Zwischenzustände und Metamorphosen - Brennpunkt

ennpunkt 

1/2012 4,00 Euro 28. Jahrgang 

Magazin für Fotografie 

Januar bis März 2012 

Galerien • Buchbesprechungen • Fotoszene 

Portfolio Jeanno Gaussi • Steve Sabella

2 brennpunkt 1/2012 

FÜR ORIGINALE 

„Ich fotografiere für den Fine Art Druck. Erst die Kombination von hochwertigen traditionellen 

Büttenpapieren und modernster Drucktechnik bringt die sinnliche Qualität meiner Bilder optimal 

zur Geltung.“ Manfred Kriegelstein Die Digital FineArt Collection bietet exklusive Künstlerpapiere 

mit edler Haptik und bestechender Optik für den Inkjetdruck. Brillante Schwarz-Weiß-Aufnahmen 

oder subtile Farbfotografie werden dank unserer feinen Papiere der Individualität Ihrer Kunstwerke 

mehr als gerecht. Mehr Papierkunst unter www.hahnemuehle.de 

P A P I E R E M I T M U S E U M S Q U A L I T Ä T, A L T E R U N G S B E S T Ä N D I G U N D M E H R F A C H P R Ä M I E R T .

Impressum: 

brennpunkt 

Magazin für Fotografie 

Erscheint vierteljährlich, 

erhältlich in Fotogalerien, 

Geschäften, Buchhandlungen 

und über Abonnement. 

Jahresabo 13,50 Euro 

Einzelpreis 4,00 Euro 

Konten: 

Postbank Berlin 

Konto-Nr. 3751 06-104 

BLZ 100 100 10 

Redaktionsschluss: 

jeweils am 10. vor dem Erscheinungsmonat 

Herausgeber: 

edition buehrer 

c/o Dietmar Bührer 

Odenwaldstraße 26 

12161 Berlin 

Telefon u. Telefax: (0 30) 8 53 35 27 

e-Mail: buehrer-berlin@t-online.de 

Internet: www.edition-dibue.de 

Copyright bei Edition 

Druck: 

schöne drucksachen 

Bessemerstraße 76a, 12103 Berlin 

ISSN 0932-7231 

Redaktion: 

Dietmar Bührer V.i.S.d.P. 

Michael Gebur 

Klaus Rabien 

Manfred Kriegelstein 

Hinweis: 

Für unverlangt eingesandte 

Manuskripte und Fotografien 

wird keine Haftung übernommen. 

© Kurt Wyss, »Robert Doisneau«, 1976 

Galerien 

� Beta Siebel »Flüchtige Begegnung« ....................................................... 5 

� gute aussichten – junge deutsche fotografie 2011/2012 .......................... 6 

� 20 Years - Hengesbach Gallery ............................................................. 8 

� Ai Weiwei in New York - Fotografien 1983-1993 .................................. 10 

� Ungleich Nacht - Fotografien der Gruppe 97 ........................................ 12 

� Erika Babatz »Bodegones Berlineses« .................................................... 14 

� Jim Rakete »Der Stand der Dinge« ........................................................ 15 

� Cristina Piza »Der Rhythmus des Lebens« ............................................. 16 

� RUTGER TEN BROEKE »KörperLandschaften« ...................................... 17 

� Mythos .................................................................................................. 18 

� Hans Martin Sewcz »Berlin-Mitte« ........................................................ 19 

� Jörg Rubbert »Berliner Winternächte« ..................................................... 20 

� Julian Röder »In Gesellschaft des Marktes« ............................................. 21 

� Zwischenzustände und Metamorphosen ................................................ 22 

� facetten des seins ................................................................................... 24 

� Kurt Wyss »Begegnungen« .................................................................... 26 

� Hannes Kilian »Bei Nacht« .................................................................... 27 

� Emanuel Raab »Winterwald« ................................................................ 28 

� Dvorah Kern »Still« ............................................................................... 29 

� Köster, Wohlt, Tschirner, Jacob, Graichen, Seemann »Versunken« ........... 30 

� Claudius Schulze »Socotra-Eine Insel« .................................................... 32 

� Patova, Veledzimovich, Kazakhishvilli »Ex oriente lux« ........................... 33 

� Jean-Bapiste Huynh, Paolo Roversi ......................................................... 34 

� Mark Laita ............................................................................................. 35 

� exp12 »Vendredi Treize« ........................................................................ 36 

� Andreas Müller-Pohle »flow, flow« ......................................................... 38 

Galeriebesprechungen 

� Für immer jung. (Klaus Rabien) ............................................................. 40 

Ausstellungen in Berlin ............................................................................... 43 

Ausstellungen 

� Sarah Moon »à propos ...«« .................................................................... 44 

� Fotografenfamilie Zemann »Retrospektive« ............................................. 45 

Portfolio 

� Jeanno Gaussi ........................................................................................ 46 

� Steve Sabella .......................................................................................... 54 

Fotoszene 

� Bäume sterben aufrecht. (Klaus Rabien) ................................................. 39 

� 18. Fotoklub Forum Berlin 2012 ............................................................ 42 

� Konterrevolution? (Manfred Kriegelstein) ................................................ 60 

Buchbesprechungen 

� Aktfotografie. Die große Fotoschule ...................................................... 61 

� Digitale Pinsel in Photoshop .................................................................. 61 

� Die Tricks der Photoshop-Profis-Volume 2 ............................................. 61 

Vorschau 2-2012 ......................................................................................... 62 

Allen brennpunkt Lesern wünschen wir ein kreatives und erfolgreiches Jahr 2012 

Mit unserer kostenlose Anzeige auf der Rückseite unterstützen wir den »Weissen Ring«. 

brennpunkt 1/2012 

3

Beta Siebel 

»Flüchtige Begegnung« 

Schnelligkeit, Unruhe, Flüchtigkeit, Anonymität 

- können Gesichter das Spezifische 

einer Großstadt ausdrücken? Wie 

können Erinnerungsbilder als Foto realisiert 

werden? Fragen, denen Beta Siebel 

mit den Fotos der Ausstellung »Flüchtige 

Begegnung«, einer Serie von farbigen 

Digitalfotos nachgeht. 

Short Stories oder Zufallsbilder ist ein 

Spiel zwischen Realität und Trugbild. 

Die Fotos sind bei Fahrten in der Wannseebahn 

entstanden, Spiegelung, Verzerrung, 

Lichtreflexe, die Verkürzung 

der Linien durch zwei Wagen hindurch 

schaffen Beziehungen zwischen Menschen, 

die es so nicht gab, in einer traumartigen 

Atmosphäre. 

In den Serien »Irrgarten«, »Watching 

Fellow«, »Travellers« und »Muslima« 

(aufgenommen in der U-Bahn, z.T. 

ins gegenüberliegende Fenster hinein) 

ist durch Zeitverzögerung, wechselndes 

Umfeld, Geschwindigkeit im Aufnahmemoment 

der Einzelne im Mittelpunkt, 

als Individuum jedoch nur 

schwer erkennbar. 

In der bisher letzten Arbeit der Sequenz, 

»Flüchtige Begegnung« (Collage von 

15-20 Gesichtern) beschäftigt sich Beta 

Siebel mit der Frage: Wie bleibt bei einer 

flüchtigen Begegnung mein Gegenüber 

in meiner Erinnerung? In den verwischten 

Gesichtern, herausgelöst aus 

einer hastenden Menschenmenge, sind 

es die Unschärfe bei einigen typischen 

Merkmalen, die das Bild der Erinnerung 

schaffen, das wir alle kennen und das 

wir mit unseren Gefühlen vermischen. 

Beta Siebel 

geboren 1944, aufgewachsen in Duisburg, 

studierte nach Jahren der Berufstätigkeit 

ab 1972 Geschichte und arbeitete 

bis 1985 als Lehrerin an Sonderschulen. 

Nach einer Ausbildung in Fotografie lebt 

und arbeitet sie seit 1992 als freie Fotografin 

in Italien und Berlin. Sie ist Mitglied 

von Asart/ Artisti Scultori Associati 

Versilia und des BBK Hamburg. 

Neben zahlreichen Einzelausstellungen 

und Ausstellungsbeteiligungen in Italien 

und Deutschland präsentierte sie 

© Beta Siebel (Original in Farbe) 



zusammen mit Günther Heilfurth das 

Projekt über das menschliche Gesicht: 

»Nachricht von nebenan«, 2006 in Pietrasanta 

und 2007 in Pistoia (Italien). 

Kontakt: www.betasiebel.com 

und: www.messagefromnextdoor.com 


Vernissage: 

19. Januar 2012, 19 Uhr 

19. Januar bis 3. Juni 2012 

Café Aroma Photogalerie 

Hochkirchstraße 8 

10829 Berlin-Schöneberg 

Mo – Fr 18 – 24 Uhr 

Sa + So 14 – 24 Uhr 

und nach Vereinbarung 


Galerien 

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Galerien 

gute aussichten – 

junge deutsche fotografie 

2011/2012 

Wer sich ein Bild davon machen will, 

was junge Fotografen in diesem Land 

so beschäftigt, was sie sehen und wie 

sie es sehen, der tut gut daran, die Ausstellung 

»gute aussichten – junge deutsche 

fotografie 2011/2012« zu besuchen. 

Zum achten Mal schon wurden 

Abschlussarbeiten aus deutschen Hochschulen, 

Akademien und Fachhochschulen 

von einer hochkarätig besetzten 

Jury gesichtet und herausragende 

Positionen gekürt – alles Werke also, 

die in den letzten zwölf Monaten entstanden 

sind. Nachdem die »guten aussichten 

2005« schon einmal im Berliner 

Museum für Fotografie präsentiert 

worden waren, damals im noch kriegszerstörten 

Kaisersaal, kehrt der Wettbewerb 

nun sechs Jahre später in den elegant 

sanierten Saal zurück. Die Gewinner 

erhalten die Möglichkeit, ihre Arbeiten 

hier erstmals einer breiten Öffentlichkeit 

zu präsentieren, bevor die Ausstellung 

auf Tournee durch Europa und 

Amerika geht. 96 sind dieses Jahr eingereicht 

worden – so viele wie nie zuvor, 

wobei die Bandbreite wieder groß ist: 

Die Ansätze reichen von reportagehaften 

bis hin zu abstrahierenden Arbeiten; 

Bilder in allen Formaten und eine Projektion 

sind dabei. 

Sebastian Lang präsentiert eine Serie 

von recht ähnlich anmutenden, architektonisch 

eher faden Häusern aus dem 

pfälzischen Hassloch, dem laut Gesellschaft 

für Konsumforschung durchschnittlichsten 

Ort Deutschlands. Frontal 

von der Straße aufgenommen, mit 

Satteldach und unterschiedlich gesetzten 

Fenstern, ähnelt der unprätentiöse 

Bildaufbau jenen Kinderbildern vom 

Häuschen unter blauen Plüschwolken, 

wie wir sie alle kennen. Lang nimmt 

die Häuser aber in der Dämmerung 

oder nachts auf, wenn die Straßen menschenleer 

sind, der Himmel dunkel und 

die Heime verschlossen. Der »durchschnittlichste 

Ort Deutschlands« wird 

so zur unheimlichen Kulisse, wo auch 

die Geranien vor den Fenstern nicht 


Emil Nissen, »Schneewetter«, 1921 oder früher, © Staatliche Museen zu Berlin, Kunstbibliothek, 

Sammlung Fotografie 

zum Verweilen einladen. Nicht weniger 

düster erscheinen die Arbeiten von 

Franziska Zacharias, »le noir familier«, 

Fotos von kahlen, dunklen Gebäudeinneren, 

die nach selbst gebauten Modellen 

aufgenommen wurden und daher 

fast zur abstrakten, ornamentfreien Bildfläche 

neigen. Mit ihrer Arbeit Im Angesicht 

widmet sich Julia Unkel dagegen 

einem sehr diesseitigen Thema, nämlich 

der Fleischproduktion, und wirft einen 

Blick hinter die Kulissen einer Schlachterei. 

Die dokumentarisch, sachlich aufgenommenen 

Bilder der sterilen Räumlichkeiten, 

Objekte und Personen, aber 

auch das »Porträt« eines Rinderkopfes, 

lassen das Schlachten als cleanen, 

mechanischen Vorgang erscheinen. 

Und dieser befremdete oder befremdliche 

Blick in die Welt setzt sich auch 

in den Arbeiten der anderen Gewinner 

durch. Miriam Schwedt zeigt Landschaftsaufnahmen 

und Menschen in 

der Natur, schwarz-weiß, überbelich- 

Miriam Schwedt, »Ohne Titel«, 2011 

© Miriam Schwedt, www.guteaussichten.org 

tet, verschwommen und geradezu entrückt. 

Johannes Post bringt auf zwei 

Bildtafeln abstrakte Formen vor schwarzem 

Hintergrund an, die sich erst bei 

näherer Betrachtung als zerschnittene 

Kleidungsstücke erkennen lassen, die er 

gescannt hat, als habe er eine Tomografie 

der Kleidung vornehmen wollen. Und 

mit einem Stück deutscher Geschichte 

beschäftigt sich Luise Schröder in ihrer 

»Arbeit am Mythos«, die Bildbände über 

Dresden anzündet, löscht und in malt-

Sebastian Lang, Behaviour Scan, 2010 

© Sebastian Lang, www.guteaussichten.org 

rätierter Form sauber abfotografiert, was 

das Spiel zwischen Medium und Realität 

auf die Spitze treibt. Eine weitere 

konzeptuell angelegte Arbeit ist Sara- 

Lena Maierhofers »Dear Clark«, eine 

fotografische Studie über das Phänomen 

des Hochstaplers. Josefine Raab 

zu der diesjährigen Auswahl: »In der 

wie immer mit Spannung erwarteten 

Sitzung konnten wir beobachten, dass 

sich die bereits im letzten Jahr hervorgetretene 

Tendenz, das Medium Fotografie 

ebenso experimentell, wie spielerisch 

und ungezwungen einzusetzen, 

in diesem Jahr fortgesetzt hat. Das 

fotografische Erbe der Bild prägenden 

Schulen führt bei den Nachwuchsfotografen 

zu einer phantasievollen Erkundung 

und Erweiterung ihres Instrumentariums. 

Die Konstruktion von Bildern 

bleibt nach wie vor ein großes Thema, 

wobei die totale Inszenierung von Bildwelten 

mit den unterschiedlichsten Mitteln 

in den Vordergrund gerückt ist. Weiterhin 

virulent ist die Auseinandersetzung 

mit politischen, gesellschaftlichen, 

sozialen und kulturellen Themen unserer 

Zeit und hat – zumindest vorläufig 

– die narrative Selbstbestimmungs- und 

Selbstverortungsthematik in den Hintergrund 

gedrängt«. So unterschiedlich die 

Positionen, so sehr lässt sich doch über 

den Blick auf Welt und unsere Zeit sinnieren, 

der gerade in der Fotografie eine 

unmittelbare bildliche Form findet. 

Luise Schröder, »Arbeit am Mythos«, 2011 

© Luise Schröder, www.guteaussichten.org 

Gleichzeitig zum Rundumblick in die 

Jetztzeit, schaut das Museum für Fotografie 

zurück auf die Ausstellung »Berliner 

Photographie 1921«. Damals hatte 

sich die Bibliothek des Kunstgewerbe- 

Museums, heute Kunstbibliothek, mit 

dem Photographischen Verein zu Berlin 

und sechs weiteren Fotoverbänden 

zusammengetan und eine Ausschreibung 

lanciert, um den Stand des zeitgenössischen 

Fotoschaffens zu ermitteln. 

Amateure und Berufsfotografen 

wurden aufgerufen, ihre Arbeiten einer 

Auswahlkommission vorzulegen und an 

der Ausstellung im Lichthof des Kunstgewerbemuseums 

– heute Martin-Gropius-Bau 

– teilzunehmen. Über einhundert 

Aussteller wurden schließlich ausgewählt. 

24 Bilder gelangten als Schenkung 

der Künstler anschließend in den 

Bestand der Bibliothek, sodass nun 

zum ersten Mal der Versuch unternommen 

wird, die Ausstellung zu rekonstruieren. 

1921 war sie ein wohl beworbenes 

Ereignis; es gab ein Rahmenprogramm 

mit Vorträgen und Führungen, 

die Presse berichtete, die Besucher 

kamen – am letzten Sonntag der 

Ausstellung über 1000. Zu sehen waren 

Bilder von bekannteren und unbekannteren 

Fotografen. Besonders gut vertreten 

waren Nicola Perscheid, der ein florierendes 

Atelier im Tiergarten betrieb, 

und Karl Schenker mit einem nicht 

minder erfolgreichen Studio am mon- 

bis 29. Januar 2012 

Museum für Fotografie 

Jebensstraße 2 

10623 Berlin-Charlottenburg 

Di – So 10 – 18 Uhr 

Do 10 – 22 Uhr 

Montag geschlossen 


Galerien 

Erna Lendvai-Dircksen, »Weiblicher Akt«, 1921 

oder früher 

© Staatliche Museen zu Berlin, Kunstbibliothek 

dänen Kurfürstendamm. Beide zeigten 

Bildnisse der Berühmten und Schönen: 

Die Schauspielerin Fritzi Massary war 

so neben Otto Gebühr zu sehen, das 

Bildnis Max Liebermanns neben jenem 

von Max Klinger. Eine Fotografin, die 

hier zum ersten Mal ausstellte, war 

die bald schon gefeierte Frieda Riess. 

Und auch Erna Lendvai-Dircksen war 

Teil der »Berliner Photographie 1921«. 

Artur Ranft, der Ausstellungsleiter, hatte 

sich vorgenommen, qualitätvolle Aufnahmen 

auszuwählen und so anderen 

Fotografen Vorbilder zu schaffen und 

für die Anerkennung der Fotografie als 

Kunst zu sorgen. Die heute noch vorhandenen 

Bilder der Ausstellung geben 

eine Vorstellung davon, was man 1921 

als beispielhaft empfand. In den traditionellen 

Gattungen Porträt, Landschaft, 

Stadtansicht, Akt verdichteten sich etliche 

Themen und Trends der Zeit und 

lassen gerade im Rückblick erkennen, 

dass Wettbewerbe Gradmesser ihrer 

Zeit sind. 

7

Galerien 

»20 YEARS – 

HENGESBACH 

GALLERY« 

Die HENGESBACH GALLERY feiert ihr 

20jähriges Bestehen. Zu diesem Anlass 

freuen wir uns, Ihnen eine exemplarische 

Gesamtschau der vielfältigen Positionen 

der Galerie mit namhaften europäischen 

und amerikanischen Künstlern zu präsentieren. 

Neben Malerei und Skulptur 

hat die Galerie ihren Fokus auf Fotografie 

und Medienkunst und vertritt arrivierte 

Künstler wie William Eggleston, Dieter 

Kiessling, Christopher Muller und den 

Becher-Schüler Michael Reisch gemeinsam 

mit jungen Positionen wie Peter 

Bösenberg und Björn Siebert. 

Die Arbeiten William Egglestons spiegeln 

eine verlassene, degenerierte, sich 

selbst überlassene Welt wider: Dinge 

und Menschen erscheinen abgetrennt 

vom ihrem sozialen Zusammenhang, 

entbunden von ihren Funktionen im 

Alltag. Seine Bedeutung als Klassiker 

der Fotografie besteht in der besonderen 

Behandlung der Farbe als gestalterische 

Bedeutungsebene der Fotografie. 

Eggleston schuf eine Ästhetik der 

Fremdartigkeit, wobei der Farbe stets 

ein psychologisierendes Moment innewohnt, 

gewachsen aus dem Versuch,die 

Wahrnehmung zu sezieren: »Ich habe 

mich oft gefragt, was andere Lebewesen 

sehen – ob sie sehen wie wir. Ich habe 

versucht, eine Menge verschiedener 

Fotos zu machen, die aussehen, als 

ob sie nicht von Menschen gemacht 

wären«. 

Björn Siebert inszeniert Schnappschüsse, 

die er im World-Wide-Web findet. Ihn 

beschäftigen die Durchleuchtung der 

Strukturen bildlicher Kommunikation in 

unserer Kultur und das geheimnisvolle 

Potential, das unbeabsichtigt erzeugte 

Bilder in sich bergen können. Was bei 

dem vorgefundenen Bild ein zufälliges 

Zusammensein von Dinggegebenheiten 

war, wird von ihm in mühevoller 

Recherchearbeit detailgenau zusammengetragen. 

Der seltsam geglückte, bildliche 

Augenblick des Schnappschusses 

wird als sorgfältig arrangiertes Gefüge 


William Eggleston, »Morals of Vision«, 1978, Dye-Transfer-Print, 48,5 x 61cm (O.i.F.) 

Peter Bösenberg, »ohne Titel«, 2011, C-Print, 46 x 37,5cm, (O.i.F.) 

nachgestellt und mit der Präzision eines 

detailscharfen Großbildes auf eine neue 

symbolische Ebene gehoben. 

Fotografie ist bei dem Medienkünstler 

Dieter Kiessling nur ein Aspekt seines 

Werkes. Er untersucht in seinen fotografischen 

Arbeiten die strukturellen 

Qualitäten des Mediums: Eine 

Fotokamera betrachtet sich im Spiegel. 

Ihr Objektiv wird zum Auge, welches 

sich und den Spiegel in einer perspektivischen 

Verzerrung so darstellt, als 

scheine der Spiegel aus dem Auge der 

Kamera hervorzugehen. Die Fotoarbeit 

»Apostel« (2003) zeigt die Büste einer 

Heiligenfigur, die zunächst aus sich 

überlagernden Perspektiven zu bestehen 

scheint. Dieser filmische Aspekt erhält 

eine andere Dimension, wenn man 

erfährt, dass Kiessling hierfür die acht 

Apostelfiguren an der Eingangsseite der 

Kathedrale von Rouen übereinandergelegte 

und sich trotz ihrer Verschiedenheit 

der stimmige Ausdruck einer in sich 

ruhenden, meditativen Versunkenheit 

ergibt. 

Christopher Muller, Professor für künstlerische 

Fotografie an der Folkwang 

Universität Essen, thematisiert in seinen 

Stillleben nicht nur das Verhältnis der 

Dinge zueinander, sondern zugleich 

unsere Sicht auf die Dinge. Seine Bilder

Björn Siebert, »Girl at a Party Pit #1« (Remake), 2010, C-Print, 140 x 169cm, (O.i.F.) 

Christopher Muller, »Studio«, 2011, C-Print, 69 x 95cm, (O.i.F.) 

verdeutlichen, dass der Betrachter in 

ein komplexes Gewebe von Gefühlen 

wie Vorliebe und Abneigung verwickelt 

ist, die Erwartungen und Handlungen 

im Alltag bestimmen. Für diese 

Mechanismen der Determiniertheit des 

Menschen sensibilisieren seine Arbeiten 

den Betrachter. 

Die Landschaften von Michael Reisch 

zeigen eine Natur, die sich abschirmt 

vom Betrachter und ihm keinen 

Zugang gewährt. Die Wirklichkeit 

scheint eingefroren und generiert eine 

Überzeitlichkeit, die in ihrer Starrheit 

bedrohlich wirkt. Landschaft wird 

zu einer sich selbst modellierenden 

Gestalt, zu einem Wesen, das autark 

besteht und unserem Zugriff entzogen 

Michael Reisch, »Landschaft«, 9-002, 

C-Print, 210 x 138cm, (O.i.F.) 

13. Januar bis 3. März 2012 

HENGESBACH GALLERY 

Charlottenstrasse 1, 

10969 Berlin-Kreuzberg 

Di – Sa 11 – 18 Uhr 

Fon + 49 (030) 20913797 

info@hengesbach-gallery.de 

www.hengesbach-gallery.de 


Galerien 

ist. Die Narration ist in seinen Arbeiten 

unterbunden, kulturelle Referenzen 

bleiben ausgespart. 

Die Arbeiten von Peter Bösenberg verdichten 

widersprüchliche Situationen 

in unserem städtischen Umfeld – das 

Suggestive und unterschwellig Evokative 

leitet seinen Blick. Der Künstler geht 

nicht allein auf offensichtliche Ereignisse 

an der Oberfläche ein, sondern ist daran 

interessiert, was sich bei genauerer 

Beobachtung aus dem Verborgenen heraus 

entwickeln kann. Peter Bösenberg, 

der Film an der Hochschule für Medien 

in Köln studierte, Filme inszeniert und 

Drehbücher schreibt, überführt somit 

das narrative Prinzip der filmischen 

Sukzession in die Fotografie. 

Führung mit Rolf Hengesbach: 

Samstag, 28. Januar 2012, 16 Uhr 

9

Galerien 

Ai Weiwei 

in New York 

Fotografien 1983-1993 

Der Martin-Gropius-Bau zeigt erstmals 

in Deutschland über 220 Fotografien 

ausjener Zeit, die der chinesische 

Künstler Ai Weiwei von 1983 bis 1993 

in New York verbrachte. Der Künstler 

hat die Ausstellung selbst kuratiert. Über 

10.000 Aufnahmen machte Ai während 

seiner New Yorker Zeit. Für den jungen 

Ai, geboren 1957, war der lange 

Aufenthalt in den USA stilprägend für 

seine gesamte künstlerische Laufbahn. 

Nach China kehrte Ai erst wieder zurück 

als sein Vater, der in China hochberühmte 

Schriftsteller Ai Qing – jedes 

Schulkind lernt seine Gedichte auswendig 

- im Sterben lag. 

Heute ist Ai Weiwei der bekannteste 

chinesische Künstler der Gegenwart. In 

New York war er befreundet mit Allen 

Ginsberg. Viele der heute in China 

berühmten Künstler besuchten ihn 

damals in New York. Ai fotografierte sie. 

Er lernte die Arbeiten von Joseph Beuys 

kennen, dessen Idee der Sozialen Plastik 

im heutigen Werk von Ai erkennbar ist. 

Die Aufnahmen Ai Weiweis dokumentieren 

auch die Geschichte und die 

besondere und liberale Atmosphäre im 

New York der 1980er Jahre aus seiner 

Perspektive. 

In New York, Ai war damals noch nicht 

berühmt, lebte er in einer winzigen 

Wohnung im Stadtteil East Village. Er 

war aktives Mitglied der chinesischen 

Künstler-und Intellektuellengemeinde 

in der wachsenden Avantgarde-Szene 

des Viertels. Mit seiner Kamera dokumentierte 

er sein Leben, sein künstlerisches 

Schaffen, seine Umgebung 

sowie die Atmosphäre und Ereignisse 

jener Epoche. Einzigartige Fotografien 

sind so entstanden – Dokumente einer 

künstlerisch und politisch aufregenden 

Zeit, wahrgenommen durch die Augen 

eines Künstlers aus China. Die Anfänge 

der Konzeptkunst Ai Weiweis sind in den 

Aufnahmen deutlich erkennbar. 

Die Sujets der Aufnahmen sind vielfältig 

wie das Leben in New York: Bilder 


Ai Dan and Ai Weiwei. 1987, 8x10 cm, Inkjet on Fantac Innova Ultra Smooth Gloss 

© Ai Weiwei; Courtesy of Three Shadows Photography Art Center 

von Straßenschlachten im Tompkins- 

Square Park, Transvestiten beim 

Wigstock-Festival, Porträts von chinesischen 

und amerikanischen Künstlern, 

Intellektuellen und Freunden. Die New 

Yorker Kunstszene der 1980er Jahre 

war vielfältig, spannend, und inspirierend 

zugleich. Auch das spiegelt die 

Ausstellung wider. 

Die Auswahl der Fotografien wurde von 

Ai Weiwei selbst vorgenommen. Sie 

fügen sich zu einer eigenen Installation 

zusammen, die auch die persönlichen 

Erfahrungen, Gedanken und Eindrücke 

des Künstlers Ai Weiwei nachzeichnet. 

Über Ai Weiwei Ai Weiwei wird 1957 

als Sohn des Schriftstellers Ai Qing geboren. 

Als dieser 1958 bei der kommunistischen 

Regierung in Ungnade fällt, wird 

er nach Xinjiang in die Verbannung 

geschickt. Ai erlebt die Demütigung 

des Vaters in dieser von Peking 3.000 

Kilometer entfernten Provinz. Erst 1978 

wird Vater und Sohn erlaubt, nach 

Beijing zurückzukehren. Ai schreibt sich 

im gleichen Jahr an der Filmakademie in

Lower East Side Restaurant. 1988, 8x10 cm, Inkjet on Fantac Innova Ultra Smooth Gloss 

© Ai Weiwei; Courtesy of Three Shadows Photography Art Center 

Beijing ein, wo er gemeinsam mit den 

heute vielbeachteten Filmregisseuren 

wie Chen Kaige und Zhang Yimou studiert. 

Er gründet 1979 mit anderen die 

avantgardistischeKünstlergruppe »Stars 

Group«, die von offizieller Staatskunst 

in jener Zeit der Reformen nichts wissen 

will. Ai beteiligt sich auch an jener 

berühmten »Mauer der Demokratie«, 

die 1978 mitten in Beijing entsteht. 

Der damals 28jährige Wei Jingsheng, 

der heute im Exil in den USA lebt, forderte 

in Wandzeitungen eine »fünfte 

Modernisierung« – mehr Demokratie 

und mehr individuelle Freiheiten. Die 

»Mauer« wurde jedoch schon Ende 

1979 verboten, weil die kommunistische 

Partei um ihr Machtmonopol fürchtet. 

Wei wurde zu 15 Jahre Gefängnis verurteilt. 

Erst auf Druck der USA erlaubte 

man ihm 1997 die Ausreise ins Exil. Ai 

lebt zwischen 1981 und 1993 in den USA 

und studiert in New York an der Parsons 

School of Design. 1993 kehrt Ai nach 

Peking zurück, wo er seitdem lebt. Die 

kritische Haltung seiner frühen Jahre hat 

Ai nie aufgegeben. Als Liu Xiaobo, der 

2009 zu elf Jahren Haft verurteilt worden 

war, weil er in der Charta 08 ebenfalls 

mehr Demokratie und mehr individuelle 

Freiheiten forderte, 2010 den 

Friedensnobelpreis erhielt, lobte Ai, der 

mit Liu gut bekannt ist, die Entscheidung 

als Ermutigung für alle in China, die sich 

für die elementaren Menschenrechte 

einsetzen. 

Seine Kunst hat Ai immer als politisch 

verstanden: Konzeptkunst, Performance, 

Fotografie – die Breite seiner künstlerischen 

Ausdrucksformen halfen, ihn 

zum wichtigsten Künstler Chinas zu 

machen. Duchamp, Dadaismus, Soziale 

Plastik und Andy Warhol beeinflussten 

ihn. Sein Blog ist als erfolgreiches Buch 

auf dem Markt in Europa und Amerika. 

Seine Ausstellungen in USA, Europa und 

Asien sind legendär. 

Seine Beteiligung an der documenta 12 

im Jahr 2007 machte ihn in Deutschland 

populär. Sein Werk ist in vielen wichtigen 

Museen der Welt vertreten: in der 

Tate Modern in London, im Museum of 

Modern Art New York, in den Staatlichen 

Museen zu Berlin, in San Francisco und 

Los Angeles. 

Als Ai Weiwei im April am Flughafen 

Beijing wegen seiner künstlerisch-subversiven 

Aktivitäten verhaftet und 

für über 80 Tage in einem geheimen 

Gefängnis festgehalten wurde, ging ein 

Aufschrei durch die Kunstwelt. Eine vom 

Guggenheim Museum New York inszenierte 

Unterschriftenliste wurde von über 

140.000 Personen gezeichnet. Der von 

Alexander Ochs und Freunden initiierte 

Berliner Appell „Freiheit für Ai Weiwei“ 

wurde in Deutschland von über 4000 

Personen, darunter Günter Grass, Durs 

Outside Tompkins Square Park. 1986 

bis 18. März 2012 

Martin-Gropius-Bau 

Niederkirchnerstraße 7 


Mi – Mo 10 – 20 Uhr 

Dienstags geschlossen 


Galerien 

8x10 cm, Inkjet on Fantac Innova Ultra Smooth 

Gloss © Ai Weiwei; Courtesy of Three Shadows 

Photography Art Center 

Grünbein, Rosemarie Trockel, Norbert 

Bisky, Tobias Rehberger sowie vielen 

anderen Schriftstellern, Künstlern und 

Museumsleuten unterschrieben. Die 

Akademie der Künste in Berlin wählte 

Ai zum Mitglied. Prominente Künstler 

wie Daniel Buren, Olafur Eliasson, Luc 

Tuymans und Anish Kapoor setzten sich 

für seine Freilassung ein. Mittlerweile hat 

man Ai Weiwei erlaubt, in seinem Studio 

in Beijing zu leben, aber er darf weder 

mit der Presse reden noch die Stadt verlassen. 

Frei ist Ai Weiwei noch immer 

nicht. Wei Jingsheng kommentierte die 

Situation auch der Künstler in China 

kürzlich in der New York Times: noch 

immer regiere in China nicht das Gesetz 

sondern die Willkür der Staatsmacht. 

Katalog: 

Die Ausstellung mit Ai’s Fotografien aus 

seiner New Yorker Zeit zeigt den Beginn 

einer großen künstlerischen Karriere. 

Der Katalog erscheint im Distanz Verlag 

als Softcover mit Leinenbezug, 28 x 28 

cm, Deutsch/Englisch/Chinesisch und 

umfasst 336 Seiten mit Bildtafeln aller 

ausgestellten Fotografien, Essays und 

Interviews. Der Katalog kostet in der 

Ausstellung 28 Euro, im Buchhandel 

39,95 Euro. 

11

Galerien 

Ungleich Nacht 

Fotografien der Gruppe 97 

Frank-Rüdiger Berger 

Susanne Czichowski 

Sylvia Forsten 

Ursula Kelm 

Angela Kröll 

Barbara Oehler 

»Bei Nacht sind alle...« - Bilder anders. 

Die Nacht zeigt nicht nur die andere 

Seite von Menschen, Landschaften und 

Gegenständen, sondern verstärkt sie - 

wo Licht ins Dunkel fällt - auch in ihrer 

Besonderheit. 

Dieser Nachtseite sind die sechs Berliner 

Fotografinnen und Fotografen der 

Gruppe 97 in ganz unterschiedlicher 

Weise und mit verschiedenen fotografischen 

Techniken auf die Spur gegangen. 

Präsentiert werden die Arbeiten 

»Milonga veneziana« von Frank-Rüdiger 

Berger, »Was ist, wenn ich‘s nicht 

sehe?« von Susanne Czichowski, »Neonzone« 

von Sylvia Forsten, »Nachtleben« 

von Ursula Kelm, »Eintrittskarten in die 

Nacht« von Angela Kröll und »Zweierlei« 

von Barbara Oehler. 

© Angela Kröll 


© Ursula Kelm 

© Ursula Kelm

© Susanne Czichowski 

© Sylvia Forsten 

© Barbara Oehler 

© Frank-Rüdiger Berger 

© Susanne Czichowski 

Vernissage: 6. Januar 2012 

um 19 Uhr 

7. Januar bis 12. Februar 2012 

Galerie im Saalbau 

Karl-Marx-Straße 141 

12043 Berlin-Neukölln 

Di–So 10 – 20 Uhr 


Galerien 

13

Galerien 

Erika Babatz 

»Bodegones 

Berlineses« 

Ein Leben nach irgendeinem Tod 

Ich stamme aus dem Barock und bildete 

mich im Studium der Malerei aus 

dieser Zeit. Die Stillleben und Vanitas 

interessierten mich. Ihr lebendiges 

Wesen, obwohl sie leblos oder unbeweglich 

scheinen, machte mich neugierig. 

Immer erinnere ich mich bewundernd 

an ihre Dunkelheit, zeitweilige Finsterniss 

und ihr Licht, das den Gegenständen 

die Hoffnung auf ein neues Lebens 

mitzuteilen schien. 

Aus der gegenwärtigen Welt ziehen 

mich die Abfälle, die wir erzeugen an, 

überwältigend, trotz der Verachtung, 

die wir ihnen entgegen bringen. Sie 

wurden von Ihre Nützlichkeit freigesprochen, 

und sie efreuen sich daran, in 

Vergessenheit geraten zu sein. Mit ihrem 

Blick geben sie uns den Sarkasmus, ihre 

Besitzer und zukünftigen Begleiter zu 

sein, zurück. 

Ich weiß, daß wir mit ihnen verwesen 

und wie auch sie anderes Leben sein 

werden, die aus unserer toten Materie 

entstehen. Mein Wunsch besteht darin, 

mit ihnen an die Größe der barocken 

Stillleben zu erinnern, indem ich neue 

Gegenstände erschaffe und erlaube, 

daß sich das Organische wieder aus 

dem Innern des Vergessenen entfaltet. 

Leben nach einem Tod, der in diesem 

Zyklus nie ein solcher ist, möchte ich 

mit meiner Fotografie ausdrücken; wissend, 

daß mein Auge eines Tages Teil 

des Prozesses sein wird. 

Erika Babatz 


© Erika Babatz 


Vernissage: 

6. Januar 2012, 19 Uhr 



imago fotokunst 

Linienstraße 145 

10115 Berlin-Mitte 

Di – Fr 12 – 19 Uhr 

Sa 14 – 18 Uhr

Jim Rakete 

»Stand der Dinge« 

In den Jahren 2009 bis 2011 hat Jim 

Rakete exklusiv für das Deutsche Filmmuseum 

Legenden, Macher und Talente 

des deutschsprachigen Kinos fotografiert. 

Entstanden ist die Porträtreihe 

»Stand der Dinge«, die ursprünglich als 

überschaubare Hall of Fame geplant 

war, sich dann aber zu einer umfangreichen 

Schau für die neuen Ausstellungsräume 

des Filmmuseums entwickelte. 

Alle Porträtierten haben sich mit einem 

Requisit oder für sie bedeutenden 

Gegenstand ablichten lassen, mit dem 

sie eine persönliche Erinnerung ihrer filmischen 

Laufbahn verbindet. Auch veranschaulicht 

der Bilderreigen eindrucksvoll 

die eigentliche Besonderheit von 

Jim Rakete, nämlich das gleichberechtigte 

Dreiecksverhältnis Fotograf – Fotografierter 

– Betrachter: Man muss nicht 

zu den Prominenten aufschauen, hier 

begegnet man ihnen auf Augenhöhe. 

Entgegen seiner Gewohnheiten hat Jim 

Rakete den »Stand der Dinge« in Farbe 

fotografiert, was der zentralen Rolle 

der Objekte geschuldet ist, die als Teil 

einer filmischen Welt gewollt auf eine 

andere Ebene verweisen. Im Gegensatz 

zu seiner vorhergehenden großen 

Porträtreihe »1/8 sec.«, ist der »Stand 

der Dinge« digital fotografiert. Statt nur 

weniger Plattenaufnahmen, machte 

der Fotograf diesmal eine Vielzahl von 

Aufnahmen pro Shooting. Eine völlig 

andere Herangehensweise, doch ist im 

Ergebnis auch diesmal Raketes sanfter, 

klarer Stil deutlich erkennbar. 

»Stand der Dinge« – den Titel hat sich 

Jim Rakete von Wim Wenders geborgt. 

1982 hatte dieser einen fast gleichnamigen 

Film über einen Autorenfilmer 

gedreht, der mit einem Projekt an seine 

Grenzen gelangt. Mit seinem Reigen hat 

Rakete den Titel neu gedeutet, da die 

Vielzahl von deutschsprachigen Talenten 

und Persönlichkeiten die Filmlandschaft 

scheinbar grenzenlos erscheinen 

lässt. Die Panoramahängung in der Ausstellung 

soll entsprechend darauf hinweisen, 

wie groß der Kreis der Kreativen 

deutschen Filmschaffens ist, der sich tat- 

© Jim Rakete, »Martina Gedeck« 

sächlich weit über die Anzahl der hier 

Gezeigten hinaus erstreckt. 

Ergänzend zeigt die Schau eine Auswahl 

dreidimensionaler Objekte: Requisiten, 

Kostüme, Drehbücher, Geräte. Gemeinsam 

erzählen Fotografien und Objekte 

Filmgeschichte – und ganz persönliche 

Geschichten. 

Jim Rakete 

Sein fotografisches Interesse gilt den 

Menschen. Schlicht und einfach sollen 

seine Bilder sein, möglichst wenig 

inszeniert. Filmstar oder Obdachloser, 

soziale Unterschiede machen vor 

seiner Kamera keinen Unterschied. In 

Jim Raketes Fotografien ist stets sein 

Respekt für sein jeweiliges Gegenüber 

sichtbar, und es ist das Bestreben nach 

dem Authentischen, das die Bilder so 

einzigartig macht. 

1951 in Berlin geboren, fotografierte 

Jim Rakete bereits während der Schulzeit 

für Tageszeitungen, Magazine und 

Agenturen. Seinen Schwerpunkt hatte er 

zunächst in der Musikszene – Stars wie 

Jimi Hendrix, Mick Jagger und David 

Bowie ließen sich von ihm porträtieren. 

Von 1977 bis 1986 leitete er in Berlin- 

Kreuzberg das Kreativlabor »Fabrik«. 

Dort entstanden Plattencover für viele 

Bands der Neuen Deutschen Welle. Parallel 

übernahm Jim Rakete das Management 

von Musikern wie der Nina Hagen 

Band, Spliff, Nena, Die Ärzte und Interzone. 


Galerien 

Die Liebe zur Fotografie bestimmte ab 

1986 wieder sein künstlerisches Schaffen. 

Seither hat er mit zahlreichen 

Größen der deutschen und internationalen 

Musik- und Filmbranche gearbeitet. 

In den neunziger Jahren pendelte 

er zwischen Hamburg und Los Angeles, 

drehte als Director of Photography 

Musikvideos und Werbespots, um 2001 

nach Berlin zurückzukehren. In den 

letzten Jahren fotografierte Jim Rakete 

auch zunehmend Politiker. Bereits 

2008/2009 arbeitete er mit dem Deutschen 

Filmmuseum zusammen. Seinerzeit 

zeigte er die Ausstellung »1/8 sec. 

– Vertraute Fremde«, eine Hommage 

an die klassische analoge Porträtfotografie. 

Jim Rakete holte damals Prominente 

vor eine alte Plattenkamera, die 

den Porträtierten aufgrund dieser über 

100 Jahre alten Technik ein zwölf Sekunden 

langes Stillstehen abverlangte. Und 

dadurch den ganz besonderen Moment 

einer intensiven Begegnung festhielt. 

Eine Ausstellung in Zusammenarbeit mit 

dem Deutschen Filmmuseum, Frankfurt 

am Main. 

14. Februar bis 11. März 2012 

Willy-Brandt-Haus 

Stresemannstraße 28 


Di – So 12 – 18 Uhr 

Eintritt frei, Ausweis erforderlich 

15

Galerien 

CRISTINA PIZA 

»Der Rhythmus des 

Lebens« 

In Havanna begegnen wir den Musikern 

vom »Buena Vista Social Club«, stolze 

Ladenbesitzer in Neapel machen auf 

lokale Spezialitäten neugierig, auf dem 

Ozeanriesen „»Queen Elisabeth« bitten 

Gentlemen zum Tanz. 

Im Berliner Tiergarten genießen »Boys 

in the Park« den Sommer und in der 

»Casa Verdi« in Mailand verbringen 

Künstler ihren Lebensabend im gepflegten 

Ambiente. 

All diese wunderbaren Momente hat 

Cristina Piza mit ihrer Kamera einfühlsam 

eingefangen und zu eindringlichen 

Bildern komponiert. 

© CRISTINA PIZA, »Queen« 

Maria CRISTINA PIZA Lopez 

1963 in Costa Rica geboren 

1980 - 86 Studium an der Universidad 

National de Costa Rica 

1990-1991 Fotografie Diplom am Instituto 

Superiore di Fotografia, Rom 

1991 BA, Universidad National 

Autónoma di Mexico 

2003-2006 San Francisco Art Institute, 

Master of Fine Art 

1992 -2002 Foto-Veröffentlichungen 

für Magazine und Zeitungen: 

Lettre International, taz, Neue Züricher 

Zeitung, El Pais, New York Book 

Review, Mare u.a.m. 

Zahlreiche nationale und internationale 

Ausstellungen 


© CRISTINA PIZA, »Cuba« 

Vernissage mit Cristina Piza 

13. Januar 2012, ab 19 Uhr 

© CRISTINA PIZA, »Cuba« 

© CRISTINA PIZA, »boys« © CRISTINA PIZA, »boys« 

© CRISTINA PIZA, »Casa Verdi« © CRISTINA PIZA, »Casa Verdi« 


Galerie argus fotokunst 

Marienstraße 26 


Do – Sa 14 – 18 Uhr

RUTGER TEN BROEKE 

»KörperLandschaften« 

Rutger Ten Broeke (*1944 in Arnhem) ist 

ein wichtiger Wegbereiter der Fotografie 

in den Niederlanden. 1984 organisierte 

er die erste Foto Biennale in Enschede. 

Er lehrt Fotografie an der Academie for 

Art and Industry in Enschede. 

Ten Broeke ist international bekannt 

für seine sensiblen Aktfotografien in 

schwarz-weiß. Im Fokus seiner Arbeit 

steht seine Faszination für den weiblichen 

Körper in Verbindung mit der 

Natur. 

Seine Arbeiten wurden vielfach ausgezeichnet 

und in über hundert Ausstellungen 

weltweit präsentiert. 

Erstmals werden die Fotografien des niederländischen 

Fotografen Rutger Ten 

Broeke in Berlin in einer »One Man 

Show« gezeigt. 

© RUTGER TEN BROEKE 

© RUTGER TEN BROEKE © RUTGER TEN BROEKE 

3. März bis 28. April 2012 

Galerie argus fotokunst 

Marienstraße 26 


Do – Sa 14 – 18 Uhr 


Galerien 

Vernissage mit dem Künstler 

Freitag, 2. März 2012, ab 19 Uhr 

17

Galerien 

Mythos 

Die Abschlussklasse von Sibylle Hoffmann 

und Susan Paufler am Fachbereich 

Fotografie der VHS Friedrichshain- 

Kreuzberg. 

Mythen sind Erzählungen, in denen es 

um die großen Ängste und Nöte, aber 

auch Triumphe der Menschheit geht. 

Mythen wollen nicht erklären, sondern 

Sinn stiften. Ihre Präsenz in unserem 

kollektiven Gedächtnis macht sie 

gleichzeitig archaisch und aktuell. Das 

macht aber auch die Gefahr aus, der sie 

unterliegen, denn Mythen bewegen sich 

nicht in einem herrschaftsfreien Raum, 

sondern sind jeweils eingebettet in konkrete 

Machtverhältnisse, die ihren Missbrauch 

ermöglichen. 

16 Fotografinnen und Fotografen haben 

unter der Leitung von Sibylle Hoffmann 

und Susan Paufler das Thema »Mythos« 

künstlerisch bearbeitet. Herausgekommen 

sind sehr unterschiedliche Positionen, 

die sich zwischen den Extremen 

der Gestaltung einer oder mehrerer konkreter, 

teils altbekannter, teils moderner 

oder biografisch begründeter Geschichten 

einerseits und einer eher ideologiekritischen 

Auseinandersetzung andererseits 

bewegen. 

© Patricia Milch 

10. Februar bis 19. Februar 2012 

Bethanien 

Mariannenplatz 2 


Mo – Fr 17 – 20 Uhr 

Sa + So 11 – 19 Uhr 


© Anna Homburg 

© Barbara Töpper-Fennel © Katja Hammerle 

Vernissage: 

Freitag, 10. Februar 2012, um 19 Uhr 

Werkstattgespräch: 

Dienstag, 14. Februar 2012, um 19 Uhr

Hans Martin Sewcz 

»Berlin-Mitte 

Mai 1979« 

Frühe Fotografien 

Nach »Hommage à Berlin«, der vielseits 

besprochenen Erstausstellung 

mit Aufnahmen der kriegszerstörten 

Hauptstadt, präsentiert die Collection 

Regard frühe Fotografien von Hans 

Martin Sewcz aus den Jahren 1973 - 

1981. Mit dieser fotografischen Position 

zeigt der Sammler Marc Barbey erneut 

einen Fotografen, den es wieder zu entdecken 

und neu zu bewerten gilt. Ein 

wichtiger Teil der präsentierten Arbeiten 

wurde im Mai 1979 in der Spandauer 

Vorstadt mit einer russischen Horizont- 

Kamera aufgenommen. Die entstandenen 

Panoramaaufnahmen umfassen 

einen Winkel von 120° und erlauben 

damit einen Blick in eine längst vergangene 

Welt. 

Kuratiert wird die Ausstellung von 

Antonio Panetta, dem künstlerischen 

Leiter der Collection Regard. 

Die Horizonte des Hans Martin Sewcz: 

1975 bezog der damals 20jährige ein 

Zimmer in der Tucholskystraße, das er 

auch während seines Studiums an der 

Leipziger Hochschule für Grafik und 

Buchkunst behielt. Was ihn an der 

Spandauer Vorstadt so faszinierte, war 

die »nicht erwünschte Authentizität«: 

heruntergekommene Vorkriegshäuser, 

große Brachen, gewaltige Brandmauern 

und dunkle Backsteinwände. Denn hier 

gab es keine Repräsentationsbauten 

wie in der Karl-Marx-Allee oder am 

Alexanderplatz. Zwar war angedacht, 

die alte Bausubstanz irgendwann 

durch Plattenbauten zu ersetzen - doch 

eine Renovierung fand erst nach dem 

Mauerfall statt. Und völlig anders, als 

man zu DDR-Zeiten dachte. 

Aus diesem Grund wirken Sewcz’ frühe 

Bilder heute wie Bruch- und Fundstücke. 

Er selbst sagt, seine damaligen Arbeiten 

schwankten »zwischen den Polen 

von Abneigung und Identifikation«. 

Darüber hinaus sei er von dem damaligen 

Zustand begeistert gewesen, 

»der Motive mystisch bis abstrakter 

Hans Martin Sewcz (*1955), 

Oranienburgerstraße, Berlin 1979, 

Gelatin silver print, printed 1979 

12,7 x 29,4 (23,4 x 30,5) cm, Copyright 


Bildfindungen zuließ«. Das Œuvre von 

Hans Martin Sewcz umfasst neben den 

beeindruckenden Panoramaaufnahmen 

auch Porträts (etwa von Ulrich Mühe), 

eine frühe »Street Photography« 

sowie seine »Architektur-Porträts« der 

Spandauer Vorstadt mit dem ehemaligen 

Scheunenviertel. In der Ausstellung 

»Berlin-Mitte Mai 1979« werden Hans 

Martin Sewcz´s Aufnahmen von frühen 

Berlin-Bildern des Fotografen Will 

McBride und durch Auszüge des DEFA- 

Films »Berlin Auguststraße« (1979) des 

Regisseurs und Filmwissenschaftlers 

Günther Jordan flankiert. 

Hans Martin Sewcz wurde 1955 in Halle 

an der Saale geboren. Er beginnt mit 18, 

die Fotografie gezielt als Ausdrucksmittel 

einzusetzen und wird 1975-81 in 

Leipzig zum Diplom-Fotografiker ausgebildet, 

auch wenn sein eigentlicher 

Lebensmittelpunkt die Mitte Berlins 

bleibt. 1988, wenig mehr als ein Jahr 

vor dem Mauerfall, wird nach vier langen 

Jahren sein Ausreiseantrag endlich 

bewilligt. Sewcz geht nach West-Berlin. 

Er wendet sich auch der Konzeptkunst 

zu, produziert Installationen und Filme. 

Heute befinden sich seine Werke unter 

anderem im Deutschen Historischen 

Museum, im Deutschen Bundestag, 

im Neuen Berliner Kunstverein und 

in der fotografischen Sammlung der 

Berlinischen Galerie. 

Schon zu DDR-Zeiten ist sein großes 

Thema die Alltagskultur. Sein frühes 

Œuvre umfasst Porträts, Straßenfotografie 

und Detailaufnahmen von steinigen 

Oberflächen. Seine Bilder sind mitteilsam, 

wenig aufdringlich und lassen 

die Poesie des Zufalls anklingen. 

Während der 80er Jahre wird Sewcz 

den Bildausschnitt enger und die Blicke 

direkter erfassen. Ähnlich wie Henri 

Cartier-Bresson, Helen Levitt, Helga 

Paris, Gabriele und Helmut Nothhelfer. 

bis 2. März 2012 

Collection Regard 

Marc Barbey 

Steinstraße 12 



Galerien 

Hans Martin Sewcz (*1955), Hackescher 

Markt, Berlin 1979, Gelatin silver print, 

printed 1979 



Hans Martin Sewcz (*1955), Ecke 

Auguststraße - Große Hamburger, Berlin 

1979, Gelatin silver print, printed 1979 



Sein »Selbstporträt mit Agnes B. vor 

Gorbatschow-Limousinen« ist Teil einer 

Serie, die anlässlich des Besuchs des jungen 

sowjetischen KPdSU-Chefs 1987 in 

Ost-Berlin entsteht. Sewcz vergrößert 

Teile des Kontaktstreifens, dass selbst 

die Perforation sichtbar bleibt. In dieser 

sequenziellen Form entsteht ein beinahe 

kinematografischer Effekt, der wiederum 

durch die Fragmentierung gebrochen 

wird. 

Die Auseinandersetzung mit dem 

Berliner Stadtraum, sowohl im Stillstand, 

als auch in den rasanten Veränderungen, 

zieht sich durch sein gesamtes fotografisches 

Werk, und so gewinnen auch seine 

frühen Aufnahmen wieder erheblich an 

Bedeutung. 

. 

immer freitags 14 – 18 Uhr 

und nach telefonischer Vereinbarung 

Telefon: 030 / 847 11 947 

und www.collectionregard.com 

19

Galerien 

Jörg Rubbert 

»Berliner 

Winternächte« 

Wenn es draußen besonders kalt ist und 

die Nächte am längsten sind, geht für 

Jörg Rubbert die Saison los: Er fotografiert 

seit einiger Zeit die »Berliner Winternächte«. 

Berlin bei Gefrierschranktemperaturen 

und dazu noch bei Dunkelheit – 

das sind die Zutaten zu dieser speziellen 

Bildserie. Angefangen hatte dies 

zum Jahreswechsel 2006/2007, als er – 

der langen Winterabende überdrüssig – 

hinauszog, um zu erkunden, wie die 

Stadt bei diesen Witterungsverhältnissen 

»funktionierte«. Er wollte den von 

extremer Kälte beeinträchtigten Großstadtrhythmus 

erfassen und sehen, ob 

sich die Großstädter davon »aus der 

Spur« bringen lassen. 

© Jörg Rubbert, »Winterliche Stimmung an der 

Moltkebrücke«, Berlin-Mitte 2010 

Dem Winter muss man sich stellen, ob 

man will oder nicht. Er bedeutet Herausforderung: 

Die gewohnte Umwelt 

erscheint als gewandeltes, ungewohntes 

Terrain, fest im Griff des winterlichen 

Wetters. Zu später Stunde und bei 

Eiseskälte trifft man nur noch wenige 


© Jörg Rubbert, »Kurz nach MitternachtG, Szene am Bahnhof Berlin-Lichtenberg, Winter 2010 

© Jörg Rubbert, »Berlin steht für Energie«, 

Werbeplakat an der Kurfürstenstr. / Ecke 

Schillstraße, Winter 2009 

Passanten. Das Leben in der Großstadt 

geht zwar auch zu später Stunde weiter, 

aber langsamer, quasi entschleunigt. 

Schnee und Eis tun das ihre. Der Verkehr 

schleppt sich dahin, kommt fast 

zum Erliegen, Fahrpläne geraten durcheinander. 

Man strebt nach Drinnen, ins 

Warme, entflieht dem Matsch und der 

Glätte. 

Die Leute rücken aber auch näher zusammen 

– das Wetter hat etwas Verbindendes, 

was man unter normalen Wetterbedingungen 

so nicht feststellen kann. 

Man teilt gewissermaßen das Schicksal, 

dass man noch spät unterwegs ist. Der 

Berliner, soviel wird schnell klar, lässt 

sich ungern vom Wetter seinen Tagesablauf 

diktieren … 

Die Schwarzweiß-Bilder wurden allesamt 

mit externem Belichtungsmesser 

auf einer Kleinbild-Kamera aufgenommen, 

die wegen des Schneefalls und der 

Kälte unter dem Wintermantel getragen 

werden musste. Sie wurden ohne Blitz 

mit hochlichtstarken Objektiven und 

Filmen fotografiert. Die Aufnahmen 

sind zwischen 22:00 Uhr abends und 

02:00 nachts entstanden. 

Vernissage: 

14. Januar 2012, ab 20 Uhr 


Cafe-Galerie Village Voice 

Ackerstraße 1 A 


Täglich ab 12 Uhr

Julian Röder 

»In Gesellschaft des 

Marktes« 

Julian Röder, geb. 1981 in Erfurt und 

Mitglied der Agentur Ostkreuz zeigt in 

der Guardini Galerie Arbeiten aus drei 

Werkgruppen: The Summits, World of 

Warfare und Human Resources. 

Während Röder in den Bildern zu The 

Summits die Aktionen der Protestbewegung 

gegen die menschenfeindlichen 

Folgen der Globalisierung an den 

Orten der G8- und EU-Gipfel fotografierte, 

befasst sich World of Warfare mit 

einer Waffenmesse in Abu Dhabi, auf 

der Kriegsgerät feilgeboten wurde, just 

als die Befreiungsbewegungen der arabischen 

Länder aktiv geworden waren. 

Die militärischen Ausrüstungen, das 

wird deutlich, sind auch bestens für 

Bürgerkriege geeignet. Human Resources 

ist eine Serie von Bildern, die Julian 

Röder auf Handelsmessen aufgenommen 

hat und in denen er untersucht, 

wie der Mensch als Individuum in vollkommen 

kommerzialisierten gesellschaftlichen 

Systemen selbst zur austauschbaren 

und mit einem Verfallsdatum 

bezeichneten Ware wird. 

Was Röder zeigt, ist nicht die Verdichtung 

eines vergangenen Geschehens, es 

ist die unmittelbare Gegenwart. Und 

weil er sich auf subtile Weise oftmals 

kunst- oder allgemein bildgeschichtlicher 

Topoi bedient, haben diese Fotografien 

bei allem Wirklichkeitsbezug 

eine tiefere Intensität und Dauerhaftigkeit 

als der Fünfzehn-Sekunden-Take 

aus der Tagesschau. 

Julian Röder weiß: Bilder sind immer 

auch Bilder über Bilder, die der Betrachter 

im Kopf hat und mit dem Gesehenen 

abgleicht. Das Faszinosum ist jedoch 

nicht eine mögliche Übereinstimmung, 

sondern das Hinzugekommene. Auch 

wenn das vollkommen authentische 

Bild für immer eine Fiktion bleibt, gibt 

es unterschiedliche Strategien der Annäherung. 

Die von Julian Röder besteht 

vor allem in der unmittelbaren Anteilnahme 

und in der Aufmerksamkeit für 

Details, die manchmal auch anrührend 

© Julian Röder, »Protests against G8 summit in Gleneagles«, 2005 

(aus der Serie: THE SUMMITS, C-Print 90x130cm, (Original in Farbe) 

© Julian Röder, »o.T.«, 2009 

(aus der Serie: HUMAN RESOURCES), O.i.F. 

und komisch sind. Wie der Vermummte, 

der in Genua ratlos den Stadtplan studiert, 

oder das Bild von dem Pärchen, 

das sich in Heiligendamm in eine Plastikplane 

zum schlafen auf eine Wiese 

gelegt und die feuchten Socken sinnigerweise 

auf einen Stapel Europaletten 

zum Trocknen ausgebreitet hat. Drama 

und Satyrspiel, Röder gibt beides, wie 

in der antiken Tragödie. 

© Julian Röder, »o.T.«, 2009 

bis 3. Februar 2012 

Guardini Galerie 

Askanischer Platz 4 


Di – Fr 14 – 18.30 Uhr 


Galerien 

(aus der Serie: HUMAN RESOURCES), O.i.F. 

Finissage: 

Donnerstag 2. Februar 2012, 19 Uhr 

mit Künstlergespräch 

21

Galerien 

Zwischenzustände 

und Metamorphosen 

Helena Petersen, Meisterschülerin in 

der Klasse von Leiko Ikemura an der 

UdK Berlin, erhält den »IBB-Preis für 

Fotografie 2011«. Alle drei völlig unterschiedlichen 

Bildserien ihrer Bewerbung 

zeugen von einer außergewöhnlich 

hohen Qualität. Es offenbaren sich 

darin ein sensibler Umgang mit gesellschaftsrelevanten 

Themen sowie eine 

souveräne Beherrschung des Mediums 

und seiner Anwendungsmöglichkeiten. 

Mit »Free Fighters« nahm Helena Petersen 

einen Grenzbereich zwischenmenschlicher 

Beziehungen in den 

Fokus: Sie photographierte 2009 in 

der ostdeutschen Provinz muskulöse 

Männer im Brustporträt, und zwar 

mit nackten, häufig tätowierten Oberkörpern 

vor und nach einem archaisch 

anmutenden Kampf, der in einem 

Käfig stattfindet und bei dem es kaum 

einschränkende Regeln wie etwa beim 

Boxen gibt. Wir sehen nicht den Kampf 

selbst, sondern dessen Folgen im Physiognomischen. 

Manche dieser »harten 

Jungs« sehen hinterher ganz schön mitgenommen 

aus, andere scheinen die 

Schläge und Hiebe besser wegzustecken. 

Die Schläge mit der bloßen Faust 

auf die Körper des Anderen werden von 

einem furchtbaren Geräusch begleitet, 

erinnert sich die Photographin. Die 

Unterlegenen ließen sich nicht gern 

nach dem Kampf photographieren, in 

einem Fall verzichtete Petersen freiwillig 

darauf, den Verlierer auf das zweite 

Porträt anzusprechen; deshalb existiert 

von ihm, abweichend von der ansonsten 

strengen Serialität der Diptychen, 

nur ein Einzelbildnis. Interessant bleibt, 

dass die Photographin es im Bild offenlässt, 

wer Gewinner und wer Verlierer 

war – dies entscheidet der Betrachter 

gewissermaßen imaginativ selbst. Innerhalb 

der Serie lassen sich die Männer 

und ihr Gesichtsausdruck, der etwa zwischen 

testosterongesteuerter Aggressivität 

und totaler Erschöpfung oder zwischen 

Vorfreude und Triumph hin und 

her schwankt, auch untereinander vergleichen. 

Vorher/Nachher-Situationen 

kennen wir aus der Kosmetikindustrie, 


© Helena Petersen, »Pyrographie« 2011 

aus der Werbung für Schönheitsoperationen 

oder von Andy Warhols Adaptionen 

solcher Visualisierungen. Im Kontext 

der »Free Fighter«-Szene wirken 

sie etwas befremdlich, doch diese Verschiebung 

macht die Porträt-Diptychen 

so interessant. In einem improvisierten 

Photostudio, quasi innerhalb des Kampfgeschehens 

und vor neutral-weißem 

Hintergrund, werden die Protagonisten 

entkontextualisiert, ähnlich wie Stefan 

Moses es schon mit seinen Serienporträts 

deutscher Berufsgruppen in den 

1960er Jahren realisiert hatte. Petersens 

Bildserie jenes urmännlichen, geradezu 

primitiven Rituals überrascht durch ihre 

Unmittelbarkeit und Schlichtheit. 

Mit ihrer im selben Jahr entstandenen 

Serie »Ghosttown« lenkt sie unseren 

Blick ebenfalls en passant auf das Prinzip 

der Veränderung, das sich hier jedoch 

nicht auf die Physiognomie des Menschen 

bezieht, sondern auf eine kleine 

Stadt respektive eine ländliche Region. 

Alle Häuser scheinen verlassen, worauf 

auch der englische Titel verweist; doch 

die Photographin hält hier keine Filmkulisse 

fest oder die Folgen einer atomaren 

Verseuchung, sondern einen Ort nach 

der Zwangsumsiedlung seiner früheren 

Bewohner, um in dem Gebiet Braunkohleabbau 

zu ermöglichen. Petersen 

formuliert einen Zwischenzustand 

und einen Abschied, was das Zwielicht 

der Abendstunden atmosphärisch und 

symbolisch unterstützt. Die Metamorphose 

der kleinen Stadt in eine gigantische 

Braunkohlehalde wird zwar nicht 

unmittelbar visualisiert, aber mit dem 

Wissen um die (fehlende) Zukunft des 

Ortes wird diese zumindest vor unserem 

inneren Auge ausformuliert. Ein 

kleiner Ort am Niederrhein, der inzwischen 

selbst bei Google Earth gelöscht 

ist, wird von ihr im letzten Moment 

seiner Existenz dokumentiert. Davor 

waren es andere Dörfer und Orte, später 

werden es wiederum andere sein, die 

spurlos verschwinden. Warum Türen 

und Fenster vernagelt und zugemauert 

wurden, erschließt sich dem Betrachter 

nicht. Die spätere Zerstörung ist durch 

diese Zustandsschilderung ausgeblendet, 

ebenso der schmerzhafte Abschied 

der Menschen von ihren selbstgebauten 

Häusern, vom eigenen Hof, der möglicherweise 

bereits seit Generationen 

innerhalb der Familie bewirtschaftet 

wurde, oder von der Kirche, auf deren 

Entweihung und späteren Abriss selbst 

Nichtgläubige mit Unbehagen reagie-

© Helena Petersen, aus »Ghosttown«, 2009, (Original in Farbe) 

ren werden. Auch wenn Helena Petersen 

all das nicht zeigt, weckt sie mit 

ihren subtilen Bildern Assoziationen 

oder Emotionen in uns. 

Mit »Pyrographie«, der dritten 2011 

begonnenen Sequenz, ist sie einem physikalisch-optischen 

Phänomen auf der 

Spur. Die Bildidee basiert technisch auf 

einer Art Photogramm, also einer Photographie 

ohne Kamera: Das lichtempfindliche 

Papier wird in einem abgedunkelten 

Schießstand zunächst direkt parallel 

neben die Mündung einer Pistole gehalten 

und dann durch die Stichflamme des 

Mündungsfeuers belichtet. Nicht jede 

Aufnahme, nicht jedes Belichtungsexperiment 

gelingt. Bei der Belichtung entstehen 

abstrakt-amorphe, meist langgezogene 

Formen, und durch das Fehlen 

jeglicher Abbildungskonventionen wird 

die Bildauswahl zu einem zweiten, dem 

Werkprozess gleichberechtigten künstlerischen 

Akt. Alle Bilder sind aufgrund 

der gewählten Produktionsweise Unikate; 

zudem erzeugt jeder Schuss, selbst 

mit gleicher Waffe und Munition, unter- 

schiedliche, mal kompakte, mal filigrane 

Außenformen – und hinterlässt haptisch 

erfahrbare Abris- und Schmauchspuren. 

Das faszinierende Projekt ist noch nicht 

abgeschlossen, momentan entwickelt 

sie es mit Farbphotopapier weiter. 

Helena Petersen wird, wie wir hier sehen 

und wie sie selbst sagt, angezogen von 

Grenzbereichen des Mediums Photographie 

und Phänomenen, die sonst 

unbeachtet bleiben. Dabei entscheidet 

sie sich für das Prinzip der Serie, um 

zu fokussieren und aufzudecken. Sie 

erzählt – stets ohne Auftrag, vielmehr 

aus freiem Antrieb – Geschichten in Bildern. 

Und diese Narration ist sehr eigenständig; 

so liegt zwischen den beiden 

Porträts der Kämpfer das eigentliche 

Geschehen, ebenso jenseits ihrer atmosphärischen 

Dokumentation des der 

Zerstörung geweihten Dorfes. Formal 

und phototechnisch außergewöhnlich, 

beschreitet sie auch inhaltlich einen 

individuellen Weg: Das Dokumentarische, 

bis in die zeitgenössische Photographie 

eine wichtige Kategorie, wird 


Investionsbank Berlin 

Atrium 

Bundesalle 210 

10719 Berlin-Wilmersdorf 

Mo – Fr 9 – 18 Uhr 


Galerien 

© Helena Petersen, aus »Free Fighters«, 2009 

(Original in Farbe) 

von ihr subjektiv umgewertet. 

Matthias Harder 

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog. 

Ebenfalls ausgestellt wird Clara Bahlsen, 

die den Anerkennungspreis von der Jury 

erhielt. 

23

Galerien 

facetten des seins 

Wer sind wir? Leidenschaftlicher Künstler? 

Ehemaliger DDR-Bürger mit einer 

Sympathie für Punk? Sind wir hier richtig? 

Der neue Nachbar? Wahrscheinlich 

sind wir heute dies und morgen 

das. Mal ist eine Facette wichtiger, mal 

eine andere. 

Die Absolventen des Reportagelehrgangs 

2010-2011 des Photocentrums 

am Wassertor der VHS Friedrichhain- 

Kreuzberg erkunden die Lebenswirklichkeit 

mit ihrer Vielzahl an Geschichten, 

Biographien und Lebensentwürfen. 

So vielfältig wie die verschiedenen 

»facetten des seins« sind auch die einzelnen 

Themen: von der Beschäftigung mit 

der eigenen Geschichte und der eigenen 

Herkunft, über die Beziehung von Menschen 

zu ihren Lebensräumen, bis zur 

Auseinandersetzung mit Krankheit und 

Tod, die wir gerne aus unserem alltäglichen 

Leben ausklammern. 

© Dennis Schrader, »Zeitzeugen« 

Die Reportagen bieten Einblicke in nahe 

und ferne, in bekannte und unbekannte 

Welten. Sie zeigen Menschen, die 

sich mal auf der Gewinnerseite, mal 

alt, mal krank, mal hin- und hergerissen 

zwischen dem Hier und Dort, dem 

Gestern und Heute fühlen. 


© My-Linh Kunst, »Waiting« 

© Sarah Marsh, »Reflections« 

My-Linh Kunst porträtiert den fünfjährigen 

Alon, der im Deutschen Herzzentrum 

Berlin auf eine Herztransplantation 

wartet. 

Sarah Marsh begleitet einen New Yorker 

Musiker und Darsteller, der die Offenheit 

der Berliner Kreativszene genießt. 

Das Leben, ein Spiel? Sylvana Kretschmar 

zeigt den Entstehungsprozess von 

Identitäten: Sie beobachtet den Stabpuppenbauer 

Georg Jensich dabei, aus 

einfachsten Materialien etwas absolut 

Lebendiges zu erschaffen. 

Dieter Titz porträtiert den ghanaischen 

Maler Dennis Doe Tamakloe, der in 

seiner Arbeit Berliner Graffiti-Fundstücke 

mit traditioneller afrikanischer 

Kunst verbindet. 

Agata Szymanska-Medina porträtiert 

einen palästinensischen Austauschstudenten 

auf seinen Wegen durch Berlin. 

Sigrid Oberer wirft einen kritischen 

Blick auf die deutsche Integrationspolitik. 

Kleine Interviews und Fotos geben einen 

Einblick in unterschiedliche Analysen 

von sogenannten »Deutschen« und 

»Nicht-Deutschen«.

© Agata Szymanska-Medina, »Auf der Suche« 

© Sylvana Kretschmar, »Das Leben, ein Spiel?« 

Dennis Schrader begleitet Zeitzeugen 

der Gedenkstätte Berlin-Hohenschönhausen. 

Die ehemaligen Häftlinge der 

Untersuchungshaftanstalt der Staatssicherheit 

halten mit Hilfe von Besucherführungen 

die Erinnerung an das Unrechtsregime 

der DDR wach und wirken 

einer Verklärung der DDR-Zeit entgegen. 

Florian Boillot beobachtete die 

rechtspopulistische Bürgerbewegung 

»Pro Deutschland« sowohl bei ihren 

öffentlichen Auftritten als auch in ihrer 

Parteizentrale in Marzahn-Hellersdorf. 

Leben in der Britzer Hufeisensiedlung. 

Katja Münz betrachtet die Beziehung 

von Menschen zu ihrer Umgebung. Wie 

spiegelt sich unsere Identität in den 

materiellen Dingen, mit denen wir uns 

umgeben? Was macht die Orte aus, an 

denen wir unser Leben einrichten und 

darauf zurückblicken? 

Anja Kehmeier porträtiert Ursula Ziebarth, 

Schriftstellerin und Sammlerin, 

die statt Geschirr Volkskunst in ihren 

Küchenschränken lagert. Liebevoll aus 

allen Ländern der Welt gesammelt und 

akribisch katalogisiert, stapeln sich 

Schätze und Kuriositäten in ihrer Wohnung 

und acht Kellern. 


alte feuerwache / projektraum 

Marchlewskistraße 6 

10243 Berlin-Friedrichshain 

Di – Do 14 – 19 Uhr 

Fr – Sa 14 – 20 Uhr 


Galerien 

© Sigrid Oberer, »Integration? Nein, Danke!« 

Ausstellung und der Katalog stellen die 

Abschlussarbeit des Lehrgangs Reportagefotografie 

dar. Die Arbeiten entstanden 

unter der Leitung der Bildjournalistin 

und Bildredakteurin Ann-Christine 

Jansson. 

Rahmenprogramm: 

Donnerstag, 12. Januar 2012, 19 Uhr 

»Fotografie Gestern und Heute« 

»Radfahrer« Dokumentarfilm über den 

preisgekrönten Ostkreuz-Fotografen 

Harald Hauswald. 

Im Anschluss Gespräch mit Harald 

Hauswald und der schwedischen 

Fotojournalistin Ann-Christine Jansson. 

Eintritt frei. 

Donnerstag, 26. Januar 2012, 19 Uhr 

»Fotografischer Alltag in 

Konfliktgebieten«. 

Gespräch mit dem dpa-Fotojournalisten 

Maurizio Gambarini. 

Eintritt frei. 

Vernissage: 

Freitag, 6. Januar 2012, um 19 Uhr 

mit Musik von Roland Satterwhite 

25

Galerien 

Kurt Wyss 

»Begegnungen« 

Kurt Wyss, ein wunderbarer Fotograf 

Von den Einwohnern der Stadt Basel 

habe ich eine ganz bestimmte Meinung: 

nämlich dass sie ganz erstaunliche 

Menschen sind. Zwar soll man sich 

vor zu schnellen Verallgemeinerungen 

hüten, aber trotzdem muss ich sagen, 

dass alle Basler, die ich gekannt habe 

(und das waren nicht wenige), erstaunliche 

Menschen waren – und Kurt Wyss 

gehört auch dazu. 

Was seine physische Erscheinung 

angeht, so würde ich ihn als schlank 

bezeichnen, als einen Menschen mit 

raschen Bewegungen und einem in 

hohem Maße Ehrlichkeit ausstrahlenden 

Gesichtsausdruck. Was diese Ausstrahlung 

angeht, so würde ich sagen, 

dass man sie – zumindest außerhalb 

Basels – doch recht selten antrifft, und 

was die Ehrlichkeit und die Suche nach 

Wahrheit als Charaktereigenschaften 

bei Künstlern angeht, so würde ich im 

Gegensatz zu dem, was man hin und 

wieder hört, sagen, dass diese Eigenschaften 

absolut kennzeichnend für 

die gesamte Persönlichkeit sind. Wirkliche 

Kunstwerke können nur dort entstehen, 

wo das künstlerische Schaffen 

von Wahrheit durchdrungen ist. Und 

alle, die nicht von vornherein davon 

überzeugt sind, haben von wirklichem 

künstlerischem Schaffen nur eine 

geringe, und klar herausgesagt, falsche 

Vorstellung. 

Was man an Kurt Wyss zuerst wahrnimmt, 

ist sein schlanker Körper, dessen 

Glieder sich raumumfassend zu verlängern 

und wie mit Suchern ausgerüstet 

scheinen, die er mit den Händen formt 

und knetet und dann ganz unvermittelt 

zum Auge führt. Bei anderen Fotografen 

beobachtet man bestimmte Handgriffe, 

die in einer bestimmten Reihenfolge 

ablaufen, Berechnung der Entfernung, 

Einschätzung der Lichtverhältnisse und 

Objektiveinstellung – nichts von alledem 

sieht man jedoch bei ihm. 

Die Kamera und sein Auge verschmelzen 

zu einem Ganzen, zu einer einzi- 


© Kurt Wyss, »Jean Dubuffet«, 1974 

© Kurt Wyss, »Andy Warhol«, Zürich 1978 

gen Handlung, die sich nicht in einzelne 

Vorgänge gliedert. Ganz plötzlich klettert 

er auf einen gerade verfügbaren 

Gegenstand, stellt einen Tisch auf eine 

Kiste, einen Stuhl auf den Tisch, stützt 

sich mit dem Fuß am Fenster ab, und 

schon steht er da, den Hals nach vorn 

gestreckt, den Kopf nach unten gebeugt, 

das Auge am Sucher und drückt fünf, 

zehn, nein zwanzig Mal hintereinander 

auf den Auslöser, greift geschickt nach 

einer anderen Kamera, dreht sich wie 

ein Kreisel um die eigene Achse und 

hat schon wieder zwanzig Mal ausgelöst. 

Er springt auf die andere Seite und 

beginnt von Neuem. 

Der Beobachter kann nicht umhin, 

an die Kosten für das Filmmaterial zu 

denken, aber darüber macht sich Kurt 

Wyss scheinbar gar keine Sorgen. Er ist 

völlig in Trance, ist nicht mehr Fotograf, 

sondern ganz Bild, losgelöst von allen 

Ketten, auf der Jagd in freier Wildbahn. 

Und was geschieht dann? Ganze Nächte, 

stelle ich mir vor, verbringt er mit dem 

Entwickeln der Filme, der Prüfung der 

Negative, der Herstellung verschiedenster 

Abzüge – ein Spiel mit Kontrasten 

– auf unterschiedlichem Papier. 

Eine gewaltige Arbeit, stelle ich mir vor, 

deren Ergebnis sich in einer ungeahnten 

Vielfalt verblüffender, bewundernswert 

genialer, aus unerwartetem Blickwinkel 

aufgenommener Fotos von erstaunlicher 

technischer Perfektion widerspiegelt, 

die er in Alben zusammenfasst. In 

diesen Alben verschmelzen einige flüchtige 

Augenblicke, denen niemand außer 

ihm Beachtung geschenkt hätte, die er 

jedoch mit überraschender Schnelligkeit 

wahrzunehmen und einzufangen 

wusste, zu einem eindrucksvollen dramatisch 

wirklichkeitsnahen Gesamtbild. 

Jean Dubuffet 


Johanna Breede 

PHOTOKUNST 

Fasanenstraße 69 


Di – Fr 11 – 18 Uhr 

Sa 11 – 16 Uhr

Hannes Kilian 

»Bei Nacht« 

In seiner Arbeit als Photojournalist, 

Reise- und Portraitphotograph sowie 

Photograph des legendären Stuttgarter 

Balletts hat Hannes Kilian auf unverwechselbare 

Weise Dokumentarisches, 

menschlich Berührendes und künstlerisch 

Gültiges vereint. Mit Gespür und 

Präzision, die technischen und ästhetischen 

Möglichkeiten des Mediums Photographie 

voll ausschöpfend, erkannte 

er das ausdrucksvolle Motiv im Alltäglichen 

und scheinbar Zufälligen. Dabei 

ist Kilians Sicht durchaus subjektiv. 

Beleuchtung, Blickwinkel und Bildausschnitt 

spiegeln seine ganz persönliche 

Wahrnehmung und Empfindung, 

enthalten mitunter eine Wendung ins 

Unwirkliche wie etwa in »Fresswelle« 

(1956) das Panorama des üppig beladenen 

Buffets. Über mehrere Jahrzehnte 

erzählen seine Bilder von deutscher 

Geschichte, vom Leben in Kriegstrümmern, 

von Neuanfang und Wirtschaftswunder, 

von großen Gesellschaften und 

kleinen Leuten. 

In der Wartehalle eines Bahnhofes: 

Unter einer geheimnisvoll schimmernden 

Uhr sitzt eine Gruppe von Wartenden 

im diffusen Halbdunkel, der Blick 

wird zunächst von der aufgeschlagenen 

Zeitung im Vordergrund eingefangen. 

Doch der eigentliche Fokus des Photographen 

liegt auf dem dahinter sitzenden 

Mann, seinen gefalteten Händen 

und dem ernst in die Ferne schauenden 

Gesicht. Am linken Bildrand erscheint 

silhouettenhaft eine schwarze Gestalt 

vor einer Lichttafel. Hannes Kilian 

liebte die Magie der Nacht, die die 

Menschen verändert und auf besondere 

Weise mit ihrer Umgebung verschmelzen 

läßt. Seine auf Spannungen 

und Kontrasten aufbauende, oft 

hintergründige Bildsprache fand in der 

Nachtaufnahme ihre wohl charakteristischste 

Ausprägung. Hell und Dunkel 

treffen unvermittelt aufeinander, rhythmische 

oder lineare Spuren aus Licht 

schaffen Bewegung und Raumtiefe, 

während Schwarz als Kompositionselement 

eigenständige Ausdruckskraft 

entfaltet. In der Nacht kehrt sich die 


Johanna Breede 

PHOTOKUNST 

Fasanenstraße 69 


Di – Fr 11 – 18 Uhr 

Sa 11 – 16 Uhr 


Galerien 

© Hannes Kilian, »Lichtturm des Pavillon de la Marine Marchande«, Weltausstellung, Paris 1937 

Tageswirklichkeit um, Kilian entdeckt 

die Elemente des Phantastischen, spitzt 

sie bildnerisch zu, ohne pittoresk zu 

werden, etwa in der futuristisch anmutenden 

Lichterscheinung des »Pavillon 

de la Marine Marchande« auf der Pariser 

Weltausstellung 1937 oder in den 

geisterhaften Passanten vor der Kulisse 

leuchtender Reklameschriften in »München« 

(1964). Überhaupt spielt Schrift 

in den Bildern von Hannes Kilian eine 

bezeichnende Rolle, sei es im intimen 

Blick auf den nächtlichen Zeitungsleser, 

sei es als prägendes Element im urbanen 

Straßenbild, sei es als irritierendes, eine 

Fülle von Assoziationen weckendes 

Moment, das erst im Augenblick künstlerischer 

Brechung durch die Kamera 

wahrgenommen wird. Insbesondere in 

den Nachtaufnahmen zeigt sich, dass 

Hannes Kilian mehr war als ein Chonist. 

Er sah die großen Zusammenhänge, 

das Lebensgefühl seiner Zeit ebenso wie 

die leisen Irritationen und Widersprüchlichkeiten, 

Augenblicke, die andere verpassten. 

(Susanne Schmid) 

27

Galerien 

Emanuel Raab 

»Winterwald« 

Die stillen, fast monochromen Fotoarbeiten 

der neuen Serie Winterwald von 

Emanuel Raab zeigen den Formenreichtum 

eines Naturraumes, der sich erst im 

winterlichen Erscheinungsbild offenbart. 

Die Reduktion der Darstellung verstärkt 

die Konzentration auf die ästhetische 

Konstruktion der Bildelemente, die bis 

zur Abstraktion geraten. Ein Gewirr aus 

wild wuchernden Ästen und Zweigen 

fügt sich zu einem Muster, das sich wie 

Haargeflecht oder Spinnweben über 

die dahinter liegende Waldlandschaft 

spannt. Die feingliedrigen Linien verbinden 

sich wie eine filigrane Zeichnung 

zur detailreichen Oberflächenstruktur, 

das Chaos fügt sich nach längerem 

Hinschauen zur Ordnung. Bei aller 

Sachlichkeit dringt in den subtil komponierten 

Waldbildern eine romantisch 

geprägte Auffassung von Natur durch. 

Indem die fotografische Gestaltung 

malerischen Prämissen folgt, wird die 

Natur als geheimnisreicher Ort beschrieben 

und der Wald zur beseelten Landschaft 

transformiert. Wald ist in Deutschland 

nicht einfach ein Naturraum sich 

wandelnder gesellschaftlicher und ökonomischer 

Nutzungen und Interessen, 

sondern ein Identitätssymbol schlechthin. 

Kaum ein deutsches Märchen, eine 

Volkserzählung oder eine deutsche 

Sage ohne Wald. Vor allem die Maler 

und Dichter der Romantik erhoben den 

deutschen Wald zur Seelenlandschaft 

und beschworen das Bild unberührter, 

geheimnisreicher Natur. Der Wald 

wurde zum Ort, in dem sich die Natursehnsucht 

der Städter vermischte mit 

dem Ursprungsmythos von undurchdringlichen 

Urwäldern. Trotz der realen 

Bedrohung der Wälder durch Waldsterben 

und wachsende kommerzielle Interessen 

hält sich die Vorstellung vom Wald 

als heilige Stätte und als Zufluchtsort für 

Einsamkeit und Selbstfindung. 

Emanuel Raabs Serie Winterwald knüpft 

an diese ambivalenten Naturvorstellungen 

an. Seine Bilder einer scheinbar 

undurchdringlichen Natur wirken wie 

der Realität gänzlich entrückt und voller 

Geheimnis. Eine melancholische Poesie 

überzieht die winterlichen Ansichten, in 


Emanuel Raab, Winterwald #22, 2009, Fine Art Pigment Print, 45 x 60 cm © the artist 

welchen der Keim des nächsten Erwachens 

nahezu unbemerkt unter der 

Oberfläche schlummert. Gleichzeitig 

scheint im Dickicht der Natur eine 

latente Bedrohung herauf, die nicht mit 

Bestimmtheit zu verorten ist. Hier kann 

man sich verirren, manchmal auch verloren 

gehen. Nichts ist nach menschlichen 

Bedürfnissen geordnet, nichts 

weist einen Weg. Das Ursprüngliche 

ist in seiner archaischen Präsenz immer 

auch mächtig und der menschlichen 

Dimension entwachsen. In der Tiefe 

des Waldes angekommen, werden die 

kollektiven Bilder seiner mythischen 

Geschichte unwillkürlich lebendig. 

Ausgehend von seinem fotografischen 

Entwurf stimmungsvoller Landschaftsbilder 

entwirft er eine Art Typologie des 

Naturhaften. In der Betrachtung der winterlichen 

Landschaft offenbart sich ein 

überraschend detailreiches Formen- und 

Strukturgefüge, welches das Wesenhafte 

des Waldes offenbart. Hinter der scheinbaren 

Monotonie von unbelaubtem Astwerk, 

Unterholz und Gestrüpp entfaltet 

sich der überwältigende Formenreichtum 

der Natur, die ihrer eigenen Logik 

und Gesetzmäßigkeit folgt. Der populären 

Auffassung von ‚toter Natur’ stellt 

der Künstler die nahezu unerschöpfliche 

Vielfalt organischer Erscheinungsformen 

gegenüber und entführt den Betrachter 

auf diese Weise im doppelten Sinne in 

eine verborgene Sphäre einer ihm vermeintlich 

bekannten Welt. 

Emanuel Raab studierte Fotografie und 

Film an der Hochschule für Gestaltung 

in Darmstadt. Seit 1994 beteiligte er 

sich an zahlreichen Einzelausstellungen 

im In- und Ausland (u.a. 2011, MenschenBild, 

Museum Wiesbaden; 2007, 

heimat.de, Goethe-Institute London 

und Neapel; 2004, Nachtland, Kunsthalle 

Bielefeld; 2002, heimat.de, Landesmuseum 

Oldenburg, Kunstverein 

Ulm; 1999, Blick-Wechsel, Frankfurter 

Kunstverein; 1996, Wegen Umbauten 

geschlossen, Schirn Kunsthalle) sowie 

an verschiedenen Gruppenausstellungen 

(u.a. 2008, Vertrautes Terrain, ZKM 

Zentrum für Kunst und Medientechnologie 

Karlsruhe; 2007, OWL1, MARTa 

Museum, Herford; 2005, Landschaft 

als Metapher, Ursula Blickle Stiftung; 

2002, Heimat, Kunsthaus Dresden; 

1996, Deutschland erotisch, Museum 

für Kunst und Gewerbe, Hamburg). 

Seit 2001 lehrt er als Professor an der 

Fachhochschule Bielefeld Fotografie 

und Bildmedien. 

21. Januar bis 29. April 2012 

Alfred Ehrhardt Stiftung 

Auguststraße 75 


Di – So 11 – 18 Uhr 

Do 11 – 21 Uhr

Dvorah Kern 

»Still« 

Die Fotografin Dvorah Kern spiegelt 

sich in ihren Bildern, sie verarbeitet 

mit ihrer Hilfe Gefühle und Gedanken. 

Beim Fotografieren kommt sie zur Ruhe. 

Die Umwelt mit ihren Informationen 

und Reizen ist für Kern oft nur schwer 

zu ertragen - gerade in einer Stadt wie 

Berlin. Eine Möglichkeit des Ausgleichs 

ergibt sich für sie bei ihren Reisen aufs 

Land, nach Thüringen, Sachsen, auch 

mal nach Island. Dort, wo »eigentlich 

nichts ist«, findet Dvorah Kern nicht nur 

Ruhe, sondern entdeckt auch Feinheiten 

in den Strukturen, in denen sich Natur »zu 

erkennen gibt«. Ein weiterer, vielleicht 

auch der wichtigere Teil ihrer aktuellen 

Arbeit sind Portraits ihrer Schwester, 

die die Entwicklung eines Kindes zum 

jungen Mädchen dokumentieren. Die 

Bilder sprechen von hoher Reife der 

Darstellung - sensibel und mit enormer 

Ausdruckskraft. 

© Dvorah Kern 




Vernissage: 

12. Januar 2012, 19 Uhr 


Fotogalerie Friedrichshain 

Helsingforser Platz 1 


Di, Mi, Fr, Sa 13 – 18 Uhr 

Do 10 – 18 Uhr 


Galerien 

29

Galerien 

Constantin Köster 

Franca Wohlt 

Kathrin Tschirner 

Oliver Jacob 

Thomas Graichen 

Wenke Seemann 

»Versunken« 

Die aff Galerie präsentiert eine Gruppenausstellung 

zum Thema »Versunken«, 

in der sich sechs Mitglieder des 

atelier freier fotografen der Thematik 

mit ganz unterschiedlichen Ideen und 

Blickwinkeln widmen. 

Mit der Serie »Einkehr« hat der Berliner 

Fotograf Constantin Köster einen 

kurzen zeitlichen Ausschnitt aus einer 

Situation in einem Museum eingefangen. 

Eine Besucherin sitzt versunken am 

Rand der runden Eingangshalle und um 

sie herum entfaltet sich das Geschehen 

der anderen Museumsbesucher. Die Sitzende 

wirkt einsam und entrückt, ist aber 

doch Teil des Ganzen. Die Empfindungen 

in der Kunst scheinen in ihr zusammenzufließen. 

Die anderen Museumsbesucher 

machen sich dagegen auf den 

Weg, die Kunstwerke erst noch zu erfahren. 

Dadurch kann die Serie auch als 

Metapher für die Spannung zwischen 

Versenkung und Aufbruch in der Kunst 

betrachtet werden. 

Franca Wohlts Polaroids entstanden in 

der Wohnung eines demenzkranken 

Familienmitgliedes. Sie konzentrierte 

sich dort auf einzelne Details, die Spuren 

des Vergessens und der Gleichgültigkeit 

tragen. Die entstandenen Momentaufnahmen 

spiegeln Einsamkeit und Orientierungslosigkeit 

wider, welche für die 

Künstlerin beim Betrachten der Wohnräume 

spürbar wurde. 

Kathrin Tschirner hat in ihrer Arbeit 

»Сън« (Schlaf) ein verlassenes Dorf in 

Bulgarien aufgespürt, das nur schwer 

zugänglich ist und den Anschein 


© Wenke Seemann 

© Thomas Graichen 

© Oliver Jacob 

erweckt, schon seit Jahrzehnten versunken 

in der Zeit zu existieren. Auch 

wenn die Todesanzeigen an den Türen 

Aufschluss über das Ableben der letzten 

Besitzer geben, hat man das Gefühl, in 

einen privaten Raum einzudringen. Die 

Häuser und die Einrichtung umgibt die 

Aura des Schlafes, so als ob der Raum 

nur auf die Rückkehr seiner Bewohner 

wartet. Jedoch die Natur hat sich die 

Räume wieder einverleibt und verbindet 

sich nach und nach mit den Alltagsgegenständen. 

Oliver Jacob nähert sich dem Thema 

»Versunken« im weitesten Sinne. Menschen, 

Kulturen oder Dinge versinken 

in Gedanken, in Vergessenheit oder im 

Sand auf dem Grund des Meeres. Versinken 

bedeutet somit auch einen Übergang 

von einem in einen anderen, meist 

entgegengesetzten Zustand. Die kleine 

Serie von Jacob zeigt drei Bilder: ein 

Bett, kurz vor der nächtlichen Ruhe, ein 

Tunnel, der uns vom Tageslicht in die 

Dunkelheit führt und eine nächtliche 

Szene einer tagsüber belebten Marktstraße. 

Ein grüner Farbton, entstan-

© Kathrin Tschirner 

den durch künstliches Licht, bildet den 

äußeren Rahmen der Serie. 

Der Berliner Fotograf Thomas Graichen 

zeigt eine Vorschau seines Projektes 

»Die stille Stadt«, das in naher 

Zukunft zusammen mit Kurzgeschichten 

von Ann-Christin Kumm in Buchform 

erscheinen wird. Dabei bilden die 

Fotografien einer im Schnee versunkenen 

Stadt die Kulisse, in der die Erzählungen 

handeln. Die schwarzweißen 

Bilder sind bestimmt von Weite, Leere 

und der Kälte des Berliner Winters, 

betören aber gleichzeitig auch mit der 

Schönheit und Ruhe des alles überdeckenden 

Schnees. 

Die Fotografin Wenke Seemann zeigt 

mit ihrer Arbeit »Loseblattsammlung« 

den Versuch Wegmarken zu finden. 

Tagebuchblätter. Manches war wichtig 

an diesen Tagen, manches schön, manches 

quälend. Wiederbetrachtet sind die 

© Constantin Köster 

© Franca Wohlt 


Galerien 

flüchtigen Bruchstücke zu Erinnerungen 

geworden. Zu Gedanken, die nun seltsam 

peinlich erscheinen. Zu Schmerzen, 

die sich neuerdings ertragen lassen. 

Die Blume, die ihre Schönheit unterwegs 

nicht eingebüßt hat. Einige Blätter 

wollen überschrieben werden, andere 

sind klüger als ihr Autor. 


aff Galerie 

Kochhannstraße 14 


Sa + So 14 – 17 Uhr 

www.aff-berlin.com 

31

Galerien 

Claudius Schulze 

»Socotra – Eine Insel« 

Mit seiner Arbeit »Socotra« nimmt Claudius 

Schulze den Betrachter mit auf eine 

visuelle Reise zu einer Insel im Indischen 

Ozean, die unter zahllosen Sternen 

des Tropenhimmels und abgeschieden 

in gefährlichen Gewässern liegt. 

Die Fotografien lassen die Entbehrungen 

und Bedrohungen auf einem Eiland 

erahnen, das von Seeräubern auf der 

Suche nach Beuteschiffen heimgesucht 

wird. Die Bilder erkunden einen fantastischen 

aber auch mörderischen Ort, 

überwuchert mit wunderlichen Pflanzen, 

bewohnt von Einheimischen und 

von Scheichs regiert. 

Inseln waren nie nur ein »ringsum von 

Wasser (…) umgebenes Stück Land« 

(Der Duden) – vielmehr ist der Begriff mit 

Vorstellungen, Gefühlen und Mythen 

geladen. Wir sehen Eilande durch das 

Prisma der Erzählungen – fiktiv oder 

sachlich – jener Abenteurer und Seefahrer, 

die aufbrachen nach ihnen zu 

suchen, sie zu erobern und zu besiedeln. 

Socotra stellt Fragen über die 

Geschichte von Abenteuer und Erkundung. 

Die Bilder von Claudius Schulze 

handeln nicht nur von der jemenitischen 

Insel Socotra – sondern auch 

von der Kulturtradition, von Mythen 

und Klischees die in unseren Köpfen 

mit der Idee Insel verbunden sind. 

Claudius Schulze zeigt die Bilder von 

der Insel Socotra erstmalig in Ausstellungsform 

in Deutschland. Die Arbeit 

ist auch als Fotobuch mit zahlreichen 

Texten erschienen. Das Buch ist in der 

Galerie erhältlich oder kann über das 

Internet (www.lonely-island.com) bezogen 

werden. 

Claudius Schulze kam nach dem Studium 

der Politik- und Islamwissenschaften 

in Hamburg und Istanbul zur Fotografie. 

Nach einem Master in Dokumentarfotografie 

und Fotojournalismus lebt 

er nun als freier Fotograf in Brüssel und 

Istanbul. 


© Claudius Schulze 



Vernissage: 

27. Januar 2012, 19 Uhr 


aff Galerie 



Sa + So 14 – 17 Uhr 

www.aff-berlin.com

Aleksandra Patova 

Alex Veledzimovich 

Tina Kazakhishvili 

»Ex oriente lux« 

Im März 2012 beginnt die aff Galerie 

eine neue Ausstellungsreihe unter dem 

Namen »Ex oriente lux«. Mit diesen 

im Jahresrhythmus geplanten Ausstellungen 

blicken wir nach Osteuropa 

und werden Arbeiten von interessanten 

und vielversprechenden Fotografen 

dieser Region vorstellen. Den Anfang 

machen drei Fotografen: Aleksandra 

Patova aus Bulgarien, Alex Veledzimovich 

aus Weißrussland und Tina Kazakhishvili 

aus Georgien. Alle drei vereint 

eine sehr persönliche und einfühlsame 

Art Menschen aus ihrem Umfeld zu portraitieren. 

Aleksandra Patova präsentiert ihre Serie 

»Silence«. Über diese und ihre Art zu 

arbeiten sagt sie: »In meinem Leben passiert 

Fotografie einfach, sie entsteht in 

einem Moment, ohne daß ich dabei viel 

darüber nachdenke. Wenn ich in der 

richtigen Stimmung zum fotografieren 

bin, fühle ich mich offen und sensibel, 

so daß die Bilder intuitiv entstehen. Ich 

folge nicht der Vernunft, wenn ich die 

Kamera in die Hand nehme, Logik bleibt 

gewöhnlich außen vor. Deshalb spreche 

ich auch nicht so gern über meine 

Bilder - das Konzept meiner Fotografien 

liegt nicht in meinen Worten, sondern 

in den Augen der Menschen, die 

sie betrachten. Wenn ein Bild jemanden 

anspricht oder berührt, dann möchte ich 

keine Grenzen durch meine Ideen vorgeben. 

Ich ziehe es vor zu schweigen«. 

Alex Veledzimovich ist ein junger Fotograf 

aus der kleinen Stadt Vitebsk in 

Weißrussland. Er machte seine ersten 

Erfahrungen mit der Kamera im Jahr 

2004. Seitdem hat er sich die Fotografie 

zum großen Teil selbst und durch den 

Besuch von Workshops anderer Fotografen 

beigebracht. Inzwischen arbeitet 

er an der Minsk School of Photography 

und die Fotografie nimmt einen 

großen Teil seines Lebens ein. Sie ist 

für ihn eine visuelle Sprache und ein 

© Alex Veledzimovich 

© Tina Kazakhisvili 

Medium, das ihn auf eine andere mentale 

Ebene mitnimmt: »Man macht nicht 

nur Fotos, weil man etwas abbilden 

möchte. Ich will immer etwas persönliches 

in den Menschen entdecken, die 

vor meiner Kamera stehen. Ich versuche 

einen Moment der Stille zu finden, 

in dem ich unsichtbar werde und die 

portraitierte Person allein bleibt mit der 

Kamera und mit jemandem, der ihr aus 

der Dunkelheit hinter dem Objektiv in 

die Augen schaut«. Über seine in der 

Ausstellung gezeigte Serie »Neverland« 

sagt er: »Wenn wir ein Foto machen, 

insbesondere bei Portraits, fangen wir 

einen Augenblick ein, der niemals ohne 

Kamera stattgefunden hätte. In meinen 

Portraits geht es zwar um die Menschen, 

aber es geht in ihnen auch um einen Ort 

und eine Welt, die zu keiner Zeit real 

existiert. Dennoch sind die Fotografien 

vorhanden und sie sind der Beweis, daß 

Neverland existiert. Vor einem Jahr hatte 

ich einmal versucht dokumentarisch zu 

fotografieren, aber es war unmöglich - 

ich habe immer und immer wieder 

meine eigene Welt erschaffen«. 

Tina Kazakhisvili aus Georgien arbeitet 

als freiberufliche Fotografin und als 

Architektin im georgischen Nationalmuseum. 

Außerdem ist sie Fotografin des 

© Aleksandra Patova 

© Tina Kazakhisvili 

Vernissage: 

3. März 2012, 19 Uhr 

4. März bis 25. März 2012 

aff Galerie 



Sa + So 14 – 17 Uhr 

www.aff-berlin.com 


Galerien 

Rustaweli Theaters in Tbilisi. In ihren 

Arbeiten verfolgt sie sowohl Ansätze der 

dokumentarischen als auch der künstlerischen 

Fotografie. In der Ausstellung 

ist sie mit ihrer Serie »Duality« vertreten. 

Über ihrer Art zu fotografieren sagt 

sie: »Die gemeinsame Basis aller meiner 

Bilder sind Menschen, in ihrer Schönheit, 

mit allen ihnen mit auf den Weg 

gegebenen Vorzügen und Nachteilen, 

mit all ihren positiven und negativen 

Charakterzügen. Mehrfachbelichtungen 

sind für mich ein Versuch mich der 

Darstellung der menschlichen Welt in 

ihrem vollen Umfang anzunähern, die 

individuellen emotionalen und physischen 

Gegebenheiten besser auszudrücken«. 

33

Galerien 

Jean-Baptiste Huynh 

»Monochrome« 

Paolo Roversi 

»Nudi« 

Die hochgelobte Doppelausstellung mit 

Photographien von Paolo Roversi und 

Jean-Baptiste Huynh ist noch bis zum 

28. Januar 2012 in der Galerie CAMERA 

WORK zu sehen. Die Ausstellung zeigt 

erstmals neue Aktphotographien aus der 

Serie »Nudi« von Paolo Roversi sowie 

die noch nie zuvor ausgestellte Photoserie 

»Monochrome« von Jean-Baptiste 

Huynh. So sehr sich beide Serien 

in ihren Motiven unterscheiden, so sehr 

verbindet sie das für beide Künstler charakteristische 

Stilmittel des subtilen Einsatzes 

wirkungsvoller Illuminationen. 

© JEAN-BAPTISTE HUYNH, 

MONOCHROME - MASQUE, 2011 

»Monochrome« von Jean-Baptiste 

Huynh Die Photographien der 2010/11 

entstandenen Serie »Monochrome« von 

Jean-Baptiste Huynh zeichnen sich 

durch ihre strenge und kompromisslose 

Reduzierung auf die Farbe Schwarz 

aus. Eine sparsame aber aufwendige 

Beleuchtung unterstützt dieses Charakteristikum, 

wodurch die schwarzen 

Objekte und Porträts in ihren tiefsten 

Nuancen erscheinen. Die von Schwarz 

umfassende Farbsymbolik der sublimen 

Eleganz und Rätselhaftigkeit sowie klagenden 

Subtilität und Undefinierbarkeit 

entfaltet sich eindrucksvoll in den Photographien 

– ein reizvolles Zusammen- 


© PAOLO ROVERSI, KATE, PARIS, 1992 

spiel, das durch die kompositorische 

Klarheit unterstützt wird und so dem 

Rezipienten das Werk und die Besonderheit 

der Farbe Schwarz erfahrbar 

werden lässt. 

Jean-Baptiste Huynh wurde als Sohn 

einer Französin und eines Vietnamesen 

1966 in Frankreich geboren. Sein 

umfangreiches photographisches Werk 

mit Landschaften und Porträts sowie 

Akten und Stillleben erschien bis dato 

in neun aufwendig und hochwertig 

gestalteten Publikationen und wurde in 

zahlreichen Ausstellungen präsentiert, 

u.a. im Moscow House of Photography 

(Moskau) und im European House 

of Photography (Paris). Der Louvre in 

Paris wird Jean-Baptiste Huynh 2012 

eine Ausstellung widmen. 

»Nudi« von Paolo Roversi 

Seit über 25 Jahren zählt die Aktserie 

von Paolo Roversi mit dem Titel »Nudi« 

zu den inspirativsten und ästhetisch 

reizvollsten Aktserien in der zeitgenössischen 

Photographie. Dank einer 

klaren Komposition und eines zarten 

Einsatzes von Licht erscheinen die dargestellten 

Frauen wie grazil gezeichnete 

Körperstudien, die das Bewusstsein 

des Betrachters auf die Form, Silhouette 

und Zierlichkeit des weiblichen Körpers 

lenken. Die Ausstellung zeigt neben 

Photographien von Kate Moss, Tatjana 

Patitz und Guinevere van Seenus auch 

erstmals Akte von Models wie Laetitia 

© JEAN-BAPTISTE HUYNH, CYCLAMÈNES, 

FRANCE, 1999 

Casta sowie jüngst entstandene »Nudi«- 

Photographien männlicher Akte. 

Geboren 1947 in Italien, lebt und arbeitet 

Paolo Roversi seit über 37 Jahren in 

Paris. Seine Photographien sind sowohl 

in diversen Monographien als auch in 

zahlreichen Magazinen wie Harper’s 

Bazaar, Interview, Marie Claire sowie in 

der Vogue und im New York Times Magazine 

veröffentlicht worden. Das photographische 

OEvre von Paolo Roversi 

wird vom wiederkehrenden Stilmerkmal 

einer Aura des Grazilen, Fragilen, 

aber auch Mysteriösen und Unnahbaren 

durchzogen, die auch dank des virtuosen 

Umgangs mit der dem Medium 

wortwörtlich zugeschriebenen Technik 

des »Zeichnens durch Licht« erzeugt 

wird. 

Internet: 

www.camerawork.de 

Facebook: 

www.facebook.com/cameraworkberlin 


Galerie Camera Work 

Kantstraße 149 


Di – Sa 11 – 18 Uhr

Mark Laita 

Nach Huynh und Roversi präsentiert 

CAMERA WORK mit Photographien 

von Mark Laita ein erstes Highlight im 

Ausstellungsjahr 2012. 

Die Ausstellung beginnt am 4. Februar 

2012 und zeigt erstmals in Europa die 

drei neuen Serien »Sea«, »Serpentine« 

und »Amaranthine« mit einzigartigen 

Photographien von den faszinierendsten 

Lebewesen des Meeres, den eindrucksvollsten 

Schlangen sowie den farbenfrohesten 

und anmutigsten Vögeln der Welt. 

Alle drei Serien verbindet die besondere 

Darstellungsweise der Tiere als Stillleben 

sowie die wiederkehrende Formsprache, 

wodurch die Photographien zu einem 

bedeutenden Bestandteil der zeitgenössischen, 

künstlerischen Tierphotographie 

avancieren. 

»Sea« 

Die 2010 nach über zehn Jahren vollendete 

Serie »Sea« zählt schon heute 

zu einer der gefragtesten Photoserien 

im Genre der Naturphotographie. Seien 

es das vertraute Beisammensein eines 

Seepferdchens mit seinem Jungen, der 

intime Moment zweier Fahnenbarsche 

oder die anmutige Imposanz einer pazifischen 

Riesenkrake: Mark Laita gelingt 

es in seinen Photographien, die exotischen 

Lebewesen der Weltmeere als 

künstlerisch-ästhetische Stillleben darzustellen, 

wodurch sich ein reizvolles 

Wechselspiel zwischen Abbild und 

Ästhetik ergibt. Haben bis dato zahlreiche 

Photographen den überwältigenden 

Artenreichtum der Unterwasserwelt als 

Motiv für ihre Photographien entdeckt, 

so bedient sich Mark Laita einer aufwendigen 

Aufnahmeinstallation, um die 

Tiere von ihrem natürlichen Lebensraum 

abzukoppeln und sie so in ihrer besonderen 

Gestalt, Farbenpracht und mit 

ihren charakterlichen Besonderheiten 

abzubilden. 

»Serpentine« 

Mehr als 100 der gefährlichsten 

Schlangen der Welt – von der 

Korallenotter über die Milchschlange 

und Texas-Klapperschlange bis hin zur 

Schwarzen Kobra – hat Mark Laita für 

seine Serie »Serpentine« (lat. serpens: 

Schlange) photographiert. Seit jeher sind 


Galerien 

© MARK LAITA, BEAUTIFUL PIT VIPER, 2010 © MARK LAITA, COLORED SONGBIRDS, 2005 

Menschen nicht nur von der Symbolik 

und Mythologie, sondern auch von 

der bedrohlichen Aura und eleganten 

Grazie von Schlangen fasziniert. Diese 

Dichotomie vereint Mark Laita eindrucksvoll 

in seinen Photographien, in denen 

sich imposant der Farbenreichtum, die 

besondere Oberflächenstruktur sowie 

die in der Natur einzigartige Erhabenheit 

der Schlangen widerspiegeln. CAMERA 

WORK zeigt in der Ausstellung eine 

Auswahl aus der Serie »Serpentine«, mit 

der Mark Laita »das Wesen der Tiere mit 

ihrer Schönheit, Unberechenbarkeit und 

Bedrohlichkeit« zum Ausdruck bringt. 

»Amaranthine« 

Für die Serie »Amaranthine« (griech. 

Amarantos: nicht vergehend) hat Mark 

Laita über 100 der seltensten und 

schönsten Vogelarten der Welt – wie 

die Motive in »Sea« und »Serpentine« – 

in einem puristischen Arrangement vor 

einem schwarzen Hintergrund porträtiert. 

Im Gegensatz zu den anderen beiden 

Serien jedoch sind die Vögel wie der 

majestätische Tiefland-Felsenhahn, die 

türkisen Zuckervögel oder feuerroten 

Kardinäle bei »Amaranthine« nicht mehr 

lebend, sondern wurden für die Ewigkeit 

konserviert in Naturkundemuseen und 

Ornithologiearchiven ausgestellt. Diese 

Illusion wird dem Betrachter erst beim 

Anblick der Zeh-Schilder bewusst, welche 

die Tiere als Präparationen entlarven. 

Mit diesem Wissen wird für 

den Rezipienten das Bewusstsein der 

Ambivalenz zwischen Tod und unvergänglicher 

Schönheit erfahrbar. Bewusst 

mit dem Titel »Amaranthine« versehen, 

ist es die Intention des Photographen, 

diese fortwährende Schönheit und 

Pracht der Vögel, die spektakuläre 

Farbigkeit des Federkleids sowie deren 

Anmut in einer bis dato unvergleichlichen 

Photoserie zu verewigen. 

Mark Laita 

Geboren 1960 in Detroit und aufgewachsen 

in Chicago, studierte Mark Laita u.a. 

an der University of Illinois Photographie. 

Nach Abschluss seines Studiums zog 

Mark Laita 1986 nach Los Angeles, 

um dort als Commercial Photographer 

für Unternehmen wie Mercedes-Benz, 

VISA und adidas Photokampagnen zu 

produzieren. Zudem war Mark Laita 

über zehn Jahre hinweg als Photograph 

für Werbeaufnahmen von Apple verantwortlich. 

Neben seiner hohen 

Reputation in der Werbephotographie 

genießt Mark Laita auch im Bereich 

der Kunstphotographie mit zahlreichen 

Ausstellungen in den USA und Europa 

hohes Ansehen. Seine hochgeachtete 

Serie »Created Equal« wurde 2007 

u.a. bei CAMERA WORK augestellt. Im 

Herbst vergangenen Jahres veröffentlichte 

Mark Laita einen Photoband zur 

Serie »Sea« unter dem gleichnamigen 

Titel, der in den USA zu den elf besten 

Photobänden des Jahres 2011 gekürt 

wurde. Voraussichtlich im zweiten 

Halbjahr 2012 wird das Photobuch zur 

Serie »Serpentine« erscheinen. 


Galerie Camera Work 

Kantstraße 149 


Di – Sa 11 – 18 Uhr 

35

Galerien 

exp12 

»Vendredi Treize« 

Vor genau zwei Jahren öffnete die Produzentengalerie 

exp12 im Berliner Prenzlauer 

Berg ihre Tore. In den charmanten 

Räumen an der Senefelder Straße zeigten 

sowohl exp12-Fotografen als auch 

Gäste wie Marikel Lahana (Paris), Christopher 

Anhalt (Hamburg) oder die Fotokünstlerinnen 

von »La Magnolia« (Rom) 

ihre Werke und stießen auf reges Interesse. 

Ein besonderer Höhepunkt war die 

vielbeachtete Ausstellung »Polaroids« 

im Sommer 2011 mit dem unvergesslichen 

Arno Fischer und seinen Schülern 

Nicole Woischwill und Olle Fischer. Die 

Planung fürs dritte Jahr mit internationalen 

Gästen war bereits abgeschlossen, 

als völlig unerwartet die Kündigung des 

Untermietverhältnisses zum 31. Januar 

2012 ins Haus flatterte. Alsdann hieß 

es umdisponieren. Man wollte die verbleibenden 

Wochen am alten Ort mit 

einer exp12-Gemeinschaftsausstellung 

feiern. 

© Mark de Longueville 

An einen Ort von unfassbar großer 

Weite, auf das Flugfeld des alten Flughafens 

Tempelhof, holt uns Mark de 

Longueville. »Wir gehen dort hin, um 

mitten in der Stadt eben dieser zu entkommen, 

um die Gedanken dort frei 

fliegen zu lassen. Das Feld selbst, derzeit 

sich selbst überlassen, steht sinnbildlich 

für die unermesslichen Entwicklungspotentiale, 

die in uns stecken. 

Alles scheint dort möglich, selbst 

ein 1000 Meter hoher Berg, der Kreuz- 


© Isabel Kiesewetter © Olle Fischer 

berg buchstäblich in den Schatten stellen 

würde, ist denkbar. Gerne erliegen 

wir dieser Magie«. 

An eine märchenhafte Location mit einer 

ebenso wechselvollen Geschichte führt 

uns die Hamburger Fotografin Isabel 

Kiesewetter, die seit dem Sommer 2011 

neu bei exp12 dabei ist. Ihr Bild aus 

der Serie konversion ist in den Beelitzer 

Heilstätten entstanden. Ähnlich verwunschen 

sieht der Spreepark Berlin bei 

Eva Brunner aus. Als beim einst perma- 

© Eva Brunner 

nenten Vergnügungspark der DDR allmählich 

die Besucher ausblieben, folgte 

die Schließung vor zehn Jahren. Seither 

erobert die Natur ihren Raum zurück 

und breitet uns mitten in der Stadt eine 

Märchenlandschaft aus, die von Zerfall 

und neuer Hoffnung erzählt. Ähnlich 

stoisch wie der Plastikelefant im Park 

liegen die Kühe bei Olle Fischer schlafend 

auf der Weide in den Pyrenäen. Sie 

ruhen in der zauberhaften Landschaft, 

als wäre die Zeit stehen geblieben. 

Geheimnisvoll sind auch Nadine Ethners 

»Etruscan Landscapes«. In ihrem 

tieffarbenen Triptychon aufgenommen 

in der Nähe von Tuscania scheinen die 

Mythen der Etrusker, deren Naturverbundenheit 

und Sinnlichkeit noch heute 

in der Landschaft nachzuschwingen. 

»Chimères« von Claire Laude bringt uns 

© Nadine Ethner 

© Claire Laude 

nach Island. Dokumentarisch, neutral 

und distanziert, doch mit einem kontemplativen 

Blick fotografiert umhüllt 

etwas Magisches die einfachen Hütten 

in der menschenleeren Landschaft, die 

dem Wanderer Unterschlupf gewähren. 

Seine letzten 12 Jahre in Island gelebt 

hat Daniel Claus Reuter, Mitglied bei 

exp12 ab Januar 2012. Im Frühling 

2010 reiste er in seine Heimat Luxemburg, 

um die Serie »Faserland« zu fotografieren, 

benannt nach dem Roman 

von Christian Kracht. Mit dieser Rückkehr 

ins Land der Vergangenheit begann 

ein Versuch, den Zusammenhang zwischen 

Erinnerung und Realität, Heimat 

und Familie fotografisch darzustellen.

© Daniel Claus Reuter 

Im besten Sinne auf der Suche nach ihrer 

»Familie« sind die Bilder aus der Reihe 

»Orphans« von Dorothee Deiss. Es sind 

Bilder, die man ungeplant findet, die 

sich in kein »Projekt« einpassen lassen. 

Sie können einen lange Zeit begleiten, 

ungewollt, immer auf der Suche nach 

© Dorothee Deiss 

einer geeigneten »Familie«, in der sie 

endlich einen Platz finden. Mit Familie, 

Fernweh und Sehnsucht setzt sich Anna 

Meschiari in ihren Wolkenbildern auseinander, 

die auf einer Reise mit ihrem 

Vater entstanden sind. Ähnlich sind die 

Themen bei Susanne Schneiders Fotografien. 

Um verblassende Erinnerungen, 

um Bilder, die der Intuition entspringen 

und einen bis in den Traum verfolgen 

© Nicole Woischwill 

© Oona Eberle 

könnten, geht es bei Birgit Krause. Ihr 

Porträt eines Greifvogels steht für Veränderung, 

Umschwung und Aberglaube. 

Den Blick nach innen richtet Oona 

Eberle in ihrer Serie »La Feuille Blanche«, 

gefangen von der Angst vor der 

Leere. Den Weg ins Innere geht auch 

Nicole Woischwill mit ihrer Serie »Jetztzeitmonologe«. 

Es sind Sofortbilderkundungen 

(Polaroids) mit einer Camera 

Obscura, bei der jede Fotografie für sich 

eine kleine Erzählung ist. 

Im Hier und Jetzt angekommen mitten 

in der wechselvollen Geschichte Berlins 

lädt die Galerie exp12 zum letzten 

Mal in die vertrauten Räume ein. Die 

Suche nach neuen Räumlichkeiten ist 

in vollem Gange. exp12 ist bereit zum 

Aufbruch zu neuen Ufern in der sich 

stets verändernden Stadt. 

© Birgit Krause 

Vernissage: 

13. Januar 2012 ab 19 Uhr 

14. Januar bis 29. Januar 2012 

exp12 / exposure twelve 

Senefelder Straße 35 

10437 Berlin-Prenzlauer Berg 

Fr – So 14 – 20 Uhr 

www.exp12.com 


Galerien 

37

Galerien 

Andreas Müller-Pohle 

»flow, flow« 

Fotografie – Video – Sound 

1994–2011 

In der Einzelausstellung »flow, flow« 

zeigt der Berliner Fotograf, Medienkünstler 

und Verleger Andreas Müller- 

Pohle Arbeiten aus unterschiedlichen 

Werkgruppen der Jahre 1994 bis 2011. 

Ihnen gemeinsam ist das Fließende, von 

den frühen Zyklogrammen über seine 

Code-Arbeiten bis hin zu aktuellen 

Wasserprojekten. 

Die Photo Edition Berlin freut sich, ein 

bisher unveröffentlichtes Video Müller- 

Pohles über den japanischen Fotografen 

Nobuyoshi Araki vorstellen und als 

Edition herausbringen zu können. 

Auflage von 99+IX, Einführungspreis 

99 Euro. (Spielzeit 23 Minuten). 

1996 mit einer kleinen Digitalkamera 

aufgenommen, zeigt es Araki bei einem 

Foto-Shooting in einem Love Hotel in 

Shibuya, Tokio. Einen Trailer zu dem 

23-Minuten-Video kann man auf der 

Webseite YouTube sehen. 

http://www.youtube.com/ 

watch?v=GIsrL5H3NDA 


© Andreas Müller-Pohle, »Atomic Laughter«, 2002. Sequenz aus 11 Inkjet-Prints 

President Harry S. Truman on 6 August, 1945, announcing the bombing of Hiroshima: »We have 

spent more than two billion dollars on the greatest scientific gamble in history and we have won«. 

© Andreas Müller-Pohle, »Zyklogramm 5«, 

1994, 80 x 60 cm, (Original in Farbe) 

Andreas Müller-Pohle 

www.muellerpohle.net 

www.riverproject.net 

© Andreas Müller-Pohle, Videostills aus »Araki at Work«, 1996/2011 

© Andreas Müller-Pohle, »Hong Kong Waters«. 

New Territories. Ma Wan, 2009. 

C-Print auf Dibond hinter Acryl. 90 x 130 cm, 

Edition 5+2 AP, (Original in Farbe) 


PHOTO EDITION BERLIN 

Ystaderstraße 14a 

10437 Berlin-Prenzlauer Berg 

Mi 14 – 20 Uhr 

Sa 12 – 18 Uhr

Bäume sterben 

aufrecht. 

Am 5. Dezember 2011 wurde die Asche 

von Gerd Messerschmidt auf dem 

Stahnsdorfer Kirchhof begraben, unter 

einem jungen Ahorn. So kann das 

Gedenken an ihn noch wachsen, wie 

es angemessen ist, wenn ein Lebenswerk 

über die eigene Lebenszeit hinausweist. 

Gerd Messerschmidt 

Sein großes Thema war die Natur, aber 

er hat immer auch Musik gemacht, war 

in seiner Jugend ein erfolgreicher Virtuose 

auf dem Waschbrett, hat zur Gitarre 

Irish Folk gesungen und 1980 die heute 

noch aktive Band »Bluegrass Unlimited« 

mitgegründet. 

Sein starkes Gefühl für den Rhythmus 

spricht auch aus seinen Bildern, hier 

ist es der Rhythmus der Jahreszeiten. 

Immer wieder hat er »seine« Bäume 

besucht, in Franken, in der Uckermark, 

im keimenden Frühling, im strahlenden 

Sommer und im Farbenrausch des 

Herbstes. Auch bei Raureif und tiefem 

Schnee war er unterwegs. Und wenn 

man seine meisterhaften Bildkompositionen 

betrachtet, klingt sie auf, die 

Musik, wie die eines Vivaldi. 

Gerd Messerschmidt hat Kalender und 

viele Postkarten gemacht, die man noch 

© Gerd Messerschmidt 

© Gerd Messerschmidt 

lange in den Drehständern der Museumsshops 

finden wird. Sie heben sich 

ab vom Üblichen. 

1972 stieß er zu den »Kreuzbergern«, 

mischte sie ordentlich auf und übernahm 

schon 1974 den Vorsitz. Etliche 

Fotografen, die heute einen Namen 

haben, sind bei ihm in die Schule gegangen. 

International war er jahrelang ein 

Star. Dann hat ihn die Wettbewerbsfotografie 

nicht mehr interessiert, wie er ja 

sowieso immer »seine« Bilder gemacht 

hat. 

Parallel entstand eine neue Linie bei den 

Kreuzbergern, die der radikalen sozialen 

Dokumentarfotografie ihres Mitglieds 

Fotoszene 

Michael Schmidt folgte. Daraus entstand 

die inzwischen legendäre »Werkstatt für 

Fotografie« der VHS Kreuzberg. 

Das war Gerd Messerschmidts Sache 

nicht. Doch er ist dem DVF und den 

Kreuzbergern treu geblieben, und die 

haben ihn im Jahr 2011 zu ihrem Ehrenmitglied 

gemacht. Er bleibt, unvergessen. 

Klaus Rabien 


39

Galeriebericht 

Für immer jung. 

Jeder engagierte Fotograf, der sein 

Rüstzeug noch im vorigen Jahrhundert 

erworben hat, mag es bedauern, dass 

sein Metier heute in alle Lebensbereiche 

vorgedrungen ist und uns begleitet 

wie die Armbanduhr und das Taschentuch, 

von der digitalen »Verwurstung« 

der Bilder gar nicht zu reden. 

Die gute Nachricht: Dem steht derzeit 

ein starkes Interesse an den Heroen 

des 20. Jahrhunderts gegenüber, die 

uns vor dem Siegeszug des Fernsehens 

und vor allem des Internets ihre Sicht 

auf das Leben und das Antlitz unseres 

Planeten nahe gebracht haben. Nach 

Thomas Hoepker, Robert Lebeck, Barbara 

Klemm, Max Scheler und anderen 

konnten wir nun im Gropiusbau die 

Life-Reportagen des Amerikaners W. 

Eugene Smith erleben, in dramatischem 

Schwarzweiß, vor allem sein »Spanisches 

Dorf« von 1950, Bilder wie aus 

biblischen Zeiten. 

Guardia Civil, Spanien, 1950 

(Silbergelatineabzug 25,1 x 32,1cm), Center für 

Creative Photography, University of Arizona: 

W. Eugene Smith Archive / Gift of the artist, 

© The Heirs of W. Eugene Smith, courtesy Black 

Star, Inc., New York 

Smith hat sich dabei immer sozial engagiert 

und versucht, den Menschen zu 

helfen. So auch mit seiner bewegenden 

Serie »Die Hebamme« von 1951. 

Gescheitert ist er dann an einer sehr 

emotionalen Arbeit über Pittsburgh, der 

er 4 Jahre geopfert hat, ohne sie je zu 

Ende zu bringen. Alkohol und Drogen 

taten ein übriges. Er starb 1978 mit 60 

Jahren. 

Auch Mario Giacomelli (1925 bis 2000) 

hat sich 1957–59 das Landleben vorge- 


nommen, in ebenso strengem Schwarzweiß, 

im Dorf Scanno in den Abruzzen 

(Willy-Brandt-Haus bis 22. Januar). Es 

gelingen ihm bizarre grafische Bilder, 

die gleichwohl Emotionen freisetzen, 

auch fröhliche, wie in der Priesterserie 

von 1961-63, in der die schwarzberockten 

Mönchlein wie aufgescheuchte 

Krähen durch den Schnee tollen. Dem 

steht die erschütternde Reihe »Der Tod 

wird kommen« aus einem Hospiz in 

Senigallia gegenüber. 

Den größten Raum nehmen ganz ungewöhnliche 

Landschaftsstrukturen ein, 

knochenhart vergrößert, Ackerfurchen 

wie brutale Kratzspuren, tiefe Wunden, 

die der Mensch der Erde zugefügt hat. 

Hier könnte Robert Häusser Pate gestanden 

haben. Das Italien unserer Träume 

sieht anders aus. 

Im selben Haus bis 15. Januar ein Meister 

aus Deutschland, der zu seinem 80. 

Geburtstag auch leibhaftig in seine Heimatstadt 

Berlin zurückgekehrt ist: Jürgen 

Schadeberg. Seine Bilder waren hier 

noch nie zu sehen. Sie sind in Berlin, 

London, Paris und vor allem in Südafrika 

entstanden, denn Schadeberg war in den 

fünfziger Jahren Cheffotograf des Magazins 

»Drum«, der ersten Illustrierten für 

Schwarze von Schwarzen, die 1964 verboten 

wurde. Mit der Leica dokumentierte 

er das Leben in den Townships 

und begleitete zudem kritisch die politische 

Entwicklung, den Kampf gegen die 

Apartheid. Über 50 Jahre hat er Nelson 

Mandela porträtiert, vom jungen Freiheitskämpfer 

bis zum ersten schwarzen 

Präsidenten Südafrikas. Seine allerersten 

Fotos hat er 1943 im Berliner Luftschutzkeller 

gemacht. Es gab einen fürs 

Vorderhaus, da bedrückte den 12-jährigen 

die Stille zu sehr. Er hielt sich lieber 

in dem für die Hinterhäusler auf, wo 

man die Angst vor Bombeneinschlägen 

mit Musik und Bier vertrieb. Parallel 

zeigt das Institut Francais bis 15. 

Januar seinen Bericht aus einem 600- 

Seelen-Dorf in der französischen Provinz. 

In Frankreich wollte das niemand 

ausstellen, in Berlin gibt es ein Publikum 

dafür, das hiermit die reizvolle 

Möglichkeit hat, Schadebergs französisches 

mit Smith’ spanischem und Giacomellis 

italienischem Dorf zu vergleichen. 

Wer dann noch Gerhard Weber 

oder Roger Melis im Bücherbord hat, 

kann das deutsche hinzufügen. 

Von der großen Fotoreportage ist es nur 

ein kleiner Schritt zur sympathischen 

Street-Fotografie, die immer schon 

ein humorvoller oder nachdenklicher 

Spiegel unseres Alltags war. Vor allem 

zu Zeiten, als das Recht am eigenen 

Bild noch nicht so überbetont wurde. 

Wie sonst hätten uns Friedrich Seidenstücker 

und Eva Besnyö so herrlich 

spontane Schnappschüsse überliefern 

können, wie sie die Berlinische 

Galerie noch bis Februar zeigt. Die 120 

Vintage- Prints von Eva Besnyö (1910 – 

2003) stammen aus der Sammlung des 

Verborgenen Museums in der Schlüterstraße. 

Sie floh mit zwanzig aus dem 

faschistischen Ungarn nach Berlin, 

kam hier vom Regen in die Traufe und 

ging 1932 nach Amsterdam. Sie stand 

dem Bauhaus nahe und dem »Neuen 

Sehen«, beeinflusst von ihren Landsleuten 

Moholy-Nagy und Munkacsi. Wir 

müssen es den Kuratoren wohl nachsehen, 

wenn sie aus Stolz auf ihre originalen 

Schätze zuviel Material an die 

Wand bringen. Es sind nicht alles Perlen. 

Seidenstückers berühmter »Sprung über 

die Pfütze« ist in 7 Variationen zu sehen. 

Der Wert der Pfütze wird damit – pardon 

– etwas verwässert. 

Ein beliebtes Pflaster für die Street-Fotografen 

war stets New York. Im Photoplatz 

des Hotel Bogotá brachte Joachim 

Rissmann zwei Autoren zusammen. 

Einmal Ronnie Farley mit »Diary 

of a Pedestrian«, ihrem fotografischen 

Tagebuch aus den achtziger und neunziger 

Jahren. Inzwischen ist sie eine 

gestandene Fotografin, sieht aus wie ein 

Westernheld und engagiert sich unter 

anderem für die Indianerreservate in 

den USA. Ihre Bilder haben eine starke 

Ausstrahlung, der man sich kaum entziehen 

kann. Da hat es Bernd Obermann 

nicht leicht, sich neben ihr zu 

behaupten. Seine meist quadratischen 

SWs berichten aus Hell’s Kitchen, einem 

anrüchigen Quartier New Yorks, zu heutiger 

Zeit. Es kommt was rüber von der 

Szene, von sozialer Not und Kriminalität, 

aber auch von der Faszination für 

Künstler und Intellektuelle. 

Seit November beherrscht das Thema 

»Nacht« die Räume des Hotels, bis 

15. Januar. Besonders sehenswert sind 

Amélie Losiers »Berliner Nachtarbeiter«, 

edle SW-Prints, drei davon sehr 

wirksam im Leuchtkasten als Dia.

Die Arbeiten von Michael Ackerman 

und Jerry Berndt sind flüchtiger, weniger 

komponiert, ihr Thema ist eher die 

Einsamkeit und die Sinnlichkeit nächtlicher 

Stunden, während Adam Cohen in 

dezenten Farben dem künstlichen Licht 

in der Stadt nachgeht. Im »Kabinett« des 

Hotels versucht eine Gruppe der Neuen 

Schule für Fotografie unter Leitung von 

Arja Hyytiainen den Geheimnissen der 

Dunkelheit durch Unschärfe beizukommen. 

Das ist immer eine Gratwanderung, 

gern praktiziert in der künstlerischen 

Fotografie, selten überzeugend. 

Ein Händchen dafür hat die Berliner 

Fotografin und Dozentin Ursula Kelm, 

gesehen im Oktober bei »imago«. Ihre 

Bildkompositionen sind sehr privat, sehr 

intim, sie vermittelt Gefühle, die man 

sonst eher literarisch ausdrücken kann. 

Es sind innere Bilder. Wir haben im letzten 

brennpunkt etliche davon abgedruckt, 

auch von den Abschlussarbeiten 

ihrer Klasse aus der imago-Fotoschule, 

die bis Weihnachten dort zu 

sehen waren. 

Bei Tina Bara ging es schon immer 

etwas spektakulärer zu. Sie hat es inzwischen 

zur Professorin an der HGB Leipzig 

gebracht. Ihre harten schwarzweißen 

Akte und Porträts aus der DDR der 

achtziger Jahre erregten auch im Westen 

Aufsehen. Sie erschienen noch vor der 

Wende auch in der Anthologie »DDR 

Frauen fotografieren« aus dem ex pose 

verlag von Hansgert Lambers. Jetzt steht 

man im Haus am Kleistpark vor einer 

Reihe von 10 lebensgroßen Frauen im 

roten Trikot, jede auf einem Sockel, 

Titel »Siegerehrung« (2003). Es sind die 

inzwischen in die Jahre gekommenen 

Schwimmmeisterinnen aus frühen DDR- 

Zeiten, mit dem kryptischen Text: »In der 

Siegerpose transformieren sie die Vergangenheit 

in den Moment der Gegenwart 

des fotografischen Augenblicks«. 

Der weibliche Körper und seine Vermarktung 

ist Tina Baras großes Thema, 

hier auch zusammen mit Alba d’Urbano 

realisiert unter dem Titel »Bellissima«. 

Noch konsequenter ist Gundula Schulze 

Eldowy den Weg von der schwarzweißen 

Reportage zur farbigen Kunstfotografie 

gegangen. Geboren 1954 in 

Erfurt, hat sie noch 1986-88 in volkseigenen 

Betrieben ziemlich brutale 

»Arbeitsporträts« aufgenommen, die in 

dem eben erwähnten Buch zu finden 

© Stefanie Ketzscher, »Doris Ziegler«, 1980 

sind. Nun hängt sie groß und bunt im 

Kunst-Raum des Deutschen Bundestages 

an der Spree, mit 11 riesigen 23 ¾ 

Karat vergoldeten Repros von Ikonengemälden 

aus Byzanz. An ihre schwarzweiße 

Vergangenheit erinnert im anderen 

Raum eine überraschend poetische 

Serie zarter Winterlandschaften. Und 

auf einem Monitor läuft pure Sozialfotografie, 

mit der sie sich in der DDR 

Ärger eingehandelt hat: »Berlin in einer 

Hundenacht«. Das war 2005 bei argus 

fotokunst zu sehen. 

Neben diesen »Events« gibt es die stillen, 

eigentlichen »Sensationen«. Das 

Wort bedeutet ja ursprünglich Sinneswahrnehmung, 

Empfindung, und taugt 

eigentlich nicht für Schlagzeilen. Die 

Kommunale Galerie Wilmersdorf würdigte 

– nach der carpentier galerie in der 

Meinekestraße – einen der beharrlichsten 

Fotokünstler, den Bildpoeten Efraim 

Habermann. Auf den ersten Blick wirken 

seine »Berliner Stillleben« in feinen 

Grautönen sehr formal, aber er ist ein 

Meister der Komposition und der Lichtstimmung. 

Seit 1968 wandert er mit der 

Leica durch die Stadt. Im Museum interessiert 

ihn der Dialog zwischen Kunstwerk 

und Besucherin. Ja, es sind immer 

Frauen, die er beobachtet. Am schönsten 

eine Szene aus der Alten Nationalgalerie, 

vor Adolph Menzels »Flötenkonzert 

in Sanssouci« von 1852. 

Galeriebericht 

Es ist eine Art, Menschen mit Zuwendung 

und Zurückhaltung zu sehen, die 

uns auch Norbert Bunge immer wieder 

präsentiert. Diesmal mit der ersten Einzelausstellung 

von Stefanie Ketzscher, 

geboren 1951 in Leipzig und – natürlich 

– dort an der HGB ausgebildet. Neben 

sehr tristen Straßenszenen aus dem Leipzig 

der 70er Jahre hat sie schöne Akte 

und sensible Porträts gemacht, auch mal 

mit einer Prise Humor. Den Maler Hans- 

Hendrik Grimmling hat sie 1984 beim 

Frühstück in der Badewanne überrascht 

und spielt mit dem Bildtitel auf das Reiseverbot 

der DDR an: »Grimmling, sich 

den Ozean denkend«. 

Und, werter Leser, was erwartet uns 

2012? 

Im November ein neuer »Monat der 

Fotografie«. Aber noch ist das Jahr jung 

und wir können das Gefühl, »für immer 

jung« zu sein, genießen beim Rückblick 

auf »50 Jahre Deutscher Jugend-Fotopreis«, 

bis 5. Februar im Deutschen Historischen 

Museum hinter dem Zeughaus. 

Das ist spannend! Da entdeckt man nämlich 

die Jugendsünden einiger gestandener 

Fotografen und stellt fest, dass sie gar 

nicht gesündigt haben, sondern schon 

mit 18 so konsequent und konzeptionell 

gearbeitet haben wie heute. Auch ihre 

Themenwahl stand meist schon fest. Als 

da sind: Wolfgang Volz, Uwe Ommer, 

Frieder Blickle, Rudi Meisel, Mike Wolff 

und viele andere. Norbert Bunge hat mit 

23, im Jahr 1964, spielende Kinder am 

Stacheldraht der Mauer beobachtet. 

Es fällt auf, dass die jungen Leute seit 

1961 immer frecher, kritischer, selbstbewusster 

werden, auch in der Wahl 

der technischen Mittel, und dass immer 

mehr Frauen unter den Preisträgern sind, 

gerade jetzt im digitalen Zeitalter. 

Vielleicht gibt es also gar nichts zu 

bedauern an der enormen Verbreitung 

des Mediums. 

Klaus Rabien 


41

Fotoszene 

18. Fotoklub Forum 

Berlin 2012 

Am 7. März 2012 wird im Rathaus 

Köpenick das 18. Fotoklub Forum Berlin 

eröffnet. Bis zum 27. April 2012 präsentieren 

dann 19 Fotoklubs eine Auswahl 

aktueller Arbeiten. 

Das vom Landesverband Berlin der GfF 

in Zusammenarbeit mit dem Bezirksamt 

Treptow-Köpenick organisierte Forum 

ist offen für alle Fotogruppen aus Berlin 

und Brandenburg. 

Da jeder Fotoklub selbst seine Kollektion 

zusammenstellt, erhalten die Besucher 

einen abwechslungsreichen Einblick 

in das Schaffen der dort aktiven Fotofreunde, 

und können die unterschiedlichen 

Herangehensweisen, Themen und 

Techniken vergleichen. 

Mehrere Klubs beteiligen sich seit 

vielen Jahren regelmäßig, zum Beispiel 

»Arbeitskreis Freie Lichtbildner 

Berlin«, »Colorclub Berlin-Treptow«, 

»Fotofreunde Zehlendorf«, »Fotoklub 

Eberswalde«, Fotoklub »Fischerinsel«, 

»Fotoclub Lichtenberg«, »Fotoclub 

1092 Berlin«, »fotografie.berlin«, 

»Fotogruppe 98«, Fotogruppe »Natur & 

Kultur (Labsaal)« und »Fotostudio Köpenick«. 

Andere stellen sich zum ersten 

Mal in Köpenick vor, diesmal der Klub 

»Lichtblick« aus Berlin-Lichtenberg und 

die Gruppe »Ortoklick«. Weitere Aussteller 

sind »Fotoclub Potsdam«, »Fototreff 

Bernau«, »Sinnbildfotoclub Brandenburg«, 

»Fotoclub Strausberg« und 

»MannSbilder – Schwuler Foto-Club 

e.V.«. 

Als Gastklub wird der seit 1953 aktive 

und erfolgreiche »Foto Amateur Club 

Mainleus/ Kulmbach« mit einem repräsentativen 

Beitrag vertreten sein. Die 

Kulmbacher errangen seit 1984 achtmal 

den Titel »Deutscher Fotoclubmeister« 

des DVF. 

Insgesamt werden voraussichtlich etwa 

300 Werke von mehr als 150 Fotografen 

vorgestellt. 

Besonders die Eröffnungsveranstaltung 

am 3. März (19 Uhr) sowie der Ausstellungsrundgang 

am 24. März (ab 10 Uhr) 

bieten dann Ausstellern und interessierten 

Besuchern beste Möglichkeiten zur 

Diskussion über die Fotos, zu Kontakt- 


© Marina Schulze, »Autobahndreieck«, 

Fotogruppe ´98, zum Thema: »Brücken«, 2010 

© Angela Dreßler, »Strukturen 1«, Colorclub 

Berlin Treptow, zum Thema: »Strukturen«, 2010, 

(Original in Farbe) 

© Frank Schoepper, »Hinter Großvaters Haus«, 

Fotoclub Straußberg, 2010 

aufnahme und Erfahrungsaustausch 

mit den Bildautoren und anderen Fotofreunden. 

Dazu ermöglichen die besucherfreundlichen 

Öffnungszeiten sicher 

wieder zahlreichen Interessenten, sich 

an den Bildern zu erfreuen und von 

ihnen anregen zu lassen. 

Dr. Hans-Joachim Kühn 

© Alexander Platz, »Flasche«, 

Fotofreunde Zehlendorf, 

zum Thema: »Mineralwasserflaschen«, 2010 

© Eric Jenzcmionka, »Flasche«, (O.i.F.) 

Fotofreunde Zehlendorf, 

zum Thema: »Mineralwasserflaschen«, 2010 

7. März bis 27. April 2012 

Rathaus Köpenick 

Alt-Köpenick 21 

12555 Berlin-Köpenick 

Mo – Fr 9 – 18 Uhr 

Sa, So 10 – 16 Uhr

Berlinische Galerie 


Friedrich Seidenstücker 

»Von Nilpferden und anderen 

Menschen« 


Eva Besnyö 

»Fotografien« 

Alte Jakobstraße 124-128 


M – Mo 10–18 Uhr 

Museum für Fotografie 


Berliner Photographie 1921 



Di–So 10–18 Uhr 

Do 10–22 Uhr 

Willy-Brandt-Haus 


Jürgen Schadeberg 

»Fotografien 1950-2000« 


Mario Giacomelli 

»Orte, Landschaften, Seelenzustände« 

Stresemannstraße 28 



Caritas Galerie 


Oliver Staak 

»Street of Berlin« 

Modefotograie 

Residenzstraße 90 

13409 Berlin-Reinickendorf 

Mo–Do 8–17 Uhr 

Fr 8–16 Uhr 

C/O Berlin 


Ron Galella 

»Paparazzo Extraordinaire« 


Gundula Schulze-Eldowy 

»Die frühen Jahre« 

Fotografien 1977-1990 

Oranienburger Straße 35/36 


täglich 11–20 Uhr 

Galerie en passant 


Matthias Hagemann 

Alexandra Schraepler 

»Berlin – Shanghai« 

Brunnenstraße 169 


Di–Fr 14–18 Uhr 

Sa 12–16 Uhr 

Deutsches 

Historisches Museum 


50 Jahre Jugendfotopreis 

»Für immer jung» 

Julian Röder, Katharina Bosse, Horst A. 

Friedrichs, Friedrich G. Herrman, Dirk 

Reinartz 

Unter den Linden 2 

Hinter dem Zeughaus 


täglich 10–18 Uhr 

carpentier galerie 


David S. Allen 

Berlin-analog« 

Fotografien 

Meinekestraße 13 


Öffnungszeiten nach Vereinbarung 

Helmut Newton 

Stiftung 

bis 20. Mai 2012 

Helmut Newton 

»Polaroids« 




Do 10–22 Uhr 

Ausstellungen 

Gesundheitszentrum 


Johannes Barthelmes 

»LA HABANA VIEJA« 

Eichhornstraße 2 

10785 Berlin-Schöneberg 

am Potsdamer Platz 

Mo–Do 9–19 Uhr 

Fr 9–14 Uhr 

Kommunale Galerie 

Berlin 


Efraim Habermann 

»Berliner Stilleben« 

Hohenzollerndamm 176 

10713 Berlin-Wilmersdorf 


Mi 10–19 Uhr 

So 11–17 Uhr 

imago fotokunst 


Abschlussarbeiten 

Fotoklasse 28 

Leitung: Oliver S. Scholten 

Linienstraße 145 



Sa 14–18 Uhr 

Sa + So 11–18 Uhr 


43

Ausstellungen 

SARAH MOON 

»à propos...« 

Seit den siebziger Jahren gehören die 

ebenso eleganten wie einprägsamen 

Fotografien der in Paris lebenden Künstlerin 

Sarah Moon (*1941, Frankreich) 

zum festen Bestandteil der internationalen 

Modewelt. Kaum jemand wird sich 

dem Zauber ihrer eigensinnigen Arbeiten 

etwa für Dior, Chanel oder Cacharel 

entziehen können. Die Ausstellung 

in der Galerie Persiehl & Heine zeigt, 

nach dreizehn Jahren erstmals wieder 

in Deutschland, einen hochkarätigen 

Querschnitt durch dieses einzigartige 

Oeuvre, dessen unverwechselbar 

intime Bildsprache eine grosse poetische 

Kraft zu entfalten vermag. 

Sarah Moon ist Autodidaktin: Ihr fotografisches 

Handwerk erwarb sie, als sie 

im Anschluss an ihr Kunststudium als 

Mannequin in der Haute Couture tätig 

war. 1968 schliesslich tauschte sie die 

Arbeit vor der Kamera endgültig mit 

jener dahinter und war mit dem unverwechselbaren 

Stil ihrer Fotografien auf 

Anhieb erfolgreich: Noch im selben 

Jahr nahm sie an einer Gruppenausstellung 

zu avantgardistischer Modefotografie 

in der Pariser Galerie Delpire 

teil. Dies sollte der Startschuss für eine 

einzigartige Karriere sein, in dessen Verlauf 

Moons Arbeiten in solch tonangebenden 

Modezeitschriften wie »Marie- 

Claire«, »Elle« und »Vogue« erschienen. 

Heute gehört Sarah Moon zu den 

bekanntesten Modefotografinnen der 

Welt; ihre poetische, oftmals traumartig 

anmutende Bildsprache überträgt 

sich ebenso auf Motive ausserhalb der 

Modewelt sowie, seit den Neunzigern, 

auf ihr filmisches Schaffen. 

Es gibt einen Grenzbereich zwischen 

Wahrheit und Fiktion, der sich in Sarah 

Moons Arbeiten immer wieder manifestiert. 

So poetisch ihre Werke auch anmuten, 

sind sie doch stets einer besonderen 

Realität auf der Spur: dem Augenblick 

in seiner Flüchtigkeit, der Grenzlinie 

zwischen Werden und Vergehen, 

dem Zauber einer einzelnen Sekunde. 

Denn, so Sarah Moon: »Die Fotografie 

ist die Seele aller Momente, die Seele 

des Moments, den man gerade eben zu 


© Sarah Moon, »Sans titre«, 1989 © Sarah Moon, »Moon Eva«, 1997 

© Sarah Moon, »Kassia Pysiak«, 1998 

Ende gehen sah«. Und so lädt sie den 

Betrachter ihrer atmosphärischen Fotografien 

ein, der Magie dieser beseelten 

Momente nachzuspüren. Gleichzeitig 

befreit sie jedes Motiv aus seiner historischen 

Verankerung, löst es mithilfe 

der Kamera quasi von der Gegenwart 

ab. So wirken ihre Fotografen oft wie 

aus einer anderen Zeit, ja, wie visuelle 

Anachronismen, und sind dennoch von 

einer ungeheuren Intimität – ganz so, 

als liessen sie den Betrachter für einen 

kurzen Augenblick durch ein Schlüsselloch 

blicken. 

Das Faible der Künstlerin für Mystifizierung 

zeigt sich anhand der oftmals verschwommen 

Wiedergabe ihrer Motive, 

was ihnen eine entrückte, bisweilen beinahe 

geisterhafte Aura verleiht. Ähnli- 

ches ist in den Farbfotografien zu beobachten: 

Farbe, der Sarah Moon an 

sich skeptisch gegenübersteht, wird 

für sie erst als Mittel zur Verfremdung 

und Übersteigerung interessant. Wo die 

teilweise grelle Optik einer gedämpften, 

dunklen Farbigkeit weicht, nimmt die 

fantastische Stimmung einen melancholischen 

Unterton an. Auch die gelegentlich 

eingestreuten Flecken in den 

Schwarz-weiss-Bildern erwecken den 

Eindruck von nostalgischer Weltabgewandtheit. 

Nicht ohne Grund werden 

Lewis Carrolls »Alice im Wunderland«, 

Samuel Becket oder die grossen Märchenerzähler 

immer wieder als Sarah 

Moons Inspirationsquellen genannt. 

Paulina Szczesniak 

Zur Ausstellung erscheint das Buch 

12345 in einer neuen Auflage. 


Persiehl & Heine 

Galerie für Fotografie 

Bergstraße 11 

20095 Hamburg 

Di – Fr 11 – 18 Uhr 

Sa 11 – 16 Uhr

Fotografenfamilie 

Zemann 

»Retrospektive« 

Die für das Frühjahr 2012 geplante Ausstellung 

in München widmet sich der 

Spurensuche im Nachlass der Fotografen-Familie 

Zemann. 

Lassen sich gemeinsame Bildelemente 

finden, eine Familienähnlichkeit zwischen 

Victor Zemann (1905-1992), 

seiner Frau Hilde (1922-2011) und ihrer 

gemeinsamen Tochter Marion Zemann 

(1944-1972) im Sinne einer gegenseitigen 

Inspiration? Jeder dieser begabten 

Fotokünstler folgt seinem individuellen 

Weg – Victor Zemann arbeitet vor dem 

Krieg und nach seiner Rückkehr aus 

russischer Kriegsgefangenschaft (1948) 

als Industrie- und Werbefotograf in Heidelberg 

im eigenen Foto-Atelier. Hilde 

Zemann wird als Portrait- und Theaterfotografin 

in Heidelberg und München 

bekannt. Marion Zemann entscheidet 

sich, nach ihrem Abschluss an der 

Münchner Bayerischen Staatslehranstalt 

für Photographie, bei Alexander Kluge 

in der Filmabteilung der Ulmer Hochschule 

für Gestaltung weiter zu studieren 

und erhält 1972 den Bundesfilmpreis 

für ihren Kurzfilm »Des Lebens 

Wunderhorn«. 

© Victor Zemann 

Diese Entwicklung zum bewegten Bild 

differenziert das künstlerische Erbe der 

Eltern. Beide, Victor und Hilde Zemann 

benutzen die Dunkelkammer-Technik 

© Hilde Zemann 

© Marion Zemann 

zur Verfremdung oder Vertiefung ihrer 

Bildaussage. So experimentiert Victor 

mit unterschiedlichen Drucktechniken, 

Hilde mit Unschärfen oder Solarisation. 

Marion Zemann setzt diesen spielerischen 

Umgang mit der Übermalung 

von Negativen, mit Spiegelung, Doppelbelichtung 

oder Bewegung fort. 

Mai 2012 

Ausstellungen 

Fotogalerie Karin Schneider-Henn 

Ismaninger Straße 74 

81675 München 

www.fotogalerie-ksh.de 

e-mail: galerie@fotogalerie-ksh.de 

Telefon 0152 5649 3660 


45

Portfolio Jeanno Gaussi 

Jeanno Gaussi 

Jeanno Gaussi begann ihre künstlerische 

Laufbahn im Bereich Film- und Videokunst. 

Ihre Kurzfilme wurden international 

aufgeführt und ausgezeichnet . 

Three Notes (2007) gewann auf dem 

54th International Short Film Festival in 

Oberhausen den ersten Preis im deutschen 

Wettbewerb. Die Arbeit wurde als 

eine von Best 100 German Short films 

gelistet und 2008 für den Preis Bester 

Deutscher Kurzfilm nominiert. 

Seit 2007 arbeitet Gaussi mit den 

Medien Fotografie und raumgreifenden 

Installationen. Viele ihrer Werke 

entstanden während Künstler-Residenzen 

und bei Stipendienaufenthalten in 

Pakistan, Jordanien, Afghanistan, Palästina 

und der USA. 

Gaussi hat vom Triangle Arts Fund, dem 

Defa Film Fund sowie vom Goethe-Institut 

Künstlerförderung erhalten. 

2010 nahm Jeanno Gaussi an der von 

Jack Persekian kuratierten Jerusalem 

Show IV teil. Im gleichen Jahr erhielt die 

Künstlerin von ArteEast die Einladung, 

ihre Arbeit auf dem Sharjah March Meeting 

in den Vereinigten Arabischen Emiraten 

vorzustellen. Gaussi ist seit jüngstem 

Mitglied der Afghan Contemporary 

Art Research Gruppe, die vom Van Abbe 

Museum in Eindhoven gegründet wurde. 

Die Aufgabe dieser Forschungsgruppe 

ist die Dokumentation der zeitgenössischen 

Kunst in Afghanistan. 

Geboren in Kabul, ist die Künstlerin seit 

ihrer Kindheit in Deutschland zu Hause. 

Gegenwärtig lebt und arbeitet Jeanno 

Gaussi in Berlin. In ihrer Arbeit beschäftigt 

sie sich mit Fragen der Selbst-Verortung 

und Identitäten, die sich über den 

Rahmen der nationalen Konnotation 

hinaus bewegen. 

Gruppenausstellungen (Auswahl) 

2011 »The Island«, The MENASA Studio 

Dispatches, Dubai 

2011 »Human Frames«, Substation 

contemporary arts centre, Singapore 

2010 »Time After Time: Actions and 

Interactions«, Southern Exposure, San 

Francisco, USA 


© Jeanno Gaussi, »Kabul´s Nightingale«, Kabul 2008 

2010 »Exhaustion«, The Jerusalem 

Show IV, Jerusalem, Palestine 

2009 Shatana International Artist Show, 

Jordan 

2009 »Take me to the River«, Depo 

Anadolu Kultur Istanbul, Turkey 

2008 Diasporic, Indus Valley Gallery 

Karachi, Pakistan 

2007 »Moving People Migration 

Refugee/Exile/Diaspora«, World Social 

Forum Nairobi 

Residenzen 

2010 Al-Mamal Art Residency Jerusalem, 

Palestine 

2010 HCB Berlin Künstlerresidenz 

Deutschland 

2009 International Artist Workshop 

Shatana, Jordan 

2008 International Diasporic Artists 

Residency Karachi, Pakistan

© Jeanno Gaussi, »Fragment 1«, Kabul 2009 

© Jeanno Gaussi, »Fragment 2«, Kabul 2009 



47


© Jeanno Gaussi, »Erased Memories 5«, Kabul 2008 


48 brennpunkt 1/2012





49


© Jeanno Gaussi, »Moghul Dream«, Karachi 2008 


© Jeanno Gaussi, »Moghul Dream«, Karachi 2008 



51


© Jeanno Gaussi, »Le Déjeuner Sur Le Tapis«, San Francisco, 2011 







53

Portfolio Steve Sabella 

Steve Sabella 

Geboren 1975 in Jerusalem, studierte 

Steve Sabella von 1994 bis 1997 Fotografie 

an der Naggar School in Jerusalem. 

2007 erhielt er seinen Bachelor 

Degree in Visual Arts von der Universität 

New York. Seinen Master in Photographic 

Studies absolvierte Sabella an 

der Universität Westminster in London. 

Im Jahr darauf erhielt er seinen zweiten 

Master in Art Business vom Sothaby’s 

Insititut of Art in London. Sabella lebt 

zur Zeit in Berlin. 

Sabella ist für seine Arbeiten mehrfach 

ausgezeichnet worden – so unter 

anderem auch 2008 mit dem Ellen- 

Auerbach Stipendium der Akademie 

der Künste in Berlin. 

Seine Arbeiten sind international ausgestellt 

worden (siehe Auflistung). 

Zu seinen früheren Arbeiten sagt Steve 

Sabella: 

»Die Schlüsselwörter für das Verständnis 

meiner Kunst sind ‚Desorientierung’ 

und ‚Dislozierung’ – Sammelbegriffe 

für Unordnung, Störung und Verwirrung. 

Ich lebe in einem Zustand des 

ständigen ‚mentalen Exils’, und mir wird 

immer klarer, dass der Zustand der Fragmentierung 

und Entfremdung, den ich 

durchlaufen habe, niemals zu einer 

Ganzheit oder zurück zu einem festen 

‚Ursprung’ führen kann. 

Infolgedessen zeigt das Werk 

‚Geistesverfassungen’. Ich baue mir 

meine eigenen Konstrukte zusammen – 

dadurch wird eine neue Struktur oder 

eine neue ‚unmögliche Realität’ alltäglicher 

Konturen und Formen geschaffen, 

die in meiner unmittelbaren, monotonen 

Umgebung vorhanden sind«. 

Zu Sabellas neueren Arbeiten sagt 

Kuratorin Charlotte Bank »Jetzt, nachdem 

die Erfahrungen mit dem physischen 

Exil zur früheren Empfingung 

eines mentalen Exils hinzugekommen 

ist und es der Künstler eigenen Aussagen 

zufolge geschafft hat, die Bestandteile 

seiner Selbst zusammenzukleben, 

erscheint Steve Sabella befreit, schwebend, 

den neuen Zustand seiner Euphorie 

genießend und zugleich geradezu 

verwundert beobachtend«. 


© Steve Sabella, »Exit«, 2007 

Ausstellungen 

2011 Soloausstellung, »Euphoria & 

Beyond«, Empty Quarter Gallery, 

Dubai. 

Eröffnungsausstellung des Arab 

Museum of Modern Art in Katar, 

2010 Steve Sabella »In Exile«, 

Retrospektive Ausstellung, Metroquadro 

Gallery, Rivoli,Turin 

»The Interrupted Image«, Nicholas 

Robinson Gallery, New York 

»This is Not a Love Song«, The Empty 

Quarter Gallery, Dubai 

Junge Akademie, Akademie der Künste, 

Berlin 

2009 »NOW - Contemporary Art of 

the 21st Century«, Phillips De Pury, 

»Deconstructing Myths & Realties«, 

Gallery Caprice Horn, Berlin 

2009 Palestine, La Création Dans Tous 

Ses Etats, Institut du Monde Arabe & the 

National Museum of Bahrain 

Terry O’Neil Contemporary Photography 

Award, Independent Photographers 

Gallery, London & East Suseex 

2008 »Gates of the Mediterranean«, 

Palazzo Piozzo, Rivoli, Turin 

»Mentalopia«, Collegium Artisticum City 

Gallery, Sarajevo als Teil der Istanbul 

Sammlung für das Ars Aevi Museum 

2007 »Neighbors in Dialogue«, Istanbul, 

Turkei 

2005 »At Home«, Abrons Arts Center, 

New York 

2002 »Eyes from Jerusalem«, Museum 

of Rome in Trastevere, Rome

© Steve Sabella, »in exile«, 2008 



55







57


© Steve Sabella, »Euphoria«, 2010 


© Steve Sabella, »Beyond Euphoria«, 2011 

© Steve Sabella, »Beyond Euphoria«, 2011 



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Fotoszene 

Konterrevolution? 

Manchmal hört man Sachen, die möchte 

man eigentlich nicht glauben. So soll 

zum Beispiel bei einer Festrede zur 

Eröffnung der Norddeutschen Fotomeisterschaft 

in Schleswig ein Redner gefordert 

haben, bei Fotowettbewerben digital 

bearbeitete Bilder separat zu kennzeichnen. 

Irgendwie erinnere ich mich, 

solchen Unsinn schon vor ca. 20 Jahren 

gehört zu haben. Ich habe damals schon 

dagegen argumentiert und seinerzeit 

den Satz geprägt, »wer jetzt nicht auf 

den digitalen Zug aufspringt, bleibt am 

Bahnhof stehen...« 

Na ja, viele der ewig Gestrigen haben 

sich ja dann doch noch schnell in 

den schon rollenden letzten Waggon 

gedrängt - dachte ich eigentlich. 

Nun, ich hätte normalerweise diesem 

Lapsus aus dem Norden unserer Republik 

- da oben Ticken die Uhren ja doch 

ein wenig anders - nicht so viel Bedeutung 

beigemessen. Zumal ich erfahren 

habe, dass der Redner ein Museumsbediensteter 

war. Da entschuldigt man 

schon mal museales Denken... 

Nun kommt aber der nächste 

Hammer! 

Bei dem diesjährigem Wettbewerb der 

Firmenfotogruppen in Berlin, soll den 

Teilnehmern gemäß den Wettbewerbsbedingungen 

digitale Montagen untersagt 

untersagt worden sein?!? 

In diesem Zusammenhang fällt mir eine 

Anekdote aus meiner eigenen Vergangenheit 

ein. Vor ca. zwei Jahren fragte 

mich bei einer meiner Ausstellungen 

eine Besucherin, ob die Bilder »bearbeitet« 

sind. Daraufhin antwortete ich 

ihr, »wissen Sie gnädige Frau, das wäre 

ungefähr so, als ob Sie mich vor zwanzig 

Jahren gefragt hätten, ob der Film 

entwickelt sei«. 

Es handelte sich um eine ältere, sehr 

nette Dame, die ein gutes Bildgefühl 

besaß aber natürlich kein technisches 

Fachwissen. 

Da kann man eine solche Frage schmunzelnd 

hinnehmen und sich freuen, wenn 

man einem interessierten Laien fachlich 

weiter helfen kann. 


© Manfred Kriegelstein, »Magic Shower« 

Dieses Bild ist natürlich digital bearbeitet – wenn auch keine Montage 

Aber, dass Leute, die sich mit Fotografie 

beschäftigen oder auch ohne Beschäftigung 

dazu öffentlich äußern, einen 

solchen Quatsch vertreten, ist schon 

bemerkenswert! 

Es ist schon fast peinlich, dass ich nach 

zwanzig Jahren noch einmal die Argumente 

wiederholen muss, die analoges 

Denken in der digitalen Zeit unsinnig 

machen. 

1. Man kann nur etwas ausschließen 

und reglementieren, was man auch 

kontrollieren kann. 

2. Jede geöffnete RAW-Datei und jeder 

Druck mit Profileinbindung bedeutet 

schon eine digitale Einflussnahme. 

3. Eine gut gemachte Montage ist 

schlicht und einfach mit »Bordmitteln« 

nicht feststellbar. Wahrscheinlich 

würde man, wenn man so etwas 

ausschließen will, vielen Autoren 

Unrecht tun, die nicht montiert 

haben. 

In der Fotografie ist eben nicht »der Weg 

das Ziel« sondern tatsächlich »das Ziel 

das Ziel«, oder weniger philosophisch 

mit unserem Altbundeskanzler - »entscheidend 

ist, was hinten rauskommt«. 

Na okay, drucktechnisch gesehen - was 

vorne rauskommt... 

Also, es kommt eben nur auf das Bild 

an und auf nichts anderes! 

Dennoch denke ich, es wäre übertrieben 

von einem »Analog-Revanchismus« zu 

sprechen. Es sind wahrscheinlich noch 

einige wenige der ewig Gestrigen, die 

zu behindert waren um den »digitalen 

Zug zu besteigen« und die jetzt noch 

ziellos auf dem schon längst verwaisten 

»analogen Bahnhofsgelände« herumirren... 

Manfred Kriegelstein

Aktfotografie. Die große 

Fotoschule 

Martin Zurmühle 

Verlag: Galileo Design 

ISBN: 978-3-8362-1790-3 

379 Seiten, 2. aktualisierte Auflage 

2011, geb. komplett in Farbe 

39,90 Euro 

Aktfotografie gilt ja als einer der schwierigsten 

Bereiche der Fotografie - und ist 

gleichzeitig sehr weit verbreitet. Da 

könnte man unter Umständen zu dem 

Schluss kommen, dass in diesem Genre 

auch viel Unsinn produziert wird... 

Ich denke, dass ein solches Standwerk 

wie die neueste Auflage von Martin Zurmühle 

helfen kann, grobe Fehler zu vermeiden. 

Der Autor führt in seinem Werk durch 

den gesamten Workflow der Aktfotografie. 

Von der Modelauswahl, über 

die Vorbereitung der Aufnahmen, bis 

hin zur adäquaten Bildbearbeitung. 

Mir persönlich gefällt besonders das 

Kapitel in dem der Autor sechs - sowohl 

männliche, als auch weibliche - Aktfotografen 

vorstellt. 

Es wird wieder deutlich, dasss niemals 

das Motiv über das Bild bestimmt, sondern 

immer die Handschrift! 

Also, wer sich mit Aktfotografie beschäftigt, 

kommt an dem Werk nicht vorbei. 


Digitale Pinsel in Photoshop 

Die Referenz: Über 4000 digitale Pinseleffekte 

Susannah Hall 

Verlag: ADDISON-WESLEY 

ISBN: 978-3-8273-3067-3 

416 Seiten, 4-farbig 

34,80 Euro 

Ich vermute mal, dass sich die wenigsten 

Leser dieses Magazins schon intensiv 

mit den Maleffekten von Photoshop 

befasst haben. Aber gerade seit CS5 verschenkt 

man ein unglaubliches Potential 

an Kreativität, wenn man sich nicht 

mit den Pinseleffekten beschäftigt. Nun 

wirken ja Maltechniken auf puristische 

Fotografen erst einmal abschreckend, 

aber Susannah Hall hat ein verständliches 

Einführungskapitel mit absolut 

beeindruckenden Bildbeispielen 

geschrieben, dass auch Anfänger motiviert 

sich an diese Technik heranwagen. 

Ansonsten ist es eher ein Nachschlagewerk 

als ein Lesebuch. Mit über 4000 

nachvollziehbaren Pinseleistellungen, 

die man direkt übernehmen kann, bleibt 

in dieser kein Wunsch offen. 

Für alle, die den Wunsch verspüren 

ihren Bildern mehr malerische Kreativität 

hinzuzufügen, ist dieses Buch eine 

unbedingte Empfehlung. 


Buchbesprechung 

Die Tricks der Photoshop- 

Profis - Volume 2 

Neue Bilderwelten, neue Effekte, neue 

Techniken 

Matthias Schwaighofer, Frank Melech, 

Tom Krieger, Dr. Tilo Gockel, Peter 

Rudolph 

Verlag: Galileo Design 

ISBN: 978-3-8362-1823-8 

DVD - 13 Stunden Gesamtspielzeit 

49,90 Euro 

Die treuen Leser dieses Magazins erinnern 

sich vielleicht, dass ich mich schon 

über die erste DVD dieser Reihe sehr 

positiv geäußert habe. (brennpunkt 

2/2011). 

Neue Leute, neue Sichten - was für die 

Vorgänger galt, kommt in dieser Folge- 

DVD noch mehr zum tragen. Tolle 

Effekte, super Ideen, beeindruckende 

Ästhetik. 

Wenn man der Verlockung widerstehen 

kann, diese Ideen nur einfach 1:1 zu 

kopieren, kann man seinen kreativen 

Horizont um einiges erweitern. 

Es macht einfach Spaß diesen Top- 

Leuten gewissermaßen bei der Arbeit 

zuzuschauen. 

Als Schmankerl oben drauf erhält man 

drei Stunden mehr Spielzeit - und damit 

mehr Information - als bei der ersten 

DVD. 

Nicht unbedingt etwas für Anfänger, 

aber für Photoshop-Freaks eine super 

Empfehlung! 



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Vorschau 2/2012 

brennpunkt 2-2012 

erscheint am 

4. April 2012 

Leserfotos 

© Wolfgang Meinecke, Salzgitter, 

»Mein liebster Platz« 

Portfolio 

Monika Minder 

Monika Minder, 

geboren 1961 in der Schweiz. 

Zur digitalen Fotografie 2008 

gefunden. 

Autodidaktin. 

Beruf: 

Seit 2004 selbständige Webdesignerin. 

Leidenschaften: 

Fotografieren und Schreiben 

(vor allem Gedichte). 

© Monika Minder 


© Wolfgang Meinecke, Salzgitter, »Holstebro Museum« 

© Monika Minder 

© Monika Minder © Monika Minder

ennpunkt 1/2012 

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Galerien

Zwischenzustände und Metamorphosen - Brennpunkt

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