Homosexual's Film Quarterly - Sissy

sissy Ausgabe
Homosexual’s Film Quarterly
acht · Dezember 2010 bis Februar 2011 · kostenlos
s Zugfahrt: Treibende Blüten s Zimmerservice: Rom in Zentralperspektive s Im Striplokal: Die 33 Palmen des Udo Kier s Dritter
Bildungsweg: Der Duft des Verbotenen s Klarinettenstunde: Das Auschwitz-Komitee tagt s Im Plattenbau: Das schönste Gefühl von
allen s Zum Heulen: Engelhafte Hipster und heilige Motorradfahrer s Kündigung: Eine Nomadin auf Ischia s Waisenknabe: Jung und
ahnunglos s Imagine: Weinende Männer s Verwandlungskünstler: Die Gesänge des João Pedro Rodrigues s Gay-History-Box: Schenk sie
Deiner Schule! s Knöpfchendrücker: Mach dir keinen Stress! s Spottdrossel: Das bin ja ich!

25.
TEDDY AWARD
Der queere Filmpreis
der Berlinale
JUBILÄUMSGALA
am Freitag, 18. Februar 2010
ab 21:00 Uhr
GROSSE JUBILÄUMSPARTY
ab 23:00 Uhr
Tickets erhältlich ab Dezember 2010
www.teddyaward.tv
info@teddyaward.tv
Sissy acht
Nur wenige Filme werden zu Klassikern und damit zu einem Teil
kollektiver Geschichte. Beautiful Thing ist so ein Fall. Ein Film, der
gleichzeitig gemeinsame Erfahrungen widergespiegelt und sie durch
Schönheit und Poesie erträglich gemacht hat. Jamie und Ste Arm in
Arm und die Herausforderungen der Welt vor
ihren Augen – das ist ein Bild, das für immer
stehen bleiben könnte.
Junge Beatles und junge Beatniks, schwule
Geschichten und schwule Geschichte, Liebe in
den Anfangszeiten von HIV und Coming-Out
in den 1990ern – das ist der eine, historische
Schwerpunkt des nicht-heterosexuellen Kinos
der nächsten drei Monate. Auf der anderen
Seite steht die wie aus allen Zusammenhängen
herausgefallene Poesie der Bildmagier, delirierend
wie bei João Pedro Rodrigues, verschlungen
wie bei Zero Chou oder durchgeknallt
wie bei Scud. Aus dem Schwärmen kommt die
SISSY so oder so nicht heraus.
Denn wenn man mit dem Schwärmen aufhört,
ist das traurig. Und wenn ein Schwärmer verstummt,
umso mehr. Die SISSY musste sich
im September von ihrem Autor Martin Büsser
verabschieden, der bei aller scharfsinnigen
Analyse von Pop-Phänomenen, Subkulturen,
queerer und antiqueerer Öffentlichkeiten nie
das Schwärmen z.B. über seine Lieblingsfilme
vergessen hat. In der SISSY beschäftigte sich
Martin u.a. mit einem sexy Herrendoppel aus
der Kunstwelt (With Gilbert & George), mit der Aus „Before Stonewall“ (Greta Schiller, Robert Rosenberg und Andrea Weiss, 1984),
Frage, was Coming-Out mit Rockmusik zu tun Teil der DVD-Box „Gay History“ (siehe Seite 34 f.)
hat (Der Mann, der Yngve liebte) und zuletzt mit schwulen Punks
(Mein wunderbarer Waschsalon). Jetzt müssen andere da weitermachen,
wo er aufgehört hat – mit den, wie er es nannte, „Beiträgen zur
avancierten Gegenwartskultur“.
Mit einem wachen und wertschätzenden Blick zurück und mit Lust
auf die Magie neuer Bilder wünschen wir viel Spaß mit der neuen
SISSY!
vorspann
3

mein dvd-regal
4
Ralf Rühmeyer,
Fotograf
Ralf RühmeyeR
5

kino kino
6
EINFACHE
FAHRT
von Maike Schultz
Taiwans einzige offen lesbische Regisseurin Zero Chou zaubert
epische Meisterwerke, mit denen sie schon auf der Berlinale
begeisterte. Am 17. Dezember läuft „Drifting Flowers“ in der
L-Filmnacht.
Spider Lilies
von Zero Chou
TW 2007, 94 Minuten, OF
Parasol Pictures Releasing,
www.parasolpictures.co.uk
Auf DVD
als Import-DVD
Drifting FLowers
von Zero Chou
TW 2007, 97 Minuten, OmU
Edition Salzgeber, www.salzgeber.de
Im Kino
L-Filmnacht im Dezember
www.l-filmnacht.de
s Ich sitze im Zug. Bäume, Felder und Flüsse fliegen am Fenster
vorbei, auf der ICE-Strecke von Berlin nach Köln. Dieser Weg in
die frühere Heimat ist auch immer eine Reise in die Vergangenheit.
Und dann läuft da dieser Film auf meinem Laptop. Eine Frau steht in
einem Zug. Etwas verloren torkelt sie durch den Gang und blickt in
die Richtung, aus der sie gekommen ist: in das schwarze Loch eines
Tunnels, das immer kleiner und kleiner wird. Ich wünsche mir eine
große Leinwand in mein Abteil, doch der Bahn-Bedienstete hat nur
Kaffee. Egal. Längst bin ich hinein gesaugt in die Welt von Drifting
Flowers, die doch nirgendwo passender zum Einsatz kommen könnte
als hier.
Die Eisenbahnfahrt ist das verbindende Element im Episodenfilm
der taiwanesischen Regisseurin Zero Chou. In drei Kapiteln und individuellen
Perspektiven erzählt sie von drei Frauen, deren Lebenswege
sich zu verschiedenen Zeitpunkten kreuzen. Der Tunnel ist zugleich
Schnittbild wie Metapher für Übergang und Veränderung. Die Wehmut
fährt immer mit, auch jedes Mal, wenn ich über diese Gleise rase.
Als Erinnerung an die Leerstelle zwischen Weggehen und Angekommensein.
Drifting Flowers beginnt mit einem kleinen Mädchen, Meigo (Pai
Chih-Ying). Sie lebt mit ihrer älteren Schwester Jing (Serena Fang)
zusammen, die blind ist und sich als Barsängerin durchschlägt, begleitet
von der androgynen Akkordeonistin Diego (Chao Yi-Lan). Zwischen
ihnen entspinnt sich eine komplizierte Dreiecksgeschichte: Als
Diego und Jing sich näherkommen, flüchtet die eifersüchtige Meigo
zu einer Pflegefamilie. Schon länger macht das Sozialamt Druck, weil
Jing ihre kleine Schwester zu den nächtlichen Auftritten mitnimmt.
Nun soll sie abseits von Jings extravagantem Lebensstil aufwachsen,
den sie längst mehr verinnerlicht hat als alle ahnen.
Bereits in der ersten Episode entwirft Chou ein Pulverfass der
Emotionen, doch kaum entzündet, gleitet der Zuschauer bereits ins
nächste Drama: Diego und Jing treten bei einer Hochzeit auf. Gefeiert
wird hier freilich eine Scheinehe, in Wirklichkeit lieben Braut
Lily (Lu Yi-Ching) und Bräutigam Yen (Sam Wang) beide gleichgeschlechtliche
Partner. Und doch überdauert die Jahre nur jenes
Band, das sie aus Angst vor ihren Familien eingegangen sind. „Lily“,
so das zweite Kapitel, ist die Frau, deren Tunnelblick schon im Prolog
so berührt hat. Alt geworden, leidet sie an Alzheimer und trauert
ihrer längst verflossenen Geliebten Ocean hinterher. Bis der schwule,
ebenfalls verlassene Gatte zurückkehrt und eine seltsame Symbiose
mit ihr eingeht: Die demente Lily hält ihn für Ocean. Und Yen lässt
es geschehen, für ein wenig Wärme und Geborgenheit. Denn er ist
HIV-positiv und Lily seine letzte Zuflucht. Wie sie einem Leben hinterher
weint, das er am liebsten loswerden würde, ist wohl die berührendste
von Chous Erzählungen. Virtuos schließt sie den Kreis mit
einer letzten, die Verbindung zwischen Diego und Lily klärenden
Episode: Im Rückblick sieht man Diego als pubertierenden Tomboy,
der sich heimlich die Brüste abbindet. Ihr Bruder will sie deshalb vom
Familienbesitz, einem Puppentheaterbetrieb, enterben. Nur Lily, die
bei der Jahrmarktkonkurrenz als Sängerin auftritt, stört Diegos Gender-Verwirrung
nicht. „Liebe ist Liebe“, sagt sie ihr bei einem scheuen
Coming-Out-Kuss, „egal ob Junge oder Mädchen“.
Es ist der gleiche Satz, den auch Meigo sagen wird, als sie ein
Teenager ist und im selben Zug wie die alte Dame Lily sitzt. Wohin sie
fahren, ist ebenso ungewiss wie der Verbleib von Lilys großer Liebe
Ocean, doch Zero Chou wirft viel größere Fragen auf, als eine erneute
Begegnung beantworten könnte: Nach dem Konflikt zwischen familiärer
Verantwortung und Selbstverwirklichung etwa. Gesellschaftliche
Ausgrenzung wird bei ihr nicht nur durch Homosexualität und
unangepasste Geschlechterrollen, sondern auch durch Behinderung
erfahrbar. Themen, die bereits ihr Vorgängerfilm Spider Lilies verarbeitet
hat.
Auf der langen Zugfahrt schaue ich es mir noch einmal an, das
Drama um die Online-Stripperin Jade (Rainie Yang) und die Tätowie-
rerin Takeko (Isabella Leong). Auch bei ihnen geht es um das Wiedersehen
mit einer Jugendliebe. Und auch hier wird die Beziehung von
der Sorge um einen behinderten Bruder überschattet. Als Überbau
der Tragödie dient ein Erdbeben, wie es Zero Chou früher schon mal
in einem Dokumentarfilm geschildert hatte – und eine geheimnisvolle
Lilientätowierung. Eine Klebefolienkopie davon liegt noch immer in
meiner Schreibtisch-Schublade.
Vor drei Jahren bekam ich sie geschenkt, kurz nachdem mich dieser
ICE unwiderruflich nach Berlin gebracht hatte. Zum ersten Mal
erlebte ich die Verleihung des Teddy Awards und sogleich gewann ihn
eine Frau: Zero Chou. Nur ein Jahr später zeigte die gelernte Journalistin
bereits ihr nächstes Werk bei der Berlinale. Drifting Flowers.
Wieder ein Blumentitel. Als Metapher für Menschen, die in verschiedene
Richtungen wachsen und doch immer wieder zu ihren Wurzeln
zurückfinden. Fließend, mit einem unverkennbaren Gespür für
Besetzung und das Verweben von Handlungsfäden, findet Chou dafür
den richtigen Rhythmus.
„There has always been the fragrance of flowers“, singt Jing für
ihre kleine Schwester, wenn die sie am Arm durch dunkle Straßen
führt. Und die junge Diego trällert mit Lily auf der Kirmesbühne im
Duett: „This train is marching on with no regrets.“ Ihre Bilder zusätzlich
in Musik zu übersetzen, ist typisch für die Asiatin. Die Lieder
spiegeln nicht nur Gefühle, sie verankern auch die kulturelle Identität
ihrer Figuren. Das war schon in Spider Lilies mit einem Song über die
Jasminblüte so.
Vieles hat Chou aber auch bewusst anders gemacht. Während in
der Hauptrolle von Spider Lilies mit Rainie Yang noch ein taiwanesischer
Superstar glänzte, suchte sie für Drifting Flowers eine Newcomerin
aus: Chao Yi-Lan, ein überzeugendes Nachwuchstalent von der
Schauspielschule Taipeh und repräsentativer für die Lesben in ihrer
Heimat, die laut Chou mehrheitlich Butch-Typen sind.
Anstelle der modernen Metropole mit ihren Webcams und Körperkulten
sollte diesmal das Kleinstadtleben als Kulisse dienen, wo
die Ausgrenzung von Minderheiten am präsentesten ist. Als einzige
offen lesbische Filmemacherin Taiwans sind Chous Arbeiten stets
Liebe ist Liebe, egal ob
Junge oder Mädchen.
auch politisch. „Wenn sie dazu beitragen, Schwule und Lesben ihren
Familien näher zu bringen, würde mir das viel bedeuten“, hat sie einmal
gesagt. Zusammen mit ihrer langjährigen Partnerin Hoho Liu
träumt Zero Chou sogar davon, für alle sechs Farben der Regenbogenflagge
einen Film zu drehen. Eine Drei-Farben-Trilogie ist ihnen
mit Drifting Flowers (2008, rot), Spider Lilies (2007, grün) und Chous
preisgekröntem Debüt Splendid Float (2004, gelb) über Drag Queens
bereits geglückt, teils sogar mit Finanzierungshilfe der Regierung.
Fehlen noch orange, violett und blau. Blau wie die Sehnsucht, die
Chous Protagonisten verkörpern. Es gibt da diese Szene, in der Yen
seine Gattin Lily sucht. Ziellos läuft er durch die Straßen rund um das
Altersheim und kommt dabei an einer Wand vorbei, an der eine lange
Reihe grüner Poster glänzt – die Filmplakate von Spider Lilies, hier
allerdings mit zwei Männern als Motiv. Chou zitiert sich selbst in der
Schwulenwelt. Es ist nur ein Detail, ein netter Gag. Und macht doch
deutlich, wie klein die Szene oftmals ist.
Dass darin auch eine Begrenzung liegt, lässt sich in Berlin oder
Köln schnell vergessen. So wunderbar melancholisch und schön
anzusehen Chous Filme auch sind: Ihre Filme sind stets als Parabeln
über das Vergessen lesbar, das so heilsam wie schmerzhaft sein kann.
Die einsame Frau im Zug, sie lebt in ihrer Erinnerung. Auch ich erinnere
mich jetzt, ich bin fast da. Und mit jedem Kilometer rauschen
mehr Bilder ins Bewusstsein. s
7

kino kino
Bilderliebe
von andré Wendler
Alba und Natasha begegnen sich vor einem Hotel in Rom und
beschließen, für eine Nacht ein Zimmer zu teilen. Julio Medem,
im europäischen Autorenfilm der Fachmann fürs Erotische,
schließt sich mit seinen Figuren für einen Film lang in das
Hotelzimmer ein und lässt dort Bilder aufeinander reagieren.
„Room In Rome“ läuft im Januar in der L-Filmnacht.
s Wir blicken aus einer sehr hohen Vogelperspektive in eine
Straße, nur spärlich von wenigen hellen Lampen erleuchtet, gesäumt
von schon etwas verfallenen Gebäuden, geschmückt mit Pilastern
und Köpfen im Halbrelief, als zwei Schatten darin auftauchen, die
wir zunächst nur anhand ihrer Stimmen identifizieren können und
während wir noch versuchen ihre Akzente zuzuordnen, begleitet
die Kamera ihre Annäherungsversuche mit einem langsamen
Schwenk, der sie immer in der Mitte des Bildes hält und schließlich
auf einem dunkel gepflasterten Platz ankommt, fast genau unterhalb
der Kamera, die nun die beiden Frauen zeigt: Die dunkelhaarige Frau
trägt ein schwarz-gelb kariertes Hemd und Sneakers, die blonde ein
flatterndes blaues Kleid und Heels und beide werden dramatisch von
CAPELIGHT
rechts beleuchtet, heben sich deutlich und sehr plastisch von der
dunklen Straße ab, als sie plötzlich nach oben schauen, genau in die
Kamera, in welche die Dunkelhaarige mit dem Finger zeigt und ruft,
„Siehst du? Da ist mein Zimmer!“, in dem die Nacht offenbar enden
soll, wozu sich die blonde Frau allerdings noch nicht recht entschließen
will, schließlich aber dem Drängen der Dunkelhaarigen nachgibt
und mit ihr das Bild nach unten verlässt, was von der Kamera mit
einer langsamen Bewegung nach hinten oben beantwortet wird, im
Zuge derer noch einmal der Straßenzug ins Bild kommt, eine Terrasse
mit Pflanzen und Tischchen und schließlich jener Room in Rome, der
zugleich der (Titel des) Film(s) ist und nun nach einem Schwenk der
Kamera quer durch ihn hindurch von den beiden Frauen betreten
wird, die sich umsehen, ein Getränk aus der Minibar nehmen, auf die
Terrasse hinaustreten und von der Kamera von innen heraus durch
das Fenster, wiederum gehüllt in fast goldenes, sehr kontraststarkes
Licht, gefilmt werden. Punkt. Schnitt.
Fünfminütige Plansequenzen am Anfang eines Filmes werden
unweigerlich zu dessen Programm. Sie führen die Choreographie aus
Licht, Menschen, Kamera, Räumen und Orten vor, die sich Film nennt
und die sich sonst gern unsichtbar macht. Der Film hält sich an dieses
Programm zwischen Microsoft Bing und humanistischer Zentralperspektive:
„Der Künstler muss zu jeder Zeit wissen, was er darstellt.“
Eine antike Plastik auf dem Nachttisch, Natasha mit Bademantel wie
diese, ein vielsagendes Lachen Albas und schon verschwindet die
Figur in der Tasche. Der Raum wird zugeschüttet mit (Klischee-)
Bildern, die gegen Ende eingepackt und abtransportiert werden. An
zwei gegenüberliegenden Wänden hängen Bilder, die nicht nur immer
wieder ins Bild gesetzt, sondern von den Figuren betrachtet und kommentiert
werden und sich mit ihren bruchstückhaften Lebenserzählungen
verbinden. Die notwendigen Fremdreferenzen werden immer
als Bilder beigebracht: Satellitenbilder aus dem Internet, die Homepage
der Schauspielerin Natasha auf der vollen Kinoleinwand, ein
Handyvideo, der Fernsehschirm. Diese sprechenden, bedeutsamen
Oberflächen werden zu den Wänden des Zimmers, sie werden kommentiert,
gelesen, interpretiert und verschoben.
Sie geraten mit den Wandbildern aneinander. Auf dem einen,
einem Renaissancegemälde, ist ein Symposium im Hause der Medici
zu sehen, auf dem unter anderem Leon Battista Alberti, einer der Erfinder
der Zentralperspektive zu sehen ist, der dem Verlobten Natashas
ähnlich sehen soll. Das andere antike Bild zeigt die Agora von Athen
und enthält eine Frau, die Natasha zum Verwechseln ähnlich sieht.
„Was war zuerst da – das Bild oder deine Geschichte? – Gute Frage!“,
heißt es einmal. Je länger wir in diesem Zimmer herumlungern, desto
fraglicher wird, ob es zwischen dem Bild und der Geschichte überhaupt
einen Unterschied gibt, geben kann. Wie die Lebensgeschichten
der Frauen nur anhand diverser elektronischer Bilder rekonstruiert
und plausibilisiert werden können, wird ihre Zukunft ganz in die
Bilder des Raumes gelegt: Da schießt einer der Liebesengel von der
Decke einen (un)sichtbaren Pfeil mitten in Albas Herz, den Natasha
zusammen mit uns imaginär wieder herausziehen muss. s
Room In Rome
von Julio Medem
ES 2010, 109 Minuten, OmU
Capelight, www.capelight.de
Im Kino
L-Filmnacht im Januar
www.l-filmnacht.de
Lehrjahre
von kerStin WelzenheiMer
Eine Studentin mit Kinderstar-Vergangenheit sucht das richtige Leben und landet übergangsweise im Bett
ihrer attraktiven Professorin. Dass das funktionieren kann, aber nicht ausreicht, um ein selbstständiges
Wesen zu werden, hat Regisseurin Fernanda Cardoso in edlen Bildern, mit zwei tollen Darstellerinnen und
klugen Dialogsätzen ausformuliert. „Bloomington“ läuft im Februar in der L-Filmnacht.
s Eine dominante Lehrerin mit akkurat frisiertem Dutt, kurzem
Rock und halb aufgeknöpfter Bluse, die an ihrem Pult sitzend lasziv an
ihrem Bleistift knabbert. Eine Vorstellung, derer sich in diesem Genre
nicht wenige Male bedient wurde und von der trotzdem nach wie
vor eine Faszination ausgeht. Eine Faszination, die durch das Recht
begrenzt ist und durch den Duft des Verbotenen, hier die Anziehung
zu einem Menschen in einer übergeordneten Position, begünstigt
wird. Diese Fantasie, die schon oft zuvor bebildert wurde, erlebt in
Fernanda Cardosos Bloomington ein filmisches Revival. Bleibt nur die
Frage, ob es einer weiteren Darstellung dieser komplexen Thematik
bedarf und ob jene eine lohnende Ergänzung der bestehenden Titelliste
darstellt.
Jacqueline (Sarah Stouffer), Anfang zwanzig und ehemaliger
Kinderstar der Sci-Fi-Serie „Neptune 26“, kommt nach Bloomington,
um ihren College-Abschluss zu machen und ihre Unabhängigkeit zu
erlangen. Überfordert in der neuen Welt, in der sie sich mit Lerngruppen
und Fans herumschlagen muss, die in ihr nur den „child star“ aus
längst vergangenen Tagen sehen, lernt sie die selbstbewusste Professorin
Catherine Stark (Allison McAtee) kennen, deren Ruf als Womanizerin
und Lady-Killerin ihr voraus eilt. Bereits nach zwei kurzen
Gesprächen und zwölf Minuten Filmzeit bittet Miss Stark Jackie zu
sich nach Hause. Die Liaison beginnt. Die beiden Charaktere gewinnen
an Form während der liebevollen, jedoch wenig facettenreichen
Darstellung ihrer Zweisamkeit, die durch Vergangenheitsbewältigung
und die Kluft ihres Altersunterschiedes geprägt ist. Den Zuschauer
beschleicht das Gefühl, dass die Studentin in der Professorin eher
Bloomington
von Fernanda Cardoso
US 2010, 83 Minuten, OmU
Edition Salzgeber, www.salzgeber.de
Im Kino
L-Filmnacht im Februar
www.l-filmnacht.de
nach einer mütterlichen Figur als nach einem gleichgestellten Partner
sucht; wenn Catherine, mit einem schwarzen Trenchcoat bekleidet,
den ganzen Weg zu Jacquelines Familie fährt, um diese nach einem
handfesten Streit aus dem Umfeld der „es nur gut meinenden“ aber
ignoranten Mutter zu holen, fällt Jackie, die sich heute ebenfalls beim
Griff in den Kleiderschrank für den schwarzen Trench entschieden
hat, ihr weinend in die Arme, die ihre Mutter ihr nicht mehr öffnet.
Als Jackie dann einen Anruf ihres alten Managers erhält, der ihr
ein Script und die Rolle für ein Remake von „Neptune 26“ in L.A.
anbietet, finden sie und Catherine sich am Scheideweg wieder, doch
am Scheideweg von was? Was führen die beiden eigentlich und könnten
sie es auch über die Distanz hinweg führen?
Allison McAtte (Iron Man, CSI, Nip/Tuck) und Sarah Stouffer
(Slacker P.I., Faces of Beautiful You), Mistress-Lipstick-Lesbian und
Schoolgirl-Lipstick-Lesbian par excellence, glänzen mit überzeugender
Schauspielleistung und glaubhaft dargestellten intimen Momenten
vor dem Kamin oder in der Schulbibliothek.
Wer jedoch nach der Emotionalität in der bildlichen Darstellung
und der sensiblen Zeichnung der Protagonisten gleich wie in Loving
Annabelle sucht, in dem das Machtgefüge der beiden Darstellerinnen
trotz des Lehrerin-Schülerin-Verhältnisses ausgeglichen scheint,
wird enttäuscht. Das Coming-of-Age-Drama Bloomington, ein durchaus
unterhaltsamer und sehenswerter Film, bei dem man nicht eine
Sekunde das Gefühl des Fremdschämens haben muss, wird wahrscheinlich
demgegenüber nicht viel länger als bis zum Abspann im
Gedächtnis bleiben. s
8 9
EDITIoN SALZGEBER

kino
„Morgen fliege ich nach Prag und spiele dort den Papst“: Puffmutter „Madame“ (Udo Kier)
Udo Kier
Udo Kier (65) ist einer der
meistbeschäftigten Schauspieler
der Welt und hat schon mit
fassbinder, Schlingensief, Gus
von Sant, lars von Trier und
madonna gearbeitet. Berühmt
wurde er anfang der 70er Jahre
als hauptdarsteller von „andy
Warhols Dracula“ und „andy
Warhols frankenstein“. In den
letzten Jahren dreht er oft mit Guy
maddin und lars von Trier. aber
auch in deutschen Produktionen
ist die queere Ikone immer wieder
zu sehen. So hat er unter anderem
im erfolgreichsten Tatort des
letzten Jahre, „Plattgemacht“,
einen Obdachlosen gespielt,
war ensemblemitglied von Dany
levys „Das leben ist zu lang“
und in 44 folgen der Kinderserie
„4 gegen Z“ als böser Zauberer
zu sehen. Gerade verfilmt er mit
Timo Vuorensola ein Drehbuch
der finnin Johanna Sinisalo:
„Iron Sky“. Darin spielt Kier
einen Nazi auf dem mond.
House of Boys
von Jean-Claude Schlim
LU/DE/NL 2010, 113 Minuten, DF
Filmlichter, www.filmlichter.de
Im Kino
Gay-Filmnacht im Dezember
www.gay-filmnacht.de
Deutscher Kinostart: 2. Dezember
FILMLICHTER
„Ich bin,
glaube ich,
ganz normal
geblieben“
intervieW: Paul Schulz
Udo Kier, Deutschlands einziger queerer Weltstar, ist schon
ausgesprochen wach, wenn man ihn morgens um acht in L.A.
anruft. Ein Gespräch über den Anfang von Aids, die Mitte von
Nichts und das Ende von Freundschaften.
s House of Boys erzählt die Geschichte des Anfangs von Aids. 1984
zieht der 18-jährige Frank aus der Provinz nach Amsterdam und
fängt an, im „House of Boys“, einem Stripclub und Bordell, zu tanzen.
Udo Kier gibt die Puffmutter „Madame“ mit Verve und Lust an dicken
Pinselstrichen. Bald verliebt sich Frank in seinen eigentlich heterosexuellen
Zimmergenossen Jake – und der sich auch in ihn. Aber aus
der großen Liebesgeschichte wird nichts, denn bald entwickelt Jake
merkwürdige Symptome.
Auch Stephen Fry hat einen kurzen, rührenden Gastauftritt in
House of Boys als verzweifelter Arzt, der Aids nichts anderes als Trost
entgegenzusetzen hat. Jean-Claude Schlims erster Spielfilm startet
am 2. Dezember in den Kinos und ist im Dezember auch in der Gay-
Filmnacht zu sehen.
sissy: Herr Kier, Sie spielen in „House of Boys“ „Madame“, den Besitzer
eines Stripclubs und Bordells in Amsterdam. Eine Rolle, in der Sie auch
in Drag zu sehen sind und singen. Das hat sicher Spaß gemacht.
Udo Kier: Das war ganz unterhaltsam, ja. Aber es ist ja nicht so, als
hätte ich das vorher noch nie gemacht. Ich habe schon an Michael
Caines Seite im Kleid vor einer Kamera gestanden (in The Debtors
– Red.) und habe ja auch mit Christoph Schlingensief schon in Drag
gedreht. Da habe ich allerdings nie so gut ausgesehen.
Woran liegt es, dass das jetzt anders ist?
Wir hatten eine sehr gute Maske bei House of Boys, das sollte ich
vielleicht zuerst sagen. Aber die ist nicht dafür verantwortlich, wie
ich als „Madame“ aussehe. Dragqueen-Make-Up ist ja eine Kunst für
sich. Damit braucht man ein bisschen Erfahrung, wie wir gemerkt
haben. Wir haben die Innenansichten des Clubs im „Startreff“ in
Köln gedreht, einem Travestieladen, den es schon ewig gibt. Und
als unser Maskenbildner mit mir fertig war, haben die Mädels dort
gesagt: „So geht das aber nicht! Du siehst ja grauenvoll aus, Udo. So
kommst du nicht auf unsere Bühne.“ Also ist die Crew essen gegangen
und die haben mich nach allen Mitteln der Kunst zurechtgemacht.
Das hat zwei oder drei Stunden gedauert. Als sie fertig waren,
bin ich in das Restaurant gegangen, in dem die Crew saß, und keiner
hat mich erkannt. Da wusste ich, das geht so. Und so haben wir mich
dann auch gedreht.
Sie haben mit dem Regisseur und Drehbuchautor von „House of Boys“,
Jean-Claude Schlim, zum ersten Mal bei „Shadow of the Vampire“
gearbeitet. Das ist zehn Jahre her. Gab es die Idee zu „House of Boys“
damals schon?
Der Film speist sich ja aus Schlims eigenen Erfahrungen, also nehme
ich an, dass es die Idee dazu auch damals schon gegeben hat, ja. Aber
konkret wurde es vor ein paar Jahren, als er mir das Drehbuch gab.
Ich hab relativ schnell zugesagt.
Warum?
Weil der Film wichtig ist, finde ich. Der Beginn von Aids ist kein
Thema, das im Kino viel behandelt worden wäre. Und House of Boys
macht das, ohne vor den schwierigen Fragen oder dem Elend zurückzuschrecken,
das damit auch verbunden war. Er versucht das in seiner
Komplexität darzustellen. Deswegen wollte ich ihn gern machen.
Und ich kenne Schlim und mag ihn ganz gern. So was hilft mir immer
bei Entscheidungen. Von den jungen Darstellern kannte ich keinen,
aber insgesamt war das eine schöne Arbeit.
Sie arbeite(te)n oft mit denselben Regisseuren: Fassbinder, Gus van
Sant, Guy Maddin, Schlingensief oder auch immer wieder Lars von
Trier zum Beispiel. Weil …?
Weil das ein schönes Arbeiten ist. Warum sollte man es sonst machen?
Alle guten Regisseure, die ich kenne, die ihre eigenen Stoffe umsetzen,
arbeiten mit ihrer Filmfamilie. Und egal ob ich bei Lars von Trier
zwei Sätze sagen kann oder eine größere Rolle habe, ich weiß, ich
bin dabei. Wir haben gerade erst Melancholia abgedreht, mit Kirsten
Dunst, Charlotte Rampling, John Hurt und so. Wieder eine richtig
schöne Arbeit. Ich freue mich immer, wenn ich mit Lars arbeiten
kann.
Was schätzen Kollegen und Regisseure an Ihnen?
Ich bin, glaube ich, relativ normal geblieben. Ich komme ans Set, um
zu arbeiten und bringe Ruhe und Gelassenheit mit. Sonst kann ich
mich vor der Kamera auch nicht so loslassen. Ich füge mich, egal was
für ein Ruf mir manchmal in den Medien so angehängt wird, ganz gut
in Teams ein. Und ich bin nach wie vor neugierig und arbeite gern und
oft nicht des Geldes wegen. Zusätzlich bin ich verlässlich und kann
gut mit Menschen. Und bin nicht zimperlich beim Drehen.
In Deutschland sind Sie vor allem für ihre Arbeiten mit Fassbinder und
Schlingensief bekannt.
Ich habe inzwischen auch schon mit vielen anderen deutschen Regisseuren
gearbeitet, aber Fassbinder kannte ich schon Anfang der 60er,
als er noch nichts gemacht hatte, das machte die Zusammenarbeit
sehr leicht. Und Christoph war derjenige, der mich in seine deutsche
Filmfamilie aufgenommen hat, als ich schon in Hollywood war. Egomania
mit Tilda Swinton seinerzeit, das ist immer noch einer meiner
liebsten Filme.
Fehlt Ihnen Schlingensief?
Natürlich. Sehr. Er war ja nicht nur mein Regisseur, sondern auch ein
sehr guter Freund von mir. Aber über Trauer kann man nicht sprechen,
das ist ein Gefühl, das man nicht in der Öffentlichkeit ausleben
kann. Das ist privat.
Sie hatten sich vor ein paar Jahren mal sehr gestritten. Worum ging
es da?
Wir hatten uns nicht gestritten. Es war einfach nur ein riesiges
Missverständnis. Ich wollte nach einer Feier mit meiner Freundin
Nicolette Krebitz in Berlin einen gemeinsamen Wagen nehmen und
wir warteten auf den, als mich jemand von der Seite ansprach, es täte
ihm ja alles so schrecklich leid wegen Christoph. Ich ging davon aus,
das sei ein Freund von Christoph und habe gesagt: „Was tut dir leid?
Jake (Benn Northover) und Dr. Marsh (Stephen Fry)
Der ist heute operiert worden und es ist doch alles super verlaufen.“
Das war aber kein Freund von Christoph, sondern ein Reporter vom
„Berliner Kurier“. Auf deren Titelseite hieß es am nächsten Morgen:
„Udo Kier gesteht unter Tränen: Mein Freund Christoph Schlingensief
hat Krebs!“ Als ob ich schon jemals irgendwem irgendwas unter
Tränen gestanden hätte! Und schon gar nicht das. Blödsinn! Das
wurde innerhalb weniger Stunden von jeder, aber wirklich jeder deutschen
Zeitung nachgedruckt, unter Berufung auf den „Kurier“. Und
ich stand als indiskreter Schwätzer da, der seinen Mund nicht halten
kann, weil er sich wichtig machen will. Ich glaube nicht, dass Christoph
das gedacht hat, aber jedenfalls hatten wir danach anderthalb
Jahre keinen Kontakt.
Haben Sie noch einmal mit ihm gesprochen, bevor er starb?
Ja, das habe ich. Wir haben uns noch gesprochen. Das war auch gut
und wichtig. Ich sollte auch Überraschungsgast auf seiner Hochzeit
sein, was mir aber leider nicht möglich war. Da kam ein Drehplan
dazwischen.
Was drehen Sie denn gerade?
Viel. Morgen fliege ich nach Prag und spiele dort den Papst. Danach
Köln und dann ein paar Tage Berlin. Ich kann jetzt innerhalb eines
Jahres einen Bordellbesitzer, einen Obdachlosen und Bela Bartok
spielen und unter anderem mit Dani Levy, Fatih Akin und Werner
Herzog arbeiten. Alles Rollen, die ich nicht ablehnen wollte. Es ist ja
nicht die Regel, dass ich soviel arbeite.
Was machen Sie denn, wenn Sie nicht arbeiten?
Ich kann ganz gut zu Hause sein. Ich sammele Kunst, in zwei Häusern
hier in L.A. und Santa Monica. Warhol, Trockel, Bisky, alles. Ich
habe Hunde. Ich habe gerade 33 Palmen gepflanzt. Ich kann mich
beschäftigen, danke der Nachfrage (lacht).
Sie haben vor ein paar Jahren eine alte Schule im sächsischen Gehren,
mitten im Nirgendwo, gekauft. Wieso?
Die habe ich entdeckt, als wir da Lulu und Jimi gedreht haben. Wieder:
Ich brauche Platz. Und Gehren ist mein Schloss. Da ist ein Teil
meiner Kunst. Vielleicht zieh ich da auch mal hin. Aber erstmal will
ich da jetzt mit Isabella Rosselini einen Film drehen, ein Märchen,
das passt da ganz gut hin, so in die Mitte von Nichts. Und dann gibt’s
da jede Menge frische Luft. Vielleicht eröffne ich ja dort eine Pension
und lasse Amerikaner aus L.A. da hinkommen, aus dem Smog. An
jedem offenen Fenster ein Amerikaner, der einfach nur atmet. Das ist
doch ein schönes Bild, oder? s
10 11
kino
FILMLICHTER

kino kino
IdENTITäTs-
KLEzMER
von jeSSica ellen
Bisher waren die Filme des französischen Regisseurs Jean-Jacques Zilbermann in Deutschland – wenn
überhaupt – nur auf Festivals zu sehen, was sich mit diesem Juwel einer schwulen jüdisch-arabischen
Komödie endlich ändern wird. „Das verrückte Liebesleben des Simon Eskenazy“ läuft im Januar in der
Gay-Filmnacht.
s Wer die Vorgängerin Une femme est un homme comme les autre
(Eine Frau ist ein Mann wie jeder andere auch) gesehen hat, kennt
ihn schon: den chaotischen Klarinettisten Simon Eskenazy. Damals
war es der hübschen Rosalie aus streng religiösem, jüdischen Hause
gelungen, den Unwilligen unter den Traubaldachin zu schleifen und
sich – ein einmaliger Ausrutscher – von ihm schwängern zu lassen.
Doch Simon konnte und wollte nicht von den Männern lassen. Rosalie
kehrte ihm und Frankreich den Rücken und rächte sich, indem sie
Simon den Zugang zu seinem Sohn verwehrte.
Und nun die Fortsetzung: Dass seine Ex es sich nach zehn Jahren
bis auf weiteres anders überlegt hat und Simon zur zweiten Hochzeit
einlädt, während dieser um die Zuneigung seines koscheren Sprösslings
buhlen muss, der mit seinem Vater anfangs so gar nichts am Hut
hat, ist noch das geringste seiner Probleme.
Eine Amerika-Tournee steht bevor, als sich seine Mutter Bella
die Hüfte bricht und nach dem Krankenhausaufenthalt zu ihm zieht.
Bald ist das ganze Auschwitz-Komitee in Simons Wohnung versammelt,
dessen Vorsitzende sie ist. Damit nicht genug: Die rigide Krankenschwester,
die Simon einstellt, und ihre bettlägerige Patientin
hassen einander von Herzen.
Simon träumt von trauter Zweisamkeit mit Rafael, dem schüchternen
Philosophiestudenten, der sich gerade entschlossen hat, seine
Frau zu verlassen. Er gefällt sogar Bella. Doch leider zeigt sich, dass
Rafael nicht gerade ein Ausbund an Temperament, um nicht zu sagen
eine wandelnde Schlaftablette ist. Und so wacht Simon am Morgen
des 14. Juli neben Naim, der sicherlich schönsten Transe mit algerischem
Migrationshintergrund, die Paris zu bieten hat, auf, die er als
Bedienung in einem Kabarett abgeschleppt hat.
Simon will den Onenightstand, so schnell wie möglich loswerden,
doch Naim lässt sich nicht so einfach entsorgen. Unversehens hat
er sich in Simons Herz und bald auch in seinem Leben eingenistet.
Naim ist empört, wie respektlos Simon seine Mutter behandelt. Seine
erste Maßnahme ist die Vertreibung der unsympathischen Krankenschwester,
als deren Ersatz er sich kurz darauf präsentiert. Bella ist
begeistert von der Studentin „Habiba“, die ihr Haarpflegetipps gibt
und sie liebevoll umsorgt.
Bella lernt wieder gehen, sogar tanzen – aber dann stirbt sie
unerwartet, und mit ihr Naims/Habibas Aufgabe. Doch ob Begräbnis
oder Hochzeit – immer taucht eine geheimnisvolle Schönheit auf, die
Simon den Kopf verdreht … kein anderer als Naim, der Perfektionist
als Femme Fatale im exklusiven Fummel.
Naim ist die eigentliche Zentralfigur der Geschichte. Mühelos
spielt sein Darsteller Mehdi Debhi, ein Student am Conservatoire
Simon Eskenazy (Antoine de Caunes, großes Foto); Naim (Mehdi Debhi) und Bella (Judith Magre, kleines Foto links)
National, gestandene Stars wie Antoine de Caunes (Simon) und Elsa
Zylberstein (Rosalie) an die Wand. Regisseur Zilbermann wählte ihn
unter mehr als 300 Kandidaten beim Casting aus und bewies damit
ein gutes Händchen. Nur scheinbar eine Nebenrolle, zieht Naim –
wie bei vergleichbaren Molièrefiguren – mit leichter Hand die Fäden
des Geschehens.
Weil ein Paradiesvogel wie Naim so gar nicht in Simons braven
Lebensentwurf integrierbar ist, löst er widersprüchliche Gefühle aus:
Begehren und Abwehr. Simon sehnt sich nach der schwulen Variante
bürgerlicher Beschaulichkeit, wie Rafael sie verkörpert, aber braucht
lange, um sich einzugestehen, dass sie nicht zu ihm passt, ihn sogar
langweilt. Wenn Simon Naim vor Rafaels Augen küsst, ist das schon
ziemlich grausam und sagt viel über Simons Unfähigkeit aus, ehrlich
zu sich selbst und anderen zu sein. Andererseits ähnelt Rafael auch
in dieser Situation einem Schaf auf der Weide. Naim dagegen entzieht
sich und taucht überraschend da auf, wo und wann man ihn am
wenigsten erwartet. Er ist zweifellos in Simon verliebt, aber niemals
verleugnet er sich selbst. Er spielt mit den vielen Masken, die alle ein
Stück von ihm, ein Aspekt seiner Persönlichkeit sind. Voller ironischem
Stolz und mit viel Lust an der Provokation macht er sich einen
Spaß daraus, Simons ohnehin nicht gerade übersichtliches Leben
noch mehr durcheinander zu wirbeln; dabei reizt Zilbermann das
Konfliktpotential der jüdisch/arabischen Konstellation nicht einmal
aus.
Bemerkenswert, wie der Regisseur die vielen Handlungsstränge,
jüdisches Milieu und die multikulti-schwule Liebesgeschichte miteinander
verbindet, ohne je die Kontrolle zu verlieren. Die Komik
ist eher leise, selbstironisch und durch Bellas Tod gebrochen. Das
Happy-End gönnt man den Überlebenden dieser Tour de Force um
so mehr. s
Das verrückte Liebesleben
des Simon Eskenazy
von Jean-Jacques Zilbermann
FR 2009, 100 Minuten, OmU
Edition Salzgeber, www.salzgeber.de
Im Kino
Gay-Filmnacht im Januar
www.gay-filmnacht.de
12 13
EDITIoN SALZGEBER (3)

kino
sTARKEs sTüCK
von Michael Sollorz
Mit der kleinen Liebesgeschichte von Jamie und Ste, den Nachbarjungs aus der Hochhaussiedlung, rührte
„Beautiful Thing“ seit 1996 ungezählte Filmfanherzen. Ein Feelgoodmovie aus schwierigen Umständen,
Coming-out-Klassiker und ein kleines Stück Utopia, ohne das man, wie unser Autor weiß, nicht
menschenwürdig leben kann. Wer „Beautiful Thing“ nicht kennt, hat was verpasst und kann das nachholen:
im Februar in der Gay-Filmnacht.
Beautiful Thing
von Hettie MacDonald
UK 1996, 90 Minuten, DF
Edition Salzgeber, www.salzgeber.de
Im Kino
Gay-Filmnacht im Februar
www.gay-filmnacht.de
EDITIoN SALZGEBER
s „Was glotzt du so, du Weichei?“ – So fängt das Drama schon an.
Die Jungs in seiner Klasse mobben Jamie. Gemessen an dem Terror,
dem er in der Schule jeden Tag ausgesetzt ist, macht der Sechzehnjährige
noch einen erstaunlich unversehrten Eindruck.
Seine Gegend ist nichts für Schwache; lerne, dich zu wehren,
sonst gehst du kaputt. Und Jamie hat eine grandiose Lehrmeisterin
– seine Mutter Sandra. Die ist, natürlich neben der Liebe, in dem kleinen,
starken Kinostück der Star, die Seele; ihre energische Präsenz
macht es unverwechselbar. Sie jobbt im Pub, ein strammes Weibsbild,
fünfunddreißig, die Kippe zwischen den Lippen. Manchmal werden
ihre Augen eng, dann sieht sie aus wie ein misstrauisches Tier, das
man nicht zum Feind haben möchte. Sie hat Haare auf den Zähnen
und würde sich gewiss auch kloppen. Selbst noch fast ein Kind, als
sie ihren Jamie bekam, liebt sie den Jungen heute über alles. Doch
er überfordert sie auch, zumal sie große Pläne hat, raus will aus
dem Dreck, eine eigene Kneipe betreiben, umziehen in eine bessere
Gegend. Diesem Ehrgeiz opfert sie sogar ihren Lover; eine bittere
Szene, als sie ihm sagt, dass er nicht mehr kommen soll. Dabei war
er doch immer gut zu ihr und sie hatten Spaß, und nun steht er da
mit seiner traurigen Blume und seinen langen Haaren, eigentlich ein
guter Fang, aber eben nicht gut genug.
Nur einmal ist kurz von Jamies Vater die Rede. „Bin ich wie mein
Dad?“, fragt Jamie, und Mutter Sandra antwortet: „Nein, du bist wie
ich.“ Ansonsten spielt der Alte keine Rolle; sie verdrücken sich eben.
Auch die andern Wohnungen im Block beherbergen nicht gerade
Musterfamilien. Der Ton ist rau und keineswegs nur herzlich. „Verpiss
dich, du Fotze!“, knurrt der trunksüchtige Nachbar hinter seiner
Wohnungstür, als ihn Mutter Sandra durch den Briefschlitz zur Rede
stellen will, weil er seinen Sohn wieder geschlagen hat, den stillen
Steven, der in Jamies Klasse geht – und in den sich Jamie verliebt.
Um dem Nachbarjungen zu helfen, holt ihn Mutter Sandra für die
Nacht rüber zu sich. „Ich fürchte, du musst das Bett mit Jamie teilen.“
Jamie kann sein Glück kaum fassen, so nimmt das Schicksal seinen
schönen Lauf. Wem legt schon seine Mutter den ersten Geliebten ins
Bett?
Der schwule Mann und Mutti – ein Thema von Format. Wo lägen
Schrecken und Gelächter dichter beieinander? Denn sie sind ja nicht
immer gute Freundinnen, denkt man bloß an die greise Anne Bancroft
in Torch Song Trilogy, wie sie in der Küche Harvey Fierstein zur
Schnecke macht, oder, noch eine Liga monströser, Katherine Hep burn
in Suddenly, Last Summer aus dem Jahre 1959, zu dem Gore Vidal und
Tennessee Williams das Drehbuch schrieben.
Beautiful Thing geht ebenfalls auf ein Theaterstück zurück.
Es erlebte seine Uraufführung 1993 in London unter der Regie von
Hettie McDonald, die drei Jahre später den Film realisieren konnte.
Neben dem erfrischenden Soundtrack und den schnellen, deftigen
Dialogen bezieht er seine mitreißende Energie auch aus der genauen
Kenntnis des Milieus und seiner Akteure. Bevor der 1968 in Liverpool
geborene Autor Jonathan Harvey vom Schreiben leben konnte,
war er Grundschullehrer in Thamesmead, eben jener Hochhaussiedlung
in Londons Südosten, wo auch Beautiful Thing entstand und
schon Stanley Kubrick Teile von A Clockwork Orange drehte. Thamesmead
steht für durchmischte Ethnien, Sozialhilfe und Suff. Noch
nirgends sind die tristen Tableaus einfühlsamer ausgebreitet worden
als im New British Cinema, in den Arbeiten von Mike Leigh, Stephen
Frears oder Ken Loach. Bei schwächeren Regisseuren, darunter
manchem deutschen Nachahmer, scheint soziales Elend oft nur die
Kulisse abzugeben, und nicht immer erkennt man hinterher – abgesehen
vom Unterhaltungsanspruch – weiterführende künstlerische
Absichten.
Beautiful Thing ist in der Hinsicht vollkommen unzweideutig.
Hier geht es um eine klare Botschaft, einen Auftrag. Der Film will
seinen Zuschauern Bilder geben, die Zuversicht stiften und ermutigen.
Nimm den Kopf hoch und geh deinen Weg, auch bei hartem
Gegenwind. Denn selbst im milderen Klima spürbarer Liberalisierung
bleibt das Coming-Out individuell meistens ein harter Brocken.
Nicht zufällig fällt einem der gleichnamige DDR-Spielfilm ein. Für
Regisseur Heiner Carow war der provokante Schlachtruf des Dramatikers
Friedrich Wolf, „Kunst ist Waffe“, keineswegs nur ideologische
Phrase, sondern er sah sich mit seiner Arbeit an der Seite der Menschen
in ihrem Ringen um ein besseres Leben. Über seine Zuschauer
zu sozialistischen Zeiten hat er einmal gesagt: „Sie waren nicht viel
reicher und nicht viel ärmer, sie mussten ihre Kohlen rein tragen
und sorgten sich um ihre Kinder und saßen manchmal weinend zu
Hause, weil sie nicht wussten, wie sie das alles schaffen sollten. Ich
war immer sicher, die Leute zu kennen, zu denen ich rede.“ In diesem
Sinne sind Beautiful Thing und Coming Out auch darin spürbar
wesensverwandt: Sie entstanden in einem Gefühl der Verbundenheit
und Verantwortung.
„Es wird nach einem happy end / Im Film jewöhnlich abjeblendt“,
schrieb Kurt Tucholsky in der Weltbühne über ein ehernes Gesetz des
Kintopps. Achtzig Jahre ist das her – und gilt noch immer. Wie gerne
man Jamie und Steven zuschaut in ihrer arglosen Unschuld, dem
behutsamen Vortasten aufs verminte Feld erster Zärtlichkeit. Noch
ist alles drin. Man wünscht ihnen den Hauptgewinn. Und hat man
nicht das große Glück, Beautiful Thing mit heißen Ohren im Sozialkundeunterricht
anschauen zu dürfen, sondern erst reiferen Alters im
Lichtspielhaus, fragt man sich natürlich bange, was den kleinen Helden
noch bevorsteht. Werden sie alles richtig machen? Wie lange wird
es mit ihnen halten? Müssen sie raus aus der Hochhaussiedlung, und
wie werden sie zwanzig Jahre später leben in ihrer kleinen Wohnung,
mit dem Theaterabonnement und zwei Perserkatzen? Nein, wir fragen
lieber nicht. „Und darum wird beim happy end / Im Film jewöhnlich
abjeblendt.“
Zuvor aber noch dieses unvergessliche Schlussbild, mit dem sich
Beautiful Thing in die Filmgeschichte einschreibt. „Komm, tanz mit
mir“, sagt Jamie nach all dem durchlittenen Kummer mit der Selbstannahme,
und als sein Liebster im Hof vor aller Augen der Aufforderung
folgt, betreten wir das Reich Utopia, ohne das niemand wirklich
menschenwürdig leben kann. Dieses Schlussbild ist ein großes
Gleichnis. Wer davon nicht berührt wird, dem hat sein Leben noch
keinen Mut abverlangt, zum Beispiel den Mut, draußen die Hand des
anderen nicht loszulassen, oder den Mut, sich zu küssen, auf einer
belebten Straße und bitte nicht bloß zu Karneval.
Selbst wer die Verfolgung des Andersartigen in der Ära Westerwelle
& Wowereit für überwunden erklärt, weil ihm das Opfer-
Gebarme unsexy scheint, wird still für sich einsehen, wie zielsicher
diese einfache Szene der beiden eng umarmt tanzenden Jungs in das
Herz unserer gemeinsamen Erfahrung vordringt. Denn die Kinder
sind, noch immer, in Gefahr. Deswegen nimmt Mutter Sandra die
Hand der verdrehten schwarzen Nachbarstochter. Die Frauen ergreifen
wortlos Partei, solidarisieren sich, indem sie gleichfalls zu tanzen
beginnen, langsam und umschlungen. „Dream A Little Dream
Of Me“, erklingt dazu, und die Nachbarn glotzen. Die Kamera fährt
die Parade ab. Da ist nicht viel Freude zu entdecken, bestenfalls
Erstaunen, Belustigung, Fassungslosigkeit, aber eben auch Häme,
Abscheu, reichlich unverhohlene Missbilligung. Aber so, wie Mutter
Sandra trotzig die Versammelten mustert und voller Kampflust
ihr Kinn vorstreckt, wird es kein Aas mehr wagen, den ersten Stein
zu werfen. Ungefähr auf diesem „Zivilisationsstand“ befinden sich
ein paar westeuropäische Gesellschaften, in denen es sich aushalten
lässt. Jedoch schon in Budapest schützt die Polizei zum CSD die tapfere
kleine Schar Demonstranten mit hohen Zäunen vor dem schäumenden
Volkszorn. Machen wir uns nichts vor. Die Zeit, in der keine
Coming-Out-Filme mehr entstehen müssen, und zwar nirgendwo auf
unserer Welt – diese Zeit liegt noch in weiter Ferne. s
14 15
kino

kino kino
HEUL doCH!
von Peter SchMidt
Rob epstein und Jeffrey friedman legen mit „howl – Das Geheul“ im Januar den ultimativen allen
Ginsberg film vor. ein anlass für SISSy sich mal anzugucken, welchen einfluss die Beat-Generation in
den letzten 50 Jahren auf das Kino hatte und weiter haben wird. eine kleine Bestandsaufnahme.
16
Peter Orlovsky (Aaron Tveit) und Allen Ginsberg (James Franco)
PANDoRA FILM
s Neal Cassady lief in der Nacht des 3. Februar 1968 etwas außerhalb
von San Miguel de Allende in Mexiko im Regen die Bahngleise
entlang, als er beschloss, dass er jetzt zu müde sei, um weiterzugehen.
Er legte sich hin. Wenig später fiel er auf Grund der Mischung aus
Alkohol und Drogen in seinem Blut in ein Koma und wachte nie wieder
auf. Cassady war 41, als er starb, und einen erheblichen Teil seines
Lebens betrunken gewesen.
1955 begann der 27-jährige Allen Ginsberg ein Gedicht zu schreiben,
dessen „heimlicher Held“ Cassady war: „Howl“. Lange gab der
Dichter vor, „Howl – Das Geheul“ in einem einzigen wilden Rausch
verfasst zu haben, denn so las es sich. In Wahrheit arbeitete Ginsberg
mehrere Monate an dem Text, den er kurz nach Fertigstellung in
einem Cafe in San Francisco erstmals öffentlich vortrug.
1957 wurden 520 in England gedruckte Exemplare von „Howl and
other poems“ vom amerikanischen Zoll beschlagnahmt und Ginsbergs
Verleger Lawrence Ferlinghetti wegen „Obszönität“ angeklagt.
Besonders die Zeilen, in denen Ginsberg beschrieb, wie „engelhafte
Hipster“ sich von „heiligen Motorradfahrern in den Arsch ficken“ ließen
und dabei „vor Freude schrien“, hatten es der Anklage angetan.
Im selben Jahr gestand Ginsberg einem Journalisten: „Das, wovor
ich mich am meisten fürchtete, war immer, was mein Vater bloß denken
würde. Darüber, was da so drin stand. Aber da ich nie daran
gedacht hatte, „Howl“ zu veröffentlichen, nahm ich an, ich könne
auch einfach schreiben was ich wollte.“ Falsch gedacht.
2010 ist „Howl“ das vielleicht bekannteste Werk der amerikanischen
Poesie der letzten 60 Jahre. Alle paar Jahre klagen an irgendeinem
amerikanischen College mal wieder Eltern, weil sie nicht wollen,
dass ihre Kinder Ginsbergs „Geheul“ zu hören bekommen. Sie verlieren
jedes Mal, denn schon 1957 ist im Prozess gegen Ferlinghetti
geklärt worden, dass „Howl“ mehr ist als die Summe seiner teils kruden
Worte: ein Kunstwerk, das es zu schützen gilt, das Porträt einer
Generation, die Innenansicht der ersten amerikanischen Counter-
Culture: der Beat-Generation.
Diesen Durchbruch im Kampf um die Meinungs- und Redefreiheit
machen die Oscar-Preisträger Rob Epstein und Jeffrey Friedman
jetzt zur Grundlage ihres ersten Spielfilms. Howl wurde im Wettbewerb
der Berlinale 2010 präsentiert und lief im letzten Herbst vielbeachtet,
positiv besprochen und gut besucht in den amerikanischen
Kinos. James Franco, der im Film Allen Ginsberg spielt, war im Februar
für fünf Tage das Hauptgesprächsthema unter Schwulen in Berlin
und nahm zum Abschluss einen Teddy für seinen überaus queeren
Kurzfilm The Feast of Stephen mit nach Hause.
Im Film benutzen die Regisseure den ersten öffentlichen Vortrag
von „Howl“ und den Prozess um den Text nicht nur, um eine Ginsberg-Biografie
zu erzählen, sondern auch dazu, das gesellschaftliche
Spannungsfeld, in dem sich die „Beats“ 1 bewegten, darzustellen und
den selbstbewussten Umgang der Gruppe mit Homosexualität zu
illustrieren.
Epsteins und Friedmans postulierte Absicht, „‚Howl‘ durch den
Film einer jüngeren Generation zugänglich zu machen“, scheint im
richtigen Moment und mit den richtigen Zutaten auf den Zeitgeist
getroffen zu sein. Allerdings scheitert der Film in seinen Animationssequenzen,
die die Regisseure dazu benutzen wollten, den Text des
Gedichts in Bilder zu übersetzen, völlig. Und das weniger technisch
als schlicht daran, dass man sich im amerikanischen Mainstream-
Kino auf die Nichtdarstellbarkeit von pornografischen Inhalten
geeinigt hat. So werden heilige fickende Motorradfahrer zu psychedelisch
angeschmierten Blumen und Bienchen und jedes Mal, wenn
jemand bläst, ist eine in Sonnenlicht zerfließende Trompete zu sehen.
Im Film sagt ein als Zeuge im Prozess berufener Literaturwissenschaftler:
„Poesie lässt sich nicht in Prosa übersetzen, sonst wäre sie
1 „Beats“ war die Eigenbezeichnung, das gebräuchlichere „Beatniks“ ein Schimpfwort der
konservativen Öffentlichkeit.
17

kino
Allen Ginsberg (James Franco)
keine Poesie.“ Quot erat demonstrandum. Trotzdem ist Howl mehr
als sehenswert, vor allem wegen des fantastischen Ensembles: Franco
wird unter anderem von Treat Williams, David Strathairn, Bob Balaban
und der wie immer fabelhaften Mary-Louise Parker dabei unterstützt,
Ginsberg und sein Gedicht einmal mehr ins postmodern unterhaltsame
Nirwana zu kultivieren. Schockierend ist das nicht mehr,
aber schön bunt.
Die cineastische Legendenbildung um „Die Beat-Generation“
begann schon 1959, als der Film Die Haltlosen in die amerikanischen
Kinos kam, in dem sich Busenwunder Mami van Doren von einem
Beat vergewaltigen lassen muss und Louis Armstrong eine bürgertaugliche
Version des Beat spielen darf, der sich zum Jazz ungefähr so
verhält wie der Rock zum Punk. Zwei Jahre zuvor war Jack Kerouacs
„On the Road“ erschienen und hatte ihn, Cassidy, der die Grundlage
für die Hauptfigur von „On the Road“ ist, und mit ihnen alle Beats zu
Ikonen der amerikanischen (Gegen-)Kultur gemacht.
Im gleichen Jahr, in dem „Die Haltlosen“ dem Mainstream-Publikum
ein Zerrbild der Gruppe zeigte, veröffentlichten die so Verunglimpften
ihren einzigen eigenen Film: Pull My Daisy. Der von Jack
Kerouac als Regisseur verantwortete Halbstünder veranschaulicht,
wie der Besuch eines Bischofs bei einem bürgerlichen Paar von den
Beat-Freunden desselben torpediert wird. Ginsberg, sein Lebensgefährte
Peter Orlovsky und ihre Freunde spielen sich selbst und haben
einen Heidenspaß an der Überhöhung ihrer inzwischen öffentlichen
Images.
Während der 60er und 70er Jahre nahm der Einfluss der im Beat
postulierten Werte Freiheit, Zärtlichkeit und Selbsterforschung ohne
Rücksicht auf Verluste oder Moral stetig zu. Blumenkinder, freie
Liebe oder das von Ginsberg mit initiierte Auftauchen von Zen und
Buddhismus in der amerikanischen Kultur, das Autorenkino der 60er
und 70er, die Etablierung von Beatpapst William S. Burroughs als
literarische Größe, Hunter S. Thompsons von „On the Road“ inspirierter
New Journalism oder der 1975 mit fünf Oscars ausgezeichnete
Einer flog übers Kuckucksnest nach der Romanvorlage von Ken Kesey
– nichts davon wäre ohne die Beat-Bewegung denkbar gewesen. „Man
musste erst die Grenzen der Wahrnehmung auflösen, bevor man weiterdenken
konnte“, hat es Burroughs einmal umschrieben.
Diese deutlichen Zeichen der gesellschaftlichen Wirksamkeit
wurden erst 1980 erstmals in einen Spielfilm verpackt. In John
Byrums Heart Beat spielt Nick Nolte Neal Cassady, Sissy Spacek seine
Frau Carolyn, auf deren Memoiren der Film basiert, und John Heard
darf als Jack Kerouac die egomanischen Seiten seiner Figur ausstellen.
Der Claim zum Film, “They shocked us. They outraged us. They
didn’t do anything wrong. They just did it first.”, zeigt, dass der Einfluss
der Beats auf die gesamte amerikanische Kultur der zweiten
Hälfte des 20. Jahrhunderts längst Allgemeingut war.
18
PANDoRA FILM
Seitdem haben sich unzählige amerikanische Filme mit den Beats
auseinandergesetzt und auch ihre Werke sind mehrfach verfilmt worden.
Die bekanntesten sind The Last Time I Committed Suicide mit
Keanu Reeves, David Cronenbergs Naked Lunch von 1991 und Noah
Buschels Neal Cassady von 2007. Ein unentdeckter Schatz: Beat aus
dem Jahr 2000, in dem Courtney Love Joan Vollmer Burroughs spielt.
Der als Ehedrama angelegte und in Deutschland unter dem Titel Extreme
Beat auf DVD veröffentlichte Indiestreifen gibt überraschenderweise
Kiefer Sutherland die Gelegenheit, als mittelalter, tuntiger
Williams S. Burroughs zu brillieren.
Für Neu- oder Quereinsteiger ins Thema gibt es einen Schwung
sehr erhellender Dokus. The Beat Generation von 1987 war einer
der ersten Filme der Edition Salzgeber und ist auch heute noch sehr
sehenswert. In dem gerade auf DVD wiederveröffentlichten Die Beat
Generation – Wie alles anfing und im amerikanischen sehr viel origineller
betitelten The Source von 1999 spielt Johnny Depp passenderweise
Jack Kerouac und Dennis Hopper darf Allen Ginsbergs Texte
zu seinen eigenen machen. Beide Filme strotzen vor Originalaufnahmen
mit den Vertretern der Beats und bespiegeln eindrucksvoll, wie
lebendig deren Werte auch im neuen Jahrtausend sind.
Für 2011 ist die Neuverfilmung von „On the Road“ von Walter Salles
mit Sam Riley in der Hauptrolle in Arbeit. Neal Cassady scheint
auch über dreißig Jahre nach seinem Tod sehr lebendig zu sein. Es
darf also weiter geheult werden. Das ist eine gute Sache. s
Die Beatgeneration –
Wie alles anfing
von Chuck Workman
US 1998, 85 Minuten, OmU
Auf DVD
Ascot Elite, www.ascot-elite.de
Howl – Das Geheul
von Rob Epstein und Jeffrey Friedman
US 2010, 90 Minuten, DF
Pandora Film, www.pandorafilm.de
Im Kino
ab 6. Januar 2011
Wie ich zum ersten Mal
Selbstmord beging
von Stephen Kay
US 1997, 89 Minuten, DF
Auf DVD
Kinowelt, www.arthaus.de
Naked Lunch
von David Cronenberg
CA/UK/JP 1991, 110 Minuten, DF
Auf DVD
Kinowelt, www.arthaus.de
Ab 2.12. im Kino – alle Infos unter houseofboys.de
Auch am 17. & 20.12. in der Gay-Filmnacht im CinemaxX

kino
MUTTERMoRd
von johann WaSSer
Das kanadische Wunderkind Xavier Dolan schrieb mit sechzehn
sein erstes Drehbuch, eine halbbiografische Geschichte um
ein gestörtes Mutter-Sohn-Verhältnis. Damit sorgt er seit der
Premiere in Cannes 2009 für Furore. Nun kommt „I Killed My
Mother“ endlich auch in die deutschen Kinos.
Eine Annäherung.
s Eine Szene, wie sie so oder ähnlich jeder kennt, der sich als
Jugendlicher für seine Eltern geschämt hat oder zumindest von ihnen
genervt war: Mutter und Sohn sitzen am Küchentisch und die Frau
im geschmacklosen Pullover isst recht unbeholfen ein Brötchen, Reste
des cremigen Belags bleiben in ihren Mundwinkeln hängen. Der Sohn
verdreht nur die Augen und weist sie auf ihren Fauxpax hin. Überhaupt
hat der 16-jährige Hubert dauernd was an ihr auszusetzen:
Wenn sie sich während der Autofahrt am Steuer schminkt, wenn sie
nicht zuhört oder Dinge vergisst, wenn sie ihre Soaps im Fernsehen
ansieht. In der Schule behauptet er, seine Mutter sei tot. In ebenso brillanten
wie bösartigen Dialogen breiten Mutter und Sohn ihr neurotisches
Verhältnis aus, das durchaus ambivalent ist. Wenn ihr jemand
etwas antun würde, wäre Hubert zum Rachemord bereit. Und trotzdem
kann er locker 100 Leute aufzählen, die er mehr liebt als sie.
Einer von ihnen ist sein Freund Antonin, mit dem er seit zwei
Monaten zusammen ist. Seine Mutter erfährt das nebenbei im Sonnenstudio,
von Antonins Mutter. Und während sie sich mit ihrem
Sohn wegen jeder Kleinigkeit in die Haare kriegt, versucht er sein
eigenes verwirrendes Leben auf die Reihe zu bringen.
Gespielt und inszeniert wird dieser Hubert von Xavier Dolan. Das
Buch schrieb er ebenfalls, es basiert lose auf der Beziehung zu seiner
eigenen Mutter. Im Mai 2009 hatte der Film seine Weltpremiere auf
dem Filmfest in Cannes, wo er gleich drei Preise abräumte. Und über
Nacht wurde aus einem 20-jährigen Jungen das Phänomen Xavier
Dolan, das kanadische Wunderkind. Jung, smart, wahnsinnig gutaussehend,
aber auch leicht arrogant, wurde er zunächst in Frankreich,
dann weltweit zum Festival- und Mediendarling. Im vergangenen
Februar ging der Film dann sogar als kanadischer Beitrag ins Oscar-
Rennen für den besten nichtenglischsprachigen Film. Da war Xavier
Dolan nach US-amerikanischem Recht noch nicht einmal volljährig.
Geboren wurde der Sohn eines Schauspielers am 20. März 1989
in Québec. Als Kind spielte er in zahlreichen kanadischen Filmen
und Serien mit, bevor er mit sechzehn ein Drehbuch schrieb, in
einem Alter also, in dem die anderen Jungs eher mit Hormonen und
dem Erkunden des eigenen Körpers und denen anderer beschäftigt
sind und sich ihre libidinöse Kreativität aufs Verfassen schwülstiger
Gedichte beschränkt. Es war sein erstes Drehbuch und sein erster
Film, ohne jedes Vorwissen, finanziert von den 150.000 Dollar, die er
sich als Kinderstar verdient hatte. Woher hatte er mit sechzehn dieses
Selbstvertrauen? „Das ist weniger Selbstvertrauen als Ignoranz. Der
Film hat etwas Amateurhaftes. Das heißt nicht, dass ich nicht stolz auf
einige Ideen darin bin, aber es war doch eher ein Suchen nach einer
eigener Handschrift, eine Art Experiment.“ Eines freilich, das ihn auf
den Roten Teppich in Cannes und danach so ziemlich jedes Filmfest
dieser Welt brachte. Das deutlichste Ergebnis dieses Ausprobierens,
sein prägnantestes Stilmittel sind Szenen von oft banaler Alltäglichkeit,
die durch Zeitlupe und den Einsatz musikalischer Motive überhöht
werden. Sie sind zugleich schön, fast zu schön, und tieftraurig.
Aber so formal ungewöhnlich sie auch scheinen, neu sind sie nicht.
Mit ganz ähnlichem Effekt (und ähnlichem Score) hat das auch schon
Wong Kar-Wai in In the Mood for Love getan. Das macht Xaviers Szenen
freilich nicht weniger berückend.
Auch sein zweiter Film Heartbeats, den er gleich im Anschluss
drehte und der im Frühjahr in den deutschen Kinos anlaufen wird,
sei zum Teil autobiografisch, sagt Xavier. „Nicht eins zu eins, aber für
mich ist Liebeskummer wie eine Platte mit einem Sprung – alles wiederholt
sich immer wieder. Ich werde in Liebesdingen einfach nicht
erwachsen. Auch wenn ich es in der Theorie besser weiß, benehme ich
mich doch noch immer wie ein unbeholfener Teenager.“ Er kokettiert
überhaupt gern mit seinem Alter. Wenn er Fragen nach der Bedeutung
seiner Filme nicht mag, sagt er gern Sätze wie „Ich bin jung. Ich
habe keine Ahnung, was ich tue.“ Wie arbeitest du? „Ich schreibe und
dann drehe ich.“ So einfach? „Ja. Bisher zumindest. Aber es ist einfach,
weil es ignorant ist. Es ist jung und unbedarft und frei und liebevoll.
Filmemachen ist für mich wie Liebemachen, ich denke nicht viel
darüber nach. Es sind einfach Dinge, die raus müssen.“ Deshalb fing
er auch sofort nach dem Erfolg in Cannes mit seinem zweiten Film an.
„Es war mir unvorstellbar, nach I Killed My Mother warten zu müssen,
bis ich den nächsten Film machen kann. Das ist für mich kein
Job. Es ist eine Droge, eine Lebenseinstellung. Mein Modus Vivendi.“
Und auch der dritte Film ist bereits in Arbeit. Lawrence Always wird
noch ambitionierter. „Ein tragischer Liebesfilm über einen Mann,
der zur Frau werden will und seine Verlobte bittet, bei ihm zu bleiben
und ihm bei seiner Transformation beizustehen.“ Und mit einem
ironischen Grinsen fügt er hinzu: „Nicht biografisch.“ Und er plant
diesmal auch nicht, selbst mitzuspielen. Überhaupt scheint die Schauspielerei
ein sensibles Thema zu sein. Auf die offensichtlich nervige
Frage, ob er auch wieder für andere Regisseure vor der Kamera stehen
wird, verdreht er ganz Hubert-isch die Augen. „Ich werde einfach
nicht als Schauspieler gesehen. Ich bekomme keine Anfragen. Wenn
mich jemand fragen würde, würde ich ja sagen. Vielleicht denken sie,
ich sei ein Laiendarsteller oder einfach nur schlecht und ein Loser,
der sich in seinen Filmen selbst besetzt, weil er sonst keine Rollen
bekommt.“ Wenn man leise Zweifel anbringt, schnaubt er verächtlich:
„Das ist die Realität! All die Preise waren für den Film, nicht für
meine Performance.“
Die Aversion gegen den Vergleich mit seiner Generation hat
Xavier mit Hubert gemein: „Hör auf, mich mit den anderen zu vergleichen.
Ich bin nicht wie sie!“, schreit der seine Mutter an und man
kann nur ahnen, worauf Xavier damit in seiner eigenen Biographie
anspielt. Denn da will er sich nicht so richtig festlegen: „Einiges passierte
so in meinem Leben, aber das ist heute längst anders. Und ich
habe viel dazu erfunden.“ Vielleicht erklärt das auch den Hype um
ihn, als Filmemacher und als Person. Klar, da ist die Faszination fürs
Wunderkind, die Entdeckung eines Talents quasi aus dem Nichts, der
Drang zum Geniekult, aber es ist mehr. Da ist endlich wieder einer,
der sich was traut, mit einem unbedingten Stilwillen. Und einer, der
seine Neurosen und seinen Herzschmerz mit jugendlicher Grandezza
und Übertreibung in Bilder verwandelt, die zum Sterben schön sind.
Wong Kar-Wai fällt da ein, aber auch Tom Ford. Nur ist Xavier Dolan
halb so alt wie sie. Kaum auszumalen, was aus ihm noch werden kann.
Möge er nicht allzu schnell erwachsen werden. s
I Killed My Mother
von Xavier Dolan
CA 2009, 100 Minuten, Fassung
Kool Film, www.koolfilm.de
Im Kino
ab 3. Februar
20 21
KooL FILM
kino

kino kino
A Crying Boy
SaScha WeStPhal
Dass sich die Queer-Artistin Sam Taylor-Wood ausgerechnet
den jungen John Lennon als Helden ihres ersten Spielfilms
auswählt, konnte man nicht unbedingt erwarten. Aber wie
sie ihn inszeniert, ist durchaus doppelbödig. „Nowhere Boy“
startet am 8. Dezember in den Kinos.
s „Crying Men“ – „Weinende Männer“, so heißt eine Serie von Photographien
der englischen Filmemacherin, Photographin und Videokünstlerin
Sam Taylor-Wood aus dem Jahr 2002. Auf 28 großformatigen
Photographien zeigt sie Männer beim Weinen. Einige von ihnen
sind in Tränen aufgelöst, andere versuchen, ihre Emotionen unter
Kontrolle zu bringen. Ein paar machen Anstalten, ihre Gesichter hinter
erhobenen Händen und Armen zu verbergen, wieder andere blicken
direkt in die Kamera. Doch etwas haben diese Bilder trotz allem
gemeinsam: Jedes von ihnen ist Spiel und Inszenierung, und keines
zeigt einen anonymen Fremden. Alle Porträtierten sind berühmte
Schauspieler, die der Betrachter der Photoserie schon unzählige Male
gesehen hat, nur eben so noch nicht.
Die Stars spielen zwar für Sam Taylor-Woods Kamera nur eine
Rolle, ganz so wie sonst auch. Aber dabei zeigen sie eine Verletzlichkeit,
die etwas Subversives hat. Männer weinen in der abendländischen
Welt nicht – zumindest nicht in der Öffentlichkeit. Tränen
gelten immer noch als ein Zeichen von Schwäche, als Blöße, die sich
niemand geben möchte. Sie sind einfach nicht mit dem bürgerlichen,
protestantisch geprägten Bild von Männlichkeit vereinbar, das unsere
Kultur in den vergangenen 200 Jahren so nachhaltig geformt hat.
Seit den späten 60er Jahren hat dieses Bild zwar immer mehr
Risse bekommen. Doch noch ist seine Tyrannei nicht Vergangenheit;
und das verleiht der Serie „Crying Men“ solch eine Kraft. Sam Taylor-
Wood inszeniert, mehr noch zelebriert ein anderes, ein empfindsameres
Ideal. Ihre Bilder konfrontieren den Betrachter mit einer Männlichkeit,
die sich öffnet statt sich zu verschließen, die auf Ehrlichkeit
und Emotionen statt auf Macht und Stärke fußt. Die Tränen ihrer
Models sind irritierend und verführerisch, verstörend und ergreifend,
und sie höhlen als stete Tropfen den Stein im kontrollierten Herzen
der westlichen Gesellschaft aus.
Noch einmal geht der von Aaron Johnson gespielte John Lennon
durch den Park, den er in den letzten drei Jahren so oft durchquert
hat … jedes Mal, wenn er auf dem Weg vom Haus seiner Tante Mimi
unterwegs zu Julia, seiner Mutter, war, die ihn einst, da war er gerade
fünf Jahre alt, ihrer Schwester überlassen hatte. Die Wunden, die dieser
Verrat hinterlassen hatte, begannen gerade erst zu heilen. Doch
dann hat ein Auto Julia, die nach einem gemeinsamen Tag mit Mimi
auf dem Weg nach Hause war, aus dem Leben gerissen. Nun ist John
wieder alleine mit seiner Tante und seinen Erinnerungen. Also kehrt
er, vielleicht zum letzten Mal, in den Park zurück. Aus dem aufsässigen,
seine Verlorenheit hinter einer Maske aus Anmaßung und Unverschämtheit
verbergenden Jungen ist der John Lennon geworden, der
schon wenige Jahre später zur Pop-Ikone werden sollte.
Doch an diesem Nachmittag setzt Lennon sich einfach unter
einen der großen Bäume ins Gras und raucht. Zwischen den Zügen
spielt er mit der Zigarette in seinen Fingern, während sein Blick ins
Nichts geht. In einer Großaufnahme, die alles um ihn herum zu Schemen
macht und in Aaron Johnsons Gesicht eine ganze Welt entdeckt,
füllen sich seine Augen nach und nach mit Tränen. Für einen Moment
steht die Zeit in Sam Taylor-Woods erstem langen Spielfilm still.
Ginge es alleine nach den Regeln Hollywoods und seiner Nachahmer
auf der ganzen Welt, wäre diese kleine Szene gänzlich überflüssig
und wahrscheinlich auch nie gedreht worden. Schließlich erzählt sie
nichts. Doch ohne sie wäre Nowhere Boy nichts als ein weiteres freudianisches
Musikerporträt wie so viele andere aus den vergangenen
Jahren. Schon zuvor zeigt Sam Taylor-Wood mehrmals einen weinenden
John Lennon. In diesen Tränen entladen sich die Dramen und
Tragödien seiner Kindheit und Jugend. Es sind Momente klassischer
Kino-Sentimentalität. Nicht so diese eine Großaufnahme, die einen
Bogen zu Taylor-Woods „Crying Men“-Zyklus spannt: Aaron Johnson
weint die Tränen einer von ihren Masken befreiten Männlichkeit.
Es sind hermaphroditische Tränen. Durch sie wird das Biopic zum
transgressiven Kunstwerk. s
Nowhere Boy
von Sam Taylor Wood
GB/CA 2009, 98 Minuten, DF/OmU
Senator, www.www.senator.de
Im Kino
ab 8. Dezember
SENAToR (2)
Ins offene
von jan küneMund
In Benoit Jacquots Spielfilm „Villa Amalia“ (Kinostart am 25.11.) gibt eine rätselhafte
Heldin ihr bisheriges Leben auf und macht sich auf den Weg in etwas Neues
(zum Beispiel eine Affäre mit einer Frau). Isabelle Huppert gibt dieser Heldin ein
unergründliches Gesicht und der Film fiebert unbeirrt und traumhaft schön durch
seine geheimnisvolle Geschichte.
s Ich höre auf. Ich verlasse dich. Mit uns ist
es vorbei. Ich verkaufe alles. Ich kündige. Es
ist aus.
Eine Frau macht einen sauberen Schnitt,
trennt sich von Mann, Karriere, Wohnung,
ihrem Auto, ihrem Telefon, ihrem Klavier,
ihrer Frisur. Auf die Frage nach dem Warum
reagiert sie den ganzen Film hindurch
al lergisch. Gut, es ist etwas vorgefallen – sie
hat gesehen, wie ihr Mann eine andere Frau
küsst – aber die Bewegung dieser Frau ins
Geheimnisvolle ist nicht allein durch diesen
Vorfall motiviert.
Benoit Jacquots Film über seine nomadische
Heldin inszeniert exzessiv (wie andere
vorher auch) das Gesicht und den Körper der
Schauspielerin Isabelle Huppert als perfekte
Projektionsflächen, in denen permanent
Bewegung herrscht, die aber nichts von sich
aus bedeuten oder einfach lesbar wären. Die
kleine Welt um die Figur Eliane Hidenstein
verrät genausowenig, warum sie so verlassenswert
ist – wir sehen sie nur als Ensemble
zu verkaufender, aufzugebener Dinge.
Eben noch sagt die Pianistin und Komponis-
tin, dass das Klavier ihr Beruf ist, so wird es
einige Szenen später schon in den LKW der
Speditionsfirma verfrachtet. Scheint ihr Auto
gerade noch der Schutzraum gewesen zu
sein, in dem sich ihre Wut über die Untreue
ihres Mannes in einem lauten Schrei äußern
lässt, so wird es wenig später beim Autohändler
abgegeben. Nie sieht man Eliane Hidenstein,
die ihren Namen schon zuvor in „Ann
Hidden“ geändert hat und später nochmal in
„Anna“ ändern wird, etwas kaufen. Immer
wieder dagegen zu Müllcontainern laufen,
in die sie scheinbar neue Dinge wieder entsorgt.
Sehr deutlich wird gezeigt, wie diese
Figur zum Subjekt wird, in dem sie sich von
festen Verbindungen löst. Doch Villa Amalia
ist kein Sozialdrama.
Der Moment des Schnitts, der die frühere
von der neuen Ann-Eliane trennt, ist ganz
bewusst ein Film-Moment. Es ist Nacht, es
regnet, es gibt eine Autoverfolgungsfahrt,
eine verbotene Entdeckung, eine verlorene
Frau auf der Straße, das plötzliche Auftreten
eines alten Freundes aus der Kindheit, eine
dramatisierte Verunsicherung im Straßenla-
PERIPHER FILMVERLEIH
ternenlicht, ein Wegkippen des Alltags, ein
leichtes Bildfieber. Danach soll – mit großer
Entschiedenheit – alles anders werden und
wir sehen, wie Ann-Eliane das anstellt. „Es
ist gar nicht so einfach, heute zu verschwinden!“,
sagt ihr Freund. Aber sie tut ihr Möglichstes,
vermeidet alles, was sie bindet, festhält,
lokalisierbar macht, auch den Freund.
Sie wählt die Rolle der Nomadin wie eine
Bebilderung der feministischen Figur Rosi
Braidottis als Annahme und Subjektposition
ihrer Ort- und Identitätslosigkeit. Sie spricht
Deutsch in Deutschland und Italienisch in
Italien, sie macht ohne Aufhebens aus Ann
Anna, sie taucht ins Meer ein wie vorher in
ihr kommunales Schwimmbad, sie spielt auf
herumstehenden, verstimmten Klavieren,
sie schreckt in Hotelzimmern neben neuen
Männern aus dem Schlaf auf. Sie verschwindet
nicht nur, sie wird zum Geheimnis.
Nach ungefähr einer Stunde taucht die
Villa Amalia aus dem Filmtitel auf. Ein verlassenes
Haus auf Ischia, das nur noch dem
Berg gehört, an dem es hängt. Es blickt, filmwirksam
rot getüncht wie zuvor Anna filmwirksam
taubengrau gekleidet, aufs Meer
hinaus. Man sieht nicht, wie sie es bezieht,
Möbel kauft, herrichtet. Es steht da einfach,
im Film. Ein junges Paar taucht auf, von dem
bald nur noch die Frau in der Geschichte
bleibt, Giulia. Mit Giulia ist Anna plötzlich
zusammen, ohne dass das (ein Klassiker des
lesbischen Films!) der Schritt von einer falschen
Identität in eine gleichgeschlechtliche
richtige wäre. Giulia findet, dass Annas
Gesicht „aus einer anderen Welt“ kommt.
Kurz bevor sich Anna mit einem erneuten
Aufreißen der Villa-Amalia-Jalousien
aus dem Film verabschiedet, ohne dass damit
angedeutet würde, dass sie einen neuen Ort,
eine neue Identität angenommen hätte (es ist,
wie Ekkehard Knörer geschrieben hat, einfach
eine Geste, ein Schlussbild „ins Offene“),
führt sie die Geschichte noch einmal in die
Eliane-Vergangenheit. Sie begegnet ihrem
Vater, der die Familie damals verlassen hat.
In Elianes Gesicht kämpfen das kindliche
Trauma und das neue Verständnis für den
Vater, der kurz nach ihrer Geburt gegangen
war, gekündigt hatte, der losließ, mit dem es
aus war, der keine Lust hatte auf Baby, Kind,
Vorhänge vor jedem Fenster, katholische
Tränen und gutes Essen. Er sagt: „Sowas wie
eine normale Existenz gibt es nicht.“ s
Villa Amalia
von Benoit Jacqout
CH/FR 2010, 102 Minuten, OmU
Peripher Fimverleih,
www.peripherfilm.de
22 23
Im Kino
ab 25. November

kino kino
„Besingen will ich, wie sich Gestalten in andere Körper wandelten.“
oVID: „METAMoRPHoSEN“
GöTTLICHE
VERwANdLUNGEN
von SaScha WeStphal
Der portugiesische Filmemacher João Pedro Rodrigues ist ein freier Radikaler des Weltkinos. Seine Filme sind autark,
wild, sexy und kümmern sich wenig um ein Phantom namens Realismus. Mit „To Die Like A Man“ kommt nach
„o Fantasma“ und „Two Drifters“ auch sein dritter Spielfilm, den viele für seinen schönsten halten, in die deutschen
Kinos. Unser Autor unternimmt aus diesem Anlass den anspruchsvollen Versuch, sich der Filmsprache des Regisseurs
anzunähern.
24
EDITIoN SALZGEBER
s Eine gewisse Tendenz zum Kargen und Strengen war im Kino
des vergangenen Jahrzehnts nicht zu übersehen. Viele der Filme und
auch der Regisseure, die in jenen Jahren auf den größeren und kleineren
Festivals ästhetische wie künstlerische Maßstäbe setzten, verband
ein eher nüchterner Blick und eine deutliche Vorliebe für lange,
exakt kadrierte Einstellungen. So setzte man sich ab von den Produkten
der Industrie und konnte sich damit zumindest einer grundsätzlichen
Wertschätzung in gewissen Cinephilen- und Kritikerkreisen
sicher sein. Jenseits aller spezifischen Eigenarten der einzelnen
Filme und der individuellen Präferenzen ihrer Macher schälte sich
so ein vereinheitlichter Stil heraus, der mehr und mehr zum Markenzeichen
des cineastischen Widerstands wurde. Man formierte sich
und stand dem ewigen Widersacher wenigstens im Punkte Globalisierung
in nichts nach.
Auf welcher Seite dieser Frontlinien der portugiesische Filmemacher
João Pedro Rodrigues zu finden ist, steht erst einmal außer
Frage. Schon ein flüchtiger Blick in seine in der amerikanischen Filmzeitschrift
„Film Comment“ veröffentlichte Top Ten der Nuller Jahre
sagt schließlich alles. Da stehen Filme von Eugène Green und Valeska
Grisebach, von Christian Petzold und Angela Schanelec neben Werken
von Pedro Costa und Alain Guiraudie, von Jacques Nolot und
Straub-Huillet. Allein Apichatpong Weerasethakuls Blissfully Yours
und John Gianvitos höchst eigenwilliges Epos The Mad Songs of
Fernanda Hussein fallen ein wenig aus dem Rahmen und verweisen
auf eine zweite Seite in Rodrigues’ Kino-Kosmos.
Auch João Pedro Rodrigues’ eigene Arbeiten fügen sich zumindest
stilistisch durchaus in das vorherrschende Bild ein. Immer wieder
verweilt der Blick der Kamera etwas länger auf einer Landschaft
oder einem Gesicht als unbedingt nötig wäre … und welch ein Blick
das erst ist. Jede noch so beiläufige Einstellung ist von einer absoluten
kompositorischen Perfektion, jede noch so expressive Kamerafahrt
folgt einem strengen visuellen Versmaß. Doch das ist eben nur die
eine Seite. Auf der anderen stehen Geschichten und Schnitte, Bewegungen
ins Irreale und radikale, die Wirklichkeit negierende statt
spiegelnde Leerstellen.
All das will so gar nicht zu dem im Weltkino dominanten nüchternen
Ton passen. Jeder der drei langen Spielfilme, die João Pedro
Rodrigues in der vergangenen Dekade realisieren konnte, hat etwas
Delirierendes. Seine Erzählungen und seine Figuren sind ganz im
Gegensatz zu seinen Bildern eben nicht kontrolliert, sondern durch
und durch unbändig und maßlos. Sie entziehen sich gängigen rationalen
und psychologischen Erklärungsmustern mit einer Vehemenz, die
ihresgleichen sucht. Die Realität wird durchlässig für das Mythische
und die Berührung mit ihm verwandelt sie. Nichts ist auf ewig festgelegt
und festgeschrieben, alles kann in etwas anderes transformiert
werden, und niemand muss sein Leben lang der Gleiche bleiben.
Sérgio, dem Ricardo Meneses seinen Körper gibt, ist nahezu
immer unterwegs. Sein ganzes Leben ist ein unablässiges Cruising,
eine unausgesetzte Suche nach Männern und Müll, nach fetischisierten
Gegenständen und elementaren Gefühlen. Sein Revier, das er als
Müllmann und als drifter durch eine Welt des anonymen Sex wieder
und wieder durchstreift, wird in O Fantasma zu einem rätselhaften
Transitraum, eher einem verstörenden Nicht-Raum, der weder bruchlos
der alltäglichen Realität noch ganz dem Reich Mythos gewordener
Triebe angehört. Es ist ein Universum des ewigen Dazwischen, in
dem Sérgio nach und nach seine menschliche Identität aufgibt, sich
zunächst in einen Hund und letzten Endes in ein Phantom, ein Fantasma
der Nacht, verwandelt.
Ein schwarzer Dobermann läuft unruhig den Flur einer Wohnung
entlang. Es zieht ihn mit aller Macht zu einer verschlossenen
Tür. Aus dem Raum dahinter dringen kaum definierbare Laute auf
den Flur. Was den Hund derart in Aufregung versetzt, offenbart dann
Links: Tonia (Fernando Santos) in „To Die Like A Man“
Oben: Sérgio (Ricardo Meneses) in „O Fantasma“; unten: Odete (Ana Cristina de Oliveira)
in „Two Drifters“
ein Schnitt: Ein Mann in einem schwarzen Ganzkörper-Latexanzug
penetriert einen anderen, mit Handschellen gefesselten Mann und
drückt ihm dabei ein Tuch auf den Mund. Er lässt seiner Begierde
freien Lauf. Der Andere ist ihm ausgeliefert, wehrlos, nur ein Objekt
eines Triebs, der nichts als seine Befriedigung kennt. In diesen ersten
Momenten von João Pedro Rodrigues’ Spielfilmdebüt ist Sérgios
Metamorphose schon nahezu abgeschlossen. Seine frühere Persönlichkeit
hat er abgestreift, nun ist er nichts als dieser schwarz glänzende
Anzug, ein Wesen ohne Hemmungen und ohne Sprache, dem
Dobermann auf dem Flur näher als dem Mann in seiner Gewalt. Als
er etwas ablässt von dem namenlosen Anderen, ein erneuter Schnitt,
nun durch Raum und Zeit.
Ein Müllwagen fährt durch das nächtliche Lissabon. Einer der
beiden Männer, die hinten auf den kleinen Plattformen stehen, ist
Sérgio. Er kommt aus dem Nichts der Nacht und wird am Ende auch
wieder in ihm verschwinden. Mit den Menschen um ihn herum verbindet
diesen jungen Mann fast nichts. Fatima, eine seiner Arbeitskolleginnen,
ist sichtlich an ihm interessiert, aber er tut so, als nehme
er die Signale nicht wahr. Als er schließlich doch reagiert, ist sie ob
seiner animalischen Ungehemmtheit, seiner wilden Rohheit, entsetzt
und stößt ihn von sich. Aber das berührt ihn längst nicht mehr.
Sérgio, der zuvor nur Gefühle für den auf dem Gelände der Einsatzzentrale
der Müllabfuhr lebenden Hund hatte, ist nun besessen
von einem jungen Mann, bei dem er einmal Sperrmüll abgeholt hat.
Aber auch dem kann er sich nur gleich einem Hund nähern, lauernd
und schnüffelnd. Selbst die Sehnsucht schlägt um in ein rein instinktives
Begehren. Einmal dringt er nachts in dessen leeres Zimmer ein
und uriniert auf das Bett. Das Revier ist markiert, später wird er das
Objekt seiner Begierde eben dort überwältigen und aus dem Fenster
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EDITIoN SALZGEBER
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kino kino
schmeißen. Danach gibt es für das Geschöpf, das einst Sérgio war, nur
noch die Müllhalde, über die er streunt wie ein herrenloser Hund.
Wie Sérgio ist auch Ana Cristina de Oliveiras Odete in João Pedro
Rodrigues’ gleichnamigen zweiten Film eine Besessene, eine die Welt
nach ihrem Willen formende Stalkerin. Sie, die Tag für Tag auf Rollschuhen
durch die Gänge eines Supermarkts fährt und damit ihr Geld
verdient, hat nur einen Wunsch. Sie will unbedingt ein Kind bekommen.
Nur will ihr Freund, ein Sicherheitsmann im selben Supermarkt,
davon nichts wissen. Also schmeißt sie ihn aus ihrer Wohnung und
ihrem Leben. Aber da ist auch noch der 21-jährige Pedro, der im gleichen
Haus gewohnt hat und gerade erst bei einem Autounfall ums
Leben gekommen ist. Kurz zuvor hatten er und sein Geliebter Rui noch
in einer nächtlichen Hochzeitstravestie Ringe getauscht … bis dass der
Tod sie scheide. Minuten später war es dann so weit. Nun weht ein
seltsamer Wind durch Odetes kleine Souterrainwohnung, ein Wind
des Wandels, der sie auch weiter begleiten wird.
Schon bald darauf ist Odete sicher, dass sie und Pedro sich
unsterblich geliebt haben und dass sie sein Kind unter ihrem Herzen
trägt. Nichts bringt sie von all dem ab, und der Wind ist von nun an
ihr treuester Gefährte. Er trägt sie in Pedros Welt, erst einmal zu seiner
verwitweten Mutter und schließlich auch zu Rui. Beide wollen
ihr eigentlich nicht glauben und doch können sie sich ihr nicht entziehen.
Selbst Ruis Selbstmordversuch bringt ihn letztlich nur näher
zu ihr, die Pedro ähnlicher und ähnlicher wird, die sich die Haare so
schneiden lässt, wie er sie trug, und seinen Kleiderschrank plündert.
Am Ende haben sie und der Tote es dann geschafft. Sie ist mit Rui in
dessen Wohnung und schläft mit ihm wie einst Pedro.
Vor langer Zeit schon hatte António Cipiao (Fernando Santos)
beschlossen, eine andere zu werden. Zusammen mit dem Nachtclub-
Besitzer Teixeira hat er Tonia geschaffen. Als glamouröse Drag Queen
mit einer langen blonden Lockenperücke war Tonia über Jahre hinweg
der große Star des Clubs. Nur wird sie nun langsam älter und
älter. Jenny, eine atemberaubende afrikanische Transsexuelle, einst
von Tonia entdeckt, macht ihr den Platz und den Ruhm streitig. Zudem
hatten Tonia immer Kraft und Mut gefehlt, ihre Verwandlung endgültig
zu machen. Den letzten operativen Eingriff, der aus ihr tatsächlich
eine Frau gemacht hätte, hat sie wieder und wieder hinausgeschoben.
Antónios Wille hat Tonia erschaffen und dafür er hat unendlich viel in
Kauf genommen, Schmerzen und Einsamkeit, den Verlust seines einzigen
Sohnes, der sich von Tonia voller Verzweiflung und Wut abgewendet
hat, und als streng gläubiger Katholik die Angst vor der Strafe
Gottes. Aber über eines hatte auch Tonia keine Macht. Ihren Körper
konnte sie nicht allein aus eigener Kraft vollständig umformen, und so
ist sie schließlich nach überaus schmerzvollen Brustimplantaten auf
etwa halbem Wege stehengeblieben.
Nun sind es gerade diese Implantate, die Tonia mit aller Macht
das Zerbrechliche, das Unfertige, ihrer Identität wie auch ihres
Lebens, vor Augen führen. Aus einem Furunkel direkt an der linken
Brustwarze fließt beinahe unablässig ein milchig-rotes Sekret. Eiter,
Blut und Silikon vermischen sich zur einer Milch des Leidens und des
Todes. Wie so viele andere Schmerzen und Verletzungen verheimlicht
Tonia auch diese neue Wunde ihrer Wandlung so lange wie nur
eben möglich. Doch dann bricht sie zusammen und kommt ins Krankenhaus.
Die Implantate haben sich entzündet und müssen aus ihrem
vom HIV geschwächten Körper heraus. Eine erneute Verwandlung
steht bevor, und wieder trifft sie eine radikale Entscheidung: Tonia,
die immer auch ein Ideal und ein Traum war, muss ganz verschwinden,
und Antonio kehrt zurück, um als ein Mann zu sterben.
O Fantasma, Odete, der in Deutschland unter dem Titel Two Drifters
erschienen ist, und Morrrer Como Um Homem (To Die Like a
Man) – sie alle sind Kapitel, oder eigentlich eher filmische Gesänge
in einer noch längst nicht abgeschlossenen Chronik der Verwandlungen.
Allerdings erzählt João Pedro Rodrigues anders als Ovid
keinen bis in seine Gegenwart reichenden Schöpfungsmythos. Seine
Oben: „O Fantasma“; Mitte: „Two Drifters“; unten: „To Die Like A Man“
„Metamorphosen“ sind eher moderne Apokryphen, Alternativen zu
den dominanten Erzählungen unserer Zeit und Welt. Die Götter, die
bei Ovid noch der Motor allen Wandels sind, die den Menschen eine
andere Gestalt geben und sie damit entweder strafen oder erhöhen,
sind verschwunden. Zunächst wurden sie verdrängt von dem einen
dreifaltigen Gott und seinen Heiligen, und dann sind sie vergessen
worden. Die einzige Verwandlung, die das Christentum kennt und die
João Pedro Rodrigues in einem gloriosen Moment am Ende von Morrer
Como Um Homem auf seine wundervoll idiosynkratische Weise
zitiert, kommt nach dem Tod. Wer schon im Leben ein anderer oder
eine andere werden will, ist auf sich selbst gestellt.
Sérgios Phantomwerdung, die Transmigration von Pedros Seele
in den Körper von Odete und Tonias Passion, die nur in einer Wiederauferstehung
gipfeln kann – João Pedro Rodrigues’ Filme erzählen
EDITIoN SALZGEBER
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von göttlichen Ereignissen in einer Welt ohne Gott. Psychologische Interpretationen verbieten
sich also ganz von selbst, erst recht, wenn Rodrigues sie wie in Odete selbst andeutet. Für die
Ärzte in dem Krankenhaus, in dem Odete nach einem Zusammenbruch landet, steht die Diagnose
bald fest: Ihre Schwangerschaft sei nur Schein, eine Einbildung, das physische Produkt
einer überaus seltenen psychischen Störung, die aber mit Hilfe von Medikamenten durchaus
heilbar sei. Doch der Gedanke an eine Heilung hat in Rodrigues’ Zwischenwelt etwas gänzlich
Abwegiges. Er ist mit einer normativen Vorstellung von Normalität verbunden, gegen die diese
Filme mit aller Macht ankämpfen. Ideen und Fantasien werden in ihnen eben nicht nur im
Kopf geboren. Sie sind keinesfalls nur Ausdruck bewusster und unbewusster Prozesse in der
menschlichen Psyche. Auch der Körper, das Fleisch, hat seine ihm eigenen Fantasmen.
Die Idee des „Neuen Fleisches“, der David Cronenberg solange in seinen Filmen nachgegangen
ist, erlebt in den Arbeiten João Pedro Rodrigues’ seine Metamorphose. Aus den aus
dem Geist der modernen Wissenschaft und Technik geborenen SciFi- und Horror szenarien
des kanadischen Filmemachers werden im ursprünglichsten Sinne melo-dramatische Fiebervisionen.
Die Gesellschaft mag ihre eingefahrenen und oft auch festgeschriebenen Vorstellungen
haben. Doch in Wahrheit sind sowohl das Geschlecht und der Körper eines Menschen als
auch das, was gemeinhin als Identität gilt, nahezu unendlich wandel- und verwandelbar. Das
Flüchtige und Unbeständige des nur scheinbar Festen nährt ein überwältigendes, namenloses
Begehren, in Sérgio wie in Odete und Tonia. Es ist eine Sehnsucht nach Freiheit jenseits
der Grenzen des Vorbestimmten. Sérgio muss zum schwarzen Latexwesen, zu einem aus dem
Menschen heraus gebrochenen Hund werden, Odete muss eins mit Pedro sein, und Tonia wird
ihre tiefe Liebe für die Liebe erst nach ihrer letzten, der ultimativen Verwandlung ganz ausleben
können.
João Pedro Rodrigues’ Kino der Metamorphosen ist aber nicht nur eins der menschlichen
Verwandlungen. Seine Filme selbst sind in einem ständigen Wandel begriffen. Auch in ihnen ist
nichts festgefügt. Genregrenzen werden zwar immer wieder gezogen, aber nur um sie dann zu
durchbrechen, das eine Genre mit dem anderen kurzzuschließen und einen Prozess in Gang zu
halten, der fast einem Perpetuum mobile ewiger Transformation gleichkommt. Der enigmatische
Erstling O Fantasma ist dabei ohne Frage noch seine am deutlichsten in sich geschlossene
Arbeit, die eine klare Linie oder – wie Ekkehard Knörer es einmal formuliert hat – „ein Gesetz“
hat. Es ist die Linie vom Dunkel ins Dunkel und das Gesetz des Triebs.
Alleine der Einsatz der Musik, die Songs, die Sérgios Gang aus der Welt begleiten, lassen
diesen filmischen Vektor ein wenig brüchig werden. In ihnen offenbart sich schon Rodrigues’
Hang zum Melos, zu einem Erzählen, das aus der Musik geboren ist, und damit auch zum
Musical. In Odete tritt er dann umso deutlicher in den Vordergrund. Mit „Moon River“, dem so
berauschend traurigen Song aus Blakes Edwards Verfilmung von Truman Capotes „Breakfast
at Tiffany’s“, hat er ein fast schon wagnerisches Leitmotiv, das nicht nur für Ruis und Pedros
Liebe steht. Dieser Song hält vielmehr zusammen, was ansonsten mit aller Kraft auseinanderstrebt:
das Melodramatische und das Satirische, das Sentimentale und das Kühl-Beobachtete.
Schon in der ersten Szene des Films, in der sich Rui und Pedro voneinander verabschieden
und nicht ahnen, dass es für immer ist, reizt João Pedro Rodrigues so ziemlich jedes Klischee
des Melodramatischen aus. Natürlich muss in dem Moment, in dem Rui den toten, blutüberströmten
Pedro ein letztes Mal in seinen Armen hält, wie aus dem Nichts ein Wolkenbruch
einsetzen. Ovids Götter mögen verschwunden und vergessen sein, aber angesichts einer Liebe
wie dieser muss sich der Himmel öffnen. Was wie Ironie wirkt, gibt aber in Wahrheit dem
Melodram zurück, was des Melodrams ist. Auch das ist ein elementarer Teil von João Pedro
Rodrigues’ fortwährendem Metamorphosen-Projekt.
Die Entwicklung von O Fantasma zu Morrer Como Um Homem ist eine der Öffnung und
dabei eine konsequenter erzählerischer Wandlungen. Die innere Bewegung des Films folgt
weiterhin der einer Metamorphose. Allerdings tritt an die Stelle des einen Gesangs ein vielstimmiger
Choral. João Pedro Rodrigues fächert Tonias Geschichte in eine Folge von Szenen
und Variationen auf. Das Grundmotiv ist – frei nach dem Titel eines Lieds von Charles Aznavour
– die Frage: „Was macht eine Frau eine Frau?“ Alles in Rodrigues’ grandiosem Melo-
Drama verweist auf die Konstruktionen von Weiblichkeit, die in der Welt der Transvestiten
und Transsexuellen sich ganz augenfällig als eben solche erweisen. Das Weibliche ist in der
patriarchalischen Gesellschaft immer etwas Gemachtes, etwas durch Abgrenzung Erschaffenes,
entweder erzwungen durch männliche Erwartungen oder aus eigener Kraft geboren.
Tonias tragisches Scheitern und ihr später, dann aber wahrhaft göttlicher Triumph sind der
Stoff eines großartigen, zutiefst erschütternden Klagegesangs, der sich schlussendlich nur in
eine ebenso grandiose, zutiefst ergreifende Utopie verwandeln kann. s
Filmografie João Pedro Rodrigues
O Pastor (1988, Kurzfilm)
Parabéns! (1997, Kurzfilm)
Viagem À expo (1998, Dokumentarfilm)
O fantasma (2000)
Odete / Two Drifters (2005)
China, China (2007, Kurzfilm)
morrer Como Um homem /
To Die like a man (2009)
O Fantasma
von João Pedro Rodrigues
PT 2000, 90 Minuten, OmU
Auf DVD
Edition Salzgeber, www.salzgeber.de
Two Drifters – Odete
von João Pedro Rodrigues
PT 2005, 98 Minuten, OmU
Auf DVD
Pro-Fun Media, www.pro-fun.de
To Die Like A Man
von João Pedro Rodrigues
PT/FR 2009, 135 Minuten, OmU
Edition Salzgeber, www.salzgeber.de
26 27
Im Kino
Frühjahr 2011

kino
Drei
von Tom Tykwer
DE 2010, 119 Minuten, dt. OF
X Verleih, www.x-verleih.de
im Kino
ab 23. Dezember
MAUERPARKBIER
von jan küneMund
Tom Tykwer ist wieder zurück in Deutschland und dreht eine kleine Berliner Geschichte über drei
ineinander verliebte Menschen. Wenigstens ist das der Ausgangspunkt. Denn dem leichten Liebes- und
Beziehungsmodell stehen große Diskurse über erste und letzte Dinge gegenüber. Im Kino ab 23.12.
s Eigentlich möchte man diesen Film gut finden, ihn verteidigen gegen die Detail-Nörgler und die an seinem Thema
Nicht-Interessierten. Ausgerechnet Tom Tykwer, der Kino als geschlossenes System zu begreifen scheint und sich
gerne darin einschließt, versucht einen offenen, verspielten Essay über die mutmaßlich nächstliegende Außenwelt,
über die gebildeten, selbstständigen, kultur- (also an der Vermittlung von „Leben“) interessierten, mit den „Identitätlichkeiten“
(Blixa Bargeld) hadernden und daher immer an ihrem Tun zweifelnden und Ich-Bedenken tragenden
westeuropäischen Intellektuellen und ihrer Suche nach der Leichtigkeit. Und dreht eine kleine Geschichte über ein
Berliner Heteropaar, das sich unabhängig voneinander und voreinander geheim gehalten in einen Mann verliebt. Denselben
Mann. Sind wir in unserer Gesellschaft schon so weit?, fragt das Presseheft. Merkwürdigerweise nicht, sagen
die Beteiligten. Interessiert uns das?, wird das Kinopublikum fragen.
Eine Frage, die man sich tatsächlich angesichts des Ergebnisses stellt, ist allerdings, ob sich der Film mit allen
formalen Konsequenzen für das gesellschaftliche Thema interessiert (also tatsächlich einen ‚queeren‘ Entwurf wagt),
oder ob er sich (mit allen formalen Konsequenzen) für eine vertrackte, getrickste, verblüffende, provozierende, täuschende
kleine Kinogeschichte interessiert. Auf beiden Ebenen hängt der Film einer Uneigentlichkeit nach. So wie
die meisten Berliner KellnerInnen „eigentlich“ was anderes machen, machen auch die Figuren in diesem Film, die
man ja alle lieb haben soll, irgendwas und wollen eigentlich was anderes machen. Und auch der Film selbst erzählt
etwas und hält sich permanent offen, ob er nicht eigentlich was anderes erzählen will: Stammzellenforschung zum
Beispiel, Tod, Kunst, Ethikrat. Und dieses Offenhalten als Haltung hat nichts damit zu tun, dass man mit Offenheit ins
Außen, ins (meinetwegen) „Leben“, ins Unerforschte und Unkontrollierte schaut. Wie üblich bei Tykwer steckt Drei
voller kleiner Taschenspielertricks, gestrickter Geschichtchen, Filmzitate, kleiner Gags – all das, um immer wieder
die Möglichkeiten des Kinos und eine Freiheit im Umgang mit ihnen zu behaupten. Und hinter dieser Behauptung
steckt eigentlich der Kontrollwahn des Knöpfchendrückers, ein etwas verzweifelter Versuch, Menschen zu verblüffen
und zu bezaubern, um von ihnen geliebt zu werden: Scherenschnitte,
Engel über Berlin, Zahlenmystik in Splitscreen, Stummfilmgefake
(der inflationäre „aged film“ Effekt) usw. Man kennt das alles (und
erträgt es – auch mit mehr Nachsicht – genauso wenig) in filmstudentischen
Arbeiten, die immer Handwerk zeigen wollen und doch
eigentlich von einer Sehnsucht nach den Knöpfchen zeugen, die man
einfach nur drücken muss. Und genügte das alles bei Tykwer noch
nicht, so müssen die einzelnen Frank-Griebe-glatten Bilder so süffig
geschnitten und mit Musik eingefettet werden, dass nur ja kein Stehenbleiben,
Abstand nehmen und Augenwandern entsteht. Was anderes
als das, was ein Tykwer will, soll man denn im absurden Bild einer
Leichenwagenkutscherin Sophie Rois auf der Straße des 17. Junis in
Schwarzweiß entdecken?
Trotzdem möchte ich das mögen. Möchte das ernst nehmen als
Bewegung ins Kleine, Zärtliche, Naheliegende, Leichte von drei
Menschen, die sich finden und das Sich-Gefunden-Haben noch lösen
müssen. Wie nervig und doch ok die Freiheit in einem Sonntagnachmittag-Mauerpark-Bier
erzählt wird. Wie richtig das permanente
Ins-Theater/Ballett/Kino/Museum-Laufen und das Keine-Haltung-
Finden zu TV-Bildern aus Bagdad und Kabul ausgestellt wird. Wie
schön das Bild der Hochspannungsleitungen ist, über die die schwere
Erzählung einer prototypischen Beziehung gelegt wird. Und wie
echt diese drei Schauspieler das spielen und wie schön sie in diesem
Film auf die Leinwand gebracht werden, auch wenn sie dabei (so das
Schlussbild) nur die Petrischale unter dem Erzählermikroskop ausfüllen.
Einen derartig abgeschlossenen, zusammengezurrten Entwurf
über Freies und Offenes – das knirscht. Aber es macht mal einer
und füllt das auf mit einer Materialschlacht aus Diskursen, mit denen
unser Nachdenken über Freiheit zu tun hat. In 20 Jahren werden wir
wahrscheinlich sagen: Ja, so war das, so waren wir damals. Jetzt, im
Kino, muss man den Wert des Genervtseins sehen und erkennen, dass
ein Geschichtchenstricker einen gerade „verhandelt“, wie es in der
Drei-Sprache so schön heißt. „Mach dir keinen Stress!“, sagt Adam
zu Simon nach dem Sex. Schön. Aber es geht weiter: „Du musst dich
nur verabschieden.“ Und noch weiter: „Von deinem deterministischen
Biologieverständnis.“ Ist ja gut. s
28 29
kino
X VERLEIH
„Aufregender cineastischer Genremix”
SPIEGEL.DE
„Erweckt ein brilliantes Gedicht zum Leben”
THE NEW YORK TIMES
„Mutig, engagiert und einfallsreich”
LOS LOS ANGELES ANGELES TIMES TIMES
DAS GEDICHT EINER GENERATION
DER BEAT EINER REVOLUTION
JAMES FRANCO
ist
ALLEN GINSBERG
DAS GEHEUL
Ein Film von
ROB ROB EPSTEIN & JEFFREY FRIEDMAN
www.pandorafilm.de
AB 6. JANUAR IM KINO

dvd
EINER MUss
Es JA MACHEN
intervieW: nando rohner
Scud, der Künstlername des Regisseurs, Produzenten und
Drehbuchautors Danny Cheng Wan-Cheung, wirkt auf uns
genauso eigenartig wie für Kenner des Hongkong-Kinos
die offene Thematisierung von Homosexualität und die
expliziten Nacktszenen in seinen Filmen. Womit aber noch
nicht ansatzweise umrissen wäre, wie wild, poetisch und
originell Scud seine Kinogeschichten erzählt. Gerade sind
die ersten beiden Spielfilme einer geplanten Trilogie in
Deutschland auf DVD erschienen („Permanent Residence“ und
„Amphetamine“). Also hat sich SISSY mal mit Scud getroffen
und erfahren, unter welchen Bedingungen seine Filme in
Hongkong entstehen.
sissy: Hallo Scud, schön, dass Sie sich für uns Zeit nehmen. Wie kommt
man eigentlich darauf, sich so zu nennen (englisch für „jagen“)?
Scud: Das geht auf meinen chinesischen Namen zurück, der übersetzt
„Jagende Wolken” bedeutet.
Aha. Und wer steckt hinter diesem Künstlernamen?
Ein ziemlich einsamer Mensch. Jemand, der viele Dinge macht, die
andere Menschen nicht interessieren. Zum Beispiel als Filmemacher
zu arbeiten. Zum Beispiel solche Filme wie meine zu machen,
mit denen man kein Geld verdient, was mir ja völlig klar ist, denn ich
mache keine Filme, um damit Geld zu verdienen und finanziere sie
komplett selbst. Aber wenn man mit seinen Filmen nicht viel Geld
verdient, dann ist man eben zwangsläufig einsam (lacht).
Aber warum finanzieren Sie denn Ihre Filme komplett selbst?
Um künstlerisch unabhängig zu sein, das war schon immer mein
Traum. Ich will mir keine Gedanken darüber machen müssen, was
andere Leute über mich und meine Filme denken. Außerdem gab es
da eine traumatische Erfahrung: Bei meinem ersten Film habe ich mir
Geld von meiner Mutter geborgt, was für beide Seiten nicht sonderlich
befriedigend war. Allein, um mir nie wieder Geld von meiner Mutter
borgen zu müssen, finanziere ich seitdem meine Filme selbst! (lacht).
Wenn man etwas über künstlerische Arbeit in China hört, ist oft von
Zensur die Rede. In Ihren Filmen geht es explizit um Homosexualität.
Wie schwierig ist es, sich im Hongkong-Kino mit diesem Thema zu
befassen?
Die Filme zu drehen ist nicht sonderlich schwer. Aber an den Kinokassen
hat man damit natürlich keinen Erfolg. Doch für mich ist das
in Ordnung. Die Schwulen in Hongkong trauen sich zwar nicht, sich
Großes Foto links: „Permanent Residence“; kleine Fotos rechts: „Amphetamine“
die Filme im Kino anzusehen, aber später kaufen sie die DVDs und
sehen sie zu Hause, wo niemand sie deswegen verurteilt. Und die Vorstellung,
dass meine Filme im Geheimen wahrgenommen und geliebt
werden, ist sehr befriedigend.
Darsteller im Film frontal nackt zu zeigen ist ja im Hongkong-Kino
normalerweise nicht üblich, Sie machen das aber ständig. Ist das als
Provokation gemeint?
Nein, ganz und gar nicht. Ich bin immer wieder überrascht, wenn solche
Szenen für einen Skandal sorgen (lacht). Für mich sind sie etwas
vollkommen Normales, sie dienen der Story und der Atmosphäre
des Films. Skandale beweisen nur, wie konservativ die Zuschauer in
Hongkong sind, im europäischen Kino würden solche Szenen keine
derartige Reaktion nach sich ziehen. Weshalb ich als Filmemacher
auch eher eine Nähe zum europäischen Kino verspüre und weniger
zum Kino aus Hongkong oder Asien im Allgemeinen.
Macht Ihnen denn die Filmcrew keine Schwierigkeiten, wenn homoerotische
oder die vorhin angesprochenen Nacktszenen gedreht werden sollen?
Nein, das ist noch nie passiert. Ein Gegenbeispiel: Bei Permanent
Residence habe ich mit Herman Yau als Kameramann gearbeitet, der
in Hongkong selbst ein bekannter Regisseur ist und außerdem ein
glücklich verheirateter Mann. Im Film gibt es eine intensive Liebesszene
zwischen den beiden Hauptdarstellern, bei der ich mir nicht
sicher war, ob man sie auch wirklich so intensiv umsetzen sollte. Doch
Herman bestand darauf, weil er sich sicher war, dass die Szene im fertigen
Film sehr romantisch wirken würde. Er wollte sie sogar noch
intensiver haben. Er hat sich trotz anderer sexueller Vorlieben völlig
in den Film und in meine Intention hineinversetzt. Das ist für mich
als Regisseur eine tolle Erfahrung.
PRo-FUN MEDIA (3)
Permanent Residence
von Scud
HK/CH 2009, 112 Minuten, OmU
Amphetamine
von Scud
HK/CH 2010, 97 Minuten, OmU
Auf DVD
beide bei Pro-Fun Media,
www.pro-fun.de
Wenn man einen genaueren Blick auf die alten Martial-Arts-Filme,
aber auch auf die Hongkong-Gangsterfilme der 80er und 90er Jahre
wirft, dann spürt man in all diesen Filmen eine latente Homosexualität.
Ist sich das Publikum in Hongkong dessen bewusst, oder wird dies eher
ignoriert oder sogar verdrängt?
Ich bin mir nicht sicher, wie ich darauf antworten soll. Ich denke,
Homosexualität wurde schon immer im Hongkong-Kino behandelt.
Nur wurde sie dem Publikum auf eine andere, eine indirekte Art präsentiert,
als Männerfreundschaft zum Beispiel oder als eingeschworene
Bruderschaft. Explizite Homosexualität gab es in Filmen nur,
um darüber Witze zu reißen. Über viele Jahre hinweg hat es in Hongkong
keinen einzigen Film gegeben, in dem Homosexualität als solche
im Mittelpunkt stand.
Also gehen Sie ins andere Extrem, stellen Schwulsein explizit zur Schau
und legen dadurch die existierenden gesellschaftlichen Vorurteile
offen?
Nein. Ich verfolge mit all meinen Filmen keine soziale oder politische
Intention. Ich möchte einfach nur eine gute Geschichte erzählen, die
es meiner Meinung nach wert ist, erzählt zu werden. Selbstverständlich
würde es mich freuen, wenn Menschen durch meine Filme toleranter
und verständnisvoller werden. Mir geht es dabei aber nicht
nur um Homosexualität, sondern um den Menschen an sich und
seine Entfaltungsmöglichkeiten als Individuum. Ich versuche Filme
zu machen, die mehr als nur Gay-Movies sind und auch anders funktionieren,
als man es vielleicht von dieser Art von Filmen erwarten
würde. Ich gehe neue Wege und erzähle ungewöhnliche Geschichten.
Wenn andere Filmemacher es nicht machen, dann muss ich es
halt tun. s
30 31
dvd

dvd
süßwasser
von Gunther GeltinGer
In der allgemeinen Feier des aktuellen philippinischen Kinos wird der Filmemacher Aureaus Solito meist
etwas übergangen, obwohl sein Debütfilm „The Blossoming of Maximo oliveiros“ 2006 den Spielfilm-
Teddy der Berlinale erhielt. Die ‚neue Welle‘ des philippinischen Kinos ist tatsächlich eine queere Bewegung,
fast alle Regisseure berufen sich auf den legendären Lino Brocka, dessen „Macho Dancer“ 1988 ein eigenes
Queerfilm-Genre begründete. Solitos letzter Film „Boy“, der jetzt in Deutschland auf DVD erscheint,
versteht sich als Würdigung und gleichzeitig Dekonstruktion des Macho-Dancer-Genres.
s Bis Boy das Lokal der Macho-Dancer betritt, besteht
seine Welt aus den schmiegsamsten aller Elemente: aus
Träumen, Worten und Wasser. Von seinen drängenden
erotischen Phantasien erleichtert er sich mit der Hand,
und was davon bleibt, versucht er, in einem Kurs für kreatives
Schreiben in Sprache umzusetzen. Doch am ehesten
scheinen ihn die stummen, rätselhaft schönen Fische zu
verstehen, die er in Aquarien züchtet. Boys Zimmer ist
eine Halbwelt aus Wasser und den Gedankenlabyrinthen
eines Achtzehnjährigen. In diesem Privatraum ist der filmische
Blick auf die Hauptfigur ein vielfach gebrochener,
gespiegelt in den Glasscheiben der Becken, durchkreuzt
von den schillernden Leibern tropischer Muschelbarsche.
Als Boy mit großer Hingabe ein neues Aquarium
einrichtet, ist das Bild zweigeteilt: über der Wasseroberfläche
die Wirklichkeit mit Boys tatsächlich knabenhaftem
Gesicht, darunter das Reich der Fische und Vorstellungen.
Das Biotop, erklärt er, bilde die Bedingungen der
Natur nach.
Auch seine Gedichte sind Biotope, ein individueller
Lebensraum in einer zerstörten oder von Zerstörung
bedrohten Umwelt. Ein Biotop stellt das Natürliche künstlich
her, um es zu erhalten, es ist ein Derivat von etwas
Verlorenem. Boys Unterwasserlandschaften symbolisieren
den Versuch, die Kindheit ins Erwachsensein hinüberzuretten,
und Auraeus Solitos Film bildet das visuelle
Aquarium dafür, eine intakte, aber stilisierte Welt, die
sich farbmächtig gegen die Wüste der Realität stellt.
Solitos letzter Film The Blossoming Of Maximo Oliveiros,
der mit dem Teddy Award 2006 ausgezeichnet wurde,
lebt von der Nähe der Kamera zu den Protagonisten, die
sich nicht scheut, bei aller Schönheit des jungen Helden
Maxi auch den Dreck seiner Lebenswelt in Szene zu setzen.
In Boy geht der Regisseur nun einen gegenteiligen
Weg: Das Glas der Aquarienwelt verwehrt dem Betrachter
das Eintauchen in Boys Innenleben und lässt das von
Armut und vormaliger politischer Repression geprägte
Äußere einer philippinischen Großstadt wie eine Kulisse
erscheinen, eine Art urbanes Ozeanarium und Gegenbild
zum Biotop des Kinderzimmers, ebenso ästhetisch überhöht
und dominiert von einem abwesenden Vater sowie
einer ununterbrochen plappernden Gluckenmutter, die
Boys schmalen Mund kaum zum Reden bringt.
Als zu Beginn der Macho-Dancer die Bühne des einschlägigen
Lokals betritt, steht dieser Mund vor Verwirrung
halb offen. Amphibisch träge vollführt Aries seinen
erotischen Tanz, und Boy flüchtet auf die Toilette, um seine Erektion
zu entlasten, die härteste seines bisherigen Lebens beim Anblick von
Jungen, die einen Harten haben, während sie durch ihr hartes Leben
tanzen, wie es später in einem seiner noch eher hilflosen Gedichte
heißt. Die Sichtblende am Urinal verbirgt seine Begierde und Angst,
nur Belinda, die Puffmutter, sieht beides und nennt den Preis für
Aries.
Hier könnte die von Brüchen und Enttäuschungen geprägte
Geschichte eines Jungen beginnen, der seine sexuelle Identität sucht
und einen Stricher findet, dessen Zuneigung sich am eigenen Kaufwert
bemisst. Doch die Fährte ist eine Falle, in die der Zuschauer
tappt, während sein Blick von den makellosen Körpern ge- und verführt
wird. Der Macho-Dancer mit seiner harten, laut Belinda an
entscheidender Stelle übergroßen Männlichkeit erweist sich als Maskerade
– unzählige Kamerablicke auf Aries’ Unterhose und in ein
Gesicht, das derart erfüllt von ungestümen Verlangen nicht minder
boyish ist, lassen am XL-Panzer des Strichers zweifeln. Nur, wer fest
an die Notwendigkeit seines Biotops glaubt, findet die künstlichen –
oder künstlerischen – Mittel, es zu erschaffen.
Hartnäckig verweigert der Regisseur alles Kaputte in der Welt
des jungen Paares und ordnet Dramaturgie und Ästhetik seines Films
dem Rausch der Verliebtheit unter. Das Knirschen möglicher Risse
wird vom Gesäusel der Liebeslieder übertönt: Die Welt muss lernen,
dass die Antwort Liebe ist, singt eine der Drag-Queens in der Show,
und der Film folgt fast trotzig diesem Trugschluss. Nur die Geräusche
der Aquarien in Boys Zimmer heben sich als eigenständige Ebene vom
süßlichen Soundtrack ab: ein unterschwelliges Gluckern und Dröhnen
aus dem Wasser. Hindurch beobachtet Solitos Kamera in der Silvesternacht
den ersten Kuss, der von der Mutter unterbrochen wird.
Mehrere Male entzieht sich Boy der Verführungstaktik des angeblichen
Strichers, wie ein Junge, der sich vor einer nicht mehr kindgemäßen
Aufgabe schmollend in die Ecke setzt. Als Aries ihn endlich
überwältigt, vollzieht sich das Erste Mal gleichsam unter Wasser, in
Boys Biotop; die Bewegungen der Körper verschmelzen mit denen der
Fische, so genannter Teufelsangeln, die im Vordergrund durchs Bild
stechen, anmutig, fremdartig und mit ihren nadelförmigen Leibern
ein wenig bedrohlich.
Später nimmt Aries Boy mit zu sich nach Hause, und wieder sind
es die jugendlichen Körper mit ihrer Illusion ewigen Begehrens, die
alles Schäbige des sozialen Milieus überstrahlen: Betrunken umtanzen
sie sich in der Baracke, während an der Wand das Bild der Jungfrau
Maria über die Reinheit der Szenen wacht, in denen Boy seine
Unschuld verliert. Als er am nächsten Morgen ins grelle Licht blinzelt,
sieht er zum ersten Mal nicht mehr kindlich aus: blass, abgefickt
und versoffen kotzt er in eine Ecke. Die Kamera springt zurück und
nimmt eine jähe Distanz zu den Figuren ein. Halb vom Gerümpel verstellt
zeigt sie, wie Aries Boy die Schuhe bindet. Es ist Neujahr, das
Feuerwerk längst verraucht, die aufgewallten Gefühle erkaltet. Ich
will nach Hause, sagt Boy, wie einer, der sich verlaufen hat.
Das Gedicht, das er später seiner Schreibgruppe vorstellt, hat
er aus Liebeskummer verfasst. Es heißt B(u)oyancy, in den deutschen
Untertiteln mit „Beschwingtheit“ übersetzt, und bündelt den
Schwung eines jungen Dichters, der seine Sprache vom Wasser gelernt
hat und von der Schwerelosigkeit der Fische. s
Boy
von Auraeus Solito
PH 2009, 80 Minuten, OmU
Auf DVD
GM Films, www.gmfilms.de
32 33
GM FILMS
dvd
ALLE FREIHEITEN
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„Before Stonewall“ (Greta Schiller, Robert Rosenberg und Andrea Weiss, 1984)
dIE EIGENE
GEsCHICHTE
von chriStoPh MeyrinG
Die schwulen und lesbischen Bürgerrechtsbewegungen seit Ende der 1960er Jahre
haben immer wieder auf eine Lücke in den Geschichtsbüchern und im Bewusstsein
der homosexuellen ‚Community‘ hingewiesen: Es gibt kaum Dokumente einer
‚eigenen Geschichte‘, dagegen massenweise falsche und klischeehafte Bilder, die sich
der Mainstream vom schwulen und lesbischen Leben gemacht hat. Seitdem sind
einige Dokumentarfilme entstanden, die diese Lücke erfolgreich geschlossen haben –
die DVD-Box „Gay History“ versammelt fünf von ihnen.
EDITIoN SALZGEBER
s Wie stellt sich die Lage der Lesben und Schwulen gegenwärtig
dar? Keine einfache Frage, denn zuerst ist zu fragen, wo eigentlich?
Verlässt man nämlich die Grenzen der demokratisch geprägten westlichen
Welt, ja verlässt man auch nur die Grenzen West- und Mitteleuropas,
dann präsentiert sich die Lage gar nicht mehr rosig: Wer beispielsweise
schon am anderen Ufer des Grenzflusses Oder vom anderen Ufer
ist, hat nicht sonderlich viel Grund, sich im ursprünglichen wie im
übertragenen Wortsinn „gay“ zu verhalten. Und betrachtet man das
Ganze aus der Weltraumperspektive, so färbt sich der weitaus größte
Teil unseres Globus ziemlich düster ein. In den übelsten Weltgegenden
müssen diejenigen, die ihre Neigungen zum eigenen Geschlecht
nicht sorgsam genug verbergen, sogar um ihr Leben fürchten, manche
verlieren es tatsächlich. Und hierzulande? Hier, so darf mit Fug und
Recht behauptet werden, hat sich die Lage während der letzten Jahre
ziemlich gebessert, sowohl was die rechtliche Stellung der Homosexuellen
betrifft als auch ihre gesellschaftliche Akzeptanz: FernsehmoderatoInnen,
SchauspielerInnen, ProfessorInnen, Bürgermeister
und selbst Minister outen sich mehr oder auch weniger freiwillig als
andersrum, und das ist im sprichwörtlichen Sinne sicher auch gut
so. Kaum eine Vorabendserie, die nicht mindestens eine gutgelaunte
Lesbe oder ein gutgebautes Schwulenpaar gute und schlechte Zeiten
durchleben lässt. Schon geht mancherorts die Rede davon, dass nun
doch – bitteschön – alles erreicht sei. Die bunten Paraden anlässlich
des Christopher Street Days, die alljährlich die Innenstädte bundesdeutscher
Metropolen und sogar kleinerer Großstädte lautstark
durchziehen, so heißt es zuweilen, seien auch nur noch nostalgischfolkloristische
Party-Events, die ihren politischen Zweck, sofern sie
denn überhaupt noch einen verfolgten, längst eingebüßt hätten. Nicht
nur bei vielen jüngere Homos rufen Vokabeln wie „Community“ und
Parolen wie „Fight for Gay Rights!“ bestenfalls Befremden hervor,
als „Bewegungslesbe“ oder „Berufsschwuler“ möchte niemand mehr
identifiziert werden, schon gar nicht aufgrund des Kleidungsstils. Und
zu Recht möchte sich auch niemand mehr eine bestimmte schwule
oder lesbische Identität aufzwingen lassen, schließlich ist man ein
Individuum und kein wandelndes Klischeebild.
Dass nun alles erreicht und in Butter sei, würden – allein aufgrund
der objektiv zu beurteilenden Rechtslage – nun aber ernsthaft nicht
einmal die größten Optimistinnen und gutgläubigsten Schönfärber
behaupten, zumal auch niemand mehr so naiv ist, an einen ungebrochenen,
linear verlaufenden Fortschritt zum Guten zu glauben, der
im historischen Prozess auch eine gewisse Singularität beanspruchen
könnte. Rückschläge also gibt es, und einige lassen sich sicherlich
benennen. So kehrt mit dem Erstarken des Religiösen spürbar auch
ein Erstarken religiös motivierter oder religiös verbrämter Ressentiments
wieder, die sich zum Teil in offener Aggression artikulieren.
Gewalttätigkeiten gegen Homosexuelle sind keineswegs aus dem
Straßenbild verschwunden. Protagonisten einer sich als revolutionär
gebärdenden Hip-Hop-Kultur, unter ihnen intellektuelle Größen wie
Eminem und Bushido, kokettieren – immerhin kapitalistisch bauernschlau
– mit dumpfestem Schwulenhass, während sie gleichzeitig
heulsusig eine ach so problematische Jugend zu Markte tragen.
Ihre jugendlichen Fans, die sich inszenieren als kämen sie aus der
tiefsten Bronx, nicht selten aber in Hamburg-Eppendorf oder Berlin-
Grunewald das Gymnasium besuchen, finden etwas „schwul“, wenn
sie etwas bescheuert finden, eine sprachliche Praxis, die für den
sprachgewandten „Zeit“-Kolumnisten Harald Martenstein erheiternder
Weise rein gar nichts mit einer Abneigung gegen Schwule zu
tun hat. Und Lesben, die es immer noch wagen, sich nicht wie eine
Infotainment-Tussi zu stylen, sind sowieso trampelige „Kampflesben“.
Merkwürdige Tendenzen artikulieren sich aber auch – immer
noch oder wieder verstärkt? – unter den Betroffenen selbst, sofern sie
sich überhaupt als Betroffene fühlen. Denn, wie schon ein flüchtiger
Blick in eine Internet-Kontaktbörse wie „Gayromeo“ lehrt, verkehrt
dort eine mehr als unrealistische Anzahl von Bisexuellen, offenbar
weil – die durch fünf Profilfotos mit „Freundinnen“ unterstrichene
– Bisexualität die Profilinhaber unschwuler oder im mathematisch
exakten Sinne halb so schwul erscheinen lässt. Gesucht werden dann
gerne „Normale“ oder „normal Gebliebene“ (wer oder was bildet hier
die Norm?), da man sich selbst ja auch mit dem Gütesiegelbegriff
„heterolike“ annonciert, der rein logisch betrachtet nichts anderes
als (Selbst-) Abneigung offenbart und insofern auf die Vorschlagsliste
zum Unwort des Jahres gehört. Und abgesehen von der vielfach
erwünschten Distanz zur „Szene“ – von der man immer schon
gerne gewusst hätte, wo sie nun jetzt gerade wieder tobt, und ob man
eigentlich dazu gehört, wenn man gelegentlich am Wochenende an
einschlägigen Orten das Tanzbein schwingt – hat sich in vielen Profilen
ein regelrechter, in mackerhaft-aggressiver Tonlage vorgetragener
Tuntenhass kultiviert: „Gender Trouble“ war gestern!?
Die Lage, so will es – wie ohnehin meistens – scheinen, ist also
unübersichtlich und – zwischen Zweckoptimismus und Kulturpessimismus
hin und her schwankend – schwer zu beurteilen. Wenn das
Gegenwärtige unklar ist, dann lohnt vielleicht ein Blick in die Vergangenheit,
die immer kurz vor Weihnachten Hochkonjunktur hat, und
zwar in Gestalt ebenso dickleibiger wie geschichtsschwangerer Empfehlungen
für den Gabentisch. Populär- sowie hochwissenschaftliche
Schmöker historischen Inhalts, zu nicht unbeträchtlichem Teil von
Guido Knopp herausgegeben, stapeln sich nun wieder in den Buchläden:
„Hitlers Helfer“, „Hitlers Frauen“, „Hitlers Kinder“, „Hitlers
Kinder antworten“, „Die Geschichte Europas“, „Chronik der Weltgeschichte“,
„Chronik der Deutschen“, „Chronik des 20. Jahrhunderts“
etc. pp. Beworben werden die lehrreichen Werke häufig mit schulmeisterlich-hochtönenden
Sätzen wie: „Nur wer die Grundlagen der
eigenen Kultur kennt, entwickelt ein Verständnis für sich selbst und
die eigene Identität“, oder solchen, in denen sich „die eigenen Wurzeln“
und ihre „Bedeutung für die Wahrnehmung der Gegenwart“
fest eingewurzelt haben. Ungeachtet der schwierigen Frage, inwieweit
nun der Investiturstreit (1076–1122) oder der Siebenjährige
Krieg (1756–1763) ganz real in die eigene Biographie intervenierten
und dieserart an der Persönlichkeitsbildung mitwirkten, entbehren
diese Aussagen mitunter ja nicht eines gewissen Wahrheitsgehaltes.
Vielleicht aber dürfen historische Rückblicke ja zunächst auch einfach
nur interessant und faszinierend sein. Die von der Edition Salzgeber
herausgebrachte, gerade erschienene DVD-Box Gay History,
eine filmische „Emanzipationsgeschichte des 20. Jahrhunderts“,
ist es auf jeden Fall – womit sich dieser Text, passend zum Thema,
nun frühzeitig und offenherzig als schriftliche Dauerwerbesendung
geoutet hat. Und zwar reinsten Gewissens, denn die auf fünf DVDs
im Schuber versammelten Dokumentarfilme dürfen mittlerweile mit
Recht Klassiker-Status für sich in Anspruch nehmen.
Zeitlich am frühesten innerhalb dieser „Chronik der Homos“ setzt
Greta Schillers Before Stonewall (USA 1984, Co-Regie: Robert Rosenberg,
Erzählerin: Rita Mae Brown) an, der es gemäß seines Titels
unternimmt, die Geschichte der amerikanischen Lesben und Schwulen
vom Anfang des 20. Jahrhunderts bis zu den befreienden Krawallen
rund um die Schwulenbar „Stonewall“ am 27. Juni im New Yorker
Greenwich Village, die das Modell für die heutigen CSD-Paraden bilden,
in Form einer Mixtur aus Zeitdokumenten (darunter z. T. äußerst
komische Sequenzen aus alten Hollywood-Filmen) und Interviews
mithilfe einer ordnenden Erzählstimme zu rekonstruieren. Man
erfährt dabei u.a., dass der Begriff „gay“ zunächst alle gesellschaftlich
Randständigen bezeichnete, dass sich während der 1920er bis
zur großen Depression der 1930er Jahre in Teilen einiger Metropolen
(in New Yorks Harlem und Greenwich Village, San Franciscos Barbary
Coast und New Orleans’ French Quarter) der erste homosexuelle
Underground bildete, und dass der Zweite Weltkrieg dem homosexuellen
Selbstverständnis überraschender Weise eher zuträglich war.
Ausgerechnet über ihren Dienst in der Armee nämlich erfuhren viele
aus der Provinz stammende Lesben und Schwule erstmals, dass sie
34 35
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dvd
Von oben: „The Times of Harvey Milk“ (Rob Epstein, 1984); „Common Threads – Stories
From The Quilt“ (Robert Epstein und Jeffrey Friedman, 1989); „Paragraph 175“ (Robert
Epstein und Jeffrey Friedman, 2000), „Verzaubert“ (Dorothée von Diepenbroick, Jörg
Fockele, Jens Golombek, Dirk Hauska, Sylke Jehna, Claudia Kaltenbach, Ulrich Prehn,
Johanna Reutter und Katrin Schmersahl, 1992)
EDITIoN SALZGEBER (4)
nicht die einzigen „Perversen“ und somit vielleicht gar nicht pervers
waren. Da Frauen infolge kriegsbedingten Männermangels zu dieser
Zeit an der Heimatfront in zivilen und militärischen Funktionen
sehr gefragt waren, emanzipierten sich vor allem die Lesben, wie eine
Zeitzeugin im Interview eindrucksvoll bestätigt: „Mein Bataillon war
zu 97% lesbisch!“ Ferner berichtet sie von einer Episode, in der General
Eisenhower ihr die Anweisung gab, alle Lesben aus ihrer Einheit
zu entfernen. Auf ihren Einwand hin, dass dann die meisten, sie
eingeschlossen, den Dienst quittieren müssten, sah sich der Kriegsheld
schließlich kleinlaut zum Rückzug animiert: „Vergessen Sie den
Befehl.“ Nach der Schilderung der düsteren McCarthy-Ära während
der späten 1940er und frühen 1950er Jahre, in der Homosexuelle als
potentielle Spione Moskaus verfolgt wurden („Unter McCarthy hatte
man als Schwuler das Gefühl, man sei eine Mata Hari“), endet der
Film mit den ersten Ansätzen eines homosexuellen Selbstbewusstseins
(in Gestalt von Interessensverbänden und Zeitschriften wie
„Out“ und „Mattachine Revue“), welche durch die Bürgerrechtsbewegungen
der 50er und 60er („Black Power“, Women’s Liberation“,
Hippiebewegung) wesentlich katalysiert wurden.
Eine Galionsfigur der amerikanischen Lesben- und Schwulenbewegung
stellt Rob Epsteins Oscar-prämierter Dokumentarfilm The
Times of Harvey Milk (USA 1984, Erzähler: Harvey Fierstein) mit
dem besagten Aktivisten und späteren Stadtrat von San Francisco
in den Mittelpunkt. Das Charisma Milks, dessen Leben und Wirken
von seinen Anfängen als Inhaber eines kleinen Fotoladens im Castro-
Viertel bis hin zu seiner Ermordung im Rathaus durch eine Montage
von zeitgenössischen Medienberichten mit Interviews und Erzählerkommentaren
nachgezeichnet wird, blitzt immer dann am eindrucksvollsten
auf, wenn die Kamera ihn redend und argumentierend zeigt.
In diesen Momenten wird klar, warum er so erfolgreich Menschen
überzeugen und Massen mobilisieren konnte. Haarsträubendes ist
zum Ende zu erfahren, sofern der erzkonservative Ex-Stadtrat Dan
White, der Milk sowie den liberalen Bürgermeister George Moscone
am 27.11.1978 nacheinander durch mehrere Kugeln in ihren Amtszimmern
niederstreckte und auf beide noch schoss, als sie bereits am
Boden lagen, im Gerichtsverfahren erfolgreich mildernde Umstände
geltend machen konnte. Nach nur acht Jahren Haft war er schon im
Jahr 1984 wieder auf freiem Fuß.
Den achtziger Jahren, der Dekade von Aids, wendet sich Robert
Epsteins und Jeffrey Friedmans ebenfalls mit dem Oscar ausgezeichneter
Dokumentarfilm Common Threads – Stories From The Quilt
(USA 1989, Erzähler: Dustin Hoffman, Musik: Bobby McFerrin) zu.
Den Ausgangspunkt der Darstellung bildet der „Auds-Memorial-
Quilt“, eine riesiges, aus tausenden, von den Hinterbliebenen für
die Opfer gestalteten Einzelsegmenten zusammengesetztes, 1987
begonnenes und seitdem stetig expandierendes Textil-Kunstwerk,
das 1996 letztmals auf der National Mall in Washington D.C. ausgebreitet
wurde. Der Blick der Filmemacher geht zunächst vom Großen
aufs Kleine, dergestalt, dass durch Interviews mit Hinterbliebenen
mehrere, sehr unterschiedliche und bewegende Einzelschicksale –
darunter ein drogensüchtiger Ehemann, ein hämophiles Kind, ein
schwuler Vater – vorgestellt werden. Sofern diese Einzelschicksale
mit der damaligen gesellschaftlich-politischen Situation, die durch
allerhand filmische Zeitdokumente verständlich gemacht wird, auf
tragische Weise eng verwoben sind, setzt sich aus den biographischen
Puzzleteilen nach und nach schließlich eine Geschichte der Krankheit
im Amerika der 1980er Jahre zusammen. Und diese Geschichte
stellt kein Ruhmesblatt für die Administration des seinerzeit amtierenden
Präsidenten Ronald Reagan dar, der das Wort Aids 1985 – als
sich schon Tausende mit dem Virus angesteckt hatten – erstmals
überhaupt aussprach und wenig Neigung zeigte, ausreichend finanzielle
Mittel für die Erforschung und Bekämpfung der „Schwulenpest“
zur Verfügung zu stellen. 1989, zum Zeitpunkt der Entstehung des
Films, belief sich die Anzahl der Infizierten bereits auf über 100.000,
ca. 59.000 Menschen waren bereits gestorben, mehr als im Vietnamkrieg. Eine Erfahrung, die
man sonst tatsächlich nur aus Kriegszeiten kennt, machten damals vor allem schwule Männer,
denn nicht wenige verloren binnen kurzer Zeit ihren gesamten Freundeskreis.
Eine große Rolle spielt der Krieg, in diesem Fall der Zweite Weltkrieg, auch im vielfach
preisgekrönten und 2000 im Rahmen der Berlinale uraufgeführten Dokumentarfilm Paragraph
175 (GB/DE/USA 2000, Erzähler: Rupert Everett), mit der sich die Amerikaner Epstein
und Friedman (mit Hilfe des Historikers Klaus Müller) nun einer dezidiert deutschen Problematik
annehmen. Der Film versucht eine bewusst offen gelassene und deshalb skandalöse
Lücke der Geschichtsschreibung zumindest ansatzweise zu schließen und kommt dabei, wie
er selbst zugibt, fast schon zu spät. Denn die meisten Betroffenen, in erster Linie homosexuelle
Männer, waren zum Zeitpunkt der Dreharbeiten schon altersbedingt verstorben. Die wenigen
aber, die den Nazi-Terror überstanden haben (etwa 100.000 Homosexuelle sind inhaftiert
und gefoltert worden, darunter 10.000–15.000 in Konzentrationslagern; Von diesen haben nur
etwa zehn überlebt) und über ihre Verfolgung und Misshandlung während dieser Schreckenszeit
noch vor der Kamera Auskunft geben konnten, tun dies in unglaublich eindringlicher und
ebenso unterschiedlicher Art und Weise: Ein Zeitzeuge wirkt fast heiter, ein anderer analytisch-abwägend,
der nächste greisenhaft-sanftmütig, ein weiterer lässt Scham (!) erkennen,
gibt an, noch mit niemandem über seine Erlebnisse gesprochen zu haben, und fängt im Verlauf
seiner Erinnerungen bitterlich an zu weinen – und nur einer schreit seinen gerechten Zorn
über das erlittene Unrecht laut aus sich heraus. Stark wirkt der Film aber auch darin, dass
er mitdokumentiert, wie die Opfer zum Sprechen ermutigt wurden und wo ihre Auskunftsbereitschaft
endete. Der Anfang des Films, der durchgängig mit faszinierenden historischen
Bilddokumenten aufwartet, schildert die – auch für die Homosexuellen beiderlei Geschlechts
– goldenen 20er-Jahre, in denen der – ursprünglich aus dem preußischen Landrecht von 1794
stammende, in der Folgezeit mehrfach ver- und entschärfte und tatsächlich erst 1994 vollständig
aufgehobene – Diskriminierungsparagraph 175 weitgehend ignoriert wurde. „Man
konnte“, so die einzige Zeitzeugin über die Lage im Weimar-Berlin, „tun, was man wollte.“
Umso erschreckender wirkt dann der Rückfall in die Barbarei der Naziherrschaft.
Ebenfalls mit der Nazi-, darüber hinaus aber auch mit der Nachkriegszeit, den 1950er und
1960er Jahren, beschäftigt sich Verzaubert (DE 1993), der letzte und einzige (rein) deutsche
der fünf Dokumentarfilme, der vor allem auf – nicht minder eindrucksvolle – Zeitzeugeninterviews
setzt, die durch historische – allerdings zumeist fotografische – Bilddokumente ergänzt
werden. Dass der sieben Jahre früher als der methodisch ähnlich verfahrende Paragraph 175
entstandene Streifen allein visuell etwas weniger professionell und aufwendig anmutet, stellt
eher ein Wunder als ein Manko dar, sofern er von neun Hamburger Studierenden unter schwierigen
finanziellen Bedingungen realisiert wurde. Den Titel der filmischen Kraftanstrengung
erklärt gleich zu Anfang eine der Interviewten, die den neumodischen Begriffen „schwul“
und „lesbisch“ wenig abgewinnen kann und „verzaubert“ eindeutig zauberhafter findet. Eine
andere, deren tragische Vergangenheit merkliche Züge von Verbitterung hinterlassen hat,
bezeichnet die Verzauberten durchgängig in ihrer historischen Terminologie als „Freundschaftsfrauen“
bzw. „Freundschaftsmänner“. Einer dieser älteren Freundschaftsmänner, der
die Hölle von Auschwitz überlebt hat, beschreibt seine Zeit im Lager dann – mehr erschütternder
als befremdlicher Weise – als insgesamt gar nicht so schlimm, offenbar um nicht so viel
Aufhebens von seinem Schicksal zu machen. Verzaubert versteht aber nicht nur zu erschüttern,
sondern auch zu bezaubern, z.B. dann, wenn die sehr unterschiedlichen älteren Damen
und Herren zum Teil in norddeutschem Dialekt mit viel Charme und Witz davon berichten,
wie sie über lange Zeit ihre soziale Umwelt getäuscht und die Obrigkeit ausgetrickst haben.
Und fast wie nebenbei setzt sich aus den Interviewaussagen ein verschüttetes oder bewusst
verdrängtes, auf jeden Fall aber faszinierendes Stück Hamburger Stadtgeschichte zusammen,
das bis weit in die Zeit der jungen Bundesrepublik hineinreicht. Dass, wie auch zu erfahren
ist, die Verhaftungen aufgrund des weiterhin wirksamen § 175 noch nach Kriegsende anhielten
und selbst vor KZ-Überlebenden nicht halt machten, woraufhin sich einige von ihnen das
Leben nahmen, bedeutet für unseren Staat allerdings eine ausgesprochene Schande, die nur
ungern angesprochen wird.
Abgesehen davon, dass man tatsächlich froh ist, im Hier und Jetzt zu leben – in diesem Fall
wirkt der berüchtigte Satz von der „Gnade der späten Geburt“ gar nicht mehr so abwegig –,
mag sich nach Durchsicht der fünf großartigen Dokumentarfilme mitunter auch die eine oder
andere Einsicht vermittelt haben. Vielleicht diese, dass es eine klar definierbare lesbische oder
schwule Identität wohl zu keiner Zeit gegeben hat, sondern vielmehr schon immer zahlreiche
höchst unterschiedliche Lebens- und Selbstentwürfe nebeneinander existierten. Vielleicht
aber auch jene, dass ohne einen massenhaften, solidarischen und entschlossenen Zusammenschluss
von Lesben und Schwulen – unter- und miteinander –, man nenne dies nun Community
oder sonst wie, niemals auch nur der geringste Fortschritt zum Besseren erzielt wurde. Ist das
jetzt schon Geschichtsbewusstsein? s
Gay History
Emanzipationsgeschichte des
20. Jahrhunderts. 5 DVDs im
Schuber.
Box und Einzel-DVDs bei der
Edition Salzgeber,
www.salzgeber.de
Before Stonewall
von Greta Schiller, Robert
Rosenberg, Andrea Weiss
US 1984, 87 Minuten, OmU
The Tmes of Harvey Milk
von Robert Epstein
US 1984, 90 Minuten, OmU
Common Threads –
Stories from the Quilt
von Robert Epstein, Jeffrey Friedman
US 1989, 79 Minuten, DF, OmU
Paragraph 175
von Robert Epstein, Jeffrey Friedman
US 1999, 75 Minuten, OmU
Before Stonewall
von Dorothée von Diepenbroick,
Jörg Fockele, Jens Golombek, Dirk
Hauska, Sylke Jehna, Claudia Kaltenbach,
Ulrich Prehn, Johanna Reutter,
Katrin Schmersahl
DE 1992, 89 Minuten, dt. OF
36 37
dvd

nachruf
MARTIN BüssER
(1968–2010)
von BirGit Binder
Am 23. September ist Martin Büsser gestorben. Der Autor, Journalist, Herausgeber,
Musiker war ein leidenschaftlicher und unvergleichlicher Zusammen-Denker von
Queer- und Poptheorie. Aus einem Streit mit ihm über die angebliche DVD-Brache im
Arthousebereich wurde sehr schnell eine Freundschaft, wenig später konnten wir ihn
schon als Autor für die SISSY gewinnen. Erinnerungen an eine Stimme, die uns fehlt.
Scans aus dem Bildroman „Der Junge von nebenan“ von Martin Büsser,
erschienen im Verbrecher Verlag 2009, 108 Seiten, broschur. (www.verbrecherei.de).
„Wer die Gefühle verbieten will, die möglicherweise zur Flucht führen
können, setzt stets schon voraus, den eigentlich richtigen Weg, also ‚die
Realität‘ zu kennen und ist gefährlich nahe an jenen inzwischen geflügelten
Worten von Arno Schmidt: ‚Nur die Phantasielosen flüchten in
die Realität und zerschellen dann, wie billich, daran.‘“
MARTIN BüSSER: „THE ART oF NoISE – EINE KLEINE GESCHICHTE DER SoUND CULTURE“,
IN: TESTCARD #3, S. 18.
s Seine Stimme sprach über die Musik, die er liebte und auflegte im
Radio, in Texten über Film & Kunst, zuletzt hinterließ er uns einen
queeren Bildroman, „Der Junge von nebenan“. Als Mitbegründer des
Ventil-Verlags gab er ab 1995 die „testcard“ mit heraus, fast scheint
es, als sei eine bestimmte Zeit mit ihm gegangen. Ich habe nicht das
Glück gehabt, Martin Büsser sagen zu können, wie singulär entscheidend
er wohl nicht nur für mein Leben war und immer wieder ist,
wenn ich seine Texte lese, Zeichnungen anschaue oder seine Stimme
höre. Ich habe eines Abends nach der Todesnachricht geweint, weil
ich mit Wucht erkannte: Wir alle haben ein Archiv verloren und sind
jetzt zurückgeworfen auf das, was er uns hinterlassen hat und das,
was wir auch daraus und damit und deswegen in unserem Leben entstehen
lassen. In Nachrufen können wir lesen, dass Martin Büsser,
Autor und Verleger, DJ, Zeichner, Theoretiker, Künstler, popkultureller
Ethnologe ohne Spiegel und darum konzentriert und kritisch
selbstreflexiv seinen Regionen gegenüber – sei es örtlich, politisch,
geschlechtlich – sich immer wieder eingemischt, Diskurszeit bis aufs
äußerste genutzt hat, und wie uneitel er sich artikulierte.
Martin Büsser schrieb regelmäßig Plattenkritiken für „Intro“,
hielt beißende Vorträge wie „Geschlechterverhältnisse in Punk- und
Hardcore-Szene“ im Jenseits-der-Geschlechtergrenze-Podcast der
ag queerstudies hamburg („Diese Hymne auf den Analverkehr, Frankie
goes to Hollywood, ‚RELAX, don’t do it – if you wanna come, …‘“)
oder schreibt „Fragmente einer Porno-Komparatistik“, deren Analyse
offenbart, was ihr Titel verspricht „For Your Pleasure“ (testcard #17:
„sex“). Seit ich diesen Text gelesen habe, bekomme ich immer häufiger
die Fresse auf und sage: Ich bin schwul und transgender und
das ist o.k. so, und ja, manchmal, da macht mir das Freude. Martin
Büssers Tod erinnert daran, wie wenigen Menschen, die sich Männer
nennen, sich manche von uns nahe fühlen können. So nahe, dass zu
wissen, dass es nur einen von ihnen gegeben haben mag, der die Zartheit
und Schärfe besaß, uns Diskurszeit zu geben und immer wieder
für sie zu sprechen gut genug ist, um weiter zu machen. So gut genug,
dass ich den Satz „Selbst wenn es“ (das Leben!) „die meiste Zeit zum
Kotzen ist“ aus „Lang leben die Könige! Vom Ereignis des Kingen“ (in:
Hot Topic, hg. Von Sonja Eismann, Ventil Verlag) streichen mag, wenn
es einen Martin Büsser zu geben vermochte auf diesem Planeten.
Im Paradox, dass wir nicht nur (mit) Punk leben, wortwörtlich
und qua Etymologie dieses Wortes (Knastslang, „vergewaltigte Mitinsassen
und Schwule“), während Homophobie immer wieder an die
Oberfläche dessen gerät, was unter Punk verstanden werden sollte
und wird. Ein Paradox, das abstrahiert bedeutet, dass die allerorts
stattfindenden Auslöschungen unserer queeren Geschichte als „der
Geschichte“ zugehörig verramscht werden anstatt daraus die revolutionären
Splitter in unseren Leben zusammenzusetzen, „If the kids
are united“.
„schnell, sexy, schön, vergänglich“ zitiert Martin Büsser Diedrich
Diedrichsen in einem Vortrag („Testcard und Popkritik in Deuschland“).
Auch wenn Martin Büsser dieses Wort einmal „leidig“ nannte,
„schnell, sexy, schön, vergänglich“, mit einem kritischen Gedächtnis
AUTHENTISCH warst Du auch. Deine „Lipstick Traces“ sollen uns
noch lange haften bleiben und in Atem halten. RIP Martin Büsser. s
Martin Büsser: Geschlechterverhältnisse in der Punk- und Hardcore-
Szene. Podcast-Vortrag vom 07. Mai 2008, AGQueerStudies, Hamburg:www.agqueerstudies.de/martin-busser-geschlechterverhaltnisse-in-der-punk-und-hardcore-szene
Martin Büsser: „Testcard“ und Popkritik in Deutschland. Vortrag im
Wiener „Depot“, Juli 1998: www.txt.de/testcard/buesser
www.pechsaftha.de
www.testcard.de
www.icantrelaxin.de
38 39
nachruf

filmflirt
der Moment
Friedrich KröhnKe Flirtet mit „capote“
Kaum jemand hat in Deutschland hinreißendere Geschichten über die tragikomische Sehnsucht nicht mehr
ganz so junger Herren nach dem moralisch beanstandeten Glück geschrieben. Auch das Kino spielt bei
Friedrich Kröhnke immer eine Rolle. In dem bekanntesten seiner vielen Romane erzählt Friedrich Kröhnke
vom Leben und Sterben seiner besten Freundin „Helen“ als Geschichte der Kinofilme, die sie gemeinsam
gesehen haben („Wie in schönen Filmen“). Es folgte eine Novelle über die mythenumwobene letzte Highway-Fahrt
des Regisseurs Murnau („Murnau. Eine Fahrt“). Zuletzt erschien „Ein Geheimnisbuch“.
s Ach wer von uns ist schon ein Truman Capote! Du
nicht und ich nicht … Plötzlich in der New Yorker Literatenszene
aufschlagender blonder Knirps, der scheinbar
ein kleiner Junge ist und jedenfalls ein von Gott begnadeter
Erzähler. Du nicht und ich nicht. Verfasser wundervoller
Geschichten aus den Südstaaten über verrückte
Knäblein und ihnen in Verrücktheit nicht nachstehende
alte Damen. Autor von Geschichten wie „A Christmas
Memory“ und „A Diamond Guitar“, für die zu danken
man jedes Jahr einmal seine Urne tätscheln und küssen
sollte. Du nicht und ich nicht der auf Partys umringte
boshafte Plauderer mit der Fistelstimme. Und doch …
Wir mögen es, meine Freundin und ich, im Xenon zu
sitzen. Biopics! Wir mögen überhaupt das Xenon, aber
erst recht, wenn Biopics gezeigt werden. Nach dem über
Kinsey letztens, dem über Françoise Sagan unlängst setzen
wir uns genüsslich, den kleinen großen Capote zu
sehen, Autos von früher und wogende Weizenfelder, den
Tod und den Tratsch.
Da sitzen wir in den hinfälligen Sesseln, ich trink
mein Bier aus der Dose, und nach und nach, irritiert,
bemerken wir, es ist ein schlimmer Film, und bemerken
wir: Das bin ja ich! Das bist ja du …
Alles ist da, wie ich es kenne! … Der Klassenkasper,
der später zum Schwulen wird, gefangen in seinem Kerker
aus Angeberei, Parodie, Geschwätz und Begabung.
Der eitle Schriftsteller, der, fasziniert von den gewalttätigen
schönen Biestern, Umgang mit ihnen pflegt, verliebt
in sie ist, sie zugleich, schlau, als Stoff, als Material
nutzt, froh ist, sie auch wieder fallen lassen zu können.
Die Freundin, die da ist, wenn er die dummen Kriminellen
mit den blitzenden Augen los sein will. Und ohne die
er nichts wäre. Und die, ohne so viel Wind zu machen,
ihrerseits Beachtliches leistet …
Eine alles dieses bis zum Äußersten treibende Parabel:
die hilflose Faszination, die Blasiertheit, die Freundin,
sogar meine Phantasien vom Elektrischen Stuhl –
aber als wahre Geschichte um Leben und Tod und so sehr
trist, ein so sehr harter Film.
Und all das ist so genau gearbeitet, jede Farbe, jeder
Schal, jeder schale Scherz. Und all das spielt uns mit dem
Gewicht einer ganzen Persönlichkeit Philip Seymour
Hoffman, den wir schon als Gegenspieler des jungen Tom
Ripley im 1950er Italien liebten, manchmal so fotografiert,
dass man nur das Gesicht dessen, mit dem er redet,
sieht und von T.C. nur die große Brille – und spielt uns
Catherine Keener als Harper Lee wie so eine Art Christa
Wolf aus Amerika …
40
Betreten erkennt der Schriftsteller Kröhnke aus Berlin:
Du Schreck, auch ich bin Capote. Und wohl ein paar
mehr, die sich während des Abspanns aus dem Xenon
schleichen, die haben sich auch ertappt gefühlt …
Und wir sitzen noch drin und wünschten so sehr, wir
wären gleich zu Anfang in das schöne alte Auto gestiegen,
du ans Steuer, versteht sich, und wären aus Kansas
weggefahren, du und ich, Harper Lee und T.C. Durch
besagte Weizenfelder immer nach Süden, abends Wein
und Motels und den Fatalitäten der Gier nach jugendlichen
Männern entkommen – nach Alabama und in die
Kindheit. Niemand wäre erschossen worden, niemand
hingerichtet und noch jede Spottdrossel am Leben. s
Capote
von Bennett Miller
US/CA 2005, 110 Minuten, DF
Auf DVD
Sony Pictures Home Entert.,
www.sphe.de
Wie in schönen Filmen
von Friedrich Kröhnke
Roman, 156 Seiten
Ammann Verlag,
www.ammann.ch
Murnau
von Friedrich Kröhnke
Novelle, 72 Seiten
Rimbaud Verlag,
www.rimbaud.de
SoNY PICTURES
Ein Geheimnisbuch
von Friedrich Kröhnke
Roman, 144 Seiten
Ammann Verlag,
www.ammann.ch
Neu auf dVd
von Maike Schultz (MS), chriStoPh MeyrinG (cM), Peter SchMidt (PeSch) und jan küneMund (jk)
PEPI, LUCI, BOM UND DER REST DER
BANDE
ES 1980, Regie: Pedro Almodóvar, Universum
Nachdem Pepi (Carmen
Maura) in ihrer Wohnung
von einem fiesen Polizisten,
der ihre kleine Dope-
Plantage auf dem Balkon
erspäht hat, rüde vergewaltigt
worden ist, sinnt
sie auf Vergeltung. Zu diesem
Zweck heuert sie ihre
Freundin Bom (Olvido „Alaska“ Gara) und deren
Kumpels von der Punk-Band „Bomitoni“ an.
Die schlagen mit dem Zwillingsbruder des gesetzlosen
Gesetzeshüters aber leider den Falschen
krankenhausreif. Immer noch rachedurstig
machen sich Pepi und Bom daraufhin an die
Polizistengattin Luci (Eva Siva) heran, vorgeblich,
um bei ihr Strickunterricht zu nehmen.
Überraschenderweise outet sich die äußerlich
so biedere Hausfrau im Verlauf der verkrampften
Handarbeitsversuche als knallharte Masochistin.
Da sie somit bestens in das Beuteraster
der dominanten Bom passt – „Vierzig und
schlaff, genau wie ich’s mag!“ – verlässt sie kurzentschlossen
ihren Gatten, um der minderjährigen
Punkerin fortan als Sexsklavin dienstbar
zu sein. Gemeinsam machen Pepi, Luci und
Bom nun die aufblühende Undergroundszene
Madrids unsicher. Bis Luci plötzlich von der
Bildfläche verschwindet … Da der Regisseur damals
noch hauptberuflich bei der staatlichen
Telefónica beschäftigt war, konnte Pedro Almodóvars
Kinoerstling aus dem Jahr 1980 nur am
späten Nachmittag und an Wochenenden gedreht
werden. Der Comic-hafte, schrillbunte
Streifen, der zuweilen an die Trash-Movies
John Waters’ erinnert, ist noch unverkennbar
ein Produkt der Subkulturbewegung „Movida
madilena“, lässt aber bereits die Handschrift
des Meisters erkennen. Zahlreiche Tabubrüche
– inhaltlicher wie technischer Art – scheinen
dabei einkalkuliert. Denn, so Almodóvar selbst:
„Wenn ein Film ein oder zwei Fehler hat, ist das
nur ein unvollkommener Film. Wenn dagegen
diese Fehler derart überhand nehmen, wird es
zum Stil.“ Gemeinsam mit Zerrissene Umarmungen
ergänzt Pepi, Luci, Bom (OmU) die sehr
ansprechend ausgestattete große Pedro-Almodóvar-Edition,
deren letzte Lücke demnächst
mit der DVD-Version des nekrophilen Stierkampfdramas
Matador (1986) geschlossen werden
wird. cm
DU SOLLST NIChT LIEBEN
IL/FR/DE 2009, Regie: Haim Tabakman, Edition Salzgeber
Der Jerusalemer Fleischer
Aaron, ultraorthodoxer
Jude, verheiratet und Vater
von drei Kindern, verliebt
sich in Ezri, einen
22-jährigen Jeshiva-Schüler,
den er als Lehrling in
seinem Geschäft anstellt
und in seine Familie aufnimmt,
nachdem der Regen ihn ihm vor die
Füße gespült hat. „Tabakman schafft es mit für
einen Debütanten traumhafter Sicherheit, weder
Aarons Liebe zu Ezri, noch die zu seiner Familie
und zu seinem Gott zu denunzieren, sondern
zeigt, unterstützt von einem wunderbaren
Ensemble, wo die Schwierigkeiten liegen, wenn
das Herz größer wird als der Verstand erlaubt.
Sein Hauptdarsteller Zohar Strauss ist für seine
Bravourleistung mit dem Darstellerpreis des Jerusalemer
Filmfestivals bedacht worden und
der israelische Popstar Ran Danker liefert als
Ezri eine nicht nur den Augen schmeichelnde
Vorstellung ab. Der stilistisch vielleicht am
ehesten mit Rosselini und dem cinéma verité
vergleichbare Film lässt seine Darsteller in Ruhe
und überfrachtet seine Bilder nicht. Tabakman
weiß um das Potential seiner Geschichte und
tut gut daran, ihm zu vertrauen.“ (Paul Schulz
in der SISSY 1/10)
TOO MUCh PUSSY! FEMINIST SLUTS
IN ThE QUEER X ShOW
FR 2010, Regie: Emilie Jouvet, GM Films
Bei diesen Feministinnen
würden Alice Schwarzer
sicher die (Achsel-)Haare
zu Berge stehen: Eine Sexarbeiterin,
eine Stripperin
und ein paar Pornostars
ziehen gemeinsam mit anderen
willigen Damen aus,
der Welt das Fürchten zu
nehmen. Vor der eigenen Vagina etwa, die bei
Performance-Shows vom Publikum ertastet
und mit einer Lupe beguckt werden darf. Um
eine sex-positive Einstellung zu vermitteln, touren
die sieben Frauen im Bus quer durch Europa,
zeigen ihren Gebärmutterhals auf Berliner
Bauwagenplätzen und führen Fesselspiele in
Pariser Underground-Clubs vor. Wenn es sein
muss auch schon mal mit der Herrentoilette als
Backstage-Bereich, wie bei den Outgames in
Kopenhagen. Die französische Fotografin und
Regisseurin Emilie Jouvet (One Night Stand)
hat die Aktivistinnen einen Sommer lang begleitet
und daraus die sehenswerte Doku Too Much
Pussy! Feminist Sluts In The Queer X Show gemacht.
Auch dass Wendy Delorme & Co es mit
ihren provokanten Auftritten nicht immer leicht
haben, zeigt der Film: „Too Much Pussy!“ lautet
die Reaktion eines prüden Clubbetreibers, der
den Frauen kurzerhand die Bühnenzeit kürzt.
Unterwegs bekommen sie SMS von der Freundin
zu Hause, tauschen Vergewaltigungsfantasien
aus und haben – natürlich – Sex. Nur schade,
dass der DVD als Bonusmaterial nicht die
unzensierte Fassung beiliegt, die Jouvet für das
Pornfilmfestival Berlin gedreht hat. ms
ThE OWLS
US 2010, Regie: Cheryl Dunye, Pro-Fun Media
frisch ausgepackt
Was bleibt, wenn eine
Gruppe wie Riot Grrrls in
die Jahre kommt? Wenn
vom Sex,-Drugs&Rockn’Roll-Leben
nur noch die
Alkoholsucht übrig ist?
Viel weiser sind die Frauen
in Cheryl Dunyes Film
mit dem Alter jedenfalls
nicht geworden, wie es der Titel (Older Wiser
Lesbians = OWLs) verheißt. In ihrem Berlinale-Beitrag
2010 erzählt die Teddy-Gewinnerin
(The Watermelon Woman) von der fiktiven Lesbenband
Screech. Früher besangen die vier
Musikerinnen die feministische Revolution,
nun bröckeln Karriere, Beziehungen und
Freundschaft: Frontfrau Iris ertränkt ihre
Profilsucht in Cocktails, während ihre Ex MJ
einsam vor dem Laptop masturbiert; Carol und
Lily kompensieren ihre Entfremdung dagegen
mit einem Kinderwunsch. Als bei einer Party
ein Mädchen stirbt und Carols Gärtnerin anfängt,
unangenehme Fragen zu stellen, müssen
sich die Frauen erneut zusammenraufen.
In einer raffinierten Genre-Kreuzung aus
Thriller und pseudo-dokumentarischen Interviews
wird der Todesfall rekonstruiert – und
offenbart sich nur als Gipfel eines Eisbergs aus
unausgesprochenen Problemen. Teamwork ist
alles bei The Owls, auch hinter der Kamera.
Cheryl Dunye und ihre Produzenten luden
vorm Dreh eine Gruppe queerer Künstler ein.
So entstand das vielversprechende „Parliament
Collective“, das die Geschichte gemein-
41

frisch ausgepackt
sam entwickelte – und mit Darstellerinnen wie
Guinevere Turner (Go Fish, The L Word), Lisa
Gornick (Tick Tock Lullaby) und Deak Evgenikos
(Itty Bitty Titty Committee) viele bekannte
Gesichter der Szene versammelt. ms
DAKAN – SChICKSAL
GN/FR 1997, Regie: Mohamed Camara, Edition Salzgeber
Logline: „Der erste schwule
Film aus Westafrika.“
Und beim emanzipierten
Draufblick auf eine der
vielen Diskriminierungsregionen
klingt da auch
ein „Na endlich!“ mit.
Doch hier wird nichts
nachgeholt, sondern poetisch
und soziologisch präzise kontextualisiert.
Eine Liebe zweier Männer in Guinea ist keine
Sensation, hat aber andere Konsequenzen für
das Umfeld und die Liebenden, und das zeigt
dieser Spielfilm mit einem milden, sehr humanistischen
Blick. Für die Eltern steht die wirtschaftliche
und soziale Existenz auf dem Spiel,
und die beiden von ihren Familien geliebten
Jungs brechen unter diesem Druck zusammen,
obwohl sie sich ihrer selbst und ihrer Gefühle
völlig sicher sind. Im Zeigen, wie sie versuchen,
Gefühl und Verantwortung zusammenzubringen,
fängt der Film sehr uneuropäisch an zu
schweben – im Treiben von Fischerboten, im
Rauschen des Urwaldregens, in den Trancen
der Heilungsrituale, im Sound der fantastischen
Musik von Sory Kouyate. Und nicht zuletzt
im strahlenden Lächeln, mit dem Sory der
fassungslosen Ärztin erklärt, warum er in der
Schule einen Schwächeanfall hatte: „Ich bin in
einen Jungen verliebt!“ jk
ChLOE
US/CA/FR 2009, Regie: Atom Egoyan, Kinowelt
Dana Stevens schrieb im
Slate Magazine, es gäbe
zwei gute Gründe, sich
Chloe anzusehen: die
nackte Amanda Seyfried
und die nackte Julianne
Moore. So was traut man
sich hierzulande ja höchstens
als Zitat aufzuschreiben.
Wobei die Nacktheit in diesem Film äußerst
vielschichtig ist, wie immer alles in Atom
Egoyans Filmen äußerst vielschichtig ist, weswegen
es auch immer homoerotische Untertöne
darin gibt, weil es überhaupt vor allem Untertöne
darin gibt. Das ist nicht nur ein Erotikthriller
über zwei Frauen und einen Mann, sondern
eine sich immer weiter zusammenziehende
Studie über das ständige Eingreifen in die Intimität
des Anderen, darüber, dass nichts in Körpern
und Gesichtern eindeutig lesbar ist und
dass Transparenz auf keinen Fall für Durch-
42
blick sorgt. Vierter Hauptdarsteller: das Ravine
House von Drew Mandel, das Absonderung und
völlige Durchdringung erzählt – es steht in Toronto
und ist einer von vielen Unbehausungen,
die Egoyan als Drehorte nutzt. Es gibt den
ängstlichen Blick frei auf das Unergründliche
in den makellosen Gesichtern von Moore und
Seyfried und die maßlose Grausamkeit, die sie
sich und anderen aus lauter Anziehung antun.
Dazwischen: Bilder von großer Schönheit, kristalline
Wintermärchenstimmung, kratzende
Orchesterwellen. Die Lesbe wieder als böse
Verführerin, werden viele sagen. Kaltes Formexperiment,
andere. Aber der Hauch aus giftiger
Schönheit hängt noch in der Luft, nachdem
man sich die Augen gerieben hat. jk
PATRIK 1,5
SE 2008, Regie: Ella Lemhagen, Edition Salzgeber
Ein schwules Paar möchte
bürgerlich werden und die
Adoptionsbehörde bedient
ihren Kinderwunsch gemeinerweise
mit einem
15-jährigen homophoben,
kleinkriminellen Teenager.
„Es gelingt Ella Lemhagen,
aus einem simplen
dramaturgischen Einfall ein Drama zu kreieren,
das auf vielen verschiedenen Ebenen funktioniert:
Schonungslos entlarvt sie die Verlogenheit
des schönen Scheins, in dem sich die Nachbarschaft
des Männerpaares ihr warmes Nest
errichtet hat. Und nicht minder behutsam nutzt
sie den pöbelnden Teenager in diesem Mikrokosmos
als Spiegel, um ein Psychogramm der
beiden Hauptfiguren zu zeichnen.“ (Maike
Schultz in SISSY 3/10)
PERMANENT RESIDENCE,
HK 2009, Regie: Scud, Pro-Fun Media
Normalerweise warten
Filmemacher ja ein bisschen,
bevor sie sich einen
8 ½ in ihrer Filmografie
gönnen. Schließlich will
man ja was zu erzählen
haben, bevor man so was
macht. Das chinesische
Regiewunderkind Scud,
das bei der Berlinale 2010 mit seinem erst dritten
Film Amphetamine positiv auffiel, erzählt in
seinem zweiten, semiautobiografischen Werk
aber einfach die Geschichte seines ersten Films:
Junges IT-Genie kommt nach Hongkong, um
dort einen Baseballfilm zu drehen, der sich
nicht so recht zwischen Sport und Softcorepornografie
entscheiden mag und ein Kritikererfolg
wird. Parallel verliebt er sich in den heterosexuellen
Windson und sieht keinen Stich, auch
wenn die beiden schönen Männer ständig miteinander
ringen, baden, schmusen und Händ-
chenhalten. Man muss das verstehen: Was bei
uns auf erotischer Ebene aussieht wie die
schwule Version von Schulmädchenreport, ist
für asiatische Augen Die 100 Tage von Sodom
und sein Regisseur deswegen eine gefeierte
Skandalnudel. Gefeiert wohl und auch vor allem
dafür, das er so ein fantastischer Handwerker
ist. Permanent Residence strotzt vor tollen,
interessanten Bildern, die man sehr gern ansieht,
auch wenn sie keinen erzählerischen Sinn
haben. Wenn Scud den irgendwann finden sollte,
wird er ein echtes Meisterwerk drehen. Bis
dahin kann er gern weiter Filme machen, die
nur aussehen, als wären sie welche. pesch
PLAN B
AR 2009, Regie: Marco Berger, Pro-Fun Media
Wolfgang Tillmans bedauert
(in der „Zeit“ nicht
abgedruckt) das vernachlässigte
Arschloch des
Heteromannes, Tom Tykwer
(Drei) kümmert sich
darum und Lynn Shelton
(Humpday) lässt ihre
Männer zumindest darüber
reden … Heteromännlichkeit steht gerade
mancherorts als solche zur Disposition. In
Marco Bergers Film ist Schwulsein wenigstens
ein Plan B, wenn Plan A heißt: die Freundin an
sich binden. Brunos Freundin ist abgehauen
und er versucht absurderweise die Verführung
ihres Freundes, weil er gehört hat, dass der
auch Männer mag. Soweit so Story. Und funktioniert
ja auch alles gar nicht. Wie sich das Ganze
aber entwickelt, langsam, eindringlich,
schüchtern, ohne dass sich der Film jemals über
die in ihrer Männlichkeit verunsicherten Jungs
lustig macht, ist berührend und besonders. Natürlich
interessiert das am Ende wieder nur die
schwulen Filmfans. Aber so einfach sind diese
Grenzen eben nur im Zielgruppenmarketing zu
ziehen. jk
AMPhETAMIN
HK 2010, Regie: Scud, Pro-Fun Media
Daniel, ein erfolgreicher
und wohlhabender Finanzmanager,
ist gerade
erst nach Hong Kong in
ein schickes Penthouse
gezogen, als er dem hübschen
Kafka begegnet,
der ihn sofort magisch
anzieht. Die Attraktion ist
durchaus beidseitig. Kafka allerdings, der als
Schwimmtrainer arbeitet und aus der Unterschicht
stammt, ähnelt den Texten seines berühmten
Namensvetters insofern, als er sehr
unzugänglich und rätselhaft wirkt. Bald findet
Daniel heraus, dass Kafka süchtig nach Amphetamin
ist. Doch dies scheint nicht sein ein-
ziges Geheimnis zu sein … Obwohl die zuweilen
allzu pathetischen Dialoge nicht gerade
nobelpreisverdächtig anmuten und auch die
Bildsymbolik des Films wenig mit kafkaesker
Vieldeutigkeit zu tun hat, versteht diese Liebesgeschichte
durchaus zu verführen. Denn
sie ist äußerst aufwendig und rasant gefilmt
und überrascht durch blitzlichtartige Vorausdeutungen
und Rückblenden im Stil der Videoclip-Ästhetik.
Vor allem innerhalb der Sequenz,
in der sich die beiden Protagonisten am
Gummiseil todesmutig von einer Hafenbrücke
in die Tiefe stürzen, agiert die Kamera wie auf
Droge und erzeugt ein Schwindelgefühl, das
nicht nur Akrophobikern den Angstschweiß
auf die Stirn treiben wird. cm
TAXI ZUM KLO – JUBILÄUMSEDITION
DE 1980, Regie: Frank Ripploh, Pro-Fun Media
„Taxi to the Toilet sahen in
New York 200.000 Besucher.
Eingespielt hatte er
allein dort 1 Million Dollar.
In Boston wurde er
zum besten fremdsprachigen
Film gekürt. In der
BRD wurde er ebenfalls
Kult. In den Kinos. Auf
den Festivals (Hof, dann Saarbrücken mit dem
renommierten Max-Ophüls-Preis). Aber weil
das damals alles so war, bräuchte das heute
nicht interessieren. Das Sensationelle ist doch,
dass das, was Film-Einmalereignis der frühen
achtziger Jahre war, auch heute funktioniert.
Aus dem Stand. Jedenfalls bei mir. Mehr kann
ich ja nicht sagen. Ich rede doch keinem etwas
ein. Aber ich gönne allen die Fahrt mit dem Taxi
zum Klo.“ (Dietrich Kuhlbrodt in SISSY 3/10)
LOVE OF SIAM
TH 2007, Regie: Chookiat Sakveerakul, Pro-Fun Media
„Meine Seele zittert / Mein
Herz bebt vor Angst.“ Sowas
singt eine Schülerband
aus lauter Jungs, die
noch kaum einen Flaum
über der Oberlippe haben.
Das ist pathetisch und süß
zugleich. Und so sind die
ganzen 150 Minuten dieses
Films. Es geht – aber so richtig! – um die Liebe.
Und im Mittelpunkt steht ein schwuler
Teenager, der seit Kindertagen in den Nachbarsjungen
verliebt ist. Jetzt ist Mew Sänger,
Komponist und Texter besagter Schülerband
und am Siam Square trifft der den zwischenzeitlich
verlorenen Freund Tong wieder – und
nun zittert seine Seele und sein Herz bebt. Das
ist ganz schön gewagt für thailändisches Mainstreamkino.
Und das Publikum, das geschickt
in eine übliche (also heterosexuelle) Teenieromanze
gelockt wurde, musste wohl auch ganz
schön schlucken, hat der Regisseur erzählt. Erzählt
wird aber noch viel mehr, mit ziemlich
viel Personal. Über Liebe und Trauer und Liebe
und Enttäuschungen und Liebe. Und am Ende
steht folgerichtig kein Coming-Out und schon
gar kein erlösender Sex, sondern ein Liebes-
Bekenntnis. Und die Kamera zeigt, wie sich
Fliegen auf Strohhalmen aus der Limonade retten
und wie jemand beim Christbaumschmücken
nach langer Überlegung lieber eine männliche
als eine weibliche Figur aufhängt. Das ist
sehr süß und ein bisschen pathetisch. jk
PEACOCK
USA 2010, Regie: Michael Lander, Kinowelt
Es ist absolut nachvollziehbar,
warum Peacock
mit guten Schauspielern
um sich werfen kann. Ellen
Page, Susan Sarandon
und Bill Pullman haben in
Michael Landers als Thriller
getarnter 50er-Jahre-
Charakterstudie jede
Menge wunderbarer Dinge zu arbeiten und sind
als junge Mutter, alternde Matrone und irrer
Postangestellter gegen ihren eigentlichen Typ
besetzt. Stinken allerdings auch alle gegen Cillian
Murphy ab. Denn der darf als Hauptfigur mit
gespaltener Persönlichkeit gleich zwei tolle Rollen
spielen: John, einen etwas mausigen Kleinstadtbewohner,
und Emma, eine etwas mausige
Kleinstadtbewohnerin, die sich dringend von
ihrer männlichen Persönlichkeitshälfte emanzipieren
möchte und dafür allerlei Übles anzettelt,
wovon der Herr im Körper jedoch nichts
weiß. Es ist nach Breakfast on Pluto schon das
zweite Mal, dass Murphy als weibliches Wesen
absolut überzeugt und wenn die Qualität seiner
Darbietungen so bleibt, darf er das gern noch
öfter machen. Peacock erfreut neben seinem
fantastischen Ensemble vor allem dadurch, dass
er so komplex und geduldig erzählt ist. Manche
Menschen werden das langweilig finden, SISSY
findet das unglaublich toll. pesch
LE FIL – SPUR UNSERER SEhNSUChT
FR/BE/TN 2009, Regie: Mehdi Ben Attia, Pro-Fun Media
Der Pressetext behauptet:
„Kurz nach dem Tod seines
Vaters kehrt der attraktive
Jungarchitekt
Malik (Antonin Stahly) in
seine Heimat Tunesien
zurück – und in den Schoß
seiner Mutter.“ Unschöne
ödipale Vorstellung. Auch
wenn Maliks Mama von der immer noch hinreißenden
Claudia Cardinale gespielt wird. Zutreffend
ist: Malik kommt aus Frankreich zurück
nach Tunesien und damit auch zurück in
eine Welt voller Moralvorstellungen, die er in-
nerlich längst abgestreift hat. Bis Mama ihn mit
dem hübschen Gärtner Bilal (Salim Kechiouche)
im Bett erwischen kann, ist es da noch ein
weiter Weg. Auf dem das Mamasöhnchen unter
anderem das Angebot seiner besten lesbischen
Freundin annimmt, mit ihr ein Kind zu zeugen
und sie zu heiraten. Am Ende sind alle glücklich
geoutet und Oma, Enkel, beide Väter und beide
Mütter tollen zusammen am Strand herum. Für
den ersten tunesischen Film zum Thema Homosexualität
überhaupt ein gewagtes Statement.
pesch
SUNDAY, BLOODY SUNDAY
UK 1971, Regie: John Schlesinger, CMV Laservision
John Schlesingers klassisches
Drama über eine
fragile Dreierbeziehung
zweier Männer und einer
Frau. „Selbst in der privilegierten
Welt, in der sich
David, Bob und Alex bewegen,
scheinen die in den
60er Jahren gelebten Freiheiten
nach und nach zu schwinden. Der Traum
einer ganzen Gesellschaft von einem Leben in
Offenheit ist schon wieder zu einem Vorrecht
einer Klasse geworden. Aber in John Schlesingers
Film bleibt er trotz allem lebendig, in der
Selbstverständlichkeit, mit der David und Bob
ihr Begehren ausleben, und in dem innigen, von
Liebe und Zärtlichkeit erfüllten Kuss, mit dem
Peter Finch und Murray Head Kinogeschichte
geschrieben haben.“ (Sascha Westphal in SIS-
SY 3/10)
A LOVE TO hIDE
frisch ausgepackt
FR 2005, Regie: Christian Faure, CMV Laservision
Außer Bent gibt es keine
herausragenden Spielfilme
über Schwule im Dritten
Reich. Das ändert auch
A Love to Hide nicht, aber
sehen sollte man diesen
französischen Fernsehfilm
zur gleichen Thematik
deswegen trotzdem.
Denn auch wenn Christian Faures Werk bei
weitem nicht die Schlagkraft von Aimee und Jaguar
entwickelt, weil er auch gleich noch die
Geschichte der Juden unter dem Vichy-Regime
erzählen muss, bietet A Love To Hide mit Jérémie
Renier und Bruno Todeschini zwei großartige
Hauptdarsteller, die der komplizierten
Geschichte einfache, emotional stimmige Augenblicke
entgegenhalten, bis irgendwer oder
auch alle im Publikum heulen. Weil die Liebesgeschichte
so schön und so kompliziert ist und
das Paar vom Schicksal so ungerecht behandelt
wird. Eine gelungene Geschichtsstunde mit
zwei wirklich guten Schauspielern in den
Hauptrollen. Passt so. pesch
43

frisch ausgepackt
hEMMUNGSLOS – INFIDELES
FR 2009, Regie: Claude Pérès, Edition Salzgeber
Dieser Claude Pérès ist ein
merkwürdiger Typ. Verständlicherweiseinteressiert
er sich für Sex und
ebenso verständlicherweise
will er mit einem
anderen attraktiven Mann
Sex haben. Und weil er
sich für einen Filmemacher
hält, ist es verständlich, dass er über das
Thema Sex einen Film drehen will. Da gibt es
allerdings ein kleines Problem: Claude Pérès ist
Franzose. Und da gehören definierte Bauchmuskeln
frei nach Barthes zu den Mythen des
Alltags und das Objekt der Begierde ist nach
Lacan ein kleines „a“, das grundsätzlich durch
einen Mangel strukturiert ist. Jetzt steht ihm
zwar mit Marcel Schlutt ein pornografisch versierter,
äußerst entspannter Lust-Profi gegenüber,
der völlig unkompliziert alles Naheliegende
mitmacht, aber Herr Pérès muss noch durch
verschiedene Phasen der Reflexion, der Verwirrtheiten
und Ohnmachtsanfälle (kein Witz!)
hindurch, bis er endlich die Play-Taste seiner
Kamera und einen Bezug zu seiner eigenen
Geilheit findet. Das ist alles hochgradig skurril,
gar nicht so unsexy (weil es sich der Sache so
kompliziert langsam nähert) und intellektuell
nicht wirklich befriedigend. Da aber über den
Sex, den man sieht, auch geredet wird, kann die
FSK sowas auch 16-Jährigen empfehlen. Das
Schönste an dem Film ist auf jeden Fall der
Joint danach. jk
LUCKY BASTARD
USA 2009, Regie: Everett Lewis, Pro-Fun Media
Everett Lewis hat schon
ein paar wirklich gute Filme
gemacht: The Natural
History of Parking Lots
zum Beispiel, mit dem er
vor 20 Jahren debütierte.
Oder die feine L.A.-Punk-
Liebesgeschichte Luster,
die inzwischen aber auch
schon acht Jahre alt ist. Sein neuer Film Lucky
Bastard hat vor allem ein Problem: Er nimmt
sich ein bisschen wichtig. Die Geschichte vom
Innenarchitekten Rusty, der sich in eine männliche
Crackhure verliebt, obwohl er einen netten
und ansehnlichen Mann zu Hause hat, ist eine
von einem offenbar infantilen Mittelstands-Homosexuellen
amerikanischer Prägung, dessen
therapeutisches Laufband zwei Stufen zu niedrig
eingestellt ist und der sich deswegen eine
Zeit lang relativ albern aufführt. Mehr war
nicht. Zwischendurch darf Dale Dymkoski als
besagte Crackhure einen der peinlicheren Monologe
der Filmgeschichte herunterkaspern
und natürlich ziehen sich alle ständig aus und
44
die Frauenfiguren sind völlig überzeichnet. Den
Film trotz all dem angucken kann man, wenn
man Hauptdarsteller Patrick Tatten niedlich
findet, was einem Großteil der schwulen Weltbevölkerung
nicht schwer fallen dürfte. Oder
wenn man sich schon immer gewünscht hat,
vorspulen zu können, wenn sich hübsche Männer
bescheuert benehmen. pesch
WASSER UND BLUT
US 2009, Regie: John G. Young, Bildkraft
Ein schwuler Teenager
aus New York muss nach
dem Tod seiner Mutter zu
seiner Tante in den ländlichen
Süden ziehen, wo er
als ultimativer Außenseiter
behandelt wird. „Die
Messlatte ist fix gelegt,
und zwar hoch. William
Faulkner, Flannery O’Connor, James Baldwin.
Das ganz große Fish-Out-Of-Water-Südstaaten-
Drama soll Wasser und Blut sein. Der deutsche
Titel des Films spielt fein mit der Dickflüssigkeit
und damit verbundenen Sprichwörtlichkeit
beider Substanzen und fasst die (Wahl-)Familiengeschichte,
die der Film auch ist, so gut zusammen.
Schön. Traurig.“ (Paul Schulz in
SISSY 3/10)
ALEX UND DER LöWE
D 2010, Regie: Yuri Gárate, Pro-Fun Media
André Schneider muss
sich sehr, sehr lieb haben.
Anders ist es kaum zu erklären,
dass er sich als
Produzent bei Alex und
der Löwe nicht nur als
Drehbuchautor und Co-
Regisseur, sondern auch
gleich noch als einen von
zwei Hauptdarstellern engagiert hat. Oder vielleicht
doch: Der Film hatte mit nur 25.000 Euro
kein wirklich vorhandenes Budget. Solche monitären
Verhältnisse zwingen einen wahrscheinlich
zu geradezu Streisandscher Personalökonomie.
Die muss ja aber nichts Schlechtes
sein und hat bei Alex und der Löwe auch keinerlei
Einfluss auf den Spaßfaktor des Films, der
ist extrem hoch. Was vor allem am Script der
Screwball-Komödie liegt. Und am anderen
Hauptdarsteller. Der heißt Marcel Schlutt und
ist eigentlich eher für Erwachsenenunterhaltung
bekannt. Macht aber in Alex und der Löwe
schauspielerisch eine ausgesprochen gute Figur,
während der Rest des Ensembles ein bisschen
almodóvarisch übersteuert rüberkommt
oder einfach seine lustigen Texte aufsagt. Insgesamt:
Hübscher kleiner Berlin-Film, der seine
handwerklichen Schwächen durch den Einsatz
seines Personals ganz gut auszugleichen in
der Lage ist. pesch
MÄNNER AL DENTE
IT 2010, Regie: Ferzan ozpetek, Prokino
Ein Pastafabrikantensohn
will sich outen, doch sein
Bruder kommt ihm zuvor
und lässt ihn dadurch mit
der Verantwortung sitzen.
„Mit Männer al dente ist
der Filmstoff Homosexualität
mitten im italienischen
Mainstream angekommen.
Und mit Ozpetek ist es ein türkischer
schwuler Regisseur, der es am besten schafft,
die heterosexuelle italienische Gesellschaft abzubilden
und dabei die besten Schauspieler des
Landes einzubinden. Nichts an der Darstellung
von Homosexualität ist mutig oder provokant.
Tommaso und seine römischen Homo-Freunde
sehen so aus, als seien sie gerade aus der Lacoste-Werbung
gepurzelt: reich, jung, schön, muskulös
und erfolgreich. Das Wichtigste ist weiterhin
die Familie, erweitert um die schwulen
Freunde.“ (Malte Göbel in SISSY 2/10)
I LOVE YOU, PhILLIP MORRIS
US 2009, Regie: John Requa & Glenn Ficarra, Prokino
„Eine dieser Geschichten,
die für ein Drehbuch eigentlich
zu übertrieben
klingen – und doch wahr
sind. Denn tatsächlich
gibt es diesen Steven Ray
Russell, den Carrey verkörpert,
wirklich: einen
aufrecht-christlichen Familienvater,
der nach dem Coming-Out radikal
sein Leben ändert und schließlich sein Geld als
Trickbetrüger verdient. Im Gefängnis verliebt
er sich in Phillip Morris (Ewan McGregor) –
und bricht nach dessen Entlassung immer wieder
aus, um bei ihm zu sein. Schön mitzuerleben,
wie Jim Carrey auf dem schmalen Grat
zwischen dramatischen Liebesbeweisen und
albernen Grimassen mit vollem Körpereinsatz
darum kämpft, vielleicht doch noch zur Schwulenikone
zu werden.“ (Patrick Heidmann in
SISSY 4/09)
PORNOGRAPhY: EIN ThRILLER
US 2009, Regie: David Kittredge, Bildkraft
Drei Männer fallen ihrer
Suche nach echten Gefühlen
hinter pornografischen
Bildern zum Opfer.
„Wie ein Katalog postmoderner
Ängste entwickelt
sich dieser merkwürdig
auf sein männliches, körper-
und wahrheitsbesessenes
Personal beschränkte Thriller. Überall
finden sich Spuren von Überwachung, von Dé-
jà-Vus, von Geschichten hinter Geschichten,
laufen Recherchen nach der Wahrheit ins Leere
bzw. führen zu noch größeren Rätseln, die
umso mehr Angst machen. Kein Krimi ist das,
in dem ein Sherlock Holmes (oder meinetwegen
Donald Strachey) Licht ins Dunkel bringt, hier
greift die Dunkelheit erst durch den Versuch,
sie aufzuhellen, so richtig um sich.“ (Jan Künemund
in SISSY 2/10)
EDGAR ALAN POE’S UNTERGANG DES
hAUSES UShER
US 2008, Regie: David DeCoteau, Pro-Fun Media
Dieser Film ist Trash. Und
da gibt es auch kein Aber.
„Ein David DeCoteau
Film“ steht über dem Titel
und das ist nun wirklich
kein Gütesiegel – völlig
zurecht hat der Herr den
Spitznamen „Schlockmeister“,
was in richtigem
Deutsch sowas wie „Ramschhändler“ heißt.
Was hier verramscht wird, ist allerdings gute
Literatur: Poes klassische Geschichte von Victor,
der seinen Jugendfreund Roderick Usher
und dessen Schwester nicht vor Zerfall und Todestrieb
retten kann. Das dämonische Schloss
in dieser Videovariante ist also ein braves Backsteingemäuer
und der moribunde Hausherr
trägt zur Entschlüsselbarkeit seiner Verfassung
Sonnenbrille. Der andere Posterboy gibt den
Victor und wird dramatisch von toten Klempnern,
Malern und Gärtnern in knappen Unterhosen
verfolgt, welchen immer nur halb (nämlich
hinten) herunterrutschen. Irgendetwas
Geschlechtliches passiert beim Untergang des
Hauses Abercrombie & Fitch nicht und die horrormäßigen
Dialoge werden Tonmeister sei
Dank von merkwürdigen Störgeräuschen übertönt.
Alles Weitere ist eine Sache des Fetischs
(Posterkörper & Unterhosen). Weitere „David
DeCoteau Poe Verfilmungen“ sind bereits verbrochen,
u.a. The Raven und Pit & Pendulum.
The Horror! The Horror! jk
PRECIOUS – DAS LEBEN IST KOSTBAR
US 2009, Regie: Lee Daniels, Prokino
„Die 16-jährige Precious,
die eigentlich Claireece
heißt, träumt von Glamour,
von tollen Kleidern
und einem Leben im Rampenlicht.
Doch die Realität
sieht anders aus. Mit
rauer Authentizität, ergänzt
um einen Hauch
magischen Realismus, gelingt Lee Daniels das
Kunststück, in unvergesslichen Bildern nicht
nur mit erschütternder Wucht von der Grausamkeit
der menschlichen Existenz zu erzählen,
sondern auch ebenso zart wie liebevoll die
Hoffnung auf ein gutes Ende aufrecht zu halten.
Ein zutiefst bewegender, nachdenklich machender
und im besten Sinne seelenvoller Film,
den jeder gesehen haben sollte.“ (Patrick Heidmann
in SISSY 1/10)
SŒUR SOURIRE –
DIE SINGENDE NONNE
FR 2009, Regie: Stijn Coninx, Edition Salzgeber
„Der Regisseur Stijn Coninx
interpretiert Jeanine
als eine Frau voller Widersprüche.
Provokant und
ängstlich, stolz und selbstzweiflerisch,freiheitsliebend
und auf der Suche
nach einer festen Struktur,
die sie hält und vor
sich selbst schützt. Unentschlossen und voller
Sehnsucht nach Verbindlichkeit, ist sie ständig
auf der Flucht: vor der lieblosen Mutter flieht
sie mit der Schwester im Tagtraum nach Afrika,
vor der Verliebtheit ihrer Freundin auf der
Kunsthochschule, die für Selbstverwirklichung
steht, hinter die Klostermauer zur Selbstverneinung,
zu der sie aber auch nicht fähig ist. Sie
rebelliert, besteht auf ihre individuelle Kreativität,
wird berühmt, verlässt das Kloster und
zieht, noch immer voller Abwehr, mit ihrer
Freundin zusammen. Mit allem ist sie vollständig
überfordert. Am meisten jedoch damit, dass
ihre Karriere, die so phänomenal begann, an
eben jenen Instanzen scheitert, die sie anfangs
förderten - den Medien und der Kirche. Ohne
ihr Habit ist sie einfach nur eine junge Frau mit
einer guten Stimme.“ (Jessica Ellen in SISSY
3/10)
L-ShORTS – DIE ZWEITE
DE, PL, NL, CA, US, FR 2002–09, Edition Salzgeber
Ein bisschen wirken die
Geschichten in L-Shorts –
Die Zweite wie die Puzzle-
Teile einer lesbischen Biografie,
nur dass jeder
Lebensabschnitt eine andere
Protagonistin hat. Da
ist das junge Mädchen in
der Wüste, das sich zu einer
Spielkameradin hingezogen fühlt (Das
Eselmädchen); die College-Studentin, die sich
nicht traut, sich vor ihrer Mutter zu outen (wie
High School Musical in queer: Wie sage ich es
nur?) ; die spielsüchtige Midlife-Crisis-Frau an
ihrem 40. Geburtstag (Abnehmender Merkur);
und schließlich die alte Dame, die der Enkelin
ihrer verstorbenen Geliebten begegnet (Im
Sommer sitzen die Alten). So abwechslungsreich
wie die Altersgruppen kommen im zweiten Teil
der Kurzfilmreihe „Die Besten aus der L-Filmnacht“
auch die Themen daher. Vielleicht liegt
es an den sieben Regisseurinnen, die fast alle
aus einem anderen Land stammen: In Polen
kommt es zur unschönen Möbel-Übergabe bei
der Ex-Freundin (Am Ende der Straße), die US-
Lesbe lädt sich potenzielle Partnerinnen zum
Casting ein (Interview mit meiner neuen Freundin)
und eine Französin beobachtet ihre Nachbarin
durch ein Loch in der Badezimmerwand
(Nebenan). Sexy, melancholisch und herrlich
schräg: So kann die Mischung ruhig weitergehen.
Vor allem, wenn die Frauen so stark sind
wie Farouzi auf ihrem Esel. ms
YNGLINGE
DK, SE, IS 2006–08, Edition Salzgeber
frisch ausgepackt
Carsten, ein dänischer
Teenager, verliebt sich in
den Vater seiner Freundin
und entdeckt dabei seine
Homosexualität (Erwachen,
Regie: Christian
Tafdrup). Love, ein Schwede
Anfang der Zwanzig,
möchte endlich seine
Jungfräulichkeit verlieren, wird aber in der
Wohnung eines Fremden, den er auf der Straße
aufgegabelt hat, brutal vergewaltigt. (Mein
Name ist Love, Regie: David Färdmar). Nach
mehreren Versuchen mit Frauen gesteht der
junge Isländer Gudni Geir seiner dominanten
Mutter endlich, dass er schwul ist. Sie empfindet
diese Tatsache irritierender Weise als ein
Geschenk des Himmels (Mama weiß es am besten,
Regie: Barði Guðmundsson). Auf einem dänischen
Autobahnrastplatz filmt der halbwüchsige
Rasmus einen Familienvater beim Cruising
und verfolgt ihn bis nach Hause, um ihn zu erpressen.
Statt Geld bekommt Rasmus im Wohnungsflur
seinen ersten Sex (Ynglinge, Regie:
Mikkel Munch-Fals). Vier filmische Coming-
Out-Kurzgeschichten, die kaum etwas erzählen
und die sicherlich kaum etwas Neues erzählen.
Das ist aber unwichtig, denn die Gesichter der
durchweg hervorragenden Darstellerinnen und
Darsteller erzählen so viel, so nuanciert und so
glaubwürdig, dass sich jeder positive Eindruck,
den das skandinavische Kino in den letzten
Jahren hinterlassen hat, aufs Eindrucksvollste
bestätigt. cm
45

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SISSY freut sich über Nachwuchs: Gustav.
ISSN 1868-4009
Tabu Kinderprostitution.
Tomek ist fünfzehn. Der aufgeweckte Junge lebt an der polnisch–
deutschen Grenze und ist es gewohnt, für sich selbst zu sorgen.
Die Eltern, Lehrer und Priester sind schlechte Vorbilder und interessieren
sich nicht für Tomeks Träume. Um die geliebten Sterne
zu beobachten, fehlt in der Schule ein Obervatorium und dafür
das Geld. Um die Ansprüche seiner ersten Freundin zu befriedigen
„Hauptdarsteller Garbacz macht
diesen Film zu einem Ereignis.“
radio eins
„Wirklich ein starkes Stück
realistisches Gegenwartskino.“
siegessäule
„Ein tief suggestiver,
berührender Film.“
tagesspiegel
„Eindrucksvoll!“
süddeutsche zeitung
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Polish Film Festival
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ebenfalls. Sein bester Freund Ciemny lässt sich im Grenzgebiet an
deutsche Sextouristen vermitteln. Auch Tomek sieht bald, dass das
eine Möglichkeit ist, schnell an Geld zu kommen. Nach den ersten
Erfahrungen auf dem Strich lernt er schnell, wie das Geschäft funktioniert.
Zu spät muss er erkennen, dass alles im Leben seinen Preis
hat. Und der Preis, den Tomek zu zahlen hat, ist hoch.

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