c’était quelque
chose de très différent et que mon nouvel album est
aussi différent par rapport à tout ce que j’ai fait
auparavant. Même par rapport à Little Joy. Ce fut un
véritable défi. Avec Cavalo, au lieu de pousser, je me
retire légèrement. Je crée du silence pour que les
gens puissent se rapprocher. Tout l’album contient
cette idée de silence. En tout cas, j’ai eu de bons
résultats, de bonnes critiques, et mes amis ont
apprécié. Je sens que pour sortir un album comme ça
il faudrait du temps, mais je l’ai laissé sortir. Je ne
parle pas de temps pour atteindre un certain succès,
mais du temps pour que les gens l’écoutent.
C’est bien plus calme que Little Joy, qui était déjà
assez détendu avec une ambiance plus
silencieuse. J’ai lu ta lettre qui expliquait que tu étais
sans meubles… Parle-moi un peu de cette histoire.
C’était une lettre pour Caetano Veloso, peut-être le
plus grand compositeur brésilien. C’est le fondateur
du mouvement Tropicália. Il a une certaine importance
et il se trouve que je suis son ami. Je lui ai écrit une
lettre avant la sortie de l’album. Pendant que
j’écrivais, je parlais avec Devendra Banhart. Nous
sommes partis en tournée ensemble. Il m’a alors
conseillé d’écrire mon propre communiqué pour la
sortie de mon album au lieu de la faire faire à
quelqu’un. D’habitude on donne ce travail à une
personne qui a un certain nom ou une opinion qui
compte. Cela dit, je n’ai jamais trop aimé ce
processus. Alors, quand j’ai réfléchi à ce que j’aurais
dit, je me suis rendu compte que la lettre que j’avais
écrite à Caetano était parfaite. J’ai effacé le “Cher
Caetano” et j’ai changé quelques passages pour que
cela devienne la chronique de l’album. J’écris à
quelqu’un qui est intéressé, qui apprécie les idées et
les concepts. Je me suis dit, “C’est parfait ! Je ne
devrais pas me retenir ou m’excuser car je veux dire
quelque chose en particulier !”. C’est plus ou moins la
manière dont cela s’est déroulé. Vous avez besoin
d’une chronique ? La voilà ! J’étais un peu inquiet que
cela ne marche pas en dehors du Brésil, car il y avait
quand même une sorte d’attente et j’ai voulu
présenter le projet correctement pour ceux qui
auraient eu une certaine envie de savoir ce que je
pense. L’album t’intéresse ? Tu veux savoir ce qu’il y
a derrière l’album ? D’où ça vient ? Eh bien voilà !
Cela a très bien marché dans mon pays. Les gens qui
posaient les questions savaient de quoi ils parlaient et
cela se sentait. Cela a dirigé leur écoute. C’est plutôt
nouveau comme concept, je n’y avais jamais pensé
avant et je suis très heureux de l’avoir fait.
Où as-tu déménagé ?
Aux États-Unis. J’ai vécu au Brésil toute ma vie et j’ai
commencé à y aller pour enregistrer. Je n’ai jamais
imaginé aller un jour vivre aux States, mais j’ai
rencontré Devendra Banhart à Londres quand je
jouais à un festival et nous sommes devenus amis.
Nous avons échangé nos adresses électroniques et
quelques chansons. Il m’a ensuite invité à aller aux
États-Unis pour enregistrer avec lui. À l’époque, Los
Hermanos étaient encore actifs, c’était en 2007 je
crois. J’y suis allé pour enregistrer quelques chansons
mais j’ai fini par enregistrer tout l’album avec lui. Nous
sommes devenus de très bons amis, y compris avec
Nowa, le productueur et ingé-son. C’est aussi l’ingéson
de Cavalo et de Little Joy. C’est d’ailleurs à cette
époque que j’ai reçu un appel de Fabrizio, le mec
avec qui j’ai fait l’album de Litlle Joy. C’est le batteur
des Strokes. Je l’avais rencontré au Portugal à un
autre festival quelques années auparavant. Il m’avait
dit “J’ai cru comprendre que t’es à L.A., on se voit ?”.
On s’est vu et il m’a proposé de l’aider à finir sa
chanson. Cela devait être une seule chanson, mais
c’était tellement facile de composer avec lui qu’au final
c’est devenu un album entier : Little Joy. Ensuite je
suis parti en tournée aux U.S. avec Devendra, puis
avec Little Joy. Au bout d’un moment je me suis
retrouvé avec deux adresses, et je me suis dit “Tu
sais quoi ? C’est génial !”. Après l’album de Devendra,
nous avons décidé de se séparer avec Los
Hermanos. Nous avons fait une pause. C’était parfait
pour moi d’aller sur une nouvelle terre où il faut que je
parle une autre langue. Un autre défi pour moi et ma
musique, aller quelque part où il n’y a pas d’attente de
la part du public et où tout le monde se fout de toi. Je
me disais “Présente ta musique et l’on verra ce qui se
passe”. En tant que compositeur, c’était important
pour moi de le faire.
Parle-moi de ta chanson en français, Mon Nom.
C’est un grand défi d’écrire en anglais. Je parle assez
bien anglais maintenant, mais écrire est quelque

chose qui nécessite une exploration des sens de
chaque mot. Il m’a fallu beaucoup d’entraînement et
d’engagement. Quand j’ai finalement été à l’aise, j’ai
écrit quelques chansons en anglais et j’ai remarqué
que les textes parlaient du processus même de
l’écriture, du fait que j’étais en dehors de ma “terre”.
Ils commençaient à devenir très personnels. Je
voulais écrire une chanson à propos du fait d’être
étranger et j’ai pensé à la langue française. La culture
française entretient une relation d’amour avec ce qui
l’entoure, dans le monde. Le mot exotique vient de la
langue française. Malgré cela, une tension existe en
France, dûe aux conséquences du colonialisme. C’est
ce paradoxe qui m’a poussé à écrire en Français. J’ai
étudié la langue et je l’adore. Ce fut un processus très
intéressant. J’ai commencé la chanson en disant “Je
suis l’étranger” et puis “Je ne parle pas tout à fait
comme toi”. Au début de la chanson, je m’excuse
quant à la manière dont je parle. En écoutant, on
pourrait penser que je parle d’une manière différente
ou que je ne dis pas exactement ce que je voudrais
dire, ce qui peut limiter le degré de compréhension à
la surface du texte. Pourtant, ce sont bien
évidemment des métaphores. La langue française a
particulièrement bien marché. J’ai trouvé le thème, le
nom, Bruno et le mot “brun”, qui peut être lu comme
ayant un lien avec la race et la culture arabe. J’ai
choisi des mots et des choses que peut-être même
les Français n’auraient pas su comprendre. Par
exemple, quand je dis “aubergine”, je parle des
femmes près des parcmètres qui portent des
vêtements violets. Quand je dis “plate-bande”, je parle
du trottoir. Tu sais à Paris, il y a ces petits endroits
avec les fleurs sur les cotés. Je dis que je viens de
cela… Je parle aussi un peu du film Being There de
Hal Ashby avec Peter Sellers, son personnage est un
jardinier. Le propriétaire du territoire sur lequel il
travaille meurt et les gens le prennent pour le
propriétaire. Ainsi, ils pensent que c’est un ‘economic
adviser’ et ils l’écoutent en tant que tel alors que ses
discours sur le jardinage ne sont pas des métaphores.
Il parle des saisons, où investir, où planter mais les
personnes ne savent pas qu’il parle littéralement de
jardinage. C’est une autre idée présente dans la
chanson. Le personnage n’est pas au courant du
message qu’il donne, voire dans l’autre sens : je
m’excuse et je ne suis pas conscient du sens de mon
message. Cela a été dangereux pour moi, un autre
niveau de danger. J’aime beaucoup la France. J’aime
le cinéma français, la littérature et je voulais en faire
partie. C’était également la langue parfaite pour cette
chanson, pour ce thème.
Mais tu n’as pas commencé à partir de rien n’est-ce
pas ? Tu avais étudié le français auparavant ?
Oui et j’étais amoureux d’une Française, ça aide. Une
autre chose qui m’a encouragé c’est le projet
Brassens. On m’a proposé de traduire Brassens et j’ai
accepté ! Mais je n’aurais pas pu le faire tout seul,
alors j’ai invité un ami français. C’est un batteur qui
joue avec moi dans Orquestra Imperial. Je
connaissais la musique de Brassens auparavant et
j’avais étudié le français à travers les paroles de ses
chansons. Mais je ne suis pas français et il y a
tellement de niveaux d’humour et en général des
choses que le chanteur portait dans ses textes. Mon
ami m’a parlé de la vie de Brassens, sa relation avec
sa femme, d’où il vient, ce qu’il se passait en France à
l’époque. Je me suis demandé comment est-ce que je
pouvais préserver les rimes et le prodige du discours.
Comment souligner le sens de l’humour et comment
le faire de manière élégante tel que le faisait
Brassens. Il le fait de manière très élégante et du
coup cette traduction a été un défi. J’ai adoré le faire !
Au début, c’était un peu “Merde ! C’est trop
compliqué. Je ne vais pas pouvoir finir tout ça”, mais
aujourd’hui, je suis très satisfait du résultat ! J’ai mis la
chanson en français sur l’album.
J’ai commencé à écrire une autre chanson en
français. Je l’aime bien. Je veux que mon français
s’améliore rapidement. J’ai découvert une dimension
positive et intéressante dans le fait de ne pas écrire
en portugais. Je ne peux pas utiliser le vocabulaire
comme outil pour créer des couches au-dessus d’un
concept et ainsi faire passer un message qui n’est pas
très clair ou vrai. Si j’écris en anglais, je dois être
propre dans mon écriture, je dois savoir ce que je dis.
Bien sûr, c’est pareil pour toutes les langues. Mais en
portugais, par exemple, il y a une chanson que j’ai
écrite pour Los Hermanos qui traite du discours de
l’homme envers la femme. C’est toute une chanson
avec un langage très compliqué, mais qui au final ne
dit rien. Toute la chanson est une excuse pour n’avoir
rien à dire mais le tout est masqué par un langage
très flamboyant. C’est une métaphore de la rationalité
masculine qui est mise en opposition à la femme. La
femme exprimerait davantage de sentiments sous
forme pure alors que le discours flamboyant et le
vocabulaire appartiendraient au profil du mâle. Donc
je peux faire cela en portugais, mais pas en anglais.
Pas encore.
Mais en étant dans le pays, tu peux apprendre les
petites subtilités de la langue.
Oui c’est vrai. J’adore les langues. Je travaille très dur
pour comprendre. S’il y a un mot que je ne connais
pas, je demande ce qu’il signifie. Je collectionne des
dictionnaires et j’adore rechercher les origines des
mots. C’est amusant.
Tu penses qu’il y aura un retour avec Little Joy ?
Bien sûr ! Il y a une grande possibilité. Fab et moi
sommes allés en tournée avec Devendra cette année,
aux Etats-Unis ainsi qu’en Europe. Nous avions un
certain nombre de chansons que nous avons
commencé à écrire mais qui ont été mises de côté.
Nous avons commencé à les reprendre en main. Fab
a écrit plusieurs chansons, c’est un compositeur
incroyable. Il est très bon. Il me montrait ses
chansons et nous étions en train de recommencer à
collaborer mais les Strokes l’ont rappelé. On s’adore,
et nous avons toujours pensé que ce serait dommage
de n’avoir qu’un seul album de Little Joy.
Propos recueillis par Bastien Internicola.
Traduction : Jacopo Martini
Photographie : Yann Morrison, pour Crumb

JACKSON
SCOTT
Interview publiée le 17 décembre 2013
A cinq millions de visiteurs uniques par mois, c’est aujourd’hui Pitchfork qui fait et défait les
réputations musicales sur le web. L’histoire de cet américain d’à peine vingt ans, Jackson Scott en est
la dernière illustration en date. Un morceau posté sur Soundcloud et c’est le graal : That Awful
Sound est nommé ‘Best New Track’ par le site américain. En quelques mois, il signe chez Fat
Possum, sort son premier album Melbourne et entame une tournée. Nous sommes donc partis à la
rencontre de ce petit génie à l’air désinvolte. C’était au Trabendo, juste avant l’ouverture du Pitchfork
Festival de Paris, où il était justement programmé.
D’où viens-tu, Jackson ?
J’ai grandi à Pittsburg en Pennsylvanie et je vis à
Asheville en Caroline du Nord depuis quelques
années. J’y ai rapidement arrêté la fac. A Pittsburg
c’était un peu vide. Il n’y avait pas grand chose à faire
à part traîner avec des potes et donc faire de la
musique. Je pense que certains me trouvaient
ennuyeux mais je m’en fichais un peu. J’avais juste
envie de faire de la musique, le reste je m’en foutais.
J’ai apprécié les grands espaces, les forêts. C’est un
peu pareil à Asheville d’ailleurs. Je ne suis pas
vraiment un mec de la ville.
En arrivant à Asheville, tu t’es connecté avec la scène
locale?
Oui, j’ai monté un groupe. On jouait des trucs. Mais je
ne sais pas si on peut dire qu’il y a une « scène » là
bas, c’est juste des kids qui traînent et c’est cool. Tout
le monde à la fac était dans cet esprit-là. On jouait, on
chantait, personne ne jugeait. C’est vraiment un
endroit où tu peux faire ce que tu as envie de faire.
J’aime vraiment bien Asheville.
Quand as-tu commencé la musique ?
J’ai commencé à faire de la musique quand j’avais

huit ans. J’ai commencé par apprendre le piano, puis
la guitare et la batterie quand j’étais ado. Je ne sais
pas, j’ai toujours aimé faire de la musique.
Qu’est-ce qu’écoutaient tes parents ? Tu as été nourri
aux Nugget’s je crois (des compilations, ndlr) ?
Ils ont tous les deux grandi dans les sixties donc il y
avait beaucoup de musique de ce genre à la maison :
Jimmy Hendrix, les Beatles. Ma mère, c’était surtout
Hendrix et les Stones. J’ai aussi un grand frère donc
j’écoutais pas mal sa musique aussi, et les trucs qui
passaient à la radio dans les nineties. Je me souviens
qu’on avait Nevermind de Nirvana en cassette, on
l’écoutait tout le temps dans la voiture. Ça m’a
probablement influencé.
Comment as-tu réagis quand Pitchfork t’as nommé
« Best New Track » et quand tu as signé chez Fat
Possum dans la foulée ?
Je ne m’y attendais pas. Je voulais juste sortir mon
truc sur vinyle, peu importe la taille du label. J’ai mis
mon morceau en ligne et je l’ai envoyé un peu partout.
Je n’avais pas tellement de réponse de la part des
labels mais les gens ont commencé à écrire dessus.
Notamment Pitchfork, ouais, qui l’a nommé « Best
New Track ». D’un coup j’ai juste été submergé par
les emails. J’ai choisi Fat Possum pace que je suis
fan depuis très longtemps et puis ça avait l’air d’être
des mecs cools !
La « hype » autour de toi, est donc arrivée très vite.
Comment tu te sens par rapport à ça ?
J’en suis très content ! Je suis conscient qu’en
général ça n’arrive pas aussi vite, c’est plus long pour
la plupart des gens. Je suis juste vraiment heureux de
pouvoir partir en tournée et tout ce qui va avec. Mais
ça ne veut pas dire que ça vient de nulle part. J’ai
travaillé dessus pendant deux ans ! J’ai essayé de
faire les choses sérieusement et c’est vrai, tout s’est
enchaîné rapidement…
Parlons un peu de tes influences. Comme le chante
Television Personalities dans I Know Where Syd
Barret Lives, tu sais où vit Syd Barret ?
(Rires) Il y a une tonne de musiciens que j’aime et
Syd Barret est l’un deux. Je suis très admiratif, il force
le respect. Et pas juste pour ses frasques et les
moments où il devenait fou ! Vraiment, son attitude et
le fait qu’il n’ait pas besoin de faire des longues
interviews pour expliquer ce qu’il fait me touche
beaucoup. Tu le comprends juste en l’écoutant ! Il a
toujours parlé pour lui-même. Ceci dit, je peux aussi
être inspiré par à peu près n’importe quoi. Je peux
écouter une Pop Song à la radio et me dire : « Tiens,
il faudrait que j’essaye de faire ça ».
Tu écoutes beaucoup de musique mainstream ?
Ça dépend de ta définition du mainstream ! La plupart
du temps non, mais ça m’arrive de temps en temps,
comme tout le monde. J’ai rien contre, si je trouve
qu’un morceau est bon…
Un exemple ?
Ok, c’est un peu absurde mais le plus récent… Le truc
c’est que cela ne doit pas être pris hors contexte ! Ce
n’est pas comme si je restais là, assis à l’écouter mais
je dirais le morceau de Robin Thicke. C’est la
première Pop Song que j’ai bien aimée depuis un
moment. La mélodie est vraiment bien. J’aime
vraiment bien l’aspect mélodique dans la musique.
C’est vrai, tu as beau sonner très Lo-Fi, tes morceaux
sont très mélodiques. C’est un choix de ne pas avoir
du tout poli ton son ?
Oui, c’est en partie dû au fait que j’aime enregistrer en
analogique. J’aime bien l’analogique en général, en
photo, en cinéma… J’ai commencé à enregistrer en
numérique et puis un de mes amis a acheté un quatre
pistes. J’ai aimé comment cela sonnait et la manière
de faire. Je l’ai gardé.
Pourquoi avoir intitulé ton album Melbourne alors ?
C’était le nom de la maison où on vivait. Enfin, c’est le
nom de la rue et on appelait la maison comme ça,
genre « On rentre à Melbourne ! ». Comme j’ai tout
enregistré là bas, j’ai trouvé que ça collait bien.
T’as pris des acides quand tu enregistrais ton album ?
Oui, effectivement. J’en ai pris quelques fois. Il y a un
ou deux trips qui m’ont influencé. Il y a une fois
notamment, il y a quelques étés, où j’ai pris de la
mescaline. Je ne l’ai plus refait depuis mais c’était
vraiment cool. Un peu comme, je n’sais pas, ça m’a
inspiré. Pas tant pour les choses auxquelles tu
penses que celles que tu vois. Ça peut t’amener à des
idées très intéressantes. Mais je dois dire que
Melbourne ce n’est pas vraiment ça. Je n’étais pas
tout le temps à coté de la plaque ! Ça m’est arrivé de
fumer de la Weed ou de boire, mais la plus part du
temps j’étais sobre et concentré. Je voulais créer un
album que peut-être tu pourrais écouter sous drogues
mais on a jamais besoin d’être défoncé pour créer,
c’est pas vrai.
Tu as l’air de rejeter cette étiquette d’Indie Boy.
Pourquoi ?
Parce que je ne vois pourquoi on dit cela de moi.
Effectivement, je suis sur un label indé mais certains
ont l’impression que j’ai été nourri à l’Indie Music, que
je n’écoutais que ça. Cela m’arrive bien sûr, mais
j’écoute autant de rock que de rap. C’est juste cette
connotation que je n’aime pas. Je n’ai vraiment rien
contre en fait. Ca peut être rapidement tentant du
coup de me catégoriser comme cela.
Tu es très jeune et tu divises la critique. Un partie voit
en toi quelqu’un de talentueux mais encore un peu
jeune, l’autre pense que tu es juste très malin. Alors,
branleur ou génie ?
Je pense que mon jeune âge alimente tout ça. Je
comprends pourquoi les gens le prennent en compte
mais ça n’a jamais été important pour moi. Regarde
Syd Barret, il n’avait que 21 ou 22 ans quand il a
commencé ! Ca m’est complétement égal en fait.
Propos recueillis par Quentin Monville.

HAIM
Rencontre/Texte publiée le 22 décembre 2013
Notre coup de cœur aux cheveux longs que nous suivons de près, déjà, depuis trois ans (avant même le
buzz provoqué sur les internets cette année) : le charmant trio des sœurs Haim, auteur d’un premier
album respirant le soleil et la bonne humeur, était de passage à Paris au début du mois pour un concert à
guichet fermé à la Gaîté Lyrique. On n’a pas pu s’empêcher de sauter sur l’occasion pour enfin leur poser
quelques questions.
D’emblée, dès notre rencontre, les HAIM
admettent sans concession leur admiration pour
la culture française.
“Il y a quelque chose de très charmant, que ce
soit avec la chanson ou la mode, en France. Je
crois que ça séduit encore plus quand on vient
de Californie. Gainsbourg, Piaf, Françoise Hardy
ou Brigitte Bardot ont vraiment écrit des titres
magnifiques”.
Il se pourrait aussi que Phoenix ait participé à
renforcer leur culte, puisque les demoiselles ont
ouvert leurs concerts dans toute l’Europe. Este,
chanteuse et guitariste, rappelle qu’elle avait
rencontré le groupe lorsqu’elle accompagnait
Julian Casablancas sur scène puis, “Il y a trois
ans, on s’est faufilées dans les backstages après
leur concert à Santa Barbara. Je ne pensais pas
qu’ils me reconnaîtraient, je ne leur avais
d’ailleurs jamais dit avoir un groupe et dès qu’ils
nous ont aperçues, ils m’ont accueillie à bras
ouverts. Je suis triste qu’ils soient encore en
tournée, j’aurais voulu faire la fête avec eux, on
n’a jamais fait de vraie soirée à Paris”.
Leur attachement pour le groupe date… Tout
comme leur amour pour les Vampire Weekend
(lire interview page 14) ou encore The Strokes,
ce qui explique en l’occurence pourquoi elles ne
réalisent toujours pas avoir partagé de si beaux
moments avec chacun d’entre eux. Un de leurs
plus beaux souvenirs était un concert de
Florence and The Machine, “devant des milliers
de personnes, Florence a la capacité de rendre
ces shows toujours plus intimes, on avait
l’impression d’être vingt, on a beaucoup appris
en l’observant”.
Avec Days are Gone, leur année 2013 fut un
véritable tourbillon d’expériences nouvelles. Este
se rappelle qu’elles ont toutes les trois pleuré sur
scène la première fois qu’elles ont entendu la
foule chanter les paroles de leurs chansons.
“Glastonbury était un moment vraiment intense.

En plus de notre concert, on a vu des groupes
merveilleux, on a même chanté avec Primal
Scream sur la grande scène, juste avant que les
Rolling Stones arrivent. Mais la sortie de notre
album restera gravée dans nos mémoires. Un
premier album représente une chance unique et
on en est très fières. On a vraiment l’impression
d’être dans un rêve depuis plusieurs mois, donc
on essaie d’en profiter au maximum”.
Même en tournée, elles continuent à écrire des
paroles, qu’elles enregistrent dans leur
téléphone…
“Il faut rester créatif pour garder de la fraîcheur
dans nos titres”. Fraîcheur ou le mot parfait pour
définir ce premier bijou qui en aura fait danser
plus d’un cette année, puisque chaque morceau
contient un potentiel “tubesque” remarquable qui
n’a pas échappé à Georgio Moroder, publiant un
remix il y a une dizaine de jours de leur premier
single Forever.
Insouciant, le trio, invité un peu partout pour leur
promo, a repris lors de l’enregistrement de
l’émission de radio BBC Live “Lounge Wrecking
Ball” de Miley Cyrus, peu de temps après la
prestation controversée de l’ado Disney aux MTV
Music Awards. Alana, la cadette, trouve cette
controverse exagérée, “En France ca ne vous a
pas choqué tant que cela, non ? Je la trouve
vraiment cool Miley, elle semble vraiment
s’amuser quand elle est sur scène, c’est tout ce
qui compte. A 20 ans, personne n’a envie de se
faire dicter sa conduite, elle a raison de faire ce
qu’elle veut”.
Este chantonne Hold On We’re Going Home et
nous avoue que c’était ce titre qu’elles
souhaitaient reprendre lors de leur passage à
l’émission de la BBC, mais les Arctic Monkeys
s’étaient ré-appropriés le morceau quelques
jours plus tôt. D’ailleurs unanime, la belle famille
revendique comme meilleurs albums de l’année
Yeezus de Kanye West et Nothing Was The
Same, de Drake. Surprenant ou pas. Pas le
même genre mais la même origine
géographique. West Coast quand tu nous tiens.
Alice de Jode

PORTFO
LIO MIR
ANDA L B
ARNES 2
Série photo publiée le 11 mars 2014

MIKHAEL
PASKALEV
Interview publiée le 21 novembre 2014
Dans la lignée de Mac Demarco et Devendra Banhart, voici Mikhael Paskalev , qui débarque avec un
premier album en Europe et un premier EP aux Etats-Unis. Un gars tranquille, gentil et amical, qui sait
que les amateurs de musique n’en peuvent plus de ces machine-stars que l’on voit partout mais
attendent des concerts intimes d’un mec qui pourrait être et qui est, en fait, notre ami. Au début, il
nous regarde avec nostalgie : “Cela fait un mois que nous sommes en tournée.” Juste avant de
monter sur scène, il ajoute: “Je commence à avoir envie de rentrer à la maison.” Il nous a parlé de sa
musique et son concert nous a montré son pouvoir d’être seul sur scène, courageux et mélancolique.
Quel est le morceau de ton album, What’s Life
Without Losers que tu préfères?
J’aime beaucoup Jive Babe, je trouve qu’elle a une
énergie particulière. I Remember You, aussi, je l’ai
enregistrée et écrite avec mon producteur. C’est la
première fois que je collaborais avec quelqu’un
d’autre sur l’un de mes titres.
Où l’as-tu enregistré ?
Surtout à Liverpool. Au début, j’ai été deux semaines
dans un studio en Norvège, mais cela me dérangeait
de regarder l’horloge au dessus de moi qui me
narguait en me rappelant tout l’argent que j’étais en
train de dépenser. Du coup j’ai enregistré dans
l’appartement de mon meilleur ami – qui est ingé-son
– et dans une salle de gym à Liverpool. Pas
seulement pour avoir un son Lo-Fi mais aussi parce
que c’était plutôt agréable, plus humain.
L’album ressemble à un livre… Il y a plusieurs
personnages : Jenny, Jonny, Susie, Brother, etc. En
apprenant l’hsitoire de ces personnages, on apprend
aussi des choses sur toi. C’était voulu ?
Non (Il rit). Je pense que quand je serai plus âgé, que
j’aurai plus d’expérience, je pourrais peut-être viser
quelque chose de précis à travers mes créations.
Pour l’instant, ce n’est pas assez spontané. Cela ne
m’intéresse pas d’écrire une chanson en pensant déjà
à la prochaine. Pour revenir sur l’idée du livre, j’ai
justement toujours pensé que cet aspect était un

défaut de l’album. Le premier album est toujours un
regroupement un peu flou de ce qui a été écrit
pendant plusieurs années. Par exemple, le dernier
album de Metronomy– Love Letters– est très défini : il
est parfaitement cohérent musicalement et
conceptuellement (lire interview pages 44 et 50).
De quoi parle exactement le titre Jailhouse Talk ?
C’est un échange entre trois personnages. Jenny et
Johnny voudraient être ensemble. Ils ne peuvent pas
car Johnny est en prison pour meurtre. Il y a aussi le
gardien de la prison qui est le troisième personnage. Il
représente toutes les raisons pour lesquelles Johnny
est en prison. J’aime penser que cela est presque
comme un scénario avec des répliques pour chaque
personnage. La chanson est inspirée d’une scène de
Paris, Texas de Wim Wenders.
Tu as étudié au Liverpool Institute for Performing Arts.
Est-ce que tu as réalisé ce dont tu rêvais ?
J’osais même pas rêver d’un truc comme ça ! A
l’époque j’étais guitariste et il n’y avait que cela qui
m’intéressait. J’ai eu une tendinite aux deux bras qui a
durée trois ans, j’ai donc été obligé de repenser ma
manière de voir la musique. J’ai commencé par dédier
beaucoup plus de temps à l’écoute des paroles, des
mélodies et des histoires.
En tant qu’ancien étudiant en musique, te sens-tu
différent par rapport aux autres musiciens qui
t’entourent ?
A vrai dire, en ce moment, je suis en tournée avec des
musiciens de Juliard et Berklee (deux collèges de
musique, ndlr). Ils sont tellement habiles et
intelligents, musicalement parlant. De mon côté, ça
n’a jamais été quelque chose que j’ai vraiment
recherché. Je n’ai pas l’impression que les autres me
regardent différemment dans la mesure où ma
musique et ma personnalité n’ont rien à voir avec un
style académique et scolaire.
As-tu envie que l’on se souvienne de toi,
musicalement, dans 100 ans ?
Je m’en fous. Certains artistes racontent comment ils
ont aidé des gens grâce à leur musique. Je n’ai jamais
fait des chansons pour les autres, je les fais pour moi.
Quand les gens aiment ce que je fais, c’est la plus
belle chose au monde mais ce n’est pas mon but. Je
pense que ca n’a jamais été le but de qui que ce soit
de faire partie de l’histoire de la musique. Au
contraire, je crois que c’est toxique de penser de cette
façon. Cela dit, ça ne me dérangerait pas que l’on se
souvienne de moi (rires).
Tu connaît des artistes qui vont entrer dans l’histoire ?
Oui. J’ai de très bons amis extrêmement talentueux
comme Jonas Alaska et Billie Van. Je pense qu’Avi
Buffalo est un des meilleurs compositeurs de notre
époque, il est aussi très bon en concert.
Phosphorecent est aussi très cool, même s’il ne fait
pas forcément quelque chose de spécial, les histoires
et les mélodies sont ce qui il y a de plus important.
Pouvu que ce soient elles qui restent.
Propos recueillis par Martin O’Pojac.

NATALIE
PRASS
Interview publiée le 27 avril 2015
Après avoir conquis les États-Unis par un son venu d’un autre temps, Natalie Prass sort enfin son
premier album éponyme en France. Intrigués par la capacité de ce disque à remettre au goût du jour
une production orchestrale et subtile, nous sommes allés à sa rencontre. Elle évoque Austin,
Nashville, Boston et sa figurine porte-bonheur, Godzilla devenue l’emblème de ses tournées.
Un retard sur un planning d’interview peut parfois avoir du bon : c’est-à-dire arriver pile pour
l’enregistrement d’une session live. Avant même de s’assoir pour discuter avec l’artiste, on comprend
rapidement qu’elle a plus d’un tour dans son sac. Si l’album pourrait être une synthèse d’un certain
folklore musical américain -soul, folk et une touche de bonne vieille comédie musicale de Broadwaylorsqu’il
est interprété avec deux guitares, c’est un accent de blues brulant qui en ressort, contrasté
par la voix mutine de Natalie Prass. Les deux titres nous font voyager dans le mythe d’un American
Dream intemporel où les notes de guitare semblent résonner perpétuellement dans les grandes
étendues désertiques de la Sun Belt. La plupart des chansons de Natalie Prass ont été écrites après
une rupture. La prouesse du travail de son auteur réside dans sa capacité à éviter le risque de la
plainte lourde et chargée de pathos. Natalie Prass offre plutôt un instant de volupté, qui n’a pas
échappé aux médias américains criant au talent.

L’artiste vient ensuite s’assoir à nos côtés. Elle se
relève pour aller chercher un objet qui s’apparente de
loin à un jouet en forme de dinosaure, laissé près de
sa guitare.
Serait-ce Godzilla ?
C’est plutôt un faux Godzilla, vu qu’il a été fait en
Chine, le vrai est japonais (rires). Je l’ai trouvé dans
un marché en Angleterre, je le ballade beaucoup
depuis : sur scène, partout et tout le temps.
Tu as donné plusieurs concerts au festival South by
Southwest le mois dernier, que retiens-tu de cette
experience ?
C’était déjà il y a si longtemps ? (Rires). Je n’en
reviens pas. C’était vraiment incroyable car nous
avions tourné en Europe juste avant, le choc
thermique fut violent ! La chaleur était insoutenable et
mon corps n’y était pas préparé. Ca grouillait de
monde et une sorte de bruit permanent arrivait de
toute part. Pour nos derniers shows, j’étais d’humeur
à jouer très bas, pour donner du répit à mes oreilles
tant il y avait de la musique venant de partout dans la
ville. Je me demande vraiment comment les gens ont
supporté ça.
Là-bas, on ne peut pas vraiment savoir l’impact que
l’on a sur les gens, il n’y a pas de balances et les
shows sont très courts. Certains furent vraiment
épiques, mon clavier m’a lâché pour plusieurs
concerts donc j’ai dû jouer de la guitare. Au final, le
concert que je pensais le plus catastrophique a été le
plus commenté par la presse et de manière positive,
ça m’a surprise. Le contraste avec notre tournée
précédente avec Ryan Adams où nous avions des
balances d’une heure et jouions dans des salles
magnifique ont rendu l’expérience encore plus
absurde.
Comment t’es tu retrouvée à Nashville pour écrire cet
album ?
Habiter à Nashville ne m’avait jamais attiré
auparavant. Je n’avais jamais écouté de la musique
country, cela ne m’intéressait pas. Lorsque je me suis
installée à Boston je me suis sentie misérable
pendant un an. L’ambiance de la ville était trop
sombre à mon goût et j’y avais très froid. Mon père a
eu un nouveau job à Nashville. En allant lui rendre
visite j’y ai retrouvé deux amis de Virginia Beach (sa
ville natale, ndlr) qui m’ont baladé dans la ville. J’ai
tout de suite aimé l’atmosphère très cool. C’est une
ville de musiciens et à l’époque, je souhaitais vraiment
apprendre le plus possible sur ce qu’implique être un
songwriter et un musicien.
Quelles influences la ville a-t-elle eu sur ton disque ?
Je n’écoute toujours pas de country, ça n’a jamais été
un type de musique avec lequel je sens une
connexion. Mais tout de même, il y a des chansons
vraiment superbes que j’écoutais beaucoup et qui
m’ont influencée. Patty Cline et Dolly Parton par
exemple, avec des tonalités plus soul que la country
en général. Et puis, c’est un peu difficile de ne pas
être influencée par l’atmosphère générale de la ville.
Comment as-tu abouti à ce son très orchestral ?
Je dois donner tout le mérite à Trey Pollard pour cette
prouesse ! C’est lui qui s’est chargé des
arrangements des cordes. J’adore ce son et bien que
j’avais déjà fait des chansons avec de genre de
production, je n’ai pas les capacités d’écrire tout cela.
Trey et Matthew E. White se sont chargés d’emmener
mes chansons aussi loin qu’ils pouvaient.
J’avais une vague idée de ce que je voulais entendre,
mais je n’avais jamais imaginé que It Is You se
transformerait en musique de conte de fée. Bien sûr
j’avais ce désir d’expérimenter le plus possible mais je
ne pensais pas en avoir l’opportunité un jour. Lorsque
Trey m’a dit « Allons-y à fond pour celle-ci » je
pensais qu’il plaisantait.
A cause de cette chanson ta voix a été comparée à
celle d’une princesse Disney, comment l’as-tu perçu ?
Je suppose que je suis habituée maintenant. La
première fois il me semblait que les gens me
comparaient à cela car c’était facile. Mais au final, je
sais que ma voix a toujours été comme ça et puis
j’adore les chansons de Disney. Je pense que tout le
monde les aime, non ? Ce n’est pas grand chose, je
ne veux simplement pas que cela devienne quelque
chose de réducteur ou négatif.
Qu’as-tu appris en écrivant pour d’autres artistes ?
J’ai appris que ce n’était pas toujours très fun (rires) !
Ce n’était pas ce que j’avais envie de faire, mais c’est
un bon exercice. Cela aide à sortir de son
interprétation personnelle du monde. Lorsque j’ai pu
parler en tête à tête avec un artiste que j’aidais, je me
suis senti comme dans la peau d’un médium ou d’un
capteur d’énergie à essayer de comprendre ce qu’il
souhaitait exprimer. Mais c’est une situation
compliquée. Il y a beaucoup de pression, le travail est
moins stimulant que lorsqu’on écrit pour soi. J’ai des
amis à Nashville qui écrivent deux à trois chansons
par jour pour d’autres artistes, dans l’espoir qu’un de
leur morceau se retrouve sur un album de country. Ils
font ça depuis des années. Ils obtiennent peu mais
travaillent comme des dingues. Je ne pourrais jamais
me torturer ainsi aussi longtemps.
Ta musique n’a rien à voir avec tout ce qui sort en ce
moment. Quelles ont étaient les réactions des gens
avant que tu ne trouves ta place chez Spacebomb
Records ?
J’avais vbesoin de faire un vrai album. J’ai rencontré
tant de producteurs à Nashville dans des diners, des
cafés, autour de verres pour présenter mes envies.
Mais il y avait souvent un décalage. Les gens
faisaient une tête bizarre lorsque j’évoquais Dionne
Warwick comme référence, maintenant elle parait plus
normale. Même quand j’étais en tournée avec Jenny
Lewis pour ouvrir les shows de Beck l’été dernier,
lorsque je parlais avec l’un des musiciens de Beck, il
me demandait à quoi ressemblerait mon album. Je lui

épondais : « J’aimerais qu’il évoque Dionne
Warwick » et il était choqué. Je savais que toutes ces
années d’expérimentations, pour savoir précisément
quelle artiste j’avais envie d’être, ne pouvaient être
effacées par des gens qui ne voyaient pas où je
voulais en venir. Il y a eu beaucoup de discussions,
mais pas de vrais liens naissant avec la plupart des
gens que je rencontrais. J’étais très frustrée.
Un ami m’a conseillé de parler avec Matthew
(Matthew E. White, un ami d’enfance, ndlr) et le
courant est tout de suite passé. Il me comprenait très
bien, nous venons de la même ville. Il était étonné par
mon travail. Il m’a vue sur scène et a compris ce que
je voulais. Nous avons commencé à travailler
ensemble de manière très instinctive. Même au delà
de la musique, nous avons les mêmes expériences de
jeunesse à Virginia Beach donc tout cela rendait les
discussions naturelles. A Nashville, tout le monde fait
de la musique, mais personne ne prend le temps de
soigner les choses. On est allés à Richmond, les gens
y étudient la musique, l’ambiance est différente. C’est
ce dont j’avais besoin, un album qui respire, pour
lequel nous avons pris notre temps. Je voulais
prendre un an, et c’est ce que nous avons fait !
Puisque tu évoques ton adolescence à Virginia
Beach, comment t’es venue l’envie d’être musicienne
dans cette petite station balnéaire ?
Je dois cela à mon père. Ce n’est pas un musicien
professionnel mais ça lui arrivait de jouer de la guitare
à la maison pour le plaisir et cela me fascinait. Je me
souviens parfaitement qu’enfant j’ai eu cette espèce
de révélation lorsque je l’ai entendu jouer un air, e lui
ai demandé ce que c’était, il m’a répondu qu’il venait
de l’inventer. J’ai trouvé cela incroyable, je lui ai dit
que j’allais faire pareil. Je trouvais cela vraiment cool
que l’on puisse écrire de la musique uniquement pour
le plaisir. A l’école primaire je faisais des concerts
pour mes voisins, puis au collège j’allais voir les amis
de mon frère pour leur demander comment monter un
groupe. Ils me répondaient “Demande à quelqu’un de
jouer avec toi, c’est tout”. Je ne savais pas par où
commencer, mais je savais que je voulais le faire à
fond.
Avec Matthew on se demande souvent comment les
choses seraient si nous avions grandi à Nashville,
avec toute l’atmosphère de l’industrie du disque
autour de nous. C’est aurait été peut être plus simple
pour comprendre l’industrie. Mais Matt et moi n’avions
aucune idée de ce qu’il fallait faire ! On était naïfs, on
l’est encore. Nous ne faisions qu’écrire et jouer. C’est
intéressant parce que Virginia Beach est une ville
touristique à l’atmosphère un peu étrange, qui n’a rien
avoir avec Nashville.
Les paroles de tes chansons sont assez personnelles,
ton écriture fait-elle office de thérapie ?
La plupart du temps oui, car l’écriture a toujours été
un moyen de clarifier mes idées, de comprendre ce
que je ressens et m’éviter de devenir dingue. C’est ma
façon de communiquer et de me calmer. J’écris par
passion, c’est quelque chose de personnel, qui m’est
absolument nécessaire. Mais parfois, je vais chercher
des mots ailleurs. Par exemple pour le morceau
Christy, c’était juste une histoire inventée. Pour It Is
You, je voulais emmener les gens dans des endroits
oniriques. Mes amis m’appellent Elfe, un nom qui
résume bien les choses je suppose (rires).
D’où l’atmosphère un peu rêveuse de ta musique…
Tu étais dans la lune quand tu étais ado ?
Oh mon dieu, oui. Et encore aujourd’hui ! Je
m’intéresse un peu à l’astrologie, tu sais. Mon signe,
poisson est caractéristique du rêveur. Je crois
correspondre assez bien à la description du poisson,
toujours ailleurs…!
Propos recueillis par Alice De Jode

Interview publiée le 13 mai 2013
ALAN
MCGEE

Tout commence à Glasgow dans les années 70, Alan McGee rencontre Bobby Gillespie avec qui il
rejoint le groupe punk The Drains. A peine trois ans après, Creation Records naît. Une histoire qui
commence tellement bien que le parcours de McGee, producteur-musicien-manager-blogeur
hyperactif, passionné et (l’un ne va pas sans l’autre) acharné n’est finalement que suite logique. Un
héros à qui l’on doit beaucoup de ce DIY très présent dans le discours ambiant et sans qui The Jesus
and Mary Chain, My Bloody Valentine, Slowdive, Primal Scream et même Oasis ou The Libertines ne
seraient sans doute pas ce qu’ils sont. Parti de rien, opiniâtre, porteur d’une philosophie qui laisse
admiratif, ce gamin amoureux de rock devenu géant de l’industrie persiste à surprendre par son
autodidactisme exemplaire et à cœur ouvert. Entre la folie Creation et la sortie de son premier film
cette année il y a un itinéraire hors du commun, une œuvre passionnelle qui a tatoué l’histoire de la
musique, jusqu’au lancement tout récent de son nouveau label.
Alternative master
1978, Alan McGee a 18 ans et développe une
sérieuse fascination pour le mouvement punk aux
côtés de Bobby Gillespie, son ami de toujours. Après
avoir posé un premier pied dans le monde de la
musique avec The Drains, il forme en 1980 The
Laughing Apple avec le guitariste Andrew Innes. A
peine deux ans plus tard, il emprunte £1000 et fonde
Creation Records avec Dick Green et Joe Foster
(autre figure du milieu, producteur, musicien, acteur et
historien, rien que ça). Cette année là, il commence
aussi sa carrière de manager avec The Jesus And
Mary Chain fraîchement formé, il crée son propre
fanzine Communication Blur et Creation édite un tout
premier disque, “’73 in ’83” de The Legend. Quelques
mois plus tard, le label publie le single du nouveau
groupe de McGee, Biff Bang Pow ! et celui des Jesus
And Mary Chain : la machine est lancée, le label
gagne l’attention immédiate de l’underground et
s’installe parmi les record companies les plus
prometteuses de la scène alternative en gestation.
McGee et ses camarades pour le label donne le ton.
L’ambition de McGee est claire : soutenir à sa façon
des groupes qu’il aime et produire leur musique en
vinyle. Fermement opposé à toute subordination aux
majors, obstiné à soutenir une autre musique que la
pop « manufacturée » très en vogue à l’époque, il se
fait remarquer en imposant sa vision très personnelle
de la production. Creation devient un incontournable
de l‘Indie movement dès 1984. Le Label proposera
jusqu’en 2000 un éventail impressionnant de singles,
d’EP et d’albums incluant The Pastels, Primal
Scream, The Weather Prophets, Felt, The House of
Love, 18 Wheeler, My Bloody Valentine, Slowdive,
Ride, The Telescopes, Super Furry Animals, Boo
Radleys, Oasis ou encore The Cramps.
De Creation à Poptones
Tiré du groupe The Creation qui produisait un rock
déjà bien crasseux dans les sixties, le nom choisi par

En 1992, des problèmes de financement viennent
malgré tout compliquer les choses et McGee se voit
dans l’obligation de vendre la moitié du label à Sony,
rude période qu’il décrit comme « le début de la fin du
véritable Creation ». Une mise sous administration
judiciaire difficile à accepter au moment où Oasis fait
son entrée dans le catalogue. Le groupe mancunien,
devenu très vite LE symbole britpop de l’époque, vend
ses albums comme jamais pour un groupe
indépendant. Leur second LP (What’s the Story)
Morning Glory? (1995), souvent présenté comme
l’album anglais le plus vendu de la décennie, marque
un profonde rupture dans l’histoire de Creation et
dans la vie de McGee. Cette année là, il retourne tout
de même à la musique et fonde The Chemical Pilot
avec Ed Ball dont le premier album Journey to the
Centre of the Mind sortira en 1996. Mais l’impact de
Sony devenant trop lourd, il annonce trois ans après
la fin de Creation, son petit label indé qui ne
ressemble finalement plus à ce qu’il était. Il reste
malgré tout le manager des Jesus And Mary Chain,
Mogwai, The Kills, The Libertines, The Beta Band ou
de Dirty Pretty Things et continue de publier My
Bloody Valentine, Swervedriver ou Primal Scream
sous le nom de « Creation Songs ». Le dernier album
sorti sur Creation est XTRMNTR de Primal Scream
(2000). Quelques mois après et emporté par la
volonté de renouer avec l’indépendance absolue de
ses débuts, McGee crée Poptones (nom en référence
à Public Image Ltd) et produit plusieurs albums
remarqués, notamment le premier de The Hives en
2002 qui fixe le succès du label. Pour les mêmes
raisons financières, accentuées cette fois par le
numérique, et parce que McGee souhaite se
consacrer au management de groupes, Poptones
s’arrête en 2007.
Un docu culte
Un jour écrivain pour le Guardian Weekly Music Blog
ou pour le Huffington Post UK, une autre fois
conférencier à l’Université de Gloucestershire
(Angleterre) puis manager du fameux club Death
Disco ou DJ aux quatre coins du monde, McGee
restera un hyperactif incorrigible jusqu’à la sortie en
DVD du génialissime et déjà culte documentaire
Upside Down (2011). Présenté cette année là au
festival ‘Filmer la Musique’ (Gaité Lyrique) par McGee
himself et le réalisateur Danny O’Connor, le film
retrace avec honnêteté et virulence toute l’histoire de
Creation Records à coup d’images d’archives
hallucinantes imprégnées de dope, de passion,
d’amitié, de prises de tête, de concerts, de dettes, de
galères ou même de politique. Un docu très réussi,
pour une histoire humaine avant tout, basée sur les
témoignages de McGee, Bobby Gillespie, Noel
Gallagher ou Kevin Shields et qui, non seulement
rend compte de l’importance du label mais qui nous
en apprend aussi beaucoup sur l’industrie de la
musique. A la limite du surnaturel, le film nous fait
entrer dans l’univers Creation, l’alternatif
eighties/nineties et donne de quoi affirmer que le label
britannique reste un des plus importants de l’histoire
aux côtés de Factory, Rough Trade ou Mute.
De la musique au cinéma
Depuis 2012, McGee se concentre sur divers autres
projets, en commençant par le cinéma. Il fonde la
société de production Escalier 39 avec le scénariste,
réalisateur et producteur britannique Dean Cavanagh
(connu notamment pour ses collaborations avec Irvin
Welsh, l’auteur de Trainspotting). Dévoilé avec une
bande originale époustouflante en juillet 2012, leur
premier film Kubricks dessine l’histoire de Donald The
Director (joué par Roger Evans), un réalisateur qui
souffre de dépression et qui, au beau milieu du
tournage de son film, plonge toute l’équipe et les
acteurs dans ses délires sinistres et obsessionnels.
Le trailer du film annonce une bonne dose de
spiritualité et de physique quantique, que McGee
résume comme ceci : « Kubricks a été tourné pendant
le solstice d’été sur une ligne cosmique et l’histoire
parle d’un réalisateur qui devient fou en essayant de
faire un film DIY ».
« No music business, no bullshit »
Aussi, annoncé depuis plusieurs mois, le retour de
McGee à la production pure (et après 5 ans
d’absence) vient tout juste de se confirmer avec le
lancement de son nouveau label basé à Londres, 359
Music. Une nouvelle histoire qui débute et issue d’une
amitié vieille de plus de 30 ans avec Iain McNay de
Cherry Red Records. McGee prévoit de produire une
dizaine de groupes par an et présente le label comme
un tremplin pour des artistes qu’il aime et des talents
ignorés. Clairement opposé à l’idée de le faire devenir
aussi gros que Creation, McGee explique son désir de
retour au DIY à l’ère du numérique : « Il y a un vrai
besoin de proposer une ouverture à de nouveaux
artistes qui ont été exclus par le système et j’espère
que 359 Music sera cette ouverture ». Il précise
d’ailleurs que tout artiste souhaitant être considéré par
le label peut envoyer ses demos musique et bandesson,
par mail à infoat359music@aol.com et qu’il
« écoutera personnellement » chaque envoi ! A bon
entendeur…
Gaelle Simonetti.
Retrouvez une interview d’Alan McGee pour nos amis
de The Autojubilator ici.

R0BI
Interview publiée le 21 janvier 2012
Quatre lettres, des fêlures et des blessures et une envie de musique qui résonne en elle comme une
évidence… Trouver la voie n’a pas été simple et pourtant elle était là, devant elle, depuis son enfance et
ces moments où elle s’imaginait que Gainsbourg écrirait un jour pour elle. Aujourd’hui, en cessant de tout
vouloir maîtriser, Robi s’est enfin trouvé. Pour notre plus grand bonheur. « Cette interview, c’est un peu
une psychanalyse », balance t-elle, le regard noir, profond. Elle avait arrêté de se poser des questions. Le
temps d’un café, on lui en a reposé quelques-unes…
L’interview est simple. Une conversation. Tu prends
ce que tu veux. On commence par l’enfance. Tu as
passé la tienne en Afrique…
Oui. Jusqu’à l’âge de dix ans (puis à la Réunion, ndlr).
Je pense que le fait d’y avoir grandi m’a éduqué à un
rapport au rythme qui n’est pas le même que celui que
nous connaissons ici, en Occident. Ces sonorités, je
me suis rendu compte plus tard qu’elles agissaient sur
moi presque comme une obsession à laquelle je n’ai
pas donné libre cours de suite – la part très
intellectuelle de moi-même ne me l’ayant pas autorisé
(rires). Aujourd’hui, ma musique est essentiellement
basée sur des basses et des drums. Ce sont là les
traces qu’il me reste de mon enfance.
Très tôt, tu t’es réfugiée dans la chanson française…
Oui. J’avais des parents passionnés par Brel,
Brassens, Barbara… Lorsque je suis arrivée à La
Réunion, les choses auxquelles j’avais accès étaient
particulièrement commerciales. Mes seules
révélations rock furent Nirvana et Noir Désir – qui
étaient déjà de grosses machines à l’époque – je
n’avais pas accès à la culture « indé » métropolitaine
et c’est vrai que, de manière un petit peu rebelle,
comme en opposition, je me suis tournée vers la
chanson française. C’était la seule chose à laquelle je
pouvais vraiment me rattacher. Je n’avais pas la
culture rock pointue des rennais de mon âge. A La
Réunion, l’alternative était assez limitée.
Ton arrivée à Paris a donc été une révélation
musicale ?
Complètement. Avec ce sentiment de frustration
d’arriver dans la capitale et de me rendre compte à
quel point j’étais loin d’avoir tout découvert. Plus
qu’une révélation, Paris a été une révolution. Et le
cheminement entre le moment où j’ai commencé à
faire de la musique et celui où je me suis dit que je ne
pouvais rien faire d’autre a été long et rapide à la fois
mais surtout inconscient. Il s’est imposé à moi, il n’y a
pas eu de déclic. Ceci étant, à 9 ans, j’étais déjà
persuadée que Gainsbourg allait un jour m’écrire des
chansons. Quand il est mort ce fut un choc. Je me
suis demandé ce que j’allais faire de ma vie ! (Rires).

A ce moment-là de ton adolescence, la musique
devient-elle un refuge, comme un moyen – le seul
peut-être – de canaliser ton énergie ?
Je vais répondre par la négative : je ne savais
absolument rien faire d’autre. J’ai commencé par
écrire. Pendant assez longtemps d’ailleurs, je n’ai fait
que cela, je ne compose pas, peut-être parce que je
ne m’en sens pas capable. Plus tard, en m’autorisant
à composer, mon écriture a changé, la musique a pris
le dessus. J’avais une démarche beaucoup trop
intellectuelle, trop construite et il a finalement a fallu
que je m’autorise à tout déconstruire pour être
pleinement moi.
Suivant cette démarche, tu as sorti un premier album,
autoproduit dont tu n’es pas très fière et que tu
écoutes pour ce qu’il est, comme on regarde des
dessins d’enfants, avec de la tendresse… Jusqu’à ta
rencontre décisive, avec un certain Jeff Hallam…
Oui ! Il est arrivé au moment où j’en avais vraiment
besoin. Je ne suis pas technicienne, je n’ai pas le
langage pour. Jeff, oui. On travaille sur l’organique, on
se comprend, avec ses mots à lui, avec mes
périphrases à moi (il est américain, ndlr) et l’on arrive
souvent au même point.
Au-delà de la musique, as-tu déjà pensé la littérature
comme un outil d’expression ?
J’écris depuis -presque- toujours. Il aurait fallu que je
garde tous mes vieux textes pour voir si cela me fait le
même effet que d’écouter mon premier album (rires).
J’ai toujours eu un rapport extrêmement fort à la
littérature. J’avais espoir d’écrire de grandes choses,
mais ce n’est qu’en me débarrassant de ces grands
modèles et grands idéaux que je me suis rapprochée
au mieux de ma propre écriture, celle qui me paraît
aujourd’hui la plus naturelle.
musique. Avec un grand M. C’est en tout cas assez
joli de voir que se dessine comme cela une sorte de
génération spontanée, en quête d’autre chose,
d’univers personnels mais qui touchent un grand
public.
(Après un temps)
En fait, je me rends compte que cette interview me
sert de psychanalyse (rires) !
Il y a encore beaucoup de choses qui te révoltent
aujourd’hui ?
Tout (Rires) ! Beaucoup de choses récurrentes et
exceptionnelles mais surtout cette capacité assez
surprenante à ne pas se rendre compte que l’on est
vivant, dans l’instant présent et que cela ne va pas
durer. On ne se rend pas toujours assez compte de la
chance que l’on a. L’idée de la mort est
particulièrement révoltante mais c’est en même temps
une bénédiction dont on n’a pas conscience. La mort
devrait nous rendre la vie plus belle…
Pourtant tu n’écris pratiquement pas sur des sujets
engagés…
C’est une question que je me pose depuis longtemps.
Pour écrire une chanson engagée, il faut être
particulièrement doué. Je trouve que c’était déjà
difficile de le faire dans les années 70. Aujourd’hui en
2012, nous maîtrisons mal les tenants et les
aboutissants des problèmes de notre société, le
monde et sa lecture se sont terriblement complexifiés.
Il me semble cependant que toute chanson en général
fait réfléchir, dans l’idéal, tant qu’elle parle d’absolu…
Propos recueillis par Thomas Carrié.
Car peut-être plus spontanée…
Absolument. Je pense que j’écrivais pour me prouver
à moi-même que je savais écrire, que je le pouvais.
Quand j’ai pris conscience que je n’étais pas Rimbaud
et qu’il fallait que je sorte de ces schémas de
pensées, le problème a été réglé.
Finalement, tu n’est parvenu à créer qu’en arrêtant de
tout vouloir maîtriser…
Exactement… Et en ne me posant plus de questions.
Quel regard portes-tu sur cette nouvelle « scène »
française, qui émerge ? Je sais que tu as participé au
festival « La Nouvelle voie de la Chanson Française »
à La Réunion, justement, avec des artistes comme JP
Nataf, Arlt, ou encore Bertrand Belin (lire interview
page 140)…
Je suis une grande admiratrice des artistes dont tu
parles. Mais à mon sens, ce ne sont pas des artistes
de la « Chanson Française ». C’est une idée
extrêmement bizarre de considérer que la chanson
française puisse être un genre en soi. Ils font de la
chanson française soit par amour de la langue soit par
accident, tout simplement parce qu’ils sont nés en
France mais ce sont avant tout des gens qui font de la

Deuxième rencontre publiée le 18 novembre 2013
Presque deux ans après notre première rencontre, nous retrouvons Chloé Robineau, alias Røbi. Il est tôt
le matin, Røbi est au chaud sous ses gros pulls. Elle s’excuse de ses périphrases et de ses digressions,
elle prend son temps pour répondre aux questions parce chaque mot a sa place et sa force. Nous
sommes quelques jours avant son concert au Nouveau Casino, à Paris. Un concert qu’elle considère
comme le point d’ancrage de sa tournée. C’est avec justesse à soi qu’elle nous parle de sa musique.
Parle moi de ton chemin dans la musique, de ton
chemin intérieur et des rencontres qui ont donné
naissance à cette Røbi qui nous parle des sentiments
et de la vie.
Par où commencer… Pendant longtemps, j’ai écrit,
réécrit, rayé, barré, cherché consciemment et
inconsciemment à tendre vers certains modèles
d’écriture et de composition mais c’était terriblement
frustrant car évidemment je ne serai jamais
Baudelaire ou Gainsbourg, aucun de ces artistes que
j’admire. Il a fallu que j’arrive à découvrir que je n’étais
que moi-même pour commencer à travailler à
l’intérieur de mes concours limités. J’ai pu m’exprimer
d’une façon plus forte et plus vraie. Ce travail
demande de s’extraire de toute référence et de
l’exigence intellectuelle qui n’a pas lieu d’être. J’ai
vraiment envie de travailler sur l’émotion, ce qui ne
veut pas dire pas d’exigence mais une exigence qui
passe par l’intime et par la vérité de parole, pas par le
biais cérébral. Røbi est née à partir du moment où j’ai
été capable d’arrêter de me penser, de me réfléchir,
de me regarder en miroir. À partir du moment où je
me suis trouvée, tout est allé très vite : une première
rencontre avec Frank qui a monté le label avec moi et
qui est à la fois mon manager et directeur artistique
puis une deuxième rencontre avec Jeff Hallam,
bassiste. Il est le premier à avoir accompagné mon
projet en tant que compositeur sans égo aucun, me
laissant l’espace pour pouvoir m’exprimer avec le peu
de mots que j’ai puisque je suis une musicienne
autodidacte, je ne savais pas dire les choses. Le
dialogue entre nous a été facile. Quelques mois
d’enfermement en toute intimité et nous avons
construit une sorte de petite maison sous forme d’un
premier EP qui s’est transformé en album, L’Hiver et
la Joie.
Pourquoi n’as-tu pas gardé ton prénom comme nom
d’artiste ?
J’ai très vite éliminé le prénom Chloé car il porte une
trop forte connotation féminine alors même que j’avais
envie d’inscrire ma musique et ma démarche dans
quelque chose qui soit plus universel, dans une sorte
de neutralité. Røbi est mon surnom depuis que je suis
à Paris et qui ne m’est pas étranger puisque c’était
aussi celui de mon père. C’est comme une sorte
d’écho, quelque chose de l’ordre du passage qui me
permet à la fois d’être moi-même et quelqu’un d’autre.
Dans l’écriture de tes textes, comment arrives-tu à
passer d’un aspect intime (voire intimiste) à une
dimension plus universelle ?
Je crois profondément que plus on va vers l’intime,
plus on va vers une justesse à soi et vers une chance
de toucher non pas le plus grand nombre mais le plus
fortement. Les chansons qui ont touché le plus
fortement les gens sont celles qui sont les plus
universelles comme “Ne Me Quitte Pas” ou “Avec Le
Temps” qui sont des chansons de l’intime. Nous
sommes tous traversés par les mêmes choses et les
mêmes questions : le sens de la vie, l’absurdité de la
mort, l’absolu et la façon dans l’amour de répondre
aux autres questions. C’est en ce sens qu’on a le plus
de chance d’être entendu. C’est une façon de
transformer son cœur en hall de gare.
Tu réalises toi-même tes clips. Pourquoi ne pas avoir
choisi de déléguer cette partie du travail d’un titre à un
tiers ?
Pour être honnête, c’est avant tout une nécessité
financière lorsqu’on est dans une petite économie
artisanale voire familiale comme la nôtre. À cette
dimension financière s’ajoute la dimension de l’image.
Il aurait été contradictoire et compliqué pour moi de
confier mon image à quelqu’un. Je l’aurais ressenti
comme quelque chose de très vaniteux. Il aurait fallu
intellectualiser l’image que je voudrais qu’on ait de
moi et imposer le fait que quelqu’un entre dans mon
univers, d’être regardée et mise en scène. Ma seule
envie était de poser la caméra et de voir ce que je
pouvais en faire, comment je pouvais capter quelque
chose dans une forme de solitude, comme un
adolescent qui danse devant sa glace. J’ai adoré ça !
Je me suis découvert un plaisir fou à travailler cette
matière qu’est l’image en mouvements. C’est une
écriture qui me passionne et je compte continuer à le
faire.
Ton choix esthétique pour le clip d’“On Ne Meurt Plus
D’Amour” (premier extrait de son album, ndlr) est
plutôt fort.

L’esthétique est un choix, je suis plutôt d’accord. Ce
n’est pas quelque chose qui vient se poser sur le fond
puisque qu’ils ne fonctionnent pas indépendamment
l’un de l’autre. Je me suis amusée avec mes mains et
mon visage devant la caméra et j’ai trouvé ça
fascinant, ce que cela pouvait raconter et cacher.
“On Ne Meurt Plus D’Amour” est-il adressé à une
personne en particulier ?
C’est une chanson d’amour adressée, évidemment.
Elle vient de quelqu’un et de quelque part mais c’est
aussi une interrogation. Je me souviens, après ce
terrible chagrin d’amour, mes amis étaient nombreux
autour de moi à me dire de ne pas m’inquiéter et que
j’allais m’en remettre. Je crois qu’il était plus terrible
encore de m’entendre dire ces choses que la
perspective que je pouvais en mourir. C’était
insupportable de me dire qu’on pouvait se remettre de
ça puisque ça voulait dire que si je m’en remettais,
plus rien définitivement n’avait de sens. C’est une
chanson avant tout adressée à moi-même et
évidemment à cet autre en miroir. C’est aussi une
réflexion. Est-ce que finalement on n’en meurt pas ?
Et si on n’en meurt pas, est-ce que ce n’est pas plus
absurde encore ?
Est-elle en adresse aux femmes qui, peut-être,
auraient pu partager tes sentiments ?
Je pense que ma musique est asexuée puisque je
pense que les hommes aiment et souffrent aussi. Le
sentiment n’est pas le seul fait de la femme. C’est
d’ailleurs amusant de remarquer le virement de
situation quand on voit que le fait sentimental était
réservé à l’homme et que la femme n’était pas
capable de grands sentiments mais confinée à des
choses très concrètes. Aujourd’hui, la question
sentimentale est à la femme et le concret est à
l’homme. Il est bon de le rappeler de temps en temps.
Avec des titres si personnels et si intimes, le fait d’un
concert doit beaucoup apporter à ta musique.
C’est évident puisque la musique est vécue à travers
le corps. C’est beaucoup plus physique mais la
musique reste du même ordre puisque qu’un concert
est un équilibre entre une nécessité de rester juste à
l’intérieur de soi et d’être dans le partage à la fois.
C’est un moment très plaisant dans lequel j’ai
beaucoup de bonheur mais c’est aussi un endroit
dans lequel on peut facilement s’enfermer ou au
contraire être trop à l’extérieur de l’intimité du propos.
C’est en ce sens que c’est un travail de spectacle
vivant et que c’est un travail qui m’intéresse
énormément.
Ton hiver à toi, tu veux qu’il soit comment ?
Ah ! L’hiver ! J’ai beaucoup de mal avec l’hiver mais
en même temps, ce qu’il bouscule en moi et ce qu’il
m’oblige à mettre en œuvre pour lutter m’intéresse.
En tant que grande fainéante, je travaille bien
davantage et mieux en hiver. Cet hiver sera
essentiellement consacré au prochain album, ce qui
est encore une joie.
Textes et propos recueillis par Ariel Carol Novak.
Photographies : Justine Tellier, pour Crumb
magazine

GUNTHER
LOVE
Interview publiée le 21 mai 2011
Mimer un guitariste sans instrument en main, dans une tenue kitsch à souhait, c’est ce qu’on appelle
l’Air Guitar. Combien de générations ont imité les plus grands groupes de rock, leurs riffs mythiques
ou leurs solos, à l’abri de tous, cachées dans une chambre ou dans une salle de bain ? C’est
précisément ce « sport musical » qui a permis en 2009, à un certain Gunther Love, d’acquérir sa
notoriété en devenant champion du monde de la discipline à Oulu, dans le nord de la Finlande. Ce
showman à moustache et pantalons dorés a d’ailleurs maintenu son titre en 2010. Il a, à sa manière,
marqué l’histoire de France, en faisant sortir de l’ombre une discipline méconnue, qu’il continu de
mettre en scène, plusieurs fois par an, avec son Air Band (oui, oui) « Airnadette ». Déjanté, plein
d’humour et d’auto-dérision mais lucide sur ce qui l’entoure, nous avons échangé avec lui, dans le
décor du Bus Palladium, spécialement privatisé pour l’occasion. Histoire enfin de se retrouver en tête
à tête avec un champion du monde français, ouais ; et de tenter de percer les mystères de ses succès
et de ses nombreux projets…
Comment as-tu découvert l’Air Guitar ?
C’est en 2008, lors des Eurockéennes de Belfort. Je
devais réaliser une publicité pour la marque Puma.
Deux jours avant de partir, la directrice marketing de
la marque me téléphone pour m’annoncer qu’elle a
embauché la patrouille de France d’Air Guitar pour
m’aider. Autant dire que je ne savais pas de quoi elle
me parlait. Arrivé à la gare de Belfort, je me retrouve
avec deux des Airnadettes : « Moche Pitt » et «
Château Brutal », en tenue d’exercice. Là, je me suis
dit que le weekend allait être très long. En réalité, j’ai
passé quatre jours de folie. Ce fut ma première
expérience d’Air Guitar. Je ne connaissais rien de
l’univers. Juste que nous avons fait la fête pendant de

longues nuits et que Moche Pitt m’a initié à la
discipline. Il m’a annoncé qu’il comptait m’inscrire au
prochain championnat et que je deviendrais le futur
champion du monde. Je n’avais pas de nom, je n’étais
personne. Le lendemain, ma carrière était pourtant
lancée. Je m’appelais Gunther Love et j’allais tout
défoncer !
Tu as choisi un nom plutôt kitsch…
Le côté kitsch me plait. L’Air Guitar, c’est une
dédicace à la musique. Tout le monde le pratique plus
ou moins dans sa chambre ou sa salle de bain.
Et tu es champion du monde de la discipline…
Oui ! Champion du monde 2009 et 2010 ! L’année
dernière, je ne souhaitais pas tellement participer au
championnat. Tu sais, il faut avoir envie d’y aller dans
le nord de la Finlande (rires). Tu n’y mets pas les
pieds si on ne te donne pas rendez- vous pour du Air
Guitar !
Pour toi, tout ça c’est de la rigolade ou bien c’est un
vrai métier, sérieux ?
Je suis devenu Gunther, tout le monde m’appelle
Gunther ! Médiatiquement parlant, je fais preuve
d’humour et prend tout ça à la légère mais, depuis
quelques temps, c’est devenu très sérieux. Le
problème, c’est que je suis arrivé dans ce milieu par
erreur et que je pense encore et toujours que mon
titre de champion du monde est une erreur.
Ton look est-il vraiment réfléchi ?
Oui, il l’est vraiment ! Vous allez voir le nouveau…
Nous avons réussi, avec ma copine (Daphné Burki,
ndlr), à obtenir le numéro de la couturière qui crée les
véritables costumes des patineurs artistiques français.
Elle m’a dessiné une tenue parfaite.
Fini le doré alors ?
Ah non ! Restons humble. Toujours en or, médaille
d’or.
Tu n’as jamais essayé de jouer de la guitare en vrai ?
Non, je suis très mauvais. J’ai chanté dans un groupe
de rock pendant neuf ans mais je suis vraiment nul.
Je me suis arrêté à Zombie des Cranberries : c’est le
seul morceau que je sais jouer, et encore avec les
mauvais accords !
Il y a vraiment un aspect théâtral lors de tes
prestations. C’est surtout de la comédie !
Cela fait dix ans que je suis comédien – intermittent
du spectacle. L’Air Guitar c’est une erreur de
parcours. Là, où je m’exprime réellement, c’est sur
scène, avec les Airnadette. Nous sommes sept et
faisons tout comme un vrai groupe de rock : nous
avons tourné aux États-Unis, nous préparons une
tournée en Asie, Canal+ nous a suivis pendant 3
semaines pour tourner un documentaire qui sortira le
8 juin, bref, nous sommes devenus un vrai band
international ! On a assuré la première partie de -M- à
Bercy pendant 3 dates, et ce, chaque soir devant 17
000 personnes ! Lenny Kravitz est même venu me
voir pour me dire que c’était cool ! En fait, on est un
peu comme Britney Spears, sauf que nous, on avoue,
dès le départ que l’on chante en playback (rires) !
Comment est né Airnadette ?
Ça a débuté au musée d’Art Moderne, à Paris. Nous
pratiquions tous le playback brosse à dents ou brosse
à cheveux dans la salle de bain, donc on s’est dit «
On va monter un groupe ! ». On a débuté à
l’Alimentation Générale, à Paris, puis nous avons fait
les premières parties de Camille à la Cigale il y a deux
ans et, de fil en aiguille, on s’est lancés, sur plus de
150 dates. A la rentrée débutera une « Air Comédie
Musicale » d’une heure et quart, mise en scène par
Pef, des Robins des Bois.
Et la kermesse de Gunther, explique nous…
J’adorais les kermesses à l’école quand j’étais petit. A
Paris, les gens sont trop sophistiqués. Je me suis dit
qu’il serait intéressant d’y organiser des soirées
régressives. J’ai proposé l’idée à mon ami Nicolas
Ullman (Le Bus Palladium, ndlr) et à Daphné. On s’est
dit qu’on ferait une kermesse typique : marelles,
chaises musicales, chamboule-tout, 1, 2, 3, soleil, etc
mais aussi l’élection du meilleur danseur, du meilleur
costume. L’idée, c’est que tout le monde joue le jeu, il
y a des personnes qui m’écrivent après les kermesses
pour me dire que ça leur a coûté cher en Amourpropre
mais que ça leur a fait du bien.
Finalement, tu as le meilleur job du monde, non ?
Je me lève tous les matins en riant déjà de la journée
que je vais passer, alors oui, j’ai le meilleur job du
monde ! Même quand je travaille sur Canal+, ce n’est
que blague et drôlerie.
Tu ne penses pas avoir besoin ou envie de sérieux
par moment ?
Non. On se fait suffisamment chier dans la vie, non ?
Être cadré ? Non plus ! Ou seulement sur une photo.
Pas plus.
Tout le monde peut devenir champion du monde d’Air
Guitar selon toi ?
Oui. Je pars du principe que pour devenir champion
d’Air Guitar, il faut jouer avec l’envie de pisser et
comme tout le monde a envie de pisser, finalement
tout le monde a sa chance…
Si tu devais donner des conseils aux débutants pour
réussir ?
Arrêtez tout de suite ! Il n y a pas de débutants. Tu es
Rock n’roll, ou tu ne l’es pas ! Il faut avoir un style qui
tue, tout miser sur le costume. Ce n’est pas pour les
amateurs, tu sais, c’est un sport extrême.
Tu penses être en partie responsable de sa
démocratisation ?
Les médias se sont emparés du phénomène parce
que je suis arrivé pendant la période creuse des Jeux
Olympiques. J’étais le seul français médaillé de l’été,
mais personne ne savait de quoi il s’agissait. Je suis
rentré de vacances au mois d’août, et j’ai vu un titre
sur une page web : « La France devient championne
du monde », je clique, et je vois une grande photo de

ma tête s’afficher ! Le soir où je suis rentré de
Finlande, j’ai clôturé le journal de Claire Chazal, j’ai
fait bon nombre d’interviews, j’ai aussi été invité sur le
plateau de LCI qui m’a laissé commenter l’actualité
comme je le souhaitais, durant quinze minutes… C’est
ça la vie. Mais, pour répondre à ta question, est-ce
que j’ai, pour ma part, aider à démocratiser l’Air
Guitar, je ne pense pas.
Tu as peut-être donné envie à des jeunes de se
lancer, même si ce genre de passion est parfois
catalogué de « ringardes », un peu comme le
tunning…
Oui ! Mais celui qui trouve cela ringard, c’est qu’il n’a
jamais passé une soirée Airnadette ou assisté à une
compétition. Ce que l’on dit souvent c’est que ce ne
sont pas les gens qui n’aiment pas l’Air Guitar, c’est
nous qui ne voulons pas d’eux ! Les événements qui
sont organisés autour de nous font partie d’un même
petit univers. D’ailleurs, avec Airnadette et tous les
gens qui nous suivent, nous pensions que ça ne
durerait qu’un mois et au final cela fait deux ans que
nous « exerçons » et ce n’est pas prêt de s’arrêter.
Tu dis ne pas vouloir de certaines personnes, dans le
milieu de l’Air Guitar. De qui parles-tu ?
De ceux qui nous critiquent lorsque l’on poste des
vidéos en ligne. On peut avoir plus de 100 000 vues
mais le peu de personnes qui laissent des
commentaires insultants ou dégradants sot toujours
les mêmes. J’ai juste envie de leur dire: «Hé les mecs,
si vous n’aimez pas ce que l’on fait, pourquoi vous
perdez votre temps à suivre notre travail et à nous
regarder ? ». Après, l’important, c’est déjà qu’on
puisse parler librement d’Air Guitar, que ce soit en
bien ou en mal.
En parallèle des critiques, tu as quand même un vrai
public fidèle ?
Oui. Il y a des gens qui nous suivent. Je m’en suis
aperçu sur Facebook. Je me retrouve avec une
quantité incroyable d’amis, je n’en connais pas plus
d’une trentaine. Les gens me connaissent
généralement car ils m’ont vu sur Canal+. Le pire, tu
sais, c’est que je reçois de vraies lettres de fans, oui,
comme dans les années 70 (rires). La dernière que
j’ai reçu était celle d’une petite fille de huit ans qui
avait écrit quelque chose du genre « vous êtes trop
génial génialement génial ! ». C’est extraordinaire.
dehors, il reste Sacha Baron Cohen. Dans le milieu de
la musique, en France, il y a les Airnadette : une
caricature de ce qu’est précisément le monde de la
musique et celui des paillettes.
Comment est le vrai Gunther dans la vraie vie ?
En fait, un peu comme maintenant. L’Air Guitar prend
tellement de temps que je n’ai plus le choix. Depuis
deux ans, tout le monde m’appelle Gunther (Sylvain
Quimène, dans la vraie vie, ndlr). Même mon père !
Rassures moi, tu n’es pas schizophrène ?
Non, ça va. J’ai travaillé pendant trois ans au sein
d’un hôpital psychiatrique. Ca m’as plutôt aidé (rires).
Parmi les gens qui t’ont aidé ou lancé d’ailleurs, qui
ont compté pour toi, il y a Bruce Toussaint (Canal+,
ndlr). Si tu devais lui faire une déclaration d’amour, tu
lui dirais quoi ?
Bruce ? C’est mon mentor ! Lorsque je suis arrivée
chez Canal, il m’a immédiatement pris sous son aile
et m’as mis en confiance. C’est quelqu’un de très
rassurant. D’ailleurs s’il lit cette interview dans
CRUMB, j’aimerais lui dire de raser sa barbe. Il
m’avait promis en début d’année, qu’il ne raserait pas
sa barbe tant que je ne serais pas reçu officiellement
à l’Élysée, en tant que champion du monde officiel
d’Air Guitar. Du coup, il ne s’est toujours pas rasé et il
commence sérieusement à ressembler au Père Noël.
Et une déclaration d’amour à Daphné?
Et bien que des bouffées d’amour. C’est mon
amoureuse.
Qu’est-ce que qu’on peut te souhaiter pour la suite ?
Toujours autant de bêtises. Et surtout de plaisir !
Propos recueillis par Laurie Cassagnes
Photographie : Diane Sagnier
L’Air Guitar est un sport fédérateur ?
Bien sûr ! Et si je parle constamment des Airnadette,
c’est parce que le Gunther que je suis ne fait pas de
shows tout seul. L’important, c’est qu’à chaque
nouveau spectacle, on retrouve des gens, qui
viennent là pour rire et ça fait du bien. Il n’y a pas de
codes. Sans qu’on sache expliquer pourquoi, le public
accepte toujours le concept et rentre dans son rôle.
Tu t’inventes une nouvelle vie sur scène ?
Je la démultiplie. Un personnage d’Air Guitar, c’est un
prolongement de soi, un peu comme Sacha Baron
Cohen qui interprète Borat. Il entre dans le rôle de son
personnage lors d’interviews, comme ici, mais en

DESTROYER
Interview publiée le 25 septembre 2015
A l’occasion de la sortie du nouvel album de Destroyer — Poison Season — qui nous emmène
sensuellement vers l’automne, nous avons rencontré Dan Bejar qui nous parle de ce nouveau “morceau
de fiction insulaire”. L’artiste qui répète vouloir maintenant prendre son rôle de chanteur de jazz au
sérieux, s’approche des bords de profonds états d’âme sans jamais plonger, explorant une sorte de
vertige à travers des paysages mentaux qui longent l’idée romantique de la chose jamais atteinte. On ne
peut pas parler de retenue quand on l’écoute. Il y a là plutôt une mélancolie maîtrisée qui identifie sa
musique à une forme de détachement lyrique où le ravissement serait du côté d’une vague tristesse.
L’obscurité n’est donc jamais très loin et quand Dan Bejar nous fait presque croire à une résignation, il se
rattrape finalement en évoquant sa musique comme l’empreinte d’une quête passionnée.
Quelle idée avez-vous du romantisme ?
J’ai deux réponses. La première est musicale donc
peut-être historique : des sons de large envergure
mais toujours mélancoliques, des sons peut-être
antérieurs au rock’n’roll, des sons qui font comme
allusion aux européens, qui ne sont pas nordaméricains.
C’est plutôt de l’ordre d’une définition
historique : une influence de la musique classique,
des accords de Jazz qui pour moi sont très
romantiques. Et puis il y a une définition lyrique où le
romantisme évoque ce qui est voué à l’échec.
Pensez-vous qu’aujourd’hui le romantisme soit
anachronique ?
J’ai beaucoup de mal à imaginer des versions du
XXIème siècle, parce qu’il a l’air ruiné. Je suis aussi
plus âgé et donc plus attaché au XXème siècle. J’ai
adoré le XXème siècle, c’était super, vous auriez dû
être là !
Le romantisme du XIXème siècle est-il toujours
possible ?
Non, ce n’est plus possible —je ne réponds pas de
façon personnelle bien sûr, je garde en tête ce que je
fais, des albums. Je pense qu’il y a certains artistes
ou écrivains qui essaient de retrouver cette tradition
simplement parce qu’ils sont attirés par ce qui semble
universel, les formes dégageant une sorte de
classicisme mais qui ne sont pas aussi bonnes. Cela
peut être une béquille mais c’est toujours plus facile
d’en faire quelque chose de beau ou d’étrange que ça
ne l’est avec des sons obsédés par l’idée d’être
actuels. Je pense qu’une jeune personne est plus
impliquée dans ce qui se passe autour d’elle
culturellement — par la culture jeune ou pop — et
peut-être aurait-elle une meilleure réponse à ce que le
romantisme veut dire dans un sens contemporain.
Elle dirait sans doute qu’il s’agit de quelque chose de
sexuel.

Vous parlez comme un dinosaure, vous n’êtes pas si
vieux…
Non c’est vrai, mais quand j’écoute de la nouvelle
musique je me sens distant, je n’ai pas l’impression
d’en faire partie et c’est comme ça depuis plusieurs
années. Il doit y avoir une raison. Un vieux type, oui,
je me suis toujours senti comme ça.
D’une certaine manière, vous essayez dans votre
musique de neutraliser le romantisme quand vous
approchez trop près de ses bords, de même avec le
drame. Vous ne l’atteignez jamais mais vous en êtes
souvent très proche.
Oui. Je ne suis pas acteur, je ne peux pas vraiment
incarner ces états et je me méfie de ce qui serait
seulement cent pour cent émotionnel. Ce n’est pas
très intéressant selon moi de simplement essayer de
peindre une belle image. Cela ne vaut pas la peine à
moins qu’elle soit vraiment belle. Peut-être que je ne
peux pas le faire car je ne sais pas comment m’y
prendre. Mais j’écoute la musique de Destroyer et elle
me semble plutôt en conflit, elle veut toujours faire
deux ou trois choses différentes en même temps. J’ai
l’impression de toujours vouloir une musique assez
large, sensuelle, dramatique. Mais d’autres univers
sont plutôt spécifiques, détaillés et bizarres.
J’aime cette idée de conflit permanent. Connaissezvous
l’écrivain Robert Walser ? J’ai l’impression qu’il y
a un lien avec votre musique.
Peut-être. J’ai seulement lu quelques uns de ses
écrits. Il y côtoie un certain humour noir.
C’est drôle parce que cela semble naïf. Il y a un
tiraillement constant entre des descriptions très
froides et d’autres qui sont presque trop romantiques.
Il faut que je lise plus de ses écrits, je l’ai toujours
voulu. Je pense que quand tu commences à prendre
des influences, comme la littérature et que tu essaies
de les insérer dans ta musique, cela génère une
bataille, parce que j’ai toujours envie d’avoir d’abord
une réaction sensible. C’est la seule réaction que je
comprends en musique, je réagis émotionnellement à
la musique. Je ne sais pas si l’écriture marche de
cette façon ou même si ma manière de chanter
marche ainsi, donc je ne sais pas non plus si le ton de
ce qui est dit ou le ton de tout ce qu’il y a autour
fonctionne. J’ai l’impression que plus je fais d’albums
plus ils deviennent une seule et même chose, un
ensemble. Je pense que c’est le but de l’artiste d’être
une seule chose, unique. Et dans ce sens je devrais
peut-être complètement abandonner la littérature.
Malgré l’aspect d’inquiétante étrangeté de votre
musique, la présence de personnages mélancoliques,
elle, semble confortable, ce qui encore une fois est
conflictuel.
Oui, je ne sais pas parler d’une autre voix. J’ai
l’impression que ce nouvel album est peut-être un peu
différent. Il y a de vrais moments où la personne qui
parle semble méprisable ou diabolique, plutôt que
juste mélancolique. Ou peut-être qu’il y a simplement
une véritable tristesse comme opposée à la simple
mélancolie, qui sont pour moi deux choses différentes.
Mais oui la mélancolie c’est la voix naturelle de
Destroyer. C’est celle qui me paraît la plus consciente
du monde. Et c’est comme une tristesse agréable,
comme quand tu n’es pas dévasté mais que tu as la
sensation que tout est foutu.
Pensez-vous qu’une ville comme Vancouver laisse
une place à la mélancolie ?
Je pense que les gens ont différentes idées de ce
qu’est cet endroit. Quand tu y vas pour la première
fois, tu vois une ville le long de l’océan Pacifique avec
ses montagnes couvertes de forêts en arrière-plan.
Ça a l’air idyllique mais je crois que quiconque y
passe du temps réalise que ce n’est pas vrai. D’abord
parce qu’il y fait gris la plupart du temps et qu’il pleut
en permanence. Mais surtout parce que c’est une ville
écrasée par le capitalisme, ce qui est une véritable
source de tristesse pour n’importe quelle personne qui
n’est pas putain de riche. Elle a probablement une
des populations vivant dans la rue des plus visibles
d’Amérique du Nord — c’est un fait important. La ville
est déchirée.
Je ne pense pas tant que ça à Vancouver, j’y suis
simplement né. J’ai essayé d’en partir mais je ne l’ai
pas fait. Ou peut-être que je n’y suis pas arrivé. Il y a
une chanson que j’ai écrite il y a quelques années,
Chinatown, c’est un quartier que je connais assez
bien. Je marchais sous la pluie et j’ai écris cette
chanson. Cela résume d’une manière très simple ma
relation à la ville. Aujourd’hui, je ne pense plus avoir
aucune envie d’écrire à son propos. J’en ai fini avec
cet endroit. J’y habite, simplement.
Pensez-vous que le côté stérile de cette ville soit la
raison d’une certaine effervescence artistique et
musicale, comme si les artistes avaient besoin d’y
insuffler quelque chose de vivant ?
Elle a une réputation d’endroit inactif. Elle est active
pour y faire du roller ou du vélo, mais si tu es jeune et
que tu as un groupe de musique ou si tu es un artiste,
tu veux généralement en partir. Mais cela reste un
endroit très critique dans le bon sens du terme. La
plupart des groupes que j’ai vu sortir de Vancouver
ont quelque chose que les groupes de Montréal ou de
Toronto n’ont pas et dans ce sens je suis fier de
Vancouver. C’est aussi compliqué de mettre en
lumière quoi que ce soit à Vancouver car tout ce qui
est bon se passe dans l’ombre, et les médias ne
trouvent rien. La scène underground est très
désorganisée. Quand j’étais plus jeune et que je
traînais dans ce milieu, ce n’était pas vraiment cool de
poursuivre la musique de manière fonctionnelle ou
professionnelle. C’était important d’être un raté. Je
vois une différence avec les scènes de Montréal et
Toronto où tout le monde était positif, très actif, où les
gens écrivaient tout le temps sur les groupes, en
parlaient, à travers la presse ou le bouche à oreilles.
À Vancouver tout se passe dans l’ombre, il y a un
rejet plus virulent de la culture mainstream que dans
n’importe quel autre endroit.
Considérez-vous les lieux comme des personnages ?
Je les pense comme des toiles de fond pour drame,

Comme un décor de théâtre. J’associe des villes à
certains albums sans doute parce que j’y ai habité et
écrit un bon nombre des chansons. Cela m’est arrivé
plusieurs fois quand j’habitais en Espagne, ou même
à Montréal. J’ai l’impression de me concentrer de plus
en plus sur ce qu’il se passe en moi quand j’écris,
plutôt que d’être celui qui erre en regardant autour de
lui. Je crois, dans tous les cas, que le dernier album
de Destroyer ressemble plus à un morceau d’une
fiction insulaire, d’un monde intérieur.
Il n’y a donc pas de lien avec le lieu où vous êtes ?
Ou avez-vous besoin de vous sentir chez vous ?
Je pense que je me suis toujours senti revigoré par le
voyage, par le déplacement. J’ai beaucoup écrit dans
des lieux étrangers. Je ne sais pas si c’est encore
vrai. Je crois avoir perdu tout intérêt pour certains
aspects du monde.
J’ai l’impression que la mélancolie peut provenir d’une
nostalgie permanente du chez-soi.
Je ne me suis jamais trouvé quelque part où je me
sentais complètement chez moi. Peut-être que c’est
ça, d’une certaine manière, l’idée de ne jamais se
sentir à sa place. Tu sais j’habite à Vancouver, mon
père était espagnol et ma mère vient de Californie, je
ne me suis jamais vraiment senti canadien. Je ne dis
pas que si j’avais grandi en Espagne ou à Los
Angeles je me sentirais complètement chez moi. Je
ne pense pas que ce serait le cas. Je me suis toujours
senti un peu en dehors de tout.
Quand je parlais d’anachronisme, je pensais au côté
passéiste de votre musique, mais en même temps le
recours permanent aux cuivres la rend très présente,
vivante.
Je n’ai jamais pensé aux cuivres comme un symbole
du corps — c’est du véritable souffle. J’ai toujours
adoré les trompettes et saxophones. Je crois que je
suis juste cupide, et plus je pense à la musique que
j’ai écouté ces dernières années, plus j’ai envie de
m’en emparer et de l’utiliser pour moi-même. Il y a
quelque chose que j’obtiens de ces instruments qu’il
n’y a pas chez les autres. Cela appartient aussi à une
tradition qui me permet de sortir un peu de moi-même,
surtout si je suis sérieux dans le fait de devenir un
chanteur de jazz, je dois m’envelopper de ces
influences. Je ne le vois pas comme une décision
consciente ou une construction, ce sont des sons que
j’aime, c’est tout. Ce sont des choix simples.
Allez-vous jouer d’un instrument pendant votre
prochaine tournée ?
Non, je considère vraiment sérieusement le fait de ne
toucher aucun instrument. Je l’ai fait pendant
longtemps, puis j’ai arrêté il y a quelques années. Je
crois que ça m’a vraiment aidé, car je ne prenais pas
le rôle de chanteur au sérieux jusqu’à ce que je pose
la guitare. Je pense que ma manière de chanter s’est
améliorée une fois que j’ai fait cela, j’ai même changé
mes chansons et ce que je pensais qu’il serait bien de
chanter. Ça semble traumatisant, mais je crois que ça
a changé toute mon idée de ce que je fais, parce que
j’aime avoir des boucliers. La guitare était ce derrière
quoi je me protégeais. Quand je me tiens là juste
debout sans rien, c’est beaucoup plus intense.
Vous évoquez souvent la rédemption, il y a également
quelques personnages bibliques dans vos morceaux.
Souhaitez-vous parler de la part mystique de votre
musique ?
Je ne sais pas comment en parler sans avoir l’air fou
ou prétentieux. Je me fiche que l’on pense ça mais ce
n’est pas vraiment qui je suis. Je pense que dans
d’autres arts, comme la poésie, c’est assez simple de
faire partie de cette tradition ou d’utiliser ces images,
alors qu’en musique c’est impossible de le faire ou
d’en parler sans rappeler Jim Morrison. Je sais qu’il
est très important ici à Paris et je l’aime beaucoup,
mais il y a une version caricaturale de la mystique —
la mystique rock’n’roll — que je ne trouve pas très
intéressante. En revanche, il y a la mystique de
Clarise Lispector, l’idée de la quête. Ce n’est pas la
quête d’un sens mais plutôt la recherche d’un
éclairage dans son travail. Je trouve ça plutôt normal
en ce qui concerne l’écriture musicale, c’est une
tradition bien ancrée ; on retrouve cela chez des gens
comme Van Morisson ou Joni Mitchell, même dans
des éléments du travail de Dylan tu peux ressentir une
certaine ferveur religieuse. Tu veux utiliser l’imagerie
religieuse et les personnages religieux pour que les
gens comprennent à quel point ce que tu essaies de
faire ou de révéler est important.
Je ne le vois cependant pas comme un élément
crucial dans la musique de Destroyer, jusqu’à ce
dernier album. Pour une raison que j’ignore il a l’air
perdu dans le monde, errant, et le spectre de la mort
le surplombe. C’est un album (Poison Season) plus
lourd que d’habitude. Mais je ne m’assieds pas en me
disant “Tiens, c’est l’heure du mystique, l’heure
d’écrire une chanson mystique“. Je n’écris pas en y
réfléchissant à deux fois, c’est très instinctif. Si j’en
parle, je ne fais que regarder en arrière et essayer de
comprendre ce que j’ai fait. Mais, d’une part, je n’ai
aucun désir de comprendre ce que j’ai fait, ça ne
m’intéresse pas. Je veux simplement que ça existe,
que ça exerce une sorte de force et, d’autre part, à la
minute où j’en parle, je suis sûr que ça change. Je
vois un morceau d’une certaine façon un jour, et le
lendemain il peut prendre un tout autre sens.
Donc on devient artiste ou musicien par manque de
religion ?
Selon moi les artistes sont supposés exprimer tout ce
que je suis incapable de dire maintenant, aussi
sensiblement que possible. L’art doit aussi être
conscient qu’il ne pourra jamais complètement
exprimer cette chose. Mais tu laisses une trace de ta
quête, ou une trace de ta lutte, et c’est ce qui d’une
certaine façon est touchant. Ou bien c’est nul et ça n’a
rien d’émouvant ! Tout ce que j’essaie de faire avec
Destroyer, c’est rattraper ce manque dans le monde
qui m’entoure…
Propos recueillis et interview par Gaëlle Cognée

Ces photos ont été prises le 13 novembre 2015
pendant le Concert du groupe Eagles Of Death Metal au Bataclan, à Paris, par Manuwino.
Elles sont publiées ici en format libre de droit et disponibles à la diffusion sans modification,
recadrage ni retouche supplémentaire sur simple demande
auprès de Manuwino.
À Thomas. À Marie.
À tous ceux qui étaient là. À leurs regards. À leurs sourires.
À Paris. À la vie.
À la Génération Bataclan.

FRANZ
FERDINAND
Interview publiée le 3 septembre 2013
C’est à l’étage d’un troquet Parisien que notre rencontre avec les Franz Ferdinand prend place. Très vite, on a le
sentiment de discuter avec des types qui sortent de leur tanière. Et pour cause, voilà plus de quatre longues
années que la bande Ecossaise n’avait pas sorti un seul morceau sous ce nom. Après une période de doute
avec l’album Tonight, electro et pessimiste, mais follement bon, il était temps pour les quatre garçons de
retrouver le sourire en nous présentant “Right Thoughts, Right Words, Right Actions“, simple, direct et efficace.
Quoi de mieux que de laisser la parole à Alex Kapranos, leader incontestablement doté d’un charisme explosif ?
Là ou un Alex Turner se grime en un Elvis Presley de manière poussive, Kapranos reste lui même et attribue les
bons et les mauvais points…
Que s’est-il passé pour les Franz Ferdinand ces
quatre dernières années ?
Nous avons sorti notre album Tonight en 2009, puis
nous avons tourné ensuite jusqu’en 2011. Nous avons
décidé de faire une pause, pour que chacun puisse se
consacrer à ses projets personnels dans son coin
pendant un petit moment. J’ai produit plusieurs
albums, Nick a fait de la musique pour du théâtre par
exemple et nous nous sommes retrouvés pour
recommencer à écrire des chansons ensemble. Nous
voici aujourd’hui, devant vous.
A quel moment avez-vous décidé de travailler sur ce
nouveau disque ?
Il y a un an et demi. Nous voulions garder une
véritable spontanéité dans notre travail, que ce qui
sorte du studio reste frais. On a alterné sessions en
studio et tournées en festivals, pour un peu se
changer d’air. Nous avions disparu ces dernières
années, oui, mais c’était absolument voulu. On ne
l’avait jamais fais auparavant. Nous avions envie de
disparaître. On ne voulait pas se sentir scrutés par les
gens ni que l’on parle trop de nous. Si tu parles de toimême,
tu es conscient que tu es en train de créer
quelque chose, et ça te fait justement perdre toute
spontanéité.
Moins on parle de vous, mieux vous travaillez ?
Je pense, oui. Tu trouves toujours de meilleures idées
quand on te laisse tranquille. Mais c’est surtout qu’il
n’y a globalement rien à dire sur nous. Aujourd’hui, on
a un nouveau disque, on a de la matière à défendre.

Ce n’est pas vraiment intéressant de dire à la presse
que tu es en train d’essayer mille choses en studio.
C’est la différence, pour moi, entre les artistes et les
célébrités, même si, médiatiquement, les routes se
croisent. Nous ne sommes pas des célébrités mais
des musiciens. On aime que les gens s’intéressent
aux bonnes choses. A nos chansons. Surtout.
Enregistrer votre disque par sessions, c’était un
moyen d’éviter l’isolation ?
Oui. On l’a fait pendant quelques temps, mais cela ne
dépassait jamais les deux semaines. S’isoler, c’est
devenir claustrophobique, oublier l’objectif final des
chansons et ça reniait aussi notre versant live. On
aime la scène, il ne nous fallait pas perdre l’énergie et
l’adrénaline de ces moments. C’était agréable de faire
des pauses, de parcourir des festivals. Nous avions
un véritable désir d’aller vers les autres avec ce
disque, de trouver des idées pour les transformer en
chansons. Et il est vrai qu’il est plus difficile de trouver
des idées, enfermés entre quatre murs dans un studio
sous terre.
A l’écoute de votre album, on a un sentiment de retour
aux sources du son Franz Ferdinand…
Je pense que nous sommes revenus à l’essence
même du groupe, en effet. Je me souviens d’une
discussion avec Peter Bjorn en 2011 autour d’un café
à Glasgow, où il nous demandait comment le disque
allait sonner. On a juste répondu “Franz Ferdinand” !
Nous avons essayé de faire évoluer les choses mais
sans oublier les bases de notre son et de son identité.
Peter avait quand même répondu “Ah oui, un mélange
entre Daft Punk et Dr Feelgood”. C’est une remarque
que l’on nous fait souvent. C’est amusant parce qu’on
a ajouté des éléments jamais entendus dans notre
musique avec ce nouvel album, comme du
saxophone, des cuivres, un solo de hautbois même,
mais on a tenu à garder une sorte d’efficacité
particulièrement importante pour nous.
Vous avez un peu mis les synthétiseurs de côté ?
Il y en a ! « Love Illuminations », « Goodbye Lovers
And Friends », « Stand On The Horizon »mais
contrairement à Tonight, nous n’avons pas basé les
chansons que sur cela..
Quatre après, quel regard portez vous sur Tonight ?
À cette période, nous étions plutôt pessimistes,
fatigués du monde qui nous entourait, et nous
voulions faire quelque chose de très différent de ce à
quoi les gens pouvaient s’attendre. S’il fallait décrire
notre groupe en un seul mot, j’utiliserai le terme
“contraire”. Lorsque nous nous sommes formés, nous
voulions sonner à l’opposé de tout ce qu’il se faisait,
et c’est dans cette même philosophie que l’on a fait ce
disque, qui reflétait aussi nos états d’esprits
personnels à cette époque…
Vous avez donc travaillé ce nouvel album par
opposition totale à Tonight alors ?
Oui ! C’était en pure réaction à cette période. Mais les
choses se sont faites naturellement, comme une
évolution !
Et ce sera la même pour le prochain ?
Je n’en sais rien, je n’ai pas envie de le savoir. Peutêtre
qu’un jour nous nous poserons. Des contraires
contre des contraires contre des contraires, c’est
infini.
Right Thoughts semble plus “léger” ?
Je ne sais pas si “léger” est le bon terme mais je
comprends ce que tu veux dire. Nous nous sommes
focalisés sur les bonnes mélodies en tout cas. Nous
avions un but précis : faire des chansons qui
fonctionnent à l’instinct, sanguines, directes. Nous
voulons que les gens ressentent quelque chose dès la
première écoute, mais aient aussi envie d’y revenir
plus tard, dans le détail. Notamment au niveau des
paroles : la majorité des textes se présentent comme
des grandes questions. Chacun peux y réfléchir à sa
façon en fonction de son humeur. C’est aussi
intéressant. Mais dans tous les cas, nous sommes
d’humeur beaucoup plus « sympathique » avec ce
disque que pour Tonight.
Vous semblez moins prendre de risques…
Je pense qu’il est beaucoup plus risqué de trouver de
vraies mélodies, avec des bons refrains, plutôt que de
faire quelque chose de complètement abstrait et
tortueux. Ces chansons sont très faciles à écouter,
mais bien plus compliquées à écrire. Il faut beaucoup
d’effort pour justement avoir un résultat qui ne
s’écoute sans aucuns efforts.
Peter Bjorn, Todd Terje : Qu’est ce qui a autant
amené les Franz Ferdinand en Scandinavie ?
Le monde froid qui nous entoure et son cœur de glace
impartial (rires) ! Plus sérieusement, nous adorons la
scène scandinave : Lykke Li, Lindstrom, les dernières
sorties de Terje. J’ai l’impression qu’il y a une
véritable humanité dans la musique de ces gens là.
Peter (Bjorn, ndlr), lui, est un ami de longue date.
Quel regard portez vous sur l’industrie musicale
depuis que vous nous avez quittés il y a quatre ans ?
Il n’y avait pas de Skrillex à l’époque…
L’Amérique a découvert l’EDM trente ans après sa
naissance, les jeunes groupes peuvent
malheureusement de moins en moins se permettre de
vivre de leur musique, mais je retiendrais surtout le
boom de la musique électro. Quelques uns font du
bon boulot, mais la grande majorité de ce qui en sort
est plutôt merdique et c’est comme cela dans tous les
genres ! On a récemment joué avec Major Lazer en
Argentine, c’était assez marrant à voir sur scène, c’est
plus un show que de la musique. Mais les choses
risquent bien de changer. Notamment à cause de
l’album de Daft Punk : l’influence que ce groupe arrive
à avoir est impressionnante et indéniable. Bravo la
France !
Propos recueillis par Brice Bossavie

CHVRCHES
Interview publiée le 24 octobre 2013
On s’est tapé des barres avec les Écossais CHVRCHES. Ils nous accueillent le sourire aux lèvres et font preuve
d’une auto-dérision qui nous met d’emblée à l’aise, entre potes. Si l’on vous dit : Taxidermie, internet, accent à
couper au couteau et démocratie, vous voyez le rapport entre tous ces termes ? Ou pas ? “On devrait peut être
consulter un psy”, nous déclarent-ils avant de partir. Lisez-donc pour mieux comprendre…

Le choix du V de Chvrches, c’était pour faire hype ou
surtout pour faciliter les recherches sur Google ?
Lauren : C’est principalement dû au fait qu’on a
commencé à vouloir déposer notre nom de domaine
et “Churches Music” ou “Churches Band” ne
donnaient pas grand chose. Parallèlement, notre amie
Amy avait fait un logo pour nous -elle fait tout nos
artworks désormais- et déjà, cet artwork avait ces
figures en formes de V. Nous avons décidé de le faire
correspondre au nom du groupe. C’est plus une
question esthétique mais aussi la nécessité d’être
facilement reconnaissable sur Internet. Cela peut
paraître idiot mais c’est comme cela que les gens
trouvent le plus facilement notre musique.
Nous avons eu la même conversation il y a quelques
temps avec “!!!”
Martin : (Rires) Les gens ont enfin compris, après
toutes ces années !
Il faut écrire Chk Chk Chk, sinon ça ne donne rien…
Martin : En tout cas nous ne sommes pas vraiment
des hipsters donc ce n’a jamais été pour ça.
Et qu’est ce qu’un hipster pour vous ? Ca n’a pas
vraiment de sens.
Iain : Conduire un monocycle en portant une
moustache frisée ?
Lauren : S’amuser de tout de manière ironique, ça me
dépasse, pourquoi pas rire, simplement.
Martin : La boisson immonde que tout le monde boit à
Berlin, comment s’appelle-t-elle ?
Lauren : Club-mate ?!
Martin : Oui, ça c’est hipster !
C’est quoi ?
Lauren : Une boisson qui ressemble à une bière mais
qui est, en réalité, plutôt de la limonade. Il y en a dans
tous les cafés de Berlin.
Martin : Et la taxidermie, ça a été cool à un moment…
Iain : Si les hipsters achètent nos disques et aiment
notre musique, tant mieux !
Le nom de domaine de votre site web est enregistré
en Espagne, pourquoi ?
Martin : Un type a acheté tous les domaines
“chvrches.com” dès que nous sommes devenus ce
groupe pour ensuite nous les revendre contre un
accès backstage à vie pour nos concerts et 3000
euros. On lui a dit qu’il pouvait avoir le Pass et un
point dans la figure mais pas l’argent.
Lauren : Il faut croire que c’est plus répandu qu’on ne
le pense, des gens gagnent bizarrement leur vie
comme cela. C’est absurde. On n’allait pas payer
quelqu’un qui nous avait doublé. Surtout qu’il n’avait
pas été assez intelligent pour penser à acheter le
domaine en Espagne, du coup on a pu échapper à ce
chantage. Les gens pensent probablement que c’est
un effet de style de voir écrit chvrch.es mais c’était
surtout un moyen pour ne pas rester dans l’ombre du
net.
Vous avez joué au festival de Pitchfork à Paris en
2012, qu’est ce que cela représente pour vous ?
Iain : D’un côté, il y a Pitchfork, mais aussi tous les
blogs, les sites internet et magazines autres, comme
CRUMB, qui sont en grande partie responsables de la
vitesse à laquelle nous avons attiré l’attention des
gens. Vu d’un grand angle, Internet c’est chercher
puis trouver une information. La façon dont les gens
peuvent télécharger des morceaux sur leur téléphone
n’importe où, en une minute a un impact sur la vitesse
à laquelle les gens commencent à s’intéresser à des
groupes comme nous. Je trouve cela extrêmement
positif. Ce ne sont plus les labels qui décident de ce
qui doit être entendu ou non, n’importe qui peut
apparaître en ligne, sur Pitchfork ou une centaine
d’autres médias en lignes et c’est vraiment, pour
chaque partie, un moyen de communication excitant.
Martin, ton accent me rappelle celui des acteurs de La
Part des anges de Ken Loach…
Martin : C’est parce que je viens du coin le plus
pauvre, c’est ça ? Je n’ai pas encore vu ce film mais
si tu trouves mon accent difficile, essaie encore de
comprendre ce que je dis après quelques verres.
Lauren : Même moi je n’y comprends plus rien. On vit
tous à Glasgow mais on vient d’endroits
complètement différents. Martin est né pas loin, Ian
vient de l’autre côte de l’Ecosse et moi plus du nord.
Parlez-nous des thématiques de vos morceaux.
Lorsque l’on regarde simplement les titres, elles
paraissent assez sombres et en rapport au corps
humain.
Lauren : Pour Under The Tide, je pensais à ces
documentaires où l’on peut observer les vagues, leur
mouvement et l’écume par en dessous, tout paraît
plus calme, comparé à ce qu’on peut ressentir lorsque
l’on est à la surface, remué par la houle. Par rapport
au corps, j’ai réalisé après avoir fini l’album que l’on
avait travaillé sur beaucoup de références aux
membres, pour rendre l’impact ou l’émotion plus
physique, je pense. Parler de choses que l’on ne peut
pas vraiment voir comme les os et les rendre visible
par la musique me fascine.
Iain : On devrait peut être consulter un psy.
Lauren : Oui, pourquoi suis-je inspirée par des
jambes, des hanches ? Je ne sais pas. Mais c’est
intéressant de voir comment les gens se
réapproprient nos titres. The Mother We Share
explore le thème de l’espoir ou son manque, mais
cela ne parle pas de famille au sens propre. Les
paroles sont plus dans l’impression que dans la
narration d’une histoire particulière. Une fille nous a
envoyé un mail pour en connaître son sens car elle
comptait utiliser cette chanson pour danser avec son
père à son mariage et nous étions vraiment surpris.

Nous étions partagés par un sentiment hyper touchant
et en même temps la réalité qui est que ce n’est pas
vraiment une chanson joyeuse pour danser avec son
père. Il est question de désespoir, d’échec mais de la
nécessite de continuer. Elle, semblait penser qu’il
s’agissait de gens qui restaient unis malgré tout. Ce
rapport à la différence entre plusieurs niveaux de
lecture est génial. Il faut tout toujours laisser planer du
mystère sur les chansons pour que chacun puisse en
profiter comme il l’entend.
Vous avez remixé Hurricane de MS MR, c’est un
exercice qui vous plait particulièrement ?
Lauren : C’est vraiment quelque chose de sympa à
faire, s’amuser avec le travail de quelqu’un d’autre et
faire quelque chose de différent. Comme une belle
chaîne de créativité en se réappropriant une matière
qui n’est pas la nôtre. Ca aussi, c’est une question de
lecture ou de relecture !
Martin : Si on est dans un studio en train de mixer et
que quelqu’un nous suggère de remixer Speed
Demon de Micheal Jackson, la première réaction est
toujours « C’es complètement malade ». Puis, on le
fait parce qu’on réalise qu’il est important de ne pas
avoir peur d’explorer les morceaux, ne pas les
considérer comme trop précieux ou intouchables.
Nous faisons aussi des DJ set, sous deux formes, la
première exclusivement électro, la seconde consiste
seulement à faire danser le public jusqu’au petit matin.
Chacun d’entre nous s’en charge. Lauren mixe surtout
dans les soirées les plus importantes, moi, je
commence à prendre ce jeu au sérieux maintenant, si
je n’étais pas un musicien je serai DJ. C’est nul sur le
papier mais je gagnerais plus d’argent, je crois.
L’adjectif “démocratique” revient souvent dans vos
interviews, par rapport à votre manière de travailler.
Comment arrivez vous à surmonter les désaccords
pouvant survenir quand il faut composer de la
musique à trois ?
Martin : La démocratie c’est se battre pour ses idées.
Tout le monde a son mot à dire, chaque jour, mettre
en avant des arguments, des raisons, la discussion en
studio est fondamentale. Si il y a un problème mais
qu’il est vite oublié, on n’y revient pas. On essaie. En
revanche, si des doutes persistent, on prend le temps
qu’il faut pour les mettre à plat et avancer, à trois.
Lauren : C’est une question de respect et de
confiance mutuelle, je crois. Un partenariat divisé
entre le travail et l’amitié crée une vraie dynamique.
Bien sûr on se dispute à 5h du matin à l’aéroport, en
studio, en voiture, partout mais quand il s’agit de
choses vraiment sérieuses, qui touchent au fond de la
musique, à sa forme, on prend le temps de réfléchir.
Encore plus lorsque nous prenons du recul sur ce que
nous avons vécu depuis quelque temps, il faut être
sûr que nous nous sentions à l’aise dans le groupe,
chacun à sa place. Les écossais ont la réputation de
communiquer, de beaucoup exprimer leurs
sentiments. Cela se ressent à travers notre groupe.
Pur sarcasme, vous l’avez compris.
Martin : Les écossais expriment leur sentiment une
fois tous les 9 mois théoriquement.
Iain : Cela se passe souvent dans un bar d’ailleurs.
Un type s’enflamme devant son meilleur pote « I really
love you man, I would use a fucking for you » et le
lendemain matin c’est oublié. Jusqu’à une nouvelle
démonstration d’amitié…
Martin : 9 mois plus tard.
Lauren : Pourquoi ai je choisi d’être dans ce groupe,
avec ces deux mecs ?
Propos recueillis par Bastien Internicola
Traduction : Alice De Jode
Photos : Justine Tellier, pour Crumb magazine

PHOTO
Interview publiée le
Choisir comme nom “Photo” lorsqu’on est un groupe de musique est un pari risqué. Un choix audacieux,
pour mieux traduire, peut-être, l’influence esthétique et graphique des textes du groupe et l’imagerie
visuelle qui s’en dégage. Photo c’est Antoine et Augustin, deux frères passionnés de musique, qui, par
leur rencontre avec Théo et Pascal ont su mettre à profit l’étendue de leur talent. Une complémentarité
musicale totale qui donne à ce groupe l’un des cachets les plus prometteurs de la scène French Touch.

Vous avez commencé la musique par la formation
d’un autre groupe, les Racing Seagulls…
Antoine : Oui mais ça remonte à loin ! Au départ cela
fait 4-5 ans que l’on joue ensemble, avec divers
musiciens. On a essayé de trouver notre univers mais
c’est seulement quand Pascal est arrivé (le bassiste,
ndlr), que cela a fait une vraie différence. Quelque
part on a l’impression d’avoir mûris pendant cette
première période, de s’être trouvé musicalement. Mais
il n’y a pas grand-chose de passionnant à dire sur nos
anciens groupes
Augustin : Il n’empêche que ces formations nous ont
appris à jouer ensemble, à se connaître musicalement
mais par rapport aux projets que l’on fait aujourd’hui,
par rapport à PHOTO, il n’y a pas de lien direct, ni de
vraie influence.
Il y a dans votre rapport à la musique quelque chose
de très personnel, que vous explorez depuis
longtemps…
Augustin : Antoine et moi, on ne vient pas vraiment
d’une famille où la musique est importante, mais c’est
vrai que très jeunes on s’est retrouvés là-dedans.
C’est plutôt une démarche personnelle, autodidacte et
je pense que ce qui fait notre originalité musicale c’est
qu’aucun d’entre nous n’as appris à jouer d’un
instrument dans un schéma classique. A l’âge de
quinze ans, je savais que je voulais être musicien et
j’ai entrainé Antoine avec moi là-dedans…
Antoine : Je suis arrivé, pour ma part, à la musique,
par des chemins de traverse (le théâtre, le cinéma,
ndlr). J’ai mis plus de temps à me focaliser sur
certains domaines. Et puis j’ai été reçu dans une
école prestigieuse de cinéma (l’INSAS, ndlr), en
Belgique, pour des études. Je ne pouvais pas passer
à côté de cette opportunité. On commençait à mettre
en place quelques créations, j’ai dit aux garçons « Ne
vous arrêtez pas pour moi, j’en ai pour 5 ans, trouvez
un autre chanteur », et la réponse a été unanime :
Hors de question. Ils sont venus me rejoindre en
Belgique et l’on a vécu tous ensemble. Ce qui est
assez dingue d’ailleurs. C’est ce genre de choses qui
a fait que ce groupe est aujourd’hui incassable. Et
puis, je ne sais pas si tu connais la Belgique, mais ce
n’est quand même pas Hawaï. Ils n’étaient pas
obligés de me suivre. On a loué là-bas une maison
immense pour le prix d’une chambre de bonne à
Paris. On y jouait toute la nuit. Il y a une relation à
l’espace et au voisinage totalement différente d’ici. Et
les gens aiment vraiment la musique. Est-ce que dans
l’interview, tu peux peut mettre « États- Unis » à la
place de Belgique, peut-être, non ?… (Rires).
En fait, vous ne seriez pas allé en Belgique, il n’y
aurait pas eu de vraie émulation au sein de PHOTO ?
Théo : On ne peut pas vraiment répondre. En tout
cas, je ne pense pas. Mais c’est vrai que se retrouver
tous ensemble nous a aidé à apprendre à mieux se
connaitre et à faire naitre un langage commun.
Aujourd’hui, on arrive vraiment à se comprendre. On a
su créer notre bulle.
Antoine : En Belgique, on répétait tous les jours et je
crois que c’est une phrase de Kurt Cobain qui dit, «Un
groupe sérieux doit répéter au moins 4 fois par
semaine», le temps de trouver son propre style, de se
chercher. Je crois que c’est vrai. Si l’on avait eu
qu’une seule répétition par semaine, dans un grand
studio parisien, avec 2 heures pour jouer, nous
n’aurions pas eu le temps de chercher des choses ni
même de nous planter. Je pense au travail de la voix
notamment. A force de s’enregistrer, d’essayer, tu
trouves une voix, un timbre qui te semble être le tien
et tu essaies de le traiter de telle ou telle manière,
mais cela prend du temps et tu ne peux pas le faire en
ne répétant que 2 heures par semaine.
Théo : Pour nous, le son a une vraie importance. On
le place au-dessus de la technique. Donc il est vrai
qu’avoir eu la possibilité de répéter 7 jours sur 7, nous
a permis de vraiment maitriser notre travail.
Après l’arrivée de Pascal, il y a eu un temps
d’adaptation ?
Antoine : Pascal (qui n’est pas encore arrivée à ce
moment de l’interview, ndlr) a toujours eu une manière
très particulière de jouer, c’est quelqu’un de très
mélomane. Beaucoup plus que ce que l’on pourrait
attendre d’un bassiste qui se contenterait de suivre la
ligne de basse. Lui, apporte quelque chose de très
travaillé. On pourrait avoir, c’est vrai, un bassiste plus
simple qui ne nous poserait pas de problèmes et s’en
contenter, mais les problèmes que nous pose Pascal
enrichissent toujours d’une manière ou d’une autre
nos compositions. D’ailleurs, si vous avez l’occasion
de tendre l’oreille vers ce qu’il fait, il a des lignes de
basse très particulières, avec un style bien à lui. Il a
vraiment trouvé sa place et affirmé son style.
Augustin : Le groupe est devenu vachement plus rock
à une période et c’est beaucoup grâce à lui. C’est un
excellent mélodiste. Il a libéré les autres instruments
qui étaient un petit peu frustré par le manque de
basse. Ca a, du coup, épanoui le groupe et a permis à
chacun de se concentrer sur son propre instrument.
(Un temps) finalement, je me dis que l’on a toujours
eu de la chance dans notre cheminement artistique.
Je ne parle pas en termes de contrat ni de réussite,
mais par exemple l’arrivée de Pascal, ce genre de
chose… Ou le fait que tout se passe bien en Belgique.
Sans chercher de bassiste, on en a trouvé un, très
bon, au bon moment !
Antoine : Nous sommes nous quatre, en perpétuel
mouvement d’adaptation. On aime la musique qui
parle aux gens. Donc à chaque fois qu’un morceau
nous parait trop compliqué, on essaie de le
retravailler. Un message simple en somme, pas trop
long, mais profond, qui va vite à l’essentiel, à
l’évidence. On ne cherche pas à faire des choses
extraordinaires. Tout le monde pourrait faire ce que
l’on fait mais personne ne le fait !
Théo : Au début surtout, juste après nos premiers
concerts, on centrait nos compositions sur ce qui
plaisait ou non au public. On est encore aujourd’hui en

train de se remettre en question. Même si l’on est
parfaitement convaincu de notre démarche artistique,
on vit notre aventure à cinq : nous quatre et le public !
La femme de notre bassiste filme la plupart des
concerts et cela nous permet vraiment de nous mettre
face à face, de regarder les détails à améliorer, les
choses qui ne fonctionnent pas…
Donc chaque concert est différent ?
Théo : Chaque concert diffère parce qu’après chaque
remise en question, on essaie de mettre en forme un
espèce de «savant mélange musical», de manière à
ce qu’à chaque fois le public soit réceptif de façon
différente.
Antoine : Ce n’est ni prétentieux ni populiste. On n’a
pas la vanité de se retrouver face à un public qui ne
s’amuserait pas, on le prend donc en considération.
Et puis sur scène, on essaie de ne pas s’enfermer
dans une bulle, mais d’être véritablement présent et
de s’amuser. Ne serait que pour moi, qui chante, être
face au public, les yeux ouverts et regarder les gens,
c’est quelque chose qui frappe, qui fait toute la
différence, par rapport à un chanteur qui fait semblant
d’être aveuglé ! Je crois savoir que tu fais du théâtre,
alors tu dois connaître cela…
Absolument ! Donc, en quelque sorte, pour résumer,
vous faites de la musique participative ?
Antoine : C’est un peu ça, oui ! Pour nous, avoir une
démarche qui tient compte du public, c’est avoir une
vraie démarche d’artiste. Un artiste qui se parle à luimême,
que ce soit en sculpture, en peinture ou au
cinéma, cela peut être très beau mais ça reste stérile.
Est-ce que cette manière de vouloir à tout prix tenir
compte du public n’enlève pas un peu de spontanéité
à votre travail ?
Augustin : Non, je ne pense pas. Si on sent que le
public décroche, on se regarde, on est à l’écoute, on
décide d’adapter l’interprétation à ce que le public
aime. C’est une remise en question sur scène, il n’y a
rien de figé. C’est d’autant plus spontané que l’on est
réellement intéressé par le procédé chimique qui fera
que tel ou tel morceau va plaire ou non à un moment
donné.
Augustin, tu parlais toute à l’heure d’une période
plutôt rock. Puis vous avez dérivé vers la pop. Vous
êtes à quelle frontière aujourd’hui entre les deux ?
Augustin : Sur une frontière électro rock !
Pascal (qui vient d’arriver) : Mais cela se voit
davantage en live que sur ce que l’on propose à
l’écoute sur notre MySpace actuellement.
Augustin : Le truc c’est qu’on évolue très vite. Quand
on enregistre, qu’on se réécoute quatre mois après,
on a envie de passer à autre chose. Ce n’est pas de
l’autocritique, mais une vraie recherche d’évolution. Et
l’avantage aussi de n’avoir pas signé avec un label,
c’est que cela nous laisse le temps de changer, de
bouger, de prendre d’autres orientations. Et on
expérimente cela en live.
Vous pensez d’abord au live avant de composer ?
Théo : Oui. Je pense que l’avenir de la musique, en
tout cas à l’heure actuelle, se joue sur le live. Et puis,
il y a un vrai plaisir personnel…
Il y a un rapport esthétique assez important dans le
groupe. Antoine, tu as fait des études
cinématographiques, avec sans doute, une certaine
influence. C’est toi qui écris les textes ?
Antoine : Moi et ma femme. Oui, je suis marié, tu n’es
pas obligé de le mettre dans l’interview !
Comment travailles-tu pour reproduire tes influences
graphiques dans les textes ?
Antoine : Tu as senti une influence graphique dans les
textes ?
Oui !
Antoine : C’est génial, parce que les gens n’écoutent
généralement pas les paroles. Dans la construction,
cela dépend. Par exemple, pour Big, on est parti de
Max et les Maxi monstres, d’une esthétique enfantine,
un espèce de rêve-cauchemar. Il n’y a pas de
référence de film pour chaque morceau mais
l’élaboration d’un univers cinématographique imagé.
Si l’on sent des références, elles ne sont pas
forcément conscientes donc ?
Antoine : Exactement. Et comme j’écris en anglais et
que je n’ai pas vraiment de référence littéraire –
même si je comprends tout ce que j’écris hein (rires),
j’ai des références visuelles. C’est aussi pour cela que
l’on s’appelle PHOTO. Il y a l’image, la lumière, un
langage simple, minimaliste, universel.
Sur scène, est-ce que cela se traduit par un
esthétisme particulier ?
Antoine : Pas pour le moment. Nous n’avons ni les
moyens ni le public pour. On a joué dans plein de
petites salles parisiennes, mettre en place une vraie
mise en scène déshumaniserait le concert. Et puis
comme on a mis pas mal de temps à trouver notre
son, nous n’avons pas vraiment défini l’esthétique
graphique du groupe. On teste des trucs. Et comme le
son bouge très vite, c’est assez difficile de suivre
l’image. Mais dans un avenir riche et célèbre, on fera
des shows à la Madonna !
Pour finir, un titre que vous écoutez en ce moment,
que vous aimez particulièrement ?
Antoine : Lady Dada’s Nightmare, MGMT
Pascal : Wax Simulacra, The Mars Volta
Théo : The Rip, Portishead
Augustin : Et moi ? Myxomatosis, de Radiohead
Propos recueillis par Thomas Carrié

CHARLOTTE OC
Interview publiée le 6 mars 2015
Il y a quelques mois, on vous parlait de Charlotte OC,
jeune anglaise de 24 ans, qui débute sa deuxième vie
dans l’industrie musicale. Burning, son nouvel EP,
sort aujourd’hui. Passée par Paris en novembre
dernier pour le Pitchfork Music Festival, Charlotte OC
est revenue dans la capitale française soutenir The
Avener, lors d’un enregistrement pour la télévision.
L’occasion pour nous de rencontrer cette artiste et
d’en savoir plus sur elle et sur son univers, à quelques
heures de son retour en Angleterre.
Le dédale d’Universal, dans le Vème arrondissement
de Paris. Il est bientôt l’heure de déjeuner et je n’ai
que vingt minutes pour faire connaissance avec
Charlotte OC. Alors que je parcours les nombreux
couloirs et escaliers du label, j’ai les yeux rivés sur
mes notes. Il faut être efficace et aller vite me dit-on.
Frustrant.
Lorsque j’entre dans la salle de réunion, Charlotte OC
vient de terminer une interview. Assise autour d’une
grande table ronde, entourée de sièges mais
complètement seule, elle illumine la pièce. Sourire aux
lèvres, elle accepte le café qu’on lui tend et me lance
un « Salut ». Longs cheveux couleur corbeau
parfaitement lissés, visage angélique, regard rieur, la
jeune artiste impose par sa présence. Elle me tend
une poignée de main délicate.
“Je suis à Paris pour quelques jours. Je travaille avec
The Avener. On a enregistré l’émission C à vous,
explique t-elle.” Le DJ français et l’artiste anglaise ont
été mis en relation par leur label. The Avener avait
besoin d’une chanteuse pour l’émission de France 5 –
le morceau est, à l’origine, interprété par Phoebe
Killdeer and The Short Straws – et le label a suggéré
Charlotte. “On a fait quelques répétitions et puis on a
filmé. C’était vraiment sympa comme moment, surtout
que c’était ma première collaboration avec un autre
artiste.” Le résultat : une interprétation habitée sur le
plateau d’Anne-Sophie Lapix. The Avener et Charlotte
OC se sont totalement approprié le morceau de
Phoebe Killder, lui donnant une dimension plus
électro, presque mystique.
Flashback.
Charlotte O’Connor est à peine majeure et vient de
signer avec le label Columbia. Elle enregistre un
premier album, For Kenny. Il ne sera jamais
commercialisé. A l’évocation de ce premier essai, elle
sourit. Elle garde une certaine bienveillance à l’égard
de cette expérience musicale, sponsorisée par
Quiksilver - On peut la voir sur des vidéos
d’événements de la marque de surf interpréter.
Elle a déjà cette voix, cette présence magnétique sur
scène. Mais le style est différent. Alors que la
Charlotte de ces vieilles vidéos adopte un style de
plage, short en jean, tee-shirt loose et cheveux
ondulés, la Charlotte 2.0 a grandi – au même titre que
son style musical - le noir est devenu sa couleur
préférée et un aura mystique émane d’elle. Une sorte
de personnage entre l’univers de Tim Burton et la
Famille Addams. Attention quand même, de ne pas
me faire ensorceler.

Tu as écrit et composé For Kenny, ton premier album,
très jeune. Il est aussi très différent de ce que tu fais
maintenant. As-tu eu une liberté artistique pour
l’écriture des morceaux ?
Charlotte OC : J’ai été signée par Columbia après un
événement Quiksilver. J’ai beaucoup travaillé avec la
marque et je pensais que j’étais influencée par tout
cet univers lié à l’eau et à la plage. Je le trouvais très
romantique. Alors que je n’ai pas du tout grandi dans
cet univers là. Avec le recul, je pense que c’était un
peu comme une parenthèse dans ma vie : c’était plus
une vie que je voulais, pas forcément celle que j’avais
ni même ce que j’étais. Je déteste la mer ! J’ai la
phobie des poissons mais j’étais sponsorisée par une
maque de surf, c’est comme cela. Ça n’a pas vraiment
de sens. J’ai grandi dans une ville industrielle –
Blackburn, au Royaume-Uni – un peu sombre et
sinistre. C’est à peu près ce que je suis maintenant
d’ailleurs.
Quel regard portes-tu sur For Kenny, aujourd’hui ?
J’étais une gamine et je m’amusais beaucoup ! J’ai
vraiment eu beaucoup de chance de pouvoir
expérimenter tout ça. Je pense que tout le monde
devrait faire un très mauvais album et ne pas le sortir,
pour pouvoir apprendre et faire mieux après ! Tout le
monde devrait passer par ce schéma : être signé, être
viré.
Qu’est-ce que tu as fais après avoir été lâchée par ton
label ?
J’ai pris deux années Off et j’ai embrassé beaucoup
de garçons ! J’ai expérimenté pas mal de trucs, j’ai fait
la fête, je me suis levée tard, j’ai voyagé à Berlin, et
dans d’autres villes. Je voulais juste être une jeune
fille. Quand j’avais 16 ans, je vivais dans des
chambres d’hôtel. C’est bizarre de vivre ça à cet âge.
Chanter, c’est un job, un business. C’est sympa d’être
dans un studio et d’écrire de la musique. Mais tu le
fais avec des hommes qui ont la cinquantaine, alors
que tu es une adolescente. On n’avait pas vraiment
les mêmes goûts musicaux. J’avais besoin de ces
deux ans pour devenir une jeune fille. Au moins le
redevenir. ! Pour m’amuser, avoir le coeur brisé.
A quel moment t’es-tu remis à la musique ?
En janvier 2012, je me suis envolée pour Los Angeles
et j’ai commencé à travailler avec Tim Anderson. On a
écrit “Color My Heart” et “Hangover” ensemble. Je
revenais tout juste de Berlin. J’étais toujours dans
l’esprit de la ville, de ce que j’avais expérimenté làbas
et de la musique que j’avais entendue. Je crois
que c’est la première fois de ma vie que quelque
chose me touchait autant et j’avais besoin de le dire…
J’étais au Berghain (club berlinois, ndlr) et il y avait un
remix techno de Bon Iver. Le club a une ambiance
d’étrange église. Il y a une atmosphère très religieuse.
Il n’y a pas d’horloge, tu ne sais jamais quelle heure il
est. Tu es juste là pour passer le meilleur moment de
ta vie. Là-bas, j’ai entendu des musiques incroyables.
J’ai été très touchée et émue de ces sensations et
j’avais besoin d’en dire quelque chose. Donc quand je
suis arrivée à L.A, j’ai raconté à Tim ce que j’avais
vécu et il m’a dit qu’il fallait que l’on fasse de la
musique ensemble. Il a très bien compris ce que
j’avais à dire. Il est la première personne avec laquelle
j’ai écrit aux États-Unis et ça a instantanément
marché !
Les morceaux de tes deux EPs – Strange et Color My
Heart – semblent assez personnels… Qu’est-ce qui
t’inspire ?
Certains morceaux sont à propos de moi et d’autres
ne le sont pas. “Hangover” est à propos de quelque
chose dont je ne parlerai jamais et que je ne veux pas
expliquer. Mais ce n’est pas à propos de boire de
l’alcool, on pourrait penser que ça parle de ça. Enfin
si, la chanson parle d’alcool mais pas de Love
Hangover. C’est un peu plus sombre. “Color My
Heart” parle de ma soeur. Elle était en train de
divorcer. Quand j’ai écrit cette chanson, je savais
qu’elle aimait encore ce type alors qu’il n’était pas très
sympa avec elle. Cette chanson est une sorte de
prière que je voulais lui adresser.
Quelle genre de musique écoutes-tu ?
Leonard Cohen, Talking Heads, Aretha Franklin,
Roberta Flack, entre autres. Mon père écoutait
beaucoup de Folk et ma mère beaucoup de Soul. Je
pense que c’est ce qui m’a le plus influencé quand j’ai
commencé à jouer de la guitare à 15 ans. J’ai pris des
cours pendant deux ou trois mois. Je ne voulais pas
en apprendre trop. Je voulais travailler avec le
minimum syndical et voir ce que je pouvais créer à
partir de ça. C’est un vrai challenge. Quand tu es ado,
tu veux toujours te rendre la vie plus compliquée.
J’ai lu quelque part que tu avais passé deux ans avec
ta mère, dans son salon de coiffure. C’est vrai ?
Oui mais j’ai tenu une semaine ! Je n’étais pas très
sympa avec les clients. Je lavais les cheveux de ces
gens alors que je voulais juste faire de la musique. Je
n’aimais pas trop que l’on me dise ce que je devais
faire aussi. Donc oui, je ne suis pas restée très
longtemps, jusqu’à ce que ma propre mère me mette
à la porte ! Quand j’étais plus jeune, j’étais fascinée
par ma mère ! Elle est toujours l’être humain le plus
incroyable que je connaisse mais je voulais être
comme elle. Je la trouvais tellement belle, je voulais
faire de la coiffure pour lui ressembler ! Je pense que
ce qui m’intéressait dans la coiffure, c’était le fait de
créer quelque chose.
Ton premier album en tant que “Charlotte OC” n’est
pas encore sorti. A quoi peut-on s’attendre ?
C’est difficile à dire parce que je suis toujours en train
d’écrire des chansons. J’ai encore beaucoup de
choses à dire. J’espère que l’écriture sera terminée
d’ici septembre. Mais on ne peut jamais prévoir à
l’avance. Pour le son, je ne sais pas comment
l’expliquer mais je ne veux pas trop de production
lourde. Je veux que ma voix soit l’élément principal
des morceaux et qu’il y ait autour d’elle de petits
éléments, comme les cordes sur “Color My Heart”.
J’ai hâte.
Propos recueillis par Arièle Bonte
.

TWIN TWIN
Interview publiée le 24 novembre 2013
Souvent la frontière peut s’avérer bien étroite entre l’hypnotique et le fun, l’envoûtant et le débordement.
Avec les Twin Twin, nouveaux héros d’un slam-pop à la française, cela ne tient qu’au talent. Hip-hop,
hyperactifs, bariolés mais surtout particulièrement généreux dans leur travail, l’exploration d’univers variés
et la création d’une musique graphique aux couleurs uniques, le trio est le groupe français le plus
incontrôlable et déroutant de l’année. Leur premier « vrai » album, comme ils disent,Vive La Vie, sorti ce
mois, les raconte. Mais qui sont-ils donc ?
Questions fleuves et réponses croisées.
Commençons par le tout début. Votre rencontre et
votre amitié. Cela me semble capital dans l’histoire du
groupe. D’ailleurs, certaines légendes urbaines
racontent qu’alors que vous aviez monté le groupe
Chimère – Lorent et François – vous avez trouvé
Patrick qui faisait du beatbox dans une cave…
Patrick : Alors, je tiens à démentir cette information
(rires). Pour être honnête, j’ai intégré Chimère en fin
de vie. Le hasard a voulu qu’au moment où je
cherchais un endroit où me loger, j’ai rencontré Lorent
et François qui avaient une maison à Montreuil. J’y ai
emménagé en même temps qu’ils me proposaient de
bosser avec eux. Nous souhaitions quelque part tous
évoluer et passer à une autre forme de musique…
Et ça a collé tout de suite ?
François : Oui ! Parce qu’il a fait des travaux dans la
maison (rires).
Patrick : En plus il y avait une cheminée ! François
était le seul à répéter qu’il fallait aller chercher du bois.
On ne l’a jamais trop écouté jusqu’à l’arrivée de
l’hiver. Là, tout le monde était motivé pour aller en
chercher !
Lorent : C’est l’histoire vraie. Il y avait pas mal
d’autres artistes, c’était une vraie communauté.
Chacun faisait sa musique, ses photos, ses images.
On travaillait sans cesse, ça nous a soudé. C’est ce
qui a fait naître l’amitié avant même le projet.
Qui s’est fait dans la bricole…
Lorent : Complètement ! A l’époque, mon frère faisait
de la basse et j’écrivais des textes dessus. Patrick
faisait du beatbox. Petit à petit, on a trouvé ensemble
un schéma qui fonctionnait, avec une boite à rythme,
des gimmicks de synthé-samplé et des ajouts vocaux
et notre style est né. Dans Vive La Vie, il y a ces
détails, ces petits riens qui créent un univers. Nous
n’avions rien mais nous faisions des concerts dans
des squats. Il y en avait un mythique : le Cercle PAN,
rue de Belleville où l’on a fait de très belles soirées…
Vous êtes finalement un groupe qui est né du live…
Ensemble : Totalement !
Patrick : On a surtout beaucoup de choses à
apprendre de l’autre monde, le studio.
J’allais y venir. Quand on vit de la scène et que l’on
en dégage autant d’énergie comment appréhendes t-
on le travail en studio où tout est clos ?
Lorent : C’est hyper-dur.
Patrick : Désolé je te coupe mais il faut que je dise un
truc. Je veux parler des textes, parce que Lorent vient

de parler du style musical du groupe mais si Twin
Twin a une vraie valeur par rapport au texte, c’est
grâce à lui. Il vient du slam, il a vraiment su simplifier
l’écriture et mettre en valeur premier et second
degrés.
Lorent : (tout sourire) Merci ! Par rapport au studio,
c’est vrai que retranscrire en audio l’énergie pure du
live est impossible. On fait du bidouillage, des essais
mais on n’est pas encore satisfaits.
Patrick : C’est d’autant plus difficile qu’on fait un
mélange de rock, d’électro et de Hip-Hop.
François : Peut-être que la solution serait de ne sortir
que des albums live (rires) !
C’est un bon concept ! A l’origine de la formation du
groupe donc et de la naissance du projet, vous ne
pensiez pas du tout à l’album…
Ensemble : Pas du tout !
François : Les premiers morceaux que l’on a crée sont
nés d’une situation maison. Patrick jouait un truc, je
l’entendais, ça me donnait idée de mettre des lignes
de basse dessus et Lorent d’écrire les textes. C’est
comme ça qu’est née Vive La Vie, notre première
chanson. On a d’ailleurs appelé l’album comme cela
car c’est la première chanson que l’on a vraiment faite
ensemble et celle avec laquelle on ouvre tous nos
concerts…
Lorent : Comme on avait pas mal de connaissances
dans différents milieux : musique, squat, mode, on
s’est très vite retrouvés à jouer dans pas mal
d’endroits et à faire plein de dates mais l’album on n’y
pensait pas du tout. D’ailleurs, maintenant quand j’y
repense, je me demande pourquoi on l’a fait (rires).
François : C’est vraiment une démarche spontanée.
Ce qui est marrant d’ailleurs, c’est que l’on n’a jamais
cherché à avoir une vraie structure de chanson. On
faisait les trucs, à notre matière et c’était les gens qui
nous disaient ce qu’il fallait changer…
Le public a, en effet, vraiment eu une importance
capitale pour vous. Au delà du live d’ailleurs, vous
avez remporté plusieurs prix dont SFR Jeunes
Talents et le FAIR…
François : Oui. C’est arrivé assez vite et ça nous a
pas mal aidé. C’était important et on en garde que des
bons souvenirs. D’ailleurs, le FAIR nous a emmené en
Colombie pendant une semaine, c’était génial !
Patrick : J’ai fêté mon anniversaire dans l’avion !
Quelle a été la réception du public colombien ?
François : Énorme. Pour t’expliquer. Là-bas, il n’y a
pas de train. L’équivalent du train ce sont de petits
avions de ligne, même pour des trajets de 30 minutes
car tout est montagneux et il y a peu de routes.
Pendant qu’on jouait, des gens nous suivaient et
prenaient l’avion, juste pour venir nous voir…
Lorent : Les groupes internationaux ne vont pas y
jouer car il n’y a pas d’économie suffisante. La grande
star internationale, c’est Shakira. Du coup, quand on
est arrivés, les gens étaient incroyables avec nous. Ils
sont hyper friands de nouveautés et de découverte
lorsque des groupes étrangers viennent jouer. C’était
hyper « à l’ancienne ». Des gamins venaient nous voir
à la fin des concerts pour nous dire « On voudrait les
tablatures des morceaux, s’il vous plaît » (rires).
François : Je pense que cela plairait vachement aux
lecteurs de CRUMB. La ville de Bogota est un
mélange de New-York et Berlin, avec du high-tech
d’un côté, des tours recouvertes de graffitis de l’autre,
à moitié détruites, à moitié modernes mais super
vivantes…
Ce sont ces prix qui vous ont aidé à signer chez
Warner ?
Lorent : Pas vraiment. Ca nous a évidemment aidé et
apporté de la visibilité mais ce qui nous a amené chez
Warner, c’est notre rencontre avec Nizard Bacar
(Directeur Artistique, ndlr, membre de la chaîne
Ofive). Il bossait dans le label à ce moment-là et il
avait entendu parler de nous.
François : Il y a quelque chose qui a attiré le regard
des gens du métier, en revanche, c’est la tournée de 8
dates Ricard Live Music que l’on a faite avec VV
Brown et BB Brunes. C’était à chaque fois des dates
de 20,000 personnes.
Lorent : Et ensuite on a vachement tourné…
François : On a fait un peu plus de 220 dates en une
année et demie… Sans album !
Lorent : L’album, ça a été la découverte d’un autre
monde. Celui de la vente et des chiffres où les dates
et les lives n’ont plus d’importance.
Revenons sur le studio et l’album justement.
Comment avez-vous travaillé ?
François : On l’a pas mal taffé pendant notre tournée
au départ. On n’avait pas le temps de se poser.
Lorent : On a enregistré et maquetté avec un objectif
de 12 titres mais on s’est vite rendu compte que l’on
n’était pas satisfaits.
Patrick : Cela rejoint ce que l’on disait au début. Nous
ne sommes pas vraiment un groupe de studio.
Lorent : On a longtemps discuté avec Warner. Eux
aussi avaient des impératifs et des déceptions. Du
coup, on a fait appel ensemble à deux producteurs,
Ninja et Benjamin Constant. On a travaillé ensemble,
dans leur studio de Montreuil. Ils nous ont apporté leur
patte et leur expérience. Ils ont joué le rôle de
magiciens. On a, je crois, crée un panel de tout ce
qu’il est possible de faire. On a appris énormément.
Cet album représente notre parcours, nos désirs, ce
que l’on a n’a pas réussi à faire, nos succès, ce vers
quoi on veut aller. Avec de l’inconnu, du travail, des
erreurs. C’est un vrai premier album !
Patrick : Même s’il a été dur à faire – on est passés
par des phases où l’on était enfermés pendant 6
semaines en studio, sans voir la lumière du jour – cet
album c’est mon premier amour, je m’en souviendrais
toute ma vie.
Il y a souvent en France un frein social ou culturel
face justement au côté « fun » que peuvent avoir
certains artistes ou projets. Vous qui avez voyagé,
vous avez senti une différence de perception par
rapport aux publics étrangers ?
Lorent : Totalement. Et c’est hyper intéressant. En
Colombie par exemple, personne ne se pose de
questions.
Patrick : Je marchais dans les rues en leggings et les

meufs se retournaient en s’écriant « COOL » !
Lorent : Au Canada aussi, tu peux te maquiller ou te
promener nu, personne ne te calcule. Les gens
comprennent le fun, ça fait partie de la culture.
François : C’est parce qu’ils ont tellement froid qu’ils
ont besoin d’avoir une autre vision de la vie (rires).
Patrick : La France est un pays littéraire où il faut se
justifier de tout et prendre le temps de tout expliquer.
Or un artiste ne peut pas tout expliquer. Les
démarches artistiques sont le plus souvent libres et
spontanées.
Je lisais récemment un article du Time, écrit par une
dizaine de sociologues internationaux, qui disaient
que les français ne sont jamais contents de rien,
parce qu’ils ont tout et sont blazés.
François : Exactement. Ici il y a moins de possible et
tu es très vite jugé. Aux U.S, si tu montes un magasin
de chaussettes et que tu fais faillite, tu peux monter
dans la foulée une pizzeria, tout le monde
t’encouragera. C’est ça l’Amérique (rires) !
Patrick : Le poids de l’histoire joue beaucoup.
Lorent : Ce que l’on voit de ce point de vue là dans la
musique, si on analyse, ça se traduit par deux
tendances. D’un côté le « Hardcore », avec des
rappeurs comme Kaaris qui gueule « j’t’encule »
toutes les 2 minutes – parce que les gens ont besoin
d’un défouloir – et de l’autre des artistes hyper
références type Stromaé qui ont tendance à rassurer,
avec beaucoup de talent…
Lorent, en parlant de ce besoin de « défouloir », avant
les TWIN-TWIN, tu découvres le slam. Dans cet
esprit-là ? Avec un besoin de dire des choses ? Par
militantisme ?
Lorent : Dans mon cas non.
Patrick : En soi, faire de la musique c’est déjà militer.
Lorent : Exactement. Le slam est venu à moi parce
que je m’intéressais à l’écriture. J’avais déjà écrit un
premier roman (Un nageur en plein ciel, ndlr) et j’avais
besoin de partager quelque chose. A ce moment de
ma vie, c’était une façon de se rencontrer. J’ai fait la
connaissance de plein de gens importants du milieu
underground, hyper actifs. Aller dire mon texte était
presque anecdotique. L’idéal était d’être ensemble,
dans un bar miteux, quel que soit les âges et de crée
une utopie, quelque chose de vrai et puissant. En
cela, oui, ça a un côté militant.
Quelles ont été vos influences à chacun avant la
formation des TWIN TWIN ?
Patrick : Pour moi, c’était essentiellement du rap. Et
quand j’ai eu 13 ans, je me suis mis au métal. Je
kiffais énormément le côté « White Trash »,
subversif…
Lorent : C’est cool pour un renoi d’aimer le côté «
White Trash » (rires) !
Patrick : Non mais je te jure. Quand j’allais à des
concerts de métal, les mecs me disaient « Qu’est-ce
que tu fous là ? », « Bah je kiffe ! » (Rires).
Lorent : Pour moi, c’était le rap aussi, forcément. Et
puis, plus tard, de la chanson : Brassens, Boby
Lapointe, je me rappelle encore des textes. Mais la
vraie claque reste et restera l’album de Lunatic,
Mauvais Œil.
Patrick : Une époque que ceux qui écoutent 1995 (lire
interview page 289) aujourd’hui ne comprendront
jamais. C’était notre quotidien, le gris, la pluie. C’était
nouveau, avec des flows complémentaires. Cet album
reste le number one.vcfd force je crois. Et aussi, au
delà de la musique, nous sommes intéressés par l’art,
la création, la forme pure, graphique, cela rajoute
quelque chose au groupe.
François : Quand je te disais que lors du travail sur
l’album, nous ne nous sommes pas posé de questions
ni suivi une démarche construite, on faisait du dessin,
en essayant de trouver quelle touche de ton il fallait
que l’on mette pour donner telle couleur à la
musique…
Lorent : Et c’était la même chose en écriture. Les
mots ont des valeurs rythmiques, bien plus que
textuelles et le tout forme un schéma visuel qui
accompagne les gimmicks. Finalement, on est un
groupe graphique !
Travaillez-vous déjà « graphiquement » sur le
prochain album ?
Patrick : Oui ! On est en train de tester pas mal de
choses, à base de maquettes, de bouts de textes et
d’idées. En essayant d’être encore plus rigoureux
qu’avant.
L’artiste que vous aimeriez interdire ?
Patrick : Damien-Jean (rires).
Lorent : Non, lui tu peux pas l’interdire, il s’interdit tout
seul !
François : Franchement ? Robin Thicke. Quand mes
potes métalleux regardent le clip, ils tombent par terre
de rire en pleurant tellement c’est pathétique.
Lorent : Moi j’interdis Lady Gaga ! Tant qu’elle ne
revient pas à quelque chose de sérieux. Il faut qu’elle
arrête de prendre l’art contemporain pour un torchecul,
qu’elle revienne à la musique, ce qu’elle sait faire.
Même par rapport à Abramovic et ses performances,
par rapport à l’engagement des artistes. Tout ce
qu’elle a repris est vulgaire. Elle a institutionnalisé à
elle seule ce système de reprises de références
artistiques pour en faire un truc pourri ! En revanche,
j’adorerais travailler avec KRAFTWERK. Je n’avais
pas réalisé l’impact qu’ils ont eu sur l’époque
aujourd’hui, avec leurs masques, leurs voix vocodées,
etc. Ils étaient déjà en 2013, trente ans plus tôt.
François : Totalement. Ils ont écrit la grammaire
d’aujourd’hui.
Patrick : Moi j’aimerais collaborer avec Booba, parce
qu’il est moderne, dans l’apprentissage, les
techniques, la carrière. Depuis dix ans, c’est l’un des
seuls qui se maintient. Il plane au dessus des autres,
chie un peu sur la tête de certains mais il a inventé
son genre. Ou bien alors NTM mais il faudrait les
ressortir de leur époque 90 !
Propos recueillis par Thomas Carrié.
Photographie Enzo Addi.
La photograhie illustrant cet interview est extraite d’un portfolio inédit du
groupe, par Enzo Addi, publié lors d’une journée spéciale « Twin-Twin », le
25 novembre 2013, (Assistant photo : Kamel Bentot, Stylisme, Edem Dossou,
Assistante stylisme : Bénédicte).

HOLLYSIZ
Interview publiée le 4 novembre 2013
« My Name Is » est à la fois un premier album et un album de la maturité. Pensé et élaboré pendant plus
de cinq années et porté par des collaborations multiples et prestigieuses, il matérialise l’entrée de Cécile
Cassel dans le monde de la musique. Ce n’est pas un double qu’elle convoque alors mais bien une
identité nouvelle. Cécile Cassel choisit de s’affirmer avec ses codes graphiques, musicaux et un nouveau
nom, piquant et à son image. Rencontre à la croisée des arts.
Pourquoi as-tu choisi le nom Hollysiz ? Qu’est ce qu’il
veut dire pour toi ?
Déjà c’est le diminutif de mon petit surnom qui est Siz
depuis longtemps. Mes amis m’appellent comme ça.
J’avais donc vraiment envie qu’il soit présent dans le
nom et Holly c’est plusieurs choses. En anglais c’est
le houx et c’est une plante qui est rouge et qui pique
donc ça me plaisait bien par rapport au projet vu qu’il
y avait déjà cette dominante rouge. C’est aussi un
personnage de La Balade Sauvage de Terrence
Malick, qui a inspiré une chanson de l’album. Je
trouvais que cela sonnait bien. J’aime bien le côté
doux et ciselé en même temps.
C’est un changement d’identité ?
Presque. C’est une manière de changer d’identité
pour se rapprocher encore plus de soi. Quand on
pense aux supers-héros des comics, ils mettent une
cape pour se rapprocher de ce qu’ils sont
profondément. C’est un peu ça, mettre une cape pour
faire des choses que je n’osais pas faire avant.
Comme quoi ?
La musique, tout bêtement. Le fait d’avoir fait le choix
de l’anglais fait d’ailleurs partie de la même démarche,
une manière pudique de parler de choses dont je
n’aurai pas osé parler en français. C’est comme
mettre un espèce de filtre pour pouvoir dire des
choses personnelles, tout en restant proche de mon
identité.
Du coup, la musique c’était une évidence ?
Ca a toujours été présent. Je fais de la musique
depuis toujours, j’écris des textes qui au départ étaient
des poèmes, des nouvelles, pour moi. Et puis un jour
il a fallu que j’officialise un peu tout. Ca a pris du
temps. Cet album, c’est justement l’officialisation que
je n’osais pas vraiment faire.
Tu as fait beaucoup de scène avant d’enregistrer.
L’album est nourri de ça ?
C’est un mélange de mes textes très personnels avec
l’envie de faire de la musique qui marcherait pour la
scène. Lorsque j’ai fait des premières parties, j’ai
réécrit totalement des morceaux en sortant de scène
parce que d’un coup je me disais “ça marche pas
comme j’en ai envie”. La scène a imprégné l’album de
partout. Le studio aussi. J’ai eu cependant la chance
de faire ce disque sans pression, parce que personne
ne le savait, personne ne m’attendait. Ca m’a permis
de réfléchir, retravailler, prendre le temps juste par
plaisir de faire de la musique, mélanger et au final de
faire quelque chose qui me paraissait cohérent parce
que d’un coup j’y retrouvais tout ce qui me plaisait.

Tu dis que personne ne le savait mais tu as quand
même eu de belles collaborations tout au long de
l’album…
Elles se sont faites assez naturellement en fait. J’ai
pas mal travaillé en famille. Les filles de Brigitte pour
ne citer qu’elles, par exemple, sont des amis de très
longue date. Aurélie (la blonde, ndlr) est une de mes
meilleures amies depuis quinze ans. Ours, (le fils
d’Alain Souchon, ndlr) c’est pareil, ça fait des années
que l’on se connait, un jour on a improvisé à la
campagne sur ce qui est devenu Daisyduke. Pour
Yodelice et Xavier Quo qui ont une identité propre,
cela s’est fait un peu différemment. Jai rencontré
Maxime (de Yodelice, ndlr) il y a quelques années. Il
m’a entendu chanter à une soirée. Il m’a demandé ce
que j’avais chanté. Je lui ai répondu “Une chanson à
moi”. Il m’a proposé de passer à son studio. Je lui ai
fait écouter des maquettes, qui étaient des trucs faits
sur Garageband que je n’avais jamais fait écouter.
D’un coup j’ai eu envie et confiance et voilà comment
tout a commencé. Seuls ces gens étaient au courant
finalement, mais sans eux, cet album n’aurait jamais
existé.
Tu parlais de ton envie de faire de la musique autour
de toi ?
J’ai fait venir le noyau dur des gens qui m’entourent
dans les premières parties, quand je jouais dans les
bars, etc mais je ne l’ai jamais trop ramené non plus.
Cela s’est fait doucement. Et puis, ça me faisait plutôt
marrer parce que quand quelqu’un l’évoquait, c’était
“Ouais, il paraît que tu prépares un album…”. Il y a eu
plusieurs réactions. J’ai vu les gens suspicieux. C’était
beaucoup plus sain de travailler comme ça, sans rien.
L’univers graphique de l’album est très marquant, très
cohérent. Qu’est-ce qu’il a déterminé pour toi
musicalement ?
Je n’ai pas d’explication mais depuis le tout début de
ce projet j’ai cette obsession des rayures rouges et
blanches qui est là. Le rouge est une couleur que je
porte beaucoup, que j’ai toujours aimée. Dans la vie je
suis assez cartésienne donc j’aime beaucoup les
lignes, les diagonales, les perspectives, ce qui est
graphique. J’ai beaucoup parlé de la verticalité mais
c’est très bizarre, tout ça était très spontané en fait. Il
y a quelques chose d’instinctif visuellement là-dedans.
Tu as déterminé le track-listing de l’album selon cette
métaphore graphique ?
Le track-listing est presque ce qui a été le plus difficile
à faire car il y a beaucoup d’univers qui se confrontent
dans l’album, certaines chansons que l’on ne pouvait
pas mettre l’une à côté de l’autre. Pour cette raison, il
y a des chansons que j’ai mises de côté. Je me disais
qu’il fallait une porte d’entrée et la chanson numéro 1,
Better than Yesterday était une bonne porte d’entrée
pour pouvoir au fur et à mesure aller vers des
morceaux parfois plus exigents, qui demandent une
écoute différente. The Fall par exemple est en plein
milieu de l’album et dure cinq minutes. C’est un
morceau très produit, je ne pouvais pas la mettre en
numéro 2. Il faut le temps de rentrer dans un album.
Ca été très difficile.
Quels groupes (ou artistes) actuels t’inspirent ?
Il y en a plein. Les gens qui m’ont influencé ? Ting
Tings, LCD Sound System, Portishead dans un autre
style ou encore Radiohead. Ce sont des groupes que
j’ai énormément écouté. En ce moment j’adore ce que
fait Disclosure (lire interview page 174), je suis
vraiment épatée par leurs propositions, le fait qu’ils
aient douze ans et demi et qu’ils soient des
producteurs aussi dingues. J’adore AlunaGeorge
aussi (lire interview page 36). Je regarde beaucoup
tout ce qui se passe en Angleterre parce que j’ai
toujours été beaucoup influencée par ce pays et sa
culture et que j’y ai habité. Les renouveaux musicaux
partent souvent de chez eux. Bon. Et je dois avouer
un petit faible un peu moins pointu pour Bruno Mars.
Voilà je l’ai dit. Il faut que j’arrête de faire la faux cul
(Rires). Je n’adhère pas sur tout, j’aime moins les
balades, mais je suis assez bluffée par son travail. Et
je dois dire que ce que j’aime beaucoup c’est
l’empreinte aussi d’un autre artiste, Mark Ronson dont
j’aime le travail en tant que producteur et compositeur.
On ressent une certaine mélancolie à l’écoute de
certains titres.
C’est une mélancolie que j’ai naturellement. Plus je
parle de l’album et plus je me rends compte qu’il est
très personnel. Le fait d’avoir écrit des textes
mélancoliques et d’avoir mis dessus une énergie
parfois très contradictoire, ce qui est le cas pour
Come Back To Me, c’est assez ce que je suis. C’est à
dire qu’il y a la première couche de l’énergie qu’on
reçoit et qui rend optimiste et en deçà, une partie très
sensible voire “soupe au lait” parfois, qui se traduit par
une mélancolie qui vient peut-être de l’adolescence et
qui est restée, cette espèce de truc qu’on peut avoir,
où tout est terrible. Cette mélancolie-là, au lieu de la
réduire en quelque chose qui pourrit la vie, j’ai voulu la
transformer en une proposition artistique.
Cela vaut aussi certainement pour ton parcours.
Aujourd’hui il est à la croisée des arts. Qu’est-ce qui
t’inspire en dehors de la musique ?
Tout ! Dans le cinéma, Terrence Malick ! Parce qu’il a
inspiré une des chansons, Daisyduke. Après je suis
très alerte des oeuvres d’un vidéaste qui s’appelle
Ange Lecchia, qui travaille beaucoup sur la lumière.
La lumière me fascine beaucoup, d’ailleurs c’est pour
ça que le clip de Come Back To Me est rempli de
lumières très différentes. J’adore aussi Egon Schiele,
les expressionnistes allemands. J’aime profondément
Ingres et sa manière de travailler les peaux.
L’inspiration est partout, chez les gens, elle est
émotionnelle. J’ai entendu l’autre jour une interview
d’Oxmo Puccino qui disait « Quand les artistes disent
qu’ils n’ont plus d’inspiration je leur propose de
retourner dans le métro ». Je suis assez d’accord
avec ça. J’ai toujours pris le métro et c’est vrai que ça
résonne, c’est palpable, les gens que l’on croise, les
visages, ce que l’on s’imagine de leur histoire…
Propos recueillis et textes : Lucie Rico.
Pour les besoins de la mise en page, l’interview a pu être raccourcie ou
écourtée de certains passages

JAIN
Interview publiée le 25 novembre 2015
Il y a quelques jours, nous avons rencontré Jain, dans sa petite robe noire et ses sneakers
personnalisées. Depuis quelques mois, elle nous fait danser sur des beats ethniques, hip-hop et parfois
même folk. Son premier album, Zanaka, est sorti le 6 novembre dernier. On a cherché à comprendre qui
était Jain. Pas facile, au vu de son parcours atypique. Rencontre avec la plus africaine des françaises.

Qui est Jain ?
Je m’appelle Jain, enfin, mon vrai prénom est Jeanne.
Je suis née à Toulouse dans le Sud-Ouest de la
France. Lorsque j’avais 3 ans, on a déménagé avec
ma famille à Pau. Là-bas, j’ai commencé la musique
en faisant de la batterie pendant 12 ans. Et à mes 9
ans, nous sommes partis vivre à Dubaï où j’ai fait des
percussions arabes, notamment de la « Derbouka ».
J’étais dans un lycée français, c’était la première fois
que je partais hors de France et que je voyageais hors
du pays. C’était un peu un choc. Après 3 ans là-bas,
nous sommes allé au Congo, dans une ville du Sud, à
côté de l’océan. C’est là-bas que j’ai fait mes
premières compositions de musique avec Mr Flash,
un rappeur et beatmaker très connu - il y a
énormément de rappeurs congolais. Il faisait des
rythmiques et m’a donné des logiciels pour pouvoir
m’enregistrer chez moi. J’ai pu mettre mes chansons
sur Myspace, où j’ai rencontré mon manager et
producteur (Yodelice, ndlr). C’est à partir de ce
moment-là que la musique a réellement commencé
pour moi. Ensuite, j’ai déménagé à Abou Dabi pour
passer mon bac et enfin, je suis retournée à Paris où
je me suis inscrite en Prépa Art.
Comment on fait pour se construire, lorsque l’on
passe son adolescence aux quatre coins du monde ?
C’est justement ce qui était assez compliqué et ce
pour quoi j’ai commencé à écrire des chansons. À un
moment, je me suis vraiment sentie déracinée. A 18
ans, j’avais passé la moitié de ma vie hors de France,
et je ne me sentais pas non plus tout à fait française.
Pourtant, je n’étais ni congolaise ni d’Abou Dabi. J’en
suis finalement venue à me dire que cette question
d’appartenance n’est pas liée seulement à un pays,
mais plutôt à une famille. Elle concerne les gens qui
nous entourent. Donc voilà, je viens de ma famille !
J’ai décidé que pour ma musique ce serait pareil et
que je ne choisirais pas un camp particulier mais que
j’essaierai plutôt d’apprendre de tout ce que j’ai vu et
des pays où j’ai vécu.
Tu as justement pleins de cordes à ton arc. Ta
musique est à la fois ethnique, hip-hop, soul, folk, etc.
Qu’est-ce qu’il y a dans tes écouteurs ?
Un peu de tout. Il y a pas mal de hip-hop mais aussi
des chansons africaines et musiques traditionnelles.
J’aime beaucoup écouter les musiques traditionnelles,
qu’elles viennent d’Amérique du Sud, ou d’Afrique. Il y
a quelque chose de tribal, un son chaud que j’aime et
que j’aimerais bien retranscrire dans mes chansons. Il
y a également de l’électro, notamment Daft Punk. Ce
qui est drôle c’est qu’avant mes concerts,
généralement, on me demande de faire une playlist
d’attente. La mienne est très éclectique, il y a vraiment
de tout, ça en énerve certains (rires).
Tu as dit que ton coeur venait d’Afrique et que tu
aimais beaucoup la black music…
Oui, c’est quelque chose qui me touche énormément
car quand j’étais petite, on en écoutait beaucoup à la
maison. Ma mère est d’origine Malgache, elle écoutait
beaucoup d’artistes comme Miriam Makeba, Youssou
N’Dour. Et surtout, j’ai commencé la musique par la
batterie et les percussions, donc forcément, il y a
quelque chose d’ethnique qui me touche dans ce
rapport au rythme, qui est très riche.
Je t’ai vue en concert au MaMa Festival. Sur scène, tu
passes d’un instrument à un autre. Comment
composes-tu ? Tu fais tout toute seule ou tu es aidée
par quelques musiciens ?
Chez moi j’ai mon petit atelier, mon laboratoire. Je
commence par faire des maquettes très « roots », pas
très professionnelles où je banlances toutes mes
idées et ensuite je vais au studio de mon producteur.
C’est à partir de ce moment qu’il m’aide à rendre le
tout plus professionnel, à l’enrichir et surtout à bien le
cadrer. Car chez moi, tout part souvent dans tous les
sens.
Tu l’as dit, Yodelice t’a reperée sur Myspace. Quel
rapport entretien-tu avec internet ?
Je cherchais surtout à avoir un avis professionnel, car
j’avais des retours de ma famille et mes amis, mais
qui n’étaient forcément pas objectifs. J’ai donc envoyé
des mails à tout le monde, j’ai eu quelques réponses.
La plupart me disaient que c’était trop fouillis. J’ai reçu
une réponse de mon manager actuel qui m’a mis en
contact avec Yodelice. Internet a vraiment joué un rôle
très important pour moi car c’était vraiment ma seule
solution de partage et de communication lorsque
j’étais au Congo, de par les réseaux mais aussi étant
donné que je ne viens pas d’une famille qui fait de la
musique ou qui est implantée ou reconnue dans le
milieu. C’était le seul moyen dont je disposais pour me
faire connaître.
Ton premier album s’appelle Zanaka. Parle-nous-en.
Et d’ailleurs, que signifie Zanaka ?
Ma mère est métisse malgache, Zanaka, cela veut
dire enfant en malgache. C’est un album que j’ai écrit
il y a sept ans au Congo et qui a grandi avec moi,
pendant toute mon adolescence, et aussi un peu plus
tard, lors de mon retour à Paris. C’est un album très
joyeux, assez optimiste, avec pleins d’influences.
J’aime beaucoup dire que c’est un melting-pot qui
mêle un peu d’ethnique, du hip-hop, de la soul. C’est
un petit bordel organisé, quoi !
Moi j’ai un petit faible pour All My Days. J’ai beaucoup
aimé la pochette de ton album qui fait référence à la
déesse Shiva. C’est toi qui l’as imaginée ?
J’avais fait la pochette de l’EP et on voulait garder
cette même idée. Un peu comme avec mes chansons,
nous sommes partis de ma maquette avec Paul &
Martin qui sont les deux photographes. Je voulais
commencer à mettre de la couleur car il y a beaucoup
de noir et blanc. C’est aussi une manière de montrer
ce qui se passe en live, l’idée de multi-tâche et faire
aussi un petit clin d’oeil à la déesse Shiva. Cela
montre la démultiplication. C’est comme créer le
visuel d’une super-woman multi tâche (rires).
Tu as fait une Prépa Art. Tes clips sont très visuels, y
compris tes photographies et tes mises en

scène. C’est important pour toi de garder la main sur
ton image ?
Je voulais faire de l’Art avant-même de vouloir faire de
la musique. Le choix a été assez difficile d’arrêter ma
Prépa Art pour faire de la musique. Mais c’était
nécessaire car je n’arrivais plus à faire les deux en
même temps. J’ai décidé que si je faisais de la
musique, je voulais vraiment avoir la main mise sur ce
qui se passerait à l’image car c’est ce qui m’intéresse
aussi et que c’est un ensemble. Je veux vraiment
quelque chose de sincère et qu’à aucun moment on
ne m’impose quelque chose. Généralement, c’est moi
qui propose les maquettes et ce sont ensuite mes
maquettes qui sont proposées à des professionnels
de la photographie.
Comme Coco Chanel et sa fameuse petite robe noire,
tu as choisi la sobriété en portant toujours ta petite
robe noire. Pourquoi ce choix ?
A la base, c’était principalement pour ne pas
influencer les gens. Je voulais vraiment qu’au niveau
de l’image, on voit bien le contre pied avec ce que je
proposes dans mon album. Je voulais quelque chose
de sobre et de classique, jouer sur le blanc et le noir,
que l’on retrouve aussi peut-être dans les sonorités de
ma musique. Cette robe montre le contraste qu’il y a
dans l’album. J’aime bien surprendre les gens par
exemple lors des festivals, lorsqu’ils me voient arriver
dans cet habit qui fait un peu « nonne ». Ils se
demandent ce que je vais faire avant de m’écouter
rapper. C’est drôle de voir leur réaction.
Avant de te voir en concert, je me suis figurée que tu
étais un petit peu comme un paquet cadeau dont on
ne sait pas du tout ce qu’il contient avant de le
déballer. Finalement, on ne sait pas du tout à quoi
s’attendre en te voyant, on ne sait pas du tout quelle
étiquette te donner.
C’est quelque chose qui m’a toujours fait peur car la
musique, c’est quelque chose qui doit évoluer. J’ai
envie d’essayer plein de choses différentes et surtout
qu’on me laisse tranquille et qu’on ne me range dans
aucune case. Je ne veux correspondre à aucune
étiquette. Je ne veux pas que l’on m’impose de faire
un style de musique particulier, je veux proposer,
réaliser et vivre celle dont j’ai envie, qui est mienne.s
Tu passes bientôt aux Étoiles, à Paris (à guichet
fermé, ndlr) et ensuite à la Maroquinerie. Comment
appréhendes-tu ces premiers concerts ?
C’est plus la sortie de l’album qui me fait un petit peu
peur que ces concerts. Je ne sais pas du tout
comment il va être reçu. Mais pour le moment je suis
très contente des live que j’ai fait et surtout d’avoir
enfin pu rencontrer mon public. Les dates parisiennes
seront assez émouvantes car il y aura ma famille,
mes amis, les gens qui ont soutenu le projet pendant
beaucoup de temps.
Est-ce que tu aimerais un jour collaborer avec
certains artistes ?
J’aimerais beaucoup collaborer avec un rappeur, pour
croiser nos univers mais aussi avec des artistes
africains. Je ne me suis pas encore trop posée la
question mais oui, j’aimerais beaucoup faire des
collaborations et d’ailleurs pas forcément qu’avec des
chanteurs, mais pourquoi pas aussi avec des artistes
en général, quels que soient leurs domaines. Je vais y
réfléchir !
Tu penses retourner au Congo un jour et leur
présenter ta musique ?
J’aimerais beaucoup. Donner un concert un jour, làbas,
ainsi la boucle serait bouclée…
Propos recueillis par Mélodie Ravasi.

PORTFO
LIO LUD
L
OVIC ZU
ILI ARAW
Série photo publiée le 14 mai 2012

ÉMILIE
SIMON
Interview publiée le 23 mars 2014
C’est l’une des personnalités les plus atypiques de la scène française. Chanson ? Pop ? Électro ?
Les mondes d’Émilie Simon sont imperméables à toute tentative de classification. Artiste
indépendante dans son mode de production autant que dans son inspiration artistique, distinguée
par plusieurs Césars du Cinéma et Victoires de la Musique, elle revient aujourd’hui avec un sixième
album au titre explicite : Mue. Après le sombre Franky Knight, ce nouvel opus est un lumineux retour
vers la France où nous lui avons donné rendez-vous.
La chanson d’ouverture de votre album Paris J’ai Pris
Perpète est un hymne à la belle capitale française.
Qu’est-ce qui vous a donné envie de revenir en
France et plus particulièrement à Paris ?
J’ai habité à New York pendant quatre ans. La
découverte d’un autre pays, l’immersion dans une
nouvelle culture, tout cela a été très important pour
moi et a donné l’album Big machine.
Mais cela m’a également permis de redécouvrir Paris
sous un autre angle, au retour. En habitant à
l’étranger, j’ai perçu des choses, une sorte de magie
que je n’avais jamais eu, avant en étant étudiante à
Paris. J’étais dans une autre réalité, une autre
époque. Là, j’avais une sorte de distance sur la
France et sur Paris en particulier. J’ai pu voir des
choses magnifiques qui prennent sens, se révèlent
lorsque l’on est loin. Je crois que c’est ce qui m’a
inspiré, j’ai écrit tout l’album ici, dans le Paris
poétique, romantique.
Comparé à vos précédents albums, dans celui-ci vous
n’avez que deux chansons en anglais, c’était aussi
important de revenir à la langue française ?
Je crois que cela suit tout simplement ma vie. J’ai écrit
Big machine alors que j’étais nourrie par une curiosité
du pays, une envie de m’immerger dans la culture
américaine, d’apprendre, d’absorber, d’avoir une
meilleure compréhension de la langue et de la culture.

C’est ce qui m’a donné envie d’écrire en anglais d’une
manière extrêmement naturelle. Ce n’est pas vraiment
une décision que j’ai prise consciemment, j’étais
simplement en état de réceptivité par rapport à
l’inspiration. C’est souvent ma vie et son contexte qui
vont orienter mes inspirations. J’ai passé plus de
temps ici et j’ai eu l’envie de creuser cette facette
romantique parisienne : l’Amour, Paris, comment je
l’exprimerais en musique…
Cet album comporte une orchestration très riche,
comme si tout votre univers synthétique avait fusionné
avec quelque chose de plus organique. Parlez-nous
de la composition même d’une chanson, de la finition
d’un morceau à une orchestration complète, avezvous
déjà une idée précise du rendu final ?
Cela dépend des titres, certains viennent déjà avec
leurs orchestrations. Paris J’ai Pris Perpète venait
naturellement avec des cordes, des cloches, une
espèce de peinture sonore. C’est très
cinématographique aussi. Certains morceaux me font
des surprises, je les écris, ils existent en piano-voix ou
guitare-voix et puis d’un coup j’essaie une
programmation qui m’emmène complètement ailleurs.
Un peu comme un voyage. Parfois je vois très bien là
où je vais et c’est très clair, d’autres fois, j’avance à
petits pas, je découvres où je suis, à tâtons et je ne
sais pas trop où les choses me mènent.
L’album débute par un hymne à la capitale avant de
nous mener vers d’autres altitudes, de nous diriger
vers différents registres musicaux que vous n’aviez
pas encore ou très peu abordé avant, notamment des
influences latino-cubaines dans Encre, un registre
asiatique avec Perdu Dans Tes Bras. Avez-vous
entièrement réalisé cet album ?
Oui. J’ai réalisé l’album mais aussi collaboré avec des
artistes, producteurs et réalisateurs que j’ai invité pour
l’occasion : Tahiti Boy, Ian Caple, et David Kahne à
New York qui a aussi travaillé avec nous. C’est un
album que j’ai réalisé comme les précédents, mais
pour la première fois je n’étais pas entièrement seule
à prendre toutes les décisions de production. J’ai
invité des gens à avoir une vision extérieure sur
certains titres. C’était très enrichissant, on apprend
toujours des collaborations. Un réalisateur comme Ian
Caple a tellement d’expérience, qu’il arrive avec ses
« bagages » et sa bienveillance, ce qui m’inspire
forcément ou me donne envie de développer plus ou
moins certains aspects de la création. Certaines
collaborations m’aident à aller plus loin, à me pousser,
à être plus audacieuse. D’autres m’encouragent à être
plus classique, cela dépend et c’est toujours très
enrichissant.
Cet album est en fait très international, parce que je
lai enregistré à Paris, puis les cordes et les cuivres à
Londres et à New York j’ai mixé et enregistré les voix.
Parlez-nous de la pochette de l’album où vous vous
mettez littéralement à nue. Il y a quelque chose de
très épuré, parfaitement serein.
J’ai travaillé dessus avec un artiste qui m’a proposé
plusieurs idées. Sur celle que l’on a retenue, j’aimais
le côté « peau », très nue, comme si le visuel portait
des émotions écrites sur le corps. J’aimais aussi le
contraste avec le livret sur l’édition limitée où l’on
raconte l’histoire d’amour qui passe par différentes
météos intérieures pour finalement tourner la page et
passer à autre chose. L’image laisse sa « mue » et
accepte de laisser des choses dont on a plus besoin,
de se renouveler.
Vous êtes une artiste touche-à-tout. Vous composez,
jouez, arrangez, chantez. Aujourd’hui vvous endossez
également la casquette de metteur en scène pour
votre clip Menteur que vous avez écrit et réalisé,
seule...
J’ai adoré imaginer, écrire l’histoire, oui. Il y en avait
plusieurs d’ailleurs avant celle-là, parce que j’ai
beaucoup tourné autour du sujet de Menteur, la façon
dont on pouvait travailler avec ce morceau. Il y
tellement de possibilités, c’est incroyable. Écrire
l’histoire, trouver l’équipe, m’amuser à me trouver des
personnages, faire le casting, trouver des visages que
je voulais projeter, des lieux, des décors, les essais
d’images, les différentes textures possibles, c’était un
tout absolument fabuleux.
Le clip a été tourné aux États-Unis avec une équipe
de Los Angeles qui a été superbe. Ça a été une
incroyable expérience en tant que réalisatrice. Ils ont
été super, eux-mêmes réalisateurs. Jai été très bien
entourée et je n’aurais pas pu imaginer une meilleure
première expérience. J’adore cela en fait, imaginer
une histoire, d’un bout à l’autre.
Peu de réalisateurs ont également la capacité de
savoir réellement mettre en scène.
Ce n’est pas simple, c’est vrai.. Mais tout s’est très
bien passé et je suis ravie du résultat. Faire les deux
c’est certain que ça n’a pas été facile mais je
n’imaginais pas le tournage autrement.
Votre univers musical est souvent rattaché au
domaine cinématographique, décrit comme étant très
visuel. Le bonus track Wicked Game de Chris Isaac
est grandement rattaché à Sailor et Lula de Lynch.
Est-ce un hommage ?
Je crois qu’il y a beaucoup de choses. C’est vrai qu’il
y a l’univers cinématographique, mais j’avais aussi fait
un duo avec Chris Isaac il y a deux ans pour Taratata.
On s’était rencontrés et on avait fait notre duo sur
Blue Hotel. Il avait aussi été question de le faire sur
Wicked Game à un moment, je l’avais écouté et
j’avais adoré.
Je pense que c’est plus un clin d’oeil, un petit
hommage, mais c’est effectivement aussi des
morceaux qui sont dans des films cultes pour moi,
cela marche à plusieurs niveaux.
Quel est l’intérêt pour un artiste d’avoir autant de
liberté, de contrôle concernant toute la conception
d’un album. Est-ce qu’il n’y pas une limite à ne
recevoir de l’aide d’aucun regard extérieur ?
Je ne sais pas. D’abord c’est ce que j’ai envie de faire
et cela me remplit de bonheur de l’imaginer. J’ai des

idées, je sais ce que je veux donc je n’ai pas tellement
le réflexe de demander aux autres. On se tourne vers
des personnes dans les domaines où l’on n’a pas
accès car on n’a pas les connaissances. Je m’entoure
donc de gens qui savent faire, mais quand je m’en
sens capable, ou que j’ai envie de développer quelque
chose et d’apprendre, je fonce, je n’ai jamais su faire
les choses autrement.
Je racontais cette histoire au premier album. Cela fait
longtemps que je ne l’ai pas racontée donc je vais
vous la dire. Quand j’étais petite on m’a offert un
album de Kate Bush et j’ai adoré. Je me souviens très
bien qu’avec mon regard d’enfant, quand je tenais ce
disque, que j’écoutais la musique tout en lisant les
paroles dans le livret, je voyais son visage en photo
sur la couverture, je la voyais, elle. Je voyais ses
mots, je voyais que c’était elle qui avait écrit et pour
moi c’était normal. Je ne pouvais m’imaginer que
d’autres artistes chantaient les mots d’autres
personnes.
J’ai grandi en écoutant des artistes qui ont développé
un univers fort et personnel. Il y avait Kate Bush, Joni
Mitchell, aussi. Adolescente, j’ai découvert Björk.
C’est assez étrange car on écrit des morceaux au
départ pour nous et finalement, l’envie de les partager
avec d’autres personnes surgit. Faire vivre les
morceaux sur scène, c’est juste fantastique, c’est une
forme de communication, de communion parfois. Il y a
des choses magnifiques qui peuvent se passer sur
scène, rien qu’avec des notes de musique et du
chant. Lorsque tout cela se transforme dans la même
pièce, c’est super. Cela me manque énormément,
entre deux albums. J’ai hâte.
Qu’avez-vous découvert récemment qui vous a
permis d’enrichir votre domaine musical ?
La Côte Ouest des États-Unis, la Californie, les
couchers de soleil de l’Arizona, il y a beaucoup de
cela dans l’album. Les grands espaces assez
épiques, c’est un mélange entre de nombreux lieux et
d’images qui ont défilé devant mes yeux et qui défilent
aujourd’hui dans ma tête.
Propos recueillis par Louise Autain
Ce contrôle, c’est une façon de faire, une philosophie.
J’ai envie de développer un maximum de choses dans
la limite de mes capacités mais je pense que l’on a
tous des compétences illimitées pour rejoindre ce que
tu dis. Il faut juste se donner le temps pour bien diriger
son objectif et au moins essayer.
Cet album est très ouvert, très riche, comment allezvous
le transposer sur scène ?
On a commencé les répétitions la semaine dernière. Il
y a beaucoup de changements par rapport aux
albums précédents. Nous avons simplement fait un
seul concert pour Franky Knight. Avec The Big
Machine, nous étions trois sur scène et c’est vrai que
le pari de cet album était de pouvoir tout gérer. J’étais
au contrôle de tout ou presque, j’avais quatre claviers,
quatre pédales, l’ordinateur, le micro, le bras, etc.
J’avais envie de voir jusqu’où je pouvais aller en
m’occupant de tous ces postes. Aujourd’hui, je n’ai
plus du tout envie d’aller dans cette direction-là, en
live, contrairement à la réalisation d’ailleurs. Pour le
coup-là, j’ai envie de m’alléger de plein de choses. Je
crois que j’ai envie d’être vraiment avec les gens et de
chanter tout simplement, sans forcément faire
plusieurs choses en même temps.
Sur scène, cela va être intéressant de me retrouver
finalement plus comme au premier album où je jouais
de temps en temps des instruments, mais n’étais pas
systématiquement derrière le clavier, j’étais un peu
plus libre de mes mouvements.
Comment se passe votre relation avec le public sur
scène ?
Je suis super contente de pouvoir bientôt retrouver
mon public, ça me rend tellement heureuse.

CHARLIE WINSTON
Interview publiée le 25 novembre 2011
Charlie nous a mordu… Chez Shakespeare & Co, ou la librairie anglaise de Paris. Nous nous sommes faufilé, le
temps d’un instant, parmi les étagères, remplies d’illustrations, d’histoires et d’odeurs de papiers noirs ou jaunis,
à la recherche de Charlie. Et de son nouvel album « Running Still ».
Au delà de tes succès artistiques et médiatiques,
particulièrement en France d’ailleurs, nous savons
finalement peu de choses sur toi. D’où viens-tu Charlie ?
Par où commencer ? Pendant longtemps, j’ai joué dans des
clubs et bars à Londres, dans différents groupes, avec mon
beau-frère, à la fin des années 90. Assez rapidement, nous
avons signé un contrat avec une maison de disques. Je me
suis mis à écrire ma propre musique, de mon côté, à
voyager à travers l’Europe… J’ai rencontré des amis, qui
sont aujourd’hui toujours là. Et puis, un jour, un CD que
j’avais enregistré avec l’aide de Peter Gabriel tomba dans
les mains de Marc Thonon (Monsieur Atmosphériques, le
très joli label français, fidèle partenaire de Crumb, ndlr). Ma
musique lui a plu. Il a voulu produire un album sur-le-champ.
Nous avons pris notre temps – huit mois – pour enregistrer
mon premier “vrai” opus et « préparer le terrain » afin d’avoir
la meilleure réception possible. Je parle de celle du public.
Hobo est sorti en janvier 2009 et c’est devenu dingue : les
français se sont rués dessus dès le début. Je ne
m’attendais vraiment pas à une telle ampleur. En deux ans,
j’ai vendu plus d’un demi-million d’exemplaires de l’album.
Et maintenant, me voilà, devant vous. J’ai arrêté la promo
de Hobo il y a bientôt un an. 2011 m’a permis de repenser
ma manière de travailler. Je suis parti un moment à Los
Angeles, c’était assez difficile d’enregistrer à nouveau en
France. Tout était miroir, tout ce que je regardais semblait
appartenir au personnage de Hobo, alors je me suis exilé
quelques temps pour puiser quelque chose de nouveau en
moi. Je viens de là. Cela répond à ta question ?
Absolument. Aujourd’hui te voilà de retour avec Running
Still, peux-tu nous en dire quelques mots…
Tout un tout nouvel album, oui. J’y ai beaucoup pensé,
réfléchi. Hobo, de son côté, s’était construit et développé
des années durant. Après cela, je ne savais pas vraiment
où j’allais, mais ce dont j’étais certain, c’était une sensation
que j’avais envie de transmettre. Running Still laisse
transparaître un sentiment de laisser aller, pour s’échapper
et prendre le temps d’être spontané. L’album est né d’un
mélange de solitude et de mélancolie. Il illustre de manière
très juste le fait qu’en travaillant pendant deux ans, en
gagnant expérience et succès, j’ai compris que plus on est
au centre des attentions, plus la solitude nous gagne. C’est
ce dont cet album parle, au fond.
On le ressent dans le premier extrait, qui porte d’ailleurs
bien son nom, « Hello Alone »…
Oui. C’est une sorte de solitude accueillante, comme avec
un vieil ami dont tu pensais t’être débarrassé, dans ta tête
mais qui est toujours là, au fond de toi. Il me semble que
c’est le seul morceau cependant qui ressemble à peu près à
l’univers de mon premier album, celui pour lequel les gens
me connaissent. Il rappelle aux gens qui je suis. J’avais
besoin, je crois, de cette chanson, besoin de convier à
nouveau les gens, de leur dire « C’est toujours moi, mais je
vous emmène ailleurs, cette fois ».
Propos recueillis par Bastien Internicola.
Pour les besoins de la mise en page, l’interview a pu être raccourcie ou
écourtée de certains passages.

LA FIANCÉE
Interview publiée le 15 janvier 2011
“Tout dire en très peu de mots…” Une rencontre, un destin ont fait de La fiancée ce qu’elle est : une
chanteuse à la fois touchante et enivrante. Pas vraiment le hasard. Petite, déjà, elle s’amusait à faire des
vocalises devant ses frères et soeurs excédés. De cette enfance, elle a gardé quelques traces de sublime
enfouies quelque part dans sa rêverie amoureuse…
Tu baignes dans la musique depuis toute petite. Or il
a fallu attendre la rencontre avec Edgar Ficat et
Florent Marchet pour qu’un univers et des chansons
se mettent en place. Tu y pensais avant ou bien ces
rencontres ont créent le déclic ?
Je n’y ai jamais pensé une seule seconde ! Si on
m’avait dit que j’aurais un jour mes chansons sur un
CD, j’aurais certainement rigolé. Mais il est vrai que je
baigne là-dedans depuis toute petite. Mes parents se
sont rencontrés en faisant de la musique et cela a
toujours complétement fait parti de ma vie même si j’ai
arrêté après le lycée parce que j’avais juste autre
chose à faire. Edgar m’a mis devant un micro un soir.
Il cherchait justement une chanteuse. Sans cela je
n’aurais jamais essayé. Il avait des mélodies libres,
sans trop de paroles dessus. Moi je venais de me
faire larguer donc j’avais beaucoup de choses à dire
(rires). On a fait une première chanson, on l’a mise
sur Myspace et très vite on a été contactés par un
producteur.
Quel souvenir gardes tu de ton rapport à la musique
pendant l’enfance ?
Quelque chose de très apaisant. Ma maman me
chantait tout le temps quelques chansons pour
m’endormir, des titres de Joan Baez et de choses
comme cela, que j’adorais. Et puis je faisais de la
danse classique, donc j’avais en même temps une
ouverture sur le Folk par mes parents et sur la
musique classique par la danse. J’en garde un grand
plaisir, celui des souvenirs de vacances où l’on
chantait en voiture, un peu comme tout le monde,
mais mon grand bonheur c’était surtout de faire des
harmonies vocales avec mes parents, de chanter à
deux, trois voix. On rigolait bien et j’emmerdais
énormément mes frères et sœurs qui détestaient cela.
Et ton rapport aux sixties ? Car on t’en parle
beaucoup…
Oui ! On m’en parle énormément et finalement je n’en
ai pas tant que cela. Je suis plutôt seventies dans

mes influences musicales. Ce qui touche aux années
60, je l’ai atteint plus tard, par le biais de la chanson
française, France Gall, Dutronc, des artistes comme
ça. Rien qu’au niveau de l’image c’est magnifique,
hyper pop, coloré. C’est une époque qui paraît
formidable. Je ne sais pas si je m’y serais sentie bien
mais quand tu regardes cela avec du recul tu
t’aperçois qu’ils étaient tous beaux à cette époque-là,
jeunes, fringants, le monde était en train de s’ouvrir, il
n’y avait pas de crise. Ils avaient certainement bien
d’autres problèmes mais en tout cas pas ceux que l’on
connaît aujourd’hui.
Tu as justement repris quelques chansons d’artistes
de cette époque et d’autres, plus contemporains,
comme Benjamin Biolay…
Oui ! J’adore Benjamin Biolay. Je trouve incroyable
qu’il soit juste reconnu par le public maintenant alors
qu’il a donné vie à des perles musicales incroyables,
depuis le tout début.
En reprenant des chansons qui te plaisent, tu donnes
à entendre finalement un jukebox personnel en
plusieurs EP, un peu comme une collection de 33
tours…
Exactement ! C’est un objet que j’aime énormément.
Et puis il y a un truc génial dans le fait de sortir des
disques à 4 chansons : c’est beaucoup plus court
donc, comme dirait mon ami Edgar, si tu te plantes
sur un 4 titres c’est beaucoup moins grave que si tu te
plantes sur un album. Tu peux prendre plus de liberté,
plus de risque, tu t’ennuies moins. Faire des reprises,
c’était aussi pour moi l’occasion de chanter en anglais
– chose que je n’aurais pas tenté sur un album entier.
Enfin, je me suis lancé un mini défi. Celui d’arranger le
troisième EP. Pour les précédents j’avais fait appel à
Florent Marchet et à Julien Ribot sur le deuxième. Là,
on a vraiment fait cela avec les garçons, qui
m’accompagnent sur scène. On a passé des journées
de pré-prod, à écouter, essayé, choisir les
arrangements qui nous plaisaient. Et puis après on ne
les a plus écouté du tout, on les a un peu bousculé
pour se les réapproprier et j’ai complètement oublié la
question… (Rires).
Je parlais de jukebox personnel…
Oui ! C’est cela ! C’est un excellent moyen de faire
connaître mes influences musicales et en même
temps je me suis énormément demandé si ce n’était
pas une erreur car reprendre les chansons d’un artiste
que tu aimes est toujours un pari risqué. Si tu fais
moins bien que ce que tu espères notamment. En
même temps, si tu te poses trop de questions, tu ne
fais plus rien ! Alors voilà, j’ai livré ma version des
choses et j’en suis tout de même assez satisfaite.
J’ai lu que tu comparais ces sortes de mini disques à
des nouvelles de roman. Est-ce que justement plutôt
que de passer par la musique, tu n’as pas envie de
t’essayer à la littérature ?
A vrai dire, tout est toujours venu par le texte – j’ai fait
des études littéraires, c’est quelque chose qui me tient
à cœur – dans le principe de nouvelles, c’est qui me
plait, être capable en très peu de temps – et cela a
aussi un rapport avec la chanson – dans un texte très
court, de raconter une histoire poignante. Tout dire en
très peu de mots. C’est quelque chose de super
compliqué. C’est un défi à chaque fois et c’est en
même temps super agréable à faire. J’aurais dû mal à
faire des descriptions longues parce que ce n’est pas
comme cela que je suis non plus. J’aime bien
synthétiser et m’accrocher à certains détails qui vont
tout de suite créer une ambiance, un personnage,
sans tout dévoiler. Et c’est cela qui est aussi
intéressant dans les chansons, en tout cas les
miennes, il y a toujours une part d’autobiographie
mais elle est toute petite et j’essaie de faire précis tout
en restant universel pour que tu puisses toi garçon –
alors que je suis une fille – trouver des choses qui te
parle dans mes textes.
Les arrangements musicaux sont relativement
minimalistes, très intimes. Comment tu les as
travaillés ?
Comme j’enregistre mon travail en plusieurs parties,
j’arrive chaque fois en studio avec une expérience un
peu plus forte et un peu plus d’idées. Au début j’avais
vraiment envie de toucher à la musique mais je ne
connaissais rien du langage musical – un peu comme
quand tu demandes à un petit enfant, qui n’a que 400
mots de raconter une histoire précise. C’est beaucoup
plus facile une fois que tu en as 40 000 pour pouvoir
t’exprimer. Pendant le premier E.P, j’ai beaucoup
observé Florent (Florent Marchet, ndlr). J’ai eu de la
chance qu’il m’intègre dans le processus de création
dès le départ. Pour le deuxième, on a travaillé
davantage en amont, sur ce que j’aimais, les
ambiances que je voulais donner à telle ou telle
chanson et puis il s’est passé beaucoup de choses en
studio. Notamment, au Studio Gang, qui était le studio
de Michel Berger, où l’on travaillait à 2 heures du
matin. Il y avait une ambiance très bizarre. On avait
préparé beaucoup de choses, pour au final n’en
garder que quelques-unes. Et là, sur le dernier EP, on
est arrivés avec de simples bases et l’on a tout
construit en studio (La Fabrique, à St-Rémy de
Provence, ndlr). Pour le prochain, je m’investirais
encore davantage. Je ne sais pas encore avec qui je
vais travailler. C’est cela que j’aime beaucoup
d’ailleurs et que je souhaitais : quelque chose de très
spontané.
Tu es aussi rédactrice de mode ! Est-ce que cela a
une influence sur tes créations ?
Oui. Je pense qu’il y a un rapport. La musique et la
mode ont toujours été intimement liés et les musiciens
sont la plupart du temps une grande source
d’inspiration pour les créateurs. Ce qui est génial dans
la mode, c’est que l’on est toujours en avance – on
travaille six mois à l’avance sur les collections de l’été
prochain. Et puis, la mode a un aspect sociologique.
Tout ce qui s’y passe y est politique. Cela oblige à
être curieux et à rester ouvert sur pleins de choses. Il
y a aussi un truc dont je me suis rendu compte le jour
où j’ai commencé à écrire: le processus de création
d’une chanson est le même que celui d’un vêtement :
on part d’une base, une matière, un tissu ou bien un
instrument, un matériau, une guitare et l’on brode au

fur et à mesure, on construit, on réajuste. C’est une
histoire de style, de précision, de coupe, de rigueur.
Il y a un endroit où tu aimes écrire ?
Dans les cafés, dans les trains ! Le paysage qui
défile, ne plus penser à rien ou bien observer les
gens. L’inspiration naît aussi quand tu as tout un tas
d’autres choses à faire : en trajet, dans le métro ou
quand je suis super occupée, super pressée et là, ça
vient, c’est horrible et il faut pouvoir s’arrêter.
Si tu devais travailler ton quatrième E.P à partir d’une
B.O de film ou de l’univers d’un cinéaste. Ce serait qui
? Quoi ?
C’est assez marrant que tu me demandes cela car je
me mets, depuis peu de temps, à regarder les films
de façon monomaniaque ! Là je viens de finir le coffret
Buñuel, que je ne connaissais pas bien. Deux, trois
idées me sont venues, dans le rapport hommes et
femmes, le rapport à la séduction, à la bourgeoisie.
J’ai acheté tout un coffret Rohmer et Romy Schneider.
Je suis assez dans des choses comme cela, très
parlées, posées. Rohmer c’est génial, ce sont des
structures scénaristiques qui se développent au fur et
à mesure. Je ne peux donc pas encore répondre à la
question, mais j’y suis en plein dedans !
L’album complet, c’est pour bientôt ?
Je considère que l’album est sorti en plusieurs
morceaux au fur et à mesure. On risque de livrer au
public un format coffret et un format plus classique,
avec 11 ou 12 titres ou 13. J’aime bien le chiffre 13,
pour en finir avec les superstitions ! Je ne sais pas si
je garderais toutes les chansons, notamment les
reprises. Elles ont un intérêt pour moi, en tant que
disque à part entière, mais après sur l’album, est-ce
que ce sera nécessaire ? Je ne suis pas sûre. J’aime
bien aussi l’idée que les versions sur les anciens EP
ne soient pas vraiment les mêmes que sur l’album,
histoire de leur conserver une vraie identité.
La question que l’on ne t’as jamais posée et ce que tu
y répondrais ?
Est-ce que tout cela me rend heureuse ? Oui !
Propos recueillis par Thomas Carrié

LULU GAINSBOURG
Interview publiée le 25 novembre 2011
Au coin de la rue Etienne Marcel, à Paris, Lulu Gainsbourg patiente, chapeau sur la tête, en utilisant la table
comme un instrument à percussions, il tapote un rythme binaire. J’entre le saluer, il est timide mais souriant. Au
premier abord, se retrouver face à Lulu Gainsbourg c’est comme toucher du doigt une infime partie mythique de
l’histoire de la chanson française. Mais Lulu n’est pas que le « « fils de », c’est un véritable artiste. Franchement
pas dégueu’ comme dirait l’autre…
Depuis le Petit Lulu du Zénith 89, où à l’époque vous étiez
l’enfant-star le plus médiatisé, jusqu’à aujourd’hui, la sortie
de votre premier album, ou étiez-vous ?
J’étais sur le point d’arrêter mes études pour devenir acteur
et puis j’ai vécu pas mal d’aventures et voyagé ici et là. En
2001 j’ai rendu, en compagnie de ma mère (Bambou, ndlr),
cet hommage à mon père avec la chanson Ne dis rien, et
dernièrement la chanson Quand Je Suis Seul pour Marc
Lavoine en 2010. Cet album aujourd’hui, From Lulu To
Gainsbourg, je l’ai fait sur un coup de tête. Avec un ami. Je
me suis dit que c’était le moment. Peu importe les critiques,
je le fais pour mon père. Comme un message personnel.
On a l’impression qu’une place importante a été laissée à
l’improvisation et à la spontanéité…
Oui c’est vrai. Surtout dans l’enregistrement. Il y a beaucoup
de titres aux couleurs jazz, qui permettent ce genre de
liberté. Mon père adorait le jazz, il a commencé comme
cela. C’est une musique qui me touche. Le classique aussi.
Quel genre de classique ? Plutôt contemporain ?
Surtout la période classique romantique. La musique
classique a un pouvoir en plus par rapport aux autres
musiques. Elle peut vous déstresser, vous mettre dans un
état euphorique ou bien vous bercer.
Que représente le voyage pour toi ?
L’apprentissage. J’ai découvert de nouveaux peuples, de
nouvelles atmosphères, c’est un continuel renouveau. J’ai
eu la chance d’avoir un père qui a très bien réussi, ma mère
qui m’a très bien élevé, je n’ai manqué de rien quand j’étais
petit et je ne manque toujours de rien aujourd’hui. Mais j’ai
également eu la chance d’aller en Inde et de découvrir
justement tout le côté inverse. Et pourtant il y a une telle
richesse à travers chaque personne que tu vas croiser. Ils
sont heureux alors qu’ils n’ont rien. Quand je vois des gens
ici en France qui se plaignent pour des choses
superficielles, je trouve cela assez injuste.
Es-tu déjà retourné au 5 bis rue de Verneuil ? (L’hôtel
particulier de Serge Gainsbourg à St Germain- des-près, où
Lulu a grandi jusqu’à la mort de son père en 1991, ndlr).
Oui ! La dernière fois c’était en juin. L’avantage c’est que je
peux entrer à l’intérieur, il y a toujours une grande énergie.
L’âme de mon père y est toujours présente. Je la sens.
Propos recueillis par Aurélien Lovalente.
Pour les besoins de la mise en page, l’interview a pu être raccourcie ou
écourtée de certains passages.

JAMES VINCENT
MCMORROW
Interview publiée le 13 janvier 2014
On retrouve dans le nouvel album de James Vincent McMorrow, Post Tropical, un aspect très
envoûtant, un je-ne-sais-quoi d’orchestration qui rend le tout particulièrement puissant. L’idée de ce
nouvel opus lui est venue alors qu’il était encore en tournée. Il y a là-dedans, une envie de faire
quelque chose de nouveau chez lui…
Vous semblez attacher une importance primordiale à
l’orchestration, avez-vous réalisé vos propres
arrangements ?
Oui, j’avais une idée assez précise du rendu que je
souhaitais avoir. J’ai essayé d’aller plus loin dans le
travail autour de l’orchestration, en cherchant de
nouveaux instruments qui pouvaient illustrer certains
sons. Par exemple dans une des chansons, j’ai
essayé de reproduire d’un point de vue musical le son
d’une cascade, ce qui fonctionne plutôt bien.
Avez vous ressenti le besoin de vous retirer pour
composer comme pour votre précédent album ?
Oui. Il est étrange de se retrouver seul face à soimême,
surtout après avoir passé plusieurs mois
entouré d’une équipe et après avoir voyagé un peu
partout mais c’est le seul moyen que je connaisse
pour composer.
Parlez nous de ces voyages. Que vous ont-­ils
apporté ?
Tous les endroits que j’ai visité ou découvert m’ont
apporté quelque chose au niveau culturel et m’ont
ouvert l’esprit. J’ai particulièrement aimé passer du
temps au Texas où il y avait un vrai côté exotique.
C’est aux États-Unis que tout arrive, c’est le pays de
la musique moderne. Il y a eu quelques désillusions,
bien sûr, mais c’est comme un rêve d’enfant de
pouvoir aller jouer là bas. Pratiquement tous les
artistes que j’admire viennent de là.
Vous serez en concert à Paris le 20 février prochain, à
La Maroquinerie. Comment abordez-vous votre
relation avec le public ?
Tout dépend du pays et c’est assez déroutant
d’ailleurs. Par exemple, la première fois que j’ai donné
un concert à Paris, les gens étaient beaucoup plus
silencieux, à l’écoute. Je n’attache pas cependant pas
trop d’importance à la réaction du public. C’est même
assez marrant de se dire que certaines personnes
vont détester ce que tu fais ou y être complètement
impassibles dans un premier temps.

C’est à dire ?
Eh bien, la plupart de mes albums préférés sont ceux
que j’ai détestés ou qui me dérangeaient
profondément. Par exemple la première fois que j’ai
entendu The Boxer de The National, cela m’a
totalement insupporté. Je n’aimais pas sa voix, son
look, la structure des sons. Aujourd’hui, avec le
temps, c’est sûrement un de mes albums préférés.
Comment avez-vous changé d’avis ?
Je ne sais pas. Je ne pouvais pas m’empêcher de
revenir dessus, de le réécouter tellement je le
détestais. Je ne dis pas que c’est la réaction que
j’aimerais forcément provoquer chez les gens mais le
nombre de personnes qui écoute un album et l’aime
immédiatement rate quelque chose. Il faut passer
outre le fait d’aimer un genre de musique et essayer
de creuser un peu plus. Pour moi, l’intérêt de faire de
la musique c’est de trouver le lien entre quelque
chose de beau et d’intéressant sans avoir peur de
provoquer une réaction chez l’auditeur, bien au
contraire, qu’elle soit positive ou négative.
Lorsque vous composez, pensez-vous aux émotions
que vous souhaiteriez transmettre ?
Lorsqu’on compose seul, on est obligé d’être son seul
public. Tout ce que je fais est personnel. Je suis
devenu un fan de musique dès l’instant où j’ai
commencé à en faire. Quand on travaille dur, on a
envie d’être autant impressionné par le travail des
autres que par le tien, pas d’un point de vue
narcissique bien sûr mais ceux qui font de la musique
pour l’argent ou le succès se trompent.
Vous devez avoir de nombreuses influences qui vous
ont toujours marqué depuis votre enfance, mais
récemment, qu’avez-vous découvert dans les autres
domaines artistiques qui a enrichi votre univers
musical ?
Take Care de Drake a eu un énorme impact sur moi. Il
m’a surtout impressionné au niveau de la production.
C’est un génie dans le sens où il trouve les meilleures
personnes et les meilleures idées à placer dans un
contexte moderne. Il a osé mettre certains types
d’orchestrations là où on ne s’y attend pas, et ça
marche. Dans un autre registre, j’ai vu Gravity
récemment, un des meilleurs films que j’ai jamais vus.
J’adore le réalisateur (Alfonso Cuarón, ndlr). Il a su
créer quelque chose de brillant et qui a eu un succès
mondial alors que le sujet ne tourne qu’autour d’une
seule et même personne. La plupart de mes films ou
albums préférés sont de gros succès commerciaux.
J’adore l’idée que quelqu’un puisse faire à la fois
quelque chose d’ingénieux et commercial et qui va par
conséquent s’adresser à un large public. C’est
beaucoup plus difficile à faire que quelque chose de
faussement artistique qui ne va s’adresser qu’à un
groupuscule ou un public niche.
En parlant de cinéma, vous avez travaillé en
collaboration avec Aoife McArdle pour votre
clip et allez en faire une trilogie…
Oui, c’est vrai. Elle est en train de travailler dessus.
J’avais énormément apprécié son travail sur Open
Eye Signal de Jon Hopkins. J’ai décidé de lui laisser
toute liberté pour réaliser le clip à sa façon. Je n’ai
pas voulu m’imposer car je ne suis pas réalisateur, j’ai
totalement confiance en sa vision artistique. Le clip
qu’elle a fait venait de son propre ressenti. Le fait de
faire réagir un artiste et d’apporter sa pierre à l’édifice
d’un autre artiste est toujours extrêmement
enrichissant.
Pourquoi avoir choisi Cavalier comme premier titre
extrait, pour promouvoir votre album ?
Parce que je ne voulais pas introduire ce nouvel albul
par une chanson dans la lignée du précédent. C’est
audacieux mais je voulais que les gens sachent tout
de suite que ça allait être différent, surtout au niveau
de l’aspect esthétique !
Propos recueillis par Louise Autain
Photographies : Yann Morrison, pour Crumb
magazine

BEN
HOWARD
Interview publiée le 25 novembre 2011
« Le problème, lorsque je viens à Paris, c’est que je n’ai le temps que de fréquenter salles de concerts
et cafés et très peu la ville au final ». C’est sur ces mots que Ben Howard commence notre entrevue à
l’heure du déjeuner, à quelques minutes de son premier grand rendez-vous dans une radio française.
Le temps manquait, alors nous ne nous sommes pas assis. Nous avons préféré nous balader et parler
en marchant, dans le dédale des rues du 1er arrondissement de la capitale. Le temps, peut-être, qu’il
voie enfin Paris. Des échanges entrecoupés de rires, d’attention aux rues que l’on traverse et aux
voitures qui luisent sous la lumière de l’automne. Je pose une première question à Ben, qui rêvasse. Il
me répond « Beautiful day isn’t It ? »…
Tu fais partie des artistes qui utilisent leur guitare
comme instrument de percussion… Peut-on
commencer là-dessus ? Cela m’intrigue assez…
(Rires) La guitare est pour moi l’instrument le plus
frustrant au monde ! Je suis très souvent limité,
j’arrive parfois à cette impression de ne pas en savoir
assez. J’aimerais pouvoir composer un bon morceau
de blues, jouer de manière plus libre et surtout
comprendre comment cela fonctionne. Car je ne sais
jamais vraiment ce que je joue. J’imagine, j’entends
les notes dans ma tête, mais je ne connais pas leur
nom. Alors, en attendant, en effet, je tapote dessus !
Est-ce que tu sais au moins comment fonctionne
l’amour ? J’ai remarqué que le mot « Love » revient
dans chacune de tes chansons, titres ou paroles ?
Ah ça, je ne sais pas. Mais en effet, « Love » est
partout. Il me semble qu’il est toujours plus facile
d’écrire sur ses sentiments, notamment les chagrins
ou contrariétés liées aux relations amoureuses car il
s’agit d’émotions brutes, au sens premier du terme.
Mes chansons parlent des gens, en général, de la
manière dont ils interagissent ensemble et dont
j’interagis avec eux. Les relations les plus fortes que
l’on entretient avec ceux qui nous entourent
impliquent très souvent l’amour. Du moins pour moi.

Et quand cela va mal, j’écris ! Mais tous les artistes
font la même chose, non ?
Je crois. Il y aussi chez toi la peur et ton titre « The
Fear »… Pourquoi ce nom ?
Cette chanson concerne en fait la détermination, le
but, dans la vie de chacun. A l’origine elle ne devait
pas être pour moi. Arrivé à la moitié du texte, dans ma
phase de travail, mon processus d’écriture, je me suis
rendu compte que j’étais à nouveau en train d’écrire
une chanson sur moi. J’y parle de mes réflexions en
général, des questions – souvent beaucoup trop
nombreuses – que l’on se pose quant aux bonnes
décisions à prendre dans nos vies. En tant que
musicien, je me demande souvent à quoi sert la
musique. Pourquoi est-ce que, nous artistes,
montons-nous sur scène ? Devant un public ?
Pourquoi les gens sont là, réagissent, applaudissent,
encouragent ? C’est un métier étrange. Ce n’est peutêtre
même pas un métier, je ne sais pas. Cela des
responsabilités. Du coup, je passe pas mal de temps
à me demander si je prends les bonnes décisions, si
j’emprunte les bons chemins artistiques ou
personnels. Parfois, je suis effrayé par ces choix, par
les étapes qui suivent. Cette chanson parle de cela.
(Silence. Un temps)
Pour l’anecdote, ce qui est drôle, c’est que j’ai fini par
avoir réellement peur de jouer cette chanson. Chaque
fois qu’on l’interprète avec le groupe, il y a quelque
chose qui foire. Une fois, en la jouant, j’ai cassé trois
cordes, trois fois de suite, sur scène. Une fois, Chris
(son bassiste, sur scène, ndlr) en a cassé douze, un
record. Dernièrement, les cymbales de la batterie sont
tombées par terre en plein milieu du morceau. C’était
dingue. A croire qu’il y a quelque chose autour de ce
titre, que je ne contrôle pas…
Ben continue la promenade. Debout, entre deux
immeubles, essayant de respirer ce qu’il reste de
soleil, il me demande :
« Tu as écouté mon album en entier, d’un bout à
l’autre, ou tu seulement des pistes de façon arbitraire
? ».
Je lui réponds que j’écoute toujours les albums d’un
trait. Ma réponse semble le satisfaire. Il sourit et dit :
Il y a beaucoup de chansons écrites à des moments
très différents de ma vie dans cet album. Les
morceaux représentent mes trois dernières années,
jusqu’à aujourd’hui. Lorsque j’ai commencé à travailler
dessus, j’avais à peu près vingt-cinq titres avant de
passer à l’enregistrement. Il en reste dix aujourd’hui.
Keep Your Head Up est la plus ancienne. Elle date d’il
y a trois ans, The Wolves d’il y a deux ans, alors
qu’Only Love, Black Flies et The Fear sont
relativement récentes et toutes fraîches. Le résultat
est relativement homogène et il me semble avoir
réussi à faire en sorte que tous ces morceaux,
composés à différentes périodes de ma vie, dans des
états d’esprit différents forment un tout et ne font
qu’un. Il y a en ce sens, peut-être un fil conducteur, du
début à la fin…
Le tour du quartier terminé, on piétine un peu, pour
avoir le temps de continuer à parler quelques
secondes, de Laura Marling, de combien elle écrit
bien. Ben me confie qu’il la considère comme la
meilleure songwriter de Grande-Bretagne du moment.
Il dit également écouter Little Dragon, James Blake et
adorer Bon Iver. Pour lui, ces derniers tirent
véritablement la scène musicale actuelle vers l’avant.
En suspens, je le confie à Diane, notre photographe,
le temps de quelques clichés et termine sur ces mots
avant de vous laisser vous précipiter sur son album,
là, maintenant, tout de suite.
Propos recueillis par Bastien Internicola
Photographie : Diane Sagnier, pour Crumb
magazine

LES CAHIERS
BOARDCULTURE
Contenus dirigés par Laurie Cassagnes,
publiés entre le 19 janvier 2013 et le 8 septembre 2014
En 2013, Crumb a intégré dans ses colonnes, une rubrique « boardculture ». Comme une suite
logique d’univers, de rencontres et de chemins à prendre, depuis les landes françaises et la Côte
Basque jusqu’en Australie où notre coordinatrice éditoriale d’alors, Laurie, a posé ses valises. Une
suite logique de regards sur la musique aussi – car ces univers sont liés, en tempos, en battements de
cœur, en dépassement de soi. En deux ans, nous avons monté des partenariats, défriché des
festivals, du Fise au Watsa et donné la parole à des baroudeurs de la nature qui ont, avec nous,
construit une communauté rassemblée sous l’étiquette de notre magazine et de ce que nous avons
appelé « Cross-Culture ». De la musique et de la ride. Quelques écorchures amusées pour deux
cultures croisées.

After having scored a 9.97 out of 10 at one of the most feared waves, Pipeline in Hawaii, Nic Von
Rupp is one of the biggest hopes in European surfing. Traveller, passionate by surf videos and famous
for his colourful wetsuits, he will be one of the ones to watch in 2013. By Laurie Cassagnes.
Nic ! After cover thousands of kilometres and
overcome jet lag, where are you today?
Hey, I’ve been all over this week. I was in Western
Australia at the start of the week, and now in Bali.
Can you present yourself for the people who might not
know you ?
My name is Nic von Rupp. I’m a 22 year old, German
Portuguese Pro surfer. I was born in Lisbon Portugal
with a German father and Swiss Portuguese mother.
My life consists of chasing the world Tour of surfing
and filming the best biggest waves our world has to
offer.
When did you start to chase the waves for the first
time and where did that need come from ?
I grew up on the beach. As a highly active kid I was
always having fun in the waves with skimboards,
bodyboards, until time came where I stepped up to the
real deal. I must have been around 9 when i started
getting into surfing. That was it, my first love, never
looked back ever since.
You’re only 22…When did you start surfing
professionally ?
Surfing professionally starts around age 15; at that
age you’re already competing internationally against
the best in the world in your age group. There is some
pay checks involved straight away, but I only really felt
professional at 17 when I got 5th in the World Juniors
in Australia.
You are famous too for your beautiful/colourful
wetsuits …
Ah my wetsuits! Last year Nike gave us the chance to
choose the colours of our wetsuits. I did get a little
excited and accidentally put all fluoro colours on all
the wetsuits. It was alright for carnival time, but I had
to surf in it all year. I do have to admit it was an
embarrassing year of surfing … Aha!
You even had the chance to sign with big brands as
Hurley, Nike, Monster energy…
Hurley is owned by Nike, it’s great to have the
greatest sports brand involved in our sport. It really
has pushed surfing to the next level.
Which one of all competitions you did marks your
memory the most and why ?
Probably 2009 market me the most so far, it was the
year I was finishing school and I really stepped it up
for the first time on an international stage. It was like
from being an average school boy to becoming 2nd in
the European Pro junior tour and then becoming 5th at
the World Juniors against the best in the world. Good
memories…
Your best wave ?
Probably this year at the most feared Pipeline in
Hawaii, I got a 9.97 score out of 10 in one of the most
dangerous waves in the world.
On the internet we can more watch you than read you.
Do you prefer to appear in video to talk about and
show what you do ?
Surfing as the interesting visual side that the surfing
community really enjoys watching videos of their
favourite surfers giving their best moves. That’s why I
do a lot of videos.
Do you spend all your time to search for the most
beautiful waves or you sometimes try to challenge the
snow, the wind or the tar ?
I go wherever the waves are, if its 10ft snow or 50º
tropics. I don’t care; I just want the best waves
possible.
I like to ask one thing. How many continents did you
lay your feet on and which culture that you felt the
closest to?
I don’t know, it’s been 10 years non stop travelling.
But what I can say is I lay feet on every continent at
least 1 time a year. I feel blessed to have the life I
have
I’ve got friends like family in a lot of places that I go to,
so I would say those places are where i feel the most
comfortable
Between two destinations, what do you do? What type
of music or artist do you listen ?
I read books, Facebook, I listen to music …I like
everything, house music, rap, groovy stuff, rock…
What are your upcoming projects in the next few
months ?
I am filming for 5episodes of ”My Road” around the
World!
What are your objectives for 2013 in terms of results ?
Win some some big WQS Events !

Surfing photography is not always the sandy-beach, hot-climate sport it’s made out to be. Christian
McLeods passion has led him to explore places around cold and rainy Ireland. He spends his days
between finishing college and exploring his lands. CRUMB catches up with the youngster to ask about
the technical aspects of shooting in the water, his gear and craziest stories. By Laurie Cassagnes.
Christian, where are you right now and what was the
last thing you did before we started this interview?
I would love to say something crazy like climbing a
volcano or something, but in all honesty, I just got
home from college. I’ve been working on my thesis all
day. Can’t wait to be finished fully in a months time !
Tell us about your background, where are you from?
I am originally from Montana, pretty much the spot to
be if you don’t want to be near the ocean ! But I’m
living in Ireland right now , I’m never in one spot for
too long.
When did you first discover an interest in photography
and did surf photography kick in?
It’s funny, I started studying Engineering in college
and had my head focused on that. In the 2nd year, I
stumbled upon my Mom’s old cameras. So naturally, I
picked them up and started investigating, tearing them
apart and taking photos etc… Then I grabbed my own
semi-old digital camera and started bringing it to
college. A lot of sneaking by Lecturers with my small
camera bag had to be done, and it grew into an
addiction.
From there, I think it was about 5 weeks and I took it
with me on a little surf to a local spot, and took a
couple snaps, showed them to a friend who said I
should send them to Tonnta, the Irish surf magazine.
Three weeks later it was published as a double page
spread (I still have the copy on my desk)! It was so
surreal.
Your photos are incredible, when did you realise that
photography was the direction you’d like to be
heading?
Even after I had that image published it was still just a
hobby, a fun outlet to pass the time after class. I’ve
dreamt about making photography a living and
thought that it’s just a dream, until this year, and I
made a decision one day in January of this year while
I was on a bus back from Germany that I want to do
this for the rest of my life. I look at the work I’m doing
in college. I like engineering and would have no
problem working in that industry, but this is my love.
Is there any particular camera that you like to use the
most?
Right now I’m in a mixing pot. For the past 2 years I’ve
been on all Canon gear, mainly a 5Dmk3 and a 7D.
But just this year with all the traveling and hiking I’ve
been doing I started searching for lighter cameras.
Generally with the Fstop Bags I use, I don’t really
need to think about the weight on my back, but I find I
have so much other necessary gear I’ve had to cut
down on camera weight, so I’ve snagged a new Sony
camera to replace my 7D, which is literally a weight off
my shoulders.
Where was your last shoot ? What did you do there
and what did you bring back from it? I can’t say
much about Where my last shoot was, but let’s just
say the South of Ireland has so much potential for
good waves. I was shooting for Riptide Magazine who
have started a 200 hours project for their 200th issue,
and I’m more than stoked to be a part of it.
What is or has been your favourite location to shoot?
Do you prefer to shoot from land or in the
water?
There have been so many beautiful places! Norway
was one that really sticks out in my mind, but then
again Ireland just has so many amazing landscapes,
not many countries can compete. I have no
preference, to land or water, when it comes to
photography, it completely depends on the waves and
the landscape. However on a personal note, I love
being in the water more than sitting on dry land.
Has the ocean always been a huge part of your life?
Shockingly it hasn’t. Being born in the middle of the
Rocky Mountains didn’t really offer me much ocean
life. First time I remember seeing the sea was when I
was 7, in California, and I was only driving by on the
way to the airport. I started surfing when I was 15 and
from there my love grew for the ocean.
You spend a lot of time in the ocean with dangerous
currents and house highwaves. What were the most
dangerous situations you’ve faced so far when
photographing surfers?
That would definitely have to be my first swim at a
spot down south called Aileen’s. It wasn’t the scariest
day and no one was getting into trouble out in the
lineup or anything but I just lost attention because of
the amazing waves and amazing scenery. I remember
i so vividly. I was swimming with my housing, and
trying to get a different angle moving closer to the end
bowl and sneaking just over the edge each time. Jack
Johns dropped into this massive barrel and I started to
smile, pulling the trigger I knew I had something
special and I just made it over that wave and over the
next wave aswel. It seemed like there was a brief lull,
so I started taking a couple shots of the landscape
and I hear this whistle, and a few hoots and hollars. I
thought, “What’s that?“. I look and the jet skis are way
out in the channel, and the surfers and way out to sea.
I never felt my gut drop like that in my whole life. I got
pulled deeper from the rip and closer to the cliffs, and

then the adrenaline kicked in, I swam for dear life. I
saw the first wave coming and I couldn’t believe it. I
thought I was gonna make it, dove under the wave,
popped up, kept my head down and kept swimming,
knowing there would be another one, and boy was I
right. A massive 15ft set wave was already starting to
break out the back and I had the slimest chance of
making it. I swam as hard as I could with my 1Kg
waterhousing and my little legs. I saw the lip coming
on the end bowl and I dove under once more, and
gave my arm a huge stretch to grab some seaweed
and I couldn’t reach the bottom. It suddenly felt like I
was about to make it, the feeling of raising t the
surface out the back. Then, I felt this thump and heard
the sound of crushing ice. I was immediately thrown
and felt as if I just jumped off a giant ledge, then
another pounding. I’ve been through wipeouts before
but never with a waterhousing and fins. Holding my
camera to my chest to protect it, as you are advised
by the pro’s to do, was impossible as my whole body
was being ragdolled. I eventually came up and took a
breath of air to see the next wave break ahead, and
white water heading towards me. I made it fine under
that, apart from the feeling of my foot being caught on
kelp. I started to panic and started shaking my leg,
and finally made it free and up to the surface again.
Got washed out to the channel and started to kick
when I realised my fin was gone, which I later figured
out was shaken off by myself in the panic of the attack
of the seaweed. Everything worked out fine. I’m
actually quite stoked to have experienced that, and
also to get a cover from the shot of Jack Johns, really
making the beatings worth while.
You’ve shot big waves surfers like Nic Von Rupp that
we interviewed a year ago. Which other surfers have
you already photographed?
I actually haven’t shot with many big name Pro
surfers, apart from Nic. I’ve shot alot with the local
rippers like Gearoid McDaid, and Barry Mottershead,
and so many other great surfers here who love to
adventure.
Do you know them or they ask you to come with
them?
I know quite alot of the Irish and British surfers and
have shot with them on a variety of swells. It’s always
great to get a phone call from a surfer and they want
you to shoot.I find it such an honor that they find my
work good enough for them to ask. If my work can
stoke someone out, it makes me happy.
The business and the sport has changed over the last
years. In your opinion what are the biggest changes
that surf photography is confronted with currently?
That’s a good question. There have been so many
changes as you said, and every change has it’s
upsides and it’s downsides. For instance digital/social
media. I’ll go shoot waves at Mullaghmore one day,
and by the time the surfer has finished the wave it’s
already up on the National News. This is great for
broadcasters, newspapers, journalists (with their
iPhones) but pretty bad for photographers. I am not
worried about losing business or anything like that, but
people see the images instantly, and an instant later
they’ve forgotten about it and moved onto the next
topic, which is a little sad. Saying this, the growth of
social media has helped so many photographers and
artists like myself to show their work to the world and
let people enjoy it, instead of it collecting digital dust
on an overpriced hard drive. I love you and hate you
social media.
In terms of self-marketing and social media, several of
your photographs have been regrammed by the Red
Bull Instagram account. Do you think that the
influence of these kinds of brands helped you? With
which brands are you in collaboration now?
Working with brands is all a part of the business I’ve
jolted myself into. Working with Brands and
Magazines, such as O’Neill, Sea Stoke, Fstop Gear,
Zeal Optics, Red Bull, or Billabong, are both a brilliant
way to bring my work to light but also a great way to
help bring a little adventure to alot of people. It’s
amazing seeing how happy people get on social
media just from seeing a cool photo of a wave or a
hiking trail. I love spreading the stoke.
If you’re not out shooting, what are you doing?
At the moment? Typing out my Thesis for college.
Generally? Surfing, sending emails or spending time
with my girlfriend (in no particular order).
What type of music or artist do you listen?
Music my good friend. The band MEW have always
been a great travel companion to me, always in m ear
reminding me of old adventures. Nothing beats a little
old school jazz either…
Finally, what does the future hold for you and your
work and where do you see yourself in five years from
now?
I’ve never been good at telling the future, as you can
see 4 years ago I would have pictured myself as an
engineer in 5 years time. But saying that, I see myself
traveling and spreading my adventures and working
with the best brands and magazines across the world,
no question about it!
Have you got any projects up your sleeve? Any last
word?
I have been doing nothing apart from planning project
for the past 4 months, so yes is the answer, and no I
can’t tell you yet. You will see.
Thanks to my Mom for bringing me to the ocean, and
all the people and companies who have helped me
stay at the ocean.

He makes average waves look good, he makes powerful waves look soft and impossible tube time
look easy. Everything is second nature to him. Half German, half Canarian, globe-trotter …
Considering the way we want to speak about the boardculture in Crumb, it appeared as an evidence to
us to interview Pablo Prieto for first in Water section and that he makes us share his experiences.
By Laurie Cassagnes.
Hey Pablo! Where are you in the world today?
Hi, I am in Fuerteventura at this moment. I live in a
little apartment in the north of the island. Can you
present yourself briefly for the people who might not
know you? That is one of those questions no one
knows what to say… Well my name is Pablo and I am
half german and half spanish. I have grown up most of
my life in the canary Islands, Tenerife. I Studied
Marketing in England and after University I started up
Star Surf Camps together with 2 friends. I love
travelling and the ocean and really enjoying
photography lately as well.
When did you slip on the bodyboard for the first time
and where did that need come from ? When I was
living in Germany ( age 4 -9) I have always dreamt of
Surfing. I think my older brother got me into that
thought. When we moved to Tenerife the first thing me
and my brother wanted to do is surfing, but there was
only enough money for a Bodyboard and many of the
local kids where into bodyboarding. It is a very big
sport in the Canary islands and considered one of the
best places in the world to practice this sport due to its
incredible type of waves. The final Event of The IBA
word tour is also hold here. The Fronton Pro. The
sensations the sport gives you on so many ways was
more than enough to fall in love with the ocean and
the sport.
When did you start bodyboarding professionally?
My first contest was at the age of thirteen. After that
point everything happened fairly quickly. Meeting
others on a same level provides you with the
motivation to improve quickly. With the age of six I
entered the German National Team and started to
challenge myself to compete on European level. I was
still at school at this point and my studies have always
been a priority. Once I finished I had more time to

focus on the World tour to compete on the highest
level.
You even had the chance to sign your own Pro Model:
The Pablo Prieto Arin pro Model. Tell us about that.
How did you work on it, design and technologies wise
?
Throughout your Bodyboarding career you enter many
events, that can be forgotten quickly. Being able to
design my own Signature Model is something very
special to me as a reflection to my achievements. I
have been riding with Arin for 6 years now. And the
relationship I have with the Shaper and owner of the
brand is incredible. We work on different materials
depending on the type of wave and water temperature
trying to increase the performance of the riders. I had
a variety of boards prior of being of Arin. I had a good
idea of what kind of boards I liked in terms of shape
and dimensions. It was friend Amaury Laverne
,French rider from Reunion Island and 2010 IBA Word
Champin Amaury Laverne who helped me finding the
final dimensions of an all round board that should suit
the kind of waves I identify my surfing the most
You did a lot of competitions, which one marks your
memory the most and why ?
I think those done on local territory are very special
due to the support you see on the beach. The actual
waves play a big role as well though. The “Margara
Big Wave Challenge Invitational” in Puerto Rico was
one of my favourite events. I just love that place, the
people and the waves. Being an invitational event and
not part of the World Tour changed the attitude and
atmosphere entirely. Friendship in incredible waves
with only a few people out, combined with a good
result ( 2nd ) is definitely one of my best memories.
Big Hallo to all my friends From Puerto Rico.
Your best wave ?
The best wave is always at home. No matter how
good it gets it will be the one where you have
experienced the most and shared good moments
amongst your friends.
You’ve also travelled a lot, how many continents did
you lay your feet on, how many miles have you been
through? (approximately !)
Wow, made me count now….. North and South
America, Australia, Asia, Afrika and Europe. Miles?
that I could really not tell you ! I would definitely say
that if I have had my frequent flyer cards on me at all
times, I would be considered a very good customer.
A destination, or a culture that you felt the closest to ?
I am a mix of cultures myself and have always felt
comfortable with cultures that have had many foreign
influences in their past .On the other hand every place
has so many incredible things to offer that are so
unique and not found elsewhere. I still have a lot to
discover but once again Puerto Rico is one of those
places I felt like at home. It has the latin, the island
live-style I am used to and a great passion for the
ocean, light-life…..
I heard that you created your own surf camps, what
were your motivations ?
I have worked as a Surf Instructer within Surfcamps
since the age of 17. Every Summer between school or
University I spent my time in the South of France,
Moliets to teach Surfing and Bodyboarding. I love the
sport, the people you meet and the lifestyle. Whilst in
University I met my 2 best Friends and business
partners Joe and Sami who also follow the passion for
the sport. We had similar ideas on how we would like
our future to be, and after 4 years we still live together
working hard every day and enjoying what we do.
Of course there is learning how to surf, skate,
bodyboard… but there are also cultural excursions
organised in big cites close to the camps, and party…
Can you explain the goals you set to achieve thanks
to those activities ?
I guess we try to teach the lifestyle of surfing that
surrounds the sport as much as the technical part of it.
Travelling and meeting people from around the world
who share the same passion is just part of it. Most
people who come to visit us come back and develop
their skills and passion for travelling visiting us in
Indonesia, Morocco and on Fuerteventura.
I’ve heard the lessons your surf camps give are one of
the best ? How do you explain that ?
That is very nice to hear, thank you. I believe in having
teachers who love what they do. These have been in
the sport for many years, travelled the world and
many of them have also competed on international
level. They love to be in the water helping until they
see the satisfaction and excitement of their students
first waves. The students motivation and excitement is
a reflection of the Instructor. Thanks boys.
What are your upcoming projects in the next few
months ?
We have been working really hard on our current
projects. Bali, Morroco and Fuerteventura are our new
destinations and we hope to be able to deliver the
same quality we have been delivering in France so
far.
Is there something or someone you wish to talk about
?
I would like everyone who has not done the sport to
try it. Find the time to escape from routine and find a
passion. Going surfing will always make you smile
and forget about problems.

Capturing adventure and immortalizing the beautiful is the fuel for Adrian’s artistic fire. With a
knapsack on his back, a camera around his neck, and his feet on a skateboard, He illustrates and
photographs people and places that inspire and stimulate astonishing moments, from every corner of
the world. How to do what he does? Go travel, go experience, go live. By Laurie Cassagnes.
Adrian! Can you talk a little about where you grew up
and when you got into art and more especially
photography?
I grew up in Australia on the Gold Coast, well known
for its amazing surf and perfect weather, so I spent a
lot of time outdoors exploring which I guess lead to my
passion for travelling and adventuring later on. My
interest in Photography came from travelling; I
became obsessed with trying to capture the beautiful
and interesting places and situations that I discovered
around me. With art and illustration it is something
that I have always been doing since i was a child; I
have loved drawing for as long as I can remember.
What drew you to life as a photographer?
Travelling! Skating, exploring, cultures, interesting
people, beautiful places… All the things that need to
be shared!
Can you share what visually appeals to you as a
photographer and why you shoot what you shoot?I am
drawn to images that create a feeling or atmosphere
of a place or a moment. Something that feels totally
true and real to the moment, something very organic.
These images are the most interesting for me.
What advice would you offer to photographers that
would like to get into lifestyle photography?
Live! Travel the world, meet interesting people,
explore… Be inspired by your surroundings. It is hard
to understand what to capture if you have not
experienced it yourself.
I know you travel a lot. Where were you in the world?
On how many continents have you laid your feet on? I
have been to every continent except for South
America! (and Antarctica). I first started travelling
around Southeast Asia many times (Vietnam,
Malaysia, Thailand, Philippines, Singapore, Hong
Kong) spent some time in Japan also. I have travelled
in India a few times and spent some time in Sri
Lanka… also apart from that I have spent the last few
years back and forth travelling around many places in
Europe and also down to Morocco. I have lived in
England, Italy, Portugal and Turkey and recently lived
in New York for a few months and travelled around
America in a van. Currently I am living in London!
Hopefully I will continue to travel and learn and gain
new experiences.
How do you feel when you travel when you leave your
hometown? Do you take the travel as a break or a
new adventure?
Everything is always a new adventure I guess, I
haven’t lived in my hometown for 7 years now, so it is
nice to go home, but also good to keep everything
fresh and new at the same time.
Can you explain why you choose Mowgli ?People
started to call me Mowgli because I look a lot like
Mowgli from the Jungle book and I have a crazy love
for animals. I guess it suits my passion for exploring
and adventure aswell so I thought it was the most
fitting name to use for myself!
Which aspects of surfing, skating, travelling and
lifestyle do you try and capture through your
photographs?
I think all of these things have a sense of freedom and
creativity that is an important part to try and capture
as a part of the lifestyle.
Do you skate or surf? Your favourite tricks/spot? I
grew up skating and I can surf but I am really bad! My
two favourite surf spots are in Morocco and Sri Lanka
but they are secret spots don’t want to give it away!
We talk about photography, lifestyle and boardculture.
Beside all of this, there is another part of culture… I
know you love drawing/ painting on the paper/walls…
Can you explain your graphic illustrations/your way to
draw?
My drawings I guess are a way of expressing a more
light hearted and fun side of my brain, everything I
draw tends to be quite twisted and quirky.. i like to try
and make people feel happy and less serious when
seeing something i have drawn or painted on a wall.
Is there a link between photography, boardculture and
art? In your work too?Of course! Alot of my drawings
and photos are influenced by boardculture, from
graphics I see, videos, magazines.. certain things that
are visually connected to Boardculture influence the
images and art that I create.
To close this conversation what is on your MP3 in this
moment ? Your favourite band or music ?
Right now I am listening to Teebs but also have been
listening alot to The Holydrug Couple and Mulatu
Astatke… Three very differents but chilled! Beats,
Psychadelic and Ethiopian Jazz!
Where do you hope to take your talents in the future?I
would like to just keep travelling and learning, taking
photos and creating art and improving what I do and
how to do it. I would love to be involved in a project
where I am able to use my skills to benefit others in
another country that I have visited. I have a really
exciting project like this that I have already pitched
coming up in the next year which is exciting so you
have to stay tuned for that !

MINA
TINDLE

Interview publiée le 16 mai 2012
Le Limier, 1972. Dernier film de Mankiewicz en tant que réalisateur -un de ses réalisateurs préférés.
Elle parle d’un huis clos, d’une belle rencontre entre le théâtre et le cinéma. Milo Tindle, lui, coiffeur,
correspond parfaitement à l’image du parvenu américain, du nouveau riche. Il rencontre le propriétaire
d’une maison immense, une sorte de magnifique manoir, riche collectionneur d’objets de cirque, de
maquettes, disséminées dans toutes les pièces de la demeure. Le film parle d’une lutte entre les deux
hommes, qui se piègent chacun leur tour pour l’amour d’une femme. Si les deux personnages ne
partagent guère plus qu’un nom très similaire, Mina Tindle trouvait que ce dernier sonnait bien. Elle l’a
gardé à cause de sa page MySpace nommée ainsi, de ses premiers concerts joués sous ce
pseudonyme, de même que les premiers articles écrits sur elle. Nous l’avons rencontrée un aprèsmidi
ensoleillé pour l’entendre raconter l’histoire de Taranta, son premier album. Voilà.
Taranta, cela signifie quoi ?
C’est une des dernières chansons que j’ai écrite, qui
n’est pas sur le disque. Je n’ai pas encore eu le temps
de l’enregistrer. Récemment, dans un concert à la
maroquinerie, j’ai invité des amies chanteuses, qui
chantent divinement. J’avais même invité a mère,
mais elle n’a pas osé venir ! Je suis tombée
amoureuse de l’Italie du sud, une de mes meilleures
amies en est originaire. Il y a cette tradition de la
Tarentelle là-bas : cette danse, cette musique
ancestrale propre à cette région. C’est une tradition
transmise oralement, un véritable rite de passage,
que chaque femme apprend différemment. Il s’en
dégage une dimension très spirituelle. Ma mère m’a
raconté des histoires et le fantasme qu’il y a autour de
cette danse, ce qui m’a fasciné au point d’écrire cette
chanson. Les femmes qui travaillaient dans les
champs de tabac avaient des conditions de vie très
difficiles, toute la journée en plein soleil, quand elles
ne se faisaient pas taper dessus ou violer par leur
patron. Mais une fois par an, elles avaient le droit de
danser, dans une sorte de carnaval, ce qui constituait
une véritable libération. Lorsqu’elles dansaient ainsi,
on les qualifiait volontiers de folles, comme si elles
avaient été piquées par une araignée -taranta en
italien, d’où la Tarantelle. Les danses étaient justifiées
pour faire “sortir” le venin qu’elles avaient en elles,
dans une sorte de transe qui pouvait durer des
heures, des nuits entières jusqu’au petit jour, en rond.
C’est une belle image sur la création, l’hystérie et les
femmes que j’ai voulu garder.
Tu as pris ton temps pour créer des morceaux riches.
Comment faire sur scène pour recréer l’atmosphère
de l’album et la complexité de ses arrangements ?
On a essayé d’adapter les morceaux pour la scène,
bien sûr, car les morceaux sont très produits. J’ai une
pédale de loop, pour faire des boucles. L’année
dernière je faisais mes concerts toute seule, j’ai appris
à m’en servir au fur et à mesure. Deux garçons
m’accompagnent au chant. L’un d’eux a une voix
extrêmement aigüe, qui lui permet de chanter presque
toutes les lignes que je chante sur le disque. Olivier
Margueri, des Syd Matters, s’occupe de la session
rythmique. Grace au pads, il balance des séquences
prises du disque, pour donner un peu d’épaisseur. En
étant peu sur scène numériquement, il est difficile
d’habiller les morceaux autrement.
Quel est ton moment préféré pour écrire ?
La nuit. Je ne crois pas encore avoir de déclic ou
d’habitude. Mais la nuit, je peux me retrouver à bosser
sur des enregistrements ou des maquettes et être
hyper heureuse. J’enregistre beaucoup chez moi.
Tu n’écris donc jamais en rentrant, en ayant un peu
bu ?
En général, j’évite de boire quand je bosse seule.
Cela serait un peu triste, non? Quand je bois, c’est
que je suis avec des gens et que je n’ai donc pas
envie de bosser. Parfois, en tant que bonne « geek »
des temps modernes, je me retrouve sur Facebook, à
écouter les morceaux que certains amis musiciens
postent ou à cliquer sur une vidéo de Nina Simone
pour ensuite écouter tous les liens associés. En étant
un peu ivre, avec les images, je trouves presque que
la musique est mieux que d’ordinaire ! J’ai un rapport
bizarre avec les vidéos, Internet. Les gens cliquent, tu
« likent », approuvent sans vraiment regarder, mais
ne prennent pas le temps de regarder. Internet est
complètement chronophage. Passer autant d’heures
devant un ordi, quand on y pense, avec du recul, c’est
c’est un peu ridicule. Ce que je préfère ? Écouter de
beaux vinyles quand je rentre, le soir.
Propos recueillis par Bastien Internicola
Pour les besoins de la mise en page, l’interview a pu être raccourcie ou
écourtée de certains passages.

1995
& LE GARAGE
L’AUTRE IMAGE DU RAP FRANÇAIS
Rencontre/Texte publiée le 15 octobre 2013
Avec un premier album au succès indéniable et une fan-base active sur les réseaux sociaux, le
groupe 1995 a réussi à s’imposer sur la scène musicale française en donnant un nouveau visage
visuel au genre, sur la simple base d’une collaboration artistique avec le collectif Le Garage. Enquête
sur l’ascension de 6 types normaux qui brisent les codes du hip hop hexagonal.
Janvier dernier, l’antre de la (pseudo?) « coolitude »
télévisuelle du Grand Journal accueillait pour son
début d’année non pas une star américaine venue
présenter son dernier single radio ou un groupe
alternatif en pleine ascension mais bien une bande de
potes originaire de Paris-centre, à même pas 10
kilomètres de l’emplacement du studio. Tous affublés
d’un costard bien propre comme il faut, les membres
du groupe de rap 1995 inauguraient leur premier
grand passage télévisuel sous les yeux du “feuprésentateur”
vedette Michel Denisot et de centaines
de milliers de téléspectateurs qui avaient plus
l’impression de voir s’exécuter des jeunes sortant de
la Fac plutôt que des « canailles de banlieue » comme
les à priori bien français l’imposent. Une consécration
pour le groupe et le paysage hip-hop français, tant le
genre a souffert de sa longue marginalisation dans
l’Hexagone. Mais avant de fouler les planches des
médias grand public et de pénétrer dans la sphère du
« cool » (terme en pleine démocratisation ces tempsci
pour le meilleur, surtout le pire), les 6 membres du
collectif ont eu recours à une mini-révolution dans le
genre, aidé d’un bon coup de pied visuel et codifié.
Originaire du Paris plein-Sud, 1995 (un neuf-neuf-cinq
/ un double-neuf-cinq, ndlr) témoigne de l’histoire de
quelques copains qui ont décidé de prendre un micro
pour lâcher des couplets sur leur vie, parfois
insouciante et festive, d’autres fois plus complexe et
lourde de cicatrices. Un rap sincère et direct qui a vite
su toucher une large partie de la population

mélomane française, pas habituellement friande de
hip- hop comme l’on a vite pu le constater. Avec des
productions sortant des carcans rap actuels (gros
synthés, turbines à fond et gangstah feeling) la
démarcation a d’abord été musicale : 1995 revendique
sa passion pour le siècle dernier et ne se gène pas
pour en faire sa marque de fabrique. Usant de
samples tirés des trésors d’il y a 15 ans, ou
s’acoquinant avec des nappes synthétiques plus
modernes où planent arrières-pensées nostalgiques
et passionnées, les 6 MC’s arrivent à se déconnecter
du cercle fermé des ténors du genre, sans pour autant
les rejeter. C’est cette singularité qui a permis au
collectif de rentrer dans les iPod de pas mal
d’aficionados d’autres musiques, tel que la pop,
l’électro, ou parfois même le rock. Il suffit alors de se
rendre à un concert du groupe pour constater la
diversité du public : blancs, noirs, jeunes, vieux,
clubbers, banlieusards ou (parfois) même CSP+
Ne manquait plus qu’un levier majeur à ce coup de
love musical, pour mieux pénétrer dans d’autres
sphères que celui du hip hop français : l’identification.
Avec leur look de parisiens « normaux », leur attitude
propre, et une ribambelle de clips, pochettes et photos
soignées, les 1995 ont très vite, réussi à tirer leur
épingle du jeu par un visuel travaillé et original qui a
amené la bande vers un nouveau public. Car la
philosophie 1995 ne s’arrête pas seulement à des
paroles balancées en l’air, elle se construit sur la base
d’un logo récurrent, de photos à l’esthétique léchée
loin des anciens codes graffs / banlieue / bling et de
clips réalisés avec une portée artistique et
conceptuelle qui a amené le groupe à faire parler de
lui. Qu’ils se fassent trainer par terre pour « La
Flemme », filmer de dos pour « La Suite », ou mettre
en scène dans un stade municipal pour « Flingue
Dessus », les kids intriguent et font parler d’eux.
Même cas de figure pour les pochettes de « La Suite
» et « Paris Sud Minute » – premier album en date –
qui mettent tour à tour le groupe en scène dans une
chambre d’hôtel et devant une épicerie avec sac de
courses à la clé. A tel point que la bande s’est vu
attribuer une étiquette « hype » qui la suit encore
aujourd’hui : taxés de rap de bourgeois, rap de blanc,
ou rap de « midinettes », 1995 se targue de faire ce
qui lui plait, dans un esprit décontracté et détaché des
règles imaginaires des puristes. En clair, l’alchimie
1995 relève plus d’une cassure totale dans les codes
visuels et sociaux du rap français que d’un véritable
blasphème éthique et musical. Mais comment une
simple bande de copains a-t-elle réussi à bouleverser
esthétiquement toute une scène musicale entière ?
Pour y répondre, il a fallu aller un peu creuser au fond
de l’entourage 1995. Jusqu’à ce que notre œil soit
attiré par un petit détail : à la fin de chacun des clips
du groupe, on retrouve un logo apposé le temps d’une
fraction de seconde. Formé d’un triangle surplombé
d’un cercle, le symbole simple et direct n’a pas l’air
anodin. C’est après renseignement que l’on
découvrira que la petite entreprise à l’oeuvre derrière
le fameux “signe” correspond à Syrine Boulanouar et
ses potes du Garage. Formé en 2008 par 5 copains
parisiens, tous sorti des arts décoratifs, Le Garage est
une sorte d’épicentre artistique en plein cœur de
Paris, dans lequel chacun de ses membres se
développe individuellement et spécifiquement
(photographie, réalisation, design, scénographie) tout
en se rejoignant collectivement autour de certains
grands projets. Amateurs de hip-hops et féru d’art
contemporain, il manquait à ces garçons là un déclic
majeur pour lancer la machine : la rencontre avec les
1995 en sera la clé.
Après quelques mails échangés et deux trois coups
de fils passés, nous avons donné rendez-vous à
Syrine (clippeur de la bande et tête principale de la
DA d’1995 avec Antoine Durand et Samuel Lamidey,
mais aussi actuellement en train de réaliser son
premier long métrage) dans ses propres locaux situés
au détour d’une petite rue pavée du cinquième
arrondissement parisien. Le tout accompagné à la
dernière minute de Sneazzy West, membre de 1995.
Installés dans une brasserie parisienne ré-aménagée
en atelier arty un peu bordélique, nous avons pu
aborder la genèse de cette relation fidèle entre Syrine,
le collectif et le groupe. Une rencontre qui a vu le jour
par pur hasard, comme l’explique Sneazzy West : «
J’habite pas loin d’ici, et je suis passé devant les
locaux du collectif en 2007. Du son passait, et en tant
que rappeur sauvage je suis allé toquer. A ma grande
déception je ne suis pas tombé sur des musiciens
mais 4 potes qui buvaient des bières dans des locaux
vides, et qui m’ont invité à les rejoindre». Une amitié
commence à naître entre le musicien et la bande,
jusqu’à ce que les affaires de Sneazzy commencent à
prendre. « Quand 1995 est devenu vraiment sérieux,
on cherchait à faire des clips et j’ai de suite pensé à
eux ». De fil en aiguille, la totalité du Garage va
rencontrer les membres du crew et la collaboration
s’officialisera. « La rencontre avec 1995 correspondait
vraiment au moment où on a décidé de bosser pour et
avec des gens qu’on appréciait vraiment » rajoute
Syrine.
La bande se mettra alors au travail à partir du 2eme
EP La Suite, pour donner au groupe une nouvelle
identité visuelle.
Un travail commun qui s’est révélé extrêmement
productif pour plusieurs raisons. Syrine et 1995
développent d’abord une manière de travailler à part,
puisque elle est basée sur une amitié réelle qui
commence à dater. «L’amitié est venue du travail,
mais elle est sincère. Tout repose sur des discussions
en amont autour des projets. » comme l’explique
Syrine, avant d’ajouter : « On n’a aucune gêne dans
notre manière de bosser qui est assez sauvage. Le
rapport de confiance est génial entre nous. Même si il
y avait des réticences, à partir du moment où l’on
sentait que l’un de nous croyait au truc on l’a suivi. ».
C’est une réelle prise de position par rapport à la
promotion basique, souvent examinée par un label
puis travaillée par les concernés. La base vient du
groupe et du collectif, ce qui permet par la suite de
donner une réelle sincérité au projet et à son univers.

Malgré certains obstacles rencontrés. « On est en
licence chez Polydor, ce qui veut dire que l’on investit
nous même dans tous nos clips, notre merchandising
et nos soirées, c’est le contrat. On travaille bien mieux
tout seul qu’avec des gens qui veulent se faire de
l’argent sur notre dos, sans vouloir cracher sur les
majors» rajoute Sneazzy West, qui tout comme le
reste du groupe se sent très bien dans cette situation.
En outre, passées les nombreuses heures de
discussion collective, une idée en ressort, et la bande
se met alors au travail. « 1995, Syrine ou Le Garage,
on aime les mêmes choses dans tous les domaines,
on a finalement la même passion qui nous poussait à
bien faire notre travail »
Et si le travail se caractérise par une organisation
débrouillarde, le résultat, lui, vient d’une envie bien
précise de la part du groupe et de Syrine. Passées
des années de clips et de visuels aux carcans très
établis dans le milieu hip hop, Sneazzy West et ses
acolytes ont pris la décision de faire changer les
choses : « Après deux années de streets-clips on
avait envie de passer le cap des vidéos de rap
français lambda où l’on voit un mec qui rappe sur un
parking, ça ne nous intéresse plus. On préfère créer
des objets visuels, que ce soit pour nos clips ou nos
pochettes » explique-t-il. Une initiative qui quoiqu’on
dise, a permis au groupe de se différencier : « C’est
clair qu’on a réussi à se démarquer même si on a
souvent pris des risques. On nous faisait souvent
remarquer que nos clips étaient marrants, originaux,
ce n’était pas un hasard. On fait d’abord ça pour nous
».
Résultat des courses, le groupe forme une réelle
identité au projet 1995 grâce à la patte artistique de
Syrine. « Dans une France où les artistes ne font plus
forcement attention à leur image, puisque c’est les
maisons de disques qui gèrent tout, c’est un plus de
faire attention à la leur » montre Syrine, approuvé par
son partenaire (une tendance qui se perd maintenant,
aidé d’un sentiment d’indépendance artistique de plus
en plus présent)
La philosophie 1995 relève d’une proposition
alternative, sans se compromettre dans ses choix et
sa façon de faire : « On passe en radio sans être
dictés par un supérieur, on choisit notre truc sans se
soumettre. C’est super important pour nous. ». Une
façon de faire, et un succès populaire qui n’aurait
surement jamais été autant possible sans l’aide du
Garage et de Syrine, qui défend réellement une «
autre » vision de cette musique : «On fait des choses
que le public rap n’irait pas voir en premier, et c’est
pour ça qu’on a réussi à attirer une autre catégorie de
personnes. Et même dans notre état d’esprit, on
refuse la concurrence. On fait juste nos trucs sans
faire gaffe aux autres, et sans les juger ».
Le succès de 1995 pourrait donc ne pas se résumer à
l’image de « boys band du rap français » que leur ont
collé leurs plus fervents détracteurs, en allant voir les
propositions qu’offre le groupe sur la scène musicale
française. En collaborant avec un collectif artistique
indépendant comme Le Garage et en s’écartant des
codes récents du genre, les 1995 ont montré qu’une
autre formule était possible. Plus urbaine et jeune
peut être, mais tout autant artistique et soucieuse du
détail.
Des valeurs que Syrine défend : « On a des envies
qu’on veut accomplir et on va au bout, peu importe le
style musical. Mais dès qu’on aime bien ou dès que
ça nous inspire, on fonce».
À tel point que le groupe comme le collectif ont prouvé
– en totale indépendance – que malgré les embûches
et les fidèles puristes, une seule façon de penser
pouvait vraiment payer : la sincérité, encore, toujours.
Par Brice Bossavie
Photographie : Améli Monti, pour Crumb
Le travail d’image de 1995 a révélé tout son potentiel
en accompagnant le groupe hors des sentiers du
genre, en se répandant dans les bibliothèque
musicales des non initiés. Attirés par un visuel
intriguant, ainsi qu’une musique fraiche et différente,
ce nouveau public a permis au groupe de prendre un
véritable envol en moins de 2 ans, sillonnant les
festivals français, et cassant les codes sociaux du hiphop.
« Les gens ont pu s’identifier à nous parce qu’ils ont
vu qu’on était des rappeurs qui ne se prennent pas la
tête, dans un milieu où actuellement l’égocentrisme et
le cliche prennent parfois le dessus » explique
Sneazzy avant de rajouter « Ça me fait d’autant plus
plaisir quand une fille de 15 ou 19 ans me dit qu’on lui
a fait découvrir le rap et qu’elle s’ouvre à d’autres
artistes ».

TOPS
Interview publiée le 4 juin 2015
TOPS donnera un concert pour notre plus grand plaisir au Point Ephémère, à Paris le 9 Juin prochain. Ils
y joueront Tender Opposites et Picture You Staring, deux albums rêveurs où l’innocence pop est souvent
rattrapée par la mélancoli, dans un mix ingénieux. Jane, la chanteuse du groupe de Montréal, a répondu à
nos questions via mail transatlantique.
Comment le groupe s’est-il formé ?
Jane : David et moi écrivions et enregistrions des
chansons depuis un bon moment, mais on voulait
jouer avec un batteur. Riley en jouait tout seul dans
notre studio pendant des heures et tous les jours,
alors on lui a proposé de se joindre à nous pour un
jam, ça a tout de suite fonctionné. Du coup on s’est
lancé dans TOPS.
Vous êtes considérés comme un groupe DIY, que
penses-tu de cette référence ?
Nous avons choisi de faire tout nous mêmes, puisque
nous n’avions aucune ressources à nos débuts. Cela
a très bien fonctionné pour nous. Cette classification
fait sens, mais cela peut-être aussi un peu
condescendant – des directions artistiques
mainstream profitent des artistes comme nous ou nos
amis. C’est considéré comme légitime à cause de
l’argent et des paillettes qui vont avec.
Comment as-tu découvert ta vocation de chanteuse ?
J’ai commencé à chanter des titres pour David et
notre ami Sean Nicholas Savage. J’étais très timide
mais j’aimais l’idée de faire de l’art avec eux, c’était
terrifiant au début mais leur attitude très relax et leurs
efforts pour me soutenir m’ont donné envie de m’y
mettre. C’est en montant sur scène que j’ai réalisé
que j’aimais vraiment cela. Puisque je n’avais jamais
chanté auparavant, ma voix était différente des autres
chanteuses, j’aime encore cette idée de pouvoir
développer mon propre style de chant.
Tes études en histoire de l’art ont-elles une influence
sur ta perception de la musique ?
J’ai un intérêt naturel pour l’art et le cinéma qui me fait
traiter tout ce que nous faisons en terme de vidéos et
de visuels à travers ce spectre. Cela rend mon travail
plus gratifiant de me voir comme une artiste
performeuse, l’élément visuel compris dans la
composition de la musique se rapproche plus de l’art
que de la publicité. Il m’arrive aussi de voir des
images cinématographiques dans mon imagination
lorsque j’écris des paroles.
En 2012, TOPS était dans le top album du site de nos
amis Gorilla Vs. Bear, aux côtés de Chairlift et Beach

House, deux autres super groupes leadés par des
voix féminines. Comment perçois-tu l’image
des femmes dans la musique actuellement ?
Les femmes interagissent avec la musique par des
moyens vraiment uniques. Nous ne sommes pas
accablées par les schémas classiques du rock car les
perspectives féminines ne s’y sont jamais reflétées
dans la plupart des cas. Donc en tant que femme, tu
crées quelques chose qui reflète ton unique
perception. Les gens sont attirés par la musique faite
par les femmes.
Par quels liens te sens-tu connectée à la scène
musicale de Montréal ?
Montréal est ma maison. Lorsque nous y sommes, je
passe mon temps à aller à des concerts. Je me sens
membre de cette scène en tant que spectatrice. La
scène a évolué dans le bon sens depuis que j’ai
commencé à jouer dans des groupes, c’est cool à
observer. En ce moment, beaucoup de genres et
d’approches différents semblent coexister
paisiblement, ce qui est très plaisant car j’aime autant
aller à des concerts de punk, qu’aller danser ou
écouter un concert de rock chill. Je suis inspirée par la
musique autour de moi mais en fin de compte, ce que
nous faisons existe indépendamment des évolutions
de la scène de la ville.
Te réfères-tu à des endroits particuliers dans ta
musique ou certains t’influencent-ils dans ton
processus de création?
Dès que je suis chez moi, je m’installe un petit studio
avec mon synthé, une guitare et une boite à rythmes
et j’y passe beaucoup de temps. C’est ici que je
m’entraîne, que j’écris, que j’enregistre beaucoup de
notre travail. Sur la route, je suis inspirée par tout ce
qui m’entoure et je retranscris tout cela dans un carnet
lorsqu’on roule d’une ville à l’autre.
D’où t’es venue l’idée de cette esthétique épurée pour
le clip d’Outside ? La danse est une discipline que tu
pratiques régulièrement ?
Je savais que je voulais faire une vidéo où je
bougeais à travers un espace en exprimant
l’isolement. La chanson est à propos d’une femme
frappée d’ostracisme pour être prise d’une passion.
En commençant à préparer la vidéo, j’ai compris que
je devais préparer mes mouvements donc je me suis
mise à travailler avec Bronwyn Ford et ça s’est fini en
vraie chorégraphie. Je ne suis pas danseuse, il a fallu
que je m’entraîne des heures. L’atmosphère évoque
la tristesse mais les mouvements sont contrôlés et
puissants. Ils reflètent cette prise de responsabilité
que je recherchais via l’écriture de ce titre et son clip,
en adoptant la vulnérabilité
Les histoires que tu racontes dans tes titres gardent
toujours une part de mystère, qu’est-ce qui t’attire
dans l’exercice d’écriture ?
C’est très difficile pour moi de séparer mes
expériences personnelles de mes chansons. Je sens
que j’ai besoin de faire connaître ma perception des
choses, la faire proliférer par le biais de la créativité.
C’est une pulsion que je ne peux pas expliquer. Mais
je fais de la musique pour ça.
Propos recueillis par Alice De Jode

Interview publiée le 15 janvier 2011
Quand la planète hype s’émeut d’une personnalité, on prend toujours une pose suspecte. Soyons au moins honnête,
on a tout entendu sur Uffie : arnaque musicale, absence de performance scénique mais aussi artiste incontournable,
bad girl talentueuse, princesse de l’électro. Nous nous sommes demandé qui elle était vraiment et pour répondre à
nos quelques interrogations, il nous fallait la rencontrer.
Hong-Kong est une terre de contraste. Au modernisme des
centres commerciaux et des gratte-ciel immenses, se
mêlent les coutumes et traditions établies depuis des siècles
par les populations. Un méli-mélo des genres. Beau,
compliqué, tiraillé et éclatant à la fois. C’est ici qu’a grandi
Anna Catherine Hartley, dite « Uffie ». Elle naît en Floride et
passe son temps dès lors à faire (quasiment ou presque) le
tour des États-Unis : Miami, Cincinnati et tant d’autres. Et
puis enfin Hong Kong ! Pas le temps de se poser, de
s’arrêter, de souffler. Pas le temps de se faire des ami(e)s,
de nouer des liens, de s’attacher. Des souvenirs ? Oui.
Ceux des rares instants où elle allait vendre ses poupées
avec sa sœur au marché aux poissons. La ville est grande,
mais sans danger. Les gens sont polis, attentionnés,
prudents, protecteurs. Comment le vit-on quand on est une
enfant que l’indépendance passionne ? On trouve un
refuge. Pour Anna, ce sera la musique.
La suite vous la connaissez, devenue égérie malgré elle,
Uffie a tout connu en peu de temps : le succès, l’argent, la
gloire, l’amour, les voyages et enfin la joie d’être maman.
Cela fait beaucoup pour une seule personne. Alors, il y a
bien évidemment les remises en question, les doutes et…
Sex Dreams And Denim Jeans, un étrange ovni, dont elle a
mis du temps à accoucher – la sortie ayant été repoussée à
plusieurs reprises, après un mariage avec le graffeur André,
un divorce et une grossesse. Étrange objet que cet album,
oui. A première vue, pas grand-chose pour séduire – en
témoigne la voix frêle et ultra trafiquée de la chanteuse –
mais voilà Uffie peut faire des miracles. Qu’elle soit
associée à Pharell Williams, plus sombre sur un Art Of Uff,
signé M. Oizo ou bien mélancolique sur Our Song, la
blondinette dévoile ses facettes. Un ovni en somme qui fait
bon écouter mais que l’on aime détester.
Jamais peut-être un/une artiste électro n’aura suscité autant
de controverses et passionné autant d’ados curieux. Nous
avons tout entendu oui, des critiques les plus sévères aux
éloges les plus grands. Mais tous les témoignages auxquels
nous avons eu à faire portaient en eux le regard de la
passion. Question de contrastes. Et si c’était cela finalement
Uffie ? Un méli-mélo des genres. Beau, compliqué, tiraillé et
éclatant à la fois.
Le 22 octobre, le lendemain de son concert à la Cigale à
l’occasion de la « Uffie Diesel Party », CRUMB a rencontré
Uffie. Encore épuisée de sa prestation de la veille, elle nous
a reçu dans les locaux du label Because, pour répondre, en
toute simplicité à quelques questions. En 5 minutes chrono.
(Uffie commence) :
Pour info, je ne suis pas tombée hier soir, sur scène et je
n’étais pas bourrée. J’essayais juste de faire monter une fille
sur scène et j’ai perdu l’équilibre !
Je n’avais pas prévu de t’en parler !
Tant mieux car d’autres ne parlent que de ça.
C’est le boomerang médiatique. Comment tu te situes sur la
scène électro rock française ?
Je ne me situe pas du tout. Par contre, je pense que je suis
probablement une des seules filles à faire de l’électro en
France. Et ça je le revendique.
Est-ce que ton enfance en Chine a influencé ton rapport à la
musique ?
Pas vraiment, cela remonte à trop loin. C’est surtout les
goûts musicaux de mes parents qui m’ont influencé.
Il paraît que tu es en train de préparer un album « rock ».
Oui, façon de parler. Mais il va resté très électro. Avoir joué
mon album actuel en live m’a appris beaucoup de choses
sur ma manière de travailler. Pour le prochain, j’aimerais
utiliser beaucoup plus d’instruments. Il y aura donc, oui,
même si cela reste très électro, un côté plus « rock ».
Comment appréhendes-tu ta carrière, maintenant que tu es
maman ?
Cela ne se passe pas très bien. Particulièrement ces tempsci.
Mais chaque jour est différent. Malheureusement, je ne
peux pas être là tous les jours pour mon bébé donc j’essaie
juste d’apprécier autant que je peux les moments que je
passe avec. J’arrêterai un jour la musique pour ne
m’occuper que d’elle. Pour l’instant je ne peux pas.
Nicolas Cassagnes (et Thomas Carrié)

NICOLAS
COMMENT
Interview publiée le 20 novembre 2010
Tout est dans le regard. Noir, avec une pointe de malice. Nicolas Comment a emprunté la poésie à
Manset, le dépouillement à la New Wave et les phrasés subtils à Gainsbourg. Ce qu’il a fait de tout
ça ? Un univers mystérieux, mélodique, instantané. Comme en photo. Ca tombe bien, photographechanteur,
voilà ce qu’il est…
Pouvez-vous nous parler de votre rapport
image/musique ? On voit souvent des chemins
artistiques se croiser dans la vie de certaines
personnes. Or le passage de la photographie à la
musique est assez inédit…
C’est vrai… Mais dans les deux cas, il s’agit d’un
travail d’auteur, avant tout artistique. Pour moi, jusqu’à
présent, l’image l’avait emporté sur tout le reste. Et
au-delà de la photographie, c’est la publication, le livre
de photos qui me plait depuis toujours, les bouquins
de Depardon des années 80, notamment. Toute
l’histoire de la photo s’est faite pour moi à travers le
livre. De l’autre côté, le disque en lui-même me
fascine, notamment certains albums concepts qui sont
vraiment singuliers. Plutôt qu’un rapport
image/musique, j’entretiens un rapport à l’objet.
Mais dans vos textes, vous suggérez des images…
Oui complétement ! D’ailleurs, mon équipe de
production m’as plusieurs fois répété : « Mais
pourquoi tu ne mets pas tes photographies dans la
pochette de l’album ? ». Tout simplement parce que
les images sont dans les textes. Rajouter une
nouvelle image par-dessus me paraissait excessif. Et
puis je ne me sens pas capable d’illustrer les images
qui sont produites par les textes et la voix. Je l’ai déjà
fait il y a quelques années, à travers un premier EP,
sorte de mini album concept sous la forme d’un livre
photo sur Berlin. Pour cet album, je tenais au contraire
à ne pas tout mélanger.
Est-ce que l’on peut dire que vous écrivez des
chansons comme des instantanés ? Et, si vous n’étiez

pas passé par la photographie, auriez-vous eu la
même approche dans le travail au texte ?
Je ne sais pas. Je dirais qu’il y a certainement dans
mon travail, une influence de la photographie mais
une fois dans le réel. C’est-à-dire que quand j’écris, je
rédige par petites notes. Il s’agit généralement de
choses vécues, en grande partie, et puis après je tire
vers la fiction. Un peu comme en photo, oui. Je pars
du réel, d’une image réelle mais je tends à lui donner
une dimension onirique. En tout cas il y a bien un côté
instantané car j’écris très vite les textes, en cinq
minutes, c’est léger, même si je peux passer après
plusieurs heures à les travailler. Mais au delà, pour
moi, le lien, l’approche évidente entre la photographie,
l’instant photographique et le travail musical est
l’enregistrement. Walter Benjamin parle bien
d’enregistrement dans L’Œuvre d’Art et la
Reproductibilité. Pendant un enregistrement musical,
on fait une prise voix ou instrumentale de la chanson
– même si on peut tricher en faisant plusieurs prises
et en collant les morceaux – et on l’écoute après. On
peut l’écouter, la réécouter, des dizaines, des
centaines de fois si la chanson nous plaît. C’est pareil
pour la photographie : on immortalise une image dans
l’instant mais on peut la revoir de la même manière
des dizaines et des dizaines de fois. Donc oui, il y a
fatalement un lien, une influence directe de la
photographie sur le travail au texte mais je n’ai pas
vraiment cherché à le mettre en avant.
Est-ce grâce à votre rencontre avec Rodolphe Burger
et Marc Collin, le producteur de Nouvelle Vague que
le déclic musical s’est fait ?
C’est une longue histoire… J’ai rencontré Rodolphe il
y assez longtemps. C’est lui qui m’a permis de faire
une première démo. Entre temps j’ai rencontré un
autre producteur, Jean-Louis Pierot (des Valentins,
ndlr), qui a produit le CD livre sur Berlin. Et après
seulement j’ai rencontré Marc qui m’a tout de suite
proposé de faire un album. Jusque-là je ne faisais que
flirter avec l’idée…
Et votre rapport à Gainsbourg ?
(Sourire). On m’en parle beaucoup.
C’est à cause de la voix je crois. Qu’est-ce que je
peux dire ? J’adore son travail, c’est magnifique.
Notamment Melody Nelson. Ces chansons sont des
chefs d’œuvre mais je n’essaie absolument pas de
l’imiter, alors comme je le sais j’ai mis sur l’album une
chanson un peu clin d’œil qui s’appelle Variations Sur
Unika. Histoire de dire « Ok, je suis au courant que ça
peut faire penser à Gainsbourg, mais ce n’est pas
Gainsbourg, il n’y a pas d’imitation ». Et finalement,
en y regardant de plus près, l’influence n’est pas
tellement gainsbourienne, mais plutôt du côté de
Manset, même s’il y a des thématiques à la
Gainsbourg, peut-être de l’érotisme sous-jacent…
En tout cas, c’est une référence que je n’assume pas.
Qui peut l’assumer ? C’est un géant !
Propos recueillis par Thomas Carrié
Pour les besoins de la mise en page, l’interview a pu être raccourcie ou
écourtée de certains passages.

CRÉDITS PHOTOGRAPHIQUES
ET ICONOGRAPHIQUES ©
L’ensemble des photographies mises en page dans cette publication restent et
demeurent la propriété de leurs auteurs respectifs.
Photo de couverture : Anna Francesca, photographiée par Michael Dürr.(Anna
Francesca @Body and Soul, Make Up & Hair : Lydia Bredl @ Talent Drag, avec
M.A.C Cosmectics, retouche digitale : Katharina Schmalzhofer – photo extraite de
la série initialement publiée sur C-Heads magazine le 4 octobre 2015)
Vampire Week-end : XL Recordings (visuels presse) pages 15 et 17
Madlib : Simon Betite, pour Crumb magazine, page 18
Sky Ferreira : Terry Richardson, page 23, Jason Lee Pery double-page 24 et 25
(photographie extraite de la série initialement publiée dans ASOS magazine, juillet
2013), stylisme : Zeba Lowe, MakeUp : Gloria Noto, Hair : Alex Pollilo
Grünt (Jean Morel) : Simon Betite pour Crumb magazine
Austra (Katie Stelmanis) : Pauline Darley, pour Crumb magazine
AlunaGeorge : Fiona Garden (visuel presse) page 36 et Simon Betite, pour
Crumb magazine page 38 (photo extraite du portfolio du concert d’AlunaGeorge
au Nouveau Casino, à Paris, en mai 2013, réalisé par Simon Betite et publié par
Crumb le 10 mai 2013).
Metronomy : Mathieu César pour Crumb magazine pages 45, 46, 47 et 49 et
Pierre & Florent pour Crumb magazine page 50
Bertrand Burgalat : Pauline Darley, assistée de Maxime Stange, pour Crumb
magazine, page 53
Michael Fassbender : Alice Hawkins, page 56, représentée par Patricia
McMahon (photographie initialement publiée dans Esquire UK, juin 2012)
Sébastien Tellier : Julot Bandit, représenté par Florence Faisan, pour Crumb
magazine page 59 (photo initialement publiée en couverture édition .pdf digital de
Crumb magazine n°13, mis en ligne le 17 mars 2012)
Jungle : Mike Massaro, page 63
Django Django : Pavla Kopecna, page 65
Philippe Katerine : Visuel Presse, « Magnum », Philippe Katerine, page 76
Busy P (Pedro Winter) : Julot Bandit, représenté par Florence Faisan, pour
Crumb magazine, page 83
Iggy Azalea : visuel presse, page 85
Salut C’est Cool & Flavien Berger : visuel Salut C’est Cool facebook page 89
Jagwar Ma : Visuel presse, Jagwar Ma page 92
Hanni El Khatib : visuel presse, Hanni El Khatib, page 96
Ayo : Diane Sagnier pour Crumb magazine, page 98 et Yann orhan page 109
MØ : Thomas Skou (visuel presse), fourni by The Windish Agency, page 110
Hinds : Bella Howard, page 112 (Nylon magazine), visuel presse Ping Pong
double page 114/115 et Ryan Kenny, page 117 (photographie initialement publiée
sur le site web du magazine Oyster, avril 2015)
Foxygen : visuel presse, page 119
Ödland : Ödland, photo officielle fournie par le groupe, page 121
Dominique A : Pauline Darley, assistée de Maxime Stange, pour Crumb
magazine, page 122
The DØ : L.R - Dan Levy & Olivia Merilahti (visuel presse fourni par Six Degree
Records), page 133
Soko : Diane Sagnier, pour Crumb magazine
Barbara Carlotti : Serge de Rossi, Atmosphériques, page 138
Bertrand Belin : Diane Sagnier pour Crumb magazine, page 150
BØRNS : Hobbes Ginsberg, page 143 (photographie initialement publiée sur le
site web du magazine BEAT – thebeatjuice.com, janvier 2015)
Alt-J : Yann Morrisson, pour Crumb magazine, page 144
Zella Day : Jared Kocka / GAP, page 156
Yuksek : Diane Sagnier pour Crumb magazine, page 159
Stromae : Koury Angelo, page 163
Electric Guest : Diane Sagnier pour Crumb magazine, page 165 (photo
initialement publiée en couverture édition .pdf digital de Crumb magazine n°9, mis
en ligne le 16 juillet 2011)
The Dodoz : Alexis Pech, pour Crumb magazine, page 167
The Shoes : Diane Sagnier pour Crumb (photo initialement publiée en couverture
édition .pdf digital de Crumb n°13, mis en ligne le 17 mars 2012), page 169
Disclosure : Mike Massaro, Disclosure, page 175 et double page 176/177
London Grammar : Lindsey Byrnes, page 180
Klub des Loosers : Laurent Nalin (Collectif 5.6) pour Crumb, pages 182 et 185
Rodrigo Amarante : Yann Morrison, pour Crumb magazine, page 186
Jackson Scott : Fat Possum Records (visuel presse)
HAIM : Ben Rayner, page 192 (stylisme : Lauren Blane, été 2012) et Katrina
Dickson pour Jesse Kamn, page 194
Mikhael Paskalev : Visuel presse, Universal, Mikhael Paskalev, page 203
Natalie Prass : Ryan Patterson, page 205
Alan McGee : Justin Sutcliffe (photographie initialement publiée sur le site web du
Telegraph, novembre 2013, visuels Creation Records, tous droits réservés et
NME (archive), page 209
Robi : Frank Loriou, page 212 et Justine Tellier, pour Crumb, page 215
Gunther Love : Diane Sagnier, pour Crumb magazine, page 217
Destroyer : Visuel presse, Merge Records, Dan Bejar/Destroyer, page 221
Franz Ferdinand : David Edwards, Franz Ferdinnd (visuel presse), page 233
CHVRCHES : Justine Tellier pour Crumb magazine, page 235
PHOTO (groupe) : Jean-Philippe Lebée, page 238
Charlotte OC : Burak Cingi (visuel presse) page 241
Twin Twin : Enzo Addi (photographie extraite du portfolio du groupe, par Enzo
Addi, publié le 25 novembre 2013, lors d’une journée spéciale « Twin-Twin),
assistant photo : Kamel Bentot, stylisme : Edem Dossou, assistante stylisme :
Bénédicte), page 245
Hollysiz : Éric Guillemain / Grazia, page 249 (photographie initialement publiée
sur le site web du magazine Grazia, août 2014) & Dimitri Coste, page 251
Jain : Visuel Come / Carcasse / Columbia Records / Jain, page 252
Émilie Simon : Lisa Carletta (visuel presse), page 262
Charlie Winston : Andrew Gura (visuel presse), page 266
La Fiancée : Charlotte Marcodini (visuel presse), page 268
Lulu Gainsbourg : Diane Sagnier, pour Crumb magazine, page 270
James Vincent McMorrow : Yann Morrison, pour Crumb magazine, page 272
Ben Howard : Diane Sagnier, pour Crumb magazine, page 275
Mina Tindle : Fox and Favour / Mina Tindle, page 288
1995 : Améli Monti, pour Crumb magazine, page 291
TOPS : Rebecca Storm, page 295
Uffie : Paul Blau page 296 et Ysa Pérez, double page 298 et 299
Nicolas Comment : autoportrait, Nicolas Comment, page 301
-
Séries par Miranda barnes I (pages 40-43) et II
Série par Lisa Boostani
Série Madagascar
Série Bleu
Série Sunbathing
Série Améli Monti
Série boardculture
Pages CRUMB et Michel Gondry
Les séries reproduites ont été reprises telles quelles pour reprduction, avec les
crédits associés.
Les photographies du concert du groupe « Eagles Of Death Metal » au Bataclan le
13 novembre 2015 sont de Manuwino. Le photographe les met à disposition, sur
simple demande, pour toute publication à usage non commercial, sans
modification, recadrage ni retouche supplémentaire.
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Nolwenn Turlin, Octave Duros, Octavie Toublanc-Lambault, Olivier Cron, Olivier Mukiandi, Ombline Le Lasseur, Ophélie Aubert, Ophélie
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Chevassus, Pierre Dumazeau, Pierre-François Galpin, Pierre Petit, Pierre Poumet, Pierre Saba-Aris, Pierre Schollier, Priscilla Régis, Priscille
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Ringenbach, Sixtine Mignot, Soizic Bour, Sophia Mathieu, Sophie Hellégouarch, Sophie Yang, Steeve Bauras, Stéphane Baumet, Stéphane
Brassier, Stéphane Contencin, Stéphane Rebière, Stéphanie Boubli, Stéphanie Garrec, Suzanne Copinn Sylvie Meyer, Tiep Khuc
Centre, Tiphaine de Trogoof, Théo Fevez, Théo Haggai, Thibaud Chaufourier, Thibault Fagu, Thibault Pailloux, Thierry Leriche, Timothée
Chesnin, Thomas Azzuro, Thomas Lavernhe, Thomas Pomarelle, Thomas Rasoanaivo, Thuy-Vi Nguyen, Tristan Libersat, Tristan Silhol, Ursula
Herman, Valentin Coutant, Valentine Touzet, Vanessa Beato, Vanille Bouyagui, Vanina Escoubet, Vickie Guyader, Victor Biscotte, Victor Girod,
Victor Pillet, Victor Vinet, Vincent Portet Sullà, Vincent Lim, Vivian Crettol, Violaine Charbonnier, Virginie Commes, Vivien Morgat-Brunet, Xavier
Beiger, Xavier Gonzalez, Yanis Vandenberghe, Yannick Lailler, Yannick Taranco, Yao-Wei Huynh, Yoann Masson, Yohann Schütz, Younn
Postec, Zineb Bouderka, Zoltàn Balàzs

Édition propulsée digitalement par Yumpu
Directeur de la publication et représentant légal : Thomas Carrié
Relecture : Marie Chaslin-Folio
CRUMB Média, CRUMB magazine et le logo CRUMB sont des marques déposées.
Tous droits réservés.
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Pendant plus de 5 années, CRUMB a construit son histoire sous forme de
fanzine digital, brouillon et bouillonant, mené par une bande d’amis aux
envies pleines d’imperfections. De ce grand brouhaha amateur est resté
beaucoup de souvenirs musicaux et humains, des rencontres et
quelques mots. Comme un territoire d’expression privilégié et sans
pretention, par des rendez-vous donnés à de nombreux artistes de
toutes les scènes : de Vampire Weekend à Barbara Carlotti, en passant
par Madlib, Iggy Azalea, Austra, Dominique A, Alt-J ou encore Michael
Fassbender…
C’est aussi l’histoire d’un magazine web qui a connu des évolutions de
forme, de style, de directions (avec ou sans fautes d’ortographes). On y
vit surgir dans des interviews fleuves des révélations de la scène
musicale française, comme Robi, les confessions d’initiatives militantes
hip-hop de Grünt, des discussions psychédéliques avec Sébastien Tellier
ou des rêveries échangées avec Destroyer. On y vit aussi le travail de
jeunes talents de la photographie, qui ont accompagnés l’aventure en
long, avec ses bouts de rien.
Ce book digital retrace le fil rouge de ces cinq années, en 312 pages et
plus de 70 interviews, riches en photos et en mots. Comme une trace
laissée, minime et naïve, de ce que CRUMB était.
312 pages - 72 interviews.
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