Kommentiertes Vorlesungsverzeichnis Sommersemester 2013
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Institut für<br />
Kunstwissenschaft<br />
und Ästhetik<br />
<strong>Kommentiertes</strong><br />
<strong>Vorlesungsverzeichnis</strong><br />
<strong>Sommersemester</strong><br />
<strong>2013</strong><br />
Universität der Künste Berlin<br />
Fakultät Bildende Kunst<br />
1
Geschäftsführender Direktor<br />
Prof. Dr. Karlheinz Lüdeking<br />
Institut für Kunstwissenschaft und Ästhetik<br />
Universität der Künste Berlin<br />
Fakultät für Bildende Kunst<br />
Hardenbergstr. 33, D-10623 Berlin<br />
Verwaltung<br />
Frau Gisela Rudolph-Brehme<br />
Hardenbergstr. 33, Raum 122b, Tel.: 3158-2698<br />
Fax 3185-2681<br />
Öffnungszeiten:<br />
Mo, Di, Fr 10-12.30 Uhr<br />
Mo, Di, Do 14-15.30 Uhr<br />
Mittwoch und Freitag nachmittags geschlossen<br />
Bibliothek<br />
Universitätsbibliothek der UdK Berlin im Volkswagen-Haus<br />
Fasanenstr. 88<br />
10623 Berlin-Charlottenburg<br />
Tel. (030) 314-76473<br />
Fax (030) 314-76463<br />
E-Mail ub-info@udk-berlin.de<br />
Standorte und Abkürzungen:<br />
Hardenbergstraße 33, 10623 Berlin = Ha<br />
Lietzenburger Str. 45, 10789 Berlin = Lie<br />
Lehrende am Institut<br />
ProfessorInnen<br />
Prof. Dr. Martina Dobbe<br />
- Kunstgeschichte -<br />
Sprechstunde: Di 15-16 Uhr sowie nach Vereinbarung<br />
Terminvereinbarung bitte per E-Mail dobbe@udk-berlin.de<br />
Prof. Dr. Robert Felfe<br />
- Kunstgeschichte -<br />
Sprechstunde: Fr 12.30 – 13.15 Uhr, Raum 153<br />
Anmeldung auf ausgehängter Liste<br />
Prof. Dr. Karlheinz Lüdeking<br />
- Kunstgeschichte -<br />
k-luedeking@udk-berlin.de<br />
Sprechstunde: Dienstag 13-14 Uhr<br />
Prof. Dr. Tanja Michalsky<br />
- Kunstgeschichte -<br />
2
tami@udk-berlin.de<br />
Frau Prof. Dr. Michalsky hat im <strong>Sommersemester</strong> <strong>2013</strong> ein Forschungssemester. Bitte sprechen<br />
Sie sich per email mit ihr ab.<br />
Wissenschaftliche MitarbeiterInnen<br />
Dr. Julian Blunk<br />
blunk@udk-berlin.de<br />
Sprechstunde: Ha 107, Mittwoch 15-17 Uhr<br />
Grit Heidemann M.A.<br />
heidemag@udk-berlin.de<br />
Dr. Kassandra Nakas<br />
nakas@udk-berlin.de<br />
Sprechstunde: Ha 104a, Dienstag 14-15 Uhr nur nach Voranmeldung<br />
Dr. Ursula Ströbele<br />
u.stroebele@udk-berlin.de<br />
Sprechstunde: Ha 004, Donnerstag 15 - 16 Uhr nach Vereinbarung<br />
Lehrkraft für besondere Aufgaben<br />
Dr. Ljudmila Bruchholz<br />
mila_b@gmx.net<br />
Sprechstunde: Ha 104c, Dienstag 14-15 Uhr<br />
Individuelle Prüfungsberatung: Dienstag 12-14 Uhr; Donnerstag 12-14 Uhr<br />
Lehrbeauftragte WS 2011/12<br />
Sophie Hamacher<br />
Dr. Reinhard Knodt<br />
Fiona McGovern<br />
Dr. Hans-Joachim Petersen<br />
Dr. Johannes Rößler<br />
Veronika Tocha<br />
Dr. Margarethe Vöhringer<br />
3
Allgemeine Informationen für die Studierenden der Freien Kunst<br />
Das Studium der Freien Kunst wird geregelt durch die Studienordnung für den Studiengang<br />
Bildende Kunst (einschließlich des Zusatzstudiengangs für Meisterschüler) vom April 1987 sowie<br />
die Änderungsbestimmungen vom Januar 2005. Der wissenschaftliche Teil des Studiums umfaßt<br />
die „Fachwissenschaft: Pflicht – Kunstgeschichte / Kunstwissenschaft / Ästhetik /<br />
Philosophie“. Die Lehrveranstaltungen der Fachwissenschaft werden als K-Veranstaltungen<br />
(Schwerpunkt Kunstgeschichte) oder als T-Veranstaltungen (Schwerpunkt Kunsttheorie)<br />
ausgewiesen. Die Studierenden müssen im gesamten Studium fünf Leistungsnachweise aus dem<br />
Bereich der Fachwissenschaft erwerben: einen Leistungsnachweis während der Grundlehre (1.<br />
und 2. Semester), zwei weitere Leistungsnachweise im Grundstudium (3. und 4. Semester) sowie<br />
zwei Leistungsnachweise im Hauptstudium (5. – 8. Semester). Im Grundstudium und im<br />
Hauptstudium muss jeweils mindestens einer der Leistungsnachweise als K-Schein<br />
gekennzeichnet sein. Die Leistungsnachweise können in den Lehrveranstaltungen des Instituts<br />
für Kunstwissenschaft und Ästhetik der Universität der Künste erworben werden oder – nach<br />
Vorlage der entsprechenden Arbeiten – aus Seminaren an anderen Hochschulen anerkannt<br />
werden.<br />
Allgemeine Informationen für die Studierenden der Lehrämter<br />
Seit dem WS 2004/2005 werden Studierende des Lehramts in Berlin nur noch in aufeinander<br />
aufbauenden Bachelor- und Masterstudiengängen ausgebildet. Einem 6-semestrigen<br />
lehramtsbezogenen Bachelorstudiengang schließt sich ein 4-semestriger Masterstudiengang für<br />
die Sekundarstufe 1 und die Sekundarstufe 2 (= MA-Studiengang 1) bzw. ein 2-semestriger<br />
Masterstudiengang für die Primarstufe und die Sekundarstufe 1 (= MA-Studiengang 2) an. Die<br />
bestandene Masterprüfung (Hochschulprüfung) wird dann von staatlicher Seite einem<br />
Staatsexamen gleichgesetzt. Die Studiengänge sind modularisiert und die zu erbringende<br />
Arbeitsleistung wird mit Leistungspunkten (credit points) bewertet. Bis auf die Abschlussarbeiten<br />
(Bachelorarbeit, Masterthesis) werden alle Prüfungsleistungen studienbegleitend erbracht. Es gibt<br />
nur noch Modulprüfungen und keine Zwischenprüfung mehr. Das Bachelor-Studium besteht aus<br />
den drei Bereichen Kernfach (Bildende Kunst), Zweitfach und Berufswissenschaften<br />
einschließlich Praktika, die sich im Verhältnis der Leistungspunkte von 90:60:30 aufteilen.<br />
Die 90 Leistungspunkte im Kernfach Bildende Kunst verteilen sich folgendermaßen:<br />
Modul 1: Grundlehre Künstlerische Praxis: 28 LP<br />
Modul 2: Künstlerische Praxis in Fachklasse u. Werkstätten: 25 LP<br />
Modul 3: Kunstwissenschaft Pflicht: Einführung 9 LP<br />
Modul 4: Kunstwissenschaft: Vertiefung 9 LP<br />
Modul 5: Wahlpflichtfach: 9 LP<br />
Bachelor-Abschlussarbeit (Kunstwissenschaft oder Wahlpflichtfach): 10 LP<br />
Im Anteil Berufswissenschaften:<br />
Modul 6: Ästhetische Erziehung/Fachdidaktik Bildende Kunst 8 LP<br />
In den folgenden Beschreibungen der kunstwissenschaftlichen Module 3 und 4 wird versucht, die<br />
Vorgaben der Studienordnung so zu erläutern, dass sich ein realistischer Studienablauf ergibt.<br />
4
Modul 3: Kunstwissenschaft Pflicht: Einführung<br />
1. Inhalte und Qualifikationsziele:<br />
Dieses Modul führt in die Arbeitsweisen des Fachs Kunstwissenschaft ein. Die Studierenden<br />
beschäftigen sich mit kunsthistorischen und kunstwissenschaftlichen Fragestellungen sowie mit<br />
Fragen der philosophischen Ästhetik und werden in Methoden und Techniken wissenschaftlicher<br />
Arbeit eingeführt. Sie üben die Fähigkeit zu eigenständiger kritischer Nutzung wissenschaftlicher<br />
Informationen und zu textlicher Darstellung eigener fachlicher Aussagen. Sie orientieren sich<br />
durch einen ersten Überblick über die Geschichte der europäischen Kunst einschließlich ihrer<br />
globalen Zusammenhänge. In Übungen vor Originalen, bei der Anfertigung von<br />
Bildmonographien und durch die Interpretation von Schlüsseltexten eignen sie sich Kenntnisse<br />
vielfältiger künstlerischer Phänomene der Vergangenheit und Gegenwart an und lernen<br />
ausgewählte Analyse- und Interpretationsmethoden der Kunstgeschichte und Kunstwissenschaft<br />
kennen und anwenden. Sie erarbeiten kritische Einsichten in Funktionszusammenhänge von<br />
Kunst und Kunstgeschichte.<br />
2. Lehrformen:<br />
Die Lehrveranstaltung „Einführung in die Kunstgeschichte“ (3.1) ist ein Propädeutikum und<br />
sollte im ersten Semester belegt werden. Die beiden anderen Lehrveranstaltungen (3.2. und 3.3)<br />
sind in der Regel Seminare, Übungen vor Originalen (auch auf Exkursionen) oder Vorlesungen.<br />
3. Voraussetzungen für die Teilnahme:<br />
Aufnahmeprüfung (für den gewählten Studiengang, hier: besondere künstlerische Begabung)<br />
4. Verwendbarkeit des Moduls:<br />
Verwendbar und obligatorisch für die BA-Studiengänge 1 und 2 mit dem Kernfach Bildende<br />
Kunst<br />
5. Voraussetzungen für die Vergabe von Leistungspunkten (LP):<br />
Regelmäßige aktive Teilnahme an den drei Lehrveranstaltungen des Moduls; ein benoteter<br />
Leistungsnachweis durch Referat mit schriftlicher Ausarbeitung oder durch eine schriftliche<br />
Hausarbeit; wahlweise in der Lehrveranstaltung 3.2. oder 3.3..<br />
6. Leistungspunkte und Noten:<br />
Das Modul ist mit einer benoteten Klausur oder einer ca. 15 minütigen benoteten mündlichen<br />
Prüfung abzuschließen. Die Modulabschlussprüfung bezieht sich auf diejenige Lehrveranstaltung<br />
(3.2. oder 3.3), in der kein Leistungsnachweis erworben wurde. Es sind insgesamt 9<br />
Leistungspunkte zu erwerben.<br />
7. Umfang und Dauer des Moduls:<br />
Das Modul umfasst 6 SWS und kann in zwei oder drei aufeinander folgenden<br />
Semestern studiert werden.<br />
8. Häufigkeit des Moduls:<br />
Das Modul wird in jedem Semester angeboten.<br />
9. Arbeitsaufwand in Stunden:<br />
ca. 270 Arbeitsstunden<br />
5
10. Wiederholung des Moduls:<br />
Die Modulabschlussprüfung kann einmal wiederholt werden.<br />
Modul 4: Kunstwissenschaft Pflicht: Vertiefung<br />
1. Inhalte und Qualifikationsziele:<br />
Dieses Modul erweitert und vertieft die in Modul 3 erworbenen kunsthistorischen,<br />
kunstwissenschaftlichen und philosophisch-ästhetischen Einsichten, Kenntnisse und Fähigkeiten,<br />
auch in transdisziplinärer Perspektive. Die Studierenden üben sich im selbständigen<br />
wissenschaftlichen Arbeiten und werden mit historischen und zeitgenössischen Konzeptionen<br />
des Fachs und mit Kunsttheorien vertraut.<br />
2. Lehrformen:<br />
Vorlesung, Seminare, Übungen vor Originalen, auch auf Exkursionen<br />
3. Voraussetzungen für die Teilnahme:<br />
Das Modul kann frühestens im dritten Fachsemester studiert werden.<br />
4. Verwendbarkeit des Moduls:<br />
Verwendbar und obligatorisch für die BA-Studiengänge 1 und 2 mit dem Kernfach Bildende<br />
Kunst<br />
5. Voraussetzungen für die Vergabe von Leistungspunkten (LP):<br />
Regelmäßige aktive Teilnahme an den Lehrveranstaltungen des Moduls; ein benoteter<br />
Leistungsnachweis durch Referat mit schriftlicher Ausarbeitung oder durch eine schriftliche<br />
Hausarbeit, wahlweise in den Lehrveranstaltungen 4.1., 4.2. oder 4.3.<br />
6. Leistungspunkte und Noten:<br />
Das Modul ist mit einer benoteten Klausur oder einer ca. 30minütigen benoteten mündlichen<br />
Prüfung abzuschließen. Die Modulabschlussprüfung bezieht sich auf zwei Themengebiete, die in<br />
der Regel aus den besuchten Lehrveranstaltung hervorgehen. In der mündlichen Prüfung werden<br />
beide Themengebiete berücksichtigt, in der Klausur wählt der Studierende ein Themengebiet aus.<br />
Es sind insgesamt 9 Leistungspunkte zu erwerben.<br />
7. Umfang und Dauer des Moduls:<br />
Das Modul umfasst 6 SWS und kann in zwei bis drei aufeinander folgenden Semestern studiert<br />
werden.<br />
8. Häufigkeit des Moduls:<br />
Das Modul wird in jedem Semester angeboten.<br />
9. Arbeitsaufwand in Stunden:<br />
ca. 270 Arbeitsstunden<br />
10. Wiederholung des Moduls:<br />
Die Modulabschlussprüfung kann einmal wiederholt werden.<br />
6
Zum Studium der Kunstwissenschaft / Kunstgeschichte in der Fakultät Bildende Kunst<br />
Am Institut für Kunstwissenschaft und Ästhetik können sowohl im Lehramts- wie auch im<br />
Studium der Freien Kunst innerhalb unterschiedlicher Vermittlungsformate (Propädeutika,<br />
Seminare, Vorlesungen, Kolloquien, Exkursionen und Praktische Übungen) grundlegende<br />
Einblicke in die europäische und (nord-)amerikanische Kunst- und Architekturgeschichte sowie<br />
in die philosophische Ästhetik gewonnen werden. Zudem werden Methoden und Techniken<br />
wissenschaftlicher Recherche, wissenschaftlichen Schreibens und ausgewählte Analyse- und<br />
Interpretationsmethoden der Kunstgeschichte und Kunstwissenschaft erlernt. Der inhaltliche<br />
Schwerpunkt liegt dabei auf der vormodernen, der modernen und der zeitgenössischen Kunst<br />
und Ästhetik, unter Berücksichtigung aller klassischen künstlerischen Medien und Gattungen<br />
sowie von Theorie und Geschichte der Fotografie, des Films und anderer Neuer Medien. Die<br />
kreative Atmosphäre der Universität der Künste Berlin gewährleistet die produktive, räumliche<br />
wie intellektuelle Nähe zur künstlerischen Praxis. Die reiche Kunst-, Architektur-, Ausstellungsund<br />
Museumslandschaft Berlins bietet darüber hinaus immer wieder Anlass und Gelegenheit,<br />
Werke der Bildenden Kunst auch vor Ort im Original zu studieren.<br />
7
Veranstaltungen im <strong>Sommersemester</strong> <strong>2013</strong><br />
Heide Barrenechea, Elisa Müller<br />
Seminar: Fotografische Repräsentationen des Leidens. Eine Annäherung aus<br />
kunstwissenschaftlicher und theaterpraktischer Perspektive<br />
Veranstaltungsnummer: 1100284<br />
Einzel: Fr, 03.05.<strong>2013</strong> (Einführung), Ha33 – 110<br />
Einzel: Fr, 24.05.<strong>2013</strong>, 14-18 Uhr<br />
Einzel: Sa, 25.05.<strong>2013</strong>, 11-16 Uhr<br />
Einzel: Fr, 07.06.<strong>2013</strong>, 14-18 Uhr, Ha33 – 102<br />
Einzel: Sa, 08.06.<strong>2013</strong>, 11-16 Uhr, Ha33 – 102<br />
Einzel: Fr, 28.06.<strong>2013</strong>, 14-16 Uhr, Ha33 - 110<br />
SWS 2<br />
Beginn: 03.05.<strong>2013</strong><br />
Ausgehend von Susan Sontags Essay "Das Leiden anderer betrachten" und anhand von<br />
gemeinsamen Bildbetrachtungen möchte das Seminar ausloten, was mit dem Rezipienten beim<br />
Betrachten von Leid- und Elendsfotografien geschieht. Welche Strategien können angewendet<br />
werden, um derartige Bilder zu "lesen"? Wodurch ist die Herstellung und Zirkulation solcher<br />
Fotografien motiviert und über welche Kanäle werden diese publiziert? Und inwieweit ist ihnen<br />
ein Aktivierungspotential zu Eigen?<br />
Das Seminar möchte sich derartigen Fragestellungen über die gemeinsame Lektüre kanonischer<br />
Texte und vermittels exemplarischer Bildanalysen auf theoretische Weise annähern. Dadurch soll<br />
der Nutzen von Kriegs- und Pressefotografien diskutiert, der Rückgriff auf bestimmte Ästhetiken<br />
und tradierte Darstellungsmuster erörtert, das Verhältnis zwischen Ästhetik und Ethik<br />
beschrieben und über das Zeigen oder Verbergen solcher Bilder nachgedacht werden.<br />
Daneben wird der Diskurs um derartige Bildpraxen allerdings auch aus einer praktischen<br />
Perspektive in den Blick genommen. So möchte das Seminar der Frage nachgehen, wie in der<br />
Darstellenden Kunst mit Bildern gearbeitet wird beziehungsweise inwieweit die Wirkung von<br />
Leid- und Elendsfotografien auf der Bühne/in Performances adäquat verhandelt werden kann.<br />
Dies kann von den Teilnehmer/innen anhand charakteristischer Bildbeispiele praktisch erprobt<br />
werden.<br />
Durch die Gegenüberstellung einer wissenschaftlichen und einer künstlerischen<br />
Herangehensweise möchte das interdisziplinär angelegte Seminar ferner die unterschiedlichen<br />
Zugriffe auf Leid- und Elendsfotografien diskutieren und in der Folge nach den Unterschieden<br />
zwischen Kunst und Wissenschaft fragen beziehungsweise erörtern, inwiefern die beiden<br />
diskursiven Felder einander produktiv ergänzen.<br />
Das Seminar richtet sich an Studierende der Bildenden Kunst, Fakultät 1:<br />
Bildende Kunst: Kunstwissenschaft, Bildende Kunst für das Lehramt (BA/MA 1, BA/MA 2):<br />
Modul 3 / Modul 4 / Modul 5 (Architektur/Urbanistik) / Modul 5 (Visuelle<br />
Medien/Massenmedien)<br />
Fakultät Darstellende Kunst, Fakultät 4:<br />
Theaterpädagogik / Darstellendes Spiel<br />
Leistungsnachweis: Anwesenheit und Kurzreferat oder kurze Performance im Seminar, sowie<br />
Hausarbeit (z.B. ausgehend von einer konkreten Fotografie, einem Text der gemeinsamen<br />
Lektüre oder einer generelleren Fragestellung im Zusammenhang mit der Seminar-Thematik, ca.<br />
10-15 Seiten).<br />
Teilnahmenachweis: Anwesenheit und Kurzreferat oder kurze Performance im Seminar.<br />
8
In der Einführungsveranstaltung können sich die Teilnehmer/innen entscheiden, ob und zu<br />
welchem Text bzw. zu welcher Fotografie sie gerne ein Referat/eine kurze Performance halten<br />
möchten.<br />
Ansprechpartnerin: Heide Barrenechea (heide.barrenechea@googlemail.com)<br />
Einführende Literatur:<br />
Barthes, Roland: Schockfotos [1957], in: Wolfgang Kemp (Hg.): Theorie der Fotografie, III,<br />
1945–1980. München 1999, S. 105–108.<br />
Butler, Judith: Krieg und Affekt. Zürich 2009<br />
Geimer, Peter: Fotos, die man nicht zeigt. Probleme mit Schockbildern, in: Katharina Sykora,<br />
Ludger Derenthal, Esther Ruelfs (Hg.): Fotografische Leidenschaften [Ergebnisse einer<br />
gleichnamigen Tagung, Braunschweig und Braunlage 2004]. Marburg 2006, S. 245–257.<br />
Geimer, Peter: Wir müssen diese Bilder zeigen – Ikonografie des Äußersten, in: Karin Harrasser,<br />
Thomas Macho, Burkhardt Wolf (Hg.): Folter. Paderborn 2007, S. 119–132.<br />
Röttger, Kati und Jackob, Alexander: Wem gehören die Bilder? Bildpolitik und Medienkritik im<br />
Theater: eine Frage der Gewalten-Teilung, in: Forum Modernes Theater, Bd. 22/1 (2007), S. 47–<br />
60.<br />
Sontag, Susan: Das Leiden anderer betrachten. München 2003.<br />
Sontag, Susan: Über Fotografie. Frankfurt am Main 1980.<br />
Bemerkungen: -<br />
Dr. Julian Blunk<br />
Proseminar: Vom Mittelalter zum Rokoko - Übungen vor Hauptwerken der<br />
Gemäldegalerie Berlin<br />
Veranstaltungsnummer: 1100269<br />
Do, 15-17 Uhr, wöchentlich, 11.04.<strong>2013</strong> bis 11.07.<strong>2013</strong>, Ha33 – 110 / Gemäldegalerie am<br />
Kulturforum<br />
SWS 2<br />
Beginn: 11.04.<strong>2013</strong> (Ha33 – 110)<br />
Das Seminar versteht sich als Einführung in die Geschichte der Malerei des Mittelalters und der<br />
Frühen Neuzeit und richtet sich somit (in erster Linie) an Studienanfänger. Ausgewählte Werke<br />
aus dem reichen Fundus der Gemäldegalerie am Potsdamer Platz sollen diskutiert und so ein<br />
Überblick über die Gattungen, Themen und Stile mittelalterlicher und frühneuzeitlicher Malerei,<br />
ihre maßgebenden religiösen und politischen Kontexte sowie die kunsttheoretischen Leitmotive<br />
der jeweiligen Epochen erarbeitet werden. Da das Seminar zum größten Teil in der<br />
Gemäldegalerie am Kulturforum stattfinden wird, werden InteressentInnen gebeten, bereits zur<br />
Einführungssitzung zu erscheinen.<br />
Einführende Literatur:<br />
- Asmus, Gesine und Grosshans, Rainald (Hg.): Gemäldegalerie Berlin. 200 Meisterwerke,<br />
Berlin 1998<br />
- Gombrich, Ernst H.: die Geschichte der Kunst, Zürich 1977.<br />
- Belting, Hans: Spiegel der Welt. die Erfindung des Gemäldes in den Niederlanden,<br />
München 2010.<br />
- Propyläen Kunstgeschichte (jeweils die Kapitel zur Malerei):<br />
- Band 7: Bialostocki, Jan: Spätmittelalter und beginnende Neuzeit, Berlin 1967<br />
- Band 8: Kauffmann, Georg:Die Kunst des 16. Jahrhunderts, Berlin 1970<br />
9
- Band 9: Hubala, Erich: Die Kunst des 17. Jahrhunderts, Berlin 1970<br />
- Band 10: Keller, Harald: Die Kunst des 18. Jahrhunderts, Berlin 1971<br />
Bemerkungen: fkü.<br />
Auch für Gast- und NebenhörerInnen geeignet.<br />
Information für ERASMUS- und Austauschstudierende: maximal 3 ECTS.<br />
Information for ERASMUS and other exchange students: maximum 3 ECTS credits.<br />
Dr. Ljudmila Bruchholz<br />
Seminar: Zur Geschichte der Portraitfotografie<br />
Veranstaltungsnummer: 1100274<br />
Di, 10-12 Uhr, wöchentlich, 09.04. -09.07.<strong>2013</strong>, Ha33 – 151<br />
SWS 2<br />
Beginn: 09.04.<strong>2013</strong><br />
Das menschliche Antlitz gehört zu den ersten Motiven der Fotografie. Talbots Portrait seiner<br />
Frau Constanze von 1840 sowie sein eigenes Bildnis von 1844 von Antoine Claudet im<br />
Daguerreotypieverfahren ausgeführt, sind Beispiele dafür. Bereits um 1840 war die Portraitfotografie<br />
ein lukratives Geschäft. Daneben gab es jedoch immer ambitionierte Fotografen, die<br />
das Erstellen eines Bildnisses als kreative Herausforderung verstanden. J.M. Camerons (1815-<br />
1879) Bildnisse berühmter Männer ihrer Zeit sowie ihre besten Frauenportraits repräsentieren<br />
religiöse sowie moralische Tugendhaftigkeit. Der Kunstfotografie um 1900 (Piktorialismus)<br />
verdanken wir oft schon obsessesive Selbstportraits. 1928 argumentierte Alexander<br />
Rodtschenko „Gegen das synthetische Porträt“, plädierte „ für den Schnappschuss“. August<br />
Sanders Mappenwerk „Menschen des 20. Jahrhunderts“ (Antlitz der Zeit) war von soziologischen<br />
Erwägungen inspiriert. George Hurrels Hollywood Glamourportraits verkörperten vor allem das<br />
Images eines bestimmten Filmstars. Gisèle Freund nennt das Portrait ein Gespräch ohne Worte. -<br />
Portraits halten Augenblicke der Vergänglichkeit fest. Auch darin, dass sie Menschen<br />
„unsterblich“ machen, liegt das Faszinosum bis in die Gegenwart.<br />
Belegpflicht: 45 minütiger Vortrag<br />
Literatur:<br />
- Bhatty, Michael, Geschichte und Vermarktung der Hollywood-Glamour-Photographie,<br />
Europäische Hochschulschriften: Reihe 28, Kunstgeschichte. Bd. 297, Frankfurt/M, Berlin, Bern,<br />
New York, Paris, Wien 1997 (199 S. mit zahlr. Abb.).<br />
- Billeter, Erika (Hrsg.), Das Selbstporträt im Zeitalter der Photographie. Maler und<br />
Photographen im Dialog mit sich selbst (Aust.Kat.), Benteli Verlag, Lausanne 1985.<br />
- Gosling, Nigel, Nadar - Photograph berühmter Zeitgenossen, Verlag Schirmer und Mosel,<br />
München 1977.<br />
- Honnef, Klaus (Hrsg.), Lichtbildnisse. Das Porträt in der Fotografie (Aust.Kat. Rheinisches<br />
Landesmuseum Bonn), Köln 1982 (744 S. mit zahlr. Abb. und Tafeln).<br />
- Hurrel, George, Hollywood Glamour Portrais. Fotografien aus der Kobal Collection, Verlag<br />
Schirmer/Mosel, München 1993.<br />
- Nadar, Als ich Fotograf war, Verlag Huber&Co. Ag 1992.<br />
Bemerkungen: fkü.<br />
Für Gast- und NebenhörerInnen geeignet.<br />
Information für ERASMUS- und Austauschstudierende: maximal 3 ECTS.<br />
Information for ERASMUS and other exchange students: maximum 3 ECTS credits.<br />
10
Dr. Ljudmila Bruchholz<br />
Seminar: Fotografie und Bewegung – ein Paradoxon?<br />
Veranstaltungsnummer: 1100275<br />
Do, 10-12 Uhr, wöchentlich, 11.04.<strong>2013</strong> bis 11.07.<strong>2013</strong>, Ha33 – 151<br />
SWS 2<br />
Beginn: 11.04.<strong>2013</strong><br />
Das Seminar beleuchtet Stationen der fotografischen Bewegungsdarstellung: von den Anfängen<br />
der Bewegungsfotografie am Ende des 19. Jahrhunderts (Muybridge, Marey, Anschütz) über die<br />
Hochgeschwindigkeitsfotografie von Edgerton in den 30/40er Jahren des 20. Jahrhunderts bis in<br />
die Gegenwart. Der Focus liegt dabei auf der künstlerischen Nutzung von Gestaltungsprinzipien<br />
wie sie sich sowohl durch das Einfrieren von extrem schnellen Bewegungsabläufen als auch<br />
durch die Suggestion von Bewegung z.B. durch Bewegungsunschärfe (Bragalia) ergeben.<br />
Belegpflicht: 45 minütiges Referat<br />
Literatur:<br />
- Schnelle-Schneyder, Marlene, Photographie und Wahrnehmung am Beispiel der<br />
Bewegungsdarstellung im 19. jahrhundert, Jonas Verlag, Marburg 1990.<br />
- Sprung in die Zeit. Bewegung und Zeit als Gestaltungsprinzipien in der Photographie von den<br />
Anfängen bis zur Gegenwart, Verlag Ars Nicolai, Berlin 1992.<br />
- Stopping Time. Die Fotografie von Harold Edgerton, hrsg. v. Gus Kayafas, Edition Stemmle,<br />
Schaffhausen 1988.<br />
Bemerkungen: fkü.<br />
Für Gast- und NebenhörerInnen geeignet.<br />
Information für ERASMUS- und Austauschstudierende: maximal 3 ECTS.<br />
Information for ERASMUS and other exchange students: maximum 3 ECTS credits.<br />
Dr. Ljudmila Bruchholz<br />
Seminar: Analyse und Interpretation von Fotografien in Berliner Galerien und Museen<br />
Veranstaltungsnummer: 1100277<br />
Di, 16-18 Uhr, wöchentlich, 09.04.<strong>2013</strong> bis 09.07.<strong>2013</strong>, Ha33 – 004<br />
SWS 2<br />
Beginn: 09.04.<strong>2013</strong><br />
Wöchentlich werden wir in verschiedenen Galerien und Museen unterwegs sein. Die Arbeit vor<br />
dem „Original“ ermöglicht es in unmittelbarer Anschauung unterschiedliche fotografische<br />
Abzugstechniken kennenzulernen, Präsentationsformen wie Tableaus oder Fotoinstallationen in<br />
ihrer Größe und räumlichen Wirkung zu erleben sowie aktuellste Arbeiten von Künstlern<br />
kennenzulernen.<br />
Belegpflicht:<br />
Mündliche Bildanalyse, die in eine schriftliche Bildinterpretation mündet.<br />
Bemerkungen: fkü.<br />
Für Gast- und NebenhörerInnen geeignet.<br />
Information für ERASMUS- und Austauschstudierende: maximal 3 ECTS.<br />
Information for ERASMUS and other exchange students: maximum 3 ECTS credits.<br />
11
Prof. Dr. Martina Dobbe<br />
Kolloquium: Kolloquium für Studierende / Kolloquium für Doktorand/innen<br />
Veranstaltungsnummer: 1100252<br />
Di, 16-19 Uhr, wöchentlich, 09.04.<strong>2013</strong> bis 09.07.<strong>2013</strong>, Ha33 – 150<br />
Beginn: 09.04.<strong>2013</strong><br />
Im <strong>Sommersemester</strong> findet dienstags nachmittags ein Kolloquium statt, das – nach<br />
Terminabsprachen in der ersten Sitzung am 09.4.<strong>2013</strong> – alternierend/alternativ auf die Anliegen<br />
von Studierenden bzw. von Promovierenden Bezug nimmt.<br />
Das Kolloquium für Studierende dient der Begleitung bei der Anfertigung von<br />
wissenschaftlichen Hausarbeiten (Seminar-, BA- und MA-Arbeiten) und bei der Vorbereitung<br />
von Prüfungen (im BA: Modul 4 / im MA: Modul Kunstwiss./Kunstdidaktik). DieVeranstaltung<br />
bietet Raum dafür, dass individuelle Arbeitsgebiete vorgestellt und intensiv erörtert werden. Auch<br />
können Kandidat/innen, die noch auf der Suche nach einem geeigneten Thema für ihre<br />
Abschlussarbeit sind, hier ihre Überlegungen in einer ersten Ideenskizze referieren. Der Vorteil<br />
der gemeinsamen Arbeit im Kolloquium (gegenüber der individuellen Beratung in der<br />
Sprechstunde) ist, dass unterschiedliche kunstwissenschaftlichen Methoden sowie Techniken des<br />
wissenschaftlichen Arbeitens in der Gruppe erprobt und miteinander verglichen werden können.<br />
Im Kolloquium für Doktorand/innen steht die gemeinsame Diskussion ausgewählter<br />
Fragestellungen aus den individuellen Forschungsprojekten im Mittelpunkt. Darüber hinaus<br />
besteht die Möglichkeit, grundsätzliche methodische Fragestellungen und aktuelle<br />
kunstwissenschaftliche Veröffentlichungen zu diskutieren. Anregungen für gemeinsame<br />
Textlektüren und Ausstellungsbesuche sind erwünscht.<br />
Interessenten am Kolloquium für Studierende treffen sich am 09.4.<strong>2013</strong> in Raum 150, so dass wir<br />
einen Termin-/Arbeitsplan für das <strong>Sommersemester</strong> festlegen können.<br />
.<br />
Bemerkungen:<br />
Information für ERASMUS- und Austauschstudierende: maximal 3 ECTS.<br />
Information for ERASMUS and other exchange students: maximum 3 ECTS credits.<br />
Prof. Dr. Martina Dobbe, Prof. Dr. Dörte Schmidt<br />
Hauptseminar: Nam June Paik - Exposition of Music. Fluxus und die Folgen für die<br />
Kunst/Musik<br />
Veranstaltungsnummer: 1100253<br />
Mo, 10-13 Uhr, Einzel, am 22.04.<strong>2013</strong>, Ha33 – 151 (Vorbesprechung)<br />
Mo, 10-13 Uhr, Einzel, am 24.06.<strong>2013</strong>, Ha33 – 151 (Abschlussveranstaltung)<br />
Fr-So, Block, 24.05.<strong>2013</strong> bis 26.05.<strong>2013</strong>, in Sauen / Brandenburg<br />
SWS 2<br />
Beginn: 22.04.<strong>2013</strong><br />
Nam June Paiks legendäre Ausstellung „Exposition of Music – Electronic Television“, die 1963<br />
in der Wuppertaler Galerie Parnass zu erleben war, gilt der Kunst- und Musikgeschichte als<br />
früher Beleg der Fluxus-Bewegung. Bestückt mit vier präparierten Klavieren, zwei<br />
Schallplattenschaschliks, zahlreichen Klangobjekten sowie elf präparierten Fernsehern vollzog<br />
Paik mit dieser Ausstellung jene Grenzüberschreitungen im Feld von Musik und Kunst, die für<br />
die Künste in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts beispielhaft werden sollten.<br />
Ausgehend von „Exposition of Music – Electronic Television“ und anderen legendären<br />
„Ausstellungen von Musik“ wird das Seminar Paiks intermediäre Arbeiten insbesondere der<br />
1960er Jahre in den Mittelpunkt der Auseinandersetzung stellen. Es geht darum, Paiks Weg von<br />
12
der Musik zum Medien- und Performancekünstler kennenzulernen und die ‚Vermischung‘ der<br />
Künste in Happenings, Installationen, neuartigen konzertanten Praktiken und Multimedia-<br />
Inszenierungen vor dem Hintergrund kunst- und musikwissenschaftlicher Fragestellungen zu<br />
thematisieren. Neben seinem Verhältnis zu anderen Fluxus-Künstlern wie Maciunas, Brecht.<br />
Higgins, Vostell und Beuys werden die Kollaborationen mit anderen Musikern (Cage,<br />
Stockhausen, Nono, Tudor) und Interpreten (Moorman) befragt.<br />
Literatur zur Einführung:<br />
Edith Decker-Phillips: Paik Video, Köln 1988 / New York 1998.<br />
Decker, Edith (Hg.): Niederschriften eines Kulturnomaden. Nam-Jun Paik, Köln 1991<br />
Wulf Herzogenrath (Hg.): Nam June Paik. Fluxus. Video, AK Kunsthalle Bremen, Bremen 1999.<br />
Nam June Paik - Global Groove 2004, AK Guggenheim Berlin, Berlin 2004.<br />
Susanne Neubauer (Hg.): Nam June Paik: exposition of music; electronic television; revisited, AK<br />
anläßlich der Ausstellung "Nam June Paik. Music for all senses", Museum moderner Kunst<br />
Stiftung Ludwig Wien, Kön 2009.<br />
Gabriele Knapstein: Eine lange Geschichte mit vielen Knoten. Fluxus in Deutschland.1962–<br />
1994, AK Institut für Auslandsbeziehungen, Stuttgart 1995.<br />
Bemerkungen:<br />
Das Seminar möchte Studierende der Kunst und der Musik im interdisziplinären Austausch<br />
zusammenbringen. Im Idealfall treffen im Seminar je 10 Studierende der beiden Fächer<br />
aufeinander. Um die Seminarplanung rechtzeitig konkretisieren zu können, bitten wir um<br />
Anmeldungen unter dobbe@udk-berlin.de oder nadda.tarabichi@udk-berlin.de(für die Musik). In<br />
der ersten Sitzung am 22. April <strong>2013</strong> wird die verbindliche Teilnehmerliste festgelegt. Aufgrund<br />
der begrenzten Übernachtungsplätze in Sauen gibt es insgesamt nur 20 Plätze in diesem Seminar.<br />
Geöffnet für Studierende im Studium Generale, wenn Plätze vorhanden<br />
Information für ERASMUS- und Austauschstudierende: maximal 3 ECTS.<br />
Information for ERASMUS and other exchange students: maximum 3 ECTS credits.<br />
Dr. Robert Felfe<br />
Hauptseminar: Die Linie - ein Grundelement bildnerischer Arbeit in Geschichte und<br />
Gegenwart<br />
Veranstaltungsnummer: 1100263<br />
Do, 14-16 Uhr, wöchentlich, 11.04.<strong>2013</strong> bis 11.07.<strong>2013</strong>, Ha33 – 151<br />
SWS 2<br />
Beginn: 11.04.<strong>2013</strong><br />
Zahlreiche bildkünstlerische Verfahren und Medien beruhen auf Linien als grafischen Elementen;<br />
und zugleich scheint es naheliegend, dieses Element als relativ einfaches Faktum hinzunehmen.<br />
Dennoch finden sich in Geschichte und Gegenwart der Kunst zahlreiche Beispiele für einen alles<br />
andere als selbstverständlichen Status der Linie. So hatten es etwa Künstler, seit sie ihre<br />
Bildwerke mit Hilfe von Geometrie und Perspektive entwickelten, mit dem Umstand zu tun, dass<br />
die Linie dort eigentlich als unsichtbare, rein abstrakte Größe in der Vorstellung definiert wird.<br />
Einerseits ließ sich vor diesem Hintergrund etwa das Zeichnen, primär als eine freie, geistige<br />
Operation verstehen. Andererseits bestand vor diesem Hintergrund bereits in der Arbeit mit den<br />
Grundelementen grafischer Darstellung ein Übersetzungsbedarf. – In welchem Verhältnis zur<br />
Welt und den sichtbaren Phänomenen steht eigentlich ein Bild, wenn seine linearen Elemente mit<br />
dieser Welt nichts zu tun haben?<br />
13
Nach einer Einführung in dieses Problem im Rückblick auf das 16. und 17. Jahrhundert wird sich<br />
das Seminar vor allem Tendenzen der Kunst seit den 1920er Jahren widmen. Dabei wird zu<br />
verfolgen sein, inwiefern – insbesondere seit die Zentralperspektive kein verbindliches Paradigma<br />
mehr ist – die Linie immer wieder auf signifikante Weise zum Thema wurde und wird.<br />
Leistungsnachweise können je nach Studiengang in Form von Referaten und/oder Hausarbeiten<br />
erworben werden. Literatur für die jeweiligen Sitzungen wird beim ersten Treffen (11.04.)<br />
bekannt gegeben.<br />
Bemerkung:<br />
Für Gast- und NebenhörerInnen geeignet.<br />
Information für ERASMUS- und Austauschstudierende: maximal 3 ECTS.<br />
Information for ERASMUS and other exchange students: maximum 3 ECTS credits.<br />
Dr. Robert Felfe<br />
Proseminar: Kunst und Natur in Geschichte und Gegenwart<br />
Veranstaltungsnummer: 1100264<br />
Do, 16-19 Uhr, wöchentlich, 11.04.<strong>2013</strong> bis 11.07.<strong>2013</strong>, Ha33 – 151<br />
SWS 3<br />
Beginn: 11.04.<strong>2013</strong><br />
Das Seminar gilt zentralen Aspekten einer seit der Frühen Neuzeit äußerst wichtigen Relation.<br />
Einen Ausgangspunkt bildet das Gebot der imitatio naturae – der Nachahmung der Natur – im 15.<br />
und 16. Jahrhundert, etwa bei Leon Battista Alberti und Albrecht Dürer. Bereits hier wird sich<br />
zeigen, dass diese Maxime keineswegs auf eine eindimensionale Norm künstlerischer Mimesis<br />
hinauslief. Es werden verschiedene Implikationen zu diskutieren sein, die für Künstler und ihre<br />
Arbeit aus diesem Gebot folgten; wie auch Motive und Themen, in denen die Beziehung<br />
zwischen Natur und Kunst artikuliert und reflektiert wurde. Anhand ausgewählter Kunstwerke,<br />
theoretischer Überlegungen und Tendenzen werden im weiteren Verlauf des Seminars historische<br />
Transformationen und Neubestimmungen des Verhältnisses von Kunst und Natur vorgestellt.<br />
Dazu gehören die z. B. die künstlerische Entdeckung von Naturräumen wie dem Hochgebirge<br />
seit dem 18. Jahrhundert im Zusammenspiel mit der Ästhetik des Erhabenen, der Naturalismus<br />
um 1900, aber auch Land Art seit den 70er Jahren des 20. Jahrhunderts und die so genannte<br />
BioArt. Es ist das Anliegen des Seminars, mit dem Verhältnis zur Natur eines jener Bezugsfelder<br />
zu skizzieren, die für das Selbstverständnis von Kunst und Künstlern auf sehr verschiedene<br />
Weise immer wieder wichtig zu sein scheint.<br />
Leistungsnachweise können je nach Studiengang in Form von Referaten und/oder Hausarbeiten<br />
erworben werden. Literatur für die jeweiligen Sitzungen wird beim ersten Treffen (11.04.)<br />
bekannt gegeben.<br />
Bemerkung:<br />
Für Gast- und NebenhörerInnen geeignet.<br />
Information für ERASMUS- und Austauschstudierende: maximal 3 ECTS.<br />
Information for ERASMUS and other exchange students: maximum 3 ECTS credits.<br />
14
Dr. Robert Felfe<br />
Übung: Erzählformen der bildenden Kunst. Betrachtung und Diskussion von<br />
Kunstwerken in Berliner Museen und temporären Ausstellungen<br />
Veranstaltungsnummer: 1100265<br />
Fr, 10-12 Uhr, Einzel, am 12.04.<strong>2013</strong>, Ha33 – 150 (Einführungsveranstaltung)<br />
Fr, 10-12 Uhr, wöchentlich, 19.04.<strong>2013</strong> bis 12.07.<strong>2013</strong>, verschiedene Orte, die zu Beginn<br />
des SoSe bekanntgegeben werden<br />
SWS 2<br />
Beginn: 12.04.<strong>2013</strong><br />
Das Seminar findet wöchentlich an wechselnden Orten (Museen, Ausstellungsorte, Galerien)<br />
statt um sich mit Werken historischer wie auch zeitgenössischer Kunst auseinanderzusetzen.<br />
Übergreifendes Thema sind verschiedene Strategien, dank derer in der bildenden Kunst<br />
Narrationen entwickelt werden. Eine Liste der ausgewählten Werke und Orte wird beim ersten<br />
Treffen (12.04.) verteilt. Bei diesem vorbereitenden Termin werden zudem jeweils kurze<br />
Einführungen und die Moderation der folgenden Treffen als benotungsrelevante Leistungen<br />
vergeben.<br />
Bemerkungen:<br />
Für Gast- und NebenhörerInnen geeignet.<br />
Information für ERASMUS- und Austauschstudierende: maximal 3 ECTS.<br />
Information for ERASMUS and other exchange students: maximum 3 ECTS credits.<br />
Dr. Robert Felfe<br />
Hauptseminar: Lektüreseminar: Hal Foster, The Return of the Real. Art and Theory at<br />
the End of the Century (1996)<br />
Veranstaltungsnummer: 1100266<br />
Fr, 14-16 Uhr, wöchentlich, 12.04.<strong>2013</strong> bis 12.07.<strong>2013</strong>, Ha33 – 151<br />
SWS 2<br />
Beginn: 12.04.<strong>2013</strong><br />
Gegenstand des Seminars ist die gemeinsame Lektüre und Diskussion von Passagen dieses<br />
Klassikers jüngerer Kunsttheorie. Das Buch wird komplett als pdf-Datei zur Verfügung stehen.<br />
Zu jeder einzelnen Sitzung ist der entsprechende Abschnitt von allen zu lesen und wird von<br />
einzelnen Studierenden oder einer Arbeitsgruppe (max. drei Studierende) kurz vorgestellt.<br />
Bemerkungen:<br />
Für Gast- und NebenhörerInnen geeignet.<br />
Information für ERASMUS- und Austauschstudierende: maximal 3 ECTS.<br />
Information for ERASMUS and other exchange students: maximum 3 ECTS credits.<br />
15
Sophie Hamacher<br />
Seminar: Remix, Reuse, Resample: Repurposing the Archive<br />
Veranstaltungsnummer: 1100292<br />
Fr, 16-19 Uhr, wöchentlich, 31.05.<strong>2013</strong> bis 14.06.<strong>2013</strong>, Ha33 – 151<br />
Sa, 12-18 Uhr, wöchentlich, 01.06.<strong>2013</strong> bis 15.06.<strong>2013</strong>, Ha33 – 151<br />
Beginn: 31.05.<strong>2013</strong><br />
A seminar by Sophie Hamacher and Sylvia Schedelbauer<br />
This seminar will examine theories around the archive and explore how artists and filmmakers<br />
repurpose recent and historical footage to radically transform it, while challenging ideas of<br />
authorship, ownership and copyright.<br />
The film program includes older narrative structures that are unraveled and reconfigured to<br />
create new stories, sequences that are recontextualized to produce new meaning, and different<br />
edits of film footage that are used to highlight new political or emotional associations.<br />
History and the present, fiction and reality blend together - comprising questions about the<br />
staging of ‘reality’, strategies of authentification and recycled memories. Alongside the reflection<br />
on the material and social conditions of filmmaking this seminar wants to examine the<br />
relationship between archives and history, migration, memory, power and communication, while<br />
also addressing questions of copyright, fair use, public domain, and the creative commons<br />
through readings and discussions<br />
Bemerkungen:<br />
Für Gast- und NebenhörerInnen geeignet.<br />
Information für ERASMUS- und Austauschstudierende: maximal 3 ECTS.<br />
Information for ERASMUS and other exchange students: maximum 3 ECTS credits.<br />
Anthony Iles, Marina Gerber<br />
Seminar: Art and Production: Between Affirmation and Negation<br />
Veranstaltungsnummer: 1100285<br />
Einzel: Di, 11.06.<strong>2013</strong>, 14-16 Uhr, Ha33-004 (Einführung)<br />
Block: Fr-Sa, 12./13.09.<strong>2013</strong>, 11-18 Uhr, Ha33-004<br />
Block: Fr-Sa, 19./20.09.<strong>2013</strong>, 11-18 Uhr, Ha33-004<br />
SWS 2<br />
Beginn: 11.06.<strong>2013</strong><br />
Anthony Iles, Graduiertenschule der UdK, Mute (London), Post-Media Lab (Leuphana<br />
Universität)<br />
Marina Gerber, Graduiertenkolleg „Das Wissen der Künste“, UdK<br />
Einführung Dienstag, 11. Juni <strong>2013</strong> von 14-16 Uhr in Raum Ha33-004, Fortsetzung am<br />
12./13. und am 19./20. September <strong>2013</strong> jeweils von 11-18 Uhr in raum Ha33-004<br />
(teilweise in Englisch)<br />
Kunst ist Produktion. Nicht jede künstlerische Produktion resultiert aber in einem objektiven<br />
Produkt. Manchmal bleibt der Prozess der Kunstproduktion für immer verborgen. Es entsteht<br />
eine Kluft zwischen dem, was man geleistet hat und dem, was als Endresultat zu betrachten ist.<br />
Dass das Produkt der Produktion keine Rechnung trägt, kann sowohl für Künstler/innen, als<br />
auch für Betrachter/innen entfremdend sein. Die Tätigkeit der Malerei, des Zeichnens, des<br />
Denkens und Konzipierens ist schwer darzustellen.<br />
Das Seminar schlägt vor, dieses Problem als eine Dynamik zwischen 'Affirmation der<br />
Produktion' und 'Negation der Produktion' zu fassen. Welche Möglichkeiten gibt es heute, wenn<br />
16
man die Produktion der Kunst in den Vordergrund rücken möchte? Welche Bedeutung wird in<br />
heutigen künstlerischen und theoretischen Diskursen dem Produktivismus und der<br />
Konzeptkunst zugesprochen und warum sind diese relevant? Wie lassen sich diese einflussreichen<br />
Praktiken kritisieren? Diese Fragen sollen nicht nur theoretisch behandelt werden, sondern auch<br />
praktisch:<br />
Die Teilnehmer/innen werden in ein 'produktives Experiment' involviert. Im Rahmen einer<br />
künstlerischen Aktion werden wir versuchen, uns einen exemplarischen Produktionsprozess zu<br />
vergegenwärtigen. Gegen Ende des Seminars soll eine gemeinsame Publikation entstehen, in der<br />
die Teilnehmer/innen den erlebten Produktionsprozess beschreiben, fotografieren,<br />
dokumentieren oder reflektieren.<br />
Lektüre:<br />
Theodor W. Adorno, Aesthetic Theory, trans. Robert Hullot-Kentor (Continuum,London,) S. 1-<br />
6.<br />
Theodor W. Adorno, ‘Free Time’ in Theodor W. Adorno, (ed.) J.M. Bernstein, The Culture<br />
Industry: Selected essays on mass culture, (Routledge, London & New, 1991), p. 187-197. /<br />
'Freizeit' in ders., Kulturkritik und Gesellschaft II, ges. Schriften, Band 10: 2 (Wissenschaftliche<br />
Buchgesellschaft, Darmstadt, 1998 ), S. 645-655.<br />
Walter Benjamin, 'The Author as Producer', in New Left Review I/62, July-August 1970 / 'Der<br />
Autor als Produzent' in ders., Gesammelte Schriften, Band II 2 (Suhrkamp, Frankfurt am Main,<br />
1991), S. 683–701.<br />
Benjamin H.D. Buchloh, 'Context-Function-Use Value. Michael Asher’s Re-Materialization of<br />
the Artwork', in Michael Asher: Exhibitions in Europe, 1972-1977 (Stedelijk Van Abbemuseum,<br />
Eindhoven, 1980), S. 35-46.<br />
Benjamin H.D. Buchloh, 'Conceptual Art 1962-1969: From the Aesthetic of Administration to<br />
the Critique of Institutions' in October Vol. 55, (Winter, 1990), S. 105-143 / 'Von der Ästhetik<br />
der Verwaltung zur Institutionellen Kritik', in Marie Louise Syring (Hg.), Um 1968. Konkrete<br />
Utopien in Kunst und Gesellschaft (DuMont, Köln, 1990), S. 86-99.<br />
Sabeth Buchmann, Denken Gegen das Denken: Produktion, Technologie, Subjektivität bei Sol<br />
LeWitt, Yvonne Rainer und Hélio Oiticica (b_books, Berlin, 2007), S. 172-183.<br />
Sebastian Egenhofer, Produktionsästhetik (Diaphanes, Zürich, 2010), S. 142-144.<br />
Dan Graham, 'Eigenheime für Amerika' in Ulrich Wilmes (Hg.), Dan Graham: Ausgewählte<br />
Schriften (Oktagon, Köln, 1996), S. 26-32.<br />
Lucy Lippard and John Chandler, 'The Dematerialization of Art' in Peter Osborne (Hg.),<br />
Conceptual Art (Phaidon,London, 2002), S. 218-220.<br />
Siegfried Kracauer, ‘The Mass Ornament’ in ders., The Mass Ornament (Harvard University<br />
Press, Cambridge Mass./London, 1995), S. 75-88.<br />
John Roberts, ‘The Missing Factory’ in Mute, July 2012<br />
(http://www.metamute.org/editorial/articles/missing-factory).<br />
Viktor Shklovsky, ‘Art as Technique’ in L.T. Lemon and M.J. Reis, Russian Formalist Criticism<br />
Four Essays, (University of Nebraska Press, 1965).<br />
Hito Steyerl, ‘Is the Museum a Factory?’ in E-Flux, Juli 2009<br />
(http://www.e-flux.com/journal/is-a-museum-a-factory/).<br />
Jeff Wall, 'A Draft For Dan Graham's Kammerspiel' in ders., Dan Graham's Kammerspiel (Art<br />
Metropole, Toronto, 1991), S. 87-115 / 'Ein Entwurf zu Dan Grahams Kammerspiel' in Gregor<br />
Stemmrich (Hg.), Jeff Wall: Szenarien im Bildraum der Wirklichkeit (Philo Fine Arts, Hamburg,<br />
2008), S. 47–88.<br />
Zusätzliches Material: Vgl. online-VVZ<br />
17
Bemerkungen:<br />
Leistungsnachweis: Anwesenheit im Seminar und Partizipation an der Aktion (Tiergarten),<br />
sowie die Beteiligung an der Produktion der Dokumentation (z.B. das Verfassen eines Berichts<br />
über die Aktion, oder theoretische Reflexion über die Aktion, oder über einen der diskutierten<br />
Texte, im Umfang einer Hausarbeit, ca. 10-15 Seiten).<br />
Teilnahmenachweis: Anwesenheit im Seminar und Partizipation an der Aktion,<br />
Dokumentation der Aktion (Fotos oder kurzer Bericht, schriftlich oder mündlich).<br />
In der Einführungsveranstaltung können sich die Teilnehmer/innen entscheiden, ob und zu<br />
welchem Text sie gerne ein Referat halten möchten.<br />
Ansprechpartnerin: Marina Gerber, marina-gerber(at)gmx.de<br />
Geöffnet für Studium Generale.<br />
Dr. Reinhard Knodt<br />
Proseminar: Philosophie des kolonialen Denkens<br />
Veranstaltungsnummer: 1100289<br />
Mo, 11-13 Uhr, wöchentlich, 08.04.<strong>2013</strong> bis 08.07.<strong>2013</strong>, Ha33 – 110<br />
SWS 2<br />
Beginn: 08.04.<strong>2013</strong><br />
Kolonisieren heißt Besiedeln. Das „koloniale“ Denken ist kein bloß historisches Problem,<br />
sondern ein Denk-Stil, der zu allen Zeiten Einfluss auf Politik, Kunst und Wissenschaft hatte.<br />
Von den Kolonien des alten Athen bis zu den Kolonien der europäischen Staaten in Afrika und<br />
Asien, aber auch weit in den heutigen Neokolonialismus reicht dieses Denken, das den zu<br />
erobernden oder zu besiedelnden Raum in erster Linie daraufhin abschätzt, wie er den eigenen<br />
Handlungs- oder Nutzungs-Wünschen angepasst werden kann. Auch Künstler denken in<br />
gewissem Sinne „kolonial“, wenn sie den öffentlichen Raum einer Kultur mit ihren Projektionen<br />
und Konzepten zu besiedeln suchen. Ein Gegenprinzip wäre das verstehende Denken, ein<br />
Habitus, dem es auf Erkennen und Durchdringung ankommt, sowie das Korrespondenzdenken,<br />
das die Möglichkeiten eines Miteinander auslotet.<br />
Die philosophische Beschäftigung mit dem Kolonialen setzt mit Friedrich Nietzsche ein und hat<br />
prominente Vertreter von Disraeli bis Carl Schmidt. Sie führt zu Romanen und Werken der<br />
bildenden Kunst sowie zu avantgardistischen Projekten – etwa dem Anthropozän-Projekt, das<br />
die Besiedelung der Erde durch den Menschen thematisiert.<br />
Wir setzen mit einer Lektüre von Robinson Crusoe ein, lesen Partien deutscher und englischer<br />
Reiseliteratur zu Indien, darunter Waldemar Bonsels „Meine Indienreise“ und die scheinbar<br />
heiteren Geschichten von Charles Chevenix French „My Mother told me. Wir betrachten Bilder<br />
aus der Zeit der Kolonialherrschaft Englands und der Zeit der Sklavenbefreiung. Wir treffen uns<br />
mit zeitgenössischen Künstlern, die das Koloniale zum Zentrum ihrer Beschäftigung gemacht<br />
haben. (Israel, Palästina, Afrika) Wir beschäftigen uns mit Lawrence von Arabien und Carl Peters<br />
“Deutsch Ost Afrika“) und wir begutachten Fälle sprachlicher Kolonisierung – etwa das<br />
Eindringen von Unternehmersprache in den Bildungsbereich. Unsere „Forschungen“ reichen<br />
von der Südseeromantik über den Film Aguirre oder der Zorn Gottes bis zur genauen<br />
Untersuchung einer Kelloggs-Packung. Wer Lust auf solche philosophischen Irr- und Umwege<br />
zur Kunst hat, ist willkommen. (Scheinerwerb variabel nach Absprache, Niveau und Aufgabe).<br />
Bemerkungen:<br />
Für Gast- und NebenhörerInnen geeignet.<br />
Information für ERASMUS- und Austauschstudierende: maximal 3 ECTS.<br />
Information for ERASMUS and other exchange students: maximum 3 ECTS credits.<br />
18
Prof. Dr. Karlheinz Lüdeking<br />
Proseminar: Werkanalyse - Der Körper in der Kunst des 20. Jahrhunderts<br />
Veranstaltungsnummer: 1100258<br />
Mo., 10-12 Uhr, wöchentlich, 08.04.<strong>2013</strong> bis 08.07.<strong>2013</strong> - Ha33 - 150<br />
SWS 2<br />
Beginn: 08.04.<strong>2013</strong><br />
Der Körper hat in der bildenden Kunst seit jeher eine zentrale Rolle gespielt. Im 20. Jahrhundert<br />
haben sich jedoch ganz neue Formen entwickelt, in denen der Körper repräsentiert werden kann.<br />
Um solche Neuerungen deutlich zu machen, sollen in diesem Seminar exemplarische Werke<br />
genau analysiert und mit anderen verglichen werden. Dabei wird klar werden, dass in den<br />
jeweiligen Werken sehr verschiedene Aspekte des Körpers und der Art und Weise seiner<br />
Transformation in ein künstlerisches Objekt im Vordergrund stehen. Wer ein Referat<br />
übernehmen möchte, sollte sich in die Liste eintragen, die ab Mitte Februar auf dem Gang in der<br />
Nähe der Seminarräume 150 und 151 aushängt. Für die einzelnen Sitzungen sind folgende<br />
Themen geplant:<br />
8. April Einführung (kein Referat)<br />
15. April Egon Schiele: Sitzender männlicher Akt (Selbstbildnis), 1910<br />
22. April Max Ernst: die anatomie als braut, 1921<br />
29. April Pablo Picasso: Baigneuse assise au bord de la mer, 1930<br />
6. Mai Arno Breker: Bereitschaft, 1939<br />
13. Mai Alberto Giacometti: Homme qui marche sous la pluie, 1948<br />
20. Mai (Pfingsten)<br />
27. Mai Willem de Kooning: Marilyn Monroe, 1954<br />
3. Juni Louise Bourgeois: La Fillette, 1968<br />
10. Juni Bruce Nauman: Live Taped Video Corridor, 1970<br />
17. Juni Cindy Sherman: Untitled Film Still # 264, 1992<br />
24. Juni (entfällt wegen einer Prüfungsverpflichtung)<br />
1. Juli Candice Breitz: Rainbow Series # 14, 1996<br />
8. Juli Abschlussdiskussion (kein Referat)<br />
Bemerkung:<br />
Für Gast- und NebenhörerInnen geeignet.<br />
Besonders geeignet als Teil von Modul 3.<br />
Für Anfängerinnen und Anfänger.<br />
Information für ERASMUS- und Austauschstudierende: maximal 3 ECTS.<br />
Information for ERASMUS and other exchange students: maximum 3 ECTS credits.<br />
Prof. Dr. Karlheinz Lüdeking<br />
Hauptseminar: Klassiker des europäischen Experimentalfilms<br />
Veranstaltungsnummer: 1100259<br />
Mo., 14-16 Uhr, wöchentlich, 08.04.<strong>2013</strong> bis 08.07.<strong>2013</strong> - Ha33 - 150<br />
SWS 2<br />
Beginn: 08.04.<strong>2013</strong><br />
Obgleich viele Studierende sicherlich schon manche der mittlerweile als klassisch geltenden Filme<br />
der europäischen Avantgarde gesehen haben, ist es sinnvoll, exemplarische Werke aus dieser<br />
Tradition einer gründlichen Analyse zu unterziehen, um sie aus ihrem jeweiligen Kontext heraus<br />
19
zu verstehen. Das soll in diesem Seminar geschehen. Das Spektrum der zu diskutierenden Filme<br />
reicht von den abstrakten Animationsfilmen vom Anfang der Zwanziger Jahre über die<br />
filmischen Versuche des Surrealismus bis hin zu Beispielen für den Avantgardefilm der Sechziger<br />
Jahre. Filme, die in den USA entstanden, werden dabei nicht berücksichtigt, weil sie bereits im<br />
letzten Wintersemester Gegenstand eines Seminars waren. Wer ein Referat übernehmen möchte,<br />
sollte sich in die Liste eintragen, die ab Mitte Februar auf dem Gang in der Nähe der<br />
Seminarräume 150 und 151 aushängt. Für die einzelnen Sitzungen sind folgende Themen geplant:<br />
8. April Einführung (kein Referat)<br />
15. April Filme von W.Ruttmann, O.Fischinger, V.Eggeling und H.Richter, 1921-25<br />
22. April Man Ray: Retour à la raison, Emak Bakia und L’Étoile de mer, 1923-28<br />
29. April Fernand Léger: Ballet mécanique, 1924<br />
6. Mai Joris Ivens: De Brug und Regen, 1928-29<br />
13. Mai Luis Buñuel und Salvador Dalí: Un Chien Andalou, 1929<br />
20. Mai (Pfingsten)<br />
27. Mai Dziga Vertov: Chelovek s kinoapparatom, 1929<br />
3. Juni Kenneth Macpherson: Borderline, 1930<br />
10. Juni Jean Cocteau: Le sang d'un poète, 1930<br />
17. Juni Jean Genet: Un Chant d'Amour, 1950<br />
24. Juni (entfällt wegen einer Prüfungsverpflichtung)<br />
1. Juli Samuel Beckett: Film, 1965<br />
8. Juli Abschlussdiskussion (kein Referat)<br />
Bemerkungen:<br />
Für Gast- und Nebenhörerinnen und Gast- und Nebenhörer geeignet.<br />
Für Fortgeschrittene.<br />
Information für ERASMUS- und Austauschstudierende: maximal 3 ECTS.<br />
Information for ERASMUS and other exchange students: maximum 3 ECTS credits.<br />
Prof. Dr. Karlheinz Lüdeking, Dr. Margarete Vöhringer<br />
Hauptseminar: Künstliche Menschen<br />
Veranstaltungsnummer: 1100260<br />
Di., 10-12 Uhr, wöchentlich, 09.04.<strong>2013</strong> bis 09.07.<strong>2013</strong> - Ha33 - 150<br />
SWS 2<br />
Beginn: 09.04.<strong>2013</strong><br />
Naturwissenschaftler benutzen seit etwa einem Jahrzehnt den Begriff „Anthropozän“, um zu<br />
verdeutlichen, dass wir in eine neue erdgeschichtliche Epoche eingetreten sind: das Zeitalter einer<br />
von menschlichen Eingriffen geprägten Natur. Hierbei wird auch der Mensch selbst zunehmend<br />
zu einem Konstrukt. Angesichts dessen beschäftigt sich das Seminar mit der Geschichte der<br />
künstlichen Menschen. Schon seit der Antike entwarf jede Zeit ihre künstlichen Menschen, und<br />
sie alle versprachen die Möglichkeit einer geistigen und physischen Vervollkommnung, sei es<br />
mithilfe wissenschaftlicher, ökonomischer, sozialer oder technischer Novitäten. Das Seminar<br />
wird im Blick auf die verschiedenen Visionen von künstlichen Menschen in den Wissenschaften,<br />
der Philosophie und den verschiedenen Künsten die Versprechungen und Grenzen moderner<br />
Anthropotechniken diskutieren. Die Beispiele reichen vom Prometheus-Mythos und literarischen<br />
Figuren wie Frankenstein über Le Corbusiers Modulor und den Cyborgs und Avataren des<br />
Computerzeitalters bis hin zu den aktuellen Errungenschaften der Prothetik und der<br />
Reproduktionsmedizin. Zur Vorbereitung eignen sich besonders zwei Bücher: Der Neue Mensch.<br />
20
Obsessionen des 20. Jahrhunderts, hrsg. von N.Lepp, M.Roth, K.Vogel, Ostfildern-Ruit 1999, und<br />
Künstliche Menschen. Manische Maschinen. Kontrollierte Körper, hrsg. von R.Aurich, W.Jacobsen,<br />
G.Jatho, Berlin 2000. Wer ein Referat übernehmen möchte, sollte sich in die Liste eintragen, die<br />
ab Mitte Februar auf dem Gang in der Nähe der Seminarräume 150 und 151 aushängt. Für die<br />
einzelnen Sitzungen sind folgende Themen geplant:<br />
9. April Einführung (kein Referat)<br />
16. April Menschen aus Lehm<br />
23. April Pygmalion und seine „Elfenbeinjungfrau“<br />
30. April Frankensteins Monster<br />
7. Mai Puppen und Automaten<br />
14. Mai Die falsche Maria in Fritz Langs Film Metropolis (1927)<br />
21. Mai Roboter<br />
28. Mai Wie erkennt man Replikanten?<br />
4. Juni Erschaffung „neuer Menschen“ durch Psychotechniken<br />
11. Juni Der Mensch nach Maß in der Architektur<br />
18. Juni Körper, die zu Cyborgs aufgerüstet werden<br />
25. Juni Menschenzüchtung, Gentechnik, Reproduktionsmedizin<br />
2. Juli Digitale Menschen<br />
9. Juli Abschlussdiskussion (kein Referat)<br />
Bemerkungen:<br />
Für Gast- und NebenhörerInnen geeignet.<br />
Für Fortgeschrittene.<br />
Information für ERASMUS- und Austauschstudierende: maximal 3 ECTS.<br />
Information for ERASMUS and other exchange students: maximum 3 ECTS credits.<br />
Prof. Dr. Karlheinz Lüdeking<br />
Hauptseminar: Walter Benjamin: Texte zu Malerei, Fotografie und Film<br />
Veranstaltungsnummer: 1100261<br />
Di., 14-16 Uhr, wöchentlich, 09.04.<strong>2013</strong> bis 09.07.<strong>2013</strong> - Ha33 - 150<br />
SWS 2<br />
Beginn: 09.04.<strong>2013</strong><br />
In diesem Seminar soll Benjamins bekanntester Aufsatz „Das Kunstwerk im Zeitalter seiner<br />
technischen Reproduzierbarkeit“ einmal nicht der primäre Fokus der Überlegungen sein.<br />
Stattdessen werden wir uns zunächst mit zwei kurzen Notizen beschäftigen, die Benjamin bereits<br />
als fünfundzwanzigjähriger Student niederschrieb: „Malerei und Graphik“ sowie „Über die<br />
Malerei oder Zeichen und Mal“. Daran anschließend werden verschiedene Texte aus den<br />
Zwanziger Jahren besprochen, wie etwa „Vereidigter Bücherrevisor“ aus der Einbahnstaße und<br />
„Der Sürrealismus“. Daraufhin soll die „Kleine Geschichte der Photographie“ zusammen mit<br />
zwei programmatischen Traktaten der Bauhaus-Mitglieder László Moholy-Nagy und Ernö Kállai<br />
gelesen werden, um die so Lektüre des Kunstwerk-Aufsatzes vorzubereiten, die dann wesentlich<br />
leichter fallen dürfte als ohne diese Kontextualisierung. Im Verlauf des Seminars können auch<br />
Notizen aus dem Passagenwerk herangezogen werden, zum Beispiel die Bemerkungen über das<br />
„Verhältnis von Allegorie und Ware“. Damit alle, die am Seminar teilnehmen, mit derselben<br />
Textgrundlage arbeiten können, ist es unabdingbar, das Taschenbuch aus der edition suhrkamp mit<br />
dem Titel Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit - Drei Studien zur<br />
Kunstsoziologie anzuschaffen, das 7,50 Euro kostet und neben dem Kunstwerk-Aufsatz auch die<br />
21
Aufsätze „Kleine Geschichte der Photographie“ und „Eduard Fuchs, der Sammler und der<br />
Historiker“ enthält. Ansonsten werden Fotokopien der zu besprechenden Texte verteilt. Da in<br />
diesem Seminar keine Referate gehalten werden, besteht auch keine Möglichkeit, einen<br />
Leistungsnachweis zu erwerben.<br />
Bemerkungen:<br />
Für Gast- und NebenhörerInnen geeignet.<br />
Für Fortgeschrittene.<br />
Information für ERASMUS- und Austauschstudierende: maximal 3 ECTS.<br />
Information for ERASMUS and other exchange students: maximum 3 ECTS credits.<br />
Prof. Dr. Karlheinz Lüdeking<br />
Kolloquium: Besprechung kunstwissenschaftlicher Arbeitsvorhaben<br />
Veranstaltungsnummer: 1100262<br />
Di. 13-14 Uhr, wöchentlich, 09.04.<strong>2013</strong> bis 09.07.<strong>2013</strong> - Ha33 - 149<br />
SWS 1<br />
Beginn: 09.04.<strong>2013</strong><br />
Fiona McGovern<br />
Hauptseminar: Die Ausstellung als künstlerisches Medium<br />
Veranstaltungsnummer: 1100291<br />
Fr, 12-14 Uhr, wöchentlich, 12.04.<strong>2013</strong> bis 12.07.<strong>2013</strong> – Ha33 - 151<br />
SWS 2<br />
Maximale Teilnehmer: 20<br />
Beginn: 12.04.<strong>2013</strong><br />
Die Ausstellung ist im Laufe des 20. Jahrhunderts zu dem zentralen Format innerhalb des<br />
Kunstfeldes aufgestiegen. Sie ist der Ort, an denen unter der Regie des Kurators Kunstwerke<br />
einer Öffentlichkeit präsentiert und von ihr rezipiert werden. Sie bietet den Ausgangspunkt für<br />
Kunstkritik und trägt vor allem über die begleiteten Kataloge häufig selbst zur<br />
Kunstgeschichtsschreibung bei. Im Fokus dieses Seminars stehen neben der Diskussion der<br />
Spezifika unterschiedlicher Ausstellungsformate, ihrer Displays und den hierin involvierten<br />
Handlungsschritten vor allem der künstlerische Umgang mit diesen Formaten im Laufe des 20.<br />
Jahrhunderts bis hin zur aktuellen Situation. Was heißt es, wenn eine Ausstellung selbst zum<br />
Kunstwerk wird und inwiefern verändern sich die Rezeptions- und Produktionsbedingungen,<br />
wenn ein Künstler kuratorisch tätig wird? Im Zusammenhang mit diesen Fragen sollen Aspekte<br />
der sogenannten Institutionskritik und des Verhältnisses von künstlerischem und kuratorischem<br />
Handeln ebenso wie die medialen Spezifika und unterschiedlichen Erfahrungsmodalitäten von<br />
künstlerischen Ausstellungsdisplays diskutiert werden.<br />
Bemerkung:<br />
Für Gast- und NebenhörerInnen geeignet.<br />
Information für ERASMUS- und Austauschstudierende: maximal 3 ECTS.<br />
Information for ERASMUS and other exchange students: maximum 3 ECTS credits.<br />
22
Dr. Kassandra Nakas<br />
Seminar: Broodthaers u.a.<br />
Veranstaltungsnummer: 1100270<br />
Di, 12-14 Uhr, wöchentlich, 09.04.<strong>2013</strong> bis 09.07.<strong>2013</strong> – Ha33 - 150<br />
SWS 2<br />
Beginn: 09.04.<strong>2013</strong><br />
Marcel Broodthaers (1924-1976) ist heute ein noch immer höchst präsenter Vertreter der Kunst<br />
der 1960er und 1970er Jahre. Seine ikonischen Objekte und Installationen finden sich in<br />
Überblickswerken zur Kunst nach 1945, ohne dass sein Schaffen einer der vorherrschenden<br />
Kunstströmungen der Zeit klar zuzuordnen wäre. Mehrere kunstwissenschaftliche Monografien<br />
haben jüngst Broodthaers‘ Werk einerseits stärker in den künstlerischen und gesellschaftlichen<br />
Kontexten seiner Zeit verortet und andererseits detaillierte Analysen einiger seiner Werke<br />
geliefert, die ihrerseits oft in komplexer Weise auf das Schaffen anderer Künstler bzw. vor allem<br />
Literaten verweisen. Schließlich war auch Broodthaers‘ eigene Wirkung auf eine jüngere<br />
Generation vor drei Jahren Thema einer Ausstellung in Düsseldorf, die Werke von so<br />
unterschiedlichen Künstlerinnen und Künstlern wie Tacita Dean, Cerith Wyn Evans und Rirkrit<br />
Tiravanija präsentierte. Das Seminar nimmt das vielschichtige und oftmals rätselhafte Werk des<br />
belgischen Künstlers zum Ausgangspunkt einer – auch über seine eigenen Arbeiten<br />
hinausreichenden – Untersuchung ästhetischer und konzeptueller, bildlicher und begrifflicher<br />
Aneignungen und Transformationen von Ideen, Begriffen, Bildern und Objekten. Unter einigen<br />
leitmotivisch vorangestellten Begriffen („Das Museum“; „Die Objekte“; „Bild und Sprache“ u.a.)<br />
sollen Broodthaers‘ eigene sowie Werke seiner und unserer Zeitgenossen vorgestellt und<br />
diskutiert werden, wie mittels ihrer die Funktion von Kunst und die Rolle des Museums, das<br />
Verhältnis von Bild und Sprache, von bildlichem und dichterischem Ausdruck u.ä. reflektiert<br />
werden.<br />
Die Teilnehmerinnen und Teilnehmer des Seminars sollten Interesse haben, sich eingehend mit<br />
einer literaturaffinen Künstlerpersönlichkeit auseinanderzusetzen, von deren Werk ausgehend<br />
weitere heterogene Themenkomplexe erarbeitet werden. Auch die Bereitschaft zur Lektüre<br />
literarischer Quellen sowie englischsprachiger kunstwissenschaftlicher Literatur wird<br />
vorausgesetzt.<br />
Voraussetzung für einen Leistungsnachweis ist ansonsten die regelmäßige Teilnahme sowie die<br />
Übernahme eines ca. 45-minütigen Referats mit schriftlicher Ausarbeitung. Voraussetzung für<br />
eine Teilnahmebescheinigung ist die regelmäßige Teilnahme sowie die Übernahme eines ca. 20-<br />
minütigen Kurzreferats (ohne schriftliche Ausarbeitung).<br />
Literatur zur Einführung:<br />
Folie, Sabine (Hg.): Un coup de dés: Bild gewordene Schrift. Ein ABC der nachdenklichen<br />
Sprache. Kat. Ausst. Generali Foundation, Wien, 19.9.-23.11.2008. Köln: König 2008.<br />
Haidu, Rachel: The absence of work: Marcel Broodthaers 1964-1976. Cambridge, Mass. u.a.: MIT<br />
Press 2010.<br />
Hildebrand-Schat, Viola: Literarische Aneignung und künstlerische Transformation. Zur<br />
Literaturrezeption im Werk von Marcel Broodthaers. München: Schreiber 2012.<br />
Jansen, Gregor (Hg.): Von realer Gegenwart: Marcel Broodthaers heute. Kat. Ausst. Kunsthalle<br />
Düsseldorf und Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, 11.9.2010-16.1.2011. Köln:<br />
König 2010.<br />
König, Susanne: Marcel Broodthaers: Musée d'Art Moderne, Département des Aigles. Berlin:<br />
Reimer 2012.<br />
Metz, Petra: Aneignung und Relektüre: Text-Bild-Metamorphosen im Werk von Marcel<br />
Broodthaers. München: Schreiber 2007.<br />
23
Schultz, Deborah: Marcel Broodthaers: Strategy and Dialogue. Oxford u.a.: Lang 2007.<br />
Bemerkung: fkü.<br />
Für Gast- und Nebenhörerinnen und Gast- und Nebenhörer geeignet.<br />
Information für ERASMUS- und Austauschstudierende: maximal 3 ECTS.<br />
Information for ERASMUS and other exchange students: maximum 3 ECTS credits.<br />
Dr. Hans-Joachim Petersen<br />
Proseminar: Wols und die Kunst in Paris nach 1945<br />
Veranstaltungsnummer: 1100286<br />
Di. 11-13 Uhr, wöchentlich, 09.04.<strong>2013</strong> bis 09.07.<strong>2013</strong> - Ha33 - 004<br />
findet nicht am 28.5. und 11.6. statt. Am 9. April und 9. Juli mit Auftakt- und<br />
Abschlussdiskussion bis jeweils 16 Uhr.<br />
SWS 2<br />
Beginn: 09.04.<strong>2013</strong><br />
Nach dem Ende des Zweiten Weltkrieges 1945 und der Documenta II 1959 erlebt die Stadt Paris<br />
eine sehr vitale Künstlerszene von der Impulse ausgehen, die die Entwicklung der Kunst im 20.<br />
Jahrhundert entscheidend beeinflussen. Eine der zentralen Künstler war Wolfgang Alfred Otto<br />
Schulze, genannt Wols, - dessen 100. Geburtstag <strong>2013</strong> mit Ausstellungen in Bremen, Wiesbaden<br />
und Dresden gewürdigt wird -, der 1947 vierzig Gemälde im abstrakten Stil in Paris ausstellte und<br />
damit das Genre des französischen „Informel“ und der Abstraktion als Weltsprache begründete.<br />
Im Seminar werden die wichtigsten Künstler um1945 inder Kunsthauptstadt Europas mit ihrem<br />
Beziehungsgeflecht vorgestellt. Am Beispiel von Giacometti, Dubuffet, Fautrier, Hartung und<br />
vor allem Wols oder Künstlergruppen wie der „Ecole de Paris“ wird die Entwicklung der Neuen<br />
Kunst nach 1945 dargestellt und ihre künstlerische Praxis analysiert, wobei das „Prinzip der<br />
Formlosigkeit“ zwischen Form- und Nicht-Form konstituierend ist. Zudem wird die Wirkung<br />
dieser „Neuen Kunst“ (Informel, Art Brut) auf den Anfang der 50er Jahre in den USA<br />
aufkommenden „Abstrakten Expressionismus“ untersucht, der dann 1959 auf der Documenta II<br />
und der Biennale in Venedig gezeigt wird und die Epoche der französischen Avantgardekunst aus<br />
Paris beendet.<br />
Für die einzelnen Sitzungen sind folgende Themen geplant:<br />
9. April: Einführung und Referatsvergabe<br />
16. April Die Kunstszene in Paris um 1945 : Einführung ins Thema.<br />
23. April Kandinsky, Monet und der Surrealismus: Die Väter der Lyrische Abstraktion.<br />
30. April Die Ecole de Paris: Alfred Manessier, Jean Riopelle etc.<br />
7. Mai Der Galerist René Drouin. Seine Rolle und seine Künstler: Roger Bissière, Wols, Fautrier,<br />
Dubuffet.<br />
14. Mai Die Künstler Pierre Soulages, Georges Mathieu, Dubuffet, Fautrier.<br />
21. Mai Das Problem informeller Skulpturen: Giacometti, Brancusi.<br />
4. Juni Wols und Pollock. Lyrische Abstraktion und Action Painting.<br />
18. Juni Die Ausstellung von Michel Tapié im Studio Paul Facchetti 1951. Pollock in Paris.<br />
25. Juni Auswirkungen auf das deutsche Informel: Baumeister, Nay, Götz, Schultze etc.<br />
2. Juli Die Documenta II 1959: Informel oder Abstrakter Expressionismus.<br />
9. Juli Informel und die Folgen für die künstlerische Praxis: Geschichte und Gegenwart. Sowie<br />
Abschlussdiskussion des Seminars: 11 bis 16 Uhr.<br />
Literatur zur Einführung:<br />
24
- Ausstellungskatalog: Paris-Paris 1937-1957. Malerei, Graphik, Skulptur, Film, Theater,<br />
Literatur, Architektur, Design, Photographie, Prestel Verlag, München 1981.<br />
- Eugen Thiemann:1980, Informel: Götz, Schultze, Hoehme (Ausstellungskatalog, Museum am<br />
Ostwall, Dortmund), S.5f.„Informel ist innerhalb des 20. Jahrhunderts die Phase II der<br />
malerischen Abstraktion. Informel hat das Testament Kandinskys vollstreckt, ist jedoch nicht<br />
sein Epigone geworden. Informel wurde seine Metamorphose.“<br />
- Martin Schieder: Im Blick des anderen: Die deutsch-französischen Kunstbeziehungen 1945-<br />
1959, Oldenburg 2005.<br />
- Hans-Joachim Petersen: Wols. Die Aphorismen, Verlag Schirmer&Mosel, München 2010.<br />
- Ausstellungskatalog: Le grand geste!: Informel und Abstrakter Expressionismus 1946-1964,<br />
Museum Kunstpalast, Düsseldorf 2010.<br />
- Rolf Wedewer: Die Malerei des Informel: Weltverlust und Ich-Behauptung, Deutscher<br />
Kunstverlag, München 2007.<br />
Bemerkung:<br />
Für Gast- und Nebenhörerinnen und Gast- und Nebenhörer geeignet.<br />
Information für ERASMUS- und Austauschstudierende: maximal 3 ECTS.<br />
Information for ERASMUS and other exchange students: maximum 3 ECTS credits.<br />
Dr. Johannes Rößler<br />
Proseminar: Streitbilder - Kunstwerke und ihre Kritiker 1750 bis 1950<br />
Veranstaltungsnummer: 1100287<br />
Mo, 10-12 Uhr, wöchentlich, 08.04.<strong>2013</strong> bis 08.07.<strong>2013</strong> - Ha33 - 004<br />
SWS 2<br />
Beginn: 08.04.<strong>2013</strong><br />
Warum können Bilder starke Ablehnung provozieren und sind dennoch erfolgreich? Dass<br />
Zeitgenossen oft spätere „Klassiker“ der Kunstgeschichte verkennen und ablehnen, zeigen nicht<br />
allein die Einzelschicksale so unterschiedlicher Künstler wie Caspar David Friedrich oder Vincent<br />
van Gogh, das Grundmuster gehört vielmehr zu den wesentlichen Merkmalen von fast jeder<br />
Kunst, die später als „innovativ“ oder „modern“ bezeichnet wird. Mehr noch: Die polemische<br />
Auseinandersetzung mit Kunstwerken kann auch das erste Signal zur Formulierung neuer<br />
Erkenntnisse sein, wie eine ablehnende Rezension zu Claude Monet aus dem Jahr 1874 zeigt, die<br />
ganz beiläufig den Stilbegriff des „Impressionismus“ erfand. Das Seminar fragt anhand von<br />
ausgewählten Kunstwerken und kritischen Texten nach den Vorgehensweisen der Gegner von<br />
Kunstwerken. Neben der Aufdeckung der Strategien polemischer Bildbetrachtung und der<br />
ideologischen Hintergründe wird die Frage gestellt, welchen Anteil der „Verriss“ an der<br />
Erkenntnis über die Neuartigkeit eines Werks hat. Anders formuliert: Welche Qualitäten eines<br />
Bildes können gerade in seiner Ablehnung zum Vorschein kommen?<br />
Aus dem Programm: Diderot und die Kunstkritik der Salons in Frankreich; Der Streit um Caspar<br />
David Friedrichs Teschener Altar (1808); Ruskin versus Whistler: Die (un)artige Kunst, sich<br />
Feinde zu machen; Künstler als Wahnsinnige: Strategien der Pathologisierung; Max Nordau:<br />
Vermittler und Gegner (um 1890); Julius Meier-Graefe, Der Fall Böcklin (1905); Die<br />
impressionistische Kritik am Expressionismus (um 1920); Konservativ oder reaktionär? – Hans<br />
Sedlmayr, Verlust der Mitte (1948).<br />
25
Literatur in Auswahl:<br />
Streit / Conflict. In: Texte zur Kunst 22 (2012), Heft 87, September 2012.<br />
Albert Dresdner: Die Entstehung der Kunstkritik im Zusammenhang der Geschichte des<br />
europäischen Kunstlebens, München 1968.<br />
Peter Paret: Die Berliner Secession. Moderne Kunst und ihre Feinde im Kaiserlichen<br />
Deutschland, Berlin 1981<br />
Bemerkung:<br />
Für Gast- und Nebenhörerinnen und Gast- und Nebenhörer geeignet.<br />
Information für ERASMUS- und Austauschstudierende: maximal 3 ECTS.<br />
Information for ERASMUS and other exchange students: maximum 3 ECTS credits.<br />
Dr. Ursula Ströbele<br />
Proseminar: RAUMfragen. Konzepte des Raums in Kunsttheorie und Philosophie<br />
Veranstaltungsnummer: 1100271<br />
Do., 10-12 Uhr, wöchentlich, 11.04.<strong>2013</strong> bis 11.07.<strong>2013</strong> - Ha33 - 150<br />
SWS 2<br />
Beginn: 11.04.<strong>2013</strong><br />
Raum – ein Begriff, der jedem von uns vertraut ist, mit dem wir täglich in verschiedensten<br />
Formen konfrontiert werden und dessen heterogene Ausprägungen eine Bandbreite an Theorien<br />
seit der Antike sprachlich zu fassen zu sucht, steht im Zentrum dieses Lektüre-Seminars. Die<br />
komplexe Begriffsgeschichte changiert dabei zwischen diffusen Alltagsvorstellungen von Welt-,<br />
Wohn-, Kultur- und sozial-öffentlichem Raum, Gedanken- und mentalem Reflexionsraum sowie<br />
dem aus Schulgeometrie und Physik bekannten Raum als Behälter und Gefäß. Für die Künste<br />
stellt er bekannterweise ein entscheidendes Instrumentarium dar: in der Öffnung illusionistischer<br />
Bildräume mittels der Zentralperspektive, der Konstruktion von architektonischen Orten und<br />
damit der Strukturierung des Innen- und Außenraums sowie der plastisch-dreidimensionalen,<br />
raumbesetzenden und -gestaltenden Form skulpturaler Objekte. Erst seit der zweiten Hälfte des<br />
19. Jahrhunderts findet zunehmend eine terminologische Ausweitung in Wissenschaftsgebiete wie<br />
Kunstgeschichte, Psychologie, Soziologie und Ethnologie statt. Durch die Abkehr vom<br />
neuzeitlichen „Containerraum“ und dem Primat der Euklidischen Geometrie werden neue<br />
Raumhypothesen geboren, die dessen Relationalität und Abhängigkeit von unterschiedlichen<br />
Zeit- und Ortbindungen betonen. Raum besitzt fortan nicht mehr den Status eines präexistenten<br />
Apriori, einer homogenen, messbaren Anschauungsform, sondern weist vielfältige, veränderbare<br />
Merkmale auf.<br />
Ausgehend von diesen kaleidoskophaft zersplitterten Raumkonzepten werden im Seminar<br />
exemplarisch ausgewählte Texte gemeinsam erarbeitet und in Diskussionen analysiert. Der Fokus<br />
liegt auf grundlegenden Basisschriften, die einen Einblick in das umfassende Themenspektrum<br />
ermöglichen. Spezifische Vorkenntnisse sind nicht erforderlich. Die Besprechung des<br />
Seminarprogramms und die Vergabe von Referaten erfolgen in der Einführungsveranstaltung.<br />
Einführende Literatur:<br />
Augé, Marc, Nicht-Orte, München 2012.<br />
Bachelard, Gaston, Poetik des Raumes, Frankfurt a.M. 2011.<br />
Badt, Kurt, Raumphantasien und Raumillusionen. Wesen der Plastik, Köln 1963.<br />
Boehm, Gottfried, Das spezifische Gewicht des Raumes. Temporalität und Skulptur, in: Angela<br />
Lammert et al. (Hg.), Topos Raum. Die Aktualität des Raumes in den Künsten der Gegenwart,<br />
Nürnberg 2005, S.31-41.<br />
26
Boehm, Gottfried, Plastik und plastischer Raum, in: Gundolf Winter / Jens Schröter / Johanna<br />
Barck (Hg.), Das Raumbild. Bilder jenseits ihrer Flächen, München [u.a.] 2009, S.21-46.<br />
Dünne, Jörg / Günzel, Stephan (Hg.), Raumtheorie. Grundlagentexte aus Philosophie und<br />
Kulturwissenschaften, Frankfurt a.M. 2006.<br />
Günzel, Stephan (Hg.), Raum. Ein interdisziplinäres Handbuch, Stuttgart [u.a.] 2010.<br />
Heidegger, Martin, Die Kunst und der Raum, Frankfurt a.M. 2007.<br />
Merleau-Ponty, Maurice, Phänomenologie der Wahrnehmung, Berlin 1976.<br />
Morris, Robert, Das Präsens des Raums (1978), in: Susanne Titz / Clemens Krümmel (Hg.),<br />
Bemerkungen zur Skulptur. Zwölf Texte, Dijon & Zürich 2010, S.117-142.<br />
Ott, Michaela, Raum, in: Ästhetische Grundbegriffe. Historisches Wörterbuch in sieben Bänden,<br />
Bd. 5. Stuttgart / Weimar 2003, S. 113-149<br />
Bemerkung:<br />
Für Gast- und Nebenhörerinnen und Gast- und Nebenhörer geeignet.<br />
Information für ERASMUS- und Austauschstudierende: maximal 3 ECTS.<br />
Information for ERASMUS and other exchange students: maximum 3 ECTS credits.<br />
Dr. Ursula Ströbele<br />
Proseminar: Moderne und zeitgenössische Skulptur in Berlin - Übung vor den Originalen<br />
Veranstaltungsnummer: 1100272<br />
Do., 12-14 Uhr, Einzel: am 11.04.<strong>2013</strong> - Ha33 - 150 (Einführungstermin.<br />
Weitere Termine (Wochenend- und Blocktermine) werden bei der Einführung bekannt<br />
gegeben.)<br />
SWS 2<br />
Beginn: 11.04.<strong>2013</strong><br />
Die als Übung vor Originalen angelegte Veranstaltung widmet sich der modernen und<br />
zeitgenössischen Skulptur. Geplant sind drei ganztägige Exkursionen (jeweils am Samstag oder<br />
Sonntag) in den Martin-Gropius-Bau, das Georg-Kolbe Museum, die Daimler Kunstsammlung<br />
am Potsdamer Platz (Haus Huth) und zum Kulturforum.<br />
Am 18. Mai eröffnet im Martin-Gropius Bau eine Ausstellung des in London lebenden Künstlers<br />
Anish Kapoor, die eine große Bandbreite seiner vielfältigen, raumumfassenden Werke vereint.<br />
Das Georg-Kolbe Museum zeigt ab 22. Juni eine Ausstellung zur Farbe als skulpturalem Thema<br />
mit dem Titel „Farbe Raum Farbe“. Neben teils ortsspezifisch konzipierten Farbinstallationen<br />
von Angela Dwyer, Friederike Feldmann, Christine Rusche, Elisabeth Sonneck, Rainer Splitt,<br />
Nicola Stäglich, Esther Stocker und Klaus Martin Treder werden Farbobjekte ausgestellt, die frei<br />
im Museum platziert sind und ohne einen klassischen Trägergrund allein aus der Materialität der<br />
Farbe heraus ihren eigenen Raum bilden.<br />
Die Daimler Kunstsammlung stellt ab 19. April in ihrer Schau „Conceptual Tendencies 1960s to<br />
Today II. Body, Space, Volume“ Künstler der Concept Art der 1960/70er Jahre, darunter Sol Le<br />
Witt, Brian O’Doherty, Kazuko Miyamoto und Fred Sandback, jüngeren Positionen, u.a. Leonor<br />
Antunes, Wolfgang Berkowski, Sandra Peters und Nathalie Stachon gegenüber.<br />
Am Kulturforum in direkter Nachbarschaft zur Neuen Nationalgalerie, Staatsbibliothek und<br />
Philharmonie befinden sich einige Skulpturen, wie Barnett Newmans „Broken Obelisk“, Richard<br />
Serras „Berlin Junction“ und Ulrich Rückriems „Steinskulptur“.<br />
Im Zentrum stehen einzelne Werkanalysen vor Ort und die Diskussion gattungsspezifischer<br />
Fragestellungen, die für eine Annäherung an das Medium Skulptur entscheidend sind. Besondere<br />
Vorkenntnisse sind nicht erforderlich. Die Vergabe von Referaten erfolgt in der<br />
Einführungsveranstaltung.<br />
27
Einführende Literatur:<br />
Anfam, David (Hg.), Anish Kapoor, London 2009.<br />
Bhabha, Homi K. (Hg.), Anish Kapoor, Paris 2011.<br />
Buchloh, Benjamin H.D, Michael Asher and the conclusion of modernist sculpture, in: ders.,<br />
Neo-Avantgarde and culture industry, Cambridge, Mass. 2000, S.1-39.<br />
Buchloh, Benjamin H.D., Die Konstruktion (der Geschichte) der Skulptur; in: Klaus Bußmann<br />
(Hg.), Skulptur Projekte Münster, Ausstellungskatalog Köln 1987, S.329-353.<br />
Conceptual Tendencies 1960s to Today II. Body, Space, Volume, Berlin, <strong>2013</strong> (= Katalog<br />
erscheint zur Ausstellung in der Daimler Kunstsammlung).<br />
Giedion-Welcker, Carola, Plastik des XX. Jahrhunderts. Volumen und Raumgestaltung, Zürich<br />
1955.<br />
Hantelmann, Dorothea von, How to do things with art. Zur Bedeutsamkeit der Performativität<br />
von Kunst, Zürich [u.a.] 2007.<br />
Kluxen, Andrea M., Plastisches Sehen. Von Johann Gottfried Herder bis Adolf von Hildebrand,<br />
in: dies. (Hg.), Ästhetische Probleme der Plastik im 19. und 20. Jahrhundert, Nürnberg 2001.<br />
Krauss, Rosalind, Passages in Modern Sculpture, Cambridge, Mass. & London 1981.<br />
Krauss, Rosalind E., Skulptur im erweiterten Feld, in: dies., Die Originalität der Avantgarde und<br />
andere Mythen der Moderne. Amsterdam/Dresden 2000, S. 331-346.<br />
Potts, Alex, The Sculptural Imagination. Figurative, Modernist, Minimalist, New Haven &<br />
London 2000.<br />
Schreier, Christoph, Plastik als Raumkunst. Zum Verhältnis von Architektur und Plastik als<br />
raumgestaltenden Künsten, in: Klaus Bußmann (Hr.), Skulptur Projekte Münster,<br />
Ausstellungskatalog Münster, Köln 1987, S.318-328.<br />
Stemmrich, Gregor (Hg.), Minimal Art. Eine kritische Retrospektive, Basel & Dresden 1995.<br />
Trier, Eduard, Figur und Raum. Die Skulptur des XX. Jahrhunderts, Berlin 1960.<br />
Winter, Gundolf / Schröter, Jens / Spies, Christian (Hg.), Skulptur - zwischen Realität und<br />
Virtualität, München 2006.<br />
http://www.bildhauerei-in-berlin.de<br />
http://www.sammlung.daimler.com/contemporary/13_03_concept2/concept2_index_g.htm<br />
http://www.georg-kolbe-museum.de<br />
http://www.berlinerfestspiele.de/de/aktuell/festivals/gropiusbau/programm_mgb/mgb13_kap<br />
oor/ausstellung_kapoor/veranstaltungsdetail_56920.php<br />
Bemerkung:<br />
Für Gast- und Nebenhörerinnen und Gast- und Nebenhörer geeignet.<br />
Information für ERASMUS- und Austauschstudierende: maximal 3 ECTS.<br />
Information for ERASMUS and other exchange students: maximum 3 ECTS credits.<br />
Veronika Tocha<br />
Proseminar: FotoSkulptur<br />
Veranstaltungsnummer: 1100288<br />
Mi, 10-12 Uhr, wöchentlich, 10.04.<strong>2013</strong> bis 10.07.<strong>2013</strong> - Ha33 - 151<br />
SWS 2<br />
Beginn: 10.04.<strong>2013</strong><br />
Die Liaison zwischen Fotografie und Skulptur ist so alt wie das fotografische Medium selbst:<br />
bereits kurz nach dessen „Erfindung“ im Jahr 1839 rückten Gipsabdrücke, Statuetten, Büsten,<br />
Bauplastiken und Monumente auf der ganzen Welt in den Fokus der Fotopioniere. Im Laufe<br />
28
ihrer mittlerweile über 170-jährigen Geschichte hat nun diese Liaison verschiedenartigste Formen<br />
angenommen. So haben sich nicht nur die Fotografen in vielfältiger Weise der Skulptur bedient,<br />
sondern wurde auch die Fotografie zunehmend zum Werkzeug der Bildhauer, Objekt- und<br />
Installationskünstler, mit dem es den Raum zu erobern und die räumlich-plastische Arbeit<br />
fundamental zu erneuern galt. Vor diesem Hintergrund wäre mit Régis Durand zurecht von einer<br />
„verschwommenen Beziehung“, zugleich aber auch von einer äußerst fruchtbaren Allianz zu<br />
sprechen. Den Nebel zu lichten und dieses Potenzial freizulegen ist Ziel des Seminars. Sowohl<br />
die einschlägigen Eckpunkte der Fotogeschichte, als auch die im Zeichen des „Fotografischen“<br />
stehende Auflösung bzw. Neukonstituierung des Skulpturenbegriffs sollen dabei nachgezeichnet<br />
werden.<br />
In den Blick nehmen werden wir historische und zeitgenössische künstlerische Positionen, die in<br />
ihrer Gesamtheit das Wechselverhältnis zwischen Fotografie und Skulptur spannungsreich<br />
illustrieren – so etwa die frühe reproduzierende Fotografie der Skulptur (z.B. bei Talbot, Atget),<br />
die allmählich als „künstlerisch“ begriffenen Bildhauerfotografien der Moderne (z.B. bei Rodin,<br />
Brancusi, Rosso), die über den fotografischen Akt erwirkten Transformationen natürlicher und<br />
alltäglicher Objekte in Quasi-Skulpturen oder auch „unfreiwillige Skulpturen“ (z.B. bei Blossfeldt,<br />
Brassaï, Szapocznikow, Neuenschwander, Wurm), die Fotoplastiken des Surrealismus (z.B. bei<br />
Moholy-Nagy, Man Ray), die fotografischen Anverwandlungen des Raumes ab den 1960er Jahren<br />
(z.B. bei Nauman, Matta Clark), oder die „gebauten Bilder“ (z.B. bei Kasten, Fischli/Weiss) und<br />
Modellfotografien (z.B. bei Demand, Casebere) der Gegenwartskunst.<br />
Mit Besuch der Ausstellung „Body Pressure. Skulptur seit den 1960er Jahren“, Hamburger<br />
Bahnhof – Museum für Gegenwart Berlin.<br />
Einführende Literatur:<br />
Billeter, Erika (Hg.): Skulptur im Licht der Fotografie. Von Bayard bis Mappelthorpe [Ausst. Kat.<br />
Wilhelm Lehmbruck Museum, Duisburg, Musée d'art et d'histoire, Fribourg und Museum<br />
moderner Kunst Stiftung Ludwig, Wien 1997/1998]. Bern 1997.<br />
Dobbe, Martina: Fotografie als theoretisches Objekt: Bildwissenschaft, Medienästhetik, Kunstgeschichte.<br />
München 2007.<br />
Gülicher, Nina. Inszenierte Skulptur: Auguste Rodin, Medardo Rosso, Constantin Brancusi. München<br />
2011.<br />
Marcoci, Roxana (Hg.): The Original Copy: Photography of Sculpture, 1839 to today [Ausst.Kat.<br />
Museum of Modern Art, New York und Kunsthaus Zürich, 2010/2011]. New York 2010.<br />
Wölfflin, Heinrich: „Wie man Skulpturen aufnehmen soll.“ Teil 1. In: Zeitschrift für bildende Kunst,<br />
N.F., 7/1896. 224-228.<br />
Bemerkung:<br />
Für Gast- und Nebenhörerinnen und Gast- und Nebenhörer geeignet.<br />
Information für ERASMUS- und Austauschstudierende: maximal 3 ECTS.<br />
Information for ERASMUS and other exchange students: maximum 3 ECTS credits.<br />
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ERLÄUTERUNGEN ZUM STUDIUM AM INSTITUT FÜR<br />
KUNSTWISSENSCHAFT UND ÄSTHETIK<br />
DER UDK BERLIN<br />
Wer braucht welche Scheine?<br />
Studierende der Freien Kunst<br />
Der wissenschaftliche Teil des Studiums umfasst das Lehrangebot des Instituts für<br />
Kunstwissenschaft und Ästhetik.<br />
Benötigt werden 5 Scheine im gesamten Studium:<br />
[1 Schein während Grundlehre (1. und 2. Semester) – diese Veranstaltung wird i.d.R. von<br />
einem/r Dozenten/in der Grundlehre geleitet.]<br />
2 unbenotete Scheine (Proseminar-Scheine) im Grundstudium, 2 unbenotete Scheine<br />
(Hauptseminar-Scheine) im Hauptstudium.<br />
Studierende der Freien Kunst müssen für einen (unbenoteten) Schein i.d.R. ein Referat mit<br />
schriftlicher Ausarbeitung erbringen (ca. 10 Seiten im Proseminar, ca. 15 Seiten im<br />
Hauptseminar).<br />
Die Scheine sollten in den Lehrveranstaltungen des Instituts für Kunstwissenschaft und Ästhetik<br />
erworben werden. Bei Vorlage der entsprechenden Arbeiten und in Rücksprache mit den<br />
ProfessorInnen des Instituts können auch Scheine aus Seminaren an anderen Hochschulen<br />
anerkannt werden.<br />
Studierende Bachelor / Master<br />
Analog für BA1 und BA2: Während des Studiums müssen 6 Seminare belegt werden, davon<br />
jeweils 3 im Modul 3 bzw. im Modul 4.<br />
Studium im Modul 3: Kunstwissenschaft Pflicht: Einführung<br />
- Eines der Seminare in Modul 3 muss die im Wintersemester angebotene LV „Einführung in die<br />
Kunstgeschichte“ (Modul 3.1) sein, sie sollte im ersten Studiensemester belegt werden.<br />
- In einem der beiden anderen Seminare in Modul 3 muss ein benoteter Schein (Referat mit ca.<br />
10-seitiger schriftlicher Ausarbeitung) erbracht werden.<br />
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Studium im Modul 4: Kunstwissenschaft Pflicht: Vertiefung<br />
- Das Modul kann frühestens im 3. Fachsemester studiert werden.<br />
- In einem der 3 Seminare in Modul 4 muss ein benoteter Schein (Referat mit ca. 15-seitiger<br />
schriftlicher Ausarbeitung) erbracht werden.<br />
Modulabschlussprüfungen:<br />
Modul 3:<br />
Die Modulabschlussprüfung wird in der Regel am Ende des dritten Semesters abgelegt. Sie<br />
besteht aus einer 15minütigen mündlichen Prüfung und wird benotet. Die Prüfungsinhalte<br />
entstammen der Lehrveranstaltung, (3.2 oder 3.3), in der der/die Studierende keinen benoteten<br />
Schein erbracht hat.<br />
Voraussetzung zur Prüfungsanmeldung ist die erfolgreiche Teilnahme an den drei Seminaren des<br />
Moduls 3; nur in Ausnahmefällen kann der benotete Schein nachgereicht werden.<br />
Zur Prüfungsanmeldung legen Sie dem/r PrüferIn das Modulblatt vor und klären mit ihm/r den<br />
konkreten Prüfungstermin ab. In der Regel finden die Modulabschlussprüfungen von Modul 3 in<br />
der letzten Vorlesungswoche statt, und zwar in dem ‚Zeitfenster’, das für die jeweilige<br />
Veranstaltung, zu der die Prüfung abgelegt wird, vorgesehen ist. Wer jeweils als BeisitzerIn<br />
fungiert, wird unter den DozentInnen des Instituts abgestimmt. Wird die Prüfung bei einem/r<br />
Lehrbeauftragten abgelegt, sollte der/die BeisitzerIn ein/e ProfessorIn des Instituts sein.<br />
Die Modulabschlussprüfung kann einmal wiederholt werden.<br />
Nach Abschluß der Prüfung leitet der/die PrüferIn die Prüfungsunterlagen (Modulblatt und<br />
Protokoll) über die Fakultätsverwaltung (Frau Kotala) an den Prüfungsausschuss weiter, von<br />
dort gehen die Unterlagen an das Prüfungsamt (IPA). Dort wird die Bescheinigung über die<br />
abgelegte Modulabschlußprüfung erstellt und an Sie versendet.<br />
Modul 4:<br />
Das Modul wird mit einer benoteten mündlichen Prüfung oder einer benoteten Klausur<br />
abgeschlossen. Die Prüfungsinhalte sollen ein breites kunstwissenschaftliches Spektrum abdecken<br />
und werden nach Absprache mit den PrüferInnen festgelegt. Für die Prüfung werden 2<br />
Themengebiete vereinbart. In der mündlichen Prüfung werden beide Themengebiete<br />
berücksichtigt (je 15 Minuten pro Teilgebiet), in der Klausur erhält der/die Studierende aus jedem<br />
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Teilgebiet eine konkrete Aufgabe zur Wahl gestellt und bearbeitet dann eine der beiden Aufgaben<br />
innerhalb von 4 Stunden.<br />
Die mündliche Prüfung wird in der Regel durch 2 PrüferInnen abgenommen, die Klausur<br />
dementsprechend in der Regel von 2 PrüferInnen beurteilt. In beiden Fällen muss eine/r der<br />
PrüferInnen eine/r der kunstwissenschaftlichen ProfessorInnen sein.<br />
Voraussetzung zur Prüfungsanmeldung ist die erfolgreiche Teilnahme an den drei Seminaren des<br />
Moduls 4; der benotete Schein muss zur Anmeldung vorliegen.<br />
Zur Prüfungsanmeldung legen Sie zuerst Ihren PrüferInnen die Modulblätter vor, stimmen mit<br />
den PrüferInnen die beiden Themengebiete ab und vereinbaren den Prüfungstermin.<br />
Grundsätzlich ist es innerhalb der Vorlesungszeit jederzeit möglich, die Abschlußprüfung von<br />
Modul 4 abzulegen. Die Notwendigkeit der Terminkoordination verlangt jedoch einen Vorlauf<br />
von mindestens 14 Tagen vor dem gewünschten Prüfungstermin. Eine Anmeldung ist folglich<br />
letztmalig jeweils 14 Tage vor Ende der Vorlesungszeit möglich.<br />
Die Modulabschlussprüfung kann einmal wiederholt werden.<br />
Nach Abschluß der Prüfung leiten die PrüferInnen die Prüfungsunterlagen (Modulblatt und<br />
Protokoll) über die Fakultätsverwaltung (Frau Kotala) an den Prüfungsausschuss weiter, von<br />
dort gehen die Unterlagen an das Prüfungsamt (IPA). Dort wird die Bescheinigung über die<br />
abgelegte Modulabschlußprüfung erstellt und an Sie versendet.<br />
Bachelorarbeit<br />
Die Bachelorarbeit schließt das Bachelor-Studium ab. Eine kunstwissenschaftliche Bachelor-<br />
Arbeit soll zeigen, dass der/die Studierende in der Lage ist, ein Thema aus dem Bereich<br />
Kunstwissenschaft und Ästhetik nach wissenschaftlichen Methoden zu bearbeiten. Die<br />
Bachelorarbeit wird betreut vom/von der ErstgutachterIn; in Absprache mit diesem/dieser<br />
erfolgt die Themenstellung. Der/Die Studierende ist berechtigt, eine/n ZweitgutacherIn<br />
vorzuschlagen. Eine/r der beiden GutachterInnen der Bachelorarbeit muss ein/e<br />
kunstwissenschaftliche/r ProfessorIn des Instituts sein.<br />
Master-Studium<br />
Der Masterstudiengang baut auf dem Bachelor-Studium auf. Für die Sekundarstufe 1 und 2 (=<br />
MA-Studiengang 1) umfasst er 4 Semester, für die Primarstufe und Sekundarstufe 1 (= MA-<br />
Studiengang 2) umfasst er zur Zeit 2 Semester.<br />
Die Master-Thesis schließt das Master-Studium ab.<br />
Weitere Informationen zu Studium und Prüfungen finden Sie in der Studien- und<br />
Prüfungsordnung.<br />
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Studierende Staatsexamen<br />
Die LPO (Lehrerprüfungsordnung) legt den Umfang der Studien im Pflichtbereich<br />
Kunstwissenschaft (und im Wahlpflichtbereich) nicht genau fest, sondern überlässt den<br />
Fakultäten gewisse Gestaltungsspielräume. Nachfolgend ist aufgeführt, wie der Pflichtbereich<br />
Kunstwissenschaft in den verschiedenen Lehramtsstudiengängen in der Fakultät 1 studiert<br />
werden sollte.<br />
Im Grundstudium nachzuweisen sind 6 SWS im Pflichtbereich Kunstgeschichte/<br />
Kunstwissenschaft. Eine Lehrveranstaltung muss ein Proseminar sein, nachgewiesen durch einen<br />
Proseminar-Schein.<br />
Im Hauptstudium nachzuweisen sind<br />
- L1-L3: 12 SWS im Pflichtbereich Kunstgeschichte/Kunstwissenschaft sowie ein Hauptseminar-<br />
Schein im Pflichtbereich Kunstgeschichte/Kunstwissenschaft,<br />
- Studienrat/-rätin Kunst: insgesamt 30 SWS im Pflichtbereich Kunstgeschichte/<br />
Kunstwissenschaft und in den Wahlpflichtbereichen der Fachwissenschaft, sowie ein<br />
Hauptseminar-Schein im Pflichtbereich Kunstgeschichte/Kunstwissenschaft,<br />
- Großfach Kunst: 26 SWS im Pflichtbereich Kunstgeschichte/Kunstwissenschaft sowie zwei<br />
Hauptseminar-Scheine im Pflichtbereich Kunstgeschichte/Kunstwissenschaft.<br />
Die Prüfung zum Staatsexamen für Studierende der Lehrämter L1-L3 besteht aus einer<br />
mündlichen Prüfung (30 min., 2 Themen) und einer Aufsichtsarbeit (4-5 Stunden), die optional<br />
auch im Wahlpflichtbereich abgelegt werden kann.<br />
Die Staatsexamens-Prüfung für Studierende Studienrat/-rätin Kunst besteht aus einer<br />
mündlichen Prüfung (60 min., 2 Themen) sowie einer wissenschaftlichen Hausarbeit oder einer<br />
Aufsichtsarbeit (4-5 Stunden), in Abhängigkeit von der Prüfungsleistung im Wahlpflichtbereich.<br />
Die Staatsexamens-Prüfung für Studierende des Großfachs Kunst besteht aus einer mündlichen<br />
Prüfung (60 min., 2 Themen) einer Aufsichtsarbeit (4-5 Stunden) sowie einer wissenschaftlichen<br />
Hausarbeit, die optional auch im Wahlpflichtbereich abgelegt werden kann.<br />
Weitere Informationen zu den Prüfungen zum Ersten Staatsexamen (Formulare, Termine u.a.)<br />
finden Sie unter www.senbjs.berlin.de.<br />
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Weitere Informationen<br />
Einführungsveranstaltung für alle Studierenden:<br />
In jedem Wintersemester findet in der ersten Vorlesungswoche eine einmalige<br />
Informationsveranstaltung zum Studium der Kunstgeschichte/Kunstwissenschaft in der Fakultät<br />
1 statt. Der Termin wird über das <strong>Vorlesungsverzeichnis</strong> angekündigt.<br />
Einführungsveranstaltung für BA-Studierende:<br />
Wie oben erwähnt, findet in jedem Wintersemester die LV „Einführung in die Kunstgeschichte“<br />
(Modul 3.1.) statt. Sie sollte im ersten Studiensemester belegt werden. Dort erhalten Sie auch eine<br />
„Leseliste“, die studienrelevante kunstwissenschaftliche Literatur enthält. Die entsprechenden<br />
Titel finden Sie in der Universitätsbibliothek (UB) in einem Handapparat.<br />
Sprechstunden:<br />
Bei Fragen zu Seminaren, Referaten, Prüfungsinhalten u.ä. besuchen Sie bitte die Sprechstunden<br />
der DozentInnen des Instituts; bitte melden Sie sich hierfür rechtzeitig an (per Email oder<br />
Eintrag in die Anmeldeliste an der Tür des/der jeweiligen DozentIn).<br />
Kolloquien:<br />
Bitte beachten Sie die Möglichkeit zur Prüfungsvorbereitung in den von den ProfessorInnen des<br />
Instituts angebotenen Kolloquien für PrüfungskandidatInnen.<br />
Die Diathek<br />
Für Lehre und Forschung gehören Abbildungen – sowohl in digitaler als auch in analoger Form<br />
– zu den wichtigsten Hilfsmitteln und Studienobjekten. Am Institut für Kunstwissenschaft und<br />
Ästhetik kommen sowohl der Diaprojektor als auch der Beamer zur Präsentation eines Referats<br />
oder während einer Vorlesung zum Einsatz. Es ist ratsam, den Einsatz rechtzeitig vorher mit<br />
dem Dozenten abzusprechen, da die Ausstattung in den unterschiedlichen Räumen variieren<br />
kann.<br />
Hier soll kurz über die Benutzung und Ausstattung der Diathek informiert werden. Wenn eine<br />
Ihrer Fragen in dieser Beschreibung unbeantwortet geblieben ist, besuchen Sie bitte die Website<br />
des Instituts – dort sind ausführlichere und aktuelle Informationen zu finden, wie zum Beispiel<br />
die Öffnungszeiten. Sie können sich auch persönlich, telefonisch oder per E-Mail an die<br />
Mitarbeiter der Diathek wenden.<br />
Die Kontaktdaten sind:<br />
Diathek Udk, Fakultät Bildende Kunst<br />
Hardenbergstr. 33 ▪ Raum 155<br />
10595 Berlin-Charlottenburg<br />
E-Mail diathek@udk-berlin.de ▪ Telefon 030 3185 2244<br />
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Die Diathek des Instituts für Kunstwissenschaft und Ästhetik steht allen Lehrenden und<br />
Studierenden der Universität der Künste Berlin für Unterricht und Forschung zu Verfügung. Zu<br />
den Leistungen und Aufgaben der Diathek gehören:<br />
<br />
<br />
<br />
Anfertigung und Archivierung von digitalen und analogen Reproduktionen<br />
Ausleihe von Kleinbilddias:<br />
Für Referate oder Vorträge können maximal 30 Dias ausgeliehen werden. Die<br />
Ausleihdauer beträgt maximal 4 Wochen.<br />
Annahme von Aufträgen für neue Reproduktionen:<br />
Pro Auftrag können bis zu 15 Scans oder Dias bestellt werden. Die Anfertigungsdauer<br />
liegt bei ca. 14 Tagen. Vergessen Sie nicht, einen USB-Stick zur Abholung der Scans<br />
mitzubringen!<br />
prometheus – www.prometheus-bildarchiv.de<br />
Die Verbunddatenbank prometheus ermöglicht es, über eine gemeinsame Suchmaske die<br />
digitalen Bestände zahlreicher kunsthistorischer Institute, Museen und Archive zu recherchieren.<br />
Insgesamt sind dort ca. 550.000 Abbildungen vertreten.<br />
Die Universitätsbibliothek der UdK hat eine prometheus-Campuslizenz, über die Sie sich ohne<br />
persönliche Registrierung einloggen können, wenn Sie im Netz der UdK online sind (z. B. im<br />
PC-Pool, über das WLAN oder in der Bibliothek).<br />
Daneben gibt es auch die Möglichkeit einen personalisierten Zugang zu prometheus zu erhalten,<br />
der Ihnen eine Recherche von jedem internetfähigen Rechner erlaubt. Für die erstmalige<br />
Registrierung klicken Sie auf der Startseite auf „Neu anmelden“ und geben Ihre Daten ein. Zur<br />
Verifizierung Ihres Accounts legen Sie bitte eine gültige Studienbescheinigung in der Diathek vor.<br />
Alternativ können Sie auch persönlich in die Diathek kommen und einen schriftlichen Antrag<br />
ausfüllen.<br />
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