Kommentiertes Vorlesungsverzeichnis Sommersemester 2013

Institut für 

Kunstwissenschaft 

und Ästhetik 

Kommentiertes 

Vorlesungsverzeichnis 

Sommersemester 

2013 

Universität der Künste Berlin 

Fakultät Bildende Kunst 

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Geschäftsführender Direktor 

Prof. Dr. Karlheinz Lüdeking 

Institut für Kunstwissenschaft und Ästhetik 

Universität der Künste Berlin 

Fakultät für Bildende Kunst 

Hardenbergstr. 33, D-10623 Berlin 

Verwaltung 

Frau Gisela Rudolph-Brehme 

Hardenbergstr. 33, Raum 122b, Tel.: 3158-2698 

Fax 3185-2681 

Öffnungszeiten: 

Mo, Di, Fr 10-12.30 Uhr 

Mo, Di, Do 14-15.30 Uhr 

Mittwoch und Freitag nachmittags geschlossen 

Bibliothek 

Universitätsbibliothek der UdK Berlin im Volkswagen-Haus 

Fasanenstr. 88 

10623 Berlin-Charlottenburg 

Tel. (030) 314-76473 

Fax (030) 314-76463 

E-Mail ub-info@udk-berlin.de 

Standorte und Abkürzungen: 

Hardenbergstraße 33, 10623 Berlin = Ha 

Lietzenburger Str. 45, 10789 Berlin = Lie 

Lehrende am Institut 

ProfessorInnen 

Prof. Dr. Martina Dobbe 

- Kunstgeschichte - 

Sprechstunde: Di 15-16 Uhr sowie nach Vereinbarung 

Terminvereinbarung bitte per E-Mail dobbe@udk-berlin.de 

Prof. Dr. Robert Felfe 


Sprechstunde: Fr 12.30 – 13.15 Uhr, Raum 153 

Anmeldung auf ausgehängter Liste 



k-luedeking@udk-berlin.de 

Sprechstunde: Dienstag 13-14 Uhr 

Prof. Dr. Tanja Michalsky 


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tami@udk-berlin.de 

Frau Prof. Dr. Michalsky hat im Sommersemester 2013 ein Forschungssemester. Bitte sprechen 

Sie sich per email mit ihr ab. 

Wissenschaftliche MitarbeiterInnen 

Dr. Julian Blunk 

blunk@udk-berlin.de 

Sprechstunde: Ha 107, Mittwoch 15-17 Uhr 

Grit Heidemann M.A. 

heidemag@udk-berlin.de 

Dr. Kassandra Nakas 

nakas@udk-berlin.de 

Sprechstunde: Ha 104a, Dienstag 14-15 Uhr nur nach Voranmeldung 

Dr. Ursula Ströbele 

u.stroebele@udk-berlin.de 

Sprechstunde: Ha 004, Donnerstag 15 - 16 Uhr nach Vereinbarung 

Lehrkraft für besondere Aufgaben 

Dr. Ljudmila Bruchholz 

mila_b@gmx.net 

Sprechstunde: Ha 104c, Dienstag 14-15 Uhr 

Individuelle Prüfungsberatung: Dienstag 12-14 Uhr; Donnerstag 12-14 Uhr 

Lehrbeauftragte WS 2011/12 

Sophie Hamacher 

Dr. Reinhard Knodt 

Fiona McGovern 

Dr. Hans-Joachim Petersen 

Dr. Johannes Rößler 

Veronika Tocha 

Dr. Margarethe Vöhringer 

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Allgemeine Informationen für die Studierenden der Freien Kunst 

Das Studium der Freien Kunst wird geregelt durch die Studienordnung für den Studiengang 

Bildende Kunst (einschließlich des Zusatzstudiengangs für Meisterschüler) vom April 1987 sowie 

die Änderungsbestimmungen vom Januar 2005. Der wissenschaftliche Teil des Studiums umfaßt 

die „Fachwissenschaft: Pflicht – Kunstgeschichte / Kunstwissenschaft / Ästhetik / 

Philosophie“. Die Lehrveranstaltungen der Fachwissenschaft werden als K-Veranstaltungen 

(Schwerpunkt Kunstgeschichte) oder als T-Veranstaltungen (Schwerpunkt Kunsttheorie) 

ausgewiesen. Die Studierenden müssen im gesamten Studium fünf Leistungsnachweise aus dem 

Bereich der Fachwissenschaft erwerben: einen Leistungsnachweis während der Grundlehre (1. 

und 2. Semester), zwei weitere Leistungsnachweise im Grundstudium (3. und 4. Semester) sowie 

zwei Leistungsnachweise im Hauptstudium (5. – 8. Semester). Im Grundstudium und im 

Hauptstudium muss jeweils mindestens einer der Leistungsnachweise als K-Schein 

gekennzeichnet sein. Die Leistungsnachweise können in den Lehrveranstaltungen des Instituts 

für Kunstwissenschaft und Ästhetik der Universität der Künste erworben werden oder – nach 

Vorlage der entsprechenden Arbeiten – aus Seminaren an anderen Hochschulen anerkannt 

werden. 

Allgemeine Informationen für die Studierenden der Lehrämter 

Seit dem WS 2004/2005 werden Studierende des Lehramts in Berlin nur noch in aufeinander 

aufbauenden Bachelor- und Masterstudiengängen ausgebildet. Einem 6-semestrigen 

lehramtsbezogenen Bachelorstudiengang schließt sich ein 4-semestriger Masterstudiengang für 

die Sekundarstufe 1 und die Sekundarstufe 2 (= MA-Studiengang 1) bzw. ein 2-semestriger 

Masterstudiengang für die Primarstufe und die Sekundarstufe 1 (= MA-Studiengang 2) an. Die 

bestandene Masterprüfung (Hochschulprüfung) wird dann von staatlicher Seite einem 

Staatsexamen gleichgesetzt. Die Studiengänge sind modularisiert und die zu erbringende 

Arbeitsleistung wird mit Leistungspunkten (credit points) bewertet. Bis auf die Abschlussarbeiten 

(Bachelorarbeit, Masterthesis) werden alle Prüfungsleistungen studienbegleitend erbracht. Es gibt 

nur noch Modulprüfungen und keine Zwischenprüfung mehr. Das Bachelor-Studium besteht aus 

den drei Bereichen Kernfach (Bildende Kunst), Zweitfach und Berufswissenschaften 

einschließlich Praktika, die sich im Verhältnis der Leistungspunkte von 90:60:30 aufteilen. 

Die 90 Leistungspunkte im Kernfach Bildende Kunst verteilen sich folgendermaßen: 

Modul 1: Grundlehre Künstlerische Praxis: 28 LP 

Modul 2: Künstlerische Praxis in Fachklasse u. Werkstätten: 25 LP 

Modul 3: Kunstwissenschaft Pflicht: Einführung 9 LP 

Modul 4: Kunstwissenschaft: Vertiefung 9 LP 

Modul 5: Wahlpflichtfach: 9 LP 

Bachelor-Abschlussarbeit (Kunstwissenschaft oder Wahlpflichtfach): 10 LP 

Im Anteil Berufswissenschaften: 

Modul 6: Ästhetische Erziehung/Fachdidaktik Bildende Kunst 8 LP 

In den folgenden Beschreibungen der kunstwissenschaftlichen Module 3 und 4 wird versucht, die 

Vorgaben der Studienordnung so zu erläutern, dass sich ein realistischer Studienablauf ergibt. 

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Modul 3: Kunstwissenschaft Pflicht: Einführung 

1. Inhalte und Qualifikationsziele: 

Dieses Modul führt in die Arbeitsweisen des Fachs Kunstwissenschaft ein. Die Studierenden 

beschäftigen sich mit kunsthistorischen und kunstwissenschaftlichen Fragestellungen sowie mit 

Fragen der philosophischen Ästhetik und werden in Methoden und Techniken wissenschaftlicher 

Arbeit eingeführt. Sie üben die Fähigkeit zu eigenständiger kritischer Nutzung wissenschaftlicher 

Informationen und zu textlicher Darstellung eigener fachlicher Aussagen. Sie orientieren sich 

durch einen ersten Überblick über die Geschichte der europäischen Kunst einschließlich ihrer 

globalen Zusammenhänge. In Übungen vor Originalen, bei der Anfertigung von 

Bildmonographien und durch die Interpretation von Schlüsseltexten eignen sie sich Kenntnisse 

vielfältiger künstlerischer Phänomene der Vergangenheit und Gegenwart an und lernen 

ausgewählte Analyse- und Interpretationsmethoden der Kunstgeschichte und Kunstwissenschaft 

kennen und anwenden. Sie erarbeiten kritische Einsichten in Funktionszusammenhänge von 

Kunst und Kunstgeschichte. 

2. Lehrformen: 

Die Lehrveranstaltung „Einführung in die Kunstgeschichte“ (3.1) ist ein Propädeutikum und 

sollte im ersten Semester belegt werden. Die beiden anderen Lehrveranstaltungen (3.2. und 3.3) 

sind in der Regel Seminare, Übungen vor Originalen (auch auf Exkursionen) oder Vorlesungen. 

3. Voraussetzungen für die Teilnahme: 

Aufnahmeprüfung (für den gewählten Studiengang, hier: besondere künstlerische Begabung) 

4. Verwendbarkeit des Moduls: 

Verwendbar und obligatorisch für die BA-Studiengänge 1 und 2 mit dem Kernfach Bildende 

Kunst 

5. Voraussetzungen für die Vergabe von Leistungspunkten (LP): 

Regelmäßige aktive Teilnahme an den drei Lehrveranstaltungen des Moduls; ein benoteter 

Leistungsnachweis durch Referat mit schriftlicher Ausarbeitung oder durch eine schriftliche 

Hausarbeit; wahlweise in der Lehrveranstaltung 3.2. oder 3.3.. 

6. Leistungspunkte und Noten: 

Das Modul ist mit einer benoteten Klausur oder einer ca. 15 minütigen benoteten mündlichen 

Prüfung abzuschließen. Die Modulabschlussprüfung bezieht sich auf diejenige Lehrveranstaltung 

(3.2. oder 3.3), in der kein Leistungsnachweis erworben wurde. Es sind insgesamt 9 

Leistungspunkte zu erwerben. 

7. Umfang und Dauer des Moduls: 

Das Modul umfasst 6 SWS und kann in zwei oder drei aufeinander folgenden 

Semestern studiert werden. 

8. Häufigkeit des Moduls: 

Das Modul wird in jedem Semester angeboten. 

9. Arbeitsaufwand in Stunden: 

ca. 270 Arbeitsstunden 

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10. Wiederholung des Moduls: 

Die Modulabschlussprüfung kann einmal wiederholt werden. 

Modul 4: Kunstwissenschaft Pflicht: Vertiefung 

1. Inhalte und Qualifikationsziele: 

Dieses Modul erweitert und vertieft die in Modul 3 erworbenen kunsthistorischen, 

kunstwissenschaftlichen und philosophisch-ästhetischen Einsichten, Kenntnisse und Fähigkeiten, 

auch in transdisziplinärer Perspektive. Die Studierenden üben sich im selbständigen 

wissenschaftlichen Arbeiten und werden mit historischen und zeitgenössischen Konzeptionen 

des Fachs und mit Kunsttheorien vertraut. 

2. Lehrformen: 

Vorlesung, Seminare, Übungen vor Originalen, auch auf Exkursionen 

3. Voraussetzungen für die Teilnahme: 

Das Modul kann frühestens im dritten Fachsemester studiert werden. 

4. Verwendbarkeit des Moduls: 

Verwendbar und obligatorisch für die BA-Studiengänge 1 und 2 mit dem Kernfach Bildende 

Kunst 

5. Voraussetzungen für die Vergabe von Leistungspunkten (LP): 

Regelmäßige aktive Teilnahme an den Lehrveranstaltungen des Moduls; ein benoteter 

Leistungsnachweis durch Referat mit schriftlicher Ausarbeitung oder durch eine schriftliche 

Hausarbeit, wahlweise in den Lehrveranstaltungen 4.1., 4.2. oder 4.3. 

6. Leistungspunkte und Noten: 

Das Modul ist mit einer benoteten Klausur oder einer ca. 30minütigen benoteten mündlichen 

Prüfung abzuschließen. Die Modulabschlussprüfung bezieht sich auf zwei Themengebiete, die in 

der Regel aus den besuchten Lehrveranstaltung hervorgehen. In der mündlichen Prüfung werden 

beide Themengebiete berücksichtigt, in der Klausur wählt der Studierende ein Themengebiet aus. 

Es sind insgesamt 9 Leistungspunkte zu erwerben. 

7. Umfang und Dauer des Moduls: 

Das Modul umfasst 6 SWS und kann in zwei bis drei aufeinander folgenden Semestern studiert 

werden. 

8. Häufigkeit des Moduls: 

Das Modul wird in jedem Semester angeboten. 

9. Arbeitsaufwand in Stunden: 

ca. 270 Arbeitsstunden 

10. Wiederholung des Moduls: 


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Zum Studium der Kunstwissenschaft / Kunstgeschichte in der Fakultät Bildende Kunst 

Am Institut für Kunstwissenschaft und Ästhetik können sowohl im Lehramts- wie auch im 

Studium der Freien Kunst innerhalb unterschiedlicher Vermittlungsformate (Propädeutika, 

Seminare, Vorlesungen, Kolloquien, Exkursionen und Praktische Übungen) grundlegende 

Einblicke in die europäische und (nord-)amerikanische Kunst- und Architekturgeschichte sowie 

in die philosophische Ästhetik gewonnen werden. Zudem werden Methoden und Techniken 

wissenschaftlicher Recherche, wissenschaftlichen Schreibens und ausgewählte Analyse- und 

Interpretationsmethoden der Kunstgeschichte und Kunstwissenschaft erlernt. Der inhaltliche 

Schwerpunkt liegt dabei auf der vormodernen, der modernen und der zeitgenössischen Kunst 

und Ästhetik, unter Berücksichtigung aller klassischen künstlerischen Medien und Gattungen 

sowie von Theorie und Geschichte der Fotografie, des Films und anderer Neuer Medien. Die 

kreative Atmosphäre der Universität der Künste Berlin gewährleistet die produktive, räumliche 

wie intellektuelle Nähe zur künstlerischen Praxis. Die reiche Kunst-, Architektur-, Ausstellungsund 

Museumslandschaft Berlins bietet darüber hinaus immer wieder Anlass und Gelegenheit, 

Werke der Bildenden Kunst auch vor Ort im Original zu studieren. 

7

Veranstaltungen im Sommersemester 2013 

Heide Barrenechea, Elisa Müller 

Seminar: Fotografische Repräsentationen des Leidens. Eine Annäherung aus 

kunstwissenschaftlicher und theaterpraktischer Perspektive 

Veranstaltungsnummer: 1100284 

Einzel: Fr, 03.05.2013 (Einführung), Ha33 – 110 

Einzel: Fr, 24.05.2013, 14-18 Uhr 

Einzel: Sa, 25.05.2013, 11-16 Uhr 

Einzel: Fr, 07.06.2013, 14-18 Uhr, Ha33 – 102 

Einzel: Sa, 08.06.2013, 11-16 Uhr, Ha33 – 102 

Einzel: Fr, 28.06.2013, 14-16 Uhr, Ha33 - 110 

SWS 2 

Beginn: 03.05.2013 

Ausgehend von Susan Sontags Essay "Das Leiden anderer betrachten" und anhand von 

gemeinsamen Bildbetrachtungen möchte das Seminar ausloten, was mit dem Rezipienten beim 

Betrachten von Leid- und Elendsfotografien geschieht. Welche Strategien können angewendet 

werden, um derartige Bilder zu "lesen"? Wodurch ist die Herstellung und Zirkulation solcher 

Fotografien motiviert und über welche Kanäle werden diese publiziert? Und inwieweit ist ihnen 

ein Aktivierungspotential zu Eigen? 

Das Seminar möchte sich derartigen Fragestellungen über die gemeinsame Lektüre kanonischer 

Texte und vermittels exemplarischer Bildanalysen auf theoretische Weise annähern. Dadurch soll 

der Nutzen von Kriegs- und Pressefotografien diskutiert, der Rückgriff auf bestimmte Ästhetiken 

und tradierte Darstellungsmuster erörtert, das Verhältnis zwischen Ästhetik und Ethik 

beschrieben und über das Zeigen oder Verbergen solcher Bilder nachgedacht werden. 

Daneben wird der Diskurs um derartige Bildpraxen allerdings auch aus einer praktischen 

Perspektive in den Blick genommen. So möchte das Seminar der Frage nachgehen, wie in der 

Darstellenden Kunst mit Bildern gearbeitet wird beziehungsweise inwieweit die Wirkung von 

Leid- und Elendsfotografien auf der Bühne/in Performances adäquat verhandelt werden kann. 

Dies kann von den Teilnehmer/innen anhand charakteristischer Bildbeispiele praktisch erprobt 

werden. 

Durch die Gegenüberstellung einer wissenschaftlichen und einer künstlerischen 

Herangehensweise möchte das interdisziplinär angelegte Seminar ferner die unterschiedlichen 

Zugriffe auf Leid- und Elendsfotografien diskutieren und in der Folge nach den Unterschieden 

zwischen Kunst und Wissenschaft fragen beziehungsweise erörtern, inwiefern die beiden 

diskursiven Felder einander produktiv ergänzen. 

Das Seminar richtet sich an Studierende der Bildenden Kunst, Fakultät 1: 

Bildende Kunst: Kunstwissenschaft, Bildende Kunst für das Lehramt (BA/MA 1, BA/MA 2): 

Modul 3 / Modul 4 / Modul 5 (Architektur/Urbanistik) / Modul 5 (Visuelle 

Medien/Massenmedien) 

Fakultät Darstellende Kunst, Fakultät 4: 

Theaterpädagogik / Darstellendes Spiel 

Leistungsnachweis: Anwesenheit und Kurzreferat oder kurze Performance im Seminar, sowie 

Hausarbeit (z.B. ausgehend von einer konkreten Fotografie, einem Text der gemeinsamen 

Lektüre oder einer generelleren Fragestellung im Zusammenhang mit der Seminar-Thematik, ca. 

10-15 Seiten). 

Teilnahmenachweis: Anwesenheit und Kurzreferat oder kurze Performance im Seminar. 

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In der Einführungsveranstaltung können sich die Teilnehmer/innen entscheiden, ob und zu 

welchem Text bzw. zu welcher Fotografie sie gerne ein Referat/eine kurze Performance halten 

möchten. 

Ansprechpartnerin: Heide Barrenechea (heide.barrenechea@googlemail.com) 

Einführende Literatur: 

Barthes, Roland: Schockfotos [1957], in: Wolfgang Kemp (Hg.): Theorie der Fotografie, III, 

1945–1980. München 1999, S. 105–108. 

Butler, Judith: Krieg und Affekt. Zürich 2009 

Geimer, Peter: Fotos, die man nicht zeigt. Probleme mit Schockbildern, in: Katharina Sykora, 

Ludger Derenthal, Esther Ruelfs (Hg.): Fotografische Leidenschaften [Ergebnisse einer 

gleichnamigen Tagung, Braunschweig und Braunlage 2004]. Marburg 2006, S. 245–257. 

Geimer, Peter: Wir müssen diese Bilder zeigen – Ikonografie des Äußersten, in: Karin Harrasser, 

Thomas Macho, Burkhardt Wolf (Hg.): Folter. Paderborn 2007, S. 119–132. 

Röttger, Kati und Jackob, Alexander: Wem gehören die Bilder? Bildpolitik und Medienkritik im 

Theater: eine Frage der Gewalten-Teilung, in: Forum Modernes Theater, Bd. 22/1 (2007), S. 47– 

60. 

Sontag, Susan: Das Leiden anderer betrachten. München 2003. 

Sontag, Susan: Über Fotografie. Frankfurt am Main 1980. 

Bemerkungen: - 

Dr. Julian Blunk 

Proseminar: Vom Mittelalter zum Rokoko - Übungen vor Hauptwerken der 

Gemäldegalerie Berlin 


Do, 15-17 Uhr, wöchentlich, 11.04.2013 bis 11.07.2013, Ha33 – 110 / Gemäldegalerie am 

Kulturforum 

SWS 2 

Beginn: 11.04.2013 (Ha33 – 110) 

Das Seminar versteht sich als Einführung in die Geschichte der Malerei des Mittelalters und der 

Frühen Neuzeit und richtet sich somit (in erster Linie) an Studienanfänger. Ausgewählte Werke 

aus dem reichen Fundus der Gemäldegalerie am Potsdamer Platz sollen diskutiert und so ein 

Überblick über die Gattungen, Themen und Stile mittelalterlicher und frühneuzeitlicher Malerei, 

ihre maßgebenden religiösen und politischen Kontexte sowie die kunsttheoretischen Leitmotive 

der jeweiligen Epochen erarbeitet werden. Da das Seminar zum größten Teil in der 

Gemäldegalerie am Kulturforum stattfinden wird, werden InteressentInnen gebeten, bereits zur 

Einführungssitzung zu erscheinen. 


- Asmus, Gesine und Grosshans, Rainald (Hg.): Gemäldegalerie Berlin. 200 Meisterwerke, 

Berlin 1998 

- Gombrich, Ernst H.: die Geschichte der Kunst, Zürich 1977. 

- Belting, Hans: Spiegel der Welt. die Erfindung des Gemäldes in den Niederlanden, 

München 2010. 

- Propyläen Kunstgeschichte (jeweils die Kapitel zur Malerei): 

- Band 7: Bialostocki, Jan: Spätmittelalter und beginnende Neuzeit, Berlin 1967 

- Band 8: Kauffmann, Georg:Die Kunst des 16. Jahrhunderts, Berlin 1970 

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- Band 9: Hubala, Erich: Die Kunst des 17. Jahrhunderts, Berlin 1970 

- Band 10: Keller, Harald: Die Kunst des 18. Jahrhunderts, Berlin 1971 

Bemerkungen: fkü. 

Auch für Gast- und NebenhörerInnen geeignet. 

Information für ERASMUS- und Austauschstudierende: maximal 3 ECTS. 

Information for ERASMUS and other exchange students: maximum 3 ECTS credits. 


Seminar: Zur Geschichte der Portraitfotografie 


Di, 10-12 Uhr, wöchentlich, 09.04. -09.07.2013, Ha33 – 151 

SWS 2 


Das menschliche Antlitz gehört zu den ersten Motiven der Fotografie. Talbots Portrait seiner 

Frau Constanze von 1840 sowie sein eigenes Bildnis von 1844 von Antoine Claudet im 

Daguerreotypieverfahren ausgeführt, sind Beispiele dafür. Bereits um 1840 war die Portraitfotografie 

ein lukratives Geschäft. Daneben gab es jedoch immer ambitionierte Fotografen, die 

das Erstellen eines Bildnisses als kreative Herausforderung verstanden. J.M. Camerons (1815- 

1879) Bildnisse berühmter Männer ihrer Zeit sowie ihre besten Frauenportraits repräsentieren 

religiöse sowie moralische Tugendhaftigkeit. Der Kunstfotografie um 1900 (Piktorialismus) 

verdanken wir oft schon obsessesive Selbstportraits. 1928 argumentierte Alexander 

Rodtschenko „Gegen das synthetische Porträt“, plädierte „ für den Schnappschuss“. August 

Sanders Mappenwerk „Menschen des 20. Jahrhunderts“ (Antlitz der Zeit) war von soziologischen 

Erwägungen inspiriert. George Hurrels Hollywood Glamourportraits verkörperten vor allem das 

Images eines bestimmten Filmstars. Gisèle Freund nennt das Portrait ein Gespräch ohne Worte. - 

Portraits halten Augenblicke der Vergänglichkeit fest. Auch darin, dass sie Menschen 

„unsterblich“ machen, liegt das Faszinosum bis in die Gegenwart. 

Belegpflicht: 45 minütiger Vortrag 

Literatur: 

- Bhatty, Michael, Geschichte und Vermarktung der Hollywood-Glamour-Photographie, 

Europäische Hochschulschriften: Reihe 28, Kunstgeschichte. Bd. 297, Frankfurt/M, Berlin, Bern, 

New York, Paris, Wien 1997 (199 S. mit zahlr. Abb.). 

- Billeter, Erika (Hrsg.), Das Selbstporträt im Zeitalter der Photographie. Maler und 

Photographen im Dialog mit sich selbst (Aust.Kat.), Benteli Verlag, Lausanne 1985. 

- Gosling, Nigel, Nadar - Photograph berühmter Zeitgenossen, Verlag Schirmer und Mosel, 


- Honnef, Klaus (Hrsg.), Lichtbildnisse. Das Porträt in der Fotografie (Aust.Kat. Rheinisches 

Landesmuseum Bonn), Köln 1982 (744 S. mit zahlr. Abb. und Tafeln). 

- Hurrel, George, Hollywood Glamour Portrais. Fotografien aus der Kobal Collection, Verlag 

Schirmer/Mosel, München 1993. 

- Nadar, Als ich Fotograf war, Verlag Huber&Co. Ag 1992. 


Für Gast- und NebenhörerInnen geeignet. 



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Seminar: Fotografie und Bewegung – ein Paradoxon? 


Do, 10-12 Uhr, wöchentlich, 11.04.2013 bis 11.07.2013, Ha33 – 151 

SWS 2 


Das Seminar beleuchtet Stationen der fotografischen Bewegungsdarstellung: von den Anfängen 

der Bewegungsfotografie am Ende des 19. Jahrhunderts (Muybridge, Marey, Anschütz) über die 

Hochgeschwindigkeitsfotografie von Edgerton in den 30/40er Jahren des 20. Jahrhunderts bis in 

die Gegenwart. Der Focus liegt dabei auf der künstlerischen Nutzung von Gestaltungsprinzipien 

wie sie sich sowohl durch das Einfrieren von extrem schnellen Bewegungsabläufen als auch 

durch die Suggestion von Bewegung z.B. durch Bewegungsunschärfe (Bragalia) ergeben. 

Belegpflicht: 45 minütiges Referat 

Literatur: 

- Schnelle-Schneyder, Marlene, Photographie und Wahrnehmung am Beispiel der 

Bewegungsdarstellung im 19. jahrhundert, Jonas Verlag, Marburg 1990. 

- Sprung in die Zeit. Bewegung und Zeit als Gestaltungsprinzipien in der Photographie von den 

Anfängen bis zur Gegenwart, Verlag Ars Nicolai, Berlin 1992. 

- Stopping Time. Die Fotografie von Harold Edgerton, hrsg. v. Gus Kayafas, Edition Stemmle, 

Schaffhausen 1988. 






Seminar: Analyse und Interpretation von Fotografien in Berliner Galerien und Museen 


Di, 16-18 Uhr, wöchentlich, 09.04.2013 bis 09.07.2013, Ha33 – 004 

SWS 2 


Wöchentlich werden wir in verschiedenen Galerien und Museen unterwegs sein. Die Arbeit vor 

dem „Original“ ermöglicht es in unmittelbarer Anschauung unterschiedliche fotografische 

Abzugstechniken kennenzulernen, Präsentationsformen wie Tableaus oder Fotoinstallationen in 

ihrer Größe und räumlichen Wirkung zu erleben sowie aktuellste Arbeiten von Künstlern 

kennenzulernen. 

Belegpflicht: 

Mündliche Bildanalyse, die in eine schriftliche Bildinterpretation mündet. 





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Prof. Dr. Martina Dobbe 

Kolloquium: Kolloquium für Studierende / Kolloquium für Doktorand/innen 


Di, 16-19 Uhr, wöchentlich, 09.04.2013 bis 09.07.2013, Ha33 – 150 


Im Sommersemester findet dienstags nachmittags ein Kolloquium statt, das – nach 

Terminabsprachen in der ersten Sitzung am 09.4.2013 – alternierend/alternativ auf die Anliegen 

von Studierenden bzw. von Promovierenden Bezug nimmt. 

Das Kolloquium für Studierende dient der Begleitung bei der Anfertigung von 

wissenschaftlichen Hausarbeiten (Seminar-, BA- und MA-Arbeiten) und bei der Vorbereitung 

von Prüfungen (im BA: Modul 4 / im MA: Modul Kunstwiss./Kunstdidaktik). DieVeranstaltung 

bietet Raum dafür, dass individuelle Arbeitsgebiete vorgestellt und intensiv erörtert werden. Auch 

können Kandidat/innen, die noch auf der Suche nach einem geeigneten Thema für ihre 

Abschlussarbeit sind, hier ihre Überlegungen in einer ersten Ideenskizze referieren. Der Vorteil 

der gemeinsamen Arbeit im Kolloquium (gegenüber der individuellen Beratung in der 

Sprechstunde) ist, dass unterschiedliche kunstwissenschaftlichen Methoden sowie Techniken des 

wissenschaftlichen Arbeitens in der Gruppe erprobt und miteinander verglichen werden können. 

Im Kolloquium für Doktorand/innen steht die gemeinsame Diskussion ausgewählter 

Fragestellungen aus den individuellen Forschungsprojekten im Mittelpunkt. Darüber hinaus 

besteht die Möglichkeit, grundsätzliche methodische Fragestellungen und aktuelle 

kunstwissenschaftliche Veröffentlichungen zu diskutieren. Anregungen für gemeinsame 

Textlektüren und Ausstellungsbesuche sind erwünscht. 

Interessenten am Kolloquium für Studierende treffen sich am 09.4.2013 in Raum 150, so dass wir 

einen Termin-/Arbeitsplan für das Sommersemester festlegen können. 

. 

Bemerkungen: 



Prof. Dr. Martina Dobbe, Prof. Dr. Dörte Schmidt 

Hauptseminar: Nam June Paik - Exposition of Music. Fluxus und die Folgen für die 

Kunst/Musik 


Mo, 10-13 Uhr, Einzel, am 22.04.2013, Ha33 – 151 (Vorbesprechung) 

Mo, 10-13 Uhr, Einzel, am 24.06.2013, Ha33 – 151 (Abschlussveranstaltung) 

Fr-So, Block, 24.05.2013 bis 26.05.2013, in Sauen / Brandenburg 

SWS 2 


Nam June Paiks legendäre Ausstellung „Exposition of Music – Electronic Television“, die 1963 

in der Wuppertaler Galerie Parnass zu erleben war, gilt der Kunst- und Musikgeschichte als 

früher Beleg der Fluxus-Bewegung. Bestückt mit vier präparierten Klavieren, zwei 

Schallplattenschaschliks, zahlreichen Klangobjekten sowie elf präparierten Fernsehern vollzog 

Paik mit dieser Ausstellung jene Grenzüberschreitungen im Feld von Musik und Kunst, die für 

die Künste in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts beispielhaft werden sollten. 

Ausgehend von „Exposition of Music – Electronic Television“ und anderen legendären 

„Ausstellungen von Musik“ wird das Seminar Paiks intermediäre Arbeiten insbesondere der 

1960er Jahre in den Mittelpunkt der Auseinandersetzung stellen. Es geht darum, Paiks Weg von 

12

der Musik zum Medien- und Performancekünstler kennenzulernen und die ‚Vermischung‘ der 

Künste in Happenings, Installationen, neuartigen konzertanten Praktiken und Multimedia- 

Inszenierungen vor dem Hintergrund kunst- und musikwissenschaftlicher Fragestellungen zu 

thematisieren. Neben seinem Verhältnis zu anderen Fluxus-Künstlern wie Maciunas, Brecht. 

Higgins, Vostell und Beuys werden die Kollaborationen mit anderen Musikern (Cage, 

Stockhausen, Nono, Tudor) und Interpreten (Moorman) befragt. 

Literatur zur Einführung: 

Edith Decker-Phillips: Paik Video, Köln 1988 / New York 1998. 

Decker, Edith (Hg.): Niederschriften eines Kulturnomaden. Nam-Jun Paik, Köln 1991 

Wulf Herzogenrath (Hg.): Nam June Paik. Fluxus. Video, AK Kunsthalle Bremen, Bremen 1999. 

Nam June Paik - Global Groove 2004, AK Guggenheim Berlin, Berlin 2004. 

Susanne Neubauer (Hg.): Nam June Paik: exposition of music; electronic television; revisited, AK 

anläßlich der Ausstellung "Nam June Paik. Music for all senses", Museum moderner Kunst 

Stiftung Ludwig Wien, Kön 2009. 

Gabriele Knapstein: Eine lange Geschichte mit vielen Knoten. Fluxus in Deutschland.1962– 

1994, AK Institut für Auslandsbeziehungen, Stuttgart 1995. 

Bemerkungen: 

Das Seminar möchte Studierende der Kunst und der Musik im interdisziplinären Austausch 

zusammenbringen. Im Idealfall treffen im Seminar je 10 Studierende der beiden Fächer 

aufeinander. Um die Seminarplanung rechtzeitig konkretisieren zu können, bitten wir um 

Anmeldungen unter dobbe@udk-berlin.de oder nadda.tarabichi@udk-berlin.de(für die Musik). In 

der ersten Sitzung am 22. April 2013 wird die verbindliche Teilnehmerliste festgelegt. Aufgrund 

der begrenzten Übernachtungsplätze in Sauen gibt es insgesamt nur 20 Plätze in diesem Seminar. 

Geöffnet für Studierende im Studium Generale, wenn Plätze vorhanden 



Dr. Robert Felfe 

Hauptseminar: Die Linie - ein Grundelement bildnerischer Arbeit in Geschichte und 

Gegenwart 



SWS 2 


Zahlreiche bildkünstlerische Verfahren und Medien beruhen auf Linien als grafischen Elementen; 

und zugleich scheint es naheliegend, dieses Element als relativ einfaches Faktum hinzunehmen. 

Dennoch finden sich in Geschichte und Gegenwart der Kunst zahlreiche Beispiele für einen alles 

andere als selbstverständlichen Status der Linie. So hatten es etwa Künstler, seit sie ihre 

Bildwerke mit Hilfe von Geometrie und Perspektive entwickelten, mit dem Umstand zu tun, dass 

die Linie dort eigentlich als unsichtbare, rein abstrakte Größe in der Vorstellung definiert wird. 

Einerseits ließ sich vor diesem Hintergrund etwa das Zeichnen, primär als eine freie, geistige 

Operation verstehen. Andererseits bestand vor diesem Hintergrund bereits in der Arbeit mit den 

Grundelementen grafischer Darstellung ein Übersetzungsbedarf. – In welchem Verhältnis zur 

Welt und den sichtbaren Phänomenen steht eigentlich ein Bild, wenn seine linearen Elemente mit 

dieser Welt nichts zu tun haben? 

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Nach einer Einführung in dieses Problem im Rückblick auf das 16. und 17. Jahrhundert wird sich 

das Seminar vor allem Tendenzen der Kunst seit den 1920er Jahren widmen. Dabei wird zu 

verfolgen sein, inwiefern – insbesondere seit die Zentralperspektive kein verbindliches Paradigma 

mehr ist – die Linie immer wieder auf signifikante Weise zum Thema wurde und wird. 

Leistungsnachweise können je nach Studiengang in Form von Referaten und/oder Hausarbeiten 

erworben werden. Literatur für die jeweiligen Sitzungen wird beim ersten Treffen (11.04.) 

bekannt gegeben. 

Bemerkung: 





Proseminar: Kunst und Natur in Geschichte und Gegenwart 



SWS 3 


Das Seminar gilt zentralen Aspekten einer seit der Frühen Neuzeit äußerst wichtigen Relation. 

Einen Ausgangspunkt bildet das Gebot der imitatio naturae – der Nachahmung der Natur – im 15. 

und 16. Jahrhundert, etwa bei Leon Battista Alberti und Albrecht Dürer. Bereits hier wird sich 

zeigen, dass diese Maxime keineswegs auf eine eindimensionale Norm künstlerischer Mimesis 

hinauslief. Es werden verschiedene Implikationen zu diskutieren sein, die für Künstler und ihre 

Arbeit aus diesem Gebot folgten; wie auch Motive und Themen, in denen die Beziehung 

zwischen Natur und Kunst artikuliert und reflektiert wurde. Anhand ausgewählter Kunstwerke, 

theoretischer Überlegungen und Tendenzen werden im weiteren Verlauf des Seminars historische 

Transformationen und Neubestimmungen des Verhältnisses von Kunst und Natur vorgestellt. 

Dazu gehören die z. B. die künstlerische Entdeckung von Naturräumen wie dem Hochgebirge 

seit dem 18. Jahrhundert im Zusammenspiel mit der Ästhetik des Erhabenen, der Naturalismus 

um 1900, aber auch Land Art seit den 70er Jahren des 20. Jahrhunderts und die so genannte 

BioArt. Es ist das Anliegen des Seminars, mit dem Verhältnis zur Natur eines jener Bezugsfelder 

zu skizzieren, die für das Selbstverständnis von Kunst und Künstlern auf sehr verschiedene 

Weise immer wieder wichtig zu sein scheint. 

Leistungsnachweise können je nach Studiengang in Form von Referaten und/oder Hausarbeiten 

erworben werden. Literatur für die jeweiligen Sitzungen wird beim ersten Treffen (11.04.) 

bekannt gegeben. 

Bemerkung: 




14


Übung: Erzählformen der bildenden Kunst. Betrachtung und Diskussion von 

Kunstwerken in Berliner Museen und temporären Ausstellungen 


Fr, 10-12 Uhr, Einzel, am 12.04.2013, Ha33 – 150 (Einführungsveranstaltung) 

Fr, 10-12 Uhr, wöchentlich, 19.04.2013 bis 12.07.2013, verschiedene Orte, die zu Beginn 

des SoSe bekanntgegeben werden 

SWS 2 


Das Seminar findet wöchentlich an wechselnden Orten (Museen, Ausstellungsorte, Galerien) 

statt um sich mit Werken historischer wie auch zeitgenössischer Kunst auseinanderzusetzen. 

Übergreifendes Thema sind verschiedene Strategien, dank derer in der bildenden Kunst 

Narrationen entwickelt werden. Eine Liste der ausgewählten Werke und Orte wird beim ersten 

Treffen (12.04.) verteilt. Bei diesem vorbereitenden Termin werden zudem jeweils kurze 

Einführungen und die Moderation der folgenden Treffen als benotungsrelevante Leistungen 

vergeben. 

Bemerkungen: 





Hauptseminar: Lektüreseminar: Hal Foster, The Return of the Real. Art and Theory at 

the End of the Century (1996) 


Fr, 14-16 Uhr, wöchentlich, 12.04.2013 bis 12.07.2013, Ha33 – 151 

SWS 2 


Gegenstand des Seminars ist die gemeinsame Lektüre und Diskussion von Passagen dieses 

Klassikers jüngerer Kunsttheorie. Das Buch wird komplett als pdf-Datei zur Verfügung stehen. 

Zu jeder einzelnen Sitzung ist der entsprechende Abschnitt von allen zu lesen und wird von 

einzelnen Studierenden oder einer Arbeitsgruppe (max. drei Studierende) kurz vorgestellt. 

Bemerkungen: 




15

Sophie Hamacher 

Seminar: Remix, Reuse, Resample: Repurposing the Archive 


Fr, 16-19 Uhr, wöchentlich, 31.05.2013 bis 14.06.2013, Ha33 – 151 

Sa, 12-18 Uhr, wöchentlich, 01.06.2013 bis 15.06.2013, Ha33 – 151 


A seminar by Sophie Hamacher and Sylvia Schedelbauer 

This seminar will examine theories around the archive and explore how artists and filmmakers 

repurpose recent and historical footage to radically transform it, while challenging ideas of 

authorship, ownership and copyright. 

The film program includes older narrative structures that are unraveled and reconfigured to 

create new stories, sequences that are recontextualized to produce new meaning, and different 

edits of film footage that are used to highlight new political or emotional associations. 

History and the present, fiction and reality blend together - comprising questions about the 

staging of ‘reality’, strategies of authentification and recycled memories. Alongside the reflection 

on the material and social conditions of filmmaking this seminar wants to examine the 

relationship between archives and history, migration, memory, power and communication, while 

also addressing questions of copyright, fair use, public domain, and the creative commons 

through readings and discussions 

Bemerkungen: 




Anthony Iles, Marina Gerber 

Seminar: Art and Production: Between Affirmation and Negation 


Einzel: Di, 11.06.2013, 14-16 Uhr, Ha33-004 (Einführung) 

Block: Fr-Sa, 12./13.09.2013, 11-18 Uhr, Ha33-004 

Block: Fr-Sa, 19./20.09.2013, 11-18 Uhr, Ha33-004 

SWS 2 


Anthony Iles, Graduiertenschule der UdK, Mute (London), Post-Media Lab (Leuphana 

Universität) 

Marina Gerber, Graduiertenkolleg „Das Wissen der Künste“, UdK 

Einführung Dienstag, 11. Juni 2013 von 14-16 Uhr in Raum Ha33-004, Fortsetzung am 

12./13. und am 19./20. September 2013 jeweils von 11-18 Uhr in raum Ha33-004 

(teilweise in Englisch) 

Kunst ist Produktion. Nicht jede künstlerische Produktion resultiert aber in einem objektiven 

Produkt. Manchmal bleibt der Prozess der Kunstproduktion für immer verborgen. Es entsteht 

eine Kluft zwischen dem, was man geleistet hat und dem, was als Endresultat zu betrachten ist. 

Dass das Produkt der Produktion keine Rechnung trägt, kann sowohl für Künstler/innen, als 

auch für Betrachter/innen entfremdend sein. Die Tätigkeit der Malerei, des Zeichnens, des 

Denkens und Konzipierens ist schwer darzustellen. 

Das Seminar schlägt vor, dieses Problem als eine Dynamik zwischen 'Affirmation der 

Produktion' und 'Negation der Produktion' zu fassen. Welche Möglichkeiten gibt es heute, wenn 

16

man die Produktion der Kunst in den Vordergrund rücken möchte? Welche Bedeutung wird in 

heutigen künstlerischen und theoretischen Diskursen dem Produktivismus und der 

Konzeptkunst zugesprochen und warum sind diese relevant? Wie lassen sich diese einflussreichen 

Praktiken kritisieren? Diese Fragen sollen nicht nur theoretisch behandelt werden, sondern auch 

praktisch: 

Die Teilnehmer/innen werden in ein 'produktives Experiment' involviert. Im Rahmen einer 

künstlerischen Aktion werden wir versuchen, uns einen exemplarischen Produktionsprozess zu 

vergegenwärtigen. Gegen Ende des Seminars soll eine gemeinsame Publikation entstehen, in der 

die Teilnehmer/innen den erlebten Produktionsprozess beschreiben, fotografieren, 

dokumentieren oder reflektieren. 

Lektüre: 

Theodor W. Adorno, Aesthetic Theory, trans. Robert Hullot-Kentor (Continuum,London,) S. 1- 

6. 

Theodor W. Adorno, ‘Free Time’ in Theodor W. Adorno, (ed.) J.M. Bernstein, The Culture 

Industry: Selected essays on mass culture, (Routledge, London & New, 1991), p. 187-197. / 

'Freizeit' in ders., Kulturkritik und Gesellschaft II, ges. Schriften, Band 10: 2 (Wissenschaftliche 

Buchgesellschaft, Darmstadt, 1998 ), S. 645-655. 

Walter Benjamin, 'The Author as Producer', in New Left Review I/62, July-August 1970 / 'Der 

Autor als Produzent' in ders., Gesammelte Schriften, Band II 2 (Suhrkamp, Frankfurt am Main, 

1991), S. 683–701. 

Benjamin H.D. Buchloh, 'Context-Function-Use Value. Michael Asher’s Re-Materialization of 

the Artwork', in Michael Asher: Exhibitions in Europe, 1972-1977 (Stedelijk Van Abbemuseum, 

Eindhoven, 1980), S. 35-46. 

Benjamin H.D. Buchloh, 'Conceptual Art 1962-1969: From the Aesthetic of Administration to 

the Critique of Institutions' in October Vol. 55, (Winter, 1990), S. 105-143 / 'Von der Ästhetik 

der Verwaltung zur Institutionellen Kritik', in Marie Louise Syring (Hg.), Um 1968. Konkrete 

Utopien in Kunst und Gesellschaft (DuMont, Köln, 1990), S. 86-99. 

Sabeth Buchmann, Denken Gegen das Denken: Produktion, Technologie, Subjektivität bei Sol 

LeWitt, Yvonne Rainer und Hélio Oiticica (b_books, Berlin, 2007), S. 172-183. 

Sebastian Egenhofer, Produktionsästhetik (Diaphanes, Zürich, 2010), S. 142-144. 

Dan Graham, 'Eigenheime für Amerika' in Ulrich Wilmes (Hg.), Dan Graham: Ausgewählte 

Schriften (Oktagon, Köln, 1996), S. 26-32. 

Lucy Lippard and John Chandler, 'The Dematerialization of Art' in Peter Osborne (Hg.), 

Conceptual Art (Phaidon,London, 2002), S. 218-220. 

Siegfried Kracauer, ‘The Mass Ornament’ in ders., The Mass Ornament (Harvard University 

Press, Cambridge Mass./London, 1995), S. 75-88. 

John Roberts, ‘The Missing Factory’ in Mute, July 2012 

(http://www.metamute.org/editorial/articles/missing-factory). 

Viktor Shklovsky, ‘Art as Technique’ in L.T. Lemon and M.J. Reis, Russian Formalist Criticism 

Four Essays, (University of Nebraska Press, 1965). 

Hito Steyerl, ‘Is the Museum a Factory?’ in E-Flux, Juli 2009 

(http://www.e-flux.com/journal/is-a-museum-a-factory/). 

Jeff Wall, 'A Draft For Dan Graham's Kammerspiel' in ders., Dan Graham's Kammerspiel (Art 

Metropole, Toronto, 1991), S. 87-115 / 'Ein Entwurf zu Dan Grahams Kammerspiel' in Gregor 

Stemmrich (Hg.), Jeff Wall: Szenarien im Bildraum der Wirklichkeit (Philo Fine Arts, Hamburg, 

2008), S. 47–88. 

Zusätzliches Material: Vgl. online-VVZ 

17

Bemerkungen: 

Leistungsnachweis: Anwesenheit im Seminar und Partizipation an der Aktion (Tiergarten), 

sowie die Beteiligung an der Produktion der Dokumentation (z.B. das Verfassen eines Berichts 

über die Aktion, oder theoretische Reflexion über die Aktion, oder über einen der diskutierten 

Texte, im Umfang einer Hausarbeit, ca. 10-15 Seiten). 

Teilnahmenachweis: Anwesenheit im Seminar und Partizipation an der Aktion, 

Dokumentation der Aktion (Fotos oder kurzer Bericht, schriftlich oder mündlich). 

In der Einführungsveranstaltung können sich die Teilnehmer/innen entscheiden, ob und zu 

welchem Text sie gerne ein Referat halten möchten. 

Ansprechpartnerin: Marina Gerber, marina-gerber(at)gmx.de 

Geöffnet für Studium Generale. 

Dr. Reinhard Knodt 

Proseminar: Philosophie des kolonialen Denkens 


Mo, 11-13 Uhr, wöchentlich, 08.04.2013 bis 08.07.2013, Ha33 – 110 

SWS 2 


Kolonisieren heißt Besiedeln. Das „koloniale“ Denken ist kein bloß historisches Problem, 

sondern ein Denk-Stil, der zu allen Zeiten Einfluss auf Politik, Kunst und Wissenschaft hatte. 

Von den Kolonien des alten Athen bis zu den Kolonien der europäischen Staaten in Afrika und 

Asien, aber auch weit in den heutigen Neokolonialismus reicht dieses Denken, das den zu 

erobernden oder zu besiedelnden Raum in erster Linie daraufhin abschätzt, wie er den eigenen 

Handlungs- oder Nutzungs-Wünschen angepasst werden kann. Auch Künstler denken in 

gewissem Sinne „kolonial“, wenn sie den öffentlichen Raum einer Kultur mit ihren Projektionen 

und Konzepten zu besiedeln suchen. Ein Gegenprinzip wäre das verstehende Denken, ein 

Habitus, dem es auf Erkennen und Durchdringung ankommt, sowie das Korrespondenzdenken, 

das die Möglichkeiten eines Miteinander auslotet. 

Die philosophische Beschäftigung mit dem Kolonialen setzt mit Friedrich Nietzsche ein und hat 

prominente Vertreter von Disraeli bis Carl Schmidt. Sie führt zu Romanen und Werken der 

bildenden Kunst sowie zu avantgardistischen Projekten – etwa dem Anthropozän-Projekt, das 

die Besiedelung der Erde durch den Menschen thematisiert. 

Wir setzen mit einer Lektüre von Robinson Crusoe ein, lesen Partien deutscher und englischer 

Reiseliteratur zu Indien, darunter Waldemar Bonsels „Meine Indienreise“ und die scheinbar 

heiteren Geschichten von Charles Chevenix French „My Mother told me. Wir betrachten Bilder 

aus der Zeit der Kolonialherrschaft Englands und der Zeit der Sklavenbefreiung. Wir treffen uns 

mit zeitgenössischen Künstlern, die das Koloniale zum Zentrum ihrer Beschäftigung gemacht 

haben. (Israel, Palästina, Afrika) Wir beschäftigen uns mit Lawrence von Arabien und Carl Peters 

“Deutsch Ost Afrika“) und wir begutachten Fälle sprachlicher Kolonisierung – etwa das 

Eindringen von Unternehmersprache in den Bildungsbereich. Unsere „Forschungen“ reichen 

von der Südseeromantik über den Film Aguirre oder der Zorn Gottes bis zur genauen 

Untersuchung einer Kelloggs-Packung. Wer Lust auf solche philosophischen Irr- und Umwege 

zur Kunst hat, ist willkommen. (Scheinerwerb variabel nach Absprache, Niveau und Aufgabe). 

Bemerkungen: 




18


Proseminar: Werkanalyse - Der Körper in der Kunst des 20. Jahrhunderts 


Mo., 10-12 Uhr, wöchentlich, 08.04.2013 bis 08.07.2013 - Ha33 - 150 

SWS 2 


Der Körper hat in der bildenden Kunst seit jeher eine zentrale Rolle gespielt. Im 20. Jahrhundert 

haben sich jedoch ganz neue Formen entwickelt, in denen der Körper repräsentiert werden kann. 

Um solche Neuerungen deutlich zu machen, sollen in diesem Seminar exemplarische Werke 

genau analysiert und mit anderen verglichen werden. Dabei wird klar werden, dass in den 

jeweiligen Werken sehr verschiedene Aspekte des Körpers und der Art und Weise seiner 

Transformation in ein künstlerisches Objekt im Vordergrund stehen. Wer ein Referat 

übernehmen möchte, sollte sich in die Liste eintragen, die ab Mitte Februar auf dem Gang in der 

Nähe der Seminarräume 150 und 151 aushängt. Für die einzelnen Sitzungen sind folgende 

Themen geplant: 

8. April Einführung (kein Referat) 

15. April Egon Schiele: Sitzender männlicher Akt (Selbstbildnis), 1910 

22. April Max Ernst: die anatomie als braut, 1921 

29. April Pablo Picasso: Baigneuse assise au bord de la mer, 1930 

6. Mai Arno Breker: Bereitschaft, 1939 

13. Mai Alberto Giacometti: Homme qui marche sous la pluie, 1948 

20. Mai (Pfingsten) 

27. Mai Willem de Kooning: Marilyn Monroe, 1954 

3. Juni Louise Bourgeois: La Fillette, 1968 

10. Juni Bruce Nauman: Live Taped Video Corridor, 1970 

17. Juni Cindy Sherman: Untitled Film Still # 264, 1992 

24. Juni (entfällt wegen einer Prüfungsverpflichtung) 

1. Juli Candice Breitz: Rainbow Series # 14, 1996 

8. Juli Abschlussdiskussion (kein Referat) 

Bemerkung: 


Besonders geeignet als Teil von Modul 3. 

Für Anfängerinnen und Anfänger. 




Hauptseminar: Klassiker des europäischen Experimentalfilms 


Mo., 14-16 Uhr, wöchentlich, 08.04.2013 bis 08.07.2013 - Ha33 - 150 

SWS 2 


Obgleich viele Studierende sicherlich schon manche der mittlerweile als klassisch geltenden Filme 

der europäischen Avantgarde gesehen haben, ist es sinnvoll, exemplarische Werke aus dieser 

Tradition einer gründlichen Analyse zu unterziehen, um sie aus ihrem jeweiligen Kontext heraus 

19

zu verstehen. Das soll in diesem Seminar geschehen. Das Spektrum der zu diskutierenden Filme 

reicht von den abstrakten Animationsfilmen vom Anfang der Zwanziger Jahre über die 

filmischen Versuche des Surrealismus bis hin zu Beispielen für den Avantgardefilm der Sechziger 

Jahre. Filme, die in den USA entstanden, werden dabei nicht berücksichtigt, weil sie bereits im 

letzten Wintersemester Gegenstand eines Seminars waren. Wer ein Referat übernehmen möchte, 

sollte sich in die Liste eintragen, die ab Mitte Februar auf dem Gang in der Nähe der 

Seminarräume 150 und 151 aushängt. Für die einzelnen Sitzungen sind folgende Themen geplant: 


15. April Filme von W.Ruttmann, O.Fischinger, V.Eggeling und H.Richter, 1921-25 

22. April Man Ray: Retour à la raison, Emak Bakia und L’Étoile de mer, 1923-28 

29. April Fernand Léger: Ballet mécanique, 1924 

6. Mai Joris Ivens: De Brug und Regen, 1928-29 

13. Mai Luis Buñuel und Salvador Dalí: Un Chien Andalou, 1929 

20. Mai (Pfingsten) 

27. Mai Dziga Vertov: Chelovek s kinoapparatom, 1929 

3. Juni Kenneth Macpherson: Borderline, 1930 

10. Juni Jean Cocteau: Le sang d'un poète, 1930 

17. Juni Jean Genet: Un Chant d'Amour, 1950 

24. Juni (entfällt wegen einer Prüfungsverpflichtung) 

1. Juli Samuel Beckett: Film, 1965 


Bemerkungen: 

Für Gast- und Nebenhörerinnen und Gast- und Nebenhörer geeignet. 

Für Fortgeschrittene. 



Prof. Dr. Karlheinz Lüdeking, Dr. Margarete Vöhringer 

Hauptseminar: Künstliche Menschen 


Di., 10-12 Uhr, wöchentlich, 09.04.2013 bis 09.07.2013 - Ha33 - 150 

SWS 2 


Naturwissenschaftler benutzen seit etwa einem Jahrzehnt den Begriff „Anthropozän“, um zu 

verdeutlichen, dass wir in eine neue erdgeschichtliche Epoche eingetreten sind: das Zeitalter einer 

von menschlichen Eingriffen geprägten Natur. Hierbei wird auch der Mensch selbst zunehmend 

zu einem Konstrukt. Angesichts dessen beschäftigt sich das Seminar mit der Geschichte der 

künstlichen Menschen. Schon seit der Antike entwarf jede Zeit ihre künstlichen Menschen, und 

sie alle versprachen die Möglichkeit einer geistigen und physischen Vervollkommnung, sei es 

mithilfe wissenschaftlicher, ökonomischer, sozialer oder technischer Novitäten. Das Seminar 

wird im Blick auf die verschiedenen Visionen von künstlichen Menschen in den Wissenschaften, 

der Philosophie und den verschiedenen Künsten die Versprechungen und Grenzen moderner 

Anthropotechniken diskutieren. Die Beispiele reichen vom Prometheus-Mythos und literarischen 

Figuren wie Frankenstein über Le Corbusiers Modulor und den Cyborgs und Avataren des 

Computerzeitalters bis hin zu den aktuellen Errungenschaften der Prothetik und der 

Reproduktionsmedizin. Zur Vorbereitung eignen sich besonders zwei Bücher: Der Neue Mensch. 

20

Obsessionen des 20. Jahrhunderts, hrsg. von N.Lepp, M.Roth, K.Vogel, Ostfildern-Ruit 1999, und 

Künstliche Menschen. Manische Maschinen. Kontrollierte Körper, hrsg. von R.Aurich, W.Jacobsen, 

G.Jatho, Berlin 2000. Wer ein Referat übernehmen möchte, sollte sich in die Liste eintragen, die 

ab Mitte Februar auf dem Gang in der Nähe der Seminarräume 150 und 151 aushängt. Für die 

einzelnen Sitzungen sind folgende Themen geplant: 


16. April Menschen aus Lehm 

23. April Pygmalion und seine „Elfenbeinjungfrau“ 

30. April Frankensteins Monster 

7. Mai Puppen und Automaten 

14. Mai Die falsche Maria in Fritz Langs Film Metropolis (1927) 

21. Mai Roboter 

28. Mai Wie erkennt man Replikanten? 

4. Juni Erschaffung „neuer Menschen“ durch Psychotechniken 

11. Juni Der Mensch nach Maß in der Architektur 

18. Juni Körper, die zu Cyborgs aufgerüstet werden 

25. Juni Menschenzüchtung, Gentechnik, Reproduktionsmedizin 

2. Juli Digitale Menschen 


Bemerkungen: 






Hauptseminar: Walter Benjamin: Texte zu Malerei, Fotografie und Film 


Di., 14-16 Uhr, wöchentlich, 09.04.2013 bis 09.07.2013 - Ha33 - 150 

SWS 2 


In diesem Seminar soll Benjamins bekanntester Aufsatz „Das Kunstwerk im Zeitalter seiner 

technischen Reproduzierbarkeit“ einmal nicht der primäre Fokus der Überlegungen sein. 

Stattdessen werden wir uns zunächst mit zwei kurzen Notizen beschäftigen, die Benjamin bereits 

als fünfundzwanzigjähriger Student niederschrieb: „Malerei und Graphik“ sowie „Über die 

Malerei oder Zeichen und Mal“. Daran anschließend werden verschiedene Texte aus den 

Zwanziger Jahren besprochen, wie etwa „Vereidigter Bücherrevisor“ aus der Einbahnstaße und 

„Der Sürrealismus“. Daraufhin soll die „Kleine Geschichte der Photographie“ zusammen mit 

zwei programmatischen Traktaten der Bauhaus-Mitglieder László Moholy-Nagy und Ernö Kállai 

gelesen werden, um die so Lektüre des Kunstwerk-Aufsatzes vorzubereiten, die dann wesentlich 

leichter fallen dürfte als ohne diese Kontextualisierung. Im Verlauf des Seminars können auch 

Notizen aus dem Passagenwerk herangezogen werden, zum Beispiel die Bemerkungen über das 

„Verhältnis von Allegorie und Ware“. Damit alle, die am Seminar teilnehmen, mit derselben 

Textgrundlage arbeiten können, ist es unabdingbar, das Taschenbuch aus der edition suhrkamp mit 

dem Titel Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit - Drei Studien zur 

Kunstsoziologie anzuschaffen, das 7,50 Euro kostet und neben dem Kunstwerk-Aufsatz auch die 

21

Aufsätze „Kleine Geschichte der Photographie“ und „Eduard Fuchs, der Sammler und der 

Historiker“ enthält. Ansonsten werden Fotokopien der zu besprechenden Texte verteilt. Da in 

diesem Seminar keine Referate gehalten werden, besteht auch keine Möglichkeit, einen 

Leistungsnachweis zu erwerben. 

Bemerkungen: 






Kolloquium: Besprechung kunstwissenschaftlicher Arbeitsvorhaben 


Di. 13-14 Uhr, wöchentlich, 09.04.2013 bis 09.07.2013 - Ha33 - 149 

SWS 1 


Fiona McGovern 

Hauptseminar: Die Ausstellung als künstlerisches Medium 


Fr, 12-14 Uhr, wöchentlich, 12.04.2013 bis 12.07.2013 – Ha33 - 151 

SWS 2 

Maximale Teilnehmer: 20 


Die Ausstellung ist im Laufe des 20. Jahrhunderts zu dem zentralen Format innerhalb des 

Kunstfeldes aufgestiegen. Sie ist der Ort, an denen unter der Regie des Kurators Kunstwerke 

einer Öffentlichkeit präsentiert und von ihr rezipiert werden. Sie bietet den Ausgangspunkt für 

Kunstkritik und trägt vor allem über die begleiteten Kataloge häufig selbst zur 

Kunstgeschichtsschreibung bei. Im Fokus dieses Seminars stehen neben der Diskussion der 

Spezifika unterschiedlicher Ausstellungsformate, ihrer Displays und den hierin involvierten 

Handlungsschritten vor allem der künstlerische Umgang mit diesen Formaten im Laufe des 20. 

Jahrhunderts bis hin zur aktuellen Situation. Was heißt es, wenn eine Ausstellung selbst zum 

Kunstwerk wird und inwiefern verändern sich die Rezeptions- und Produktionsbedingungen, 

wenn ein Künstler kuratorisch tätig wird? Im Zusammenhang mit diesen Fragen sollen Aspekte 

der sogenannten Institutionskritik und des Verhältnisses von künstlerischem und kuratorischem 

Handeln ebenso wie die medialen Spezifika und unterschiedlichen Erfahrungsmodalitäten von 

künstlerischen Ausstellungsdisplays diskutiert werden. 

Bemerkung: 




22

Dr. Kassandra Nakas 

Seminar: Broodthaers u.a. 


Di, 12-14 Uhr, wöchentlich, 09.04.2013 bis 09.07.2013 – Ha33 - 150 

SWS 2 


Marcel Broodthaers (1924-1976) ist heute ein noch immer höchst präsenter Vertreter der Kunst 

der 1960er und 1970er Jahre. Seine ikonischen Objekte und Installationen finden sich in 

Überblickswerken zur Kunst nach 1945, ohne dass sein Schaffen einer der vorherrschenden 

Kunstströmungen der Zeit klar zuzuordnen wäre. Mehrere kunstwissenschaftliche Monografien 

haben jüngst Broodthaers‘ Werk einerseits stärker in den künstlerischen und gesellschaftlichen 

Kontexten seiner Zeit verortet und andererseits detaillierte Analysen einiger seiner Werke 

geliefert, die ihrerseits oft in komplexer Weise auf das Schaffen anderer Künstler bzw. vor allem 

Literaten verweisen. Schließlich war auch Broodthaers‘ eigene Wirkung auf eine jüngere 

Generation vor drei Jahren Thema einer Ausstellung in Düsseldorf, die Werke von so 

unterschiedlichen Künstlerinnen und Künstlern wie Tacita Dean, Cerith Wyn Evans und Rirkrit 

Tiravanija präsentierte. Das Seminar nimmt das vielschichtige und oftmals rätselhafte Werk des 

belgischen Künstlers zum Ausgangspunkt einer – auch über seine eigenen Arbeiten 

hinausreichenden – Untersuchung ästhetischer und konzeptueller, bildlicher und begrifflicher 

Aneignungen und Transformationen von Ideen, Begriffen, Bildern und Objekten. Unter einigen 

leitmotivisch vorangestellten Begriffen („Das Museum“; „Die Objekte“; „Bild und Sprache“ u.a.) 

sollen Broodthaers‘ eigene sowie Werke seiner und unserer Zeitgenossen vorgestellt und 

diskutiert werden, wie mittels ihrer die Funktion von Kunst und die Rolle des Museums, das 

Verhältnis von Bild und Sprache, von bildlichem und dichterischem Ausdruck u.ä. reflektiert 

werden. 

Die Teilnehmerinnen und Teilnehmer des Seminars sollten Interesse haben, sich eingehend mit 

einer literaturaffinen Künstlerpersönlichkeit auseinanderzusetzen, von deren Werk ausgehend 

weitere heterogene Themenkomplexe erarbeitet werden. Auch die Bereitschaft zur Lektüre 

literarischer Quellen sowie englischsprachiger kunstwissenschaftlicher Literatur wird 

vorausgesetzt. 

Voraussetzung für einen Leistungsnachweis ist ansonsten die regelmäßige Teilnahme sowie die 

Übernahme eines ca. 45-minütigen Referats mit schriftlicher Ausarbeitung. Voraussetzung für 

eine Teilnahmebescheinigung ist die regelmäßige Teilnahme sowie die Übernahme eines ca. 20- 

minütigen Kurzreferats (ohne schriftliche Ausarbeitung). 


Folie, Sabine (Hg.): Un coup de dés: Bild gewordene Schrift. Ein ABC der nachdenklichen 

Sprache. Kat. Ausst. Generali Foundation, Wien, 19.9.-23.11.2008. Köln: König 2008. 

Haidu, Rachel: The absence of work: Marcel Broodthaers 1964-1976. Cambridge, Mass. u.a.: MIT 

Press 2010. 

Hildebrand-Schat, Viola: Literarische Aneignung und künstlerische Transformation. Zur 

Literaturrezeption im Werk von Marcel Broodthaers. München: Schreiber 2012. 

Jansen, Gregor (Hg.): Von realer Gegenwart: Marcel Broodthaers heute. Kat. Ausst. Kunsthalle 

Düsseldorf und Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, 11.9.2010-16.1.2011. Köln: 

König 2010. 

König, Susanne: Marcel Broodthaers: Musée d'Art Moderne, Département des Aigles. Berlin: 

Reimer 2012. 

Metz, Petra: Aneignung und Relektüre: Text-Bild-Metamorphosen im Werk von Marcel 

Broodthaers. München: Schreiber 2007. 

23

Schultz, Deborah: Marcel Broodthaers: Strategy and Dialogue. Oxford u.a.: Lang 2007. 

Bemerkung: fkü. 




Dr. Hans-Joachim Petersen 

Proseminar: Wols und die Kunst in Paris nach 1945 


Di. 11-13 Uhr, wöchentlich, 09.04.2013 bis 09.07.2013 - Ha33 - 004 

findet nicht am 28.5. und 11.6. statt. Am 9. April und 9. Juli mit Auftakt- und 

Abschlussdiskussion bis jeweils 16 Uhr. 

SWS 2 


Nach dem Ende des Zweiten Weltkrieges 1945 und der Documenta II 1959 erlebt die Stadt Paris 

eine sehr vitale Künstlerszene von der Impulse ausgehen, die die Entwicklung der Kunst im 20. 

Jahrhundert entscheidend beeinflussen. Eine der zentralen Künstler war Wolfgang Alfred Otto 

Schulze, genannt Wols, - dessen 100. Geburtstag 2013 mit Ausstellungen in Bremen, Wiesbaden 

und Dresden gewürdigt wird -, der 1947 vierzig Gemälde im abstrakten Stil in Paris ausstellte und 

damit das Genre des französischen „Informel“ und der Abstraktion als Weltsprache begründete. 

Im Seminar werden die wichtigsten Künstler um1945 inder Kunsthauptstadt Europas mit ihrem 

Beziehungsgeflecht vorgestellt. Am Beispiel von Giacometti, Dubuffet, Fautrier, Hartung und 

vor allem Wols oder Künstlergruppen wie der „Ecole de Paris“ wird die Entwicklung der Neuen 

Kunst nach 1945 dargestellt und ihre künstlerische Praxis analysiert, wobei das „Prinzip der 

Formlosigkeit“ zwischen Form- und Nicht-Form konstituierend ist. Zudem wird die Wirkung 

dieser „Neuen Kunst“ (Informel, Art Brut) auf den Anfang der 50er Jahre in den USA 

aufkommenden „Abstrakten Expressionismus“ untersucht, der dann 1959 auf der Documenta II 

und der Biennale in Venedig gezeigt wird und die Epoche der französischen Avantgardekunst aus 

Paris beendet. 

Für die einzelnen Sitzungen sind folgende Themen geplant: 

9. April: Einführung und Referatsvergabe 

16. April Die Kunstszene in Paris um 1945 : Einführung ins Thema. 

23. April Kandinsky, Monet und der Surrealismus: Die Väter der Lyrische Abstraktion. 

30. April Die Ecole de Paris: Alfred Manessier, Jean Riopelle etc. 

7. Mai Der Galerist René Drouin. Seine Rolle und seine Künstler: Roger Bissière, Wols, Fautrier, 

Dubuffet. 

14. Mai Die Künstler Pierre Soulages, Georges Mathieu, Dubuffet, Fautrier. 

21. Mai Das Problem informeller Skulpturen: Giacometti, Brancusi. 

4. Juni Wols und Pollock. Lyrische Abstraktion und Action Painting. 

18. Juni Die Ausstellung von Michel Tapié im Studio Paul Facchetti 1951. Pollock in Paris. 

25. Juni Auswirkungen auf das deutsche Informel: Baumeister, Nay, Götz, Schultze etc. 

2. Juli Die Documenta II 1959: Informel oder Abstrakter Expressionismus. 

9. Juli Informel und die Folgen für die künstlerische Praxis: Geschichte und Gegenwart. Sowie 

Abschlussdiskussion des Seminars: 11 bis 16 Uhr. 


24

- Ausstellungskatalog: Paris-Paris 1937-1957. Malerei, Graphik, Skulptur, Film, Theater, 

Literatur, Architektur, Design, Photographie, Prestel Verlag, München 1981. 

- Eugen Thiemann:1980, Informel: Götz, Schultze, Hoehme (Ausstellungskatalog, Museum am 

Ostwall, Dortmund), S.5f.„Informel ist innerhalb des 20. Jahrhunderts die Phase II der 

malerischen Abstraktion. Informel hat das Testament Kandinskys vollstreckt, ist jedoch nicht 

sein Epigone geworden. Informel wurde seine Metamorphose.“ 

- Martin Schieder: Im Blick des anderen: Die deutsch-französischen Kunstbeziehungen 1945- 

1959, Oldenburg 2005. 

- Hans-Joachim Petersen: Wols. Die Aphorismen, Verlag Schirmer&Mosel, München 2010. 

- Ausstellungskatalog: Le grand geste!: Informel und Abstrakter Expressionismus 1946-1964, 

Museum Kunstpalast, Düsseldorf 2010. 

- Rolf Wedewer: Die Malerei des Informel: Weltverlust und Ich-Behauptung, Deutscher 

Kunstverlag, München 2007. 

Bemerkung: 




Dr. Johannes Rößler 

Proseminar: Streitbilder - Kunstwerke und ihre Kritiker 1750 bis 1950 


Mo, 10-12 Uhr, wöchentlich, 08.04.2013 bis 08.07.2013 - Ha33 - 004 

SWS 2 


Warum können Bilder starke Ablehnung provozieren und sind dennoch erfolgreich? Dass 

Zeitgenossen oft spätere „Klassiker“ der Kunstgeschichte verkennen und ablehnen, zeigen nicht 

allein die Einzelschicksale so unterschiedlicher Künstler wie Caspar David Friedrich oder Vincent 

van Gogh, das Grundmuster gehört vielmehr zu den wesentlichen Merkmalen von fast jeder 

Kunst, die später als „innovativ“ oder „modern“ bezeichnet wird. Mehr noch: Die polemische 

Auseinandersetzung mit Kunstwerken kann auch das erste Signal zur Formulierung neuer 

Erkenntnisse sein, wie eine ablehnende Rezension zu Claude Monet aus dem Jahr 1874 zeigt, die 

ganz beiläufig den Stilbegriff des „Impressionismus“ erfand. Das Seminar fragt anhand von 

ausgewählten Kunstwerken und kritischen Texten nach den Vorgehensweisen der Gegner von 

Kunstwerken. Neben der Aufdeckung der Strategien polemischer Bildbetrachtung und der 

ideologischen Hintergründe wird die Frage gestellt, welchen Anteil der „Verriss“ an der 

Erkenntnis über die Neuartigkeit eines Werks hat. Anders formuliert: Welche Qualitäten eines 

Bildes können gerade in seiner Ablehnung zum Vorschein kommen? 

Aus dem Programm: Diderot und die Kunstkritik der Salons in Frankreich; Der Streit um Caspar 

David Friedrichs Teschener Altar (1808); Ruskin versus Whistler: Die (un)artige Kunst, sich 

Feinde zu machen; Künstler als Wahnsinnige: Strategien der Pathologisierung; Max Nordau: 

Vermittler und Gegner (um 1890); Julius Meier-Graefe, Der Fall Böcklin (1905); Die 

impressionistische Kritik am Expressionismus (um 1920); Konservativ oder reaktionär? – Hans 

Sedlmayr, Verlust der Mitte (1948). 

25

Literatur in Auswahl: 

Streit / Conflict. In: Texte zur Kunst 22 (2012), Heft 87, September 2012. 

Albert Dresdner: Die Entstehung der Kunstkritik im Zusammenhang der Geschichte des 

europäischen Kunstlebens, München 1968. 

Peter Paret: Die Berliner Secession. Moderne Kunst und ihre Feinde im Kaiserlichen 

Deutschland, Berlin 1981 

Bemerkung: 





Proseminar: RAUMfragen. Konzepte des Raums in Kunsttheorie und Philosophie 


Do., 10-12 Uhr, wöchentlich, 11.04.2013 bis 11.07.2013 - Ha33 - 150 

SWS 2 


Raum – ein Begriff, der jedem von uns vertraut ist, mit dem wir täglich in verschiedensten 

Formen konfrontiert werden und dessen heterogene Ausprägungen eine Bandbreite an Theorien 

seit der Antike sprachlich zu fassen zu sucht, steht im Zentrum dieses Lektüre-Seminars. Die 

komplexe Begriffsgeschichte changiert dabei zwischen diffusen Alltagsvorstellungen von Welt-, 

Wohn-, Kultur- und sozial-öffentlichem Raum, Gedanken- und mentalem Reflexionsraum sowie 

dem aus Schulgeometrie und Physik bekannten Raum als Behälter und Gefäß. Für die Künste 

stellt er bekannterweise ein entscheidendes Instrumentarium dar: in der Öffnung illusionistischer 

Bildräume mittels der Zentralperspektive, der Konstruktion von architektonischen Orten und 

damit der Strukturierung des Innen- und Außenraums sowie der plastisch-dreidimensionalen, 

raumbesetzenden und -gestaltenden Form skulpturaler Objekte. Erst seit der zweiten Hälfte des 

19. Jahrhunderts findet zunehmend eine terminologische Ausweitung in Wissenschaftsgebiete wie 

Kunstgeschichte, Psychologie, Soziologie und Ethnologie statt. Durch die Abkehr vom 

neuzeitlichen „Containerraum“ und dem Primat der Euklidischen Geometrie werden neue 

Raumhypothesen geboren, die dessen Relationalität und Abhängigkeit von unterschiedlichen 

Zeit- und Ortbindungen betonen. Raum besitzt fortan nicht mehr den Status eines präexistenten 

Apriori, einer homogenen, messbaren Anschauungsform, sondern weist vielfältige, veränderbare 

Merkmale auf. 

Ausgehend von diesen kaleidoskophaft zersplitterten Raumkonzepten werden im Seminar 

exemplarisch ausgewählte Texte gemeinsam erarbeitet und in Diskussionen analysiert. Der Fokus 

liegt auf grundlegenden Basisschriften, die einen Einblick in das umfassende Themenspektrum 

ermöglichen. Spezifische Vorkenntnisse sind nicht erforderlich. Die Besprechung des 

Seminarprogramms und die Vergabe von Referaten erfolgen in der Einführungsveranstaltung. 


Augé, Marc, Nicht-Orte, München 2012. 

Bachelard, Gaston, Poetik des Raumes, Frankfurt a.M. 2011. 

Badt, Kurt, Raumphantasien und Raumillusionen. Wesen der Plastik, Köln 1963. 

Boehm, Gottfried, Das spezifische Gewicht des Raumes. Temporalität und Skulptur, in: Angela 

Lammert et al. (Hg.), Topos Raum. Die Aktualität des Raumes in den Künsten der Gegenwart, 

Nürnberg 2005, S.31-41. 

26

Boehm, Gottfried, Plastik und plastischer Raum, in: Gundolf Winter / Jens Schröter / Johanna 

Barck (Hg.), Das Raumbild. Bilder jenseits ihrer Flächen, München [u.a.] 2009, S.21-46. 

Dünne, Jörg / Günzel, Stephan (Hg.), Raumtheorie. Grundlagentexte aus Philosophie und 

Kulturwissenschaften, Frankfurt a.M. 2006. 

Günzel, Stephan (Hg.), Raum. Ein interdisziplinäres Handbuch, Stuttgart [u.a.] 2010. 

Heidegger, Martin, Die Kunst und der Raum, Frankfurt a.M. 2007. 

Merleau-Ponty, Maurice, Phänomenologie der Wahrnehmung, Berlin 1976. 

Morris, Robert, Das Präsens des Raums (1978), in: Susanne Titz / Clemens Krümmel (Hg.), 

Bemerkungen zur Skulptur. Zwölf Texte, Dijon & Zürich 2010, S.117-142. 

Ott, Michaela, Raum, in: Ästhetische Grundbegriffe. Historisches Wörterbuch in sieben Bänden, 

Bd. 5. Stuttgart / Weimar 2003, S. 113-149 

Bemerkung: 





Proseminar: Moderne und zeitgenössische Skulptur in Berlin - Übung vor den Originalen 


Do., 12-14 Uhr, Einzel: am 11.04.2013 - Ha33 - 150 (Einführungstermin. 

Weitere Termine (Wochenend- und Blocktermine) werden bei der Einführung bekannt 

gegeben.) 

SWS 2 


Die als Übung vor Originalen angelegte Veranstaltung widmet sich der modernen und 

zeitgenössischen Skulptur. Geplant sind drei ganztägige Exkursionen (jeweils am Samstag oder 

Sonntag) in den Martin-Gropius-Bau, das Georg-Kolbe Museum, die Daimler Kunstsammlung 

am Potsdamer Platz (Haus Huth) und zum Kulturforum. 

Am 18. Mai eröffnet im Martin-Gropius Bau eine Ausstellung des in London lebenden Künstlers 

Anish Kapoor, die eine große Bandbreite seiner vielfältigen, raumumfassenden Werke vereint. 

Das Georg-Kolbe Museum zeigt ab 22. Juni eine Ausstellung zur Farbe als skulpturalem Thema 

mit dem Titel „Farbe Raum Farbe“. Neben teils ortsspezifisch konzipierten Farbinstallationen 

von Angela Dwyer, Friederike Feldmann, Christine Rusche, Elisabeth Sonneck, Rainer Splitt, 

Nicola Stäglich, Esther Stocker und Klaus Martin Treder werden Farbobjekte ausgestellt, die frei 

im Museum platziert sind und ohne einen klassischen Trägergrund allein aus der Materialität der 

Farbe heraus ihren eigenen Raum bilden. 

Die Daimler Kunstsammlung stellt ab 19. April in ihrer Schau „Conceptual Tendencies 1960s to 

Today II. Body, Space, Volume“ Künstler der Concept Art der 1960/70er Jahre, darunter Sol Le 

Witt, Brian O’Doherty, Kazuko Miyamoto und Fred Sandback, jüngeren Positionen, u.a. Leonor 

Antunes, Wolfgang Berkowski, Sandra Peters und Nathalie Stachon gegenüber. 

Am Kulturforum in direkter Nachbarschaft zur Neuen Nationalgalerie, Staatsbibliothek und 

Philharmonie befinden sich einige Skulpturen, wie Barnett Newmans „Broken Obelisk“, Richard 

Serras „Berlin Junction“ und Ulrich Rückriems „Steinskulptur“. 

Im Zentrum stehen einzelne Werkanalysen vor Ort und die Diskussion gattungsspezifischer 

Fragestellungen, die für eine Annäherung an das Medium Skulptur entscheidend sind. Besondere 

Vorkenntnisse sind nicht erforderlich. Die Vergabe von Referaten erfolgt in der 

Einführungsveranstaltung. 

27


Anfam, David (Hg.), Anish Kapoor, London 2009. 

Bhabha, Homi K. (Hg.), Anish Kapoor, Paris 2011. 

Buchloh, Benjamin H.D, Michael Asher and the conclusion of modernist sculpture, in: ders., 

Neo-Avantgarde and culture industry, Cambridge, Mass. 2000, S.1-39. 

Buchloh, Benjamin H.D., Die Konstruktion (der Geschichte) der Skulptur; in: Klaus Bußmann 

(Hg.), Skulptur Projekte Münster, Ausstellungskatalog Köln 1987, S.329-353. 

Conceptual Tendencies 1960s to Today II. Body, Space, Volume, Berlin, 2013 (= Katalog 

erscheint zur Ausstellung in der Daimler Kunstsammlung). 

Giedion-Welcker, Carola, Plastik des XX. Jahrhunderts. Volumen und Raumgestaltung, Zürich 

1955. 

Hantelmann, Dorothea von, How to do things with art. Zur Bedeutsamkeit der Performativität 

von Kunst, Zürich [u.a.] 2007. 

Kluxen, Andrea M., Plastisches Sehen. Von Johann Gottfried Herder bis Adolf von Hildebrand, 

in: dies. (Hg.), Ästhetische Probleme der Plastik im 19. und 20. Jahrhundert, Nürnberg 2001. 

Krauss, Rosalind, Passages in Modern Sculpture, Cambridge, Mass. & London 1981. 

Krauss, Rosalind E., Skulptur im erweiterten Feld, in: dies., Die Originalität der Avantgarde und 

andere Mythen der Moderne. Amsterdam/Dresden 2000, S. 331-346. 

Potts, Alex, The Sculptural Imagination. Figurative, Modernist, Minimalist, New Haven & 

London 2000. 

Schreier, Christoph, Plastik als Raumkunst. Zum Verhältnis von Architektur und Plastik als 

raumgestaltenden Künsten, in: Klaus Bußmann (Hr.), Skulptur Projekte Münster, 

Ausstellungskatalog Münster, Köln 1987, S.318-328. 

Stemmrich, Gregor (Hg.), Minimal Art. Eine kritische Retrospektive, Basel & Dresden 1995. 

Trier, Eduard, Figur und Raum. Die Skulptur des XX. Jahrhunderts, Berlin 1960. 

Winter, Gundolf / Schröter, Jens / Spies, Christian (Hg.), Skulptur - zwischen Realität und 

Virtualität, München 2006. 

http://www.bildhauerei-in-berlin.de 

http://www.sammlung.daimler.com/contemporary/13_03_concept2/concept2_index_g.htm 

http://www.georg-kolbe-museum.de 

http://www.berlinerfestspiele.de/de/aktuell/festivals/gropiusbau/programm_mgb/mgb13_kap 

oor/ausstellung_kapoor/veranstaltungsdetail_56920.php 

Bemerkung: 




Veronika Tocha 

Proseminar: FotoSkulptur 


Mi, 10-12 Uhr, wöchentlich, 10.04.2013 bis 10.07.2013 - Ha33 - 151 

SWS 2 


Die Liaison zwischen Fotografie und Skulptur ist so alt wie das fotografische Medium selbst: 

bereits kurz nach dessen „Erfindung“ im Jahr 1839 rückten Gipsabdrücke, Statuetten, Büsten, 

Bauplastiken und Monumente auf der ganzen Welt in den Fokus der Fotopioniere. Im Laufe 

28

ihrer mittlerweile über 170-jährigen Geschichte hat nun diese Liaison verschiedenartigste Formen 

angenommen. So haben sich nicht nur die Fotografen in vielfältiger Weise der Skulptur bedient, 

sondern wurde auch die Fotografie zunehmend zum Werkzeug der Bildhauer, Objekt- und 

Installationskünstler, mit dem es den Raum zu erobern und die räumlich-plastische Arbeit 

fundamental zu erneuern galt. Vor diesem Hintergrund wäre mit Régis Durand zurecht von einer 

„verschwommenen Beziehung“, zugleich aber auch von einer äußerst fruchtbaren Allianz zu 

sprechen. Den Nebel zu lichten und dieses Potenzial freizulegen ist Ziel des Seminars. Sowohl 

die einschlägigen Eckpunkte der Fotogeschichte, als auch die im Zeichen des „Fotografischen“ 

stehende Auflösung bzw. Neukonstituierung des Skulpturenbegriffs sollen dabei nachgezeichnet 

werden. 

In den Blick nehmen werden wir historische und zeitgenössische künstlerische Positionen, die in 

ihrer Gesamtheit das Wechselverhältnis zwischen Fotografie und Skulptur spannungsreich 

illustrieren – so etwa die frühe reproduzierende Fotografie der Skulptur (z.B. bei Talbot, Atget), 

die allmählich als „künstlerisch“ begriffenen Bildhauerfotografien der Moderne (z.B. bei Rodin, 

Brancusi, Rosso), die über den fotografischen Akt erwirkten Transformationen natürlicher und 

alltäglicher Objekte in Quasi-Skulpturen oder auch „unfreiwillige Skulpturen“ (z.B. bei Blossfeldt, 

Brassaï, Szapocznikow, Neuenschwander, Wurm), die Fotoplastiken des Surrealismus (z.B. bei 

Moholy-Nagy, Man Ray), die fotografischen Anverwandlungen des Raumes ab den 1960er Jahren 

(z.B. bei Nauman, Matta Clark), oder die „gebauten Bilder“ (z.B. bei Kasten, Fischli/Weiss) und 

Modellfotografien (z.B. bei Demand, Casebere) der Gegenwartskunst. 

Mit Besuch der Ausstellung „Body Pressure. Skulptur seit den 1960er Jahren“, Hamburger 

Bahnhof – Museum für Gegenwart Berlin. 


Billeter, Erika (Hg.): Skulptur im Licht der Fotografie. Von Bayard bis Mappelthorpe [Ausst. Kat. 

Wilhelm Lehmbruck Museum, Duisburg, Musée d'art et d'histoire, Fribourg und Museum 

moderner Kunst Stiftung Ludwig, Wien 1997/1998]. Bern 1997. 

Dobbe, Martina: Fotografie als theoretisches Objekt: Bildwissenschaft, Medienästhetik, Kunstgeschichte. 


Gülicher, Nina. Inszenierte Skulptur: Auguste Rodin, Medardo Rosso, Constantin Brancusi. München 

2011. 

Marcoci, Roxana (Hg.): The Original Copy: Photography of Sculpture, 1839 to today [Ausst.Kat. 

Museum of Modern Art, New York und Kunsthaus Zürich, 2010/2011]. New York 2010. 

Wölfflin, Heinrich: „Wie man Skulpturen aufnehmen soll.“ Teil 1. In: Zeitschrift für bildende Kunst, 

N.F., 7/1896. 224-228. 

Bemerkung: 




29

ERLÄUTERUNGEN ZUM STUDIUM AM INSTITUT FÜR 

KUNSTWISSENSCHAFT UND ÄSTHETIK 

DER UDK BERLIN 

Wer braucht welche Scheine? 

Studierende der Freien Kunst 

Der wissenschaftliche Teil des Studiums umfasst das Lehrangebot des Instituts für 

Kunstwissenschaft und Ästhetik. 

Benötigt werden 5 Scheine im gesamten Studium: 

[1 Schein während Grundlehre (1. und 2. Semester) – diese Veranstaltung wird i.d.R. von 

einem/r Dozenten/in der Grundlehre geleitet.] 

2 unbenotete Scheine (Proseminar-Scheine) im Grundstudium, 2 unbenotete Scheine 

(Hauptseminar-Scheine) im Hauptstudium. 

Studierende der Freien Kunst müssen für einen (unbenoteten) Schein i.d.R. ein Referat mit 

schriftlicher Ausarbeitung erbringen (ca. 10 Seiten im Proseminar, ca. 15 Seiten im 

Hauptseminar). 

Die Scheine sollten in den Lehrveranstaltungen des Instituts für Kunstwissenschaft und Ästhetik 

erworben werden. Bei Vorlage der entsprechenden Arbeiten und in Rücksprache mit den 

ProfessorInnen des Instituts können auch Scheine aus Seminaren an anderen Hochschulen 

anerkannt werden. 

Studierende Bachelor / Master 

Analog für BA1 und BA2: Während des Studiums müssen 6 Seminare belegt werden, davon 

jeweils 3 im Modul 3 bzw. im Modul 4. 

Studium im Modul 3: Kunstwissenschaft Pflicht: Einführung 

- Eines der Seminare in Modul 3 muss die im Wintersemester angebotene LV „Einführung in die 

Kunstgeschichte“ (Modul 3.1) sein, sie sollte im ersten Studiensemester belegt werden. 

- In einem der beiden anderen Seminare in Modul 3 muss ein benoteter Schein (Referat mit ca. 

10-seitiger schriftlicher Ausarbeitung) erbracht werden. 

30

Studium im Modul 4: Kunstwissenschaft Pflicht: Vertiefung 

- Das Modul kann frühestens im 3. Fachsemester studiert werden. 

- In einem der 3 Seminare in Modul 4 muss ein benoteter Schein (Referat mit ca. 15-seitiger 

schriftlicher Ausarbeitung) erbracht werden. 

Modulabschlussprüfungen: 

Modul 3: 

Die Modulabschlussprüfung wird in der Regel am Ende des dritten Semesters abgelegt. Sie 

besteht aus einer 15minütigen mündlichen Prüfung und wird benotet. Die Prüfungsinhalte 

entstammen der Lehrveranstaltung, (3.2 oder 3.3), in der der/die Studierende keinen benoteten 

Schein erbracht hat. 

Voraussetzung zur Prüfungsanmeldung ist die erfolgreiche Teilnahme an den drei Seminaren des 

Moduls 3; nur in Ausnahmefällen kann der benotete Schein nachgereicht werden. 

Zur Prüfungsanmeldung legen Sie dem/r PrüferIn das Modulblatt vor und klären mit ihm/r den 

konkreten Prüfungstermin ab. In der Regel finden die Modulabschlussprüfungen von Modul 3 in 

der letzten Vorlesungswoche statt, und zwar in dem ‚Zeitfenster’, das für die jeweilige 

Veranstaltung, zu der die Prüfung abgelegt wird, vorgesehen ist. Wer jeweils als BeisitzerIn 

fungiert, wird unter den DozentInnen des Instituts abgestimmt. Wird die Prüfung bei einem/r 

Lehrbeauftragten abgelegt, sollte der/die BeisitzerIn ein/e ProfessorIn des Instituts sein. 


Nach Abschluß der Prüfung leitet der/die PrüferIn die Prüfungsunterlagen (Modulblatt und 

Protokoll) über die Fakultätsverwaltung (Frau Kotala) an den Prüfungsausschuss weiter, von 

dort gehen die Unterlagen an das Prüfungsamt (IPA). Dort wird die Bescheinigung über die 

abgelegte Modulabschlußprüfung erstellt und an Sie versendet. 

Modul 4: 

Das Modul wird mit einer benoteten mündlichen Prüfung oder einer benoteten Klausur 

abgeschlossen. Die Prüfungsinhalte sollen ein breites kunstwissenschaftliches Spektrum abdecken 

und werden nach Absprache mit den PrüferInnen festgelegt. Für die Prüfung werden 2 

Themengebiete vereinbart. In der mündlichen Prüfung werden beide Themengebiete 

berücksichtigt (je 15 Minuten pro Teilgebiet), in der Klausur erhält der/die Studierende aus jedem 

31

Teilgebiet eine konkrete Aufgabe zur Wahl gestellt und bearbeitet dann eine der beiden Aufgaben 

innerhalb von 4 Stunden. 

Die mündliche Prüfung wird in der Regel durch 2 PrüferInnen abgenommen, die Klausur 

dementsprechend in der Regel von 2 PrüferInnen beurteilt. In beiden Fällen muss eine/r der 

PrüferInnen eine/r der kunstwissenschaftlichen ProfessorInnen sein. 

Voraussetzung zur Prüfungsanmeldung ist die erfolgreiche Teilnahme an den drei Seminaren des 

Moduls 4; der benotete Schein muss zur Anmeldung vorliegen. 

Zur Prüfungsanmeldung legen Sie zuerst Ihren PrüferInnen die Modulblätter vor, stimmen mit 

den PrüferInnen die beiden Themengebiete ab und vereinbaren den Prüfungstermin. 

Grundsätzlich ist es innerhalb der Vorlesungszeit jederzeit möglich, die Abschlußprüfung von 

Modul 4 abzulegen. Die Notwendigkeit der Terminkoordination verlangt jedoch einen Vorlauf 

von mindestens 14 Tagen vor dem gewünschten Prüfungstermin. Eine Anmeldung ist folglich 

letztmalig jeweils 14 Tage vor Ende der Vorlesungszeit möglich. 


Nach Abschluß der Prüfung leiten die PrüferInnen die Prüfungsunterlagen (Modulblatt und 

Protokoll) über die Fakultätsverwaltung (Frau Kotala) an den Prüfungsausschuss weiter, von 

dort gehen die Unterlagen an das Prüfungsamt (IPA). Dort wird die Bescheinigung über die 

abgelegte Modulabschlußprüfung erstellt und an Sie versendet. 

Bachelorarbeit 

Die Bachelorarbeit schließt das Bachelor-Studium ab. Eine kunstwissenschaftliche Bachelor- 

Arbeit soll zeigen, dass der/die Studierende in der Lage ist, ein Thema aus dem Bereich 

Kunstwissenschaft und Ästhetik nach wissenschaftlichen Methoden zu bearbeiten. Die 

Bachelorarbeit wird betreut vom/von der ErstgutachterIn; in Absprache mit diesem/dieser 

erfolgt die Themenstellung. Der/Die Studierende ist berechtigt, eine/n ZweitgutacherIn 

vorzuschlagen. Eine/r der beiden GutachterInnen der Bachelorarbeit muss ein/e 

kunstwissenschaftliche/r ProfessorIn des Instituts sein. 

Master-Studium 

Der Masterstudiengang baut auf dem Bachelor-Studium auf. Für die Sekundarstufe 1 und 2 (= 

MA-Studiengang 1) umfasst er 4 Semester, für die Primarstufe und Sekundarstufe 1 (= MA- 

Studiengang 2) umfasst er zur Zeit 2 Semester. 

Die Master-Thesis schließt das Master-Studium ab. 

Weitere Informationen zu Studium und Prüfungen finden Sie in der Studien- und 

Prüfungsordnung. 

32

Studierende Staatsexamen 

Die LPO (Lehrerprüfungsordnung) legt den Umfang der Studien im Pflichtbereich 

Kunstwissenschaft (und im Wahlpflichtbereich) nicht genau fest, sondern überlässt den 

Fakultäten gewisse Gestaltungsspielräume. Nachfolgend ist aufgeführt, wie der Pflichtbereich 

Kunstwissenschaft in den verschiedenen Lehramtsstudiengängen in der Fakultät 1 studiert 

werden sollte. 

Im Grundstudium nachzuweisen sind 6 SWS im Pflichtbereich Kunstgeschichte/ 

Kunstwissenschaft. Eine Lehrveranstaltung muss ein Proseminar sein, nachgewiesen durch einen 

Proseminar-Schein. 

Im Hauptstudium nachzuweisen sind 

- L1-L3: 12 SWS im Pflichtbereich Kunstgeschichte/Kunstwissenschaft sowie ein Hauptseminar- 

Schein im Pflichtbereich Kunstgeschichte/Kunstwissenschaft, 

- Studienrat/-rätin Kunst: insgesamt 30 SWS im Pflichtbereich Kunstgeschichte/ 

Kunstwissenschaft und in den Wahlpflichtbereichen der Fachwissenschaft, sowie ein 

Hauptseminar-Schein im Pflichtbereich Kunstgeschichte/Kunstwissenschaft, 

- Großfach Kunst: 26 SWS im Pflichtbereich Kunstgeschichte/Kunstwissenschaft sowie zwei 

Hauptseminar-Scheine im Pflichtbereich Kunstgeschichte/Kunstwissenschaft. 

Die Prüfung zum Staatsexamen für Studierende der Lehrämter L1-L3 besteht aus einer 

mündlichen Prüfung (30 min., 2 Themen) und einer Aufsichtsarbeit (4-5 Stunden), die optional 

auch im Wahlpflichtbereich abgelegt werden kann. 

Die Staatsexamens-Prüfung für Studierende Studienrat/-rätin Kunst besteht aus einer 

mündlichen Prüfung (60 min., 2 Themen) sowie einer wissenschaftlichen Hausarbeit oder einer 

Aufsichtsarbeit (4-5 Stunden), in Abhängigkeit von der Prüfungsleistung im Wahlpflichtbereich. 

Die Staatsexamens-Prüfung für Studierende des Großfachs Kunst besteht aus einer mündlichen 

Prüfung (60 min., 2 Themen) einer Aufsichtsarbeit (4-5 Stunden) sowie einer wissenschaftlichen 

Hausarbeit, die optional auch im Wahlpflichtbereich abgelegt werden kann. 

Weitere Informationen zu den Prüfungen zum Ersten Staatsexamen (Formulare, Termine u.a.) 

finden Sie unter www.senbjs.berlin.de. 

33

Weitere Informationen 

Einführungsveranstaltung für alle Studierenden: 

In jedem Wintersemester findet in der ersten Vorlesungswoche eine einmalige 

Informationsveranstaltung zum Studium der Kunstgeschichte/Kunstwissenschaft in der Fakultät 

1 statt. Der Termin wird über das Vorlesungsverzeichnis angekündigt. 

Einführungsveranstaltung für BA-Studierende: 

Wie oben erwähnt, findet in jedem Wintersemester die LV „Einführung in die Kunstgeschichte“ 

(Modul 3.1.) statt. Sie sollte im ersten Studiensemester belegt werden. Dort erhalten Sie auch eine 

„Leseliste“, die studienrelevante kunstwissenschaftliche Literatur enthält. Die entsprechenden 

Titel finden Sie in der Universitätsbibliothek (UB) in einem Handapparat. 

Sprechstunden: 

Bei Fragen zu Seminaren, Referaten, Prüfungsinhalten u.ä. besuchen Sie bitte die Sprechstunden 

der DozentInnen des Instituts; bitte melden Sie sich hierfür rechtzeitig an (per Email oder 

Eintrag in die Anmeldeliste an der Tür des/der jeweiligen DozentIn). 

Kolloquien: 

Bitte beachten Sie die Möglichkeit zur Prüfungsvorbereitung in den von den ProfessorInnen des 

Instituts angebotenen Kolloquien für PrüfungskandidatInnen. 

Die Diathek 

Für Lehre und Forschung gehören Abbildungen – sowohl in digitaler als auch in analoger Form 

– zu den wichtigsten Hilfsmitteln und Studienobjekten. Am Institut für Kunstwissenschaft und 

Ästhetik kommen sowohl der Diaprojektor als auch der Beamer zur Präsentation eines Referats 

oder während einer Vorlesung zum Einsatz. Es ist ratsam, den Einsatz rechtzeitig vorher mit 

dem Dozenten abzusprechen, da die Ausstattung in den unterschiedlichen Räumen variieren 

kann. 

Hier soll kurz über die Benutzung und Ausstattung der Diathek informiert werden. Wenn eine 

Ihrer Fragen in dieser Beschreibung unbeantwortet geblieben ist, besuchen Sie bitte die Website 

des Instituts – dort sind ausführlichere und aktuelle Informationen zu finden, wie zum Beispiel 

die Öffnungszeiten. Sie können sich auch persönlich, telefonisch oder per E-Mail an die 

Mitarbeiter der Diathek wenden. 

Die Kontaktdaten sind: 

Diathek Udk, Fakultät Bildende Kunst 

Hardenbergstr. 33 ▪ Raum 155 

10595 Berlin-Charlottenburg 

E-Mail diathek@udk-berlin.de ▪ Telefon 030 3185 2244 

34

Die Diathek des Instituts für Kunstwissenschaft und Ästhetik steht allen Lehrenden und 

Studierenden der Universität der Künste Berlin für Unterricht und Forschung zu Verfügung. Zu 

den Leistungen und Aufgaben der Diathek gehören: 

 

 

 

Anfertigung und Archivierung von digitalen und analogen Reproduktionen 

Ausleihe von Kleinbilddias: 

Für Referate oder Vorträge können maximal 30 Dias ausgeliehen werden. Die 

Ausleihdauer beträgt maximal 4 Wochen. 

Annahme von Aufträgen für neue Reproduktionen: 

Pro Auftrag können bis zu 15 Scans oder Dias bestellt werden. Die Anfertigungsdauer 

liegt bei ca. 14 Tagen. Vergessen Sie nicht, einen USB-Stick zur Abholung der Scans 

mitzubringen! 

prometheus – www.prometheus-bildarchiv.de 

Die Verbunddatenbank prometheus ermöglicht es, über eine gemeinsame Suchmaske die 

digitalen Bestände zahlreicher kunsthistorischer Institute, Museen und Archive zu recherchieren. 

Insgesamt sind dort ca. 550.000 Abbildungen vertreten. 

Die Universitätsbibliothek der UdK hat eine prometheus-Campuslizenz, über die Sie sich ohne 

persönliche Registrierung einloggen können, wenn Sie im Netz der UdK online sind (z. B. im 

PC-Pool, über das WLAN oder in der Bibliothek). 

Daneben gibt es auch die Möglichkeit einen personalisierten Zugang zu prometheus zu erhalten, 

der Ihnen eine Recherche von jedem internetfähigen Rechner erlaubt. Für die erstmalige 

Registrierung klicken Sie auf der Startseite auf „Neu anmelden“ und geben Ihre Daten ein. Zur 

Verifizierung Ihres Accounts legen Sie bitte eine gültige Studienbescheinigung in der Diathek vor. 

Alternativ können Sie auch persönlich in die Diathek kommen und einen schriftlichen Antrag 

ausfüllen. 

35

Kommentiertes Vorlesungsverzeichnis Sommersemester 2013

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