La Toscana Ottobre (1) (1)

TOSCANA
la
Toscana Cultura - Anno 3 - Numero 9 - Ottobre 2015 - Registrazione Tribunale di Firenze n. 5905 del 6-2-2013 - Iscriz. Roc. 23227. E 1

LUCIANO
MANARA
Il Warhol toscano
che a Marilyn ha
preferito il “Ciao”
Manara Design
Via di Novoli, 62/G - 50127 Firenze
Tel. +39 055 435003
info@manaradesign.it
www.manaradesign.it
L’installazione
Ciao…Via col vento
reinterpreta un
simbolo del design
italiano nel segno
di una creatività
trasgressiva.
Genialità e
provocazione
di un artista
extra-ordinario…

Sommario
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Luciano Manara, il Warhol toscano
Andrea Alfani alla Galleria Via Larga
Paul Paiement al Florence Dance Center
Artisti contemporanei all'Auditorium al Duomo
Milvio Sodi: la ricerca dell'esserci
Alberta Bigagli: alle sorgenti della poesia
Il Palio della Beata Giovanna di Mara Faggioli
La voce dei poeti: Claudia Piccinno
L'arte del cuoio nelle opere di Marco Giusti
Visual China all'Archivio di Stato di Firenze
Gianna Pinotti a Simultanea Spazi d'arte
A Fiesole, il libero pensiero di Leopoldo Paciscopi
Luca Alinari ricorda il Cinema Astoria
Alla Stamperia Edi Grafica in mostra Mario Minarini
Zerva Paraskevì all'Antica Farmacia di Santa Maria Novella
Sergio Del Giudice: l'arte è il futuro
Le mostre di ottobre alla Casa di Giotto
Eugenia Margherita Arcuri: la forza del colore
Cinquanta artisti toscani a Spoleto Festival Art 2015
Ghenadie Popic
Chiesa di Ognissanti
foto digitale, stampa su carta fotografica,
cm. 37x33
La fotografia, esposta all’ICLAB nell’ambito della
mostra Quando l’arte unisce i popoli, è parte del libro
fotografico di Ghenadie Popic Firenze Nascosta
di prossima pubblicazione.
In copertina: il pittore fiorentino Andrea Alfani nel suo studio
(foto di Piero Campioni e Elisa Pelliconi)
LIBUSE BABAKOVA
178 Recondite Armonie, 2015
acrilico su tela, cm. 40x40
Dal 9 al 25 ottobre 2015 quest’opera sarà esposta all’Istituto Italiano di
Cultura ad Amsterdam nell’ambito della mostra collettiva Firenze Amsterdam
A journey of art organizzata dal Circolo degli Artisti “Casa di Dante”.
www.libusebabakova.com - libuse.babakova@gmail.com
la TOSCANA
Periodico di attualità, arte e cultura
dell’Associazione Toscana Cultura
Registrazione Tribunale di Firenze
n. 5905 del 6-2-2013 - Iscriz. Roc. 23227
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Anno 3 - Numero 9 - Ottobre 2015
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Adelinda Allegretti
Anna Balsamo
Filippo Becattini
Alberta Bigagli
Maria Grazia Dainelli
Sergio Del Giudice
Giampiero Fossi
Silvia La Rossa
Pierfrancesco Listri
Gigliola Melani Paciscopi
Riccardo Nencini
Claudia Piccinno
Daniela Pronestì
Segretaria di redazione
Chiara Scali
chiara.scali@toscanacultura.it
Coordinamento editoriale
Lucia Raveggi
lucia.raveggi@toscanacultura.it
Foto:
Piero Campioni
Maria Grazia Dainelli
Luca Matulli
Carlo Midollini
Elisa Pelliconi
Ghenadie Popic
Sommario
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Andrea Alfani
Una pittura nello spazio
ma fuori del tempo
di Pier Francesco Listri
Foto di Piero Campioni
Andrea Alfani è un pittore fuori del tempo ma profondamente immerso
nello spazio. Lo scopriranno i visitatori della sua prossima mostra
che avrà luogo dal 28 ottobre alla Galleria Via Larga di Firenze nei
locali della Città Metropolitana in via Cavour. Senza tempo tranne
che per quello meteorologico che perfettamente descrive nella luce dei suoi
paesaggi. Immerso nello spazio invece perché ogni tela propone uno scenario
naturale fra il verde o vicino al mare e anche da terrazze da cui si coglie la scena
urbana che quasi sempre è quella fiorentina. È il caso del giovane seduto che
legge un libro con Firenze alle spalle.
Accompagnano da sempre questo artista poche figure ritornanti: ora una ragazza
bella e ispiratrice in abiti anch’essi fuori del tempo, ora giovani figure maschili, né
mancano in alcuni quadri profili di cavalli che aggiungono naturalezza alla natura.
La natura in Alfani è come un eterno manto che abbraccia e insieme fa emergere
le figure e non di rado si tratta di un paesaggio intenzionalmente senza riferimenti
Come luce per l'anima, olio su tela, cm. 35x70
Leggiadrie fiorentine, olio su tela, cm. 35x70
Alla fonte dell'ispirazione, olio su pannello telato, cm. 70x50
geografici, ma quasi sempre colto secondo la sintassi
visiva fiorentina. Le tele di Alfani possiedono una
profonda riconoscibilità perché stanno tra la densa
chiarità a descrivere l’atmosfera del giorno e quella
simbolica senza tempo che la scena evoca. Come
s’è detto cavalli e mare sono due elementi tornanti,
anche questi fuori della vieta attualità.
La atemporalità di questa pittura sul piano stilistico
e storico dell’arte, si allontana bruscamente dai climi
anonimi della pittura contemporanea, ma anche
dal naturalismo impressionistico, nonché dalle scene
classiche. È uno spazio tutto suo che il poeta si è
creato, come un grande teatrino della fantasia che
di per sé è sostanza, ma fa anche da scenario alle
figure che vi appaiono e che sono sempre le stesse
ritornanti.
4 Andrea Alfani

Sulla giostra dei ricordi
d'infanzia, olio su pannello telato,
cm. 69,7x49,7
Distingue questa pittura, se ancora
non s’è detto, forse s’è capito, una
straordinaria bravura espressiva che
si avvale di una grande tecnica ma
anche fa appello a un fantasioso regno
delle forme. Per tutto questo i
quadri di Alfani, anche a prima vista,
hanno la naturalezza di un sorriso e
la serenità di un quieto meriggio. Di
certo si distinguono nettamente, anzi
sono alternativi alle immagini più praticate
nella pittura di oggi. Tuttavia
non si tratta di un naturalismo tradizionale
ma piuttosto di una trasposizione simbolica della natura e
della offerta di figure di cui si ignora la provenienza e la destinazione.
Senza dubbio Alfani si stacca dunque dal coro della pittura di oggi
per proporci un mondo tutto suo autentico e pulito, reso dalla chiarità
insistita dei colori, sereno quasi oltre natura. Ecco una giovane
donna con un abito con lo strascico che scende una scalinata. Un’altra
ferma che ci guarda da una terrazza che domina il panorama di
Firenze. Un giovane uomo appoggiato a un tronco e assorto.
Un altro al centro di una cordiale verzura, con gli occhi chiusi in un
rapimento mistico. Ora invece la giovane figura maschile corre sul
L'amico fedele, olio su tela, cm. 40x20
Sull'onda mistica della contemplazione (particolare), olio su pannello telato, cm. 58,4x68,3
cavallo sulla battima del mare. Mentre in un’altra tela un ragazzo,
anche lui immerso nel verde, porta a spasso al guinzaglio il suo piccolo
cane. Ogni tanto Alfani pone sulla tela un suono diverso: è il
caso di quel profilo di giostra vuota su un cavallino della quale siede
la sua eterna fanciulla. Non accade nulla in queste tele, non si rappresenta
nessun altro oggetto né iniziativa consueta o domestica, si
rappresentano invece scenari della natura, come più volte s’è detto
fuori del tempo, ma non fuori delle stagioni, dove la natura stessa e
la figura umana dialogano in silenzio a proposito di cose che tocca
all’osservatore del quadro scoprire.
Senza dubbio Alfani è un artista che si distingue per l’originale scelta
degli scenari, per la misteriosa presenza delle figure, per quel
colore pomeridiano che accarezza ogni sua tela, per il silenzio che
circola in ogni quadro. Un artista da seguire e da amare, perché propone
un mondo originale che contraddice e contrasta con la realtà
caotica del vissuto.
Alfani e il professor Listri nella Galleria Via Larga di Firenze
Andrea Alfani
Cell. 333 8583134 - www.andreaalfani.it - alfani@andreaalfani.it
Andrea Alfani
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Paul Paiement
Il celebre artista americano ospite della
rassegna Etoile Toy-Visual Arts Florence
promossa dal Florence Dance Center
diretto da Marga Nativo e Keith Ferrone
di Adelinda Allegretti
Storica dell’arte e curatrice della mostra Una moderna Wunderkammer
Foto di Carlo Midollini
Chiunque si ponga di fronte alle opere di Paul Paiement, che ne conosca già
la ricerca o meno, subisce sempre una sorta di corto circuito percettivo. Tra
l’azione del guardare e quella del riconoscere passano secondi interminabili;
uno scarto temporale che varia da un individuo ad un altro, dettato dal
background culturale e dalla dimestichezza/conoscenza del mondo animale e di quello
Hybrids h-eupholus fiatcinquecento, 2013, acquerello su carta Arches, cm. 77x30
(unendo ossa di animali diversi per dare l’idea di
esseri primordiali, magari estinti e quindi non più
“verificabili” scientificamente) con l’unico scopo di
lasciare senza fiato, meravigliare appunto, un pubblico
di pochi eletti cui era consentito il privilegiato
accesso a tali spazi, precursori dei moderni musei.
La ricerca di Paiement va esattamente in questa direzione.
Musca Ducatia (2013) ne è uno dei lavori
più rappresentativi, non fosse altro per l’importante
dimensione che inevitabilmente finisce col fagocitare
il fruitore, attirandolo a sé anche con la curiosità
di verificarne la tecnica di esecuzione, per poi
scoprire, e qui la meraviglia raddoppia, che si tratta
di straordinario virtuosismo pittorico (aspetto fondamentale,
sul quale mi riprometto di soffermarmi
in altra sede, in un’era in cui l’uso del pennello è
tecnologico. Sì, perché tutto si gioca su un connubio, tanto straordinariamente
originale quanto storicamente portato in auge dal pensiero
barocco, tra Naturalia ed Artificialia, che insieme danno forma alle
Mirabilia. Come accadeva nella Wunderkammer, termine tedesco che
nel Cinquecento, e per circa due secoli, caratterizzava degli ambienti,
vere e proprie camere delle meraviglie, creati ad hoc da collezionisti
colti e principeschi che qui riunivano oggetti effettivamente esistenti
in natura (resti di animali rari, per esempio) o creati artificialmente
Paul Paiment (al centro) durante l'intervista per la rubrica Incontri con l'Arte di
Fabrizio Borghini
Due suggestive immagini della coreografia realizzata dal Florence Dance Center
stato surclassato da metodi di riproduzione che non richiedono
più alcuna maestria manuale). Qui lo stupore è dettato dalla
capacità di sovrapporre due soggetti distinti, una mosca ed una
moto Ducati, appartenenti a separate realtà, naturale la prima,
tecnologica la seconda, ma perfettamente unite in simbiosi,
a creare qualcosa di altro, di ex novo, che varia il significato
6 Paul Paiement

originario di entrambi gli elementi ed introduce ad una terza realtà:
l’ibrido. Mi viene in mente, quale esempio più rapido e facile, almeno
per quanti appartengano alla mia generazione, “La mosca” (1986)
di David Cronenberg, in cui Jeff Goldblum alla fine dell’esperimento
di teletrasporto (ovviamente anche in “Star Trek” era già accaduto
qualcosa di simile) si ritrova a non essere più né uomo né mosca,
Hybrids h-coccinella pebbleus, 2007,tempera all'uovo su legno, cm. 46x46
Da sinistra Keith Ferrone, la moglie dell'artista, Paul Paiement, Adelinda Allegretti curatrice
della mostra, Daniela Pronestì curatrice della rassegna Etoile Toy e Marga Nativo
ma un ibrido, un miscuglio di
DND del primo col secondo.
Ecco, i lavori di Paiement sono
esattamente questo, implicazioni
orrorifiche a parte. Anzi,
a ben riflettere, questa nuova
entità ha una valenza esclusivamente
positiva, perché non
è la Natura a farsi scientifica,
ma la tecnologia ad imitare la
perfezione della Natura. Che
sia arrivato davvero il tempo
di ricercare nella tecnologia,
Odalisca n. 3, olio su tela, cm. 100x60
come già il Rinascimento fece
per l’uomo, quella stessa valenza di microcosmo? Il “come sopra così
sotto” di Ermete Trismegisto? Allora forse l’umanità svilupperebbe
una tecnologia più etica, in grado di integrarsi alla Natura nel suo
senso più ampio, fatto di esseri che con(di)vivono in simbiosi ed in
totale rispetto reciproco.
allegretti@allegrettiarte.com
www.allegrettiarte.com
Paul Paiement ha esposto in numerose mostre personali
e collettive in Canada, Stati Uniti, Paesi Bassi, Inghilterra,
Francia, Austria, Giappone. Tra le mostre personali: The
Laguna Art Museum, LagunaBeach, CA; Centré d'Art
Contemporain, Pont-Aven; The Berkshire Museum,
Berkshire, Massachusetts; The Arnot Art Museum,
Elmira, NY; The Armory, Pasadena, CA; Nunnery Gallery,
Londra. Il suo lavoro è stato presentato in occasione di
“Natural Blunders” al Saisset Museum of Art di Santa
Clara, CA. Alcune mostre collettive: “Sea Change”, Marx
/ Zavattero, San Francisco, CA; “Observation”, Carl Berg
Gallery, Los Angeles, CA; la mostra internazionale itinerante
“Miniature”, Londra e Tokyo; “Cyborg Manifesto or
The Joy of Artifice”, Laguna Art Museum. Ha anche preso
parte alla mostra “Tools As Art: Work from the Hechinger
Collection”, dal 2007 itinerante nei Musei degli Stati
Uniti. La ricerca di Paiement è stata recensita in numerose
pubblicazioni: Art in America, Artillary, ARTnews, Modern
Painters, Artforum, Le Télégraph (France), Los Angeles
Times, Art in America, ARTnews, Artscene, Modern
Painters, Ouest France (France), Artforum, Orange County
Register, Statement, Artweek, San Francisco Weekly e
New Art Examiner. Il libro Hybrids1,0-3,5 è stato pubblicato
da Laguna Wilderness Press in occasione della mostra
personale al Laguna Art Museum nel 2005 ed ha ricevuto
un premio per il design grafico da parte del Communication
Arts International. Paiement ha conseguito il Master of
Fine Arts presso l’University of Southern California nel
1995. Attualmente è docente di ruolo di Pittura e Disegno
presso il Cypress College in Orange County, California. È
rappresentato in Europa da Adelinda Allegretti.
Paul Paiement 7

8 Auditorium al Duomo

Milvio Sodi
La sua pittura è la ricerca
dell’esserci hic et nunc, in una
piega della storia e del tempo
di Daniela Pronestì
La parola chiave per interpretare l’immaginario pittorico di Milvio Sodi è
percezione. La ritroviamo come titolo di molti suoi quadri, dove è usata
per indicare la duplice natura di un processo creativo che raccoglie le
suggestioni derivate dal mondo esterno e le trasforma in colore dopo
averle intimamente rielaborate. In questo passaggio dall’esteriorità all’interiorità
della visione l’immagine dipinta si sveste di ogni riferimento naturalistico per farsi
documento delle emozioni che scaturiscono dall’incontro con la realtà. Le percezioni
pittoriche di Milvio Sodi non si fermano al solo dato sensoriale, ma catturano il
fluire continuo degli stati d’animo che nascono quando la percezione diventa un atto
del cuore, un’occasione per “sentire” e conoscere le cose dall’interno. Non c’è altra
via in pittura per sondare la verità del sentimento se non quella che confida nella
capacità del colore di comunicare un’emozione senza il bisogno di rappresentare le
forme concrete che l’hanno generata. È quanto accade nei dipinti di Sodi, in cui
l’impronta della realtà oggettiva permane
soltanto nella dimensione costruttiva
del colore, come se l’artista
fiorentino avesse piegato le convenzioni
del realismo pittorico alle esigenze di
un registro espressivo che riconduce
entro una forma certa la materia instabile
e invisibile dei sentimenti. Un meccanismo
non dissimile da quello che
nella scrittura poetica si serve della
parola per attribuire un nome alle tante
mutevoli voci dell’interiorità. E come le
parole, i suoi colori trascrivono sulla
tela la realtà del sentimento, creando Percezioni, olio su tela, cm. 60x60
momenti di sospensione spaziale, di illusionismo
visivo, di risonanza luministica. Una scrittura cromatica che comunica la
sensazione dello spazio e del dinamismo dei piani attraverso il divenire della linea,
che segna la distanza tra le singole campiture in un crescendo di armonie e di
contrasti. Strati di colore come strati di senso che si rivelano in un rapporto profondo
con la vita, proiettando l’agire artistico in una
temporalità indefinita, in cui l’esistenza si affranca
dal carico di precarietà e di finitezza che la condiziona.
Immersi nel candore di una luce che segna il distacco
dal mondo reale, i suoi paesaggi dell’anima
sfuggono alla struttura semantica della rappresentazione
per estendere il dire pittorico a nuovi valori
compositivi e simbolici. Valori che si sottraggono al
procedimento uniformante delle categorie artistiche,
tracciando un alfabeto visivo che esclude il
“già detto” e il “già visto” in pittura. È la conquista di
una cifra stilistica del tutto originale, a cui Milvio
Sodi è giunto anteponendo le ragioni dell’arte alle
scelte strumentali di quanti si accodano alle mode
del momento. La sua pittura è la ricerca dell’esserci
Percezioni, olio su carta, cm. 35x35
hic et nunc, in una piega della storia e del tempo,
con l’ambizione di consegnare a chi verrà la testimonianza
del proprio vissuto.
Lo studio dell’artista, sito in via Giovan Battista
Vico 29, è stato aperto al pubblico in occasione
dell’undicesima Giornata del Contemporaneo
svoltasi il 10 ottobre 2015.
Milvio Sodi
nato a Pisa nel 1938, risiede
a Firenze dove è attivo in pittura
dal 1967. L’Associazione
Culturale Gruppo Donatello di
Firenze lo ha annoverato dal
1991 per venti anni fra i soci
effettivi e poi tra i membri
del Consiglio Direttivo. Sul
suo lavoro sono stati pubblicati:
nel 1997, a cura di
Roberta Fiorini, per i tipi de
Percezioni, olio su tela, cm. 50x40
Ritratto by Luisa Garassino
Il Candelaio Edizioni (Firenze), la monografia Percezioni con
la presentazione di Giorgio Segato; nel 2005, per Arianna
Sartori Editore (Mantova), il volume Trenta opere su carta
con la presentazione di Giuseppe Catania; nel 2008, per le
Edizioni Polistampa (Firenze), il volume Parole e disegni a
china 1985/1987 con l’introduzione di Erika Bresci e la presentazione
di Federico Napoli; nel 2013, il catalogo Paesaggi
interiori, pubblicato a seguito dell’assegnazione del Premio
Castello - 10ª edizione con l’introduzione di Learco Zanardi
e uno scritto di Antonio Natali. Oltre che in raccolte private,
suoi lavori figurano in collezioni pubbliche fra cui: Museo
di Altomonte; Museo Epicentro; Museo Rodolfo Valentino
(Castellaneta); Museo d’Arte Contemporanea (Malta);
Museo dell’Emigrazione Italiana (Brasile); Museo Civico
(Caldarola); Comune di Abetone; Comune di Cavarzere; Casa
di Boccaccio e Assessorato alla Cultura (Certaldo); Quartiere
2 (Firenze); Assessorato alla Cultura (Prato); Assessorato
Cultura e paese di Lizzano Pistoiese (dipinti murali); Comune
di Tione, Assessorato Cultura; Centro Culturale Il Portone
(Pisa); Casa di Conversazione (Lanciano); Azienda Sanitaria
Firenze (Ospedali Santa Maria Annunziata e San Giovanni
di Dio); Civica Galleria d’Arte Contemporanea (Civitella in
Val di Chiana); Circolo Culturale Castello (Cerlongo di Goito);
Fondazione Logudoro Meilogu a Banari. Tra le attività più recenti,
le due mostre personali dal titolo La realtà immaginata
(2010, Galleria La Soffitta, Sesto Fiorentino) con presentazione
di Giovanna Lazzi e Domenico Viggiano e nel 2011 al Gran
Caffè con introduzione di Alessandra Bruscagli; nel 2013 le
personali Paesaggi interiori a Villa Magnaguti di Cerlongo di
Goito e a Firenze presso il Convento di Santa Maria all’Incontro.
Sedici suoi dipinti sono esposti in permanenza a Firenze
presso lo spazio Chiarantini 2 in via Buonvicini 15.
www.milviosodi.it
Milvio Sodi
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Alberta Bigagli
Siamo tutti poeti
Il testo che segue è stato letto e commentato
in occasione dell’intervento di Alberta Bigagli
alla manifestazione Quando l’arte unisce i popoli
(Firenze, ICLAB, 10-25 settembre 2015)
di Alberta Bigagli
Oltre che leggere poesie,
vorrei parlare di poesia.
Perché siamo tutti poeti?
Perché nessuno è eroe e nessuno
del tutto misero, ma tutti capaci
di una parola che canta. Sono poeta
io, in prosa oltre che in versi,
sono poeti e lo vedremo i matti del
vecchio San Salvi, i bambini delle
elementari, i barboni.
La sorgente della poesia è nel
nostro parlare e quindi nella persona
stessa. Il grande poeta storico
è divenuto tale attingendo alla
propria parola spontanea e alla
parola di chi incontra ogni giorno.
Io sono scrittrice e ricercatrice
del Linguaggio Poetico, che
chiamo Espressivo. Ho e abbiamo La poetessa Alberta Bigagli
un’attività, ci sono qui l’amica che
collabora maggiormente e altri. Abbiamo un’Associazione
che si chiama “ABBI’, Psicologia e parola poetica”.
In nome di questa da quando è nata e personalmente da
vari decenni, tengo appunto i miei Incontri di Linguaggio
Espressivo. Il principio che ci ispira è questo: se io trovo il
coraggio di dire me stessa comunico col gruppo, se comunico
col gruppo trovo il coraggio di dire me stessa.
Quindi la poesia aiuta anche la convivenza fra noi. Una
giovane amica ha costruito la sua tesi di laurea intorno a
me autrice e ricercatrice, intitolando “La poesia come formazione”.
I tempi allora cambiano anche in bene.
Passiamo agli esempi, alle poesie stesse. Ho con me
alcune delle mie pezze d’appoggio, solo poche, pensate a
quanti anni sono che lavoro e opero.
Da ogni brano segnalato, poi, toglierò solo brevi stralci.
Il mio primo libro fu “L’amore e altro”, che ora è in
“Amore fu-la poesia di una vita”.
Allora, nel 1975, l’editore fu
Enrico Vallecchi e colui che propose
e fece la prefazione fu Carlo
Betocchi. Un’opera tutta in prosa.
Da “Salutazione” (parte ultima).
“Palme giganti e sassi nella
sabbia. Se stridono i gabbiani vi è
un messaggio dalla terra lontana.
È un’isola senza perché con una
tenda rossa ed un treppiedi sul
quale poserò la legna ad ardere in
inverno. Non sono degna di mirarti
amore (persona e simbolo)
lasciami con il capo impolverato
le ginocchia imploranti e le mani
assetate. Ti saluto e vorrei una
morte lenta”
Passiamo a San Salvi, al famoso
centro artistico La Tinaia, quella
del passato, gli anni dell’avvento della legge Basaglia.
L’attività di quel periodo servì alla mia tesi di laurea, tardiva
per l’età ma curata con passione.
Lì dunque si faceva soprattutto arte e io venni richiesta
di fare poesia. Nacquero senza programmazione i miei famosi
“incontri”. Si parlava semplicemente, magari dei loro
stessi disegni nati lì per lì. Il materiale sarebbe tanto, ma
sentite queste poche frasi.
Le prendo da Voce-Viva, organo semestrale dell’Associazione
ABBI’. Questo fu il primo numero ed era il 2005.
Gli autori sono vari, donne e uomini, con diagnosi di autismo
e schizofrenia. Piano piano prendono interesse ed
entrano nel gioco.
“Il sole ha fatto tramontare le stelle”
“Il silenzio è bello e bisogna goderlo”
“Le foglie ingialliscono senza soffrire”
10 Alberta Bigagli

nel retrobar di voci aggressive
e va leggendo versi posti in verticale.
Lui che s’è detto poeta di strada
lui nei colori sfoggianti disordinati.
Fuori è mattina e festa e grigiosità
dentro l’amico va ansimando i suoni
e fuma e fuma. E fuma e fuma.
So che è arrivato a cantare sue poesie veramente per
strada e che, più volte, gli hanno buttato un po’ di moneta.
Come se il mondo rinascesse ogni volta.
Alberta Bigagli durante la premiazione Filo d'Argento 2011 nel Salone dei Cinquecento
“Vorrei idee nuove per cantarle agli amici”
“Levo la tristezza ed il dolore
e rimane infine il fiore”
Sarebbe interessante fermarsi a commentare, come faccio
su Voce Viva stesso, ma chiaramente manca il tempo.
E sul numero di autunno 2013 arrivano i bambini. Ho
fatto incontri in passato nelle scuole elementari di Figline
Valdarno e di Firenze. Qui siamo state, io e l’amica Fiorella
di cui dicevo, a Pontassieve e Molin del Piano.
Su questa esperienza verrà presentato un bel DVD
(voce e figura) dalle maestre preparato. Martedì 24 novembre,
di pomeriggio, alla Casa di Dante.
Ecco tre brevi riflessioni sull’accaduto, dei bambini e
bambine stesse. Dicono il loro pensiero e li ho scelti perché
coloriti e divertenti. Pensate, terza elementare.
IL MIO MONDO VERDE-La voce dei piccoli
“È stata un’esperienza bellissima, liberatoria, rilassante,
curiosa, che mi ha fatto piacere”
“Mi sentivo felice, rilassata, stavo bene, potevo confidare
le mie cose personali, mi sembrava di essere dallo psicologo
o dal dottore. Mi sono liberata da pesi che tenevo
dentro”
E siamo all’uomo “barbone”, che incontrai come
membro del noto giornale Fuori-Binario. Nome “Sergio”,
italiano cresciuto all’estero fra mille avventure. Bevitore di
birra. Di recente è morto, ma aveva sempre cercato qualcuno
a cui leggere le sue poesie.
L’ho inserito in Voce-Viva, rubrica “Sassi di strada”.
Avevo fermato, in un incontro anni fa, le sue parole col
ritmo di versi poetici. Eccole.
L’UOMO ESCLUSO E IL SUO PENSIERO
“Io non sono lui dice dentro a questo corpo.
E se Dio non dette l’anima agli animali
perché lui dice lui il vegetariano
gli ha dato la facoltà del dolore.
Asserisce e si indigna mentre stiamo
Convegno di poesia realizzato per festeggiare gli ottantanni di Alberta Bigagli nel Salone
dei Dugento in Palazzo Vecchio a Firenze
Ora prendo l’ultimo spazio per me, da un libro mio in
versi. Ho come ho detto un’autoantologia poetica, come
una autobiografia, dei miei anni ottanta. Ho quadernoni
di inediti e altro, ma ho scelto questo, recente abbastanza,
“Dopo la terra”. Passigli editore, collana di Mario Luzi.
La prefazione è di Giuseppe Marchetti, del Festival internazionale
di poesia di Parma, che mi accolse nel 2010.
Mi dicono che quasi il libro mi ritrae e mi evidenzia.
Insomma, adatto per gli amici, per voi.
IL BUON TORNADO
“Lento per la sua forza il vento abbatte
a lungo a lungo inesorabilmente.
La tempesta è paziente ed è insistente.
Acqua di nube si rovescia annunciatasi prima.
Il tuono il lampo il caricarsi dell’aria
il riempirsi di umore bagnato dello spazio.
La natura è creatura intensa e multiforme.
E che urli e che pianga se ridicolo è
chiederle solamente le carezze.
Evento avverso vita ci raggiunge
come amico sfidante e confidente.
Amore non si dà che dal corpo non passi
credo permanga dove? Oltre il corpo distrutto.”
Alberta Bigagli Via Ghibellina 105 - 50122 Firenze
associazioneabbi@alice.it - www.albertabigagli.it
Alberta Bigagli
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Mara Faggioli
Il suo Palio dedicato alla Beata Giovanna,
patrona di Signa, è il risultato di una ricerca
insieme artistica e spirituale
di Giampiero Fossi
Assessore alla Cultura del Comune di Signa (FI)
La pittrice Mara Faggioli con Giampiero Fossi, Assessore alla
Cultura del Comune di Signa
Il 1° settembre 2015 nella Chiesa di San Lorenzo
a Signa è stato presentato il Palio dedicato
alla Beata Giovanna, patrona di Signa,
prezioso dipinto dell’artista Mara
Faggioli. È stata svelata un’opera bella e incisiva
che rappresenta la Beata Giovanna, della quale si
sta avvicinando il 750° anniversario della nascita,
nel momento in cui, abbandonando la fanciullezza,
si appresta a intraprendere la propria scelta di fede
e di vita. Mara Faggioli ha interpretato pienamente
lo spirito del Palio e ciò che rappresenta. Quest’opera
non è nata per caso ma è frutto di un lavoro
attento, di una ricerca che l’artista ha fatto in tutta
la profondità, anche spirituale, necessaria per realizzare
un’opera come questa.
Il Palio di Signa dipinto da Mara Faggioli
MARA FAGGIOLI
Studio ed esposizione permanente:
Piazza Marconi 8 - Scandicci (FI)
Cell. 339 3594145 - marafaggioli@hotmail.it
Mara! Colgo l’occasione per dirti che sei
straordinaria.
Ho visto su “La Toscana” (giugno 2015) la
bambina con la valigia che è metafora e incognita
del viaggio da intraprendere nella
vita: con una luce di speranza e un velo di
malinconia, sospesi ad ogni passo in avanti,
che, difatti, è conquista ma anche addio nel
segreto gioco del divenire e dell’avvenire.
Tra l’altro sei interprete d’una dolcissima
femminilità, sempre rivendicandone, anche
in poesia, i giusti diritti ma salvandone il
fascino della sua tenerezza.
Sai reggere le fila dell’emotività che si fa
incomparabile e inafferrabile “Bellezza”
come ci insegna oggi il cinema di Sorrentino.
Alla tua innata e poliedrica vocazione
all’Arte hai unito la facoltà di realizzazione
tecnica con l’indirizzo personalizzato, l’impostazione,
della tua grande Maestra Lucetta
Risaliti, brava a dipingere, a insegnare
ed anche a scrivere (vedi l’articolo sul
numero di giugno 2015 La Toscana).
Essere chiamata a raffigurare la Patrona di
Signa è un meraviglioso traguardo artistico
e spirituale! È un meritato riconoscimento
ed onore. Mancava questa nuova stella da
aggiungere alla galleria dei tuoi trepidi volti
di donne ed ora, misticamente, ce l’hai.
Un grande abbraccio
Anna Balsamo
Firenze, agosto 2015
Il 4 settembre 2015 il Palio, portato in processione
per le strade di Signa con il Corteo Storico, è
stato conteso fra i quattro popoli nella sfida degli
Arcieri. Il Lunedì di Pasqua 2016 sfilerà di nuovo
in onore della Beata Giovanna per festeggiare il
750° anniversario della sua nascita.
Da sinistra: Giampiero Fossi, Assessore alla
Cultura del Comune di Signa, Alberto Cristianini,
Sindaco di Signa, la pittrice Mara
Faggioli, Laura Mannori, Presidente Pro Loco,
Andrea Gradi, Corteo Storico di Signa, durante
la cerimonia di presentazione del Palio nella
Chiesa di San Lorenzo
12 Mara Faggioli

Rime sparse: la voce dei poeti
Incontro con
Claudia Piccinno
La poesia è, a mio avviso, una forma di testimonianza, il
poeta ha l’obbligo morale di far sue le marginalità, le sofferenze,
le ingiustizie del suo tempo e dargli eco. La poesia è
un canto interiore che nasce da un talento prepotente e si svolge su
un doppio binario: lettura e scrittura. Il poeta autentico si richiama
alla concretezza del termine greco: Poïesis che vuol dire creazione
e dunque si propone di sconfiggere l’ignavia, l’omologazione, e la
barbarie, restando fedele a se stesso in un mondo di “prosatori”.
Claudia Piccinno
Tutte le poesie sono tratte dalla raccolta Ragnatele cremisi
(La Lettera Scarlatta Edizioni, 2015)
L’appello del sangue versato
Sedie vuote
nella piazza di Cracovia
rispondono all’appello
del sangue versato.
Le pietre d’inciampo
di Gunter l’artista
sanno i nomi
di chi non è tornato.
A Fossoli,
da Israele giunto,
svetta l’ulivo
nella piazza della conta
e mai potrà coprire l’onta
che uomini in carcasse
ha tramutato.
Gli occhi delle spose bambine
Gli occhi neri
delle spose bambine
son schegge d’ebano
per le vecchie comari.
Cantan quegli occhi
il gioco perduto,
la nostalgia
dell’infanzia innocente.
Parlano quegli occhi
di stupri subiti
e narrano tristi
di vecchi mariti.
Piangono gli occhi
delle spose bambine
da una fessura
concessa al vestito.
Un’altra di loro
nel sangue è perita,
ora è una bambola
senza vita.
Ciao Gazzella
Per una scodella d’acqua
m’hai comprato
e alle tue dipendenze son restato.
Son diventato
un bambino soldato,
“la gazzella del deserto” m’hai chiamato.
Armi e munizioni
bisacce e medicazioni.
“Signor sì mio colonnello
non ho risposto al tuo ultimo appello”.
In aria all’istante son saltato
e nei fuochi della fine ho poi trovato
gli occhi neri di mia sorella,
il viso dolce di mia mamma Bella,
la mia bicicletta senza sella,
papà che mi diceva “Ciao Gazzella”.
Crocefissa di spalle
Volute circolari nelle calunnie altrui
la misero di spalle su una croce.
Morì così,
lapidata dalle menzogne,
vilipesa dalle comari
della sua scorta.
Fiera il suo sguardo
rivolse all’Eterno,
per tutte le streghe
finite al rogo,
per tutte le martiri
della mediocrità altrui.
Negò il suo sorriso
a chi la additò
indossando il burka
della sottomissione.
Se ne andò così,
crocefissa di spalle.
Claudia
Piccinno
Nasce a Lecce nel 1970, ma si trasferisce
giovanissima in Lombardia
e poi in Emilia Romagna dove
attualmente vive e insegna in una scuola
primaria. Presente in oltre sessanta raccolte
antologiche, già membro di giuria in
sette premi letterari a carattere nazionale e
internazionale. Ha al suo attivo le seguenti
pubblicazioni: silloge “La sfinge e il pierrot”
(Aletti Editore, 2011); silloge “Potando l’euforbia”
in Transiti Diversi (Rupe Mutevole
Edizioni, 2012); silloge “Il soffitto, cortometraggi
d’altrove” (La Lettera Scarlatta Edizioni,
2013); versione tradotta in inglese “Il
soffitto, cortometraggi d’altrove” (La Lettera
Scarlatta Edizioni, 2014); in serbo “Tabahnha”
(ed. Majdah luglio 2014); silloge
“Ragnatele Cremisi” (La Lettera Scarlatta
Edizioni, 2015). Socia onoraria dell’associazione
no profit “Con gli occhi di geggio”,
ha presieduto la giuria del concorso di disegni
“Dai tuoi occhi alla matita” rivolto
ai piccoli pazienti degli ospedali pediatrici
di tutto il territorio nazionale e conclusosi
ad aprile 2015. Ha partecipato a numerosi
reading e maratone poetiche, tra cui quelle
tenutesi a Bologna per il movimento internazionale
100 poets for change. Autore
in primo piano a far data giugno 2015 del
gruppo mondiale Pentasi B World Friendship
Poetry che si occupa di promuovere
la poesia in inglese, improntata al rispetto
e alla valorizzazione delle differenze. Ha
ottenuto premi di rilievo a concorsi di poesia
nazionale e internazionale, (tra cui una
menzione d’onore a Parigi al 1st Word Literary
Prize); il suo componimento “Nel blu”
è riprodotto su stele in maiolica affissa sul
lungomare di Santa Caterina di Nardò (Le).
cippinna@hotmail.com
13
Rime sparse: la voce dei poeti 13

Marco Giusti
L’antica arte del cuoio rivive nelle opere
dell’artista fiorentino, tra vasi dedicati alla
storia di Firenze e splendidi cavalli al galoppo
di Daniela Pronestì
La produzione artistica di Marco Giusti
è unica nel suo genere, sia per il materiale
utilizzato - il cuoio - sia per i
lunghi tempi di realizzazione, dato che
possono essere necessari anche due anni di lavoro
per completare una figura. Le creazioni dell’artista
fiorentino rileggono il concetto di scultura con
un processo operativo scandito da almeno tre
passaggi: il primo coincide con la creazione della
struttura interna dell’opera, ottenuta combinando
diversi ritagli di cuoio che, incollati l’uno all’altro,
vanno a comporre l’anatomia della figura. La presenza
di un disegno preparatorio è certamente utile
in questa fase, anche se ancora più importante
Vaso I Medici, (particolare), cuoio,
colori ad olio e cere, h cm. 45x27x27
Cavalli Camargue, cuoio, colori ad olio e cere, cm. 150x100
arte dei maestri cuoiai (La medusa). Un’arte che Marco Giusti
ha recuperato dopo aver sperimentato materiali più tradizionali
come la creta e il marmo che però non gli hanno dato la stessa
emozione che prova lavorando il cuoio. Da qui la scelta maturata
nel 1980 di dedicarsi unicamente alla scultura in pelle,
traendo grande soddisfazione dalle qualità di questo materiale.
Cavallo Frisone al galoppo (particolare), cuoio, colori ad olio e cere, cm. 180x140
Vaso La medusa (particolare), cuoio,
colori ad olio e cere, h cm. 45x48x30
è la capacità di commettere il cuoio in modo
da creare una forma stabile che l’artista successivamente
riveste con un unico pezzo di
pelle. Ed è in questo secondo passaggio che
la figura viene modellata manualmente fin
nei minimi particolari, per poi essere dipinta,
in ultima battuta, con i colori ad olio. Questo
vale soprattutto per le opere che ritraggono i
cavalli e che richiedono rara maestria tecnica
e pazienza certosina nella definizione dei
dettagli. Non meno complessa è l’esecuzione
dei vasi, dotati di una base in legno e decorati
con repertori figurali che rendono omaggio
alla storia di Firenze (I Medici) e all’antica
Marco Giusti
Nato a Firenze nel 1944, ha sempre avuto una naturale
predispozione alla scultura e al disegno e ha
frequentato in gioventù una scuola di design. Oggi
scultore a tempo pieno, in passato ha realizzato intere
collezioni per alcuni marchi leader nel settore
pellettiero. Ha esposto a Firenze (Palazzo Corsini,
Stazione Leopolda) e a Milano.
Attualmente vive e lavora nel Chianti.
Per informazioni e contatti:
Tel. 055 8586054 - gmpelletteria@gmail.com
www.gmpelletterie.it
14 Marco Giusti

Visual China
Continental Tour
La pittura a inchiostro all'Archivio
di Stato. Una mostra internazionale
d'arte cinese a Firenze
di Fabrizio Borghini
Dal 13 al 20 ottobre una mostra collettiva porta a Firenze
la tecnica pittorica tradizionale cinese su una
nuova dimensione. Una tradizione artistica millenaria
torna a vivere nelle opere degli artisti contemporanei:
la pittura a inchiostro su carta è oggi reinterpretata con uno sguardo
attuale che ne rievoca la storica ricchezza e la rinnova con temi e
contenuti diversi.
“Visual China – Continental Tour” è un progetto internazionale itinerante
(prima di Firenze la mostra è stata in Giappone, Stati Uniti,
Gran Bretagna e Francia), ideato e finanziato nel 2011 dal China Cultural
Media Group, importante gruppo direttamente dipendente dal
Ministero della Cultura che ha inserito questa manifestazione nella
strategia del governo cinese di apertura verso la globalizzazione,
un'apertura al mondo per ampliare a livello internazionale la cooperazione
e la promozione dell'arte cinese.
La mostra fiorentina è organizzata dall'Associazione degli Artisti Cinesi
in Italia con il patrocinio della Città Metropolitana e del Comune
di Firenze, dell'Accademia delle Arti del Disegno e della Biennale
Internazionale di Firenze. Partecipano, inoltre, all'organizzazione
dell'evento anche Art Market Magazine, China Ink Academy e Double
S Culture.
Sono 86 le opere esposte all'interno dell'Archivio di Stato firmate
da 43 diversi artisti tra cui si annoverano maestri del calibro di Fan
Yang, Ni Mazeren e Li Yang.
La pittura tradizionale ha svolto per molti secoli fondamentali funzioni
cognitive nella cultura cinese, rappresentando una modalità di
Foto di gruppo dei partecipanti all'inaugurazione della mostra
Visual China - Continental Tour
15

Zhang Tianyu, Vicedirettore del'Art Market Magazine
Wang Jian, Console della Repubblica Popolare
Cinese a Firenze
Ni Mazen, Vicepresidente della China Artists
Association
espressione di emozioni e uno strumento per indagare il mondo.
Questo prezioso mezzo di comunicazione e volano culturale stava
andando perduto con lo sviluppo della società moderna e la
prevalenza dell'arte contemporanea occidentale. E' stato grazie
allo sforzo di artisti come Zao Wou-Ki, Wu Guanzhong, Chu Teh-
Chun, Lin Fengmian, che questa antica tecnica pittorica è stata
recuperata, aggiornata e sviluppata per farla rivivere nella contemporaneità.
I dipinti a inchiostro contemporanei sono particolarmente carichi
di significato. Le pitture riflettono la realtà sociale attuale dal
punto di vista culturale e prendono parte al dialogo dell'arte a
livello globale con un'impronta rinnovata. I dipinti a inchiostro cinesi
contemporanei rappresentano un punto di svolta nel panorama della
pittura tradizionale e, allo stesso tempo, un nuovo inizio per l'arte
contemporanea cinese, dove le innovazioni non si separano mai totalmente
dalla componente tradizionale.
Le pitture a inchiostro contemporanee hanno bisogno di una loro
specifica identità per poter riflettere lo spirito del proprio tempo e
partecipare ad uno scambio artistico internazionale.
La mostra è stata presentata al pubblico e alla stampa dalla direttrice
dell'Archivio di Stato Carla Zarrilli che insieme al console di
Cina a Firenze, a Eugenio Giani, presidente del Consiglio regionale
Un'ampia panoramica di una delle sale espositive dell'Archivio di Stato
16

“Visual China - Continental Tour”
Mostra Internazionale di arte cinese a Firenze
13-20 ottobre 2015
Archivio di Stato di Firenze
Viale della Giovine Italia, 6
Orario: Lun-Ven 10.00-17.00, Sab 10.00-13.00 (domenica chiuso)
Ingresso gratuito
della Toscana, al professor Andrea Granchi, presidente della Classe
di Pittura dell'Accademia delle Arti del Disegno, e a Jacopo Celona
direttore generale della Biennale Internazionale di Firenze, hanno
dato il benvenuto alla folta delegazione cinese composta da numerosi
artisti. A nome di tutti hanno preso la parola il vice presidente
dell'Associazione Artisti Cinesi Ni Mazeren e il vicedirettore di China
Cultural Media Group, Zhang Tianyu.
La mostra, che celebra anche il 45° dell'inizio dei rapporti di amicizia
fra Italia e Cina, sarà visitabile con ingresso libero (da viale della
Giovine Italia 6) dal lunedì al venerdì dalle 10 alle 17 mentre il sabato
è prevista l'apertura mattutina dalle 10 alle 13. Il catalogo è in
distribuzione gratuita.
Alcune delle opere in mostra all'Archivio di Stato
意 大 利 华 人 艺 术 家 协 会
Associazione degli Artisti Cinesi in Italia
Piazza Indipendenza, 21 - 50129 Firenze, Italia
Tel. 0039 055 4684478
aacifirenze@hotmail.com - www.aacitalia.com
Zhang Xiuzhong, Vicepresidente dell'Associazione degli Artisti Cinesi in Italia, durante la cerimonia di inaugurazione della mostra
Visual China - Continental Tour
17

Art Market
Magazine
La rivista è diretta dal Ministero della Cultura della Repubblica
Popolare Cinese, dal 2002 si occupa degli investimenti nel settore
dell’arte.
In un contesto di sviluppo della riforma e dell’apertura del mercato
artistico cinese, nonostante questo continui a svilupparsi e
prosperare, e costantemente migliori e perfezioni questo meccanismo,
mancava un giornale che fosse strumento di guida per chi
intendesse investire nel settore dell’arte: grazie alla fondazione
di “Art Market”, i collezionisti cinesi hanno delle linee di orientamento
per i loro investimenti.
Oggi l’impatto di “Art Magazine” si sta gradualmente espandendo,
aumentando la propria diffusione e accrescendo lo stimolo di
investimenti oltremare per i collezionisti d’arte cinesi.
China Cultural
Media Group
Il China Cultural Media Group è il primo gruppo editoriale direttamente
dipendente dal Ministero della Cultura. Fondato nel
novembre 2009, è una delle prime imprese sperimentali messe
in atto dallo stesso Ministero.
Il Gruppo è coinvolto in vari settori: carta stampata, media digitali,
industria dell'animazione, produzione cinematografica e
televisiva, art business, manifestazioni pubbliche e spettacoli,
mostre d'arte e cinema. Fanno parte del Gruppo un giornale e
tre riviste:
- China Culture Daily, un giornale dalla diffusione nazionale che
si occupa principalmente di cultura;
- Il mercato dell'arte, L’educazione artistica e La cultura mensile,
riviste anch’esse di livello nazionale.
Il Gruppo gestisce anche tre siti web di livello nazionale: una
piattaforma di informazione nazionale nell’industria di animazione,
un sito sulla cultura cinese e un sito sulla cultura pubblica
nazionale. Da non dimenticare inoltre un Centro per lo
sviluppo della cultura pubblica nazionale, un Centro nazionale
per l’informazione sull’industria dell'animazione e un Centro
nazionale sulla rete culturale.
L'Archivio di Stato di Firenze, sede della mostra
Un momento della conferenza stampa. Da sinistra:
Jacopo Celona, Direttore Generale della
Biennale di Firenze, Andrea Granchi, Presidente
della Classe di Pittura dell'Accademia delle Arti
del Disegno, Carla Zarrilli, Direttore dell'Archivio
di Stato di Firenze, Ni Mazen, Vicepresidente
della China Artists Association, e Zhang
Tianyu, Vicedirettore dell'Art Market Magazine
18 Visual China - Continental Tour

Gianna Pinotti
Dal 14 al 27 ottobre l’artista mantovana espone a
Firenze nella galleria Simultanea Spazi d’Arte. I suoi
Atalanta’s Kingdoms raccontano l’universo femminile
tra oscurità e luce, sacralità e dominio dei sensi
di Daniela Pronestì
Dal 14 al 27 ottobre Simultanea Spazi d’Arte, realtà curatoriale ideata
e diretta da Roberta Fiorini e Daniela Pronestì, ospita Atalanta’s
Kingdoms (I regni di Atalanta), mostra personale di Gianna Pinotti. Si
tratta di un’inedita rilettura del mito di Atalanta, in cui la storia della
figlia del re di Sciro entra in rapporto con il percorso interiore ed affettivo dell’autrice
attraverso un sottile gioco di rimandi, corrispondenze e sovrapposizioni. Indagando
e dilatando il significato del mito, l’artista mantovana racconta l’universo
del femminile, spesso arricchendolo di riferimenti autobiografici. Il risultato è una
complessa macchina compositiva, nei cui ingranaggi scorrono, azionandosi l’un
l’altro, antichi simboli e visioni spazio-temporali in cui l’eternità del mito entra a
far parte della storia dell’uomo. I regni di Atalanta descrivono un tempo ciclico in
cui la donna è anello di congiunzione tra naturale e soprannaturale, depositaria
e insieme compartecipe di misteri imperscrutabili. Quello descritto dalla Pinotti,
infatti, è un percorso iniziatico che lascia emergere la dimensione archetipica del
femminile, i cui aspetti contraddittori e
ambivalenti si compenetrano, coesistono
e si contrappongono nella protagonista
delle sue opere. La duplicità della
natura femminile è il fulcro tematico
delle opere in mostra, che dipingono
la donna ora come predatrice ora come
preda, artefice del proprio destino o vittima
di un ruolo dettato dagli eventi. E
nella continua dialettica tra oscurità e
luce, sacralità e dominio dei sensi, interviene
l’elemento maschile ad animare
ulteriormente uno scenario in cui gli
opposti, che pure lottano per stabilire
ciascuno il proprio predominio, alla fine
si attraggono e si completano reciprocamente.
Da qui si procede verso una
riflessione più ampia sulla ciclicità della
vita umana, intesa come continuità che
Il Regno di Atalanta III, 2013, pictocollage su
cartone trattato, cm. 70x50
lega tra loro esperienze e vissuti diversi in un unico filo che tesse, metaforicamente,
la struttura di ogni esistenza. Partendo dai legami affettivi più antichi e radicati
- quelli familiari - e arrivando alle certezze affettive del presente, la sua novella
Atalanta conquista il traguardo di una più profonda consapevolezza, confermando
così che la natura umana si rivela nell’incontro - scontro con l’alterità. Un tema
appassionante declinato con una varietà di linguaggi (installazioni, dipinti, opere
grafiche e pittocollages) e di strumenti formali (colore, segno, scrittura, carta, fotografia,
oggetti recuperati) che danno il senso di un’originalità creativa sostenuta
da una curiosità onnivora e da un vasto bagaglio culturale.
Simultanea Spazi d'Arte, via San Zanobi, 45 - Firenze La mostra si protrarrà fino
al 27 ottobre e sarà aperta al pubblico dal lunedì al venerdì dalle 16.00 alle 19.00.
Gianna Pinotti premiata in
Palazzo Vecchio con il Collare
Laurenziano
Gianna Pinotti (MN 1963) è artista e critico.
Discendente da un’importante bottega di scultori e
artigiani attiva per oltre due secoli, pittrice per vocazione,
dopo la laurea in storia dell’arte a Bologna e gli
studi musicali a Mantova, esordisce come astrattista
tenendo alcune personali a Parigi tra 1993 e 1998.
Seguono importanti antologiche, tra queste quella tenuta
a Palazzo Strozzi a Mantova nel 2006, sotto l’Alto
Patronato del Presidente della Repubblica, ha illustrato
il suo lavoro di un ventennio, mentre quella titolata
Le città cadute, tenuta al Museo Civico Virgiliano di
Pietole nel 2012, è stata voluta dal Comune di Virgilio,
luogo di origine della famiglia. Ha esposto in una
cinquantina di mostre in Italia e all’estero. Come critico
e poeta ha pubblicato una trentina di libri, testi e
saggi in riviste italiane e straniere. Da vent’anni studia
le opere di Michelangelo; ricordiamo in particolare i
volumi: Michelangelo ritrovato. Il Cupido dormiente
con serpi di Mantova: un percorso tra iconologia e
storia (Mantova, 2005); Michelangelo e l’Amore tra
letteratura e Bibbia (Firenze, 2014). Tra i suoi studi
critici in campo letterario, vanno ricordati quelli sul
poeta e critico Piero Bigongiari. Ultimo riconoscimento
per la Poesia Il Premio Speciale del Capo dello Stato
al Concorso Nazionale di Poesia Città di Pastrengo,
Regione Veneto, edizione 2013. Nel 2015 ha ricevuto il
prestigioso Collare Laurenziano per la pittura dall’Accademia
Internazionale Medicea durante la cerimonia
del Premio Europeo Lorenzo il Magnifico tenutasi a
Palazzo Vecchio a Firenze.
Gianna Pinotti
19

Leopoldo Paciscopi
La mostra Pittura e scrittura come pensiero libero rende omaggio al
grande artista, scrittore e giornalista fiesolano in occasione del suo
novantesimo compleanno. Molte le personalità presenti
all’inaugurazione, che ha visto l’intervento del Sindaco Anna Ravoni,
del Vicesindaco Barbara Casalini e di Gigliola Melani Paciscopi,
moglie dell’artista e curatrice della mostra
Dal 3 al 31 ottobre la città di Fiesole rende omaggio al
grande artista, scrittore e giornalista Leopoldo Paciscopi
in occasione del suo novantesimo compleanno
con la mostra Leopoldo Paciscopi/ Pittura e scrittura
come pensiero libero. Curata ed allestita dalla moglie dell’artista
Gigliola Melani Paciscopi, la mostra è suddivisa in quattro sezioni
- Le foreste (fra alberi immaginari e reali), Terrori atomici e fascino
del progresso, Le ragioni del verde, Pagine di giornale - che corrispondono
ad altrettante tappe della storia artistica di Paciscopi.
All’inaugurazione nella sala del Basolato a Fiesole erano presenti
il Sindaco Anna Ravoni, il Vicesindaco Barbara Casalini e molte
personalità del mondo dell’arte e della cultura, tra cui l’architetto
Carlo Cresti, il gallerista Frediano Farsetti, le signore Nomellini
eredi del grande artista, il fotografo Luciano Bonuccelli, il critico
d’arte Giovanni Faccenda, Roberta Vigna, Adalberto Scarlino e Donata
Spadolini. Presenti, inoltre, i bluesmen Massimiliano Bruno
Leopoldo Paciscopi, il Sindaco di Fiesole Anna Ravoni e il critico d'arte Giovanni Faccenda
durante la presentazione della mostra
Più che una biografia
di Gigliola Melani Paciscopi
(testo tratto dal catalogo della mostra)
Un momento dell'inaugurazione nella sala del Basolato a Fiesole
e Gabriele Bonuccelli, venuti a ricordare i legami tra Paciscopi e
la musica jazz. Tra i brani eseguiti anche uno particolarmente caro
all’artista: Joe Louis Blues di Carl Martin. La mostra, documentata
da un catalogo, si potrarrà fino al 31 ottobre con i seguenti orari di
apertura: dal martedì al venerdì ore 15:00 -17:00 , sabato e domenica
ore 10:00-12:00 e 15:00-17:00.
C’è poco da aggiungere alle numerose biografie di Leopoldo
Paciscopi che nei cinquant’anni trascorsi al suo fianco
ho letto o curato in articoli, libri, cataloghi. Lui stesso, si
sa, in lavori di narrativa quasi sempre autobiografici ha
ripercorso i giorni di una esistenza da uomo libero. E anche chi ha
voluto dargli un segno di riconoscimento in letteratura, nelle arti
figurative e per i suoi studi sul cinema, ha sentito l’esigenza di annotarlo.
(…) Ora, in questo catalogo, e per una mostra che ha nel titolo
il riferimento al “pensiero libero” di Leopoldo, invece della consueta
nota biografica, ho voluto lasciare la voce alla per me straordinaria
motivazione del riconoscimento “speciale” che gli fu dato nel
1990 dal Premio Letterario Castiglioncello per volontà di Giovanni
Spadolini che presiedeva la giuria. (…) Ecco la motivazione: Leopoldo
Paciscopi ha scritto un’autobiografia dal titolo, forse più amaro
che ironico, “Una bella carriera”, pubblicato dall’editore milanese
Scheiwiller. Questa impresa letteraria permette ai lettori di conos-
20 Leopoldo Paciscopi

Citta atomizzata, 1963, olio e inchiostro su tela,
cm. 100x100
cere la sua storia in anni di fuoco e in altri
meno tumultuosi e ai suoi amici di aggiungere
qualche tassello a un mosaico già ricco
e variegato. Si aggiunga che non è facile
parlare di questo personaggio, che è scrittore,
giornalista, pittore per ricordare solo
tre delle sue attività intellettuali, che sono
numerose e a volte sorprendenti. In quanto
d’impianto autobiografico il racconto di
“Una bella carriera” è almeno parzialmente
un romanzo di formazione, che ci propone
all’inizio le opere e i giorni di un ragazzo di
diciotto anni mentre fa il partigiano durante
Nella foto Gigliola Melani Paciscopi, moglie dell'artista
e curatrice della mostra
la guerra, in un’epoca nella quale, come egli
scrive: ”Vivevo una specie di allucinazione,
in una bruciante febbre di ideali”. Orbene,
Leopoldo Paciscopi ha sempre vissuto “in
una bruciante febbre di ideali” gettandosi
d’impeto nel lavoro di giornalista o costruendosi
la sua pittura informale. Nato a
Cavriglia quasi in bocca alla miniera “La
Vampa” (nomen atque omen, per citare
Plauto) ha fatto con irruenza e bravura, talvolta
con virtuosismo, il redattore del Nuovo
Corriere di Romano Bilenchi e poi della
Nazione di Alfio Russo, senza mai trascurare
il resto, che era molto. Stiamo tuttavia
parlando di un uomo sostanzialmente mite
nonostante la sua formazione avventurosa,
ma dentro il quale arde perennemente un
vulcano. Si premia, con lui, non una bella
carriera ma un impegno totale nel pensiero,
nell’arte e nel lavoro.
Che in Leopoldo Paciscopi arda perennemente
un vulcano lo aveva già detto nel
settembre 1968 Giovanni Spadolini, allora
direttore del quotidiano “Il resto del carlino”:
È uno scrittore e un inviato dalla natura
vulcanica. La testimonianza è di Girolamo
Modesti, corrispondente dagli Stati Uniti
dei giornali del gruppo editoriale Monti (attualmente
Riffeser Monti). Di una sua lettera
a Leopoldo datata Washington 9 febbraio
1968 mi fa piacere riportare questo passo:
“Nel settembre scorso, quando Mattei
e Spadolini arrivarono a Washington con
il presidente Saragat, si parlò a lungo i te.
Mattei (e Spadolini si disse d’accordo) ti
giudicò il migliore degli inviati, un giornalista
di eccezionale valore, che scava e trova
quello che tanti altri non sanno trovare. Il
tuo servizio dalla Svezia lo aveva particolarmente
colpito”. (…) Può apparire strano
che un simile uomo abbia rivelato, nel
corso dei suoi novant’anni or ora compiuti,
una tal ritrosia a mostrare i suoi meriti, di
combattente per la libertà con il suo ruolo
nell’esercito partigiano della montagna e in
quello che affiancò l’Ottava Armata inglese
nella guerra di Liberazione verso il Nord,
o nell’essere stato dirigente della sinistra
fino a che le sue critiche al totalitarismo
sovietico vennero ritenute inaccettabili
(e, aggiungo io, sicuramente in larghissimo
anticipo su quanto anche la sinistra
avrebbe capito). Ritroso persino verso la
sua poesia, le sue opere di narrativa e le
sue preziose ricerche sul cinema muto. (…)
Avevano imparato a conoscerlo quei grandi
del Novecento che la sorte, nelle vesti
del padre Dario, gli aveva fatto frequentare
da bambino, Rosai, Soffici, Montale, Conti,
Vittorini, Bilenchi, Luzi, Bigongiari, alcuni
dei quali frequentatori della nostra casa
fiesolana in anni purtroppo lontani, e che se
ne sono tutti andati creando, specialmente
per Leopoldo, un vuoto non colmabile ai
tempi d’oggi dove i grandi scarseggiano o
hanno preso dimora in terre a noi ignote.
Ma anche degli amici scomparsi restano le
tracce. (…) Volle ricordalo Umberto Baldini
nell’ottobre 2005, da Preside dell’Università
dell’Arte (quella fondata da Ragghianti),
dedicando una mostra omaggio a Leopoldo
che in questo mese ha celebrato il
suo ottantesimo anno di vita e che è stato
testimone e frequentatore a tutto campo di
quel vero e proprio ‘Parnaso’ che fu il Caffè
delle Giubbe Rosse a cavallo dell’ultima
I musicisti Massimiliano Bruno e Gabriele Bonuccelli
mentre eseguono brani di musica jazz in omaggio all'artista
guerra e che fu capace di stimolare le sue
radici di figlio d’arte, aprendolo al campo
della poesia, della narrativa, della cinematografia,
della musica, del viaggiatore del
mondo e del giornalismo. (...) Ho sentito
la necessità di questa citazione perchè so
quanto di quell’amore per la libertà e per
la verità che ne è l’assoluto corollario, il
nostro novantenne lo debba all’aver vissuto
in quel ‘Parnaso’ dove, da protagonista,
assisteva al maturarsi dell’avversione alla
dittatura persino negli intellettuali che,
quand’era giovanissimo, aveva visto sostenitori
del ‘fascismo di sinistra’, quello di
Berto Ricci e persino di Bottai. Non sto, in
questa “Più che una biografia”, elencando
elementi di una agiografia. L’uomo di cui
sto parlando non ha mai sentito il bisogno
di elogi o di “riconoscimenti”. Non va in
giro esibendo medaglieri. Arrivati a questa
tappa della sua esistenza, voglio però che
mi permetta, rendendo noto (ed è solo una
piccola parte) quanto non io ma Altri hanno
testimoniato, di far conoscere meglio Leopoldo
Paciscopi.
Leopoldo Paciscopi
21

Il primo cinema
non si scorda mai
Luca Alinari ricorda
l’Astoria di via Aretina
di Luca Alinari
La prima volta che vidi il Fungo Cinese fu in via Aretina,
al Cinema Astoria.
Il Cinema Astoria che i miei genitori chiamavano
ancora “Ciofini”: “Andiamo al cine, si va al Ciofini”.
Dal nome, probabilmente, della famiglia proprietaria prima della
guerra. Prima di quella seconda guerra mondiale finita da pochissimi
anni ed ancora fumante nei ricordi di tutti. In quei ricordi che
divenivano sempre più segreti. Sempre più inconsapevoli, sepolti e
cancellati da quel qualcosa che sembrava nuovo.
La cassiera di mezza età che mi staccò il biglietto, aveva nel suo
stanzino azzurrognolo, su di un mobile alto un paio di metri, una
boccia di vetro larga ed imponente.
Conteneva quasi per intero un liquido giallino ed in questo liquido
giallino, galleggiante e sommersa, una forma gelatinosa, ricca di
peduncoli e filamenti. Ricca di colori, di sfumature: dal marron al
verde smeraldino ad un rosso cupo, raro. Accanto al grande vaso un
bicchierino di vetro; di quelli da sciroppo.
Con il biglietto in mano guardavo, stranito, la scena. Esitavo a
dirigermi verso la tenda di velluto sulla soglia della quale due
Luca Alinari
Esordisce nel 1968 alla Galleria Inquadrature di Firenze. Negli anni Settanta
avvia una serrata ricerca sul Neodada e la Pop Art. Nei primi
anni Settanta espone nelle principali gallerie di Firenze, presentato
dal poeta e amico Alfonso Gatto. Nel corso degli anni Ottanta ottiene i primi
riconoscimenti con la partecipazione alla Biennale di Venezia nel 1982
e alla XI Quadriennale romana nel 1985. Nel 1990 ha l'onore di dipingere
il "Cencio" per il Palio di Siena. Si afferma sulla scena artistica nazionale
nel 1993, in occasione della mostra antologica allestita al Palazzo Reale di
Milano. A Firenze nel Corridoio Vasariano degli Uffizi, dal 1999 è esposto il
suo autoritratto. Nel 2009 espone al Beijin Today Art Museum di Pechino,
al Centro per l'Arte Contemporanea SunShine di Shanghai ed al Museo di
Arte Contemporanea di Kun Shan. Nel 2011 a Città di Castello tiene una
personale intitolata Gelo. Il nome trova ispirazione da una citazione di Franz
Kafka. Alinari alla stregua dello scrittore, attribuisce il compito del disgelo
alle sue ultime opere, che rispetto a quelle degli anni Sessanta e Settanta,
si colorano del vigore del rosso, quasi a voler destare chiunque le osservi,
perché sia consapevole di ciò che il mondo sta vivendo: il gelo. Nel 2013
ha disegnato il logo dei Mondiali di Ciclismo che per la prima volta si sono
tenuti in Toscana. Il 12 giugno 2014 viene premiato allo Spoleto Festival Art
e il 28 settembre riceve il Premio Nazionale Castruccio insieme a Giorgietto
Giugiaro ed altri esponenti della cultura e della medicina. Il 10 giugno 2015
riceve in Palazzo Vecchio il Premio Filo d’Argento per la pittura.
22 Luca Alinari

Il Cenacolo è un grande affresco di Andrea del Sarto, databile 1511-1527 conservato nel
Museo del Cenacolo di Andrea del Sarto, vicino la chiesa di San Salvi, a Firenze
Via Aretina com'era all'epoca dell'apertura del Cinema Guido Monaco poi divenuto
Astoria e in seguito Andromeda e Variety
Fra gli oltre 100 cinema fiorentini
scomparsi c'è anche l'Astoria ricordato
dal maestro Luca Alinari.
Il locale fu aperto agli inizi del Novecento
dalla famiglia Ciofini che gestiva in
via Aretina il ristorante Le terrazze. Fu
Caffè Concerto e poi cinema/teatro Guido
Monaco, d'estate anche all'aperto.
Gli anziani della zona lo ricordano ancora
come i' Ciofini anche se negli anni ha
cambiato spesso denominazione.
L'Astoria dell'immediato dopo guerra
ricordato da Luca Alinari, lasciò il posto
all'Andromeda per poi trasformarsi, negli
anni Settanta, in Variety, nome mutuato
dalla più importante rivista americana
di cinema. Fu l'architetto Massimo
Ruffilli, che curò il restyling della sala, a
scegliere il nuovo nome dopo un viaggio
negli Stati Uniti.
Lorenzo Borghini
mani decise avrebbero strappato il roseo
passepartout di carta per introdurmi in un
mondo “altro”. Animato e dipinto in maniera
diversa.
“È il fungo cinese” mi disse la cassiera e passò
ad altri.
Finito lo spettacolo, uscendo, la vidi con la
coda dell’occhio che beveva fino all’ultima
goccia; a testa alta.
Fuori dal cinema aveva smesso di piovere.
Come spesso succedeva all’uscita del Cinema
Astoria, il tempo era cambiato. Se prima
pioveva, all’uscita non pioveva più. Se c'era
un bel sole, uscivi e trovavi cumuli di nuvole
basse e pronte a sciogliersi sulla tua testa
nuda.
In poche settimane il fungo cinese penetrò
in tutte le nostre case. Non c’era cucina di
famiglia che non possedesse, piazzata su di
un mobile importante, la bottigliona di vetro
con il fungo. Variava di tinta e di forme affascinando
ed ipnotizzando anche l’osservatore
più scettico ed assente. Un bicchierino
di quello sciroppo, si diceva, faceva bene a
tutto.
Naturalmente tutto passa: qualche
mese, forse un anno più tardi,
tornai all’Astoria.
Davano “L’assedio delle sette
frecce”. Nel fare il biglietto la
stessa cassiera distolse appena
lo sguardo da un cineromanzo
che aveva precisamente l’aria
di essere romantico ed appassionante.
Alle sue spalle il fungo
cinese non c'era più.
Oggi non c'è più neppure il Cinema Astoria.
Rimane una saracinesca pisciosa, fuligginosa,
chiusa. Siamo a venti metri da uno
spettacolare tabernacolo quattrocentesco di
Neri di Bicci (si va disgregando rapidamente)
ed a duecento metri dal cenacolo di Andrea
del Sarto, un delizioso capolavoro del nostro
manierismo.
Qualche volta passando per la via Aretina,
questa via che mantiene tuttora quel senso
di borgo campestre appena fuori città, penso
in un attacco di follia improvvisa: “Il fungo
cinese c’è ancora!” Da qualche parte nelle
cantine dell’Astoria, nascosto sotto un cumulo
di pellicole bruciacchiate, di tendaggi
bucherellati, di seggiolini azzoppati. Sarebbe
bello ritrovarlo. Ed interrogarlo come un piccolo
oracolo. Contiene la cura a tutti i mali,
lo so. Perché contiene tutte le colpe buffe e
sciocche della nostra adolescenza. Vorremmo
indietro quelle colpe: le scambieremmo
volentieri con quella polvere corrosiva che è
venuta dopo.
Che si è depositata su tutti noi.
Quello sciroppo potrebbe salvarci.

Stamperia d’arte
Edi Grafica
Un’eccellenza fiorentina attiva da oltre trent’anni nel segno della
migliore tradizione artigiana. La mostra “Segni fiorentini” di Mario
Minarini ricorda Tamara, moglie del fondatore Raffaello Becattini
e figura centrale nella storia della stamperia di via San Niccolò
Ricordando Tamara
di Filippo Becattini
La stamperia Edi Grafica prende vita nel 1981 grazie
a Raffaello Becattini, maestro torcoliere di stampa
litografica e calcografia. Raffaello ha sempre avuto
l’arte nel suo destino, così come la sua Tamara,
moglie inseparabile e aiutante di rara professionalità. Nel
2002 la prematura e improvvisa scomparsa di Raffaello, mio
padre, ha lasciato un vuoto incolmabile sia nel lavoro che nella
vita di chi lo ha conosciuto. La sua bontà e l’innegabile esperienza
sono ancora i punti cardine della nostra “bottega”. Dopo
la sua scomparsa non è stato semplice ripartire: è stata la forza
di mia madre a renderlo possibile, insieme all’apporto sincero
e all’amicizia delle persone che hanno frequentato la stamperia.
Sì, perché la stamperia è soprattutto questo, una famiglia,
una casa, dove chi entra è sempre benvenuto. Ed era proprio
questo lo spirito di mia madre, riuscire a trasformare la stamperia
in un ambiente antico, fuori dalla contemporaneità, dove
si lavora, certo, ma si sta anche insieme. L’omaggio di Mario
Minarini è un altro tassello che va ad aggiungersi al mosaico di
segni e inchiostro messi insieme in oltre trent’anni di storia.
Non posso, quindi, che ringraziarlo di cuore per aver voluto rimarcare
nella memoria di tutti il ricordo di Tamara.
Raffaello, Tamara e Filippo al torchio litografico, macchina piana
Interno della stamperia Edi Grafica
Un primato di eccellenza
di Riccardo Nencini
La stamperia fondata trent’anni or sono da Raffaello Becattini,
che ricordo con affetto e amicizia, è una delle eccellenze
della nostra città. Lo dico senza retorica, convinto da sempre
che il lavoro artigianale sia l’anima di Firenze e che la sua
qualità si esprima attraverso le storie personali di uomini e
donne che vi hanno dedicato la vita con passione. Rappresenta
soprattutto un’eccellenza dentro l’eccellenza, ovvero l’espressione
più autentica e creativa dell’ Oltrarno fiorentino, la
migliore miscela di ingegno e di “saper fare”. La passione di
Raffaello non si è interrotta con la sua scomparsa, ma ha trovato
in Tamara e suo figlio Filippo una prosecuzione naturale
eppure non scontata. Qui sta, secondo me, il primato della
stamperia, nell’aver saputo prolungare, rafforzandolo, un bagaglio
di competenza e di professionalità ma anche di doti
umane che ne fanno oggi un patrimonio di grande valore. Dalla
fondazione ad oggi, un trentennio in cui quest’arte ha conosciuto
una notevole innovazione tecnica e tecnologica, la
stamperia Becattini ha saputo mantenere il passo coi tempi,
rinnovandosi ma mantenendo sempre il suo carattere di bottega
artigiana. Raffaello Becattini è stato un punto di riferimento
per tanti giovani stampatori e incisori che grazie a lui,
Tamara e Filippo, hanno imparato un’arte che porta Firenze
nel mondo. Ne dobbiamo andare orgogliosi.
24 Stamperia Edi Grafica

Tamara mentre lavora al torchio litografico
La misura
di un capolavoro
La mostra
Segni Fiorentini
di Mario Minarini
aprirà il 10 ottobre
alle ore 17.00
nella sede
della Stamperia
Edi Graficar
in via San Niccolò 14r
a Firenze
di Silvia La Rossa
Molto spesso una misura specifica ed una determinata proporzione
influenzano la percezione di una certa armonia generale. Ma chi ha
stabilito questi canoni? Gli stessi artisti nel corso del tempo hanno
creato questa opinione generale, affermando alcune “regole” che
all’interno delle accademie sono diventate la base per vere e proprie
divisioni in generi, tanto da poter quasi sorridere come con sole
tre parole “altezza mezza bellezza”, si potesse riassumere la giusta
misura di una persona. Sebbene il corso dei secoli avesse insegnato
a trattare con uguale rispetto due classi distinte, si tendeva ad affidare
una maggior considerazione e premi di ben più alto respiro
economico ai pittori che facevan di figura rispetto a coloro che si
dedicavano alla natura morta. Le divisioni o meglio le specializzazioni
introducevano ulteriori classificazioni per quei pittori che si
occupavano solo di fiori o frutta o di quadrature, fino alla lunghissima
ma molto interessante querelle tra
gli “accademici” ed i “progressisti”. In
questo ultimo ambito era nato il gruppo
dei macchiaioli che introducevano
una tipologia di pittura lontana dai
dettami accademici, colori non delimitati
dal disegno e piccoli, talvolta piccolissimi
formati. I coperchi di tabacchiere
erano i supporti più economici
ed adatti ad accogliere uno stralcio di
cielo, uno scorcio prezioso, un interno
con piccoli oggetti. Ricollegandosi a
questa tradizione e al lavoro paziente
di chi sa trovare la bellezza nelle piccole
cose nasce lo spunto di questa
mostra che vuol mettere in risalto il
lavoro sapiente del pittore indipendentemente
dal formato scelto, per
Via dello Sprone, olio su tavola,
cm. 30x40
ricercare la grandezza di un mondo in
questi piccoli oli.
Filippo Becattini e Mario Minarini durante la stampa di un acquaforte
Mario Minarini è nato a Firenze nel 1970. Frequenta l’Istituto d’Arte,
dove nel 1989 si diploma nel campo dell’oreficeria. Negli anni successivi
studia la tecnica della pittura ad olio con Alessandro Berti e la figura
alla Scuola Libera del Nudo all’Accademia di Belle Arti di Firenze sotto
la direzione di Sandra Batoni. Nel 2005 entra nel gruppo di Giovanni
Mazzon, dove frequenta Osvaldo Curandai. Nel 2008 riceve il Fiorino
d’Argento nell’ambito del Premio Firenze per l’opera Manichino Uomo.
Con gli anni la sua espressività pittorica ha conquistato naturalezza
e spontaneità, aprendosi all’uso della spatola che gli consente una
stesura più materica e vibrante. Anche il colore subisce un cambiamento
con tonalità più accese. Ha esposto a Firenze (2007, Palagio di
Parte Guelfa; 2009, Galleria d’Arte “L’indicibile”; 2010 e 2011, Galleria
d’Arte Benvenuti; 2012, Hotel Mediterraneo; 2012, Galleria d’Arte
Ponte Vecchio; 2013, Palazzo Panciatichi; 2014 e 2015, Palazzo Medici
Riccardi; 2015, Accademia Musicale), Fiesole (2012, Sala Consiliare
del Comune; 2013, Sala del Basolato) e in Inghilterra (2014, Lewis Elton
Gallery Guildford). Nel 2016 esporrà a Città del Messico.
Lungarno Ferrucci, ceramolle/acquaforte, cm. 35x50
Stamperia Edi Grafica
25

Zerva
Paraskevì
di Daniela Pronestì
La perla di Firenze (particolare)
U
na perfetta identità tra arte e vita: è questa la prima
fondamentale cifra interpretativa dell’opera di
Zerva Paraskevi. Un’identità cercata e raggiunta
fin dagli esordi della sua vicenda artistica, che l’ha
vista cimentarsi nella danza ancor prima che nella scultura. La
disciplina del corpo e il controllo dei movimenti le hanno permesso,
infatti, di sperimentare su se stessa quei valori formali
- equilibrio, misura, ritmo - che a distanza di qualche anno ha
ritrovato nella pratica scultorea. Ed entrambi i linguaggi soddisfano,
anche se in maniera diversa, il suo bisogno di risolvere il
dualismo tra esteriorità ed interiorità per raggiungere una possibile
armonia tra materia e spirito. Un’armonia che si rinnova
ad ogni nuova fase della vita, scandendo le tappe di un cammino
artistico iniziato in Grecia, sua terra natale, e proseguito con
il trasferimento, vent’anni or sono, a Firenze. L’incontro con la
città simbolo del Rinascimento l’ha guidata nella scelta di dedicarsi
alla scultura, senza farle dimenticare, tuttavia, l’antico
amore per la danza e per la poesia. La mostra La perla di Firenze,
che dal 9 al 23 ottobre la vedrà esporre nell’Antica Officina di
Santa Maria Novella, è un omaggio a questa città, che ha fatto
da sfondo ad alcuni momenti centrali della sua storia di donna
e d’artista. È all’interno di questa dimensione creativa vissuta
come atto totalizzante e conoscenza profonda di sé che vanno
cercate le ragioni del suo approccio concettuale alla scultura,
che sovente è il traslato di una riflessione avviata nella scrittura
poetica. È il caso, ad esempio, della scultura che dà titolo alla
mostra e che trae spunto dai versi di una poesia in cui il mito di
Afrodite diventa metafora di una rinascita interiore. Vi si legge
“Come Afrodite che sorge / dal mare dei più profondi segreti /
dal mare della trasformazione / Vedo la sua conchiglia che è dischiusa
/ e rivela la sua perla / La perla che è rinata dal dolore, è
la donna”. La sua “perla di Firenze” è una donna che ha mutato
il dolore in bellezza, affrontando le sfide della vita con il coraggio
di chi non teme il cambiamento. Parole che prendono forma
nella scultura, assecondando il bisogno di dare concretezza
all’ineffabilità del tempo, di modellare l’anima come si fa con la
creta. Il vissuto dell’artista entra nel corpo dell’opera e la anima
di un senso poetico che si riflette nel dinamismo vitalistico delle
forme e nell’atmosfera di mitico arcaismo che le domina. È un
percorso di incarnazione e di trasformazione della creatività,
che si spinge oltre il microcosmo dei sentimenti individuali per
confrontarsi con il macrocosmo dei valori universali. Valori che
parlano al cuore dell’uomo, dove ogni cosa inizia e finisce, tra
l’alfa e l’omega della vita.
La mostra La perla di Firenze si terrà dal 9 al 23 ottobre presso
l’Antica Officina Profumo Farmaceutica di Santa Maria Novella
(Via della Scala, 16) con apertura al pubblico tutti i giorni dalle
9.00 alle 20.00.
“La perla di Firenze” è il titolo
della mostra che dal 9 al 23
ottobre vedrà l’artista greca
esporre all’Antica Officina
Profumo Farmaceutica di
Santa Maria Novella
Zerva Paraskevì con l'opera La perla di Firenze nell'allestimento ideato per la mostra all'Officina
Profumo Farmaceutica di Santa Maria Novella
Zerva Paraskevì Scultrice e poetessa greca, risiede a Firenze dal 1997. Formatasi
in Grecia, si è poi trasferita a Firenze, dove ha frequentato il corso di disegno
di Tiziano Bonanni e il laboratorio di scultura "Ellittica" di Calenzano. Ha studiato
incisione alla Fondazione il Bisonte e si perferzionata nella pratica scultorea
sotto la guida di Amalia Ciardi Duprè, nel cui studio - galleria ha presentato, nel
2013, la prima personale dal titolo ΑΓΑΠΩ (AMO), Dall’Alfa all’Omega. Nello
stesso anno ha esposto al Castello dell’Acciaiolo di Scandicci con la personale La
sacra danza dell’essere e nel 2014 al Gruppo Donatello con la personale La Kore
e l’Anima. Tra le altre mostre si ricordano quelle realizzate a Firenze (Chiesa della
Santissima Annunziata, Palagio di Parte Guelfa, Oratorio dei Salesiani, Limonaia
di Villa Vogel, ICLAB), in altre località della Toscana (Oratorio di Calenzano alto,
San Niccolò in Casentino, Palazzo Malaspina a San Donato in Poggio, Museo
MAEC di Cortona) e all’estero (Ada Gallery, Barcellona). Vincitrice del Fiorino
d’Argento (Premio Firenze) e del primo premio per la scultura nell’ambito del Concorso
Gino Severini - Città di Cortona, è inserita in riviste e pubblicazioni d’arte
(Donne dell’arte in Toscana, 2013 e 2014; La Toscana, periodico di arte e cultura).
Come poetessa, scrive e pubblica da tanti anni su riviste letterarie, antologie
poetiche, collane di poesia e ha al suo attivo la pubblicazione di due raccolte
poetiche. È socia del Circolo Artisti Casa di Dante.
www.zervaparaskeviarte.weebly - zervaparaskevi@gmail.com
26 Zerva Paraskevì

Sergio Del Giudice
L’arte è il futuro
Artista autodidatta. Padrone delle mie emozioni,
dipingo nell’unico modo in cui so farlo…
di Sergio Del Giudice
Dopo oltre 25 anni di esperienza
come operatore finanziario, ho
trovato nell’arte una nuova sfida...
Realizzare con le mie mani
la mia valuta di cambio, che mi permetta di
vivere in connessione con la realtà e con l’essere
umano, cercando di sviluppare in armonia
i miei due emisferi...
Vivo sull'acqua, nella mia barca, dove dipingo
da 12 anni...
Per navigare attraverso il mondo vendendo
la mia arte è parte della mia sfida. Ma come
tutti i Sogni, bisogna investirci tempo e duro
lavoro...
Due di queste opere sono state selezionate tra
15000 per essere presentate alla mostra estiva
2014 della Royal Academy of Arts di Londra.
Ho organizzato una mostra per i non vedenti
assieme alla Banda Sinfonica Nazionale dei
Ciechi e un'altra con due sorelle cieche e un
La artista
La psicologa
La hermana de la psicologa
pianoforte solista assieme all’Associazione
Dante Alighieri.
Ho partecipato a numerose mostre, internazionali
e nazionali.
Così, in questo modo, passo dopo passo,
metto su il mio mercato.
Conquistare la mia anima è la mia strategia...
La relazione problematica nella comunicazione
visiva e tattile tra le persone,
causata dall'uso improprio della
tecnologia, sta riducendo nel sonno Sergio Del Giudice
l’umanità.
Con le mie creazioni cerco un'emozione. Un sentimento, un'idea, un riflesso nello specchio.
Con lo scopo di lasciare qualcosa nell’Altro…
Un dipinto ... ti piace o non ti piace ... Ma se genera un'emozione è perché l'opera parla
da sola…
Ascolto, penso e rendo l'idea materiale. La mancanza di buon senso, di rispetto, di parola,
accecati come siamo dalla nuova cultura virtuale… mi induce a rompere la figura, cercando
di dare un’anima a ciò che è inanimato...
www.sergiodelgiudice.com.ar
info@sergiodelgiudice.com.ar
Sergio Del Giudice
27

L’Associazione Artistico Culturale
dalle Terre di Giotto e dell’Angelico organizza
DAL DISEGNO AL MODELLATO
Mario Meoni e Mauro Baroncini
Corsi d’arte
Dal mese di ottobre alla Casa di Giotto
ILLUSTRAZIONE BOTANICA, ACQUERELLO E ACRILICO
Saro Caltabiano
DISEGNO DAL VERO
Mauro Baroncini
PITTURA AD OLIO E ACRILICO
Giuliano Paladini
Attività alla Casa
Museo di Giotto
INTAGLIO E SCULTURA
Fabrizio Maiorelli e Bruno Serpillo
Nei mesi di ottobre e novembre 2015 si svolgerà il "Concorso d'arte
Giotto". Le opere in concorso saranno esposte alla Casa di Giotto,
con inaugurazione ufficiale domenica 11 ottobre alle ore 16.00
(è previsto un buffet).
Dall'11 ottobre all'8 novembre sarà possibile votare le opere in
concorso negli orari di apertura del museo (sabato e domenica 10.00
- 13.00; 15.00 - 19.00). Le votazioni termineranno l'8 novembre
alle ore 16.00. Seguirà lo scrutinio con la proclamazione dei primi
classificati. La premiazione dei vincitori si terrà domenica 22
novembre alle ore 16.30. Dalle ore 18.00 dello stesso giorno sarà
possibile ritirare le opere.
Per informazioni e contatti visitare il sito:
www.dalleterredigiottoedellangelico.it
info@casadigiotto.it - Cell. 328 5990920
28 Dalle Terre di Giotto e dell’Angelico

Eugenia
Margherita Arcuri
di Daniela Pronestì
La produzione pittorica di Eugenia Margherita Arcuri
sottende un approccio emozionale al processo creativo,
che si avvale del colore per far convivere sul supporto
verità oggettiva e percezione interiore. I suoi
dipinti rivelano un uso espressionistico del colore, che si svilup-
La forza del colore
tra verità oggettiva e
percezione interiore
Spighe di grano, tecnica mista su tela
Oltre il confine, tecnica mista e collage su tela
pa sul piano con variazioni di
intensità e di consistenza nel
tentativo di assecondare una
gestualità guidata dal sentimento.
La tendenza ad azzerare
la distinzione tra figura e
sfondo conferma, del resto, il
bisogno di allontanarsi dalla
riproduzione illusionistica del
reale per evocare una profondità
non più prospettica ma
introspettiva. Pensieri, ricordi
e sensazioni s’incontrano sulla
superficie del dipinto, dettando con la loro presenza l’andamento
curvilineo del colore, che passa dalle stesure piane ai rilievi
ottenuti con la densità della materia cromatica e con l’applicazione
di lustrini. La citazione del reale è nota costante in tutti
i suoi dipinti, anche se spesso trasfigurata per mezzo del colore.
I quadri con figura declinano il tema del femminile mettendolo
in rapporto con il paesaggio naturale, che diventa specchio di un
mondo interiore più vicino al sogno che alla realtà, da cui le sue
donne sembrano voler fuggire per ritrovare una serenità perduta.
Il ricorso al collage crea nuove aperture di significato, sia quando
il ritaglio cartaceo è in stretta continuità con il soggetto dipinto
sia quando è applicato sul piano per rompere l’uniformità dello
sfondo. Se lo spunto ispirativo è dettato dalla natura, l’immagine
si divide in vivaci aree cromatiche, pennellate diagonali, vortici e
Temporale estivo, tecnica mista e collage su tela
accenti coloristici che conducono
lo sguardo sulla soglia
dell’astrazione. Questo salto
oltre il visibile avviene in
special modo nei dipinti che
conservano solo l’essenza
coloristica del dato naturale
- ad esempio i fiori - lasciando
maggiore spazio agli
aspetti fantastici, agli slanci
dell’immaginazione. Da una
forma vegetale può nascere,
quindi, una configurazione
misteriosa, che rimanda ad
un’idea di natura sentita e
vissuta dall’interno, come un
continuo pulsare di emozioni
che si riverberano nel magma
dorato del colore. È il tratto
distintivo di una grammatica
pittorica che trae forza
e suggestione dal reale per
poi calarlo in una dimensione
che rinuncia ai criteri della
rappresentazione per mutare
l’immagine dipinta in una
proiezione dell’interiorità.
Nata a Crotone nel 1955, risiede
da molti anni a Firenze
dove ha studiato Architettura.
Coltiva da sempre la passione per
l’arte e ha frequentato corsi di pittura
figurativa, tecniche moderne e disegno
dal vero. Dipinge soprattutto ad
olio, spaziando dall'astratto al figurativo,
spesso con interventi di collage.
Ha esposto in varie mostre collettive
in Toscana.
e.m.arcuri@hotmail.it
Eugenia Margherita Arcuri 29

Spoleto Festival
Art 2015
Cinquanta artisti toscani in mostra
dal 25 al 28 settembre nella splendida
città umbra per una manifestazione di
respiro internazionale
di Maria Grazia Dainelli
Dal 25 al 28 settembre si è svolta la manifestazione
Spoleto Festival Art 2015, a cui l’associazione
Toscana Cultura ha aderito con cinquanta artisti
toscani che hanno esposto nel centro storico della
città umbra in una prestigiosa sede assegnatagli dagli organizzatori
dell’evento.
Presieduto dal professor Luca Filipponi, il grande appuntamento
espositivo vede incontrarsi ogni anno artisti provenienti da diversi
paesi del mondo nella splendida cornice di Spoleto.
La manifestazione, inaugurata il 25 settembre alla presenza delle
massime autorità cittadine, ha previsto inoltre un corteo di musici e
di sbandieratori che hanno sfilato per le strade del centro. Le opere
esposte sono documentate dal catalogo generale della mostra, in
cui sono indicati anche i contatti degli artisti.
Una suggestiva immagine del Duomo di Spoleto
30 Spoleto Festival Art 2015

L’elenco dei 50 artisti toscani che hanno
esposto nello storico palazzo di via Visiale:
Nel Caffè Letterario della
Biblioteca Comunale di
Spoleto, in occasione
della manifestazione, è
stata allestita una mostra
di 12 opere del maestro
Giuliano Ghelli curata da
Fabrizio Borghini e da Lilia
Ghelli sorella del maestro
fiorentino recentemente
scomparso. Toscana
Cultura ha voluto così
ricordare non solo un
artista di grande talento
ma anche un amico
dell'associazione che ha
curato la sua ultima mostra
personale ai "Quattro
Amici" di Firenze.
A destra: l'immagine del manifesto
di "Spoleto Festival Art 2015" con
l'opera di Luca Alinari
Sotto: la sfilata del corteo per le
strade cittadine nel giorno
dell'inaugurazione dello Spoleto
Art Festival 2015
Uno scorcio del bellissimo centro storico della città
MARIA GRAZIA BAMBI
ELIO BARGAGNI
MAURO BARONCINI
DAMIANO BASTA
FILIPPO BENCI
GIULIA BUCCIARELLI
EMMA CAMPANALE
ANTONIO CICCONE
SHILHA CINTELLI
SILVANA CIPRIANI
CARLO CIUCCHI
LORELLA CONSORTI
LOREDANA CONSUMI
PIETRO DARESTA
GRAZIA DI NAPOLI
COSETTA DI PIETRANTONIO
EURO ELMI
TIZIANA FACCENDI
LUIGI FALAI
CRISTINA FALCINI
GIOVANNI FORTUNATO
ORIELLA FRANCINI
LILIA GHELLI
ANDREINA GUERRIERI
GERDA HEGEDUS
FURIO INNOCENTI
PIERINA LAGANÀ
MARCO LAMI
SUSI LA ROSA
RICCARDO MACINAI
CARLO MAGNOLFI
MIRANDA MEI
ELENA MIGLIORINI
MARA NATUCCI
JACOPO NOCENTINI
ORLANDO POGGI
DIANA POLO
MILENA PRESTIA
ISABELLA ROMBOLÀ
PAOLO REMONDINI
BRUNO SABATINI
VALERIO SAVINO
BEATRIZ IRENE SCOTTI
ANTONELLA SERRATORE
ANDREA SIMONCINI
MASSIMO SONNINI
SILVANO SORDI
LUCA TAGLINI
ALTERIDE TURCHI
ANNAMARIA VECCIA
Spoleto Festival Art 2015
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Sede sociale e direzione
Signa
piazza Michelacci 7 - 50058 Signa
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Filiali
Signa
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Lastra a Signa
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Ponte a Signa
(Comune di Lastra a Signa)
via S. Lavagnini 11 - 50055 Lastra a Signa
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San Mauro a Signa
(Comune di Signa)
via della Chiesa 19 - 50050 S. Mauro a Signa
Tel. 055 8739764/5 - fax 055 8739693
Viottolone
(Comune di Scandicci)
via di Castelpulci 3 - 50018 Scandicci
Tel. 055 7310678 - fax 055 720145
Montelupo Fiorentino
via Centofiori 14 - 50056 Montelupo Fiorentino
Tel. 0571 913188 - fax 0571 913216
Malmantile
(Comune di Lastra a Signa)
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Tel. 055 8729244 - fax 055 8784412
Firenze
Piazza della Libertà 32R - 50129 Firenze
Tel. 055 5088114 - fax 055 578832
Sede distaccata
Castelfranco di Sotto
via Provinciale Francesca Nord 78
56022 Castelfranco di Sotto (Pisa)
Tel. 0571 488730 - fax 0571 488740
Sportelli ATM
Signa
Parco dei Renai
Badia a Settimo
(Comune di Scandicci)
via la Comune di Parigi 34
Capannori
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Firenze
Nuovo Ospedale San Giovanni di Dio
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Fucecchio
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San Miniato
Viale Marconi 20